AUTORES
ALEC SOTH BIOGRAFÍA Soth que era muy tímido, estudió en la universidad Sarah Lawrence en Bronxville, Nueva York. Le gustaba el trabajo de Diane Arbus. Realiza normalmente proyectos a largo plazo en el medio oeste. Su fotografía tiene una sensación cinemática con elementos de folklore que hacen alusión a una historia detrás de la imagen. Su trabajo tiende a centrarse en imágenes raras y banales de la América moderna y ha sido comparado con el de Walker Evans, Robert Frank y Stephen Shore. Cuando fotografía a gente, ocasionalmente se pone nervioso, y esta dificultad del fotógrafo conforta a la gente, cree. Cuando viaja, toma notas para describir los tipos de fotografías que quiere hacer: barbas, cazadores de pájaros, recolectores de setas, jubilados, maletas, gente alta (y especialmente flaca), dianas, tiendas, casas en árbol e hileras de árboles. Pide permiso para fotografiar a la gente y como utiliza a veces una cámara 8x10” de gran formato (construida por R.H. Phillips and Sons), consigue una atmósfera de relajación con la gente que fotografía. Intenta encontrar un “arco narrativo y una narración verdadera” y las fotos se van enlazando una con otras. Sus fotografías se han mostrado en numerosas exposiciones en solitario y en grupo, incluyendo los Bienales de Whitney 2004 y de São Pablo. Sus últimas exposiciones han sido en: Soth ha fotografiado para las revistas The New York Times Magazine, Fortune y Newsweek. En 2004 fue nominado en Magnum Photos y en 2008 se convirtió en miembro de pleno derecho. En 2010 fundó la editorial Little Brown Mushroom. En este año realizó un viaje al Reino Unido pero no consiguió un visado de trabajo y fue su hijita la que fotografió en Brighton. En mayo de 2011 cinco fotógrafos de Magnum (Paolo Pellegrin, JimGoldberg, SusanMeiselas, MikhaelSubotzkyy el mismoAlecSoth) y el escritor GingerStrand salieron de Austin, Texas, en furgoneta para llegar 2 semanas y 1.750 millas más tarde a Oakland, California. El resultado de este viaje ha sido un libro y una colección de objetos PostcardsFromAmerica. Para mí me ha hecho pensar en por ejemplo ¿Hasta qué punto crear algo nuevo? ¿Tomar referentes? Para Soth si creas algo nuevo, no consigues comunicar con nadie, ya que no forma parte de ningún lenguaje, estas inventando un lenguaje nuevo (como Tonkín crea un mundo nuevo un lenguaje quizás por esto tiene tanto éxito es algo que hasta entonces nadie había hecho) para este fotógrafo hay que partir de un lenguaje para poder comunicarse. Hay que trabajar con influencias, no huir de ellas. Aunque hay que encontrar tu propia voz aquello que te distingue de los demás, como a mi le daba miedo fotografiar personas así que empezó con alguien que no tenia prejuicios, los niños, porque se sentía menos intimidado
NAOMI HARRIS
BIOGRAFIA: Fotógrafa canadiense se internó en los pueblos más recónditos de EEUU donde encontró decenas de parejas que practicaban el Swing, donde parejas se intercambian para tener sexo o lo practican de forma grupal. Producto de esta investigación Nao mi Harris nació «América Swings» libro donde la fotógrafa agrupa las mejores imágenes eróticas de camas redondas (grupos) y algunos asistentes a 38 fiestas La artista dedicó más de 48 meses para reunir el material necesario y lograr ser aceptada en dichas reuniones privadas. La canadiense agregó que "las instantáneas están tomadas de cerca. Tanto, que las fotos muestran los rostros de los participantes en estado de éxtasis e incluso el aburrimiento o la indiferencia en pleno acto sexual, así como el estado de evolución de los juegos eróticos". Creo que no me gusta esta fotógrafa aun así he sacado del articulo el que pensara que todo proyecto debe tener un planteamiento, nudo y desenlace para mi importante a tener en cuenta, para ella cuando elige un proyecto tiene que tener algo que le haga aprender algo de ella misma y de lo que le rodea, Dice: lo que hace de las fotos algo diferente es un visión extraña del mundo, si lo vieras como los demás no haría fotos, quizás es más bien una manera de mirar ( Como Berger ) Al igual que Soth también habla de encontrar tu propia voz, nuevos temas, para mí este es el secreto que ha hecho que se hiciera famosa.
MARIO SORRENTI Mario Sorrenti nació en Nápoles pero pronto se trasladó a vivir a Nueva York. El mayor de tres hermanos -el pequeño de los cuales, Davide, falleció por sobredosis– e hijo de padres artistas, creció en un ambiente liberal en el que aprendió el valor de los cuerpos libres y desnudos. Precisamente el desnudo es un tema recurrente en sus fotografías: “Me encanta la anatomía humana y la manera en la que ésta puede expresar de una forma pura y completa”. Verdadero amante de la fotografía, Sorrenti asegura que en sus inicios “vivía y respiraba fotografía, estaba completamente inmerso en ella, se convirtió en mi vida y mi vida se convirtió en parte de ella”. Su carrera, que comenzó en los años noventa, no ha levantado ni un segundo el pie del acelerador. Las marcas más prestigiosas, de Hugo Boss a Nina Ricci, de MANGO a Giorgio Armani o Chloé, se han servido de su objetivo para crear campañas inspiradoras; ha disparado un Calendario Pirelli; y ha retratado a algunas de las personalidades más influyentes del presente para las portadas de las cabeceras más relevantes de todo el planeta. 1971Nace en Italia. Su madre es una publicista neoyorquina. Con diez años se muda a Nueva York.2004Inaugura la exposición DrawBloodforProof en la galería Andrew Roth de Londres.2007Participa en la exposición Face of Fashion de la NationalPortraitGallery de Londres.
Me sorprende que dice que se metió en la fotografía por su inmediatez ya que es un pintor ahora dice que ve la imagen al momento quizás incluso antes de hacerla yo también en mi juventud experimente con la pintura al oleo pero me desesperaba el tener que esperar a que se secara y descubrí esa inmediatez de la fotografía, este fotógrafo me parece de una exquisitez a la hora de realizar su trabajo, intenta ver las fotos como esculturas que plantean preguntas y las personas que las ven reaccionen instintivamente, todos elementos deben unirse y emocionar por eso todo tiene que tener una filosofía un algo detrás que sin decir cambie al espectador para mí esto es importante una foto o una pintura que deje impasible a la persona es una arte estéril.
BORIS ANDREÏEVITCH MIKHAÏLOV, El 25 de agosto de 1938 nació es un fotógrafo ucraniano que estudió ingeniería por lo que comenzó ejerciendo de ingeniero, sin embargo, se interesó por la fotografía aprendiéndola de un modo autodidacta y con 28 años realizó sus primeras fotos, dedicándose a producir fotografías. Tuvo que abandonar su trabajo de ingeniero al considerar la KGB como pornografía unas fotografías que había realizado de su mujer desnuda, por tanto desde finales de la década de los sesenta se dedicó de modo exclusivo a la fotografía. Su obra se encuentra próxima a una fotografía conceptual opuesta al realismo socialista que existía en la Unión Soviética; en sus series ha empleado escenificaciones, fotografías coloreadas o imágenes antiguas con un tratamiento nuevo. Entre 1968 y 1975 realizó una serie fotográfica conocida como la "Serie Roja" en la que utilizaba de modo predominante el color rojo al fotografiar a las personas y la vida en la ciudad 2 de Járkov. Entre 1971 y 1985 realizó una serie llamada Luriki que eran retratos de personas coloreados a mano en su mayor parte. En 1980 hizo una serie titulada Salt Lake en la que recogía fotografías de personas bañándose en una zona de vertidos industriales, realizada en blanco y negro con algunas viradas al sepia. En 1982 la serie Viscidity que eran fotos en blanco y negro que incorporaban textos. En 1993 la serie At Dusk evoca la evacuación durante la Segunda Guerra Mundial aunque recoge la vida de las personas humildes en Ucrania a finales del siglo XX; las fotografías están realizadas con un viraje en azul. En 1999 la serie Case History trata sobre la vida de las personas sin hogar. En 1997 recibió el Premio Albert Renger-Patzsch y en el año 2000 el Premio internacional de la Fundación Hasselblad, al año siguiente el Premio CITIBANK y el Premio KraznaKrausz al mejor libro.
Personalmente este auto me perece que habla sin tapujos mostrando que sucede en las calles a personas que lo ha perdido todo, con mucha crudeza.
WILLIAN EGGLESTON
William Eggleston (Memphis, Tennessee, 27 de julho de 1939) é um importante fotógrafo norte-americano muito conhecido por conseguir o reconhecimento da fotografia a cores como modo de expressão artística digno de exposição em galerias de arte. Nascido em Memphis, cresceu em Sumner, no estado de Mississippi. Os seus interesses na infância foram dirigidos para o desenho, o piano e a eletrónica. Com quinze anos ingressou no internato Webb school no Tennessee, que em 1954 dispunha de um ensino tradicional que dava pouca importância às atividades artísticas. Ao deixar a escola foi para a Universidade Vanderbilt, onde comprou uma câmara fotográfica e começou a fotografar em preto e branco, mas um ano depois ingressou na Universidade do Mississippi em Oxford. Nos seus primeiros trabalhos fotográficos foi influenciado por Robert Frank e pelo livro O momento decisivo escrito por Henri Cartier-Bresson. Embora começasse por trabalhar em preto e branco, em 1965 começou a experimentar a fotografia colorida; o seu trabalho parece ter-se desenvolvido com certo isolamento dos ambientes fotográficos, quando em 1969 conheceu John Szarkowski; a este chamou tanto a atenção o seu trabalho que chegou a propor a compra de algumas fotos ao comité fotográfico do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque. Em 1970 o seu amigo William Christenberry apresentou-lhe Walter Hopps, que era o diretor da Galeria Corcoran de Washington e que considerou muito inovador o trabalho de Eggleston. Entre 1973 e 1974 ensinou em Harvard e descobriu o processo conhecido como Dyetransfer através de um anúncio de laboratórios fotográficos, que ao chamar a sua atenção o fez ir ao laboratório com o intuito de averiguar como era o processo, tendo ficado impressionado pela saturação de cores e as qualidades das tintas. Uma das suas obras mais conhecidas realizadas por este processo tem o título The Red Ceiling, e também é conhecida como Greenwood, Mississippi, 1973. Eggleston considera-a uma das suas melhores obras. Em 1976 fez uma exposição no MOMA composta por 75 fotografias e que causou escândalo,[4] nessa época conheceu Viva (Janet Susan Mary Hoffmann) que era uma superstar de Andy Warhol, e com quem manteve uma longa relação. Este facto implicou que frequentasse os ambientes da arte pop, e segundo Mark Holborn, que o ajudasee a difundir o seu conceito de que qualquer coisa fica representada do mesmo modo pela ótica da câmara, conhecido como Democratic Camera, que também foi o título dado à mais importante exposição retrospetiva realizada sobre o seu trabalho. Um exemplo desta conceção da fotografia pode encontrar-se na sua obra The democratic forest na qual, como assinala Eudora Welty na introdução do livro, podemos encontrar objetos muito diversos: pneus velhos, aparelhos de ar condicionado desfeitos, máquinas de venda de Coca Cola, cartazes rasgados, postes de eletricidade, barricadas nas ruas, sinais de desvio, sinais de proibido estacionar, parquímetros e palmeiras; enquanto que qualquer espetador que se guiasse pelo título esperaría encontrar imagens limpas de árvores e correntes de água. Eggleston considera esta obra como um projeto de grande importância. Trata-se de um percurso que começa com uma fotografia de nuvens tirada em Mayflower County, finalizando com outra noturna em Saint Louis. Também publicou outro trabalho intitulado Kiss Me Kracow baseado numa viagem pela
Europa com fotografias feitas em Berlim, Viena, Salzburgo ou Graz; e outro sobre o Egito. Em 1998 recebeu o Prémio internacional da Fundação Hasselblad e em 2004 recebeu o Prémio PHotoEspaña Baume et Mercier. Em agosto de 2005 estreou um filme documental chamado William Eggleston in the Real World.
Es cierto que debemos dominar la técnica algo que personalmente me cuesta y también que debería de estar siempre haciendo fotos… cuando habla de que se reunía con otros fotógrafos para mirar las fotos de unos y otros me parece entrañable y una lección de que entre ellos no competían, el no pensar en que opinaran cuando vean mis fotos.