1° Año de Bachillerato especialidad Coro

EQUIPO TÉCNICO

Presbítero: José María Moratalla Escudero DIRECTOR GENERAL Daniel Ernesto Ayala Flores COORDINADOR DE MÚSICA

Gabriela de Coto INSTRUCTORA DE COROS

Rolando Hernández Paz INSTRUCTOR DE HISTORIA

Luis Enrique Castillo Pérez Adriana Rodríguez Somoza José Daniel Rodríguez Morales DISEÑO

Fundación Edytra. El Salvador Derechos Reservados. Año 2021

PRESENTACIÓN “El Desarrollo es el nuevo nombre de la Paz. El verdadero Desarrollo es el Desarrollo integral de todo el ser humano y de todos los seres humanos” (Pablo VI PP).

La UNESCO enfatiza algo tremendamente similar: “Todas las sociedades procuren avanzar por el camino que lleva a una Utopía necesaria en la que no se deje sin explotar ninguno de los talentos que, como un tesoro escondido, yacen en el fondo de cada persona. Basándose en los cuatro pilares de la educación: aprender a ser, aprender a conocer, aprender a hacer y aprender a vivir juntos“ (UNESCO 1996).

Nosotros, uniéndonos a la Iglesia, “experta en humanidad” (Pablo VI) asumimos como eje central y prioritario del arte de la educación el Humanismo. Y éste comprometido con el verdadero Desarrollo integral de toda la persona y de todas las personas.

Cuando ” …una globalización sin solidaridad afecta negativamente a los sectores más pobres. Ya no se trata simplemente del fenómeno de la explotación y opresión, sino de algo nuevo: la exclusión social. Con ella queda afectada en su misma raíz la pertenencia a la sociedad en la que se vive, pues ya no se está abajo en la periferia o sin poder, sino que se está afuera. Los excluidos no son solamente “explotados” sino “sobrantes” y “desechables” (Aparecida, 65)”.

Cuando …se vive en un ambiente difícil y duro, donde pareciera que el solo hecho de ser joven, muchacha o muchacho, ya es un delito: la violencia organizada los pelea para hacerlos suyos; la seguridad nacional desconfía de ellos; la sociedad civil no tiene las alternativas ni los medios idóneos para desarrollar sus derechos humanos ni el logro de su autoestima y felicidad.

Cuando …una tercera parte de buenos salvadoreños se han visto forzados a dejar su propio país. A aventurarse por encontrar, en pueblos lejanos y extraños, una oportunidad laboral para su subsistencia y bienestar, a costa de la pérdida paulatina de su idiosincrasia y sus valores y principios ancestrales.

Cuando …el misterio maravilloso del trabajo constituye para la mujer y el hombre, “una de las dimensiones fundamentales de su existencia terrena y de su vocación”(LE 11 y 4). Y, “en cuanto problema del ser humano, ocupa el centro mismo de la “cuestión social” (LE 2), de lo que es como su fundamento, “una clave, quizá la clave esencial” (LE 3). Sin embargo, en la realidad, es insuficiente y no importa tanto el trabajo humano, sino el ser humano en el trabajo (como centro y sujeto).

Cuando “…la sociedad tiene necesidad de artistas, de la misma manera que necesita de científicos, técnicos, trabajadores, especialistas, testigos de la fe, profesores, padres y madres, que garanticen el crecimiento de la persona y el progreso de la comunidad, a través de aquellas formas sublimes de arte que es el “arte de educar” (Juan Pablo II)”. Porque El no es sólo la suma Verdad. El es también la suma Bondad y la suprema Belleza. “¿Qué es el hombre para que te acuerdes de él, el ser humano para darle poder?” (Sal 8).

El soñó con nosotros desde la eternidad.

Su fantasía y coraje, herido el corazón de ternura y bondad, unió sus sueños y los nuestros.

Ahora se oyen cantos de bodas, se rompe lo imposible humano y el trampolín de la vida nos lanza a la divinidad.

Pero de lo que se trata ahora no es de la promesa de la paz, sino de su envío; no de la dilatación de su entrega, sino de su realidad; no de su anuncio profético, sino de su presencia. Es como si Dios hubiera vaciado sobre la Tierra un saco lleno de sueños; un saco pequeño, pero lleno, ya que “un niño se nos ha dado” (Is 9,5), pero “en quien habita toda la plenitud de la divinidad” (Col 2,9). “Ha aparecido la bondad de Dios, nuestro Salvador, y su amor al ser humano” (Tit 2,11). Dios nos manifiesta y comparte su sueño de amor, belleza y paz al añadir a la Humanidad el nombre de Dios.

Porque Dios cambió su nombre por Enmanuel, Dios con nosotros, y porque el ser humano, amando apasionadamente, se trascendió a sí mismo, ahora el camino y el objetivo de ambos son idénticos. El camino y método, el Arte. El objetivo y fin, la Divinidad del Amor.

El Artista Mayor del Universo sembró en cada persona y en cada niño la semilla de creatividad y fantasía. Se ilumina el diario vivir y la gratitud y la alegría.

Nacimos en un país coloreado desde su despertar en amaneceres caprichosos, hasta los anocheceres enrojecidos de sangre y fuego. Con cielos azules infinitos, el intenso verde de los cerros, la fuerza de los volcanes, los colores del torogoz y la guacamaya, el inquieto vaivén del mar turquesa convertido en blanca espuma al besar las rocas, la alegre danza del fuego doméstico bajo el comal

transformando el maíz en tortillas, pupusas, riguas, tamales hace de las cipotas y cipotes salvadoreños tierra fértil para la pintura: Se abrazan sonrientes los colores, Tocando las almas se mezclan las emociones Y el pincel danza en puntillas.

La forma de hablar de los salvadoreños tiene un ritmo infantil. Por eso nos llaman “pipiles” (los que habla como niños), Con el ritmo y la musicalidad del infante abordamos la música y sumergimos a los niños en ella, en su aprendizaje y ejecución. Aceptamos el reto y la aventura de crear con el Mined el Bachillerato Musical y una Orquesta Sinfónica y un Coro de niñas y niños en riesgo de exclusión social. Porque la Música es el lenguaje universal de la Humanidad, la historia de nuestra orquesta comienza con la frase: “Erase una orquesta que contaba historias”: Notas y sensaciones.

Suena recién nacida La música a borbollones.

El Teatro es poesía que se sale del libro para hacerse humana en la diversidad de regiones, culturas y caracteres del alma salvadoreña: Sobre la madera están: elque enreda y el que remedia, Llanto o risa en el mensaje La lucha entre el mal y el bien.

Ser salvadoreño, ser uno con la vida, significa ser uno con el ahora. Entonces nos damos cuenta de que no vivimos la vida, sino que es ella la que nos vive. La vida es bailarina y nosotros somos la danza: El espacio se llena de espirales y caracoles: Suaves, ágiles, iracundos Fluyendo sangre y verdad Entre cometas y soles.

Inmersos, así en la Belleza de la Pintura, la Música, el Teatro y la Danza queremos aprender a ser más nosotros mismos, mejores salvadoreños y mejores ciudadanos del mundo comprometidos con el Desarrollo integral de toda la persona y de todas las personas.

Su amigo P. Pepe Moratalla, Salesiano de Don Bosco

Introducción.

La formación de estudiantes en el área de las artes y en especial en la música, luego de más de dos décadas de haber sido interrumpido su enseñanza formal; implican en la actualidad una serie de desafíos.

Particularmente la creación, validación e implementación del Bachillerato en música desde el año 2018, (hecho que obedece a la gestión de la Fundación EDYTRA y a la entera disposición de las autoridades del MINISTERIO DE EDUCACIÓN CIENCIA Y TECNOLOGÍA), requiere de un nuevo paradigma pedagógico, que sea congruente con los desafíos planteados. Este esfuerzo de pasar de la informalidad a la formalidad requiere de una serie de acciones concretas de parte de los actores, que van desde la necesidad de profesionalizar a los encargados de transmitir conocimientos musicales hasta la generación de insumos acordes a esta necesidad.

Y es en respuesta a esta necesidad que la fundación EDYTRA con el apoyo de los instructores del Bachillerato Técnico Vocacional en Música implementado en el Instituto Técnico Obrero Empresarial ITOE que su ves, son instructores de las 16 especialidades instrumentales de El Coro y Orquesta Sinfónica Juvenil Polígono Don Bosco, ambas pertenecientes a la fundación EDYTRA se ha dado a la tarea de realizar los 3 libros correspondientes a los 3 años del Bachillerato en música de cada una de las 16 especialidades ofrecidas por nuestra institución, que incluyen formación coral, historia de la música, lenguaje musical y 13 instrumentos orquestales.

Haciendo un total de 48 libros que conformarán este aporte a la formación de los futuros estudiantes de música en nuestro país.

Y es así que tenemos el gusto de presentarles a un miembro de la serie de libros de apoyo al plan de estudios del Bachillerato Técnico Vocacional en Música.

Espero que les sea de mucha ayuda en el aprendizaje del instrumento.

Daniel Ayala Coordinador musical

Índice MODULO 1 ELAVORACIÓN DEL MARCO HISTÒRICO DE LA MÚSICA UNIVERSAL BTVM1.6 ------------------------------------------------------------------------------ 9 HISTORIA DE LOS PERIODOS MUSICALES - MÚSICA EN LA ANTIGUA GRECIA - MÚSICA EN LA ANTIGUA ROMA - EL CANTO GREGORIANO - EL MOVIMIENTO TROVADORESCO - EL BARROCO - EL CLASICISMO - EL ROMANTICISMO MODULO 2 CANTO A UNA VOZ-BTVM1.1-------------------------------------------------------41 PRINCIPIOS BÁSICOS LOS TIPOS DE VOCES AFINACIÓN Y ENTONACIÓN APOYO VOCAL RESPIRACIÓN NASAL VS RESPIRACIÓN BUCAL MANTÉN LA POSTURA ¡CUIDADO CON TU VOZ! MITOS SOBRE EL CANTO COMBATE EL PÁNICO ESCÉNICO EL CANTO EN LA PREHISTORIA EL CANTO EN LA ANTIGUA GRECIA LA ÓPERA CHINA EL CANTO EN LA EDAD MEDIA EL CANTO EN EL RENACIMIENTO EL CANTO BARROCO LOS CASTRATI EJERCICIOS DE RELAJACIÓN Y ESTIRAMIENTO EJERCICIOS DE RESPIRACIÓN EJERCICIOS DE EXPLORACIÓN Y RESONANCIA VOCALIZACIÓN REPERTORIO SUGERIDO: CANONES Y ARIAS FAMOSAS (CANTO SOLÍSTICO) BIBLIOGRAFIA

MODULO 4 -LENGUAJE MUSICAL- BTVM1.4-----------------------------------------------131 -MÚSICA. PROPIEDADES DEL SONIDO -EL PULSO -LAS FIGURAS MUSICALES -EL COMPAS. INDICACIÓN DE COMPAS -RITMO -LAS CLAVES -EL PUNTILLO -CONTRATIEMPO Y SINCOPA -ANACRUSA -LIGADURAS -CALDERÓN -AGÓGICA -TERMINO DE MATICES -LOS REGULADORES

MODULO 1 ELAVORACIÓN DEL MARCO HISTÓRICO DE LA MÚSICA UNIVERSAL - BTVM1.5

Música en la antigua Grecia

La música jugaba un papel muy importante en prácticamente todos los aspectos de la vida para los antiguos griegos. Se escuchaba en las reuniones públicas y privadas, en las fiestas, en ceremonias, en todos los actos de adoración, en los eventos deportivos, en los teatros, en las escuelas, en los barcos e incluso en los campos de batalla.

Algunas de las razones por las que es importante el conocimiento de la música en la antigua Grecia son: Es la mayor fuente de música en la antigüedad que se conserva hasta ahora.

La teoría musical griega se transmitió a la Edad Media y fue el

origen de la teoría musical medieval; posteriormente determinó las teorías musicales (sobre todo acústicas) del Renacimiento.

En el 1200 a.C Grecia sufrió una importante invasión, por la trascendencia posterior que iba a tener, fue la de los dorios. De este periodo tenemos como testimonio los textos de Homero, La Ilíada y La Odisea, con las narraciones de las gestas de los héroes micénicos. De estos textos sacaron la inspiración los cantores para crear sus canciones, que seguían las melodías tradicionales o nomoi.

Además de estos pseudo cantores profesionales, también existía la música popular y la coral, interpretada por grupos de ciudadanos en sus actuaciones o manifestaciones artísticas o rituales.

La música en la antigua Grecia era materia obligada de estudio, hecho que demuestra la evolucionada cultura del pueblo griego, no sólo en el terreno de otras vertientes artísticas que ya conocemos, sino también en el terreno musical.

En el siglo VII a.C. aparece la poesía lírica, llamada así por acompañar los textos con música interpretada con la lira, término que perdura hasta el día de hoy. Los temas eran básicamente de índole amorosa, aunque también había de otros tipos, como gestas heroicas, etc.

A principios del siglo V, e incluso a finales de VI a.C., Atenas tomó el relevo de Esparta en cuanto a ser el centro cultural predominante en Grecia. Es entonces cuando aparecen el ditirambo y el drama, sumamente importantes ambos, por la trascendencia que tuvieron en la historia universal.

El ditirambo, creado en el culto a Dionisio, consistía en unos bailes y cantos acompañados por el aulos.

Probablemente los dramas griegos se basan en estos ritos antiguos. Los poetas-músicos creaban piezas con música y drama; es decir, que incluían poesía, danza y música. Los dramas se representaban en los anfiteatros por actores que cantaban y bailaban. Los textos se podían expresar tanto declamando como cantando. La danza, se denominaba orchesis, se realizaba delante del escenario a cargo de un coro.

Este lugar donde se realizaba la danza se llamó orchestra. Ya podemos ver de qué manera, esas demostraciones musicales de la antigua Grecia han sido importantes e imperecederas en su base.

En el siglo V a.C ya se observa una mayor evolución hacia formas más complejas, y los poetas-músicos se profesionalizaron en la creación de dramas, dejando tal vez, un tanto de lado la raíz popular que tuvieron en un principio.

Sistema musical La música griega es siempre monódica (para una sola voz), tanto la música vocal como la instrumental. El papel de los instrumentos en la música vocal no está claro: podrían doblar la melodía de la voz o variarla, creando así una textura heterofónica. La teoría musical griega se centra por tanto en el estudio del ritmo y de la melodía; el objeto principal de estudio es el intervalo.

Existían tres intervalos principales, que correspondían a tres proporciones

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matemáticas simples: — Octava (2:1) — Quinta (3:2) — Cuarta (4:3) El descubrimiento de estas proporciones se atribuye a Pitágoras, en el siglo vi a.C. Estos tres intervalos determinan las unidades principales del sistema griego. La unidad básica es el tetracordo, que consiste en un conjunto de cuatro notas que abarcan una cuarta justa.

Las dos notas internas podían afinarse de diferentes formas, dando lugar así a diversos géneros de tetracordo; los intervalos más amplios están siempre entre las notas más agudas, los más estrechos entre las más graves. Los géneros principales de tetracordo son tres: Diatónico: 1 tono - 1 tono - ½ tono Cromático: 1½ tono - ½ tono - ½ tono Enarmónico: 2 tonos - ¼ tono - ¼ tono Los tetracordos se combinaban para construir unidades mayores. La más habitual era la octava, es decir, la unión de dos tetracordos del mismo género.

Los modos griegos Un modo griego es una organización de sonidos descendentes (que van de un sonido agudo a uno más grave) estableciendo distancias de tono o medio tono entre los siete sonidos que lo conforman. Los modos griegos establecen los fundamentos teóricos de lo que se denomina posteriormente escalas musicales. Para ser más comprensible esta definición, se puede construir un modo o escala si se usan las notas de una escala mayor cambiando el «punto de partida», pero haciéndolos de forma descendente, por ejemplo, de do a do, si a si, completando las siete escalas, una sobre cada sonido.

Los modos griegos son: Modo dórico, Modo locrio, Modo frigio, Modo hipofrigio, Modo lidio, Modo hipolidio y Modo mixolidio.

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Música en la antigua Roma

La música en la antigua Roma cumplió un papel importante en la vida social, en el trabajo y como no, en el ejército.

Los antiguos romanos asimilaron el legado musical que provenía de Grecia y del pueblo etrusco. Lo usaban en la música religiosa y adoptaron instrumentos musicales de esas culturas: la trompeta etrusca, el syrinx (flauta pastoril), la lira, el tympanon (pandereta), los cymabala (platillos), crotala (sonajas) y el scabillum (sonajas para los pies). Esas últimas se utilizaban sobre todo en las danzas que se realizaban en honor a Cibeles y Baco.

En el S IV a.C. en la antigua Roma ya se realizaban obras teatrales con música que acompañaba los textos, como eran las danzas en forma de pantomima, que se acompañaban de la tibia, instrumento de viento, y el aulos griego que pasó a ser también el instrumento romano por excelencia.

En la antigua Roma se crearon grupos o gremios teatrales. En ellos se encontraban mimos, actores, danzarines, y músicos concocidos como histriones, palabra de origen etrusco que significa danzarín. Éstos hacían adaptaciones de los dramas griegos, y en los escenarios actuaban los coros y los dúos. En Roma también se imitó la poesía griega, Catulo y Horacio fueron

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unos de los más importantes poetas, que escribieron piezas para cantantes y coros, que se acompañaban de la lira, el arpa, el laúd o la cítara.

También existía otro tipo de música en la antigua Roma, era la que acompañaba uno de los espectáculos más populares de la ciudad: las luchas entre gladiadores y de otro tipo que se podían ver en los anfiteatros, esta música distaba mucho de ser culta, y evidentemente tenía un caríz mucho más popular.

El imperio romano se expandía y con ello se iban adoptando nuevos instrumentos musicales o se perfeccionaban otros ya existentes, como es el caso del aulos, a raiz del mismo se creó otro llamado tibia bassa, o el calamaulos, de forma cónica que bien podía ser un precursor de la chirimía.

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Ya en el siglo I d.C en la antigua Roma se pueden apreciar dos corrientes musicales claramente diferenciadas: la música religiosa, que tanto acompañaba ritos cristianos como paganos y la música profana, que era la que se interpretaba en todo tipo de fiestas o manifestaciones de la importante vida social de la antigua Roma.

El Canto Gregoriano

Surge a partir del deseo de varios Papas de unificar la liturgia católica, su creación se le atribuye al papa Gregorio Magno (de ahí el apelativo “gregoriano”).

El canto gregoriano, como todo el canto litúrgico medieval, presenta las siguientes características: — Es un canto monódico, es decir, se utiliza una sola línea melódica tanto para el canto solista como para el canto a coro.

— El ritmo es flexible, dependiendo del texto que se canta; no hay compás ni pulso regular, y tanto el fraseo como la distribución de acentos se ajustan a las necesidades de declamación del texto.

— El ámbito es reducido, no superando normalmente la octava.

— La melodía se construye sobre un complejo sistema modal similar al de otras músicas de la Antigüedad, codificado y modificado posteriormente por los teóricos musicales.

—Las partituras del canto gregoriano están escritas en tetragrama (a partir del trabajo de Guido d’Arezzo).

—Su texto está escrito en latín, exceptuando el Kyrie Eleison («Señor ten

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piedad»), sección del ordinario la misa en lengua griega.

melodía, que se aprendía de oído y memorizando.

Según la relación entre el texto y la melodía, se desarrollan tres estilos de canto:

En la primera mitad del siglo XI, el monje italiano Guido d’Arezzo reunió varias técnicas que facilitaban la lectura a primera vista y por tanto el aprendizaje de los cantos, entre ellas el uso de líneas paralelas para indicar la altura de los sonidos.

Guido d’Arezz creo los nombres de las notas musicales a partir de un canto en honor a San Juan Bautista (la primera nota en este sistema se llamaba “Ut” pero fue modificada posteriormente por “Do”). El sistema guidoniano tuvo gran éxito y de él derivaron otras notaciones, como la notación cuadrada que nació en el siglo XII y que aún se utiliza en los libros de canto gregoriano.

Silábico. Es el estilo más simple: a cada sílaba del texto le corresponde una nota (a veces dos).

Neumático. Estilo adornado: a cada sílaba le corresponden varias notas (normalmente de dos a seis).

Melismático. Estilo muy adornado: algunas sílabas tienen melismas extensos, a veces de decenas de notas; en el resto suele predominar el estilo neumático.

Habitualmente en un mismo canto se mezclan varios estilos, pero uno de ellos predomina y es el que caracteriza a ese canto.

La notación A comienzos del siglo VII, Isidoro de Sevilla afirmaba en sus Etimologías: «si los sonidos no se retienen en la memoria, se pierden, pues no se pueden escribir ».

Un par de siglos después nació la notación musical. Las notaciones más antiguas utilizaban unos signos llamados neumas que se escribían sobre las líneas del texto que se debía cantar. Estos neumas «dibujaban » el perfil melódico del canto, pero no pretendían reflejar con precisión la

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El Movimiento Trovadoresco

El nacimiento de la canción profana en lengua vernácula (no en latín) se asocia normalmente con el movimiento trovadoresco, que floreció en el sur de Francia en los siglos XII y XIII. En esta época, en las cortes aristocráticas de Aquitania y zonas cercanas (incluidas Cataluña y el norte de Italia) se difundió un tipo de canción que alcanzó un gran éxito como forma de ocio; los nobles no solamente escuchaban estas canciones, interpretadas habitualmente por juglares, sino que las componían y mantenían en sus cortes compositores de canciones.

Los trovadores componían el texto y la música de sus canciones ajustándose a una serie de géneros musicales pero buscando la originalidad en la combinación de recursos poéticos y musicales. Las canciones más antiguas corresponden a Guilhem de

Peitieu (Guillermo IX de Aquitania), duque de Aquitania, que vivió entre finales del siglo XI y comienzos del XII. El movimiento trovadoresco se desarrolló durante el medio siglo siguiente, alcanzó su apogeo en la segunda mitad del XII y comienzos del XIII y comenzó su decadencia a mediados de este último siglo.

El tema principal de las canciones trovadorescas es el amor cortés.

Se trata de una concepción muy ritualizada del amor: el trovador se enamora de una dama casada, habitualmente la esposa de su señor, y mantiene con ella una relación similar a la relación feudal de vasallaje. Esta relación evoluciona desde el rechazo inicial de la dama hasta la unión amorosa plena, pasando por una serie de etapas.

Además del trovador y la dama (o la

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trovadora y el caballero) suele aparecer el personaje del gilós (celoso), esposo de ella, así como los amigos de los enamorados, que facilitan los encuentros, y los lisonjeros, que espían a los enamorados para notificar sus encuentros al esposo y de ese modo escalar puestos en la corte. Las canciones amorosas pueden así plantear el amor en todos sus aspectos: el amor no correspondido, el amor feliz, el temor al descubrimiento, etc.

La forma es siempre la canción estrófica: el texto se divide en varias estrofas, habitualmente de siete u ocho versos, que utilizan un mismo esquema métrico y se cantan con la misma melodía; una estrofa final más breve, la tornada, repite la estructura de los últimos versos de la estrofa y se canta con la melodía de estos. Las rimas pueden ser las mismas en todo el texto o variar de estrofa en estrofa.

La melodía divide habitualmente la estrofa en dos secciones, con frecuencia repitiendo la primera melodía, con una estructura AAB, conocida como «forma bar», de una palabra alemana que significa ‘canción’. Lo más habitual es que la sección A se aplique a los dos primeros versos y se repita en los dos siguientes, mientras el resto de la estrofa constituye la sección B. Por supuesto, este esquema no es único y el mérito de un trovador estaba en saber encontrar una correlación original entre estructura poética y musical.

Las principales características de las melodías trovadorescas son estas: •

Las melodías utilizan el mismo sistema modal que las gregorianas, pero con algunas diferencias: no existe una nota tenor, por lo que la distinción entre modos auténticos y plagales no es pertinente.

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Los ámbitos son muy diversos, y pueden abarcar desde una cuarta o una quinta hasta una doble octava; lo más habitual es que cada sección de la estrofa se organice sobre un ámbito diferente, y el total abarque en torno a una octava.

El estilo de canto tiende a lo silábico, aunque también hay melodías muy adornadas.

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El ritmo era probablemente más acompasado y regular que en el canto gregoriano.

•

La interpretación se acompañaba con instrumentos, seguramente en textura heterofónica.

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Géneros de canciones.

En su momento de esplendor, las canciones trovadorescas se clasificaban en los siguientes géneros: Cansó: es la canción amorosa, y constituye el modelo de todas las demás.

Forman el conjunto principal de la canción trovadoresca.

Alba: es un subgénero de la cansó. Trata el dolor de los amantes al tener que separarse al amanecer, tras haber pasado la noche juntos, para evitar que los sorprendan. Los avisos del amanecer (rayos de sol, cantos de pájaros), que habitualmente son signos de alegría, se convierten aquí en signos de tristeza.

Pastorela: relacionada con la cansó, pero de carácter narrativo y dramático más que lírico. Cuenta habitualmente el encuentro de un caballero con una pastora en el campo; el caballero la requiere de amores y se establece

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un diálogo que termina con el rechazo de la pastora al caballero o con la aceptación de la relación amorosa.

Sirventés: trata temas políticos, satíricos o morales. Normalmente imitaban la estructura métrica de una cansó y se cantaban con su melodía.

Tensó: es un debate entre dos trovadores; uno de ellos fija la forma de la estrofa y la melodía, y el otro tiene que continuar sobre el mismo esquema.

Planh: llanto por la muerte de un personaje, o por una situación desgraciada.

Instrumentos medievales.

La iconografía y la literatura presentan multitud de instrumentos que se utilizaban en la música medieval. Algunos de ellos son los siguientes:

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Cordófonos. Entre los instrumentos de cuerda pulsada los había con mástil, como el laúd y la guitarra; también sin mástil, como los diversos

tipos de cítaras pulsadas o percutidas, llamadas genéricamente salterios; y una gran variedad de arpas.

Los instrumentos más habituales de cuerda frotada eran las viellas, antecedentes de las violas y violines; el rabel, de origen árabe, se utilizabe en la península Ibérica y en otras zonas de Europa. Un importante instrumento de cuerda frotada era la zanfona (conocida también como organistrum), en la cual las cuerdas se frotan con una rueda que se maneja con una manivela; y en lugar de pisar las cuerdas directamente con los dedos, se utiliza un teclado sencillo.

Aerófonos.

Entre los aerófonos de madera había una amplia variedad de flautas, tanto rectas como traveseras; se utilizaban también con frecuencia los aerófonos de lengüeta simple, como el albogue o doble, como las chirimías. Muchos de estos instrumentos se construían en varios tamaños para manejar distintas tesituras.

Los aerófonos de metal eran naturales, es decir, no utilizaban ningún tipo de válvula, con lo que podían realizar solamente los armónicos naturales de su sonido base. Destacan varios tipos de trompetas (rectas) y trompas (curvas o enroscadas). También deben incluirse entre los aerófonos los diversos tipos de órganos; los

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más habituales eran los portativos, que se llevaban normalmente colgados y se podían utilizar en desfiles; los había también positivos, más grandes, que se colocaban sobre una mesa u otro soporte.

Membranófonos e idiófonos. Ambos tipos de instrumentos eran muy frecuentes en la música medieval, especialmente en las danzas.

Los membranófonos abarcaban varios tamaños, desde los tambores más pequeños y portátiles hasta los grandes timbales, que normalmente se transportaban a lomos de caballerías; podían ser simples o dobles, abiertos o cerrados, y tener una o dos membranas.

Era habitual la interpretación por un mismo músico de una flauta y un tambor. Se utilizaba también una gran diversidad de idiófonos (campanas y campanillas, sonajas, sistros, etc.).

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El Barroco

La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera.

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Las principales características de la música de la época barroca son:

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La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave).

La presencia obligatoria del bajo continuo.

•

El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados

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desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).

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El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico.

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El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática).

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En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.

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El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.

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Utilización de lo que se ha denominado la dinámica en terrazas. La intensidad del sonido se da de forma brusca, de p a f hacer crescendo y viceversa.

Formas principales de la música instrumental •

Fuga

En la primera mitad del XVII era habitual contraponer los estilos fantástico y contrapuntístico en una misma pieza: se comenzaba imitando las improvisaciones del músico para hacerse con el instrumento, pasando después a utilizar técnicas de contrapunto con mayor rigor. Estas piezas, normalmente con el nombre de toccata o preludio, constaban así de dos secciones casi independientes.

Con el tiempo, esas dos secciones se convierten en movimientos separados, tomando la segunda el nombre de fuga.

Esta consiste en el tratamiento contrapuntístico de un tema o sujeto que entra sucesivamente en las distintas voces (de dos a seis, o incluso más), acompañándose de un contrasujeto y otros temas secundarios. Cuando todas las voces han expuesto el sujeto, se pasa al desarrollo de los temas, utilizando técnicas ya antiguas, como la inversión (convertir los intervalos ascendentes en descendentes y viceversa), la aumentación o disminución (variando la duración de las notas), el estrecho (adelantando la entrada de los temas en varias voces) junto a técnicas nuevas (modulación a tonalidades vecinas o lejanas, desarrollo de motivos).

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Orquesta Sinfónica Juvenil del Polígono Industrial Don Bosco Teatro Presidente 2014.

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Finalmente, se reexpone el sujeto de forma rotunda, casi siempre sobre pedales de dominante o tónica.

Johan Sebastian Bach domino el arte de la fuga

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La suite La suite consiste en una sucesión de danzas precedidas habitualmente por un preludio en estilo fantástico. Todos los movimientos están en la misma tonalidad y presentan forma binaria AABB con la modulación a la dominante y vuelta a la tónica (excepto el preludio, que tiene forma libre).

Una suite puede incluir cualquier número de danzas y en cualquier orden, aunque el esquema fundamental incluye cuatro: allemande, courante, sarabande y gigue, de origen alemán, francés, hispano y británico respectivamente. Se pueden añadir otras danzas, casi siempre entre las dos últimas, o sustituirlas por otras diferentes, según el gusto de la época, el autor o el lugar en que se ejecutarán.

La sonata Con el nombre de sonata se designaron en principio las piezas escritas para instrumentos de cuerda o viento, frente a la toccata para tecla o cuerda pulsada y la cantata para voz. Al principio se trataba de composiciones breves que explotaban la capacidad del instrumento, sin una forma fija y definida. Poco a poco evolucionan hasta abarcar varias secciones de carácter contrastante y finalmente se componen de varios movimientos independientes.

El concierto El término concertado se utiliza desde principios del XVII para referirse al estilo que mezcla partes vocales y partes instrumentales; aparecen así el concierto vocal o el concierto sacro. A finales del siglo, el término concierto se usa también para piezas que incluyen dos o más grupos de instrumentos, frente a la sonata que incluye un solo grupo.

Las formas más habituales de concierto, según su instrumentación, son tres: •

Concerto grosso. Contrapone dos grupos de instrumentos, uno pequeño (concertino) y otro grande (concerto grosso). El primero suele estar compuesto por dos violines solistas y bajo continuo; el segundo, por violines primeros y segundos, violas y bajo continuo. Esta formación puede variar.

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Concierto solista. Contrapone un instrumento solista a un grupo. Este suele tener la misma formación que en el concerto grosso.

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Concierto de grupo. Las partes solistas se reparten entre los mismos instrumentos que forman el grupo, de modo que todos (o casi todos) son solistas en algún momento.

Antonio Vivaldi, compositor e instrumentista del Barroco

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Al igual que la sonata, el concierto no tenía en principio un número fijo de movimientos ni una estructura particular para estos. Es una especie de sonata concertada, no una forma diferente. En el Barroco tardío se generaliza la forma en tres movimientos, primero y tercero rápidos y segundo lento.

Música Vocal del Barroco Las cantatas de esta época son sucesiones de movimientos de ambos tipos, en diversas formas, de las que la más frecuente es la forma RARA (Recitativo – Aria - Recitativo - Aria).

Aunque hay diversos tipos de arias, la más utilizada fue la llamada aria da capo, con forma ABA: el texto se divide en dos secciones a las que se aplica diferente música; tras la segunda se repite da capo la primera, momento en el que los cantantes podían ornamentar y variar la melodía para mostrar sus capacidades vocales. En este tipo de cantatas, junto a la voz y al continuo, suelen incluirse otros instrumentos, normalmente dos violines, que dialogan con la voz o marcan el comienzo y el final de las secciones con estribillos instrumentales (ritornelli).

El nacimiento de la ópera Las técnicas musicales que se desarrollan hacia 1600 en la música vocal son principalmente el bajo continuo, la monodia, el estilo recitativo y el estilo concertado. Estas técnicas iban orientadas a mejorar la comprensión de los textos y conseguir una mayor espectacularidad en la interpretación. Si a todo esto le añadimos la idea «barroca» de unión de las artes (que se ve, por ejemplo, en los retablos), resulta comprensible que el producto musical más claramente barroco sea la ópera.

El nacimiento de la ópera va unido inicialmente a los intentos de recuperar el modo de representación del antiguo teatro griego y romano. En Florencia, estos intentos se concentran en un grupo de artistas e intelectuales conocidos como Camerata. Algunos de sus componentes serían, con el tiempo, los primeros en poner en escena una obra teatral cantada de principio a fin, es decir, lo que ahora llamamos ópera (aunque este nombre no se utiliza hasta muy entrado el siglo XVII).

En sus primeros momentos, la ópera es un espectáculo cortesano, y como tal tiene dos características singulares: el «derroche» de medios económicos para su puesta en escena, y su asociación con acontecimientos importantes (bodas, cumpleaños, etc. ) que hacen que se representen una sola vez, aunque

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luego se publiquen los libretos y partituras como «publicidad», sin intención de nuevas representaciones.

El Clasicismo

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Estrictamente, la historiografía musical considera el Clasicismo como un estilo que dominó la música europea durante medio siglo, entre fines del XVIII y comienzos del XIX. La fecha inicial se suele situar en torno a 1770, cuando Haydn llega a su madurez creativa y Mozart se abre camino como compositor; el final hacia 1820, con las últimas obras de Beethoven (que falleció en 1827).

Características musicales Entre 1720 y 1770 la música, tanto vocal como instrumental, va abandonando técnicas anteriores en un afán de «racionalizar» la música y lograr una mayor sencillez; se trata en el fondo de «facilitar» la percepción de la música.

Entre los nuevos desarrollos están los siguientes: • La forma musical se regulariza, organizándose en semifrases, frases y períodos, normalmente de 2, 4 y 8 compases; a veces se utilizan otras medidas, pero siempre guardando la simetría entre las partes.

•

Esta estructura se puntúa con cadencias frecuentes, estableciendo una jerarquía en éstas: por ejemplo, la primera frase de un período termina en semicadencia y la segunda en cadencia perfecta.

•

Se simplifica el ritmo armónico, muchas veces coincidiendo con la estructura formal de frases y períodos, abandonando así los frecuentes cambios armónicos del barroco tardío.

•

Frente a la estabilidad armónica se opone la diversidad de afectos, cambiando con frecuencia en una misma obra al modo en que las emociones humanas cambian constantemente.

La música instrumental va a despegar definitivamente, para convertirse a final del siglo en el género más importante; la causa de esto está en gran parte en el desarrollo de los conciertos públicos, centrados en obras orquestales, y en la práctica amateur, orientada a la música de cámara. En la primera mitad del siglo se inventan nuevos instrumentos que serán imprescindibles a partir del clasicismo, como el piano y el clarinete; por el contrario, otros que habían sido importantes decaen definitivamente en este momento, como el laúd, la viola da gamba y el clave. La orquesta moderna se desarrolla ahora, principalmente en ciudades alemanas.

Las obras musicales clásicas constan generalmente de varios movimientos, normalmente tres o cuatro, con formas diversas. Las formas básicas con las que se exponen a continuación.

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Forma binaria La antigua forma binaria, propia de las danzas y movimientos de sonata barrocos, continúa siendo importante durante el clasicismo. No es frecuente ya encontrar movimientos completos con esta forma, pero sí secciones importantes de estos movimientos; por otra parte, la principal forma clásica, la forma de sonata, deriva de esta forma binaria.

George Friedrich Händel, considerado el padre de la sinfonía

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Forma de sonata La llamada forma de sonata, que no debe confundirse con la sonata como obra musical, es la forma más utilizada durante el clasicismo y la más representativa de este estilo. Es una derivación de la forma binaria. Al mismo tiempo, se va haciendo más complejo el trabajo armónico: la sección de desarrollo puede modular a tonalidades lejanas, pero también otras secciones modulantes pueden extenderse.

Rondó El rondó consiste en la alternancia de un estribillo instrumental o refrán con una serie de episodios, secciones que presentan diferente material musical y que en general modulan a otras tonalidades; estas modulaciones provocan a veces que el refrán aparezca en tonalidades diferentes. La estructura de un rondó se puede esquematizar como ABACADA…

Una forma mixta entre rondó y sonata es la llamada rondó-sonata. En esta forma el refrán actúa como tema A y el primer episodio como tema B; el segundo episodio cumple la función de desarrollo y finalmente se repiten tanto el refrán como el primer episodio, al modo de una reexposición. La estructura sería la siguiente:

Minueto (o scherzo) con trío El minueto era una danza cortesana de moda durante el siglo XVIII. Pierde importancia a finales del siglo, especialmente después de la Revolución Francesa y es sustituida en las obras musicales por un scherzo (‘broma’ en italiano).

Formalmente consta de dos secciones en forma binaria AABB. Tras la interpretación de ambas se repite la primera sin repetir sus dos partes:

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Wolfgang Amadeus Mozart, referente del clasicismo vienés

Las obras en tres movimientos generalmente prescinden del minueto.

Existen también otras modificaciones a la forma general, suprimiendo o añadiendo movimientos, alterando su orden… Los conciertos con solista presentan una forma particular debido a la necesidad de alternar pasajes a solo con pasajes del tutti.

Música sinfónica En el ámbito sinfónico, las dos grandes formas son la sinfonía y el concierto con solista. Ambas provienen de formas instrumentales barrocas y presentan la misma estructura formal que las obras de cámara, con

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las adaptaciones necesarias para la orquesta, especialmente en el concierto por el papel relevante del solista.

La sinfonía tiene su origen más directo en la sinfonía italiana que se utilizaba como obertura de las óperas, y que tenía normalmente tres movimientos en forma rápido-lentorápido; otras formas que influyeron en el desarrollo de la sinfonía fueron la obertura orquestal y el concerto di gruppo, una forma de concierto en que no había concertino ni solistas.

La sinfonía clásica suele tener cuatro movimientos siguiendo el esquema general presentado arriba;

el primero a veces va precedido de una introducción lenta. La sinfonía se convierte en el período clásico en la forma instrumental más importante, y la que da muestra de la capacidad de un compositor; progresivamente se hace más extensa y compleja, lo que provoca que su número descienda: de Otras formas Junto a las anteriores, existen otras formas que se utilizan frecuentemente en los movimientos de sonatas, sinfonías y otras formas musicales del Clasicismo: •

Tema con variaciones: Exposición de un tema, generalmente con forma binaria, seguido de una serie de variaciones sobre el mismo, con diferente ritmo, compás, modo, etc.

•

Forma ternaria: conocida también como «forma lied» o «forma de canción». Es una derivación del aria da capo barroca, con dos secciones contrastantes y repetición final de la primera.

Estructura general de una obra clásica Las sinfonías, sonatas, tríos, cuartetos, etc., de la música clásica presentan una sucesión de movimientos diferentes. La estructura más habitual es la siguiente:

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Las obras en tres movimientos generalmente prescinden del minueto.

Existen también otras modificaciones a la forma general, suprimiendo o añadiendo movimientos, alterando su orden… Los conciertos con solista presentan una forma particular debido a la necesidad de alternar pasajes a solo con pasajes del tutti.

Música sinfónica En el ámbito sinfónico, las dos grandes formas son la sinfonía y el concierto con solista. Ambas provienen de formas instrumentales barrocas y presentan la misma estructura formal que las obras de cámara, con las adaptaciones necesarias para la orquesta, especialmente en el concierto por el papel relevante del solista.

La sinfonía tiene su origen más directo en la sinfonía italiana que se utilizaba como obertura de las óperas, y que tenía normalmente tres movimientos en forma rápido-lentorápido; otras formas que influyeron en el desarrollo de la sinfonía fueron la obertura orquestal y el concerto di gruppo, una forma de concierto en que no había concertino ni solistas.

La sinfonía clásica suele tener cuatro movimientos siguiendo el esquema general presentado arriba; el primero a veces va precedido de una introducción lenta. La sinfonía se convierte en el período clásico en la forma instrumental más importante, y la que da muestra de la capacidad de un compositor; progresivamente se hace más extensa y compleja, lo que provoca que su número descienda: de las 104 sinfonías de Haydn se pasa a las poco más de 50 de Mozart y a las 9 de Beethoven.

Estas últimas serán el modelo para los compositores románticos, que colocan a la sinfonía en el lugar más

Ludwig van Beethoven es considerado el punto de transición entre el clasicismo y el romanticismo

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alto de la composición instrumental.

El concierto con solista tiene una forma parecida a la de la sinfonía y las obras de cámara, pero adaptada a las necesidades de un diálogo entre solista y orquesta. En primer lugar, suele tener solo tres movimientos, prescindiendo del minueto o scherzo. El primero tiene forma de sonata, pero en el formato especial del allegro de concierto; el segundo suele tener forma ternaria, o de tema con variaciones, y el tercero es casi siempre un rondó o rondó-sonata.

El Romanticismo Frédéric Chopin, uno de los representantes del romanticismo

Durante todo el siglo XIX, la corriente musical dominante en Europa es la prolongación de ese estilo clásico, manteniendo las grandes formas (sinfonía, sonata, concierto…) y haciéndolas cada vez más amplias y complejas.

Las nuevas generaciones, desde 1810 aproximadamente, irán desarrollando este estilo «postclásico» que se conoce históricamente como Romanticismo musical. El término romanticismo surge de la literatura de la época y se utiliza en historia cultural para denominar un movimiento ideológico y estético que tiene lugar en el siglo XIX en toda Europa, aunque con diferente ritmo en cada región. Como tal movimiento, el romanticismo fue relativamente efímero; pero el estilo musical que se asocia a esta corriente perdura a lo largo de todo el siglo, e incluso se prolonga hasta muy avanzado el XX. El Romanticismo musical, por tanto, no coincide en su desarrollo histórico con el literario o el filosófico.

Al igual que el XVIII es musicalmente un siglo «clásico», se puede considerar el XIX como «romántico».

Características musicales del romanticismo El romanticismo musical consiste en una prolongación del estilo clásico, llevado hasta los límites de sus posibilidades formales y armónicas. Esto se

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puede sintetizar en los siguientes puntos: •

El procedimiento de modulación se amplían y se llevan al límite, permitiendo la modulación a tonalidades lejanas.

•

Surgen nuevos acordes que crean sonoridades nuevas: junto a las tríadas y séptimas clásicas, se utilizan todo tipo de acordes de séptima (especialmente la séptima disminuida) y nuevos acordes por acumulación de terceras (novena, undécima…).

•

La orquesta se amplía con la inclusión por un lado de instrumentos nuevos (tuba, contrafagot, etc.).

•

Ampliación del número de instrumentistas: si en tiempos de Haydn una orquesta estaba formada por unos veinte músicos, a finales del XIX la orquesta habitual supera los cien músicos, y con frecuencia se exigen formaciones mucho mayores.

•

El timbre pasa a ser un elemento de gran importancia en la música orquestal y de cámara, por lo que los instrumentos de viento y de percusión aumentan su presencia no solo numérica sino funcional, convirtiéndose en solistas muchas veces.

•

Virtuosismo. El auge del concierto público lleva a la moda de los

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intérpretes virtuosos, capaces de grandes exhibiciones de enorme dificultad.

•

Música absoluta y música programática.

La ideología romántica presentaba la música como la más importante de las artes, por su capacidad expresiva abstracta no ligada a ideas o imágenes, sobre todo en el género instrumental. Esto lleva a una utilización de la música de tipo formalista, centrada en sí misma, en sus procedimientos y estructuras, tendencia que se conoce como «música absoluta» Pero al mismo tiempo, el afán romántico de unión de las artes lleva a identificar la música con elementos de la literatura o las artes plásticas, a veces a través de títulos evocadores, pero también con la adición de un «programa» a la obra musical, que habitualmente es un argumento literario, pero puede ser también un poema, una serie de reflexiones, una descripción, etc.

En cuanto a las formas musicales, se siguen utilizando y desarrollando las grandes formas heredadas del clasicismo: sinfonía, sonata, cuarteto de cuerda, ópera, concierto con solista, etc.; pero también aparecen formas nuevas, ligadas a nuevas necesidades musicales o a nuevas concepciones de la música: la pieza breve, la canción o el poema sinfónico.

Franz Schubert

Características estéticas Las diferencias entre el estilo clásico y el romántico son más notables en el aspecto estético que en el formal. La música del siglo XIX está profundamente unida a las ideologías que se desarrollan en ese siglo, y que pueden manifestarse tanto en el aspecto «programático» de algunas obras como en elementos puramente formales (melódicos, armónicos, tímbricos, etc.).

Richard Wagner

La ideología fundamental de la época es el Romanticismo, que surgió en principio como movimiento literario entre ciertos jóvenes alemanes de finales del XVIII, de la generación de Beethoven. El auge del Romanticismo se sitúa en torno a 1830 y, aunque sus aspectos literarios e ideológicos van desapareciendo en la segunda mitad del siglo, el romanticismo musical se mantiene hasta más allá de 1900.

Las características estéticas principales del Romanticismo son estas: •

Individualismo. El sujeto individual

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Piotr Ilich Chaikovski, representante del romanticismo ruso

se coloca en el centro del pensamiento romántico, lo que conduce a considerar el arte como expresión de la personalidad del autor o intérprete; esta idea, tan habitual ahora, no existía en las épocas artísticas anteriores, en que el artista expresaba grandes ideas colectivas (religión, monarquía…) o trataba de mostrar las creaciones naturales o humanas. A partir del Romanticismo, el compositor y el intérprete utilizarán la música como manifestación de sí mismos.

•

Sentimentalismo. Los románticos sitúan las emociones por encima de las ideas, con lo que la expresión artística, concebida tal como se indica en el punto anterior, se centrará sobre todo en trasmitir sentimientos y emociones.

•

Exaltación de lo anómalo. Los románticos, a diferencia de los clásicos, prefieren todo aquello que se sale de lo normal: la tormenta frente a la calma, lo irregular frente a lo regular, lo irracional frente a lo racional…

En música, esto se refleja en la preferencia por los acordes «ambiguos», la asimetría formal, las modulaciones repentinas, etc.

•

Nacionalismo. El nacionalismo romántico es consecuencia de lo expuesto en el punto anterior. Frente a las grandes ideas colectivas, propias de los imperios, los románticos ponen

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el acento en lo que hace diferente a una comunidad, lo que la constituye en «nación» distinta de las demás. Al margen de su influencia en los movimientos políticos y las revoluciones de la época (en las que participaron, de forma directa o indirecta, muchos músicos), el nacionalismo se refleja en música en el interés por la canción popular, que se consideraba «esencia del pueblo», y de la que se extraerán melodías y ritmos, pero también procedimientos modales y armónicos.

Módulo 2

CANTO A UNA VOZ

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Principios básicos La voz humana: es el resultado de la vibración de las cuerdas vocales situadas en la laringe. El proceso de la trasformación del aire a voz es el siguiente: el aire entra por la nariz (o boca en algunas ocasiones, específicamente para respiraciones compactas) el aire calienta, humedece, acondiciona y purifica el oxígeno, este pasa por las cuerdas vocales y las hace vibrar, es ahí donde se produce el sonido que conocemos como voz. El efecto del sonido es producido por el aparato fonador.

El aparato fonador humano: Se compone por órganos pertenecientes a dos grupos de sistemas: sistema digestivo del que se utilizan: los dientes, labios, lengua, paladar, glotis y sistema respirador del cual se utilizan: los pulmones, los bronquios, la tráquea y la laringe. Además de estos se utilizan también otros órganos específicos llamados: de fonación estos son: las cuerdas vocales.

Partes del aparato fonador: • • •

Órganos de respiración: pulmones, bronquios, tráquea (cavidades infraglóticas). Órganos de fonación: laringe, cuerdas vocales y los resonadores nasal, bucal u faríngeo (cavidades glóticas). Órganos de articulación: paladar, lengua, dientes, labios y glotis (cavidades supraglóticas).

El aparato fonador humano puede ser controlado por el hablante o cantante.

La variación de la intensidad o volumen dependen de la fuerza en la respiración; en los hombres las vocales son más largas y gruesas que en los niños y las mujeres, es por eso que su timbre vocal es más grave.

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¿Qué es el canto?

De acuerdo al sitio es.wikipedia.org/canto, es “la emisión controlada de sonidos del aparato fonador humano”, a esto podemos añadir que los sonidos incorporan letra y está íntimamente vinculados a la música. Con lo anterior, también debemos aclarar que no hay una sola forma de cantar, debido a que, al igual que los seres humanos somos individuales y únicos, nuestras voces son individuales y únicas, por lo cual, la forma en la que vamos a aprender canto es diferente de entre nuestros compañeros y la de cada uno de ellos es diferente a la tuya.

Sin embargo, existe una serie de teorías y técnicas que de manera general nos ayudan a comprender los fenómenos del canto, y por medio de estas generalidades podemos llegar al aprendizaje individual. A diferencia de los instrumentos tangibles, la voz humana es el único instrumento que transmite ideas claras, pues se vale de un texto, por ende, es más fácil transmitir sensaciones, y sentimientos. ¿Qué es técnica vocal?

Es una serie de procesos y procedimientos que permiten un gran nivel de rendimiento y belleza de la voz sin dañar la voz humana. En otras palabras, la técnica vocal nos permite dominar la voz manteniendo al mismo tiempo la buena salud de la misma. Gracias a la técnica vocal se logra calidad, fuerza y agilidad, todo sin forzar la laringe que es donde reposan las cuerdas vocales, todo esto lo logramos por medio de la búsqueda del equilibrio entre el flujo del aire y la resistencia muscular.

La técnica vocal también cuenta con estadíos que nos ayudarán a mejorar nuestra forma de cantar: Relajación: estado de reposo físico y anímico, dejando los músculos en total abandono y la mente libre de preocupaciones.

Respiración: momento en el que el cuerpo activa el aparato respiratorio, fortaleciendo su resistencia y encontrando el punto de apoyo para la mejor fluidez del aire al cantar.

Vocalización: ejercicios preparatorios que consisten en entonar escalas o arpegios valiéndose de las vocales.

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Existen dos grandes corrientes que representan a las principales escuelas del canto, el canto clásico y el canto moderno, que no por ser corrientes diferentes son contrarias o que una sea mejor que la otra; son corrientes diferentes y que se ajustan a diferentes épocas de la música, por lo tanto ambas son válidas y correctas.

El canto clásico: Es un conjunto de técnicas que se utiliza para cantar música culta o académica por ejemplo la ópera, a la música clásica se le conoce también como música lírica, este término viene de la palabra lira, un instrumento de cuerdas antiguo con forma de ábaco con el que se acompañaba a los cantantes en la Antigua Grecia.

La tesitura de la voz se distingue por su buen timbre, la potencia vocal, un vibrato marcado, agilidad y coloratura, además de la mezza di voce, éste témino consiste en cantar una nota musical en pianissimo y poco a poco abrirla para hacerla más poderosa hasta llegar a un forte, luego reducirla de nuevo hasta llegar al pianissimo del principio.

Mayormente la formación de un cantante lírico es a través de una carrera de conservatorio, sin embargo, también se logra a través de escuelas o maestros que se dedican a la formación de cantantes líricos, en el rubro del canto clásico se encuentran también Coro sinfónico del ITOE los coros, que son agrupaciones de personas que cantan como colectivo y mayormente guiados por un director, cabe mencionar que el canto clásico se suele acompañar con una orquesta sinfónica, de cámara o un pianista acompañante.

Exponentes del canto clásico: Luciano Pavarotti (tenor italiano), Enrico Caruso (tenor italiano), María Callas (soprano estadounidense), Cecilia Bartoli (Mezzosoprano italiana), Coro Monteverdi (coro inglés), Niños cantores de Viena (coro austriaco).

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El canto moderno: También conocido como Canto Popular, es el conjunto de técnicas que se aplican mayormente en la música comercial a partir del siglo XX, su característica principal es la naturalidad y muy similar al habla, es mayormente utilizado en el Jazz, Soul, Pop, Rock y el Teatro Musical.

Los avances médicos y la exploración anatómica del siglo XX, la invención de la amplificación y la microfonía para la voz, han revolucionado por completo la forma de enseñanza del canto a partir de los años 50’s. Una de las técnicas de canto más importantes a nivel popular es Speech Level Sing, creado por Seth Rigg, creador del libro “Singing for the Stars” (Cantando por las Estrellas) y quien en los años 80’s se convertiría en el maestro de canto de Michael Jackson.

Lo que busca el canto moderno, entre otras cosas es: • Que sea comprensible.

• Versatilidad, es decir, que el cantante sea capaz de emitir diferentes sonidos con calidad.

• Resaltar la personalidad del cantante y su identidad.

• Reconocimiento de la propia voz del cantante con un sonido propio.

Algunos de sus exponentes son: Frank Sinatra, Mariah Carey, Michael Jackson, Bruno Mars, Freddie Mercury, Luis Miguel y otros.

https://ruizhealytimes.com/sin-categoria/de-1958-nacemichael-jackson/

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“Amo escuchar un coro. Amo la humanidad de ver rostros de gente real siendo devotas a una pieza de música, me gusta el trabajo en equipo, me hace sentir optimista sobre la raza humana cuando los veo cooperar así”.

Paul McCartney Compositor, ex integrante de The Beatles y Wings.

https://www.duna.cl/cultura/musica/2017/07/31/paul-mccartney-le-canta-a-donald-trump/

Los tipos de voces Hemos escuchado las típicas frases: “¿Cómo canto?”, “¿Qué debo cantar?”, “¿Qué canciones me quedan bien?”, “¿Qué tipo de voz tengo?”. La voz humana tiene una gran cantidad de herramientas que se pueden explorar con el fin de cumplir nuestro mayor propósito: cantar correctamente, estas herramientas se llaman registros vocales.

Registros de voz o registros vocales: es la forma de vibración de los labios al producir el sonido de la voz o más bien en qué sección del cuerpo resuena un sonido emitido, estos registros se dividen en tres y son: •Voz de pecho: Es un movimiento del musculo vocalis, cuerda vocal y mucosidad que cubre los labios vocales. Esa función está situada debajo del Mi central en voces femeninas y masculinas.

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Pero debido a su naturaleza, es más notoria en las voces masculinas. Conocida como voz natural, ésta se identifica haciendo una letra “O” prolongada, al colocar la mano en el pecho se puede percibir cómo éste genera vibración, la cual se extiende desde el centro del pecho hasta la garganta y la mitad de la nariz.

•Voz de cabeza: Es un movimiento de la capa mucosa que cubre solo la capa mucosa de los labios vocales, se encuentra en todas las voces por encima del Mi central. Es una función básica en las voces femeninas. Este sonido se identifica haciendo un sonido como el de una sirena de patrulla con la vocal “U”, la vibración se siente desde la zona nasal o el paladar duro hasta la coronilla.

•Voz falsete: Es muy similar a la voz de cabeza, con la diferencia de ser más ligera y con aire, a diferencia de las voces femeninas que recurren a la voz de cabeza más fácilmente para llegar a los agudos, las voces masculinas se apoyan en el falsete; para identificar el falsete, se puede imitar el sonido de un pollito y en la sílaba “Pi” sostener el sonido por un momento, es ahí donde se siente la voz de falsete, este sonido es casi flotante y se suele confundir con la voz de cabeza.

Es importante mencionar que cuando una persona canta únicamente con registro de pecho o voz de cabeza, la voz se ve limitada a una estrecha extensión de tonal, es por ello que se recomienda explorar todos sus registros para ampliar la capacidad vocal y la cantidad de notas entonables, a fin de desarrollar una voz homogénea.

Para un cantante es importante conocer los límites de la extensión de su voz, pero aún más fundamental que conozca las notas donde su voz tenga mayor comodidad y donde la voz suena más rica y con mayor potencia.

Existen dos términos que tienden a confundirse muy fácilmente, aún los maestros de canto los usamos de manera equivocada, estos términos vocales son: rango vocal y tesitura vocal; por lo que ahora veremos, definiremos y diferenciaremos de una vez y por todas estos dos conceptos.

Rango vocal: es la cantidad de notas que la voz cantada puede emitir, desde la más grave a la más aguda con apoyo de los registros vocales: los más utilizados son voz de pecho y de cabeza, es decir, el rango vocal es la extensión vocal, cabe aclarar que la base del rango vocal es la comodidad, la voz debe salir sin esfuerzo, es la práctica y la manera correcta de cantar la que ayudará a aumentar la capacidad de hacer más graves y agudos.

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Tesitura vocal: Son las notas en las que la voz tiene mejor calidad o donde la voz es más rica en tonos por la comodidad y mejor resonancia, a partir de esto podemos decir que la voz se divide en un primer momento en voces masculinas y voces femeninas, éstas tienen otras subdivisiones que clasificaremos desde la voz más ligera a la más grave.

Rangos aproximados por cada tesitura vocal: a partir del primer Do de un piano.

El passaggio: es un término en italiano que significa pasaje, también llamado puente, paso de registro o paso de voz, se utiliza en el canto clásico para describir la zona de transición entre la voz de pecho y cabeza, al cantar en un ejercicio de vocalización sea con escalas o arpegios nos daremos cuenta que hay una zona en la que la voz siente una especie de desconexión, en algunos casos es difícil volver a agarrar el hilo de la entonación y en el peor de los casos la voz es forzada a salir con la misma intensidad con la que comenzó el ejercicio vocal. No se trata de un punto físico donde se encuentra el passaggio, sino de un rango de frecuencias de sonido.

Según el tenor catalán Francisco Viñas “Al pasar la voz de una a otra octava, se observa que la laringe se contrae bruscamente, lo que ha contribuido a alimentar la creencia que existe una línea divisoria que parte por la mitad la extensión total y que llaman paso de la voz, punto de unión entre los dos registros imaginarios… es grave error fijar por igual en todas las voces la nota exacta donde puede producirse este paso.

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No obstante, es muy cierto que, estudiando a la moderna, la contracción (de la laringe) se hace sensible en las notas siguientes: re, mi, fa de la clave de sol.”

Si bien es cierto que no hay a ciencia cierta un estándar de notas donde se encuentra el passaggio de cada tesitura vocal, a continuación, se muestra un aproximado de notar que orientan la zona de passaggio: Notas orientativas: •Soprano y mezzo soprano: A5, A# 5, B5 (La 5, La#5, Si5) •Barítonos, tenores y contraltos: E5, F5, F#5 (Mi5, Fa5, Fa#5) •Bajos: A4, A#4, B4 (La4, La#4, Si4) Es precisamente por ese passaggio que los expertos sugieren realizar ejercicios de vocalización a partir de tres o cinco notas en ascenso y descenso para así, poco a poco homogenizar el rango vocal y evitar que la laringe sufra un “crack” o rompimiento de la voz, si violentamos el paso de la voz podría provocar una contracción aun pudiendo más que la voluntad del cantante debido al esfuerzo de tener que pasar de una octava a otra, se debe ser paciente y evitar el sobre esfuerzo, es como si con la práctica se borrara esa línea divisoria entre el registro de pecho y de cabeza.

La gráfica muestra el rango aproximado de un cantante y nos da una noción de la sensación de dónde resuenan las diferentes notas musicales desde el pecho hasta la cabeza, explorando nota por nota con un piano podemos percibir dentro de nosotros cómo funciona todo nuestro aparato fonador.

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Afinación y entonación ¿Qué es afinar? “Es emitir un sonido que se ajusta dentro de los límites de exactitud en la emisión y en la percepción auditiva, tanto como sea posible a una nota o patrón de referencia” (justaentonacion.com/quees/afinar.htm) En otras palabras, afinar es la acción de ajustar el tono de mi instrumento a una nota dada, es decir que mi voz logre imitar un sonido dado. Se dice que la afinación está en nuestra mente antes que en nuestra voz porque obedece a un reconocimiento, a un proceso de aprendizaje, constancia y entrenamiento. ¿Qué es entonar? “Entonación, en música, se refiere a la percepción correcta del músico respecto a una altura, o bien, a la capacidad de un instrumento de producir correctamente las alturas.” (es.wikipedia.org/wiki/entonación_ (música) La entonación de la voz se refiere a la precisión del sonido, el equilibrio natural entre la respiración, el apoyo y la voz. Este equilibrio suele ser natural cuando contamos con cortos años de vida, pero a medida que crecemos adquirimos malos hábitos que producen tensiones en la respiración y en la voz.

Los problemas de desafinación pueden tener diferentes orígenes, entre ellos, la falta de entrenamiento auditivo: escuchar atentamente las notas, malos hábitos de estudio en el cual se presta atención a otros elementos técnicos y de interpretación y menos al tono de referencia, estudiar sin paciencia y querer pasar de una lección a otra sin reflexionar mucho y hacer consciente las posturas y sonidos; tensiones generadas en las cuerdas vocales, falta de calentamiento al iniciar una rutina, problemas en la respiración, cansancio, entre otros.

Para lograr una buena afinación se puede tomar en cuenta lo siguiente: 1.

Aprende a escuchar, así podrás conectar el oído con tu voz, es decir desarrollar el oído musical.

2.

Concéntrate, las distracciones pueden generar desafinaciones.

3.

Usa la fonomimia, esta consiste en mover nuestras manos relacionándolas con los tonos que escuchamos, esto nos dará una referencia visual de los sonidos que suben y bajan.

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4.

Evita la constricción, es decir, evita la tensión de las cuerdas vocales o lo que comúnmente conocemos como apretar la garganta.

5.

Procura ensayar o cantar en un lugar acondicionado, sin ruidos excesivos que generen interrupción.

6.

Conoce tu rango de voz, cantar fuera del rango puede desafinar la voz.

Apoyo vocal Como ya hemos aprendido, el canto es emisión controlada de sonidos regidos por una pista musical y para tener el control de la voz es necesario aprender sobre el apoyo vocal.

Y ¿Qué es apoyo? Es el punto en tu cuerpo que permite que el aire emita un sonido claro y continuo. Es el buen manejo del aire a la hora de cantar; para hablar necesitamos oxígeno, pero para el canto se necesita mucho más uso del aire y para esto hay que aprender a tener resistencia, buen manejo de los pulmones y un balance adecuado en la intensidad y altura de la voz.

De acuerdo con el científico de acústica Fritz Winckel define el apoyo en cuanto al canto de la siguiente manera: “El apoyo es la resistencia que el aparato de músculos de inspiración contrapone a la deflación del recipiente del aire. El apoyo sirve para reducir la presión inferior a la laringe, necesaria para la fonación, a la presión critica (presión óptima de trabajo)”.

En realidad, es muy sencillo: por una parte, el apoyo consiste en respirar de forma relajada y por otra parte consiste en enviar la cantidad de aire que las cuerdas vocales están esperando, ni más ni menos. Por lo tanto, si quieres apoyarte más en la voz no sólo se trata de incrementar la cantidad de aire que envías. También se trata de preparar a tus cuerdas vocales para que resistan esa cantidad de aire, pero ni una migaja más.

Dicho de otra forma, se trata del equilibrio constante entre aire y masa muscular de las cuerdas vocales.

El diafragma: es un músculo que se encuentra justo debajo de los pulmones, su función es desplazar los órganos internos hacia abajo para proveer espacio a los pulmones expandiéndolos cada vez que entra el aire, éste es un músculo involuntario, es decir, que tiene una función autónoma, por lo tanto, todos usamos el diafragma y ni siquiera nos damos cuenta.

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Pero ¿Para qué sirve en el canto? Se utiliza como una de las herramientas de apoyo vocal. Como ya se ha dicho, éste es un músculo involuntario, sin embargo, el cantante aprende a controlar este musculo y a dominar todo el cuerpo a fin de lograr su objetivo principal: cantar bien.

Existen varias posturas para utilizar del diafragma, según la escuela del canto clásico, algunas de ellas son: •Empujar hacia afuera: esta postura es como si inflaras el abdomen, éste se utilizaba para lograr buen volumen y llegar a notas agudas.

•Contraer el abdomen: éste se utilizaba para sostener o alargar las notas.

No olvidemos que el diafragma no lo es todo, en el canto moderno se sabe que la calidad vocal no sólo depende de este músculo, sino en el buen manejo del aparato respiratorio, articulado, resonancia y emisor, sólo depender del diafragma puede provocar un desbalance sonoro, lo mejor es trabajar todo el sistema fonador que contiene los aparatos anteriores.

La clave está en el apoyo, no en el diafragma.

Identificando la zona de apoyo: Párate en una posición erguida, pero sin tensión, coloca tus manos en la cintura a la altura de las costillas flotantes, ahí encontraras los músculos intercostales, ahora inhala y verás cómo esa zona se amplía, posteriormente exhala haciendo la vocal “A” procura mantener el control de esa vocal enfocando tu fuerza en el área intercostal y no en la garganta, es ahí donde encontrarás la fuerza para que el sonido se escuche balanceado. https://slideplayer.es/slide/14183626/

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Respiración nasal VS respiración bucal A lo largo de los años se ha creado un verdadero debate respecto a esta gran pregunta: “¿debo respirar por la nariz o por la boca?” Existen diferentes escuelas y posturas respecto al tema, sin embargo, hoy aclararemos este escabroso tema por medio de un cuadro comparativo que nos ayudará a esclarecer de una vez y por todas estas dudas.

Actualmente debido a la contaminación ambiental, el humo y el aire deshidratado de las calefacciones y aires acondicionados, la mucosa de nuestra nariz está muy expuesta a estos agentes irritantes.

Pero, son los cantantes que respiran por boca los que más van a sufrir los efectos nocivos de estos agentes sobre sus cuerdas vocales al desvincularse de la función protectora de la mucosa nasal, provocando sequedad, irritación y contaminación excesiva.

Conclusión: La respiración nasal es la más adecuada, debido a que, como ya hemos visto, tiene más beneficios que la respiración bucal; sin embargo, la respiración bucal puede llegar a ser útil en momentos que se necesite una respiración rápida donde haya poco espacio para inhalar aire para seguir cantando, no se recomienda abusar de su uso, para evitar cualquier anomalía en la voz o sensaciones que incomoden el buen viaje del aire y sonido.

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Mantén la postura Es común que la mayoría de los cantantes tengan como preocupación principal el lograr más y mejores agudos, sonar con potencia, no cansarse al cantar, etc., pero hay algo en lo que casi nunca pensamos y es quizá uno de los asuntos más importantes y que puede hacer una gran diferencia en nuestra voz cantora: la postura, y es precisamente porque hablar de postura es, sin duda, un tema escabroso debido a, que al pensar en esta palabra inmediatamente pensamos: espalda erguida, piernas al nivel de los hombros, apretar el estómago, redondear la boca y apretar los glúteos, si bien es cierto que es necesario el orden y una buena posición para cantar, también es cierto que el cuerpo debe estar cómodo y sin forzar a la hora de cantar.

Algunos de los problemas de mala postura más comunes son: 1.

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La cabeza estirada o caída hacia adelante, La mandíbula oprimida contra el cuello, Hombros levantados, un hombro más elevado que otro, Hombros desgonzados y echados hacia adelante, Pecho hundido, Excesiva curvatura en la parte dorsal de la columna, Pelvis girada exageradamente hacia atrás o hacia adelante, Rodillas rígidas.

Un cantante no puede darse el lujo de gastar energía tratando de mantener el equilibrio mientras canta, cuando toda su atención debe estar concentrada en cantar y compartir con el público la delicia de este proceso.

Ya sea de pie, sentado o acostado, hay tres reglas claves para cantar cómodamente y en buena postura: 1.Torso y hombros en posición neutral, es decir relajado, pero sin encorvarse, ni rígidamente erguido.

2. Postura de 90° entre la barbilla y el cuello, esto permite que las cuerdas vocales y los músculos del cuello se muevan naturalmente, no se debe estirar el cuello hacia arriba para los agudos, ni bajar la cabeza para los graves; más bien contrariamente a lo que se ha creído debe hacerse al revés, bajar ligeramente la cabeza para los agudos y erguir el cuello para los graves.

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3. Relajar la mandíbula, esto dará mayor comodidad para la articulación de las palabras, estiliza el sonido y da mayor resonancia.

Es importante concentrarse en cada ensayo en estos tres puntos, se debe ir modificando la postura, al principio nuestro cuerpo se resiste al cambio, pero poco a poco el cuerpo adoptará estas posturas y las naturalizará.

La postura corporal es muy importante a la hora de cantar, pero también los labios y la lengua juegan un papel muy importante para el buen sonido de la voz, así mismo para la correcta articulación de las palabras al cantar.

Al cantar, los labios deben estar relajados, con las comisuras de los labios hacia adentro y no hacia los extremos, es como mantener una postura de “O”, sin forzarla, algunos recomiendan que la boca debe ser muy redonda, esto genera un sonido oscuro y muy lírico, otros maestros recomiendan una apertura grande para mayor proyección, pero todo dependerá del tipo se pieza a interpretar y el estilo del coro.

La posición de la lengua al cantar es algo que debes tener muy https://lacarnemagazine.com/como-aprender-a-cantar-en-7-lecciones/ en cuenta si quieres mejorar como cantante ¿Por qué? por el simple hecho de que puedes estar destrozándote la voz sin saber que tu lengua es la responsable.

La postura de la lengua debe ser neutra, sin tensión, procurando que caiga con suavidad detrás de los dientes, la caída de la misma debe ser con suavidad y de la manera más natural posible, se debe evitar que esta se valla hacia atrás o que bloquee la salida del aire.

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¡Cuidado con tu voz!

Una mala técnica a la hora de cantar puede provocar diversas complicaciones en las cuerdas vocales debido al sobreesfuerzo, recordemos que el instrumento vocal es muy delicado, por lo tanto, se debe tener sumo cuidado de la misma; un violinista al perder una cuerda de su instrumento, puede reemplazarla por una cuerda nueva y asunto arreglado, la voz humana es irreemplazable y por ello se le debe cuidar.

Algunos problemas en las cuerdas vocales son: •Nódulos vocales: El abuso del uso de la voz o el mal empleo de la técnica, puede dar lugar a esta anomalía, se manifiesta como percepción de aire en la voz, debido a un defecto de cierre glótico cuya máxima expresión es la aparición de nódulos vocales o ampollas en las cuerdas vocales, estas se curan con el reposo absoluto y rehabilitación de las cuerdas.

https://www.merckmanuals.com/es-us/professional/trastornos-otorrinolaringol%C3%B3gicos/ trastornos-de-la-laringe/p%C3%B3lipos-n%C3%B3dulos-y-granulomas-de-las-cuerdas-vocales

•Edema de cuerdas vocales o edema de Reinke (secundario a tabaco o reflujo gastroesofágico): Da lugar a un timbre vocal más oscuro o la famosa voz de fumador. La presencia de reflujo produce una inflamación de las cuerdas vocales, al igual que el exceso de tabaco, produce una distorsión en la capacidad vocal, limitando el rango o acortándolos, el tratamiento médico

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del reflujo con inhibidores de la bomba de protones mejora el problema, en el caso del fumador, no hay tratamiento que quite el problema, muy posiblemente se pueda mejorar dejando el tabaco.

•Disfonía/ronquera: Producida por una falta de vibración de cuerdas vocales, secundaria a una laringitis infecciosa, en este caso, el reposo o un tratamiento adecuado con antibióticos es funcional o en el caso de lesiones en las cuerdas vocales (nódulos fibrosos, pólipos). En muchos de estos casos se precisa microcirugía.

https://www.diariomedico.com/medicina/otorrinolaringologia/la-cirugia-que-otorga-a-las-cuerdasvocales-un-timbre-femenino.html

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•Inflamación/ pólipos: Se manifiesta como una incapacidad para alcanzar las notas más agudas. Puede deberse a una mínima inflamación por sobrecarga vocal que solo requiere bajar la actividad. Si el paciente continúa cantando sin un reposo adecuado puede dar lugar a pequeños pólipos o cayos, estos cayos, al rozar la otra cuerda vocal pueden provocar nódulos, lo que da lugar a mayor incomodidad y puede requerir cirugía.

https://micasocalaringe.wordpress.com/2012/01/30/polipo-de-cuerda-vocal/

•Afonía ó pérdida total de la voz: Suele producirse por la laringitis o inflamación de la laringe, que, a su vez, está frecuentemente causada por un resfriado común (virus), un mal uso de la voz, o bien, por el contacto con sustancias irritantes, la afonía también es resultado de agentes externos, como una intervención quirúrgica que requiere de la extirpación de la tráquea, por neumonías complicadas, entubación y en el peor de los casos por cáncer de garganta, éste proceso de extirpación de la tráquea o laringe se llama traqueostomía o laringectomía, el laringectomizado debe aprender a respirar por una válvula y sus cuerdas se inutilizan pues no hay paso de aire por ellas.

https://es.slideshare.net/elajj/traqueostomia-31396705

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https://neurorhb.com/blog-dano-cerebral/nuestra-voz-organos-implicados-alteracionesy-pautas/

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La mala técnica y el sobreesfuerzo, traen consigo una mala salud vocal y la pérdida paulatina de las capacidades vocales, en muchos coros suele suceder que, al querer escucharse de entre sus compañeros, elevan la voz al máximo y eso impide la proporcionalidad sonora del coro, al mismo tiempo que, como consecuencia aparezca uno o varios de estos problemas vocales.

Buenos hábitos: Hemos aprendido algunos fenómenos que pueden dañar la voz cantante, sin embargo, teniendo una correcta forma de cantar y hábitos saludables, podemos evitar que nos aqueje alguno de los males que hemos aprendido anteriormente, algunos de estos hábitos que podemos adoptar en nuestra vida diaria son: 1.

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No grites, no es bueno abusar del volumen de la voz.

No fumes, el tabaco reseca los conductos respiratorios y pierden presión de las cuerdas vocales.

Bebe agua, las cuerdas vocales tienen una mucosa natural muy sensible, sin esta mucosa la garganta arde, el agua hidrata estas mucosas.

Evita el aire acondicionado.

Evita el alcohol, el café y bebidas diuréticas que te hacen perder líquido y te deshidratan.

Comidas muy grasosas, ni muy abundantes.

Las bebidas gaseosas son un problema a la hora de cantar, pues te generan eructos vergonzosos que al estar en tu grupo de compañeros de cuerda son muy incómodos.

Duerme bien, una voz descansada es una voz saludable.

Evita hablar demasiado, aprender a callar es un buen hábito al mismo tiempo que tus cuerdas descansan.

Respira correctamente.

Mantén una buena postura para cantar, pies en paralelo ligeramente separados, eso dará fijeza a tus rodillas y por lo tanto ayudará a tu espalda y mantendrás una buena postura.

Al cantar sentado, los pies deben tocar el suelo, espalda erguida y relajada, de preferencia en una silla recta, evitar las sillas demasiado reclinadas.

Prepara la voz antes de cantar, los ejercicios de relajación, respiración y vocalización activan y preparan tu voz para cantar de manera óptima.

Aprende a caminar antes de intentar correr, es decir, no intentes hacer cosas para las que tu voz aún no está lista o no tiene la experiencia el entrenamiento necesario, sé paciente, ya pronto podrás lucir tu agilidad vocal.

Finalmente, evita el estrés dañino, el estrés, la ansiedad y tu estado anímico puede evitar que la voz salga libremente pues la tensión emocional provoca tensión muscular y por lo tanto la voz saldrá forzada, los agudos serán limitados y esto desembocará en daños en las cerdas vocales.

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Un coro es un colectivo, en donde todos y todas colaboramos y si todos mantenemos hábitos adecuados, todos y todas tendremos un coro saludable.

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¿Cómo cantar si estoy enfermo? Si te ha pasado que tu voz no sale correctamente, aunque tengas una buena técnica, es posible que algo obstruyó la salida óptima de la voz: un resfriado, una gripe, alergia o abuso de las cuerdas vocales, descansar es una de las mejores formas de recuperar la voz, pero ¿Qué sucede si no tengo de otra, más que cantar? Es posible que por algún motivo no puedes reposar tu voz, ya sea por un concierto muy importante, un ensayo obligatorio, una grabación, etc. Acá hay unos consejos para poder cantar a pesar de un problema vocal.

Debido a que los resonadores superiores se llenan de mucosidad, la voz se oye menos brillante, habrá ciertos harmónicos que no resuenan, a la voz le falta cuerpo y muy posiblemente algunas consonantes se entorpezcan; otra cosa que puede suceder, es que lo oídos, al estar inflamados, nos den la sensación de sordera o que algo se tapa y destapa, sin embargo, acá hay unos consejos para poder cantar a pesar de tener una enfermedad común: •Por afonía: se recomienda reposo absoluto, pues la voz está totalmente ausente y será imposible emitir sonido tonal.

•Por gripe: tomar un antigripal de venta libre; a la hora de cantar, lo mejor será hacer inhalación por la boca, debido a que la nariz posiblemente esté tapada o el exceso de aire caliente incomode, hacer más apoyo en el diafragma.

•Por infección en la garganta : que podría ser en la faringe (Faringitis) o en la laringe (laringitis), los síntomas de la faringitis suelen ser: dolor o picazón en el paladar blando; al cantar, se debe respirar por nariz y a volumen moderado, la voz de cabeza no será muy potente, más bien será como un falsete pues habrá escape de aire; si la infección es por laringitis, al estar alojada directamente en tus cuerdas vocales, será más difícil cantar, lo mejor es el reposo, caso contrario la afinación será más difícil; puedes tomar un antiinflamatorio de venta libre, en la medida de lo posible evitar la cortisona debido a los efectos secundarios.

•Otros consejos: apóyate en tus compañeros de coro quienes servirán de ayuda para esconder la voz dañada, las infusiones inhaladas son muy buenas y efectivas, pues éstas entran por las vías respiratorias directamente hacia la faringe y por lo tanto a las cuerdas vocales.

Aviso importante: ninguno de estos consejos es para abusar de ellos, pues son un remedio paliativo y no curan a totalidad una condición vocal, en caso de no tener mejoría se recomienda reposo absoluto y en caso extremo, consultar a un especialista, acompaña estos consejos con hidratación continua; los

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remedios caseros no son muy efectivos debido a que estas pasan por la laringe y tus cuerdas vocales están en la laringe, por lo tanto, su efecto no será el deseado.

Mitos sobre el canto En la vida cotidiana nos encontramos con muchas personas que aseguran muchas cosas respecto al canto, aún cantantes “profesionales” aseveran una serie de afirmaciones que en lugar de ayudar pueden llegar a perjudicar nuestra calidad vocal, es por eso que en esta lección vamos a aclarar algunos de esas afirmaciones.

•Debemos cantar relajados: si bien es cierto que para cantar se debe evitar la tensión muscular principalmente en la zona de la garganta, no es del todo cierto que se debe estar completamente relajado, nuestro cuerpo debe mantenerse en una actitud de alerta y el cuerpo activo para poder reaccionar a todos los fenómenos a los que se somete nuestra voz.

•Un cantante nace con buena voz: esta afirmación es muy común, el creer que el cantante nace y no se hace; hay personas con muchos años de experiencia escénica que no tienen idea de cómo suena realmente su voz, que no tiene idea de cómo logra hacer algunas cosas o adoptan vicios o manías, un verdadero cantante debe formarse por medio de una buena técnica y esto no tiene nada que ver con lo agradable del color de la voz, hay voces no tan melodiosas con muy buena técnica y hay voces muy llamativas con una técnica pésima.

•Un cantante debe cantar con el estómago, no con la garganta: este es uno de los mitos más arraigados a nivel general, la verdad es que es imposible cantar con el estómago debido a que este es parte del aparato digestivo y no fonatorio, por lo que es imposible que genere sonido más allá de los sonidos propios de su función; lo que produce la voz está en la zona de la garganta (la laringe), lo que realmente se debe hacer es aprender a utilizarla de forma tal que no haya lesiones y tu calidad vocal sea la correcta.

•No se debe comer o beber NUNCA cosas frías: nada de lo que tragamos llega a las cuerdas vocales, pues estas tienen su conducto de entrada por la nariz, se puede tomar precauciones a fin de no tener choques de frio y calor, también mantener en buen funcionamiento las defensas.

•La voz es un instrumento como los demás y puede ser utilizado en cualquier momento: a muchos nos ha pasado que, en una reunión,

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mientras estas inactivo y en un momento de relajación, los amigos o parientes nos piden cantar una canción como si se tratara de un celular que al apretar un botón está disponible en todo momento, cantar es una actividad que requiere preparación, es como si se le pidiera a un gimnasta que haga una pirueta sin previo calentamiento, mantén presente que cantar es una acción física.

•Mientras más adornos lleve una canción, mejor se oye: si bien es cierto que la agilidad vocal es importante, el exceso de adornos puede llegar a cansar a un oyente, en su lugar, se pueden utilizar matices que enriquecen una canción.

•Un buen cantante debe dominar todos los géneros musicales: la versatilidad es buena, pero como dice el dicho “el que mucho abarca, poco aprieta”, la técnica vocal puede llegar a hacernos capaces de cantar un gran repertorio, sin embargo, nuestra voz se sentirá cómoda y encajará más en unos géneros y en otros no.

•Si canto igual que mi cantante favorito, seré un gran cantante: en primera instancia, la imitación puede ser una herramienta para poder cantar bonito, sin embargo, la técnica vocal nos debe llevar al reconocimiento y posteriormente al desarrollo de nuestro propio color vocal, a fin de crear independencia y lograr que nuestra voz se destaque.

•Sólo la técnica lírica es la correcta: para empezar, existen varios tipos de escuelas de canto clásico y una gran variedad de técnicas de canto lírico, por lo que asegurar que el lírico es la madre de las técnicas no es cierto, pues para ello tendría que haber un consenso de cuál escuela lírica aprenderemos y adoptaremos como la correcta; a lo largo de los años, estudiosos de la voz humana, cantantes e investigadores, han ido desarrollando nuevas técnicas para cantar, con base en el cambio generacional, la necesidad de acercar el canto a otros estratos sociales, la evolución musical, etc., respetando la salud de los cantantes y procurando su buen desempeño; por tanto, la escuela popular nos ayuda también a cantar correctamente, pero con un sonido moderno y estilizado.

•El Canto es como levantar pesas, hay que solo cantar y cantar hasta que haya dolor y solo así se mejora: falso, y por más tonto que parezca, hay personas que aún creen en ese dicho fervorosamente. Aunque el canto también es físico, es muchísimo más mental. No se puede comparar con el ejercicio anaeróbico. Y aunque en el canto se usa muchas analogías usando ejercicios físicos, el hecho de cantar hasta cansarse es simplemente un boleto

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asegurado al quirófano. Si la persona se siente afónica es porque la voz ya está maltratada y si el proceso se repite puede traer problemas más serios. El Canto JAMAS debería doler. Si hay dolor, por más leve que sea, entonces es porque hay un problema.

•Para llegar a los altos se debe empujar o soplar más (aire): Absolutamente falso, de hecho, es muy peligroso hacer esto. Las cuerdas vocales al cerrarse se tensan (no piensen en la tensión muscular que es diferente y es problemática). En pocas palabras, comienzan a alargarse dependiendo de la nota cantada, eso es normal, el problema es cuando se comienza a usar más aire de lo normal. Las cuerdas vocales comenzaran a poner resistencia contra todo ese aire innecesario (y es ahí donde comienza a nacer diferentes tipos de tensión). La persona no entrenada, vera que el aire usado no está ayudando a coordinar las cuerdas vocales y comenzará a forzar más, lo cual pondrá a las cuerdas vocales estarán más tensas al resistirse aún más. Al final, ese cantante posiblemente llegue a la nota, pero forzando la voz con un tono bastante gritado y lastimado. El sobre uso de este método puede traer Nódulos Vocales o hasta Pólipos, así que NO lo hagan.

http://www.sereatecnicavocal.com/es/

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“Cantar es una forma de escapar. Es otro mundo” Édith Piaf Cantante, compositora y actriz.

https://teatro-nescafe-delasartes.cl/edith-piaf-en-6-inolvidables-canciones/

Combate el pánico escénico Imaginemos por un momento, estamos en un escenario solos, con un montón de gente que no conocemos, apenas logramos distinguir algunas personas conocidas, en ese momento viene a nuestra mente: ¿y si me equivoco?, ¿y si olvido la letra?, ¿y si desafino? Es común que estas y otras interrogantes lleguen a nuestra mente, aun sabiendo que hemos ensayado lo suficiente, los nervios son comunes, pues es gracias a la adrenalina que le ponemos mayor empeño a nuestra interpretación, pero para evitar que el pánico se apodere de nosotros y lograr la naturalidad con la que podamos desempeñarnos más fácilmente en el escenario, es necesario seguir estos consejos: 1.Sé consciente de que no podemos controlar todo lo que sucede a nuestro alrededor, hay cosas que no están en nuestras manos, para eso, procura que haya alguien que sepa exactamente tu rutina, para que al suceder algo, esta persona pueda ayudarte, puede ser un técnico de sonido, un amigo o alguien que haga la función de asistente.

2.Calienta y respira antes de subir al escenario, no es absolutamente necesario vocalizar, sin embargo, es muy importante la respiración pues esta activará todo tu cuerpo para cantar.

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3.No te olvides de beber un vaso de agua tranquilamente. Eso le enviará a tu cerebro un mensaje de tranquilidad. Es más, ten a mano agua mientras cantas. Puedes tomar un sorbito de vez en cuando, aprovechando el paso entre una canción y otra, o mientras alguien hace una intervención.

4.Acude con tiempo al lugar del acto así, además de poder explorar con calma el escenario y de visualizarte en ese contexto, vas a poder comprobar que todo lo que necesitas está bien: luces, conexiones eléctricas, equipo informático, etc.

5.Escoge una canción cómoda, que resalte tu voz; evita las canciones que pueden poner en riesgo tu seguridad o que estén en los extremos de tu rango vocal.

6.Evita auto juzgarte, el ensayo es para sacar errores de voz, postura escénica, movimientos corporales, vestuario etc., el escenario no es lugar para pensar en esas cosas, porque esto puede desencadenar un auto sabotaje.

7.Canta para ganar experiencia, mientras más cantes, más acostumbrado al escenario vas a estar.

8.Canta con pasión y enamora a tu público, la gente sentirá mucho más interés por lo que dices y se involucrará en el discurso. La energía positiva que desprendas al hablar te irá alimentando durante la charla.

“No es valiente el que no tiene miedo, sino el que sabe conquistarlo” Nelson Mandela Ex presidente sudafricano y activista de los Derechos Humanos.

https://www.contagioradio.com/todo-parece-imposible-hasta-que-se-hace-mandela/

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EL CANTO A TRAVES DE LA HISTORIA

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El Canto en la prehistoria Los orígenes exactos de la música son desconocidos, pero fue la voz humana y la percusión, corporal o de los elementos del entorno, sus primeras manifestaciones, pero éstas no dejaron huellas arqueológicas. Las teorías más sólidas plantean la aparición de la música simultáneamente a la aparición del lenguaje. Las diferentes expresiones lingüísticas constituyen formas de música como resultado de diferentes modulaciones.

La música ha acompañado al ser humano a lo largo de la historia, desde el origen mismo del hombre, se desconocen los orígenes de la música debido a que en un principio no existía lo que hoy conocemos como instrumentos musicales, más bien, la voz humana es la única que interpretaba sonidos musicales y posiblemente la percusión corporal, es lógico creer que el ser humano al descubrir los sonidos que provenían de su voz inició el proceso de comunicarse con otros, a imitar sonidos de animales y lo que le rodeaba y muy posiblemente ahí, es donde se originó el canto.

El cambio de altura musical en el lenguaje produce un canto, de manera que es probable que en los orígenes apareciera de esta manera. Además, la distinta emotividad a la hora de expresarse, o una expresión rítmica constituye otra forma de, si no música, sí elementos musicales, como son la interpretación o el ritmo. Es decir, la música nació al prolongar y elevar los sonidos del lenguaje.

Esta teoría científica lleva siendo sostenida desde hace mucho tiempo, y filósofos y sociólogos como Jean Jacques Rousseau, Johann Gottfried Herder o Herbert Spencer fueron algunos de sus mayores defensores.

Con el paso del tiempo, el canto se utilizó como una forma de oración, un vehículo de comunicación entre lo sagrado y lo terrenal, de modo que el canto pasó a ser una herramienta para ceremonias, interpretando cantos que iban dedicados a los dioses y todo lo considerado como especial y divino.

El hombre primitivo asociaba la vida y la muerte con el movimiento y el sonido. Cantar y danzar se convierten en símbolos de la vida, mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.

Otro aspecto interesante a tener en cuenta es el de las propiedades acústicas de las cuevas, que seguro facilitaron óptimas condiciones sonoras para celebrar todo tipo de ceremonias. Incluso las estalactitas fueron utilizadas ya que vibran y emiten sonidos al ser golpeadas por otros objetos, observándose huellas de esta acción en varias de ellas. gracias a su magnífica acústica, Actualmente se realizan conciertos en algunas de estas cuevas.

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http://nabitoshow.blogspot.com/2016/05/el-mesolitico-la-sociedad-mesolitica.html

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Cada tribu aprendió a identificarse entre sus miembros por medio de danzas y cantos que tenían en común y las fueron transmitiendo a las nuevas generaciones, de ahí el origen de las sociedades y diferentes culturas que nos identifican nuestros pueblos actualmente.

El Canto en la Antigua Grecia Período que comprende los siglos V y IV A.C. La música y específicamente el canto, eran elementos fundamentales en las bellas artes de la Antigua Grecia, incluida en el Teatro y más aún en la música popular por medio de baladas y poemas épicos, por lo tanto tenía una importante función dentro de la sociedad griega. La escala fundamental de los antiguos griegos era: re, mi, fa, sol, la, si, do, re; dicha escala era denominada doria.

La evolución del canto y su alto valor dentro de la sociedad griega era tal, que se vinculó con otras artes, como el teatro y la danza, dando origen a lo que actualmente conocemos “teatro musical¬”. Por sí solo, el canto era clave para contar historias, más bien para hablar sobre su famosa Mitología, los cantos acerca de las victorias de sus héroes y alabanzas a los dioses olímpicos eran temas muy comunes en los antiguos cantos griegos No se sabe a ciencia cierta si habían tesituras vocales como tales, pero se conoce que algunas canciones eran acomodadas a las voces de los cantantes, en términos actuales, eran trasportadas para la comodidad de los intérpretes, también, al no existir un sistema fijo de afinado, los cantantes se ajustaban al sonido de las liras que a menudo se desafinaban fácilmente; de ahí que se desprende el nombre lírico, que es la forma de llamar al canto clásico o culto; es también conocido, que las voces que parecían más atractivas en esa época eran lisas muy melódicas y las voces gruesas y rasposas.

https://magnet.xataka.com/un-mundo-fascinante/nos-ha-costado-siglosfin-sabemos-como-sonaba-musica-griega-antigua-aqui-puedes-escucharla

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El documento musical sólido más antiguo, encontrado en el año 1982, preserva parte del estribillo de la tragedia ateniense “Orestes de Eurípides” del año 408 a.C. Hace tiempo que ha supuesto quebraderos de cabeza para su interpretación, por lo que ha sido difícil saber cómo sonaría esta pieza en la actualidad.

“La anarquía no musical fue dirigida por poetas que tenían talento natural, pero eran ignorantes de las leyes de la música (...) A través de la estupidez se engañaron en pensar que no había bien o mal en la música, que debía ser juzgada en función del placer que diese. Con sus obras y sus teorías infectaron a las masas con la presunción de creerse jueces válidos. Por lo que nuestros teatros, antes silenciosos, se volvieron vocales…”

Platón Filósofo griego.

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/42-filosofos/41827-platon-biografia-pensamiento-y-obras

La ópera china Esta disciplina se remonta a la dinastía Tang con el emperador Xuanzong (712- 755 D.C.), la ópera china es el nombre que recibe el teatro tradicional de China. Es un arte que sintetiza la actuación, la acrobacia, artes marciales, bellas artes, música y poesía, creada principalmente para complacer a los emperadores, se crea la primera compañía (al menos la primera documentada) llamada El Jardín de los Perales.

Existen más de trescientas variedades de ópera o teatro chino; la más conocida es la Ópera de Pekín, que tomó su forma actual a mediados del siglo XIX, habiendo sido muy popular a lo largo de toda la dinastía Qing (1644-1911).

Características principales de la ópera china: •La musicalización y a acompañamiento rítmico son constantes, es muy importante que los instrumentos sea propiamente tradicionales de la cultura china.

•Los diálogos suelen ser textos recitados, no cantados tradicionalmente sino como una recitación siguiendo las acentuaciones del hablante chino, por lo

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que rítmicamente es muy variante.

•Tiene su propia forma estructural especial, técnicas de expresión y habilidades artísticas, así como un fuerte estilo artístico nacional muy diferente del drama occidental y las tradiciones musicales occidentales creadas por músicos profesionales.

•La ópera china tiene relaciones cercanas con los dialectos, las canciones populares y la música utilizada para acompañar las presentaciones de recitales y canciones.

•La música de ópera no es creada por músicos específicos; es el resultado de largos períodos de desarrollo de la música popular y la creación de grupos a través de varias generaciones, lo que representa un logro artístico grupal.

•La música de la ópera se ha transmitido oralmente y ha sufrido grandes cambios. Sus melodías han cambiado con frecuencia, debido a las diferentes condiciones y dialectos de los cantantes. Como resultado, la misma melodía se desarrollará en variantes diferentes, estilos y dialectos y en distintas escuelas.

•Blanco: siniestro, malvado, astuto, traicionero y desconfiado. Cualquier persona que lleve una máscara blanca suele ser el villano.

•Verde: impulsivo, violento, sin autocontrol o autocontrol.

•Rojo: valiente, leal.

•Negro: áspero, feroz o imparcial.

•Amarillo: ambicioso, feroz, frío.

•Azul: firme, alguien que es leal y se mantiene a un lado sin importar nada.

•Oro y plata: pueden representar misterio y distancia.

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•Los maquillajes juegan un papel muy importante dentro del espectáculo, son maquillajes tan marcados que parecieran máscaras adheridas al rostro de los actores y actrices con el fin de reflejar el espíritu y la personalidad de cada persona, cada color en el maquillaje es un simbolismo de su personaje, por ejemplo:

“El lenguaje más famoso y popular del mundo es la música”.

PSY Rapero, compositor surcoreano, egresado de Berklee College of Music.

https://www.infobae.com/america/entretenimiento/2016/12/13/que-ocurrio-con-la-vida-de-psy-el-interprete-del-fenomeno-gangnam-style/

El Canto en la Edad Media La Edad Media es el período que comprende entre los años 473 DC hasta el descubrimiento de América, aproximadamente el año 1492 DC (Siglos V al XV).

La música entre los primeros cristianos en la liturgia católica desde el siglo V al siglo XI aproximadamente adoptó algunas costumbres de la liturgia judía en sus sinagogas con lecturas de salmos y oraciones en forma de antifonía y responsorio (canto u oración y respuesta cantada), dado que, para la iglesia católica, la música pagana no debía combinarse con la iglesia, se adoptó que la liturgia fuera a “pura voz”.

San Jerónimo mismo califico como ofensivo el uso de instrumentos dentro de la liturgia católica; San Agustín también expresó su recelo con respecto al uso de instrumentos dentro de las reuniones de cristianos, señala que en los encuentros y celebraciones cristianas se cantaban los Salmos de David “con bellas y agradables melodías” y que estos cantos se alternaban con oraciones y repeticiones y que de forma conjunta se repetía en estribillo.

La liturgia, consistía básicamente en una lectura sostenida métricamente con una respuesta colectiva de un estribillo. Puede afirmarse de este modo, que la liturgia de Jerusalén sirvió como modelo para la iglesia de Roma.

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https://liturgiamardelplata.wordpress.com/2018/01/06/piedad-popular-y-liturgia-en-la-edad-media/

Canto Gregoriano: Canto Gregoriano o Canto Llano y se le llamó así por el Papa Gregorio I quién instituyó una reforma de canto litúrgico. Se denomina canto gregoriano al canto propio de liturgia romana de la Iglesia Católica, que había ya, heredado cantos e himnos entonados en las iglesias primitivas en los primero santuarios cristianos en los primeros siglos de nuestra era después de Cristo. A partir del siglo IV fua cuando comenzó a cantarse en latín, anteriormente se celebraba la misa en lengua vernácula, pero a partir del siguiente siglo fue cuando el canto llano recibió mayor aceptación en Roma y refinamiento, siempre basándose en textos de las Sagradas Escrituras. Este tipo de canto monódico (unísono) y sin acompañamiento musical se difundió primeramente con el nombre de “canto romano”, pero a partir del siglo VIII se popularizó como canto gregoriano.

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Del canto gregoriano se derivaron cuatro grandes escuelas o estilos: •Canto galicano: nacido en las Galias.

•El canto ambrosiano: llamado así en honor a San Ambrosio.

•El canto visigótico-mozárabe: de la península Ibérica.

•Canto Romano: cantado en Roma.

Características del Canto Gregoriano: •Era destinado exclusivamente para la liturgia cristiana (misa y oficio).

•Es monódico, es decir de una sola melodía, simultaneo y al unísono.

•Su texto era en latín.

•Con ritmo libre, en otras palabras, la velocidad dependía de las palabras que se decían o la intención con la cual se quería decir el texto.

•Sin acompañamiento musical.

https://bustena.wordpress.com/historia-de-la-musica-online/la-musica-en-la-edad-media/

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El canto fue un elemento indispensable en las ceremonias eclesiásticas, ya fuera en forma de oración o de alabanza a Dios, tanto por el que oficiaba la liturgia, como de la comunidad de creyentes que se reunían en los templos.

Esta imagen nos muestra el tetragrama, cuatro líneas sobre las que se escribían las notas musicales hasta finales del siglo XV.

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La Polifonía: Es inherente al ser humano la búsqueda de nuevos sonidos y de un efecto sonoro capaz de reproducir varios sonidos de manera simultánea, por lo que varias civilizaciones ya habían hecho algunos intentos por generar sonidos de este modo. Los músicos persiguieron durante siglos el establecimiento de fórmulas que enriquecieran sus creaciones musicales, una de ellas era la de conseguir un movimiento sonoro paralelo en diferentes alturas. El deseo de perfeccionamiento llevo a los compositores de la Edad Media a crear reglas regidas matemáticamente y fruto de una investigación de las proporciones del sonido.

El primer nombre que recibió este arte en Francia fue “organum”, llamado así por la analogía con el instrumento musical. Esta técnica de canto consistía en superponer dos, tres o cuatro voces cantadas de forma paralela a una distancia de quintas, cuartas u octavas. Con este avance se concibió a partir del siglo XII el uso de una voz principal (tenor), que hacía juego con las voces restantes para estructurar una obra. Dicha estructura estaba cimentada sobre los principios de contra punto (punctum contra punctum), que significa “nota contra nota”.

En esta etapa de la historia, las mujeres comenzaron a tomar protagonismo en el canto coral, por lo que la polifonía comenzó a destacarse de manera natural, posiblemente gracias al oído musical que guiaba a las mujeres a cantar melodías más cómodas en contraposición con las voces masculinas.

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La Polifonía: Es inherente al ser humano la búsqueda de nuevos sonidos y de un efecto sonoro capaz de reproducir varios sonidos de manera simultánea, por lo que varias civilizaciones ya habían hecho algunos intentos por generar sonidos de este modo. Los músicos persiguieron durante siglos el establecimiento de fórmulas que enriquecieran sus creaciones musicales, una de ellas era la de conseguir un movimiento sonoro paralelo en diferentes alturas. El deseo de perfeccionamiento llevo a los compositores de la Edad Media a crear reglas regidas matemáticamente y fruto de una investigación de las proporciones del sonido.

El primer nombre que recibió este arte en Francia fue “organum”, llamado así por la analogía con el instrumento musical. Esta técnica de canto consistía en superponer dos, tres o cuatro voces cantadas de forma paralela a una distancia de quintas, cuartas u octavas. Con este avance se concibió a partir del siglo XII el uso de una voz principal (tenor), que hacía juego con las voces restantes para estructurar una obra. Dicha estructura estaba cimentada sobre los principios de contra punto (punctum contra punctum), que significa “nota contra nota”.

En esta etapa de la historia, las mujeres comenzaron a tomar protagonismo en el canto coral, por lo que la polifonía comenzó a destacarse de manera natural, posiblemente gracias al oído musical que guiaba a las mujeres a cantar melodías más cómodas en contraposición con las voces masculinas.

https://renessanssiblog.wordpress.com/ars-antiqua-taydennyksia/

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Ars Nova: esta corriente nació en el siglo XIV, al contrario de su predecesora, cuyos ritmos y melodías son rígidos, estos son más libres y variados.

Gracias a un tratado del mismo nombre de Philippe de Vitry de 1320, en él aparece por primera vez una o nuevo valor musical llamado semimínima que vendría a hacer el papel de lo que conocemos como semicorchea, la revolución del Ars Nova viene precisamente a ser muy importante, ya que, gracias a esta figura, las líneas melódicas eran adquirieron más fluidez, movilidad, rapidez y articulación, rompiendo la rigidez del Ars Antiqua.

Si bien, el Ars Nova fue un movimiento nacido en Francia al igual que el Ars Antiqua, tuvo mucha más proyección en Italia, esto ayudo a establecer una especie de prerrenacimiento; sin embargo, mientras Francia, el enfoque de las letras eran al igual que en el Ars Antiqua, en Italia las letras eran aun más profanas con temáticas como la caza, el amor y las batalla.

Del Ars Nova se desprenden: el madrigal, la Caccia (caza) y la Batalla, estilos musicales más dinámicos y por tal razón más fáciles de asimilar para las personas comunes.

http://amayahistoriadelamusica.blogspot.com/2016/02/el-ars-subtilior.html

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Por siglos, las personas comunes también han necesitado de las expresiones artísticas como parte de su cultura, para contar sus historias y que no desaparezcan con el tiempo, la gente común de la Edad media también tenia sus propios voceros de las expresiones artísticas de las personas de la época, estos representantes del arte popular del medioevo fueron los trovadores y los juglares.

Los trovadores: eran hombre de alto rango económico (aristócratas) que componían sus propias canciones y las interpretaban junto a músicos profesionales, pero que en su mayoría se dedicaban a la música popular, si lo ponemos al lenguaje de nuestros días, se trataba de cantautores que deleitaban al público no religioso, esta tendencia nació en ciudades del sur y al suroeste de Francia, uno de los trovadores más antiguos fue Guillermo IX de Poitiers, Duque de Aquitania.

Las letras que componían los trovadores con temáticas como: el amor, canciones heroicas, canciones de tipo político, moral y sátiras, temáticas que distaban mucho de la música gregoriana pues no eran del tipo religioso.

https://sobrehistoria.com/que-es-un-trovador-y-un-juglar/

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Los juglares: eran artistas callejeros que iban de pueblo en pueblo y de castillo en castillo entreteniendo a la gente analfabeta, Los escritores eclesiásticos de la Edad Media se referían a ellos con nombres como mimi e histriones, para indicar que eran artistas que procedían del teatro romano y que llevaban su arte por los caminos de Europa en el siglo VI, con espectáculos indecorosos.

Sus espectáculos incluían el malabarismo, rapsodias satíricas, domadores de simios y cabras, se burlaban de todo y de todos, también solían dominar otras virtudes artísticas como el malabarismo, la declamación y saltimbanquis o acrobacias. Estos artistas rudimentarios fueron conocidos ya en el siglo VII como jocularis, de la palabra iocularis que significa divertido o gracioso, divertían a todos en las calles con sus artes y ocurrencias, estos a veces acompañaban a los trovadores con la música para sus composiciones.

Alrededor del siglo X, una parte de estos “desheredados” como los llamaba el folklorista español Ramón Menéndez Pidal, aprendió a tocar instrumentos con mayor habilidad y a cantar de mejor manera, se convirtieron personas con formación musical, sin embargo, no se dedicaban a la música clásica o culta, sino más bien al espectáculo de calle y carpa.

El papel de los juglares fue muy importante y construyó a difundir la lengua vulgar (popular), un hecho de vital importancia para el desarrollo de la literatura europea, poco a poco estos músicos y cantantes se fueron alejando de la juglaría de movimientos grotescos y fueron cultivando la música y las letras.

http://www.infoguadiato.com/index.php?page=22&ampliar=11019

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“Aprende a valorar a los músicos callejeros, ellos ponen bandas sonoras a nuestras grises y monótonas vidas”.

Anónimo.

https://www.pikist.com/free-photo-vkpog/es

El Canto en el Renacimiento El renacimiento fue la cúspide de la música polifónica y el refinamiento de la música instrumental, es en este unto que nace la orquesta moderna. En cuanto al canto, que es lo que nos concierne, aparecieron géneros tales como: El Madrigal: que es una composición de tres a seis voces, su texto era secular y profana, con armonía contrapuntística y de lenguaje popular, compuesto por voces a capella y en algunos casos instrumentos que hacían lo mismo (doblaban) las voces cantadas. Floreció a mitad del siglo XVI y fue perdiendo auge con la llegada de la ópera. En España, este género fue muy importante sobre todo en Cataluña. El madrigal en España puede definirse como una composición musical polifónico – vocal, sobre textos poéticos muy refinados, tanto por su lenguaje como por su contenido, sin estribillo, con música para toda la letra y de estilo imitativo, un poco a semejanza del motete, con el cual se le suele comparar, excepto por el texto, de carácter profano.

Uno de sus mayores exponentes fue Claudio Monteverdi fue un compositor, violagambista, cantante, director de coro y sacerdote italiano. Compuso tanto música secular como sacra y marcó la transición entre la tradición polifónica

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y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII.

https://es.wikipedia.org/wiki/Madrigales_de_Claudio_Monteverdi

La Ópera: es un vocablo italiano que significa obra, (de la voz latina «opus», ‘obra’ o ‘labor’) sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo escénico. Es un género de música teatral que armoniza la escena teatral con el canto y la música, suelen presentarse en espacios especializados para ellos llamados teatros de ópera, se acompaña de orquesta sinfónica o una o agrupación musical más pequeña.

La ópera es una obra destinada a ser representada. Algunos géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son la zarzuela española, el singspiel alemán, la opereta vienesa, la opéra-comique francesa y actualmente con el musical inglés y estadounidense.

Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy. Fue escrita durante 1597, bajo la gran inspiración de un

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círculo elitista de literatos humanistas florentinos, conocidos como la “Camerata de’ Bardi” o “Camerata Florentina”.

Significativamente, Dafne fue un intento de revivir la tragedia griega clásica, parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad, propio del Renacimiento. Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y posiblemente el texto entero de todos los roles; la ópera entonces fue concebida como una manera de “restaurar” esta situación.

Elementos de la ópera: •La música (orquesta, solistas, coro y director).

•La poesía (libreto).

•Las artes escénicas, en especial la actuación, el ballet y la danza.

•Escenografía (pintura, artes plásticas, decoración, arquitectura).

•La iluminación y otros efectos escénicos.

•Maquillaje y vestuario.

Máximos Exponentes de la ópera: •George Friederich Haendel.

•Antonio Vivaldi.

•Rossini.

•Bellini.

•Donizetti.

•Wolfgang Amadeus Mozart.

•Giuseppe Verdi.

•Richard Wagner.

•Sergei Prokofiev, otros.

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Géneros de la Opera:

http://clasicafmradio.es/podcasts/musica-en-las-letras/musica-las-letras-espiritu-la-operam-f-castarede-2/

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•Drama jocosso.

•Dramma per musica.

•Farsa (ópera).

•Grand Ópera.

•Intermède.

•Intermezzo (música).

•Opéra bouffon.

•Ópera bufa.

•Ópera china.

•Opéra-comique.

•Ópera de baladas.

•Ópera de cámara.

•Ópera de Pekín.

•Ópera Savoy.

•Ópera seria.

•Ópera-ballet.

•Opereta.

•Opéra bouffe.

•Opéra féerie.

•Pastoral heroica.

•Semiópera.

•Tragédie en musique.

•Verismo.

El Canto Barroco El Oratorio: Es un género del período Barroco de la música compuesto por voces solistas, coro y orquesta sifónica, algunas veces acompañado por narrados, su temática en gran parte era hablar sobre la vida de Jesús, los Evangelios y la vida de los santos.

Genero nacido en Italia, pero su mayor esplendor se dio en Inglaterra gracias al aporte del alemán Georg Friederich Haendel, quien se había establecido en Inglaterra, su obra más conocida fue el oratorio “El Mesías” de donde se extrae el famoso fragmento “Aleluya”, fue estrenada en 1742, es sin duda el mayor exponente del oratorio barroco y modelo para otros compositores posteriores.

La plenitud del género oratorio llegó a finales del siglo XVII con compositores como Alessandro Stradella y Alessandro Scarlatti, ellos introdujeron el estilo vocal del aria y los recursos instrumentales del concerto grosso, estos elementos fueron aprovechados por Johan Sebastian Bach para sus grandes creaciones, Haendel por su parte abandonó su carrera operística para dedicarse a las creación de oratorios como Esther (1735), Judas Maccabeus (1747) y sobre todo El Mesías (1742) la más célebre de sus obras.

Parte del aria Aleluya.

Escrita de puño y letra porGeorge Friederich Haendel.

https://enriquedeburgos.wordpress.com/2013/12/22/688/

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Los Castrati Del italiano castrato (castrado) y castrati en plural (castrados), era la forma en que se denominaba a los cantantes sometidos desde niños a la castración para conservar su voz aguda de soprano, mezzo-soprano o contralto. La castración consistía en la destrucción o extirpación del tejido testicular sin que, por lo general, se llegara a cortar el pene. Mediante esta intervención traumática, se conseguía que los niños que demostraban tener especiales habilidades para el canto mantuvieran, de adultos, una tesitura aguda capaz de interpretar voces características de papeles femeninos, esta práctica se popularizó en los años 400 D.C., la practica desapareció por un tiempo, pero en el siglo XVI reapareció.

Se dice que los castrati tuvieron una gran popularidad y llegaron a cobrar enormes cantidades de dinero por sus actuaciones. Algunos objetantes de esta práctica sostenían que castrar a un niño podría llevar a una muerte prematura. Para evitar que el niño experimentara el dolor intenso de la castración, a muchos se les administraban dosis letales de opio o de algún otro narcótico, o morían por estrangulamiento, al presionarles la arteria carótida en el cuello con la intención de hacerlos caer inconscientes durante el procedimiento de castración.

El régimen de los castratis era riguroso en Roma, consistía en una hora de cantar piezas difíciles e incómodas, una hora practicando trinos, una hora en ejercicio de passaggio, una hora de ejercicios de canto en presencia de su maestro y delante de un espejo a fin de evitar movimientos innecesarios del cuerpo o muecas faciales, y una hora de estudio literario, todo ello, además, antes del almuerzo.

En los años de 1720 y 1730, en el apogeo de la moda de estas voces, se estima que alrededor de 4.000 niños fueron castrados cada año al servicio de este arte. Muchos provenían de hogares pobres y fueron castrados por sus padres con la esperanza de que su hijo pudiera tener éxito y sacarlos de la pobreza (como en el caso de Senesino). Hay, sin embargo, registros de algunos jóvenes que solicitaron ser operados para preservar su voz (por ejemplo, Caffarelli).

Los castrati aunaban en su voz la ternura de un niño y la potencia y fuerza de un adulto. Fueron voces muy codiciadas y aplaudidas. Uno de los más famosos fue Carlo Broschi Farinelli. Farinelli adquirió una voz de maravillosa belleza.

Se hizo famoso en el sur de Italia como il ragazzo (el muchacho), Haendel llegó a componer varias obras para ser cantadas exclusivamente por él.

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Después de la unificación de Italia en 1861, la castración con fines musicales se hizo ilegal (el nuevo Estado italiano había adoptado un código jurídico francés que prohibía la práctica). En 1878, el papa León XIII prohibió la contratación de nuevos castrati por parte de la iglesia: solo en la Capilla Sixtina y en algunas otras basílicas papales de Roma se permitió a los castrati quedarse.

El fin oficial de los castrati llegó el día de Santa Cecilia, 22 de noviembre de 1903, cuando el nuevo Papa, Pío X, emitió un motu proprio, titulado Tra le Sollecitudini, en el que establecía el uso de niños en los papeles empleados para los castrati.

El último castrato sixtino fue Alessandro Moreschi, único que pudo realizar grabaciones musicales en solitario.7 Se retiró en marzo de 1913 y murió en 1922.

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“No tengo ningún deseo de convertirme en un artista de crossover, cantando con micrófonos. Creo en la ópera que es algo que los jóvenes amarían si tuvieran la oportunidad de escucharlo”.

Anna Netrebko Soprano Rusa

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EJERICICIOS PREPARATORIOS Y VOCALIZACIONES 92

Ejercicios de relajación y estiramiento Como ya hemos dicho, el canto es una disciplina física, por lo tanto, el cuerpo debe estar en buenas condiciones para cantar, la siguiente sección contiene ejercicios para el proceso preparatorio del canto, no es necesario hacerlos todos de una sola vez, pues son sugerencias, en el caso de los ejercicios de relajación y estiramiento se pueden realizan tanto al principio, como al finalizar la ruina de canto, recital o concierto.

Círculos de hombros: este ejercicio se puede realizar de pie o sentado; en una postura erguida y sin tensión, se realizan giros lentos y suaves hacia atrás, se repite el ejercicio girando hacia el lado contrario, se deben hacer al menos diez repeticiones por cada lado.

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Estiramiento de cuello: colocamos la mano en la cabeza y la llevamos lentamente ha hacia el costado contrario durante algunos segundos y repetimos lo mismo al otro lado.

Giro de cuello: consiste en girar lentamente la cabeza de manera horaria y contra horaria, no sobrepasar los diez giros por lado.

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Masajes faciales: Muy útiles para relajar la máscara o rostro que es la que al cantar expresa y articula, con la yema de los dedos, masajeamos y aflojamos las tensiones de las facciones, la sien y alrededor de los labios, como beneficio extra sirve para tonificar el rostro y mejora la apariencia del mismo.

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Masaje de mandíbula: colocamos la yema de los dedos por debajo de los pómulos, en la unión de la mandíbula móvil en inmóvil (precisamente en el área donde se marca el contorno al maquillarse) giramos hacia atrás y hacia adelante, se dan leves golpecitos en esa zona y debajo de los ojos, estiramos la boca hacia los lados sin exagerar y sacamos la lengua.

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Masaje en equipo: el coro en fila(s) gira hacia la derecha y masajean suavemente al compañero o compañera que tienen al frente (evitar el desorden) con la yema de los dedos en la zona de los hombros, con leves golpes en la espalda y la cintura, luego de al menos un minuto, todos giran hacia el lado contrario y repiten el proceso con otro compañero.

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Ejercicios de respiración En el suelo: si el espacio y las condiciones son propicias, este ejercicio pude ser muy provechoso, los cantantes en el suelo con un libro o tres cuadernos en la cabeza como almohada, se colocan las manos en el vientre, respiramos de manera natural y observamos cómo este se mueve, se observa lo incomodo que es respirar hinchando el pecho, este ejercicio es útil para recordar la manera correcta de respirar al cantar de pie o sentado.

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Relajación relámpago: inspirar profundamente y soltar el aire inmediatamente hasta vaciar los pulmones, sostener el cuerpo sin aire por un momento hasta que el cuerpo necesite inspirar de nuevo, repetir algunas veces, este ejercicio activa los pulmones, libera el exceso de estrés y tranquiliza.

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Susto: inhalar por la boca y abdominalmente como en un susto y exhalar siempre por la boca, este ejercicio es muy útil debido a que hay piezas musicales con pasajes muy largos y poco espacio para respirar donde es necesario hacer respiraciones bucales.

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El globo: inspiramos con suavidad durante un tiempo prolongado, vigilando que la respiración sea abdominal y soplamos como cuando inflamos un globo.

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Susto: inhalar por la boca y abdominalmente como en un susto y exhalar siempre por la boca, este ejercicio es muy útil debido a que hay piezas musicales con pasajes muy largos y poco espacio para respirar donde es necesario hacer respiraciones bucales.

Ejercicios del diafragma: “S” o “Ts”: inhalar por la nariz, retener el aire en el primer compás, exhalar haciendo los fonemas “S” o “Ts” de siguiendo las figuras rítmicas de la siguiente partitura, este ejercicio aparte de ser rítmico también fortalece el apoyo vocal y tonifica el musculo diafragmático.

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Gesticulaciones o expresiones faciales: más propiamente llamados ejercicios gesticulares.

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En voz alta: frente al espejo o frente a un compañero, a fin de corregir malas posturas labiales, se pronuncia lo siguiente • • •

Lalalala, Lelelele, Lililili, Lolololo, Lulululu.

Mamamama, memememe, mimimimi, momomomo, mumumumu.

Dadadada, dededede, didididi, dodododo, dudududu.

Una variante de este ejercicio es que se puede hacer cantado una nota por ejercicio, en ascenso y descenso.

Mandíbulas: mover el maxilar inferior hacia la derecha y sacar la lengua al mismo tiempo, repetir hacia la izquierda, 5 repeticiones.

http://granpausa.com/2017/01/24/ejercicios-mandibulares-musicos/

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El lápiz: colocar un lápiz en medio de los dientes, sostenido detrás de los colmillos, sin hacer presión en el lápiz a fin de procurar no dejarle marcas y tratar de articular palabras de algún poema, trabalenguas o cantar una canción, las palabras deben ser lo más claras posibles.

Un tip: para facilitar la pronunciación se puede reemplazar la letra “P” por “T”; “B” por “D” y “V” por una “F” suave, se debe tener algún pañuelo a la mano pues se genera bastante salivación.

https://www.abc.com.py/periodismo-joven/decir-trabalenguas-y-hablar-con-lapiz-en-laboca-sirven-para-mejorar-la-diccion-1634218.html

Ejercicios de exploración y resonancia El “hum” o “humming”: este es un ejercicio para explorar las vibraciones del rostro y consiste en hacer “HMMMMMMM”, también se puede explorar esta zona haciendo como si estuviéramos masticando un chicle, mientras mascamos, hacemos ese sonido.

https://www.wikihow.com/Hum

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Trino de labios: por medio del trino de labios podemos no solo masajear los labios, sino también al hacer sonidos ascendentes y descendentes podemos notar cómo por dentro nuestra voz explora los graves y agudos y cómo se “acomodan” dentro de nuestro aparato fonador; se realiza sujetando las comisuras con la yema de los dedos, apretando los labios y haciendo ruidos como de un carrito, una variante de este ejercicio es haciendo el sonido “TRRRRRRRR”.

Vocalización Vocalización 1: con ayuda de un piano, los cantantes hacen vocales o mono sílabos como: “ío”, “mío”, “mi”, “la”, etc. (queda a criterio del maestro la velocidad y valor de cada nota): Do – Re - Mi – Re – Do Re – Mi – Fa# - Mi – Re Mi – Fa# - Sol# - Fa# - Mi Fa – Sol – La – Sol – Fa Sol – La – Si - La – Sol La – Si – Do# - Si – La Si – Do# - Re# - Do# - Si Do – Re – Mi – Re – Do (Se puede tocar en de abajo hacia arriba) Vocalización 2: Con vos cantada, los estudiantes deben cantar la pieza nombrando cada nota musical por su nombre.

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Vocalización 3: usar los fonemas “a”, “i”, “o”, “iu”.

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Vocalización 4: utilizar los fonemas “io, io, io, io, i”.

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REPERTORIO SUGERIDO

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Repertorio sugerido: Canones y arias famosas (canto solístico)

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“La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso” Franz Liszt Compositor

Bibliografía y Videografía •García Illa, José. (2015) La Justa Entonación. El sistema para una afinación natural, apto para el siglo XXI. •Anónimo. (2018) Ejercicios Prácticos de respiración, Vlog https:// vocalstudio.es/2018/05/16/respiracion-ejercicios-practicos/ •Complete Vocal Institut. Técnica Vocal Completa. https://completevocal. institute/tecnica-vocal-completa/ •https://vokalo.es/blog/la-posicion-de-la-lengua-al-cantar#:~:text=La%20 forma%20m%C3%A1s%20f%C3%A1cil%20de,de%20la%20lengua%20 a%C3%B1adiendo%20sonido.

•https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_de_la_Edad_Media •https://www.free-scores.com/index_uk.php •https://www.himnosdealabanza.com/p/principios-basicos-para-cantar.

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Maestro Wolfgang Izquierdo.

Director de Orquesta Sinfónica de Opera del Teatro Real de Madrid.

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MODULO 4 ENGUAJE MUSICAL - BTVM 1.4

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Teoría de la música ¿Qué es música?

Es el arte de bien combinar las propiedades del sonido.

Estas propiedades del sonido son: • • • •

La altura del sonido La duración del sonido La intensidad del sonido El timbre del sonido

A contiuación presentamos la manera en que la música combina esta propiedades haciendo uso de símbolos y conceptos musicales, tomados de la siguiente fuente.

https://criscordero.wordpress.com/

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Otros Matices son: Acento métrico Acento tónico Acento dinámico El pulso (beat) Para entender como medimos el ritmo en música, primero hay que hablar del “pulso”; el pulso musical es como “el latido del corazón de la música”. Se trata de una serie de pulsaciones que se repiten de manera constante a lo largo de una pieza musical. Por ejemplo, cuando mueves tu pie al ritmo de una canción estás marcando el pulso de la misma. El pulso puede ser lento o rápido, pero es siempre constante y estable, a no ser que la música intencionalmente acelere o disminuya su velocidad.

El tempo (tiempo) se refiere a la velocidad del pulso, y se mide en cantidad de pulsos por minuto. Por ejemplo una pieza con un tempo de negra 120 tendrá un pulso más rápido que una con un tempo de negra 60.

Cuando encuentres en una partitura esta indicación q = 60 significa que el pulso es a 60 latidos por minuto o sea un pulso por segundo y si pusiera q = 120 significa que el pulso es el doble o sea 120 pulsaciones por minuto o lo que es lo mismo, 2 pulsaciones por segundo.

Ahora bien, a la velocidad del pulso la llamaremos “Tempo” y este tempo lo podemos encontrar indicado con un número, por ejemplo q = 60 como acabamos de ver, pero también lo podemos encontrar indicado con una larga serie de palabras italianas.

Estos pulsos son representados por las figuras musicales. En base a una métrica de 4/4.

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El Compás Compases e indicación de compás En la notación musical los pulsos se agrupan dentro de compases. Los compases están separados por líneas de compás.

La indicación de compás se escribe al principio de cada pieza musical. La misma está compuesta por dos números:

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El numerador (número superior) indica cuántos pulsos hay dentro de cada compás.

El denominador (número inferior) indica qué figura rítmica representará a cada pulso. Cuando este número es el 4 (cuatro) significa que cada pulso será de negra.

Cada figura tiene un número de equivalencia con el que se la representa en el denominador: Redonda = 1; Blanca = 2; Negra = 4; Corchea = 8; Semicorchea = 16; etc.

Por lo tanto un compás de 4/4 estará compuesto por cuatro negras o por cualquier combinación de figuras rítmicas que sea equivalente a cuatro negras; un compás de 3/4 por 3 negras, etc.

Compases de 4/4, 3/4 y 2/4 Como dijimos anteriormente, las maneras más comunes (no por eso las únicas) de agrupar los pulsos en cada compás es de a 4, 3 y 2, encontrándonos así con los compases de 4/4, 3/4 y 2/4 respectivamente. Seguramente te estarás preguntando cuál es la diferencia entre agrupar los pulsos de a 4, 3 o 2 por compás. Lo que sucede es que en cada compás tendremos diferentes acentuaciones, es decir que tendremos pulsos fuertes y pulsos débiles que se sucederán a diferentes intervalos regulares de tiempo.

En el compás de 4/4 el primer pulso será fuerte, el segundo débil, el tercero será levemente fuerte (no tanto como el primero) y el cuarto será débil.

En el compás de 3/4 el primer pulso será fuerte, el segundo débil y el tercero débil.

En el compás de 2/4 el primer pulso será fuerte y el segundo débil.

En resumen: 4/4: Fuerte, débil, medio, débil.

3/4: Fuerte, débil, débil.

2/4: Fuerte, débil.

Así es que en un compás de 4/4 estaremos escuchando el pulso fuerte cada 4 pulsos, en uno de 3/4 cada 3, y en uno de 2/4 cada 2.

Ritmo Los ritmos musicales son patrones y combinaciones de sonidos largos y cortos

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(así como de sus respectivos silencios) que se tocan sobre el pulso.

Sentís el pulso.

Tocás el ritmo.

Los ritmos musicales son representados por las diferentes figuras, cada una de las cuales ocupa diferente cantidad de pulsos, o una fracción de ellos.

Además, cada una de estas figuras tiene un silencio equivalente en duración.

A continuación podrás ver un gráfico con las figuras rítmicas, sus silencios y su duración en pulsos de negra.

Teniendo en cuenta el gráfico anterior podemos entender que un compás de 4/4 podría completarse con diversos ritmos, por ejemplo: con 4 negras; con 2 blancas; con 1 redonda; con 8 corcheas; 2 negras y 1 blanca, etc.

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EL PENTAGRAMA Y LAS CLAVES El pentagrama o pauta musical es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos musicales en el sistema de notación musical occidental.

Está formado por cinco líneas horizontales y cuatro espacios o interlíneas equidistantes que se enumeran de abajo hacia arriba. Las figuras musicales se colocan sobre las líneas o entre los espacios.

Las Claves Las claves musicales son el símbolo de referencia que utilizamos al principio de un pentagrama para señalizar qué nombre le daremos a las notas. La clave señaliza una línea específica del pentagrama que nos indicará un punto de partida. El resto de las notas cambiará su nombre en relación a ésta.

La palabra “Clave” viene del latín “Clavis” que significa “Llave”. La llave es un instrumento necesario para acceder a un sitio, en este caso, un símbolo que necesitamos para entender cómo leer las notas musicales.

Clave de Sol en tercera línea.

Clave de fa en cuarta línea

Clave de Do en tercera línea

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Combinaciones rítmicas y melódicas con puntillo en compases simples con sus correspondientes silencios.

El puntillo es una figura que aumenta la mitad de la duración del sonido de un valor, según la figura que lo precede.

Contratiempo y sincopa El contratiempo empieza acentuando una nota que está en un tiempo o parte de un tiempo DÉBIL, pero no se prolonga al fuerte. Por el contrario la sincopa si se prolonga al tiempo fuerte.

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Anacrusa En música, el término anacrusa hace referencia a la nota o grupo de notas sin acento que preceden al primer tiempo fuerte de una frase y que, por lo tanto, puede aparecen antes de la barra de compás.

Ligaduras Existen 2 tipos de ligaduras: Ligadura de unión cuando se unen dos o más notas de altura igual, con la finalidad de prolongar el sonido.

Ligadura de expresión, cuando se unen dos o más notas de diferente altura que se ejecutan con una sola respiración o sin cortar el sonido.

El Calderón El calderón es un símbolo que indica un reposo en una determinada figura musical, silencio o acorde. Alarga su duración por un tiempo indeterminado, que es elegido por el intérprete.

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Agógica La agógica se refiere a los aspectos expresivos de la interpretación musical mediante la modificación de su velocidad. Esta puede afectar desde una nota hasta una sección completa de una obra. A su vez es representada y comprendida mediante símbolos y términos en italiano, que nos indican la velocidad de un determinado pasaje musical o sección.

Existe una variedad de expresiones que se utilizan para indicar cambios repentinos o graduales de tempo. Para indicar un aumento gradual en el tempo, se puede utilizar la expresión accelerando (acelerando – abreviada accel.). Veamos un ejemplo:

Por otro lado, para disminuir gradualmente el tempo, se puede utilizar una expresión como rallentando o ritardando (retardar, o atrasar – abreviado rit.). Veamos un ejemplo:

Finalmente, si luego de atrasar o acelerar el tempo deseamos volver a la velocidad de ejecución original, se puede utilizar una expresión como a tempo o tempo primo (primer tiempo, o tiempo original). Veamos un ejemplo:

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El tempo, aire o movimiento es la velocidad con que se interpreta una obra musical.

Los términos de tempo son unas palabras de origen italiano que se colocan sobre el primer pentagrama de la partitura y nos dan una idea aproximada del tempo.

Términos Grave Larghissimo Largo Larghetto Lento Adagio Adagietto Andante Andantino Moderato Allegretto Allegro Vivace Vivacissimo Presto Prestissimo

Significados Indicaciones de metrónomo en BPM Muy despacio (pesado) Menos de 40 Muy despacio Menos de 40 Despacio (amplio) 40 - 60 No tan lento Lento 60 - 66 Lento (menos que el anterior) 66 – 76 Menos lento que el anterior Pausado 76 – 108 Poco menos lento que adagio Con moderación 108 – 120 Menos animado que allegretto Animado, aprisa 120 – 168 Vivo (más que allegro) 166 – 208 Más veloz que vivace Muy rápido, apresurado Más rápido que presto Más de 208

Términos de Matices Término Pianisssimo Piano Mezzo piano Mezzo voce Sotto voce Mezzo forte Forte Fortissimo Forzanso Sforzando Rinforzando Crescendo

Abreviatura pp p mp mez voc. (m.v.) sot voc (s.v.) mf f ff o fff fz sfz o sf rinf. o rfz cresc.

Significado Muy suave Suave Medio suave A media voz A media voz Medio fuerte Fuerte Muy fuerte Fuertemente acentuado Con violencia Reforzando Aumentar gradualmente

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Términos Grave Larghissimo Largo Larghetto Lento Adagio Adagietto Andante Andantino Moderato Allegretto Allegro Vivace Vivacissimo Presto Prestissimo

Significados Muy despacio (pesado) Muy despacio Despacio (amplio)

Indicaciones de metrónomo en BPM Menos de 40 Menos de 40 40 - 60 No tan lento Lento 60 - 66 Lento (menos que el anterior) 66 – 76 Menos lento que el anterior Pausado 76 – 108 Poco menos lento que adagio Con moderación 108 – 120 Menos animado que allegretto Animado, aprisa 120 – 168 Vivo (más que allegro) 166 – 208 Más veloz que vivace Muy rápido, apresurado Más rápido que presto Más de 208

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