Cosentino C19

c architecture & everything else

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contents

Architecture

06 CIVIC CONNECTION Kunsthaus Zürich by Chipperfield Una nueva ampliación que remata el eje artístico y cultural de la ciudad suiza.

A new expansion rounds off the artistic and cultural axis of the Swiss city.

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12 PUBLIC VOID KAIT Plaza by Ishigami El espacio, un híbrido de edificio y plaza pública, completa el campus universitario.

The space, a hybrid of building and public square, is the new campus addition.

Arts

18 sCENIC SPIRAL The ‘Fidelio’ of Barkow Leibinger

Una sorprendente propuesta escénica para la única ópera compuesta por Beethoven.

A surprising stage proposal for the only opera composed by Ludwig van Beethoven.

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22 STORY CONTAINERS The Drawings of Sergio García El trabajo del dibujante español presenta una nueva manera de contar historias.

The drawings of the Spanish artist propose a new way of telling stories.

Style

28 MAÏMOUNA GUERRESI Beyond the Border La polifacética artista conecta Europa y África a través de su introspectiva obra.

The multifaceted artist connects Europe and Africa through her introspective creations.

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Cosentino

36 DEKTON FACADE Grävlingen by Equator Studio Una nueva fachada para un edificio histórico en el centro de Estocolmo.

A new facade for an historic building in Stockholm’s inner city.

40 DEKTON VILLA Rosh Hanikra House by Moshe Zion Grandes superficies de Dekton para la renovada imagen de una villa en la costa israelí.

Large-format Dekton surfaces for the new image of a villa on the Israeli coast.

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Interior

46 POETICS OF SPACE Lucas y Hernández Gil in Madrid Una vivienda que aúna el mundo mediterráneo y un colorido paisaje onírico.

A dwelling that combines the Mediterranean world with colorful oneiric landscapes.

50 ALBANIAN AURA Drita Kafè by Giusy Scalia Las superficies de Dekton evocan los orígenes albaneses de un café siciliano.

Dekton surfaces evoke the Albanian origins of a Sicilian café.

Interview

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56 GARCÍA-ABRIL & SANCHO In dialogue Los arquitectos dialogan sobre arquitectura industrializada en Ensamble Fábrica en Madrid.

The two architects talk about industrialized architecture at Ensamble Fabrica in Madrid.

Travel

68 BUENOS AIRES Argentina Un recorrido por los principales hitos arquitectónicos de la capital argentina.

A guide to the key architectural landmarks in the Argentinian capital.

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80 COSENTINO CITY Flagship Stores Diseñado para ser el lugar de encuentro de arquitectos, diseñadores y paisajistas.

Designed to be a destination for architects, designers, and landscapers.

Director Director Santiago Alfonso Rodríguez Director adjunto Deputy Director José Yuste Director de arte Art Director Miguel Fernández-Galiano Editado por Edited by Cosentino / Arquitectura Viva Diseño y producción editorial Graphic Design and Editing Arquitectura Viva S.L. Maite Báguena Alberto Ballesteros Sandra Borge Cuca Flores Laura González Santiago Landín Enrique Morillo Jesús Pascual Paloma Sanz Raquel Vázquez Traducción Translations Gina Cariño, Laura Mulas

Depósito Legal: M-14282-2014 ISSN: 2341-3867 Cubierta Cover KAIT Plaza by Junya Ishigami © Junya Ishigami + Associates Impreso en España Printed in Spain Esta revista está elaborada con papel libre de cloro This magazine is printed on chlorine-free paper

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Martínez Cosentino ha tenido siempre la vocación de superar los desafíos más ambiciosos. A partir de 2014, con la revista C, Cosentino se propuso hacer una nueva aportación al ámbito de la arquitectura, en esta ocasión desde el campo de la comunicación, con la difusión de las mejores innovaciones, diseños y proyectos que contribuyen a hacer el mundo más sostenible y bello. a familia

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he Martínez Cosentino family has al-

ways applied itself to meeting the most ambitious challenges. From 2014, with C magazine, Cosentino set out to contribute anew to the world of architecture but from a different field, that of communications, through information on the best and latest innovations, designs, and projects that make for a more sustainable and more beautiful world.

Architecture Civic Connection

Kunsthaus Zürich by Chipperfield

Public Void

KAIT Plaza by Ishigami

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Architecture Building

Civic Connection

Kunsthaus Zürich by Chipperfield

Después de doce años de planificación y construcción, el estudio de David Chipperfield ha completado la ampliación de la Kuntshaus de Zúrich, una de las colecciones de arte más importantes de Suiza.

After twelve years of planning and construction, David Chipperfield Architects complete the expansion of the museum, which contains one of most important art collections in Switzerland.

La Kunsthaus es un edificio de 1910 que se encuentra en la céntrica Heimplatz de Zúrich. A diferencia de las anteriores, la nueva extensión no se agrega al conjunto preexistente, sino que se instala en el flanco opuesto de la plaza y queda conectada a él mediante una galería subterránea. El rotundo volumen rectangular da coherencia a un espacio urbano antes desdibujado y se integra en él al emplear en su fachada caliza del Jura, característica de la arquitectura de la región. Junto con la vecina Schauspielhaus, los tres edificios componen un nuevo recorrido artístico: el inicio de la milla cultural que conduce al conjunto universitario en el norte de la ciudad suiza.

La ampliación se concibe como un bloque que cierra el borde norte de la Heimplatz y que, al otro lado, delimita un jardín urbano que podrá acoger diferentes intervenciones artísticas. Esta circunstancia motivó que la planta baja del museo se organizara en torno a un gran corredor central que comunica los dos ámbitos. La galería, accesible al público, refuerza la relación de la institución con la ciudad, y en sus extremos se delimita con grandes ventanales que contribuyen a conectar visualmente e integrar el museo con su entorno. Las partes del programa más públicas —tales como la cafetería, el salón de actos, la tienda o las aulas-taller— se distribuyen alrededor de este nuevo espacio cívico, mientras que las salas de exposición se colocan en las dos plantas superiores.

The Kunsthaus is a 1910 building located at Heimplatz, in the center of Zurich. Unlike the previous expansions, this one does not add itself to the preexisting ensemble, but rises on the other side of Heimplatz, and connects to the rest of the museum complex through an underground gallery. The bold rectangular volume gives coherence to an urban space that used to be unclear, and blends with it through a facade clad in the Jura limestone that is typical of architecture in the region. Hand in hand with the neighboring Schauspielhaus, the three volumes form a new ‘threshold to the arts’: the start of a mile-long cultural walk leading to the university grounds in the north part of Zurich.

The extension building is conceived as a block that closes the northern border of Heimplatz, and which on the other side delimits an urban garden capable of accommodating different artistic interventions. This was a cue to arrange the museum’s ground level around a large central corridor that bridges both areas. Accessible to the general public, this gallery strengthens the institution’s relationship with the city, and the large windows at its far ends help to visually connect the museum to the surroundings and integrate it into the environs. The more public parts of the program – such as the café, an event hall, the museum store, and education services – are laid out around this new civic space, while the exhibition halls take up the two upper stories.

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La nueva Kunsthaus, unida bajo tierra con el edificio histórico, se organiza en torno a una gran galería central que comunica la Heimplatz con un jardín urbano dedicado al arte, y que se entiende como un espacio abierto a la ciudad.

The new Kunsthaus Zürich, linked underground to the historical building, is organized around a publicly accessible hall that connects Heimplatz with an art garden that opens up to the city.

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Ground floor

Arquitectos Architects David Chipperfield Architects Berlin / David Chipperfield, Christoph Felger (socio, jefe de proyecto partner, design lead); Harald Müller (socio partner); Hans Krause (arquitecto concurso, diseño de concepto project architect competition, concept design); Barbara Koller (arquitecto proyecto básico, desarrollo de proyecto, desarrollo técnico project architect schematic design, design development, technical design); Jan Parth (arquitecto proyecto técnico, supervisión de obra project architect technical design, site design supervision); Markus Bauer (arquitecto adjunto deputy project architect, 2009-2014); Robert Westphal (arquitecto adjunto deputy project architect, 2015-2020); Wolfgang Baumeister, Leander Bulst, Beate Dauth, Kristen Finke, Pavel Frank, Anne Hengst, Ludwig Jahn, Frithjof Kahl, Guido Kappius, Jan-Philipp Neuer, Mariska Rohde, Diana Schaffrannek, Eva-Maria Stadelmann, Marc Warrington; Graphics, Visualisation: Konrad Basan, Dalia Liksaite, Maude Orban, Ken Polster, Antonia Schlegel, Simon Wiesmaier, Ute Zscharnt (equipo team); Ivan Dimitrov, Kristen Finke, Annette Flohrschütz, Pavel Frank, Gesche Gerber, Peter von Matuschka, Sebastian von Oppen, Mariska Rohde, Franziska Rusch, Lilli Scherner, Lani Tran Duc, Marc Warrington; Graphics, Visualisation: Dalia Liksaite, Antonia Schlegel, Ute Zscharnt (equipo concurso competition team) Consultores Consultants b + p baurealisation (arquitectos ejecutivos executive architects); Emmer Pfenninger Partner (consultores fachada facade consultant); Gruner, ContiSwiss (protección al fuego fire protection); IGB Ingenieurgruppe Bauen, dsp - Ingenieure & Planer, Ingenieurgemeinschaft Kunsthauserweiterung (estructura structure); Kopitsis Bauphysik (física de la construcción building physics); L2M3 Kommunikationsdesign (señalética signage); matí Lichtgestaltung, Institut für Tageslichttechnik (consultores iluminación lighting consultant); Niels Hochuli, Dreicon AG (supervisión global overall management); Polke, Ziege, von Moos, Hefti. Hess. Martignoni. (servicios MEP MEP services); Wirtz International, KOLB Landschaftsarchitektur (paisajismo landscape) Cliente Client Einfache Gesellschaft Kunsthaus Erweiterung – EGKE Fotos Photos Noshe

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Architecture Public Space

Public Void

KAIT Plaza by Ishigami

Concebido como un área semiexterior, el proyecto del estudio japonés de Junya Ishigami es a la vez un edificio y una plaza, y dota al campus universitario de un gran espacio polivalente.

Designed as a semioutdoor space, the project by the Japanese studio of Junya Ishigami is at the same time building and plaza, and gives the campus a large multipurpose area.

Tras inaugurar en 2008 los talleres del Intituto de Tecnología de Kanagawa en Atsugi, ciudad próxima a la capital japonesa de Tokio, el centro universitario no dudó en plantear un nuevo proyecto a la firma japonesa dirigida por Junya Ishigami. En esta ocasión, la propuesta responde a dos necesidades fundamentales: dar a los estudiantes un nuevo lugar de reunión, diferente a las otras zonas de descanso del campus, y dotar a la universidad de un espacio polivalente donde acoger todo tipo de eventos. El resultado es un vacío semiexterior que configura una plaza pública para el disfrute de los estudiantes.

Rodeado de altos edificios educativos, el volumen busca ajustarse a la escala humana y se adapta suavemente al terreno mediante un tapiz continuo que invita a los visitantes a apropiarse del espacio al gusto, mientras que una ondulante cubierta se despliega a poca altura sobre él, tensando las relaciones entre los planos de suelo y techo.

La cubierta lleva hasta sus últimas consecuencias la definición de versatilidad, salva portentosas luces sin apoyos interiores, y deja a resguardo un espacio diáfano que se siente al aire libre gracias a perforaciones rectangulares de gran formato. Construida con chapas de acero soldadas —de apenas 12 milímetros de espesor—, esta suerte de velarium se dilata y contrae en función de las temperaturas y se abre a un cielo que intensifica la tornadiza experiencia espacial.

After completing in 2008 the workshops for KAIT (Kanagawa Institute of Technology) in Atsugi, a city in Kanagawa Prefecture, the university center had no doubt assigning this new project to the Japanese practice headed by Junya Ishigami. On this occasion, the proposal responds to two fundamental needs: to give students a new meeting space, where they can socialize and take a break, and to provide the university with a multipurpose space to host all kinds of events. The final solution is a semi-exterior void that forms a public square for the enjoyment of students of the Kanagawa Institute.

Surrounded by tall educational buildings, the one-story volume seeks giving the premises a human scale. As a continuous tapestry, it gently adapts to the irregular terrain and invites visitors to sit on the floor and take over the space as they please. The undulating roof spreads not far over them, tensing the relationship between floor and ceiling.

Bringing the definition of versatility to an extreme, the roof spans extraordinary distances without interior supports, thereby protecting an uninterrupted space that feels like outdoors thanks to huge rectangular perforations above. Executed with welded steel plates hardly 12 millimeters thick, this velarium of sorts dilates and contracts in accordance with the temperature and opens up to a sky that intensifies the user’s shifting spatial experience.

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Foundation plan

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Floor plan

Arquitectos Architects Junya Ishigami (socio partner); Masayuki Asami (jefe de proyecto project manager); Taeko Abe (arquitecto proyecto project architect) Equipo Team Shuma Tei, Motosuke Mandai, Sachie Morita, Toru Yamada, Federico Lepre Colaboradores Collaborators Jun Sato Structural Engineers Company Limited (estructuras structures); Konishi Structural Engineers (planificación estructura structures planning); Takasago Thermal Engineering Company Limited (equipo MEP MEP team); Kinden Corporation (consultor eléctrico electrical consultant) Cliente Client Kanagawa Institute of Technology Fotos Photos Junya Ishigami + Associates Roof plan

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Arts Scenic Spiral

The ‘Fidelio’ of Barkow Leibinger

Story Containers

The Drawings of Sergio García

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Arts Scenography

Scenic Spiral

En el 250 aniversario del nacimiento de Beethoven, el Theater an der Wien ha presentado un nuevo montaje de su ópera Fidelio, con una escenografía firmada por el estudio berlinés Barkow Leibinger.

To mark the 250th anniversary of Beethoven’s birth, the Theater an der Wien has presented a new scenography for Fidelio, with a set designed by Berlin-based studio Barkow Leibinger

La única ópera compuesta por Ludwig van Beethoven, Fidelio, no ha dejado de atraer a los melómanos desde su estreno en Viena en 1805. El nuevo montaje, una formidable escenografía con forma helicoidal, pretende evocar la prisión cercana a Sevilla donde el libreto sitúa la acción dramática.

Marcada por profundos claroscuros, esta doble hélice va creciendo con fuerza desde el suelo hasta configurar una suerte de topografía que crea un atmósfera oscura y sublime, muy acorde con el tono heroico de Fidelio, pero sin dejar de lado el potencial simbólico y escénico de su despliegue.

The only opera that Ludwig van Beethoven wrote, Fidelio, has never ceased to attract music connoisseurs since it premiered in Vienna in 1805.

The new production of the work includes an imposing set shaped like a double helix that evokes the prison near Seville where the action takes place.

Marked by strong chiaroscuros, this stepped double helix rises dramatically from the floor to form a topography that creates a dark and sublime atmosphere much in tune with the heroic tone of Fidelio, without neglecting the symbolic and scenic potential of its display.

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Photos: Iwan Baan

The ‘Fidelio’ of Barkow Leibinger

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La escenografía diseñada por Barkow Leibinger resuelve en un solo gesto toda la escena; su singularidad formal sirve de contrapunto dramático a la estructura clásica del teatro en herradura a la italiana.

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The scenography designed by Barkow Leibinger resolves the entire stage in a single stroke; its formal singularity provides a dramatic counterpoint to the theater’s Italian horseshoe set-up.

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Arts Comic

Story Containers

The Drawings of Sergio García

Sergio García es uno de los dibujantes de cómic experimental más célebres de Europa, labor que compagina con la docencia de esta misma disciplina en las universidades de Angulema y Granada.

Sergio García is one of the most experimental and prominent comic illustrators in Europe, a field to which he is also devoted as a teacher in Angoulême and in his alma mater, the University of Granada.

A partir de una muestra de los trabajos más representativos del artista se pueden intuir los tres conceptos que vertebran su proceso de investigación. El primero se basa en utilizar la narración multilineal para acabar con la distribución cuadriculada de la página, estrategia que favorece una lectura más ágil y dinámica. El segundo trata de acabar con el inveterado ‘formato-libro’; por ejemplo, el uso del póster aglutina en un solo dibujo toda la acción de la trama.

Por último, uno de sus leitmotivs es el uso de los ‘contenedores de historias’, relatos dentro de una gran figura, como el de su reciente portada para The New Yorker.

Taking a sample of the most representative works by the artist gives an understanding of the three concepts that articulate his research process. The first is based on the use of multilinear narration to end to the squared distribution of the page, a strategy which favors a more agile, dynamic reading. The second tries to supersede the longstanding ‘book-format’; for instance, the use of the poster gathers the whole action of the plot in one single drawing. Lastly, one of his leitmotifs is the use of ‘story containers,’ stories within a large figure, as he did in his recent cover for The New Yorker.

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‘Georges Perec and Richard McGuire tribute’, EME 21, 2021. Color: Lola Moral.

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Frecuente en medios como El País o The New York Times, el dibujante acaba de publicar su primera portada en The New Yorker con un homenaje al famoso personaje Eustace Tilley en su 96 aniversario.

His work often appears in prestigious newspapers like El País or The New York Times, and he has just published his first cover for The New Yorker, a tribute to Eustace Tilley on his 96th anniversary.

Babelia, 2019. Art director, Diego Areso.

El País, 2020. Art director, Diego Areso.

‘The world after Coronavirus’, El Correo, 2020. Color: Lola Moral.

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The New Yorker, 2020. Art director, Françoise Mouly.

‘Eustace Tilley tribute’, The New Yorker, 2021. Art director, Françoise Mouly.

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Style Maïmouna Guerresi Beyond the Border

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Style Fashion

MAÏMOUNA GUERRESI Beyond the Border

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Basada en su experiencia personal, forjada en los contrastes de la cultura europea y la africana, la artista ítalosenegalesa presenta a través de su obra la belleza de la diversidad.

Through her art, the Italian-Senegalese multimedia artist expresses the beauty of cultural diversity, based on her life-long experience between two cultures: European and African.

Left: Camuflage Zero One, Lambda Print, 2019. Top: Aisha, Lambda Print, 2015. ©Maïmouna Guerresi and courtesy of Mariane Ibrahim Gallery

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Top: Yaye Fall, Lambda Print, 2019. Right: Yaye Fall’s Baobab, Lambda Print, 2019. ©Maïmouna Guerresi and courtesy of Mariane Ibrahim Gallery

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Gran parte de su trabajo está dedicado al mundo de la mujer, en particular dentro de la cultura musulmana, y a los valores, la fuerza y el espíritu que ellas pueden aportar a la sociedad contemporánea.

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Most of her works are dedicated to the female world, and in particular within Muslim culture, highlighting the strength and the spiritual and cultural value that women can bring to society.

Red Balance, Lambda Print, 2018. ©Maïmouna Guerresi and courtesy of Mariane Ibrahim Gallery

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Cosentino Dekton Facade

Grävlingen by Equator Studio

Dekton Villa

Rosh Hanikra House by Moshe Zion

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Cosentino Facades

DEKTON FACADE Grävlingen by Equator Studio

En el centro de Estocolmo se encuentra este edificio histórico completamente renovado tras varios años de obras. Gracias a su nueva fachada en Dekton Keranium, el bloque de inmuebles Grävlingen ha pasado a ser un espacio acogedor y atractivo, adaptado a los nuevos hábitos del siglo xxi. El conjunto, que cuenta con más de 350 años de vida, ha sufrido numerosas renovaciones hasta adaptarse por completo a nuestros días.

La fachada replica —a través de las piezas de Dekton— las nervaduras verticales habituales en el barrio de Regeringsgatan y crea un interesante juego de luces y sombras. La innovadora propuesta, proyectada por el estudio Equator Stockholm, fue galardonada con el Premio Internacional de Arquitectura Macael a la mejor fachada de Europa en 2018.

Para la elección del material se tuvieron en cuenta tanto las necesidades futuras del edificio como la conexión histórica con el barrio. Durante siglos, el barrio Regeringsgatan ha albergado desde casas de madera hasta casas de piedra pulida. El denominador común a lo largo de los años ha sido que el bloque ha contado con varias fachadas y expresiones. Tras barajar varias opciones se optó por Dekton, un material ultracompacto resistente a los rayos UV, las inclemencias meteorológicas y la suciedad propia de un entorno urbano. El color de la fachada, de apariencia rocosa, genera una base visual sobre la que se apoya el edificio, y aporta una sensación de solidez y consistencia.

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Located in Stockholm’s inner city center, this historic building has been completely refurbished after several years of work. Thanks to its new facade in Dekton Keranium, the Grävlingen block has been transformed into a welcoming and appealing space, adapted to the new habits of the 21st century. The block, with 350 years of history, that has shed skin many times to reflect the present.

The facade uses Dekton pieces to mimick the vertical ribs that are so habitual in the buildings of Regeringsgatan quarter, and creates an interesting play of light and shadow. The original facade, designed by the architecture firm Equator Stockholm, won the International Award for Europe in the 2018 edition of the Macael Prizes.

The choice of material was made with both future needs and connection to the history of the place in mind. For centuries, the Regeringsgatan quarter has housed everything from wooden houses to polished stone houses, so a common denominator over the years has been that it has had several facades and expressions.

After considering several options, the architects chose Dekton, an ultracompact, city-proof material that is hightly resistant to UV rays and to harsh weather conditions. In this case morevover it could be used as a single material from the plinth all the way up. The warm brown stone-like material gives the property weight and a visual base to stand on, conveying a feeling of durability and security.

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La elección de Dekton Keranium ofrece un material ultracompacto, que resuelve la fachada desde el zócalo y se adapta de manera homogénea a las distintas necesidades que el proyecto requería.

Dekton Keranium was an optimum choice as it is an ultracompact material that could be used here from the plinth up, and adapts to the different needs and future changes that the innovative project had to address.

Dekton Keranium

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Cosentino Architecture

DEKTON VILLA

Rosh Hanikra House by Moshe Zion

La villa Rosh Hanikra se sitúa en un kibbutz en el norte de Israel, en la costa mediterránea. La vista del mar se convierte en parte inseparable de la casa y en el hilo conductor que conecta interior y exterior. Con la visión del mar como eje vertebrador, Mosh Zion ha proyectado un espacio abierto y transparente, que se encuentra visualmente con el jardín y la piscina.

El objetivo era conseguir un juego de elementos fríos y cálidos al combinar el uso materiales que recuerdan al hormigón y que contrastan con la madera. La mezcla de diferentes planos en Dekton Kelya y Dekton Soke responde a este propósito y genera un gran dinamismo en las fachadas. Al entrar en la vivienda se percibe la calidez que ofrece la madera y la amplitud de la cocina abierta a los otros espacios de la casa. Esta estancia se resuelve con una isla en Dekton Radium, que la une con la zona de la piscina.

El mayor reto de este proyecto ha sido convertir una vivienda de estilo rústico y tradicional en un diseño atractivo y moderno. Al observar la apariencia del edificio proyectado por Mosh Zion no se percibe que está edificado sobre una construcción preexistente, un cambio que ha sido posible gracias a las superficies en gran formato de Dekton instaladas sobre estructuras de aluminio. La fachada es una de las transformaciones con mayor visibilidad, y en el caso de la villa Rosh Hanikra el resultado es tan sorprendente que parece una casa de nueva construcción.

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Rosh Hanikra House is a villa located in a kibbutz in the north of Israel, on the Mediterranean coast. The sea views from the villa are an inseparable part of the house and the unifying feature connecting interior and exterior. Taking this view of the sea as a starting point, Moshe Zion has designed an open, transparent space with clear views over the garden and pool.

The aim was to create a contrast between the coldness of the materials with the appearance of concrete and glass and the warmth of wood. The different planes in Dekton Kelya and Dekton Soke respond to this aim, also creating a sense of dynamism on the facade.

The warmth of the wood and character of the open-plan kitchen, with its impressive Dekton Radium island connecting the interior with the pool area, embrace the visitor as they enter the home.

One of the major challenges of this project was to revamp a rustic style home with a tiled roof into a modern and inspiring design. In terms of look and feel, no one would think that this house is a renovation of a traditional style home. The ‘miracle’ was made possible by the large-format Dekton surfaces installed on the aluminum structure. The facade renovation is probably one of the most visually impactful solutions to transform a house without significantly changing its internal structure. In the case of the Villa Rosh Hanikra, the result is so spectacular that it looks like a newly built house.

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El empleo de las tablas Dekton en gran formato a lo largo de las distintas estancias consigue uniformidad en el proyecto y acentúa las conexiones visuales entre los espacios interiores y los exteriores.

The use of large-format Dekton surfaces in the different rooms of the house achieves uniformity throughout the project and stresses the visual connections between indoor and outdoor spaces.

Dekton Radium

Dekton Soke

Dekton Kelya

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Interior Poetics of Space

Lucas y Hernández Gil in Madrid

Albanian Aura

Drita Kafè by Giusy Scalia

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Interior Renovation

Poetics of Space

Ubicada en un antiguo local comercial con acceso directo desde la calle, esta vivienda se concibe como una mezcla entre la casa mediterránea —introvertida y asomada a un patio— y la casa fenomenológica descrita por Gaston Bachelard, un espacio regido por el poder de la imaginación. La eficacia funcional y climática de la primera convive, así, con la capacidad de trascender la realidad de la segunda. Esto es posible gracias al protagonismo que se ha dado a la luz, introducida en el atrio a través de lucernarios, huecos e incluso un patio inglés ajardinado que funciona como una especie de oasis urbano, casi tropical, al que vuelca oníricamente todo el nivel inferior de la casa.

Desde el punto de vista funcional, dado el amplio programa y el carácter lineal de la casa, el reto fue resolver todas las circulaciones entre las distintas partes y niveles. La solución consistió en concatenar una serie de atmósferas diferentes, cuyas cualidades particulares son el fruto de la conjugación libre de la geometría, la iluminación y el color.

Por lo demás, en la paleta de acabados los tonos cálidos cohabitan con otras texturas más frías que confieren un remarcado carácter industrial.

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Occupying what used to be a store with direct access from the street, this dwelling is conceived as a mix between the Mediterranean house – introverted and spilling out onto a courtyard – and the phenomenological house as described

by French philosopher Gaston Bachelard: a space governed by the power of imagination. The former’s functional and climatic efficiency thus combines with the latter’s capacity to transcend reality, and this is possible thanks to the importance given to sunlight, which shines into the atrium through skylights, windows, and even a light well that functions as a sort of urban oasis, almost tropical, onto which the entire lower level of the house flows, as in a dream.

From a functional angle, and given the extensive program and the linear composition of the house, another challenge was to resolve the circulation between the elements and levels.

The solution was to concatenate a series of different atmospheres whose particular qualities result from a free interaction of geometry, lighting, and color. In the interior spaces warm finishes are placed side by side with other colder textures that give the dwelling a more industrial character.

Photos: José Hevia

Lucas y Hernández Gil in Madrid

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La escalera, situada en el corazón de la casa, conecta las dos partes; la transición del mundo real al onírico reforzada por la utilización de gamas cromáticas basadas en los campos de color de Rothko.

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The staircase, located in the heart of the house, connects the two main elements; the transition from the real to the dream world reinforced by the use of color gamuts based on Rothko’s color fields.

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Interior Renovation

Albanian Aura Drita Kafè by Giusy Scalia

«Drita» significa luz en albanés. Pero una luz especial, aquella que reflejan las aguas del mar Adriático y la arena de las playas albanesas. Esa atmósfera de naturaleza idílica y verano sin fin es la que busca recrear el Drita Kafè, un local situado en Piana degli Albanesi, un pueblo montañoso de Sicilia y fundado hace más de cinco siglos, precisamente, por albanos. ¿Cómo ampliar las posibilidades de un local pequeño? Dekton Entzo recrea un mármol de Calacatta que consigue atrapar la calidez de la luz y su veta vaporosa de brillos dorados le confiere una personalidad propia que enriquece el interior. Esa propiedad es la que ha aprovechado con inteligencia la diseñadora e ingeniera Giusy Scalia para iluminar y ampliar un local de dimensiones reducidas.

Dekton Entzo, en su grosor 0,8 centímetros, se ha empleado tanto en los revestimientos de las paredes como en las superficies horizontales, desde donde se extiende hasta el suelo para dar una sensación de uniformidad. El conjunto lo completan las mesas y barras en Dekton Entzo —de 2,0 y 1,2 centímetros—, que además de aportar valor estético consiguen que los dueños del Drita Kafè cuenten con unas superficies fáciles de limpiar y muy resistentes al paso del tiempo.

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“Drita” means light in Albanian, but a very special light, in particular, the light reflected by the turquoise waters of the Adriatic Sea and by the white sand of Albania’s beaches. This atmosphere of idyllic nature and endless summers is what the Drita Kafè recreates. The small shop is located in Piana degli Albanesi, a Sicilian town between mountains and founded over five centuries ago by Albanians.

How to maximize the potential of a small café? Dekton Entzo is inspired by Calacatta marble and its warm light; its golden veins define a distinctive personality that enriches any interior space. The designer and engineer Giusy Scalia has managed to make the most of its property to illuminate and enlarge a narrow space.

Dekton Entzo, in its 0.8-centimeter thick format, has been used to clad the walls and the table areas, from which it stretches to the floor to give the space a uniform image. The design is completed with Dekton Entzo tables and countertops – of 2.0 and 1.2 centimeters –, which aside from adding aesthetic value, also ensure that the Drita Kafè owners will have easy-to-clean, scratch-resistant, and long-lasting surfaces.

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Dekton Entzo se combina en esta cafetería tanto en las paredes como en el suelo y el mobiliario, con el fin de conseguir una imagen uniforme y continua en todas las superficies del local.

Dekton Entzo is the main choice for the surfaces in this café, where it is used on walls and floors and also for the furniture, with the objective of giving the whole space a uniform and continuous image.

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Interview García-Abril & Sancho In Dialogue

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Interview Conversation

García-Abril & Sancho in dialogue

Juan Carlos Sancho (San Sebastián, 1957) dialoga con su colega y amigo Antón GarcíaAbril (Madrid, 1969) sobre arquitectura industrializada, y cómo esta puede transformar la profesión en el futuro.

Photos: Miguel Galiano

Juan Carlos Sancho (San Sebastián, 1957) speaks with his colleague and friend Antón García-Abril (Madrid, 1969) on industrialized architecture and how it can transform the profession in the future.

Los arquitectos se encuentran en la Fábrica, un laboratorio de prototipado y fabricación del propio estudio de Antón García-Abril en Madrid. Además de servir como lugar de trabajo, el edificio es en sí un ensayo de la tecnología híbrida de acero y hormigón que han desarrollado a lo largo de los años.

Juan Carlos Sancho: Hace muchos años que nos conocemos, casi treinta, desde que eras estudiante en la escuela de Madrid.

Viéndolo hoy retrospectivamente, me parece muy importante ver cómo ha sido tu trayectoria desde tus primeros proyectos en la universidad.

Antón García-Abril: Recuerdo mis proyectos de escuela. Creo que todos y cada uno de ellos, porque no creo que haya cambiado en nada la intensidad y la pasión que le ponía a los proyectos en aquella época a los que hago ahora. Recuerdo los que hice con vosotros cuando aun estabas en la unidad de Alberto Campo, y también mi fin de carrera y el cabreo que me cogí cuando saqué una nota que en realidad me merecía…

JCS: Ya entonces eras muy provocador y tenías las cosas muy claras.

AGA: Al revés. Fui creciendo como arqui-

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tecto con dificultad y esfuerzo. No aprendí arquitectura con naturalidad y facilidad, como sí que vi en muchos compañeros, sino con esfuerzo, y mucho tiempo y trabajo.

JCS: Recuerdo tu primer proyecto, una dovela donde lo estructural, lo mecánico y lo material ya se unían, conformando lo que hoy es casi un leitmotiv de tu trabajo, y que después se convirtió en cierta medida en aquella estructura que construisteis en

«No aprendí arquitectura con naturalidad, sino con esfuerzo y mucho trabajo» México. Pero en ese momento yo por lo menos no acertaba a ver lo que había, la belleza de esa dovela, de cómo se apoyaba…

AGA: El proyecto de México fue el resultado, diez años después, de seguir trabajando con un ejercicio académico. Ese proyecto quedó abierto, sin resolver, ya que no sabía como se encontraba con el suelo. En el espacio académico esa pieza volaba, porque no sabía cómo resolver unas columnas que desligaran la representación de su forma, su figura de su condición portante. Unas cariátides con un

lenguaje más contemporáneo. Bueno, pues eso llevó diez años, pero el ejercicio continuó.

JCS: Como continuación de tu formación estuviste trabajando en varios estudios: en el nuestro, en el de Alberto Campo y en el de Santiago Calatrava —cuando era un arquitecto emergente— hasta que después acabas recibiendo la beca de Roma y finalmente, como culmen de esa etapa, construyendo la Escuela de Altos Estudios Musicales de Santiago de Compostela.

AGA: Nunca consideré nada de eso un trabajo ni una profesión, para mí era simplemente una extensión académica, y eso fue fundamental. Roma a mí me condiciona, como de alguna manera condiciona a todos los arquitectos que han estado ahí. Te configura una manera de pensar, y el primer proyecto que construimos, que es la Escuela de Estudios Musicales, creo que contiene todo eso. Fui a pedirle trabajo a Rafael Moneo cuando era estudiante y me dijo, con muy buen criterio, que él no trabajaba con estudiantes, que necesitaba arquitectos a tiempo completo, pero que fuera a verle de vez en cuando. No sé si lo dijo con la boca pequeña, pero le tomé la palabra y, desde entonces cada

The architects are in the Fabrica, a prototypes research and fabrication laboratory of Antón García-Abril’s own studio in Madrid.

Besides serving as a workplace, the building is in itself a trial of the hybrid technology of steel and concrete that Ensamble has been developing over the years.

Juan Carlos Sancho: We’ve known each other for many years, almost thirty. You were a student at the Madrid School of Architecture. Looking back now, I think it’s important to trace your path since your early projects in university.

Antón García-Abril: I remember the school projects, and I mean all of them, every single one of them, because I believe there’s no difference, in intensity and passion, between the projects I drew up at school and those I do now. I recall those I did with you when you were still under Alberto Campo. I remember my final-year project and the rage I felt when I got a grade which, in truth, I deserved…

JCS: Even then, early on, you were very provocative and so sure about things.

AGA: On the contrary. It was a hard learning process, requiring effort. I didn’t learn architecture with natural ease, as I saw many classmates do. I learned with effort. It took

time and plenty of hard work.

JCS: I recall your first project, a keystone where the structural, the mechanical, and the material already came together, shaping what is today almost a leitmotif in your work, and which in a way later became the structure you built in Mexico.

But at the time, I, for one, failed to see all that was there: the beauty of the keystone, how it rested…

“I didn’t learn architecture with natural ease. I learned with effort. It took time and hard work.”

AGA: The Mexican project was the result, after ten years, of continuing an academic exercise. The school project was left open, unresolved, since no one knew how it met the ground. The piece was suspended in air, I didn’t know how to make columns where the representation of their form, their figure, was detached from their loadbearing function. Caryatids rendered in a more contemporary language. Well, ten years had passed, but the exercise continued.

JCS: As a continuation of your training you worked in various firms – in ours, in Alberto Campo’s, and in Santiago Calatrava’s, when he was an emerging architect – until you obtained the Rome scholarship and then built the Musical Studies Center in Santiago de Compostela, culminating that period.

AGA: For me, none of it was work or professional practice, but simply continuing education, and that was fundamental. Rome conditioned me, as it does all architects who have been there. It configures in you a manner of thinking, and I think the first project we carried out, the School of Musical Studies, contains all that. As a student I went to ask Rafael Moneo for work, and with good judgment he said that he didn’t work with students, that he needed architects on a fulltime basis, but that I should drop by now and then. He may have said this half-heartedly but I took his word for it, and so every three or four months I would pay him a visit and get my private class. Sometimes it lasted a minute and a half, other times the whole afternoon, depending on how busy he was.

The last time I asked to see him, it was to show him the Santiago school, when it was already built. I put together a dossier and

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called him. “I would like to go for the last time,” I said, as if saying that I was going with my final academic assignment. With his glasses on, Rafael skimmed through it without uttering a word. Then he just said: “I’ll go see it.” He fulfilled this two or three years later, but for me it marked the end of a period.

JCS: Seen from outside, it was a clear turning point. A new phase began, with a change of chip. Débora came into the picture as partner in work and life, and your practice began a strong period with two pieces, two formidable icons. And I can say that I have lived in both: The Truffle and Hemeroscopium. These were two reference points, two ways of understanding things.

There was a duplicity of innovation, of research…

AGA: Actually, everything started in the second project we were to carry out in Santiago de Compostela, the offices for SGAE (General Society of Authors and Publishers). We worked on it as architects, engineers, and builders. And it was there that we truly began to enjoy architecture. This was something that had been lacking in our early works, so we now decided that from there onwards, our architecture could only survive if we built it ourselves. The decision reduced our stock of clients substantially, but broadened our horizons in terms of what architecture was, and of what it was to be an architect. On these principles we built up our model for work and professional practice, and thanks to this, we were able to carry out those two buildings. There we were faced with a dilemma between artistry and construction. We were excited about the idea of the systemic and logical nature of prefabrication and components to assemble, which made execution fast and efficient, but within an artistic project. That is, we wanted to define prefabrication as something capable of yielding a highly emotive building, brand new and never boring in the manner of ill-understood fabrication.

These two works, undertaken simultaneously, opened up two horizons for us which we have never renounced since, and which though seemingly contradictory, go by the same philosophy.

JCS: Your work is much influenced by the art world. Through your family you have lived in a musical and culturally artistic atmosphere. You had the opportunity to build an atelier for Manolo Valdés and work with him. You also have the influence of Eduardo Chillida’s material world, albeit

manipulated, appropriated, maneuvered…

Do you think there’s some seed here?

AGA: One thing I have always admired in artists – something very prosaic and basic – is that for them to work, they don’t need a commission. For them, work is work. They get up to work, and if they manage to present an exhibition here or raise a monumental

“One thing I have always admired in artists is that for them to work, they don’t need a commission“ building there, it’s circumstantial. That’s what I have learned from all the artists I have known. I learned that these freedoms are the fuel of work. This is very important because for architects who work on commission and only on commission, it must be very hard to keep up a creative tension.

JCS: Creativity is not commissioned.

AGA: Exactly, freedom to produce, to fabricate… Of course there has to be some payment, and paying for a building is not the same as paying for a canvas. But there is plenty

of middle ground to explore. We have never stopped working, not even during the years when no commission was coming. Then, on an aesthetic, material, or spatial level, all the references you mention are direct and automatic, are part of my culture and my circumstances. Débora and I always say in jest that we love Christo and Jeanne-Claude because they reject the idea of the commission. Commissions are in themselves very creative, they are part of the process.

JCS: After this came the United States.

You won a competition to head MIT’s POPlab, which allowed you a change of location and environment, a total change of life. Again two paths appear in your architecture: that of fabrication and industrialization, like Mies van der Rohe when he moved to the US and developed a new way of building based on steel, but with concrete in our case; and a second path, much more expressive, like the pieces in Montana. Finally, all this resulted in the world of WoHo and that of Ca’n Terra, which ultimately involved working with nature. Here the comparison would instead be with Le Corbusier, who started out with

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tres o cuatro meses iba a verle y recibía mi clase particular. A veces duraba un minuto y medio y otras veces toda la tarde, depende de cuánto estuviese de ocupado. La última vez que le pedí ir a verle fue con la escuela de Santiago, cuando ya estaba construida, preparé un dossier y le llamé: «Me gustaría ir por última vez», como diciendo ‘este es el último ejercicio académico’. Rafael, con las gafas en la frente, lo hojeó sin decir palabra, y sólo dijo: «Iré a verlo». Dos o tres años después cumplió su palabra. Pero para mí ese fue el final de una etapa.

JCS: Visto desde fuera, hay un claro punto de inflexión. Aparece otro periodo. Cambias el chip, aparece Débora como pareja profesional y vital y empieza una etapa muy potente de vuestro trabajo con dos piezas, dos iconos brutales, y lo puedo decir porque he vivido en ambos, que son La Trufa y Hemeroscopium.

Son dos puntos de referencia, dos maneras de entender las cosas. Hay una duplicidad de innovación, de investigación…

AGA: En realidad todo comienza en la segunda obra que íbamos a construir en Santiago de Compostela, la Sede Noroeste de la Sociedad General de Autores y Editores. Esa obra la hacemos como arquitectos, ingenieros y constructores. Y ahí empezamos a disfrutar de la arquitectura de verdad. Eso es lo que echamos mucho en falta en las primeras obras, y a partir de ahí tomamos la decisión de que de nuestra arquitectura sólo podía sobrevivir si éramos los que la construíamos.

Y luego, además, desde un punto de vista

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hedonista, es que empezamos a disfrutar de construir. Eso nos redujo sustancialmente la cartera de clientes, pero nos amplió los horizontes de qué era la arquitectura y qué era ser arquitecto. Así que montamos nuestro modelo de trabajo y profesional basado en ese principio. Esto nos permitió hacer esas dos obras que tú mencionas. Ahí teníamos

«Una cosa que he admirado siempre de los artistas es que no necesitan de un encargo para trabajar» un dilema artístico y constructivo, que por un lado nos apasionaba la idea de la sistémica y la lógica de lo prefabricado de las piezas que se ensamblan que permitiera una ejecución rápida y eficiente, pero dentro de un proyecto artístico. Es decir, queríamos definir la prefabricación como algo que puede hacer un edificio muy emocionante, un espacio muy nuevo y no aburrido, que es lo que supone la fabricación mal entendida. Estas dos obras, que son contemporáneas, nos abrieron dos horizontes de los que no hemos renegado y que, aunque aparentemente son contradictorios, tienen la misma filosofía.

JCS: En vuestra obra hay mucha influencia del mundo del arte. Has vivido, con tu familia, en un ambiente musical, y culturalmente artístico. Tuviste la oportunidad de hacer el taller de Manolo Valdés y trabajar con él. Tienes una gran influencia de la at-

mósfera matérica de Eduardo Chillida, aunque manipulado, apropiado, manejado… ¿tú crees que hay algo de ese germen?

AGA: Una cosa que he admirado siempre de los artistas, y que es una cosa muy prosaica y elemental es que no necesitan de un encargo para trabajar. Para ellos trabajar es trabajar.

Se levantan y trabajan, y que consigan hacer una exposición aquí o una obra monumental allá es circunstancial. Eso lo he aprendido de todos los artistas que he conocido. Aprendí que estas libertades son el motor del trabajo. Esto es muy importante porque para los arquitectos que trabajan por encargo y sólo cuando se produce este encargo, les debe ser muy difícil mantener una tensión creativa.

JCS: La creatividad no viene por encargo.

AGA: Efectivamente, la libertad de la producción, la fabricación… Evidentemente esto hay que pagarlo, y no es lo mismo pagar todo un edificio que pagar un lienzo. Pero hay muchas etapas intermedias que se pueden explorar. Nosotros nunca hemos parado de trabajar, incluso durante los años que no teníamos ningún encargo. Luego, a nivel plástico, material o espacial, todas las referencias que mencionas son directas y automáticas, son parte de mi cultura y de mi circunstancia.

Débora y yo siempre decimos de broma que nos encantan Christo y Jeanne-Claude porque rechazan la idea del encargo. El encargo es en sí muy creativo, es parte del proceso.

JCS: Después de eso ya viene Estados Unidos. Ganas un concurso para dirigir el laboratorio POPlab en el MIT. Eso os permite un

the mechanistic and ended up with the sun and the day’s cycles…

AGA: We left for a little break from professional practice to concentrate on research and give everything we had on our hands a turnaround. And we discovered the lightweight in fabrication, and the global against the localizing of architecture, and how this affected the industry of classic prefabrication. Then we had to empirically demonstrate that everything we were working on – the idea that a kit of parts could be fabricated on one side of the Atlantic, transported to the other side, and assembled – was feasible. These procedures are the fruit of

research but are developed in the real world, and we developed them ourselves because it was clear to us that if we told anyone that we would build them a house in Valdemoro but install it in Massachusetts, they would think we were mad.

As for landscape, it took The Truffle ten years to culturally mature. And the maturing of this project enabled a client to understand it, and we went from the scale of the room to the scale of the pavilion, which made it possible for us to execute the procedures in Montana. The idea is that these two aspects produce so strong an energy between them that they can generate something new. Now

we joke about creating a startup, WoHo, that plays with market rules, and later a startdown going by the designs of the earth as substratum, poetic and material aspiration.

Prefabrication is about the ordinary, the everyday, but elevates architecture to a level it has never had. We are now at an inflection point that I believe has never happened before in the history of architecture. Indeed I believe that for the first time, we are starting to glimpse the vision of buildings as constructions that will not go up in the place where they are assembled. There are isolated examples, but on an industrial level, on a social-mission level, it’s happening now.

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cambio geográfico y ambiental, un cambio de vida total. De nuevo aparecen dos vías en vuestra arquitectura: la vía de la fabricación y la industrialización, como Mies van der Rohe cuando se traslada a Estados Unidos y acaba generando una nueva manera de construir basada en el acero, vosotros con el hormigón; y una segunda, mucho más expresiva, como las piezas de Montana. Finalmente, todo esto desencandena en el mundo de WoHo y el de Ca’n Terra que es, al final, trabajar con la naturaleza. En este caso sería más como Le Corbusier, que empezó con el maquinismo y acabó con el sol y los ciclos del día…

AGA: Nos fuimos a hacer un pequeño parón profesional y concentrarnos en investigar y darle una vuelta de tuerca a todo lo que teníamos entre manos. Entonces descubrimos la ligereza dentro de la fabricación y la globalidad frente a la localización de la arquitectura, y cómo afectaba eso a la industria de la prefabricación clásica. Entonces tuvimos la necesidad de demostrar empíricamente que todo en lo que estábamos trabajando, que era la capacidad que tiene un kit de partes de fabricarse en un lado del Atlántico, transportarse al otro lado y ensamblarse, era factible.

Estas acciones, que son consecuencia de la investigación pero que se desarrollan en el mundo real, las hemos hecho autodesarrollándolo nosotros, porque teníamos clarísimo que a cualquier persona que le dijésemos que le íbamos a construir una casa en Valdemoro, pero se la vamos a instalar en Massachusetts, iba a pensar que estábamos locos.

En cuanto al paisaje, diez años tardó en madurar culturalmente La Trufa. Y la madurez de ese proyecto dio la oportunidad de que un cliente pudiese entenderlo, y pasamos de la escala de la habitación a la del pabellón, que nos permitió elaborar las intervenciones en Montana. La idea es que estas dos vertientes creen una energía tan fuerte entre ambas que sean capaces de generar algo nuevo. Ahora bromeamos con que vamos a crear una startup, WoHo, que juega con las reglas del mercado, y luego una startdown que se somete a los designios de la tierra como sustrato, aspiración poética y material.

La prefabricación trata de lo ordinario, lo cotidiano, pero elevando la arquitectura a un nivel que no haya tenido nunca. Ahora hay un momento de inflexión que creo que no ha ocurrido antes en la historia de la arquitectura. Y es que creo que, por primera vez, se empieza a vislumbrar la idea del edificio como una construcción que no se va a construir en el sitio donde se ensambla. Hay ejemplos muy puntuales, pero a nivel industria, a nivel misión social, esto está ocurriendo ahora.

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Travel Buenos Aires Argentina

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Travel Argentina

Buenos Aires Más allá de su imagen cosmopolita y sus barrios históricos, la urbe porteña ofrece un gran abanico cultural y arquitectónico.

Beyond its cosmopolitan image and historic quarters, the capital offers a wide cultural and architectural agenda.

01 Concert Hall Teatro Colón

Con más de un siglo de historia, el Teatro Colón está considerado como una de las salas con mejor acústica del mundo, y es para los amantes de la ópera un imprescindible al nivel de la Scala de Milán o la Staatsoper de Viena.

© Georges De Kinder

With over a century of history, and considered to be one of the concert halls with the best acoustics in the world, the Teatro Colón is an essential for opera lovers at level with Milan’s Scala or Vienna’s Staatsoper.

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Government House La Casa Rosada

Located on Plaza de Mayo, Casa Rosada is the seat of the executive power and the President’s residence. The building is characterized by the peculiar color that lends it its name and has turned it into a city landmark.

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© Diego Delso

Situada en la Plaza de Mayo, la Casa Rosada es sede del poder ejecutivo y residencia del presidente de la Nación. El edificio se caracteriza por el peculiar color que le da nombre y lo ha convertido en un símbolo de la ciudad.

Resulting from the union, in 1984, of the Victoria and Del Fuerte plazas, this emblematic public space is in the so-called microcenter of Buenos Aires, where some of the main sites in the city are located.

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source: tejidourbano.net

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Main Square Plaza de Mayo

Fruto de la unión de las plazas de la Victoria y del Fuerte en 1984, este emblemático espacio público se encuentra en el denominado microcentro porteño y alberga algunos de los principales puntos de interés de la capital.

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Public Building Biblioteca Nacional En 1962, Clorindo Testa con Francisco Bullrich y Alicia Cazzaniga proyectaron la Biblioteca Nacional Mariano Moreno. Inaugurada en en 1992, es uno de los mejores ejemplos del brutalismo en Argentina.

© Cemal Emden

A project of 1962 by Clorindo Testa with Francisco Bullrich and Alicia Cazzaniga, the National Library Mariano Moreno, inaugurated in 1992, is one of the best examples of brutalist architecture in Argentina.

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House Museum Museo Xul Solar

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Located in what used to be the home of the multifaceted artist Xul Solar, the museum was completed according to the guidelines he himself set before his death to convert the house into a publicly accessible place. © Alejandro Leveratto

source: Arango,S.

El museo, situado en lo que fue la casa del polifacético artista Xul Solar, se completó en los años noventa según las directrices que él mismo dejó para abrir el espacio al público y convertirlo en un lugar de encuentro.

Abierto en 1915, el edificio de Eduardo Le Monnier destaca por sus rasgos típicos del art nouveau.

Designed by Eduardo Le Monnier and opened in 1915, the building reflects traits of Art Nouveau.

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© Leandro Neumann Ciuffo

Art Nouveau Yacht Club

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Apartment Tower Edificio Kavanagh

Inaugurado en 1936, el edificio de Sánchez, Lagos y De la Torre es uno de los iconos de la ciudad.

Inaugurated in 1936, the tower by Sánchez Lagos, and De la Torre is one of the city icons.

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Modern Movement Edificio Los Eucaliptus

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© source: habitar-arq.blogspot.com

The apartment building

by Juan Kurchan and Jorge Ferrari is a key work of the Modern Movement in Argentina, and proposed a new way of living and of connecting with the environment.

source: cca.qc.ca

El edificio proyectado por Juan Kurchan y Jorge Ferrari es un referente de la llegada del Movimiento Moderno a Argentina y supuso una nueva manera de habitar y de relacionarse con el entorno.

Planetarium Galileo Galilei

source: arkitektuel.com

Diseñado por Enrique Jan en 1966, es un ejemplo perfecto de simbiosis entre arquitectura y astronomía.

Designed by Enrique Jan in 1966, the building shows the symbiosis between architecture and astronomy.

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Ateliers Casa para Artistas

Antonio Bonet, como integrante del Grupo Austral, construyó en el año 1938 esta residencia para artistas que sería el germen de la arquitectura moderna internacional en el contexto argentino.

As a member of Grupo Austral, Antonio Bonet built this residence for artists in 1938, which over time has become an icon of international modern architecture in the context of Argentina.

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Brutalism Banco Londres

Otro de los grandes proyectos de Clorindo Testa en los años sesenta, asociado en este caso con el estudio SEPRA, el edificio llama la atención por sus grandes piezas de hormigón en fachada y un complejo espacio interior.

© Federico Cairoli

Another major project

by Clorindo Testa, in collaboration in this case with the studio SEPRA, the Bank of London building stands out for its huge outer concrete frame and its complex interior spaces.

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The building by the studio Adamo-Faiden, located in the Almagro neighborhood, is laid out in two volumes that adapt to the existing urban fabric and are unified by the perforated metallic facade.

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Park Micaela Bastidas El parque, caracterizado por sus colinas, es parte del plan de revitalización de Puerto Madero.

source: openhousebsas.org

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La intervención del estudio Adamo-Faiden se sitúa en el barrio de Almagro, organizándose en dos volúmenes que responden a la trama urbana existente y se unifican a través de la fachada metálica perforada.

source: vinoly.com

Characterized by its hills and terraces, the park is part of the revitalization of Puerto Madero.

© Cristobal Palma

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Art Gallery Museo Fortabat

El museo, construido por el estudio del uruguayo Rafael Viñoly en 2008, aloja la colección de arte de la empresaria argentina Amalia Lacroze de Fortabat, y se caracteriza por su gran bóveda de cristal.

The museum, completed in 2008 by the studio of the Uruguayan architect Rafael Viñoly, displays the art collection of the Argentinian entrepreneur Amalia Lacroze de Fortabat, and stands out for its huge glass vault.

University Edificio Sáenz Valiente

The work by the Barcelona-based studio of Josep Ferrando is formed by a sequence of transversal concrete porticoes that cross the building’s full length with austere, modular expressivity.

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© Federico Cairoli

La obra del estudio barcelonés de Josep Ferrando se conforma mediante una secuencia de pórticos transversales de hormigón que recorren todo el edificio con austeridad y expresividad modular.

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City Hall Casa de Gobierno

© Foster + Partners

Concebido inicialmente por el británico Norman Foster para el Banco Ciudad, el edificio se transformó en la Casa de Gobierno gracias a su gran polivalencia tanto a nivel funcional como simbólico.

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Initially conceived by the British Norman Foster for Banco Ciudad, the building was transformed into the city’s Casa de Gobierno thanks to the building’s adaptability both on a functional and a symbolic level.

Art Museum MALBA

© Daniela Mac Adden

BAK Arquitectos resuelven este edificio de viviendas con un zócalo comercial y grandes zonas comunes.

The apartments by BAK Arquitectos include commercial and communal areas at street level.

El museo alberga desde 1997 la colección de arte latinoamericano de Eduardo Costantini y ha sido recientemente renovado por el Estudio Herreros con la intención de abrir la institución a la ciudad.

Since 1997 the museum harbors the collection of Latin American art of Eduardo Costantini, and has been recently renewed by Estudio Herreros under the premise of opening the institution to the city.

© Javier Agustín Rojas

Housing Edificio Armenia

© Fernando Schapochnik

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Cultural Center Néstor Kirchner

Renovation Universidad Morón

Housed in a historic building from the early 20th century, the university building has recently been renovated

by Estudio Borrachia Arquitectos with light constructions and bioclimatic strategies.

El Centro Cultural se sitúa en el histórico edificio Correo Central proyectado por Norbert Maillart. © Maria de la Paz

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Ubicada en un edificio histórico de principios del siglo xx, la sede universitaria ha sido recientemente renovada por el Estudio Borrachia Arquitectos empleando construcciones ligeras y estrategias bioclimáticas.

The Cultural Center is in the historic Correo Central building designed

by Norbert Maillart.

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Neighborhood San Telmo

Bookshop Ateneo Grand Splendid

San Telmo se ha convertido en uno de los barrios más bohemios, lleno de galerías y restaurantes de moda.

San Telmo is one of the most bohemian quarters in the city, packed with art galleries and restaurants.

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source: revistaad.es

Considered to be one the most beautiful in the world, this peculiar bookshop in the Recoleta neighborhood is a ‘must’ visit, and it preserves the charm of what used to be one the most important theaters in the city.

source: parabuenosaires.com/

Ubicada en el Barrio de la Recoleta, esta peculiar librería es una parada obligatoria. Considerada como una de las más bellas del mundo, mantiene el encanto de la que fuera una de las principales salas de la ciudad.

Luxury Hotel Four Seasons Lujo e historia se mezclan en este hotel de cinco estrellas situado dentro de una antigua mansión de estilo colonial, y en cuyas habitaciones se han alojado celebridades como Madonna, Mick Jagger o Fidel Castro.

source: vivenciasdelviajero.com

© Four Seasons

Luxury and history come together in this five-star hotel located in an old colonial-style mansion, and which has welcomed a long list of celebrity guests like Madonna, Mick Jagger, or Fidel Castro.

24 Restaurant Bar Nápoles

When in this space in the San Telmo quarter it’s hard to tell whether one’s in a restaurant or a museum.

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© Cynthia Martin

Al entrar en este espacio del barrio de San Telmo es difícil saber si se trata de un restaurante o un museo.

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Artist Café Café Tortoni

Situado en la Avenida de Mayo, el Café Tortoni ha sido el lugar de reunión de escritores, intelectuales y artistas desde su apertura en 1858. Hoy mantiene el encanto que recuerda a los cafés parisinos de la Belle Époque.

Located on Avenida de Mayo, Café Tortoni has been a meeting place for writers, intellectuals, and artists since it opened in 1858. Today it maintains the same charm, and recalls the Parisian cafés of the Belle Époque.

26 Art Gallery Praxis

Con sedes en Buenos Aires y Nueva York, esta histórica galería es un referente en los circuitos artísticos.

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With venues in Buenos Aires and in New York, this historic gallery is a referent in art circuits.

Sports Events La Bombonera El mejor evento en el que disfrutar de la pasión con la que viven los argentinos el fútbol es ver jugar al Boca Juniors, y más si coincide el derby ante el River Plate, una de las mayores rivalidades del mundo del deporte.

source: praxis-art.com

© diariopopular.com.ar

The best way to experience the passion of Argentinians for football is watching the Boca Juniors play, and even more so if it’s against the River Plate, one the greatest rivalries in the world of sports.

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Dancing La Catedral Club

En el barrio de Palermo Soho, las cocinas asiática y argentina se fusionan en este ‘instagrameable’ restaurante.

Lugar de referencia del tango porteño, La Catedral Club ha transformado un antiguo matadero y almacén de grano, situado en el corazón del barrio de Almagro, en un auténtico templo del baile.

© Cynthia Martin

Restaurant El niño gordo

In the Palermo Soho quarter, Argentinian and Asian cuisine are fused in this ‘Instagrammable’ restaurant.

source: votretourdumonde.com

source: aciudadavellaneda.com.ar

A landmark tango dance hall in Buenos Aires, La Catedral Club has transformed an old slaughterhouse and grain storage warehouse in the neighborhood of Almagro into a true temple of dance.

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Neighborhood La Boca

Eating Out Chef del choripán

Rubén Batalla and his ‘choripanes’ are a classic before Racing, Independiente, and Arsenal matches. His fame has crossed frontiers since Netflix included him in the documentary film Street Food: Latin America.

Destaca por sus coloridas fachadas de piedra y chapa, su máximo exponente es la famosa calle Caminito. © Ilyas Ayub

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Rubén Batalla y sus choripanes son un clásico de las previas a los partidos del Racing, Independiente o Arsenal, su fama ha traspasado fronteras después de que Netflix le incluyese en su documental Street Food: Latinoamérica.

La Boca stands out for its colorful stone and sheet facades, and Calle Caminito is its most famous street.

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Buenos Aires 01. Teatro Colón Cerrito 628, C1010 CABA, 9:00-17:00 Mon-Sun

02. La Casa Rosada Balcarce 50, C1064 CABA 10:00-18:00 Weekend

03. Plaza de Mayo Av. Hipólito Yrigoyen s/n, C1087 CABA

04. Biblioteca Nacional Agüero 2502, C1425 CABA 16:00 guided visit Mon-Sun

05. Museo Xul Solar Laprida 1212, C1425 EKF, Buenos Aires 12:00-19:00 Tue-Sat

06. Yacht Club Cecilia Grierson 500, C1107 CABA 17-22 Fri 12-21 Weekend

07. Edificio Kavanagh Avenida Florida 1065, C1005 CABA

08. Edificio Los Eucaliptus Virrey del Pino 2446, C1426EGG CABA

09. Galileo Galilei Avenida Sarmiento s/n, C1425 CABA web: planetario.buenosaires.gob.ar 10:30,11:30 Tue-Fri 17:00, 18:00, 19:00 Weekend

Localización y datos prácticos Location and useful information 13. Micaela Bastidas Park

Puerto Madero,Buenos Aires

14. Museo Fortabat Olga Cossettini 141, C1107 CABA 12:00-20:00 Tue-Sat

15. Edificio Sáenz Valiente Av. Pres. Figueroa Alcorta 7350, C1428 CABA

16. Casa de Gobierno

20. Néstor Kirchner Sarmiento 151, C1041 CABA web: cck.gob.ar

21. Ateneo Grand Splendid Av. Santa Fe 1860, C1123 CABA 9:00-20:00 Mon-Sat 12:00-20:00 Sun

22. San Telmo Plaza Dorrego, Humberto 1º 400, C1103 CABA

Uspallata 3160, C1437JCL CABA

23. Four Seasons Hotel

10. Casa para Artistas

17. Edificio Armenia

Paraguay 900, C1057 CABA

Armenia 1933, C1414 CABA

Posadas 1086, C1011 CABA web: fourseasons.com +54 (11) 4321-1200

11. Banco Londres Reconquista 101, C1003ABC CABA

12. 33 Orientales 138 Treinta y Tres Orientales 138, C1182 AED, Buenos Aires

18. MALBA Av. Pres. Figueroa Alcorta 3415, C1425 CABA 12:00-20:00 Wed-Mon

19. Universidad Morón Lima 221, C1073 CABA

24. Bar Nápoles Av. Caseros 449, C1152AAA CABA 9:00-20:00 Mon-Sun +54 9 11 5417-1802

25. Café Tortoni Av. de Mayo 825, C1084 CABA web: cafetortoni.com

26. Praxis Arenales 1311, C1061 CABA 12:00-20:00 Tue-Sun

27. La Bombonera Brandsen 805, C1161 CABA tour: museoboquense.com

28. El niño gordo Thames 1810, C1414DDL, Buenos Aires.

20:00-24:00 Mon-Sun web: niñogordo.com.ar +54 11 2129-5028

29. La Catedral Club Sarmiento 4006, C1197 CABA 11:00-4:00 Mon-Sun

30. Chef del choripán Itinerant Avellaneda-CABA Provincia de Buenos Aires

31. La Boca Calle Caminito, Buenos Aires

14 06

13

27 31

C 19 77