Catalogo Mostra Andy VitaOltrePop by Comune di Alassio

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Assessorati Cultura e Turismo L’Assessore alla Cultura e al Turismo dott.ssa Monica Zioni

info: www.anglicana.alassio.eu chiesaanglicana@gmail.com

vitaoltrepop a cura di Nicola Davide Angerame

venerdì 22 aprile – 19 maggio 2011 Alassio Ex Chiesa Anglicana In copertina: px pop vespa dipinta interamente a mano In 4a di copertina: station to station acrilicofluo su tela - anno 2010 - cm. 80 x 80

un progetto whitelabs.culture in progress milano un ringraziamento particolare a www.fluon.it

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La mostra di Andy giunge a coronare una programmazione di mostre, presso la Ex Chiesa Anglicana di Alassio, che in oltre sei anni di intensa attività, protrattasi senza le classiche pause stagionali di cui soffrono normalmente gli spazi espositivi liguri, ha segnato la storia culturale di Alassio. L'arte di Andy ci parla di musica e televisione, di arte sacra e fumetti. La sua capacità di sintetizzare mondi lontani, attraverso l'uso di una pittura fluorescente che rappresenta, ormai, il suo marchio di fabbrica, lo rende un interprete privilegiato di un certo immaginario giovanile e di derivazione pop. Musicista di talento e di successo, Andy approda alla pittura molti anni fa ed è subito un successo. La sua capacità di attraversare le discipline e i generi lo rende un testimone prezioso di un'epoca in cui la creatività si allarga in ogni direzione, dimostrando che la passione e la voglia di fare non sono soggetti a limiti. Unico limite possibile è la qualità. Andy ha dimostrato di essere un pittore di qualità, raccogliendo consensi di pubblico e di critica, sostenuto dal plauso della committenza. Egli è anche un esempio per le giovani generazioni, che possono trovare nella sua libertà d'espressione e nel suo rigore produttivo lo stimolo necessario a perseguire con serietà i propri scopi e progetti. La mostra di Andy, fondatore con Morgan di una delle band che hanno fatto la storia del rock in Italia, i Bluvertigo, giunge a coronare questa ricca serie di mostre che prevede anche una performance musicale. Spesso l'Anglicana ha ospitato eventi al proprio interno, sovente prodotti ad hoc per le mostre in corso; è un altro aspetto non trascurabile della capacità propositiva di uno spazio culturale che nel corso di pochi anni ha saputo affermarsi, confermando che la cultura, specie nelle città dalla forte vocazione turistica come Alassio, non è un bene accessorio ma un motore di sviluppo economico e civico.

L’Assessorato alla Cultura dott.ssa Monica Zioni

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VITAOLTREPOP. Intervista con Andy di Nicola Davide Angerame Tu sei passato alla storia come co-fondatore dei Bluvertigo ma come nasce Andy pittore? Paradossalmente, sono accademicamente più illustratore che musicista, ho studiato da illustratore ed ho iniziato individuando un mio codice illustrativo fatto di campiture piatte e di bordature nere, fatto di sintesi delle forme e sintesi dei piani. Era qualcosa che facevo in modo spontaneo. Infatti volevo fare l'illustratore ed ho fatto una breve esperienza, poi è arrivata la musica. Come hai incrociato la musica? Conoscendo Morgan, che è stato il mio primo insegnante di armonia. Lui aveva avuto un percorso più accademico, di conservatorio. Quando siamo entrati in contatto nel 1988 io sono stato lo “sballacomplice”. In vent'anni di collaborazione non mai ho smesso di dipingere, comunque. Come si influenzavano reciprocamente la tua musica e la tua pittura? Mi è sempre piaciuto lavorare con i samples, con il campionamento. In pittura si tratta di campioni di realtà iconografica, ma il meccanismo è simile. Dipingo allo stesso modo con cui scrivo canzoni, colonne sonore o sonorizzazioni. Da dove nasce questa tua passione per il campionamento? Chi guardavi con interesse quando stavi iniziando? Kenny Scharf e quell'America del graffitismo e della street art che produceva la cultura underground. Mi piaceva come Scharf usava la rigenerazione del ricordo e delle forme traendo sintesi che poi sono finite nelle gallerie d'arte. Da piccolo seguivo anche Keith Haring, ma si tratta di nomi passati alla storia tra decine e decine di street artist che a quel tempo erano un sottobosco culturale. Oltre a loro c'erano anche Toxic, che ho avuto l'onore di conoscere un paio di anni fa. A prescindere del sogno americano, che non mi interessa, mi piace il fatto che che la cultura underground potesse diventare mainstream. Guardavi anche alla Pop Art, come fonte d'ispirazione? Magari Roy Lichtenstein, che allora una rivista d'arte aveva definito come il peggior pittore d'America? Sì, ho guardato molto alla sua arte come percorso operativo, anche se poi a livello d'ispirazione io mi considero un surrealista. Coltivo uno sguardo inconscio, in cui l'immagine è la risultante di codici onirici, anche quando sono spesso uniti alle immagini dalla televisione. Già, quanto ha influito la tv sul tuo percorso creativo? Tantissimo, ricordo che guardavo per ore il monoscopio, incantato dal suo fischio continuo. Ce l'ho scolpito nel cervello. Per un bimbo iperattivo e giocoso come me, la tv ha voluto dire cartoni animati. Li ho visti tutti ed ho

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fatto in tempo a vedere Gustavo, un cartoon polacco semplicissimo del 1974. Poi arrivò tutto il fermento dei manga giapponesi, con questi eroi che centrano poco con il mio modo di sviluppare la spiritualità, visto che non mi riconosco nella violenza. Però per me erano giocattoli giganti, mi affascinava come dall'essere umano potessero tirare fuori degli androidi giganti. Negli anni Ottanta poi arriva la pubblicità... Con la moda, la pubblicità esalta la bellezza femminile, che è una delle mie ossessioni maggiori. Ma la moda per me era altra cosa. Vedi, ci sono personaggi che unificano tutto iconograficamente, come i Kraftwerk. La loro copertina di Men Machine, con quelle camice rosse, pantaloni e cravatta neri, erano il punto massimo della moda per me. Anche il video Life on Mars di David Bowie lo era. Quella era la moda che mi interessava. Mi piaceva anche il lavoro impressionante che Thierry Mugler realizzava nelle sue sfilate: erano rappresentazioni sceniche incredibili, era teatro, luci, suoni, visioni. Issey Miyake aveva inventato tessuti microplissettati che potevi appallottolare; l'abito diventava una scultura per il corpo ed entrava nel mondo dell'arte contemporanea. Era questa la moda che mi interessava. Poi, del gessato di Dolce e Gabbana, chi se ne frega. Gli anni Ottanta sono stati anni molto caratterizzati, come è cambiato il tuo mondo dopo questi anni? Sento che una grande astronave è calata sul pianeta. L'intuizione di un singolo una volta poteva diventare pop, cioè popolare e riconosciuta da molta gente, perché rappresentava un'intenzione efficace portata avanti da un individuo che sintetizzava a suo modo il senso del bello ed in quel modo tanta gente si riconosceva. Oggi ci si siede a tavolino per capire il segmento di mercato, il target di pubblico e di possibili acquirenti, e poi capire cosa fare. L'intuizione viene dopo. È tutto più freddo e meno spontaneo? Anche nel mondo dell'arte è così. Vedi artisti che sono trattati come se fossero quotati in borsa. Anche nomi lungimiranti, alla Jeff koons, sono soggetti gli zeri. La quantità di zeri nei prezzi delle loro opere fa la differenza ancora prima di vedere il tipo di lavoro. Non è un lamento, il mio, ma una constatazione. Come vieni visto da fuori, quale identità prevale? Ne parlavo poco tempo fa con Jerome Sans. Nel mondo dell'arte la possibilità di avere il riconoscimento in diverse espressioni creative è diverso a seconda degli ambiti di provenienza. Se sei etichettato come musicista che fa il pittore sei un imbecille, mentre sei un pittore affermato e fai performance con la chitarra o la batteria allora sei un genio. Cos'è, una sudditanza della musica rispetto all'arte visiva? No, ma penso che l'arte goda di maggior credibilità. Guarda che differenza c'è in Italia tra il dare del “maestro” a un musicista oppure dirlo ad uno scultore. Hanno una risonanza tutta diversa. Mentre in America David Byrne è sempre lui, che faccia i Talking Heads o le sue installazioni d'arte.

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E qui tocchiamo un'altra figura per te significativa, immagino... Sì e con Bluvertigo lo abbiamo portato in giro per Milano. Ricordo che lo abbiamo portato a vedere Battiato in concerto. E lui? Era perplesso, Franco faceva una tournée molto coreografica con Sgalambro e una spiaggia per scenografia, con tanto di sdraio. Anche al concerto Byrne sembrava un iperteso con il cervello in continua azione. Immagino che Battiato sia stato un esempio per te, per la sperimentazione della musica elettronica... Ho percepito “Pollution” meno di quanto non abbia apprezzato “La voce del padrone”, che è l'opera omnia di Franco. Rendeva semplice qualcosa di complesso, era più forte di qualsiasi fase di sperimentazione. La tua pittura è segnata dall'uso dei colori fluorescenti, da dove nasce questa scelta? Da piccolo ero folgorato dai cartelli “affittasi” e “vendesi”. Dopo ho scoperto che con la frequenza di 30Hertz questi colori si accendono più di altri. E poi da adolescente giravo nelle discoteche e mi affascinava la lampada di Wood. Scoprire dopo come il cervello reagisce a questo tipo di stimoli ha prodotto una fascinazione potente. Come è nata Fluon? Vivevo con un amico Roberto Bottazzi, designer del gioiello, ed eravamo all'interno di questa casa scapestrata che era un perfetto luogo di lavorazione. Potevamo sporcare e provare qualsiasi cosa. Da questa esperienza, nel 1997 ho creato Fluon con Fabrizio Grigolo e Thim Veraldo, il mio manager. Fluon è una stazione creativa che si modula a seconda delle necessità. Può diventare un teatro di posa, uno spazio espositivo per creazioni e per performance di ogni tipo. Come quella che propongo in questa mostra, fatta con Fabio Mittino, musicista che appartiene alla scuola di Guitar Cratf fondata da Robert Fripp e basata su un rapporto diverso con la chitarra. La tua cultura si è formata durante la nascita della disco e poi con la club culture. Oggi frequenti ancora le discoteche? Sì, ma da dee jay. Mi piacciono le feste in posti in disuso. Oggi si trovano cose interessanti in giro, anche se rispetto a prima siamo in un periodo storico in cui la creatività musicale è boicottata, i locali sono soggetti a lobby burocratiche fatte di geometri e da coloro che rilasciano i permessi. Diventa frustrante. Non c'è interesse a divulgare la cultura musicale e il fastidio nei confronti della musica alta è prioritario rispetto al promuovere cultura. Come è iniziata la decadenza? Negli anni 2000 il cambio generazionale ha interrotto quella predisposizione alla ricerca del nuovo notavo quando da giovane ero in giro per i locali. Poi l'esigenza di club è cambiata: volevano vendere la birra e della musica non importava più, così via alle le cover di Ligabue o di Vasco. Colpa anche della televisione. Se da piccolo io sognavo di vedere Bowie o i De-

peche Mode su Videomusic oggi i più giovani hanno i tronisti e i reality come programmi di riferimento. Tu vivi a Monza, dove sei nato. Che rapporto hai con la città? In realtà vivo ai bordi di Monza, non è una città predisposta a chissà cosa. Però ho avuto la fortuna di frequentare la scuola d'arte. Era meraviglioso il clima energetico e il metodo didattico che avevano: era sperimentale e permetteva la complicità tra insegnanti e allievi. Ricordo che bigiavo la classe per usare il laboratorio della scuola dove sperimentare con le tecnologie, seguendo mie idee. Poi a Milano ho studiato all'Accademia delle arti applicate , illustrazione ma anche le tecnologie di stampa. La mia insegnante Luisa Bono mi disse, i bordi neri son una tua peculiarità. L'organizzazione è un aspetto importante del tuo lavoro multidisciplinare? Sono caotico e dispersivo, surrenale direbbero gli orientali. Ho vampate creative che tendono a disperdersi. Per questo avere a che fare con persone che organizzano mi permette di sviluppare progetti. Senza disciplina ne porterei a compimento uno su dieci. Nella tua vita ha avuto un ruolo decisivo anche il pattinaggio... Sì, quello artistico a rotelle. Sono stato insegnate di pattinaggio ed ho inventato un metodo per insegnare i rollerblade. Avere un impegno agonistico nell'adolescenza ti permette di avere dedizione e di studiare qualcosa nel dettaglio. È molto utile per quello che farai da grande. Che tipo è Andy? Un esibizionista, già da quando facevo il chierichetto a messa. Era un momento di show al massimo livello. Nel pattinaggio ho proseguito, mi piaceva essere solo in mezzo alla pista, che poi è lo stesso che mettersi in scena nei concerti o in una mostra. Mi piace l'idea di dover rendere al massimo nel momento in cui tutti gli occhi sono puntati su di te. Ma la pittura è anche molto intima, nel senso che si dipinge in studio da soli... L'arte è più duratura. Il concerto finisce, la mostra dura. È la messa in scena di quello che provi in studio, è aprirsi. Ma se devo dire, mi sento messo a nudo in pari modo nelle due attività. È una intensità psichica e chimica di pari grado. Spesso nelle tue opere usi l'ironia, quanto conta per te? L'autoironia è un ottimo modo per avere un percorso creativo ed esistenziale soddisfacente. Tutte le fuoriuscite dai pozzi neri che ho avuto, sono state esaltate dall'autoironia. Io sono coloratissimo ed espansivo, ma quando arriva la nube nera è terribile. Sono sensibile e seguo le pratiche orientali per ricentrare la mia energia. Ma l'autoironia la prendo molto sul serio, infatti sono spesso molto serio quando dico una “minchiata”.

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