Revista CREARTE

CREARTE ARTE Y ARQUITECTURA

MARCEL DUCHAMP

UN ÍCONO MODERNO

BAUHAUS

ESCUELA Y ARTE

KOONS

¿ARTE MODERNO?

ARTE MODERNO CONTEMPORÁNEO

VS

EL REGRESO A DOS ÉPOCAS ARTÍSTICAS Y SU INFLUENCIA MUTUA ATEMPORAL.

EDITORIAL | Por Carlos Mendoza C. El arte y la arquitectura son disciplinas que se han explorado incluso desde el inicio de la existencia del mismo ser humano. Ambos se ven marcados por tendencias sociales, fenómenos tecnológicos, políticos y sociales y tal es su impacto, que cambia nuestras formas de vida y de pensar.

Es necesario conocer cómo nuestra cultura evoluciona en la misma forma en la que lo hacen otros aspectos de la vida social. En esta revista se aborda la historia desde el siglo XVIII, hasta la comparativa y discusión con la época contempoeráneo, y se pone en contexto a Jeff Koons y Marcel Duchamp como dos de los representantes más populares de los movimientos modernos y contemporáneos.

DIRECTORIO | Director General | Carlos Mendoza Cuateco.

CONTENIDO |

EL BOOM MODERNO

VANGUARDIA Y ESTILO

UNA NUEVA ÉPOCA

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REVOLUCIÓN INDUSTRIAL

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DEL ARTE A LA ARQUITECTURA

ARTE EVOLUCIÓN Y TÉCNICA UN ÍCONO MODERNO LA BAUHAUS VANGUARDIAS KOONS ¿ARTE MDOERNO? ARTE MODERNO VS. ARTE CONTEMPORÁNEO

MÉXICO MODERNO Y CONTEMPORÁNEO

EL BOOM MODERNO

revolución INDUSTRIAL

E

l surgimiento del Arte Moderno se da a raíz de fenómenos diversos, entre ellos los de carácter social y tecnológico.

El Arte Moderno representa un conjunto en evolución de las ideas entre un número de pintores, escultores, escritores y artistas que, tanto individual como colectivamente buscaban nuevas aproximaciones al quehacer del arte. Aunque el arte moderno comenzó en retrospectiva, alrededor de 1850 con la llegada del realismo, los enfoques y estilos del arte moderno fueron definidos y redefinidos a lo largo del siglo XX. Los practicantes de cada nuevo estilo estaban decididos a desarrollar un lenguaje visual que fuera original y representativo de los tiempos. A continuación, podrás seguir conociendo acerca de este arte.

Se denomina arte moderno a una corriente de renovación artística

desarrollada a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, siendo el más prolífico de toda la historia del arte.

Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente, con un carácter internacional.

El arte moderno o el Modernismo es un concepto muy singular ya que tiene diferentes ámbitos en el mundo del arte sobre todo en la estética, en la historiografía, en la teoría de lo que es el arte y en el mercado. Y es que este tipo de artes pretende hacer una distinción entre la parte productiva del arte que estará identificada con unas determinadas definiciones de modernidad, es decir, para que lo entendáis mejor por ejemplo el arte académico hace una representación de todo lo tradicional del arte, mientras tanto este estilo de arte experimenta para sacar cosas innovadoras.

El surgimiento del Arte Moderno se da a raíz de fenómenos diversos, entre ellos los de carácter social y tecnológico.

EL BOOM MODERNO

ARTE D

esde 1830 en adelante se había extendido en Francia, y desde allí internacionalmente, un estilo de arte religioso al que el escritor Leon Bloy dio el nombre de “sulspiciano”. El término hacía referencia a la plaza ubicada frente a la iglesia de Saint-Sulspice en París, lugar en el que se comerciaban imágenes fabricadas industrialmente, sin gusto artístico ninguno y portadoras de una sensiblería que restringía la experiencia religiosa.

Estas imágenes, por otra parte muy populares, eran la expresión última de la decadencia en que había entrado el arte sacro. El “sulspicianismo” es un término que quedó acuñado para referirse a un estilo de representación religiosa convencional, de rasgos sentimentales y de falso dramatismo. El estilo “sulspiciano” estaba presenta en la iconografía de los lugares de culto y también en las imágenes usadas en la piedad privada. Los intelectuales católicos veían en él un síntoma de la pobreza estéti-

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evolución y técnica Se suscita la creación de nuevos movimientos en el ámbito de los artistas católicos, abriendo puertas al arte moderno. ca del arte sacro del momento. Por otra parte, tanto en la arquitectura como en las demás artes eclesiales, se buscó un modo de paliar la situación recurriendo a un revival de estilos anteriores (neo-gótico, neorománico, neo-bizantino). Mayoritariamente los edificios religiosos creados fueron recomposiciones eclécticas de elementos copiados de estilos antiguos.

A principios del siglo XX escribía Paul Claudel, que la decadencia del arte sacro provenía del “divorcio entre la fe y las fuerzas de la imaginación y la sensibilidad”.

Esta situación suscitó la creación de nuevos movimientos en el ámbito de los artistas católicos.

De entre ellos el que poseyó una influencia más perdurable fue la asociación L’Arche: la idea del arca de Noé que en medio del diluvio busca salvar lo que hay de vital en el mundo. La asociación fue creada en 1917 y perduró hasta 1934. Se caracterizó por crear, desde el comienzo, una base teórica y doctrinal. De entre sus fundadores, las personalidades más influyentes fueron Maurice Storez y el pintor Maurice Denis.

Posterior a estos enunciados del arte religioso y cómo empieza a generarse su evolución desde las piezas industrializadas que se elaboraban, también se genera el movimiento de los conceptos artísticos que rechaza la tradición y la academia, surgiendo ícono de los conceptos, que eventualmente impactan en disciplinas como la arquitectura y el diseño.

Los conceptos más significativos son la abstracción y los ready-mades.

El concepto habría sido acuñado por el mismo Duchamp en 1915, y lo definía como el proceso a través del cual se titulaban artísticamente objetos producidos industrialmente, con una mínima o ninguna intervención, elevándolos de esta manera a categoría de «obra de arte», porque según él, «arte es lo que se denomina arte» y por lo tanto, lo puede ser cualquier cosa.

Un ready-made es un objeto sacado de un contexto original, desfuncionalizado y convertido en arte, construido para forzar al espectador a pensar. Otros conocidos ready-mades duchampianos serian La fuente (1917), que firmó con seudónimo, provocando revuelos en la crítica que suponía dañinos este tipo de actuaciones por plantear problemas semánticos y cuestionar las categorías estéticas tradicionales en vez de un objeto creado por el artista, el público «admiraba» uno ya fabricado.

ARQUITECTURA La arquitectura es una disciplina que también se vió marcada por el cambio de técnicas y estilos a raíz de la revolución industrial, una de las principales razones fue el empleo de nuevos materiales como el acero y el cristal, que permitieron tener propuestas constructivas que nadie se habría imaginado poder lograr con los métodos antiguos y/o convencionales como el uso de estructuras de piedras.

Edificios como los invernaderos ingleses, fueron de los primeros en hacer uso de dichas tecnologías, los cuales no sólo pretendian mostrar la nueva estética alcanzable, sino también nuevas formas de cuidar la salud de los seres humanos.

De esa forma, la arquitectura también empezó a apegarse a corrientes de higiene y salud, incluso teniendo bases técnicas y científicas.

Así es como se dió la evolución de una disciplina creativa desde el siglo XVI.

EL BOOM MODERNO

un íconoMODERNO

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arcel Duchamp es considerado el artista más influyente del siglo XX. Se adelantó al arte conceptual, elevó el objeto cotidiano a categoría de arte y cambió radicalmente la idea de la belleza. En realidad, era un gamberro, un punk que convirtió una broma en el dogma que hoy sigue la aborregada comunidad artística internacional.

Impresionista a los 16 años, fauvista a los 19 y cubista a los 24, al final este iconoclasta encontró su voz como forajido, un terrorista que acabaría encontrando en el dadaísmo su libertad y la forma de reírse de todo y de todos, incluido él mismo. Este movimiento, condenado a su autodestrucción, trataría por todos los medios (sobre todo con ironía, absurdo y mala hostia) acabar con el

Marcel Duchamp: El artista más influyente del siglo XX. Se adelantó al arte conceptual y cambió la idea de la belleza.

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arte narcotizado de las instituciones.

Duchamp se olió que la pintura estaba muerta, pudriéndose en los museos/mausoleos, y descubrió la belleza en lo coyuntural, lo fugaz y lo superficial (algo que desgraciadamente es lo que prima en estos días). Pintando bigotes a la Gioconda descubrió que quizás estaba mejorando al original.

En 1914, Duchamp crea los ready mades, objetos cotidianos separados de su entorno habitual y presentados por el artista como obras de arte. A partir de entonces el arte ya no se veía con los ojos, sino con la mente.

Resultó que la belleza podía estar en otros sitio. También creó otras formas de arte hoy institucionalizadas: instalaciones, museos portátiles, performances, happenings que persisten en nuestros días.

VANGUARDIA Y ESTILO

LA BAUHAUS

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l hablar del legado que dejó la Bauhaus, la escuela que reunificó disciplinas como la escultura, la pintura, las artes aplicadas y manuales, logrando cambiar la historia del arte y el diseño, se suele destacar a grandes figuras como Wassily Kandinsky, Paul Klee, László Moholy-Nagy y Ludwig Mies van der Rohe. Sin embargo, pocas veces se menciona a esa generación de mujeres que también representaron un hito: Marianne Brandt, Lucia Moholy, Anni Albers y Alma Buscher, por mencionar a algunas.

Aunque en 1932 cerró tras el ascenso del régimen nazi, su legado fue llevado a otras partes del mundo y llegó a distintas disciplinas, desde la danza, hasta el teatro, la pintura, el diseño y la arquitectura. Significó un salto a la modernidad por la conjugación de la tecnología con el arte.

Ejemplo de ello es la casa Schminke, en cuya arquitectura está presente la influencia de las enseñanzas impartidas en la Bauhaus; el Hufeisensiedlung, un complejo de dos mil viviendas que fue reconocido como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 2008 y cuyo creador fue Bruno Taut; y la Torre Einstein, de Erich Mendelsohn, en el caso de la arquitectura.

También fueron importantes los diseños funcionales como las lámparas Anglepoise, las pantallas de aluminio orientables, sillas y juegos de ajedrez.

En la danza y las artes escénicas, por ejemplo, el trabajo de Oskar Schlemmer con su Ballet Triádico, fue crucial para romper las barreras con otras disciplinas. En la obra, tres bailarines ejecutan doce coreografías de forma alternativa, utilizando 18 vestuarios elaborados con materiales pesados y rígidos como el metal. Este trabajo, que se presentó en 1922, fue inspiración para artistas como David Bowie, décadas después.

Así, la Bauhaus y la corriente que representó durante el siglo XX, ha tenido una influencia significativa incluso hasta inicios del siglo XXI en disciplinas como arquitectura, diseño industrial, diseño textil, cinematografía, entre otras.

Despachos que aún se dedican a trabajos multidisciplinarios forman parte de las disciplinas artesanales creadas por la Bauhaus y las vanguardias modernas.

La escuela que reunificó disciplinas como la escultura, la pintura y artes aplicadas.

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VANGUARDIA Y ESTILO

vanguardias Las vanguardias arquitectónicas destacaron por su componente visionario en el futurismo y el expresionismo

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os avances formales y técnicos de la arquitectura del s. XX son, pese a las revoluciones materiales de este siglo, indisociables de los progresos efectuados en los dos anteriores. Desde la Revolución Industrial se venían produciendo numerosas mejoras técnicas: se mantenía el uso del ladrillo, la piedra o la madera, pero estos materiales tradicionales comenzaron a ser utilizados de forma más personal y libre por los arquitectos.

A ellos se unieron otros nuevos: el hierro, el cristal, el hormigón, el zinc o el acero, cuya distribución y empleo obedecía también a principios novedosos. La maquinaria que aplicaba tecnologías de reciente aparición permitía que estos nuevos materiales resistiesen mejor, aparecieron además escuelas especializadas en arquitectura contemporánea y el aumento de la población y de los movimientos migratorios ocasionó el surgimiento de

nuevas ciudades, con la consiguiente construcción de nuevos edificios públicos y privados e infraestructuras.

En arquitectura, los primeros movimientos de vanguardia destacaron por su componente visionario (en relación con el futurismo y el expresionismo), su rechazo a la decoración, tal y como había defendido Adolf Loos, y su maquinismo ingenieril a veces utópico: la primera arquitectura vanguardista a veces puso más empeño en la gestación de proyectos soñados, dibujados sobre el papel, que en la materialización de los prácticos.

Podemos considerar que el primer país donde se dejó notar la vanguardia arquitectónica fue Italia, por el peso allí del movimiento futurista. Centroeuropa le seguiría los pasos.

Cubismo y futurismo contribuyeron a generar espejismos entre lo que se pintaba y lo que podía construirse, aunque el cubismo fue aún más utópico que el movimiento de raíz italiana, porque solo pudo manifestarse en pinturas y esculturas, nunca en arquitecturas o planes urbanísticos. No obstante, hacia 1911 los intelectuales checos conocedores de la arquitectura de Otto Wagner y de la pintura cubista parisina debatían y ensayaban en Praga los posibles nexos entre los objetos que se com-

ponían y descomponían de Braque y Picasso y las relaciones espaciales, fijándose también en Delaunay.

Algunos arquitectos desarrollaron edificios con cierta influencia cubista y también del gótico tardío, en este último caso presente sobre todo en cerramientos abovedados que permitían estructuras casi abstractas. También se inspiraron en el sentido decorativo del Art Nouveau.

Los almacenes de la Virgen Negra de Josef Goár (1911-1912) destacan por su fachada, interrumpida por acristalamientos en sus tres pisos.

Juega con formas prismáticas, generando luces y sombras visibles en la calle, sobre todo cuando caen los rayos del sol, dando lugar a efectos ópticos de descomposición. También se acristalaron su buhardilla y su puerta de entrada, cuyas columnas presentan capiteles de esquema prismático.

El edificio se construyó en hormigón y prescindiendo de decoración.

Los Apartamentos Hodek de Josef Chochol (1913-1914) se modelan a través de cubos y prismas, enteramente mediante líneas horizontales y verticales. Sus ventanas son también hexagonales y la cornisa, dentada, se remata con formas de diamantes que introducen la impresión de dinamismo. En el interior, las habitaciones poligonales tambiénson cubistas.

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UNA NUEVA ÉPOCA

KOONS ¿ARTE MODERNO? La celebración teórica de Duchamp a través de la obra de Koons. Diferente época

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n 1913, cuando Duchamp inició su investigación sobre los “escaparates […] que ocultan […] el coito a través de un cristal” comenzó a explorar la relación entre la sexualidad y la cultura de la mercancía.

Lo más importante, sin embargo, es que elaboró una compleja construcción teórica que desafió las nociones de identidad y estableció una nueva ontología del arte.

Muchas de estas mismas ideas reaparecen, ampliadas y transformadas, en la obra de Jeff Koons, quien, desde finales de los años setenta, ha contemplado un mundo semejante de deseo que se encuentra en los escaparates y en los objetos producidos en masa, creando su propia filosofía emergente en la que la culpa y el placer se alinean con los sueños de movilidad social y emancipación de clase.

La exposición, específicamente, ilustra la transición del ready-made al facsímil y describe una “erótica de las cosas”, según teorizaba el historiador del arte David Joselit, que tanto Duchamp como Koons exponen en sus objetos y réplicas hiperrealistas.

La adopción de la tecnología como metáfora sexual es otra preocupación que tienen en común, ya que el trabajo de ambos artistas a menudo coquetea con el atractivo sexual de lo inorgánico. El erotismo, el género y el desafío a las normas éticas impuestas también son centrales en su trabajo, en especial en lo que se refiere a los temas sexuales más explícitos que tanto Duchamp como Koons han empleado para delinear las nuevas anatomías del deseo. La tercerización de la mano de obra y la construcción de la identidad del artista como personaje público son otras similitudes recurrentes, y ambas estrategias dan por resultado formas parecidas de desapego y alejamiento, una nueva “belleza de la indiferencia”, como la llamó Duchamp.

UNA NUEVA ÉPOCA

VS.

VS.

arte moderno arte contemporáneo

El arte moderno fue un cambio de actitud técnica; la abstracción ideológica llegó con la época contemporánea.

ARQUITECTURA ¿Sabías que? En arquitectura, a diferencia de como sucedió en el arte, la transición entre estilos modernos y estilos contemporáneos fue muy marcada debido a la corriente pos moderna, que se dió despues de la segunda guerra mundial. Este movimiento se caracterizó por tener propuestas formales muy opuestas a la sobriedad del estilo internacional.

¿

Cuál es la diferencia entre arte moderno y contemporáneo? La mayoría de nosotros suponemos que da igual, ¿que son simplemente 2 palabras que significan lo mismo, no? Pensamos que todo lo que vemos que no es clásico, es moderno o contemporáneo, o algo así.... La realidad es que ese no es el caso, y justo saber esa pequeñita diferencia es CLAVE para entender el arte que vemos desde el siglo XIX hasta hoy.

La gran diferencia entre moderno y contemporáneo es el periodo en el tiempo en el que se hizo la obra y por ende su intención.

El arte moderno empieza en 1870 en París. Como ya les contamos en nuestro primer post (101: Introducción al Arte Contemporáneo), antes se pintaban temas de historia, religiosos, héroes, o mitológicos. Los colores eran oscuros y se pintaba dentro de un estudio únicamente. El primer movimiento del arte moderno fue el Impresionismo, lo que marco este periodo es que se empezaron

a pintar temas del día a día, madres con sus hijos, paisajes, bailarinas, animales y al aire libre, rompiendo la tradición de pintar en el estudio.

Estos cuadros tenían mucha luz y colores claros.

El arte moderno fue un cambio de actitud para pintar nuevos temas y de nuevas maneras nunca enseñadas en las escuelas de arte. El arte contemporáneo con el Expresionismo Abstracto fue el primer movimiento creado en Estados Unidos. Este movimiento fue creado por los artistas de Europa que salieron escapando la segunda guerra mundial. Gracias al arte contemporáneo, Nueva York se volvió el centro del arte y del mundo, desplazando a París de dicho puesto.

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UNA NUEVA ÉPOCA

DEL ARTE A

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l arte moderno marcó la gran ruptura con los modelos tradicionales a los que estaba dirigido el arte en el siglo XIX, en el siglo XX el mundo sufre una serie de cambios como revoluciones sociales, enfrentamientos bélicos y el hundimiento del humanismo que provocan angustia al hombre industrializado y por lo mismo una nueva perspectiva de la vida, se habla de la vida cotidiana. Tres tendencias o corrientes artísticas son las que caracterizan a este movimiento: el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo.

El Cubismo El cubismo constaba en representar de manera abstracta un objeto que tuviera diferentes interpretaciones visto desde múltiples ángulos, se rechaza la perspectiva y el movimiento y los elementos primordiales son la línea y la forma.

Gran exponente, el pintor Pablo Picasso; el cubismo se vio reflejado en la arquitectura mediante el uso de sus principales elementos como paleta monocromática, ambigüedad entre cerca y lejos, planos que se superponen y desplazan etc.

Le Corbusier Le Corbusier fue bautizado como el Picasso de la arquitectura porque marcó un cambio en las formas de vida, se acercaba a las formas expresionistas y tomaba en cuenta las emociones humanas en sus obras, la enciclopedia de la arquitectura la plasma en cada una de sus obras y se convierte en el máximo representante de la arquitectura exacta del mundo moderno.

El arte moderno rompió con modelos tradicionales a los que estaba dirigida la arquitectura en el siglo XIX. Abstracción y arquitectura Actualmente en el siglo XXI, la arquitectura ha tomado una postura muy diferente, el cubismo nos hablaba sobre interpretaciones desde diferentes ángulos, vivencias y armonía, la vida cotidiana. Hoy en día la abstracción se está comiendo la esencia de cada proyecto, cada uno tiene su propia forma, es auténtico pero no es armonioso con el entorno en el que se encuentra, esas reglas tan exactas del cubismo se pierden y cada quien hace las reglas que le convienen, la majestuosidad y el trascender son los objetivos principales de la arquitectura contemporánea, no estoy hablando de un arquetipo de arquitectura sino que los proyectos actuales tienen que ver con la calidad, tienen que ver con la dedicación, esfuerzo y talento de cada uno de sus creadores.

Caos y Arte Gran exponente, Marcel Duchamp; en la arquitectura contemporánea claramente dadaísta, Frank Gehry, la imperfección de sus edificios muestran una perfección extraordinaria, un caos de formas que toman partido en una forma perfectamente planeada y llevada a cabo sin errores ni malas experiencias al espectador.

Esta es la arquitectura que estamos

LA ARQUITECTURA esperando en el siglo XXI, formas orgánicas con una razón de ser, que formen parte de un todo armónico y no una simple figura rara y sin forma sin ninguna connotación excepto la majestuosidad o la autenticidad del edificio. Gehry en un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas, la calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, donde se reconoce enteramente la armonía y el diseño estructural.

Gran exponente, el pintor Salvador Dalí; en la arquitectura contemporánea estamos en el apogeo del surrealismo, cada arquitecto trata de expresar de manera abstracta un sentimiento o una idea mediante sus proyectos, no importa lo extraños que se vean o lo poco que se entiendan siempre y cuando sean monumentales; estamos en un mundo de arquitectos egoístas que teniendo todas las bases de una arquitectura armónica, solo piensan en destacar por “innovar” y no por ser eminencias en su especialidad sea artística y de diseño.

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UNA NUEVA ÉPOCA

MÉXICO moderno y contemporáneo

E El boom que está viviendo México en expresiones artísticas es histórico y tal vez no se veía desde los muralistas.

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l boom que está viviendo nuestro país en expresiones artísticas es histórico y, en particular en el arte, tal vez no se veía desde los muralistas o desde el movimiento de ruptura. La cantidad de artistas, museos, ferias y galerías dedicadas al arte contemporáneo lo demuestran. También lo hacen el renacer de museos tan importantes como el Museo Tamayo, o la apertura del MUAC y el Museo Jumex; o que museos como el Museo de San Ildefonso, dedicados al arte clásico o moderno, permanentemente tengan muestras de los mejores artistas contemporáneos internacionales; o el hecho de que Zona Maco se haya convertido en la feria de arte contemporáneo más importante de Latinoamérica. Todo ello suma a que el panorama artístico de nuestro país se encuentre en uno de sus puntos más boyantes y creativos.

Dentro de este panorama, te damos a conocer a 10 de los artistas que han contribuido a este esplendor, que están llevando el nombre de México a los museos y galerías más impor-

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tantes del mundo y cuyas propuestas están también influyendo en artistas de todo el orbe.

Gabriel Orozco Sin duda es el artista más importante del panorama contemporáneo actual; el más influyente tanto a nivel nacional como internacional, así como el más representativo de nuestro país y el más reconocido en el exterior.

Sus estudios sobre geometría, su búsqueda de belleza en los patrones del azar, su nomadismo en búsqueda del encantamiento, sus esculturas, fotografías e instalaciones, que han sido expuestas en los museos más importantes del mundo, desde el MoMa en Nueva York hasta la Tate Modern de Londres, son la muestra de un artista en constante reinvención de sí mismo. Mesas de billar ovaladas, esqueletos de ballenas, recuerdos de infancia dispuestos en un orden preciso o cajas de zapatos vacíos son algunas de las obras que le han dado renombre. Son memorables también las reuniones en su casa donde otros artistas (de los que hablaremos aquí)

MUSEOS MEXICANOS El MNA es parte de los museos con categoría Nacional bajo la custodia del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) y el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH). Cuenta con un total de 23 salas, 12 de las cuales están dedicadas a presentar la historia prehispánica del país, desde la llegada del hombre al continente americano, hasta el último desarrollo cultural en las distintas áreas de Mesoamérica antes del arribo de los españoles: mexicas (o aztecas), toltecas, mayas, teotihuacanos, y diversas culturas de Oaxaca, de las costas del Golfo, de occidente y del norte. Las 11 salas restantes, dispuestas en la planta alta del edificio, ofrecen una completa visión de la etnografía del país. Aunque la totalidad del museo es recomendable para su visita, son particularmente importantes los recintos dedicados a las culturas maya y mexica por la calidad y belleza de sus piezas.

como Damián Ortega, Cruzvillegas o el Dr. Lakra se reunían para replantear el arte en México y el mundo. Y lo están logrando.

Abraham Cruzvillegas De la misma generación prodigiosa que Gabriel Orozco, la obra de Abraham Cruzvillegas se caracteriza por la búsqueda constante de replantear y recontextualizar objetos cotidianos y materiales aparentemente de deshecho, en nuevos contextos que le permiten entablar un diálogo distinto con el espectador.

Cuando expuso en la Tate Modern reconstruyó, dentro de ella, un lote baldío. Así, sus instalaciones siempre ponen en duda la noción de la obra acabada, y tienen algo de artesano, de prototipo, de encofrado que servirá de esqueleto para la escultura final, lo que le permite una mayor cantidad de lecturas y puentes con el espectador.

Damián Ortega Tal vez uno de los artistas contemporáneos más provocativos, trasgresores y difíciles de clasificar, que ha hecho de la atomización y la deconstrucción un arte. Hizo que el mundo del arte pusiera los ojos en su

obra después de la Bienal de Venecia del 2003, donde desfragmentó por completo cada una de las partes de un bocho y las suspendió en el aire. A partir de ahí ha seguido esos experimentos atomizadores para teorizar sobre las partes de las que está compuesta la realidad: su relativismo o unión. El todo y la nada en tensión.

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