CLONE.45

N45. NOV/DIC 10.

FREE ISSUE. REVISTA GRATUITA

The hairy view

Los suyos no pretenden ser el recipiente inconsciente del terror más instintivo. Tampoco un elemento facilón y lacrimógeno. Sus niños peludos, estos “Hairy children”, no son sino un retrato deformado de los infantes de hoy en día. Como en el espejo del Callejón del Gato valleinclaniano estos James, Rose, Mary, Jackson, Peter... No pretenden nada y, sin embargo, consiguen bastante. Tanto como que tus ojos no puedan apartar la mirada, que tu cerebro busque una respuesta a este atropello visual y que, sin saber muy bien la respuesta, te contentes con creer que lo has entendido. Y es que, ¿son estos niños víctimas o verdugos? Más info en: www.eriksandberg.net

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FESTIVALES

START clone.45 - nov.dic 2010 “MONSTER”

13 FESTIVAL INTERNACIONAL ZEMOS98:

ART FUTURA 2010

“PROGRESA ADECUADAMENTE”.

SEVILLA. DEL 4 AL 10 DE ABRIL DE 2011.

Ni es un forward, ni es un rewind, es sólo un pause. O mejor aún, un rec. para escuchar lo que pasa cuando no pasa nada. Dejando a un lado las revoluciones por minuto, la nueva edición de Zemos98 viene cargada de una especie de halo filosófico, o mejor dicho de cierto espíritu demandante. Y es que, después de tanta inmediatez, interconexiones, intermediaciones, transversalidad, redes y demás, ¿qué queda? Puede que sean las aguas revueltas de los últimos años, o la toma de conciencia de que todo cambia demasiado deprisa, pero el caso es que los chicos de Zemos98 han optado por, como ellos mismos afirman, “hacer una llamada a la calma, al tiempo lento, a desacelerar los ritmos de producción para atender a lo afectivo, lo cotidiano y reencontrarse de nuevo con la ciudad y sus habitantes”. Una vuelta de tuerca, un reinventarse y, cómo no, una nueva óptica para seguir discutiendo y valorando las tendencias de una sociedad que, cada vez más, piensa, actúa y funciona en red.

Más info en www.zemos98.org

WE LIVE IN PUBLIC. LA RED Y BUENOS AIRES. DEL 3 AL 7 DE NOVIEMBRE. Por primera vez en sus 22 ediciones, el festival de cultura y creatividad digital de referencia en España cruza fronteras. Y no hablamos de una frontera cualquiera, ya que Art Futura da el gran salto al otro lado del charco. Buenos Aires será este año la sede de las conferencias y exposiciones principales del festival. Cuatro espacios de la capital bonaerense -Museo MALBA, Centro Cultural Recoleta, CCEBA y Fundación Telefónica- serán los encargados de acoger las últimas aportaciones al mundo del arte en digital. Al mismo tiempo, ArtFutura amplía su apuesta por el festival en red CircuitoFutura. Más de 16 ciudades presentarán su programa audiovisual, incluyendo Alicante, Andorra, Barcelona, Cádiz, Gijón, Granada, Huarte-Pamplona, Madrid, Murcia, Palma de Mallorca, Santiago de Chile, Segovia, Tenerife, Valladolid, Vigo y Zaragoza. Entre las apuestas de este año destaca el documental “We Live in Public”. Ganador de la pasada edición de Sundance y parte permantente de la colección del MOMA en Nueva York, esta producción apunta nuevas visiones sobre la importancia de las redes sociales en un mundo como el actual.

Más info en www.artfutura.org

CINE DOCUMENTAL

BANKSY: EXIT THROUGH THE GIFT SHOP

¿Qué es Banksy? ¿Una persona? ¿Un colectivo? ¿Una herramienta de la CIA para canalizar las inquietudes de los pequeñoburgueses incómodos con el sistema como lo serán muchos de los lectores de esta revista o el propio crítico que esto escribe? ¿Y qué es “Exit Through the Gift Shop”? ¿Un documental sobre el street art? ¿Un repaso de la singladura de Banksy? ¿Un fake del tamaño de la Tate Modern? ¿Una de las comedias más divertidas de los últimos tiempos? ¿Una bomba de relojería en el corazón del arte contemporáneo arrojada desde su mismo centro? No lo sé, aunque probablemente se trate de todas estas cosas a la vez. En plata: una montaña de preguntas y ninguna respuesta que no conociéramos de antemano. En cierto modo, “Exit... ” es un “Fake” (1971) para nuestros días, sólo que a diferencia de Welles, Banksy -lo que quiera que sea Banksy- ni siquiera pretende que exista el arte. O al menos, no parece que este tema le interese. A Banksy, en realidad, sólo le interesan la impostura y la política: su disección del mundo del arte contemporáneo es la disección del capitalismo global como la cristalización absoluta del reinado de lo falso, de lo accesorio. Para vertebrar su narración se sirve de la figura de un francés afincado en Los Ángeles que comienza a grabar a varios de los actores principales del street art a finales de los 90, pero lo inverosímil del personaje dinamita el estatus de credibilidad de la imagen documental y desemboca en un cachondeo sin piedad de la farsa en la que ha degenerado que el arte sea tratado como una mercancía más de la sociedad de consumo. Y muchos se preguntarán: ¿es lícita esta crítica cuando uno recoge también el cepillo? Y algunos responderemos con otra pregunta: ¿es que eso altera el recado? Incluso más: ¿es que se puede hacer estallar el sistema desde fuera? Pero más allá de todas estas cábalas, “Exit Through the Gift Shop” permanecerá como un ejercicio ejemplar de documental de guerrilla postmoderno: autorreferencial, inteligentísimo, trepidante, incómodo, descacharrante, y sin otro compromiso que el de cuestionar todos los lugares comunes que le salen al paso y decir bien alto: ¡EL MERCADO DEL ARTE ES UN FRAUDE! Cuanto más dinero recaude, mejor, más gente la habrá visto.

Texto_ Juan Pablo Ramos Fernández

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Converse Nuevas ediciones de la Nylon trainer en su 35 cumpleaños

Texto_ Maru Sánchez Su nombre no sólo es icono de rebeldía, también simboliza la fuerza de un espíritu transgresor que ha sobrevivido a lo efímero e injusto de tendencias y modas. Converse es mucho más que una marca, y quizá por ello la revisión de las Nylon Trainer -una de las líneas de Star Chevron- es una de las novedades más esperadas de la nueva temporada. Si a principios de siglo fueron las canchas de baloncesto y pistas de atletismo norteamericanas las que vieron la evolución de estas emblemáticas zapatillas, hoy lo son las calles y rincones de ciudades de todo el mundo en las que Converse sigue siendo sinónimo de identidad, personalidad y espíritu deportivo. Por ello, y ante el 35 aniversario de las Nylon Trainer la firma ha lanzado un sorprendente catálogo en el que, además de revisionar el clásico, le añade nuevos colores, formas y acabados para hacerlo más actual. Manteniendo los detalles de la vieja escuela que la hicieron famosa como las partes superiores en nailon y en ante y las suelas en cuña, las Nylon Trainer 75 regresan, además, en una variada paleta de colores clásicos que alegran y transmiten a toda la colección una sensación fresca. Pura, energética, adaptada y reinventada, así es la nueva apuesta de Converse. Más info en www.converse.es START

MÚSICA imagen: Mark Lanegan. Foto: Steve Gullick

TEATRO CENTRAL 2010-2011 Aunque ya ha abierto sus puertas en variadas ocasiones del verano pa cá durante la programación de la XVI Edición de la Bienal de Flamenco, la verdadera temporada 2010 - 2011 del Teatro Central se inauguró el sábado 23 de octubre con el concierto de los fenomenales Delorean más la sesión de DJ barcelonés John Talabot.

Además, el Central recupera, aunque de forma fragmentada en cuanto a fechas, ese Ciclo de Pop-Rock que tan buenas bandas (recordemos: Tindersticks, Wilco, Godspeed You! Black Emperor y muchas más) ha traído a nuetra ciudad. Dará comienzo con una noche junto al mítico Greg Dulli (The Afghan Whigs, The Gutter Twins o The Twilight Singers), acompañado por nuestro Dani Llamas, el 9 de noviembre. Seguirá Josephine Foster con la Víctor Herrero Band el 23, Pony Bravo -con su segundo largo bajo el brazo- un día después, la cándida ex Belle & Sebastian Isobel Campbell junto al ogro Mark Lanegan, el 1 de diciembre, y Micah P. Hinson en un mano a mano con Tachenko quince días después. Gran cartel, sin duda. También en noviembre dará comienzo el siempre interesante Ciclo de Jazz. Será del 10 al 13, y contará con las actuaciones “Homenaje a Miguel Vargas”, Hamin Drake & Bindu: ‘Reggaeology’, el dúo de Theo Bleckmann y Ben Monder, y el cuarteto de Charles Lloyd con Jason Moran, Reuben Rogers y Eric Harland. Puedes consultar todos los datos en www.teatrocentral.com

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WARM-UP! UN VISTAZO A LA PRENSA MUSICAL ELECTRÓNICA EN ESPAÑA, 2000-2010 Como todos los lectores de la revista bien saben, en CLONE gustamos bastante de la música electrónica. Por eso, nos alegramos mucho de la edición en Nausícaä de “WARM-UP! Un vistazo a la prensa musical electrónica en España, 2000-2010”, un nuevo libro sobre la escena de nuestro país. En particular, nos parece especialmente interesante por ser un género que aquí ha tenido un despegar a veces tan complicado y costoso, pero más allá, lo que redondea la jugada es que se centra en un lado de la barrera tan a veces poco conocido como las más de ellas hasta denostado: la prensa musical. Para terminar, “Warm-Up!” está escrito por Fernando Fuentes, habitual de estas páginas, y entre las múltiples firmas a quien pide opinión sobre la cosa electrónica cañí, se encuentran también otros habituales de CLONE, a quien no nombraremos para que no perdáis la emoción. Entre estos y otros famosetes del plumilleo clubber como Luis Lles, Llorenç Roviras, Javier Blánquez, Fernando se hace un buen apaño para dar seriedad y empaque a un tema que nos hace la boca agua. Así que ya sabéis, “Warm-up! Un vistazo a la prensa musical electrónica en España 2000-2010” ha sido editado por Nausícaä, gracias al mecenazgo de la Fundación Auno, y está a la venta desde el 15 de octubre en las mejores librerías del país y a través de www.nausicaaedicion.com

Distribuido por DOBLE-U SHOWROOM

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PAISAJE MÚLTIPLE LATINOAMÉRICA EN LA COLECCIÓN MUSAC. FUNDACIÓN CEREZALES - MUSAC. LEÓN HASTA EL 16 DE ENERO DE 2011 En colaboración con la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, MUSAC presenta el próximo 24 de octubre la muestra Paisaje Múltiple. Latinoamérica en la Colección MUSAC, como parte de la programación de MUSAC Off, una iniciativa del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León para exponer su colección fuera de los límites propios del edificio que alberga al museo. La muestra, concebida expresamente para el espacio de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia (Cerezales del Condado, León), se articula en torno a obras pertenecientes a la Colección MUSAC relacionadas con el paisaje en América Latina, trabajos tanto de artistas latinoamericanos como de otros orígenes que se acercan y reflexionan desde diferentes planos conceptuales, formatos y géneros a la inmensa variedad paisajística latinoamericana.

Al mismo tiempo, la muestra se enmarca en el contexto, y actúa como complemento, de la exposición Modelos para Armar. Pensar Latinoamérica desde la Colección MUSAC, con la que comparte el afán de permitir al público establecer su propio recorrido en torno al arte latinoamericano actual, aportando una visión que rechaza tanto una lectura única como una narrativa lineal convencional.

Más info en www.musac.es

MARTA MINUJÍN. MINUCODES. CAAC. SEVILLA HASTA EL 6 DE FEBRERO DE 2011 Explorar “cómo se comportan distintos grupos sociales en una misma situación” era el objetivo de este proyecto que la artista argentina Marta Minujín realizó en 1968. Minujín organizó cuatro fiestas de cóctel en diferentes espacios de Nueva York. A cada una de ellas invitó a 80 personas pertenecientes a cuatro ámbitos sociales y culturales diferentes (el mundo de la política, el mundo de los negocios, el arte y la moda). Personas que habían respondido a una serie de cuestionarios que esta artista argentina publicó en un periódico. Durante estas fiestas, que fueron registradas en vídeo con una cámara oculta, se le pedía a ocho integrantes de cada grupo que pasaran a una habitación contigua, para la que Minujin, en colaboración con el artista multimedia Tony Martin, había creado un espectáculo de luces y sonidos que generaba una experiencia sensorial muy intensa.

Con la recuperación de este proyecto 42 años después de su realización, se ha querido proponer una lectura contemporánea de la obra temprana de Marta Minujín (una de las figuras fundamentales del arte latinoamericano de las últimas décadas) y analizar cómo se han transformado los códigos de sociabilidad (las formas en que nos relacionamos con el espacio e interactuamos con los demás).

Má sinfo en www.caac.es

ARTE LISBOA 2010

Caio Reisewitz Mamanguá, 2007 Fotografía color 227 x 180 cm Colección MUSAC

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LISBOA. DEL 24 AL 28 DE NOVIEMBRE Con una selección de cerca de 45 galerías nacionales e internacionales, la nueva edición del encuentro luso sobre arte contemporáneo por excelencia se realizará excepcionalmente en el Centro de Congresos de Lisboa, obra del afamado arquitecto Keil do Amaral. Y es que, en una rápida consolidación como cita principal del calendario artístico internacional, ARTE LISBOA se va afirmando como feria de públicos masivos, que atrae cada año a más de 20.000 visitantes, y es reconocida como primer expositor de la creación artística nacional en Portugal, un país que vive un momento de gran fecundidad con el cruce de los maestros como Julião Sarmento, Pedro Cabrita Reis y Helena Almeida con una poderosa generación actual de artistas multidisciplinares y globalizados.

Por otra parte, la feria evidencia claramente el interés creciente del sector privado local por el arte contemporáneo en un país en el que el coleccionismo particular se orienta cada vez más hacia las nuevas creaciones, siguiendo la estela marcada por iniciativas de gran calado, como la apuesta del Banco Espirito Santo por la fotografía contemporánea o el Museo Colección Berardo del Centro Cultural de Belém.

Más info en www.artelisboa.fil.pt

EXPOS & DANZA

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TODD JAMES: XVII MES DE DANZA. “DANZA Y TECNOLOGÍA” Lo prometido y es deuda y tras las dificultades del año pasado, superadas con una edición de urgencia especialmente austera que se presentó como puente entre dos épocas, el Mes de Danza de Sevilla ha vuelto este 2010 con energías renovadas, casi como en sus mejores tiempos. Y lo ha logrado gracias a la reincorporación de antiguos compañeros de viaje y a la capacidad para implicar a nuevos colaboradores. De esta forma, al Ayuntamiento de Sevilla, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía y el Ministerio de Cultura español, se unen la Fundación Tres Culturas, la UNIA, la Universidad de Sevilla, el Teatro Lope de Vega o el Teatro Central, entre otras muchas entidades y espacios. El título del certamen, “Danza y Tecnología”, advierte de la ambición de esta nueva era. Además de los espectáculos con anunciado componente tecnológico, entre los que destacan “Même à Moi Revenue... ”, de la francesa Geneviève Mazin, “Avatar”, de la Compañía Errequeerre o “Dentro Hacia Fuera, Fuera Hacia Dentro”, de Manuela Nogales y Bud Bumenthal, se ha organizado un Laboratorio titulado “Movimientos y Nuevas Tecnologías”, la proyección de videocreaciones de artistas latinoamericanos, más una amplia gama de actividades formativas y teóricas. Por otro lado, esta decimoséptima edición añade un nuevo eje vertebrador al programa, cuyo objetivo es dar a conocer la actualidad coreográfica de países europeos recientemente adheridos a la Unión Europea o en proceso de adhesión. Concretamente destaca la presencia de jóvenes artistas macedonios, croatas, serbios y eslovenos, que nos ayudarán a conocer la nueva realidad de los Balcanes. Y también creaciones en proceso, danza en espacios públicos, inauguración a cargo de Israel Galván, etc., etc, en Sevilla del 29 de octubre al 21 de noviembre. Más info en www.mesdedanza.es >Matías Marín

GREAT ADVENTURE. GALERÍA JAVIER LÓPEZ. MADRID HASTA EL 10 DE NOVIEMBRE Sin libros ni lecciones. Así aprendió Todd James el oficio que hoy por hoy lo ha consagrado como uno de los nuevos valores del arte estadounidense. Y es que allí, concretamente en las calles de Nueva York, fue donde este autodidacta construyó a mediados de los 80 y siempre bajo el seudónimo de REAS, la base de su posterior carrera artística. Un recorrido que más tarde le llevaría a diseñar logos para grupos de hip-hop como los Beastie Boys o revistas como The Source, así como a participar en eventos de carácter internacional como la Bienal de Venecia. En “Great Adventure”, Todd James nos muestra su trabajo más reciente sobre papel y lienzo, en el que, con su singular estilo de cómic, representa temas tan diversos como piratas somalíes, tanques con rasgos humanos, sus inconfundibles chicas a las que sitúa en inhóspitos paisajes e irreverentes retratos de las llamadas “fuerzas de paz” por los gobiernos occidentales. Realidades desdramatizadas, como él mismo afirma, que no te puedes perder en su primera exhibición en nuestro país.

Más info en www.galeriajavierlopez.com imagen: art de Todd James

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MÚSICA - CINE

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LA MÚSICA BRITÁNICA Y CONVERSE

BERLIN CALLING SEVILLA, ¿DÍGAME?

Que los británicos tienen estilo es algo que ya viene hasta en las enciclopedias. No es sólo que ellos estén normalmente de moda, es que por veces constituyen la propia moda. Si a esto le añadimos su habilidad para la música –serán fríos, pero las notas las llevan en la sangre-, entonces tenemos la mezcla explosiva. Y eso es lo que parecen haber dicho desde Converse que, fiel a su estilo y línea de apoyar las nuevas expresiones y vanguardias artísticas, ha lanzado una campaña apoyando la música que se hace desde la “Pérfida Albión”. Precisamente para celebrar la creatividad y diversidad del panorama musical británico, Hot Chip, Bernard Sumner y Hot City han colaborado en “Didn’t Know What Love Was”, un nuevo tema en exclusiva para Converse. Esta colaboración marca el inicio del homenaje que Converse rinde a la música de este país y que se extenderá durante todo un año. Desde el 6 de octubre ya puedes conocer la nueva colaboración musical, en la que han participado Bernard Sumner (Bad Lieutenant, New Order y Joy Division), Alexis y Joe (Hot Chip) y Hot City. El próximo 2 de noviembre se estrenará el vídeo musical a nivel mundial.

Además, un segundo sencillo, previsto en enero, contará con la participación de Paloma Faith, Graham Coxon, guitarrista de Blur, y Bill Ryder-Jones, ex miembro de The Coral. Una combinación de interpretaciones y talentos musicales destinada a crear algo nunca antes escuchado.

Más info en www.converse.com

La admiración a productores y DJs internacionales, los festivales, los problemas de drogadicción, las relaciones sentimentales que marcan la vida, la amistad, la escena underground berlinesa, la esquizofrenia y las malas influencias son algunos de los muchos temas que trata “Berlin Calling”, una película que refleja fielmente una parte de la sociedad de nuestra época. Lo más interesante de este film independiente protagonizado por uno de nuestros gentuzos favoritos de Bpitch Control, Paul Kalkbrenner, es cómo refleja sin ataduras el modus vivendi que ha caracterizado a la escena techno de Berlín, un toque que admiramos sin reservas ni vergüenza alguna. Para acercar esta historia cultural, musical y social al público andaluz, Sevilla Festival de Cine Europeo, en colaboración con M-Touch Agencia de Comunicación y de Promoción de Eventos Musicales, y la Productora Andaluza Aramburu, han creado un proyecto integral y diferenciador del resto de propuestas de ocio habituales, consistente en la interacción del visionado del film “Berlín Calling” en la gran pantalla de los cines Nervión Plaza, los días 11 y 12 de noviembre (el primer día a las 20 h. y el segundo a las 22 h.), para seguidamente al finalizar la obra audiovisual, disfrutar con la actuación en directo de uno de los actores-DJs que aparecen en la película, Housemeister, quien realizará un set con temas de la propia BSO del film en la recién inaugurada sala-club Cosmos (c/Juan Carlos Cepeda 2 Nervión Sevilla). La fiesta en Cosmos, en la que también están programados dos amigos de Flumo, Ulises Gómez y Avant_Y, será el viernes 12 de 23 h. a 7 h., por lo cual da tiempo de sobras para golfear en el club hablando de un film ya clásico dentro de la escena zapatillera.

Más info en www.festivaldesevilla.com

PARÍS PHOTO

CARROUSEL DU LOUVRE, PARÍS. DEL 18 AL 21 DE NOVIEMBRE. Centroeuropa será este año el leit motiv de este nuevo encuentro que, con la participación de más de 90 artistas –checos, eslovacos, polacos, húngaros y eslovenos- pretende hacer un recorrido desde el movimiento de vanguardia de los años 20 hasta la producción actual más contemporánea. El proyecto se articula en cuatro apartados. La Sección General, en la que las principales figuras históricas de la vanguardia estarán representadas, mientras que la Sección de Statement, comisariada por Nataša Petrešin-Bachelez, hará hincapié en los talentos emergentes. La Exposición Central y el Project Room, donde se presentará “Transition Times: Video Art from Central Europe” (“Tiempos de transición: videoarte de Europa Central), una selección temática de vídeos comisariada por Rita Kálmán y Tijana Stepanović del Ludwig Museum-Museo de Arte Contemporáneo afiliado al ACAX | Agency for Contemporary Art Exchange (Agencia para el intercambio del arte contemporáneo).

Asimismo se realizarán una serie de conferencias con las que proporcionar al público un acercamiento más especializado a la escena fotográfica de los países representados.

Más info en www.parisphoto.fr imagen: Fotografía de Olivo Barbieri

CONOCE A carlos neira

EN CORTO Nombre: Carlos Neira Uclés Edad: 17 años Lugar de nacimiento: Sevilla Profesión: Estudiante

1. Un concepto: Vive y deja vivir.

2. Un concepto sobrevalorado: El estilo; es lo que menos importa.

3. Una edad de oro: Los 17.

4. Un personaje de ficción que te hubiera gustado conocer: Jason Lee. 5. Un maestro/a: Felipe.

6. Un momento del día que no cambiarías: El de patinar.

7. Un libro que no falta en tu habitación: Revistas de skate.

8. Una obsesión solitaria: Pensar.

9. Un sueño repetido: Mejor no contarlo...

10. Un objetivo por conseguir: Que mi cuerpo llegue a los 50 por lo menos ja, ja.

11. Tus pupilas se dilatan cuando: ¡Salgo de fiesta! Ja, ja.

Fotografía: Elam Revuelta www.skateboardinguerrilla.blogspot.com

Sponsor: Jart Skateboards, RVCA, Etnies, Boarder king Deluxe.

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student studying for exams, spring semester 1974 - franklin & marshall college, lancaster, pennsylvania

franklinandmarshall.com

find out more about the f&m winter collection 2010

TODD BRATUD THE LONG WINTER Todd Bratud podría haber sido uno de tantos norteamericanos que a estas alturas, en el ecuador de los treinta y vividas a pleno pulmón las bondades de mamá USA, reviviera a través del skate los mejores momentos de su vida. Aquellos que, claro, ya pasaron. Pero no, este tipo del medio oeste americano supo sacar partido a una climatología adversa sin dejarse amilanar por el gris de su estado natal, Minnesota. Sacó punta a su creatividad y hoy en día es uno de los artistas más reconocidos del mundo del skateboarding. Reputado diseñador e ilustrador de tablas y monopatines, Todd Bratud ha trabajado para los mejores, como Consolidated Skateboards, Flip Skateboards, Bridhouse Skateboards, Real Skateboards o Volcom, entre otros. También la revista The Skateboard Magazine –la más prestigiosa en su terreno a nivel mundial-, así como la línea skate del gigante Nike, han contado en algún momento con el trazo limpio, grueso y definitivo de este artista de la pista. Más info en theskateboardmag.com/blogs/todd-bratrud/

The Nike SB Dunk Hi “Skunk” Todd Bratrud .

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ENTREVISTA sick boy

Esta fotografía por http://viktorvautier.blogspot.com

Su nombre artístico nos remite al amigo amante del speed que Ewan Mcgregor tuvo en esa alucinación British que fue Trainspotting.

No sabemos si con intención de homenajear a una de las cintas más aclamadas de la filmografía británica, o simplemente por el juego del humor negro, lo cierto es que este artista es uno de los “invisibles” que decoran las calles de Londres. Precisamente a la capital de la Pérfida Albión voló nuestra compañera Lourdes R. desde Sevilla. Entrevistar a Sick Boy era su cometido, sin embargo, entre un Vueling de ida y otro de vuelta, la jornada en la ciudad del Támesis, Candem Town y el Covent Garden dio para esto, y mucho más.

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ENTREVISTA sick boy

Texto_ Maru Sánchez Entrevista y fotografías_ Lourdes R. Tu lema es “SAVE THE YOUTH”. ¿Es este intento un síntoma de enfermedad hoy en día?

“Save The Youth” es una frase que empecé a usar hace seis años y es el título de una antigua canción de los 70 de unos músicos de soul. Con este lema lo que quiero decir es que hay que salvar a los niños de convertirse en “malos”, salvarlos de la calle, de las peleas, de las drogas… En general es tratar de encapsular la idea de intentar ser positivos y no ser muy duros con los niños. No tiene nada que ver con intentar mantenerse joven, usar cremas o cirugía estética.

Los años de la abundancia de la era Blair han pasado y le han sucedido el gobierno conservador y los cortes en materia social. ¿Qué ha quedado de aquellos días? ¿Y en la escena artística?

Creo que, por lo general, la mayoría de los artistas operan en el exterior, y por ello nos sentimos menos afectados por los cambios en la política o, al menos, nos afectan más lentamente. Los grupos políticos en este país son bastante similares, no representan a la derecha e izquierda extremas, sino que todos se encuentran en el centro, así que cuando hay un cambio, este no supone una gran revolución, todo es muy gradual.

A todo ello, le podemos añadir el hecho de que los artistas no tenemos que pagar impuestos, vivimos en casas okupas si hace falta… Por el contrario, las clases obreras se ven mucho más afectadas por la situación de crisis actual. Los artistas -al menos esa es mi opinión- no se sienten tan afectados por los cambios. De hecho hace mucho tiempo que no siento ningún cambio en ese sentido. Es una pregunta curiosa para una entrevista [risas]. ¿Sigue siendo Londres el centro de la industria cultural internacional?

Si, siento que es el destino “top” para los creativos de toda Europa. Pienso que Nueva York y Londres son bastante similares en su atractivo. Luego

tenemos París, Barcelona o Berlín, pero definitivamente Londres sigue produciendo moda, arte o música y liderando la mayoría de estos ámbitos. Por ello sería extraño que alguien interesado en la cultura no quisiera visitar Londres.

En ese sentido, y aunque ciertamente no puedo ser objetivo porque vivo aquí, pienso que hay algo que definitivamente es diferente a cualquier otro sitio y hace que me mantenga aquí: la energía y la fuerza de la multiculturalidad. Y es que realmente es una ciudad muy multicultural, diría que la más multicultural de Europa. Aquí hay inspiración en cualquier lugar para las personas creativas. Por ejemplo, si quiero hacer una nueva pieza de arte y necesito referencias, puedo ir al sur de Londres o de tiendas al East End a conseguir algunas baratijas turcas, también a ChinaTown… Está todo aquí.

Cuando vives aquí tienes que disfrutar la ciudad y no quedarte en tu casa o en tu estudio, sino salir a explorar.

Por otra parte, contamos con algunas de las mejores galerías. Así, puedes ir a ver a Picasso, Van Gogh... A todos los grandes en la Portrait Gallery, por ejemplo. A la vez que puedes tener acceso a una cultura más underground en moda o grupos de música. También existen los Screen Prints Clubs, donde la gente llega, pinta, imprime los diseños y luego puede llevárselos.

Hay muchísimas cosas interesantes que hacer y ver en Londres y supongo que es por eso que como artista es imprescindible venir. El dinero es otra cosa, es caro vivir aquí y tienes que poder permitírtelo, pero merece la pena porque es una gran experiencia. ¿Cuáles son las expresiones emergentes en la escena artística londinense?

Creo que hay una potente escena de música independiente, aunque particularmente no estoy demasiado interesado en ello. También hay un grupo cada vez mayor de gente procedente del mundo del graffiti o del arte de la calle en general que, aunque no haya suficientes galerías para apoyarlos a todos y quizás haya empezado hace muchos años, es ahora cuando se está haciendo más fuerte. No puedo hablarte de otros ámbitos del arte porque no estoy muy familiarizado con ellos, pero lo cierto es que la gente sigue viniendo a Londres, es algo que está creciendo.

El graffiti es uno de tus principales ámbitos creativos. ¿Qué pasos sigues antes de comenzar un nuevo proyecto?

Básicamente lo que intento hacer es que cuando voy en bici o en autobús y veo algún sitio interesante, vuelvo para comprobar su estado. Por ejemplo, veo una tienda vieja que me interesa, pues antes de actuar me intento informar de cuánto tiempo lleva cerrada, cómo de concurrida es la calle, si voy a poder hacer el trabajo de día o si la gente de alrededor me va a molestar. En definitiva, se trata de sentir la atmósfera del lugar, del espacio donde quieres pintar, así como valorar los pros y los contras y pensar si los riesgos van a ser superiores a los beneficios.

Una vez elegido, vuelvo al lugar, llevo algunos caballetes, una especie de lona para cubrir el suelo y me sitúo en frente –en este caso- de la tienda.

Normalmente voy muy temprano por la mañana, así coloco la lona y el coloco el caballete al lado (aunque no lo utilizo). Para este tipo de obras suelo llevar ropa normal, y es que no es lo mismo que ir a media noche cubriéndote con una capucha, esto es más de “estoy trabajando en algo serio, tengo mucho que hacer…”. Es como un truco psicológico que me permite hacer grandes piezas en lugares llenos de gente. No obstante, ARTE - VIAJE

ENTREVISTA sick boy

también creo que depende del estilo de tu obra. Por ejemplo, si sólo pintas letras y líneas negras, la gente dirá: “oh, esto no es graffiti, es vandalismo”.

Sin embargo, si usas brocha y dibujas símbolos gráficos, el impacto no es el mismo que una firma.

A este respecto, ¿has tenido muchos problemas con la policía?

En Londres sobre todo tienes muchos problemas con las cámaras de seguridad. Tienes que elegir muy bien dónde pintar. ¿Entonces debes cubrir tu cara?

No, simplemente no pintas enfrente de una cámara. Pienso que si hay una cámara y pintas incluso sabiendo que está ahí, si un policía se acerca tienes que parecer seguro de lo que estás haciendo, tener confianza. Si te piden documentación no debes dudar, porque sabes que no estás haciendo nada malo y eso se transmite. He tenido problemas con la policía antes, he estado arrestado, he tenido que pagar grandes sumas de dinero… ¿Has vivido en otras ciudades?

Sí, también he vivido en Bristol antes de instalarme en Londres. Es una ciudad bastante cultural, pero más pequeña. Está al oeste de Inglaterra y viví allí durante ocho años. Es de donde vienen artistas reconocidos como Banksy o Mit Walker. Hay una escena artística muy viva. ¿Qué ha significado Bristol en tu carrera?

Conocí a muchos artistas de mente abierta, solíamos pasar todo nuestro tiempo fumando hierba, pintando juntos en murales gigantescos y sin muchas preocupaciones. Es una ciudad muy relajada donde es barato vivir, algo que estaba muy bien porque me permitía concentrarme en el proceso creativo, sin estrés. Después me mudé aquí y, de repente, ¡tenía tantos alquileres que pagar! El ruido constante... Es otro modo de vida. Aquí trabajo de otro

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modo. Mi vida en Bristol, básicamente, se reducía a estar en mi casa, llamar a un amigo, quedar para pintar alguna pared, comer, beber algunas cervezas y dormir. Y al día siguiente lo mismo, todo muy calmado. ¿Qué conoces del arte actual español?

Me gusta el arte español, de hecho suelo ir a Barcelona 2 ó 3 veces al año, porque tiene una buena escena artística. Un buen amigo mío de allí es Zosen, un artista al que realmente admiro. Otro, al que no conozco personalmente pero que me encanta lo que hace, es Sixe Art. Me gusta mucho el “sabor” de estos artistas, es un estilo muy español. Son las personas que más me han influido en estos últimos años de mi carrera. Yo suelo dibujar muchos símbolos y es porque mucha gente en Barcelona usa logos, en vez de letras, para sus firmas. Por ejemplo, “La Mano” fue la primera persona que conocí cuando fui a Barcelona cuando era muy joven y me hizo pensar que debía usar logos, imágenes en vez de firmas sólo con letras. ¿Piensas que un artista debe ser fiel a sus ideales y además, transmitirlo en su trabajo o por el contrario piensas que se trata de algo pasado de moda?

Verás, vengo de un “background”, el de la comunicación visual y el diseño gráfico, donde usamos símbolos y colores que hacen el mensaje más potente, así que cuando hago una pieza de arte siempre quiero concentrar mis ideales en los símbolos. Es como cuando cocinas y lo metes todo en una olla: intentas que el sabor sea lo más concentrado posible, ¿no? Pues yo añado símbolos y significados, por ello hay que hacer un gran trabajo de interpretación en mis obras. En ese aspecto, suelo comprar libros de simbología o enciclopedias y me documento antes de empezar cualquier trabajo.

Son elementos importantes para mí, pienso que todo artista debería

Estas fotografías por http://viktorvautier.blogspot.com

ENTREVISTA sick boy

hacerlo, porque si no, todo lo que tienes es una bonita pintura, pero sólo eso, algo sin significado.

Por eso, algo que me molestaba mucho del graffiti era el hecho de pintar sólo letras de colores. Eso es hacer tipografías, lo que no tiene un profundo nivel de significación. Creo que por eso, después de un tiempo, dejé de hacer ese tipo de dibujo. Me gusta mirar todo esto (señala sus últimas obras) y pensar que aún sigue siendo ilegal, es graffiti, pero si puedes añadir más significados, más sustancia, se muestra como un trabajo más maduro, con lo que más gente puede llegar a apreciar lo que haces, a entenderlo.

Necesitas tener ciertos ideales y además imprimirlos en lo que haces.

El concepto “MONSTER” es el tema del próximo número de Clone. ¿Cuáles son los “monstruos” que atormentan a SickBoy? [Risas] Oh, dios mío… ¿La sidra? No, en serio, creo que me preocupo de todo demasiado. Me gustaría no prestar tanta atención a las cosas pequeñas que ocurren en el día a día y así poder focalizar toda mi energía en la pintura, en intentar hacerlo lo mejor posible. Siento que, a veces, la mente se distrae. Creo que, en un sentido irónico, vivir en una gran ciudad es genial porque puedes visitar diferentes áreas, inspirarte, pero a la vez acarrea muchos problemas porque por un lado hay que pagar 500 euros del estudio, mi casa son 600 euros, etc. Todo el dinero, las preocupaciones, las multas, las deudas, la policía, las cámaras… Son muchas cosas. No es lo mismo que estar en una colina, alejado de la civilización y sólo concentrado en tu pintura, abstraído de cualquier distracción. Seguramente allí podría hacer una obra mejor. En general, me gustaría no preocuparme demasiado, relajarme y centrarme en mi trabajo.

Por último, ¿podrías explicarnos cuál es tu filosofía en la vida?

Tratar de ser positivo y generoso sin que eso signifique necesariamente donar dinero a la beneficencia todos los días, aunque sí todo lo que esté en mi mano. Por ello intento dar parte de los beneficios de mi trabajo a los necesitados. En términos generales, me gusta conectar con las personas, empatizar y no tener una actitud problemática. Intento que la gente a mi alrededor pase un buen rato y sin preocupaciones.

EL LONDRES DE SICK BOY: PARA TOMAR ALGO Dalston es el lugar para ir y tomar algo. Hay algunas discos underground, como el HorseMeat Disco, es una discoteca gay pero tienen una buena colección de música soul y disco de los 70s. Es realmente un sitio gay muy hardcore, pero la música es genial y la gente viene de todo el mundo. Está en el sur de Londres y deberías ver el logo de la discoteca… 100 Club, donde hay “northern soul” y música soul de los 60s una vez al mes. La gente viene de todo el mundo: China, Japón, Alemania, Italia… Yo suelo preferir los pubs pequeños, que sirvan buena sidra, como The Harp, en Covent Garden.

GALERÍAS DE ARTE Están repartidas por Londres. Mucha gente alquila espacios, actualmente hay uno en un túnel bajo la estación de tren de Waterloo, un antiguo túnel de metro que no se usa desde hace más de 30 años y la Lazarides Gallery.

Sevilla-Londres (Heathrow), 15:20h-16:40h diario / Londres (Heathrow)Sevilla, 17:15h-21:00h diario. Vueling a partir de 39 euros.

Otros destinos Vueling desde Sevilla: A Coruña, Amsterdam, Barcelona, Bilbao, Bruselas, Gran Canaria, Ibiza, París, Roma y Tenerife.

Con conexión via Barcelona: Alicante, Asturias, Atenas, Bucarest, Budapest, Dubrovnik, Lisboa, Lleida, Mallorca, Malta, Menorca, Milán, Moscú, Nápoles, Palermo, Pisa (Toscana), Praga, San Petersburgo, Santiago, Tel Aviv, Valencia, Verona, Viena y Vigo.

Mas info: www.thesickboy.com

ARTE - VIAJE

Vueling to London. Aeropuerto de Sevilla.

Martes 26, Octubre.

Mezquita vs Iglesia Cristiana.

Kingsland High Street.

Overground

Restaurante coreano PO-JANG MA-CHA. Convent Garden.

Ridley Road Market.

Mercado tradicionoal en la zona este.

El estudio de Sick Boy

Tienda de libros con más de 200 años de antigüedad.

Libro de Kerth Haring.

Cafetería Garden.

172 Stoke Newington Road. www.gardencaferestaurant.co.uk

Callejuela detrás de “The Harp”. Covent Garden.

Galería Dalston. También es cafetería, hay pasteles y puelles pillar wifi del local: gallerysuperstore.blogspot.com

The Harp. Sidras y cervezas artesanales, para gente que sabe lo que quiere y busca calidad.

Vueling to Sevilla. Miércoles 27 Octubre

ENTREVISTA tomahawk

Texto_ Maru Sánchez

El tenebrismo de sus obras no debe tomarse a la ligera. Sus trazos exagerados y algo macarras no deben hacernos pensar que estamos ante el típico recurso de chico inadaptado. Y es que este artista canadiense sabe muy bien lo que se hace y por qué lo hace. Lucidez en palabras y hechos que, dadas las circunstancias, pueden tener algo de proféticos.

ARTE

ENTREVISTA tomahawk

UN MÉDIUM PARA NUESTROS FANTASMAS

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Dices que en tus trabajos no haces sino explorar tu yo interior. ¿Por qué este es siempre tan oscuro?

Cuando trato de expresar algunos sentimientos o ideas algunos de ellos parecen converger hacia la oscuridad, como si yo fuera un pesimista.

Aunque estoy convencido de que así es, también trato de incluir en estas imágenes escenas cómicas, como un chiste gráfico o una sátira. Me gusta este tipo de humor enfermo. Los aspectos más oscuros de la vida junto con la ironía son los que me dan la inspiración para poder hacer frente al miedo y la muerte.

como políticos glotones, psicópatas, esquizofrénicos o esclavos.

Tengo muchas influencias pero creo que una de las primeras fue Eddie the Head, la mascota de Iron Maiden.

¿Realmente estas criaturas que dibujas viven en tu mente? ¿Quiénes fueron, en ese caso, tus principales influencias?

Sí, por supuesto que habitan allí, especialmente cuando bebo... ¡Me convierto en un zombie! No, ahora hablando seriamente, estos seres normalmente toman forma a partir de figuras ya conocidas: puede ser un zombie, un esqueleto, una criatura híbrida o cualquier otro espécimen que puedas encontrar en una peli de Serie B o ciencia ficción. Por otra parte, también pueden ser personas humanas con expresiones muy exageradas de miedo, angustia, melancolía... Lo único que hago realmente es coger cosas del mundo fantástico y mezclarlo con el real.

En ese sentido, mis personajes tienen más profundidad de carácter que, por ejemplo, algunos monstruos que suelen ser sólo una metáfora de los instintos animales. Me gusta mostrar las figuras de personas pervertidas

Tus trabajos tienen algo de old school y estética film noir. Algunos de ellos han formado parte incluso de novelas gráficas. ¿Qué nos puedes decir acerca de esta experiencia?

Yo soy un gran fan de los dibujantes de finales del siglo XIX y principios del XX como Lynd Ward, Frans Maserel, Erich Heckel, José Posada, Edvard Munch, etc. Ward y Massel (también Eric Drooker y Tomas Ott, más recientemente) crearon novelas gráficas sin palabras que me han inspirado mucho. Me gusta ese poder universal y poderoso de las historias contadas sin palabras. Y es que cuando las estás “leyendo” tienes mucho más tiempo para admirar los dibujos que adquieren, por así decirlo, su propia dimensión.

El scratchboard, la técnica que consiste en rayar una superficie oscura a partir de la cual vas dibujando las figuras o escenas, es una de tus favoritas.

¿Piensas que es más fácil vender la parte oscura y difícil del mundo que la fácil?

La verdad es que no sé si es más fácil o no, lo que sí creo es que encuentro más interesante mostrar lo oculto u oscuro que la simple contemplación de la belleza y la naturaleza. Sería demasiado blando.

¿Qué te aporta profesionalmente?

Descubrí esta técnica con Thomas Ott, que sigue siendo mi artista favorito usando esta técnica. Cuando comienzo a rayar las superficie que sea, veo inmediatamente las innumerables y delicadas posibilidades del dibujo.

Prefiero dibujar la luz a partir de la oscuridad en lugar de mostrar las sombras de un mundo iluminado.

Ahora que incluso Banksy tiene su propio documental, ¿cómo ves el futuro de la escena artística independiente?

No sabía nada acerca del documental sobre Banksy pero creo que es un buen artista con muchos mensajes por transmitir. Y es que artistas underground como Banksy, Obbey Giant o Blue han logrado gran popularidad con sus creaciones artísticas de izquierda. Los temas sociales o políticos que aparecen en sus obras es un camino a seguir para muchos artistas.

En ese aspecto creo que internet nos da muchas facilidades para mostrar nuestros trabajos. Por ello pienso que ahora es más fácil llegar a una audiencia determinada y mantenerla. Por ejemplo, los creadores ahora podemos hacernos un blog e ir alimentándolo día a día con lo que los usuarios pueden seguir la evolución de sus creaciones. Precisamente es por eso que yo estoy en las páginas de CLONE magazine, es un aspecto bueno de la globalización y por eso pienso que la escena independiente seguirá creciendo hasta la próxima guerra mundial que aniquilará todo... [risas]. Realmente no pienso mucho en el futuro así que tomo ventaja ahora.

¿Qué es lo qué más aterra a la sociedad actual? ¿Cuáles son nuestros monstruos?

El capitalismo ha creado monstruos que sólo actúan por beneficios, ganancias que a su vez se obtienen del trabajo de la gente. Mientras la gente está siendo robada, los monstruos son más grandes que nunca. No tienen ningún tipo de compasión o sentimientos por la bondad humana y se comen entre ellos para dominar. En ese sentido y si tuviera que pensar qué es lo que más nos aterra podría decir que, hoy en día, sería el hecho de que incluso las clases bajas han sido “adoctrinadas” para actuar así. La lucha de clases ha sido distorsionada y minimizada por los monstruos de la política que la han hecho improductiva. Afortunadamente no todo el mundo es ciego ante esta realidad, así que la lucha continuará...

Como artista, ¿qué es lo que más temes?

Lo que más temo es repetirme y perder mi creatividad. Por otro lado sería también muy triste no tener un público con el que compartir mi trabajo.

Finalmente, si tuvieras que elegir una leyenda de terror, ¿cuál sería?

Sin duda alguna elegiría “El Extraño Caso del Dr. Jeckyll y Mr. Hyde”, porque ilustra a la perfección la lucha interna de cualquier persona entre el bien y el mal.

Más info: www.twk-artwork.com ARTE

LIBERTAD PARA SEGUIR SORPRENDIENDO Un vistazo a su web y ya sabes que no te encuentras ante algo sin sustancia, más bien todo contrario, la digestión puede ser densa pero proteínica. En un mundo en el que una imagen no es que valga más que mil palabras, sino que simplemente no suelen estar contempladas en el diccionario de la RAE, este artista sevillano sigue en sus trece a la hora de demostrar que hay algo más.

Ese más allá de lo que vemos, comemos, consumimos hasta morir es precisamente la carne de cañón de su producción. Una obra que llena espacios “atacándonos” por los cuatros costaos. Acciones culminadas, al fin, tras una buena declaración de intenciones.

Más info en www.emiliosubira.com

Imágenes “Ilustres de Salón” Esclusivas para CLONE. ARTE

ENTREVISTA detroit grand pubahs

DETROIT GRAND PUBAHS

Texto_ Fernando Fuentes / Imagen_ Chris Davison

UN DÍA CUALQUIERA, EN BUTTOPOLIS, LOS ACTIVISTAS SONOROS DE DGP PENSARON QUE SI PODÍAN MONTAR UNA BANDA DE ELECTRO-TECHNO MARCIANO, POR QUÉ CONFORMARSE CON UNA DE RANCIO E INDOLENTE POST-ROCK. AHORA, LOS PICHICHIS DEL “CABARET-STYLE” ESTRENAN SU NUEVO “MADD CIRCUS” (DETELEFUNK, 2010), EN EL QUE ELEVAN EL GUARRETE BOOTY A CATEGORÍA DE ESTILO AUNQUE PREFIERAN QUE SU BASTARDO SONIDAJE SEA ENTENDIDO COMO FUNK CONTEMPORÁNEO. ¡A LA FELICIDAD POR EL GLUTEUS MAXIMUS!

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ENTREVISTA detroit grand pubahs

FUNK FINO DE CULO GORDO Ejem, ¿si hay posibilidad de escribir letras que hablen de follar violentamente, masticar clítoris y sobar culazos atómicos por qué ceñirnos al pseudo buen gusto sonoro-literario de los meapilas de la indietrónica y el avant-pop, no? (Risas) ¿Masticar clítoris? Pero hombre, eso no, masticar clítoris no...

Dice la crítica española que DGP suena a neo-blues electrificado; hip-hop en formato lo-fi; electro tan vintage como jugoso y, sobre todo, mucho techno antológico y cavernario parapetado detrás una broma que hay que ser muy listo -y estar muy puesto- para saber tomarla en serio y disfrutar de su impresionante calado y extraordinario groove... Sí, la cosa va de pasárselo bien, básicamente. La música es un asunto muy serio, pero al mismo tiempo debes verle la diversión, porque hay que disfrutar cada tema. También es importante apuntar que la variedad de géneros que abarcamos se debe a que somos ‘cabaret’, algo que en Detroit se conoce muy bien: el ‘cabaret style’ se define por la mezcla de todos los estilos musicales. Nuestras influencias se pueden trazar de distintos géneros, desde Parliament hasta AC/DC, pasando por King Tubby, The Advent, Drexciya o los B-52’s.

Este “Madd Circus” eleva el vibrante y guarrete electro-booty a estilo con mayúsculas dentro de la escena electrónica actual... ¿Es vuestra enloquecida respuesta ante tanto aburrimiento minimalero y dubstepero? No, porque sería muy arrogante tratar de responder a alguien que hace un estilo distinto al nuestro con una propuesta que para nosotros es la misma desde el principio. Simplemente hacemos lo que hacemos, sin pararnos a considerar lo que puedan pensar de nosotros o lo que hace el resto de gente. Es una cosa en plan ‘do what cha like’ [NdT: haz lo que te apetezca], para nosotros.

No conocíamos ese gusto vuestro por el hard-rock, ¿por qué os habéis acordado tanto de este vituperado estilo en la génesis de este nuevo disco? Porque queríamos expandir nuestros horizontes e intentar algo distinto para este disco en concreto. DGP es una banda que pretende aportar su granito de arena en aquellos estilos con los que hemos crecido, aquellos que nos han influido toda la vida. ¿Con que pléyade de colaboradores os habéis rodeado para pergeñar este “Madd Circus”? ¿Practicáis el “sólo no puedes, con amigos sí”? Los Pubahs forman parte de un Circo que incluye a Paris The Black FU, Mr O, Domgue, Mitch Marcus aka Lalin, Mo Tea, Emric di Paolo y Jerry The Cat. Para ser parte de la banda tienes que haber sido seleccionado por Ringmaster FU y obligado a hacer cosas bastante raras, a modo de iniciación...

Oh, y saber tocar algún instrumento también ayuda.

Y si a mí se me ocurriera definir vuestro sonido como funk contemporáneo, sin más apellidos ni etiquetajes, ¿os parecería acertado?

Exacto, nos parecería fantástico. Mientras sea buena música, nos gustará. Y si encima puedes mover el culo mientras la escuchas, entonces es funky.

En este nuevo álbum se homenajea claramente al maestro Barry White en ese tema llamado “Breakfast in Bed”, ¿es una de vuestras referencias sonoras confesables? No tanto como eso, pero... Verás, crecer escuchándole, recordar esos tiempos en los que intentabas que las nenas salieran de su rollo para que entraran en nuestro rollo, era algo duro, así que... ¡Bam, ahí lo tienes! ¿En qué momento se encuentra el Detroit ghetto-tech tras la balacera tech-minimalística sufrida durante estos dos últimos años?

Creo que está a punto de pegar de nuevo. Al menos, debería. El ghetto-tech es una actitud, es la calle más pura, y hay gente en Europa que no es capaz de pillarlo porque se rodea siempre de los mismos sonidos. La gente debería ser un poco más aventurera, para ser capaz de darle oportunidades a cosas diferentes a lo habitual. Es difícil, pero merece la pena.

La violencia es una constante, tanto en los contenidos como continentes, en el elecro-techno parido en la “Ciudad del Motor”... ¿Hay que sobrevivir en un suburbio o tener a tu hermano mayor en chirona para facturar buena mierda sonora de este tipo? Es una apreciación muy precisa, sin duda: para estar en este rollo debes haber pasado por la trena, o al menos por algún tipo de correccional. Como dije arriba, el ghetto-tech es una actitud; incluso yendo más allá, es un sentimiento. Pero oye, recuerda que, además... ¡Es sexy! Cierto que hay muchos ‘booty’, ‘ass’ y ‘butt’, pero para los más inteligentes también tienes el ocasional ‘gluteus maximus’.

La pregunta del millón: ¿Qué tenéis que decir a los que dicen que el ghetto-tech es el hijo bastardo del Miami Bass? ¿O es al revés? Aquí es donde todo el mundo se equivoca. El ghetto-tech nació exactamente en Buttopolis, llamándose de otra manera, pero algunos tipos de Florida le pusieron Miami Bass. Aquí en Michigan la peña lo conoce como ghetto-tech o booty music. Yo prefiero, en realidad, el nombre que le damos los Buttopolonianos, pero como es muy difícil de pronunciar, pues mi segunda opción sería booty music. En Miami se jactan de haber empezado a hacer este rollo (en la Tierra, claro, que Buttopolis es otro rollo) y en Detroit lo reclaman como algo suyo pero, ¿sabes qué? ¿A quién le importa? Desde luego ningún productor va a recibir un Booty Award...

Por último, ¿que opinión os merece el reaggeaton? ¿Creéis que tiene conexiones con vuestro sonido? Pues no tengo ni idea, la verdad, porque es un estilo que desconozco por completo. Cuando pueda escuchar algo con calma te podré responder a esta cuestión.

“Madd Circus” está editado por DetEleFunk.

MÚSICA

ENTREVISTA greg dulli

GREG DULLI

Greg Dulli, quien fuera líder de uno de los mejores grupos de los 90, The Afghan Whigs, más tarde también de los Twilight Singers y recientemente emparejado con Mark Lanegan en The Gutter Twins, pasa por Sevilla en noviembre, el día 9 en el Teatro Central. Su espectáculo, “Una noche con Greg Dulli”, nos sirve de excusa perfecta para hablar con uno de los más entretenidos genios del rock norteamericano de su gira, su próximo disco con The Twilight Singers y, por supuesto, de zapatos italianos.

Texto_ Pablo Vinuesa

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ENTREVISTA greg dulli

UN CABALLERO ¿Qué significa para ti tocar en España? ¿Te gusta actuar en nuestro país? ¿Conoces el sur, por cierto? Me encanta España. Eso sí, no he actuado nunca en Sevilla, así que tengo muchas ganas de que llegue el concierto en el Teatro Central para ver cómo es el público. Será mi primera vez allí.

Después de haber hecho giras por todo el mundo... ¿Seguro que este es tu primer “solo tour”? Por otra parte, vienes acompañado por otros músicos, cuéntanos quiénes son y qué podemos esperar de esta noche contigo y con ellos. Dave Rosser tocará la guitarra y la armónica, y Rick Nelson tanto violín como chelo. Haremos unas veinte canciones, más o menos, que recuperarán tanto parte de mi carrera pasada como algunos de los nuevos temas que están por editar. Será un encuentro íntimo, casi desnudo, pero también puedes esperar que soltemos alguna tralla rockera cuando lo consideremos necesario.

Dijiste en Billboard la siguiente frase sobre el nuevo disco de los Singers: “si te gusta mi material anterior, te gustará la mitad del nuevo disco, mientras que la otra mitad te va a dejar un poco en plan WTF!?”. Así que, dinos, ¿qué podemos esperar de esta parte tan sorprendente? ¿Te has vuelto productor de dubstep o te desmarcas con experimentos post-rockeros, acaso? No, en realidad tampoco hay ningún secreto espectacular... Se trata, simplemente, de una continua evolución, inspirada en la regresión del rock and roll.

Como a la hora de mandarte las preguntas todavía no había podido escuchar este largo, ¿por qué no explicas un poco a los lectores de CLONE cómo será este material? Ruidoso, suave, sueltecito y apretao. De arco iris y blanco y negro.

En este álbum has colaborado con Mark Lanegan, Anu DiFranco, Joseph Arthur, Petra Haden y Nick McCabe, todos artistas perfectamente conocidos y valorados. Esto es algo que sueles hacer mucho últimamente, rodearte de grandes músicos, ¿lo consideras refrescante, una buena manera de afrontar luego otros trabajos más en solitario? A lo largo de toda mi carrera musical he tenido la oportunidad de trabajar codo con codo junto a grandes músicos... Esa es la mejor manera de aprender, crecer y descubrir cosas. Nadie hace nada solo en este mundo, excepto dormirse y morir.

Hablando de Mark Lanegan, hicísteis un dúo maravilloso en el grupo The Gutter Twins. Creo que vuestras voces casan a la perfección, y qué coño, los líderes de Afghan Whigs y Screaming Trees, juntos, era como el sueño húmedo de una legión de fans del rock independiente norteamericano. ¿Cuándo descubrísteis que os llevábais tan bien? Mark es uno de mis mejores amigos, además de uno de mis cantantes favoritos de toda la vida... Empezamos a cantar juntos hace como diez años, y en realidad nunca hemos dejado de hacerlo. Él tiene un corazón de oro puro, y creo que, por el momento, sólo hemos podido escarbar en la superficie de todas esas grandes cosas que aún nos quedan por realizar.

Sé que eres un melómano con las orejas bien abiertas, así que dime a qué grupos o artistas, de cualquier género, te gustaría escuchar versionando tus temas... O’Spada, Cotton Jones, Broken Keys o Dirtbombs, por nombrarte los primeros que se me vienen a la mente.

También se te conoce por hacer inesperadas y muy certeras versiones de otros... ¿A quién has estado fusilando recientemente? Pues últimamente, creo que el mayor objetivo podría ser Chris Whitley. ¿Qué significa sacar disco con Sub Pop... Veinte años después de “Up In It”, vuestro primer LP como The Afghan Whigs en tan mítico sello? Verás, en Sub Pop son como mi familia. He crecido, literalmente, con ellos, así que la situación es fantástica, no me puedo quejar.

Hace años que Afghan Whigs partísteis peras, pero siempre ha habido rumores, supongo que la mayoría de ellos por pura esperanza de fan, de que podríais volver a juntaros. Incluso sacásteis dos temas nuevos en una recopilación... ¿Llegará el día en que os podamos ver de nuevo juntos? Ya dijimos todo lo que teníamos que decir.

Una pregunta sobre algo que no tiene nada que ver con la música, y no sólo por el título de tu mejor disco junto a los Whigs... Siempre te he considerado todo un gentleman, así que hablemos sobre ropa de caballero. ¿Cuáles son tus zapatos favoritos? ¿Americanos como Allen Edmonds o Alden? ¿Ingleses tipo Church’s? ¿Italianos? Me encantan los zapatos italianos. Bueno, en realidad toda la ropa italiana, en general... Los británicos y los alemanes también hacen grandes prendas.

En realidad no te podría decir marcas concretas, porque lo que más me gusta es darme vueltas por ahí y visitar tiendas distintas a lo largo del ancho mundo. Por ejemplo, acabo de encontrar una auténtica Cueva del Tesoro en Pittsburgh, cómo te quedas.

Siempre has flirteado con el cine, sobre todo con el añorado Ted Demme, de quien eras muy amigo y que te sacó tocando con los Whigs en la genial “Beautiful Girls”. ¿Qué has hecho últimamente relacionado con la gran pantalla? Pues precisamente ando trabajando en un disco instrumental al que le veo grandes posibilidades cinemáticas, la verdad, así que... ¿Quién sabe? Última pregunta: al margen de la música, con qué películas, series de televisión o libros has disfrutado últimamente? “Breaking Bad”, “Eastbound and Down”, “Bored to Death” y “Luther” son mis series de televisión favoritas en este momento. En cuanto a películas, “Animal Kingdom” es la mejor que he visto en los últimos años, sin duda alguna, y por lo que respecta a libros, mi opción sería “A Fraction of The Whole”, de Steve Toltz.

Greg Dulli estará actuando el 9 de noviembre en el Teatro Central, junto a Dani Llamas.

MÚSICA

ENTREVISTA pony bravo

PONY BRAVO

Con “Si Bajo de Espaldas No Me da Miedo.. ”, el primer disco de los sevillanos Pony Bravo, lograron un fenómeno boca-oreja que nos pilló a todos con la guardia baja. Resucitaron la tradición del rock sevillano de los setenta y la supieron mezclar con los mejores ingredientes de una cultura global nacida directamente en la red. Con “Un Gramo de Fe”, su nuevo disco, lo han vuelto a hacer.

Texto_ Daniel J. Tejar / Foto_ Celia Macias

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LA BUENA MIERDA En este disco habéis grabado canciones que poco a poco hemos ido conociendo gracias a vuestros conciertos, caso de “La Niña de Fuego” o “El Campo Fui Yo”. ¿Cómo os lo habéis planteado a la hora de hacer el camino inverso? Es decir, del directo al estudio. ¿Os suele ocurrir mucho esto?

Al habla, Daniel Alonso, cantante y diseñador de Pony Bravo: El momento de grabar en estudio es muy importante, en nuestro caso intentamos prepararlo bien, no alterar las canciones porque sí, y respetar el espíritu de cada una, porque hay canciones en el nuevo disco muy diferentes en cuanto a producción o intenciones, algunas son muy humorísticas como algunos carteles, y otras más “en serio” digamos, así que antes de entrar a grabar fuimos hablando con Raúl para que al llegar a su estudio todo estuviera planeado. Con las canciones que hemos ido rodando en los directos es quizás un poco más fácil, pero al final es lo mismo, hay que dedicarle tiempo y sale.

En nuestro caso confiamos mucho en Raúl y en la producción que quiere dar a cada canción, él es quien dirige todo a la hora de grabar.

En “Un gramo de fe” le habéis dado mayor protagonismo a los ritmos, la música y las piezas instrumentales, frente un componente melódico y casi épico que dominaba gran parte de “Si Bajo de Espaldas No Me Da Miedo... “, ¿ha sido esto intencionado? ¿Es fruto de una evolución en el grupo? Es fruto de la evolución al oír música, cuando empiezas a componer sueles ser más épico, más pop, más típico y predecible en realidad, y si sigues currando y si no te estancas oyendo los mismos discos siempre, al final la música del grupo también cambia. El rock ha crecido mucho en 50 años, hay mucho camino por recorrer, aunque suene a cliché. La mayoría de nuestros amigos aficionados a la música oyen de todo, tienen una cultura musical amplia y saben disfrutar de géneros diferentes sin prejuicios, así que nosotros intentamos hacer lo mismo, no nos gustan los grupos que se quedan en un solo estilo, al final te das cuenta cuando conoces a esos grupos personalmente que son los típicos que se vincularon con un género de adolescentes y ya se quedaron estancados en esa fase con los años. Hay mucha música buena por oír, y hay que experimentar, sin eso no hay música, sólo grupos que quieren ganar dinerito tocando para chavalitos aprovechándose de que a esos chavales no les ha dado tiempo a oírlo todo.

Intenta complacer a un aficionado a la música que sepa de todo, ese es el reto en realidad. Hay que tener un respeto por la gente que oye música, y los grupos de rock tendemos siempre a quedarnos con nuestro rollito, buscando estúpidamente tener una personalidad, un sonido, y todo eso es una puta mierda, la verdad, hay que buscar y tener curiosidad y cambiar, y si pierdes público te jodes, lo importante es la música.

Habéis abandonado definitivamente el inglés para sacar un disco totalmente en castellano. A pesar de que las canciones quizá más importantes del primero eran en castellano, ¿a qué se debe este cambio? ¿Será definitivo? Lo importante en realidad es que las canciones sean buenas, eso lo primero. El rock es un género internacional y hay cosas buenas en muchos idiomas. Nosotros tuvimos una primera fase de cantar en inglés como muchos grupos, y nos encanta, le tenemos cariño a esas canciones, y algunas como “Sunset” o “El Baile” las seguimos tocando en directo. El motivo de esto es que cuando empiezas a componer canciones la

ENTREVISTA pony bravo

primera fase es en inglés, al menos para mucha gente, el rock es un género anglosajón y la mayoría de grupos míticos son americanos o ingleses. Luego, si te lo curras, te das cuenta de que en tu idioma puedes hacer mejor música, ser mas preciso con lo que cuentas, porque lo conoces, y ser mas preciso en cómo lo cuentas, es así de sencillo. Hay gente que se resiste a escribir en su idioma, porque es más fácil en inglés y cuesta mucho más trabajo hacer una buena canción en castellano. Eso paraliza a mucha gente, aunque no lo reconozcan. En nuestro caso vimos que hay sendas en castellano por donde no va nadie, caminos que se abrieron con gente como Veneno, Triana, Silvio, Radio Futura, Derribos Arias, y hasta No me pises que llevo chanclas, grupo injustamente tratado siempre, y eso está mal, es una falta de respeto a la gente que oye música y sabe de música, así que mejor arriesgarse y cagarla antes que ignorar toda esa buena música en castellano.

Ya desde el título, no hay que ser un lince para darse cuenta de que uno de los temas fuertes de este segundo disco son las drogas.

Temas como “Noche de Setas”, “El Campo Fui Yo” o “La Rave de Dios” así lo corroboran. ¿Apología de las drogas? ¿Ciclo vital? Bueno, cuando aparece la droguita en las canciones es siempre desde un enfoque crítico-festivo, como en la “Rave de Dios” o en “Mi DNI”, y en defensa de las drogas buenas, que estamos hasta los cojones de que se considere a las setas, la marihuana o el MDMA como drogas chungas, siempre por ignorancia. Hay que diferenciar entre droguita-buena-que-te-aporta-cosas y drogas chunguelas como la cocaína. No me voy a poner en plan legalización perro-flauta pero sí que es verdad que la droga esta ahí, y hay que usarla para cosas buenas y no para ser un jincho, en nuestra generación hay un montón de jinchos que se están quedando subnormales, y eso no mola, porque algunas drogas (no todas), al igual que muchas otras cosas de la vida, son sólo herramientas, si las usas bien mola mucho. Más cultura de drogas y luchar por la legalización y menos borrachera gratuita. Hay demasiados borrachos.

Por último, ¿cómo hacéis para compaginar dos grupos tan originales y personales como son Pony Bravo y Fiera? ¿Os produce trastorno de personalidad o bipolaridad? Gracias por lo de originales, lo primero.

Con Pony Bravo y Fiera intentamos currar muchas más horas que antes, sin eso no tiene sentido, porque Fiera requiere mucho tiempo, no es un proyecto paralelo ni nada parecido, hay que currárselo mucho, y Pablo es un punk y esa gente son gente chunga, así que hay que currárselo. También ayuda tener claro de que va cada uno, eso es importante, si eso va bien el resto es fácil. Con Fiera llevamos casi el mismo número de años currando que con el Pony (aunque Fiera haya salido más tarde), así que estamos acostumbrados, es bastante natural el día a día y además te ríes un montón y te lo pasas mejor que con un sólo grupo, y se aprende mucho más de música, oyes más discos, etc. Aunque te tengas que pasar todo el día currando, que es un bajón cuando no tienes un duro y todo eso, pero bueno, merece la pena sólo por ver probar al Pablo latas y chapas en la chatarrería de los americanos, el music store de Fiera.

“Un Gramo de Fé” ha sido editado bajo licencia Creative Commons por El Rancho Casa de Discos MÚSICA

ENTREVISTA delorean

JUEGAN EN LA PRIMERA DIVISIÓN MUNDIAL DE LA ELECTRÓNICA MULTICOLOR, QUE GUSTA A LOS POPIS MÁS AVANZADOS, Y EN ESPAÑA TODAVÍA LOS CONTRATAN PARA PONER A BAILAR COMO ZOMPOS A LOS FANS DE LOS PLANETAS CUANDO, A ESO DE LAS CINCO DE LA MAÑANA, YA LES HA SUBIDO LA PASTILLA. DELOREAN SON MUCHO MÁS QUE UNA SENSACIÓN -NI MUY HOUSE, NI MUY POP- O UN HYPE SIN FUNDAMENTO, Y SU FLAMANTE “SUBIZA” (MUSHROOM PILLOW, 2010) DEBERÍA DE SONROJAR A MÁS DE UNO Y PONER EN SU SITIO A CASI TODOS EN ESTO TAN PINTÓN DEL ELECTRO-INDIE QUE SE BAILA HASTA CAER RENDIDOS. MODELNOS, QUE SOIS UNOS MODELNOS..

Perdón pero, ¿cómo se lleva eso de ser una banda de éxito internacional a quien nadie, todavía y a pesar de los sobrados meritajes, reconoce apenas en su País Vasco, Cataluña y resto del dolienteestado español? Yo creo que nos sentimos reconocidos, supongo que por los nuestros que es a quien nuestra música les dice algo. Tenemos un buen sello que nos apoya mucho y no nos faltan conciertos. Siempre se puede mejorar, claro está, pero todo va bien.

Lo que aquí está claro es que sois la única banda nacional que juega en la primera división mundial y encima gana partidos muy a menudo, ¿que supone eso para vosotros? Bueno, esto lo tomamos como un halago. El mundo es muy grande, con bandas a muchos niveles, no es todo un bloque uniforme. Como en tu casa, tienes que encontrar tu sitio y eso lo vas viendo con el tiempo.

Cotilleo gracioso, ¿es cierto que Delorean son lo que son ahora por culpa, en un alto porcentaje, de un extraño encargo sonoro de la ETB? Sí. Pero eso no era Delorean, era un encargo personal. Los temas que hicimos eran más bien sintonías televisivas que no forman parte de la discografía de Delorean. Aprendimos a utilizar el ordenador, sin embargo.

Entremos en harina, ¿a la felicidad por el loop? ¿Cómo componéis vuestros temas y a partir de qué (supongo que ya nunca desde una guitarra española)? A partir de, como mencionas, un loop inicial basado en un beat, un sampleo de voz y unos acordes. En ese loop está la semilla, algo así como un aura o una idea que después despliegas en la estructura convencional de una canción. Pero supongo que al comienzo está ese pequeño compás, que es al fin y al cabo el tema.

La pregunta del millón, ¿cuándo pegó el salto Delorean a la electrónica y por qué? ¿Aburrimiento o exigencias del mercado? ¿O por qué os disteis cuenta de que podíais ser mejor que Hot Chip rascándoos

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la barriga desde el sofá de casa? (Risas). El término electrónica es muy ambiguo. Si te refieres a lo de utilizar el ordenador, la respuesta es lo de la pregunta de antes más los encargos de las remezclas. El sofá de casa, más bien la silla del estudio donde ahora componemos.

Si seguís la evolución sónica natural -o mejor dicho artificial- que os ocupa en estos últimos años el asunto -léase estilo- es posible que desemboque en algo cercano a... No tenemos ni idea. Queremos utilizar menos el ratón y componer con sintes, cajas de ritmos. No editar tanto el sonido ni basar la composición en eso, sino buscar una idea fuerte y consistente.

Dicen que lleváis tatuado en el ADN musical algo así como “hay que estar al máximo siempre”. ¿No entendéis que el descanso es una parte imprescindible del buen trabajo? Pues sí, ahora mismo con las giras cada vez apetece más eso del sofá y helado en casa tranquilamente.

Además, te ayuda a pillar perspectiva. Eso sí, en el trabajo las cosas bien hechas.

Escuchando vuestro último disco, “Subiza”, parece claro que sólo os interesa la electrónica que busca directamente el baile, al menos en lo compositivo. ¿Dónde queda lo experimental para Delorean o ya es realmente bueno en este ámbito lo que hacen gente como Animal Collective o Fuck Bottons como para querer superarlo? ¿Lo experimental? Bueno en la producción, creo yo, más que en lo compositivo.

Experimentas con sonidos, reverbs, texturas y capas, mezclas, etc. El sonido en sí, más que la canción, es un terreno de experimentación que nos interesa. En lo compositivo, una buena canción, que creo que todavía no hemos hecho, una sola buena canción, consistente y que se lea a la primera, eso es lo que buscamos. ¿Dónde lo pasáis mejor produciendo vuestra canciones, desarrollando remixes para las mismas o facturando revisiones para los demás? ¿Se gana pasta con esto último? Hacer tus propios temas es más gratificante pero más complejo. Los remixes son un ejercicio interesante.

Lo hemos intentado con algún tema nuestro pero no funcionó muy bien, queríamos hacer un club edit de “Stay Close”. Con los remixes hasta ahora no hemos ganado pasta. No se pagan muy bien... ¿Para cuándo un álbum de Delorean sin originales, sólo con remixes de vuestros propios temas? ¿Se podría invertir el procedimiento y primero editar las revisiones si realmente es de lo que estáis más satisfechos? Hombre, alguna vez he pensado compilar todos los remixes de los últimos dos años. Creo que explican bien lo que hemos hecho hasta “Subiza”. Pero no, hay que hacer un disco con temas nuestros, es lo que más sentido tiene.

Eso de ser la banda presuntamente electro-indie que tenga como responsabilidad cerrar los festivales haciendo que la gente baile debe ser un poco coñazo, además de una presión inmerecida... ¿Para cuándo se os considerará en España una banda electrónica

ENTREVISTA delorean

que nada tiene que ver con Los Planetas o Astrud y mucho con John Talabot, Sidechains, etc.? Yo sinceramente creo que no tenemos un set tan electrónico como JT o Sidechains. Pero sí que es cierto que probablemente nos sintamos más en sintonía o afines a ellos. Creo que estamos un poco en tierra de nadie, ni muy house, ni muy pop. ¿Os da rabia que eso no se valore lo suficiente en un panorama avant-pop tan agilipollado en el que hay grupos de tonti-pop que puede llegar a grabar tres temas en una santa tarde? En mi opinión tienes que tener algo muy especial, un talento único para grabar algo en una tarde, casi en directo y que valga. La gente que es capaz de hacerlo es envidiable.

Parece claro que hay que vender al alma al diablo discográfico más potente y con más distribución planetaria para vencer y vender, ¿qué ha significado para vosotros que Matador os lleve de paseo por medio planeta? Pues precisamente eso, currar a un nivel al que no trabajamos. Tener acceso a muchas cosas a las que no tendríamos acceso...

Un buen mal día, ya podridos de pasta y viviendo junto a Timberlake en L.A., descubrís que Delorean se ha convertido en un productor más del marketing millonario sonoro que nos invade y agota, ¿qué pasaría? ¿Cantaríais victoria? No sé. Aunque currar de productor, cuando ya no nos apetezca dar bolos, parece un planazo.

Por último, ¿es cierto que cada mañana, muy temprano, os turnáis para chequear la web de Pitchfork por si acaso otra vez... ? Ya no la miro mucho... No es cierto. Miramos el Marca, el Sport y El País. Y nuestro blog también, desparrameeeee.blogspot.com.

“Subiza” está editado por Mushroom Pillow.

LA JUVENTUD BAILA

DELOREAN Textos_ Fernando Fuentes

MÚSICA

ENTREVISTA francesco tristano

FRANCESCO TRSTANO

NO TODOS LOS DÍAS TRATAMOS CON UN GENIO PURO, Y SI ADEMÁS ES MÚSICO HAY QUE INTENTAR LLEVÁRSELO AL HUERTO.. SONORO, CLARO. ESTE PIANISTA QUE TOCA TECHNO -¿O ES MEJOR TILDARLO DE TECHNÓCRATA CLÁSICO?- HA ELEVADO A LA MÚSICA ELECTRÓNICA –Y POR ENDE AL PIANO- A UMBRALES DE BELLEZA, RIESGO Y RECONTEXTUALIZACIÓN DIFÍCILMENTE IMAGINABLES. EN SU NUEVO DISCO “IDIOSYNKRASIA” (INFINÉ, 2010), FRANCESCO TRISTANO MUESTRA SU TALENTO SENSIBLE, MODERNO Y SOBRE TODO LIBÉRRIMO. SOLO, Y SÓLO EN ESTE CASO, NO DISPAREN AL PIANISTA. Texto_ Fernando Fuentes

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ENTREVISTA francesco tristano

DANDO TECHCLAZOS Francesco, ahora tienes 29 años y resides desde hace 7 en Barcelona... ¿Por qué has elegido esta ciudad española para vivir los mejores años de tu vida profesional y personal? Acabé mis estudios en Nueva York en el 2003 y tenía ganas de volver al Viejo Continente. Quería vivir en una ciudad que me gustara y que sirviera de base para mis diversos trabajos y viajes. Pensé en Barcelona y en Berlín, y al final me decidí por España. Aún estoy aquí, enamorado.

En tu caso particular, fue antes el huevo -piano clásico- que la gallina -el techno- pero, ¿en estos momentos eres un pianista que toca techno o un technócrata de nuevo cuño con formación e ingente talento clásico? Nunca defino lo que hago, dejo que lo hagan los demás. Yo me muevo entre dos mundos o quizá más mundos...

La labor de llevar el piano al siglo XXI y actualizar su identidad musical en estos tiempos pocos propicios para la lírica es una tarea ciertamente interesante, ¿con qué medios cuentas para lograr tan importante objetivo? El piano no sólo es un instrumento lírico, sino también de percusión y de cuerdas. Es incluso un instrumento de “proto-síntesis”. El piano es fruto de una tecnología muy avanzada, que se desarrolló a través de varios siglos. Para recontextualizarlo en esta época intento usar todos los medios posibles: la cabeza, los dedos, los puños, pero también micros, máquinas de procesar el sonido, laptop, secuenciadores y software. ¿Piensas que, frente a tantas maquinitas electrónicas imperantes, el software del diablo a diestro y siniestro y demás artefactos digitales, el piano clásico tiene algo que decir o hacer? El piano genera sonido. Y cualquier sonido da para experimentar, procesar, crear... ¿Qué sentiste cuando Carl Craig te abrió las puertas de su sello Planet E para que pudieras revisar pianísticamente su universo sonoro? Me lo pasé genial. El estudio es un puntazo y Carl es un grande.

Disfruté de unos días y unas noches inolvidables en Planet E. ¿Con cuál de los dos maestros -Moritz Von Oswald y Carl Craig- piensas que tienes más cosas en común a la hora de crear, y entender, la música contemporánea? Son dos personas exquisitas y dos grandes músicos. Tienen sensibilidad distinta pero se completan en muchos aspectos.

Comparten ese gran oído, esa apertura de espíritu para apreciar no sólo la música electrónica, sino todas las demás. ¿Piensas que hay una sola posibilidad de maridar el techno parido en Detroit con postulados clásicos? ¿Crees que los talibanes del techno detroitiano -tipo UR- van a entender estas aproximaciones estilísticas o las consideraran como puro esnobismo? Nunca lo pretendí, y no es mi estilo hablar por postulados. Conocí a Mike Banks de UR, tocamos juntos en el Innerzone Orchestra, y aunque nunca haya conocido a un talibán,

no creo que Mike tenga algo que ver con ellos; es una persona abierta, exquisita, y domina las armonías jazz gospel como pocos. ¿Por qué cualquier tema de electrónica, cuando se pasa al piano o a otros instrumentos acústicos y clásicos, es como si ganara mucha calidad? ¿Será por qué realmente la música generada con máquinas tiene mucha más calidad -y belleza-compositiva de la se le presume?

No creo que al pasar a la versión acústica la composición electrónica se haga mejor, simplemente es otro punto de vista. No hay ranking de calidad en la música, es un territorio libre. Y si hay sorpresas, como puede ocurrir con el juego electro-acústico, mejor.

Tu nuevo álbum, “Idiosynkrasia”, deambula en ese espacio precioso, tierra de nadie, en el que se sinergian lo acústico y lo electrónico, pero ¿quién viene a rescatar a quién? Si hay sinergia no hace falta rescate, ¿no? ¿Crees que el techno necesita de un acercamiento a la música clásica para lograr una coartada intelectual que lo saque de las calles y los clubs y lo acerque a los libros y a los museos? No, para nada. Yo amo al techno, y no me lo enseñaron en el conservatorio. ¿Qué otros pianistas modernos te interesan y comparten contigo estas labores de exploración tech? Mi compañero de Aufgang, Rami Khalife, Bugge Wesseltoft, Laurent de Wilde... ¡Gente fina!

Por cierto, ¿de qué salud goza el trío Aufgang en estos momentos? ¿Tenéis nuevo material sonoro a la vista? Gozamos de una salud excelente, hemos tocado una veintena de fechas este año, con unos cuantos conciertos en España, como el que nos llevó en verano a Sevilla por el festival Eletrochock (US) 2010, que nos encantaron. Tras la salida de nuestro EP “Air On Fire”, hemos localizado una residencia en París para componer y añadir un componente visual a nuestro directo. En estos momentos, hay varios temas nuevos que se cuecen.

Por último, Autechre es uno de tus combos favoritos reconocidos, ¿cómo crees que les sentaría que Francesco Tristano pusiera sus fantásticas manos encima de uno de sus temas? ¡Ya lo hice! Está en mi primer álbum para inFiné, “Not for Piano”. El track es “Andover”, que en mi versión se llama “Overand”. Tiene el toque fantástico de post-producción de Murcof.

“Idiosynkrasia” está editado por inFiné.

MÚSICA

ENTREVISTA toteking

“El Lado Oscuro de Ghandi” (Sony, 2010) supone el cuarto disco en solitario de Toteking, quinto si contamos el debut junto a su hermano Shotta. El MC sevillano se ha aliado con su viejo amigo Randy, DJ y productor en el mítico grupo La Alta Escuela, para ofrecernos un trabajo sólido y personal, que no obecede a normas ni escenas. Rajando hasta de sí mismo, contando chistes a su audiencia o reivindicando el rock como la mejor base para un sampler, Manuel González dispara primero y pregunta después.

TOTEKING

Texto_ Pablo Vinuesa ilustración_ Ana Langeheldt (laheworks.com)

La primera me la dejas a huevo... Dices en “La parte más fea de mi curro” que te da lo mismo todo lo que no sean las rimas y los ritmos.

Una de las partes molestas del artisteo es tener que hacer promo, así que como estamos ante otra entrevista en la que te pregunto más o menos lo mismo que los demás, ¿cómo llevas a estas alturas tener que ponerte en la mira de los críticos? Lo llevo mejor porque la experiencia me ha hecho aceptar esta parte con mejor humor. Mis contestaciones son más seguras y maduras aunque a veces soltemos disparates.

Físicamente, me cansa más una semana de promo que una semana de entrenamiento... Es agotador e incluso depresivo.

Puede que esté condicionado por el hecho de haberte pasado a una multi, pero me da la impresión de que esta vez te he visto más en TV que otras veces, sobre todo en programas “generalistas”. ¿Cómo llevas eso de que te pregunte gente que no sabe del rollo o te trata como un estereotipo? ¿O quizás a veces es mejor eso que tener que seguirle el rollo a la pandilla de irritantes raperos ortodoxos que también debes encontrarte cada dos por tres? A mí me aburre igual y me agota igual, cuando el medio no controla le suelto respuestas estandarizadas, cuando sí le comento mis nuevos discos favoritos o movidas técnicas sobre la grabación del LP. Es cierto que se ha notado Sony en que hemos estado mucho más en la tele, cosa que me mata, pero no puedo negarme a todo, ya

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hay suficientes medios y programas a los que de antemano he dicho que no quería ir, en algo tengo que ceder. ¿Qué tal en Sony, por cierto? ¿Es tan fiero el ogro como lo pintan o es que también queda muy guay ir de independiente cuando simplemente no se puede aspirar a nada más gordo? Es lo mismo, tiesos como en todas partes, ja, ja... No, en serio, el contrato es de lujo y no tengo absolutamente ninguna queja por el momento.

“El Lado Oscuro de Ghandi” ha debutado directamente en el número 2 de la lista de ventas... Un pelotazo, ¿no? Con este tipo de noticias, ¿se puede uno creer que la música “se muere”, como no paran de repetir algunos? Está guay, ¿no? Nunca habíamos llegado tan lejos en la lista de ventas, se ha notado el curro bien hecho. La música no se muere, el modelo de negocio sí, pero la música no.

Pasando ya al disco, comentas en “Nada Cambia” que sigues haciendo la misma canción. Sé que va en sentido figurado, pero me sirve para preguntarte qué es lo que te motiva, a estas alturas, para seguir componiendo y grabando. ¿Sigues sintiendo las mariposas en el estómago cada vez, o los discos te sirven más que nada para poder actuar? Pues, sinceramente, no es lo mismo que antes, Pablo, me hago más viejo y lo flipo con cosas y otras me agotan. Por ejemplo, mi nuevo estudio para grabar me ha dado una inyección enorme, algo nuevo, una nueva etapa, una nueva forma de componer. Sin embargo, por otro lado estoy sufriendo una especie de duda existencial sobre el arte, algo parecido a lo que cuenta Vila-Matas sobre la NO-escritura, cada día me cuesta más contar historietas en mis letras, es difícil no verme pedante o listillo cuando leo lo que escribo...

No es tan fácil como antes. El arte, el proceso de creación, la misma historia, el mismo curro ya doce años...

A la hora de facturar tus discos has seguido varios caminos, desde el de dejarte aconsejar por gurús de la escena y presentar muchas colaboraciones a trabajar codo con codo con un sólo beatmaker y sin invitados al micro; a veces viajando a otros estudios y ahora al lado de Randy, cocinándotelo como en casa. ¿Cuál de todas estas opciones te convence más, al final? Por ahora, mi propio estudio. Tengo intimidad total y no hay límite en horas de estudio, así que sale un trabajo fino.

Leí en una entrevista que todos los beats de este disco te habían costado menos que uno sólo de alguno de los productores nacionales a los que antes les habías comprado un ritmo, ¿es cierto o una exageración? Cuéntame cómo fuiste seleccionando los temas. Los beats yanquis son baratísimos, allí hay tanta oferta que encuentras gente bestial con precios de risa, sólo hay que sacrificarse y rastrear internet (agotador). Algunos productores de aquí son caros, pero bueno, cada uno pone precio a su curro, no me meto. He ido seleccionando de manera natural, buscaba un productor, y si su material me molaba, le escribía al mail y negociábamos precios y detalles, todo sencillo.

ENTREVISTA toteking

MÚSICA

TOTEKING UN TRABAJO FINO “Redes Sociales” ha sido un pelotazo, precisamente, en las redes sociales... Hay gente que lo ve como una ironía y te acusa de aprovecharte de lo que estás criticando. ¿Qué te parece esta “polémica”? Por otra parte, ¿crees que esa impresión que pudo dar en principio de que las redes sociales iban a convertirse en una especie de democracia globalizada al margen de las presiones de las grandes corporaciones mediáticas se ha quedado en un bluff?

Las redes sociales como Facebook o Tuenti son pura exhibición gratuita y un ejercicio de ego en el 90% de casos. Enganchan, son instrumentos peligrosos porque empiezas usándolos para tu curro y acabas adicto a otros accesorios que vas descubriendo o te van descubriendo. Yo no tengo ni quiero, no me voy al campo a vivir de anacoreta porque duraría dos días, pero intento luchar contra mierdas de aquí en la medida de lo posible. ¿Has visto la peli “La Red Social”? Impresionante, Pablo, de las mejores películas que he visto jamás, vaya montaje, vaya guión, vaya ritmo... Tío, hazme caso si no la has visto, ve y disfruta: peliculón.

Volvamos a Randy... ¿Qué tal ha sido reencontrarte con él? Desde luego, por las conversaciones telefónicas que mantenéis a lo largo del disco parece que os habéis hartado de reír. Que, por cierto, después de hacernos la boca agua con la aparición en el Sevilla All Stars de Territorios y el avance en el disco de Juaninacka, ¿para cuándo la vuelta de verdad de La Alta Escuela? Randy me ha salvado la vida, literalmente. Yo apenas me relaciono ya con nadie de la escena de aquí, estaba muy aburrido de mi vida y mi rutina cuando Randy reapareció con discos nuevos, compartiendo escuchas completas de LPs, ¡como hacíamos antes! Con charlas y cigarritos, sin drogas ni salidas nocturnas, sólo música y charlas y cenitas por la ciudad, dos pseudo-puretas disfrutando de la música, ¡me hacía tanta falta, joder! Como persona es increíble: quiere currar, jamás falta o llega tarde a un ensayo, mejora cada día... Estoy contentísimo, nos llevamos de lujo. La Alta Escuela, por ahora difícil lo veo...

Te podrás imaginar que estamos muy emocionados con “NBA”, como no podría ser de otra manera con un tema que empieza hablando del dedo en alto de Larry Bird o que nombra a mi jugador favorito de siempre, Drexler. Así que aprovecho para preguntarte qué opinas

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sobre el basket NBA actual, el Team USA y el sexto puesto de La Roja en el Mundial de Turquía... ¿No crees que deberían largar ya a Scariolo? La NBA actual me mola, pero ahora hago otro deporte y no me interesa tanto basket (blasfemia). Lo de Scariolo es cierto, nosotros jugamos mejor libre, lo malo es que dependemos mucho de Navarro y cuando no tiene el día fino nos venimos abajo, los pivots no aportan tanto, se nota Gasol cuando no viene, etc.

Cuando te entrevisté por “Música para Enfermos” hablamos sobre raperos underground como Aesop Rock... Yo dejé de seguirle la pista a sellos como DefJux, Lex o Anticon, no sé si tú sigues todavía interesado en ese rollo. De ser así, ¿qué me podrías recomendar que te haya gustado últimamente? Pues mira, de underground escuché hace poco una mixtape de Reks que mola mucho, “In Between the Lines”, pero casi no escucho ya ese palo, le perdí la pista a Aesop y a DefJux, aunque cada año retomo algun temazo, Aesop es otro nivel. En un rollo no under, me flipa lo nuevo que hacen peña como Currensy, Wiz khalifa, Jim Jones o Ryan Leslie. ¿Con qué estrellona del rap mundial te gustaría colaborar? Me refiero a alguno de los realmente potentes en un sentido comercial, tipo Neptunes, 9th Wonder, Alchemist y demás. Con Pharrell, Lupe Fiasco o Swiff D. Has anunciado ya unas cuantas fechas para la gira, pero no encuentro ninguna en Sevilla. ¿Preparas algo especial? ¿Quieres guardarte algo en la manga para presentar el disco en tu tierra? Por otra parte, me llamó la atención que tanto Paco de Lucía como La Mala, cada uno con sus razones, dijeran que les daba cierta aprensión tocar aquí... ¿Cómo vives tú los conciertos hispalenses, como otro cualquiera o como algo especial por aquello de hacerlo delante de toda tu gente? Pablo, los conciertos en la tierra son lo peor. ¡Agobiazo asegurado, bro! Yo lo paso fatal, me pone muy nervioso jugar en casa, me pasaba ya incluso en el equipo de basket... Es mucha presión. Queremos hacer dos fechas, una en alguna sala grande o auditorio, y otra en un festival, a ver qué sale.

Y terminando también con Sevilla, me hizo mucha gracia el otro día encontrarte de cañas junto a Antonio Luque, de Sr. Chinarro. ¡Mis dos músicos favoritos de la ciudad, juntos por mi barrio gracias a Javi Vega! Al día siguiente, Luque puso en su Facebook “cierraelputofacebookya”, y me reí bastante. ¿Te plantearíais alguna colaboración con él, a modo de lo que hiciste con Antonio Orozco?

Ja, ja... Tío, el Luque es genial, qué nota más gracioso, tiene ingenio pa regalar. Me lo presentó hace tiempo Javi Vega y nos hemos visto algunas veces, da gusto oírlo hablar porque te ríes cada dos frases. Gente guay, como todos los rockeros-indies-llámalocomoquieras que he ido conociendo aquí en Sevilla: Joaquín Calderón, Jordi Gil, Israel Diezma, Miguel Rivera... Son todos geniales. Yo ya no paro con raperos tío, ¡paro con indies! A veces me dicen de broma: “¿en qué te estás convirtiendo, Tote?”.

“El Lado Oscuro de Ghandi” está editado por Sony.

SEE IT críticas cine

Imágenes: MACHETE

(ROBERT RODRÍGUEZ Y ETHAN MANIQUIS, ESTADOS UNIDOS 2010) En su concepción original, “Planet Terror” y “Death Proof” formaban un programa doble bajo el título genérico de “Grindhouse”. Tarantino y Rodríguez encargaron una serie de tráilers falsos a otros directores para redondear el paquete, su particular homenaje al cine exploit de los años 70, y el tejano se animó incluso con uno propio, “Machete”, quizás el mejor de todos ellos.

Tres años después, lo que en origen era sólo una broma se ha convertido en un largo de 20 millones de dólares que es a las viejas películas de acción cutres de videoclub lo que “Planet Terror” era a las de zombies. Entramos pues, de lleno, en el terreno de una postmodernidad tan desprejuiciada como descerebarada, así que nadie debe esperar alambicados ejercicios de estilo à la Tarantino. Rodríguez es un realizador sin pretensiones que busca, por encima de todo, la diversión (tanto la suya -seguro que se lo pasa en grande-, como la del público), pero ojo, el espectador sólo podrá encontrarla a partir de una complicidad total. Porque lo que Machete va a ofrecerle es un argumento ultramanido, un héroe invulnerable e inexpresivo, chicas guapas muy bien dotadas para la pelea, un absoluto desprecio de la verosimilitud, cientos de litros de sangre de pega, miembros amputados a mogollón y un buen montón de risas a costa de los diversos niveles de referencialidad que proporcionan cierto espesor a la propuesta (de ahí lo hilarante de la escena en la que los secuaces del malvado que interpreta Michael Booth se preguntan si merece la pena arriesgar la vida por tan dudoso personaje). Y de propina, porque pasábamos por allí, un tirón de orejas a la política anti-inmigración de estados como Arizona. Así que no es aventurado pensar que lo que Rodríguez y su codirector Ethan Maniquis pretendían era actualizar el modelo de joyas como “La Carrera de la Muerte del Año 2000” (1975), pero ni tienen la mala leche de Bartel ni ruedan verdaderas series B. Aun así, queda una una cinta divertida para todo el que quiera que así le resulte, así como una inolvidable línea de diálogo que en cierto modo sanciona el aspecto vintage de la propuesta y la cualidad fuera de este tiempo del héroe: “Machete no escribe SMS”. >Juan Pablo Ramos Fernández

ESTRENO CINE

ARTÍCULO dvd - cine

ROBERT KRAMER LIBERTAD EN FUGA DVDs textos_ David Pareja Robert Kramer es uno de los grandes desconocidos de los documentalistas norteamericanos de la segunda mitad del siglo XX. El suyo fue un cine militante, de izquierdas, inspirado en la memoria y el tiempo; en la capacidad de un instante para definir la realización de una película. Un cineasta auténtico, en constante búsqueda de la verdad a través de la experiencia y el viaje, el pueblo –como grupo de personas que forman una comunidad- y su relación con el poder.

A finales de los 70, se embarcó en la realización del documental “Milestones” –el primero de los DVDs que Intermedio ha editado en un pack dedicado a su figura- junto al también cineasta y colega John Douglas. En plena guerra de Vietnam, se lanzan a la carretera para filmar el desencanto de una generación de jóvenes norteamericanos que empezaban a dar síntomas de hartazgo de la situación en la que se veían envueltos por culpa de su país. Una generación que empezaba a tomar la alternativa al sistema, retratada en más de 50 personajes que componen este itinerario social a medio camino entre el documental y la ficción. Su vocación era la de construir el guión en un proceso de trabajo con los cuerpos y los objetos, como en una constante revelación. En esta película, Kramer afronta la memoria, el dolor de los vencidos y de todos aquellos que han afrontado las derrotas impuestas. Al modo de Benjamin, se decide filmar esos puntos de luz que aún quedan en las grietas de la historia, la naturaleza real de la sociedad de su tiempo. El pack se completa con “Ice”, una película de un futurismo incierto que retrata a grupos de resistencia armada que luchan por derrocar el poder en plena frontera mejicana. Un filme enmarcado en su temprana militancia contracultural. La edición se complemente con un libro con textos acerca de “Milestones”, escritos por sus directores Robert Kramer y John Douglas, así como otros escritos sobre el cine de Kramer, firmados por Jean-Pierre Oudart y Fran Benavente.

El pack de Robert Kramer ha sido editado por Intermedio.

Más info en www.intermedio.net

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CRÍTICAS dvd - cine

LOS CONDENADOS

LA MUJER SIN PIANO CUENTOS DE LAS CUATRO ESTACIONES

ISAKI LACUESTA. LOS CONDENADOS (CAMEO) Isaki Lacuesta forma parte de una generación de cineastas paridos alrededor del Máster de Creación Documental de la Pompeu Fabra. Un componente generacional que se puede admirar en sus dos primeras creaciones, “Cravan vs. Cravan” y “La Leyenda del Tiempo”, estupendas simbiosis entre el documental y la ficción.

Con “Los Condenados” ha dado su primer salto a la ficción para contar la historia de unos guerrilleros argentinos (premeditadamente deslocalizados) que se empeñan en rescatar las huellas del tiempo y la memoria cavando una fosa ilegal para hallar los restos de un camarada muerto, Ezequiel, en acto de resistencia contra los militares. Esto supone el encuentro entre antiguos compañeros de lucha, como el caso de los dos protagonistas: Raúl y Martín; pero también el encuentro entre dos generaciones: una anclada en el pasado, que ha acumulado miedo, dolor y rencores, y una sabia nueva que participa en la excavación con el ánimo de unos ideales prácticamente intactos. El resultado es un retrato generacional acerca del perdón y la lealtad a una causa, filmado con una inquietante intrascendencia y colmado de estilo.

JAVIER REBOLLO. LA MUJER SIN PIANO (CAMEO) El cine de Javier Rebollo es un cine que busca la especificidad de su propio medio, que se cuestiona a través de aquella pregunta baziniana de “¿qué es el cine, qué es lo que lo distingue de otras artes?”. Para contestar a semejante pregunta bien podría valer el visionado de esta película: construida sin apenas diálogo ni acciones, el ritmo está compuesto de tensiones puramente sintácticas, estéticas y, por qué no, cinematográficas. La huída nocturna del personaje interpretado por una magistral Carmen Machi es un paréntesis trascendental en un Madrid castizo y seco como una copa de cognac. Una armonía compuesta de silencios y tiempos muertos, de miradas al vacío y encuentros que bucean entre lo cómico y lo absurdo. Rosa es una ama de casa que huye por una noche de una vida encorsetada y tediosa para adentrarse en lo desconocido y convivir con prostitutas, inmigrantes y trabajadores nocturnos, en busca de algún tipo de aliciente. El resultado es un fresco acerca de la desesperanza y la involución del actual sistema de vida de nuestra sociedad, un tema que queda en segundo plano ante la poderosa realización, que aporta presencia y excelencia en esta estupenda película. ÉRIC ROHMER. CUENTOS DE LAS CUATRO ESTACIONES (CAMEO) La reciente muerte del cineasta francés ha vuelto a poner de actualidad la edición de su obra. Este es el caso de “Cuentos de las Cuatro Estaciones”, enmarcados cada uno en una estación del año: Primavera, Verano, Otoño e Invierno. Al agrupar las películas bajo un componente temático (caso de “Los Cuentos Morales” o “Comedias y Proverbios” anteriormente), el cineasta francés dota a su obra de un componente más elevado y da la sensación de dirigir una obra magna y rica en contenido. Los cuatro cuentos tienen como protagonista el amor en las distintas estaciones, un amor que es el resultado de distintas combinatorias fruto del azar y la disposición de sus actores y que es salpicado de inquietudes filosóficas y trascendentales que alimentan su discurso. El resultado es un ciclo de películas sencillas pero jamás simples, vitales y repletas de diálogo, un diálogo que nutre a los personajes del peculiar estilo del cineasta francés, gran admirador de Pascal y uno de los realizadores más admirados y prolíficos de la ya poco representada Nouvelle Vague (tras el reciente fallecimiento de Claude Chabrol).

LANZAMIENTOS DVD - CINE

ARTÍCULO villalonga

Admirado por John Waters, bendecido en su primera Berlinale y agasajado del éxito marginal que le concede un restringido número de fans en muchas partes del mundo. Lejos del cartel internacional de Saura o Almodóvar, el director de “Laberint” –cortometraje de 1980- ha sabido crear una narrativa intransferible, dotando al drama de mecanismos más propios del género de terror. Unas señas de identidad características, donde destaca un lenguaje artístico maduro –películas muy pensadas- y unas historias con rasgos comunes. Ahora nos presenta su nueva propuesta, “Pan Negro”, poniendo celuloide a una novela de Emili Teixidor. Agustí Villaronga lleva al terreno particular un proyecto que no nace como suyo, así fusiona para este guión el texto de “Pa Negre” con otro libro de Teixidor, “Retrat d´un Assassí d´Ocells” (Retrato de un asesino de pájaros). La cinta, situada en los años 40, no quiere ser una radiografía política de la Cataluña rural durante la posguerra civil española, como ya hiciera en dos obras anteriores –“Tras el Cristal” y “El Mar”-, el realizador usa el fascismo para teñir el telón de fondo de una historia, sin tomar partido en una reflexión moral sobre el tema. De esta forma, deja que el espectador saque sus conclusiones individuales y se centra en juegos narrativos más universales: el valimiento de los poderes fácticos aplicados a personas indefensas, la capacidad de las guerras para degenerar las mentes de las personas y la delgada línea entre el bien y el mal. Rehuye la Guerra Civil de grado partidista, prefiriendo ampararse en una guerra abstracta, descontextualizada, que exponga a los civiles en el centro de las afecciones colaterales. El niño protagonista de “Pan Negro” vive la devastación de los adultos, provocándole una transmutación en su moral.

Descubrir la exposición de acontecimientos a los que está sometido Andreu es el modo de comprender al personaje, y la repercusión de su entorno. El sentimiento metafísico del paisaje interviene de la misma manera que un actor secundario de la narración. El bosque comienza con un verde luminoso hasta tornar al gris y pudrirse. Al igual que Andreu, el bosque -acompañante silencioso- sufre una evolución en términos cinematográficos. Cuando se participa inconscientemente en la elaboración de un monstruo nadie sale limpio. “Es como tirar una piedra en un montón de mierda, que salpica a todos” – advierte el inventor.

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De una filmografía corta –menos de diez dirigidas- y una biografía de película, Agustí Villaronga es un director atípico, que le gusta moverse en el imperio de la violencia física y anímica para después observar los efectos causados. Hay dos films que marcan su devenir en la industria: “Tras el Cristal” y “El Mar”. La primera trata sobre alguien que no puede vivir a través de sí mismo porque permanece conectado a un pulmón de acero y necesita ayuda externa para su vida diaria. El inválido es el doctor Klaus, que torturó, abusó y asesinó a multitud de niños deportados que se encontraban en los campos de concentración nazis. El joven enfermero, Angelo, se ocupará de él y poco a poco tomará la personalidad de Klaus, estableciendo una sórdida conexión entre ambos –la escena onanista es de un exquisito regusto a Zulueta-. Un cine irremediablemente perturbado por el ciclo del mal: nacimiento, reproducción y nuevo emerger. Esta trama de amor vampírica fue seleccionada para el festival de Berlín, consiguió moderadas alabanzas de la crítica y el premio Onda en 1987.

La otra obra es “El Mar” (2000), que indaga en la relación de dos antiguos amigos, recluidos en un sanatorio para enfermos de tuberculosis. Simplificarla a una sinopsis tan concreta sería una actuación punible por mi parte.

Es imposible cuantificar la sensibilidad anatómica esparcida sobre este metraje, dotado de una expresividad desgarrada, un tono desnudo y una mirada turbia que insufla contundencia a sus imágenes. Para mí, una de las diez mejores películas del cine español. Un título en el que todo lo inmaterial fluye hasta desangrarnos, con bálsamo, con un privilegiado sentido descriptivo.

No es de extrañar que a un espécimen de su molde le cueste encajar en un panorama estándar. El realizador se queja amargamente de la mediatización del cine como relleno de horas para televisión, su reducción artística a un método para ocupar espacio de ocio. Este mallorquín con alma de Cronenberg -descarnado del cyberpunk- indaga en las entrañas donde otros sólo se quedan en la epidermis. La cinematografía añora más operaciones en manos del cirujano Villaronga.

ARTÍCULO villalonga

AUTOR DE UN UNIVERSO CONQUISTADO, DE UNAS OBSESIONES PERMANENTES QUE BUCEAN EN LA PROFANACIÓN DE LA INOCENCIA, LAS SEXUALIDADES NO HABITUALES O LOS LÍMITES ENTRE CIELO E INFIERNO. AMO DE UN SELLO ÚNICO. DECIR VILLARONGA ES DEJARSE LLEVAR A TRAVÉS DE UNA MELODÍA INQUIETANTE. CARGUEN EN SU JUKEBOX CEREBRAL EL TEMA “ANGEL”, DE MASSIVE ATTACK, CIERREN LOS OJOS Y ABRAN LAS MENTES HACIA EL HORROR DE LA NOCHE MÁS OSCURA, AQUELLA POBLADA POR NUESTROS FANTASMAS ANCESTROS. Y TENGAN PRESENTE QUE EN LA POÉTICA-VILLARONGA EL FINAL DEL LABERINTO NOS CONDUCE A UNA AGUJA DE GASOLINA INYECTADA EN EL CORAZÓN, AL IRREMEDIABLE CARA A CARA CON LA ESENCIA MALDITA DE NOSOTROS MISMOS. YA NO HAY VUELTA ATRÁS; SUS OJOS NEUTRALIZAN CADA PERSONA A LA VISTA. Texto_ Edu Mestre-Nadal

VILLALONGA, LA NATURALEZA DEL MAL

CINE

PROGRAMA teatro danza

ESTADO PURO. LA FUNCIÓN POR HACER. Una de las sensaciones del teatro español en este 2010 que ya termina es un espectáculo titulado “La Función por Hacer”. Cuentan que se empezó a representar allá por diciembre de 2009 en el hall del Teatro Lara de Madrid, casi sin escenografía ni butacas; sólo seis actores y un texto basado libremente en la obra “Seis Personajes en Busca de Autor”, de Luigi Pirandello. Aitor Tejada, el encargado de redactar la adaptación y uno de los jefes de Kamikaze Producciones, joven compañía que promovió la historia, nos habla sobre los principios: “Lo que hacen en el Teatro Lara es que cuando acaba la función de la sala normal, digamos sobre las doce de la noche, pues se colocan unas sillas en el hall para que quepan unas 80 personas.

Entonces el que quiere quedarse vuelve a pasar por taquilla y puede ver esta segunda función. Se denomina también Off por esto de ser a las doce de la noche, una cosa nocturna así un poco golfa”.

A estas horas y ante apenas 80 personas comienza a representarse la obra.

El primer día los actores, pluriempleados del teatro por aquel momento, pensaban que no se quedaría nadie a verles y que ese viernes lo dedicarían a tomar unas cañas por Madrid. Pero aquel día fue gente a verles, al siguiente más, al siguiente empezaron a ir los críticos y en unos meses estaban en boca de todos. En la actualidad se encuentran inmersos en una gran gira que les ha llevado por casi toda España.

Como se ha dicho, en las primeras representaciones apenas contaban con escenografía. Le pregunto a Aitor si ahora que están actuando en los principales teatros del país han cambiado algo, en la escenografía o en otras partes de un espectáculo que se concibió de forma tan escueta y para un espacio tan especial: “Sí, empezamos con un caballete y un cuadro como únicos recursos, y con eso seguimos. El espectáculo es el mismo, lo único es que cuando se estrenó estábamos rodeados por sillas, algo ideal para la forma en la que interactuamos con el público. Entonces ahora, cuando vamos a teatros que tienen un patio de butacas, lo que hacemos es que subimos sillas al escenario de forma que los actores sigan rodeados. No proyectamos un montaje austero porque no tuviéramos dinero, sino porque era nuestra apuesta: un texto, unos buenos actores y los elementos imprescindibles”.

La forma en la que se implica al público en la obra representa otro de sus atractivos. Además de sentando a parte de la audiencia en el escenario, preguntamos de qué manera se produce esta implicación: “No sacamos a nadie actuar ni se le pide a nadie que hable. La implicación del público se da por el hecho de que los actores se mueven a veces a 30 centímetros de ti, por lo que siempre pasan cosas. Las reacciones son inevitables por esta cercanía: a veces alguien se asusta al ver al actor al lado suyo, o se ríe y todo eso se nota y lo notan sobre todo los actores y las personas que se sientan en el propio escenario. Hay un intercambio visual inevitable entre ellos que produce una energía especial”.

El texto de Pirandello incluye multitud de personajes, por lo que requiere una gran compañía. Le pregunto cómo han hecho para ajustarlo a las posi-

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bilidades de Kamikaze Producciones: “Cuando se plantea la adaptación sabemos que hay que cambiar algunas cosas, pues no podíamos contar una compañía de 15 actores. De todas formas, los cambios afectan sobre todo a las relaciones entre personajes: no es lo mismo una relación padre e hija que la que se da entre hermanos o en un matrimonio. Así, en lugar de la familia con hijos de la obra de Pirandello, aquí aparecen dos hermanos que llegan con sus dos mujeres. Por otro lado, en lugar de llegar a un ensayo en donde hay un tramoyista, director, ayudante de dirección, etc., llegan a una función que ya representan 2 actores. Por lo demás el texto está bastante respetado”.

“La Función por Hacer”, tras una primera aparición este verano en Baeza, pasará durante noviembre, diciembre y enero por los principales teatros andaluces, en Sevilla, Málaga, Granada o El Puerto de Santa María. Kamikaze Producciones empieza a ensayar en febrero un gran espectáculo, que co-producirá el Teatro de la Abadía, basado en la obra “Los Veraneantes” de Maximo Gorki.

ROJO REPOSADO. VIRTUOSISMO LÍRICO Y VISUAL. A los 3 años de edad, en 1943, el holandés Jeroen Browers ingresa en un campo de concentración de mujeres llamado Tjideng, en la actual Yakarta (Indonesia) junto a su hermana pequeña, su madre y su abuela. En 1981 publica sus experiencias en una novela titulada “Bezonken Rood” (Rojo Reposado) donde, entre la descripción del horror y de los límites de la naturaleza humana, destaca el trato dedicado a las relaciones con su madre y a la forma en la que estas influyeron en sus relaciones con todas las mujeres a lo largo de su vida.

El director artístico belga Guy Cassiers, su colaborador habitual Peter Missoten y el genial actor, también belga, Dirk Roofthooft, son los responsables de la adaptación teatral, que ha sido definida por algunos medios como un poderosísimo viaje alucinógeno. Fue estrenada en 2004 y desde entonces se ha representado por todo el mundo en cuatro idiomas diferentes.

Uno de los principales reclamos de la propuesta radica en el espacio escénico diseñado para la ocasión por Cassiers y Missoten, que representa una habitación oscura, iluminada a modo tenebrista por una luz de color rojo, y de cuyas paredes surgen imágenes del pasado y el presente. Cuentan con cinco cámaras con teleobjetivo y una técnica acústica que permite oír hasta la respiración del actor. De este modo, el trabajo virtuosista de Dirk Roofthooft, encargado de contar la historia, resulta aún más impactante, pues cada gesto, cada palabra y cada gemido, se extiende y alcanza de lleno al espectador, en lo que se ha descrito como un “uso emocional de la tecnología”.

El monólogo es en castellano, dura una hora y media, y podrá verse durante los meses de noviembre y diciembre en Gerona, Sevilla, Málaga y Granada.

Las obras recomendadas aparecen en nuestra agenda web: www.clonemagazine.com con indicación de las fechas, ciudades y salas correspondientes.

PROGRAMA teatro danza

COMO EN EL ANTERIOR NÚMERO, DEDICAMOS LA SECCIÓN A LA SUPERVIVENCIA. KAMIKAZE PRODUCCIONES SOBREVIVEN A LA FALTA DE LIQUIDEZ GENERAL. ESTRENARON “LA FUNCIÓN POR HACER” CASI EN MEDIO DE UN PASILLO, CON UN ELENCO A TIEMPO PARCIAL QUE COBRARÍA SEGÚN LA TAQUILLA. HOY SE PASEAN POR LOS MEJORES TEATROS DE ESPAÑA RECIBIENDO FENOMENALES CRÍTICAS Y SU COLABORACIÓN ES RECLAMADA POR GRANDES EMPRESAS COMO EL TEATRO DE LA ABADÍA. GUY CASSIERS Y DIRK ROOFTHOOFT NOS PRESENTAN LAS EXPERIENCIAS DE UN SUPERVIVIENTE A LOS CAMPOS DE CONCENTRACIÓN JAPONESES DURANTE LA II GUERRA MUNDIAL, EN CASTELLANO Y APOYADOS EN UN EMOCIONANTE ANDAMIAJE AUDIOVISUAL.

ESCENA

LA FUNCIÓN POR VER Texto_ Vicente Durá

Imagen: “Rojo Reposado” / Foto: Pan Sok ESCENA

READ IT críticas libros

PATRICK DEWITT. ABLUCIONES. APUNTES PARA UNA NOVELA (LIBROS DEL SILENCIO, 216 PÁGINAS, 2010) Imaginad que Nick Hornby hubiese nacido en Canadá. E imaginad también que el protagonista de “Alta Fidelidad” (1995) fuera, en lugar del dueño de una tienda de discos en Londres, un camarero de un bar de Hollywood. ¿Lo tenéis? Pues algo así me ha parecido “Abluciones” (2010), el que a mi juicio pasa por ser el debut más fresco y original de la temporada. En él Patrick deWitt narra en primera persona las peripecias de una especie de sacerdote del alcohol, que hastiado de escuchar las mentiras y fantasías de su clientela (que incluye todo tipo de perdedores y almas errantes) decide realizar un viaje iniciático para purgar tanta miseria acumulada. Sus clientes son víctimas de Hollywood, y en esto “Abluciones” tiene muchas reminiscencias de F. Scott Fitzgerald, Horace McCoy o Nathanael West. DeWitt saca lustre al trabajo de camarero sin necesidad de recurrir a los viejos clichés de la literatura de bar. Tras las vomiteras y las migrañas hay personas que pueden analizarse a través del fondo de sus vasos y copas que funcionan a modo de microscopio. Echad unas gotitas de Hunter S. Thompson, dos rodajas del citado Hornby, un refrescante sentido del humor y un oído para el pecado. Así ha conseguido Patrick deWitt fabricar el cóctel literario perfecto. A vuestra salud.>Fran G. Matute

HUBERT SELBY JR. LA HABITACIÓN (EDICIONES ESCALERA, 272 PÁGINAS, 1971) Una de las canciones más psicotrópicas que ha dado el mundo del country es “The Rubber Room” de Porter Wagoner. Así que no he podido evitar tener su melodía incrustada en el cerebro a medida que pasaba las páginas de esta espeluznante novela titulada “La Habitación” (1971), segunda publicada por el no menos espeluznante y enfermizo Hubert Selby Jr. Tanto la canción como la novela tratan la angustia del confinado. Uno por locura, el otro por cometer (aparentemente) un delito, pero en ambos casos por no ser capaz de amoldarse a los designios sociales. Selby Jr., siempre ha sido amigo de los “misfits”. Personajes al límite de sus posibilidades, minorías incomprendidas y repudiadas socialmente, con códigos éticos y morales propios. En el caso de “La Habitación”, se cumplen dichas premisas a través del monólogo intimista y rencoroso del reo que clama venganza. Una venganza que el propio autor califica de “extraña y contra natura”, en la que se pone de manifiesto todo lo bueno y repugnante que tiene la literatura del autor de “Última Salida a Brooklyn” (1964) y “Réquiem por un Sueño” (1978). En este sentido, damos la razón a la editorial al calificarla como la “novela más dura que jamás hayamos publicado”.

No queremos desvelar los detalles de sus párrafos más salvajes pero los que ya conozcan al bueno de Hubert saben de lo que puede ser capaz. Los que no, baste decir que tras la lectura de “La Habitación” no podrán mirar a un perro de la misma forma, nunca más.>Fran G. Matute

CRÍTICAS LIBROS

NAN GOLDIN

MONGRAFÍA DE BOLSILLO (PHAIDON) Son numerosas las ocasiones en las que Nan Goldin (1953) ha estado presente en las páginas de nuestra revista y no en vano podemos considerarla como una de las fotógrafas favoritas de la redacción de CLONE. La norteamericana es una de las principales renovadoras de la fotografía documental, o de la también llamada “fotografía de diario”, y también es capital su protagonismo como narradora de la escena contracultural de Nueva York en las décadas de los 70 y 80. Sus fotos son tan íntimas que duelen, y por los diversos capítulos de su carrera artística han figurado temas tan comprometidos como la defensa ante el maltrato machista, la lucha por los derechos civiles, el daño causado por las drogas y los estragos del SIDA. En su honor, Phaidon acaba de editar un libro de bolsillo, con un tamaño perfecto para llevar encima a cualquier parte, que contextualiza su vida y su obra con breves reseñas explicativas.

Escrito por Guido Costa, amigo y colaborador de Goldin durante muchos años, el libro está organizado por orden cronológico, incluyendo ejemplos de sus obras más conocidas y también otros trabajos prácticamente inéditos.

Más info en www.phaidon.es >Pablo Vinuesa

LIBROS

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01. ÚRSULA. HASTA QUE LA SOLEDAD NOS SEPARE (FOEHN) Úrsula –David Cordero/Juan Luis Castro- presentan “Hasta Que la Soledad Nos Separe”, o una exposición magistral de composición. Este nuevo trabajo es completamente instrumental, de atmósferas densas, de conmoción somática. Unos temas muy sopesados, sin arreglos recargados –menos es más en este caso-, dejando que la melodía se desperece hasta conmover de forma natural. El quinto disco de Úrsula, segundo con Mr. Castro, conecta texturas que parecen tener vida propia, abarcando y comprendiendo un hábitat madura. La obra está fragmentada en dos vitrinas: la cara A ofrece temas insuaves, pendencieros y desafiantes, mientras que la cara B presenta una muestra de repliegues en calma, explicados a través de un gozoso piano protagonista. El temporal se abre con “Capitulo Siete”, ¿el primero de los seis temas o la continuación del último “Un Final Decepcionante”? -la sensación cíclica acompaña en todo momento-. Emocional, intensa, hermosa, “Capítulo Siete” sugiere conmoviendo. En cuestión de referencias, creo que las influencias van desde Eluvium, Henry Gorécki o Earth hasta Efterklang y The Sight Below. Las señas de identidad del grupo, esa pesadumbre de un cielo enardecido rodea a “Humildad y Paciencia” o “Teoría del Sufrimiento”, que cierra la cara A asumiendo su final de manera primorosa, para dar paso a la claridad reflexiva. La otra cara comienza con la gran pieza del álbum. Navegar por “Insomnio de Verano” es rozar el implacable y piadoso amanecer después de una noche en vela. Una cita con la añoranza más sincera. Dolorosa y firme como una partitura de Clint Mansell. Brillante e inalterable. Úrsula ha creado la BSO de una película de culto. El cartel del film es una fantástica fotografía –perturbadora y enigmática- del artista Cristo Ramirez; un caserón que pareciera albergar el espíritu perdido de Aleister Crowley. La estampa ancla perfectamente con estos músicos metidos a ordenar la liturgia de los recuerdos imperecederos en la piel.>Edu Mestre-Nadal

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REVIEWS

02. CUCHILLO. DUAT EP (LIMBO STARR) El dúo formado por Israel Marco (guitarra, voz) y Daniel Domínguez (batería y percusión de diverso pelaje) sorprendió a la escena patria con un debut homónimo, editado por Sinnamon en 2008, que se coló por méritos propios en todas las listas de lo mejor del año (e incluso de la década, en revistas tan dadas a estas clasificaciones como Rockdelux). Resultaba intrigante que su discurso, un folk fronterizo y psicodélico, arenoso y evocador, tan poco habitual en grupos nacionales, llegara de dos músicos con tan poco conocido bagaje anterior. Por lo tanto, “Duat” no debería cogernos por sorpresa. Se trata de un EP que alcanza casi la media hora de duración, con tres canciones de progresión y digestión larga que magnifican sus aciertos. Cantado esta vez íntegramente en castellano y con una notable carga intelectual (la Duat era, según la hoja de promo del disco, “un cielo inferior situado bajo la Tierra, por donde el sol Ra hacía su periplo en una barca, de oeste a este durante la noche”), este trabajo ahonda en los trabajos ambientales de estos particulares Amor Belhom Duo españoles. Queda claro que los tres temas aquí introducidos no se adhieren a la memoria a la primera, pero su capacidad de subyugar supera con creces a la de los habituales hits indies a los que nos tienen acostumbrados las bandas de aquí. Sólo hay que darles la oportunidad.>Pablo Vinuesa

03. CUZO. OTROS MUNDOS (ALONE RECORDS) Para muchos de nosotros, Alone Records es ese sello de santos majaras que desde Málaga se atreve a conceder al mundo, como bien supremo, los discazos de los enormes Orthodox. Pero claro, como aquí es ignorante hasta el que firma, hay que aclarar que el label de jevi “raro” tiene bastantes bandas en su catálogo, y además las mueve a buen ritmo. Concretamente, hemos recibido hasta cuatro discos de las siguientes bandas: Novak, Aleppo Pine, The Soulbreaker Company y Cuzo. Como el espacio es breve, dedicaremos la reseña a la última de ellas. Tras su debut “Amor y Muerte en la Tercera Fase”, “Otros Mundos” supone otro aldabonazo de rock instrumental y psicodélico, basado en la improvisación. Cuzo, además, no son recién llegados: Jaime L. Pantaleón es bien conocido por empuñar la guitarra de los barceloneses 12twelve, mientras que la base rítmica viene enterica de Warchetype. Con esos antecedentes en cartera y los siete contundentes temazos de stoner rock espacial y lisérgico que esgrimen en este estupendo “Otros Mundos”, no resulta extraño que presentaran su debut en el festival de Sitges o que sirvieran de banda de acompañamiento por nuestro país para el mítico Damo Suzuki, cantante de Can. Para nada, vaya.>Jorge Montes

04. UNDERWORLD. BARKING (COOKING VINYL/[PIAS] SPAIN) Menos house que nunca y más dance que siempre. ¿Será la edad? ¿Será la moda? Underworld se muestra menos radicalizado que en trabajos anteriores. Adulterado con unas dosis de pop considerables, el trance de “Barking” ha quedado relegado a un segundo plano (algo que se agradece). Las nueve canciones, que conforman el octavo álbum de su carrera y primero en tres años de este dúo, han nacido de una koiné de productores y están concebidas para lucir bajo las luces de neón unas estructuras sólidas y alejadas, en su mayoría, de la mera repetición machacona de antaño, con la excepción de “Moon in Water” y “Louisiana”, que se consolidan como el nexo más obvio con su estilo de siempre. Sin embargo, siguen preservando su euforia y su carácter atmosférico. La furia del archimegaultraconocido “Born Slippy”, su éxito más sonado (y bailado), tema principal de la banda sonora de la aplastante “Trainspotting”, ha dado paso a una evolución sosegada que se ha apoyado en el techno más puro. Un buen disco de unos clásicos de la modernidad, que no debe pasar desapercibido.>Angélica Guzmán

05. THE WALKMEN. LISBON (BELLA UNION/NUEVOS MEDIOS) Miren, para qué engañar al personal... “Lisbon” es el primer disco de The Walkmen que llega a mis santos soplillos. Para qué me voy a hacer el guay haciendo recuento de sus cinco largos anteriores; a qué vendría citar que el quintento viene de las cenizas de dos bandas anteriores como The Recoys y Jonathan Fire*Eater, la primera de las cuales desconozco absolutamente y de la segunda sólo me suena de nombre, y porque venía de Washington D.C. como mis queridos Fugazi. En lo que sí puedo ser certero es en captar, sobre los digitales e imaginarios surcos del CD, el amor que sienten estos neoyorquinos de adopción por los instrumentos vintage y el rock menos acomodaticio. Un rock entendido como un todo que puede incluir en sus trazas la melodía de Scott Walker, la huella áspera de Television, el brinco de los Specials o la heterodoxia de Arto Lindsay (quien ha pasado por el estudio que tienen en Harlem). Es “Lisbon” un disco de canciones expansivas, que se toma su tiempo en despegar, se abriga en elegantes arreglos orquestales, trota al ritmo de las guitarras y se deja mecer por la voz de Hamilton Leithauser, plena de matices. Clase es poco, amigas.>Jorge Montes

06. YANN TIERSEN. DUST LANE (MUTE/[PIAS]SPAIN) Amélie le dio la vida y Amélie se la quitó. Resulta imposible no comparar ningún trabajo de Yann Tiersen con ese álbum. Ninguno de los temas de sus trabajos, anteriores o posteriores, posee la magia, la carga de sentimientos o la capacidad de retorcer el alma que destilaba esta banda sonora (que original, lo que se dice original, no es ya que parece un “lo mejor de”). Esta insufrible película marcó un antes y un después no sólo en la carrera de este músico francés sino también en su cuenta corriente. Así, hay versiones de la misma para aburrir. La monotonía ha sido una constante en los trabajos posteriores a esta banda sonora y este “Dust Lane” no es una excepción. Con unas fuertes reminiscencias de Kraftwerk, retazos de las “dotes” líricas de Gainsbourg y grandes similitudes con lo peor de Air, estas siete canciones adolecen de un tedio absoluto que demuestra que Tiersen ha llegado adonde iba, pero su avaricia no. Atrás quedaron los discos de hasta dieciocho composiciones. Si bien hay músicos que poseen un don especial para la innovación, desde luego, no es el caso de Yann.>Angélica Guzmán DISCOS - CRÍTICAS

Mucha de la gracia que tenían los dos primeros discos de Wavves residía en su capacidad para conjurar, con insultante frescura, aquellas grabaciones en baja (o inexistente) fidelidad que protagonizaron la explosión indie a principios de los noventa. Cualquiera que hubiera disfrutado con Guided By Voices o Sebadoh en aquella época estaba condenado a esbozar una amplia sonrisa al escuchar canciones como “So Bored”, así de sencilla es la naturaleza humana. El caso es que la jugada le salió bien a Nathan Williams y su proyecto fue aupado a las alturas por Pitchfork, otros nostálgicos del primer indie, convirtiendo lo que debería haber sido un capricho puntual en algo con tanta proyección que hasta su propio autor quedó sobrepasado, como ha reconocido en varias ocasiones, y como demuestran los distintos episodios acerca de crisis nerviosas y cancelaciones de giras que jalonan su breve carrera. Cuento todo esto porque se nota que “King of The Beach” es el disco que ha grabado Williams para reconciliarse consigo mismo y de paso con su público; el disco que debería convertir su proyecto-de-dormitorio en una banda-de-verdad y solucionarle eso tan mundano de ganarse las habichuelas. Un objetivo para el que le ha resultado inevitable fichar a un grupo de músicos y “limpiar” gran parte de la suciedad que acumulaban las producciones, dejando así al descubierto sus habilidades compositivas, que no son pocas. Eso sí, a la vez que la limpieza ha llegado un endurecimiento de sus canciones, que siguen mirando hacia el rock independiente de los primeros noventa, pero han cambiando los referentes para acercarse a bandas más guitarreras, como Sugar, Nirvana (en “Idiot” hasta parece que canta Kurt Cobain), los Pixies o los inevitables Dinosaur Jr. Una forma de escribir, tan efectiva como poco original, que sólo pierde fuelle en la segunda mitad del disco, cuando Williams se empeña en jugar al collage según las reglas de Animal Collective (“Baseball Cards”, por ejemplo), con resultados bastante discretos.>Vidal Romero

WAVVES. KING OF THE BEACH (BELLA UNION/NUEVOS MEDIOS)

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Por favor, antes de empezar quiero que abandonéis cualquier opinión preconcebida sobre Stromae. Por mucho que últimamente os hayan bombardeado desde la Máxima FM con su hit single “Alors On Danse”, no cabe la menor duda de que nos encontramos ante un tipo bastante peculiar, y con sólo unas pocas búsquedas por Google me entenderéis. Para empezar, si su debut está editado por Island Records (recordemos: casa de Bob Marley, U2, PJ Harvey, Tricky o The Killers, por decir algunos), algo tendrá el agua cuando la bendicen. Segundo, cuando un belga de origen ruandés que viste con las pintas del Fidel de “Aída” produce temazos de new beat en su casa con un iMac y se dedica a subir vídeos a YouTube con “lecciones” en las que enseña a tunearlos, se es fans sí o sí. Tercero, porque Stromae viene de “maestro”, un detallico para con los de aquí que no es el único en un disco que incluye, por ejemplo, una pista llamada “Te Quiero”. Cuarto, porque su reivindicación del new beat belga nos parece un precioso ejercicio de nostalgia que, por cosas de las modas, ahora mismo estaría en toda la pomada electrónica. Quinto, porque a modo de un Calvin Harris tirafresas, Stromae sabe cómo se construye un pepino para la pista de baile. Y sexto, porque aunque parezca inconcebible tras todo lo anterior, Stromae es mucho más que un friqui haciendo dance.

Es cierto que se necesitan ciertas nociones en el lenguaje de Sarkozy para darse cuenta, pero sus letras son bastante inteligentes. Siempre entre la melancolía y el hedonismo, sabe ser existencial sin ser cargante, y no se pueden dejar de percibir ciertos homenajes al gran Jacques Brel... Sólo nos queda aplaudirle y bautizar su estilo como chanson ravera, con un par.>Carolina Moreno

STROMAE. CHEESE (ISLAND/UNIVERSAL)

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MOGWAI EL SONIDO DE LA BESTIA Los conciertos de Mogwai siempre han sido una experiencia religiosa. Glorificados por unos debido a su insultante capacidad para construir un marmóreo muro de sonido, denostados por otros por eliminar los elementos más sutiles de su música al sobreponer el brutalismo. Los de Glasgow saben perfectamente que sobre las tablas representan mejor sus virtudes y sus defectos, y por eso “Special Moves” (Rock Action/[PIAS] Spain, 2010) es un lanzamiento tan atractivo. La materia prima fueron tres noches en el Music Hall de Williamsburg, en Brooklyn el pasado año. De ahí surgen el propio “Special Moves”, un CD de audio con once canciones en directo, y “Burning”, un DVD que recoge ocho temas en formato audiovisual. El primero sorprende por la limpieza de su sonido, hablando de una banda que incluso ha llegado a ofrecer en directo tapones para los oídos de sus sufridos fans. Con una perfección técnica encomiable, registran temas tan conocidos como “Hunted by a Freak”, “Mogwai Fear Satan”, “Cody” o “2 Rights Make 1 Wrong”. El final, que enlaza su primer huracán con marca registrada, “Like Herod” (que estuvo a punto de llamarse Slint), con la también monstruosa “Glasgow Megasnake”, deja los pelos como escarpias y las orejas entumecidas. Sin embargo, más interesante todavía resulta “Burning”, ya que el poderío sónico de los chicos se hace acompañar por unas preciosas imágenes en blanco y negro, de impecable fotografía y mucho grano, firmadas por Vincent Moon, el genio detrás de los “Take Away Shows” de La Blogotheque, junto a uno de sus habituales, Nat Le Scouarnec. Y es así, casi en penumbra, centrándose en los primeros planos, en detalles de los instrumentos, en el público extasiado o en las lluviosas calles de Brooklyn, donde Mogwai se ven todavía más espectaculares.

“Special Moves” está editado por Rock Action y distribuido en nuestro país por [PIAS] Spain.

Texto_ Pablo Vinuesa

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THE NEW RAEMON JUEGOS REUNIDOS Aun a riesgo de resultar pesados, no dejaremos de recomendar a través de estas páginas al artista nacional que en mejor forma parece encontrarse: Ramón Rodríguez. En sólo un par de años, los que lleva parapetado tras el alias de The New Raemon aprovechando el parón técnico de los añorados Madee, ha editado los discos “A Propósito de Garfunkel” (BCore/Cydonia, 2008) y “La Dimensión Desconocida” (2009), más un par de EPs. Como fin de ciclo, y anunciando ya un nuevo trabajo que reconoce como estimable giro estilístico para el grupo, Ramón ha decidido recolectar todos aquellos trabajos “secundarios” en su discografía, aunque este adjetivo pueda sonar despectivo con unas canciones que no se lo merecerían. “Epés Reunidos”, por lo tanto, se carga con hasta veinte canciones que repasan todo el material incluido en los vinilos “La Invasión de los Ultracuerpos” (2009) y el más reciente “Cuaresma” (2010), más varias colaboraciones de lujo que incluyen a Lluís Gavaldà (Els Pets), Charades, Pau Vallvé, Manos de Topo y hasta nuestros Maga. Versionar a gente afín es algo a lo que ya nos tiene acostumbrados (como la preciosa “Te Debo un Baile”, de Nueva Vulcano), pero en “Epés Reunidos” se hace bidireccional, como cuando mejora el “Pollo Frito” de los inasibles Manos de Topo y estos le devuelven la jugada con una reinvención de “Sucedáneos”. Además de todo esto no le faltan temas inéditos, como es el caso de “¡Retirada!”. Para los fans más acérrimos del de El Maresme y aquellos adictos al vinilo, quizás el interés de este CD sea relativo, pero la compra es obligatoria para los conocedores de sus dos largos que no hayan accedido todavía a los maxis previamente editados, porque este material dista bastante de ser un mero relleno de transición.

“Epés Reunidos” está editado por BCore Disc.

Texto_ Pablo Vinuesa Foto_Alba Lajarín

DISCOS - CRÍTICAS

TWOTHIRDS. PROTECT WHAT YOU LOVE

Twothirds es una nueva marca de ropa nacida en Donostia - San Sebastián, corazón del País Vasco. El nombre proviene de la idea de que las dos terceras partes de nuestro planeta están cubiertas por los océanos y está dirigida a personas despiertas, conscientes del inmenso valor de nuestros océanos y que están íntimamente ligadas con el surf, pero que a la vez se encuentran sedientas de estilo y sustancia.

Quizás os preguntéis por qué esos precios van unidos a unos diseños tan sobrios, pues bien, en este caso, menos es más, Twothirds se aparta del barroquismo y apuesta por las líneas simples, colores básicos y a la vez tremendamente actuales. Se trata de desechar lo accesorio e innecesario y ganar en calidad. Todo está cuidado, hasta el más pequeño de los detalles. Bolsas totalmente biodegradables, tejidos orgánicos, proceso de fabricación mínimamente contaminante... Es la nueva manera de hacer las cosas, no es sólo cuestión de concienciación, se trata de llevar las buenas intenciones a la práctica y convertirlas en acciones específicas, como donar el 10% de sus ganancias a Oceana, una organización de científicos encargada de la conservación y protección del medio marítimo, o como llevar al stand de la marca en el Bread&Butter una ola hecha de botellas de plástico para representar de una manera muy impactante y creativa cómo estamos contaminando nuestras aguas. Reconocemos las grandes iniciativas, y por eso nos unimos a su causa, el azul es el nuevo verde. Más info en www.2thirds.com > Lourdes R.

SHWOOD SUNGLASSES

Estamos huyendo del plástico en un desesperado intento de frenar el cambio climático. Ya lo había hecho la empresa japonesa Marubeni con sus USB y keyboards de madera, o la alemana Herrlicht con sus monturas para gafas de madera. Shwood crea cada gafa de sol de manera totalmente artesanal, respetando al máximo la materia prima para que el resultado final no pierda la esencia de la naturaleza. Tienen una estética muy cuidada y atemporal... No me voy a enrollar, son una chulada y punto.

Más info en www.shwoodshop.com > Lourdes R.

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SURFPOD, WATERPROOF MUSIC “¿Sos una de esas personas que lleva el MP3 a todos lados todo el tiempo? ¿La música no puede faltar en tu vida? ¿Alguna vez imaginaste poder escuchar música mientras surfeas o mientras remas? Imagina lo adrenalínico que puede ser bajar una ola escuchando “Enter Sandman”, “Gimme Shelter” o “Rock n’Roll Train”. Imagina nadar o bucear escuchando “Could You Be Love”, “Nothing Else Matters” o “Enjoy the Ride”. Imagínate a ti y a tu música bajo el agua, fluyendo. Deja de hacerlo. Prueba Surfpod, y tu música será waterproof”. Así nos presenta Nicolás Larrosa su revolucionario producto. Este joven ingeniero argentino, afincado en Sevilla, comenzó a diseñar el primer prototipo, “SURFPOD BEGINNER”, a principios de este año, y en menos de tres meses ha conseguido vender más de 300. Podemos encontrarlos en varios tamaños y colores e incluso una modalidad transparente, lo que te permitiría usar tu smartphone como cámara fotográfica.

Puedes sumergirlo hasta seis metros de profundidad. Actualmente se encuentra trabajando junto a sus proveedores en nuevos diseños. Es increíble la gran demanda que está consiguiendo sin hacer apenas publicidad alguna, ya sea en la playa o en el gimnasio, todo aquel que se encuentre cerca le pregunta dónde puede conseguir uno. Y para aquellos escépticos que se pregunten qué pasaría con los auriculares si una ola te pega un gran revolcón mientras surfeas, pues te contesto que posiblemente se te caerán, aunque en esto también ha pensado su creador, que ha diseñado diferentes tamaños de almohadilla que se adaptan a cada tipo de oreja, te los vuelves a poner y listo. No hay que olvidar que si nos pegamos un buen hostión cuando escuchamos música mientras surfeamos en la nieve, también se nos caen los auriculares, el gorro y hasta las gafas...

Más info en facebook.com/SurfPod > Lourdes R.

“NEW PROJECTIONS OF THE OLD WORLD”, DE QUICKSILVER El surfer Dane Reynolds nos muestra a través de esta colección una nueva faceta artística, hasta ahora poco conocida. Como el titulo refleja, las camisetas que componen la colección presentan un nostálgico aire retro, un estilo que encaja perfectamente con el tipo de vida de Dane y su visión del mundo.

Sólo disponibles en las tiendas Quiksilver Union, una red de ventas que engloba 40 de las mejores tiendas independientes de surf de Europa. www.marinelayerproductions.com Abajo: Dane en el Hurley pro de California.

THE QUIET LIFE, ALEX OLSON Y EL RESTO VA RODADO

Cascos WESC en colaboración con Rocky Powell.

It´s cool for:

Si conoces el mundo del skateboard sabrás perfectamente quién es Alex Olson; si ni te suena, contarte que es reconocido planetariamente por sus impresionantes trucos sobre el skate, además es fotógrafo amateur y tiene una colaboración con The Quiet Life para esta temporada otoño invierno 2010. A Andy Mueller le encanta la fusión skate-fotografía y para los amantes de ambas artes ha diseñado una tabla muy original rescatando el logo Shoot Me dedicado al Camera Club. Patinadores, es la oportunidad de tener a Alex Olson a vuestros pies.

Más info www.thequietlife.com

STUSSY BY VANS

www.vans.es www.stussy.com

Lo nuevo de KR3W

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La primera collección de zapatillas de KR3W ya está en la calle. Bajo el lema de “The Jackson”, estas nuevas zapatillas aúnan en un solo objeto los estilos dress y casual, junto con materiales de primera.

Con finas y ligeras suelas y una minimización del impacto visual del branding, las Jackson son la opción perfecta para lucir estilo sin estridencias. Más info: http://kr3wdenim.com

We’re the Superlative Conspiracy

WeSC se inspira en la bebida de los dioses para dar vida a la colección Otoño - Invierno 2010. Como si de un buen vino se tratase los suecos nos traen una temporada cargada de tonalidades burdeos, básicos oscurecidos, pasteles ensuciados combinados con gráficos de formas angulares y cortes limpios. La filosofía de la colección se centra en posicionar el vino como el eje central de la comida y no como un mero acompañante. Comprendiendo que el tiempo en madurar el vino excede el tiempo empleado en perfeccionar un plato.

Más info www.wesc.com

Feiyué

Nuevas zapatillas x Andrè en Colette.

La semana de la moda de París, en octubre pasado, fue el momento elegido para la presentación de la colaboración exclusiva entre la prestigiosa firma Feiyuè con el street artist Andrè. Y es que, reconocido internacionalmente por haber dado otro sentido al graffiti, Andrè decora desde los 13 años las paredes de las grandes capitales mundiales, destacando en el universo del street art por la omnipresencia del color rosa. Para la ocasión, el creador ha versionado la deportiva FE-LO, el modelo de lona blanca más clásico de FEIYUE, realzado con el célebre “Mr.A” y cordones conjuntados.

Más info en: www.feiyue-shoes.com

NUDIE JEANS

Total look chico Más Info: www.nudiejeans.com

TOKYOFLASH

Desde luego, lo que no inventen los japoneses... Si eres de l@s que no te gusta quebrarte mucho la cabeza, esto no es para ti. Intentar descifrar la hora qué es, en algunos de estos relojes, requiere largas horas de estudio de las instrucciones. Pero, realmente, ver la hora no es la intención principal de quienes compran estos relojes, más bien se trata de diferenciar nuestra individualidad del resto de las individualidades. Es arte y diseño al alcance de nuestras muñecas. Más info en www.tokyoflash.com > Lourdes R.

INSIGHT

www.insight51.com

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ADIDAS

Gafas Snow Adidas.

Más Info: www.adidas.es

Camiseta chica Bench.

Más info en www.bench.co.uk

GET YOUR SHIT TOGETHER!

Que el título no os lleve a equívoco, no es ninguna grosería.

Viene a ser algo así como “¡organízate!”. Es lo que nos dice Dominique Aris, el inventor de las mochilas GYST (además de atleta de triatlón, surfista, windsurfista, snowboarder y padre), quien nos insta a testar su producto a prueba de agua, arena y hasta pañales de bebé... Y es que ha creado una revolucionaria forma de empacar: se trata de una mochila con dos compartimentos totalmente aislados. En uno de ellos puedes guardar tu neopreno mojado, el traje de ciclista o tus botas manchadas de barro sin preocuparte de que el resto de la mochila pueda ensuciarse o mojarse.

Aunque lo realmente novedoso no es ni la impermeabilidad de la bolsa, ni lo que puedas guardar o no en ella, sino la posibilidad de utilizarla como esterilla. L@s que surfeáis compartiréis conmigo la incomodidad de ponerse un neopreno con los pies llenos de arena, más aun si este está mojado por el baño anterior. Con las mochilas GYST no es necesario llevar dos toallas a la playa, simplemente una para tapar vuestras partes nobles y no escandalizar al personal circundante. Lo mismo ocurre con los deportes de nieve, puedes cambiarte las botas de snow/sky en cualquier parte sin preocuparte de la humedad o de la suciedad. Como ya es habitual, aunque no todo lo que desearíamos, cada vez más empresas se suben al carro de los tejidos ecológicos, la no-contaminación y el ahorro de energía. GYST fabrica sus mochilas libres de PVC, además de minimizar las emisiones de carbono durante a fabricación de las mismas. No sólo se comprometen con el planeta, GYST no acepta la actitud de la “victoria a cualquier precio”, abogan por el juego limpio y los deportes libres de drogas. Toda una declaración de intenciones, sólo resta probarla y disfrutarla. Más info en www.gystconcept.com > Lourdes R.

Imagen de ERIK SANDBERG. Más info en: www.eriksandberg.com

SEVILLA CLUB, BARES Y CAFÉS CIUDAD CONDAL CAFÉ cocktails & sound club

ROPA, VESTIR, STREETWEAR MONTANA shop & gallery

CONCHA DE LA ROSA escuela de fotografía C/ Amparo 9, Local. Tlf.: 685997966 info@conchadelarosa.com / www.conchadelarosa.com

Pérez Galdós 1 Acc. Sevilla. www.montanasevilla.com hello@montanasevilla.com - Especializada en graffiti y arte urbano. Exposiciones, aerosoles, libros, ropa.

Alameda de Hércules, 94. Sevilla.

Lounge & Dj Sesions - Creadores de Cocktail.

La terraza más ChillOut de la Alameda.Ciudad Condal Café es punto obligado de la tarde-noche sevillana.

IAJ instituto andaluz de la juventud www.andaluciajunta.es/patiojoven

CENTRO ÓPTICO CERVANTES

CAFE CANALLA Torneo 23. Sevilla.

Abierto todos los días de 15:00h a madrugada. Djs de jueves a domingos. Música Pop-Rock. Zona wifi.

Amor de Dios, 31. Sevilla. www.centroopcitocervantes.com - MYKITA, PAUL FRANK, OLIVER PEOPLES, STARCK, PAUL SMITH, ALAIN MIKLI, ANNE ET VALENTIN, etc.

C/ Reposo, 9. Zona Centro. 41002 Sevilla.

Tlf. 954 37 80 40.

PELUQUERÍA PEPE CRUZ peluquería

DE CALLE Sevilla: Arjona (Plaza de Armas) + Jauregui, 9 (Puerta Osario). Tlf.: 902242025 - www.ropadecalle.com INSIGHT, STUSSY, FENCHURCH, BENCH, PAUL FRANK, WESC, VANS, ATTICUS, éS, EMERICA, FOX, etc.

C/ Don Alonso el Sabio, 10 Bajo. 41004 Sevilla.

Tlf.: 954 21 09 99, zona Alfalfa.

Cita previa.

MÁLAGA

JACKSON bar Calle Relator 21, Alameda de Hércules. Sevilla Abierto todos los días de 22:00h a madrugada.

Programción diaria de Djs.

MONASTERIO DE SAN CLEMENTE cas

THE ROOM skateboarding Arjona 4, Local C. Sevilla. Tlf.: 954216754 www.theroomsk8.com - C1RCA, EMERICA, SUPRA, ELEMENT, MOGRA, OSIRIS, BLACKLABEL,

CULTURAL CAC centro de arte contemporáneo málaga Calle Alemania s/n. Málaga. T. 952120055 cacmalaga@cacmalaga.org / www. cacmalaga.org Exposiciones, colección, actividades culturales...

CÓRDOBA CINE - ARTE OBBIO la sala club - “10 años de OBBIO” Trastamara, 29. Junto Centro Comercial Plaza de Armas.

Sevilla. Teatro, Cine, Música...

Obbio Razz Dj´s, Fiestas y mucho más!

CULTURAL, TALLER, ESTUDIO BIACS

fundación

FILMOTECA DE ANDALUCIA Puerta Osario, 1 (Parada Taxis). Córdoba.

Medina y Corella nº 5. 14003 Córdoba. Tlf.: 957355655 www.filmotecadeandalucia.com

Fundacion Bienal de Arte Contemporaneo de Sevilla Camino de los descubirmientos, s/n. Pabellon de Espana.

Isla de la Cartuja. Sevilla. www.fundacionbiacs.com

CAAC centro andaluz de arte contemporáneo Monasterio de Santa Maria de las Cuevas. Avda.

Americo Vespucio n2. Isla de la Cartuja - 41071 Sevilla.

Tlf 955037086 / www.caac.es

GUÍA URBANA - COMPRAS

STAFF

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