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4ª Semana de Cine Polaco en México: Agnieszka Holland Edgar Allan Poe en el Cine

492

Festival de Cine Europeo

M AYO 2025

PROGRAMA MENSUAL

CINETECA NACIONAL Av. México Coyoacán 389, Col. Xoco, Alcaldía Benito Juárez, C.P. 03330, Ciudad de México

4 Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.

EDGAR ALLAN POE EN EL CINE

EN PORTADA Frontera verde Dir. Agnieszka Holland, 2023 ©Agata Kubis

ABREVIATURAS D: Dirección. G: Guion. A: Animación B/N: Fotografía en blanco y negro. Dist: Distribución. CP: Compañía productora.

FESTIVAL DE CINE EUROPEO

16 Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 554155 1190. Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad. El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica. Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.

SEMANA DE CINE POLACO EN MÉXICO: AGNIESZKA HOLLAND

DOSSIER Agnieszka Holland: La estética de la crueldad en un cine de totalitarismos

Bianca Ashanti

ARQUEOLOGÍA DEL CINE Apuntes de cine, entre el olvido y la memoria David Israel Ramírez García

A PIE DE PÁGINA María Félix: Mujer y artista Sandra Díaz

CICLOS

CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE EDGAR ALLAN POE EN EL CINE

MAYO · 2025

FINES DE SEMANA DE MAYO Poeta de lo tétrico y lo macabro, creador de personajes obsesivos y atormentados, inventor del género detectivesco, Edgar Allan Poe dejó un legado literario que continúa trascendido las fronteras del tiempo y las letras para proyectarse hacia otras épocas y formas de arte. Su capacidad para explorar la locura, la muerte y el amor obsesivo inspiró a los primeros realizadores cinematográficos, quienes no tardaron en trasladar sus cuentos góticos a imágenes y sonidos que replicaran esas atmósferas sombrías cargadas de las emociones más inquietantes. Desde poemas como "El cuervo" hasta relatos como "El corazón delator" y "La caída de la Casa Usher", muchas de las historias del escritor estadounidense se han convertido actualmente en clásicos de terror de la pantalla grande. Mientras que algunas adaptaciones se distancian de la narración original y otras intentan ser lo más fieles posibles, lo que perdura en la mayoría de ellas es el esfuerzo por evocar el espíritu lúgubre del autor. Clásicos en Pantalla Grande regresa a las salas de la Cineteca Nacional con una temporada dedicada a la comunión de la obra de Poe con el arte cinematográfico. Este mes se presentan las últimas adaptaciones de la saga dirigida por Roger Corman: El entierro prematuro, la

única de las producciones que no fue protagonizada por Vincent Price; El cuervo, adaptación cómica del clásico poema de Poe; El palacio embrujado, que en realidad está basada en un cuento de Lovecraft; y La tumba de Ligeia, punto final de la serie cormaniana. Además, se proyectará La caída de la casa Usher de Jean Epstein, una de las primeras adaptaciones cinematográficas que se hicieron de la obra del escritor. Los Clásicos continuarán hasta julio acercando y atemorizando al público con lo mejor de Edgar Allan Poe en el cine.

Cineteca Nacional

EDGAR ALLAN POE EN EL CINE

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Detalle del cartel de El entierro prematuro ∙1962

CICLOS

EL ENTIERRO PREMATURO

MAYO · 2025

The Premature Burial, Estados Unidos 1962, 81 min.

D: Roger Corman. G: Charles Beaumont, Ray Russell. F en C: Floyd Crosby. Con: Ray Milland, Hazel Court.

Tras enterarse de que su padre fue enterrado vivo a causa de una catalepsia no diagnosticada, el aristócrata británico Guy Carrell comienza a sentirse atormentado por la posibilidad de que a él le pase lo mismo. Ante esto, decide aislarse junto con su hermana Kate, en su casa de campo, sin imaginar que allí sus miedos se irán volviendo cada vez más reales y peligrosos conforme su estabilidad mental se erosiona. El entierro prematuro, tercera película de la aclamada saga en la que el director Roger Corman adapta los clásicos de Edgar Allan Poe, resalta por ser la única de ocho producciones en donde Corman no utiliza al actor fetiche Vincent Price como protagonista. Pese a ser una de las menos conocidas de la serie entorno a la obra del escritor, esta película resulto un éxito de taquilla tras su estreno en 1962.

LA CAÍDA DE LA CASA USHER La chute de la maison Usher, Francia, 1928, 72 min.

D y G: Jean Epstein. F en B/N: Georges Lucas, Jean Lucas. Con: Félix-Antoine Duval, Solène Rigot.

El cineasta y teórico cinematográfico Jean Epstein realizó aquí una de las primeras adaptaciones de Edgar Allan Poe. En esta versión, que destaca por el uso de los recursos visuales del impresionismo francés, un joven caballero es invitado a la casa de uno de sus amigos de la infancia, el pintor R. Usher. Obsesionado por terminar el retrato de su esposa gravemente enferma, Usher comienza a mostrar un estado físico y mental deteriorado que colapsará con la inevitable muerte de ella.

EDGAR ALLAN POE EN EL CINE

EL CUERVO The Raven, Estados Unidos 1963, 86 min.

D: Roger Corman. G: Richard Matheson. F en C: Floyd Crosby. Con: Vincent Price, Peter Lorre.

Tras la muerte de su esposa, Erasmus Craven, un poderoso hechicero, se hunde en una peligrosa nostalgia. Un día, un cuervo llega a su morada solicitándole ayuda para romper la maldición del temible Scarabus. En agradecimiento, el cuervo le cuenta a Craven que en la mansión de Scarabus hay una mujer idéntica a Leonore, su difunta esposa. A partir de ahí, los dos emprenden camino a la aventura en esta particular y exitosa adaptación cómica del poema más célebre de Allan Poe, rodada en tan solo quince días.

EL PALACIO EMBRUJADO D: Roger Corman. G: Charles Beaumont. F en C: Floyd Crosby Con: Vincent Price, Debra Paget,

Charles Dexter llega a un pequeño pueblo londinense en busca de la herencia de un antepasado fallecido. Para su desgracia, la herencia no es más que un castillo embrujado, habitado por criaturas que comenzarán a atormentarlo durante su visita. El filme, basado en el relato de Lovecraft, The Case of Charles Dexter Ward, fue renombrado bajo el título de un poema por Edgar Allan Poe, para poder incorporarlo a la serie de adaptaciones de Corman a Poe que, para ese momento, ya generaban gran interés.

LA TUMBA DE LIGEIA The Tomb of Ligeia, Estados Unidos, Reino Unido, 2024, 113 min.

D: Roger Corman. G: Robert Towne. F en C: Arthur Grant. Con: Vincent Price, Elizabeth Shepherd.

Después de enterrar a su amada esposa Ligeia, Verden Fell conoce a la hermosa Rowena. El enamoramiento entre ambos se da inmediatamente y deciden casarse. Sin embargo, al regreso de su luna de miel, Rowena comienza a ser atormentada por un gato negro y un espectral espíritu que pone en riesgo su vida. La última adaptación del ciclo de Edgar Allan Poe realizado por Roger Corman marcó la despedida del género para el director, que abandonó el cine de terror hasta 1990 con La resurrección de Frankenstein.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

The Haunted Palace, Estados Unidos 1963, 87 min.

CICLOS

FESTIVAL DE CINE EUROPEO

MAYO · 2025

7 AL 18 DE MAYO

En alianza con la Unión Europea en México, la Cineteca Nacional presenta una edición más del Festival de Cine Europeo, un ciclo bastante amplio que reúne lo más representativo del panorama cinematográfico actual del continente. La selección comprende títulos galardonados en distinguidos festivales internacionales, así como las primeras obras de cineastas emergentes y propuestas abiertas a todo tipo de público. Dentro de la muestra podemos encontrar producciones provenientes de Grecia, Austria, Bulgaria, Chipre, Rumania, Suecia, Irlanda, Letonia, Lituania, Portugal, Países Bajos, Finlandia, Estonia, Suiza, República Checa, Hungría, etc., cuyas historias proponen un intercambio cultural entre los artistas y el público mexicano. A través de 23 largometrajes, desde dramas de época, adaptaciones de exitosas novelas, comedias familiares, documentales sobre pueblos originarios, animaciones, entre muchas otras propuestas más, el Festival de Cine Europeo nos comparte visiones que exploran diversas preocupaciones y problemáticas sociales, pero también celebraciones de la vida y perspectivas más positivas que reflejan las muchas formas de pensar el mundo desde el viejo continente.

FESTIVAL DE CINE EUROPEO

CINETECA NACIONAL MÉXICO Sleeping with a Tiger ∙ 2024

CICLOS

HISTORIA: PUNTADAS PARA LOS SAMI

Historjá - Stygn för Sápmi, Suecia, 2022, 87 min. D: V Thomas Jackson.

Durante décadas, la artista y activista Britta MarakattLabba ha entrelazado en su arte la cultura, las luchas políticas y la mitología del pueblo sami. Ahora ella, su familia y la comunidad enfrentan una batalla contra el cambio climático, que amenaza su forma de vida como pastores de renos en la tundra ártica. A través de una mezcla de impactantes imágenes de la naturaleza y material de archivo, este documental ofrece una mirada a la historia de los samis vista desde la obra de Marakatt-Labba.

RÓISE Y FRANK

Róise & Frank, Irlanda, 2020, 90 min. D: Rachael Moriarty y Peter Murphy.

MAYO · 2025

Aunque han pasado dos años desde que falleció su marido, Róise sigue deprimida. Un día, aparece en su puerta un perro vagabundo que a ella le recuerda mucho a su difunto esposo. Tanto, que empieza a pensar que es su reencarnación. Ignorando las protestas de su hijo, una Róise rejuvenecida hace todo lo posible para satisfacer la pasión del perro por el hurling y los filetes. Róise & Frank es una comedia ingeniosa y alentadora sobre cómo encontrar esperanza en las situaciones más inesperadas.

ANIMAL

Grecia-Austria-Bulgaria-Chipre-Rumania, 2023, 117 min. D: Sofia Exarchou.

Bajo el ardiente sol griego, los animadores de un hotel todo incluido se preparan para la ajetreada temporada turística. A medida que la presión del trabajo aumenta, sus noches se vuelven violentas y la lucha de Kalia, la líder del grupo, se revela en la oscuridad. Animal explora la otra cara del turismo griego a través del personaje de Dimitra Vlagopoulou, Mejor Actriz en el Festival de Locarno, manifestando en ella el sentimiento de un país que aún sufre las consecuencias de su crisis económica.

EL SILENCIO DE MARÍA

Maria's Silence, Letonia- Lituania, 2024, 104 min. D: Dāvis Sīmanis.

Un poderoso drama de época sobre la historia real de Maria Leiko, famosa actriz letona que en 1937 fue llevada con engaños a la Unión Soviética para buscar a su hija fallecida durante su parto. Con un bebé en brazos, la actriz recibe una oferta de trabajo en un teatro soviético y decide quedarse una temporada. Sin embargo, las mentiras y represiones van penetrando en el mundo de Leiko, obligándola a elegir entre la fama y el amor por su nieta, entre sus ideales y el régimen totalitario de Stalin.

FESTIVAL DE CINE EUROPEO

GREICE

Brasil-Portugal, 2024, 110 min. D: Leonardo Mouramateus.

Greice es una chica brasileña que estudia en la Universidad de Bellas Artes de Lisboa. Durante una fiesta se ve envuelta en un incidente que pone en peligro la renovación de su residencia. Ahora debe volver a Brasil para resolver la situación, pero se ve obligada a enfrentarse a las consecuencias de su estilo de vida. Gracie es una emotiva comedia que se adentra en disecciones de las relaciones humanas, malentendidos interculturales, parodias del mundo del arte y meditaciones sobre la identidad.

JIPPIE NO MORE!

Jippie No More!, Países Bajos, 2023, 95 min. D: Margien Rogaar.

RECUERDE PARPADEAR

Per Arti, Lituania, 2022, 109 min. D: Austėja Urbaitė.

Una pareja francesa adopta dos niños lituanos. Para ayudarlos a adaptarse contratan a Gabi, una estudiante bilingüe que ejercerá de traductora y niñera durante dos meses. Pero las diferencias culturales, las actitudes y valores dispares, y los métodos educativos pronto resquebrajan la convivencia de la incipiente familia. Este afilado drama intimista desvela dinámicas de dominación personales y etnocéntricas, al tiempo que envuelve su narración en un entorno natural cargado de referencias mitológicas.

JE'VIDA

Je'vida, Finlandia, 2023, 100 min D: Katja Gauriloff.

Con un rostro endurecido por años de dolor, Lida carga con el peso de una vida definida por la vergüenza y la marginación. Junto con su sobrina Sanna, viaja a Laponia para vaciar la antigua casa familiar y venderla. Pero al llegar, el espacio comienza a evocar recuerdos en Lida, quien experimentó el maltrato y la asimilación forzada a la cultura finlandesa debido a su ascendencia sami. Poco a poco su mente se sumerge más profundamente en los secretos del pasado, haciéndola redescubrir su verdadero yo.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Jippie, un chico de 16 años con enormes ganas de cantar y de vivir, descube tanto el amor como la tristeza de ser no correspondido, mientras se prepara para la boda de su hermana en la casa de campo del abuelo. A lo largo de unos días repletos de discusiones, diversión, canciones, encuentros y desencuentros, Jippie y su familia se enredan en sus propias luchas yentre los preparativos de la fiesta. Pero la calidez y la admiración mutua garantizan que no haya ningún problema que no puedan superar.

CICLOS

LA VIDA Y EL AMOR

Elu ja armastus, Estonia, 2024, 118 min. D: Helen Takkin.

Durante la Gran Depresión, la romántica e inocente Irma deja atrás su vida en el pueblo y se muda a la gran ciudad con su pariente, Lonni. Al llegar, descubre que la vida en la ciudad está llena de incertidumbre y desesperanza. Pese a ello elige quedarse y consigue un trabajo como empleada doméstica de un misterioso hombre que comienza a pretenderla. Basada en la célebre novela estonia Vida y amor, la cinta fue adaptada con una perspectiva fresca y renovada bajo el auge del movimiento #metoo.

SABEN AQUEL

Saben aquell, España, 2023, 117 min. D: David Trueba.

MAYO · 2025

Basada en los libros Eugenio y Saben aquell que diu de Gerard Jofra, esta ingeniosa cinta retrata la vida del humorista catalán Eugeni Jofra Bafalluy, desde que conoció a su esposa Conchita, con quien armaría una banda musical que sería el inicio de su carrera hacia la fama. El filme profundiza en los claroscuros del voraz ascenso artístico de Eugenio y la forma en la que su carrera viraría accidentalmente hacia el stand up, dejando atrás la música y poniendo a prueba la fortaleza de su familia.

PROHIBIDO A LOS PERROS Y A LOS ITALIANOS

Interdit aux chiens et aux Italiens, Francia-Bélgica-Suiza-ItaliaPortugal, 2022, 70 min. D: Alain Ughetto.

A principios del siglo XX, la familia del director Alain Ughetto, dormía en un establo y pocas veces lograba comer carne. Ante esa insostenible pobreza, se vieron obligados a abandonar Italia. Ahí comienza esta cinta de remembranzas familiares donde, a través del stop motion, nos sumergimos en los complejos años en los que los Ughetto migraron para intentar construir un hogar. Una historia íntima que fue reconocida con el galardón a Mejor Película de Animación en los Premios del Cine Europeo 2022.

DIARIO DE UNA ALCOHÓLICA

Zápisník alkoholicky, República Checa, 2024, 92 min. D: Dan Svátek.

Al sentirse abandonada por su marido y encarcelada por sus suegros, la joven Míša comienza a beber. Conforme pasan los días y mientras aprende a ser madre, su adicción al alcohol crece sin medida. Cuando un peligroso accidente pone en riesgo la vida de su hijo, decide iniciar un difícil camino de sanación para dejar de tomar. Inspirada en la vida de la activista y escritora Michaela Duffková, la cinta muestra la forma en la que la sociedad estigmatiza a las personas con adicciones.

FESTIVAL DE CINE EUROPEO

A TRES KILÓMETROS DEL FIN DEL MUNDO

Trei kilometri până la capătul lumii, Rumanía, 2024, 105 min. D: Emanuel Pârvu.

Adi es un joven estudiante que decide pasar el verano en casa de sus padres, en una pequeña aldea del Danubio. Una tarde es golpeado brutalmente mientras toma una caminata tranquila. Cuando las autoridades comienzan a investigar, descubren que el joven es homosexual, lo que ocasiona que todo el pueblo tome una postura hostil. A través de la cámara del cinefotógrafo Silviu Stavilã, se registra un entorno paradisiaco que termina por contrastar con la violencia y la homofobia que enmarcan esta historia.

LAS CUATRO ALMAS DEL COYOTE

Kojot négy lelke, Hungría, 2023, 103 min. D: Áron Gauder.

EL HOMBRE DE LAS RESPUESTAS

The man with the answer, Chipre-Grecia-Italia, 2021, 80 min. D: Stelios Kammitsis.

Víctor es un veinteañero que vive junto con su abuela y trabaja en una fábrica de muebles. Su monótona vida se fractura cuando su abuela muere y él decide emprender un viaje hacia Alemania. En el camino, conoce a Matthias, con quien surgirá una efervescente relación que llevará a ambos a un viaje de autodescubrimiento. La ópera prima de Stelios Kammitsis se articula como un roadtrip donde el sutil manejo de la sexualidad da paso a una enternecedora historia sobre la confianza y los afectos.

GANADORES

Sieger sein, Alemania, 2024, 123 min. D: Soleen Yusef.

Mona, de once años, huyó de Siria con su familia kurda de siete miembros y acabó en Berlín. Allí va a una escuela primaria de mala fama, donde reina el caos y la mayoría de los profesores no saben qué hacer. Cuando Mona, que apenas habla alemán pero sabe de futbol, es aceptada en el equipo femenil, se ve enfrentada al reto de aprender a trabajar en equipo, dentro y fuera de la cancha. Con toques autobiográficos, el filme está dedicado al barrio de la infancia de la directora germanokurda Soleen Yusef.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Ganadora del Premio Especial del Jurado en Annecy en 2023 y nominada al mejor largometraje de animación en el Festival de Sitges, Las cuatro almas del coyote se sumerge en la cosmogonía amerindia para contar la aventura de un grupo de adolescentes indígenas que se enfrentan a la construcción de un oleoducto en sus tierras ancestrales. Ante este despertar de consciencia comunal, el abuelo de uno de ellos evoca el cuento de la creación, para proveer sabiduría ancestral a estas problemáticas modernas.

CICLOS

HOTEL PULA

Croacia, 2023, 95 min. D: Andrej Korovljev.

Corre 1995. Mahir, un hombre bosnio de 38 años, ha pasado los últimos años como refugiado en Pula, Croacia. Su pasado se mantiene desconocido y sus días monótonos. Hasta que conoce a Una, la chica punk local abandonada por su padre que sueña con vivir en Italia. Basada en la novela de Vladimir Stojsavljević y presentada en la 24ª edición del Arras Film Festival, Hotel Pula cuenta la historia de un amor ilusorio, una chispa esperanzadora entre el refugiado y la joven. Hasta que su pasado los alcance.

LOS PASOS PERDIDOS

Les Pas Perdus, Bélgica, 2023, 71 min. D: Roda Fawaz, Thibaut Wohlfahrt.

MAYO · 2025

En algún lugar de Bélgica, un tribunal abre sus puertas. Comienza el juicio contra un terrorista responsable de la muerte de trece personas. En aquel lobby, la historia nacional se mezcla con la historia individual de los ciudadanos: el escurridizo criminal, los guardias de seguridad que lo protegen y los demás; varias personas ajenas unas de las otras, que cruzan historias mientras buscan libertad, reconocimiento, amor o perdón. Pronto se percatarán de que el autodescubrimiento tiene consecuencias.

GENTE

Ludzie, Polonia, 2024, 117 min. D: Maciej Ślesicki, Filip Hillesland.

Producida y dirigida por el nominado al Óscar, Maciej Ślesicki, con motivo del tercer aniversario de la invasión rusa a Ucrania, People relata la crudeza de la guerra desde la perspectiva de cinco mujeres. Pertenecientes a distintas generaciones y con diferentes actitudes ante los acontecimientos, pero unidas por el deseo de vivir, las protagonistas se enzarzan en una lucha inhumana por salvarse a sí mismas y a sus seres queridos. Una historia sobre el sacrificio y la fuerza del espíritu humano.

LA TRAMPA

Klopka, Bulgaria-Alemania, 2023, 95 min. D: Nadejda Koseva.

Un jabalí salvaje es encerrado y puesto como trofeo de una cacería que busca cerrar el trato para construir un depósito de residuos tóxicos cerca del pueblo. En la misma comunidad vive un minero retirado que se niega a participar en tal ritual. Su determinación desvela conflictos pasados que pueden acabar con el orden actual de su comunidad. Película inaugural en el Festival Internacional de Cine de Sofía, 2024, este filme reinterpreta el contraste entre la curiosidad existencial y la conformidad social.

FESTIVAL DE CINE EUROPEO

DORMIR CON UN TIGRE

Mit einem Tiger schlafen, Austria, 2024, 107 min. D: Anja Salomonowitz.

Elegida para el Forum del Festival Internacional de Cine de Berlín 2024, esta cinta biográfica retrata a la pintora Maria Lassning, interpretada siempre por la misma actriz, Birgit Minichmayr, en todas las edades. Entre escenas que desordenan la lógica de las biografías clásicas y falta de maquillaje, se muestra la lucha de Lassning en el mundo del arte dominado por hombres y la búsqueda de una expresión artística personal.

PADRES Y MADRES

Fædre & mødre, Dinamarca, 2022, 97 min. D: Paprika Steen.

NAVIDAD EN CASA CROCE

Un Natale a Casa Croce, Italia, 2022, 75 min. D: Pupi Avati.

A inicios de 1883, un terremoto en Isquia arrebató la vida de su familia y obligó a Benedetto Croce a refugiarse en la literatura. El duelo convertido en una búsqueda incesante lo llevó a convertirse en uno de los pensadores y políticos más sobresalientes del país. Presentado en el 42º Festival de Cine de Turín, el documental, además de presentar la visión filosófica de Croce basada en su pasión por la libertad, muestra también la turbulenta historia y las luchas ideológicas de una Italia bélica.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

¿Hasta dónde llegarías por tus hijos? En esta comedia danesa, el matrimonio de un médico y una diseñadora lucha para ganar su lugar en el grupo de padres de la nueva escuela de su hija. Será en el campamento familiar organizado por la escuela donde se encontrarán con jerarquías, rivalidades y una cultura institucional que tiende a olvidar a los niños y saca lo peor de los adultos. Este filme que presenta la faceta más infantilizada de los padres fue nominado a los Premios Bodil de Dinamarca en 2023.

CICLOS

4ª SEMANA DE CINE POLACO EN MÉXICO AGNIESZKA HOLLAND

MAYO · 2025

DEL 23 DE MAYO AL 1 DE JUNIO Siempre es alegría y emoción cuando se acerca el mes de mayo y organizamos la Semana de Cine Polaco en México. Nuestra misión como Fundación HOMO VIATOR no sólo consiste en llevar la cinematografía polaca a México y ahora, más allá, en América Latina, sino también en apegarse a la idea de que cine es una experiencia de todos los sentidos y que debemos compartirla con los demás en un lugar físico y al mismo tiempo. En este proyecto que lleva cuatro años y que realizamos junto con la Cineteca Nacional y la Embajada de Polonia en México, nos motiva el hecho de que el cine no tiene fronteras y es un puente entre culturas. Hay muchos involucrados: la gente de cine y producción que realiza sus sueños, los distribuidores de sus películas, los organizadores de los eventos junto con el personal que hace la programación y la difusión, y finalmente, los espectadores que dejan sus pequeñas pantallas en modo avión y se sientan en la oscuridad por una, dos o tres horas para mirar una gran pantalla común a todos. En la 4ª edición de la Semana de Cine Polaco en México tenemos una sorpresa para ustedes y un deseo cumplido para nosotros: el cine de Agnieszka Holland. Viajaremos juntxs a través del tiempo con ocho largometrajes producidos o coproducidas en Polonia entre 1978 y 2023. Algunas de las cintas se presentan por primera vez en América Latina y sin la censura que han sufrido en la era comunista de

Embajada de la República de Polonia en México

Polonia, entre ellas Una mujer sola (1981). Como siempre, nos enfocamos en un buen subtitulaje y en una óptima calidad de las copias digitalmente restauradas. Todo para apreciar de la mejor manera las historias, las imágenes y la magia, y el misticismo del cine de Holland. La inauguración será el viernes 23 de mayo con la proyección de El rastro (2017), dirigida por Agnieszka Holland y su hija Kasia Adamik, y escrita y basada en el libro de la ganadora del Premio Nobel, Olga Tokarczuk, Sobre los huesos de los muertos. El martes 27 de mayo contaremos con la presencia de la directora Agnieszka Holland para presentar su ópera prima Actores de provincia (1978). Y el 29 de mayo a las 12:00 se realizará una conferencia magistral donde también nos conectaremos vía Zoom con público de universidades y salas de cine latinoamericanas: ECOSUR en Tapachula y San Cristóbal de las Casas, Universidad Central de Venezuela en Caracas y Cine Magaly en Costa Rica. La muestra albergará una exhibición en la Cineteca Nacional titulada Agnieszka Holland, donde serán exhibidas fotografías y los carteles de sus películas creados por el maestro de La Escuela Polaca del Cartel, Andrzej Pągowski. La clausura será el 1 de junio, Día del Niño en Polonia. Ela Chrzanowska - Curadora de cine, coordinadora del proyecto CINE POLACO EN AMERICA LATINA 2025, miembro de la junta directiva de la Fundación HOMO VIATOR Varsovia, 22 de abril de 2025

Wydarzenie kulturalne polskiej prezydencji w Radzie UE Cultural event of the Polish presidency of the Council of the EU Événement culturel de la présidence polonaise du Conseil de l'UE

4ª SEMANA DE CINE POLACO EN MÉXICO

El ciclo se realiza en el marco del proyecto CINE POLACO EN AMÉRICA LATINA 2025, llevado a cabo en siete países (México, Chile, Costa Rica, Cuba, Perú, Panamá, Venezuela) durante la presidencia de Polonia en el Consejo de la Unión Europea. Es cofinanciado por la Secretaría de Cultura y Patrimonio Nacional de Polonia del Fondo para la Promoción de la Cultura - un fondo estatal asignado por las embajadas de Polonia en México, Chile, Cuba, Perú, Panamá y Venezuela.

CINETECA NACIONAL MÉXICO Frontera verde ∙ 2023

CICLOS

FRONTERA VERDE

©fot.Agata_Kubis

MAYO · 2025

Zielona granica, Polonia-Francia-República Checa-Bélgica-Alemania-Turquía 2023, 147 min.

D: Agnieszka Holland.. G: Maciej Pisuk, Gabriela Łazarkiewicz y Agnieszka Holland.. F en B/N: Tomasz Naumiuk. Con: Jalal Altawil, Maja Ostaszewska, Behi Djanati Ataï. Dist: A2 Filmes.

Tomando como base un profundo trabajo de investigación con activistas, voluntarios e inmigrantes, la veterana cineasta polaca Agnieszka Holland construye una historia con tintes documentales que sigue de cerca el desesperanzador camino de los refugiados de Oriente Medio y África que intentan llegar a la Unión Europea. Ahí, en la frontera entre Polonia y Bielorrusia, se entrecruzan las vidas de Julia, una joven activista, Jan, un guardia fronterizo, y una familia siria que deberán sobrevivir a la inhumanidad estructural de dos gobiernos que eligen mirar a otro lado e ignorar la fuerte crisis migratoria que azota a Polonia al menos desde el 2021. La película se divide en cuatro episodios de distinta duración que buscan ofrecer una composición poliédrica de una compleja y violenta situación contemporánea.

ACTORES DE PROVINCIA Aktorzy prowincjonalni, Polonia, 1978, 105 min.

D: Agnieszka Holland. G: Agnieszka Holland y Witold Zatorski. F en C: Jacek Petrycki. Con: Halina Labonarska. Dist: WFDiF.

©WFDiF

Ganadora del Premio FIPRESCI en la Semana de la Crítica de la 33° edición del Festival Internacional de Cine de Cannes, Actores de provincia retrata el triste declive de un joven y amateur actor de teatro que tras aceptar un papel protagónico para la obra Liberation de Stanisław Wyspiański, comenzará a tener problemas con sus compañeros, su director, su esposa y finalmente su comunidad entera. La razón: no aceptar la autocensura que se sufría a consecuencia de la instauración del régimen comunista.

4ª SEMANA DE CINE POLACO EN MÉXICO

FIEBRE Gorączka, Polonia 1980, 112 min.

D: Agnieszka Holland. G: Krzysztof Teodor Toeplitz F en C: Jacek Petrycki. Con: Barbara Grabowska. Dist: WFDiF.

©WFDiF

Adaptación de la novela La historia de una bala del escritor socialista Andrzej Strug, Fiebre retrata el ir y venir de una bomba armada para matar al zar durante los años de partición en Polonia, donde socialistas y anarquistas desafiaban al poder establecido. Cuando el radical plan revolucionario falla una y otra vez, la tensión llega a un punto irreversible, ocasionando una atmósfera de locura, traición y desesperanza entre los simpatizantes del PPS que comenzaban a ver truncados sus sueños de liberación.

UNA MUJER SOLA

©TVP

D: Agnieszka Holland. G: Agnieszka Holland, Maciej Karpiński. F en C: Jacek Petrycki. Con: Maria Chwalibóg. Dist: TVP.

Irena es una madre soltera que trabaja como cartera y cuida a su hijo pequeño y a su tía enferma. Una tarde conoce a Jacek, joven minero que recibe una pensión debido a una limitación física. Rápidamente nace entre ellos un interés amoroso que los lleva a imaginar un futuro juntos, al menos hasta la muerte de la tía, que desencadenará una serie de dolorosas tragedias. Por su corte crítico al régimen y por la introducción de la ley marcial en Polonia, este filme fue censurado durante casi 20 años.

UNA LUZ EN LA OSCURIDAD W ciemności, Polonia-CanadáAlemania, 2011, 138 min.

D: Agnieszka Holland. G: David F. Shamoon. F en C: Jolanta Dylewska. Con: Robert Więckiewicz. Dist Beta Cinema.

©Beta Cinema

Basada en una historia real, la cinta se sitúa en la destrozada ciudad de Lvov durante la Segunda Guerra Mundial, donde Leopold Socha, un astuto ladrón que trabaja en las alcantarillas, conoce a un grupo de judíos que intenta sobrevivir a la irrupción de los nazis en el gueto donde se refugiaban. Al aceptar esconderlos en las cloacas y proveerles comida, Socha va transformándose en una versión mucho más humana y empática de él mismo, explicitando la naturalidad de la compasión y la nobleza en los tiempos de guerra.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Kobieta samotna, Polonia 1981, 93 min.

CICLOS

EL RASTRO Pokot, Polonia-República ChecaAlemania-Suecia, 2017, 123 min.

D: Agnieszka Holland y Kasia Adamik. G: Olga Tokarczuk y Agnieszka Holland. Con: Agnieszka Mandat. Dist: Beta Cinema.

©Beta Cinema

Para realizar este thriller ecológico protagonizado por Duszejko, una ingeniera jubilada, amante de los animales y vegetariana, Agnieszka Holland colaboró con la ganadora del Premio Nobel, Olga Tokarczuk. En un pequeño pueblo de las montañas polacas aparece el cadáver de un vecino junto a las huellas de un ciervo. Es la primera víctima de una oleada de misteriosas muertes de cazadores, que la policía no consigue resolver. Duszejko tiene la teoría de que los asesinatos los han cometido los animales.

MAYO · 2025

MR. JONES Polonia-Reino Unido-Ucrania, 2019, 118 min.

D: Agnieszka Holland. G: Andrea Chalupa. F en C: Tomasz Naumiuk. Con: James Norton, Vanessa Kirby. Dist: Westendfilms.

Agnieszka Holland vuelve a revisar las turbulencias de la Europa de entreguerras en este intenso thriller político inspirado en el periodista galés Gareth Jones. En 1933, tras ser el primer extranjero en entrevistar a Hitler, Jones se dispone a hacer lo mismo con Stalin. Pero al llegar a Moscú se topa con una pista que lo llevará a la investigación de la supuesta hambruna que está diezmando Ucrania. Jones arriesgará su vida con tal de informar al mundo lo que se esconde detrás de la utopía comunista.

CHARLATÁN D: Agnieszka Holland. G: Marek Epstein. F en C: Martin Štrba. Con: Ivan Trojan, Josef Trojan. Dist: A2 Filmes.

©A2 Filmes

Interesada de nueva cuenta por la vida de personajes históricos, Holland vuelve con un retrato de Jan Mikolášek, un curandero checo que, usando su intuición y su conocimiento de las plantas, se convirtió en una celebridad en los años 30 entre ricos y pobres, atendiendo a los alemanes durante la ocupación nazi y a los oficiales comunistas tras la guerra. La película aborda tanto la ambivalencia de Mikolášek, que bien puede ser un impostor o un ser milagroso, como su romance con su ayudante František.

©Andrzej Pągowski www.pagowski.pl

Szarlatan, Polonia-República ChecaIrlanda-Eslovaquia, 2020, 118 min.

Actores de provincia ∙ 1978

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MAYO · 2025

Olgierd Łukaszewicz en Fiebre · 1980

DOSSIER

AGNIESZK A HOLLAND

AGNIESZKA HOLLAND: LA ESTÉTICA DE LA CRUELDAD

Bianca Ashanti Cineteca Nacional Ciudad de México, 30 de abril de 2025

CINETECA NACIONAL MÉXICO

EN UN CINE DE TOTALITARISMOS

DOSSIER

MAYO · 2025

Bogusław Linda en Fiebre ∙ 1960

Después de cada guerra / alguien tiene que limpiar. No se van a ordenar solas las cosas / digo yo. Alguien debe echar los escombros / a la cuneta para que puedan pasar / los carros llenos de cadáveres. Alguien debe meterse / entre el barro, las cenizas, los muelles de los sofás / las astillas de cristal y los trapos sangrientos. Agnieszka Holland se graduó de la FAMU, la escuela de cine de Praga, en 1971 y después regresó a Polonia para comenzar su carrera. Ahí conoció a los grandes autores de época y se unió rápidamente a Krzysztof Zanussi y Andrzej Wajda en algo que conoceríamos como “el cine de la ansiedad moral”. Es este término, quizá, el que mejor acomoda al cauce estético-narrativo que Holland ha ostentado con profundo compromiso hasta nuestros días. El cine de la ansiedad moral, caracterizado por abordar historias en donde se confrontan dilemas sociales y éticos, se volvió, en los 70, la herramienta perfecta para resistir al periodo comunista que cimbró a Polonia y que dejó sus marcas de totalitarismo en la población y en la cultura, especialmente en la rama cinematográfica que era devorada por la censura y la criminalización. Holland, que creció artísticamente dentro de este entorno y de los conflictos económico-políticos que nacieron en dichos años de convulsión social, decidió utilizar el cine como bandera, posicionarse contra todo aquello que no le generaba sentido y confrontar al régimen con las imágenes como arma. Ante esta decisión y con una escuela que oscilaba entre el cine polaco y la

AGNIESZK A HOLLAND

nueva ola checoslovaca, construyó una fortaleza cinematográfica que despegó —y no volvió a aterrizar— con su filme Actores de provincia (1978). Alguien tiene que arrastrar una viga / para apuntalar un muro, alguien poner un vidrio en la ventana / y la puerta en sus goznes.

Eso de fotogénico tiene poco / y requiere años. Todas las cámaras se han ido ya / a otra guerra. Tadeusz Huk y Adam Ferency en Actores de provincia ∙ 1978

A reconstruir puentes / y estaciones de nuevo. Las mangas quedarán hechas jirones / de tanto arremangarse.

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Actores de provincia es, dentro de la filmografía de Holland, una de sus películas más íntimas. La exploración de lo macropolítico desde la metáfora magistralmente construida de un teatro y un matrimonio. Al centro, un hombre, que intenta luchar sin demasiada claridad ni sentido contra la censura y el aletargamiento artístico de su comunidad, que parece mermar sus grandes sueños de genialidad, al tiempo que su matrimonio se despedaza. Con la casa en ruinas y un teatro que se reconstruye sólo bajo las reglas del régimen, a este hombre le quedan pocas opciones. Al igual que a su país. El juego entre lo personal y lo universal se convierte para Holland, dentro de éste y otros tantos filmes, en un lugar fértil para el cuestionamiento de los absolutismos. Abiertamente anticomunista, la cineasta cuestiona el voraz empobrecimiento de su país a través de historias sobre apegos complejos, que se reconocen en su tragedia y se acompañan ante el sinsentido. Esta elección dramática se volvería, con los años, en el sello autoral de una cineasta que defiende los afectos por sobre los ideales.

MAYO · 2025

DOSSIER

El cine de Holland es el cine que trasciende la teoría de los ideales para centrarse en la acción, es un cine que retrata la reconstrucción. La reconstrucción como proceso, como cuestionamiento y como promesa de algo mejor. Pero bajo su contexto histórico, esta elección cobra tintes complejos. La desesperanza y la oscuridad de la época permea en la luz de sus historias, en sus contrastes, en los claroscuros que pelean los rostros de sus personajes. Agnieszka no duda, alumbra sólo lo justo, lo no bello, lo político y lo doloroso. Configura la historia de la hostilidad humana, de la guerra. Y ahí nos deja, junto a sus mujeres y hombres revolucionarios, sobrevivientes, profundamente humanos en sus contradicciones (Una mujer sola, 1981). Hay algo de dios cruel en ella que sólo nos permite observar el dolor. Y cuando se reconoce ahí, sonríe. Pero la crueldad de Holland no va hacia sus protagonistas, aunque parezca lo contrario. La crueldad de la cineasta va hacia sus espectadores, hacia quienes sentados frente a la pantalla, nos vemos confrontados con todo el dolor que hasta ese momento rehuíamos y que, bajo el cobijo de la indiferencia, olvidábamos. Su crueldad, como sus imágenes, son políticas. Su cine es un cine histórico que rememora en la praxis, las ruinas de la resistencia y la revolución. Pero, con su estética visceral, dignifica la supervivencia humana. La locura se vuelve la única salida racional ante el desencanto de los sueños de lo colectivo y las bombas que no estallan se vuelven un recordatorio de todo aquello que murió bajo un ideal libertario (Fiebre, 1980). Una libertad desde los bordes atemporales de la historia que se mira críticamente a sí misma para aceptar que —nuevamente— ha fallado.

Maria Chwalibóg, y Bogusław Linda Una mujer sola ∙ 1981

JEAN LUC GODARD

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Agnieszka Holland

Alguien con la escoba en las manos recordará todavía cómo fue. Alguien escuchará /asintiendo con la cabeza en su sitio. Pero a su alrededor/ empezará a haber algunos / a quienes les aburra. Agnieszka no hace cine de guerra. Elige, por el contrario, el silencio ensordecedor que le precede. El momento entre una guerra y otra, donde las heridas aún abiertas, nos permiten ver las partes más profundas de nosotros, las más oscuras. Y ahí, en medio de toda esa oscuridad y esa claustrofobia inerte, encuentra esperanza. Éste es, quizá, su mayor don como cineasta. Encontrar esperanza. Construirla en los recovecos de lo inhumano donde converge el odio y el reconocimiento del otro como enemigo y como igual, de ese otro liberado de todo menos de las palabras y de las armas que ¿no acaso son lo mismo?

DOSSIER

MAYO · 2025

James Norton en Mr. Jones · 2019

Sus cintas son, ante todo, debates. Desenlaces abrumadoramente dialógicos que nos toman de la mano y nos llevan a los lugares menos pensados. Con Una luz en la oscuridad (2011) nos sumergió a las cloacas de Lvov. Y rodeados de ratas, de excremento y de judíos asustados, vimos la transformación de un polaco cínico que floreció en la penumbra. Leopold Socha convertido con los años en un héroe del Holocausto, es uno de los tantos personajes que la cineasta ha rescatado de la penumbra para darles un lugar justo en la historia. Como exploradora de las tragedias, Holland se sumerge de lleno en los lugares que los demás han olvidado, los lugares ignorados por el hastío de lo ya visitado. Y sigue encontrando ahí historias que contar. A esta vocación de biógrafa le acompañan premios internacionales que han sabido reconocer su sensibilidad de cuentista. Mr Jones (2019), El Charlatán (2020), sin olvidar la más famosa de todas ellas, Europa, Europa (1990) son tan solo algunos ejemplos de la premisa artística de la cineasta, comprometida con encontrar el hilo dorado.

AGNIESZK A HOLLAND

Todavía habrá quien a veces / encuentre entre hierbajos argumentos mordidos por la herrumbre, / y los lleve al montón de la basura.

El rastro · 2017

En la hierba que cubra / causas y consecuencias seguro que habrá alguien tumbado, / con una espiga entre los dientes, mirando las nubes.

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Y el hilo dorado no para de extenderse, por los bosques, los ríos y las trincheras hasta que todo lo no visto y lo olvidado es nombrado por aquellos que, desprovistos de un pasado claro, se abrazan al lenguaje para construir un futuro mejor. Y es ahí, en la convergencia y el encuentro de distintos tipos de lenguaje que florece, en absoluta adversidad, como en las cañerías, la esperanza del reconocimiento. Entre la literatura y el cine, Holland cosecha uno de sus filmes más sinceros y tiernos, de la mano de la también polaca y premio nobel Olga Tokarczuk. El rastro (2017) es la promesa extendida de una postura política que la cineasta abrazó desde su posicionamiento antifascista. La promesa de nombrar toda muerte innecesaria, de cuestionarla y tomar acción. Una fábula antiespecista que pone de frente la urgente necesidad de comenzar a respetar las vidas de los animales no humanos. Una fábula que nos explicita el androcentrismo de un mundo devorado por la hostilidad, un mundo que las autoras polacas reconocen bien pero que no les asusta.

MAYO · 2025

DOSSIER

Pero Holland, censurada en su propio país, vetada y amenazada de muerte, juzgada de nazi por presidentes que han temido a sus imágenes, no apuesta con los ojos cerrados. Detrás de su trabajo hay una profunda consciencia de la realidad, una realidad no romantizada, innegable, injustificable. El cine de la ansiedad moral, donde creció Holland, se volvió para ella, la única manera de hacer cine. Parece ser que para ella, la patria es el sentido y por ello mismo, cuando su gobierno comenzó a asesinar migrantes, en una guerra silenciosa e injustificable contra Bielorrusia, Agnieszka volvió a levantarse y filmó (Frontera verde, 2023). Para la directora, la violencia en pantalla no se debe limitar. El único favor que nos regala es un blanco y negro que aligera la sangre, pero potencia las heridas. Un blanco y negro que a su vez, genera más contraste en las expresiones, en las miradas. El peso en las decisiones estéticas de su filmografía no es fácil de mirar. La explicitud del dolor es para ella un arma. La tragedia y los errores son lo que le confiere humanidad a sus filmes. Las lágrimas y la locura son un reflejo de los lugares oscuros que nos configuran. Desde Actores de provincia hasta Frontera verde, estas películas comparten algo entre sí: la esperanza de que mostrando los horrores del pasado, estos se queden ahí. Sin mucho que decir ante el contexto actual, esperemos que la casi octogenaria cineasta, aún no se haya cansado, porque los holocaustos, los genocidios y el fascismo se sienten más cerca que nunca. Y habrá que descubrir cómo mirarlos al rostro, sin miedo, para aprender a ver qué llevan dentro y encontrar en esas grietas las posibilidades.

Maja Ostaszewska en Frontera verde · 2023

Para la elaboración de este texto se utilizó el poema Fin y principio, de Wislawa Szymborska. Traducción de Gerardo Beltrán y Abel A. Murcia

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Cartel de Una mujer sola · 1981 Diseñado por Andrzej Pagowski.

MAYO 2025

ESTRENOS DESTACADOS

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Knit Island: isla de la simulación ∙ 2023

ESTRENO

LAS MARGARITAS Sedmikrásky

Para revisitar Sedmikrásky, de Věra Chytilová, cineasta crítica e inventiva que formó parte de la Nueva Ola de cine checoslovaco, ¿por qué no comenzar cuestionando lo más elemental?, la traducción que se le ha dado a esta película. A 58 años de su estreno es curioso que, aunque la traducción literal al español de este título podría ser ‘margaritas’, se ha exhibido con títulos con una innecesaria connotación negativa, o por lo menos subjetiva: Locas margaritas o Las pervertidas. Estas traducciones toman un interesante giro tras conocer la película y su contexto. Si bien, Las margaritas es una obra experimental con una narrativa no lineal, relata la historia de dos chicas que, ante la invasión de Checoslovaquia por parte de la URSS, deciden responder con ironía y sinsentido porque, como ellas lo mencionan desde la escena inicial, “El mundo está en decadencia y nosotras también”. Tras esta declaración, la realidad se convierte en un juego que, desde la comedia y la farsa, explora la línea entre el hedonismo y la radical aceptación de la realidad. Retomando el título de la película, margarita es el tipo de flor que resalta por su particular y delicada belleza. Es curioso que, aunque, en el mundo, las flores no tienen un objetivo práctico, sino ornamental, son parte de la vida diaria por el placer y la satisfacción visual

ESTRENOS DESTACADOS / MAYO 2025

«Para una mujer la “decadencia” es aceptar la propia humanidad desde la risa».

Extractos de un texto de Astrid García Oseguera Lumbre ago. 01, 2024 Ciudad de México

CINETECA NACIONAL MÉXICO

1965 · 76 min. · Color y B/N Checoslovaquia D y G: Věra Chytilová. F: Jaroslav Kucera. M: Jiří Šust y Jiří Šlitr. Con: Ivana Karbanová, Jitka Cerhová, Julio Alberto. CP: Filmové studio Barrandov. Dist: Bestiario Films.

que nos provoca verlas. Como sucede con las Margaritas, quienes, desde el inicio de la cinta deciden entregar su vida al disfrute y alejarse de la practicidad. Una decisión que las dota de una alegría y simpática espontaneidad, se convierten en la ligereza de la vida ante la lúgubre fatalidad de la guerra. Las margaritas fue una obra que demarcó la realización experimental de la década de los 60 alrededor del mundo. Su construcción visual tiene una constante carga simbólica con alusiones a la liberación sexual; los recursos visuales y formales también esconden guiños a la relación de las protagonistas con la belleza. No sólo desde la presencia de las flores, también desde el look de las Margaritas, quienes recogen en su vestimenta un detalle representativo de la moda de su época: el delineado cat-eye. Hacia el final de la película, es posible notar cómo la moda se convierte en un indicador de la transformación de las Margaritas: incluso la belleza puede cansar. ¿Somos pervertidas por lo que nos gusta o porque no nos avergüenza aceptar lo que nos gusta? En Las margaritas la perversión se manifiesta en su desvergüenza al comer, tomar y disfrutar del presente. Tal vez es de esta desfachatez que nace el posicionamiento de las Margaritas como antiheroínas a lo largo del tiempo. Pues los héroes que protagonizan las tragedias clásicas hacen lo que sea para negar que tienen cuerpo. Mientras que las Margaritas usan su cuerpo en cada oportunidad para recordarse (y recordarles a quienes las rodean) que existen y lo habitan. Ahora, a varias décadas del estreno de esta película, es curioso notar que, para una mujer la “decadencia” es aceptar la propia humanidad desde la risa. Quizá las Margaritas no sean las heroínas canónicas de la literatura clásica, pero nos hacen recordar esa magia poderosa que se esconde en la tragedia cuando, en vez de llorar, elegimos comer pasteles y golosinas, abrazar lo finito de la existencia en cada risa, aceptar lo imperfecto de nuestra existencia y disfrutar de la “decadencia” porque, tal vez, es la única manera de trascender la oscuridad.

ESTRENO

EL VIAJE DE CHIHIRO Sen to Chihiro no kamikakushi

El silencio tiene un sonido, y es el sonido de la pérdida. A veces, todo es oscuro, todo es lúgubre, todo es triste. A veces, la imposibilidad de ver la luz al final de un tenebroso camino consume hasta el más puro de los seres. A veces, no queda otra que ceder y resignarse. A veces, sin la ayuda necesaria en el momento oportuno, todo se apaga. Silencio. Cuánto se puede aprender del silencio. Chihiro, una joven de 11 años de edad viaja con sus padres con destino a su nueva vivienda; a su nueva vida. En un frondoso bosque con una sinuosa carretera, se encuentran con un oscuro túnel que desemboca en un parque temático abandonado, pero con un puesto con comida servida. El viaje de Chihiro es uno de los trabajos más redondos del cineasta [Hayao Miyazaki]. Pudiendo englobarla en su fase estética más fantástica y menos costumbrista, la poesía implícita es palpable. Como es habitual en este gran cineasta, ninguna escena está dejada a merced del azar y ningún diálogo es banal: cada elemento planteado forma parte de un todo que sólo es visible en los últimos minutos de la cinta. Distando bastante —aunque no del todo— de la ambientación de cuento de hadas, los derroteros por los que el autor deja caer la narración son mucho más oscuros de lo habitual. Acercándose a la sobriedad de La tumba de las luciérnagas (1988) de Isao Takahata, El viaje de Chihiro habla

ESTRENOS DESTACADOS / MAYO 2025

«Presentando su habitual poética intimista, Miyazaki ha logrado sorprender a todo aquel que dedique dos horas a viajar por los vastos páramos que son su imaginario».

Extractos de un texto de Diego García Miño Revista Cintilatio may. 20, 2021 España

CINETECA NACIONAL MÉXICO

2001 · 125 min. · Animación Japón D y G: Hayao Miyazaki. A: Atsushi Okui. M: Joe Hisaishi y Yumi Kimura. CP: Studio Ghibli, Buena Vista Home Entertainment. Dist: Cinemex.

sobre la pérdida, la sombra de lo que somos y lo que fuimos; habla de la tristeza de la soledad, de la avaricia y de la codicia. Pero sobre todo habla de lo que es sentirse alejado del lugar del que procedes, aunque ese sentimiento no siempre sea visible. Los episodios más oscuros de la historia de Japón han hecho mella en su ideología, como es comprensible: desde su derrota en la Segunda Guerra Mundial, con la caída de las dos famosas bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki; hasta acontecimientos más recientes como el colapso de la burbuja financiera e inmobiliaria en los años 80. Todos y cada uno de estos sucesos que forman ya parte de la historia se han grabado a fuego en la mentalidad del pueblo y, por supuesto, Miyazaki aprovecha para recordarlos, criticarlos, reflexionar sobre ellos y utilizarlos como, en muchas ocasiones, hilo conductor de sus narraciones y parte fundamental del núcleo de los trabajos que firma. Tanto El castillo vagabundo (2004) como El viaje de Chihiro presentan estas problemáticas tan arraigadas en su cultura desde un punto de vista de corte fantástico que ayuda a digerir de manera más ligera la densidad de las ideas planteadas. La sutil melancolía que impregna la atmósfera es una constante a lo largo de los 124 minutos de duración de la película, y en ningún momento se la nota como un añadido insulso o artificial que lastre el conjunto de la narración, todo lo contrario, ayuda a potenciar las virtudes y a diferenciar a la cinta del grueso de los trabajos del estudio. Presentando su habitual poética intimista, Hayao Miyazaki ha logrado, una vez más, sorprender a todo aquel espectador que dedique dos horas de su vida a viajar por los vastos páramos que son su imaginario. Desde espíritus del bosque, Kami y Yōkai, brujas, magos y demás criaturas, nos presenta su particular forma de ver el mundo y de entender y encauzar los problemas que asolan la existencia del ser humano, siempre con ese tono casi infantil que hace de sus filmes un entretenimiento maravilloso para los más pequeños, pero con un fondo denso y sobrio que no deja indiferentes a los más adultos.

MAYO 2025

SUEÑO MEXICANO

D: Laura Plancarte. G: Laura Plancarte y María Magdalena Reyes. F en C: Franklin Dow. Con: María Magdalena Reyes, Edgar Lozano, Carla Islas. 2023 · 90 min. · Color México-Reino Unido Dist: Mandarina Cine.

Extractos de un texto de Nancy Mora Revista Encuadres oct. 21, 2023

ESTRENO

María Magdalena Reyes, Male, no sólo es la protagonista de Sueño mexicano, película que realizó en estrecha colaboración con la cineasta Laura Plancarte, también es la narradora y fotógrafa de su propia historia, una historia que es por demás digna de ser contada porque expone lo que es para una mujer como ella luchar para poder realizar sus sueños. En este largometraje que rompe los límites entre el documental y la ficción —si es que estos límites existen— lo importante es la historia de Male, una mujer que fue violentada por el padre de sus tres hijos, que al separarse de él perdió la patria potestad y que ahora lucha por recuperarlos, por tener su propia casa, por tener su propio negocio, pero sobre todo, que lucha por recuperarse a sí misma y ser feliz. Al iniciar la película, pareciera que iría por un rumbo distinto, pues Male acude a una clínica porque desea tener otro hijo, ahora con su actual pareja. Conforme avanza la historia acompañamos a Male en su cotidianeidad, conocemos la relación con sus padres, con sus amigos, con su “patrona” que le da empleo en la Ciudad de México, y la relación que tiene con sus hijos, uno de ellos, Jhovani, que la extraña y la busca, y con Fátima, quien no la “perdona” y la rechaza. Pero también conocemos la relación de Male con ella misma, sus momentos de soledad, cuando sale a divertirse, sus momentos más íntimos y por supuesto los momentos en que se permite soñar. Sueño mexicano, de Laura Plancarte, es una película muy íntima y honesta, contada y en ocasiones filmada por la propia protagonista, una película que no sólo sirvió para que Male exorcizara sus propios demonios, sino que nos comparte una historia que nos hace replantearnos cuáles son nuestros verdaderos sueños y realmente qué estamos haciendo para convertirlos en realidad.

ESTRENO

LA RUEDA CONOCE MI NOMBRE

D y G: Claudio Zilleruelo Acra. F en C: Ricardo Cabrera. Con: María Lara, Fernando Álvarez Rebeil, Claudio Zilleruelo Acra. 2024 · 88 min. · Color México. Dist: Piano.

Extractos de un texto de Javier Acevedo Nieto El antepenúltimo mohicano nov. 10, 2024 Bilbao

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Celebremos las películas que son sólo borraduras y trazos sueltos de imágenes cuya clave se perdió como quien olvida las llaves. La rueda conoce mi nombre es la propuesta de Claudio Zilleruelo Acra. En Ciudad de México, millones de vidas anónimas se entrecruzan sin mayor contexto. La cámara temblorosa que mutila encuadres sigue a un hombre y una mujer. Él regenta una tienda de discos y se aburre bastante. Ella es solista en una banda de heavy metal y disfruta de los túneles subterráneos. A veces están juntos, otras simplemente no. Zilleruelo construye un no-texto circular sin otra coherencia que la de la propia aleatoriedad aparente del montaje. Algunos lo llamarán slow cinema, otros dirán que es una suerte de mumblecore sin clímax ni agudos diálogos. Es, simplemente, una película en la que el espectador toma parte de manera mucho más activa. ¿Cómo lo hace? Proyectando sentido en cada imagen y diluyendo su propia experiencia receptiva en las imágenes que contempla. Quizá el mayor logro de La rueda conoce mi nombre sea el de devolver al espectador la complicidad de ser coescritor de su propia experiencia de visionado. Zilleruelo parece estar refiriéndose a una forma de cine donde la coherencia se disuelve en la aleatoriedad, en la creación de momentos que no hacen sentido racional, pero que al mismo tiempo son intensamente significativos en su propia autonomía visual. Zilleruelo se aparta de una imagen que carga de sentido el espaciotiempo y apuesta por una liberación del espectador, quien se convierte en testigo de una Ciudad de México capturada en sus detalles efímeros y caóticos. Zilleruelo nos recuerda que el cine también puede ser una forma de desapego: un lugar donde el espectador habita la incertidumbre, y donde lo que queda por ver es, en realidad, lo que nunca vemos.

MAYO 2025

GOODBYE HORSES: LAS MUCHAS VIDAS DE Q LAZZARUS

D: Eva Aridjis Fuentes. F en C: Nathan Corbin y Ev-a Aridjis Fuentes. Con: Diane Luckey, James Luckey Lange, Robert Lange. 2024 · 103 min. · Color Estados Unidos-México Dist: Pimienta Films.

Extractos de un texto de Sabina Dana Plasse Film Threat mar. 17, 2025 Los Ángeles

ESTRENO

Goodbye Horses: Las muchas vidas de Q Lazzarus es un documental misterioso, cautivador y conmovedor sobre una artista y una canción memorable que definió su vida. La directora Eva Aridjis Fuentes se embarcó en un viaje inesperado cuando descubrió un día que Diane Luckey, también conocida como Q Lazzarus y célebre por la canción de culto “Goodbye Horses”, era la conductora de su taxi. Emprendiendo una búsqueda para entender qué le ocurrió a Q, Aridjis Fuentes descubre el misterio que se esconde tras su desaparición, lleno de emoción, arrepentimiento y mucho más. Descubierta por el cineasta Jonathan Demme en 1987 durante un viaje en taxi, Q vivió un momento de fama cuando su canción de culto “Goodbye Horses” apareció en El silencio de los inocentes [1991]. Sin embargo, a pesar de tener seguidores en los clubes de Nueva York y Londres, no consiguió un contrato discográfico y desapareció por completo de la escena pública en 1995. Ni sus amigos ni sus compañeros de banda supieron lo que le había ocurrido hasta que, 25 años después, otro viaje en taxi la reunió con Aridjis Fuentes. Este encuentro impulsó a Q a confiar a [la directora mexicana] la historia de su vida, detallando su pasión como cantante y artista, sus relaciones familiares, sus luchas por triunfar en la industria del entretenimiento y su caída en desgracia. Aridjis Fuentes proporciona a Q la plataforma para compartir su historia con sus propias palabras, especialmente a través de su música, la cual incluye una colección de canciones inéditas que reflejan el viaje de Q. Goodbye Horses: Las muchas vidas de Q Lazzarus revela las carencias y penurias de una sociedad a menudo incapaz de atender a las mujeres y, especialmente, a las mujeres de color que quieren triunfar con sus dones y talentos inherentes, como es el caso de Q.

ESTRENO

LAS CUATRO HIJAS

Les filles d'Olfa D y G: Kaouther Ben Hania. F en C: Farouk Laaridh. Con: Hind Sabri, Nour Karoui, Ichrak Matar. 2024 · 118 min. · Color Alemania-Arabia SauditaChipre-Francia-Túnez. Dist: Alameda Films.

Extractos de un texto de André Didyme-Dôme Rolling Stone

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Dirigida por Kaouther Ben Hania, esta es una audaz combinación de documental y ficción que aborda la dolorosa historia de una madre tunecina y sus cuatro hijas. Filmada en un hotel abandonado durante un mes en 2021 y postulada como candidata tunecina al Óscar a Mejor Película Internacional en 2024, este híbrido narrativo ofrece un retrato incómodo y visceral de una familia devastada por la radicalización de dos de sus hijas. Ben Hania no se contenta con una narrativa lineal. En lugar de eso, intercala las dolorosas remembranzas de Olfa con reconstrucciones dramáticas interpretadas por las actrices Nour Karoui e Ichrak Matar, quienes dan vida a las hijas ausentes. En un toque más experimental, la célebre actriz Hind Sabri asume el papel de Olfa en algunas escenas, no sólo para aliviar el peso emocional de las más dolorosas, sino también para desafiar e interrogar a la verdadera Olfa sobre sus motivaciones. La película examina, desde múltiples ángulos, cómo la violencia emocional y física ha moldeado generaciones de esta familia. Enraizada en una sociedad patriarcal conservadora, Las cuatro hijas, explora la condena a la que están sujetas las mujeres en Túnez. Este contexto patriarcal no sólo limita la libertad de las mujeres, sino que también genera un clima de miedo, control y desorden mental y emocional dentro de la propia familia. Al hacer uso del docudrama, Ben Hania se permite explorar más profundamente las emociones de los personajes. A pesar de la pesada carga emocional de la película, Las cuatro hijas no carece de momentos de esperanza y humor desafiante. La madre y las hijas que permanecen en casa muestran una resiliencia admirable, a pesar de las adversidades. Estos destellos de humanidad ofrecen un contraste vital con el peso de la historia que cuentan.

MAYO 2025

UN CUENTO DE PESCADORES

D: Edgar Nito. G: Alfredo Mendoza y Edgar Nito. F en C: Juan Pablo Ramírez. Con: Jorge A. Jiménez, Alejandra Herrera, Andrés Delgado. 2024 · 103 min. · Color México Dist: Cinépolis Distribución.

Extractos de una entrevista a Edgar Nito oct. 04, 2024 Ciudad de México

ESTRENO

Después del éxito de su ópera prima Huachicolero (2019), el cineasta mexicano Edgar Nito presenta su segunda película, Un cuento de pescadores, la cual combina elementos de thriller con folk horror, creando imágenes que mezclan lo perturbador con la belleza natural de los lagos de la región de Pátzcuaro, Michoacán. Un cuento de pescadores es una adaptación de una leyenda purépecha que ha sido transmitida de generación en generación en la zona de Pátzcuaro, donde se ha rumoreado que existe una mujer conocida como La Miringua, que atrae a los pescadores hacia las profundidades del lago y los embruja. Su nombre significa «olvido» u «olvidarse», confunde a sus víctimas, haciéndoles perder la noción del tiempo y el espacio hasta que se olvidan de sí mismas. Según el director, escuchó por primera vez esta leyenda mientras trabajaba en otro proyecto en una isla de Pátzcuaro. Fue en ese momento cuando él y su equipo comenzaron a pensar la idea de hacer algo alrededor de este relato. El siguiente paso fue realizar entrevistas y conversar con los habitantes para entender qué significaba la leyenda para ellos. Esto significa que Un cuento de pescadores se construyó a partir de múltiples perspectivas y testimonios, lo que la convierte en una obra mucho más compleja de lo que parece, ya que a medida que se filmaba, la historia se fue enriqueciendo, incorporando diversas voces y experiencias. El director quería reflejar el miedo colectivo, ya que a medida que desaparecen personas y ocurren comportamientos extraños, la falta de una explicación lógica provoca que los personajes comiencen a hacer suposiciones, alimentando aún más el temor en la comunidad. «El miedo sin duda se contagia y se vuelve colectivo. Luego ya no importa que sea real, es real porque todos están metidos en el mismo miedo».

ESTRENO

KNIT ISLAND: ISLA DE LA SIMULACIÓN

Knit's Island D y G: Ekiem Barbier, Guilhem Causse y Quentin L'helgouac'h. 2023 · 95 min. · Color Francia Dist: La Ola.

Extractos de un texto de Muriel Del Don Cineuropa may, 09, 2023

CINETECA NACIONAL MÉXICO

En algún lugar remoto entre los distintos dominios virtuales de internet, se hallan misteriosos personajes que luchan por su propia supervivencia. Los cineastas, o más bien sus avatares, tomaron la decisión de pasar horas en este universo paralelo, interactuando con todas aquellas personas que también han elegido este mismo mundo virtual como una especie de habitación del pánico donde protegerse de una realidad a veces demasiado intensa y asfixiante. Esta insólita creación llevada a cabo por Ekiem Barbier, Guilhem Causse y Quentin L'helgoualc'h constituye una mezcla explosiva de cine y videojuegos, de realidad virtual y de una vida cotidiana que a veces se cuela de forma inesperada en la narración. Lejos de introducir la narración de manera forzada, los tres directores franceses se dejan guiar por sus encuentros, de manera que construyen la historia en consonancia con los relatos y testimonios de los demás avatares. Independientemente de que vayan armados hasta los dientes o de que se trate de caníbales, reverendos (reverendo Stone) que quieren dar consuelo a las almas perdidas, o de un grupo de ravers que trascienden sus miedos a la aniquilación por medio de la música, Knit's Island ofrece personajes que resultan a la vez aterradores y conmovedores, repulsivos y fascinantes. Knit's Island no constituye una simple crítica superficial a los jugadores adictos a la violencia gratuita, sino más bien una película que aborda con inteligencia temas sobre la frontera entre la realidad y la RV. Knit's Island es una experiencia humana y sociológica que nos proporciona un sentido de comunidad que va más allá de lo real tal como lo conocemos. «Solo soy Frank», confiesa el reverendo Stone al final de la película, recordándonos que, al fin y al cabo, todos llevamos una máscara.

MAYO 2025

MI PIEL OCULTA

D: Guadalupe Sánchez Sosa, Pablo Delgado. G: Guadalupe Sánchez Sosa. F en C: Jessica Villamil, Miriam Ortiz, Sarasvati Herrera. Con: Julia Antivilo, Erika Búlle Hernández, Rosaly Graterol 2022 · 92 min. · Color México.

Yedieal Robles Gómez Cineteca Nacional abr. 29, 2025 Ciudad de México

ESTRENO

«Mi cabeza es un cerebro lleno de archivos con un incendio... », se escucha al principio. A partir de ahí, con tonos íntimos y empáticos, Guadalupe Sánchez Sosa y Pablo Delgado Sánchez construyen el documental Mi piel oculta, un retrato de la complejidad de las memorias corporales. «... Voy corriendo, tratando de rescatarlos». Nuestro cuerpo guarda memorias. Más que una máquina biológica, es un registro viviente de nuestras experiencias. Cada cicatriz, cada rasgo, cada postura que adoptamos habla de las historias que guardamos con tanto ahínco: narrativas de dolor, resiliencia, amor y transformación. Madre e hijo, algo inusual para el cine mexicano, nos guían por las experiencias ocultas en los cuerpos de cinco personas que enfrentan los prejuicios, estereotipos y violencias que rodean sus singularidades: Natalia, una chelista sobreviviente de cáncer, Erika, una activista gorda, Julia, una artista lesbiana, Rosaly, una fotógrafa con problemas paternales y Kany, un hombre trans invisibilizado. La cámara se posiciona cercana, sin invadir. Desde la escucha y la mirada cuidadosa, las entrevistas son orgánicas. Las escenas cotidianas son filmadas con una calidez que refuerza el tono confesional de cada historia sin caer en la manipulación emocional. Entonces, al narrarse, el cuerpo se convierte en un testigo de las historias que trascienden a la persona misma. Estas memorias corporales abandonan lo individual y forman experiencias colectivas: opresión sistémica, lucha por los derechos humanos, búsquedas de identidades más auténticas. Con gran brillantez, los directores encuentran puntos de intersección en las historias de estas personas. Marcan un recorrido por experiencias de acoso, amor y desamor, enfermedad, menstruación, autoplacer; un recorrido por la cotidianidad de ser mujer.

ESTRENO

JÚPITER

Jupiter D: Benjamín Pfohl. G: Benjamín Pfohl, Silvia Wolkan. Con: Mariella Aumann, Laura Tonke, Andreas Döhler. 2023 · 101 min. · Color Alemania. Dist: Avena Cine.

Extractos de un texto de Fabien Lemercier Cineuropa dic. 18, 2023

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«Este planeta solía ser un ecosistema en perfecta armonía y ahora asistimos a todo tipo de síntomas de rechazo: huracanes, inundaciones, incendios incontrolables… Estamos derritiendo sus polos, calentando su aire y destruyendo la atmósfera que lo protege. Este mundo ya no puede soportarnos». Muchos de nosotros estaríamos de acuerdo con estas afirmaciones. Ahora bien, de ahí a creer que los humanos vienen de Júpiter y que la Tierra es una simple colonia, hay un trecho. Esto es exactamente lo que piensan los padres de la adolescente Lea. ¿Cómo han llegado a este punto? La película explora su viaje a través de un habilidoso flashback, mientras que, en el presente, comienza una misteriosa cuenta regresiva cuando la familia se dirige a pasar un fin de semana en una remota comunidad rural: un grupo hermético y extático liderado por un carismático gurú. Sin embargo, aunque Lea (que ha tenido que abandonar una fiesta para la ocasión) comparte el credo astro-místico de la secta, está igual de apegada a sus amigos, sus estudios y todo aquello a lo que aspira cualquier adolescente. Esta no es la primera película que explora el mundo de las sectas, pero Benjamin Pfohl y su coguionista Silvia Wolkman abordan el tema desde un ángulo particularmente inteligente. Anclando lo anormal en un contexto increíblemente normal, el de una familia cualquiera cuya desesperación se ve absorbida por los problemas ecológicos de nuestro tiempo. Por otra parte, el director logra generar unos niveles de suspense apasionantes, que no dejan de aumentar, mientras mantiene un control estricto sobre el desenlace sugerido de la historia. Todas estas cualidades dan como resultado una película sorprendente, a pesar de no contar con excesivos medios de producción, revelando a un director cuyo próximo trabajo esperaremos con impaciencia.

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QUEBRANDO LA NOCHE

Tongo Saa D, G y F en C: Nelson Makengo. 2024 · 96 min. · Color Bélgica-Alemania-CatarRepública Democrática del Congo-Burkina Faso Dist: Salón de Belleza.

Extractos de un texto de Ola Salwa Cineuropa feb. 26, 2024

ESTRENO

«Una casa sin electricidad es una casa sin alegría», dice una de las voces emergentes de una pantalla en negro al principio de Quebrando la noche, el documental de Nelson Makengo. La película se encuentra en gran parte envuelta en oscuridad e impregnada de las aguas del río Congo, como consecuencia de la inundación en Kinshasa. La cámara nos muestra un grupo de gente local que intenta navegar por sus vidas mientras se preparan para Navidad, en su lucha por conseguir nuevos cables que les ayuden a recuperar su electricidad y evitar los peligros que acechan en la impenetrable oscuridad; peligros como violadores que dan caza a chicas y mujeres, a los cuales la noche les proporciona cobertura. En la oscuridad de la noche, una linterna es, a veces, un salvavidas y un sable de luz para combatir los terrores. Quebrando la noche es un documental muy modesto que se centra en una comunidad a la que dejaron enfrentarse sola a dos desastres (uno natural y uno artificial) que dominan sus vidas. La ausencia total de acontecimientos espectaculares es una elección artística, ya que, a lo largo de la película, nos queda claro que el objetivo de Makengo es permitir a la audiencia hacerse una idea de lo que podría ser existir en completa oscuridad. De hecho, el director une escenas que sólo han sido grabadas por la noche, sin ninguna fuente de luz adicional. Su documental se funde en la negrura de la sala de proyección, y es cuando los ojos pueden adaptarse a estas condiciones específicas de visionado.   Por desgracia, la situación de Kinshasa no ha mejorado mucho desde que Makengo apagó su cámara, ya que otra desastrosa inundación azotó el país a principios de febrero, pocas semanas antes de que Quebrando la noche tuviera su estreno en la Berlinale. La alegría, sin duda alguna, sigue ausente.

ESTRENO

LA PRINCESA KAGUYA

Kaguyahime no monogatari D: Isao Takahata. G: Isao Takahata y Riko Sakaguchi. A: Keisuke Nakamura 2013 · 137 min. · Color Japón Dist: Cinemex.

Extractos de un texto de Mebil A. Rosales El Espectador Imaginario abril de 2015 Barcelona

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La virtud de la melancolía es una característica que el Estudio Ghibli ha desarrollado a través de los años; quizás se trate de un estilo que va ligado a las agridulces historias clásicas del Japón feudal, llenas de marcadas metáforas hacia la comunión con la naturaleza y las vicisitudes de las costumbres sociales. Algunos de estos tópicos son narrados en la historia de “El cortador de bambú”, el más antiguo texto que se conserva de la literatura japonesa en prosa, y en cuyas frases se basa La princesa Kaguya, última película del realizador Isao Takahata, que se retira dejando la frente en alto. Kaguya es una pequeña que nace dentro del tallo de un bambú y que es criada por una pareja de campesinos que la acogen como si se tratase de su hija propia. Con el pasar de los años, la niña crece a una velocidad vertiginosa, y el bosque mismo se encarga de suplir a sus padres con todos los elementos necesarios para su manutención, además de arrojar pistas acerca del futuro por el que debe transitar. Es así como la familia decide marcharse a la ciudad, donde Kaguya cumplirá con la tarea de convertirse en una princesa. La princesa Kaguya es un relato agridulce que funciona de forma cíclica, que describe la vida misma a través de la magia y la fantasía. Plantea una ida y una vuelta, una partida en busca de la esencia propia que culmina en un efímero retorno a las raíces del alma. Visualmente, es una obra de arte. Retomando algunas de las técnicas que utilizó en Mis vecinos los Yamada (1999), Takahata perfecciona sus trazos y se aleja de la majestuosidad que poseía La tumba de las luciérnagas (1988) para volverse más abstracto e impresionista, utilizando una paleta de colores reducida y bordes blanquecinos que asemejan los fotogramas a las láminas coloreadas de un libro.

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EL LLANTO DE LAS TORTUGAS México, 2025, 65 min.

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D y G: Jaime Villa Galindo. F en C: Francisco Yáñez Villa. Con: Cosme Damián Becerra, Mónica Esquer Encinas.

Durante muchos años, Cosme y Mónica, un matrimonio de Bahía de Kino, Sonora, se dedicaron a la labor de la pesca. Esto cambia cuando se ven atados de manos al no ser capaces de matar a una tortuga que parece aferrarse a la vida. A través de este proceso de transformación y catarsis, los sonorenses logran que conectemos con nuestro lado más humano. El documentalista Jaime Villa nos introduce en una historia llena de reflexión, empatía e introspección respecto a nuestra relación con la naturaleza.

LAS HOSTILIDADES México, 2021, 70 min.

D y F en C: Sebastian Molina. G: Sebastian Molina y Karen Plata. Con: Israel Molina, Gerardo Molina. Dist: Daimon Cine.

Las hostilidades, documental dirigido por Sebastian Molina, es una representación de la cotidianidad de los habitantes de Santa Lucía, Estado de México. El largometraje muestra lo compleja que puede ser la vida en un lugar que parece permanecer en el olvido, en donde la violencia crece día con día, pero en el que también hay una comunidad con sueños y aspiraciones. A través de las voces de Santa Lucía —incluida la familia del director— se hace visible el sentimiento de pertenencia e identidad de los lugareños.

TUTTI FRUTTI: EL TEMPLO DEL UNDERGROUND México, 2022, 75 min.

D y G: Laura Ponte y Alex Albert.. G: Marek Epstein. F en C: Alex Albert.

Como respuesta a las diversas represalias juveniles que se dieron entre los años 60 y 80 en la Ciudad de México, miles de jóvenes buscaban alternativas para expresarse y divertirse. Bajo este panorama, nacen diversos santuarios de rock y rebeldía. La documentalista y periodista Laura Ponte, junto con Alex Albert, plasma sus memorias, así como los testimonios de otras personas que alguna vez llegaron a fusionarse entre la música y los tragos del bar más famoso de Lindavista.

ESTRENOS

LA FALLA México, 2024, 81 min.

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D y G: Alana Simões. F en C: Joab Gabriel Molina. Con: Celeste Limón, Iker Ortega, Mateo Camarena. Dist: Artegios.

La profesora Celeste será transferida de escuela y para sus alumnos de primer año de primaria, esta inminente despedida representa una ruptura más grande de lo que los adultos podrían entender. En ese entorno lleno de infancias, los duelos se atraviesan distinto y es justo sobre esas diferencias que ahonda la cineasta brasileña Alana Simões con este documental. La falla explora la emocionalidad de los pequeños mientras se desprende de las típicas estructuras narrativas para construir un filme mucho más íntimo.

PARTIDA México, 2024, 85 min.

D y G: Luis Ayhllón. F en C: Ángel Camacho. Con: Álvaro Guerrero, Rodrigo Vázquez, Quetzalli Cortés.

En medio de una crisis financiera que atraviesa un despacho de abogados, Zúñiga y Lucas, dos compañeros y amigos de trabajo, se verán envueltos en una encrucijada que decidirá cuál de ellos conservará su empleo. Partida es un largometraje basado en la obra de teatro homónima escrita por Luis Ayhllón en donde se ejemplifica una lucha de poder y deslealtad que llega a los extremos más despiadados y humillantes. El dramaturgo y cineasta Ayhllón, profundiza en temas como la explotación laboral y la deshumanización.

ROBOCOP Estados Unidos, 1987, 102 min.

D y G: Paul Verhoeven. G: Edward Neumeier y Michael Miner. F en C: Sol Negrin y Jost Vacano.. Con: Peter Weller.Dist: Park Circus.

En un futuro distópico en donde la delincuencia se ha apoderado de las calles, la OCP, una corporación de tecnología y robótica, decide usar el cuerpo de un policía fallecido para crear un cyborg justiciero. La situación se sale de sus manos y el experimento se vuelve una máquina de matar incontrolable. Llevando a cabo una crítica a una sociedad que vive bajo el yugo de la tecnología, y con dos nominaciones a los Óscar en 1987, Robocop, marca un antes y después en la carrera del director neerlandés Paul Verhoeven.

MAYO 2025 ARQUEOLOGÍA DEL CINE

ARQUEOLOGÍA DEL CINE

APUNTES DE CINE: ENTRE EL OLVIDO Y LA MEMORIA David Israel Ramírez García Cineteca Nacional

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CINETECA NACIONAL MÉXICO LosCassette VHS de El hijo adoptivo ∙ 1998 Acervo Videográfico de la Cineteca Nacional

MAYO · 2025

ARQUEOLOGÍA DEL CINE

Anualmente, la Cineteca Nacional alberga dos eventos de gran importancia para la promoción del cine de calidad. En cada uno de ellos se presentan largometrajes contemporáneos, así como clásicos consagrados, a saber: la Muestra Internacional, y el Foro Internacional. El primero remonta sus orígenes a 1976, y este año llegó a su septuagésima séptima edición; mientras que el segundo surgió en 1980, y en próximas fechas tendrá su cuadragésima cuarta edición. Ambos programas han presentado cientos de películas, las cuales fueron largometrajes representativos de su época, llegando a ocupar un lugar especial en la memoria cinematográfica mundial. No obstante, también hay filmes que, aunque gozaron de cierto reconocimiento, fueron premiados y tuvieron buen recibimiento del público, sufrieron el paso del tiempo y no consiguieron perdurar en el imaginario fílmico. Este olvido puede ser ocasionado por varias razones. Una de ellas tiene relación con la gran cantidad de películas producidas en tan solo 128 años, tiempo que ha transcurrido desde el nacimiento del cinematógrafo. Esto ocasiona que un título se pierda entre la abrumadora cantidad de filmes que existen en el mundo. Otra razón que conduce al olvido tiene relación con la obsolescencia tecnológica de los formatos videográficos denominados caseros y esto, en consecuencia, se relaciona directamente con el ciclo económico de las películas: primero tienen un espacio en las salas de cine y/o festivales; después comienza la comercialización de las películas en formatos caseros para reproducción doméstica, (que hoy día han sido reemplazados por las compañías de streaming); y un tercer momento, opcional, que se concierne a la transmisión televisiva.

El hijo adotivo • 1998

APUNTES DE CINE: ENTRE EL OLVIDO Y L A MEMORIA

Fachada de la Cineteca Nacional en la década de los 90

La Cineteca Nacional, además de ser un archivo fílmico, promueve la primera fase de la vida pública de una película al exhibirla en una sala, y dependiendo de sus cualidades estéticas y artísticas, se incluye en la Muestra o en el Foro, así como en ciclos especiales, o en su programación ordinaria. Sin embargo, nuestra institución, en algunos momentos de su historia ha incursionado en la segunda etapa que es la comercialización, es decir, la Cineteca en conjunto con otras instituciones como CONACULTA (ahora Secretaria de Cultura), se han encargado de distribuir películas en formatos magnéticos (VHS y BETA), principalmente en la década de 1990. Entre esos títulos se encuentran algunos clásicos y películas que se exhibieron en la Muestra o en el Foro. Incluso, a principios de la década de 2010, la Cineteca editó algunas películas en formato DVD, que formaron parte de la exhibición en salas. Muchas de estas películas, editadas, distribuidas y exhibidas en todo el país, han sido olvidadas. Esto es el resultado de los listados de cintas memorables o “destacables”, regidos por criterios occidentales; en otras ocasiones, porque se han producido películas “dignas de perdurar en la memoria mundial”, y por último porque simplemente los largometrajes no “rompieron el cerco análogo” respecto a los sistemas de distribución comercial, es decir, son películas que no se encuentran ahora en Bluray o en streaming, resultando en un olvido sistemático del público debido a la imposibilidad de consumo inmediato.

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Desde el Acervo Videográfico de la Cineteca, ofrecemos a nuestros lectores un ejemplo. El filme El hijo adoptivo (Beshkempir, Kirguistán, 1998), es un coming of age narrado en blanco y negro con algunos destellos a color, en donde vemos a un muchacho que está transitando de la niñez a la adolescencia pero que, por motivos culturales, es adoptado por una familia, siendo la abuela quien mejor lo trata. El director de este largometraje es Aktan Arym Kubat, y la obra fue presentada en el 19° Foro Internacional (diciembre de 1999). Aunque este título nunca se distribuyó en formato casero en México, en otros países es posible localizar copias en DVD. No ostante, su presencia en plataformas digitales es prácticamente nula. En cuanto a los títulos distribuidos por Cineteca se encuentran películas de directores reconocidos que en su momento fueron hits de taquilla, pero que fueron sepultados por otros títulos que encumbraron la trayectoria de sus cineastas. En este rubro, presentamos el caso del director italiano Nanni Moretti y su película Abril (Aprile, Italia-Francia, 1997). En un tono personal y desempeñándose como protagonista, Moretti decide mostrar la vida contemporánea de Italia a finales de la década de 1990 en forma de comedia y, como después lo veremos en otras películas, decide también realizar una crítica social y política de su país. Abril fue presentada en la 32° Muestra Internacional (noviembre de 1998).

Cassette VHS y portada de Abril Acervo videográfico de la Cineteca Nacional • 1998

APUNTES DE CINE: ENTRE EL OLVIDO Y L A MEMORIA

Un lugar en el corazón • 1998

En la misma edición de la Muestra, tuvo cabida una película llamada Corazón de luz (Qaamarngup uummataa, Groenlandia-DinamarcaNoruega-Suecia, 1998). En esta obra, el director Jacob Grønlykke narró una historia sobre la diferencia entre la tradición y la modernidad en Groenlandia, enfocando su atención en un drama sobre un padre y su viaje espiritual. La temática que aborda la cinta es tan exótica como el país productor, lo cual le concede un valor agregado, ya que la película no encaja en los estándares del llamado “cine comercial”, incidiendo en el prematuro y paulatino camino hacia el olvido por la simple razón de pertenecer a países que tienen una escaza o nula producción. Otro caso significativo es el de la siguiente película, de la que existe una adaptación contemporánea y que desplazó a la versión anterior, ambas basadas en una obra literaria. Un lugar en el corazón (À la place du cœur, Francia, 1998) del director Robert Guédiguian, cineasta recurrente en la cartelera de la Cineteca, cuyos largometrajes han tenido su estreno en salas del recinto ubicado en el pueblo de Xoco. El filme en cuestión es una adaptación de la novela If Beale Street Could Talk del escritor James Baldwin, y que en 2018 tuvo una nueva versión producida por la industria hollywoodense. Cabe mencionar que la película francesa fue presentada en la 33° Muestra Internacional en 1999.

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Como mencioné previamente, también existen películas que no fueron parte del Foro o la Muestra, pero que se exhibieron en algún ciclo especial, tal y como sucedió con 5 mujeres y una soga (Wu ge nu zi he yi gen sheng zi, Taiwán, 1990) del director Yeh Hung Wei, largometraje que nos muestra a un grupo de mujeres que viven en un templo, enfatizando su relación con la sociedad y el tratamiento de la misma sociedad hacia las mujeres en esa época. A grandes rasgos, se trata de una cinta que, a través de una narrativa sencilla, presenta de manera crítica el ser y el deber ser de la mujer en la sociedad taiwanesa. Este material fílmico fue presentado en un Ciclo de Cine Chino en abril de 1996. Los casos presentados son largometrajes galardonados en sus países de origen o en festivales internacionales. No obstante, y a pesar de tratarse de películas interesantes con narrativas novedosas o con propuesta artísticas, el paso del tiempo y la acción del olvido, ocasionaron que esa fama espontánea las difuminara con el paso del tiempo. Por si no fuera suficiente, su poca o nula visibilidad en plataformas de streaming y formatos ópticos (DVD, Bluray), hacen que la historia del cine las esconda, dificultando su localización, e impidiendo su consulta por algún académico o estudioso del cine que pueda redimensionar el impacto de esos materiales, y asignarles un nuevo lugar en la historia. Como parte de las actividades del Acervo Videográfico de la Cineteca Nacional, nuestro trabajo nos exige rescatar, catalogar, promover y difundir el cine que, hoy día, únicamente podemos encontrar en formatos “obsoletos” como el VHS o BETAMAX, para que las nuevas generaciones puedan descubrir otro tipo de cine, visualizarlo, consignarlo y realizar estudios detallados de esas obras únicas, extraviadas en el limbo de las derivas fílmicas mundiales. Agradezco a Jorge Carlos Sánchez por su apoyo en la realización de este texto.

APUNTES DE CINE: ENTRE EL OLVIDO Y L A MEMORIA

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Cassettes en formato VHS Acervo Videográfico de la Cineteca Nacional

MAYOMAYO · 20252025

A PIE DE PÁGINA COLECCIONES DEL CENTRO DE DOCUMENTACIÓN DE LA CINETECA NACIONAL

MARÍA FÉLIX: MUJER Y ARTISTA. PRIMER LIBRO SOBRE UNA PERSONALIDAD DE CINE EN MÉXICO Sandra Díaz Cineteca Nacional

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María Félix en Mare Nostrum ∙ 1948 Acervo Iconográfico de la Cineteca Nacionall

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Esta nueva sección bimestral en el Programa Mensual de la Cineteca Nacional tiene por objetivo difundir las colecciones del Centro de Documentación, a fin de acercar a todo público el universo de materiales que acompañan el estudio de las películas, sobre todo cuando por su trascendencia en términos culturales, documentales y artísticos se han incorporado a nuestros imaginarios con el pasar de los años. El Centro de Documentación de la Cineteca Nacional es un área que existe desde que se creó la institución en 1974. Actualmente resguarda cuatro tipos de materiales: libros que abordan la totalidad del universo del cine, revistas mexicanas y de otros países —contemporáneas e históricas—, expedientes de películas nacionales, extranjeras y de personalidades —únicos en su tipo— y guiones tanto inéditos como publicados, sumando un total de más de 80 mil ejemplares. Dentro de sus colecciones se encuentra una sección destinada a resguardar con especial cuidado aquellos materiales que, por su rareza, son casi imposibles de localizar en otras bibliotecas; que poseen condiciones estructurales y de diseño específicas, o que han sido intervenidos por el Departamento de Preservación de Acervos de la Cineteca para evitar su deterioro. Por lo tanto, requieren ciertas consideraciones en su manipulación. Uno de los materiales más antiguos de esta sección denominada por el Centro de Documentación como “Fondo Reservado” es el libro María Félix. Mujer y artista, un libro de bolsillo publicado en 1949. El autor, José María Sánchez García, fue uno de los pioneros en la prensa de espectáculos del siglo XX en México, y su libro fue el primero publicado sobre una personalidad del cine mexicano, en una época donde el sistema de estrellas mexicano ya se

Retrato de José María Sánchez García en Historia del cine mexicano (18961929) Edición facsimilar • 2013

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Interior del libro María Félix: Mujer y artista • 1948 Retrato por Maurine Loomis

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encontraba establecido y, tal como menciona el texto, giraba en torno al “universo masculino”. El libro, de la editorial Netzahualcóyotl, cuenta con portada del cartelista y dibujante valenciano Juanino Renau, quien como muchos otros españoles emigró a México a causa de la guerra civil. A él se atribuyen los carteles de cintas como Nosotros los pobres (Ismael Rodríguez, 1948), Usted tiene ojos de mujer fatal (Ramón Peón, 1945), Las Islas Marías (Emilio Fernández, 1947) o Pepe el Toro (Ismael Rodríguez, 1952), entre otras. La obra se divide en dos apartados: “Mujer” y “Artista”, que describen cronológicamente detalles biográficos de María Félix y una valorización de su trayectoria y personalidad dentro del cine mexicano. La publicación se detiene en Maclovia (Emilio Fernández, 1948), última película que la actriz sonorense filmó en México antes de extender su carrera a Europa con filmes como Mare Nostrum (Rafael Gil, 1948) y posteriormente La Belle Otéro (Richard Pottier) y French Cancan (Jean Renoir), ambas en 1954. José María Sánchez García (1891-1959), fue uno de los pioneros en la prensa de espectáculos del siglo XX y en el periodismo fílmico (además de Carlos Noriega Hope y Rafael Bermúdez Zatarain). A él se atribuyen los primeros estudios sistemáticos sobre el cine, pues, tras colaborar en Estados Unidos con el periódico mexicano El Universal Ilustrado y el neoyorquino Cine Mundial, se instaló permanentemente en México a partir de 1937 para colaborar como periodista en la columna “Tragedias de Hollywood” en la Revista de Revistas, y posteriormente en Cinema Reporter, mediante sus

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entregas semanales de “Historia del cine mexicano”, que atendió la etapa silente (1897-1929). Dicha sección dejó de publicarse en 1954, y es referencia obligada para quienes estudian este periodo. Originario de la provincia de Jaén, en Andalucía, España, Sánchez García publicó en una gran cantidad de medios impresos sobre cine y espectáculos en la década de 1940, ya fuera el diario Novedades o el semanario Novelas de la Pantalla, entre muchos otros, incluidas revistas extranjeras. Además, de acuerdo con los investigadores Federico Dávalos y Carlos Arturo Flores, vio nacer la entrega del Ariel como representante de los Periodistas Cinematográficos de México (PECIME) ante la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas, en 1946. Lo cierto es que, pese a encontrarse por completo inmerso en la industria fílmica de aquel momento y tener todas las credenciales, María Félix. Mujer y artista fue su único libro publicado. Las 50 fotografías que ilustran la obra pertenecen a tres importantes fotógrafos de la época: Maurine Loomis; reconocida artista hollywoodense que trajo a México un estilo glamoroso y equilibrado el cual, según la investigadora Elisa Lozano, no tardó en popularizarse en la industria cinematográfica de los cuarenta; Torres, probablemente

María Félix y Arturo de Córdova en La diosa arrodillada • 1947 Acervo Iconográfico de la Cineteca Nacionall

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del estudio familiar ubicado en el primer cuadro de la capital; y Tufic Yazbek, este último de origen libanés y famoso por innovar diferentes técnicas de estudio para el retrato y la publicidad. Cada fotografía en María Félix se presenta una a una conforme los comentarios del autor dan cuenta del rol desempeñado por la actriz en cada película e innumerables aspectos de su vida privada, desde su debut cinematográfico en El peñón de las ánimas (Miguel Zacarías, 1942) hasta su consagración como uno de los íconos del cine mexicano. No se omiten anécdotas de Sánchez García como periodista, ni tampoco la admiración e interpretaciones personales sobre la Doña, que se conservan en los fragmentos que aquí presentamos: Extracto del capítulo “Artista” en el libro María Félix: Mujer y artista de José María Sánchez García, (pp. 89-113): El descubrimiento de María Félix, hasta alcanzar la indiscutible categoría de primerísima figura del cine mexicano, ha sido un fenómeno único, sin paralelo, Cuando en el año de 1940 el ingeniero Fernando Palacio la descubrió en una calle de nuestra metrópoli, viviendo en la oscuridad y en el anonimato, y tuvo la felicísima ocurrencia de lanzarla, lleno de confianza, a los acíbares y a las mieles del histrionismo fílmico, nuestra industria del celuloide se encontraba carente de figuras femeninas de positiva atracción taquillera. Los filmes eran encabezados, casi exclusivamente, por intérpretes masculinos: Jorge Negrete, “Cantinflas”, Fernando Soler, Arturo de Córdova, Emilio Tuero, etc […]. María Félix, al irrumpir en nuestro medio de la industria fílmica, con toda la majestad de una reina, devolvió a la mujer, por tanto tiempo postergada, el sitio que por derecho le correspondía, obligando a los productores a descubrir nuevos talentos femeninos, para otorgarles un primer puesto en los repartos […]. Cuando conocí a María Félix en el set del Peñón de las animas, su primer film que fue estrenado el 25 de febrero de 1943, me dio la impresión de ser una muchacha modesta, opacada dentro del nuevo medio en que se hallaba; sin las vanidades y las presunciones naturales en toda mujer bonita. Confieso, que, si bien me agradó su rostro, no la creí material propio para el “estrellato”. Pensé que tal vez su carrera no pasaría de dos o tres películas, y que, satisfecha la curiosidad del público por contemplar sus cacareados encantos, desaparecería del campo, para regresar a su antigua existencia vulgar, de señora de su casa.

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antes ni después, en los anales de nuestro Séptimo Arte […].

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Interior del libro María Félix: Mujer y artista • 1948 Retrato por Tufic Yasbek

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Referencias: - María Félix: Mujer y artista, José María Sánchez García, México: Netzahualcóyotl, 1949, 114 p. - Diccionario del cine iberoamericano: España, Portugal y América, Emilio Casares Rodicio (editor y coordinador), Madrid: Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), 2011. - Historia del cine mexicano (1896-1929). Edición facsimilar, José María Sánchez García; compilación, introducción e índices por Federico Dávalos Orozco y Carlos Arturo Flores Villela, México: UNAM, 2013, 320 p. - “Maurine: la dama de la cámara”, por Elisa Lozano, Cuartoscuro, Año 28, Núm, 169, agosto-septiembre de 2021, pp. 49-51. - Sueños de papel: El cartel cinematográfico mexicano de la época de oro, Armando Bartra, México: UAM, Filmoteca de la UNAM, 2010, 149 p.

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Ejemplar de María Félix: Mujer y artista, antes de ser intervenido por el Departamento de Preservación de Acervos de la Cineteca

EXTENSIÓN ACADÉMICA

DESARROLLO ACADÉMICO MAYO 2025

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PROGRAMACIÓN DE CURSOS CINETECA NACIONAL

CURSO: UN RECORRIDO POR EL CINE EXPERIMENTAL Coordina: Ximena Cuevas. Participan: Eduardo Thomas, Fabiola Torres-Alzaga, Itala Schmelz, Jesse Lerner, Byron Davies, Michael RamosAraizaga y Pablo Martínez Zárate. Fecha: Del Del 26 de mayo al 18 de agosto de 2025 Horario: lunes de 18 a 21 h 13 sesiones presenciales / Cineteca Nacional México

LAS DÉCADAS EN EL CINE II: LA ÉPOCA DE ORO, DE LOS AÑOS 50 A LOS 80 Imparte: Ignacio Durán Fecha: Del 23 de mayo al 8 de agosto de 2025 Horario: viernes de 17 a 19 h. 12 sesiones por videollamada

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EXTENSIÓN ACADÉMICA

SECRETARÍA DE CULTURA Secretaria CLAUDIA CURIEL DE ICAZA CINETECA NACIONAL Director General MARINA STAVENHAGEN VARGAS Director de Difusión y Programación NELSON CARRO RODRÍGUEZ Director de Acervos CARLOS EDGAR TORRES PÉREZ Director de Administración y Finanzas VICENTE FERNANDO CÁZARES ÁVILES Subdirección de Programación ORIANNA PAZ ESMORIS DIANA GUTIÉRREZ PORRAS CAROLINA ARELLANO ROJAS JESÚS BRITO MEDINA EMILIO RIVAS GONZÁLEZ DANIELA MARTÍNEZ VELASCO ANA LAURA MANZANILLA GARCÍA IVAN GUILLERMO CABAÑAS MATA Subdirección de Distribución ALEJANDRO GRANDE BONILLA Subdirección de Difusión ALFREDO DEL VALLE MARTÍNEZ PROGRAMA MENSUAL DE LA CINETECA Edición y Composición Editorial GUSTAVO E. RAMÍREZ CARRASCO Apoyo Editorial ISRAEL RUIZ ARREOLA BIANCA ASHANTI GONZÁLEZ SANTOS Colaboradores SANDRA DÍAZ DAVID ISRAEL RAMÍREZ GARCÍA YEDI ROBLES LUCÍA LOZADA GONZÁLEZ DIANA CONTRERAS JORGE BETANZOS