Coup. Vol.2. Num.1, Transgresión

TRANSGRESIÓN 14 de Junio de 2021; Transgresión; Volumen 2, número 1

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Marihel Dennisse Jiménez Díaz

Coup - Revista digital se terminó de editar el día 12 de Junio de 2021 Cd. De Puebla - Cd. De México Áreas de interés de la revista: Artes y otras disciplinas, sociología, pedagogía en arte y diseño, filosofía

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Indice 04

CARTA EDITORIAL Strassenkultur: El arte de la transgresión Por M. Jiménez Díaz

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ENSAYOS Y ARTÍCULOS EN ARTES VISUALES Identidad femenina; una mirada al canon occidental. Conversaciones con mujeres artistas: la identidad femenina presente en las obras Por Analia Adorni

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DIALOGO En un orden social injusto ¿Debemos transgredir?

Por Enrique Maraver

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Maruja Cancino (México)

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Argeo Mondragón (México)

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Ximena Gordillo López (México)

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Rodrigo Prian-García (México)

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Aleksandr Agafonov (Rusia)

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Kateryna Repa (Ucrania)

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Mila Gvardiol (Serbia)

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Oda. Por Daniel Carpinteyro

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Diagrams / The prototype Por Ruxandra Mitache Montreux (Suiza)

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Call of papers

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Publicación de obra artística y diseño

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Call for artistic work

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GALERÍA

LITERATURA

CONVOCATORIAS

DIRECTORIO

CARTA EDITORIAL Nervios ópticos del otro lado de la pantalla:

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os volvemos a encontrar en una nueva edición y como siempre es un gusto saludarlos en este número, con el cual festejamos nuestro primer aniversario. Ha transcurrido ya, un año desde que lanzamos la primera publicación de Coup “Arte y privacidad”. Durante nuestro primer año, hemos tenido altibajos, pero ninguno de ellos nos ha hecho claudicar, seguimos trabajando arduamente para ser cada vez mejores y lograr ser una revista mexicana que llegue a diversas regiones, brindando la oportunidad a artistas e investigadores de ser leídos y vistos, sin importar su procedencia, que es, una de las principales metas de Coup y nos da mucho gusto saber que nos consideren una opción para publicar sus trabajos, de igual manera agradecemos a nuestras y nuestros árbitros que nos han apoyado durante este año.

Como bien saben somos un espacio creado por artistas para artistas e investigadores de las artes y sus entrecruces con otras disciplinas, una asociación para difundir el arte y seguiremos trabajando para que más artistas sean conocidos, buscamos generar un espacio homogéneo que les brinde a nuestros lectores

Marihel Dennisse Jiménez Díaz

Editora

Autor: Argeo Mondragón TITULO: Maldoror mata al diablo

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nuevas alternativas artísticas que los invite a adueñarse del arte y lo que se está realizando en el mundo en nuestros días, recopilando lo mejor del arte en sus diversas manifestaciones para ustedes.

Esta vez les presentamos el tema de Transgresión, el tema es abordado partiendo de la perspectiva de las pintas Strassenkultur del Muro de Berlín, conocido comúnmente como arte callejero, aterrizándolo en una comparativa a las pintas y rayones que se hacen en las marchas feministas, ambos como movimientos transgresores de demanda social, que ocultan entre sus colores y garabatos, el dolor, la indignación y los genocidios. Las instituciones de arte así como las sociales-políticas han absorbido estos movimientos transgresores para legitimarlos, controlaros y seguir estableciendo redes de control social.

Aunque evidentemente muchos de ellos siguen siendo una voz muy clara para seguir evidenciando las desigualdades sociales, los temas políticos y económicos que nos competen a todos y que muchas veces se ignoran; por lo tanto, el arte transgresor usa al sistema para evidenciar sus protestas y demandas de un sistema corrupto e impositivo.

La imagen de la porta en esta ocasión es la obra “Maldoror mata al diablo” del Artista mexicano Argeo Mondragón, de quien encontrarán más obras en nuestra sección de galería. Él usa las expresiones plásticas como son la pintura expandida, el dibujo y mayormente el Street Art con sentido social, cultural y político. Así mismo, encontraran la obra de la artista interdisciplinaria Maruja Cancino, de la ciudad de México, quien presenta “La historia de Maruja”, en la cual explora identidades hipotéticas; en las cuales reconstruye narrativas ficticias, abordando la idea del simulacro para generar emociones genuinas. Ximena Gordillo López, ídem de la Ciudad de México, participa con una crítica a partir de las artes visuales a la concepción y representación del cuerpo, la identidad y los cánones de moda que se imponen para tener un cuerpo “perfecto”. Desde otra perspectiva, la obra de Rodrigo Prian-García invita a reflexionar sobre cómo es visto el trabajo del artista dentro de nuestra sociedad, su obra instiga a cuestionarnos como esa supuesta “pérdida de tiempo” con la que catalogan a los artistas, es un trabajo tan necesario como el de otras profesiones, debido a que el arte hace menos cotidiana e insufrible nuestra terrible realidad social, al tiempo que siempre presenta de manera critica problemáticas sociales, ocasionando un choque en nuestra realidad. Del mundo para México, participa Aleksandr Agafonov de Sosnovy Bor, Rusia; con la serie fotografía “East trip” en la que expone una dimensión de la realidad documentada, el resultado es una narrativa de belleza, la cual al desvelar su historia encontramos una narración 6

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trágica y duelo, al mismo tiempo que poética, con la más que uno de nuestros lectores se sentirá identificados. De Ucrania, Odesa participa Kateryna Repa con la propuesta artística “Skeleton as an ecosystem, hold your dreath” en el cual pone de manifiesto el impacto del consumo humano en el medio ambiente y sus consecuencias. Por último, encontraran la obra de Mila Gvardiol de Belgrado, Serbia, con su serie “Stairs”, obra pictórica que invita a repesar la funcionalidad de la imagen y sus infinitas posibilidades; así como los caminos de las tomas de decisiones personales.

En ensayos y artículos de artes visuales, de Argentina participa Analia Adorni con un ensayo que gira en torno a la figura femenina principalmente dentro del arte religioso, reflexionando el tema del dolor en la práctica de artistas mujeres en Argentina. En dialogo Enrique Maraver, comparte un texto que invita a repasar sobre como; los sistemas de control social son un juego en el que todos de alguna forma hemos sido participes, para decirle al otro como actuar para no transgredir las normativas sociales, la capacidad de la boyada por mantenerse viva, sin embargo, el arte y otras diciplinas han transgredido esos límites arriesgándose a hacer esas cosas que en su momento no se entendieron y que hoy son importantes. En literatura encontraran poemas de Daniel Carpinteyro que habla del arte como expresión del dolor para una vida. De Montreux, Suiza; Ruxanda Mitache participa con dos pequeños versos; uno referente al tiempo y el segundo a la unidad entre seres, acompañados de la imagen que aluden a la poesía visual.

Presentamos estos contenidos para enriquecer el panorama de las prácticas artísticas, sus discusiones, sus líneas estéticas de producción y conceptualización. Esperamos que los disfruten.

La editora.

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STRASSENKULTUR El arte de la transgresión

Por: M. Jiménez Díaz

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entro del arte existen movimientos que se han ido añadiendo a lo largo de la historia y algunos en su momento se han considerado transgresores como lo fue el arte surrealista, el dadaísmo, futurismo, fluxus entre otros. En las obras transgresoras sus temáticas suelen atender a la relación con la luxación psicológica, las enfermedades mentales; traspasar los limites sociales o políticos, e incluso la exploración de los estados mentales.

amarillo, replicando los colores de la bandera alemana, el mensaje que lanzaba era el de la unidad.

A la maña siguiente este mural fue intervenido por otros pintando espacios grises, transgrediendo la obra de arte.

Otro de los artistas que iniciaron el arte callejero en el Muro de Berlín viéndolo más allá de un enorme bastidor o como símbolo de transformación y más bien, como medio de aliviar el horror de la muerte por intentar cruzar el muro y al monstruo que era ese objeto lleno de tragedia y sangre; fue el francés Thierry Noir, quien se fue a vivir a Berlín Occidental en 1982, en una entrevista declara “Comencé a pintar el Muro desde mi casa simplemente para no 1 volverme loco” , ya que ver el muro desde su casa era un aspecto melancólico y trágico. De igual manera Bansky interviene el muro, cuya intervención fue 2 tapada por otros murales que aparecían este muro .

Estos antecedentes del arte de protesta callejo se encuentran en la "East Side Gallery" en el Muro de Berlín, esta galaería conservo algunos murales pintados ahí a modo de archivo y memoria.

Actualmente el arte que se puede considerar más transgresor y en sus inicios no se consideraba como tal es el Strassenkultur (en alemán) o Graffiti o arte callejero el cual se ha encargado de manifestarse en todas las ciudades del mundo. De esto encontramos el símbolo estético más importante de la transgresión es el caído Muro de Berlín en 1989 (fue construido en 1961 para hacer una clara división de los poderes entre la República Federal de Alemania; Berlín Oeste y la República Democrática Alemana; Alemania oriental), el cual fue mayormente intervenido por el arte callejero a modo de protesta, incluso se encontraban, nombres, mensajes personales, entre otras marcas que indicaban que la tragedia tenía nombres, algunas de las intervenciones realizadas ahí por un artistas son; la del artista estadounidense Keith Haring en 1986. Esta intervención fue mediada por el Museo Checkpoint; Haring pintó una serie de figuras entrelazadas en rojo y negro bajo un fondo

1 https://www.larepublica.ec/blog/2011/08/10/el-muro-deberlin-la-obra-de-arte-sobre-la-tragedia/ 2 https://www.dw.com/es/el-arte-y-el-muro/a-15309749

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Efímera intervención de Keith Haring en el muro de Berlín. Imagen tomada de: https:// fahrenheitmagazine.com/arte/plasticas/la-efimera-intervencion-de-keith-haring-en-el-muro-deberlin#node-gallery-2

Graffiti de la East Side Gallery, Berlin. Imagen tomada de https://www.disfrutaberlin.com/east-sidegallery

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“seguridad ciudadana” que hagan su trabajo para con el pueblo.

El movimiento del grafiti se ha visto desde sus inicios como un acto vandálico, que daña la propiedad pública y privada, en nuestros días lo dejan ver las marchas y manifestaciones sociales que hacen pintas a su paso por paredes, monumentos y fachadas de edificios públicos importantes o privados, de los cuales debemos admitir sin un sentimiento conservador o político marcado; y es que a nadie le gusta ver en las paredes de la ciudad que vivimos en un país homicida sin importar si es feminicida y lo pongo bajo el borrado, porque en este término no entra y menciona todos los decesos que hay a causa de la violencia, el crimen organizado o por actos políticos, por lo tanto, lo correcto sería decir “genocida” sobre todo en sociedades como la mexicana en donde sabemos que desaparecen personas de todos los géneros, sin importar su edad, estrato social o si estos tenían vínculos con el crimen organizado; a esto debemos añadir que las autoridades en nuestro país no hacen nada por resolver esos casos de homicidio o desaparición que muchos, por no decir, que la mayoría quedan en la impunidad, archivados y olvidados; o los casos en donde los políticos se valen de sus puestos para desaparecer y matar personas que les resultan “inconvenientes”, como lo son los activistas y reporteros que buscan la verdad, de estos tenemos muchos casos en nuestro país; el más sonado fue el de la periodista Lidya Cacho en 2005. Sin embargo, no es solo un problema que dañe a la sociedad mexicana, se da a todo lo ancho y largo del globo terráqueo, la trata de personas para diferentes fines; políticos mandando a asesinar personas, guerras innecesarias que masacran ciudades enteras; entre otros. Entonces estas pintas se vuelven emblemáticas y fungen un papel importante, el de recordarnos que eso sucede todos los días, que no debemos mirar a otro lado y que tenemos la obligación de exigir a los políticos y las personas encargadas de la

El Strassenkultur se ve como un acto de rebelión política y social, vinculado mayormente a los estratos pobres, en situación de vulnerabilidad sin educación, movimientos anarquistas, golpes de estado, los parias sociales que no tienen nada que hacer, los excluidos y no contemplados en los discursos sociales, entre otros. Sin embargo, valdría la pena hacer una distinción entre las pintas o rayones que solo lo hacen por moda o pose y los que tienen algo que comunicar. En este segundo rubro se encuentra el Street Art o Arte callejero en español, estas pintas suelen ser imágenes normalmente que buscan evidenciar algo, incluso podríamos decir que las marchas feministas que realizan pintas encajarían en el término de Street Art, a causa de que estas realizan una demanda de carácter social y evidencian la falta de capacidad de los sistemas judiciales y de todo el circuito de poder que se encuentra a cargo de mantener a la sociedad seguros sin importar su género o su procedencia.

Por otro lado hay cierta poética en la trasgresión que se le hace a ciertos monumentos que están ahí recordándonos las luchas sociales, las revoluciones o la consolidación de un estado libre y soberano; uno que se erigió con la sangre de miles de personas que lucharon para que tuviéramos libertad e igualdad de condiciones; sin saber que al hacerlo seguiríamos viviendo en países conservadores en donde la división de clases continúa siendo un pilar angular para la construcción de la cultura, la educación, la salud y el nivel de oportunidades; que los racismos, prejuicios, así como estereotipos se harían más profundos y evidentes. De esto en México hablamos de que dentro de las mismas familias se refieren a los hijos, sobrinos y demás por el tono de piel o complexión física, sus

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está permitido y lo que es prohibido. Por lo tanto, el acto de transgredir permite romper con tabúes y prejuicios culturales, a la vez que en ocasiones irrumpe en el orden social, la propiedad privada o los espacios públicos; mediante manifestaciones de oposición a políticas absurdas, injusticias que se manifiestan en protestas sociales, entre otros.

cualidades, pero principalmente sus defectos; y se usan diminutivos para referirse a ellos. En el caso de las mujeres en su mayoría terminan asumiendo el rol básico de la mujer que es el cuidado de la familia y en el caso de los hombres como el proveedor, entre otras cosas. El país que se formó después de las revoluciones tal vez, está muy lejos de los ideales dieron origen a los movimiento armados; aunque ciertamente existen beneficios que dejo ese movimiento, como es la educación “publica” y un sistema de salud “ligeramente público”; por otro lado el movimiento feminista de 1960 le debemos la liberación femenina y es que esta puede estudiar cualquier carrera y ejercerla, contar con casi los mismos derechos sociales y políticos que los hombres, y digo casi, porque hay cosas que se le siguen recriminando a la mujer y a los hombres no; ante esto no se debe de olvidar y mucho menos minimizar los casos en el que algunas siguen atadas a las creencias sociales que es el de ser las encargadas del cuidado y la reproducción; ya sea por creencias religiosas o costumbres sociales arraigadas profundamente y la falta de educación, presentándose este tipo de situaciones principalmente en comunidades rurales las cuales tienen poco o nulo acceso a la educación y sistemas de salud dignos que las apoyen o comprendan, ayudándolas a derribar estos prejuicios sociales que existen referente a los roles de género. Este tipo de situaciones, violencia de género, constructos sociales e impunidad son las que se buscan cambiar con los movimientos feministas.

Mantener esta ambigüedad del concepto es una necesidad de sectores del poder para sostener que todo acto que vaya en contra de las regulaciones que impone es un atentado contra el conjunto de la sociedad. La criminalización de algunos derechos civiles y la criminalización de la protesta social es una de sus consecuencias. De allí la necesidad de delimitar que consideramos una transgresión. (Carpintero, 2012) El término transgresivo para definir al arte que encajaba dentro de estas actividades de protesta, con traspasar los limites sociales y morales, así como lo underground; fue utilizado por el cineasta estadounidense Nick Zedd y su Cinema of Transgression en 1985.

La transgresión no solo tiene que ver con el arte o cierto tipo de movimientos sociales, también es una situación personal, de ir más allá de nuestros limites o cuando decimos traspasar los lindes, normas y reglas de la familia o nuestro contexto social, para alcanzar nuestros objetivos, ante esto Mark Fisher refiere a que lo personal es político puesto que hay que buscar las condiciones culturales, estructurales y políticas de la subjetividad, por lo tanto, lo personal político se convierte en impersonal social, algo que denotaban los movimientos transgresores en su inicio. En el aspecto del arte, con el paso del tiempo las instituciones culturales han absorbido estas manifestaciones artísticas de un fuerte significado social, como

Cuando hablamos de Transgresión nos referimos a aquellos actos que caen incluso en la denominación de “anormal” que traspasan el límite de lo que está establecido social o políticamente, en este sentido la transgresión se encuentra relacionada con el límite dentro de una sociedad hegemónica que establece lo que

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lo hizo la East Gallery en Berlín, quien conserva partes del Muro de Berlín con los murales a modo de archivo y de conservar la memoria de lo que ahí sucedió. Otras galerías, museos privados y espacios culturales auspiciados por el gobierno; han absorbido al grafiti como parte de sus exhibiciones, y es que por el ser uno de los artes de “moda” y más lucrativos, no podían quedarse fuera del mercado para enriquecer sus ganancias en los espacios privados, los públicos se colgaron de estas manifestaciones artísticas para crear la bandera de tolerancia hacía lo que es diferente, que están abiertos a las protestas y que escuchan al pueblo, brindándoles un espacio para manifestarse de manera sana, regulada y permitida por los sistemas de poder. Sin embargo, lo que empezó como un movimiento de demanda y denuncia social de las clases sociales que se encontraban afectadas por racismos, políticas culturales y sociales, se está convirtiendo en un movimiento sin profundidad, en el cual se empiezan a presentar cosas que solo cumplen el papel de embellecer un espacio y que no tienen un mensaje político opositor claro o que incluso no refieren a nada que tenga que ver con actos de demanda social, salud mental como algunos de los graffitis realizados en el Muro de Berlín.

De modo que lo transgresor del arte callejero se ha convertido en una superficialidad social que abarca diversos movimientos.

Ahora, retomando el punto de las pintas ocasionadas en las marchas sociales y su criminalización, es interesante ver la indiferencia social a diferentes sucesos como son los feminicidios y las desapariciones, la normalidad en la que cayeron las noticias de hallazgos de las fosas clandestinas, las denuncias de tortura ejercidas contra activistas o periodistas; estas notas y las frases que acompañan los encabezados de la prensa amarillista, así como la indiferencia de que las personas sigamos metidas en nuestras “vidas superficiales”,

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ocultan la ansiedad, el estrés y los problemas que estos ocasionan; por ejemplo no es que todas las mujeres no estemos preocupadas por las violaciones o los asesinatos o la violencia ejercida contra nuestro género; la indiferencia oculta el estrés que nos causa pensar que podemos no regresar a nuestras casas o trabajos, que podríamos no llegar a nuestro lugar de destino, que tengamos que estar alerta todo el tiempo, sufriendo un estrés ante posibles escenarios cuando: el taxista nos pide cambiar de taxi, o se desvía del camino y quiere cancelar el viaje, incluso que un desconocido en el transporte público o en la calle nos vayan persiguiendo masturbándose o acosándonos verbalmente, es algo que se ha normalizado y que desde siempre a las mujeres nos dicen “debes de cuidarte”, “no andes sola”, “no vayas a lugares oscuros”, “si vas de fiesta no tomes o toma poco y fíjate a lo que le ponen a tu bebida”, entre otras frases que nos dicen y que seguro vendrán en este momento o después a su memoria; y es muy triste que eso pase, que estemos llenas de NO DEBEMOS HACER ESTO O AQUELLO, así que es, a veces, hasta incompresible que las mujeres se indignen por las marchas feministas y las pintas que ocasionan, puesto que la mayoría de nosotras hemos estado en riesgo, algunas son violadas y nunca lo dicen, o sufren violencia doméstica, tienen familia o conocidos que perdieron a una mujer por causa de la violencia de género, la trata de blancas y el tráfico de órganos . Todos estos actos cometidos no solo por hombres incluso por otras mujeres, y que son normalizados bajo constructos sociales y religiosidades que están tan obsoletos, en donde las mujeres no son más que un objeto, y si nos vamos a las escrituras religiosas nosotras somos la causa de que fuéramos expulsados del jardín del edén.

Pero siendo honestos, hay que admitir que en realidad y desgraciadamente los discursos transgresores del feminismo han perdido fuerza

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y se han convertido en actos vandálicos porque así lo han declarado los medios de comunicación o la sociedad retrograda que vive pensado que las mujeres se buscan lo que les pasa, que ellas son responsables, en cuanto las mujeres deberíamos de poder salir en bikini a comprar algo sin ser agredidas, hostigadas o que intenten violarnos.

Por otro lado, el feminismo se volvió un pretexto más para seguir violentando a las mujeres y atacarlas de diferentes maneras, precisamente porque muchas personas siguen sin comprender que tenemos derechos y así como los hombres pueden estar en bóxer y sin camisa, y salir a recibir un paquete sin ser violentados, las mujeres deberíamos poder hacer lo mismo. Solo es cuestion de ver que lo reclaman en las marchas feministas no es nada del otro mundo y lo que realizan con sus pintas son actos que se realizan en diversas marchas sociales.

De las marchas feministas que siempre son un escándalo social, en nuestro país en la

última marcha del día de la mujer antes de la pandemia, hubo mucho de qué hablar y en redes sociales surgió la frase “ojalá fuera monumento para que te indigne cuando me toquen sin mi consentimiento” y sus variantes, entre los perfiles de las mujeres que comparten la indignación de que los asesinatos, las violaciones y desapariciones; pero sobre todo que socialmente están sean siempre responsabilidad de las mujeres. Lo interesante de este movimiento social es la indignación que surge en la sociedad cuando hacen rayas en los monumentos o en edificios, y es que la verdad es incomprensible la indignación social, los comentarios violentos contra estas marchas y estos actos, porque después de todo, estas mujeres hacen, lo mismo que los hombres; por ejemplo en la marcha de los 43, que en el 2014 quemaron la puerta del Palacio nacional, o que queman comercios a su paso y hacen pintas en todos lados, entre otros actos vandálicos que comenten durante la marcha y la sociedad esta muda ante esto.

Imagen toma de Facebook. 2021

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llamados “normalinazis” o algo parecido que se vincule a los nazis como lo hicieron aquí ante el feminismo.

En el caso de la marcha de los 43, haciendo un poco de memoria, se manifiestan cada año, en la fecha en que los 43 estudiantes normalistas de Ayotzinapa fueron quemados; ahora se sabe que fue por orden del gobernador de Iguala, Guerrero, pero en un contexto más profundo los normalistas de de Guerrero siempre se están manifestando, cerrando carreteras, cobrando peaje o cerrando las casetas de viaje, entre otras acciones, los normalistas siempre han cometido actos vandálicos durante sus manifestaciones y nadie dice nada; la sociedad mexicana no se escandaliza por esto, en cambio, sí lo hacen las mujeres arde la sociedad en indignación y comentarios machistas incluso las llaman “feminazis” y en este orden de desvirtuar y criminalizar los movimientos en nuestra sociedad entonces los normalistas deberían ser

Las pintas que hacen las marchas feministas podrían ser tratas en materia de archivo cultural y social como los grafitis que se realizaban en el Muro de Berlín, que conserva la East Side Gallery, aunque la gran diferencia es que las imágenes del muro eran de carácter artístico y aquí solo escriben sobre la pared. Empero, no por esto dejan de ser actos transgresores en los que se ha involucrado el arte, como el performance que se dio frente a la catedral en la Ciudad de México en el que varias mujeres encapuchadas defecaban públicamente. Algo que se podría decir que es de carácter más artístico fue el acto que hicieron de pintar en la explanada del zócalo de la ciudad de México los nombres de víctimas de feminicidios “La iniciativa se llama <<Nombres de las que nos arrancaron>>. Con ella recibirán a las madres de víctimas de feminicidio y desaparición que marcharían ese domingo con motivo del Día Internacional de la Mujer” (Expansión política, 2020). Y es que más que verlo como arte callejero sería una especie de fluxus y happening, en el primero son cosas que suceden sin que se hayan premeditado, como serían las pintas de frases que evidencian el país homicida en el que vivimos y en el segundo responden a acciones específicas planeadas dentro de una acción, tal cual si fuera una especie de guion de una obra de teatro como fue el caso de las mujeres cantando y bailando el “Culpable eres tú”, las mujeres encapuchadas defecando frente a catedral, o este último acto que se puede volver más simbólico que es el de pintar los nombres de las desaparecidas o asesinadas en la explanada frente a Palacio Nacional, y sobre todo que es un espacio social importante, que está ahí justo para congregar al pueblo, escuchar sus manifestaciones o hacer actos políticos, como las toma de protesta que “festejan” cuando gana su candidato.

En el Zócalo, feministas pintan los nombres de las víctimas de feminicidio. La iniciativa se llama "Nombres de las que nos arrancaron". (FOTO: Melissa Galván.)

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Otro punto comparativo de marchas y desastres a monumentos fue cuando gano López Obrador, en el cual también hubo disturbios y pintas; pero nadie se indignó, ni desvirtuaron esa manifestación de fiesta porque gano la presidencia de la república. Entonces la pregunta que tendríamos que hacernos la sociedad es ¿Por qué hay indignación cuando estos desmanes y exigencias las hacen las mujeres? Y lo interesante es que también hay hombres, que fueron padres, hermanos, tíos, primos de las mujeres asesinadas o desaparecidas exigiendo justicia, pero solo se enfocan en que son las mujeres las que hacen y deshacen a su paso.

A modo de conclusión podemos decir que el arte transgresor se hace presente en todos lados, y haciendo una analogía entre el Strassenkultur y las marchas feministas ambos son la memoria viviente de actos de violencia, segregaciones políticas, discursos racistas o del sistema patriarcal como es el caso del último movimiento.

La transgresión dentro de lo social está ahí para recordarnos que hay leyes, conductas sociales, prejuicios y racismos que hay que eliminar, que el verdadero lenguaje incluyente es visibilizar estos problemas, atacarlos, corregirlos y principalmente construir un mejor mundo en el que todas las personas tengamos lugar.

Referencias

Carpintero, E. (abril de 2012). Topía un sitio depsicoanalisis, sociedad y cultura.

Obtenido de La transgresión cuestiona lo natural del orden de la cultura: ht t p s : // w w w.t op i a .c o m .ar/ar t i c u l o s / transgresi%C3%B3n-cuestiona-lo-naturaldel-orden-culturaEco, Umberto. Historia de la belleza. Barcelona: DEBOLSILLO, 2010.

Expansión política. (08 de marzo de 2020).

Obtenido de Miles de mujeres marchan en CDMX entre consignas, pintas y reclamos de justicia: https://politica. expansion.mx/mexico/2020/03/08/milesmujeres-marchan-cdmx-consignas-pintasreclamos-justiciaPiug, Ivan. SEFT-1. s.f. http://www.ivanpuig.net/seft.html (último acceso: 04 de 02 de 2021).

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ENSAYOS Y ARTÍCULOS EN ARTES VISUALES

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IDENTIDAD FEMENINA; UNA MIRADA AL CANON OCCIDENTAL CONVERSACIONES CON MUJERES ARTISTAS: LA IDENTIDAD FEMENINA PRESENTE EN LAS OBRAS Por: Analia Adorni1 1 Analia Adorni; Provincia de Santa Fe (Ciudad de Rafaela), Argentina. Mtra. En Conservación arte contemporánea, Academia de Bellas Artes de Carrara, Toscana. Es profesora en Artes Visuales por Instituto de Prof. No. 2 Rafaela. Técnica en comunicación social con orientación en Imagen y orientación en redacción, en la Universidad Nacional de entre dos Ríos y Licenciada en comunicación social con especialización en Educación y Procesos culturales

RESUMEN Tradicionalmente la historia del arte se ha escrito

En

por hombres y sobre hombres: las mujeres artistas existieron siempre, pero por cuestiones que tienen

reconocimiento de la identidad a través de la expresión del dolor muy presente en la obra

que ver con la historización de las instituciones,

femenina:

han quedado al margen del “canon” que estudiamos

identitarios en la producción de arte femenino;

habitualmente.

teniendo en cuenta algunos ítems como son la mirada del sufrimiento en el arte, la subjetividad y

Recién en la actualidad las condiciones históricas han hecho posible una mayor visibilidad y participación

este

proceso

este

aparece

trabajo

la

analiza

búsqueda

los

del

aspectos

la encarnadura de las propias experiencias.

femenina en los espacios de producción y toma

Se realiza una mirada a través de conversaciones

de decisiones. Esto se hace presente aún más si miramos la variedad de obra artística proveniente

con mujeres artistas para dar cuenta de la irrupción y desarrollo de una identidad femenina y de una

de distintas culturas: de Oriente a Occidente.

subjetividad propia presente en las artes visuales.

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ABSTRACT In this process appears the search for recognition

men: women artists always existed, but for reasons

of identity through the expression of pain, very

that have to do with the historization of institutions, they have been left out of the "canon" that we usually

present in the female work: my work analyzes the identity aspects in the production of feminine art:

study.

taking into account some items such as the look of

Today, the historical conditions made possible greater visibility and female participation in

suffering in art, subjectivity and the incarnation of one's own experiences.

production and decision-making spaces in a variety of artistic works from different cultures: from East

This paper takes a point of view of feminine thinking in artworks, to account for the emergence

to West.

and development of a female identity and its own subjectivity present in the visual arts.

KEYS TORY

WORDS: FEMININE IDENTITY, HISOF ARTS, ARTISTIC INSTITUTIONS

PALABRAS CLAVE: IDENTIDAD FEMENINA, HISTORIA DEL ARTE, INSTITUCIONES ARTÍSTICAS

CONVERSACIONES CON MUJERES ARTISTAS UNA MIRADA A LA IDENTIDAD FEMENINA PRESENTE EN LAS OBRAS

A pesar de ello en las últimas décadas del pasado y presente siglo, las mujeres jóvenes estamos alcanzando un papel transcendental en la producción y difusión del arte contemporáneo. A causa de que en la actualidad las condiciones históricas hacen posible una mayor visibilidad y participación femenina en los espacios de producción, así como en la toma de decisiones. Esto se hace presente aún más, si miramos la variedad de obra artística proveniente de la creación en distintas culturas. Tanto en Oriente como en Occidente, en las más diversas culturas y países, especialmente después de la caída del muro de Berlín, las mujeres nos hacemos presentes en la producción y discusión pública sobre las artes visuales.

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radicionalmente la historia del arte se ha escrito por hombres. De acuerdo con Linda Nochlin, una escritora norteamericana, la historia del arte ha sido escrita por hombres y sobre hombres: las mujeres artistas existieron siempre, aunque por argumentos que tienen que ver con la historización de las Este proceso se encuentra vinculado instituciones, han quedado al margen del con los dispositivos institucionales: “canon” que estudiamos habitualmente. academias, museos, universidades,

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ENSAYOS Y ARTÍCULOS EN ARTES VISUALES

Traditionally the history of art has been written by

ENSAYOS Y ARTÍCULOS EN ARTES VISUALES

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entre otras; todas ellas instituciones que determinan el porvenir de los artistas realizando un recorte de quienes acceden a la enseñanza y de lo qué es considerado obra de arte.

por ejemplo, lo es el feminismo norteamericano o el caso de la irrupción de artistas del movimiento Pop; como Marta Minujin en Argentina, o las artistas contemporáneas de Oriente Medio que comienzan a denunciar su situación de opresión. Esto hace presente en el arte y la pintura contemporánea que proporciona un papel mayor a la formación de las mujeres. Esta diversidad muchas veces convive y otras pone en desafío los esfuerzos humanos por hacer realidad la tolerancia, la convivencia de distintas naciones y pueblos en un mundo complejo y multicultural.

La cultura de una sociedad se encuentra determinada por políticas históricas, lo que, a partir de los estudios de la genealogía de Foucault, se denomina 2 “políticas de la mirada” .Aquí se hace presente la búsqueda del reconocimiento de la identidad a través de la expresión del dolor muy presente en la obra femenina: se pueden apreciar aspectos identitarios en la producción del arte realizado por mujeres; algunos de ellos son la mirada del sufrimiento en el arte, la subjetividad y la encarnadura de las propias experiencias, entre otras.

Este trabajo pone de manifiesto que, a pesar de que existe una mayor presencia pública de las mujeres, en muchas naciones la lucha por nuestros derechos continúa siendo una bandera; a causa En el arte actual, hay una multiculturalidad de que en algunas creencias sociales en la representación de la imagen de la o religiosas la mujer todavía no llega a mujer, posibilitada por el intercambio tomar decisiones, incluso es vista como de religiones, culturas y costumbres; un objeto o un medio. tomando un gran protagonismo las mujeres jóvenes. Sin embargo, esto recién A partir de conversaciones tenidas es visible a partir de las luchas por la durante experiencias de trabajo, exploro emancipación de las mujeres en los años diversas miradas de las mujeres artistas sesenta. y la feminidad; acerca de “cómo se manifiesta lo femenino en sus obras, qué Muchas artistas de esta década dan a experimentan al crear y cómo aparecen conocer una variedad de multiplicidad sentimientos como el dolor en sus obras”. rica de culturas que, puede ser vista desde Parto de la hipótesis de que la obra de el punto de vista de la femineidad; arte de las mujeres aparece como una manifestación disruptiva en la historia del arte, a la vez que lo religioso aparece 2 Políticas de la mirada es un concepto producido por Foucomo una manifestación del dolor, cault para dar cuenta del funcionamiento del control en las sociedades disciplinarias, contemplando las instituciones que analizando la identidad, la encarnadura ella abarca: escuela, cárcel, hospitales, centros de atención. presente en las obras. Busco imágenes del La política de la mirada hace referencia “al ser observado”: un sistema que el autor aborda es el del “panóptico”: el panóptico arte producidas por mujeres, analizando permite observar todos los movimientos de los sujetos en una la visibilidad actual que está dada por una institución, sin que estos perciban que son observados.

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Roziska PARKER y Griselda POLLOCK informan que: “artistas han siempre existido, no obstante, graves límites, que trabajaron mucho, en número creciente y no obstante las discriminaciones(...) con formas y lenguajes proprios (...)

Pero, a causa de efectos económicos, sociales e ideológicos de la diferencia sexual en la cultura occidental, las mujeres al interno de esta cultura han tenido un lugar secundario. Es necesario ver el arte occidental condicionado de construcciones de género” (PARKER, 1999).

Desde la teoría de Foucault, se puede elaborar una historia, no de lo que puede poseer de cierto o falso sobre los conocimientos del arte, sino que se enfoca al análisis de las construcciones sociales, a partir de los cuales se establece la categoría de “artista” como un sujeto masculino, blanco y burgués. De este modo; problematizo que la historia se ha escrito socialmente a partir de la formación de clases y género, dejando de lado a mujeres artistas. Este método permite incluir las vivencias: a través de diálogos y conversaciones con artistas, visitas a talleres, entrevistas y observación participativa; obteniendo así una mirada global del problema.

Este rasgo se atribuye al registro exclusivo de logros masculinos en la historia del arte: la mayoría de los libros de historia no hacen referencia a mujeres artistas, y si lo hacen es para recordar su “esterilidad”: a partir de un estereotipo de que todo lo que esas mujeres produjeron es visto como testimonio de una única cualidad: La FEMINEIDAD, y por lo tanto como prueba de que las mujeres tienen un desarrollo diverso.

La historia de las artistas mujeres en Argentina recién inicia; si bien en la actualidad hay más investigaciones y exhibiciones al respecto, pocos estudios existen sobre el tema. En muchas de las conversaciones sostenidas con artistas, es común citar el tema del dolor: cómo creadoras mujeres reflexionamos “si éste

Una identidad femenina presente en las obras visuales: La historiadora norteamericana Linda Nochlin, en 1971, se interroga: ¿por qué no ha habido mujeres artistas en la historia

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del arte? Para Nochlin “No ha habido porque la situación, es desfavorable, ahora como una vuelta, pesante para quien no ha tenido la fortuna de nacer hombre, de raza blanca, preferiblemente de estatura” (NOCHLIN, 1971:199).

mayor intervención pública de la mujer: analizando qué imagen femenina aparece y quiénes la pintan. Este trabajo examina cómo se evidencia lo simbólico en las obras, cómo aparecen los sentimientos, las creencias acerca de la mujer y el sentimiento del dolor en las obras. La metodología usada es la “Genealogía”: una forma de historia que da cuenta de la constitución de los saberes, discursos, de la imposición de la verdad de una clase dominante, en este caso burguesa, a la conformación de la historia.

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es parte de la condición femenina o está presente, indiferentemente de las condiciones de género, en la producción de la obra”.

Durante las entrevistas realizadas, así como en las charlas que tenemos mientras trabajamos, aparece este tema: ¿El espacio de la producción artística es un espacio en el que aparece el dolor? ¿El dolor es parte de la producción de las mujeres? ¿El dolor es propio de la practica árticas artísticas? ¿Hay algo parecido a la “catarsis” en la producción de las obras?

Conversando con Alicia Candiani, artista gráfica argentina que lleva adelante el espacio de producción artística ACE-Contemporáneo en la ciudad de Buenos Aires, menciona que el tema del dolor ligado a la mujer aparece unido con las prácticas religiosas.

“Libre de culpa”, litografía de Alicia Candiani. La autora trabaja con la imagen femenina ligada a sentimientos y sensibilidades

Es decir; la historia de las religiones, especialmente en Sudamérica, el sufrimiento ligado a la condición femenina vino con la religión católica. Se puede decir que, a partir de la lectura del Génesis, es la mujer la que introdujo el pecado en el paraíso, situación en la que el hombre se encontraba de modo ideal. De allí en adelante, Adán y Eva deberán cubrirse con ropas para evitar su vergüenza. El Génesis dice: “Vio, pues, la mujer que el árbol era bueno para comerse, hermoso a la vista y deseable para alcanzar por él sabiduría, y tomó de su fruto y comió, y dio también de él a su marido, que también con ella comió. Abriéronse los ojos de ambos, y viendo que estaban desnudos, cosieron unas hojas de higuera y Se hicieron unos cinturones. (...) Pero llamó Yahvé Dios al hombre diciendo: "¿Dónde estás?" Y este contestó: "Te he oído en el jardín, y temeroso porque estaba desnudo, me escondí"...

Y dijo Dios a la mujer: "multiplicaré los trabajos de tus preñeces. Parirás con dolor los hijos. Y buscarás con ardor a tu marido. Que te dominará."

(Genesis de la Biblia).

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El Ánima Sola es usada para representar un alma que sufre en el purgatorio: se pinta un alma femenina, una mujer como rompiendo gradualmente sus cadenas dentro de un calabozo rodeado por las llamas, como representando el purgatorio. Ella parece penitente y reverente; y con sus cadenas han estado rotas, lo que indica que después de su sufrimiento temporal, ella es destinada al cielo.

Es de esta forma se puede ver que la imagen de la mujer siempre ha sido objeto de apropiación simbólica dentro del arte; estos aspectos se evidencian a partir de un lado espiritual, creando una relación con las prácticas actuales artísticas.

Durante las conversaciones de las cuales presento ciertos fragmentos de vital importancia sobre este punto dialogado con mis colegas, nos cuestionábamos; ¿si el dolor transforma la práctica artística?, o si ¿nosotras mismas nos vemos transformadas en ella en el momento de crear sentido?

Para Ana Mattioli, una artista nacida en Argentina, que ha vivido durante años en Centroamérica, el arte es el espacio del “no dolor”. Para ella en esa zona no existe algo parecido al dolor, “el arte es el lugar donde el dolor queda eliminado”, tal como nos dice, “este sería el principio del Arteterapia, como disciplina”. Para ella el arte es algo mágico, un espacio de “no dolor”. “Producir arte es como meterse en una película, allí no existe el dolor: lloro frente a la película porque vibran cosas en mí, pero no es en sí el acto de producir por el que sufro”, explica.

En la religión cristiana dentro de la tendencia pictórica encontramos la 3 tradición del “anima sola” , en el cual la figura femenina aparece en llamas, lo que indica su vinculación pecaminosa: el fuego es la metáfora del infierno, una especie de “anima” que se halla “sola” en los fuegos del infierno, como perdida a consecuencia de sus malas conductas en la vida.

3 Ánima Sola, es un género imaginario basado en la tradición católica, también llamada Alma Desamparada, una imagen que representa un alma en el purgatorio, muy popular en América Latina, así como en Andalucía, Nápoles y Palermo.

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De este modo Adán y Eva cobran conciencia de Su desnudez y de su pecado.

Pero, tal como dice Jonh Berger en Modos de ver, “se culpa a la mujer y se la condena a quedar supeditada al hombre. Con relación a la mujer, el hombre se convierte en agente de Dios” (BERGER, 1972). Es por esto, por lo que muchas veces lo femenino queda asociado a lo pecaminoso: en numerosas culturas como la judía, la sangre es un elemento que indica la condición pecadora femenina. En las prácticas religiosas de esta religión; aún en nuestros días, la mujer debe quedar aislada durante su período menstrual, durante el aislamiento no puede tocar determinados alimentos e incluso deben de usar dos refrigeradores distintos según sean utilizados por mujeres y hombres, para mantener la pureza de los alimentos.

La tradición de no bañarse en estos días es otro signo de su impureza. En la religión musulmana la primera menstruación es motivo de rituales diversos que también implican un aislamiento, así como la iniciación en determinadas costumbres.

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En cambio, para Sandra Astuena, artista de la gráfica y litógrafa; hay presencia del dolor en arte “pero no directamente”.

Ella busca plasmar lo bueno, de enaltecer lo positivo de una temática, por lo que es importante, como en el caso de otros artistas, presenciar el modo de hacer, el momento de creación de la obra para darnos cuenta cómo influyen los sentimientos en la creación de imágenes.

Para ella es vital este aspecto, sin embargo, tomo la espiritualidad, mostrando la bipolaridad ya que hay diversas imágenes en su trabajo; por lo tanto, la teología de la liberación ha reivindicado un rol activo de la mujer en la teología diciendo que “Dios es padre y madre, hombre y mujer, un pensamiento sostenido por Francisco, por causa de que el lado femenino de la historia no ha sido explorado”.

parto”. En este sentido “rearmarse y superar las situaciones que nos toca vivir, son la clave de la creación, el impulso que lleva a plasmar la imagen”. La artista continúa expresando: “El dolor es un estado temporario, lo que viene después es siempre mejor, incluye al dolor, pero como un recuerdo que ayuda a valorar el presente como superación y a poner acento en la vivencia”

Para Natalia, artista de teatro de Pan y arte, “siempre ha habido una necesidad de contar ciertas cosas que provienen del 'yo´ íntimo y que parecieran impactar en el yo universal (…) Cuando empecé a hacer este trabajo, sentí que en verdad estaba esa necesidad, como en muchas mujeres, de expresar emociones y vivencia desde el dolor”. Lo cierto es que “la situación de crear como un hecho doloroso” es un tema El aspecto de observación participante es recurrente en las conversaciones entre casi necesario en mi trabajo: considero artistas: ¿sufrimos mientras creamos? que, en el arte, al modo en que ocurría en ¿necesariamente debemos transmitir los talleres del Renacimiento, se aprende algo de la vivencia dolorosa? Es decir, en gran medida observando, presenciando en ella la idea de que la obra “debe ser la ejecución. Tal como dice Daniela parida”, de que “somos hijos del rigor”, de Boldini, una amiga de Florencia que se que “sin sufrimiento no hay obra”, es un dedica a la coordinación de programas concepto que aparece repetidamente.

4 de restauración: “el métiere" , la labor En el caso de Alicia Candiani: “si no hay del artista tiene mucho de observación, dolor habría un largo trabajo de producción es mirando al maestro como aprendían que lo suplanta” ¿Es necesariamente así? en los talleres” y hoy en día en muchas ¿Qué pasaría si nuestro impulso fuese la de estas bodegas de artistas y artesanos alegría o una emoción positiva? continúan siendo de esta manera.

Para Sandra Astuena, litógrafa y artista gráfica, actualmente trabaja la imagen de la mujer en papel moneda de diversas culturas: “Si bien todo tiene su lado oscuro, todas las temáticas a tratar en el arte tienen su lado de luz, es desde donde

4 Métiere, es una palabra francesa usada comunmente en el ambiente artístico para dar cuenta que una persona tiene pleno dominio de la técnica que usa para realizar su trabajo.

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modo creativo. Es como hablar con otros lenguajes, expresarse sin necesidad de palabras, sino con imágenes (…) Es una expresión que no surge por necesidad, sino por pasión.... ¡EL arte es un modo de vivir!”, de igual manera para mí, el arte es un modo de pensamiento, de transformación de las emociones, más que un producto terminado, u obra; es una forma de resolver las situaciones. La idea de que la creación tiene que ver con la libertad aparece recurrentemente, pero también se hace presente la idea de que, en el mercado actual, las características que asume el emporio contemporáneo estarían condicionando parte de la libertad de las/los artistas.

Es un proceso de “redención” de nuestros pensamientos y sentimientos, para llevarlos a un producto artístico que sea visible y comunicable. De allí en más, los mensajes que transmita la obra son abiertos, y podrá o no generar determinada impresión en el espectador, que puede ser de dolor, de admiración, de alegría o sorpresa, pero siempre hay una conexión entre autor y espectador que se transmite en el producto visual.

Lucía Buchard, Licenciada en Artes y formadora del Museo Nacional de Bellas Sí bien es cierto que hay algunas Artes opina: “el dolor es un sentimiento temáticas recurrentes en el arte a partir natural entre todos. Cuando hago una de la liberación femenina de los años obra, el dolor puede aparecer, como punto '60, para Alicia Candiani, en las obras de partida, en la idea, en las emociones de artistas feministas norteamericanas que me atraviesan habitualmente. Este de esta época, aparecen elementos que sentimiento aparece al igual que la tienen que ver con costuras, bordados, felicidad y el miedo y otras emociones. hilos, toda una expresión de que la mujer No considero que el arte sea una forma busca hacerse presente pero todavía no de “exorcizar, ni hacer catarsis del puede desprenderse de los elementos dolor”. Luego de la idea, el trazar líneas, tradicionalmente ligados a la actividad el hacer arte, el pintar, el escuchar el doméstica. pincel, traspasa las primeras emociones, Desde otro punto para Sofía Giorgieri, y se vuelve una conexión profunda con el diseñadora de modas Argentina, formada propio acto de hacer”. Por lo tanto, hay en Europa y trabajadora en una empresa un aspecto liberador, pero este no sería de diseños de zapatos florentina, “el arte “catarsis” o una forma de “liberación” de es algo mágico, liberador de los aspectos emociones. A la pregunta: ¿qué fuerzas femeninos, sobre todo en esta sección hacen vibrar su obra?, responde: “mi de la moda; tiene que ver con la libertad obra es una línea, un trazo, un baile, un y no dolor”. Ella dice: “el arte es lograr ritmo y un momento presente de hacer. apresar nuestros conocimientos en un Son imágenes visuales que parten de

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En mi experiencia, sí hay una especie de transformación de los sentimientos y experiencias cotidianas, y éste es un proceso doloroso: se trata de transformar nuestros sentimientos en un producto visible, sin llegar a hacer una autobiografía: ESTE ES EL DESAFIO.

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situaciones y sentimientos presentes. Las líneas de las flores de la botánica y el pasear despiertan en mi las ganas de hacer obras de arte”. Expresa mientras trabaja. En mi opinión “somos libres”; y la libertad más grande es elegir aquello que nos gusta, por eso crear arte es liberarse. Aceptar la propia realidad y vivir con libertad, por ello se puede sufrir en libertad, más aún, hay que hacerlo. La rebeldía en el arte toma otra dimensión, que puede llevar a liberarnos.

realizó performances, obras en ambientes no convencionales como negocios de lavandería, la calle misma y el barrio. Usó su propio cuerpo para delatar críticamente su entorno, sobre todo hacia el final de la última dictadura militar argentina.

Finalmente murió de VIH; sus últimas obras dejan ver un manifiesto sobre la sexualidad, la transformación personal en una sociedad violenta e indiferente a la problemática de las mujeres.

Retomando el tema de la liberación en nuestro país, encontramos que el retorno a la democracia representó para muchas artistas una forma de encontrar modos nuevos de expresarse luego de años de expresiones controladas. Liliana Maresca, fue una artista argentina que desarrolló ampliamente los nuevos lenguajes que aparecían en los '70 pero se expresó plenamente en los ochenta;

Como parte de este trabajo presento las fotografías que realizó con Marcos López, con el que realizó unas 300 series, algunas de ellas son: “Liliana Maresca frente al Museo Nacional de Bellas Artes” en 1984, serie en la que toma el dolor como punto de partida de expresión, pero no sólo en lo individual, sino también en relación con las circunstancias históricas del país.

“Liliana Maresca frente al Museo Nacional de Bellas Artes”, obra de

arte fotografiada por Marcos López, de 1984

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“Ella va a cubrir mi cuerpo de jazmín”, foto-performance, fotografía de Marcos López

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Liliana Maresca en su estudio, fotografía de Marcos López

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Sin título, de la serie “Liliana Maresca con su obra”, 1983. Foto performance. Fotografía: Marcos López

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En estas obras “presenta un cuerpo liberado que se ofrece para confrontar con las instituciones artísticas y políticas o para comulgar con espacios de la comunidad under”, tal como se describe en el catálogo de la muestra “El ojo avizor”, realizada en el Museo de Arte Moderno de Buenos aires, durante octubre de 2017. La visión particular del dolor que ella llevó a su obra fue reconocida muchos años después y en la actualidad se toma como referente de los movimientos feministas.

Como vemos, la historia del arte, que le ha dado un papel privilegiado a los artistas en masculino, se ha abocado a la obra de las mujeres en forma disruptiva: aparecen generalmente en las biografías artísticas aquellas que se han atrevido y se atreven a rebelarse frente a las reglas, a generar una visión distinta y la mayoría de las veces muy crítica de la realidad.

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LUCHETTI DE BINGEMER. Cuerpo de mujer y experiencia de Dios. Ed. San Benito.

ECO. Umberto. Historia de la belleza.

MALALA YOUSAFZAI (2014). Malala. Mi historia. Entrevista con Patricia Mc Cormick. Traducido del inglés por Julia Fernández. Ed. Alianza.

RAUDA JAMÍS, Frida Kalho Trad. de Joan Vinyoli y Michèle Pendanx. Ed. Circe, Barcelona, 1994.

DE CORTANZE, Gérard. Frida Kahlo, La belleza terrible. Ed. Paidós POLLOCK, Griselda. Visión y diferencia. Feminismo, Feminidad e historia del arte. Ed. Fiordo, Bs.As. 2013.

WASH, Ana María. El Arte último de fin de siglo. Ed. Alianza Forma, Madrid, 2000.

BOESPFLUG, François. La caricatura y el sacro: Islam, Hebraísmo y Cristianismo Ed. V e P. Florencia, Italia KUSPIT Donald. El fin del arte. Ed. Akal, Madrid 2004.

WASH, María. Las vanguardias de fin de siglo. Ed. SXX, Madrid.

GOMBRICH, Sir Ernst H Imágenes Simbólicas. Estudios sobre el arte del Renacimiento. Trad. Remigio Gómez Díaz, Madrid, Alianza (“Alianza Forma”), fragmento extraído de www.deartesypasiones.com.ar.

PANOKSKY. Erwin, Estudios sobre iconología, Ed. Alianza Universidad, Madrid, 1979MORAZA, Juan Luis. Una Relación Imposible, Real. Constructivismo y Complicidad”, EN http://www.estudiosonline.net/texts/femanismo.htm GUTIERREZ, Laura. El arte no es un lujo: Cruces y miradas sobre la teoría y la metodología feminista en/desde el arte para pensar el contexto argentino III Jornadas del Centro Interdisciplinario de Investigaciones en Género 25, 26 y 27 de septiembre de 2013

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Referencias

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Anexos

•¿Qué elementos de su vida cotidiana considera relevantes y que influyen o han influido en su producción?

•¿Cuáles son los elementos morfológicos que se vislumbran en su obra y que están vinculados a su historia personal?

Modelo de Entrevistas: El dolor en la obra Mujeres Artistas

•La última década ha visto un Con respecto al contexto de producción aumento extraordinario en la actividad de su obra: artística en todo el Oriente Medio, lo que resulta en una mayor visibilidad para los artistas tanto a nivel regional como

•¿En relación con su obra y a su internacional. ¿Qué opinión le merece? posición en el campo artístico nacional e internacional, en que tradición se reconoce? ¿Cuáles serían sus referentes contemporáneos? ¿Qué artistas del contexto nacional e internacional le Identidad, Subjetividad, Encarnadura: interesan y toma como filiaciones?

•¿Qué vivencias puede comunicar mediante su obra? ¿Qué vivencias llevan a

•Pensando en los últimos diez o quince años elija obras y muestras expresar el dolor en su obra? significativas de otros artistas •¿Existe en su práctica artística contemporáneos y explique ¿por qué o en sus obras más recientes alguna influyen en la suya? relación con los conceptos de identidad, subjetividad o encarnadura del dolor? ¿Con cuáles obras el vínculo es más estrecho? ¿Por qué?

•¿Cuáles son las agrupaciones o tendencias que percibe en el arte contemporánea internacional de los últimos diez o quince años que influyen en sus obras?

•¿Cuáles son los estímulos que considera relevantes en cuanto a temática, estilo, técnicas y medios o dispositivos de producción de su obra?

•¿Cuáles son las herramientas artísticas que Usted utiliza en su práctica para dar cuenta de aspectos identitarios? ¿Son herramientas materiales o son herramientas simbólicas-metafóricasnarrativas?

•¿Cuáles son las sensibilidades de su historia personal en cuanto al contexto histórico de producción que podría rescatar y que influyen en la producción de su obra en manera directa o indirecta?

•¿Hace referencia en su práctica a algún proceso o dinámica de construcción de subjetividad específico? (género, cultural, histórico, barrial, familiar, musical, etc.)

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•¿Podría dar un ejemplo concreto de un andar específico en su obra?

(Lugar, momento, condiciones, objetivos y resultados artísticos) ¿Qué tipo de presencia de la dimensión social podría nombrar en su andar?

•El interés en la producción, la pasión por el arte: ¿consiste en Una exigencia, una necesidad para Usted? ¿O simplemente su producción consiste en un modo ligado a la necesidad de producir y vender obras para una subsistencia diaria?

•¿Percibe la presencia de elementos espirituales y religiosos en su obra?

•¿Considera que existe una discriminación de la mujer en el mercado del arte, y en los circuitos de circulación en general?

•¿Considera que las fronteras para el arte producido por mujeres se han ampliado en las últimas décadas, en qué sentido y cómo?

•¿Percibe una ampliación de oportunidades de trabajo para las mujeres

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•Si la hubiera ¿podría definir cuál en los últimos años? es la encarnadura del dolor en su obra, si

•¿En qué ámbitos? es que aparece? ¿Cómo se hace visible en su obra?

•¿En cuanto a la Construcción conceptual de su obra: ¿podría describir

•¿Existe en su práctica algo parecido la Elección de la imagen y el tema, con a la presencia del dolor y la influencia del algunas palabras propias (4)? Explica dolor en su obra? de porqué se han elegido esas cuatro

•¿Cuáles cree que serían las fuerzas, palabras. objeto, sitios o situaciones pulsan y hacen vibrar su obra? ¿Cree que su obra busca despertar el sentimiento del otro? ¿Cómo?

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EN UN ORDEN SOCIAL INJUSTO ¿DEBEMOS TRANSGREDIR? Por: Enrique Maraver

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Les ha pasado ver la escena donde alguien mira a otro y le dice: «no te pases»? ¿Han notado lo bien que resulta para controlar?

Este coloquialismo, común en nuestras conversaciones, es una suerte de advertencia, de llamado a la corrección. La idea de transgresión nos muestra cómo, de manera sutil o agresiva, pero constante, solemos mantenernos dentro de los límites de lo social y políticamente correcto. No contentos con ello, nos convertimos en policías de ese orden.

Nos la pasamos haciendo llamados, persiguiendo y presionando, para contener, a los demás, dentro de los límites del orden que tenemos por correcto. Seguir el orden impuesto es «no pasarse» de los límites impuestos. «No pasarse» es respetar: el orden, la jerarquía, la dominación, la hegemonía. El poder, es el aprendizaje e interiorización de

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discursos, dispositivos y prácticas, considerados verdaderos y correctos.

Modelan el comportamiento del sujeto. Le permiten o no participar y pertenecer a cierto grupo.

La etimología latina de la palabra trasgredir, alude a tras que significa: más allá, traspasar; y gradior, que significa: marcha o paso. La primera podemos encontrarla en trasatlántico, transgénero, transporte; en la segunda en grada, grado.

Transgredir es salir de los pasos, normas o marcha establecida. El llamado es, entonces, a no pasarse; no trasgredir.

Este vocablo muestra cómo, la manada humana, establece límites y a lo posible, lo real, mediante el uso del lenguaje. Quiero decir: el lenguaje, como representación

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de lo existente, no da cuenta del mundo, sino de las percepciones, interpretaciones, representaciones y comprensión que, de él, tenemos. De los límites del lenguaje y de nuestra propia conciencia. No obstante, así operamos en el mundo. De ahí que, la actitud crítica sobre nuestras certezas sea la única posible, ante una realidad compleja, cambiante; abordada con una limitada percepción y comprensión de lo existente.

Para los pueblos mesoamericanos, antes de la conquista, el jade representaba la vida desde una sociedad agrícola, donde el maíz, constituía el centro de una cosmovisión y, además, estaba sacralizado. El jade era el intrincado símbolo que sintetizaba este complejo simbólico en torno al cual giraba la vida. El oro no era tan importante desde este punto de vista, era llamado coztic teocuicatl, que significa excremento de los dioses. Lo que se encontró, durante el proceso de conquista fueron dos procesos de valoración y uno subordinó al otro.

Esta valoración distinta sobre el bien, esta incapacidad de apreciar el modo en que se representaban las relaciones sociales a través de los cambios tuvo consecuencias graves. Esta diferenciación de lo “importante” y lo “valioso” favoreció a unos en contra de otros.

El estudio, de las diferencias culturales, nos ha ayudado a reflexionar, en torno a la multiplicidad de miradas e interpretaciones, sobre los hechos del mundo. Mirar, no es un fenómeno óptico sino, cultural. Eso es: lo que existe en el mundo es interpretado y cargado de significación, al seno de una cosmovisión.

La significación, no es un proceso individual sino colectivo, ergo nace inscrito en una tradición, más aún la experiencia y la evidencia, no resultan ajenas a los constructos serios. Colón, pensaba haber llegado a la India; los naturales pensaban que se trataba de una divinidad, venida por mal desde el este, como decía su tradición.

En muchos sentidos, el encuentro con el otro justo resulta problemático porque las referencias y las significaciones no son las mismas. La alteridad es un encuentro de miradas y subjetividades. Para poder apreciar una mirada distinta a la propia, se precisa una voluntad para moverse, girar, cambiar no solo el punto de vista sino el gesto o la actitud, permitiendo que ese nuevo aspecto de lo real sea visible, culturalmente hablando. Emplearé algunos ejemplos para mostrar lo que argumento.

La vida microorgánica. ha existido siempre, pero, a nuestra mirada; sólo apareció tras el desarrollo del microscopio y la sistematización de los saberes obtenidos, a través de él. El impacto modificó ideas como la higiene, cuya etimología proviene del griego υγιεινος y refiere a: lo que es bueno para la salud. Poco a poco las ideas de los humores o los aires malignos fueron dejando el paso a microorganismos y sus dinámicas de contagio.

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Un lector atento de Foucault apreciará, en sus primeros escritos, la reflexión dedicada a ubicar la mirada. La mirada médica, es un ejemplo. Este es el núcleo que dirige lo que él llamó genealogías. Esto es, encontrar en qué punto aparecen a la

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mirada tales o cuales cosas. Cómo, éstas miradas refieren a discursos validados como categorías de verdad. Siendo así, no solo la aparición de un vocablo, sino de todo un tramado significativo, axiológico, moral, político asociado a cierto orden político social y prácticas, que toman forma en el uso social del lenguaje. La lengua, claramente atañe a más ámbitos de acción y significación de lo que la lingüística puede darnos cuenta.

Como animales culturales y de lenguaje, la palabra, representa el vehículo para el trasvase de nuestra cultura. Pero la cultura, como modo de existencia natural del hombre, está acotada sobre los límites de lo humano.

Por su parte, Javier Marías, hace, en su Introducción a la Filosofía, una referencia en torno a Malinowski, fundador de la etnología, quien, durante su estancia con los Trobriand, recibía, sistemáticamente, explicaciones extensas sobre el nombre de una planta y su utilidad. Empezó a notar que había un árbol del cual no le referían nada. Un buen día preguntó sobre su nombre, para su sorpresa, descubrió que los Trobriand no le tenían asignado un nombre, porque «no servía para nada». Esta curiosidad etnográfica, nos permite apreciar el modo en el que los humanos nos erigimos como referente para lo real.

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La transgresión, entonces, guarda relación con los límites sociales impuestos al individuo. Corresponden a un momento particular de una sociedad, sus condiciones materiales, económicas sociales y el conjunto de verdades y correcciones que corresponden a ese orden. Del poder que hegemoniza estas relaciones. Los llamados al orden buscan preservar cierta forma de organización social de las asimetrías. La transgresión, por su parte justo es una manera de modificar ese orden, sea para disputar el poder y ejercerlo o bien para permitir que otras necesidades y por tanto miradas del acontecer social encuentren espacio de validación y reconocimiento.

Hay una interesante cita que podemos hacer de un texto de Borges en There are more things, donde dice: «Para ver una cosa, hay que comprenderla».

Quien desconoce la tradición se mira en seguida sorprendido por la idea de Borges, olvidando que fue Platón, quien aludía a la mirada como un espacio de significación. Eidos (ειδοσ) que es de donde proviene la palabra idea, significa también vista, mirada o aparición. Así toda idea es una mirada. Omitiré la teoría del conocimiento platónica, solo diré que, para él, conocer era recordar; porque pensaba que nuestro conocimiento del todo lo teníamos antes de llegar a este mundo y que fue nuestro paso por las aguas del Leteo, las que nos hicieron olvidar. Así que conocer era recordar eso En el campo del arte, las vanguardias y las que en otro momento y sabíamos. rupturas corresponden a este fenómeno.

En cierto punto, refiere a, lo que hay que decir y los modos de decirlo. A la

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irrupción de nuevas miradas que se van confrontando con la tradición y quienes las administran. La ruptura, en el arte, es una discusión compleja. Hay quienes hablan de ella como periodos específicos, los hay que la ven en cada intento de crear, renovar o dialogar con la tradición.

La idea de tradición que se renueva justo viene a acabar con esa visión maniquea que poco ayuda a comprender el fenómeno. El fin del arte canónico, el proceso de liberación del campo del arte, los cambios en el mecenazgo, la aparición de mercados de arte, la pieza de arte como una mercancía y con ello la necesidad de ser llamativo, han hecho que la propensión rupturista se exacerbe.

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rediles, esto es viven en cierta forma de contención constreñidos a ciertos límites de lo que es permitido. Pero, si atendemos a la historia, notaremos que los pocos logros, que como especie hemos tenido, no se deben al orgulloso borrego perdido en el anonimato de la masa, sino que se ha hecho a pesar de ellos, en contra de ellos, no obstante, las masas; en contra de la manada y sus consensos. En muchos sentidos los héroes de la cultura han sido quienes se han atrevido a ir más allá, o en contra de lo establecido como correcto o normal. La historia es larguísima y excede por mucho los límites de estas líneas, pero desde Moisés, Galileo, Einstein, la constante son personas que, basados en lo que se crea desde el consenso del rebaño, deciden dar pasos más allá y la Pablo Picasso y Pablo Neruda son dos historia los recuerda y reconoce por ellos. ejemplos de transgresión. El cubismo para Los millones de obedientes borregos, el primero y la «Residencia en la tierra» que han poblado la faz de la tierra, jamás para el segundo, muestran dos modos se han atrevido a descubrir el mundo en que la transgresión en el ámbito de la existente, por encima de los consensos creación son el culmen para la expresión del rebaño. Y a lo largo de la historia de nuevas miradas, ante la insuficiencia resuelven curiosamente su condición; para hacerlo de las existentes. Los seres porque más o menos se dan cuenta de humanos vivimos en una suerte de que el anonimato en el que viven en la doble tensión. Una centrípeta, que nos boyada es una forma de visualizar el cohesiona, une, condiciona con respecto olvido en que se hundirán para siempre. al grupo social y a la pertenencia a ciertos espacios o grupos sociales; en contraparte está la centrifuga, que es la Transgredir, entonces, es un gesto que individual, del sujeto que busca tener, busca, que no se conforma, que crea y relativa independencia de la manada. no recrea. Es decir, incide en el mundo, Estas dos fuerzas contrarias, operan forzándolo para extraer, de él, lo que en el sujeto imprimiendo un complejo necesitamos. Y sino está en él, nos da la dinamismo entre el papel individual y el posibilidad de crearlo. De algún modo colectivo. Algo que olvidan, quienes están toda transgresión es ir contra la idea de obsesionados con pertenecer a la manada, certidumbre y certeza, es poner a prueba; es que los rebaños humanos viven entre es asestar martillazos a las certezas, para

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ver cuanto soportan estas certezas y para hacer posible una fisura, una rotura que posibilite extraer los pliegues, las pistas, los hilos de los cuales tirar y extraer elementos de esta compleja y cambiante realidad. Heracliteanamente hablando, la transgresión es esfuerzo por poner a tono la subjetividad con el devenir cambiante del ser.

Pero el mundo de la trasgresión quizá tenga que ver con quienes aborrecen y se contraponen a la dictadura de la corrección. La transgresión es la contraparte al purismo, con quienes se sienten seguros en sus bunkers de certidumbre. Y que, desde luego, no es coherente que, estando tan ciertos, se sientan amenazados por lo incierto.

La certeza de que el sol sale por el oriente o que los objetos son sometidos a la gravedad no están puestos en duda. Volar, no es desafiar la gravedad sino entender los principios que la hacen operar y usar otros principios que permitan usarla a favor. No se desafía la gravedad, sino los límites que nos impone y sacándole la vuelta hemos desarrollado mucha tecnología que nos permite desarrollar la aviación.

Quizá la transgresión está sobrevalorada y mal comprendida. Quizá es que nos perdemos en las tramas y urdimbres de nuestra propia condición gregaria, que nos da muy clara referencia de los límites y que, en general, no solemos ir contra ellos. Y cuando digo ir contra ellos no me refiero a la insensatez de la rebeldía sin causa, tampoco un llamado a actuar criminalmente, sino a la indispensable distancia crítica que permita no ser un insensato del consenso del rebaño. En el caso del arte, los estudios de Bourdieau sobre el tema dejan entrever el modo, como toda vanguardia es disidente y rupturista. Siendo la estrategia que sirven para colarse en el campo y volverse hegemónicas. Quizá, solo quizá, si dejamos atrás percepciones estáticas sobre el acontecer del mundo, podamos mejorar nuestra relación con el cambio, las disidencias y las rupturas.

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En un orden social, asimétrico y, estructuralmente, injusto, transgredir es una expresión ética, siempre que sea, el otro, el eje axiológico que oriente nuestro actuar.

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https://www.alamy.es/foto-michael-maier-escuela-alemana-nacimiento-de-pallas-de-zeus-cabeza-en-el-fondo-venus-y-apolo1618-grabado-de-atalanta-fugiens-o-atalanta-huyendo-113152860.html

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“LA HISTORIA DE MARUJA” Autorretrato, puesta en escena y simulacro Maruja Cancino (María Eugenia Cancino Chacón) (México)

Título: Maruja como Velma Kelly II Año: 2019 Técnica: Fotografía digital, acrílico, acuarela y grafito sobre papel Medidas: 55 x 55 cm

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temprana edad mostró interés tanto en la plástica como en la música. Cursó de manera simultánea la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (hoy Facultad de Artes y Diseño), de la cual se tituló en el 2011; y la Licenciatura en Canto

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La historia de Maruja es una serie de autorretratos que surgen de la inquietud por explorar identidades hipotéticas, donde se reconstruyen narrativas ficticias. Maruja, el personaje que protagoniza estas imágenes, que son la proyección de su autora que se incrusta en entornos que cuentan con un relato estructurado y un sentido delimitado, muy al contrario de la compleja e irreductible realidad. Las fotografías se realizan en un set casero, en el que la artista se caracteriza realizando breves actuaciones frente a la cámara, el trato que reciben las fotografías en su edición se completa la escenografía, vestuario y personajes secundarios que toma de fotografías encontradas en internet, estas imágenes editadas, se convierten en la referencia que ha de ser pintadas en una especie de ensamblaje que trasladándose de lo digital a lo plástico.

El resultado final es una imagen limpia, en la cual el autorretrato se convierte en una suerte de simulacro, en el que se obtienen emociones reales en un mundo de fantasía y podemos contemplar una imagen que rebasa los límites de la realidad. El poder de las obras de Maruja es el de sacar al espectador de su realidad, al contemplar una imagen que va del realismo a la teatralidad, debido a que los trazos que muestran la materialidad del color, las imágenes femeninas, mostrando diferentes facetas identitarias que se reflejan en un personaje.

Su obra nos muestra la conjunción de corporalidad usando de pretexto el lenguaje de la fotográfica y lo pictórico, Maruja suple a las protagonistas de historias que, de alguna forma forjaron una noción de enamoramiento, seducción, feminidad, miedo o nostalgia en los lugares desconocidos. Esta serie, para ella ha sido una confrontación con aspectos profundamente romantizados e idealizados en la percepción de la otredad y las expectativas autoimpuestas. La expresión “Maruja como…”, presente en el título de cada autorretrato, alude a los créditos de películas, donde alguien representa a otra persona, se la adueña haciendo suya su personalidad y su historia, logrando de esta manera fijarse en el imaginario colectivo. De igual forma se vuelve una insinuación de que la imagen de un modelo o un arquetipo; como lo sería el personaje de la heroína de alguna película u ópera, no es inamovible, colocándolo en un mar de múltiples potencialidades en las cuales podría tener tantas exégesis como identidades existan.

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en el Conservatorio Nacional de Música, de la cual egresó en el 2016. A lo largo de su desarrollo artístico ha buscado la alternancia y mutuo enriquecimiento conceptual de las disciplinas en las que se profesionalizó. Asimismo, su inquietud preponderante ha sido la transformación de su corporalidad en herramienta expresiva.

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Título: Maruja como Nefernefernefer Año: 2018 Técnica: Fotografía digital, acuarela y gouache sobre papel y objetos escaneados Medidas: 41.5 x 21 cm

Serie: Maruja como Butterfly Año: 2019 Técnica: Fotografía digital y lápices de color sobre papel Medidas: 169 x 112 cm

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Título: La boda de Maruja Año: 2019 Técnica: Fotografía, pintura dig Medidas: 41.5 x 41.5 cm

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gital y objetos escaneados

Título: Maruja como Liz Bennet, Alejandro como el Sr. Darcy Año: 2019 Técnica: Fotografía digital, acuarela y lápices de color sobre papel Medidas: 228 x 112 cm

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Título: Maruja como Mimì Año: 2020 Técnica: Fotografía digital, acrílico y gouache sobre papel Medidas: 51x29 cm

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ARGEO MONDRAGÓN (México)

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ara Argeo el espacio es contemplado como una extensión de nosotros mismos, siendo uno de los principales motivos de su producción artística, muestra un cuerpo imaginario que surge desde el interior y logra materializarse mediante la intención artística, a esa acción la llama “la relación entre espacio interno y el espacio externo. En el primero surgen todas las decisiones de lo que nos construye como individuos, la motivación política, el valor intrínseco de nuestra imaginación que nos define como entes vitales y que da forma a nuestras ideas, el amor a nuestro entorno y la digna rabia a su destrucción es ahí donde soñamos la arquitectura de nuestra vida. En el segundo espacio le damos vida a todo ese movimiento interno, como una necesidad de despertar a la relación que entre todos realizamos al vivir en el espacio vital conjunto.

Las formas del espacio siempre son dinámicas, por lo cual su obra es una investigación sobre el movimiento estático, la cinética imaginaria que es la que alimenta nuestra imaginación, colocándose justo en el punto donde la semiótica común se rompe para generar un constante e impermanente código de símbolos, que simplemente empuja al espectador en una manera omnipresente para concebir el entorno. Esta situación hace que el grafiti necesite volverse a investigar para entender sus múltiples facetas y posibilidades como materialidad plástica y transgresora del espacio público.

La obra de Argeo representa lo atroz, como sería las imágenes que materializa de Los Cantos de Maldoror, una obra literaria que nos habla de una revelación que parece exceder lo humano, ya que el personaje es un ser sobrehumano, arcángel del mal que viene a sembrar el terror de la forma más poética en la tierra, una obra que se convierte en desgarradora y que en ocasiones el personaje pasa de ser amado a ser odiado por sus acciones, mostrando las infinitas posibilidades de la maldad humana. Sin embargo, cuando vemos las imágenes de Argeo podemos contemplar una acción poética del dibujo, en donde lo atroz se convierte en un respiro agonizante que toma un cuerpo físico, en alguna pared o un pedazo de papel, para recordarnos que está ahí y que no se puede ocultar, de igual manera su demás obra otorga un suceso estético al espectador, envolviéndolo e invitándolo a pensar en que el grafiti no solo es un acto de resistencia, protesta social, o rayones sin sentido, es una estética urbana que nos recuerda que las leyes y políticas sociales no funcionan, que el espacio externo forma parte del interno y que es una apropiación más recordándonos que hay vida abandonada o en esta de precarización ahí, a quienes también hay que propiciarles un espacio estético en el cual el arte se inserta para recordarles que incluso en lo más atroz, lo efímero, lo inentendible y la vida misma… existe una belleza innata que no se debe de perder y Argeo nos lo recuerda con sus obras.

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Título: Buceando en la mente Año: 2010 Técnica: Ilustración digital

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Año: 2017 Técnica: Tinta Medida: 29.7 x 84 cm

Título: Fuck the system

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Título: Corazón de bestia (Detalle) Año: 2012 Técnica: Acrílico Medidas: 300x300 cm

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Título: Ilustración del libro “La grieta más oscura” Año: 2016 Técnica: Tinta china.

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Título: Se oyen ladrar los perros Técnica: Grafito y tinta Medidas: 75.7 x 57 cm

Título: Cuando llegué a ti Año: 2017 Técnica: Acrílico Medidas: 38.1 x 27.9 cm

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Título: Quiero reír como los demás Año: 2016 Técnica: Tinta y grafito

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XIMENA GORDILLO LÓPEZ (México)

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imena Gordillo López nació en Ciudad de México (2002). Su producción artística, así como, la formulación de su pensamiento plástico se ha enfocado en la reflexión, que tiene el papel del arte en la actualidad y su reivindicación en la sociedad. De igual manera, su propuesta dentro de las artes visuales tiene el propósito de realizar una crítica en torno a la concepción y representación del cuerpo, principalmente por la manera en la que los medios de comunicación e información, de alguna manera afectan las relaciones entre los sujetos; ocasionando problemas psíquicos que tienen como consecuencia la ruptura en la noción de la realidad. Pone de manifiesto que uno se cuestión acerca del lugar y la importancia de la identidad individual en la sociedad contemporánea. Ha participado en dos exposiciones colectivas y han sido publicadas algunas de sus obras en diversas revistas digitales.

En su obra podemos encontrar elementos comunes, que son sacados de su contexto habitual, que mediante el arte se le otorga un sentido, acompañado del orden, haciendo en sus composiciones una especie entre el collage y el object trouvé, acompañado de trazos caligráficos en tinta, haciendo una lectura interesante de la misma, perdiéndote en un mar de imágenes que te llevan al centro, por este motivo de su composición, el espectador termina viendo toda la obra de manera inconsciente. Es importante mencionar que su propuesta a tan corta edad y trayectoria es prometedora, puesto que se encuentra un estilo personal de la artista, que hay que ver cómo evoluciona con el transcurso del tiempo, aunado a sus intenciones y reflexiones, así como al conocimiento pleno del material.

Título: Espejo I Año: 2020 Técnica: Collage (detalle) Medidas: 1.10 m x 1.30 m

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Título: Liberación Año: 2020 Técnica: Técnica: mixta Medidas: 56 cm x 1.26 cm

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Serie: Asenso Año: 2020 Técnica: Técnica: mixta Medidas: 56 cm x 1.26 cm

Título: Espejo III Año: 2020 Técnica: Collage (detalle) Medidas: 10 m x 1.30 m

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Título: Naturaleza Muerta Año: 2020 Técnica: Técnica: mixta Medidas: 8 cm x 8 cm

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Serie: Hermafrodita Año: 2020 Técnica: Ilustración Medidas: 15 cm x 10 cm

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RODRIGO PRIAN- GARCÍA (México)

Título: Proyecto de cremación Año: (2008-2019), 2020 Técnica: Una caja de cristal con las cenizas que sobraron de quemar todos mis cuadernos de apuntes, dibujos, bocetos y obra que hice sobre papel desde 2008 hasta 2019

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rtista conceptual de medio tiempo. Su obra habla del paso del tiempo, de las cosas que hizo o deshizo y de otros fracasos felices como de cuando quiso ser piloto, pero termino dedicándose a las artes. A partir de estas situaciones se posiciona para construir un autorretrato en tercera persona y dejar de esta manera algunas huellas. Su obra tiene como motor “la fuerza poética de lo inútil, es, un abrazo al fracaso latente: el de la representación y el de su carrera”; como si de una obra de teatro se tratara; la comedia y la tragedia chocan en la ilustración de la condición humana y su absurda existencia.

Para él ser un artista conceptual es, ser un burócrata de lo simbólico, administrador de gestos, obrero de la imagen, pero sobre todo “un bueno para nada”, esa se convierte en su materia prima y sus obras se convierten en monumentos a ella. Tumbas vacías de imágenes, vestigios de acciones 50

Título: 204

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A consecuencia de todo esto, se habla de que la obra es un registro del paso de Rodrigo por el mundo, evidenciando que alguna vez estuvo ahí, que hizo lo que pudo con lo que tuvo. Algunas de sus obras hacen referencia directa a la historia del arte, quiños a obras y artistas como On Kawara, Bas Jan Ader, Teching Hsieh, entre otros, algunos de los cuales han sido pilares en su proyecto artístico de la vida cotidiana. Sus obras son una crítica al dogmatismo de la representación, ponen en funcionamiento un mecanismo intelectual, en el que las narrativas tienden a cero y el espectáculo visual no fue invitado.

4 páginas sobre arte conceptual Año: 2017 ca: Libro sobre arte conceptual borrado con solvente

Título: A life on the ocean wave Año: 2018 Técnica: Barquitos de papel hechos con diplomas de exhibiciones de arte

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monótonas, pero con lo simbólico a cuestas, los restos de las ideas que se desplazan entre objetos que estaban completos y pasaron por el proceso de desproducción, por lo tanto, son “borrados, pulverizados, desaparecidos o silenciados. Otras acciones que pretenden llegar a nada, para señalar la ausencia y enunciarla en voz alta.

Título: El álbum familiar Año: 2019 Técnica: Fotografías del archivo familiar intervenidas, los personajes han sido borrados

Título: Bueno para nada Año: 2018 Técnica: Tarjetas de presentación con mis datos de contacto al reverso

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Título: Me levanté Año: 2019-2020 Técnica: El registro de la hora en la que me levanté durante el lapso de un año, cada registro va acompañado de una fotografía desde la ventana más cercana escribiendo la fecha y el lugar donde me encontraba. El registro se hizo de 1/3/2019 a 1/3/2020

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EAST TRIP Aleksandr Agafonov (Rusia)

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ace en Rusia en 1984, actualmente reside en Republica Checa. El tiempo y su toque es lo que siempre le intereso desde sus años escolares, posteriormente la fotografía principalmente la analógica se convirtió en una extensión de interés para el estudio de la historia. La fotografía tiene la dimensión de “documentar” la realidad, sus viajes y experiencias de vida. Tiene una gran preferencia por la fotografía análoga debido a que no considera el código digital y la señal desmaterializada para realizar “documentación”, debido a que es información que se puede perder con facilidad. La fotografía análoga y sus procesos le enseño a ser atento y paciente, siendo más interesante el trabajo en cuarto oscuro, revelando los rollos y permite tener un toque artístico, sin necesidad de perder tanto tiempo frente a una computadora, para Aleksandr la fotografía análoga es una forma diferente de crear, siendo una herramienta confiable y probada. Viajar, explorar, ser voluntario, vivir en el extranjero, estudiar y conocer personas nuevas, todo se conecta firmemente con las fotografías que realiza y las historias que cuenta.

Las fotografías de East Trip, nos cuentan una historia trágica y bella que podemos leer al mismo tiempo que disfrutamos de las imágenes, nos cuentan el recorrido de un viaje, la perdida, la ausencia, incluso debo de decir que me sentí extrañamente familiarizada con la historia y la perdida, que toco mis fibras sensibles relacionadas con el duelo, removiendo mis memorias, haciéndome comprender que muchos artistas desembocamos nuestras perdidas familiares en obras de arte. La obra de Aleksandr y su historia nos recuerdan que el duelo se vive de muchas formas y siempre es sano expresarlo, que incluso como él lo narra con el tiempo continúa siendo parte de un absurdo.

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leksandr was born in Russia in 1984, currently resides in the Czech Republic. Time and his touch are what he has always been interested in since his school years, later mainly analog photography became an extension of interest for the study of history.

Photography has the dimension of ´documenting´ reality, their travels and life experiences.

He has a strong preference for analog photography because he does not consider the digital code and dematerialized signal to do ´documentation´, because it is information that can be easily lost. Analog photography and its processes taught him to be attentive and patient, working in a dark room being more interesting, revealing the films and allowing an artistic touch, without having to spend so much time in front of a computer, for Aleksandr analog photography is a different way of creating, being a reliable and proven tool. Traveling, 54

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The East Trip photographs tell us a tragic and beautiful story that we can read while enjoying the images, they tell us the journey of a trip, the loss, the absence, I even have to say that I felt strangely familiar with the history and loss, which touched my heartstrings related to grief, stirring my memories, making me understand that many artists end our family losses in works of art. Aleksandr's work and his story remind us that grief is experienced in many ways and it is always healthy to express it, that even as he narrates it over time it continues to be part of an absurdity.

Fichas tecnicas: Author: Agafonov Aleksandr.

Title: “East trip” Technique: all photographs were taken with Nikon F3 camera on negative color and negative black and white film during my journey from Prague to Moscow. After processing negatives were scanned on Epson scanner and prepared for digital printing.

Size: photographs can be printed on paper size A3+ or A2. Average resolution 4450x2950px.

Year: January-February 2019.

EAST TRIP (VIAJE AL ESTE) Aleksandr Agafonov Traducción por M. Dennisse Jiménez Díaz y Alejandro Nava López

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s un poco extraño nombrar esta serie de fotografías como “Viaje al Este”, incluso para los ciudadanos de Francia o los países bajos; por ejemplo, para ellos sería “un viaje de Este a Este”. Para ser más precisos de Republica Checa a Rusia; para muchos es solo un viaje desde Europa del Este (aunque los checos se enojan por ello, debido a que se consideran como parte de Europa Central.

Republica Checa está ubicado en el este y su extensión es del 75% de la zona.

t is quite strange to name this series of photographs as “EAST TRIP”, because even for the citizens of France or Netherlands, for example, that would be a trip “from East to East”. To be more precise, from Czech Republic to Russia. For many it is just a journey from East Europe (though Czechs get mad about it, as they consider themselves to be in Central Europe) Czech Republic is located in the East of the continent and its extension takes 75% of the zone.

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exploring, volunteering, living abroad, studying, and meeting new people, it all connects firmly with the photos he takes and the stories he tells.

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Aleksandr Agafonov East Trip 1. 2019

A modo de aclaración; soy un fotógrafo documental nacido en el Noreste de Rusia en la región de Leningrado y crecí en San Petersburgo.

En la primavera de 2017 me mude a Republica Checa para realizar mis estudios universitarios.

Durante este periodo me mantenía en contacto con mis familiares y amistades; solía realizar dos viajes al año a mi tierra natal, en verano e invierno con una duración de dos semanas. Sin embargo, a principios del 2019 el viaje a Rusia fue un poco especial.

To make it clear, I am a documentary photographer, who was born in North-East of Russia, in Leningrad region and raised in Saint-Petersburg. In spring 2017, I moved to Czech Republic to do my university studies.

To keep in touch with my family and friends, I used to make 2-week trips to my hometown every winter and summer. However, At the beginning of the year 2019 the trip to Russia was a little special.

Remembrando un poco y para comenzar, en el año 2018 estuve de intercambio Erasmus en Francia. A pesar de que la Republica Checa y Francia son parte de la Unión Europea; entre ambos países se encuentra un gran abismo de diferencias culturales, de pensamiento, económico y grandes diferencias políticas.

First, back in 2018/2018 I was on the Erasmus exchange program in France. Though, Czech Republic and France are in the same European Union, but between them there’s an abyss of cultural, mental, economic, and politic differences. Sometimes it seems that there is

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Comencé a documentar el viaje en Usti nad Labem, una pequeña ciudad de República Checa, ubicada cerca de la frontera con Alemania; el lugar en donde se encuentra ubicada la Universidad donde solía estudiar, tenía solo tres rollos de película; uno a color y dos en blanco y negro junto con mi única cámara una Nikon F3 HP. Por lo tanto, las fotografías a color las tomé en República Checa y las monocromas las realicé en Rusia.

a difference of 15 or more years. Second, to make “cultural shock” from transition from France to Russia less traumatic, I took a plane to Czech Republic to catch up with my classmates first and then a plane from Karlovy Vary to Moscow. Third aspect was that I decided to reflect on the whole journey as if I was a person from France.

Just trying to have a “fresh” look on wellknown cultures and countries. In addition, along the trip, fourth aspect- a quite tragic one, the whole story got mixed I started documenting the trip in Usti nad Labem, a small town in Czech Republic, not far from the German border. A place, where the university I used to study, is located. I had just three rolls of film: one in color and two black and white. And my only Nikon F3 HP camera. I took the color photographs in the Czech Republic and the monochromatic ones in Russia.

East Trip Aleksandr Agafonov 2. 2019

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Algunas veces sentía que había una diferencia de 15 o más años, entre ambos países. En Segundo lugar, para hacer menos traumático el “choque cultural” de la transición de Francia y Rusia, tomé un avión a la República Checa para alcanzar a mis compañeros de clase de primero y luego un avión de Karlovy Vary a Moscú. El tercer aspecto de este viaje fue mi decisión de reflejar todo el viaje como si fuese un francés; justo trato de tener una mirada fresca y conocimiento de las culturas y países; como añadidura, a lo largo del viaje surge un cuarto aspecto bastante trágico, que se mezcló en toda la historia.

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Ese mismo día; tomé un tren de Usti nad Labem a Karlovy Vary, desde "la segunda ciudad más depresiva de toda la República" hasta el lugar del “balneario de cuento de hadas; ubicado al norte de la República Checa". Primero encontré una gran minoría de romaníes; segundo es bien conocido por mayoría de rusos y alemanes.

On the same day, I took a train from Usti nad Labem to Karlovy Vary. From “second most depressive town of the whole Republic” to the “fairytale spa resort place in North of Czech Republic”. First, I found a huge minority of Roman people, second well known for majority of Russians and Germans.

East Trip 3. Aleksandr Agafonov 2019

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I took a direct flight, operated by Russian Airlines which took me to Moscow. I have to admit that it is always stressful for me, to visit this huge and chaotic city. Due to the fact that I am used to the calm vibe of European towns and Saint-Petersburg, which stands for cultural capital of Russia. However, my sister got her own opinion about the “Northern Venice” and she moved to Moscow in 2001. Moreover, my parents were born in Moscow region and part of my relatives still live in a small town well known for mottled wool shawls.

East Trip 4 Aleksandr Agafonov. 2019

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Tome el vuelo directo de Russian Airlines, que me llevó a Moscú. Para esto, debo admitir que siempre me resulta estresante visitar esta enorme y caótica ciudad. Debido a que, estoy acostumbrado al ambiente tranquilo del que uno goza en las ciudades europeas y San Petersburgo, esta última representa la capital cultural de Rusia. Sin embargo, mi hermana tiene su propia opinión sobre “Venecia del Norte” y se mudó a Moscú en 2001. Además, mis padres nacieron en la región de Moscú y parte de mis parientes todavía viven en una pequeña ciudad conocida por sus chales de lana moteada.

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El motivo de mi viaje; por el cual tuve que ir a Moscú fue: para ayudar a mi madre a redecorar un pequeño piso de mi tía abuela.

Durante varios años mi madre la cuidó, a causa de que vivía lejos de mi hermana en Moscú y parientes de la región; Zinaida Semjonovna, ella era de carácter fuerte y no tenía hijos. Sin embargo, tuvo una carrera y vida interesante, vinculada con la fotografía científica, el cine documental y su trabajo en la Universidad Estatal de Moscú. Además de visitar a la familia, tenía planeado reunirme con mi viejo amigo, quien fue el que me introdujo y enseño a como trabajar en los procesos fotográficos analógicos y de cuarto oscuro. Se mudó a la capital en el 2018.

The reason why I had to go to Moscow was to help my mother to redecorate my greataunt’s little flat During several past years, my mother took care of her as she lived far from both, my sister in Moscow and relatives from the region of Zinaida Semjonovna in Moscow. She had a tough character and did not have any children. However,She had an interesting life and career, linked to scientific photography, documentary films and her work at Moscow State University. Besides visiting my family, I planned to meet my old friend, who had taught me how to work in the analogue photographic processes and in the dark room. He moved to the capital city in 2018.

Para esto; días antes de mi llegada, mi tía abuela ingresó en el hospital con el diagnóstico de accidente cerebrovascular. Durante las 2 semanas en Moscú y Zelenograd, con mi madre, realizamos varios viajes al piso de mi tía abuela y trabajamos duro para renovar la cocina. Por lo tanto, Zinaida Semjonovna, mi tía abuela, cuando saliera del hospital se alegraría de ver su cocina reparada y con un aspecto impecable. Mi madre estaba en contacto con los médicos del hospital casi todos los días.

En la noche en la que finalmente terminamos nuestro trabajo que nos tomó entre 4 o 5 días, no podíamos conciliar el sueño, teníamos ansiedad y sueños extraños. Temprano por la mañana, recibimos una llamada telefónica del hospital en la que nos anunciaban que mi tía abuela Zinaida Semjonovna estaba muerta.

Posteriormente a la noticia vinieron días estresantes en los que debíamos tener todo listo para el funeral, de igual manera notificar a todas las instituciones oficiales; por lo cual la solicitud de la herencia y sus respectivos tramites comenzaron. No sé por qué; pero esa fatídica mañana en la que recibimos la inesperada llamada telefónica del hospital, la asocie con una fotografía, de ese montón de imágenes relacionados con la decoración para árboles navideños en el piso.

Few days before my arrival my great-aunt got in a hospital with a stroke diagnosis for 2 weeks in Moscow and Zelenograd. My mother and I made several trips to my great-aunt’s flat and we worked hard to renew the kitchen.

Therefore, when Zinaida Semjonovna, left the hospital she would be glad to see her kitchen repaired and neat. My mother was in touch with the doctors from the hospital almost every day. The night when we finally finished our work in the kitchen that took us 4 or 5 days, both of us could not fall asleep and had anxiety and strange dreams. Early in the following morning, we received a phone call from the hospital, Zinaida Semjonovna had died. After the news, stressful days showed up we had to have everything ready for the funeral we also had to notify all official institutions and the application of the inheritance started. I do not know why, but that morning when we received the phone call from hospital, I did associate it with a photograph that pictures a bunch of Christmas tree decoration on the floor.

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East Trip 6 Aleksandr Agafonov . 2019

East Trip 9 Aleksandr Agafonov. 2019

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Al respecto puedo decir que la experiencia más agotadora fue; el día del funeral. En la que hubo una especie de prisa, pero en realidad todo parecía una gran industria. Una “Industria” organizada que se da en torno a la muerte. En el lugar, en donde se llevó a cabo la ceremonia (tanto como en la oficina de la empresa funeraria, el salón de ceremonias, el taller de madera y el depósito de cadáveres en el patio trasero) había otras familias, de las cuales algunas recién llegaban, otras ya se iban. Los acompañantes a los duelos que se encontraban esperando; fueron llamados al salón, uno por uno, este llamamiento dependía de quien fuera el propietario del ataúd siguiente colocado en el centro del salón. Este gran absurdo continuó en el Cementerio; en el cual las brigadas de trabajadores no pudieron continuar cavando para las nuevas tumbas y sepultando ataúdes.

The Most exhausting experience was the day of the funeral. There was some kind of rush.

Actually, it all looked like a huge industry.

“Industry” organized around death. At the place, where the ceremony took place (both the office of the undertaker company, the ceremony the hall, the wooden workshop and the morgue in the back yard) on that day there were several other families. Some were just arriving, some already leaving. The Ones, who were waiting, were called to the hall one by one, depending on whose coffin was next in the centre of the hall. This absurd situation continued at the cemetery. Brigades of workers could not keep up digging new graves and burying coffins.

East Trip 7. Aleksandr Agafonov 2019

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We arrived to Moscow late evening. I packed my backpack.

East Trip 8 Aleksandr Agafonov. 2019

A la mañana siguiente, era mi cumpleaños y de igual forma tenía que tomar el avión de regreso a República Checa…

Next morning It was my birthday and an airplane took me back to the Czech Republic….

East Trip 5 Aleksandr Agafonov. 2019

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Arribamos a Moscú durante la última hora de la noche, me dispuse a empacar mi mochila…

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Por la noche, mis amigos me llevaron al pub a tomar unas cervezas, pero me costaba entender lo qué estaba pasando.

In the evening, my friends took me out to the pub for beers, but it was hard for me to understand, what was going on.

Por alguna razón incluso ahora, tomé todos esos tres rollos de película como si fuese uno.

No puedo percibir un solo rollo o una sola imagen en particular. Debido a que todas esas imágenes se convirtieron en un cortometraje absurdo.

Somehow, even now, I took all those three rolls of film as one. I cannot perceive just one particular roll or a single picture. It all turned into one absurd short movie.

Ilustración 10 - East Trip 10 Aleksandr Agafonov. 2019

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(Ucrania)

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ace en Odesa, Ucrania en 1979. Se desempeña en el campo de la pintura, escultura y multimedia. El tema central de su obra es la ecología y el impacto del consumo humano y sus tipos de consecuencias que tiene en el medio ambiente y en nosotros.

En las imágenes, esto se manifiesta en la esencia humana, tal y como es, en su opinión, en el momento dado del desarrollo. De igual manera aborda el tema de la evolución y sus manifestaciones, vinculado con las tecnologías y su influencia, así como, los posibles temas de su manifestación. A consecuencia de esto, en el proyecto “Evolución” toca el tema de la posible teletransportación, vinculado al rápido desarrollo y penetración en todos los aspectos de la actividad humana, creando sus propias realidades, una tras otra, que son superpuestas al mundo real, que invitan al espectador a sumergirse en la realidad alternativa que Kateryna crea; en estas realidades la imaginación se cruza con su obra literaria, el diseño de ropa y sus complementos.

Sus pinturas, recuerdan a las imágenes de piedras fosilizadas, sencillas, coloridas, incluso parecieran grabado en Xilografía, su iconografía incluso se podría asociar a la cultura mexicana y su tradicional día de muertos en donde los esqueletos, llevan flores y adornos coloridos, es por esta razón que su lectura y simbolismo resulta fácil de asociar

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ateryna was born in Odessa, Ukraine in 1979. She works in the field of painting, sculpture, and multimedia. The central theme of his work is ecology and the impact of human consumption and the types of consequences it has on the environment and on us. In the images, this is manifested in the human essence, as it is, in her opinion, at the given moment of development. She likewise addresses the issue of evolution and its manifestations linked to technologies and their influence, as well as the possible themes of its manifestation. As a result of this in the "Evolution" project, she touches on the issue of possible teleportation, linked to the rapid development and penetration of all aspects of human activity, creating their own realities, one after another reality; which are superimposed on the real world, that invite the viewer to immerse themselves in the alternate reality that Kateryna creates; in these realities the imagination intersects with his literary work, the design of clothes and her accessories.

His paintings are reminiscent of the images of fossilized stones, simple, colorful, they even seem to be engraved in woodcut, his iconography could even be associated with Mexican culture and its traditional Day of the Dead where the skeletons carry flowers and colorful ornaments. Therefore, its reading

GALERÍA

SKELETON AS AN ECOSYSTEM- HOLD YOUR DREATH Kateryna Repa

con los daños causados al medio ambiente, la contaminación y la muerte. Sin embargo, sus obras toman un carácter especial de ensueño, que disfraza una cruel realidad que es el daño del medio y la vida silvestre, al ambiente ocasionada por la inconsciencia humana y sus ansias de desarrollo que lo destruye todo.

Serie: Skeleton “Stingray” Año: 2019 Técnica: Acrilico/ tela Medidas: 80 x 70 cm

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and symbolism is easy to associate with damage to the environment, pollution, and death. However, his works take on a special dreamy character, which disguises a cruel reality that is the damage to the environment and wildlife, to the environment caused by human unconsciousness and its desire for development that destroys everything.

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Serie: Skeleton “Gorilla” Año: 2018 Técnica: Acrilico/ tela Medidas: 50 x 100 cm

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Serie: Skeleton “Catdog” Año: 2019 Técnica: Acrilico/ tela Medidas: 80 x 60 cm

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Título: Skeleton “Fish” Año: 2020 Técnica: Acrilico/ tela Medidas: 70 x 95 cm

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STAIRS Mila Gvardiol (Servia)

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ace en Belgrado Serbia en 1979.

Mediante su trabajo en las artes visuales, explora la arquitectura y las formas abstractas que se pueden derivar de ella. Encuentra su inspiración en las formas geométricas y los elementos estructurales dentro de la arquitectura como si fuese una gran galería de esculturas; ella no es contemplada como parte rutinaria de la vida más bien Mila las contempla como una entidad que se encuentra sola, de lo que encuentra como una sección intrigante, realiza formas abstractas que se convierten en estructuras dentro de sus pinturas; dichas composiciones adquieren una escala independiente que colocan al espectador a pensar sobre elecciones, decisiones u objetivos; la serie “Stairs” presenta una serie de cuadros de grandes dimensiones, la imagen dentro de la composición muestra un segmento de las escaleras, siendo la inmortalización de la imagen estática que es en sí misma una escalera dentro de la estructura de un edificio o una casa. Sin embargo, esa imagen para quien la observa encuentra una opción de pensar, imaginar movimientos y tomar decisiones hacía donde se debe de dirigir.

Es decir, el espectador se debe de cuestionar si ¿debe de subir o bajar? O incluso ir en otra dirección; por lo tanto, la obra se convierte en una especie de suerte que invita a reflexionar sobre nuestro proceder para alcanzar metas, deseos y afinidades, las escaleras son un medio para ir a la cima o en su caso para descender.

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ila was born in Belgrade Serbia in 1979. Through her work in the visual arts, she explores architecture and the abstract forms that can be derived from it. She finds her inspiration in geometric shapes and structural elements within architecture as if it were a large gallery of sculptures; she is not seen as a routine part of life, rather Mila contemplates them as an entity that is alone, of what she finds as an intriguing section, she makes abstract forms that become structures within her paintings; these compositions acquire an independent scale that places the viewer to think about choices, decisions or objectives; the series "Stairs" presents a series of large-scale paintings, the image within the composition shows a segment of the stairs, being the immortalization of the static image that is itself a staircase within the structure of a building or a home. However, that image for those who observe it finds an option to think, imagine movements and make decisions towards where it should be directed.

That is, the viewer must question whether he should go up or down? Or even go in another direction; therefore, the work becomes a kind of luck that invites us to reflect on our way of achieving goals, desires and affinities, the stairs are a means to go to the top or, where appropriate, to descend.

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Título: Stairs Año: 2020 Técnica: Acrylic on canvas Medidas: 140 x 110 cm

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Título: Stairs 3 Año: 2020 Técnica: Acrylic on canvas Medidas: 140 x 110 cm

Título: Stairs 2 Año: 2020 Técnica: Acrylic on canvas Medidas: 140 x 110 cm

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Título: Stairs 4 Año: 2020 Técnica: Acrylic on canvas Medidas: 140 x 110 cm

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Título: Stairs 5 Año: 2020 Técnica: Acrylic on canvas Medidas: 140 x 110 cm

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Título: Stairs 6 Año: 2020 Técnica: Acrylic on canvas Medidas: 140 x 110 cm

Título: Stairs 10 Año: 2020 Técnica: Acrylic on canvas Medidas: 140 x 110 cm

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ODA Por: Daniel Carpinteyro

A

En cada acción diez odinómetros les aventajan

Günter Bruss,

sobre las otras artes, Mártires Artistas,

Seven Jason Leyba,

sobre las tumbas de las otras artes

Frida Con Todo Mi Odio,

Marchan las botas industriales del futuro Canon:

y a la Congelada de Uva.

el Mester de tanatología:

Artistas como reses en el rastro

Atreverse a ir a saquear el Arte

Artistas como hígados convulsos

Descendiendo más y más en el Esófago.

Yo me detengo ante el umbral de su dolor Ustedes me hacen ver, Artistas, incognoscible nuestra ubicación: Les veo abstraer esas neuralgias con serenidad tan grácil El vértice del tiempo humano.

Que me siento vivo

Me hacen ver que para ver qué nos espera,

En su muerte yo me siento vivo.

hay que licuarnos de una vez por todas.

Con viva urgencia de empinarme ante la muerte.

En cada acción un paso al Gesto,

LITERATURA

Emancipador y radical Gesto

Yo saludo el embeleso de sus pieles de apropiarse el albedrío del cuerpo, reventadas. de la conciencia propia, del suplicio Querría adorarlas extendidas como lienzos de la llaga propia, Estado, que no es tuyo suspendidos por hilos metálicos mi albedrío de exacerbarme en un o desplegar esa maceración de símbolos Significado Descarnado. negruzcos sobre el hasta de una bandera somalí

Mártires Artistas del extremo de los tiempos,

a condición de ser la más feroz y desafiante tormenta sanguínea de transformaciones corporales.

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les saludo con el labio de mi herida anómala.

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RUXANDRA MITACHE (Montreux Suiza)

THE PROTOTYPE

T

ime

in slow motion

to our eyes

an abstraction

the prototype

DIAGRAMS

D

iagrams

four

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occasionally two

as one

is to be in all

LITERATURA

together

CONVOCATORIAS

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CALL OF PAPERS “arte y pedagogía” La revista digital arbitrada Coup de arte contemporáneo convoca a artistas e investigadores que se encuentren interesados en la publicación de artículos e investigaciones que tengan envergadura en arte y pedagogía a participar en su “Call of papers” abierta hasta el 15 de Junio del año en curso.

Los artículos, reseñas y ensayos deben respetar las siguientes características:

•Deberán estar en formato Word

•Tipografía Times New Roman a 11pt, con interlineado de 1,5

•Incluir título al inicio del documento.

•Resumen de 300 palabras en español e ingles

•Incorporar algunas palabras clave. Se sugiere entre 5 y 7 palabras clave

•El sistema de citas debe respetar la norma internacional APA (American Psychological

Association). Por ello, las notas al pie de página deben ser utilizadas sólo para comentarios y

consideraciones complementarias al cuerpo central del texto. Para mayores referencias sobre el

sistema de citación solicitado, se sugiere visitar el sitio web http://normasapa.com

•En caso de que el documento contenga imágenes, están deben de respetar los derechos de autor,

las imágenes, de haberlas, deben estar debidamente citadas y estar incorporadas al cuerpo del texto

de igual manera deben de ser enviadas en formato .jpg a tamaño carta en máxima resolución.

•La extensión mínima será de 4 cuartillas y máximo de 12, más la bibliografía correspondiente.

•El archivo deberá ser nombrado: Ensayo/ Reseña/ Artículo (dependiendo del caso) y titulo

•El envío no ha sido publicado previamente y tampoco se ha enviado previamente a otra revista (o

se ha proporcionado una explicación en Comentarios al editor).

Al participar aceptan cualquier cambio que se sugiera por los árbitros. Al mismo tiempo aceptan los cambios realizados para su publicación por el equipo editorial de la revista Coup de arte contemporáneo.

Los autores/as deberán cerciorarse de que su envío cumpla con las características anteriores. Se devolverán a los autores/as aquellos envíos que no cumplan estas directrices.

NOTA: En un solo documento aparte deberán enviar una breve semblanza y reseña académica con lo más relevante de la trayectoria del autor y datos de contacto, del mismo modo debe de especificar si se publica bajo un seudónimo y contener el nombre completo del autor.

Enviar una fotografía Retrato del autor, tamaño A4 a 200 pixeles por pulgada para el directorio de la revista.

Los archivos deberán ser enviados como datos adjuntos, al siguiente correo: coup.arte@gmail.com En el asunto del correo favor de colocar: “arte y pedagogía” y el nombre del autor.

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COUP

La revista digital arbitrada Coup de arte contemporáneo convoca a artistas e investigadores que se encuentren interesados en la publicación de artículos e investigaciones que tengan envergadura en arte y cine documental a participar en su “Call of papers” abierta hasta el 30 de Agosto del año en curso.

Los artículos, reseñas y ensayos deben respetar las siguientes características:

•Deberán estar en formato Word •Tipografía Times New Roman a 11pt, con interlineado de 1,5 •Incluir título al inicio del documento.

•Resumen de 300 palabras en español e ingles •Incorporar algunas palabras clave. Se sugiere entre 5 y 7 palabras clave •El sistema de citas debe respetar la norma internacional APA (American Psychological Association). Por ello, las notas al pie de página deben ser utilizadas sólo para comentarios y consideraciones complementarias al cuerpo central del texto. Para mayores referencias sobre el sistema de citación solicitado, se sugiere visitar el sitio web http://normasapa.com •En caso de que el documento contenga imágenes, están deben de respetar los derechos de autor, las imágenes, de haberlas, deben estar debidamente citadas y estar incorporadas al cuerpo del texto, de igual manera deben de ser enviadas en formato .jpg a tamaño carta en máxima resolución.

•La extensión mínima será de 4 cuartillas y máximo de 12, más la bibliografía correspondiente.

•El archivo deberá ser nombrado: Ensayo/ Reseña/ Artículo (dependiendo del caso) y titulo •El envío no ha sido publicado previamente y tampoco se ha enviado previamente a otra revista (o se ha proporcionado una explicación en Comentarios al editor).

Al participar aceptan cualquier cambio que se sugiera por los árbitros. Al mismo tiempo aceptan los cambios realizados para su publicación por el equipo editorial de la revista Coup de arte contemporáneo.

Los autores/as deberán cerciorarse de que su envío cumpla con las características anteriores. Se devolverán a los autores/as aquellos envíos que no cumplan estas directrices.

NOTA: En un solo documento aparte deberán enviar una breve semblanza y reseña académica con lo más relevante de la trayectoria del autor y datos de contacto, del mismo modo debe de especificar si se publica bajo un seudónimo y contener el nombre completo del autor.

Enviar una fotografía Retrato del autor, tamaño A4 a 200 pixeles por pulgada para el directorio de la revista.

Los archivos deberán ser enviados como datos adjuntos al siguiente correo: coup.arte@gmail.com En el asunto del correo favor de colocar: “cine documental” y el nombre del autor.

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CONVOCATORIAS

CALL OF PAPERS “cine documental”

CONVOCATORIAS

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CALL OF PAPERS La revista digital arbitrada Coup de arte contemporáneo convoca a artistas e investigadores que se encuentren interesados en la publicación de artículos e investigaciones que tengan envergadura en arte y sus entrecruces con otras disciplinas, del mismo modo participan artículos filosóficos y; arte y pedagogía a participar en su “Call of papers” abierta permanentemente.

Los artículos, reseñas y ensayos deben respetar las siguientes características:

•Deberán estar en formato Word

•Tipografía Times New Roman a 11pt, con interlineado de 1,5

•Incluir título al inicio del documento.

•Resumen de 300 palabras en español e ingles

•Incorporar algunas palabras clave. Se sugiere entre 5 y 7 palabras clave

•El sistema de citas debe respetar la norma internacional APA (American Psychological

Association). Por ello, las notas al pie de página deben ser utilizadas sólo para comentarios y

consideraciones complementarias al cuerpo central del texto. Para mayores referencias sobre

el sistema de citación solicitado, se sugiere visitar el sitio web http://normasapa.com

•En caso de que el documento contenga imágenes, están deben de respetar los derechos de autor,

las imágenes, de haberlas, deben estar debidamente citadas y estar incorporadas al cuerpo del texto,

de igual manera deben de ser enviadas en formato .jpg a tamaño carta en máxima resolución.

•La extensión mínima será de 4 cuartillas y máximo de 12, más la bibliografía correspondiente.

•El archivo deberá ser nombrado: Ensayo/ Reseña/ Artículo (dependiendo del caso) y titulo

•El envío no ha sido publicado previamente y tampoco se ha enviado previamente a otra

revista (o se ha proporcionado una explicación en Comentarios al editor).

Al participar aceptan cualquier cambio que se sugiera por los árbitros. Al mismo tiempo aceptan los cambios realizados para su publicación por el equipo editorial de la revista Coup de arte contemporáneo.

Los autores/as deberán cerciorarse de que su envío cumpla con las características anteriores. Se devolverán a los autores/as aquellos envíos que no cumplan estas directrices.

NOTA: En un solo documento aparte deberán enviar una breve semblanza y reseña académica con lo más relevante de la trayectoria del autor y datos de contacto, del mismo modo debe de especificar si se publica bajo un seudónimo y contener el nombre completo del autor.

Enviar una fotografía Retrato del autor, tamaño A4 a 200 pixeles por pulgada para el directorio de la revista.

Los archivos deberán ser enviados como datos adjuntos, al siguiente correo: coup.arte@gmail. com En el asunto del correo favor de colocar: “call of papers” y el nombre del autor.

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La revista digital Coup de arte contemporáneo invita a artistas visuales, plásticos, fotógrafos y diseñadores que quieran publicar su obra; a enviar una selección mínimo 5 fotografía máximo 10 con las siguientes características:

•Categorías que incluyen: Pintura, dibujo, ilustración. fotografía, escultura, instalación, performance y new media, collage, Street art, arte digital, arte textil, ilustración, diseño y novela gráfica, en caso de ser video, enviar fotografías y el link para ver el video.

•El formato de las imágenes debe de ser tamaño carta, formato retrato o paisaje, dependiendo de las necesidades de la obra •La resolución de las imágenes debe de ser de alta calidad (150 dpi o más) •Las imágenes deberán ser guardadas por el nombre de la pieza o numeradas.

•Deberán estar en una carpeta dentro de un único archivo “Zip” •Subido a una plataforma: Mega, DropBox o Google drive o por correo electrónico

Enviar link del archivo en un correo junto con un archivo Word donde contenga la siguiente información:

•Ficha técnica de la pieza(s): autor (nombre completo y seudónimo), técnica, medidas, año (estas deberán estar numeradas) •Breve semblanza curricular que contenga lo más relevante de su trayectoria artística, no mayor a una cuartilla.

•En caso de ser necesario una breve descripción de la pieza o las piezas.

•Una fotografía del autor formato A4 a una resolución mínima de 200 pixeles por pulgada para el directorio de la revista

Al participar en la convocatoria aceptan los términos y condiciones expuestos aquí.

Si las imágenes no cumplen los requisitos serán descartadas inmediatamente.

Nuestras convocatorias no tienen cuota de participación.

Los archivos y el link deberán ser enviados al correo coup.arte@gmail.com

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CONVOCATORIAS

PUBLICACIÓN DE OBRA ARTISTICA Y DISEÑO

CONVOCATORIAS

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CALL FOR ARTISTIC WORK

Coup visual magazine online invites artists worldwide to participate in the Coup magazine of contemporary art and the publication of this artistic or design work, in the next issues of the Coup magazine.

•The categories include: •Painting •Photography

•Sculpture and installation art

•Performance and new Media •Collage

•Street art

•Textile art

•Digital art •Illustration Features:

•5 or 10 Photography of each work in high resolution, in A4 format.

•The name of each photo is the title of the work.

•All photos may be in a unique zip file without password.

A Word document that contains the next information:

•Statement of artist

•Semblance of the artist

•Contact information

•Work certificate: author, title of the work, technique, size, year

•A photograph of the author in A4 format at in high resolution, for the magazine directory By participating in the call, you accept the terms and conditions set out here.

If the images do not meet the requirements, they will be discarded immediately Our call is free The files should be sent to the following email: coup.arte@gmail.com

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ENSAYOS Y ARTÍCULOS DE ARTES VISUALES

Analia Adorni Nacida en Argentina, estudié en la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires. Me estremecí la beca para artesanos de la región de Toscana y me mudé a Italia y continúo mis estudios en Centro Visual de Pietrasanta (Toscana) e Il Bisonte (Centro de Grabado de Florencia). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Argentina, Italia y otros países de Europa, así como de América y realizó exposiciones individuales en Island (Lhistus Art Gallery), Italia (Casa di Dante, Florencia) España (Residencia de Artes Cal Gras) y Argentina (Universidad de Ciencias Sociales). Realizo residencias de artes en Francia y mis obras de arte están en museos en Italia, Argentina y Ucrania. Actualmente su trabajo como artista atiende a reflexionar sobre las relaciones en tiempos de la COVID19. En estos días está viendo un control en la vida cotidiana de los ciudadanos y la necesidad de vigilancia. Su intención es reflexionar sobre el fuerte control en los movimientos, la vida y las relaciones de las personas, sanciones para los ciudadanos en caso de no actuar según las normas. Los Estados nacionales utilizan palabras como guerra, victoria, amigos y no amigos: en consecuencia, aparecen los fenómenos de distanciamiento social y aislamiento. Esta situación transforma la vida de la población y contribuye a crear paranoicos; pero, al mismo tiempo es un cambio positivo, porque este tiempo es una oportunidad para incrementar la solidaridad y las relaciones.

CONTACTO

E-mail: adornianalia@gmail.com Ig: @analiaadorniarts Fb: @analiaadorniarts

GALERÍA

Maruja Cancino (Ciudad de México, 1988)

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CONTACTO

E-mail: marusoprano24@gmail.com Ig: https://www.instagram.com/ marujacancino/?hl=es-la Fb: https://www.facebook.com/ maria.e.chacon.982

DIRECTORIO

Artista visual y cantante. Estudiante del Posgrado de Artes y Diseño de la UNAM. En las artes visuales se desempeñó como profesora adjunta del taller de fotografía de la ENAP y fue acreedora de una beca como parte de un proyecto PAPITT produciendo la serie fotográfica “Scénes” en el cual combino técnicas digitales y la fotografía estenopeica. En 2010 colaboro en la postproducción de “Creando ando” del Canal 22. Ha participado en varias exposiciones colectivas con fotografía y pintura. Exposición individual “… de ficción y otras cosas” realizada en la Casa Cultural Jesús Reyes Heroles, Coyoacán, CDMX. Como cantante de ópera ha interpretado varios roles, en producciones independientes, algunos son el protagónico en “La Bella y la Bestia” (Franz Von Suppé) con la ópera Sinfónica de Tlanepantla; el personaje de Butterfly del espectáculo Noises, en el Teatro de la Ciudad de México, que también se presentó en otras partes de la República Mexicana. Ha participado en recitales como solista, algunos de ellos son en la Sala Manuel M. Ponce, el MUNAL y el Palacio del Arzobispado. Fue vocalista del ensamble Quimera hasta el 2015. Participo en los Asaltos Operísticos de la UNAM en el STCM (2015). Participa en el elenco del proyecto Opera Cinema de la compañía Offenbach Operetta Studio, que es beneficiario del FONCA (2020)

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Argeo Mondragón Ferrer (Ciudad de México, 1986) En 2016-2017 y 2019-2020 recibe la beca de Jóvenes Creadores del FONCA. Estudió en la UNAM la carrera de Diseño; En 2015 se incorporó a la Maestría en Artes Visuales de la UNAM y recibió la beca de investigación-producción. Cursó un diplomado con Milo Manara.

Ha expuesto en CDMX en el Centro de la Imagen, el Carrillo Gill, MUCA, Museo Numismático Nacional, Galería CC186, galería Luis Nishisawa, Galería GAMA. CEART de San Luís Potosí. Bebeleche de Durango y en el Mission Cultural Center for Latino Arts en San Francisco, California, USA. Festivales del mundo como Art Basel Miami (2014), Concreto Brasil (2017), Up Fest Bristol (2015), C.A.L.L.E. y Pinta Malasaña en Madrid del (2016 ganando el segundo lugar), Festival Revueltas Durango 2018, Desarrolló el proyecto de Novela Arquitectónica en el edificio de Radio UNAM. Fue seleccionado primer lugar en el certamen de pintura universitaria de la UNAM y alcanzó el Top 10 en el concurso de Juxtapoz High Art. Ha trabajado como artista para Nike entre otras empresas.

Actualmente es muralista oficial de la Alcaldía Tlalpan dentro del marco de prevención del delito.

DIRECTORIO

Ximena Gordillo López (Ciudad de México 2002)

CONTACTO

E-mail: ximenaglpz@gmail.com FB:Ximena Gordillo Artista

Tomo clases de balé clásico acudiendo en la Academia Cubana de Danza Beiro Ballet durante 9 años. Su acercamiento a las artes plásticas fue a través de la práctica independiente y asistiendo a cursos desde los 14 años.

En el año 2019 participó en la curaduría de la exposición “Ampliando horizontes” en la galería “Creativeria”, exponiendo 3 obras, acompañó los textos escritos por Andrés Gordillo “incorporado” (2018) y “¿Leer la indocumentación? (2019), publicado en la revista digital Fuimos peces. Participo en la exposición “Interculturales” del Instituto Cultural Tampico (2020). La revista contratiempo en su numeró 149 publicaron 5 de sus obras. La revista Innombrable publico 8 de sus obras. La producción artística que ha elaborado hasta ahora y la formulación de su pensamiento se ha enfocado en la reflexión sobre el papel del arte en la actualidad y su reivindicación en la sociedad.

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CONTACTO

E-mail: oegra@hotmail.com Ig: https://www.instagram.com/ argeomondragon/ Fb: https://www.facebook.com/ argeo.ferrer

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Rodrigo Prian-García (México)

Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño (2012), UNAM y la Licenciatura en Producción de música Electrónica y Multimedia. Universidad de la Música GMarte (2009). Es Maestro en Investigación de artes visuales por el Posgrado de Arte y Diseño de la UNAM. (2019).

En 2014 fue residente en la residencia de producción de obra en “Oficina de Arte”. CDMX. Sus exposiciones individuales son “Rastros y vestigios. Una arqueología contemporánea de objetos borrados” en el Museo Universitario Leopoldo Flores, Toluca, Edo. de México (2020). “Sin título / favor de borrar” en Casa Vecina, CDMX (2017); y “En la vida cotidiana”. Oficina de Arte, CDMX. (2014). Dentro de su trayectoria cuenta con varias exposiciones colectivas, algunas son “Bienal Internacional de Arte Visual Universitario”. UAEM, Edo. Méx (2021); en 2020 participo en varias exposiciones en León Guanajuato, Méx. España- México en la exposición “Inmersos” y en el museo de Mazatlán, Méx.; entre otras. En el 2014 fue beneficiario del FONCA. Beca Jóvenes Creadores 2013-2014. Con el proyecto Paraísos nómadas; y participo en TAGCDMX en la presentación de portafolios de Behance realizado en el Centro Cultural Banamex, CDMX. Su obra ha sido publicada en diversos catálogos.

CONTACTO

E-mail: rodrigopriang@gmail.com Ig: https://www.instagram.com/ rodprian/ Web: https://www. rodrigopriangarcia.com/

Mila Gvardiol (Belgrado, Serbia 1979) Artista visual originaria de Serbia, Belgrado, estudio Artes Aplicadas en el departamento de pintura aplicada de Belgrado. Doctora en Arte Digital en el área de Estudios Interdisciplinarios de la Universidad de las Artes. Es miembro de la Asociación de Artistas Plásticos de Serbia y de la Asociación de Artes Aplicadas y Diseñadores de Serbia. Trabaja como profesor asociado en la Academia de Producción Digital en Sremska Kamenica y en la Academia de Artes Aplicadas en Belgrado.

Como artista ha participado en 250 exposiciones colectivas, así como festivales internacionales de arte digital y de bellas artes, ha sido premiada en múltiples ocasiones por sus pinturas.

CONTACTO

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DIRECTORIO

E-mail: gvardioli@yahoo.com FB: www.facebook.com/Gvardiol Ig: www.instagram.com/ mila.gvardiol Web: www.gvardiol.weebly.com

Visual artist originally from Serbia, Belgrade, studied Applied Arts in the applied painting department of Belgrade. She has a doctorate in Digital Art in Interdisciplinary Studies at the University of the Arts. She is a member of the Association of Plastic Artists of Serbia and the Association of Applied Arts and Designers of Serbia. She works as an associate professor at the Academy of Digital Production in Sremska Kamenica and the Academy of Applied Arts in Belgrade.

As an artist she has participated in 250 group exhibitions, as well as international festivals of digital art and fine arts, she has been awarded multiple times for her paintings.

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Aleksandr Agafonov (Sosnovy Bor, Russia 1984)

CONTACTO

DIRECTORIO

E-mail: agafonov.a.y@gmail.com Ig: https://www.instagram.com/ z._e._i._t._l._o._s/ Web: http://www.behance.net/ alexagafonov

Realizo sus estudios como Profesor de Historia y Profesor de Inglés; en el departamento de Historia y Ciencias sociales de la universidad Leningrand State University nombrada después como Pushkin A.S, en San Petersburgo, Rusia; de 2007 a 2008 realizo el curso en diseño de interiores en la institución privada “Divina Harmony” En San Petersburgo, Rusia. En 2010 realiza el curso de “Fotografía digital y equipo de estudio” en la Petersburg Photographic Society, de San Petersburgo. En el 2020 obtiene su grado de maestro por la Universidad Jan Evangelista Purkyně University in Ústí nad Labem de Republica Checa, Facultad de Arte y Diseño, en el programa de Bellas Artes, orientación en Fotografía y medios basados en el tiempo. Sus trabajos fotográficos han sido publicados en diferentes revistas, algunas son: #PHOTOGRAPHY, Online magazín. UK. Issue 6; septiembre 2013. Musecube, website. Rusia en los meses de octubre a diciembre de 2014. Tytuvenai regional park.

Archive of park. Lithuania. marzo- octubre 2015. En la revista online 205DPI, online magazín, UK, issu 33, enero 2017 y #PHOTOGRAPHY, online magazín, UK. Issue 19, abril 2017 Cuenta con algunas exposiciones individuales en Lituania, Rusia y Francia algunas de ellas son: “AT/RADIMAI”. Klaipėdos apskrities viešoji I.Simonaitytės biblioteka. Klaipeda. Lithuania. Octubre 2015; “Попутчики”. Творческое пространство “Принткафе”; en San Petersburgo Rusia, junio 2016, “Voyage”. ISBA Besancon; Besancon.France, junio 2019, entre otras, de igual manera cuenta con varias exposiciones colectivas realizadas en Republica Checa, San Petersburgo y Francia.

He completed his studies as Professor of History and Professor of English; in the department of History and Social Sciences of the Leningrand State University later named Pushkin A.S, in Saint Petersburg, Russia; from 2007 to 2008 he took a course in interior design at the private institution “Divina Harmony” in Saint Petersburg, Russia. In 2010 he took the course “Digital Photography and Studio Equipment” at the Petersburg Photographic Society, Saint Petersburg. In 2020 he obtains his master’s degree from the Jan Evangelista Purkyně University in Ústí nad Labem of the Czech Republic, Faculty of Art, and Design, in the Fine Arts program, orientation in Photography and time-based media.

His photographic works have been published in different magazines, some are: #PHOTOGRAPHY, Online magazine. UK. Issue 6; September 2013. Musecube, website. Russia in the months of October to December 2014. Tytuvenai regional park. Archive of park. Lithuania. March- October 2015. In the online magazine 205DPI, online magazine, UK, issu 33, January 2017 and #PHOTOGRAPHY, online magazine, UK. Issue 19, April 2017 He has solo exhibitions in Lithuania, Russia, and France some of them are: “AT / RADIMAI” .Klaipėdos apskrities viešoji I.Simonaitytės biblioteka. Klaipeda. Lithuania. October 2015; “Попутчики”. Творческое пространство “Принткафе”; in St. Petersburg Russia, June 2016, “Voyage”. ISBA Besancon; Besancon. France, June 2019, among others, also has several group exhibitions held in the Czech Republic, Saint Petersburg, and France.

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COUP

Kateryna Repa (Ucrania, Odesa, 1979) Estudio Hidrometeorológico en la Universidad de Odesa, Ucrania. Vive y trabaja en Odesa. Trabaja con pintura, gráficos, multimedia, escultura y arte objeto. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en Londres, Berlín, Italia, Estados Unidos, Corea del Sur, Ucrania, entre otros países; algunas de ellas son, exposiciones individuales; “Chek-in” en el museo de Arte Moderno de Odesa, Ucrania y “Manifest. Words of the people” en el Art- space Most Center de Odesa, Ucrania (2017); “Two sides” en el tea House Gallery, Odesa, Ucranía. (2014). Algunas de sus exposiciones colectivas son “Modified Routine, 1era Bienal Internacional de instalación y escultura, IAVPOA, Kaunas, Lituania (2021); “February” in Ankara, AREL galería de arte, Ankara, Turquía (2021); “Peace No Nukes” WILPF UK, Londres, Reino Unido (2021); “Art and Colors” galería virtual, México (2020); En la 24TH Mosaic Padam Chand Memorial, en la Happy School, Nueva Delhi, India (2020); entre otras. Algunas de sus obras son parte de colecciones privadas. Participo en el proyecto Falling Shadow, Jardines de Giardini, Venecia. Participo en la Bienal Colombia y Lutuania, la Feria G´ART de Seúl, Corea del Sur; en 2020 gano el tercer premio Internacional Leonardo Da Vinci” como artista universal. En 2016 publicó el libro impreso y electrónico “Las aventuras de Lucinda”, en ese mismo año participo en el Festival creativo abierto de Eurasia. En 2015 fue nominada al premio “Escritor del año”, permio literario Nacional. En 2019 fue galardonada con la medalla “Alexander Puskin” y fundo la marca homónima de ropa y accesorios para mujer.

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DIRECTORIO

She studied Hydrometeorological at the University of Odessa, Ukraine.

She lives and works in Odessa. She works with painting, graphics, multimedia, sculpture, and object art. She has participated in group and solo exhibitions in London, Berlin, Italy, the United States, South Korea, Ukraine, among other countries; some of them are individual exhibitions; “Chek-in” at the Museum of Modern Art in Odessa, Ukraine and “Manifest. Words of the people” at the Art-space Most Center in Odessa, Ukraine (2017); “Two sides” at the Tea House Gallery, Odessa, Ukraine. (2014). Some of her group exhibitions are “Modified Routine, 1st International Biennial of Installation and Sculpture, IAVPOA, Kaunas, Lithuania (2021); “February” in Ankara, AREL art gallery, Ankara, Turkey (2021); “Peace No Nukes” WILPF UK, London, United Kingdom (2021); “Art and Colors” virtual gallery, Mexico (2020); At the 24TH Mosaic Padam Chand Memorial, at the Happy School, New Delhi, India (2020); among other. Some of her works are part of private collections.

She participated in the Falling Shadow project, Giardini Gardens, Venice. She participated in the Colombia and Lutuania Biennial, the G´ART Fair in Seoul, South Korea; in 2020 she won the third “Leonardo Da Vinci International Prize” as a universal artist. In 2016 she published the printed and electronic book “Lucinda’s Adventures”, in that same year she participated in the Eurasia Open Creative Festival. In 2015 she was nominated for the “Writer of the Year” award, National literary award.

In 2019 she was awarded the “Alexander Puskin” medal and she founded the eponymous brand of clothing and accessories for women.

CONTACTO

E-mail: repik79@gmail.com Ig: https://www.instagram.com/ repakateryna Fb: https://www.facebook.com/ kateryna.repa Yt: https://www.youtube.com/user/ TheRepka79 Web: https://katerynarepa.wixsite. com/repa

TRANSGRESIÓN

LITERATURA

Ruxandra Mitache Montreux, (Suiza)

CONTACTO

DIRECTORIO

E-mail: ruxandra.mitache@gmail. com Ig: https://www.instagram.com/ ruxandra_mitache/ Fb: https://www.facebook.com/ ioana.musinchevici

Estudio en la Nicolae Grigorescu” Universidad de Bellas Artes de Bucarest y en el “Dimitrie Cuclin” de Artes de Bucarest, Rumania. Actualmente vive en Montreux, Suiza. Es miembro de Visarte Newcommer, Vaud, Suiza. Dentro de su trayectoria ha ganado diversos premios, algunos son Honorary Citizen Award, RO en 1997 y First Olympic Art Prize Cluj, RO en 1995. Su trabajo ha sido publicado en diversas ocasiones desde el 2005 a la actualidad, algunas de ellas son Drawing in Lockdown * 2 - Museum voor Actuele Kunst S.M.A.K, BE en 2021; Untitled Garden - Analog Photography - Book Findings on Light, Pars Foundation, Lars Muller Publishers, NL- CH, en 2016 y en 2005 en The World of the Blue Princess, Illustration, children’s book, Pro Foundation Publishing House, RO. De igual manera cuenta con numerosas exposiciones así como participaciones en festivales de videoarte .algunas de sus participaciones son, Untitled (Performance) - International Video Poetry Festival, GR 2021; Exotic Macro Structures - Seoul Metro International Film, KR, 2021; Untitled Ritual - Lisbon Film Rendezvous 2021, PT 2021; Digital Graffiti - International Moving Film Festival, IR; Window Tree - International Moving Film Festival, IR; Fitness - Group exhibition, Center Medical Lausanne Ouest, CH, 2020. Exotic Macro Structures ESMoA Video Art + Film Festival SPROUT, US; Untitled (Performance) - The Wrong Biennale, DK; Untitled (Ritual) - Polish International Film Festival, PL; y Untitled (Ritual) - Indie Visions Festival, IR en 2019.

She studied at the Nicolae Grigorescu “University of Fine Arts in Bucharest and at the” Dimitrie Cuclin “of Arts in Bucharest, Romania.

Currently lives in Montreux, Switzerland. She is a member of Visarte Newcommer, Vaud, Switzerland. Within her career she has won various awards, some are Honorary Citizen Award, RO in 1997 and First Olympic Art Prize Cluj, RO in 1995. His work has been published several times from 2005 to the present, some of them are Drawing in Lockdown * 2 - Museum voor Actuele Kunst SMAK, BE in 2021; Untitled Garden Analog Photography - Book Findings on Light, Pars Foundation, Lars Muller Publishers, NL- CH, in 2016 and in 2005 in The World of the Blue Princess, Illustration, children’s book, Pro Foundation Publishing House, RO. Likewise, it has numerous exhibitions as well as participations in video art festivals. Some of its participations are, Untitled (Performance) - International Video Poetry Festival, GR 2021; Exotic Macro Str uctures - Seoul Metro International Film, KR, 2021; Untitled Ritual - Lisbon Film Rendezvous 2021, PT 2021; Digital Graffiti - International Moving Film Festival, IR; Window Tree - International Moving Film Festival, IR; Fitness - Group exhibition, Center Medical Lausanne Ouest, CH, 2020. Exotic Macro Structures - ESMoA Video Art + Film Festival SPROUT, US; Untitled (Performance) - The Wrong Biennale, DK; Untitled (Ritual) - Polish International Film Festival, PL; and Untitled (Ritual) - Indie Visions Festival, IR in 2019.

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COUP

TRADUCTOR

Alejandro Nava Lopez (Puebla)

CONTACTO

E-mail:alexnavalopez@hotmail.com Li: https://www.linkedin.com/ i n / j o s e - a l e j a n d r o - n ava - l o p e z 5132b2a7/?originalSubdomain=mx

Profesor de inglés VOLKSWAGEN GROUP ACADEMY MÉXICO, ha trabajado más de 20 años como profesor de Inglés como segundo idioma en diferentes Institutos de prestigio en Puebla. He ayudado a muchos alumnos a obtener certificaciones como TOEFL, TOEIC, y certificaciones de Cambridge como Ket, Pet, y First Certificate. Ha sido aceptado para empezar el entrenamiento para ser evaluador oficial del examen PET. Imparte cursos en línea para niños, jóvenes y adultos, lo pueden contactar para clases particulares mediante sus canales de comunicación.

DIRECTORIO

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TRANSGRESIÓN

EQUIPO DE COUP E-mail: coup.arte@gmail.com Fb: @revistacoup.artecontemporaneo Ig: @couprevista Twitter: @Coup_arte Web: https://issuu.com/coup.arte

Editor y redactor de contenido Dennisse Jiménez Díaz Puebla Departamento de arte y diseño editorial Brenda Alejandra Sorchini CDMX

DIRECTORIO

COLABORADORES

Daniel Carpinteyro Puebla 90

Enrique Maraver Puebla

COUP

COUP Revista de arte contemporáneo Comité Editorial 2020-2021

Agradecemos la participación de los siguientes árbitros: Juan Manuel Marentes Cruz Santos Jiménez Cuatecontzi Eloy Tarcicio López Laura Alicia Corona Cabrera Conejo Muerto Enrique Sergio Medrano Francisco Caviedes

En el primer aniversario de la Revista Digital Arbitrada Coup de Arte Contemporáneo , agradecemos la colaboración de los colegas que se sumaron a este proyecto aportando su conocimiento y tiempo en la revisión y arbitraje de los escritos postulados a nuestra revista. Mediante sus conocimientos; comentarios críticos y objetivos; contribuyen a mantener la calidad de los textos publicados, de igual manera aportan discernimiento al desarrollo de nuestra disciplina mediante la pluralidad con la finalidad de fomentar la investigación en las artes.

Comité editorial :

Marihel Dennisse Jiménez Díaz Brenda Alejandra Sorchini del Mazo

A nuestros colaboradores les agradecemos ser parte de nuestra revista que mediante sus contribuciones nos ayudan a tener un contenido variado y relevante para el tema de las humanidades y el arte contemporáneo.

Areli Rodríguez Pérez Daniel Carpinteyro Enrique Maraver

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