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N44. SEP/OCT 10.

FREE ISSUE. REVISTA GRATUITA


Portada y estas páginas imágenes de INSALAND. Ser un fetichista empedernido, no significa que no puedas hacer negocio con ello. Y es que, ¿qué te puedes esperar de un tipo que tras años de background graffitero ha decidido lanzar su primera línea de tacones?. Sí, de tacones. Se llama Insa Heels y podría ser la punta del iceberg de una cabeza brillante por la que pululan piernas de pin-ups descabezadas, estéticas hip-hoperas rebosantes de rosa chicle y silicona y nuevos estampados de patas de gallo entre los que se distinguen, entre otras cosas, anónimos y generosos traseros. El dueño de la rebosante fábrica de especimenes artísticos se llama Insaland, es británico y entre su apabullante currículum destacan colaboraciones con firmas como Sony o la todopoderosa Nike. ¡Ahí es ná! Disfruten del pa(i)saje. Más info en: www.insaland.com


START clone.44 - sep.oct 2010 “NUDE”

TODOTUYO!. III CONCURSO DE ARTE URBANO

MARIO TESTINO. TODO O NADA.

INSCRIPCIONES HASTA EL 1 DE OCTUBRE. SEVILLA. Es intensa, lo sabemos. En ocasiones puede llegar, incluso, a parecer anclada en un pasado del que muchos llegan a dudar, pero si algo bueno tiene Sevilla es su capacidad para convivir consigo misma y a veces hasta crear tendencia. La idea de decorar con graffitis los anodinos contenedores de vidrio que hay por toda la ciudad seguramente puso los pelos de punta a más de uno. Pero los hechos son los hechos, y estos han demostrado que se trata de una de las ideas más originales y exitosas que se han llevado a cabo en la ciudad en mucho tiempo. Patrocinado por Lipasam y Montana Shop Gallery, Todotuyo!, el III Concurso de arte urbano ya está en marcha. Con el objetivo de dar a conocer las creaciones graffiteras de calidad y en las que no sólo la forma es lo que cuenta -los organizadores también pretenden concienciar a los viandantes sobre la importancia del reciclaje, tema sobre el que se basarán las propuestas-, Todotuyo! está abierto a propuestas tanto individuales como en grupo. Con premios de hasta 1.500 euros y la satisfacción de un impacto visual mucho mayor que la de cualquier museo, esta propuesta bien merece una idea. Más info en www.lipassam.es y www.montanasevilla.com

MUSEO THYSSEN. MADRID. DEL 21 DE SEPTIEMBRE DE 2010 AL 09 DE ENERO DE 2011 Los diseñadores saben que su talento bien vale un desnudo. Y es que con ropa o sin ella, Mario Testino ha sabido marcar personalidad en el difícil mundo de la fotografía de moda. Por ello, el Museo Thyssen-Bornemisza acogerá, por primera vez en España, la obra del prestigioso fotógrafo peruano. La exposición constará de 54 obras que muestran tanto su faceta como fotógrafo de moda -con imágenes realizadas para revistas como Vogue, Vanity Fair, V Magazine, Allure o The Face-, como fotografías más personales e impresiones realizadas para esta muestra. Combinando las técnicas analógicas con los últimos avances en tecnología digital, el artista muestra el proceso y todas las implicaciones que supone la acción de desnudarse. Desde el glamour de las top model y celebrities vestidas con trajes de alta costura, hasta mostrar su belleza sin ropa. Son las diferentes caras del mundo de la moda que reflejan a la perfección la relación del fotógrafo con sus modelos y su icono de mujer, la “mujer Testino”, una mujer fuerte e independiente que se mueve en extremos completamente opuestos, Todo o nada, y que el fotógrafo ha definido y redefinido a lo largo de toda su carrera. Más info en www.museothyssen.org

ENTREFOTOS XII 2010 PASEO DE LA CHOPERA 10. MADRID. DEL 23 AL 26 DE SEPTIEMBRE. Con casi 30.000 visitantes a lo largo de sus 12 años de vida, entreFotos, el encuentro anual con la fotografía de autor que se celebra cada año en la capital, es ya todo un clásico de la agenda cultural madrileña. Con nueva ubicación –este año se trasladan al Centro Cultural Casa del Reloj del distrito de Arganzuela, en la sala La Lonja y en la Nave de Terneras- y más actividades en su programación, como talleres infantiles, demostraciones artísticas y tomas en vivo en diferentes platós, entreFotos XII 2010 se perfila como una de esas apetecibles apuestas para disfrutar durante el veranillo de San Miguel. Entre sus principales novedades se encuentra Spain & Photo, una iniciativa que la organización ha puesto en marcha para impulsar la fotografía española a través de eventos y encuentros con galerías, museos y coleccionistas de todo el mundo, que propone, además, la creación de una colección de libros de autores españoles para la difusión de la obra producida en nuestro país. La esencia de entreFotos XII 2010 pasa así de nuevo por convertirse en escaparate de las tendencias, técnicas y procesos más ricos y eclécticos de la actualidad artística de nuestro país, con la idea de promover el coleccionismo como una herramienta de divulgación y difusión del arte fotográfico. Más info en www.entrefotos.net

Textos starts: Maru Sánchez <art@clonemagazine.com>

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Texto_Marcos Fernández ilustración_Rorro Berjano Siempre es una mala noticia la clausura de un espacio destinado a la cultura. En Sevilla, hace unos meses, La Nave Spacial cerró su espacio después de dos años de funcionamiento, aunque continuará gestionando sus proyectos desde su web www.lanavespacial.com Ante los últimos acontecimientos ocurridos en la gestión publica de la Cultura en Andalucía, artistas, gestores y espacios independientes, como La Nave Spacial, demandan alternativas que no terminan de dignificar el status quo que, desde hace algunos años, gozaba de una relativa buena salud. Con el fin de las ayudas a la creación contemporánea, no es de extrañar que vuelva a producirse un éxodo obligado de los que reclaman visibilidad en una tierra que aún los considera mudos profetas, por lo que si el panorama era desalentador, ahora es sin duda, estéril e incluso inhóspito. La Nave Spacial era un espacio para la experiencia del arte sin vocación lucrativa, por lo que parte de su mantenimiento dependía de ayudas públicas, en este caso de las de Iniciarte que sufragaron, durante dos temporadas consecutivas, parte de los gastos de mantenimiento de este proyecto

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que generó un tejido impermeable de gestión comparable a la de otros espacios alternativos de contrastada trayectoria en el panorama nacional. Con más de una docena de exposiciones, más de una veintena de diferentes actividades y varios proyectos en colaboración con instituciones internacionales, La Nave Spacial se traslada físicamente a los ‘cuarteles de invierno’ para continuar sus labores de gestión cultural y consolidar proyectos y propuestas en otra dirección. Hay que dejar claro que este tipo de propósitos necesitan del trabajo altruista de personas a las que los une la ilusión por el arte actual. Por eso, podemos afirmar que la desaparición del espacio tiene un calado más trágico, por el trabajo que desde el equipo La Nave se ha realizado con la colaboración de otros -artistas e instituciones- que creyeron que la cultura no es una moneda de cambio y sí un modo para enriquecer esas parcelas intangibles de la conciencia. Más info www.lanavespacial.com

CRÍTICA

LA NAVE SPACIAL APAGA MOTORES.


student studying for exams, spring semester 1974 - franklin & marshall college, lancaster, pennsylvania

franklinandmarshall.com

find out more about the f&m winter collection 2010


ARTE URBANO Ji Lee, “Duchamp Reloades” Nueva York. Benoit Lemoine, “Zip Tape” Bruselas.

URBAN INTERVENTIONS

DIE GESTALTEN Algunas veces sucede. Un momento de magia de camino al curro, una risa tonta y bobalicona mientras esperas a que el semáforo se ponga en verde. De repente te sientes hermanado con tus vecinos que también ríen a tu alrededor, como si por un breve momento todo el mundo pensara lo mismo: ”¿Pero qué coñ... es eso?”. La ciudad, esa mole de cemento que por veces nos ahoga y aprisiona, puede llegar también a deslumbrarnos y embriagarnos con la cantidad de especies que pululan por ella. Precisamente son algunos de estos seres, los que saben sacar ventajas de las contradicciones de la vida moderna y trasladarlas con arte a los rincones de la metrópoli, los protagonistas de este libro. “Urban Interventions” (Die Gestalten) no es otra cosa que un compendio más que ecléctico acerca de esas expresiones artísticas que beben un poco de todas las fuentes –arquitectura, performance, instalaciones... - y que llegan directos al cerebro del viandante con buenas dosis de humor y agudeza. Son lápidas de Mr McDonald’s y Mss Channel en un cementerio, barcos de papel a tamaño real navegando por canales reales o logos de gigantes como YouTube o Microsoft al más puro estilo rural. Sinsentidos con mucha miga que tras la consolidación de otras expresiones como el graffiti y el street art están acaparando miradas en países tan dispares como Reino Unido, China, Turquía o Colombia. Si no quieres dejar de estar a la última, ya sabes, agudiza las antenas, los cuatro ojos y no te pierdas cada una de las insulsas esquinas de tu ciudad, nunca sabes lo que te puedes encontrar. Más info en: www.gestalten.com

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Bases y formulario de inscripci贸n en: www.lipasam.es y www.montanasevilla.com Inscripci贸n abierta hasta el 1 de Octubre


MONTANA SHOP & GALLERY, SEVILLA Aunque los calores sean casi los mismos, el calendario escolar y laboral manda y el cuerpo ya se va desperezando ante el nuevo curso. También los chicos de Montana han cogido energías durante estos días y están preparando un gran exposición para los próximos meses. “Demasiado viejos para el graffiti, demasiado jóvenes para morir” reunirá en un mismo espacio, la popular galería de Montana Shop & Gallery en Sevilla, la obra multidisciplinar de cinco artistas de la talla de Miguel Brieva, Manuel Ocampo, Curro González, Manuel Calvarro y Hervé Di Rosa. Desde la ilustración al cómic, pasando por la escultura, el collage visual o la superposición de imágenes, estos cinco artistas tienen un recorrido personal y vital que han sabido mostrar en sus creaciones. Con un entusiasmo renovado, todos ellos han respondido con energía e ilusión ante esta nueva propuesta que traerá a los amantes del graffiti referentes fundamentales de la cultura artística actual. Más info en www.montanasevilla.com imagen: Miguel Brieva, “Folosofía de Masas”.

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EXPO

DEMASIADO VIEJOS PARA EL GRAFFITI, DEMASIADO JÓVENES PARA MORIR


CONOCE A “el pollo”

EN CORTO

Nombre: Antonio Machado Casas Edad: 20 años Lugar de nacimiento: Sevilla Profesión: Dependiente Skateshop Retrato: Antonio Machado Casas Fotografía: Elam Revuelta www.skateboardinguerrilla.blogspot.com

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1. Un concepto: La Fidelidad. 2. Un concepto sobrevalorado: El que tenemos de nosotros mismos. 3. Una edad de oro: Aún la espero… 4. Un personaje de ficción que te hubiera gustado conocer: Cheen and Chon. 5. Un maestro/a: El tiempo. 6. Un momento del día que no cambiarías: La ultima patinada del dia. 7. Un libro que no falta en tu habitación: El de OCB. 8. Una obsesión solitaria: Las costillas de las mujeres. 9. Un sueño repetido: retirarme a Canadá. 10. Un objetivo por conseguir: Respetarme a mí mismo. 11. Tus pupilas se dilatan cuando: cuando me fumo un BONG en la bañera.


01.

UNA APROXIMACIÓN AL ARTE NORTEAMERICANO DEL SIGLO XXI.

Cuando sin esperarlo en septiembre de 2001 alguien explotó con un alfiler la burbuja en la que la sociedad occidental vivía anestesiada y segura de sí misma, sucedió algo curioso: en lugar de rectificar y aprender de los errores, las posiciones se reafirmaron y extremaron, y así también sus erróneas perspectivas. Demonizar a EE UU y toda su aportación a la historia contemporánea se convirtió en moneda de cambio en muchos países, también de la vieja Europa, demostrando así una actitud más que pueril ante unos hechos muchos más complejos y con más actores que los que cabía distinguir a simple vista. Y es que la ignorancia se envalentonó para negar de manera quasi absoluta lo que la floreciente, capitalista, arrolladora maquinaria estadounidense había conseguido sembrar en nuestro imaginario colectivo. Y es que, querámoslo o no, Coca Cola o Microsoft no son los únicos estandartes del sapere fare americano, tampoco la abstracción fue la última aportación al mundo del arte. Expresiones como el skate, el surf, el hip-hop o el graffiti son incomprensibles sin tener en cuenta la idiosincrasia de este país continente. Precisamente ésta es una de las líneas de la exposición que estos días

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y hasta el 3 de octubre estará en el Centro Torrente Ballester de El Ferrol, “USA Today”. Una aproximación al arte norteamericano del siglo XXI realizada por Contemporánea y dirigida por los hermanos Mario y Alejandro Martín Pareja, reúne la obra de medio centenar de artistas norteamericanos surgidos de la cultura independiente de la década de los 90. Obra gráfica, pintura, vídeo y literatura componen una exposición que en lugar de seguir las normas del academicismo imperante en el mundo del arte, no mira hacia el pasado, si no más bien todo lo contrario. Con nombres como los de Obey, David Choe o Mark Gonzales, “USA Today” aspira a convertirse en la primera muestra de muchas otras, es decir, las obras aquí expuestas, pertenecientes al más inmediato de los presentes, serán a buen seguro protagonistas del imaginario colectivo de los años venideros. Pero no nos engañemos, este carácter profético no es sólo cuestión de probabilidad, y es que la muestra, completa en cuanto a participantes - Barry Mcgee, Richard Colman, Chris Johanson, Clare Rojas, David Choe, Jim Houser, Evan Hecox, Ed Templeton, Fernando Elvira, Ari Marcopoulos, Andy Mueller, Jo Jackson, Adny Howell, Espo, Andrew Jeffrey Right... - no es sólo un catálogo impersonal, sino que se erige en un libro de referencia para comprender el porqué de lo que allí se cuece, destacando el carácter eminentemente práctico del mercado estadounidense o la autenticidad de lo aprendido fuera de las escuelas de arte. Sin duda alguna una exposición que, parece, sienta las bases de lo que se va a cocinar en los fogones artísticos norteamericanos en los últimos años. ¡Un no poder perdérsela! Centro Torrente Ballester. Ferrol. Del 22 de julio al 3 de octubre Más info en www.contemporanea.org 01. Steven Harrington. “Our Mountain”. 02. Barry McGee. “Untitled (Dry Point on Acid). 03, 04. Imágenes de la expo.


03. 04.

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PUEDE QUE A PRIMERA VISTA LOS DIBUJOS DE COLIN COOK NO DESPIERTEN MÁS QUE UNA SONRISA, QUIZÁ UN RISITA MÁS MALVADA. SIN EMBARGO, ES CUESTIÓN DE TIEMPO, O QUIZÁ MEJOR, DE CURIOSIDAD, PARA DARSE CUENTA DE QUE DETRÁS DE ESOS TRAZOS, REALES COMO PÍXELES PERO LEJANOS DEL PLANO DE LA REALIDAD QUE NOS RODEA, SE ESCONDEN MÁS OSCURAS INTENCIONES. EN ‘DRAWINGS WITH BILL’ EL ARTISTA ESTADOUNIDENSE, QUE POR DEJARSE, NO SE HA DEJADO NADA EN EL TINTERO –ESCULTURA, INSTALACIÓN, FOTOGRAFÍA, ETC HAN SIDO ALGUNOS DE SUS CAMPOS DE ACCIÓN-, HA AUNADO ESFUERZOS CON EL NO ARTISTA BILL SHAMBAUGH PARA UNIR LO MEJOR DE DOS MUNDOS, EL REAL O EL NUESTRO PROPIO Y EL DEL OTRO, ES DECIR, NUESTRA PROYECCIÓN DICTADA DESDE FUERA. UN EJERCICIO DE AUTORECONOCIMIENTO QUE NO VIENE NADA MAL PARA BAJAR LOS HUMOS DE MÁS DE UNO, REÍRSE DE LO HUMANAMENTE IMPERFECTO Y A LA VEZ ESTAR AL QUITE DE LO QUE..SSSSSHHHH , NO QUEREMOS QUE SE VEA.


ENTREVISTA colin cook

EL ILUSIONISTA AUTO-CONSCIENTE La figura que aparece en la mayoría de tus obras no es otro que el propio Colin Cook. Por las posturas y posiciones parece que quisieras tener algunas palabras con alguien... ¿Quizás contigo mismo? La verdad es que es una pregunta interesante. Espero que la colaboración con Bill invite a muchas interpretaciones, especialmente aquellas centradas en lo psicológico. Desde mi punto de vista, estoy de acuerdo en que las manos que Bill pintó y que manipulan mi rostro representan una manera de conflicto. Sin embargo, se trata de una confrontación un tanto extraña, ya que es comprensible pero también surrealista y discordante. En ese sentido, queda claro que las manos de Bill pertenecen a un plano que está fuera de lo común y sin duda de otro mundo. ¿De qué mundo? ¿Cómo las interpretamos? Esta ambigüedad psicológica me parece tan importante como el conflicto físico que se describe en los dibujos. Esta serie de trabajos son parte de una colaboración con Bill Shambaugh. Concretamente la obra titulada “Child’s Head (with man’s body)” es diferente del resto porque es la única en la que tú eres retratado por él y no al revés como en el resto de dibujos. ¿Qué sentiste cuando te viste retratado? ¿Sufriste la eterna controversia entre lo que otros ven en nosotros y lo que nosotros creemos que reflejamos? ¡Ajá! Quizá tenga algunos problemas psicológicos profundamente arraigados, pero cuando me imagino por lo general lo hago igual que Bill me pintó. Recuerdo que ese retrato se elaboró con bastante rapidez en el vestíbulo de un hotel, justo antes de que yo saliera para coger un avión. Tuve la idea de hacer algún tipo de dibujo con una imagen de mi hijo, y fue el primer dibujo de mí que nunca le hubiera pedido a Bill hacer. Pero como la mayoría de mi trabajo es a la vez un retrato y un no-retrato, en ese sentido, en este dibujo creo que tanto yo como mi hijo no somos más que ‘un hombre y un niño’. Uso mi imagen muy a menudo mientras trabajo pero normalmente siempre como un material más. Hasta cierto punto, algún resultado puede salir de lo que soy personalmente, pero a menudo simplemente me sirvo de mí mismo como una abstracción para explorar un concepto. Es algo natural para mí. Acción, posición, expresión. ¿Cuáles son las reglas a seguir para obtener un resultado realista? Hasta mi colaboración con Bill, mi trabajo se había centrado principalmente en temas relacionados con el sexo, el hombre y la mujer en la naturaleza o los auto-retratos, algunos de los cuales están presentes en estas series. Los temas son tan específicos que los diferentes estilos de Bill y mío reunidos en una página producen un efecto que a menudo re-contextualiza el significado primigenio, ya que todos los autorretratos se realizan a partir de una serie de fotografías realizadas previamente. Otras veces, sin embargo, estas fuentes vienen directamente de imágenes que busco en internet. En cuanto al proceso, después de elegir una imagen, lo primero que hago es trazar una ligera línea para señalar donde irá mi figura. En cuanto a los

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retratos, voy esbozando sobre la cara pequeñas líneas que mostrarán dónde Bill debe dejar las huellas de sus dedos. Luego le envío esto, junto con la foto. Debido a que él vive en los EE.UU. y yo en París, la mayor parte de la colaboración se lleva a cabo por correo. Después de que él haga su parte, me envía el dibujo de nuevo. ¡Es siempre emocionante abrir estos paquetes sin saber cuál será el resultado final de su trabajo! Primero símbolo de poder, más tarde recuerdo personal, lo cierto es que el retrato ha sido uno de los principales temas a lo largo de la historia del arte. Después de verse relegado a segundos planos tras los periodos de vanguardias, abstracción y finalmente de la era digital, parece que vuelve a cobrar protagonismo. ¿Cuáles son, en tu opinión, los factores para esta nueva era dentro del retrato? Temáticamente, siempre han sido culturalmente prescritas las funciones de los retratos, y en esto no creo que haya cambiado mucho: el retrato como arma de propaganda, el retrato como herramienta para el artista... Lo que creo que sí ha cambiado en la sociedad contemporánea es el fácil acceso a la imagen que ofrece la tecnología. A este respecto, no dudo que el retrato pintado y esculpido vaya a perdurar, pero la revolución digital ha cambiado los conceptos, poniendo en bandeja una serie de nuevas herramientas de bajo coste a las que puede acceder una gran mayoría de usuarios. Sin embargo, que haya más herramientas al alcance de todos no significa que vaya a haber más de arte del que se hubo en otros periodos. Si lo comparamos con la música, por ejemplo, a partir de la llegada del rock todo el mundo puede permitirse una guitarra, y muchos adolescentes son “músicos”, cantantes o compositores... Sin embargo, al final del día, sólo habrá unos pocos que harán una contribución duradera a la historia de la música. No podemos confundir el artista con la herramienta. Si hay más retratos, puede ser simplemente porque es una cosa muy sencilla de hacer. Dicho esto, sin embargo, hay artistas que siguen investigando el retrato como ejercicio principal. Son ellos los que definirán qué es lo que el retrato significará al arte contemporáneo. Por último, si tuvieras que elegir las características principales de un buen retrato, ¿cuáles serían? ¿Y si hablamos de Colin Cook? Para mí el único criterio para un buen retrato es el mismo que para cualquier trabajo artístico: que de una manera profunda el artista me haya mostrado algo nuevo y totalmente fuera de mi ámbito de experiencia o que me haga reconsiderar algo de una forma novedosa. No hay reglas. El buen arte, incluido los retratos, es básicamente y fundamentalmente interesante. Algo que, sin duda, ¡es muy difícil de conseguir! Texto_ Maru Sánchez


ARTE


NO SE ANDA POR LAS RAMAS, TAMPOCO SE VALE DE AFORISMOS Y EUFEMISMOS PARA DECIR LO QUE REALMENTE PIENSA. QUIZÁ POR ELLO SUS TRABAJOS, ESPECIALMENTE SUS FOTOGRAFÍAS, EXPLOREN ALGUNOS DE LOS TÓPICOS MÁS DAÑINOS DE NUESTRA SOCIEDAD ACTUAL DE UNA MANERA DIRECTA PERO SIN LLEGAR A LA YUGULAR, MENSAJES CLAROS PERO NADA PRETENCIOSOS. INTELIGENCIA SE LLAMA. ASÍ ES LA OBRA DE ESTA ARTISTA CALIFORNIANA, CRECIDA EN LOS PAÍSES BAJOS, Y QUE PARTICIPÓ EN EL PRESTIGIOSO PROGRAMA FABRICA DE BENETTON EN TREVISO QUE SUPUSO, NO SÓLO UN TRAMPOLÍN CONSIDERABLE PARA SU CARRERA, TAMBIÉN UN ACERCAMIENTO HACÍA LA CULTURA Y EL DISEÑO ESPAÑOL A TRAVÉS DEL DISEÑADOR VALENCIANO JAIME HAYÓN CON QUIEN ACTUALMENTE SIGUE COLABORANDO.


ENTREVISTA nienke klunder

ÉRASE UNA VEZ UNA MUJER Este número de CLONE es algo especial porque está dedicado al retrato y a cómo nos vemos y representamos a nosotros mismos. En este caso, y dado que tu obra se centra en el universo femenino, ¿cómo crees que la mujer contemporánea ve a sus congéneres? La situación de las mujeres depende mucho de qué parte del globo estemos hablando, por lo que este juicio es muy relativo. En algunos casos, como sucede en muchos países islámicos, las mujeres han visto retroceder sus derechos en el tiempo, con una situación que sigue controlada por los estereotipos machistas, pero con un sesgo mucho más conservador que hace un tiempo. En otras partes, por el contrario, las mujeres están viviendo su periodo más liberal e independiente, conviviendo en derechos al mismo nivel que los hombres. Aunque este no es el caso, si tuvieras que retratar los conflictos del hombre contemporáneo, ¿por dónde empezarías? ¿Has pensado alguna vez en ello? Sí que he pensado en la posibilidad de incluir la figura masculina en mis trabajos, sin embargo, y quizá por mi condición de mujer, siempre me ha inspirado menos. En el pasado, de hecho, mi trabajo estaba más centrado en la gente en general, llegando incluso a disfrazarme de hombre con bigote, barba, traje y uniforme. Sin embargo, mi obra evolucionó y ahora tiende más a plasmar figuras de larga cabellera rubia, mamas de silicona y ropa sintética... Pero si tuviera que elegir un tema para plasmar el sino del hombre actual creo que me decantaría por un Earnest Shackleton frente a C ristiano Ronaldo. En muchos de tus trabajos la principal protagonista es la propia fotógrafa, es decir, tú misma. ¿Es la fotografía una buena técnica para conocer más de nosotros mismos? Raras veces soy sólo yo en frente de la cámara. Con esto lo que trato es de conocer mis alter-ego, una cámara es una herramienta mágica, en frente de la cual la gente actúa y puede llegar a representar diferentes personalidades que raramente coinciden con ellos mismos. El trabajo secuencial o en serie es otra de tus señas de identidad, algo que, sin duda, ayuda a transmitir un determinado mensaje al espectador. ¿Coinciden normalmente estas interpretaciones con las tuyas? A veces. Algunas de mis secuencias van directas al grano y plasman la idea claramente, otras, sin embargo, pueden prestarse a muy diferentes interpretaciones. En ese sentido, prefiero no dar la clave de lo que quiero transmitir en bandeja de plata. La gente debe tener diferentes opiniones y puntos de vista y a mí me encanta escucharlas, pueden llegar a ser realmente reveladoras y se puede aprender mucho de ellas. No sólo la parte estética cobra importancia en tus fotografías, problemas sociales como las drogas, el consumismo o la violencia

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dan contenido semántico a estos píxeles. ¿Crees que el artista debe tener alguna responsabilidad social y de denuncia? Critico a nuestra sociedad a través de mi trabajo, aunque normalmente con una sonrisa. Y sí, trato de plantear cuestiones y crear conciencia y es que, digamos, está en mi carácter: soy una idealista. Sin embargo, no creo que tenga que ser denominador común para todos los artistas, no tiene que ser una obligación. ¿Qué nos puedes contar acerca de tu colaboración con el diseñador español Jaime Hayon? Jaime es mi pareja. Nos conocimos hace 7 años en Italia y desde entonces hemos estado viviendo y trabajando juntos, ya sea colaborando en proyectos o centrados en nuestra propia obra. Fue en 2007 cuando, mientras estábamos sentados en un bar disfrutando de una buena copa de vino, surgió la idea de American Chateau, nuestra primera colaboración artística y la mezcla perfecta de ambos mundos unidos. Para ello ideamos objetos de diseño pero funcionales como Limousine Table o el Rocking Hot Dog, así como esculturas como Holly o el Donut Madonna, además de una serie de fotografías. El año pasado se expusieron en Londres y cosecharon un gran éxito. ¿Qué opinas de la escena creativa española? España es una estrella en crecimiento. Sus diseñadores, así como sus empresas de diseño, están adquiriendo cada vez más roles de liderazgo en Europa, impulsando un toque fresco, colorido y profesional con sus productos. Es algo que percibo cuando voy a ferias de muebles y diseño, pero sobre todo cuando estoy en España. Vivo entre Londres y Valencia y siempre que estoy en vuestro país me siento inspirada por las cosas que me rodean, desde una botella de vino y su etiqueta hasta su increíble arquitectura e interiores. España es un país con unas raíces geniales sobre las que construir nuevos clásicos, y en esto parece que se está avanzando. Finalmente, la fotografía no es tu único campo de acción, también la escultura, el dibujo, las instalaciones... ¿Es la variedad el único camino para sobrevivir en el mercado actual? En la vida uno tiene que hacer lo que sienta. Por ello nunca pienso en el mercado del arte ni en las ventas, es algo que me influye para mal y me resta libertad a la hora de crear. Cuando estoy trabajando lo único que me preocupa es si a un objeto le viene mejor ser hecho o esculpido en bronce, en papel o simplemente fotografiado en un estudio con flash. Texto_ Maru Sánchez


MÚSICA ARTE


DE LO INTRASCENDENTE A LO FUNDAMENTAL HAY APENAS UN PASO, PUEDEN SER CENTÍMETROS.. O KILÓMETROS, TODO DEPENDE DE DONDE MARQUEMOS LOS LÍMITES. CON EL RETRATO PASA LO MISMO, HAY QUIEN ADOLECE DE AUTOCONTROL Y ES CAPAZ DE RETRATARSE CADA FIN DE SEMANA FRENTE AL ESPEJO DEL CUARTO DE BAÑO PARA MAYOR GLORIA DE LAS REDES SOCIALES; SIN EMBARGO, NO TODOS LOS EGOS SE DEJAN SEDUCIR POR EL NARCISISMO. EL ANONIMATO, MONEDA DE CAMBIO DE LOS RAROS, EXTRAVAGANTES, TENDENCIOSOS O SIMPLEMENTE TÍMIDOS, PUEDE CONVERTIRSE EN LA MEJOR Y MÁS BARATA CAMPAÑA DE MARKETING, Y SI NO, QUE SE LO DIGAN A JD SALINGER. EL AUTOR DE UNA DE LAS NOVELAS MÁS TRASCENDENTES DEL SIGLO XX LUCHÓ DURANTE TODA SU VIDA CONTRA EL INTERÉS POR SU FIGURA, ENTENDIDA ESTA COMO PSICOLÓGICA Y FÍSICA. LOS GESTOS, LAS MIRADAS O LAS MANOS SON LOS MEJORES CHIVATOS DE NUESTRO YO INTERIOR Y EL RETRATO EL MEDIO MÁS FÁCIL DE HACERLOS HABLAR.


ARTÍCULO retrato contemporáneo

LA FOTO EN EL ESPEJO DEL CUARTO DE BAÑO Corría el siglo VII a.C. y a algún lumbreras de la monarquía persa se le ocurrió plasmar su perfil en las monedas, de ahí a la era Tuenti hay un paso de gigante en el que el retrato ha pasado de ser símbolo de poder, herramienta propagandística, tarjeta de presentación para la incipiente burguesía y elemento fundamental del marketing publicitario. Pero sobre todo, y fundamentalmente, un retrato es un momento, una persona y un lugar, es encapsular la belleza eternamente. La fijación espacio-temporal de una situación irrepetible es lo que lo convierte en algo tan especial y mágico. Llegados a este punto, y para entender las claves de lo que se podría considerar como retrato contemporáneo, no está de más una revisión que muestre cómo tanto la percepción y motivación del que retrata, así como la función que ha movido esta actividad han configurado muy diversas etapas. DESCUADRANDO EL CUADRO La irrupción de las vanguardias artísticas y la crisis global generada por las grandes guerras marcará las primeras décadas del siglo XX. En este periodo, el retrato como género pictórico y fotográfico perderá primacía ante el empuje de nuevas expresiones y géneros. Para empezar, la figuración realista se abandona para explorar nuevas posibilidades de la mano del cubismo, el futurismo o el dadaísmo, que proporcionan la distancia psicológica necesaria para tiempos tan difíciles. En estos años ya no es tan importante la relación de semejanza entre el objeto y su representación, sino que estos posean la misma función; es decir, si antes lo que importaba a la hora de realizar y reconocer un buen retrato eran el nombre y el rostro de la persona retratada, ahora la fuerza se apoya en las señas de identidad y el cuerpo, así como la mirada del artista. El color se convierte en el ingrediente principal para autores como Matisse, las formas pierden su relación con la realidad de la mano de Picasso, el dorado bizantino se convierte en un protagonista más de los cuadros de Klimt y sin la fuerza de lo onírico los cuadros de autores expresionistas como Otto Dix y Matt Beckmann no hubieran pasado de lo anecdótico. También Dalí o Frida Kalho incluyeron esta presencia surreal en sus pinturas, los autorretratos son, especialmente en el caso de la pintora mexicana, auténticos estudios de autoconocimiento y exploración. Durante los años 40 y 50 la tendencia a retratar sufre un ligero descenso en pos de la abstracción y el arte no figurativo. Una debacle que, no obstante, durará hasta la década de los 70, cuando la nueva generación de artistas, especialmente norteamericanos, vuelvan sus paletas a este género. Francis Bacon y Lucian Freud son algunos de los máximos exponentes de esta época. Sus obras, mezcla de una extraña crudeza y honestidad, se encumbran como unos de los mejores ejercicios de ‘retratismo’ del siglo XX. También autores como Andy Warhol o Chuck Close eligieron el rostro humano como punto focal de su obra consiguiendo elaborar auténticos logos publicitarios a través de una nariz, dos ojos, una boca, una sonrisa... Congeladas en un plano.

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LA MÁQUINA DE DECIR LA VERDAD: LA FOTOGRAFÍA En las primeras décadas del siglo XX, la evolución de las cámaras de fotos hacia otras más versátiles que necesitaban menor tiempo de exposición impulsó la aparición de los primeros retratos instantáneos donde el sujeto puede aparecer realizando cualquier tipo de actividad y no necesariamente favorecido, un plus de improvisación que sin duda se valorará con los años. En este apartado son inolvidables las instantáneas de algunos fotógrafos constructivistas rusos como Rodchenko, que en sus fotografías empieza a jugar con el collage incorporando elementos tipográficos a sus creaciones: nace así la fotografía artística. Al otro lado del Atlántico, pioneras como Dorotea Lange o fotógrafos como Walker Evans buscan mostrar los rostros de la ira en un país asolado por la crisis financiera. Es la primera vez que la cámara, ese artilugio llamado a congelar en el tiempo la bellaza efímera, se utiliza precisamente para todo lo contrario: dejar constancia de la crueldad y sufrimiento humano. El retrato de “Madre Inmigrante” realizado por la autora norteamericana puede considerarse una de las cimas del retrato social y documental, una tendencia que daría lugar al llamado fotoperiodismo y que tiene como germen a la Agencia Magnum creada por Robert Capa, David Seymour, Henri CartierBresson, George Rodger y Bill Vandivert. Sin embargo, no sólo el gris dominaba la vida durante estos años. En la década de los 50, pasada ya la austeridad de la primera posguerra, EE.UU. se convierte en la tierra prometida y al calor de revistas de moda como Vogue o Harpeer’s Bazar hacen carrera clásicos como Irving Penn y Richard Avedon. Sus retratos de elegantes figuras femeninas que, especialmente en el caso de Avedon, luchaban metafóricamente por salirse de los corsés sociales a través de posturas inauditas y escenarios salvajes, dan lugar a una nueva ola expresiva. El retrato de moda se actualiza y busca nuevos horizontes basados en la libertad creativa, algo a lo que sin duda se ceñirá el australiano Helmut Newton. Su obra, en la que abundan las figuras desnudas femeninas, ahonda en temas tabús hasta el momento como el fetichismo y la identidad sexual. Pero tenemos que tornar la mirada hacia la obra de otra coetánea si queremos entender qué se estaba cociendo en el mundo de la fotografía y el retrato en particular. Los años 60, con su frenesí alucinógeno, propulsaron la carrera de Diane Arbus que, aunque con una breve etapa por las páginas de moda en sus primeros años, será siempre recordada por retratar sin filtros de ningún tipo los anónimos rostros de ciudades como Nueva York. Marcada, entre otras, por la película “Freaks”, Arbus tenía fijación por personajes marginales a los que encumbraba siempre en sus fotografías. Con ello buscaba no sólo llamar la atención de la sociedad bienpensante, también sacar a relucir el lado freak de cada uno de nosotros a través de un ejercicio de normalización de la fealdad: el retrato nuevamente como método de exploración social y psicológico.


NEW WAVE Corría la década de los 70 y una jovencísima Annie Leibovitz comenzaba a trabajar como autónoma para la entonces emergente revista Rolling Stone; de ahí a exponer en la Galería Nacional de Retratos de Washington D.C. hay toda una vida de instantáneas convertidas en iconos. Considerada por muchos como la mejor retratista contemporánea –no en vano es la fotógrafa mejor pagada del mundo-, Annie Leibovitz firma alguna de las mejores fotografías de los últimos 30 años, entre ellas la última instantánea realizada a John Lennon justo unos minutos antes de morir asesinado. Totalmente desnudo y acurrucado a Yoko Ono, esta fotografía protagonizaría una de las portadas más famosas de la historia: la de la revista Rolling Stone del 22 de febrero de 1980. Demi Moore totalmente desnuda y embarazadísima, Nicole Kidman como una cenicienta moderna, Brad Pitt, Leonardo DiCaprio, Angelina Jolie y hasta los Obama han posado ante las lentes de esta retratista de la revista Vanity Fair, que ha sabido multiplicar como nadie sus vidas en una instantánea. Y no es sino la punta del iceberg, los últimos años han dado al mundo del retrato contemporáneo grandes aportaciones como las del colombiano Ruven Afanador y su personal visión arraigada en los orígenes oscuros de los tiempos, la profundidad psicológica de Anton Corbijn –algunos de los mejores retratos de músicos son obra suya-, o el ensayo sobre lo grotesco y el glamour made in L.A. plasmados con maestría por el portorriqueño David Lachapelle son sólo algunos de los nombres que siguen conformando este pequeño rincón del arte. Desde este nuevo prisma, el retrato contemporáneo puede y debe interpretarse como una de las expresiones artísticas más ambivalentes que nos lleva, bien a acercarnos a modelos tradicionales, penetrando en las identidades o falsificándolas; bien a crear estereotipos o desvelar la fragilidad y vulnerabilidad del personaje. Esencia de doble filo que lo convierte en un pasatiempo atemporal... Y es que, ¿qué podía estar pensando la Gioconda? Texto_ Maru Sánchez

Imagen páginas anteriores: David Lachapelle. Esta página: Anton Corbijn. ARTE


Al contrario que a muchos profesionales, a Alex Telfer no se le llena la boca de eufemismos al aclarar que él es, ante todo, un fotógrafo publicitario. El arte en sus obras viene determinado por la consecución de unos objetivos que, parece, este inglés de 40 años sabe alcanzar casi sin pestañear, no en vano ha trabajado para firmas como Sony, Nike o BBC y ha sido premiado con los mejores galardones de la industria como los de la revista especializada Campaign. Y no sólo eso, con un arraigo a su Northumberland natal, Telfer es consciente de lo importante que son las raíces para él; el mundo puede esperar. Sus lentes, mientras, seguirán transportándonos a terrenos recónditos del alma humana. Más info en www.alextelfer.com


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ENTREVISTA jamaica

HYPE PARECE, ¿HYPE NO ES?

SU NOMBRE ES TAN COJ**UDO COMO MOSQUEANTE. NO CUENTAN CON DAVID BOWIE HACIÉNDOLES LOS COROS, O CON LOS CONSEJOS A LA HORA DE GRABAR DE LOS BEATLES, PERO SU COMPADREO CON EL JUSTICIERO XAVIER DE ROSNAY LOS HA SUBIDO DIRECTAMENTE AL CIELO DISQUERO Y MÁS ROCKERO DE ED BANGER SIN APENAS PENITENCIA. JURAN NO SER UN HYPE, PERO ESO LO VOLVEREMOS A DISCUTIR CUANDO SUMEN CINCO O SEIS “NAMBERGUANS”. DE MOMENTO, ¡A BAILAR HIPSTERS! 40

Antes de que empecemos con Jamaica, contadnos qué pasó con Poney Poney... Antoine: nuestro batería, Sam, dejó la banda en septiembre, y para diciembre ya estábamos en el estudio para empezar con el disco. Decidimos que tenía que ser bajo otro nombre, ya que no éramos el mismo grupo. Siguiendo con estas preguntas tan profundas e intelectuales... ¿Cómo se os ocurre bautizaros con un nombre como Jamaica? Empecemos diciendo que es un nombre cojonudo. Sonaba como la mezcla perfecta de Nirvana, Madonna, Jamiroquai y Oasis. También queríamos rendir homenaje a todas esas bandas que tenían nombres de lugares, como Boston, America, Chicago, Japan y demás. Sois unos tipos con suerte, os han producido Xavier de Rosnay (Justice) y Peter Franco, contáis con el apoyo visual del fascinante So Me, y encima os editan sellos como Ed Banger. ¿Podemos decir que sois una de las bandas con mejores conexiones hoy día? Puede parecer que tenemos buenos contactos, pero la verdad es que son amigos nuestros desde hace años. Así que sí, tenemos suerte, pero por estar rodeados continuamente de gente con mucho talento, además famosos, y que encima tienen ganas de echarnos una mano. Pero bueno, tampoco tenemos a David Bowie haciendo coros o a uno de los Beatles vivos dándonos consejos durante la grabación. Por último, aunque parezca que no, París es una ciudad donde todo el mundo se termina conociendo. En España decimos que un amigo es un tesoro, y en el caso del justiciero Xavier, quizás sea todavía más que eso, ¿no? ¿Un tesoro? Qué poético. Sí, es amigo y colaborador, así que me parece un buen apelativo en esta ocasión. Dicho esto, se podría intuir que sois una especie de proyecto de marketing. Claro que, cuando se escucha vuestro disco, se nota que hay muchísimo talento detrás de Jamaica. ¿Os da miedo que os consideren un hype? ¡Gracias por descubrir que hay canciones detrás de toda la humareda! No me da miedo nada, de hecho eso, no escuchar a una banda porque es demasiado guay, es algo que yo mismo he hecho alguna que otra vez. Primero, tampoco creo que seamos tan hype, porque si miras en sitios como hypem. com verás a otros grupos con más halo cool que nosotros. Además, todo el mundo sabe que la moda cambia muy deprisa, así que tampoco nos quita el sueño. Aprovechemos durante seis meses que nos regalen algo de ropa y centrémonos en lo que importa en este caso: es decir, la música. Segundo, hicimos muy bien nuestro trabajo: escribimos y grabamos canciones de las cuales estamos muy orgullosos, las tocamos en directo para que la gente las pueda disfrutar y se dé cuenta de que somos una banda con crédito, no sólo un objeto de marketing. Por último, siempre habrá gente que te odie, así


ENTREVISTA jamaica

que tampoco les prestemos demasiada atención a aquellos que nos juzguen demasiado rápido. Se dice que habéis ganado un buen dinerito ayudando a vender coches... ¿A la felicidad por el parné ganado en publicidad? Uno tiene que vivir, ya sabes, y además todavía nos deben esa pasta. Dijimos sí a un anuncio que era bastante divertido, además de que tuvimos que dejar nuestros trabajos diarios para darle vida a la banda, así que no parecía una mala opción. No creo que sea ninguna vergüenza que una marca te llame para poner tu canción en un anuncio; en cierto modo, supongo que sustituye de alguna manera la antigua venta de discos físicos. Por otra parte, no creo que el crédito indie de Grizzly Bear se haya reducido por hacer lo mismo que nosotros, ¿verdad? Vuestra mezcla de synth-pop eufórico y guitarras afiladas me recuerda a Rinocerose puestos de valium, incluso a Phoenix de speed hasta las patas... ¿Cuáles son vuestras referencias a día de hoy? Somos fans de autores clásicos como los Beatles, Brian Wilson o Nirvana, pero dejamos fluir otros aromas que están, digamos, como en un segundo plano, pero que también son importantes en nuestro ADN, como podrían ser The Plice, Todd Rundgren, hasta Joe Satriani o el yatch-pop de gente como Alessi Brothers. 10 CC o ELO también fueron grandes bandas, que no sabemos muy bien por qué los críticos de rock tienen en una liga de segunda, por lo que más ilusión nos hace reivindicarlos. Además, porque no suelen ser los más habituales sueños húmedos de las bandas de hoy, claro está. Siempre suelo decir que no escucho a grupos nuevos, pero luego me paso el día dale que te pego con Sleigh Bells o Arcade Fire. No es que me influyan, pero sí los disfruto. Creo firmemente que vuestro disco es ideal para ser disfrutado en verano, incluso para el principio del otoño. ¿Cuáles fueron vuestras, seguramente insanas, intenciones al componer los temas? No teníamos absolutamente nada previsto. No hay plan maestro, simplemente las canciones fueron saliendo tal cual están en el disco. Tengo tendencia a fabricar canciones pegadizas de tres minutos, en vez de largas odas prog-rockeras o temazos de rap, así que lo que hay es un best-of de mis últimos años de trabajo. Sí puede que haya cierto tema recurrente, el del joven moderno que ensalza o critica sus relaciones con el amor, los amigos y el trabajo. Dicen por ahí que sois la banda sonora perfecta para los hipsters... ¿Estáis de acuerdo? ¿Os fastidia que os cataloguen así? Mentiría si dijera que no me importa. Me gusta y al mismo tiempo me avergüenza, ya que supuestamente un hipster es una persona interesada por lo nuevo, sí, pero también alguien que lo repudia a las primeras de cambio. Así que esperemos haber enganchado a unos cuantos melómanos, hipsters

o no, y que puedan seguir siéndonos fieles por las razones correctas. Ahora, los 80 están en boga. ¿No crees que puede ser peligroso mirar tanto al pasado? No me interesan los revivals y no me gusta lo retro normalmente, y si me gustan Fleet Foxes no es porque me recuerden a Crosby, Stills & Nash, sino porque hacen buenas canciones. Cuando dicen que nosotros sonamos ochenteros, te diría que no porque nos parezcamos a The Cure o a New Order, sino más por Ricky Springfield o las pelis de John Hughes. Algunos críticos musicales encuentran el electro-postmodernismo algo para usar, bailar y tirar... ¿Crees que es necesario tocar rock épico, grandilocuente y llorón para que sea considerado seriamente por estos tipos? Lo dejaré para los “pros”, entonces, el placer de analizar este fenómeno. Creo que muchas de estas bandas no-lloronas han conseguido llegar a los corazones de muchos fans serios, y esta gente está más que dispuesta a disfrutar de una buena canción, afortunadamente. También, creo que Jamaica es básicamente una banda de rock, así que todo el “electro-loquesea” no nos toca demasiado. Algunas bandas de moda no están muy preocupadas por el hecho de que cada vez se vendan menos discos, porque sí que venden camisetas a cascoporro… ¿Crees que vivimos un momento en el que moda y música se mezclan, algo parecido a un “pop-t-shirt”? Nosotros hacemos camisetas porque queremos ser ricos hasta el asco. Pero no funciona. La idea fue hacer camisetas con el nombre de nuestra banda y llevarlas durante dos meses antes de que nadie supiera nada de nosotros. Ahora ya no nos las ponemos. No creo que un movimiento que mezcle conceptos como estos sea buena cosa, porque siempre puedes hacer buenas canciones vistiendo como el culo y viceversa. Además de que siempre le he tenido manía a los grupos que visten demasiado bien. Para terminar, ¿crees que algún día seremos capaces de agradecer lo suficiente a Daft Punk el haber cambiado nuestras vidas para siempre? Yo ya lo he hecho, porque nos prestaron un convertidor para hacer el disco. Texto_ Fernando Fuentes / Fotografía_ So Me

“Jamaica No Problem” está editado por V2 y distribuido en nuestro país por Nuevos Medios.

MÚSICA


ENTREVISTA autolux

AUTOLUX

SON LA BANDA DE POST-ROCK MENOS CALIFORNIANA DE LOS ANGELES Y TRAS SEIS AÑOS DE SILENCIO VUELVEN A INTENTAR RECUPERAR LA POLE POSITION QUE LOGRARON EN 2004.. Y NADA MÁS SE SUPO HASTA ESTE MOMENTO. SE DECLARAN ABIERTAMENTE CORRELIGIONARIOS DE SONIC YOUTH Y ALGO MÁS DE MY BLOODY VALENTINE, PERO CUENTAN CON SONIDO PROPIO, AHORA DIESTRAMENTE COLOREADO Y DISTORSIONADO AL MÁS PURO GUSTO DE TRENT REZNOR. VENGA, ¿PREPARADOS PARA TRASCENDER EN EL ESPACIO Y TIEMPO?

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ENTREVISTA autolux

DISTORSIÓN EN COLORINES Hagamos un breve resumen, en 2004 sacáis un disco fantástico, que os pone en primera línea de todas esas bandas que hacen rock moderno, y después de estar en en la pole planetaria, ¡desaparecéis! Amy Schmalz: nunca desaparecimos, siempre hemos estado ahí. Esperando, como todos vosotros. Nos llevó un tiempo librarnos de nuestro anterior acuerdo discográfico con Sony/Epic. No teníamos el feeling que nos interesaba para el siguiente disco que planeábamos hacer. Además, pasamos por un lento proceso de acercamiento y descubrimiento de este nuevo disco. Hubiéramos deseado que todo fuese más rápido, pero al final lo único que interesa que es el producto final satisfaga la visión que tenemos. A veces, encontrar la manifestación sonora final de la visión conceptual puede tomar su tiempo... Había muchas ideas que trabajamos lentamente y que, al final, tuvimos que abandonar porque no pegaban con el resto de cosas que se nos iban ocurriendo. Se dice que sois la banda menos californiana de Los Angeles, ¿qué supone esto para vosotros? ¿Un halago, un insulto, ambas cosas o ninguna? Lo tomaremos como un cumplido, sí. Hacemos música para trascender espacio y tiempo, así que mejor mientras menos atados a cierta era, moda o localización geográfica. Nunca nos hemos sentido parte de ninguna “escena” de Los Angeles. Siempre hemos formado nosotros mismos una escena propia. Tras tanto tiempo, ¿cuáles son las diferencias y parecidos entre los Autolux de “Future Perfect” y los de “Transit Transit”? El disco nuevo es menos monocromático emocionalmente hablando y más vulnerable, tanto vocal como líricamente. También algo más diverso de canción a canción. Pero igual que “Future Perfect”, cuando lo escuchas de principio a fin, sientes que has sido expuesto a una narrativa extraña y subconsciente. Causasteis un gran impacto con vuestro debut, ¿qué esperáis con este segundo disco? ¿Creéis que supondrá otro salto adelante? En realidad es algo que no depende demasiado de nosotros... Por nuestra parte lo hemos hecho lo mejor posible, y si la gente se puede enganchar, mejor para todos.

como los Rolling Stones y los Beatles de nuestra época. No podemos negar su influencia, igual que tampoco es posible afirmar que no te gusten, a no ser que no tengas el más mínimo gusto, claro. Este “Transit Transit” nos introduce en un sonido más expansivo y distorsionado, incluso teniendo en cuenta vuestra apuesta por los discursos emocionales profundos... Pongamos que si el primer disco era una película en blanco y negro, nuestra idea para “Transit Transit” era hacer un film en Technicolor. ¿Estáis de acuerdo con esos críticos norteamericanos que afirman que sois una banda arty de post-rock que prefiere tocar en museos y galerías de arte antes que en festivales indies? ¿Cuál sería, por cierto, el lugar perfecto para un concierto de Autolux? ¿De veras dicen esa chorrada? El sitio perfecto para nosotros es cualquiera que disponga de un buen equipo de sonido. Vuestra colaboración con James Lavelle en el “War Stories” de UNKLE de 2007 os puso de nuevo en el mapa del mainstream... Fue muy interesante para nosotros porque como nuestro método de trabajo habitual es el aislamiento, formar parte de algo al margen de Autolux es verdaderamente refrescante, rápido y fácil. James nos dio toda la libertad para hacer lo que nos apeteció, y además es muy bueno explicando los ambientes y efectos que necesita en cada momento. La experimentación post-rock y la sinergia con la electrónica son dos de vuestros aspectos más interesantes... ¿Qué otras bandas que están haciendo algo parecido a vuestra propuesta os gustan? Flying Lotus, también de Los Angeles por cierto, hace una música genial. No sé, quizás Liars, Grizzly Bear, Brian Eno, Can... Tanta gente que me bloqueo nada más que de pensarlo. Una última y sucia pregunta... Parece que si Trent Reznor no se hace fan tuyo, no eres nadie en el underground USA, ¿no? Pues la verdad es que no sabría decirte, pero te aseguro que el chaval tiene un gusto impecable.

La pregunta del millón, ¿cuándo y por qué creéis que todas esas bandas tan cool empezaron a recuperar el legado de los enormes My Bloody Valentine? Buena pregunta. En esencia, MBV era una versión punk de la música para ascensores... Muy interesantes y capaces de provocar muchísima influencia sobre otros grupos posteriores.

Texto_ Fernando Fuentes / Imagen_ Drew Reynolds

“Supertoys” recuerda bastante a Sonic Youth... ¿Es unas de vuestras bandas favoritas indiescutibles? Sonic Youth y My Bloody Valentine son

“Transit Transit” está editado por ATP Recordings y distribuido en nuestro país por Houston Party. MÚSICA


ARTÍCULO grinderman

¿ALGUIEN HA VISTO A NICHOLAS?

VOLVÍAN AMENAZANTES LAS ASPAS DEL MOLINO HACIA MI YUGULAR. EN MITAD DE UN PROFUNDO BOSQUE TRONABAN CAMPANAS A UNA FUERZA EXTRAORDINARIA, Y ÉL SE MOSTRABA ERGUIDO ENTRE TANTA TINIEBLA, COMO POSEÍDO POR EL AURA DE LAS SOCIEDADES OCULTAS. ALZABA UNA BIBLIA CON LA SANGRE RABIOSA DE UN PREDICADOR FANÁTICO, ENFANGADO HASTA EL CUELLO, AL BORDE DE UN PANTANO, PERO SIN PERDER SU MISTERIOSO AIRE SEDUCTOR. YO SÓLO PODÍA TEMBLAR MIENTRAS IMAGINABA CUÁNDO SERÍA TRITURADO A MANOS DE AQUEL HOMBRE. ESA SENSACIÓN INFINITA DE DULCE ESPERA HASTA EL DETONANTE FINAL FUE DE UN GUSTO MASOQUISTA EXAGERADO. PARÉ LA VORÁGINE MENTAL DE SUMERGIMIENTO OBSCENO ANTES DE QUE NADIE NOTASE EL INICIO DE ERECCIÓN. AHÍ LO SUPE, DE NUEVO ME COBIJABA A LA SOMBRA DE UNA MALA SEMILLA. TÚ ERAS MI PROFETA, Y HABÍAS VUELTO. ¡ENTIÉRRAME, NICK, ENTIÉRRAME! CRÓNICA Durante el primer encuentro, La miel de abeja –Honey Bee- consiguió dejarme un gusto afilado en el paladar. Recordabas a una violenta iguana rodeada de títeres. Dejaste una tarjeta de visita incandescente con Grinderman, y ahora te presentas ante el público como un chico pagano. Lo tuyo nuevo es aterrador -You think your great big husband will protect you, you are wrong... You think your government will protect you, you are wrong-. “Heathen Child” husmea en tus inicios, rastrea los escondrijos viscosos, suena sucio y retomas la oscuridad melódica –“I´m scared and lonely” Sweet little momo says-. Grinderman 2 es una extensión de la primera propuesta, donde se palpa que sigues disfrutando del equipo elegido para esta aventura. En “Worm Tamer” sale la vena del alter-ego, que no es tal porque finges ser quien realmente eres. ¡Qué esfuerzo, qué esfuerzo del caballo por parecer perro! Ambos sabemos que nunca fuiste caballo, mercy cave. Continuas la estela con “What I know” enmarcando como símbolo identitario la senda del blues, lo sombrío, la escritura sagrada… Repliegue hacia el Nick más recóndito y personal. Todo esto después de por ejemplo “Tender Pray”, uno de tus mejores trabajos. “Mercy Seat” tiene una letra que define tu estilo: la historia de

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un hombre que va a ser ejecutado en la silla eléctrica. “El asiento sagrado” es como se llama en el antiguo testamento al trono de Dios. Relacionar el asiento sagrado de la Biblia con la silla eléctrica sirve para asimilar tu figura desde sus inicios... - And the mercy seat is waiting, And I think my head is burning… And I’m not afraid to die. / el asiento sagrado está esperando, y siento que mi cabeza está ardiendo... Pero no tengo miedo a morir-. De ahí que se te haya asociado siempre con un pastor de los infiernos. Esos órganos hirientes, la manera cavernosa de recitar, letras que remiten a la Biblia... La canción la llegó a versionar Johnny Cash antes de morir. En los 90 harías un disco impresionante de versiones, “Murder Ballads”, tomando temas clásicos de la tradición americana de principio de siglo y ejecutándolos con base rockera -So he walked though the rain an he walked through the mud-; “Stagger Lee” aún resuena en mi cráneo. Desde entonces no has dejado de portar ese carácter mesiánico, aunque a medida que has ido madurando has abrazado otros estilos, siempre en la línea norteamericana. Has hecho un blues tenebroso, de raíz punk, pero también has sido capaz de inmiscuirte en el gospel y el blues más limpio y melancólico –incluso baladas con reminiscencias católicas-. A estas alturas no nos engañemos, Nicholas; en esta faceta de crooner pierdes seducción. Reencuentras la persuasión adecuada en tus dos últimos discos acompañados de los Bad Seeds, esparciendo sonido a lo Cohen sobre “Abbatoir Blues” y mascando tierra en el arrebatador “Dig, Lazarus, Dig”. Sin dejar de mencionar la figura de Warren Ellis, tu músico fiel. Muchas veces cierro los ojos y os imagino transformados en un monstruo de dos cabezas, un animal bicéfalo. Cave/Ellis respira a través de un espacio armónico compartido. El líder de The Dirty Three, más que un escudero, colabora estrechamente en la composición de los temas y es el instrumentista más completo de tu banda. Una figura en todos los sentidos. ¡Cómo os quedó esa música de “The Assassination of Jesse James By The Coward Robert Ford”! La banda sonora del film rezuma un soberbio clasicismo. Tu decadente piano aporta tristeza a los vientos de Ellis, que dan el atroz tono melancólico. El engendro bicéfalo, Cave/Ellis, encuentra confort fuera de los registros convencionales. ¡“Hay un fantasma”, Nicholas Edward! El que me ronda cuando escucho tu colaboración con Marianne Faithfull en el LP “Before The Poison”. Producir y co-escribir las tres mejores canciones del álbum es un hallazgo, pero además que una de ellas sea “There is a Ghost”… No tiene semejanza –When you remember who I am just call-. ¡Hay dos hombres trituradores, Mr. Cave! Los Grinderman son la vuelta a tus orígenes, ahí te exhibes cómodo, desenvuelto, más tú que nunca y eso es peligroso. ¡Cuídate, Nick! Te veré en el infierno. “Grinderman 2” está editado por Mute y distribuido en nuestro país por [PIAS] Spain.


ARTÍCULO grinderman

GRINDERMAN Texto_ Edu Mestre-Nadal Fotografía_ Deidre O´Callaghan

MÚSICA


ENTREVISTA sun kil monn

SUN kIL MONN Texto_ Pablo Vinuesa

DESCONOCIDO POR EL GRAN PÚBLICO PERO AMADO HASTA EL PAROXISMO POR UNA FERVOROSA PANDILLA QUE LE SIGUE DESDE SUS INICIOS CON EL CAPITAL GRUPO CORTAVENAS RED HOUSE PAINTERS, MARK KOZELEK CONTINUA SUMANDO ESCALONES EN UNA DISCOGRAFÍA QUE, POR MUCHOS ALIAS QUE UTILICE, NUNCA SE DESVÍA DE SUS FÉRREAS DIRECTRICES. “ADMIRAL FELL PROMISES” (CALDO VERDE/HOUSTON PARTY, 2010) ES YA SU CUARTO LARGO COMO SUN KIL MOON. 46


ENTREVISTA sun kil monn

PROMESAS Y BRUMAS EN LA BAY AREA “24”, “Medicine Bottle”, “Grace Cathedral Park”, “Katy Song”, “Mistress”, “Evil”, “Uncle Joe”, “Summer Dress”, “Moments”, “Drop”, “Have You Forgotten”... Todo aquel fan de Red House Painters, uno de los grupos que puso a San Francisco en el mapa de la independencia norteamericana a principios de los 90, tendrá ahora mismo los pelos como escarpias. Kozelek, su voz, su líder, se hizo famoso por darle una maqueta a Mark Eitzel en un concierto, una grabación que terminó convertida en el primer disco de la banda para el legendario sello 4AD. El mismo que, más tarde, le cerraría las puertas por tocar “demasiados punteos a lo Neil Young”. En solitario, con RHP o como Sun Kil Moon, la seña de identidad permanece: una lírica aplastante y certera, que hurga con dolor en la inadaptación social, el romanticismo entendido como la más cruel de las enfermedades, los paisajes en sepia y blanco y negro. Es Kozelek un tipo esquivo, capaz de los versos más brutales y de las respuestas más lacónicas. Aquí lo tienen en toda su gloria. ¿Hubo algún concepto previo para este “Admiral Fell Promises”? Quiero decir, ¿ibas componiendo canciones a tu ritmo hasta que tuviste suficientes, o pensaste en el disco como un conjunto más coherente? En esta ocasión, iba grabando las canciones a medida que las iba componiendo, de manera que, a lo largo de un año, más o menos, estuve grabando unas pocas canciones cada mes, hasta que tuve suficientes. Como sólo he podido escuchar tu nuevo álbum un par de veces a través de una pre-escucha online, no tengo mucha información detallada, tampoco de los créditos, pero me parece que esta vez estás tú solo tocando, ¿no? ¿Te ayuda alguien más? Sí, los créditos de este disco son sencillos: toco yo solo en todas las canciones.

¿Qué tal te va con tu sello, Caldo Verde? ¿Tienes discos por editar? ¿Haces labores de A&R, buscando grandes bandas perdidas en el subsuelo independiente, o se trata más bien de sacar cosas de tus colegas más cercanos? Yo creo que es más bien lo último, sacar discos de mis amigos. Por supuesto, de los amigos que tienen talento, eso por descontado... En nada editaremos el debut en largo de Jesu, y también a una banda instrumental fantástica, llamada Desertshore, en la que además toca el guitarrista de Red House Painters, Phil Carney. En directo sueles interpretar tus canciones de manera bastante libre... Quiero decir, que cambias el tono, las melodías e incluso las letras, como si tocaras folk en plan freejazz. Además, es algo que ya te vi hacer con Red House Painters hace muchos años. Supongo que, después de tantos años, te aburres de tocar las canciones siempre igual... Exacto, es la única manera en la que puedo trabajar y sentirme cómodo. Tengo que mantener las cosas frescas, nuevas, seguir creando e inventando. Si tuviera que tocar las canciones igual que en el 92, te aseguro que preferiría estar trabajando en una fábrica. Supongo que eres un gran fan del vinilo. Tengo un precioso maxi azul de “Duk Koo Kim”, editado además en el sello de Cameron Crowe, quien te hizo actuar como bajista de Stillwater en la estupenda “Casi Famosos”. ¿Crees que el vinilo está volviendo a su vieja gloria? ¿Y qué opinas de los P2P? Pues es que ni sé qué significa P2P, la verdad. En cuanto al vinilo, no sé muy bien qué decirte al respecto... Te diría que tampoco lo escucho demasiado, excepto esos discos antiguos que no se pueden encontrar en CD.

Siempre has sido un fantástico guitarrista, y desde el principio nos hemos acostumbrado a escucharte tocar con distintas afinaciones y mútiples efectos, pero últimamente pareces más interesado en la técnica folk. ¿Cuáles son tus guitarristas favoritos? Y, a pesar de que ahora suenes acústico, ¿qué eléctricas son las mejores para ti? Me encanta Steve Howe, muchísimo. También Jimmy Page. Pero últimamente quien más me atrae es Segovia [NdE: suponemos que Andrés Segovia]. A lo largo de todos estos años de carrera he usado mucho equipo y mis guitarras eléctricas han ido desde las Les Paul a varias hollowbodies (L-4, ES 175, ES 135), y por supuesto Teles. Como ampli, uso un Fender Tweed de los 50. En cuanto al acústico, ahora estoy con una Ramirez clásica.

Has sacado un libro aquí, “Noches de Tránsito”, con la editorial española Los Libros del Señor James, ¿cómo te encontraste con ellos? En este caso sólo conozco al traductor, Ezequiel Martínez. Él y su mujer son ambos dos maravillosas y muy sorprendentes personas.

Has producido el disco nuevo de la legendaria cantautora de folk experimental Kath Bloom, ¿qué tal fue la experiencia? En realidad no produje el disco, sólo lo edité en mi sello. Soy un grandísimo admirador de su obra, así que me honra el haber podido tener la oportunidad de trabajar a su lado.

Precisamente fue Jesús Llorente, capo de Acuarela, quien dijo una vez que tú podrías sonar emocionante simplemente al recitar la guía telefónica de San Francisco. ¿Eres consciente de las sensaciones que provocas en tu público? Sí, supongo que sí, porque me continúan llamando para tocar, así que algo tiene que estar funcionando.

Al grupo que sí produjiste además de editar, si no recuerdo mal, es a Retribution Gospel Choir, la banda rockera de Alan Sparhawk, de Low. ¿Te parece refrescante pulir el sonido de otros? Bueno, no sé si lo definiría como “refrescante”, pero definitivamente me siento bastante bien cuando ayudo a otra gente con su música.

“Admiral Fell Promises” está editado por Caldo Verde y distribuido en nuestro país por Houston Party.

¿Te gusta España? Te he visto tocar mucho por aquí y además sacaste alguna canción en Acuarela, si la memoria no me falla. Además, hace poco has editado varios “live in Spain” por tu parte... Uhm, ahora mismo no recuerdo haber sacado nada con Acuarela, aunque puede que la memoria me falle. Me gusta bastante España, pero eso sí, desearía que la gente fumara menos.

MÚSICA


ARTÍCULO tricky

RÉQUIEM POR UN MÚSICO DE BRISTOL

EL 27 DE SEPTIEMBRE SE EXHUMARÁ “MIXED RACE” (DOMINO/ [PIAS] SPAIN), O LA CRÓNICA DE UNA MUERTE ANUNCIADA, EL NOVENO CADÁVER MUSICAL DE TRICKY. EL PRIMER SENCILLO, PARA PLAÑIDEROS ACÉRRIMOS Y CURIOSOS, ES “MURDER WEAPON”, UNA VERSIÓN PRÁCTICAMENTE IDÉNTICA DEL CANTANTE JAMAICANO ECHO MINOTT. TODO EN ESTA VIDA TIENE UN FIN Y LA FECHA DE CADUCIDAD DEL GENIO EN EL CASO DE TRICKY, HACE MUCHO QUE LLEGÓ: 1998. DESCANSE EN PAZ. Texto_ Angélica Guzmán Miralles Los dos años que Adrian Nicholas Matthews Thaws ha pasado en barbecho no le han servido para recuperar ninguna de las características positivas de sus tres primeros álbumes. Más allá del carraspeo, de los susurros sordos, de la recitación monocorde y de los ritmos marcadísimos (cada vez más machacones) nada queda de la impronta que un día lo hiciera famoso. Nada queda del misterio, de la vaporosa y sutil sensualidad que crecía hasta un morbo salvaje que empapaba el ambiente en el que sonaba cualquiera de los temas del “Maxinquaye” (1995); de la enigmática fuerza y la oscura ambigüedad que teñían el “Nearly God” (96); ni del descarado y aberrante salvajismo de los cortes de “Pre-Millennium Tension” (96). AVE DE RAPIÑA La vida de Andrew no ha sido fácil (como tampoco lo habrá sido la de los que lo tienen cerca, a juzgar por su comportamiento). Como gran superviviente que es, Andrew ha tenido una gran habilidad para rodearse de los mejores y sacar siempre lo que ha necesitado. Así, parece algo más que una casualidad que el declive de su carrera musical se colara por la rendija que quedó cuando Martina (compañera de Tricky dentro y fuera del estudio) cerró la puerta tras de sí con un “ojalá que te vaya bonito”. “Angels with Dirty Faces”, lanzado en 1998, es el primero de una lista del más-de-lo-mismo que llega hasta nuestros días, lo que nos hace cuestionarnos si es tan bueno el león como lo pintaban. La respuesta es obvia: no, y el primero que debe de intuirlo es él ya que siempre ha recurrido a vocalistas con timbres y tesituras muy parecidas a las de la Topley-Bird. Björk y PJ Harvey han sido otras de las grandes féminas de cuyas talentosas aptitudes y magníficas artes se ha servido para algunas colaboraciones. ¡QUÉ DURO ES SER ALTERNATIVO, O SEA! ¿Qué se esconde tras esa apariencia de chico malo politoxicómano de barrio bajo, que está de vuelta de todo? A juzgar por su música, un mercader nato. Un experto en marketing que, consciente de lo que le queda en el convento, está decidido a aprovechar el tirón mientras dure. Un vendedor de humo que, lejos de aquella idea de reinventarse, experimentar y hacer música, se ha decantado por jugar a una ruleta amañada apostando a lo seguro. Desde

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su poltrona de reinona del trip-hop (trono en su día) en la que sentara las posaderas, Tricky llora la partida de su musa y, remolón, busca la inspiración en numerosas fuentes (legales y no tanto) pero parece ser que las musas tienen una agenda apretada y no encuentran el momento para hacerle una visita (no las culpamos), pero la vida es cara y hay que comer, por lo que se ha visto obligado a hacer de su nombre una marca que no duda en utilizar en unos discos que más que rayar lo comercial, lo abrazan. Unas canciones de ritmos repetitivos en las que utiliza unas técnicas ya manidas que saca siempre del baúl de los recuerdos y desprenden un olor a rancio y naftalina; unas melodías tan simples que parecen una tomadura de pelo junto a las mezclas vocales y el trenzado de voces de siempre. Tricky se ha aburguesado; ha decidido tomar el fácil tren de “coge el dinero y corre”. NI PIDAS A QUIEN PIDIÓ, NI SIRVAS A QUIEN SIRVIÓ Sin embargo, a juzgar por su persona, Andrew es un dictador que se cree por encima del bien y del mal, cuya profesionalidad brilla por su ausencia y que juega con el trabajo y con el tiempo de los demás creyéndose nearly god. Este pequeño tirano es famoso por su marcada actitud pueril y despótica mucho más cercana a la de un niño de cuatro años que a la de hombre curtido en los arrabales, que nos hace preguntarnos cómo consiguió sobrevivir así en la cárcel, donde parece ser que ingresó a los diecisiete años. Ante la prensa, el chico duro hace pucheros ante las preguntas que no son de adulación, admiración y halago; “¡soy el autor de Maxinquaye!”, brama indignado cuando se le cuestiona por su adolecida tendencia al mainstream de los últimos doce años. Andrew veta a diestro y siniestro a periodistas y redactores que le recuerdan que un día hizo algo que mereció la pena. Que fue bueno. Cualquier otro con dos dedos de frente y con la mente despejada salvaría la situación con mano izquierda. Él no. Necesita las dos para recoger el dinero que espera ganar con su último disco. En vista de los reiterados pucheros que Andrew dedica al personal de la discográfica, nos retiramos. No hay que hacer leña del árbol caído. MIXED RACE Mixed Race es un quiero-y-no-puedo, una huída hacia delante donde Tricky hace acopio de grandes técnicas de desguace, más que de sus dotes musicales. El de Bristol vive de retales y de colaboraciones (como Santiago Segura y Torrente) y ha creado un espeso patchwork musical al que cuesta prestar atención una vez comienza a sonar. Diez cortes anémicos, cargantes y faltos de originalidad que pasarán sin pena ni gloria por la historia de la música (lo que se merece, ni más ni menos). Atrás quedaron aquellos arreglos que hicieron prácticamente irreconocible el “Black Steel” de Public Enemy elevándolo a la categoría de obra de arte. Con “Murder Weapon”, Andrew ha recurrido también a la versión, pero esta vez, no se ha molestado siquiera en darle su impronta al tema del jamaicano Echo Minott. Seguramente, si dedicara a la música el mismo esfuerzo que a demostrar su despotismo, otro Tricky nos cantaría. “Mixed Race” está editado por Domino y distribuido en nuestro país por [PIAS] Spain.


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EL ESTADO DE LA CUESTIÓN VARIOS AUTORES “SAUERBRUCH HUTTON” VARIOS AUTORES “JOÁO VILANOVA ARTIGAS” VARIOS AUTORES “JÓVENES ARQUITECTOS ESPAÑOLES” 2G/GUSTAVO GILI Cualquiera que siga con cierta atención la prensa especializada en arquitectura habrá percibido la pobreza de ideas que parece asolar a las revistas españolas en los últimos años. Dentro de las monográficas, El Croquis ha terminado por asumir que sus ejemplares funcionan sobre todo como coffee table books, libros que decoran de manera estupenda los salones modernos, pero que carecen de un trasfondo ideológico serio. Y en esas andan, fabricando tomos cada vez más voluminosos, repletos de fotografías tan hermosas como estáticas y vacías de emoción. Algo de lo que parece haberse contagiado también A&V, que más allá de sus resúmenes anuales y algún número dedicado a figuras irreprochables (hacer mal un libro sobre, por ejemplo, Francisco Mangado, es casi más difícil que hacerlo bien) parece incapaz de articular monografías con interés; todo queda en un amontonar de proyectos que en muchas ocasiones apenas sirven más que para disparar un par de fotografías decentes. El panorama se torna mucho más oscuro en el caso de las revistas de “información periódica”: Arquitectura Viva ha terminado por convertirse en el Hola! de la profesión, un panfleto con mucho de amarillismo y poco de rigor, y casi peor es el caso de Pasajes, que comenzó con muy buen pie pero ahora mismo naufraga en una espiral de actualidad inmediata e imágenes espectaculares, que da mucho más valor a la novedad y a la explosión formal que a los contenidos críticos o la reflexión. Para encontrar esto último, reflexión, parece obligado recurrir a revistas relacionadas con colegios profesionales, como Neutra o Basa, o a deliciosos caprichos como Metalocus, que no dudan en sacrificar la imagen en favor de la calidad de los contenidos, y que por eso se ven obligadas a vivir en el margen. Pero que nadie nos las cambie, por favor. Es fácil pensar que esa falta de coherencia es un reflejo directo de gran parte de la producción arquitectónica actual, que a su vez parece perdida en un mar de estilos; que da más valor a la estética que a la esencia, que se conforma con ser efímera y no se plantea cómo de felices serán los futuros usuarios de esos edificios. Pero por fortuna existen algunas revistas que insisten en valorar la arquitectura desde un punto sencillo y realista. Una es TC Cuadernos/Temas de Arquitectura, cuyas monografías y especiales están editados con mimo y paciencia: arquitectura de verdad para arquitectos que todavía tienen confianza en la profesión. Y otra es 2G, cuyos monográficos, que muchas veces se centran en arquitectos que están fuera del radar de la actualidad, presentan la información de manera clara y sencilla, compaginando imágenes que de verdad enseñan los espacios y edificios, aunque sea a costa de sacrificar la espectacularidad, con textos informativos y de calidad. Sus tres últimos números, dos monográficos dedicados a Sauerbruch Hutton y Joâo Vilanova Artigas, y un dossier sobre jóvenes arquitectos españoles muestran a la perfección

En la imagen: Sauerbruch Hutton

ARQUITECTURA ESCRITA Texto_ Vidal Romero

sus distintas líneas de actuación. Por un lado, estudios modernos, cuya producción sólo interesa de manera tangencial a las grandes revistas, pero que suelen manejar valores o puntos de vista particularmente interesantes. Es el caso de Sauerbruch Hutton (en la foto su edificio para la Universidad de Sheffield), un estudio mitad inglés mitad alemán, que investiga formas dinámicas y pieles coloristas en un esfuerzo por mejorar la sostenibilidad de sus edificios y por añadir valores a los entornos urbanos en los que se integran. Por otro lado, la recuperación de arquitectos de otras épocas cuya obra no ha dejado de ser moderna o incluso ha ganado con el tiempo. Aquí el brasileño Joâo Vilanova Artigas es un ejemplo perfecto: el rigor de sus edificios, la delicadeza con la que trabaja los materiales y el cuidado con el que están pensados sus interiores (sobre todo los de sus viviendas unifamiliares) enseñan una sensibilidad que parece haberse perdido en estos tiempos que corremos. Finalmente, el dossier sobre jóvenes arquitectos españoles demuestra el interés que sienten en la redacción por sacar a la luz el trabajo de profesionales pocos conocidos: la gran mayoría de los proyectos que contiene se publican aquí por primera vez. Y lo mismo sucede con muchos de los arquitectos que aparecen, completos desconocidos hasta ese momento. La prueba palpable, en fin, de que otra manera de publicar arquitectura es posible.

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En la imagen: McQueen Set

TAKE 100 Textos_ David Pareja

THE FUTURE OF FILM: 100 NEW DIRECTORS. PHAIDON. Retomando el conocido formato de Phaidon 10x10, en el que curators o críticos especializados trazan un barrido por la actualidad artística para señalarnos los nombres que darán que hablar en el futuro, Phaidon ha editado “Take 100: The Future of Film”, un catálogo de nuevos cineastas comisariado por directores de festivales tan ilustres como Venecia, Cannes, Locarno, Toronto, Sundance o Berlín. Entre los elegidos se encuentran cineastas reconocibles como el mejicano Carlos Reygadas, el alemán Florian Henckel (director de la premiada “La Vida de los Otros”) o la actriz Sarah Polley (que se embarcó en la dirección con la película “Lejos de Ella”), pero también hay cineastas desconocidos, prometedores y repletos de un talento audiovisual fresco y renovador, como el caso de Takahashi Izumi o So Yong Kim, nuevos valores del cine asiático. Cada autor es analizado en cuatro páginas, que se completan con un texto sobre el cineasta acompañado del análisis de una de sus películas más recientes, elaborado por el curator que lo ha elegido para pertenecer a esta edición. Además, el libro viene acompañado por una selección de diez películas clásicas (entre las que se encuentran títulos tan distantes como “Melodías de Broadway” de Vicente Minnelli, “Spring in a Small Town” de Fei Mu o “Slacker” de Richard Linklater). Una edición excepcional, no definitiva, pero que cumple su propósito de guía para ubicar a un buen puñado de cineastas emergentes, editado con mimo y a buen tamaño, ideal para captar primeras impresiones de todos los cineastas citados. A tener en cuenta.

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LA RAMBLA IN/OUT BARCELONA JORDI BERNARDÓ / MASSIMO VITALI ACTAR Los espacios de tránsito son los que marcan la identidad de una gran ciudad: espacios de comunicación, de movimiento y de alimentación. La Rambla es a Barcelona lo que la Gran Vía a Madrid o la Quinta Avenida a Nueva York, una metonimia cultural. Los fotógrafos Jordi Bernadó y Massimo Vitali se han unido para confeccionar un retrato de Barcelona a través de este espacio, testigo excepcional de la evolución que ha sufrido la ciudad desde los años de la transición. Dos fotógrafos para trazar un recorrido doble, marcado por la mirada de dos artistas con formas y miradas muy reconocibles: Bernardó realiza un itinerario privado, de interior, aportando una mirada más surrealista e íntima, que enriquece la visión de La Rambla con un enfoque más oscuro y desconocido; mientras que Vitalli realiza un itinerario público, de exterior, realizando sus famosos landscapes multitudinarios (recuerden sus instantáneas del FIB Heineken), que nos acercan a la Barcelona más multicultural y turística. Dos facetas, la privada y la pública, que una vez más se fusionan para ofrecer un brillante retrato de un icono cultural.

LA PESCA DE LA TRUCHA EN AMÉRICA RICHARD BRAUTIGAN BLACKIE BOOKS Muchos seguidores de Brautigan se preguntaban cómo era posible que el mayor éxito del lisérgico autor norteamericano no hubiera sido editado aún en castellano (Anagrama ha publicado los títulos que siguieron a este, su mayor éxito comercial con casi tres millones de libros vendidos, entre los que se encuentra el maravilloso “Willard y sus Trofeos de Bolos”). Hijo de la contracultura y del San Francisco hippie de los sesenta, Richard Brautigan recibe por fin una edición merecida de “La Pesca de la Trucha en América” (1967), un retrato incoherente y certero, pleno de humor y surrealismo destilado en pequeños capítulos inconexos. Más que un manual sobre la pesca de la trucha, Brautigan consigue un retrato de la sociedad norteamericana de su tiempo, de su afán consumista y de una época marcada por el descubrimiento del ácido, la contracultura y las libertades sociales. El inesperado éxito de este libro lo lanzó a una vorágine de alcohol, divorcios y excesos (“tengo más dinero del que puedo gastar” declaró en alguna ocasión) que acabó con su vida al suicidarse de un tiro en la cabeza tras pasar por varios manicomios. Si eres de los que aún no conocen su genio, aquí tienes una oportunidad inmejorable para hacerlo.

LA ÚLTIMA CENA PHAIDON La Última Cena es uno de los temas más representados del arte de todos los tiempos. Phaidon edita en un libro las obras más representativas que han tenido este episodio de los Evangelios como protagonista: desde un fresco del siglo VII hasta una obra de Warhol o el famoso fresco de Leonardo Da Vinci. Lo más curioso de todo es que Brian Wansink, director del laboratorio de comida y marca en la Universidad de Cornell, ha utilizado esta edición artística para medir las raciones de comida a lo largo de la historia. Y en este estudio ha descubierto que las enseñanzas de Jesús (“Hacer esto –cenar y repartir el pan- en conmemoración mía”) se están llevando a cabo, pero en platos más grandes y en raciones, por supuesto, mayores. Sus estudios concretan que desde el Siglo VII hasta el XX, las raciones de comida han aumentado en un 69%, mientras que el tamaño de los platos ha aumentado un 66% y el del pan un 22%. La de conclusiones que puede dar una cena... Para curiosos, el estudio está publicado aquí: http://www.nature. com/ijo/journal/v34/n3/full/ijo2009251a.html

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EL MUNDO DE LAS ARTES ESCÉNICAS NO ES AJENO AL ACTUAL CONTEXTO DE CRISIS. A PESAR DE ELLO, DE LO “DIFÍCIL QUE ESTÁ TODO”, HAY GENTE QUE NO SE RINDE Y QUE OPTA POR DEDICAR SU VIDA A PERSEGUIR UN SUEÑO, POR MUY COMPLICADO DE ALCANZAR QUE RESULTE. COMO HOMENAJE A ELLOS Y PARA ANIMARNOS A LOS DEMÁS, SE HA ESCRITO ESTE TEXTO. HEMOS CONTACTADO CON PERSONAS JÓVENES QUE ESTUDIAN ALGO RELACIONADO CON LAS ARTES ESCÉNICAS EN ALGUNA DE LAS PRINCIPALES CIUDADES DEL MUNDO REFERENCIA EN LA MATERIA. EN CONCRETO HABLAMOS CON VARIOS ESTUDIANTES DE DANZA CONTEMPORÁNEA EN BERLÍN Y NUEVA YORK, Y CON UN ESTUDIANTE DE TEATRO EN LONDRES. ESTUDIAR DANZA CONTEMPORÁNEA EN BERLÍN Y NUEVA YORK. Nueva York es una referencia en general para cualquier arte, aunque según Mariola Rodríguez, en danza contemporánea «fueron unos “craks” hace 30 años y ahora mismo es más interesante lo que se hace en Europa. Aquí van de lo superconceptual al estilo Broadway, por lo que la pasión, la realidad social y el humor, quedan bastante abandonados. A veces pienso que solo se hace gimnasia, mientras que en Europa intentamos contar algo.» Mariola es sevillana y tiene 28 años. En 2004 obtuvo el Titulo Superior en Danza Contemporánea de la Universidad de Alicante. Desde entonces ha trabajado como profesora de danza, ha continuado su formación con varios cursos y en 2008 estrenó en Sevilla un solo «relacionado con la multiplicación de la danza en el espacio a través de las videoproyecciones, usando la imagen producida como metáfora de la ambigüedad de la realidad.» Lleva en Nueva York desde enero de 2010, donde gracias a una beca recibe clases en la academia DNA (Dance New Amsterdam): «lo que más mola para mí es que vienen profes europeos. Además en Nueva York creo que hay 6 universidades distintas en las que la danza contemporánea equivale a una licenciatura. Luego están la Martha Graham School of Dance, el Merce Cunningham Studio, el Trisha Brown Studio, Linconl Center School, etc., y miles de escuelas para miles de estilos de danza que se llevan mucho por aquí: tap, hip-hop, jazz, etc.» Su beca le permite no tener que trabajar, aunque baila 6 horas al día, y sus principales problemas tienen que ver con los permisos de residencia. Para este curso 2010-2011 no está claro que su escuela siga funcionando ni que pueda renovar su visado, así que anda a la búsqueda de un nuevo destino. Mariola también estudió entre 2005 y 2007 en Berlín, donde conoció a Elisa Fernández Arteta, pamplonica de 29 años que ya lleva 3 en la capital germana. Llegó allí porque «buscaba un sitio donde sentirme libre, para bailar libre, y, por lo que sabía de Berlín, pensé que podría resultar un buen lugar; y así ha sido. Estuve trabajando en Pamplona para ahorrar dinero y además

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conseguí dos ayudas del Gobierno de Navarrra para hacer un proyecto de coreografía y otro de video-danza. Aquí no tengo trabajo fijo dentro de la danza, pero a través de becas, premios y ayudas a la creación puedo vivir de ello. Algunas temporadas bailo más, pero otras tengo que pasarme mucho tiempo escribiendo y enviando proyectos a todos los sitios.» En lo tocante a nuevas tendencias, opina que «más que la danza, me está influyendo la escena de la música experimental y el noise, pero por haceros una idea, decir que algunos de los coreógrafos más reconocidos aquí son Constanza Macras, Juan Domingo, Felix Ricker y, por supuesto, Sasha Waltz.» Como lugares recomendables para aprender nos habla de Tanz Fabrik, Marameo o Dock 11. Además, en la misma ciudad, se encuentra el Centro Interuniversitario de Danza de Berlín (HTZ), donde es posible estudiar una licenciatura en danza contemporánea, un Master en “Coreografía, contexto y Danza Contemporánea” y otro en “Autoría de solos”. Allí encontramos a Ehud Darash y Nina Kurtela. El primero procede de Israel, otra de las referencias a nivel mundial en danza contemporánea, gracias, sobre todo, al trabajo de Ohad Naharin y la Batsheva Dance Company. Para Ehud, no es difícil vivir en Berlín y obtener ayudas del estado para estudiar en la Universidad. Acaba de licenciarse en la HTZ y en cuanto a nuevas tendencias lo que más le interesa es «investigar sobre la forma en que los roles clásicos de bailarín, coreógrafo, público, etc., pueden fluctuar y renegociarse.» Nina Kurtela también se ha licenciado recientemente en la HTZ. Es croata y tiene 28 años. Se define como una artista que trabaja entre las artes visuales y la danza contemporánea. Ha viajado por toda Europa y mantiene una visión crítica del arte occidental, plegado muchas veces a las exigencias del mercado. Piensa que Berlín puede ser una excepción pues «existe un especial sentido de la libertad que puedes sentir en la vida cotidiana. Además, lo que más me gusta es el intercambio constante con gente de diferentes disciplinas.»

ESCENA GRANDES PLANES Texto_ Vicente Durá

Imagen: Ehud Darash Las obras recomendadas aparecen en nuestra agenda web: www.clonemagazine.com con indicación de las fechas, ciudades y salas correspondientes.


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ESTUDIAR TEATRO EN LONDRES. Pilar Crespo, actriz sevillana que ha trabajado junto a estrellas como Blanca Portillo o el director esloveno Tomaz Pandur, nos comenta que «indiscutiblemente, para mí, la mejor ciudad del mundo para estudiar interpretación textual es Londres. Otra cosa sería estudiar cine, que para eso es mejor en Los Ángeles o Nueva York, o algo específico de teatro. Por ejemplo, para Comedia del Arte sería mejor algún lugar en Italia, y para otras cosas como escenografía, etc., pues otras ciudades. Pero en teatro de texto, Londres, sin duda.» En Londres encontramos a Aitor Allué. Ibicenco, de 31 años, estudia teatro desde los 19. A los 20 empezó en serio en el Centre d’Estudis Cinematografics de Cataluña (CECC). Luego ha pasado un año en París, en la escuela internacional de Philippe Gaulier y al volver a España se fue a vivir a Madrid, donde después de un año trabajando en diferentes proyectos relacionados con la televisión o el teatro infantil, volvió a estudiar en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), lo cual ha compaginado con pequeños trabajos para televisión en Águila Roja o Lex. «Uno de los motivos por los cuales decidí estudiar de nuevo fue la posibilidad de irme un año de Erasmus a otra gran ciudad europea. Londres era la mejor candidata, así pedí la beca y me la concedieron. Hice los trámites a través de la RESAD y la verdad es que fue bastante fácil, aunque la Erasmus no da para mucho y tengo que trabajar en hostelería o como mensajero. Estudio en el Rose Bruford College, situado a las afueras de Londres; Sidcup, así se llama el pueblo. Es un lugar un tanto aburrido y tranquilo. Lo más destacable es que Mick Jagger y Keith Richards decidieron formar una banda de rock en la estación de metro de esta ciudad y que actores como Gary Oldman estudiaron allí. Una de las cosas que más me ha sorprendido es la orientación que se da a los alumnos de último curso. Durante el último año existen clases orientativas de cómo enfrentarse al mundo profesional (como escribir un curriculum artístico, como enfrentarse a las audiciones...) algo que en España se echa de menos.» Sobre otros lugares para estudiar en Londres explica que «existen millones de escuelas en Londres aunque solo tres tienen convenio con las universidades españolas: la de Wimbledon, la de Essex (East 15) y la Rose Bruford. La escuela mas prestigiosa es la RADA pero es “muuuuy” complicado entrar para todos los extranjeros, anglófonos inclusive.» Acerca del ambiente cultural londinense informa de que «es muy difícil decir cuáles son las ultimas tendencias, puesto que hay mucha oferta y muy diversa. Existen unos 60 grandes teatros. Hace 20 años el 90% de estos teatros estrenaban “straight plays” (obras de texto), pero hoy en día el 90% son musicales y el otro 10% son “straight plays”. Todo esto ocurre en el West End. Fuera de ahí, en los pequeños teatros, ves mucho de todo. Las compañías estrenan lo que sea para sobrevivir. Pero por supuesto en Inglaterra Shakespeare es Shakespeare. De todas formas la gran diversidad cultural que se junta en una ciudad como esta, hace crecer a cualquier persona y especialmente a los artistas. Te encuentras con realidades de todo tipo que te ayudan a desarrollarte como persona y a entender el mundo. Londres te ofrece una mezcla entre el orden y la rectitud inglesa con el “caos” multicultural.» ESCENA


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JEAN LUC GODARD

ENSAYOS / PENSAR ENTRE IMÁGENES DVDs textos_ David Pareja En distintos momentos de su carrera, Godard ha manifestado que él filmaba documentos, no películas. Godard es un meta-cineasta, en el sentido más literario del término. Godard padece el cine en sus carnes: “no tengo la sensación de distinguir entre la vida y la creación”, declara en las entrevistas recopiladas en “Pensar Entre Imágenes”, el libro que acompaña a la edición de sus ensayos fílmicos y que también se puede comprar por separado. Y eso es lo que nos transmiten sus películas, narradas por actores que normalmente son un trasunto de la primera persona del cineasta. En la mayoría de sus películas la palabra tiene un protagonismo insólito, pues se trata de una palabra citada más que actuada, que interpela al cerebro, no al corazón, pero que emociona como un pasaje de Proust o un verso de Rimbaud. Godard no busca la imagen primigenia, aunque la rastrea, busca una conexión primigenia, busca la primera reflexión de los Lumière. En sus películas el cine se conecta con la escultura, con la pintura, con la literatura y el pensamiento más que en ningún otro cine (“existe el placer físico de escribir, el de pintar y, luego, el de hacer cine... “) y con ello la búsqueda a través de la creación (“hay que buscar todas las imágenes del lenguaje y salvarlas, porque están

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en el desierto”), dice Godard, citando a Genet, en su última película, “Film Socialisme”. Este cofre editado por Intermedio recoge, junto a “Histoire(s) du Cinéma”, el testamento cinematográfico de Godard, el cineasta que “Amó el cine antes de conocerlo”, el duque de la Nouvelle Vague, el crítico más afilado de Cahiers du Cinéma. Para completar la edición, el pack de Intermedio comprende cuatro deuvedés que recogen gran parte de la filmografía ensayística de Godard: “La Gaya Ciencia” (1968), “Soft and Hard” (1985), “Número Dos” (1975), “Guión del Film Pasión” (1982), en el que habla frente a cámara del proceso de creación y realización de su película “Pasión”, “Cómo Va Eso” (1976), “JLG / JLG” (1995), autorretrato filmado del cineasta, “Carta a Freddy Buache” (1982), “Meeting Woody Allen” (1986), en el que Godard comparte experiencias cinematográficas a través de una entrevista que realizó al cineasta judío en Nueva York. Testamentos todos de una obra cinematográfica colosal. Más info en www.intermedio.net


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UN PROFETA

EL MERCADER DE LAS CUATRO ESTACIONES WISEBLOOD

UN PROFETA. JACQUES AUDIARD (CAMEO) Conocido en nuestro país por film notables como “Lee mis labios” o “De Latir mi Corazón se ha Parado”, Jacques Audiard ha logrado con “Un Profeta” su consagración definitiva, la obra que lo ha colocado entre los grandes realizadores del cine europeo. Audiard logró fraguar con “Un Profeta” una película de 150 minutos de duración sin apenas fisuras, redonda, recia y poseedora de un clima viril, bestial y hermoso a partes iguales, que sumerge al espectador en una escalada de tensión incesante; una película que se padece y disfruta con el corazón en un puño. Eclipsada en los premios internacionales del pasado año por la “Cinta Blanca” de Michael Haneke, recogió el Gran Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes, donde todos la daban por justa vencedora. Makil El Djebena, el protagonista de “Un Profeta”, está interpretado por Tahar Rahim, uno de los descubrimientos de esta película y a la vez una de sus claves, pues en su personaje esta película vive el proceso de aprendizaje de un drama carcelario repleto de maestría. EL MERCADER DE LAS CUATRO ESTACIONES. RAINER WERNER FASSBINDER (AVALON) Fassbinder ha sido un cineasta único: capaz de rodar veinticuatro películas para cine, diecisiete para televisión, cuatro series también para televisión –con un total de veintitrés episodios-, dos cortometrajes y escribir -y dirigirtreinta obras de teatro en tan sólo catorce años de vida profesional, cortada de improvisto por una muerte prematura fruto de su adicción al alcohol y las drogas y el ritmo vertiginoso con el que vivía la vida. Con razón, Godard dijo que con Fassbinder moría el Nuevo Cine Alemán, que casi se nutrió de su figura. En esta película Fassbinder cuenta la degradación vital de antiguo legionario llamado Hans Hirschmüller, que se ve obligado a dedicarse a la venta ambulante de fruta tras ser expulsado de la policía por frecuentar a una prostituta. Inmerso en una de las sociedades neo-burguesas de clase media que tanto detestaba el director alemán, el protagonista se ve sometido a cuatro mujeres que irán poco a poco minándole el ánimo y de paso la vida. Uno de los primeros melodramazos de su carrera. WISE BLOOD. JOHN HUSTON (AVALON) Adaptación homónima de la novela escrita por la irlandesa Flannery O’Connor, John Huston (“El Halcón Maltés” (1941) - “Dublineses” (1987)) intentó llevar al cine las sensaciones que experimentó una vez terminó la novela: “No sabía si horrorizarme o reírme”, cuenta en sus memorias. Y es que la novela logra dejar en el cuerpo esa mezcla de humor frío, pesimismo y horror cotidiano que también ha conseguido transmitir la película. Para ello, Huston se embarcó en una filmación que contó con la mitad del equipo con la que solía contar en sus películas, e incluso terminó el rodaje antes de los previsto. El resultado es la historia de un predicador exitoso y rebelde, Hazel Motes, que se afana en su intento de montar una Iglesia sin Dios y plantarle cara a Jesucristo. Un predicador que no cree en nada y una comunidad repleta de freaks del sur de Estados Unidos (la película está ambientada en Georgia, incluida en la zona conocida como el “cinturón bíblico” de América). Una de esas pequeñas películas que merecía la pena rescatar entre la exitosa carrera de John Huston.

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Imagen: ORIGEN

ORIGEN (“INCEPTION”, CHRISTOPHER NOLAN, USA, 2010)

TOY STORY 3 (LEE UNKRICH, USA, 2010)

El hecho de que el guión de “Origen” haya tardado, en palabras de su creador, cerca de diez años en ser terminado ayuda a contextualizar una obra tan aparentemente obsoleta como esta ambiciosa pieza cinematográfica. Es justo recordar que hace una década se facturaron algunas películas que jugaban con la distorsión de la realidad y la subversión de los sentidos, todas ellas capitaneadas por la seminal “Dark City” (Alex Proyas, 1998), de la que “Origen” bebe sedienta en lo que a su imaginería se refiere con el único aporte del avance tecnológico de los efectos especiales. Resulta por tanto difícil apreciar la originalidad en la última obra del retorcido Christopher Nolan, más aun cuando “Origen” termina siendo básicamente un juego visual más que una metáfora del malestar socio-económico que azota nuestras conciencias y bolsillos (como se le requeriría a una obra de esta envergadura). Sin embargo, debemos destacar que a la historia de “Origen” le ha venido bien el barbecho voluntario ya que Nolan ha sido capaz en este tiempo de pulir su guión de forma sobresaliente. Si por algo resulta meritoria esta historia sobre la arquitectura de la mente es por su clarividencia narrativa, que acompaña al espectador por las múltiples capas oníricas en las que transcurren las trepidantes escenas de acción que pueblan esta cinta. “Origen” es, por tanto, un divertimento de altos vuelos, una virguería pirotécnica que más que marcar el futuro del cine de Nolan funciona a modo de recopilatorio de sus fobias y formas ya ofrecidas hasta la fecha. Algo así como su “tractatus logicophilosophicus”.>Fran G. Matute

“Toy Story 3” ya es la película más taquillera de animación de la historia. Que se lo merezca o no me la trae al fresco, y además hablar de dinero es de muy mala educación. Si “Los Mercenarios” es la película del año para los que rebasan la treintena y se educaron con los actioners más pertinaces de Hollywood, “Toy Story 3” es LA PELÍCULA del año, en mayúsculas. Una maravilla (y, Pixar, ya van unas cuantas... ) que lo es porque funciona a tantos niveles como se le quiera exigir: es una película de aventuras, primordialmente, pero también un drama terrorífico acerca del temor humano a dejar de ser querido (ya explorado en “Up”); una película de terror con flashbacks reveladores y preciosos; una comedia romántica bufa, con Barbie y Ken en el ojo de mira; un drama social con mensaje, el del encanto imborrable del juguete artesano frente al ogro de la tecnología. Pero, ante todo, es una película que desarma por su brutal sinceridad: hace un llamamiento a todos aquellos que vieron la primera parte y da un toque de atención a lo que ha cambiado en nuestras vidas desde entonces. Puede parecer una actitud muy hijadeputa y muy adulta por parte de Pixar, pero es que así es la vida. Lo que vamos dejando atrás mientras aprovechamos el tiempo para que, eso mismo que vamos dejando atrás, lo recordemos algún día con alegría, y no con un sentimiento de tiempo perdido. Es la definición de nostalgia. Sobrecogedora y única. Una absoluta, única y jodida obra maestra porque duele y retuerce como pocas. Inabarcable. Cegadora. Deslumbrante.>Antonio Bret

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01. ANTONY & THE JOHNSONS. SWANLIGHTS (SECRETLY CANADIAN/HOUSTON PARTY) El hombre de los contorsionismos líricos y de los estilismos peripatéticos vuelve a la carga con un nuevo trabajo que sigue la misma línea de los anteriores aunque algo más compacto. A principios de septiembre se publica Swanlights, el cuarto trabajo de Antony & The Johnsons que recoge once temas que, se suponen, son los más emocionales hasta el momento en la carrera del artista. Sin embargo, algunos de los cortes se hacen un tanto pesados, monótonos y demasiado largos (especialmente “Christina’s Farm”, siete minutos que pueden llegar a hacerse eternos). Pero también cuenta con joyas como “Flétta”, en la que le acompaña la inigualable Björk en lo que se convierte en una extraordinaria conjunción de voces donde ambos artistas se compensan en una perfecta simbiosis; “Thank You for Your Love”, donde Antony se sume en una espiral de repetición que, curiosamente no se hace nada cansina y, un secreto, huele a single; o “Salt Silver Oxygen”, con una bella melodía que lo convierte en el temas más completo. En pocas palabras, cualquier cosa que haga este hombre es digno de ser escuchado, independientemente de las opiniones que pueda suscitar. Su voz lo vale.>Angélica Guzmán Miralles

02. MARTINA TOPLEY-BIRD. SOME PLACE SIMPLE (HONEST JON’S) De chica del coro del colegio a musa de Tricky, Martina Topley-Bird había vivido a la sombra de éste y trabajado a las órdenes de Massive Attack (con quienes ha vuelto a colaborar en dos cortes de “Heligoland”) hasta que se independizó en 2003 y decidió mostrarle al mundo lo que valía un peine. Una cantante y compositora perfeccionista que se toma su tiempo para hacer las cosas como Dios manda (cinco años separan sus dos maravillosos trabajos previos) sin presiones, sin horarios y sin fechas en el calendario. Una selección de canciones de sus dos álbumes anteriores, “Quixotic” y “The Blue God”, bajo un prisma caleidoscópico, así nos presenta Martina Topley-Bird su tercer trabajo de estudio, “Some Place Simple”, cuyo título no podía ser más acertado. Quince temas reinventados y minimizados donde su dulce y sensual voz adquiere una importancia crucial. Una reinterpretación casi desnuda de “Baby Blue”, “Phoenix”, “Poison” o “Ilya”, por citar algunos ejemplos. Un trabajo pulcro y conseguido que nos demuestra otra faceta de esta versátil británica fiel a los sellos independientes (quizás es por eso que su música sigue siendo tan buena).>Angélica Guzmán Miralles

03. SHIT ROBOT. FROM THE CRADLE TO THE RAVE (DFA/NUEVOS MEDIOS) Marcus Lambkin es un tipo que, además de tener un arte componiendo que no se puede aguantar, sabe escoger nombres de puta madre... Vamos, que les reto ahora mismo a que me digan diez grupos con un nombre mejor que Shit Robot. Es más, añadan ahí otros diez más con título tan carnavalero como “From The Cradle to The Rave” (de la cuna a la rave, ahí lo llevan). Difícil, ¿verdad? Pues el contenido de este nuevo largo de la escudería DFA es exactamente lo que podemos prometernos antes de sacar el CD de la funda: mandanga de la buena. Producido, como no podía ser de otra forma, por el amigo James Murphy, el artefacto fiestero nos regala un fantástico paquete de house cósmico, disco más bien ácida y electropop bien servidito de teclados retrofuturistas. Además, nuestro protagonista tiene una buena agenda, ya que entre las colaboraciones podemos contar a sus compis de sello The Juan MacLean, Alexis Taylor (voz de Hot Chip) o el punky de diseño Ian Svenonious, de bandas legendarias como The Nation of Ulysses o The Make-Up. Todos ayudan a dar un cariz más “humano” a un álbum que, cuando se quiere distanciar de lo terrenal, se ayuda de unos tuneos robóticos bastante divertidos. También nos hace el favor de recopilar tres maxis ya editados anteriormente por DFA, como son “Simple Things”, “Triumph” y la gloriosa “I Got a Feeling”. En resumen: musicón con cencerros.>Pablo Vinuesa DISCOS - CRÍTICAS


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04. THE BOOKS. THE WAY OUT (TEMPORARY RESIDENCE/GREEN UFOS) The Books no es electrónica para las masas, ni música electroacústica para iniciados, pero se halla en algún lugar intermedio entre ambos géneros, una indeterminación que nos deja una cosa muy clara: Nick Zammuto y Paul de Jong son unos putos genios, unos virtuosos capaces de aglutinar referencias, samples, palabras, ritmos e imágenes (ojito al videoclip de “A Cold Freezin”) en un disco que, por acumulación, calidad y, muy posiblemente trascendencia, supera ya a anteriores referencias como el también genial “Lost and Safe” (2006) o “The Lemon of The Pink” (2003). Tan sólo hay que pararse un instante a admirar gemas como “Beautiful People”: la palabra empieza a tener mayor presencia (y con ello, las letras) que se vertebran en un maravilloso coro mecido por una línea de cello, una batería y un solo básico de guitarra. Maestros.>David Pareja

05. FANIA ESSENTIAL RECORDINGS. SALSA EXPLOSION: THE NEW YORK SALSA REVOLUTION 1970-1979 (STRUT RECORDS) Strut Records, subsello de !K7, acaba de estrenar asociación con lo que se llamó la ‘Motown Latina’, la Fania, casa que encumbró la etapa dorada de la salsa en Nueva York con los inmigrantes mayoritariamente venidos de Cuba y Puerto Rico, que fueron capaces de incorporar los ritmos autóctonos del son, la rumba, el chá-chá-chá, la guaracha o el guagancó a las grandes orquestas jazzísticas típicas de Estados Unidos. Ahí nació un género y toda una revolución en América: la Salsa. En esta edición se reúnen algunos de los más grandes representantes del género: Héctor Lavoe (quizás el Camarón de la salsa), Mongo Santamaría, Celia Cruz, Johnny Pacheco, Eddie Palmieri, Tito Puente, Willie Colón o Ray Barretto. Toda una congregación de estrellas que conformó una de las mejores orquestas de todos los tiempos: Fania All Stars.>David Pareja DISCOS - CRÍTICAS


REVIEWS 06. MONTEVIDEO. VÉRTIGO Y EUFORIA (EL GENIO EQUIVOCADO) Hay que ver lo bien que le sientan a algunos un cambio. Manu y Damiana dejaron de ser aquel dúo que pergeñaba bonitas y casi diminutas piezas de pop electrónico para encontrarse, después de un soberbio segundo álbum, más en una banda que nunca. “Vértigo y Euforia” supone su debut en el sello de Joan y Rafa (Pin y Pon DJs), El Genio Equivocado, y las guitarras cobran protagonismo sin restar un atisbo de atino melódico (que recuerda, y muy mucho, al legado del mejor pop patrio de los ochentas, vía Nacha Pop) y de impronta sentimental. Como si llevaran en esto del pop de guitarras toda la vida, vaya. Breve en duración pero generoso en emociones, el añadido de fliscornios y trompetas no hace sino embellecer letras que apuntalan un universo ya conocido por todos, repleto de galaxias románticas, viajes a ninguna parte y donde tiene cabida hasta una versión de The Clash. Que todo cambie, para que todo siga siendo igual. Bien por ellos.>Antonio Bret

07. ARCADE FIRE. THE SUBURBS (UNIVERSAL) Difícil, incluso bastante jodido, lo tenían Arcade Fire para superar con éxito ese tan habitual “difícil tercer disco” que ha amargado más de una, de dos y hasta de treinta carreras hasta el momento. Tener en la cartera dos piedras de toque del rock épico contemporáneo como son “Funeral” y “Neon Bible”, y ostentar el récord de cánticos extáticos en masa por parte del público indie, son datos a tener muy en cuenta a la hora de sentarse a escribir un álbum nuevo. Podría pensar uno que no se podía ir más allá por los caminos de la épica tras himnos como “No Cars Go”, así que la respuesta de Win Butler y sus secuaces ha sido construir otro viaje conceptual, sí, pero de apariencia más leve, menos opaca. Y decimos en apariencia, ya que no queda otra que lamentar que, si bien podamos contar con un buen manejo del inglés, no seamos del todo bilingües: “The Suburbs” huele a novela musicada, a entramado literario de primer orden. Inspirado por la adolescencia de los hermanos Butler en Houston, antes de su proverbial traslado a Canadá, esta banda sonora de los interminables barrios de viviendas unifamiliares en los que descansa la mitad de militantes en esa cosa abstracta llamada Sueño Americano promete ganar con cada escucha y, sobre todo, con el diccionario por delante. Eso tampoco es óbice para que se pueda disfrutar con las orejas, por supuesto, ya que, como hemos adelantado brevemente, si bien “The Suburbs” puede que no cuente con hits a la altura de los -ya- clásicos de la banda, sí que entra de un tirón, y con bastante gustito, por cierto. Es más, puede que con esta obra se quiten de encima a algún que otro fan pesado del grupo, pero ganen más de una nueva amistad. Y eso sería una muy buena noticia.>Jorge Montes

08. BLACANOVA. BLACANOVA (FOEHN) Hace ya casi dos años, la crónica de un concierto de Blacanova en la Sala Sevilla Suena, en realidad poco más que una sala de ensayo con público, ya lo iba avisando: el grupo que empezó casi como una broma, como un homenaje entre amigos a los ramalazos más oscuros e intensos del pop-rock independiente de los últimos veinte años, iba bastante en serio. Curioso, desde luego, cuando los propios integrantes del invento siempre han hecho gala de un enorme sentido del humor (a las fiestas de La Mujer Barbuda nos remitimos, por ejemplo). Tras tres lanzamientos, en formato corto y casi en plan Juan Palomo, “Monja”, “Perro” y “Madre”, este homónimo “Blacanova” versa las muchas virtudes del sexteto sevillano. Lo suyo, vaya por delante, es una reivindicación, por una parte, de la herencia gótica, entendiendo esta en el buen sentido, por supuesto; y por otra, de todas las expresiones musicales donde el ruido y los efectos de guitarra han servido de licencia poética. Suena bastante lógico, por lo tanto, que un sello acostumbrado a lidiar con postrockers y cortavenas de profesión como es Foehn Records ayude a llevar a las calles un debut en largo que cuenta con la esmerada producción de Raúl Pérez, suerte de Albini en miniatura para la escena hispalense y buen conocedor de las coordenadas estilísticas de la banda, y la masterización de Kenny McLeod, conocido por sus trabajos para grupos de Chemikal Underground. Todo ayuda para redondear un debut magnífico, que alegra por la cercanía que tenemos con sus protagonistas y por la buena noticia que supone en una ya de por sí revitalizada escena local. Canciones como “Fatima”, “Debe Ser” o “La Piel Dura” bien merecen un par de brindis, pardiez.>Pablo Vinuesa

09. INTERPOL. INTERPOL (CAPITOL) Tras la escapada en solitario de su líder, Paul Banks, bajo el alias de Julian Plenti, con debut discográfico y gira incluidos, muchos de los fans de Interpol habían temido cierta posibilidad de espantá de su grupo favorito. Afortunadamente para todos, no ha sido así. Compuesto, grabado y producido por ellos mismos en Nueva York, y no sin razón titulado con un simple y lacónico “Interpol”, los norteamericanos ha jugado a reinventarse sonando a ellos mismos. Una estrategia tan inteligente como necesaria, dado que sus anteriores discos, “Turn On The Bright Lights” (2002), “Antics” (2004) y “Our Love to Admire” (2007), eran estupendas colecciones de canciones oscuras, intensas y emocionantes, pero también encerraban el peligrosísimo aroma del encasillamiento. Claro que, tratándose de un grupo que ha tenido que soportar desde el minuto uno comparaciones odiosas y continuas (tirando del pasado, con los inevitables Joy Division; al otro lado del charco y casi a rebufo, Editors, aunque ya rendidos estos al mainstream), suponemos que la transición tampoco les ha supuesto un ataque al corazón, ni mucho menos; aunque la grabación de este “Interpol” sí se ha llevado por delante la presencia del originario bajista, Carlos Dengler, que ha sido sustituido en gira por el mítico David Pajo (Slint). En lo musical, ese nuevo largo continua la carrera del ahora trío hacia cumbres más atmosféricas. Está claro que, contemplando su discografía desde lo lejos, Interpol hacen cada vez menos singles de rock lacerante, eso es verdad, pero han dotado poco a poco a su música de una profundidad que en sus inicios pocos hubieran profetizado. De una manera paralela al “The Suburbs” de Arcade Fire, el presente LP costará más esfuerzos a sus seguidores, pero promete una gran recompensa si se le dedica más cariño al asunto.>Jorge Montes DISCOS - CRÍTICAS


INSIGHT. BLOG Y NUEVA COLECCIÓN Pruebas beta olvidadas, la web 2.0 ha llegado para quedarse. Insight lo sabe y por eso ha lanzado su nuevo blog en el que además de informaciones sobre moda, arquitectura y otras expresiones urbanas, el usuario podrá comentar las últimas jugadas en una suerte de miscelánea informativa. Y no es la única novedad, con la vuelta al cole esperándonos la popular marca australiana ha lanzado ‘Repeat after me; I am free’, una colección que rinde homenaje a los héroes idealistas de los 70. Con un aire hippie folk, las ansias de libertad regresan en algunos esenciales revisitados como el denim envejecido, el cuero usado o los tejidos descoloridos. Más info en: www.insight51.com

ELEMENT

Travels Well Cruisers: Skate, & Earth Collection: Zapas. Más info en: www.elementskateboards.com

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ART PRINTED ON WETSUITS

Maridaje de protección funcional y originales diseños. Esta es la nueva propuesta de Diddo Velema, diseñador y director de arte de los más prestigiosos observatorios de tendencias. Ha trabajado para LABORATORIVM y la agencia publicitaria independiente Modernista! además de colaborar en varios proyectos internacionales como el resort de la isla de Sentosa de Frank Gehry o el famoso “Product RED” de Bono. Actualmente trabaja en su propio estudio “... by diddo” en Amsterdam; está creando una plataforma para el desarrollo de branding e ideas de arte. En su web encontramos una amalgama de productos de la más diversa índole, desde máscaras de gas de diseño, hasta murales con imágenes codificadas. Una de sus propuestas más llamativa es la referente a los trajes de neopreno. ¿Por qué no añadir creatividad al monótono total black? Con una tinta especial, creada por él, y unas técnicas pictóricas únicas, ha conseguido imprimir texturas realistas en cuatro originales diseños: uno de hierro oxidado, que evoca los días de Julio Verne; el traje de musculatura anatómica, como homenaje a nuestra fuerza interior; un traje de neopreno que da la ilusión de que el usuario ha sido atacado por un grupo de hambrientos escualos y, finalmente, el que asemeja los dentículos dérmicos de un tiburón ballena, celebrando la brillantez y originalidad de nuestro mundo marino. Más info:http://bydiddo.com >Lourdes R.

TREASURES


¿SIMPLEMENTE AIRE?

Ya está aquí. Ha llegado para quedarse y revolucionar el mercado. Ha sido una solución sencilla que ha estado ahí, delante de nuestras narices todo el tiempo, y a la que apenas hemos prestado atención. ¡El Aire! Se acabaron los roces, las picaduras y las grietas indeseadas. Salió al mercado en el 2009, patente de SOMA-AIR ™, protege tu tabla de flexión y de los impactos extremos, y además hasta puedes dormirte una siesta. SOMA AirBag Designs™ lleva trabajando sigilosamente 4 años con los mejores especialistas y materiales, cientos de horas en I+D+i con los mejores fabricantes, testando prototipos y finalmente desarrollando una patente para poder ofrecerte la funda de tablas de surf más protectora, duradera y compacta del mundo. SOMA ha desarrollado una innovadora funda para tablas de surf que ofrece un nivel excepcional de protección sobrepasando con creces a cualquiera de las fundas estándar fabricadas en espuma de la más gruesa. Ofrecen una portabilidad compacta y ligera (68cm x 18cm). Desde sus comienzos, las fundas protectoras han tenido una evolución escasa. SOMA lo ha logrado a través de su diseño técnico, utilizando CDA fusionando la función de protección y de simetría utilizando aire comprimido y dimensión. Están fabricadas con poliéster y dotadas con una triple capa de polivinilo, sus soldaduras se realizan en caliente. El resultado es un material de pieza única, sin apenas juntas, que proporciona una resistencia inaudita. Han diseñado los compartimentos en estrechas columnas lineales, aislando así el aire, el cual mantiene constante la presión y aporta la rigidez necesaria para evitar daños mediante la dispersión de energía. Incorpora una cámara individual que envuelve las zonas de los rails, tail y nose que además esta reforzado de foam de 7mm., aportando una protección doble. No tardarás más de 5 minutos en inflarla. ¿Qué más se puede pedir? Como en la novela de Huxley (“Un Mundo Feliz”), SOMA llega para quitarnos las penas. ¡Que el buen swell os acompañe! Más info en www.airbagdesigns.com y www.entrophy.net > Lourdes R.

STUSSY LRG temporada FW 2010. Más info en www.l-r-g.com

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Con unos diseños que beben directamente del surf, el graffiti, la fotografía o los cómics, la popular marca de streetwear ha lanzado una nueva colección otoño-invierno marcada nuevamente por las colaboraciones con artistas como Kostas Seremetis o el diseñador gráfico John Yate. Para los chicos los cardigans, las sudaderas de rayas o los plumones diseñarán una temporada, nunca mejor dicho, muy invernal. Ellas, sin embargo, vendrán definidas por siluetas sexys en verdes, morados y grises. Las reminiscencias aztecas y geométricas serán el ingrediente fundamental en vestidos mini, monos, tops de cuello barco, leggins y faldas. Más info en www.stussy.com


¡No sé cual de las tres me gusta más!

Levi’s Curve ID

¿Quién dijo que la moda está reñida con la investigación? ¿Que la ciencia y la tecnología no comparten espacio en cuanto a tendencias se refiere? Que se lo digan a Levi’s que, con una importante inversión en la mayor investigación de ‘fit’ global de la historia reciente, ha lanzado LEVI’S® CURVE ID, la primera colección de jeans de mujer de Levi’s a nivel global. Divididos en 3 ‘curves’ o ‘fits’ diferentes: Slight, Demi y Bold, para este lanzamiento Levi’s® Curve ID ha contado con tres mujeres rebosantes de individualidad, estilo y confianza en sí mismas: Lykke Li -Slight Curve-, Pixie Geldof “Violet” - Demi Curve- y Miss Nine -Bold Curve-. La nueva campaña “Believe”, fotografiada por Peter Lindbergh y protagonizada por las tres artistas, rinde homenaje a las mujeres reales y a sus curvas. Más info en: http://eu.levi.com/es_ES/index.html

Gafas PAUL FRANK. Más info: www.paulfrank.com www.centroopticocervantes.com

Total look chica Bench. Más info en www.bench.co.uk

TREASURES


PROTEST

Equipo Snowboard PROTEST temporada FW 2010. Rider Jocki. Más info en: www.protest.eu

VANS

Vans Chukka FW 10. Más info en: www.vans.es

OBEY & SURFRIDER FOUNDATION

Obey clothing colabora con Surf Rider Foundation creando una serie exclusiva de camisetas donde se reproduce la obra del artista Shepard Fairei. Concretamente ha pintado una de las olas más míticas del planeta, Jaws. Es una colaboración donde los beneficios de las ventas van a parar a Surf Rider Foundation para la mejora del medio ambiente. Más info www.obeyclothing.com

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EASTPAK Urban Action. www.eastpak.es


POST POST TERRITORIOS CAAC. 3, 4 Y 5 DE JUNIO. CENTRO ANDALUZ DE ARTE CONTEMPORÁNEO (CAAC) DE SEVILLA. Los días 3, 4 y 5 de junio se celebraron en el CAAC de Sevilla las tres jornadas temáticas de conciertos incluidas en la programación del XIII Festival Territorios Sevilla. A pesar de la evidente reducción de gastos en la configuración de los carteles, la afluencia a las tres sesiones (15.000 personas) fue similar a la del año anterior y, al margen de algún problema de sonido aislado o las endémicas colas para conseguir moneda del festival, todo discurrió sin dificultades. La noche del jueves, de nuevo la más concurrida en cuanto a público, se dedicó a los sonidos africanos. Salif Keita fue el encargado de abrirla, tirando de su repertorio más bailable, lejano a los registros de su último álbum, “La différence”, que apenas sonó. Apenas se pudo escuchar el Ethio-Jazz de Mulatu Askate, quien superó los problemas de sonido que le impedían acercarse al vibráfono con su encanto personal y el saber hacer de sus acompañantes, The Heliocentrics. Por su parte, el alemán Gentleman, el otro gran nombre de la noche, amparado en una gran banda de músicos africanos, presentaba con solvencia su azucarada visión del reggae. Al día siguiente, tenía lugar la noche pop-rock, con apertura, también de lujo, a cargo de Tindersticks. Los ingleses comenzaron en plan lisérgico con “Falling down a mountain”, tema que da título a su último disco. Dispusieron una ejecución perfecta, asentada en la abismal voz de Stuart Staples, aunque su tempo no terminó de satisfacer el ánimo festivalero de parte del público. Casi en el mismo tempo se movieron a continuación Los planetas, con su habitual actitud indolente y sonando bien solo por momentos, pero sobrados de repertorio y de incondicionalidad en la audiencia como para cumplir sin problemas. Así, los encargados de ponerle ritmo al sarao fueron la gente de New Youg Pony Club, con su indie-rock electrónico de pose gamberra y desafiante, y Pantha du Prince, sumando la fuerza del directo a las delicadas texturas mínimas de “Black Noise”; ambos de lo mejor del festival. Si no lo mejor, sí una de las sorpresas (porque lo de los asentadísimos Pony Bravo no puede considerarse una sorpresa) pudimos verla en el escenario CAAC, representada por Maika Makowski, injustamente etiquetada como la P.J. Harvey hispana. Injustamente porque, quizás no ha inventado nada, pero lo hace tan bien como para merecer un espacio y nombre propios. En el mismo escenario actuaron al día siguiente la sorpresa del sábado, la noche hip-hop. Los granadinos Hiroshima Pro, con tan solo una maqueta en la calle, regalaron una colección de instrumentales a cada cual mejor, para las que Skill Joseph y Clap One tiran de cultura negrata, funky y soul setentera, en una línea similar a la que practica Griffy, que en esta ocasión se anunciaba con su AKA Chacho Brodas. El catalán se paso medio concierto con su sampler MPC colgado de un cinto cual guitarra, soltando en primera línea junto a sus MC,s las bases de su reciente lanzamiento “Date cuenta”. También se encargó de presentar a DJ 2D2, quien cerró la edición 2010 con un sorprendente set audiovisual, disparando desde sus platos mansalvas funkis y del hip-hop más clásico en forma de videos musicales. Aunque para shows clásicos los de la crew Public Enemy, cumpliendo con las expectativas, y SFDK, naturales y cómodos ante sus entregados paisanos. En resumen una edición satisfactoria esta número XIII. Esperamos vivir el año que viene un contexto que permita mejorarla. >Daniela Valverde

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ESTRELLA LEVANTE SOS 4.8 (MURCIA, 30 DE ABRIL Y 1 DE MAYO) Para ser justos, hay que gritar alto y fuerte que el siempre fascinante y doliente Chris Cunningham fue lo que salvó de la quema popular a la última edición del festival SOS 4.8. Sin duda, la presencia del violento, bakala, farlopista y desasosegante Rubber Johnny fue de diez. Enhorabuena al que acertó con esta propuesta, sólo a la altura de un Sónar o cualquier festival avant mundial. También en lo positivo unos siempre efectivos Franz Ferdinand -son el Barça del pop-rock de estadio- se llevaron el gato al agua con su rock marcial, atemporal y energético que no conoce el gatillazo. También los power-poperos Nada Surf la partieron con sus viejos hits y acertadas nuevas versiones de clásicos del pop de ayer, hoy y nunca. Al igual que Los Planetas encandilaron con su indie-jondo a una parroquia poppie cada día más facilona que andaba como loca corriendo entre escenarios para ver a Dorian, Love of Lesbian y We Are Standard cuando realmente los mejores de la escudería ibérica fueron los ya universalmente reclamados Delorean. Lo de The Horrors merece capítulo aparte. Sin ofrecer nada nuevo bajo el sol, su directo fue más que convincente. Lástima que tocaran de día y se perdiera un poco de agonía darky con tanta luz en lo alto. También en lo más alto están Hot Chip, dejando claro que el futuro inmediato del indie debe ser bailable. Finalmente, no haremos sangre con la actuación de los skatalíticos Madness, mejor os informáis de lo de su show en las amenas páginas de necrológicas del ABC. Bien SOS, el año que viene ya seremos 60.000... O más.>Fernando Fuentes

OFFF PARIS 2010 (LA GRANDE HALLE DE LA VILLETTE, PARÍS, 24, 25 Y 26 DE JUNIO) La décima edición del Festival Internacional de Culturas Post-Digitales, OFFF para los amigos, se dio un garbeo parisino para celebrar tan emotivo cumpleaños. Nacido en Barcelona con padre valenciano, familia catalán y pensado en su inicio “sólo” como festival online de Flash, OFFF ha sabido crecer hasta una posición en la que los mejores artistas consideran que deben estar presentes para sentirse en la pomada de la vanguardia digital. Tras dos años en Portugal, uno en Lisboa y el pasado en Oeiras, la cita gala ha resultado todo un éxito tanto para el público, que pudo aprovechar las magníficas instalaciones de La Grande Halle de la Villette, un antiguo matadero transformado en estupendo recinto escénico, y además se ganó la excusa para pasearse por la Cité-Lumière, como para la organización, que un año más colgó el cartel de “no hay billetes”. El apartado musical en el escenario Loopita / Openroom contó este año con una aguerrida sociedad de tuneadores que le dieron todo el sentido a la música de 8-bits, con palabros como chiptune o circuitbending por bandera. Pero el escenario Roots, por supuesto, fue la joya de la corona en un año donde las conferencias han sido más entretenidas, visuales e inspiradoras. Agencias del nivel de Dixon Baxi o The Mill (apoteósicos sus créditos; búsquenlos en www.offf.ws), guerrilleros del arte lo-fi como Julien Vallée, nuestra admirada ilustradora Tara McPherson, geniales editores como Grady & Metcalf (su Lemon magazine no tiene rival), los mutantes escenarios de nuestros Dvein, tipógrafos tan creativos como Craig Ward o Non-Format, las espectaculares instalaciones del Museo BMW realizadas por art+com, el siempre divertido Joshua Davis o el precioso colofón musical de Lullatone, acompañados por las visuales de Michael Paul Young... Todo contribuyó a hacer del OFFF Paris 2010 otro ejemplar encuentro de mentes creativas, tanto encima del escenario como entre el propio público.>Jorge Montes


Maika Makovski - TERRITORIOS 2010

Pony Bravo - TERRITORIOS 2010

Chacho Brodas - TERRITORIOS 2010

New Young Pony Club - TERRITORIOS 2010

Public Enemy - TERRITORIOS 2010

Salif Keita - TERRITORIOS 2010

Fotos_ Gretelle Daffon


Imagen de INSALAND. Mรกs info en: www.insaland.com


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