Conga mag / Número 20 / Jack White (Tapa A)

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la G e c i Al Bjรถrk

LIBROS PARA CHUSMEAR

CINE: BATMAN VS SUPERMAN

LOS MEJORES DISCOS DE 1995

POSTER: LIFE DE ANTON CORBIJN

DOCUMENTAL: ELLIOTT SMITH

La revista digital de música Rock + Pop + Indie + Electro Año 3 Nº 20 DIRECCIÓN Y DISEÑO EDITORIAL Martín Brossard

Conga mag

DISEÑO Smashing Yonkis COLABORAN EN ESTE NÚMERO Luciana Romero (Notas) Martín Rodríguez Rey (Notas - Diseño) Gustavo Kraft (Gran Bretaña) Laura Cohen (Notas) Diego Bonzo (Notas) María del Carmen Huerta (Notas) Zoe Kreimer (España) Alex Chavo Acuña (México - USA) SEGUINOS Web www.congamag.com Facebook www.facebook.com/Congamag Twitter www.twitter.com/congamagoficial CONTACTO Correo conga@live.com.ar Imágenes y/o Fotografías: Si el autor de alguna de ellas deseara que fuera removida o bien prefiriera figurar en los créditos de esta publicación digital, por favor comunicarlo a nuestro correo electrónico conga@live.com.ar ¡Besos!

Copyright ©2015 Conga mag

Atensound! La esperanza R&B

Cine

Kurt Cobain + Elliott Smith

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especiales Jack White lleg贸 a los 40

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entrevistas

Hey!

Los mejores discos de 1995

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Alicia est谩 solita

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SUMARIO John William Waterhouse

Edward Hopper

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Reediciones Björk reedita sus discos

66 Libros

Batman vs Superman

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Room Services + Quién es la chica

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Hey!

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Y aunque somos felices ahora, cómo nos gustaría viajar a 1995 , año en el que se produjeron algunos de los tantos clásicos de aquella década. Doce afortunados meses para Björk, Oasis, The Chemical Brothers, Tricky, The Smashing Pumpkins, Soda Stereo, y Radiohead. 20 discos bellos e indispensables que celebran su 20 aniversario.

Intro::: Luciana Romero

TxT::: Martín Rodríguez Rey Diseño::: Smashing Yonkis

Hey!

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1995 Radiohead The Bends

El segundo álbum de Radiohead fue posiblemente el más sorprendente del año, un salto de energía hacia la calidad desde el sentir indie tradicional que representó su debut de 1993 Pablo Honey. Una temporada antes, My Iron Lung, el single más musculoso del disco, nos hacía sospechar el poder hitero de la banda con glorias como High and Dry, Fake Plastic Trees, Street Spirit y Just.

Teenage Fanclub ‘Grand Prix’’

El sello británico Creation Records podría haberse dedicado sólo a la exitosa carrera de Oasis, pero tenía otra joya en su corona: los power-popers Teenage Fanclub. El cuarteto escocés edita aquel año un quinto disco que vuela con hermosas melodías a la altura de las circunstancias, desde el tenue primer single, Mellow Doubt, hasta el himno perenne para días soleados, Sparky’s Dream.

Aphex Twin – ‘...I Care Because You Do

Quien conseguía traspasar la terrorífica imagen de su tapa se adentraba en el trabajo más satisfactorio de Aphex Twin hasta la fecha, una especie de amalgama de sus bocetos house y ambient ocasionalmente bloqueados por ritmos hip-hop. Un paso adelante.

El track Ventolin representa la prueba de resistencia.

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1995 Tricky Maxinquaye’

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La rotura más violenta y crítica del año llegó de un lugar inesperado. El ex miembro auxiliar de Massive Attack Tricky Kid debuta con un disco brillante, de retorcido hip-hop, en donde se destacan la voz de Martina Topley- Bird y un cover de Public Enemy, Black Steel.

Spiritualized Pure Phase’

Enmascarado bajo el nombre Spiritualized Electric Mainline, el space rock de Jason Pierce fue aún más frito en este álbum que en su debut de 1992, Lazer Guided Melodies. Una versión alternativa de la escalofriante odisea lisérgica Medication abre el disco. Para volados.

Massive Attack Meets The Mad Professor ‘No Protection’

El segundo álbum de Massive Attack (Protección, de 1994) fue para algunos una decepción leve después del pionero Blue Lines; demasiado suave, demasiado fácil de olvidar. El productor dub guyanés Mad Professor lo rescata con una mezcla más brutal, y el trío de Bristol salva el año con esta reinvención atronadora del original.

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Hey!

Hey!

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1995 Pulp Different Class

Blur ‘The Great Escape

El álbum definitorio de 1995 fue de Pulp. A veces sórdido, a menudo encariñado, describía el estado de las cosas en Inglaterra y mostraba hacia dónde se dirigía la nación. Recién en su quinto álbum, tras 17 años de lucha, la banda logra un trabajo que rebosaba de ideas pop y melodías indestructibles: Disco 2000, Common People, o Something Changed, sugerían una banda que acaba de empezar.

El defectuoso cuarto álbum de Blur es demasiado duro en su narrativa del hombre moderno como para ser ignorado. Tiene al ganador inicial de la Batalla Britpop, Country House, aunque el resto del disco no logra igualar a Oasis y su gigante ...

Morning Glory? Sin embargo, hay en él dos clásicos de todos los tiempos (The Universal y Charmless Man) y un asunto más experimental (Yuko & Hiro).

Chemical Brothers Exit Planet Dust

Hey! Hey! Hey!

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19 Garbage Garbage

No culpen a The Chemical Brothers por los delitos musicales que siguieron; su LP debut fue el que acuñó el estilo house mezclado con hip-hop que hace temblar las paredes. El single Leave Home parecía lo más fuerte que se podía escuchar por ahí, pero el dúo también era capaz de bajar el dial en One Too Many Mornings.

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La ex cantante de Good Mackenzie Shirley Mans productor de Nirvana, B Vig, eran una fusión un t extraña de talentos para al mundo por sorpresa, con el resto de la banda ron un pop-grunge astut se apuntó los accesos a lados del Atlántico, con indie-disco como Queer, Happy When It Rains, Vo Stupid Girl sobresaliend

1995 Björk Post’

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dbye Mr son y el Butch tanto a tomar pero a cocinato que ambos hits , Only ow, y do.

Tras un fantástico primer disco, Debut, la ex Sugarcubes fue refinando su sonido aún más entre el pop y la vanguardia, demostrando precisión y encanto en el estándar It’s Oh So Quiet, rompiendo corazones con Hyperballad, y reventando tímpanos con Army Of Me. Pavement Wowee Zowee’

Un año después del álbum Crooked Rain, Crooked Rain, la banda ya estaba escapando de sus raíces indie pop, grabando un trabajo más experimental. Los hits eran escasos, pero en Serpentine Pad y Father To A Sister Of Thought todavía podía cincelar una melodía insidiosa.

Black Grape It’’s Great When You’re Straight...

Yeah!

De todos los triunfos pop improbables de 1995, el retorno glorioso de Shaun Ryder fue el que sorprendió a todos. Happy Mondays había desaparecido desordenadamente pero Ryder volvió más loco que nunca. Un álbum contra la mala onda que perdió el Mercury Prize al mejor trabajo del año en manos del Different Class de Pulp.

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1995 Oasis (What’s The Story) Morning Glory?

Soda Stereo ‘Sueñ o Stereo

En la guerra Britpop contra Blur, la banda de los hermanos Gallagher tuvo la última risa con su segundo álbum, que, tras vender 347 mil copias en su semana de lanzamiento sólo en el Reino Unido, se convertiría en el gran hito artístico de su carrera, antes de que el control de calidad fuera un poco inestable. Además, traía Wonderwall, la canción que los hizo millonarios.

Soda Stereo es el canto del cisne más exquisito que el rock-pop latino haya producido nunca. El último disco de Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti se empapa de la psicodelia inglesa, el ambient pop y las capas infinitas de pesar. La banda resume aquí todas sus etapas discográficas, logrando un final de estudio a la altura de su historia.

Hey! Hey! Hey!

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Elastica Elastica

The Charlatans

Mientras la Blurmanía barría el Reino Unido, la novia de Damon Albarn tampoco lo estaba haciendo tan mal. La banda de Justine Frischmann generó algunas observaciones astutas sobre Line Up y Conexión con respecto a las similitudes con temas de Wire, sin embargo su debut fue tan aguerrido y exquisito que todos se lo perdonaron.

The Charlatans

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Una obsesión casi enfer por los apóstrofes -Just kin’, Crashin ‘In, Jusdt W You’re Thinkin’ Things O impidió que su cuarto LP convirtiera en un clásico nor. Podrían haber estal liderando las listas, pero se dedicaron al rock and puro, deudor de los mag cos Rolling Stones de lo ciertas pinceladas del ex John Lennon.

1995 PJ Harvey To Bring You My Love’

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rmiza LooWhen Over- no P se o mellado, o ellos d roll gnífios 70 y x Beatle

Los geniales álbumes Dry y Rid Of Me habían marcado a PJ como una de las grandes artistas del rock’n’roll británico moderno, y era hora de estirar esas alas. Este disco ofreció un sonido más expansivo con la producción de Flood.

Supergrass I Should Coco

Eran unos nenes, sin embargo tenían un sonido propio, fresco, y una energía renovadora que arrasó con las viejas influencias. Alright fue el éxito de la novedad, pero la verdadera naturaleza de la banda venía en las vibrantes Caught

By The Fuzz, Lenny, y Mansize Rooster.

Smashing Pumpkins Mellon Collie & The Infinite Sadness

Tras su segundo álbum, Billy Corgan estaba listo para darle rienda suelta a su obra magna.

Desde el juego de palabras del título al tamaño descomunal de la cosa (disco doble), Mellon Collie ... se presentó como un trabajo sobre la ambición.

Cuando funcionaron 1979 y Tonight, Tonight, la banda apuntó directamente para el Rock’n’Roll Hall Of Fame.

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Entrevista con...

Alice

Glass

Otra era de cristal

La cantante y compositora canadiense (ex Crystal Castles) nos cuenta c贸mo ser谩 su nuevo viaje solista.

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FotografĂ­a Daniel Jackson

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Entrevista

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A

lice Glass sólo quiere potenciar su independencia, pero también quiere divertirse. Ni se les ocurra decirle lo que tiene que hacer. Ya pasó muchos años siendo la cantante de Crystal Castles, teniendo que pelear por imponer sus ideas, y ahora que el dúo es historia reciente, la chica anuncia que “quiere abrazar su propia oscuridad”. También agrega, bastante esperanzada: “Es una nueva aventura para mí. Con 16 años armé Crystal Castles y de pronto me subí a una gira constante durante seis años. No conocía otra cosa más que la vida de backstage, de hoteles y de ir de avión en avión. Sólo escuchaba Darkthorne porque no tenía tiempo de descubrir grupos nuevos. Ahora puedo perderme en mi mundo interior y no voy a hacer más música con el mismo gusto de cuando era una teen”.

Intro:: Zoe Kreimer TxT::: Alex Chavo Acuña Diseño::: Smashing Yonkis

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Alice está re dark. Lean cómo define a su primer disco solista: “Es un gatito comiéndose los cadáveres de sus dueños”. Ay. Y lo dice sonriendo, complacida de su ocurrencia. También asegura que la oscuridad y la ternura pueden lograr cierta simbiosis. “Siempre he sentido una especial afinidad con la música agresiva y eso es lo que quiero hacer ahora mismo”.

Obvio que, a pesar de haberse alejado de Crystal Castles, la impronta del dúo estará por ahí, en cada beat, cada letra, cada cadencia melódica. Pero Alice reconoce que ha sentido la urgencia imperiosa de tomarse el palo de aquella situación tan exitosa como caótica: “Ahora que llevo un tiempo alejada de la agenda y de las giras agotadoras he tenido tiempo para reflexionar y he decidido que quiero empezar a ser yo misma. Ya no tengo que rendirle cuentas a nadie y puedo tomarme mi propio tiempo para crear. Prefiero que vengan 20 personas a mis conciertos a llenar estadios y vivir en una mentira”.

Y claro, puede cambiar y cambiar, apenas carga con 26 años (rebosantes de experiencia rock, eso sí). En su CV ostenta toda una década en la autopista de la industria musical, siempre amparada por tipos mayores, ya desde la secundaria, cuando se colaba en los bares para ver a sus grupos punk favoritos mientras analizaba el futuro: “Puedo hacerlo mucho mejor que todos”. No tardaría tanto en formar Crystal Castles (a los dulces 16) de la mano del productor Ethan Kahn. “Al principio no creés que la gente te vaya a prestar atención pero con el tiempo pensás: ‘¡me encanta lo que hago!’. Actuar en vivo me da la oportunidad de evadirme a mí misma: es como morir y volver a la vida”. Alice es resurrección. Puede treparse a los parlantes para arrojarse al mar de manos toquetonas y volver con la frente en alto. Le gusta la marea de gente, eso la estimula, esto no: “A pesar de lo bonita que es la Brixton Academy de London, en los conciertos el escenario está demasiado lejos del público y no puedo conectar de una forma más directa con mis fans”. Una postura, la de acercarse e interactuar, que dista bastante de la que ejercen los artistas emblemáticos del mainstream.

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Sin embargo Alice tiene la cabeza puesta en lo que vendrá: “¡Es nuestro turno de cambiar las cosas! Está claro que el pasado nos influencia pero hay que olvidarse ya de todas esas tendencias retro. Nos condicionan demasiado a los que tratamos de defender nuestra identidad.

Hay que apoyar a las nuevas generaciones”.

Su speech no deja dudas. La sinceridad de Alice está al 100 por ciento cuando advierte sobre los riesgos de la industria musical, peligros que ya ha colocado en la palestra de su crítica. Repasemos sino su claridad al hablar de la sexualización de las artistas: “Las compañías discográficas juegan con la idea de convertirnos en algo atractivo para los hombres a pesar de que muchas de nosotras empezamos en la música desde muy jóvenes. El sexo vende y los jóvenes compran música, por tanto la mayoría recurren a combinar ambos conceptos.

Es muy irresponsable por su parte y no tienen en cuenta la repercusión que eso tiene en ellos”.

Así se prende a la polémica, levantando una bandera que ya habían hecho flamear muchachas carismáticas como Sinéad O’Connor, Miley Cyrus, Azealia Banks y Katy Perry, pero sin tantas vueltas como las otras: “No tengo ningún problema con las mujeres adultas que escogen hacer lo que quieren con sus cuerpos, siempre que no estén coaccionadas por egoístas o cánones culturales.

Quiero que las mujeres tengan relaciones sanas y que mantengan el control de sus propios cuerpos.

Soy feminista y todo el mundo debería serlo”. ¿Ven? Alice tiene la determinación de una Juana de Arco moderna, y ese poder se ha nutrido de su experiencia temprana en un mundo negociado por los hombres.

Ahora su nueva perspectiva la ha llevado a romper los moldes de su vieja banda y a encarar una carrera en la que pueda liberar su vida interior, por más oscura que ésta sea. Más sinceridad al 100 %: “Mi proyecto trata de la manipulación, la presión social, la sensación de que alguien en quién confías te ha traicionado. Cosas que le han pasado a casi todo el mundo. Por eso siento empatía con el 90% de la humanidad”. ///

Entrevista

“Quiero que las mujeres tengan relaciones sanas y que mantengan el control de sus propios cuerpos.

Soy feminista y todo el mundo debería serlo”. conga mag 25

Atensound!

FKA Twigs boquita piantada

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i aún no la han escuchado con atención, es raro que las imágenes de los eps y del primer disco de FKA twigs, LP1, les hayan pasado por las narices sin maravillarlos. El arte, toda una declaración facial de principios -sus dientes blancos gigantes, sus ojos de muñeca-, se ha filtrado en todos los medios y en las vidrieras de las tiendas de discos en Inglaterra y Estados Unidos. La tapa desconcierta positivamente, nos abre preguntas como “¿Qué habrá ahí dentro?”, “¿Surrealismo lúdico?”, “¿Música para dibujitos?”, “¿Qué tendrá para decir esa boquita pintada? ¿Estará piantada?”. Y tantas otras inquietudes nos nacen. Pero eso es sólo en la superficie, porque LP1 tiene en su vientre todo un universo minimalista y barroco que gira al rededor del R&B contemporáneo. Y hacia ahí vamos.

Intro:: Martín Rodrígurz Rey TxT::: Gus Kraft Diseño::: Smashing Yonkis

Atensound!

Una rara coincidencia se destaca en el R&B contemporáneo: su pico de éxito en los charts, su gloria popular, coincide con la era más experimental del género.

Pensemos en Frank Ocean, ídolo de masas, una sopita instantánea de canciones seductores; o en Solange, la hermana menor de Beyoncé, que fue producida por Blood Orange, productor estrella de métodos indies y logros mainstream; o en la misma Beyoncé, quien facturó en 2014 un álbum, digamos, “alterdark”; o en Kanye West, decidido a convivir con los extremos.

Todo es influencia si hacés pop: hip hop, dub, ambient, funk y soul son hoy ingredientes básicos en cualquier estudio. Todo parece posible. Entonces, ella, FKA Twigs (nacida Tahliah Debrett Barnett, veintiséis años), viene a ofrecer su corazón femenino, su cabeza puesta, y su boquita piantada.

En LP1 se las arregla para ser chabacana sin mostrar la hilacha. Tanto Blood Orange como Arca, uno de los productores de Yeezus, pusieron su sapiencia modernaminimalista en el disco. Las bases se construyeron con pocos elementos, casi de entrecasa. ¿Un ejemplo?

Un palito machacando sutilmente una lata de gaseosa.

La variedad sonora abarca desde ruidos de cables en cortocircuito a sintetizadores futurama centelleantes.

Sin embargo, entre tanto detallismo, hay lugar para el vacío. La cosa es así: una marea de Venus que fluye por tensión y relajación. La novedad no pasa ahora por los estribillos radiales, o para estadios, sino por el viaje auditivo. Estamos ante la no-melodía, ante la nueva música de diseño. /// 30 conga mag

La música de Twigs renueva las bases de la sensualidad a pura delicadeza, desestabiliza la pomposidad edulcorada de Adele y los modos melancólicos de Coldplay (y los clones de ambos). ¿Y las letras? Sólo tienen que adentrarse en ellas para advertir que la piba está en un escalón superior. Una de Adele dice: “I heard that your dreams came true / Guess she gave you things I didn’t give to you”. Una de Twigs dice: “Harder / ‘Till you fill it with me / Harder / Am I suited to fit all of your needs?”. Ustedes saquen su propias conclusiones. Por la razón que sea, Twigs es increíblemente sexy, teniendo en cuenta que viene del Reino Unido, ámbito que rara vez produce una estrella pop cuya potencia sexualsensual sea el fuego su carrera. Esa realidad suele estar protagonizada por un hombre (recordemos al primer David Bowie, o al eterno Freddy Mercury).

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DIFUNDE LA PALABRA /// Biografías y Testimonios

Room Service, de Sergio Marchi PLANETA Argentina Edición: 2014 Páginas 448

Room Service es un libro para cerrar el corazón y abrir el minibar. Descontrol. Caos.

Peligro de rock. Sergio Marchi, el periodista-autor de la biografía definitiva de Charly García (No digas nada), otra de Pappo (El hombre suburbano), y una de Roger Waters (Paredes y puentes: el cerebro de Pink Floyd), entre otros textos fundamentales, lo editó vía Planeta hace un año, y nosotros lo rescatamos para este número a modo de reconocimiento y pedido de disculpas.

TxT : : María del Carmen Huerta

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Diseño : : Smashing Yonkis

a l e d s a n e Esc vida rockera

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DIFUNDE LA PALABRA /// Room Service - Sergio Marchi - Sus Definiciones

Ringo Star y Keith Moon

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“Room Service es un estudio sobre el comportamiento de las estrellas de rock.

Todas las grandes anécdotas de los ídolos, documentadas, con nuevos detalles y los grandes mitos. Hago foco en qué le pasa a un músico cuando se convierte en una estrella en serio y por qué todos terminan mal. ¿Qué es lo que hace que su comportamiento se vea afectado? ¿Qué provoca que un músico termine hecho mierda cuando es lo suficientemente inteligente como para saber que una sobredosis te va a hacer mierda? Trato de contestar esas preguntas”.

“Es un compendio de historias sobre las grandes estrellas de rock que comienza con la más legendaria de todas: Keith Moon. Ese fue un tipo que puede ser analizado desde un punto de vista clínico, por lo que consulté a psiquiatras y especialistas. Moon tenía una enorme necesidad de llamar la atención y de ser querido.

Es decir que podía haber una enfermedad de base. Las cosas que hacía eran geniales y muy divertidas. Es un libro que intenta analizar ese fenómeno, pero no desde un lugar careta sino de contar las anécdotas de las cosas que hicieron y cagarte de risa también. Habla de historias tristes en tiempo de comedia”.

“Este libro tiene 15 años. Comenzó en 1998 y surgió como un efecto colateral de Charly, porque con él hice un libro de primera mano sobre una estrella de rock.

Con él busqué modelos para el libro. No sabía escribir un libro, entonces busqué distintos formatos para encontrar el que mejor se amoldara. Pero me di cuenta de que tenía que buscar mi propio modelo. Después quise hacer el de Pappo, pero él no podía, y lo terminé haciendo sin él, pero la idea era hacerlo igual que como habíamos hecho No digas nada, con Charly. Al principio no le encontraba la vuelta.

Buscaba un concepto que no podía hallar. Cuando lo volví a retomar –en octubre de 2012– lo encontré. Quería ver los distintos modos en que una estrella de rock intenta ser él mismo y también entender por qué a veces hacen cosas inconfesables o que el público no entiende”.

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DIFUNDE LA PALABRA /// Room Service - Sergio Marchi - Sus Hip贸tesis

Syd Barret

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“Las estrellas de rock son víctimas voluntarias de una trituradora de carne fashion.

No son ovejas que llegan engañadas al matadero. Pero hay una cuestión de exacerbaciones que tienen los medios y la industria que utiliza esas peculiaridades del rock como herramienta del márketing. ¡Y a nosotros nos encanta! No hay nada más divertido que una estrella en apuros. Muchos de los desmanes que hacen es porque están re-locos de drogas, de alcohol, y también porque es algo que saben que la gente va a aplaudir”.

“La culpa de la estrella nace al preguntarse: ¿Por qué tengo todo esto a mi disposición? ¿Qué hace que yo tenga montones de chicas gritando fuera de mi hotel, dinero en el bolsillo, drogas que guardan mis asistentes? Puedo ser bueno, ¿pero hasta qué punto me he ganado lo que tengo? Y la culpa se va filtrando, una gota que va horadando el subconsciente. Y en determinado momento explota. Y allí nacen las historias más desconcertantes de las estrellas de rock. ¿Por qué ese tipo corre ‘en bolas’ por la calle? Porque siente culpa”.

“Es la primera vez que tenemos un Beatle o un Rolling Stone de 70 años. A mí me da curiosidad: ¿Cuán bien envejecieron? Creo que bastante bien. Son sobrevivientes. Y eso agrega a la leyenda. El haber sobrevivido a muchas cosas y estar aún enteros y lúcidos, y no convertirse en tipos que reniegan de lo que hicieron.

Envejecer con gracia es no arrepentirse de lo que se hizo. Hay que reconocer que el rock cambió mucho el mundo. El mundo es otro gracias al rock. Por eso hay gente que lleva el pelo largo, el sexo entre dos extraños es una elección, hay matrimonios gays. El rock hizo de la tolerancia su bandera. Con su música, esos viejos rockeros modificaron nuestras vidas”. ///

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s a c la

DIFUNDE LA PALABRA /// Biografías y Testimonios

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Quién es la chica , de Agustina Larrea y Tomás Balmaceda RESERVOIR BOOKS MONDADORI Argentina Edición 2014 Páginas 336

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Quién es la chica no es Intrusos en el Rock, pero algo de husmear en la intimidad del músico y sus métodos de composición, raptos de inspiración, rige en las páginas del libro. Develar las historias detrás de esas canciones argentinas que sabemos todos, darle entidad a esas flacas secretas, inmortales, les demandó a los periodistas involucrados cuatro años de trabajo. De las 20 iniciales, terminaron en casi 200. Muchachas para todos los gustos, y disgustos, por qué no.

TxT : : María del Carmen Huerta Diseño : : Smashing Yonkis

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DIFUNDE LA PALABRA /// Biografías y Testimonios

Te llevo para que me lleves, Gustavo Cerati (Del disco Amor amarillo, 1993) “Después de un tiempo de amor a la distancia y dificultades porque la familia de ella no estaba de acuerdo con la relación, Cecilia Amenábar y Gustavo Cerati decidieron casarse. Aunque la decisión de dar el ‘sí’ no fue de un modo convencional. ‘Yo ya estaba viviendo sola, había entrado en la universidad. Estaba en un departamento. Y fue una mucama de la casa de mi mamá que terminó siendo cómplice mía. Porque mi mamá le cortaba el teléfono a Gustavo, no me decía cuándo llamaba o trataba de dilatar la situación. Un día llama, él no sabía que yo me había mudado. Justo contesta ella y le dice despacito: ‘No, Cecilia no está, pero yo le voy a dar el nuevo número’ (...). Me fui con él a la gira de Dynamo, de Soda Stereo, cuatro meses, porque justo eran mis vacaciones (...)”. Al regreso, Amenábar descubrió que estaba embarazada (...) La idea de llevar a alguien, el estado de embarazo y un juego de palabras inspiraron a Cerati a componer la popular canción Te llevo para que me lleves”.

Eiti Leda, Charly García (Del disco Serú Girán, 1974) “Muchos creen que Eiti Leda, uno de los temas más bellos del rock nacional, fue escrito por Charly García para su gran amor brasileño, María Zoca Pederneidas. Sin embargo, su origen se remonta más atrás en el tiempo y su destinataria es otra de las grandes musas del músico, María Rosa Yorio. García compone el tema, al que titula Nena, a finales del año 1974, inspirado por María Rosa Yorio, y lo presenta en público en el recital que brindó Sui Generis en el marco del lanzamiento de Pequeñas anécdotas sobre las instituciones, como un adelanto de lo que sería Ha sido, una placa que nunca vería la luz porque el conjunto se disolvería poco tiempo después de ese show (...). La composición reapareció, rebautizada Eiti Leda, en 1978, en el primer álbum de Serú Girán. El nuevo nombre, de sonido más tropical, engañó a muchos y los hizo pensar que el tema era para Zoca. En 1999, García confesó a Clarín que Serú Girán es un término sin sentido, pero que ‘Eiti Leda’ es una frase ‘en un idioma completamente ficticio’ que quiere decir Coca Cola”.

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DIFUNDE LA PALABRA /// BiografĂ­as y Testimonios

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Flaca, Andrés Calamaro (Del disco Alta suciedad, 1997) “Elusiva y misteriosa, la historia de Mónica García se puede reconstruir a partir de datos sueltos encontrados en entrevistas, notas y algunas pocas fotos publicadas en la década del 90. Sin embargo, o quizás precisamente por este misterio, su figura se convirtió en una verdadera leyenda en el ambiente del rock. Nadie sabe cómo conoció a Andrés Calamaro, pero sí que se casaron en secreto en 1992, en España, donde el argentino se había refugiado luego de que la carrera solista que había arrancado tras su partida de Los Abuelos de la Nada no lograra la repercusión esperada. Luego de vivir en un modesto edificio de Chueca (...) los primeros éxitos de Los Rodríguez le permitieron mudarse junto a su amor a un departamento mucho más cómodo, en donde la pareja convivía junto con sus gatos Tyson, Sinatra y Babar. Además de esposa y confidente, Mónica se convirtió en manager de Calamaro, quien se tatuó su nombre en el antebrazo”.

Un vestido y un amor, Fito Páez (Del disco El amor después del amor, 1992) “No hubo margaritas sobre ningún mantel. Sin embargo, aquello de ‘yo no buscaba a nadie y te vi’ tiene bastante que ver con el primer encuentro entre Cecilia Roth y Fito Páez. Fue en febrero de 1991 en José Ignacio, cerca de Punta del Este. La actriz, que por entonces estaba casada con Gonzalo Gil, había organizado una fiesta de disfraces en la casa de unos amigos. Con el festejo ya avanzado, llegó el músico sin disfraz pero con un atuendo que le llamó la atención: ‘Estaba muy bien vestido: tenía unos pantalones blancos, anchos, muy volátiles; unos zuecos altísimos, una chaqueta como de brocato plateada... estaba maravilloso.

Yo tenía un vaso de vino en la mano, se me acercó... y algo me pasó (...)’, recordó Cecilia en la autobiografía de Páez (...) Meses después, cuando Roth finalmente se divorció, salió a la luz la relación con el músico, que se inspiraría en ella para componer gran parte de las canciones más recordadas de su repertorio. Fue la época en la que preparaba el exitoso El amor después del amor”. ///

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DOCUMENTALES /// Kurt Cobain y Elliott Smith

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Los dos faltan en el mundo porque en cierto día de furia interior decidieron faltar.

Pero algo dejaron -quizás demasiado- en tantos corazones y discotecas como para que no se los pudiera olvidar. Aquellas dos vidas tumultuosas, repletas de canciones desnudas, potentes, y sensibles, fueron documentadas en Kurt Cobain: Montage of Heck, una mirada privada a la mente del líder de Nirvana, y en Heaven adores you, el tormentoso devenir del cantautor también estadounidense, Elliott Smith.

Dos logros artísticos, dos acercamientos íntimos a dos tipos inigualables, imprescindibles para entender la historia de la música moderna.

TxT : : Luciana Romero Diseño : : Smashing Yonkis

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DOCUMENTALES /// Kurt Cobain y Elliott Smith

Kurt Cobain: Montage of Heck “Yo sólo quería darle a Frances unas horas más con su padre”, dijo el director Brett Morgen durante la presentación del filme. Ella estaba entre el público, y la madre de Kurt, su hermana Kim, Krist Novoselic, y también Courtney Love, a quien agradeció profusamente su confianza: “Los reto a que encuentren a alguien que les dé las llaves de su archivo y diga: ‘Revisa en toda mi mierda, haz una puta película y la veré cuando esté hecha”.

Entonces Morgen tuvo acceso sin restricciones a las pertenencias personales del frontman. Entonces Morgan nos muestra a Kurt Cobain sin filtros, nos permite una mirada incómodamente íntima de su vida con Courtney, incluyendo ‘selfis’ de la pareja besándose, borrachos de amor el uno por el otro, sobre todo cuando Frances Bean Cobain entra en escena.

“Frances me dijo ‘la gente actúa como si mi padre fuera Santa Claus, y él no era Santa Claus’. Creo que se dio cuenta de eso después de ver la película”, comentó Morgen tras el estreno del documental.

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DOCUMENTALES /// Kurt Cobain y Elliott Smith

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Kurt Cobain: Montage of Heck Kurt fue el portavoz de una generación, el líder de una banda irrepetible, pero también un padre amoroso, cuyo cariño por su hija siempre hizo público, y el documental lo trata como un ser humano, un marido, y un papá: se lo ve rodando por el suelo con Frances mientras ella se ríe a carcajadas. Hermoso.

La cumbre de momentos inquietantes se hace visible cuando se escucha a Cobain respondiendo con una risa escalofriante a una pregunta del legendario periodista de rock David Fricke de la Rolling Stone USA sobre un descarte de In Utero titulado I Hate Myself and Want to Die (Me odio y quiero morirme). Hay que verlo.

El rockumental de Brett Morgen impactará no sólo a los fans más acérrimos de Nirvana. Este trabajo de ocho años ofrece una mirada privada a la mente del artista, desde sus primeros pasos creativos hasta el descenso a los infiernos, en donde cometió suicidio el 5 de abril de 1994. Y cuando llegan los títulos finales, sentimos -emocionalmente arrasados- que ya conocemos mejor a Cobain. conga mag 61

DOCUMENTALES /// Kurt Cobain y Elliott Smith

Heaven Adores You Heaven Adores You, película documental sobre la vida y obra de Elliott Smith, tuvo su premiere el 5 de mayo en el Festival de San Francisco, en su 57ª edición. La cinta ha sido dirigida y producida por Nickolas Rossi, cineasta con amplia experiencia en el ámbito del corto, los documentales y la dirección de fotografía. Rossi puso en marcha una campaña de micro mecenazgo para costearlo, superando su objetivo financiero con creces.

La obra musical de Elliott Smith –quien se suicidó en 2003, a los 34 años de edad– no deja de crecer en importancia. Valorado como uno de los grandes artistas de su generación, el norteamericano dejó una discografía sentida, que aún hoy influencia a músicos de toda cuna. En Heaven Adores You hablan algunos de sus mejores amigos y colegas –como la fotógrafa Autumn De Wilde, el músico y productor Jon Brion, o la manager Margaret Mittleman– para rearmar la frágil estampa de un cantautor inigualable, trunco demasiado joven. Sus palabras logran acercarnos como un zoom a su vida y, también, por supuesto, su dolorosa muerte.

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Jack White /// Nota de Tapa

Con The White Stripes le puso onda salvaje a los dúos de guitarra y batería, compuso música para películas, formó los supergrupos The Raconteurs y The Dead Weather, abrió su propio sello/estudio de grabación donde produce y lanza a flamantes artistas y, vaya CV, es el artífice de uno de los riffs más pegadizos del siglo XXI, el de Seven Nation Army. Este año, Jack White , tan arrogante rock como siempre, alcanzó las cuatro décadas.

Es tiempo de repasar algunos de los momentos cruciales de su carrera, incluyendo colaboraciones, curiosidades y, por supuesto, sus mejores frases.

Intro::: Luciana Romero

TxT::: Laura Cohen Diseño::: Smashing Yonkis

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Jack White /// Nota de Tapa - Las Verdades Como Templos

Arma tu propia guitarra

Jack White no sólo compone, canta, toca, produce… ¡también arma instrumentos! En el educativo documental It might get loud (un encuentro ideal entre White, The Edge y Jimmy Page), vemos al músico en plan artesano construyendo una guitarra mutante y tocando I fought piranhas, corte que cierra el primer disco de The White Stripes.

El desaire a Dios

Cuando ejercía la preadolescencia, John Anthony Gillis (Detroit, Michigan, EE UU, 9 de julio de 1975), mejor conocido como Jack White III, tomó la decisión que podría haber cambiado por completo su vida: se había matriculado en un seminario para convertirse en sacerdote. Por suerte para todos, se dio cuenta de que allí no lo dejarían instalar el nuevo amplificador que había comprado, con lo que decidió ir a la escuela pública y así poder seguir tocando la guitarra a full. Se inició en la batería en Goober & The Peas y también pasó como guitarrista por bandas como The Hentchmen, The Go y Two-Star Tabernacke. A los 15 años comenzó a trabajar en una tapicería de Detroit junto a la persona que le presentaría la furia sonora del punk, un flaco llamado Brian Muldoon, con quien formaría su primer dúo: The Upholsterers.

El himno de tu corazón hincha

Hace más de una década que The White Stripes logró la fama planetaria con Elephant, ese álbum que recibió casi todos los laureles, los aplausos, y los dólares del mercado. Aquel éxito se debió a la poderosa canción estrella, Seven Nation Army, una que atravesó las paredes del rock para meterse en las tribunas. ¿Recuerdan a los tifosis de la selección italiana cantar y saltar al ritmo de este tema cuando se proclamaron campeones del mundo en 2006? Bueno, eso, también, es el éxito.

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The Raconteurs

The White Stripes venía presentando Elephant por todos lados, como una plaga mundial. A finales de la primavera boreal de 2005, ya se hablaba de su nuevo álbum, Get behind me Satan, pero Jack White no se quedaba quieto. Antes de lanzar su próxima entrega con Meg, en el mes de mayo editó la primera muestra de su flamante proyecto: The Raconteurs. Ahora White no llevaba todo el peso de las composiciones, ahora lo compartía con Brendan Benson; ahora no recibía todas las miradas; ahora estaba amparado por dos músicos más, Jack Lawrence y Patrick Keeler, de The Greenhornes. Se darían a conocer con un insuperable single: Steady as she goes.

The Dead Weather

Talentoso e imparable, Jack White hace jueguito musical con lo que le tiren: guitarras, bajos, teclados e incluso batería. En 2009 se juntó con la carismática Alison Mosshart (The Kills, Discount), Dean Fertita (Queens of the Stone Age) y Jack Lawrence (The Greenhornes, The Raconteurs) para formar The Dead Weather, donde en varias canciones White se atrincheraba tras los parches.

¡Viva lo analógico!

Como nostálgico artesano de la música, Jack White suele defender la tecnología analógica más tradicional frente a la vanguardia digital: el vinilo frente al cd o la grabación en cinta de bobina abierta frente al Protools. Sus discos dan esa sensación orgánica tan acogedora, con ruidos o defectos naturales que dotan a las grabaciones de mayor autenticidad y frescura. El músico también reivindica la importancia humana de las disquerías, por eso en 2009 decidió fundar su sello, Third Man Records (el origen del nombre está en la película de Carol Reed, El tercer hombre), y abrir una tienda/estudio de grabación en Nashville.

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Jack White /// Nota de Tapa - Las Curiosidades

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Coqueteos con el Cine: Ha hecho varios cameos en películas como Cold mountain, Mutant swinger from Mars, Coffe and cigarettes, pero el más fabuloso está en Walk hard, donde en una escena da vida al mismísimo Elvis Presley.

Agente 007: En 2008 se juntó con Alicia Keys para facturar el track central de Quantum of Solace, la segunda película en la que Daniel Craig se ponía el traje de James Bond. Con White en las guitarras y la batería, compartiendo las voces con Keys, quien también se encargó del piano, Another way to die aportó una bocanada renovadora al universo sonoro de 007.

Coqueteos con leyendas: Jack pasó su infancia escuchando discos de rock and roll y rockabilly de finales de los 50 y la década de los 60, y por supuesto también el blues de figuras como Son House o John Lee Hooker (en el documental It might get loud aparece White escuchando su canción favorita, Grinnin’ in your face, de House). A esa lista debemos añadir a las cantantes Loretta Lynn y Wanda Jackson, dos leyendas vivas del country y del rock and roll, respectivamente, con las que el muchacho tuvo la chance de trabajar. En 2004, White produjo para Lynn el disco Van Lear Rose, y en 2011 participó decisivamente en el regreso de Jackson colaborando en la producción de The party ain’t over.

cazatalentos: Jack White no sólo disfruta haciendo música, sino que también alucina descubriendo grupos y produciendo sus discos. El último talento al que le echó el ojo (y el oído) se llama Willy Moon, un joven dandy neozelandés que mezcla el rock and roll y los oldies con el hip hop y la electrónica. De momento acaba de publicar su primer álbum, Here’s Willy Moon.

Plan solista: Blunderbuss, el muy recomendable primer álbum en solitario de Jack White (Third Man, 2012) nos había dejado con ganas de más, por eso en 2014 se despachó con Lazaretto, que lo trajo nuevamente a Buenos Aires durante este año para el festival Lollapalooza.

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Jack White /// Nota de Tapa - Las Frases “Creo que nadie dice la verdad. Todo el tiempo pensamos que lo estamos haciendo pero nadie lo hace. Podés estar en la cocina con 5 o 6 de tus amigos y ninguno dirá con quién se siente atraído sexualmente.

No tenés permitido decir en voz alta lo que en realidad sentís y hay muchos ejemplos así. Socialmente decimos lo que tenemos que decir o lo que la gente está esperando que digamos y no lo que necesita oír”.

“Bueno, como compositor, es muy peligroso usar la palabra ‘amor’ en una canción: es una palabra que se ha utilizado en las canciones tantos millones de veces antes, y es el tema más popular a la hora de escribir una letra”.

“Quiero ser parte del resurgimiento de las cosas que son tangibles, hermosas y conmovedoras, en lugar de ceder a la era digital. Pero cuando hablo con los jóvenes acerca de esto, comentan ‘sí, ya sé lo que querés decir ‘, y miran a sus teléfonos móviles”.

“A veces simplemente es trabajo. Lo hacés porque es lo que tenés que hacer y ya está. No todos los días te vas a despertar y todo va a funcionar. Tenés que obligarte a trabajar. La inspiración y la capacidad de trabajo van de la mano”.

“La guitarra no me importa demasiado, pero creo que es la forma en que la gente quiere que se cuenten las historias. Es una forma de llamarles la atención. Es muy difícil ser baterista y cantar a la vez porque no llevás una melodía que te acompañe, así que utilizo esas herramientas con las que la gente se puede relacionar y con las que puedo contar historias del modo que yo quiero”.

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“Creo que se necesitan un montón de trucos para mantenerse al día con los medios de comunicación y su percepción sobre nosotros. No sé si les presto mucha atención todo el tiempo. La música se hace primero, y las entrevistas o fotos vienen después para mantenerla con vida. Es un mal necesario, supongo”.

“No uso un repertorio definido. Cuando se sale al escenario y todo está perfectamente preparado, no va a ocurrir nada interesante.

Saldrás y harás un concierto aburrido para estadios”.

“Me gusta hacer cosas que me hacen la vida más difícil. Si se me cae la púa mientras toco, tengo que ir a la parte trasera del escenario para tomar una de repuesto. Siempre pongo el órgano lo suficientemente lejos para tener que saltar hasta alcanzarlo. No está a mano. Siempre intento ponerlo un poco más lejos. Así tengo que trabajar más duro”.

“No hay muchas cosas que aún no se han hecho, sobre todo con la música. Estoy interesado en ideas que puedan sacudirlos a todos”.

“Mi madre tenía 45 años cuando me tuvo, así que cuando yo estaba en la secundaria mis padres eran de la misma edad que los abuelos de mis amigos”.

“El vinilo es el verdadero negocio. Siempre me he sentido así: hasta que no comprás el disco en vinilo, realmente no tenés el álbum. No es una sensación retroromántica del pasado. El vinilo todavía está vivo”.

“No quiero alimentarme del pasado. No vivo con la noción errónea de que los amplificadores o los discos eran mejores en los sesentas. Pero el pasado puede tirar fuerte, lo admito”.

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Reediciones /// BjĂśrk - DiscografĂ­a en vinilo

She com

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mes in colors everywhere Con motivo de su retrospectiva en el MOMA de Nueva York (no del éxito de Vulnicura, su último álbum de estudio), One Little Indian reedita la discografía de Björk en vinilo. En primera instancia, serán 5000 copias de colores, y cuando se agoten se pasará al vinilo negro.

Esta es la descripción oficial.

TxT: Diego Bonzo

Diseño: Smashing Yonkis

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Reediciones /// BjĂśrk - DiscografĂ­a en vinilo

debut

shy beginner humility virgin beige silver mohair the messenger

post

greedy euphoric absorb promiscuity urban pink

homogenic

icelandic/cosmopolitan contrast green patriotic warrior confrontational volcanic beats icelandic octet active

vespertine

frozen winter world celestial whispered vocals passive loyal swans paradise laptops harps glockenspiels music boxes micro beats white orchestra choir disney salvation

medulla

primordial motherhood humour family around campfire breastfeeding black braided hair bones caves marrow goth pagan archeology pre-civilisation folk dark brown family passive

volta

wanderlust activist shaman feminist justice confrontational reactable brass tribal beats red neon green flags trumpets fire anthropology tribes boats bombastic

biophilia

equilibrium kofi annan synchronising opposites pacifist solutions pedagogic uniting choir copper electric blue galaxies atom no human scale element table cosmic nature/technology not narrative

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Conga mag

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LIBROS PARA CHUSMEAR

CINE: BATMAN VS SUPERMAN

LOS MEJORES DISCOS DE 1995

POSTER: LIFE DE ANTON CORBIJN

DOCUMENTAL: ELLIOTT SMITH