REVISTA SYN: ARTE CONTEMPORÁNEO

Nº1 FEBRERO 2024

ARTE CONTEMPORÁNEO

Diseño y maquetación:

Cristina Iglesias Carstea Redacción:

Cristina Iglesias Carstea

Erika Gómez Cocho Rugilė Vasiliauskaitė Revisión y traducción:

Cristina Iglesias Carstea directorio

Modelo de la portada: Érika de la Rosa Montes Fotografía:

Cristina Iglesias Carstea

carta de la directora

Llevo el arte conmigo en la sangre. Mi padre es un gran dibujante. Y también llevo luchar y defender aquello en lo que creo, cosa que me inculcó mi madre.

La idea de crear una revista de arte no es reciente, hace un año ya diseñé y redacté mi primera revista sobre este mismo tema, sin embargo, con la mejora de mis habilidades debía crear una que de verdad representase lo que yo quería.

Syn es una revista de arte, pero también es una revista para hacer reflexionar. El arte ya no es como lo que conocíamos, es diferente, es tecnológico y, aunque siempre fue así, también es reivindicativo.

Con esto, solo trato de defender aquello en lo que creo, aquello que me gusta y aquello que querría transmitir a los demás. En esta primera edición, desde el impacto del arte en nuestras vidas hasta cómo se puede utilizar la moda y el performance para reivindicar y demostrar hechos.

Cristina Iglesias Carstea

contenidos ¿EL ARTE DA SENTIDO A LA EXISTENCIA HUMANA?

06—09

020— 023

La nueva visión de la moda y el arte de las pasarelas

Una reflexión de Rugilė Vasiliauskaitė

LA MÚSICA URBANA EN EL PANORAMA ESPAÑOL: C TANGANA.

MODA URBANA Y CONTEMPORÁNEA

010—013

PICASSO: EL TERROR DEL ARTE CONTEMPORÁNEO

024— 027

EL COLOR EN EL CINE Y SU IMPORTANCIA

028— 031

Música, audiovisuales y diseño

014—019 C. Tangana para revistaGQ (2021)

MARINA ABRAMOVIĆ Un análisis de Erika Gómez Cocho

Asteroid city, Wes Anderson (2023)

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Antanas Škėma

¿EL ARTE DA SENTIDO A LA EXISTENCIA HUMANA? La visión de la existencia y el arte a través del escritor Antanas Škema La gente siempre estuvo atormentada por el sentimiento de inutilidad. Miles de escritores y filósofos expresaron esto a su manera: desde Nietche hasta Mačernis, todos transmitieron la misma idea. Sin embargo, los humanos también han estado creando desde el principio, pero los grabados en las paredes de las cuevas probablemente no estaban destinados a discusiones sobre lo absurdo de nuestra naturaleza, entonces, ¿el arte realmente le da un sentido a nuestras vidas?

tos de inutilidad y tendencias suicidas son el propósito y la voluntad. Cuando una persona descubre una manera de compartirse con el mundo, se fija metas que no se pueden negar exteriormente. ¿Y qué pasa si parece que ya se ha dicho todo antes? ¿Qué más da si nadie entiende el arte que hiciste? La mayoría de las obras de arte famosas no fueron reconocidas en su época, ¿tal vez esa sea la razón por la que tantos artistas visitaron hospitales psiquiátricos o decidieron suicidarse? Hacer arte crea un punto de enfoque que ayuda a la persona a “mantenerse a flote”. Cuando se enfrentan a una situación difícil, es una meta por la que pueden seguir todos los días.

Crear te da una meta por la cual vale la pena vivir. Los enemigos de los sentimien-

Estos temas fueron tratados por el escritor, dramaturgo, actor de teatro y director

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lituano del siglo XX, Antanas Škėma, en su novela “El sudario blanco” (Balta drobulė).

El personaje principal de la novela, Antanas Garšva, se había enfrentado a muchos sentimientos de lo absurdo y tendencias suicidas. Al igual que el autor Škėma, Garšva es un inmigrante lituano en Estados Unidos, por lo que no se siente del todo cómodo y bienvenido, especialmente en su lugar de trabajo, donde lo despojan de su identidad con el uniforme y las conversaciones superficiales con los clientes. Sin embargo, él, al igual que Škėma, encuentra un propósito en el arte: “Tengo miedo de morir, por eso bebo. Tengo miedo de morir, por eso escribo. Tengo miedo de morir, por eso tomo pastillas. Todo es en nombre de la muerte”.

La escritura se vuelve como un medicamento para evitar la muerte, como cualquier cosa que nos trae alegría.

En la sociedad actual, tenemos la creencia formada de que el arte tiene que ser bonito, relajante y aplicarse a todos los sentidos estéticos. Sin embargo, el arte sólo tiene que “consolar a los perturbados y perturbar a los cómodos”. La tortura es hermosa: “El sufrimiento, ¡qué encantador! ¿No es grotesco? Van Gogh se pegó un tiro en el campo y ¡qué hermosas son sus flores de cerezo! Poe murió demacrado y ¡qué hermoso croa el cuervo! Čiurlionis salió corriendo del asilo a través de la nieve y ¡qué encanto musical tienen sus sonetos primaverales!”

Así que no importa cuánto sufrimiento experimentemos, tenemos que convertirlo en arte, entonces podremos convencernos de que tuvo

Flores de cerezo, Vincent Van Gogh (1853 - 1890) Van Gogh Museum.

un propósito, que no fue en vano, tal vez incluso recibir un premio cien años después de nuestra muerte.

Los artistas perciben el mundo de manera diferente que una persona corriente.

Una vez que comienzas a crear, comienzas a notar pequeños detalles que nunca antes parecieron importantes o llamaron tu atención.

Empiezas a romantizar todo lo que te rodea, incluso los atributos más brutales. Al escuchar música o leer una novela podemos notar los detalles curiosamente específicos que se mencionan,

los olores, las sensaciones, la forma en que cae la luz o los nudillos magullados de un extraño. El novelista, cuentista y traductor japonés Haruki Murakami es conocido por amar los detalles; incluso le dijeron que sus personajes están “obsesionados con los pequeños detalles”. Es casi fetichista. Los clips y el hilo dental se convierten para ellos en objetos sagrados”.

(Artículo de la revista Bomb sobre Murakami) y a eso respondió que: “Sólo pequeños detalles los conectan con la realidad. Necesitan esas cosas. Sin ellos, se irían

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volando”. Los detalles son la correa que une el arte a la realidad, pero al mismo tiempo ayudan al espectador a sumergirse por completo en la sensación onírica del arte.

Ver el mundo en detalle es cómo desbloquear una forma de vida separada, una forma de no ser atormentado por lo mundano, ya que puedes encontrar una alegría increíble en elementos grotescos o rutinarios.

Representar estados oníricos también era una especialidad del novelista y cuentista judío bohemio de habla alemana Franz Kafka, que destaca especialmente en su novela corta “Metamorfosis”.

La historia de un joven que un día se despierta convertido en un insecto suena como un sueño en sí mismo, pero el escritor no se queda ahí.

Continúa describiendo la situación con extremo detalle, incluidos los actos feroces de los propios familiares del personaje: “Estas pequeñas manzanas rojas rodaban por el suelo, chocando entre sí como si tuvieran motores eléctricos. Una manzana lanzada sin mucha fuerza golpeó la espalda de Gregor y se deslizó sin causar daño.

Sin embargo, otro, inmediatamente después, lo golpeó de lleno y se alojó en su espalda; Gregorio quiso arrastrarse, como si pudiera eliminar el sorprendente, el increíble dolor cambiando de posición; pero se sintió como clavado en el lugar y se desparramó, con todos los sentidos en confusión”. Ahora es obvio que el escritor (con suerte) nunca se ha despertado como un insecto, pero es la observación del ojo artístico lo que le permite crear su propia realidad.

La atención al detalle le permite verse y comprenderse a sí mismo y a los extraños de adentro hacia afuera, lo que a su vez hace la vida mucho más emocionante. Y la emoción es lo que nos mantiene vivos.

La existencia es esencialmente inútil, sin embargo, depende de nosotros encontrar partes de ella que nos den significado y nos dejen con ganas de más. “Somos infelices solos y somos infelices en una comunidad” Pero, ¿tal vez somos felices creando?

Rugilė Vasiliauskaitė

“Van Gogh se pegó un tiro en el campo y, ¡qué hermosas son sus flores de cerezo!”

Antanas Škema

“The Unfortunate Mr. Samsa” por Rich Johnson (2014?)

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LA MÚSICA URBANA EN EL PANORAMA ESPAÑOL:

C Tangana para “Cosmopolitan” 2021

Antón Álvarez Alfaro, más conocido como C. Tangana, se erige como uno de los más destacados artistas de España en el presente panorama musical. Tangana fusiona lo contemporáneo con lo tradicional, lo nuevo con lo antiguo. Su distinción respecto a otros músicos radica principalmente en su sobresaliente creatividad y habilidad para innovar a partir de lo preexistente.

Un claro ejemplo de ello lo encontramos en su último álbum, “El Madrileño”, así como en su contribución al éxito de Rosalía con “El Mal Querer”, donde colaboró en la mayoría de las canciones.

Es en esta habilidad para reinventar lo existente donde Tangana se erige como un pionero, trascendiendo los

límites de lo convencional explorando nuevos horizontes musicales.

En su último álbum, “El Madrileño”, Tangana demuestra su genio creativo al fusionar una amplia gama de géneros, estilos, letras e idiomas, dando vida a una obra maestra que trasciende las fronteras musicales. Esta ecléctica mezcla de elementos musicales provenientes de diversas culturas, combinada con corrientes contemporáneas como el reggaetón, el trap y el hip-hop, da lugar a un nuevo sonido, una suerte de música urbana reinventada que lleva la firma inconfundible de Tangana.

El álbum no solo destaca por su innovación musical, sino también por su poder evocativo y su capacidad para transportar al oyente a través

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C TANGANA

de paisajes sonoros que van desde las calles de Madrid hasta los rincones más recónditos del mundo. Tangana logra este efecto gracias a su profundo conocimiento y respeto por los géneros tradicionales, como el flamenco español y la bossa nova brasileña, que fusiona magistralmente con elementos contemporáneos, creando así una experiencia auditiva única y enriquecedora.

Pero la magia de Tangana no se limita únicamente al ámbito musical. En el aspecto audiovisual, su colaboración con “Little Spain” ha dado lugar a obras de arte que van más allá de lo convencional, combinando elementos nostálgicos con una estética moderna y vanguardista.

Cada detalle, desde la dirección de arte hasta la fotografía y la edición, está cuida-

dosamente diseñado para complementar y potenciar la experiencia musical, creando así un universo visual que captura la esencia misma de la música de Tangana.

Por último, pero no menos importante, el diseño del álbum y de la campaña promocional es un claro reflejo del compromiso de Tangana con la excelencia estética. Desde la tipografía experimental utilizada en la portada del disco hasta los carteles del tour que evocan la estética de “La ruta del bakalao”, cada elemento visual está imbuido de una cuidadosa atención al detalle y un profundo sentido estético. Este enfoque meticuloso en el diseño no solo refuerza la identidad visual de Tangana como artista, sino que también demuestra

su compromiso con la calidad y la originalidad en todos los aspectos de su obra.

Además de su brillante ejecución musical y su impactante estética visual, C. Tangana se distingue por su capacidad para capturar la esencia de la sociedad contemporánea en sus letras.

Sus composiciones exploran temas universales como el amor, la identidad, la lucha social y la vida en la ciudad, ofreciendo una mirada cruda y honesta sobre la realidad que lo rodea. A través de sus letras, Tangana establece un diálogo con su audiencia, invitándola a reflexionar sobre cuestiones profundas y a conectar con sus propias experiencias.

Además, la versatilidad de C. Tangana se refleja en su capacidad para colaborar

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C. Tangana, por Javier Ruiz

El Madrileño (La Sobremesa) - C. Tangana

Sin cantar ni afinar tour

Por otro lado, el compromiso de C. Tangana con causas sociales y políticas también ha sido un aspecto destacado de su carrera. A través de sus canciones, entrevistas y redes sociales, Tangana ha abordado temas como la desigualdad, la discriminación y la injusticia, utilizando

su plataforma para promover el cambio y la conciencia social. Su voz se ha convertido en un faro de esperanza para aquellos que luchan por un mundo más justo y equitativo.

En resumen, C. Tangana no solo es un músico excepcional, sino también un artista completo cuya influencia se extiende mucho más allá de la música. Su creatividad, originalidad y compromiso con la excelencia en todas sus formas hacen de él no solo uno de los mejores artistas de España, sino también un verdadero icono cultural en el escenario mundial.

Portada de “El Madrileño”

con una amplia gama de artistas, tanto nacionales como internacionales, en proyectos que van desde canciones individuales hasta álbumes completos. Su habilidad para adaptarse a diferentes estilos y géneros musicales le ha permitido trascender fronteras y conquistar nuevos públicos en todo el mundo, consolidándose como un referente global en la escena musical contemporánea.

“Tangana se erige como un pionero, trascendiendo los límites de lo convencional explorando nuevos horizontes musicales.”

Ateo - C. Tangana (Video Oficial)

Nominao - C. Tangana (Video Oficial)

Ingobernable - C. Tangana (Video Odicial)

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MARINA ABRAMOVIĆ

Marina Abramovic, Rest Energy (1980) Performance

La percepción del individuo frente a la sociedad.

Marina Abramovic es una artista serbia dedicada al arte del performance por más de cuatro décadas, siendo una de las pioneras en los años setenta. Su forma de trabajo para mostrar el dolor, el tiempo, la percepción del individuo frente a la sociedad… es delicada y fría a la vez, afilada y fascinante como el cuchillo de un ritual.

En cada uno de sus trabajos nos muestra distintas percepciones sobre diferentes situaciones y vivencias.

70s. Rhythm 0 (1974, Rhythm serie) En una mesa se dejan 72 utensilios con diversas finalidades mientras que Marina permanece inmovil durante 6 horas. Con el mensaje “En la mesa hay 72 utensilios que pueden usarse sobre mí como se quiera. Yo soy el objeto” surge una de las obras más perturbadoras y explosivas de Marina. Durante las seis horas que duró la obra se puede ver como de una cordialidad y timidez que se observa en las tres primeras horas se pasa a una violencia y crueldad que nos daría una gran lección sobre el poder y la maldad humana. “Lo que aprendí fue que, si dejas que el público decida, te pueden matar. Me sentí verdaderamente atacada: me cortaron la ropa, me clavaron las espinas de las rosas en el estómago, una persona me apuntó a la cabeza con la pistola y otra se la quitó”, explicó Abramović.

“Después de exactamente seis horas, según el plan, empecé a moverme, porque estaba ahí como una marioneta para ellos. Y en ese momento, todos escaparon, evitando un enfrentamiento Marina Abramovic, Rhythm 0, (1974)

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real”. Es realmente terrorífico y abrumador ser consciente de cómo el poder tiene para el ser humano más peso que la propia conciencia. De poco sirve confiar si sabes que si tuviesen una pistola en la mano te apuntarían con ella sin dudarlo. Es aterrador, además, ver que tras darle la libertad a alguien de hacer lo que quiera, una de las cosas que decida hacer, quizá por naturaleza. o por la lo corrompido que está el ser humano, sea hacer daño o incluso plantearse matar a una persona.

80s. Rest energy (1980) En esta performance, Marina y Ulay se encuentran sujetando un arco, Marina por la parte de madera y Ulay por la cuerda y la flecha. A la vez que sostienen este objeto

Marina Abramović. “Nude with Skeleton”

cada uno va inclinando su cuerpo hacia atrás. De esta manera, la flecha queda lista para ser lanzada, en este caso apuntando directamente al pecho de Marina. Con esta performance se muestra un ejercicio de confianza mutua que refleja la vulnerabilidad extrema entre cuerpos y personas. Es así como se manifiesta la tensión entre la distancia y la proximidad que toda relación humana necesita y busca. Entre los espectadores, los sentimientos que resuenan en esta obra son la tensión, la fascinación y el horror.

90s. Dragon Head (1990) “Cuando le preguntamos a las mujeres qué aspecto tenía, para ellas, la ira femenina, era siempre Medusa, el monstruo con cabellos de

serpiente del mito, lo que les venía a la mente…” Mary Valentis y Anne Devane, Female Rage. Con serpientes en la cabeza, Marina nos muestra una imagen semejante a lo que Medusa sería en la vida real. En estas performances, Abramovic dejaba que un grupo de serpientes se movieran libres encima de ella siguiendo su calor corporal.

Para poder trabajar con las serpientes no sólo debió entrenar con la compañía de un experto en estos animales, sino que se vio obligada a perfeccionar el grado de control que ejerce ella misma sobre su cuerpo y su ser entero: dominar tanto los miedos como su respiración y su pulso ya que lo primero podría agitar a los reptiles y lo segundo sería capaz de despertar su instinto de caza: el pulso acelerado le

17 La artista está presente - Marina Abramović

indica a la serpiente que el animal en torno al que está enroscada sigue vivo.

En esta pieza se puede observar cómo el cuerpo desnudo de la artista, tendido sobre el suelo, sostiene apoyado sobre ella un esqueleto. La respiración de Marina Abramovic anima al esqueleto, con lo que, de alguna manera, la vida y la muerte son simultáneamente visibles. Abramovic quiere representar de manera metafórica lo que asegura que es siempre el último espejo en el que se refleja el humano: el esqueleto. Dándonos otra lección sobre la vida y la muerte, Marina nos hace reflexionar sobre cómo todo está conectado y presente aunque no se aprecia de forma directa.

10s. The artist is present (2010) Marina permaneció durante 736 horas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En él, recibía visitas constantes de centenares de personas. El único objetivo era sentarse en silencio con la artista, mientras ella mantenía contacto visual constante, en silencio.

“Nadie podía imaginar que alguien se tomaría el tiempo de sentarse y simplemente engancharse en una mirada mutua conmigo […] Fue una completa sorpresa… Esta enorme necesidad de los humanos para realmente tener contacto” Algo tan simple como es una mirada puede llegar a conectar con el ser humano. Una vez más Marina

nos demostró su gran talento y nos enseñó una nueva faceta de los humanos. Esta performance fue muy conocida y dio mucho de lo que hablar debido a que una de las personas que se acercó a participar en ella fue su previa pareja durante varios años, que llevaba mucho tiempo sin ver, por lo que se trató de un momento emotivo y emocionante.

“Su forma de trabajo para mostrar el dolor, el tiempo, la percepción del individuo frente a la sociedad… es delicada y fría a la vez, afilada y fascinante como el cuchillo de un ritual”.

Erika Gómez Cocho

“Dragon heads” Marina Abramović, 1990.

00s. Nude with skeleton (2005)

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Marina Abramović and Ulay, AAA-AAA, (1978)

20 Fotografía de getty images

LA MODA URBANA Y CONTEMPORÁNEA EL ARTE DETRÁS DE LO SIMPLE

21 Desfile de Avavav

La moda de nuestros días es innovadora, es nueva, es rompedora y atrevida y siempre da mucho de lo que hablar. Recientemente se han mostrado piezas que desafían lo posible, como el vestido que fue creado con un simple spray en una pasarela de Coperni, mostrando los nuevos avances y posibilidades de los materiales creados artificialmente.

Este momento dejó a todos sin palabras, crearon un vestido en ese mismo momento rociando un material que iba construyéndose en el momento. O los vestidos que presentó CuteCircuit, que estaban hechos con pantallas led que proyectaban formas y colores.

Sin duda alguna, lo que másdestaca y hace hablar son las pasarelas en si, el espectáculo y la performance y lo que estas pueden contar y transmitir como si de una obra de teatro se tratase. Si hay alguna firma que controle acerca de realizar auténticas performances esa es “Avavav”, una marca emergente que siempre da de lo que hablar. Sus pasarelas se caracterizan por mostrar auténticos errores o fallos

Desfile de Balenciaga

La moda ha evolucionado con los años y es inevitable que también ha evolucionado con la sociedad, con las propias “modas” y con todos los acontecimientos que han ocurrido a lo largo de los años, desde la televisión en blanco y negro, donde se utilizaban ciertos colores en la ropa de los presentadores, hasta la creación de las nuevas tecnologias, que al igual que han ido evolucionando para distintas funciones, también han evolucionado junto y para la moda.

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(claramente hechos con conciencia), entre los que se pueden encontrar ropa de lana que se va deshaciendo, piezas que se separan o se rompen. Pero, ¿por qué? Esta marca, a pesar de ocupar las más importantes pasarelas, trata de realizar una crítica al “fast fashion”, uno de los mayores productores de contaminación hoy en día, junto con la compra masiva y no necesaria de ropa que dura muy poco y que se reemplaza rápidamente por ropa nueva, y así el ciclo sigue. De esa forma, la marca realiza una crítica vista y aclamada por todos, haga o no un cambio en nuestra sociedad, tan arraigada en esa moda rápida.

Además, a veces aparecen con “post-it” pegados en la ropa con frases reivindicativas. También se tropiezan y se caen, uno seguido de otro o, aparecen mujeres que llevan tacones con los que no pueden andar y optan por quitarlos en medio del desfile para poder caminar bien.

Otras marcas, mundialmente reconocidas, no se quedan atrás. Sin ir más lejos, Balenciaga sorprendió con un desfile realizado sobre un suelo cubierto de barro. Los modelos iban resbalando y cayendo sobre el barro, manchando su ropa completamente de esa sustancia. Esta firma es muy conocida por sus polémicas y es quizá una estrategia de marketing para hacer que se hable de ellos.

Un ejemplo no muy antiguo es la campaña realizada con niños, donde a parte de llevar ropa de dicha marca, aparecían elementos presentes en el sadomasoquismo y el “BDSM”, como arneses y otros objetos, sobre los niños

Vivienne Westwood en BBC News

o los peluches que estos portaban, entre otras cosas.

Días más tarde, esta campaña fue retirada de todos los medios por la controversia que causó.

La precursora de este movimiento de reivindicación en las pasarelas (y fuera de ellas), fue la increible Vivienne Westwood, que comenzó por revolucionar la moda de aquellos años y crear cosas que hasta la época no habían sido vistas. Revolucionó y lideró el estilo “punk”, que era contrario a lo mas sobrio y aceptado por la sociedad.

Junto a eso, reivindicó sobre distintos problemas sociales y mostró al mundo una forma diferente y nueva de crear ropa. Hoy en dia sigue siendo un marca muy importante y muy valorada por muchos y, su imagen se ha convertido en un icono para aquellas personas interesadas en la moda.

Recientemente, la moda también trata de relacionarse con el espectador, crear algo recíproco, generar emociones y mandar mensajes.

Las pasarelas de tan solo diez años atrás son bastante distintas de las que nos podemos encontrar ahora.

La moda de alta costura se ha convertido en un foco de atención y un medio para transmitir importantes mensajes.

“La moda de alta costura se ha convertido en un foco de atención y un medio para transmitir importantes mensajes.”

PICASS0: Pablo Picasso © Civitatis Magazine

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EL TERROR DEL ARTE CONTEMPORÁNEO

Pablo Picasso © Revista AD

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El arte es un claro reflejo de la persona que lo realiza. El artista plasma su ser, sus pensamientos o sus ideales en cada obra que realiza. La mayoría del arte no es subjetivo, de manera consciente o inconsciente siempre se va a meter un pedacito de nosotros mismos en cada cosa que realicemos. Es inevitable.

Precisamente, las vanguardias eran reconocidas por eso. Desde el surrealismo, que representaba la parte de los sueños y del subconsciente hasta el cubismo, que mostraba la forma de cada artista de ver y percibir su entorno.

Pablo Picasso, artista al que todo el mundo conoce, destacó como uno de los pioneros del cubismo y es reconocido hoy en día como uno de los más grandes pintores españoles de la época pero, ¿es así? Quizá, ya que para gustos los colores, y un arte tan poco convencional como es el cubismo no es plato de gusto para todos. Dejando eso a parte lanzó la pregunta, ¿merece Picasso ser tan importante? No me refiero a su arte, que no es objeto de esta reflexión, si no a él, a su persona, a sus ideas…

No es algo que vaya a decir, aunque mi postura sea más que evidente, es algo que voy a contar y que pretendo que haga reflexionar y pensar si es realmente correcto separar al artista de su arte.

Y bien, como he dicho anteriormente, no puedes separar a un artista de su arte, y menos aún si se trata de unas representaciones tan objetivas, que de manera directa o indirecta, plasman como es el artista. Por no decir que Picasso basó su estilo y su “invención” del

cubismo en el arte que ya se llevaba haciendo tiempo en África y que, al descubrirlo, decidió apropiarselo.

Marina Picasso, su nieta, afirma: “Las sometía a su sexualidad animal, las domesticaba, las hechizaba, las devoraba y las aplastaba en sus lienzos.

Después de pasar muchas noches extrayendo su esencia, una vez desangradas, se deshacía de ellas”. Pablo contó con numerosas mujeres en su vida, a las que engañó y maltrató, haciendo que tanto Marie-Thérèse como Jacqueline Roque se quitasen su propia vida debido al maltrato psicológico y físico que recibieron durante todo el tiempo que estuvieron con él. A una de las mujeres con las que estuvo, Marie-Thérèse, le quemaba cigarros en su cuerpo, utilizándola como un cenicero. A Dora Maar la pegaba hasta que perdía la conciencia.

Si te aventuras a buscar información sobre Picasso, las cosas que te aparecerán serán positivas, algunos medios, como la revista Esquirre lo denominan como “Un genio carismático, íntegro en su compromiso político, generoso con sus amigos [...]”, cuando las palabras que buscaban, quizá eran fascista (bastante íntegro con su compromiso político, si) y maltratador. Ya que no hay dos palabras, por muy fuerte que suenen, que le puedan describir mejor.

Y si después de conocer la verdad, hay personas que se aventuran a seguir pensando que pueden separarse arte de artista, entonces no han entendido todo lo que esto significa o quizá, compartan su misma forma de pensar, quién sabe. A veces, las pa-

lizas que recibía Dora Maar eran presenciadas por otras personas. También estuvieron presentes todas aquellas niñas las cuales asistieron al campamento de chicas (menores de edad) al que Picasso llevó a su “pareja”, Marie-Thérèse Walter, de tan solo 17 años (teniendo él 45).

Por ello, por el testimonio de estas mujeres que sufrieron y por su memoria. Por aquellas mujeres que llegaron a quitarse la vida o que pasaron por depresiones que las dejaron ingresadas hasta el día de su muerte. No se debería reconocer a Picasso como un genio, sino como una persona deplorable, que es lo que fue.

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“Por el testimonio de estas mujeres que sufrieron y por su memoria. [...] No se debería reconocer a Picasso como un genio, sino como una persona deplorable, que es lo que fue.”

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EL USO DEL COLOR EN EL CINE Y SU IMPORTANCIA El color, como recurso visual, ha desempeñado un papel fundamental en la sociedad a lo largo de la historia, más allá de su función meramente estética. Desde los tiempos en que se utilizaba para denotar clases sociales, asignando ciertos colores a diferentes estratos, hasta la era contemporánea donde se convierte en una herramienta narrativa y emotiva en el cine, su influencia ha sido omnipresente.

Históricamente, el uso del color como indicador social ha sido evidente en diversas culturas. Por ejemplo, en la antigua Roma, el púrpura era un símbolo de estatus, reservado para la realeza y la aristocracia. Esta asociación del color con la posición social ha perdurado a lo largo del tiempo, aunque de manera menos rígida.

La llegada de la televisión y el cine introdujo nuevas dinámicas en la utilización del color. En los primeros días de la televisión en blanco y negro, la ropa de los presentadores se seleccionaba cuidadosamente para resaltar sus características faciales y evitar la distorsión en pantalla. Con la transición al color, los cineastas encontraron un medio poderoso para transmitir emociones, crear ambientes y contar historias de manera más completa.

Por ejemplo, los tonos cálidos suelen asociarse con la felicidad, el amor y la calidez, mientras que los tonos fríos pueden sugerir tristeza, soledad o tensión emocional.

En “El renacido”, la paleta de colores fríos refleja la brutalidad y la hostilidad del entorno natural en el que se desarrolla la historia.

Un ejemplo muy relevante de la maestría en el uso del color en el cine contemporáneo es el director Wes Anderson. Su película “Gran Hotel Budapest” se erige como una obra maestra en la manipulación de paletas de colores, utilizando tonos pastel para realzar la estética y sumergir a los espectadores en un mundo visualmente cautivador. La simetría en sus composiciones también contribuye a la singularidad de su estilo cinematográfico.

En el ámbito cinematográfico, el color no solo sirve como elemento visual, sino que también desempeña un papel narrativo y simbólico.

Los entornos cálidos, representados por colores fríos, pueden transmitir sensaciones de tensión o misterio.

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Por otro lado, la asociación de colores cálidos con la playa o el verano evoca sentimientos de calidez y alegría.

Un aspecto fascinante del uso del color en el cine es su capacidad para marcar el tiempo y contextualizar eventos temporales. La serie de Netflix “Por Trece Razones” emplea esta técnica de manera notable, utilizando tonos cálidos en los flashbacks para representar momentos felices antes de una tragedia, y tonos fríos en el presente marcado por la tristeza y el duelo.

Otra saga cinematográfica que ha dejado una marca indeleble en términos de utilización del color es “Crepúsculo”. Cada película de la serie evoluciona visualmente a medida que la narrativa avanza, utilizando una paleta de colores específica para reflejar la evolución emocional de los personajes y el entorno en el que se desarrolla la historia, desde un lluvioso pueblo de Estados Unidos hasta la cálida Italia en pleno verano.

En conclusión, el color es un componente importante de la expresión visual, desde sus raíces históricas en la sociedad hasta su papel fundamental en la cinematografía contemporánea. Su capacidad para transmitir significado, evocar emociones y enriquecer narrativas demuestra que el color no es simplemente un elemento estético, sino una herramienta narrativa y emocionalmente potente en todas las formas de expresión visual.

“El color, como recurso visual, ha desempeñado un papel fundamental en la sociedad a lo largo de la historia”

“Art should comfort the disturbed and disturb the comfortable”.

Banksy