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Nota Editorial Pinceladas, una revista venezolana professional basada en los ámbitos del arte y el diseño, la creatividad gráfica y la comunicación. Nació en Caracas en 2020 y se caracteriza por representar la gran evolución de la historia del mundo y de sus creadores, adaptándose al estilo de la época. La gráfica de la revista comunica visualmente de una forma muy particular que suele llamar la atención de los lectores. Pinceladas se centra en estas áreas, pero no solo en la parte histórica, pues también crea y difunde contenido sobre fotografía, productos audiovisuales, ilustración, mul-
timedia y nuevas tecnologías. En definitiva, Pinceladas es la viva imagen de evolución de la cultura, las técnicas de expresión, el arte y el diseño.
Como su nombre indica, se centra en el diseño gráfico y la imagen, abarcando ámbitos de la comunicación a pinceladas. A pesar de ser una revista muy joven, está considerada una de las revistas latinoamericanas referentes a nivel profesional, con una audiencia de alrededor de 500.000 lectores mensuales. Ofrece contenido de actualidad y nos informan
Editor Daniela Carreño
Créditos
Director General Daniela Carreño Consejero Editorial Jack Pugh Redactores Daniela Carreño Gabriel Mendez Colaboradores Andrea Gonzáles Camilo Guerrero Pedro Pérez Marta Coromoto
Director de Artes Daniela Carreño Juan García Diseño Gráfico y Diagramación Daniela Carreño Valeria Fernandez Ventas y Publicidad Pablo Gómez Rafael Castillo Fotografía Luisa Dominguez Leonardo Billaudot Manuela Alvarez
sobre eventos y conferencias relacionadas con el diseño y la comunicación. Puede encontrarse, por ejemplo en la Librería Medios o la Librería La Sombra. Además la revista impresa se puede adquirir por suscripción en su página web donde también se puede encontrar parte del contenido publicado en la revista impresa.
El contenido de los articulos es responsabilidad de los autores. Se permite la reproducción de la fuente. Todos los articulos son sometidos a arbitraje. Se aceptan colaboraciones de acuerdo a las políticas de la revista. Enviar colaboraciones a: Pinceladas123@gmail.com
Viajemos al pasado
Así se diseña con éxito
Un cartel para un festival de cine
Vamos al museo
6.
Principales técnicas del dibujo artístico
artísticas 12. Corrientes que deberíamos conocer Los mejores
15. diseñadores del mundo
gráficos
9.
Un museo interactivo para redescubrir Las Meninas Comentarios sobre
con Collar 10. Autorretrato de Espinas
Todo en Diseno
A la práctica
4.
Indice
18.
Preguntas que debes hacer a tu cliente antes de ponerte a diseñar
20.
Packaging para chocolate, diseños que dejan un sabor de boca
23.
Cuatro tipografías «serif»
25.
Cómo la creatividad
que rompen esquemas ayuda a comunicar mejor en tiempos de pandemia
27. Ensenar y aprender,
el tema de la nueva revista pinceladas
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A la práctica
No todas las habilidades de las personas son iguales. Hay quienes sienten pasión por el baile, la música, el arte y quienes tienen habilidad para el dibujo. Esta, al desarrollarla puede llegar a convertirse en una fuente laboral Pero para crear buenos dibujos, se necesita una gran cantidad de técnicas artísticas, algunas de ellas son tradicionales y otras un poco más modernas. Seguí leyendo esta nota y conocé cuáles son las más importantes
Principales técnicas del dibujo artístico ¡Para conseguir buenos resultados aplica estas técnicas!
Dibujo a lápiz
Se trata de la técnica más usada y difundida del mundo. Un buen lápiz de dibujo está determinado por la dureza de su grafo, ya que mientras más blando sea, más oscuro e intensa será la obra. Esta técnica se realiza con lápices de grafito o colores, inclinando el utensilio de forma suave sobre la hoja, y aplicando intensidad dependiendo del resultado que se desee.
Dibujo sepia
Se trata de una sustancia marrón colorante que podés obtener de un cefalópodo que comparte el mismo nombre. La técnica es empleada con lápices o barras de este material para dibujar, y es la misma del lápiz y el carboncillo.
Dibujo a sanguina
Este es otro material, pero esta vez rojizo y obtenido de hematites. Podés usarla diluida en agua o en barra y se emplea en retratos de estudio o desnudos artísticos.
Dibujo a tinta
Por lo general se emplea tinta china, que es un material líquido usado en pinceles o plumillas. Con esta técnica podés realizar dibujos lineales con tonalidades y se aplica en papeles de alto gramaje o en cartón.
Dibujo a lápiz de tinta
También conocidos como Rapidograph, es una línea de lápices que pertenecen a la marca Rotring y que son ideales para realizar dibujos sencillos y precisos, con diversas puntas y también tintas recargables.
Dibujo a rotulador
Una técnica bastante parecida a la anterior, empleada con diversos tipos y tamaños de marcadores o rotuladores recargables.
Dibujo en aerógrafo
Se trata de un rociador de aire comprimido con el cual podés realizar pinturas o dibujos de gran detalle. Es especialmente usada en el body paint, donde la pintura corporal es rociada sobre el lienzo humano y por la suavidad de los acabados, suele ser una de las técnicas modernas preferidas.
Dibujo en tablas digitalizadoras
Por último, la tecnología no la podés dejar por fuera. Se trata de un dispositivo con lápiz electrónico que se conecta a ordenadores y es ideal para ilustradores del mundo de los comics, videojuegos y cine.
A la práctica
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A la práctica El especialista en lettering Joan Quirós ha realizado el cartel para la 36 edición del festival Cinema Jove. El estilo y la técnica utilizados son un ejemplo sobre cómo crear carteles para festival de cine de una forma exitosa
Cartel definitivo Cinema Jove 36 La historia del diseño nos ha enseñado que muchas veces el primer boceto de un proyecto termina siendo el definitivo. Los bocetos iniciales de cualquier proyecto tienen algo especial, ya que de alguna forma representan la idea inicial que el diseñador quiere trasmitir y son el reflejo de la parte más esencial de lo que acabará siendo. De esta forma, cuando se mira con retrospectiva, el boceto parece anticipar la realización completa del producto, y es como un aperitivo que esconde el resultado final en potencia. En este caso, Joan Quirós ha hecho honor a su fama y nos ha demostrado una vez más la importancia de los primeros bocetos a lápiz en cualquier cartel.
Bocetos iniciales de Joan Quirós
Han sido muchos los diseñadores reconocidos por el éxito de sus bocetos. Un ejemplo evidente es el del icónico diseñador Massimo Vinelli. Este diseñador italiano tenía una debilidad especial por los bocetos iniciales a lápiz y siempre fue admirado por la facilidad con la que creaba ideas a partir de un sencillo movimiento de lapicero.
Del lápiz al píxel
Pues bien, partiendo de esta idea, Joan Quirós nos ha regalado unos primeros bocetos realizados a lápiz que han sido el esqueleto de lo que al final ha resultado ser un cartel de éxito para la 36 edición del Festival Cinema Jove de Valencia.
Un cartel para un festival de cine
Así se disena con éxito
A la práctica Con la elección de Joan Quirós, la directora del certamen, Ada Díez, aspira a acercar el lenguaje urbano al grafismo del Hollywood de los años 50. «El cartel de este año recoge la expresión joven a través de tags en las calles de las ciudades y lo mezcla con los neones y la carismática cartelería vintage de las carreteras de Estados Unidos», asegura. “Aunque no nos demos cuenta, siempre que escribimos estamos dibujando. Las letras son ilustraciones en sí mismas, así que hemos considerado interesante trasladar este acto tan cotidiano a la cartelería del festival, a fin de convertir esta edición de Cinema Jove en nuestro particular Sunset Boulevard.” Ada Díez, directora de Cinema Jove
En su decisión de apostar por la tipografía como elemento principal del cartel, el festival quiere mostrar la diversidad de propuestas de diseño e ilustración existentes en Valencia, que precisamente se prepara para celebrar su elección como Capital Mundial del Diseño 2022.
Un cartel con historia
El resultado es un cartel inspirado en la rotulación tradicional o sign painting, caracterizada por hacerse a mano. La iconografía de los años cincuenta tiene un gran peso en el trabajo habitual de Quirós, que para esta ocasión ha tenido muy presentes los rótulos que combinan lettering y símbolos geométricos en moteles y cafeterías de carretera en Estados Unidos. Este guiño vintage se liga en el cartel al arte urbano, pues las letras se asemejan a los tags que podemos encontrar en las calles de nuestras ciudades. En la ima-
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gen prima una combinación cromática de blanco, naranja y azul marino, donde la letra resulta para ganar legibilidad. «Cuando trabajo no tengo solo en mente el sentido estético, sino también el práctico. Busco colores impactantes y complementarios que también faciliten la lectura», destaca Quirós. Además, las letras cobran todo el protagonismo en un cartel que propone repeticiones a fin de «crear un juego visual, generar dinamismo y provocar la sensación de animación». Con este recurso, el diseñador valenciano ha querido representar la rotulación de los neones de Broadway. Los carteles de Saul Bass, responsable de la imagen de clásicos de Hitchcock como Vértigo, Con la muerte en los talones y Psicosis, no han inspirado a Quirós de forma directa, «pero sí compositivamente, por la importancia que daba a la tipografía y a la letra». Otro referente han sido los títulos de crédito del cine clásico del género negro. De ahí el uso de papel de estraza para aportar grano al fondo del cartel. «Es un material con mucha partícula, que genera un ruido visual similar al de las películas. La intención ha sido que la textura de lo analógico estuviera presente, como un guiño al granulado o a los pelos que se cuelan en el proyector», afirma Joan Quirós.
Una identidad visual completa
Además de la creación del cartel, Cinema Jove ha presentado para esta edición una identidad visual completa que gira alrededor de la propuesta de Joan Quirós. De esta forma, la aportación del diseñador valenciano se verá re-
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A la práctica
flejada en diferentes objetos de merchandising que serán repartidos entre los asistentes al festival.
Joan Quirós: desde valencia para el mundo
Joan Quirós es un profesional independiente especializado en caligrafía y lettering ubicado en Valencia, ciudad desde la que trabaja para el resto del mundo. Entusiasta de las letras y sus formas, comenzó a mostrar interés por ellas en la adolescencia, pasión que se vio reforzada durante los Estudios Superiores de Diseño Gráfico que cursó en su ciudad. Desde que en 2012 decidió sumergirse de lleno en el mundo de la letra tanto escrita como dibujada, ha ido ampliando sus habilidades y conocimientos de la mano de algunos de los maestros más reconocidos del país, tales como Iván Castro, Keith y Amanda Adams y Oriol Miró. De ahí que muestre un gran respeto por la tradición histórica de la escritura y la rotulación, prestando una especial atención y cuidado al detalle de sus formas, creando un nexo entre el pasado y el presente, aplicando su perspectiva contemporánea a cada uno de sus proyectos. Su formación y conocimientos tanto del diseño gráfico como de la caligrafía y el lettering, le han permitido ayudar a marcas y instituciones internacionales a mejorar la comunicación con sus clientes a través de las letras en el ámbito de la publicidad, el diseño editorial, el packaging y la identidad corporativa, así como con la ejecución de encargos exclusivos y personalizados. Joan Quirós & Cinema Jove
Vamos al museo
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Un museo interactivo para redescubrir Las Meninas Las ocho salas del Velázquez Tech Museo, recientemente abieto en la calle madrileña de Atocha, ofrecen una experiencia única con la que disfrutar de la obra maestra del pintor sevillano mediante una fusión entre tecnología y arte El nuevo museo está dirigido a toda la familia, donde niños y adultos podrán visitar virtualmente la sala Alcázar donde se pintó la obra Las Meninas, recibir un mensaje del propio Velázquez, y conocer los misterios del cuadro de la mano de otros artistas, reinterpretarlo e incluso, gracias a la tecnología, ser los protagonistas. Las Meninas es la obra más universal del artista español, tal y como quedó de manifiesto en el proyecto artístico Meninas Madrid Gallery, que llevó a cabo Acotex y el Ayuntamiento de Madrid en 2018 para dinamizar el comercio de la capital. Esta exposición se convirtió en una de las mayores muestras de arte público de mundo. Su diseñador, Antonio Azzato, se ha hecho cargo ahora del concepto creativo del nuevo Velazquez Tech El Museo, en el que también han colaborado en su creación Fluge Audiovisuales, Clorofila Digital y el grupo musical Guitarcello Ibercaja, patrocinador principal del nuevo, Velázquez Tech El Museo, es el canal oficial de venta de las entradas a este museo, pudiéndose comprar de manera anticipada en su web, su la app y en todos los cajeros automáticos de la Entidad. Con el patrocinio de esta iniciativa, Ibercaja muestra su apoyo a la cultura, en la vuelta a la normalidad después de un difícil año para el sector debido a la pandemia, con una propuesta dirigida a todos los públicos y adaptada a la nueva era tecnológica que une pasado y futuro gracias a Velázquez y su cuadro “Las Meninas”.
FICHA TÉCNICA Título: Las Meninas o La familia de Felipe IV. Autor: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Cronología: 1656. Estilo: Barroco. Técnica: Óleo. Soporte: Lienzo. Dimensiones: 318 x 276 cm. Ubicación: Museo del Prado, Madrid.
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Vamos al museo
Nos encontramos ante uno de los auto retratos más famosos de la artista Frida Khalo, quien se pinta a sí misma de frente para realzar su presencia. La mexicana pintó esta obra durante una época de crisis de su matrimonio, con el muralista mexicano Diego Rivera. La obra de Frida Kahlo destaca por mostrar el dolor y la soledad que la asolaban a causa de sus continuos problemas físicos debido a enfermedades. Sus pinturas se califican de surrealistas por estar impregnadas de simbolismo según el pintor Breton, aunque la artista siempre negó que sus pinturas tuviesen simbolismo, afirmando que pintaba su realidad personal FICHA TÉCNICA Título: Autorretrato con collar de espinas Autor: Frida Khalo Cronología: 1940 Estilo: Simbolismo. Técnica: Óleo sobre lienzo Ubicación: Universidad de Texas, EE.UU.
s a n i p s E e e d r r b o a l s l s o o C i r n a t o c n e o t m o a r C t e r r o t Au
Vamos al museo
S I S LI
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L A M
R O F
Á N
A
Frida Khalo
La pintora se representa a sí misma de frente, se convierte en un punto focal, algo de costumbre en los iconos religiosos. Su mirada se encuentra entre la delgada línea de la angustia y el sufrimiento.
Collar
Este accesorio se asemeja a la corona de espinas de Cristo. Se considera que Frida tomó este objeto para expresar el sufrimiento y la humillación que le ocasionó el divorcio con Diego Rivera.
Mono
Símbolos del diablo y de la lujuria, pero para Frida, el mono doméstico simboliza el amor que no recibió de su marido, así como el hijo que nunca tendría.
Colibrí
Este animal representa la "Suerte en el Amor" en las tradiciones mexicanas. Podemos observar que el colibrí cuelga muerto del collar con las alas extendidas. Con esto se puede intuir que la artista deseaba reflejar la agonía que sufría por Diego, sus penas en el amor y lo desdichada que se sentía.
Gato negro
Frida Khalo decía: «Me retrato a mí misma porque paso mucho tiempo sola y porque soy el motivo que mejor conozco»
Simboliza la mala suerte y el mal presagio en la cultura occidental. El animal aparece en su hombro izquierdo al acecho de su presa, mirando amenazadoramente al colibrí que yace en el pecho de Frida.
Color
Utiliza tonos claros y la textura de cada una de las hojas al fondo realza su gran amor por la cultura mexicana. Las mariposas y libélulas representan símbolos cristianos de resurrección.
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Viajemos al pasado
Impresionismo/Postimpresionismo
Desarrollado principalmente en Francia a finales del siglo XIX, el Impresionismo fue un movimiento artístico en el que un pequeño grupo de pintores, evitaba el énfasis tradicional en temas históricos o mitológicos, pasando a pintar elementos de la realidad, particularmente la naturaleza transitoria de la luz, el color y la textura.
Arts and crafts
Como reacción al incremento de la producción en masa y al declive correspondiente de la artesanía durante la Revolución Industrial, hubo un resurgimiento del interés por las artes decorativas en toda Europa, durante la segunda mitad del siglo XIX, conocido como el movimiento Arts and Crafts.
Art nouveau
Tras la corriente del Arts and Crafts, el Art Nouveau fue un movimiento principalmente ornamental que se desarrolló en Europa y en Estados Unidos. Una característica distintiva de esta corriente es el uso de líneas asimétricas y orgánicas, en lugar de formas sólidas y uniformes, aplicadas en arquitectura, interiores y joyería, así como en carteles e ilustraciones.
Cubismo
A diferencia de los expresivos intentos de capturar las condiciones naturales del Impresionismo y el Postimpresionismo, el Cubismo trataba objetos planos, bidimensionales y distorsionados, sacrificando una perspectiva precisa en favor de la fragmentación surrealista, con el objetivo de representar desde diferentes perspectivas.
Futurismo
Fundado en Italia a principios del siglo XX, el futurismo intentaba capturar el ritmo, la vitalidad y la velocidad de la vida moderna, en obras de arte sumamente expresivas que finalmente glorificaron la guerra, el fascismo y la era de las máquinas. El estilo estético se extendería más tarde por toda Europa, y especialmente en Rusia.
Constructivismo
Influenciado tanto por el Cubismo, como por el Futurismo, el Constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico iniciado en 1920, por el pintor y arquitecto soviético Vladimir Tatlin, coautor del llamado “Manifiesto realista”, junto a los escultores Antoine Pevsner y Naum Gabo.
Bauhaus
Fundada por el arquitecto Walter Gropius, la enormemente influyente escuela de diseño, arquitectura y artes aplicadas de la Bauhaus, existió en Alemania desde 1919 hasta 1933, cuando fue clausurada por el régimen nazi.
Corrientes Artísticas que deberíamos conocer
Viajemos al pasado
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Cuando te dedicas al mundo del diseño y en general, a la creatividad, debes saber que la inspiración llega de cualquier parte, especialmente de corrientes artísticas. Por ello, estas son quinc e corrientes artísticas que debes conocer si trabajas en este sector. Al igual que los 15 nombres que todo diseñador debe conocer, hay ciertos movimientos de arte y diseño con los que los creativos deben estar familiarizados. Ya sean 30 o 150 los años de antigüedad de dichas corrientes artísticas, el impacto de muchas de ellas siguen teniendo influencia en la actualidad, incluso de manera inconsciente
Art deco
Fue un importante movimiento internacional en Europa occidental y los EE.UU. El Art Deco toma muchas referencias del Art Nouveau, así como elementos de la Bauhaus y del Cubismo. Se originó en París, donde la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas de 1925 le dio su nombre.
Surrealismo
Al igual que el Art Deco, el Surrealismo floreció en el conocido como período de entreguerras. Surgió del movimiento Dadá ‘anti art’ a principios del siglo XX, pero en lugar de la sátira, el absurdo, una reacción negativa al horror y la inutilidad de la guerra, que fueron los temas más característicos del dadaísmo, el Surrealismo trajo una expresión creativa mucho más positiva.
Expresionismo abstracto
A partir de la década de 1940, el movimiento del Expresionismo Abstracto impulsó el desarrollo del arte moderno tal como lo conoceríamos durante la década siguiente. Nueva York fue el epicentro y artistas prominentes como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline y Mark Rothko lideraron esta corriente.
Estilo tipográfico internacional
Después de la Segunda Guerra Mundial, los diseñadores gráficos en Suiza y Alemania desarrollaron un movimiento modernista cohesivo y unificado que fue conocido como Diseño suizo, o como estilo tipográfico internacional. Basándose en el enfoque racional de la Bauhaus, este movimiento, todavía aceptado por muchos diseñadores gráficos, se basa en la funcionalidad y la universalidad.
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Viajemos al pasado
Pop art
Fue, principalmente, un fenómeno cultural británico y estadounidense que ganó popularidad a finales de los años 1950 y 1960. El Pop Art fue nombrado así por el crítico de arte Lawrence Alloway por la forma en que elogiaba la cultura popular y elevaba los objetos comunes, a menudo poco destacables, al estado icónico, como latas de sopa, señales de tráfico y/o hamburguesas.
Minimalismo
Se trata de una corriente caracterizada por la simplicidad extrema de la forma y un enfoque muy literal y objetivo. El minimalismo se originó en Nueva York a finales de la década de 1960, impulsado por la insatisfacción con la subjetividad desordenada y espontánea del Expresionismo Abstracto.
Postmodernismo
La posmodernidad fue una reacción en contra la actitud del Modernismo. En lugar del idealismo y la razón, adquirieron fuerza corrientes de pensamiento escépticas, que sospechaban de los principios que la sociedad había asumido y negaban la posibilidad de establecer verdades universales que pudieran describir el mundo que los rodeaba. Los artistas posmodernos defendieron la experiencia y la interpretación individual, frente a la aparente claridad de los principios abstractos. Como resultado, generaron un pensamiento multidimensional y, a menudo, contradictorio.
Memphis
Basándose en muchos de los principios del Posmodernismo, la estética del diseño de Memphis desafió el modernismo neutral, sobrio y funcional que lo precedió. Con sus raíces en el diseño de muebles, el colectivo Memphis Group fue fundado por el diseñador italiano Ettore Sottsass en la década de 1980, pero solo tuvo éxito durante seis años.
Los mejores
Todo en Diseno
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disenadores gráficos del mundo
Storm Thorgerson
Nacido en el Reino Unido, el fallecido diseñador gráfico fue conocido por haber creado las portadas de los álbumes del grupo Pink Floyd, como “The Dark Side of the Moon”. Imaginativo, surrealista y talentoso, el estilo de sus creaciones lo convirtieron en un artista destacado de su tiempo. Además de su trabajo con Pink Floyd, Thorgerson colaboró con Led Zeppelin, Peter Gabriel, Phish, Styx, The Cranberries y Muse, entre otros.
Paul Rand
Un notable profesional que trabajo para gigantes corporativos como IBM, ABC, Enron, Ford o NexT. En todos ellos, Rand hizo valer los principios de las corrientes modernistas europeas en EE.UU, aunando bajo un mismo paraguas el constructivismo ruso, la deconstrucción holandesa de De Stijl y el racionalismo alemán de la Bauhaus. Sus diseños sobrios apuestan por la sencillez, sin por ello menoscabar el papel comunicador del logotipo. En sus propias palabras, “el diseño es simple. Por eso es tan complicado”.
Andreas Preis
Es un ilustrador y diseñador gráfico de Berlín, que ha trabajado para empresas como Adidas, Nike, TNT, Atomic, Bruce Dunlop & Associates, CK one, DC Comics, Digitalarts, ESPN Classic, entre otras firmas. Su estilo se caracteriza por plasmar con
Dedicarse al diseño gráfico requiere de imaginación, experiencia y domino de los muchos recursos de los programas que hacen posible el diseño. Cuando se piensa en el diseño gráfico aplicado a la imagen de una empresa se tienen que tener en cuenta una variedad de elementos como por ejemplo, a quién va dirigido el producto o servicio, el nivel sociocultural, edad, sexo, entre otros. Dentro del diseño gráfico, el logo es –sin dudar- el elemento más importante y, a partir de él, se elaboran otras estrategias relacionadas como la publicidad en sus múltiples facetas, gráfica, multimedia, o en medios de comunicación, pero el logo está presente en todas ellas siendo fundamental a la hora de crear una identidad corporativa. Esto lo han sabido millones de diseñadores en el mundo, sin embargo, no todos lo han podido practicar a la perfección. Entre lo más destacado a nivel mundial, tenemos a: aerosoles y acrílicos retratos de personas y animales, por trazar líneas, abusar de ellas y combinar figuras geométricas con irregulares. “Al final, todo te inspira. La naturaleza, la gente que te rodea, la música, la ciudad, cosas que encuentras en Internet y algunos otros artistas”, dice Andreas en su sitio Web. Y agrega que todas sus piezas son obras de arte porque las dibuja y luego las escanea para trabajar digitalmente en ellas.
Dr. Alderete
Es unas de las leyendas de la ilustración y diseño en América Latina. Su imaginación ha formado parte de la portada de muchos discos de grandes músicos. Nacido en Argentina, su trabajo ha sido publicado en varias antologías especializadas como Illustration Now y Latin American Graphic Design (Taschen); Illusive, Pictoplasma, Los logos series, Latino y Play Loud (Die Gestalten Verlag); Place (Actar), Kustom Graphics (Korero), entre otros. Y su obra ha sido expuesta en distintas galerías del mundo. Ha colaborado como animador independiente para varias televisoras como MTV, Nickelodeon, Canal Fox y Once TV.
Milton Glaser
Uno de los diseñadores más importantes de los Estados Unidos. Fue co-fundador de Pushpin Studios, y creó la reconocida revista New York Magazine junto con Clay Felker. Se asoció con Walter Bernard en WBMG, en donde rediseñó periódicos como The Washington Post, La Vanguardia y O’Globo. Su talento ha sido expuesto en diversas galerías y colecciones permanentes fuera de su país. Una de sus creaciones más emblemáticas es el famoso logotipo: I Love New York (INY). Su obra ha sido catalogada como una profundidad de comprensión y pensamiento conceptual, combinado con una gran riqueza del lenguaje visual, altamente inventiva e individualista.
Alex Trochut
Sus creaciones conocidas internacionalmente han catapultado a este diseñador gráfico catalán a ser toda una referencia en Europa. Entre sus clientes más destacados se encuentra: Nike, The Rolling Stones, Nixon, Brittish Airways, Coca-Cola, The Guardian, Non-Format, Wieden + Kennedy, Saatchi and Saatchi, BBH y Fallon, entre otros. Sus diseños, cargados de una tendencia minimalista, son de trazo elegante, detallado, a tal grado de transmitir indulgencia. La tipografía mezclada con otros elementos es algo que siempre destacará en su trabajo.
David Carson
Arriesgado y siempre polémico, este diseñador es uno de los mejores de todos los tiempos. Sus trabajos más famosos fueron resultado de la dirección artística que él realizó en las revistas Transworld Skate Boarding, Musician, Beach Culture, Surfer, Ray Gun. En 1993, se convirtió en consultor de diseño de grandes firmas como Burton Snowboards, Game Net Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca-Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft.
Stefan Sagmeister
Es de esos genios del arte que se pueden dar el lujo de descansar un tiempo cada siete años. Estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena. Gracias a una beca logró ingresar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a China para trabajar en las firmas Leo Burnett y Tibor Kalman. Finalmente decidió abrir su estudio donde ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori.
Todo en Diseno
Yugo Nakamura
A parte de ser diseñador, también se desempeña como ingeniero y director creativo apasionado para la exploración de diversas formas de interacción en ambientes digitales interconectados. Es apodado como Yugop o el Genio del Flash. Estudió ingeniería, arquitectura y el paisaje del diseño, en Tokio, Japón. Después de graduarse, trabajó como ingeniero especializado en diseño de puentes. Sus trabajos comerciales han recibido numerosos premios internacionales, entre ellos Cannes Lions, One Show, Premio Clio, y NY ADC. Hoy es uno de los principales diseñadores de Japón.
Nigel Holmes
De nacionalidad inglesa, comenzó su carrera a principios de los años 70 como diseñador de revistas y diarios en su Londres natal, pero en 1977 viajó a Nueva York para crear el departamento de gráficos de la revista Time. Desde allí se convirtió en uno de los precursores de la infografía moderna y 16 años después creó su propia empresa, Explanation Graphics. Su estilo, basado en siluetas, líneas negras gruesas y uso muy limitado del color, se fortaleció en la década de los ochenta cuando las primeras computadoras Mac comenzaron a llegar a las redacciones de la revista Time, pues según Holmes, era fácil trasferir sus trabajos en papel a la máquina.
Saul Bass
Su nombre está ligado a algunos de los mejores títulos de crédito de la historia, como sus conocidas composiciones para las películas de Alfred Hitchcock o Martin Scorsese, entre otros. En cierta manera, Saul Bass introdujo el movimiento y el ritmo en el diseño gráfico, pronosticando la importancia actual que tienen los motion graphics dentro de las artes visuales. Por si fuera poco, Bass es el responsable de algunos de los carteles cinematográficos más celebrados del mundo, y de algunas de las identidades corporativas más recordadas de todos los tiempos.
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Todo en Diseno
Preguntas que debes hacer a tu cliente antes de ponerte a disenar
1. El sector y la actividad
Hablar del sector y el negocio que desarrolla tu cliente debería ser tu primer paso. Deberías hacer una investigación previa sobre el sector y la actividad que desarrolla tu cliente para ofrecer una buena imagen.
Puede sonar estúpido, pero como diseñador necesitas que el cliente te confirme estas cosas. El propósito puede cambiar en cualquier momento en cualquier organización, y si eso sucede, tu proyecto puede que requiera un cambio de dirección. Así que antes de empezar a diseñar, necesitas confirmar que lo que te pidió sigue siendo lo que te pide ahora.
Así que en una primera pregunta para obtener información para tu proyecto puedes preguntar sobre el sector, la actividad, los pro3. Las expectativas ductos y los servicios. La informaLas expectativas de tu cliente inción que el cliente ofrece sobre cluye las expectativas sobre ti su negocio es la base de tu procomo diseñador y sobre tu trabayecto: echando solo un vistazo jo. Puedes preguntar lo que está a su web y sus instalaciones ya esperando de este proyecto y puedes hacerte una idea cómo quiere que se materiaUna buena de cómo se presentan ante licen los resultados. Recuerel mundo y en qué entorno da que los objetivos pueden comunicación es se desenvuelven. crucial para poder ser tangibles (aumento de ventas, mejora de la identiofrecer a tu cliente dad o el producto…) o intanSin embargo, no es lo mismo verlo en su web que que te aquello que necesita gibles (posicionamiento, eslo cuente tu cliente. Que va trategia de comunicación). exactamente. a ofrecerte mucha más inTienes que preguntarle a formación. Así que un buen coqué tipo de compromisos profenocimiento de la realidad de tu sionales suele llegar y si tiene alcliente y de sus potenciales comgún tipo de exigencia o normas. petidores es la mejor cuestión para empezar. Al tratar las expectativas deben quedar claros los términos del acuerdo y en qué comprometen 2. La necesidad a ambas partes. De este modo Lo siguiente que tienes que avepuedes saber lo que el cliente riguar es ¿qué necesita tu cliente quiere exactamente de ti y del de este encargo? Un proyecto de proyecto. Además, puede darte diseño gráfico puede suponer el algunas pistas sobre el concepdiseño de un logotipo, imágenes, to del diseño también. Así que otros elementos de branding… intenta que seáis lo más claros pero siempre hay una necesidad posibles en cuanto a expectatiespecífica. Es crucial que sepas vas, metas y preferencias desde la qué espera el cliente obtener del primera conversación. proyecto para entender mejor el valor, la importancia y el impacto de tu trabajo.
4. Los indispensables del proyecto
Llega el momento de preguntarle al cliente que sea concreto. Solo tienes que pedirle una lista de entre 5 y 10 elementos que sí o sí debe tener el proyecto. Una lista rápida de pocos elementos es una forma fácil de conocer lo que es indispensable para tu cliente y lo que tú debes ofrecerle. Cuando preguntas sobre pocos elementos tu cliente está obligado a hacer un ejercicio de concisión y a reconocer exactamente qué es lo que quiere, qué cosas son más importantes para él. Y el diseñador obtiene una lista valiosa para trabajar.
5. Fortalezas y debilidades
Después de las preguntas relacionadas con el proyecto, necesitas centrarte en el negocio. Cuando conozcas la naturaleza del negocio, debes preguntarle a tu cliente que te describa sus fortalezas y sus debilidades. Tu proyecto deberá ensalzar las fortalezas y maquillar las debilidades de tal modo que el resultado final sea beneficioso. Además, tan importante como las fortalezas y debilidades de tu cliente, son las de sus competidores directos. Y nadie mejor que tu cliente para indicarte quiénes son su competencia y qué están haciendo mejor que ellos y dónde están fallando.
6. Su historial en diseño y marketing
Si suponemos que tu cliente ya ha trabajado con otros diseñadores, ya ha realizado otras campañas, ha tomado decisiones de diseño y estrategia de marketing, te vendrá muy bien conocer qué se hizo y qué resultados se obtuvieron en cada caso. Puedes aprender mucho de los errores y aciertos cometidos en el pasado. Y empezar a diseñar desde ahí. También puedes aprender sobre la relación que tu cliente ha tenido en el pasado con otros diseñadores y sus expectativas.
Debemos empezar 19 Todo en Diseno con un briefing, ya que a veces nos enfrentamos a los proyectos sin suficiente información, alejandonos de un desenlace satisfactorio para ambas partes. Así que, vamos a asegurarnos de hacer y recibir las preguntas y respuestas correctas
7. Los clientes de tu cliente
Tu cliente es el que mejor conoce a sus propios clientes. Debes preguntarle qué imagen tienen sus clientes de la empresa y qué cambios quiere que haya a ese respecto, si quiere alguno. Al final, tu trabajo va destinado a los clientes de tu cliente. Así que pregúntale a tu cliente sobre la audiencia final que va a recibir tu mensaje y qué necesitas contarles, cómo tienes que dirigirte a ellos, si tienes que dirigirte a ese público o tienes que enfocarte en conseguir nuevos públicos. Si el mensaje que la empresa está mandando ahora es el que quieren seguir teniendo o si necesita una reorientación.
8. Las adaptaciones de tu diseño
Al final de tu conversación es importante ser concreto. Y especialmente en estos tres puntos que siguen: qué debes entregar, cuándo y cuánto vas a cobrar. Con qué debes entregar nos referimos a las adaptaciones de tu diseño que debes hacer. A lo mejor te encargan un logotipo, o a lo mejor es una campaña para un producto concreto. Sea lo que sea, tienes que tener claro antes de ponerte a diseñar qué variantes de tu diseño deberás crear. Y, si no las vas a crear tú, quién las creará y para qué medios. Vas a hacer un trabajo de investigación y vas a invertir tiempo en crear un diseño, si luego va a caer en otras manos y será modificado quieres saberlo. Eso también te da la oportunidad de negociar si serás tú el que haga las adaptaciones que sean necesarias.
9. Fechas de entrega
Por supuesto, llega el momento de concretar cuándo debe estar el proyecto acabado. O, al menos, cuándo van estar acabadas las próximas fases. Si tu cliente necesita el trabajo en una fecha concreta, debes asegurarte de que podrás entregarlo. Si el trabajo da pie a unas fechas más flexibles, deberás comprometerte igualmente a fechas de entrega. Alargar la elaboración de un proyecto nunca es buena idea; da opciones al cliente a cambiar de opinión y a reorientar su estrategia si sus necesidades cambian durante el proceso; y tú, como diseñador, te desconcentras y acabas perdiendo de vista la necesidad y el objetivo del trabajo. No es lo mismo dedicar una hora al día durante dos meses, que cinco horas al día durante una semana.
10. presupuesto
Sí, es necesario hablar de dinero. De hecho es una pregunta crucial pues decide muchas cosas. Dependiendo del presupuesto de la empresa podrán llevarse a cabo según qué proyectos o acciones. A lo mejor tienes que hablar sobre las tarifas de mercado, sobre tus propias tarifas, sobre las necesidades de este proyecto en concreto, sobre el esfuerzo que supone o sobre el valor de tu experiencia. Además de sobre los términos en que se realizarán las revisiones. El presupuesto es la base sobre la que descansa el resultado. Recuerda que no siempre necesitarás realizar todas estas preguntas. También que quizás las tengas que hacer a lo largo de varias entrevistas. Aquí tienes solo una guía que esperamos que te sea útil y de ayuda para desarrollar una relación productiva con tu cliente y poder dar el máximo de ti en cada proyecto.
Todo en Diseno
Vuelven las serifas, a pesar de que nunca se fueron. En tipografía cuesta hablar de modas, aunque quizá habrá algo de ello en los vaivenes de las tendencias. Las palo seco han copado casi por completo el diseño de identidades visuales, y da la impresión de que a prácticamente nadie se le pasaba por la cabeza usar fuentes con serifa para una marca. Pero siempre estaban ahí, con su carácter humanizador y editorial, dando la réplica como fuente de apoyo a la sans serif principal, aportando clasicismo y serenidad, cualidades que tal vez se encuentren entre los motivos principales de esta especie de abandono. Pero, ¿acaso una tipografía serif no puede ser audaz, desprejuiciada, expresiva y rabiosamente contemporánea? Veamos cinco casos que romperán los esquemas a lxs amantes irreductibles de las palo seco. Porque si algo queda claro en el vigoroso y alborozado presente de la tipografía es que hay sitio de sobra para toda clase de letras.
Selva, de colophon type foundry
Selva está diseñada por Fanny Hamelin, a partir del concepto de las scotch roman, un estilo muy extendido a lo largo del siglo XIX y hasta bien entrado el XX, pero que sigue sirviendo de sustrato formal y conceptual para nuevas exploraciones. Así, Selva se aventura a incorporar detalles angulares y caligráficos que, sobre todo, se materializan en una elegante y expresiva script. Selva se presenta en dos familias, la romana, por un lado, con sus correspondientes redonda y cursiva, y la mencionada script, y ambas las encontramos en cinco pesos, light, regular, medium, bold y black. El atractivo de Selva reside, a mi juicio, más allá de sus cualidades técnicas, en su ambigua personalidad, a la vez clásica y contemporánea, seria y con un punto de desenfado, formal e irónica, compleja y directa.
Salter, de sharp typeLas portadas de los
Las serif suelen asociarse al clasicismo, la tradición y a una personalidad muy seria y serena, necesaria para componer grandes masas de texto, pero estas cinco fuentes nos muestran el lado más sofisticado y expresivo de las serifas
Cuatro tipografías «serif» que rompen esquemas
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libros esconden tesoros a la vista de todos. Más apreciados por los intrépidos buscadores cuanto más alejadas en el tiempo. O quizá no tanto, porque el diseño de cubiertas de libros durante el pasado siglo es un territorio repleto de joyas por redescubrir para quien sabe lo que busca. Es el caso de Lucas Sharp, cofundador y director tipográfico de Sharp Type. Sharp ha llevado a cabo incursiones en viejas ediciones de libros en busca de esas letras especiales que tal vez en su momento no fueron suficientemente apreciadas para dotarlas de una nueva vida en el universo digital. Fruto de esa exploración en Salter, inspirada en los trabajos de los portadistas Oscar Ogg y George Salter. Salter, pues, establece un diálogo entre los estilos de ambos autores, lo que da lugar a una fuente enormemente atractiva visualmente, expresiva y alegre, como una especie de lúdica celebración.
Arizona, de dinamo
Diseñada por Elias Hanzer con la colaboración de Igino Marini y Robert Janes, Arizona es una superfamilia muy bien avenida. Formada por cinco subfamilias, serif, text, mix, flare y sans, y entre ambos extremos del espectro, desde la grotesca humanista hasta la serif más pura, tiene lugar una deliciosa modulación de las formas tipográficas. Arizona Serif, pues, es afilada, de marcado contraste y personalidad serena, equilibrada y profunda. Arizona, sin duda, es un must.
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Lenora, de superior type
Lenora, ya en el nombre, desprende cierto aroma romántico, o puede que modernista, pero sin caer, por suerte, en la languidez. Así pues, se trata de una declaración de amor a las curvas, o un estudio festivo acerca del modo en que las partes de la letra se relacionan entre sí. El resultado es poderoso, de formas que se estiran sin esfuerzo para alcanzar una alegre expresividad y vertiginosos contrastes. Lenora da soporte, además de al alfabeto latino, al griego y al cirílico.
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Todo en Diseno
Packaging para choc que dejan buen sabor Uno de los motivos de la importancia del packaging es su influencia en el momento de la compra. En un mercado saturado por miles de productos, es imprescindible saber destacar entre los demás dentro de un lineal
Por eso una identidad bien definida junto con un diseño único puede ser la mejor combinación para aumentar las ventas tanto como la satisfacción del consumidor. ¡Un buen packaging vale más que mil palabras!
tocantins por zoo studio
Zoo Studio, agencia multidisciplinar con sede en Vic, ha creado el nuevo embalaje de los chocolates Tocantins de Cacao Barry. Este proviene de unas pequeñas plantaciones de cacao en el Amazonas, cuya producción es limitada y reservada exclusivamente a “The World’s 50 Best Restaurants”. El proyecto se basa en packaging ecológico y premium: A primera vista podemos ver un estuche hecho con pasta de papel en el que destaca un relieve con el nombre del producto y el logotipo de la marca francesa. Éste está producido artesanalmente, atado con una cuerda y sellado a mano con lacre. Finalmente, para envolver el envase, podemos encontrar una faja exterior que, además de informar sobre las características del producto, quiere evocar un origen remoto con un stamping dorado que aporta exclusividad y distinción.
Con este packaging, el objetivo de Zoo Studio es, por un lado, comunicar las cualidades que posee el chocolate Tocantins. Por otro lado, presentarse formalmente en la atmósfera que rodea el concurso “World’s 50 Best Restaurants”, el prestigioso concurso organizado por la revista británica Restaurant en el Hotel Ritz de Londres. Las 150 unidades producidas fueron estrictamente reservadas a los invitados del evento, que degustaron un chocolate exclusivo, natural y de alta calidad.
olate, disenos de boca
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El concepto de la campaña se basa en un packaging de edición limitada donde se presentan diferentes escenas. En estos tiempos tan impredecibles y con un claro referente a la pandemia de covid-19, se rinde homenaje a la vida a la que todos esperan volver muy pronto, representando buenos y malos momentos que hacen que Francia sea tan especial. Podemos encontrar siete referentes de la ilustración nacional francesa como Laurène Boglio, Beatrix de Gevigney o Clément Soulmagnon, entre ellos, que han desarrollado escenarios y situaciones típicas de la Ciudad de la Luz.
le chocolat des français por tbwa\paris
“Jugando con la paradoja de los clichés positivos y negativos sobre Francia, la campaña invita con humor a los amantes de nuestro país a quedarse con lo mejor de Francia, y Le Chocolat des Français es una de ellas”
Le Chocolat des Français ofrece una gama de chocolates 100% naturales, orgánicos, con manteca de TBWA\Paris cacao puro y sin aceite de palma o conservantes. Un producto de calidad que ha confiado el diseño de su nuevo embalaje a la sede francesa de TBWA, el gigante estadounidense del diseño y la publicidad. Esta colaboración ha creado un delicioso proyecto cf18 chocolatier gráfico donde se presenta una interesante campapor olssøn barbieri ña de marketing.
CF18 Chocolatier fue fundada por Christian Fredrik 2018. Fredrik solía trabajar como ingeniero civil, pero decidió cambiar de vida y convertirse en chocolatero. Utilizando la historia de fondo, OlssønBarbieri basó su packaging en la materialización y el trabajo de herramientas para crear una experiencia de marca exclusiva y moderna. “Nuestro objetivo era crear una identidad que comunicara precisión, innovación y artesanía.” Estudio Olssøn Barbieri Juntar una ciencia íntimamente ligada a la geología con el arte del chocolate no parece fácil, pero el estudio ha conseguido conectar la narrativa de CF18 y la decoración de los chocolates con piedras y minerales noruegos. Así como las piedras se transforman de líquido a sólido, también lo hace el chocolate en su proceso de creación. Para crear una experiencia aún más única, se han desarrollado a medida todos los elementos del packaging. Se comienza la apertura con corte 360 del
paquete, revelando gradualmente su contenido, y las bandejas que contienen el chocolate están fabricadas con cartón 100% reciclado. Además, un papel acolchado y una lámina holográfica aseguran que el producto permanezca en su lugar durante el transporte. Al personalizar todos los elementos del embalaje, han logrado evitar el plástico que suele ir normalmente en los envases de chocolate. Un diseño extraordinario, recuerda a las exposiciones de minerales en cualquier museo geológico, donde exponen piedras en cajones y separadores.
creatividad ayuda a comunicar mejor en tiempos de pandemia Cómo la
Después de un año de crisis sanitaria mundial, parece que las vacunas podrían acelerar el final de esta «nueva forma de normalidad». Pero no todos quieren vacunarse ¿Pueden los diseñadores, los ilustradores, los publicistas, los creativos en general ayudar en esta situación? ¿Es la hora de proponer una estrategia comunicativa positiva de servicio público? Los Anuncios de Servicio Público (PSA) han existido durante décadas, los primeros ya se mostraron antes de la Segunda Guerra Mundial. El objetivo de un PSA no es hacer una gran venta, sino cambiar la opinión pública y crear conciencia sobre un problema. La estrategia aquí es educar primero y provocar un sentimiento y reacción después de eso. La publicidad de servicio público siempre ha estado asociada con las campañas de seguridad vial, contra hábitos poco saludables (obesidad, tabaco, alcohol) y de responsabilidad sexual La publicidad de servicio público siempre ha estado asociada con las campañas de seguridad vial, contra hábitos poco saludables (obesidad, tabaco, alcohol) y de responsabilidad sexual. La gravedad de esta crisis sanitaria quizás requiera una aproximación similar ante la nueva campaña de vacunación que empieza a desarrollarse, pero esta vez hay que poner el foco en algo positivo: el virus es peligroso, la vacuna, no.
Explicar bien
Los diseñadores son expertos en dar mucha información con pocos elementos. Expertos en jerarquizar datos, expertos en la combinación de letras e imágenes para una máxima efectividad, expertos en teoría del color… Se demostró durante el primer confinamiento, que las personas estábamos sedientas de información. La nueva situación generó un estado de incertidumbre
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y alerta, de ansiedad y miedo; y permanecer informados siempre alivia esos síntomas. Entonces buscamos las infografías y las visualizaciones de datos en los medios de comunicación. El caso de las infografías que realizó Artur Galocha para El País es paradigmático: de temas variados, informaban desde la estructura del virus, hasta la velocidad de contagio o la efectividad de las medidas de protección. Otro ejemplo fue el “Diario Visual de la cuarentena” de Errea Comunicación, publicado en la edición impresa del Diario de Navarra y convertido hoy en libro.
Scrolly telling
Pero el ejemplo que más llama la atención es el del artículo «Un salón, un bar y una clase: así contagia el coronavirus en el aire» de Javier Salas y Mariano Zafra publicado en Materia (la sección de Ciencia de El País). El artículo, publicado originalmente el 28 de octubre de 2020 en castellano en la web de Prisa, lleva ya más de 12 millones de visitas y ha sido traducido a más de 10 idiomas. La popularidad de esta información radica en varios factores: primero, la veracidad de la información, validada por José Luis Jiménez, experto en química y dinámica de partículas en el aire de la Universidad de Colorado; segundo, su capacidad para ser difundido en redes sociales, Facebook y Whatsapp principalmente; y tercero, su estilo narrativo, tanto en el texto como en la infografía y la lectura vertical. Tan informativo ha resultado el texto que los autores, con permiso del medio de comunicación, han tenido que ceder los brutos del scrolly telling (texto, infografía y lectura vertical) para que los responsables de otros medios puedan retocar los textos de los gráficos y publicarlos. Tan informativo ha resultado el texto que los autores, con permiso del medio de comunicación, han tenido que ceder los brutos del scrolly telling para poder ser publicados en otros medios. El scrolly telling es una técnica
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que permite contar una historia al ritmo que desee quien esté leyendo, con animaciones que se desarrollan mientras se recorre la página, e incluso con la posibilidad de volver atrás. Con esta técnica narrativa facilitamos que el lector acabe de ver los contenidos sin necesidad de hacer clic en ningún momento, se controla el ritmo de lectura y te aseguras de que el lector no se salta información relevante. Tanto el The New York Times como el Washington Post han realizado este tipo de narraciones para explicar la expansión del virus.
Las vacunas
Ahora nos enfrentamos a un nuevo reto. Con varias vacunas ya en el mercado, algunas encuestas muestran que hay sectores de la población que no están muy predispuestos a inocularse la vacuna. Y las vacunas requieren que al menos el 90% de la población las tengan para que una enfermedad infecciosa no vuelva a reproducirse rápidamente. Los llamados “antivacunas” son un porcentaje de la población muy pequeño, pero a ellos ahora se suman los negacionistas y los partidarios de las teorías de la conspiración.
Publicitar bien
Además de informar, ¿podrían llevarse a cabo acciones publicitarias más efectivas que otras? Algunos publicistas creen en que el apoyo de las celebridades adecuadas podría ayudar a que el público general se mostrara más receptivo ante el mensaje. Así lo indicaron hace un mes desde el Ministerio de Sanidad inglés. Chris Skelton, director creativo de Thompson Brand Partners, que actualizaron la imagen del NHS en 2017, señaló que “si alguien de tu familia o alguien a quien conoces hace algo y les va bien, es más probable que tú lo hagas después”. En España, esta no es una práctica habitual, en los últimos 15 años sólo en contadas ocasiones el Ministerio de Sanidad ha utilizado a personas famosas para apoyar una causa, la prevención del VIH y el uso de preservativos. Con este fin, en 2007 y en 2011 se utilizó la imagen de celebridades como Jesús Vázquez y Boris
Izaguirre. Skelton también indicó que cualquier campaña de comunicación debería evitar la tentación de “ir demasiado lejos”. Los diseñadores a veces caen en la tentación de comunicar demasiada información demasiado rápido; o información demasiado complicada, o información poco detallada… Para Skelton estamos en un momento de transición; hasta ahora las comunicaciones sobre el Covid han sido de peligro y prevención, ahora con la llegada de la vacuna debemos cambiar la percepción de las personas“ de tener miedo a todo, a confiar en la vacuna”.
En este número 22 de la revista Pinceladas hemos querido reflexionar no ya sobre la formación creativa, sino sobre dos términos mucho más ricos: enseñar y aprender. La reflexión no solo viene de los miembros de la Redacción sino de expertos y profesionales con perfiles muy variados. Por eso empezamos nuestra revista con una excepcionalmente amplia sección de opinión. Pues para aprender hay que escuchar las ideas de los otros
Aprender y ensenar
Opinión y reflexión
Como la de Óscar Guayabero, quien pone el ojo sobre los cambios que han sucedido en nuestra sociedad y los que estamos esperando que se precipiten. En su artículo de opinión pone sobre el tapete la obsolescencia de los planes y modelos educativos para un sistema y un mercado que parecían infinitos pero que se nos han revelado como finitos. Una educación para la transición —dice— tiene que basarse en la empatía y la conciencia medio ambiental. Desde nuestro altavoz no podíamos dejar de recomendar en este número La utilidad de lo inútil, el ensayo del profesor de la Universidad de Catania Nuccio Ordine. Como adelanto os ofrecemos un extracto en el que el autor reivindica el carácter fundamental de las inversiones (el conocimiento) que generan retornos no inmediatos y, sobre todo, no monetizables. Para Ordine el saber constituye un obstáculo contra el delirio de omnipotencia del dinero y el utilitarismo: todo puede comprarse, pero no el conocimiento. En su artículo, Yago Bolívar nos recuerda que la especie humana es social y que requiere comunicación y contacto, que el grupo nos proporciona soporte emocional, y que la proliferación de la formación online nos está robando el papel de la escuela como lugar de crecimiento y de socialización. Bolívar termina diciendo que es necesario reintegrar el rol del grupo en la formación online.
«Ensenar y aprender», el tema de la nueva revista Pinceladas
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Aprender y ensenar
En el número Enseñar y aprender, las dos caras de la formación creativa, también hemos invitado a una filósofa a que nos explique qué implicaciones tiene el pensamiento crítico en el proceso creativo, y cómo enseñarlo o aprenderlo. Para M.ª Ángeles Quesada es una habilidad que debería incluirse en los planes de estudios. En su artículo nos da algunas pautas para ir incorporándolo en nuestra práctica diaria. El catedrático de Educación Albert Sangrà nos habla de los diez retos de la educación y yo destacaría «educar personas para la incertidumbre». Sangrà nos explica que las generaciones actuales están viviendo cambios constantemente y a gran velocidad por lo que es más importante enseñar cómo resolver situaciones nuevas e inciertas, que acumular conocimiento.
Métodos
Hemos querido dar voz a distintas escuelas de diseño con visiones de la enseñanza y metodologías muy diferentes. Sabíamos que las disciplinas creativas tenían una idiosincrasia particular, pero con sus discursos se comprueba que hay tantos modelos de enseñanza como tipos de docentes y alumnos. La galería de este número de Gràffica está dedicada a la formación no creativa, aunque sea la creatividad del director de cine Alan Jacobsen y del de Outlier, Aaron Rasmussen, la que ha convertido sus cursos en un ejemplo de dirección de arte, diseño y producción. Abrimos nuestro segundo bloque de entrevistas con Nuria Liébana, ganadora de un premio Acento G, quien tras graduarse está estudiando un máster y haciendo prácticas en una agencia de publici-
dad. Junto a la visión del estudiante que ella nos da, aparecen las de los profesionales en activo: desde Pepe Gimeno, el último premio nacional de diseño, hasta Jony Ive, pasando por Folch o Martina Flor, profesional y docente.
Grandes figuras
Porque un gran tema merece grandes nombres, en este número hemos contado con la visión de la educación del último premio nacional de diseño Pepe Gimeno que pone el acento en que hay que educar en la reflexión y el concepto. Al igual que Sir Jony Ive, de quien recogemos el discurso que ha ofrecido a los graduados de la California College of Arts y donde nos ayuda a comprender la importancia de la curiosidad en la profesión de diseñador. En nuestra sección de Insights ponemos la lupa sobre esas otras cosas que se deben aprender para enfrentarse al mundo laboral en el entorno creativo: cómo gestionar la frustración y el fracaso; y la importancia de no dejar de formarse o informarse en un sector que está en continua evolución. Enseñar y aprender, las dos caras de la formación creativa, un número imperdible en un momento en el que la forma en que se enseña y se aprende, y las cosas que deben enseñarse y aprenderse están en plena revisión. La portada de esta revista ha sido realizada por el creativo publicitario Manuel Moranta, quien se considera un poeta visual altamente intuitivo que explora formas y funciones, dando lugar a sus dibujofrases. La viñeta final de la revista está firmada por el inconfundible ilustrador Javirroyo.
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