PROGRAMA MENSUAL ENERO DE 2024

Retrospectiva Fernando de Fuentes

Dossier: A 50 años de Naranja mecánica

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en Cineteca Nacional

E N E R O 2024

PROGRAMA MENSUAL

ÍNDICE

CINETECA NACIONAL Av. México Coyoacán 389, Col. Xoco, Alcaldía Benito Juárez, C.P. 03330, Ciudad de México

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Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.

RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES EN PORTADA Naranja mecánica, 1970

ABREVIATURAS D: Dirección.

B/N: Fotografía en blanco y negro.

Dist: Distribución.

PC: Procedencia de copia.

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ESTRENOS DESTACADOS

Programación sujeta a cambios.

Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 554155 1190.

Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica.

Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.

PROGRAMACIÓN

ENERO 2024

Dossier

A 50 AÑOS DE NARANJA MECÁNICA EN CINETECA NACIONAL Un norteamericano y el té de las 5 P.M. Volver a sorber Naranja mecánica

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CICLOS

RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES

ENEREO · 2024

A PARTIR DEL 17 DE ENERO Si un director ayudó a forjar la identidad del cine mexicano de la primera mitad del siglo XX, justo en el momento en el que su carácter industrial comenzaba a dibujarse, éste fue sin duda alguna Fernando de Fuentes.

Creador de una extensa filmografía a lo largo de más de dos décadas de intenso trabajo como realizador, guionista y productor, sus películas llegaron a utilizar no sólo innovadores recursos que llevaron al incipiente cine mexicano de la década de los treinta a un nivel técnico no antes experimentado, sino a un profundidad formal y una complejidad narrativa que convirtieron a sus primeros filmes en importantes referentes cinematográficos del momento, allanando, además, el camino para la llamada “Época de Oro” del cine nacional que tendría su momento más culminante en los años cuarenta.

Además de películas icónicas como las que integran la “Trilogía de la Revolución” y que han sido consideradas como lo más emblemático de su obra por su componente histórico y profundamente crítico de aquel periodo (El prisionero 13, 1933; El compadre Mendoza, 1933; y ¡Vámonos con Pancho Villa!, 1935), Fernando de Fuentes fue autor de al menos otros treinta largometrajes que del drama

costumbrista (La Calandria, 1933) a la comedia ranchera (Allá en el rancho grande, 1936), y de la trama urbana (La familia Dressel, 1935) al depurado cine de la “Época de Oro” (Doña Bárbara, 1943), demuestran la capacidad de un creador visionario que supo plasmar distintas épocas de nuestro país mientras construía las bases de la industria fílmica nacional.

Así, este cine, conformado por un sinfín de voces y rostros, entre los cuales destacan María Félix y Pedro Infante, configura gran parte de nuestra identidad, una que nace de la colaboración y la crítica sin dejar de ser divertida y audaz. Y, ante ello, recordar a la distancia no basta, hay que volver a vivirlo; reconocer las calles, los rostros, las sonrisas, dialogar con las tradiciones y, ante todo, celebrar que tras la mirada de Fernando de Fuentes la historia siempre fue cine y el cine siempre fue -y será- historia. Este ciclo se realiza gracias a la colaboración del Acervo Filmoteca UNAM.

Cineteca Nacional

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RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES

CINETECA NACIONAL MÉXICO Fernando de Fuentes durante el rodaje de Papacito lindo (¡El viejo verde!) ∙ 1939

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CICLOS

EL ANÓNIMO

México, 1933 D: Fernando de Fuentes.

Después de haber debutado como editor en Águilas contra el sol (1932) y como coguionista en Una vida por otra (1932), Fernando de Fuentes escribió y dirigió su primer largometraje, un melodrama donde se conjugan celos, chantaje y asesinato. De Fuentes narra la historia de Elena, una mujer de temperamento exaltado, que está casada con un doctor. Él es un hombre bueno y cree que ella lo ama, sin embargo, Elena está saliendo con otro hombre a sus espaldas.

EL COMPADRE MENDOZA

México, 1933, 85 min. / 35 mm. / PC: Acervo Filmoteca UNAM D: Fernando de Fuentes.

ENEREO · 2024

Perteneciente a la Trilogía de la Revolución, que conjunta El prisionero 13 (1933) y ¡Vámonos con Pancho Villa! (1936), El compadre Mendoza retrata la compleja desventura de Rosalío Mendoza, un terrateniente con afiliaciones políticas cambiantes que, con tal de quedar bien tanto con el bando de Zapata como con el de Victoriano Huerta, recibe hospitalariamente a ambos en su hacienda. No obstante, la situación se hace insostenible, por lo que se verá obligado a tomar partido.

EL PRISIONERO 13

México, 1933, 74 min. / 35 mm. / PC: Acervo Filmoteca UNAM D: Fernando de Fuentes.

El coronel Carrasco, hombre borracho y mujeriego, maltrata a su mujer Marta, quien decide abandonarlo y llevarse consigo a su pequeño hijo Juan. Pasado el tiempo estalla la Revolución y Juan es ya todo un hombre. Por azares del destino, el coronel, sin saberlo, ordena el fusilamiento de su propio hijo, confundiéndolo con un agitador. Con asombrosa habilidad narrativa, Fernando de Fuentes denunció la corrupción del poder militar mexicano en esta cinta que forma parte de su Trilogía de la Revolución.

LA CALANDRIA

México, 1933, 97 min.

D: Fernando de Fuentes.

Después de la muerte de su madre, la joven Carmen apodada La Calandria, se va a vivir con doña Pancha.

Más adelante, conoce a Malena, quien le invita a una fiesta donde conoce a Alberto, un joven adinerado que quiere un romance con ella. Pero Carmen tiene un novio, Gabriel, quien le exige una explicación. De Fuentes incursionó en el género del drama costumbrista con con esta película en la que los celos y una serie de malentendidos, llevan a un trágico final a la joven protagonista.

RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES

EL TIGRE DE YAUTEPEC

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México, 1933, 86 min. / 35 mm.

D: Fernando de Fuentes.

Un hombre y su hijo son secuestrados por un grupo de maleantes. Veinte años después, el niño reaparece en la región con el apodo de “El Tigre” y comandando su propia banda: Los Plateados. El destino lo llevará a ser perseguido por su propia madre y a enamorarse de Dolores, sin saber que es su hermana perdida. Fernando de Fuentes dirigió esta película histórica de aventuras con gran éxito en taquilla, retomando las figuras clásicas del western estadounidense y trasladándolas al México del siglo XIX.

CRUZ DIABLO

México, 1934, 83 min.

D: Fernando de Fuentes.

EL FANTASMA DEL CONVENTO

México, 1934, 85 min. / 35 mm.

D: Fernando de Fuentes.

Tres amigos viven una aventura sobrenatural en un monasterio al cual arriban tras perderse mientras pasean por el campo. Misteriosos monjes, libros demoníacos, perros espectrales, ataúdes vacíos y otras fantasmagorías abundan en este melodrama con tintes macabros con el cual Fernando de Fuentes demostró su habilidad para incursionar en el género del terror, creando en base a la iluminación, sus locaciones (el exconvento de Tepotzotlán) y su puesta en escena, una auténtica atmósfera terrorífica.

LA FAMILIA DRESSEL

México, 1935, 90 min.

D: Fernando de Fuentes.

Los Dressel, una familia de origen alemán, es propietaria de una ferretería. El negocio es administrado por Frau Dressel, una severa viuda, madre de Federico y Rodolfo. Cuando Federico se enamora de la cantante Magdalena, la pareja deberá enfrentase al hostigamiento de la suegra. Considerada una de las películas inaugurales del melodrama familiar mexicano, La familia Dressel fue la primera de las cintas con las que Fernando de Fuentes enalteció los valores de la clase media de la Ciudad de México.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Fernando de Fuentes dio una muestra más de su versatilidad con esta película de aventuras de capa y espada, ambientada en la Nueva España del siglo XI. Inspirada en La marca del Zorro (1920) e historias de folletín, la cinta gira en torno a las peripecias del espadachín enmascarado Cruz Diablo, quien roba a los ricos para ayudar a los pobres, y marca con una cruz en la frente a sus enemigos. Cruz Diablo luchará para que la dulce Marcela, hija del conde de Luna, no se case con un repulsivo marqués.

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CICLOS

ALLÁ EN EL RANCHO GRANDE

México, 1936, 100 min. / 35 mm.

D: Fernando de Fuentes.

Un hacendado y su caporal, amigos desde la infancia, se enfrentan después de que el primero intenta “abusar” de la novia del segundo. Pero lo que pudo ser tragedia se transforma en una idílica visión de una hacienda por la cual pareciera que nunca pasó la Revolución. Entre cantos, amoríos, bailes y frases del habla popular, Fernando de Fuentes inauguró y cimentó las convenciones de la comedia ranchera, género ligado a las tradiciones provinciales, sumamente exitoso entre el público mexicano.

¡VÁMONOS CON PANCHO VILLA!

México, 1935, 92 min. / 35 mm. / PC: Acervo Filmoteca UNAM D: Fernando de Fuentes.

ENEREO · 2024

Cinco rancheros deciden unirse a la División del Norte, uno de los grupos militares con más presencia durante la Revolución, para combatir junto a su ídolo, Pancho Villa. Poco a poco sufrirán los estragos de la guerra, dejando en ellos una visión amarga de la lucha revolucionaria. Coescrita por De Fuentes en colaboración con Xavier Villaurrutia, la película presenta una visión crítica del movimiento armado, donde se proyectó la figura del Centauro del Norte como un ser intransigente.

LAS MUJERES MANDAN

México, 1936, 89 min. / 16 mm D: Fernando de Fuentes.

La vida de un aburrido cajero pueblerino se convierte en una pesadilla al enamorarse fatalmente de una ambiciosa mujer. Este es uno de los mejores filmes de Fernando de Fuentes, en el cual el cineasta reelabora elementos ya planteados por un clásico de Josef von Sternberg, El ángel azul (1930), como la pasión otoñal que primero reanima al protagonista −encarnado notablemente por Alfredo del Diestro− y que se torna en destrucción moral después, adaptados a las reglas del melodrama mexicano de la época.

BAJO EL CIELO DE MÉXICO

México, 1937, 110 min.

D: Fernando de Fuentes.

Después del éxito obtenido con Allá en el rancho grande, Fernando de Fuentes filmó otra comedia ranchera, ahora siguiendo el romance del caporal Juan Manuel y la bella Alicia en una hacienda cañera. Pese a las diferencias de clase y un compromiso nupcial previo, Juan Manuel compone una canción con la que intenta ganarse el corazón de su amada.

Estelarizada por el actor argentino Rafael Falcón, la película ayudó a popularizar la figura del galán-cantante característico de este género cinematográfico.

RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES

LA ZANDUNGA

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México, 1938, 107 min. / 35 mm.

D: Fernando de Fuentes.

Durante una feria, Lupe es cortejada por tres hombres a la vez. Uno de ellos, el maduro terrateniente don Atanasio, amenaza con despojar al padre de Lupe por no ofrecerle la mano de su hija. Desde ese momento, la joven y hermosa mujer deberá decidir a quién corresponderle. Situada en el Istmo de Tehuantepec, esta pintoresca cinta contó con la colaboración de Salvador Novo en la supervisión de diálogos, cuyos matices se equiparan con la visión vanguardista de la poesía de los Contemporáneos.

LA CASA DEL OGRO

México, 1939, 90 min.

D: Fernando de Fuentes.

PAPACITO LINDO (¡EL VIEJO VERDE!)

México, 1939, 110 min.

D: Fernando de Fuentes.

En esta comedia con abundancia de situaciones humorísticas, Fernando de Fuentes sigue la historia de Paquita, una joven pueblerina apasionada por el cine.

Por su parte, Wilfredo Gómez de la Reguera es un aristócrata hacendado que intenta conquistar a Paquita, incluso a costa de su sobrino que también está enamorado de ella. Paquita aprovechará la situación para que el viejo donjuán la aloje en su mansión del Paseo de la Reforma y así intentar convertirse en una estrella de cine en la capital.

ALLÁ EN EL TRÓPICO

México, 1940, 110 min.

D: Fernando de Fuentes.

Después de dos años en Panamá, José Juan regresa a Puerto Alegre, donde tiene la intención de dedicarse al cabotaje y a buscar a su novia Esperanza, en cuyo honor ha puesto a su embarcación el mismo nombre. Sin embargo, la ambiciosa doña Trini, tía de Esperanza, ha ocultado las cartas de amor de José Juan dirigidas a su sobrina para inducirla a casarse con el rico armador Felipe. Así comienza una serie de intentos de José Juan para disuadir a su amada de su destino y recuperar su cariño.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Nicanor, el despótico propietario de los Apartamentos López, castiga cruelmente a sus dos hijas por haber comprado un par de zapatos sin consultárselo. Al darse cuenta de la gravedad del castigo trata de disculparse con ellas, pero ya es muy tarde, pues estas ya lo han abandonado. Fernando de Fuentes se consolidó en el melodrama de vecindad explorando en esta película la vida y chismes de un grupo variado de personajes provenientes de diferentes estratos económicos y sociales.

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CICLOS

EL JEFE MÁXIMO

México, 1940, 107 min.

D: Fernando de Fuentes.

En esta comedia salpicada de enredos amorosos y ligeras burlas al sistema político mexicano, Fernando de Fuentes narra las peripecias y equivocaciones de Máximo Terroba, alcalde por dieciséis años del pueblo de Ponteverde de Abajo. Junto a sus secuaces del municipio, el prosopopéyico Serapio Rea y el irascible Régulo Blanco, Máximo confunde a un visitante con el delegado del gobernador que los va a investigar, por lo que intentará maquillar la realidad del pueblo y sobornar al supuesto funcionario.

CREO EN DIOS (SECRETO DE CONFESIÓN)

México, 1941, 95 min.

D: Fernando de Fuentes.

ENEREO · 2024

En un tranquilo pueblo a principios de siglo, el buen cura Bernal es acusado de robo y asesinato, después de que un hombre robara algunas de sus prendas y asaltara vestido con ellas al usurero Valentín García, con quien antes el sacerdote había tenido una agria discusión. Más adelante, la esposa del responsable del crimen cuenta la verdad a Bernal, pero el cura no puede revelar un secreto de confesión. En el juicio todo lo hace parecer como culpable, por lo que está a punto de ser fusilado.

LA GALLINA CLUECA

México, 1941, 124 min.

D: Fernando de Fuentes.

Considerado por Sara García como el mejor personaje de toda su carrera, Teresa de Treviño es una mujer fuerte, viuda y madre de cuatro hijos a los que cría y educa con un esfuerzo impresionante. Al quedarse varados en la carretera, Teresa conoce a Don Ángel, un comerciante con quien formará alianzas para emprender un negocio en la gran ciudad. Así, la imponente mujer conseguirá asentarse en un territorio desconocido, al mismo tiempo que enseña a sus hijas cómo salir adelante sin la necesidad de un hombre.

¡ASÍ SE QUIERE EN JALISCO!

México, 1942, 128 min. / 16 mm.

D: Fernando de Fuentes.

Adaptación de la obra homónima del español Carlos Arniches, ¡Así se quiere en Jalisco! es una de las obras más emblemáticas del “cine ranchero”. Ambientado en el estado de Jalisco, la cinta sigue la vida de Lupe, una joven mujer que se ve obligada a trabajar como ama de llaves de Don Luis, para poder cubrir la deuda que su familia tiene con este acaudalado hombre. Sin embargo, el enamoramiento obsesivo de Don Luis pondrá en riesgo a Lupe y a su bienintencionado novio, Juan Ramón.

RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES

DOÑA BÁRBARA

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México, 1943, 138 min.

D: Fernando de Fuentes.

En Venezuela, el abogado Santos Luzardo arriba a los llanos para hacerse cargo de sus tierras, entrando en un terrible conflicto con la terrateniente doña Bárbara, bravía mujer a quien el destino la ha convertido en una devoradora de hombres, que tiene pacto diabólico y es dueña de vidas y haciendas. Esta adaptación fílmica de la novela de Rómulo Gallegos es considerada como uno de los más depurados ejemplos de la calidad de producción que el cine mexicano alcanzó durante su "época de oro".

LA MUJER SIN ALMA

México, 1944, 129 min.

D: Fernando de Fuentes.

HASTA QUE PERDIÓ JALISCO

México, 1945, 115 mins.

D: Fernando de Fuentes.

Comedia mexicana que narra las aventuras de Jorge Torres, un charro de Jalisco que debe convertirse en niñero y cuidar al hijo de su hermana Cristina. Jorge bautiza al pequeño con el nombre de Roberto y junto con sus nada ejemplares amigos, cuida de él como sólo un charro desobligado podría hacerlo. Un día aparece en su vida Alicia, una adinerada joven que les da trabajo en su rancho y quien intrigada por ese niño de "madre desconocida" habrá de cambiar la vida del pequeño con el que tanto se han encariñado.

LA SELVA DE FUEGO

México, 1945, 76 min.

D: Fernando de Fuentes.

Tras escapar de un destino trágico, la joven Estrella llega a una peligrosa selva en donde es capturada por Rufino, quien decide tomarla como mujer y llevarla a su campamento. Sin embargo, el líder del campamento se opone y separa a la indefensa mujer de su captor. Esto ocasionará que una ola de celos crezca entre el grupo de hombres, ocasionando un desenlace mortal. El personaje de Estrella, escrito originalmente para María Félix, llegó por accidente a Dolores del Río, quien se enamoró inmediatamente del papel.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Adaptación de la novela La razón social del escritor francés Alphonse Daudet, La mujer sin alma es la quinta película de Fernando de Fuentes protagonizada por María Félix. En este filme, la actriz mexicana le da vida a la ruin Teresa, una joven y hermosa mujer de clase baja que, tras ser invitada por su tío a una cena de la aristocracia, hará lo posible por conseguirse una mejor vida, utilizando su belleza como arma y manipulando a todos los hombres que caerán rendidos ante sus encantos.

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CICLOS

LA DEVORADORA

México, 1946, 107 min.

D: Fernando de Fuentes.

Diana es una hermosa y ambiciosa mujer que está por cumplir su mayor sueño: va a casarse con Don Adolfo Gil, un hombre millonario y maduro que está loco por ella. Pero, un par de horas antes de la boda, su primer novio, Pablo, irrumpe en su casa y se suicida como venganza por haberlo abandonado. Este trágico evento traerá a Miguel, sobrino del futuro marido, a la vida de Diana, ocasionando un cauce interminable de mentiras que irremediablemente desembocarán en una tragedia en donde nadie saldrá ileso.

JALISCO CANTA EN SEVILLA

México-España, 1949, 113 min. / 16 mm.

D: Fernando de Fuentes.

ENEREO · 2024

Un charro mexicano y su ayudante quedan en la quiebra por su adicción al juego. Ante esto, no les queda más opción que ir en busca de la fortuna que el abuelo de Nacho ha dejado para él. Así, ambos se aventuran a Sevilla, en donde encontrarán un empleo como cuidadores de caballos en el cortijo El Charro.

Ahí, además, conocerán a la enigmática Araceli, quien robará su corazón. Este filme fue la primera colaboración entre España y México, además del gran debut de la aclamada actriz Carmen Sevilla.

HIPÓLITO, EL DE SANTA

México, 1950, 100 min.

D: Fernando de Fuentes.

Hipólito es un pianista ciego que después de la trágica muerte de Santa (historia retomada del reconocido libro de Federico Gamboa), pasa sus tardes en una monotonía y tristeza absoluta, hasta que un día conoce a Esperanza. Rápidamente se enamorará de la chica e intentará que ella no se dé cuenta de su ceguera, pero un inesperado evento arruinará sus deseos. El filme fue nominado en la sexta edición de los premios Ariel en donde compitió contra la célebre cinta Los olvidados (1950) de Luis Buñuel.

POR LA PUERTA FALSA

México, 1950, 99 min.

D: Fernando de Fuentes.

Protagonizada por Pedro Armendáriz, la cinta sigue la vida de Bernardo Celis, un honesto y noble hombre que tras adquirir la hipoteca de la casa de sus antiguos patrones, la familia Campos Quiroga, se enamora perdidamente de Adela (Rita Macedo). A raíz de ello y, aunque ella no le corresponde, él comienza a cuidar a la familia entera con la intención de ganarse su simpatía. Sin embargo, los Campos Quiroga no valoran las virtudes del pobre Celis, que tendrá que enfrentar un trágico desenlace.

RETROSPECTIVA FERNANDO DE FUENTES

CRIMEN Y CASTIGO

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México, 1951, 104 min.

D: Fernando de Fuentes.

Basada en la novela homónima de Dostoyevski, esta cinta nos muestra la vida de Ramón Bernal, un estudiante de derecho que vive en extrema pobreza desde que enfermó y se vio obligado a abandonar su trabajo. Ante esta situación acude regularmente con una vieja prestamista que siempre intenta engañarlo. Una tarde, tras recibir una carta de su hermana, invitándolo a su boda con un viejo y adinerado hombre, Ramón comienza una oscura transformación que lo llevará a asesinar a sangre fría.

LOS HIJOS DE MARÍA MORALES

México, 1952, 114 min.

D: Fernando de Fuentes.

CANCIÓN DE CUNA

México, 1953, 94 min.

D: Fernando de Fuentes.

La apacible vida de un convento se ve turbada cuando un misterioso paquete aparece en la puerta. Cuando las jóvenes e inocentes monjas lo recogen, descubren con sorpresa que adentro de la canasta se encuentra una pequeña bebé. Después de un breve debate, eligen quedarse con la niña que es criada de manera colectiva hasta que crece y se enamora por primera vez. Será entonces cuando ella deba elegir si permanecer en ese sitio que reconoce como su hogar o aventurarse a descubrir el amor.

TRES CITAS CON EL DESTINO

México-Argentina-España, 1954, 97 min.

D: Fernando de Fuentes, León Klimovsky y Florián Rey.

Antonio, un maquinista de barco, acude una tarde a un viejo café de Cádiz. Ahí conoce a Chelo, una bailarina que, confiesa, acaba de asesinar a un pretendiente. Ambos se aventuran al sitio donde yace el cuerpo sólo para descubrir que éste ha desaparecido. Con este impresionante relato inicia una de las cintas más arriesgadas de su época. Un tríptico narrativo en donde tres historias se conjuntan en torno a una joya hechizada. Un poderoso designio que atraviesa España, Argentina y México.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

José y Luis son dos hermanos perseguidos por su fama de mujeriegos. Año con año visitan diferentes ferias y conquistan a todas las mujeres a su paso. Un día llegan al pueblo de su padrino Don Carlos, presidente municipal e íntimo amigo de su madre, la imponente Doña María Morales. Ahí serán obligados a pasar varios días encerrados en un cuarto en donde las misteriosas visitas de dos criadas los harán enamorarse, para al final descubrir que estas hermosas mujeres no son quienes ellos creían.

DOSSIER

ENERO · 2024

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Malcolm McDowell y Stanley Kubrick en filmación de Naranja mecánica · 1970

A 50 AÑOS DE NARANJA MECÁNICA EN CINETECA

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UN NORTEAMERICANO Y EL TÉ DE LAS 5 P.M. CINETECA NACIONAL MÉXICO

Ernesto Román Cineteca Nacional Ciudad de México, 29 de diciembre de 2023

ENERO · 2024

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DOSSIER

«El arte se relaciona con el exceso y el espíritu de juego.

Ambos prosperan dentro del espacio que les es propio».

J. F. Martel En aquellos años el éxito cinematográfico se mide en semanas de exhibición. Y ver aquella película parece imposible. En Estados Unidos ha causado escándalo. En Gran Bretaña lo mismo; ocasionando que su director prohíba su proyección. Es el pánico moral del buen comportamiento.

Naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1971) de Stanley Kubrick parece formar parte de las imágenes negadas a los espectadores mexicanos. Ahí están, “sin distribución”, If… (Lindsay Anderson, 1968), Busco mi destino (Easy Rider, Dennis Hopper, 1969), The Trip (Roger Corman, 1967), y más.

El 15 de enero de 1974, el sueño imposible se vuelve una maravillosa realidad. La Cineteca Nacional, próxima a inaugurarse, tiene una serie de estrenos. Dentro del ciclo inaugural, el día 21 se exhibe ¿Por qué corre Amok el señor R? (1969), de Rainer Werner Fassbinder. Al día siguiente, Naranja mecánica. Y el 23, Paisaje después de la batalla (Krajobraz po bitwie, 1970), de Andrezej Wajda. También hay malas noticias. La película es clasificación “D”; y sólo hay dos funciones diariamente. Se cobran 25 pesos y 10 pesos con credencial de estudiante.

Hay que estar en la universidad o en escuelas nocturnas para tener el documento, y ser mayor de edad. Y si en la sala Fernando de Fuentes, donde se proyecta el filme, de seguro se han agotado los boletos, en el Salón Rojo habrá y se pueden ver alguna de las películas de la Semana Internacional de la Critica Francesa. En ninguna de ellas actúa Malcolm McDowell, pero tal vez en el soundtrack se encuentre Beethoven y algo de calidad.

Malcolm McDowell en Naranja mecánica· 1970

A 50 AÑOS DE NARANJA MECÁNICA EN CINETECA

Fachada de la Cineteca Nacional durante la década de los 70

CINETECA NACIONAL MÉXICO

El espectador promedio está disfrutando, en las semanas previas, de Jesucristo Superestrella (Jesus Christ Superstar, Norman Jewison, 1973), Hermano sol, hermana luna (Fratello sole, sorella luna, Franco Zeffirelli, 1972) y Luna de papel (Paper Moon, Peter Bogdanovich, 1973). Después del “banquete” anual de la Muestra Internacional en el cine Roble (en su edición IV), con La noche americana (La Nuit américaine, François Truffaut, 1973), Solaris (Andréi Tarkovsky, 1972), La clase obrera va al paraíso (La classe operaia va in paradiso, Elio Petri, 1971) y más. Y si eso no es suficiente, siempre queda el recurso de emprender un viaje al cine club del Museo de Antropología e Historia, o, marchar al IFAL, o, al cine Regis, o, a alguno de los varios cineclubs de Ciudad Universitaria o el Politécnico y/o acudir a las salas de Gustavo Alatriste (Buñuel, Fernández, etc.). Ser cinéfilo es ser un paseante permanente en la ciudad, sin haber leído a Walter Benjamín [y su figura del flâneur], ya que, además, en cualquier sala de segunda corrida, aparecen películas como Nido de ratas (On the Waterfront, Elia Kazan, 1954). En ese momento hay más de 120 cines y en ellos domina Hollywood, pero, también aparecen filmes españoles, sudamericanos o italianos. Junto con viejos spaghetti westerns de los sesenta o filmes “atrevidos” donde aparece la actriz griega Zoé Laskary.

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DOSSIER

En esos días de enero de 1974 el tema del Watergate parece aburrir; más interesante es el asesinato, con explosivos, del almirante [y presidente] español Carrero Blanco en las calles de Madrid. Esas noticias tienen como fondo musical, para los románticos, canciones de Los Carpenters o Roberta Flack. Para la “onda”, están Elton John y los Rolling Stones. Para los oídos nacionales, está Rigo Tovar y su Costa Azul, y flota la muerte reciente de José Alfredo Jiménez. ¿Y quién es míster Kubrick?: un norteamericano que vive en Inglaterra y cuyas películas se han estrenado en México desde 1956 y duran más o menos cuatro semanas en cartelera. Solamente, Espartaco y 2001: Odisea del espacio tienen más éxito: 22 y 15 semanas respectivamente. Desde luego, en el Cine Latino dan un texto a todos los asistentes para que entiendan 2001. Ahora, en esta nueva visita al futuro, la explicación ha sido sustituida por un slogan publicitario: «Las aventuras de un joven cuyos principales intereses son la violación, la ultra violencia y Beethoven». Junto a la foto de un chico con pintura en un ojo y un bombín a la cabeza.

Tardará algún tiempo en vérsele con antifaz de payaso o con los ojos abiertos, debido a un dispositivo médico.

Muchos mexicanos, pendientes del programa de variedades Siempre en domingo, del noticiero 24 horas, y del show de Los Polivoces ven con malos ojos la influencia de ciertas temáticas de la cultura audiovisual. “Enajenación” es una palabra muy usada.

Y los padres temen que sus hijos vuelen como Superman y los jóvenes sigan aprendiendo malos comportamientos con la música o el cine para adultos.

Y ahí está, en las pantallas de una de las salas de cine del archivo fílmico nacional, una inusitada violencia audiovisual, realizada por un señor estadounidense que toma el té a las cinco de la tarde en Londres.

Keir Dullea en 2001: Odisea del espacio · 1968

ALBERTO CORTÉS

Stanley Kubrick durante rodaje19 de Naranja mecánica· 1970

Érase una vez en América · 1984

CINETECA NACIONAL MÉXICO

ENERO · 2024

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Warren Clarke en Naranja mecánica · 1970

DOSSIER

A 50 AÑOS DE NARANJA MECÁNICA EN CINETECA

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VOLVER A SORBER NARANJA MECÁNICA CINETECA NACIONAL MÉXICO

Extractos de un texto de Anthony Burgess El País 07 de junio de 1987 Traducción: Javier Mateos

DOSSIER

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Publiqué por primera vez la novela Naranja mecánica en 1962, lo cual debe ser lo bastante lejano en el pasado como para que estuviera borrada de la memoria literaria del mundo. Sin embargo, se niega a serlo, y de esto debe considerarse principalmente responsable la versión cinematográfica del libro hecha por Stanley Kubrick. Me gustaría repudiarla por varias razones, pero no me está permitido. Recibo correos de estudiantes a quienes les interesa hacer tesis acerca de ella, o peticiones de dramaturgos japoneses que quisieran hacer de la misma una pieza para teatro nō. Es probable que sobreviva, mientras que otras obras mías, que yo estimo más, muerden el polvo... Esta no es una experiencia rara para un artista. Rajmáninov acostumbraba a quejarse de que era conocido sobre todo por su Preludio en Do sostenido menor, que escribió siendo un niño, mientras que las obras de su madurez nunca llegaron a los programas. Los niños se hacen los dedos en el piano con El Minueto en sol mayor que Beethoven escribió tan sólo para detestarlo.

M. McDowell en una de las escenas más icónicas de Naranja mecánica · 1970

A 50 AÑOS DE NARANJA MECÁNICA EN CINETECA

Anthony Burguess, década de los ochenta.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Yo, por otro lado, tengo que seguir viviendo con Naranja mecánica, y esto quiere decir que tengo una especie de deber de autor respecto a ella. Y este deber es particularmente especial en Estados Unidos.

Pongamos las cosas en claro. Naranja mecánica no fue publicada completa en América. La obra que yo escribí se divide en tres secciones, con siete capítulos cada una. Tome su calculadora de bolsillo y encontrará que éstos suman 21 capítulos. Veintiuno es el símbolo de la madurez humana o, mejor dicho, lo era, porque a esta edad se adquiría el derecho de voto y se asumían las responsabilidades de adulto. Cualquiera que sea su simbología, el 21 era el número con que yo empezaba. El número de capítulos nunca es enteramente arbitrario. Igual que un compositor musical empieza con una vaga imagen de volumen y duración, un novelista empieza con una imagen de longitud que está expresada en el número de secciones y de capítulos en los que va a distribuir su trabajo. Aquellos 21 capítulos eran importantes para mí.

Pero no lo eran para mi editor neoyorquino. El libro que publicó tenía sólo 20 capítulos. Insistió en cortar el vigesimoprimero. Naturalmente, yo podía haber objetado a esto y haberme llevado la obra a otra parte, pero consideraba que había sido caritativo con aceptarme el trabajo que todas las otras editoriales de Nueva York o de Boston hubieran tirado sin más. [Además] allá por 1961 necesitaba dinero, incluso la miseria que me ofrecían como adelanto, y si la condición para aceptar el libro era su mutilación, bueno, pues bien, la acepté. Así pues, hay una profunda diferencia entre Naranja mecánica tal como la conoce Inglaterra y la obra, ligeramente más delgada que lleva el mismo nombre, en Estados Unidos.

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Ahora bien, cuando Stanley Kubrick hizo su película −aunque la rodó en Inglaterra−, siguió la versión americana, y así (por lo menos eso les pareció a los públicos fuera de América) acabó la historia un poco prematuramente. El público no reclamó que le devolvieran el dinero, pero se preguntó por qué Kubrick había eliminado el desenlace. Hubo gente que me escribió acerca de esto: en realidad, la mayor parte de mi vida posterior la he empleado en reproducir declaraciones de la frustración [sobre esto], mientras que Kubrick y mi editor de Nueva York disfrutaban tranquilamente de la recompensa de su fechoría. La vida es, naturalmente, terrible. ¿Qué sucede en ese vigesimoprimer capítulo? Ahora tienen los lectores norteamericanos la posibilidad de saberlo. En dos palabras, mi joven y gamberro protagonista crece. Se aburre de la violencia y reconoce que la energía humana está mejor gastada en la creación que en la destrucción. La violencia inconsciente es una prerrogativa de la juventud, que tiene mucha energía pero poco talento para lo constructivo. Su dinamismo tiene que encontrar una salida destrozando cabinas telefónicas, descarrilando trenes, robando coches y estrellándolos y, naturalmente, en la mucho más satisfactoria actividad de destruir seres humanos. Llega un momento, sin embargo, en que ven que la violencia es juvenil y aburrida y que es la réplica del estúpido e ignorante. Mi joven rufián llega a la conclusión de que necesita hacer algo en la vida, casarse, tener hijos, mantener la naranja del mundo girando en las manos de Dios y tal vez incluso crear algo; por ejemplo, música. Después de todo, Mozart y Mendelssohn compusieron en su adolescencia música inmortal, mientras todo lo que hacía mi héroe era juerguearse. [Así] es como con una especie de vergüenza el joven que está madurando contempla su pasado devastador. Quiere un futuro diferente.

Rodaje de Naranja mecámica · 1970

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Anthony Burguess

En el capítulo vigésimo no hay indicios de este cambio de intenciones. El muchacho es condicionado y después desmotivado, y prevé con alegría la reanudación del funcionamiento de su libre y violenta voluntad. «Me han curado bien», dice, y ahí acaba el libro americano, e igualmente la película. El capítulo vigesimoprimero le da a la novela su autenticidad como ficción: La de arte basado sobre el principio de que los seres humanos cambian. Efectivamente, no es interesante escribir una novela si no se puede mostrar la posibilidad de transformación moral o un aumento en la sabiduría que se realiza en el o en los personajes principales. Cuando una obra de imaginación deja de mostrar cambio, cuando muestra simplemente que el carácter humano es fijo, pétreo e irregenerable, entonces no estamos en el campo de la novela, sino en el de la fábula o el de la alegoría.

Naranja americana o la de Kubrick es una fábula; la obra inglesa y su versión mundial son una novela.

Pero mi editor de Nueva York creía que el capítulo 21 era una traición.

Era muy muy británico, ¿no lo cree? Era blando y mostraba una negativa pelagiana a aceptar que un ser humano pudiera ser modelo del mal irregenerable. Dijo que los norteamericanos eran más duros que los británicos y podían enfrentarse con la realidad. Pronto se enfrentaron con ella en Vietnam. Mi libro era kennediano y aceptaba la noción de progreso moral. Lo que se deseaba [por parte de ellos] era un libro nixoniano, donde no quedara ni un átomo de optimismo. Dejemos que el mal se pavonee en las páginas y que hasta la última línea se burle de todas las creencias heredadas, judías, cristianas, musulmanas y las del Libro Sagrado, que predican que los hombres son capaces de mejorar. Tal libro podría ser sensacional y lo es, pero no pienso que sería una justa imagen de la vida humana.

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No lo creo, porque por definición el ser humano está dotado de libertad. Puede usarla para elegir entre el bien y el mal, entonces es una naranja mecánica −es decir, tiene la apariencia de un organismo bello en su color y en su jugo−, pero realmente es tan sólo un juguete de cuerda que habrá de ser remontado por Dios o por el diablo o (ya que los está reemplazando cada vez más a ambos) por el Estado omnipotente. Es tan inhumano el ser totalmente bueno como lo es el ser totalmente malo. Lo importante es la elección moral.

El mal tiene que coexistir con el bien para que se pueda realizar esta elección moral. La vida se apoya en la oposición chirriante entre entidades morales.

No tengo que recordar a los lectores qué es lo que significa el título. Las naranjas mecánicas no existen, salvo en la lengua de los viejos londinenses. La imagen era extraña y siempre era usada para una cosa extraña. [La expresión] «Es tan raro como una naranja mecánica» significaba que era raro hasta los límites de la rareza.

Los europeos que lo tradujeron no entendieron su resonancia y creyeron que se trataba de una granada de mano, de una especie de bomba tipo barato. Lo que yo quería que expresara era la aplicación de una moralidad mecanicista a un organismo vivo, rezumante de jugo y dulzura.

[Al final] los lectores del capítulo 21 tendrán que decidir por sí mismos si realmente este último capítulo da realce al libro o si es un miembro desechable. Yo quise que el libro acabara de esta manera, pero mi juicio estético puede haber sido erróneo. Los escritores son raras veces sus mejores críticos; ni siquiera son críticos. «Quod scripsi, scripsi» dijo Pilato cuando hizo a Jesucristo rey de los judíos. «Lo escrito, escrito está». Cómase usted el gajo dulzarrón o escúpalo. Es libre.

Naranja mecánica · 1970

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NARANJA MECÁNICA

A Clockwork Orange D: Stanley Kubrick.

1971 · 137 min. · Color Reino UnidoEstados Unidos Dist: Park Circus

Extractos de un texto de Vincent Canby The New York Times dic. 20, 1971 Nueva York

ESTRENO CL ÁSICO

En la banda sonora oímos la casi cómicamente elegante música de Henry Purcell. En la pantalla vemos un primer plano del retrato de Alex (Malcolm McDowell), que, por un momento, está inusualmente quieto.

Sin embargo, los ojos, uno de los cuales está rodeado de pestañas postizas, revelan una inteligencia que no está menos viva por estar ocupada, momentáneamente, con el tipo de fantasías de drogas que Alex y sus droogs pueden comprar en el Kerova Milkbar, antes de salir a la noche londinense en busca de la vieja ultraviolencia. Así comienza Naranja mecánica, la adaptación de Stanley Kubrick de la novela perversamente moral y esencialmente cristiana de Anthony Burgess sobre el valor del libre albedrío, incluso si la elección ejercida consiste en recorrer la noche robando, violando y maltratando a los ciudadanos hasta que yacen indefensos, cubiertos de lo que Alex describe alegremente como "el auténtico vino tinto".

Tanto en inglés como en nadsat, la combinación de ruso, gitano, jerga rimada y palabras asociativas que hablan Alex y sus amigos adolescentes en lo que parece ser 1983, Naranja mecánica es mucho más que un mero espectáculo de terror. Es brillante, un tour de force de imágenes, música, palabras y sentimientos extraordinarios, un logro mucho más original para el cine comercial de lo que la novela de Burgess lo es para la literatura. La película, está concebida como una ficción futurista, pero no es una derivación de 2001 de Kubrick, ni es verdaderamente futurista, si eso significa que es una de esas fantasías de cosas por venir. Más bien contempla las pesadillas de hoy en día, a menudo en términos que reflejan los años 50 y 60, de los que surgió la novela de Burgess. También es –al menos a mí me lo parece– una pesadilla esencialmente británica en su atención a las castas, los modales, los acentos y el estado mental creado por una especie de socialismo cansado.

ESTRENO CLÁSICO

DELICATESSEN

D: Marc Car, JeanPierre Jeunet.

1991 · 99 min. · Color Francia Dist: Studiocanal.

Extractos de un texto de Nick Bartlett Critical Popcorn oct 16 , 2023

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Ambientada en el futuro, en Delicatessen, una calamidad apocalíptica no revelada ha aniquilado a todos los animales, lo que lleva a la humanidad a volverse contra sí misma. La única moneda es el maíz, los carteros llevan pistolas y los vegetarianos se esconden en las alcantarillas. Sin embargo, a diferencia de otros escenarios postapocalípticos más modernos, ésta es una distopía a muy pequeña escala que se desarrolla íntegramente en un cochambroso edificio de apartamentos situado encima de una carnicería. Una carnicería donde sólo hay un tipo de carne.

Los inquilinos son toda una galería, desde una mujer rica que trama intentos de suicidio a lo Rube Goldberg, hasta un militar que utiliza su apartamento inundado para criar y comer babosas y ranas. A este ambiente llega Louison (Dominique Pinon), un antiguo payaso en busca de trabajo. El carnicero (Jean-Claude Dreyfus) lo contrata con la intención de servirlo a los vecinos del bloque cuando deje de ser útil.

Teniendo en cuenta que se trató de su primer largometraje, Jeunet y Caro poseen un sentido de la identidad asombrosamente seguro, una inventiva refrescante y un sentido del humor más negro que negro que resulta evidente desde la primera escena. Sus siguientes películas se basaron en esto, con personajes idiosincrásicos, un elenco de actores secundarios y decorados cada vez más elaborados. Sin embargo, Delicatessen sigue siendo el ejemplo más satisfactorio de su estilo, no tan sensiblero como Amelie (2001), pero tampoco tan inaccesible como La ciudad de los niños perdidos (1995).

"Encantador" es un término increíblemente subjetivo y que difiere de una persona a otra. Hay una dulzura en Delicatessen que se ve atenuada por el ambiente oscuro y distópico, y el resultado es una comedia negra casi perfecta: encantadora en todos los sentidos.

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DOGMAN

D: Luc Besson.

2023 · 114 min. · Color Francia Dist: Diamond Films.

Extractos de un texto de Marta Bałaga Cineuropa sep. 1, 2023 Venecia

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Luc Besson ha vuelto para recordarnos en qué consiste la locura, y lo ha hecho a través de Dogman, una película insólita y divertida que demuestra que poner música de Beethoven a los adultos podría tener un efecto muy positivo. Inspirada en la historia real de un niño al que maltrataron y obligaron a vivir en una jaula con perros, la película muestra cómo [el actor] Caleb Landry Jones lidia con los traumas, acepta el rechazo, escucha a Edith Piaf y se venga junto a su ejército de sabuesos. A pesar de tratarse de una historia real tan perturbadora, Besson se permite el lujo de desmelenarse y volverse loco: vienes pensando que vas a ver una oscura historia de redención, y te vas habiendo presenciado la versión canina de algunas de las mejores acrobacias de Mi pobre angelito [1990]. Es una película capaz de parecer una historia infantil convertida en una farsa cruel y, al mismo tiempo, partirte el corazón.

Tanto la película como la interpretación de Landry Jones recuerdan en ciertos momentos a Guasón [2019], de Todd Phillips, y no sólo por ese maquillaje que se pone el protagonista –uno de los pocos momentos en que su personaje en silla de ruedas, un aspirante a drag queen reconvertido en cerebro del crimen, parece realmente feliz–. Quizá recuerda a Guasón porque los espectadores se ven obligados a revivir una serie de sucesos que recuerdan lo horrible que puede ser este mundo.

La película nunca llega a dar la sensación de parodia total, y eso se debe tanto al dolor y el pesar que todos llevan dentro como a Caleb Landry Jones, que es capaz de utilizar el mismo exacto tono para hablar con perros que para comunicarse con Dios o recitar a Shakespeare. El actor es tan talentoso que apenas te das cuenta de que va vestido como Marilyn Monroe durante gran parte de la película.

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NO QUIERO SER POLVO

D: Iván Löwenberg.

2022 · 85 min. · Color México-Argentina Dist: Benuca Films

Extractos de un texto de Carla Leonardi Hacerse la crítica

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No quiero ser polvo, segundo largometraje del director mexicano Iván Löwenberg, nos presenta a Bego (Bego Sainz), una ama de casa de clase media, que se encuentra en un momento bisagra en su vida.

Su marido no se interesa en ella y su hijo está ocupado en la organización de un viaje al exterior. Mientras tanto, intenta cubrir el vacío de su vida concurriendo a un centro de meditación, autoconocimiento y manejo de las energías. Su vida da un vuelco cuando la gurú del lugar anuncia que próximamente la Tierra va a entrar en una nueva dimensión donde habrá días de clima apocalíptico de frío y oscuridad.

No quiero ser polvo es un drama intimista narrado con las claves del fantástico y con elementos de la distopía, ambientada en la reapertura social de la pandemia del Covid-19 y que se encuentra inspirado en vivencias reales de la familia del director.

El predominio de los planos cerrados sobre Bego y la decisión de narrar la historia desde su punto de vista colocan al espectador en la interioridad de los sentimientos y pensamientos de este personaje. El cambio que se producirá en la Tierra aparece para Bego como una posibilidad de llamar la atención de su esposo e hijo, de intentar unirlos como familia en la supervivencia. La protagonista encuentra una razón de ser, una misión en su vida.

Llegado el momento apocalíptico, el director acentúa la crisis emocional y el pavor de la protagonista. El espectador vacila entre una lectura simbólica de dicho evento que reflejaría la crisis vital del nido vacío, o bien un brote paranoico.

No quiero ser polvo consigue transmitir el grito desesperanzado y al mismo tiempo liberador, de una mujer que intenta lidiar con la crisis de ver su vida sumergida en la vacuidad y la apatía de haber sido un mero decorado en la vida de quienes la rodean.

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TENÉIS QUE VENIR A VERLA

D: Jonás Trueba.

2022 · 64 min. · Color España Dist: Bendita Films.

Beatriz Martínez Fotogramas España jun. 17, 2022

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A lo largo de los años, Jonás Trueba ha ido configurando su carrera sin prisa, pero sin pausa. Lo ha hecho desde la más estricta independencia, resistiendo de una manera muy humilde y defendiendo su mirada por encima de todo, así como un tipo de cine casi en vías de extinción en nuestro país [España]. Cada una de sus obras rima de alguna manera con la anterior, como si todas estuvieran emparentadas, aunque cada una de ellas tenga una identidad propia y se convierta casi en un campo de experimentación para probar cosas nuevas.

Así, después de la monumental Quién lo impide [2021], que por sus características es la que más se ha alejado de su particular fórmula, regresa con su, quizás, película más mínima y esencial, una deliciosa pequeña pieza de una hora de duración en la que se condensa toda la esencia de su cine de una manera extraordinariamente armónica y precisa, demostrando que, casi siempre, menos, es más.

En esta ocasión, además, Trueba tiene la insólita capacidad de capturar un estado de ánimo que no nos resulta en absoluto ajeno, porque de una u otra manera todos lo hemos sentido en mayor o menor medida durante la pandemia, el de extrañeza, el de un cierto vacío existencial y desorientación en lo que se refiere al presente y al futuro. Lo hace a través de las relaciones y de cómo han cambiado en estos últimos años, cómo nos hemos replegado o expandido de manera a veces torpe e inconsciente, intentando recomponer nuestra propia identidad. En realidad, son muchas las sensaciones que transmite la película en tan poco tiempo, sin ningún atisbo de impostura, de una manera transparente y natural al ritmo de la cadencia fluida de las conversaciones del cuarteto protagonista.

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LA MESITA DEL COMEDOR

D: Caye Casas.

2022 · 91 min. · Color España Dist: Alphaville Cinema.

Nirvana Castillo Cineteca Nacional dic. 15, 2023 Ciudad de México

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Jesús y María acaban de convertirse en padres y en la gran aventura de este suceso, la compra de una mesita para comedor cambiará completamente su vida. En su segundo largometraje, Caye Casas usa la elipsis con sabiduría, desafiando la capacidad del espectador y su sentido de sorpresa, logrando todo un efecto en su narrativa lineal.

Hacer esta película resultó todo un reto, ya que al ser una producción independiente y con muy poco presupuesto el filme pudo realizarse en un mes de rodaje. Una pareja, un recién nacido y una mesita del comedor son los elementos principales para lograr esta gran obra audiovisual que ha cautivado a jueces y festivales de todo el mundo.

«Mi cine trata sobre la muerte, el paso del tiempo. Los temas que más miedo me dan. Lo que puede pasar en la vida a cualquiera de nosotros. No hay ni monstruos, ni hechos paranormales. Es simplemente la vida y un destino muy cruel», comenta Caye Casas.

El tema principal es lo frágiles que somos ante situaciones lamentables de la vida cotidiana, ¿lecciones o quizás sólo mala suerte?

Manejando una trama innovadora y realmente perturbadora, Casas convierte al espectador en un testigo y un cómplice, creando una gran empatía con el dolor del protagonista y manteniendo a varios de los personajes, si no es que a todos, en el desconocimiento hasta el final del filme.

La mesita del comedor impacta, sumergiéndonos en un viaje a través de la angustia, la incomodidad y mucho humor negro. Desde el inicio nos introduce en una exploración profunda y en un laberinto psicológico donde no querrás despegar tus ojos de la pantalla, ya que cada minuto la situación se torna más intensa.

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NOS VEMOS EL VIERNES, ROBINSON

À vendredi, Robinson D: Mitra Farahani.

2022· 96 min. · Color Francia-Suiza-Irán-Líbano Dist: La Ola.

Extractos de un texto de Luciano Monteagudo Página 12 feb 12, 2022 Berlín

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Aunque hace años que ya no sale de su casa de Rolle, en Suiza, la cual es también su estudio y su isla (de edición) y desde donde cada tanto saca alguna nueva maravilla como fue El libro de imágenes de 2018, Jean-Luc Godard acaba de decir “presente” en la Berlinale con Nos vemos el viernes, Robinson, de la cineasta Mitra Farahani, donde es coprotagonista.

En los años 60, se suponía que Godard tendría un encuentro con el poeta y realizador iraní Ebrahim Golestan. Aquel encuentro nunca sucedió y los años pasaron. Farahani decidió concretar esa reunión: logró que un viernes cada tanto, ambos se enviaran correos electrónicos, con textos e imágenes, a los que cada uno podía responder de la manera que mejor le pareciera, con asociaciones libres e improvisaciones de todo tipo. El resultado no podría ser más desconcertante y paradójico, una de esas películas donde no se sabe qué sucederá en la escena (o el e-mail) siguiente. Farahani filma al nonagenario Golestan en su imponente mansión en las afueras de Teherán. Allí el hombre, muy lúcido y cartesiano, reconoce a cámara que no está seguro de que esa correspondencia pueda ser posible o se mantenga en el tiempo. Pero la perseverancia de la realizadora iraní, que logra incluso introducir un camarógrafo francés en el refugio blindado de Godard, consigue que el proyecto siga adelante.

Y no sólo eso: a pesar del mutuo recelo inicial, Golestan y Godard finalmente se terminan comunicando y hasta se vuelven de alguna manera amigos, cada uno pendiente del mail del otro. Que el ogro Godard finalmente se muestre aquí casi simpático, impregnando de su estética la película de Farahani, pero a su vez contagiado por el entusiasmo y la creatividad proveniente de la vieja Persia, debe ser considerado un pequeño milagro de esta impredecible directora iraní.

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PUAN

D: María Alché y Benjamín Naishtat.

2023 · 109 min. · Color Argentina-Italia-Alemania-Francia-Brasil Dist: Tulip Films.

Extractos de un texto de Diego Batlle Otros Cines oct. 2, 2023 Argentina

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Entre el humor asordinado y algo deforme de Embriagado de amor (2002), de Paul Thomas Anderson, y una veta política incluso dentro del ámbito de la comedia que remite al cine de Nanni Moretti, Puan tiene como perfecto antihéroe a Marcelo Pena, un docente que ha dedicado buena parte de su vida a enseñar Filosofía Política en la Universidad de Buenos Aires. Cuando el jefe de cátedra muere, este hombre bastante torpe, tímido e inoperante en el mundo real pero curtido en el arte de los teóricos sobre Jean-Jacques Rousseau o Thomas Hobbes, aparece como el candidato lógico a sucederlo.

Sin embargo, desde Frankfurt llega (vuelve) Rafael Sujarchuk, un egocéntrico, presuntuoso y seductor profesor que encandila con sus citas de Kant en alemán, su histrionismo y un noviazgo con la despampanante Vera Mota. Será hora entonces de que la Facultad organice un concurso y el duelo quede planteado. [Es aquí en donde] La dupla de directores se permite abordar los dilemas éticos de la Inteligencia Artificial y acto seguido apelar a las muy distintas facetas del humor: desde el físico hasta el de enredos, pasando por el escatológico (vemos cómo Marcelo tiene que lidiar con unos pantalones llenos de mierda). Y lo más singular es que ese permanente pendular entre lo intelectual y lo mundano se combina, se integra y funciona casi siempre de manera orgánica y natural.

Con un excelente elenco que incluye a Alejandra Flechner, Julieta Zylberberg, [además de] un sólido aporte visual de la talentosa directora de fotografía francesa Hélène Louvart, Puan resulta una película ligera, divertida y fluida en su envoltorio, pero dueña también de un regusto amargo y una gran intensidad política porque en su interior ebullen las contradicciones, miserias, valores y formas de resistencias de quienes no se resignan a arriar sus banderas.

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LOS COLONOS

D: Felipe Gálvez Haberle.

2023 · 97 min. · Color Chile-Argentina-Reino Unido-Taiwán-Alemania Dist: ______

Extractos de un texto de Rubén Téllez Brotons Cine Maldito oct. 11 2023 Madrid

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Una espiral de sangre, cuerpos abiertos en dolor y tortura, culturas asfixiadas por el fuego del dinero, conciencias doblegadas y humilladas, injusticias enterradas bajo los cimientos de las ciudades y llantos silenciados por la ceniza de la Historia, eso es lo que filma con una brutalidad impactante, por realista, el debutante Felipe Gálvez Haberle en Los colonos.

La primera escena es un ejercicio de cine perfecto en el sentido más literal de la expresión, puesto que, en sus escasos cuatro minutos de duración, el director asienta de forma sutil la idea sobre la cual se irá construyendo la cinta, sirviéndose, únicamente, de la imagen y el diseño sonoro, sin recurrir en ningún momento al diálogo expositivo ni al texto superpuesto. En la escena en cuestión, unos quince hombres trabajan en condiciones infrahumanas, cuando, por pura desgracia, uno de ellos tiene un accidente con un hacha y pierde un brazo. El capataz, al escuchar su grito de dolor, se acerca a él y, sin pensarlo dos veces, le dispara en el estómago hasta matarlo. El valor de una persona, dice Felipe Gálvez Haberle en este prólogo salvaje y estremecedor, equivale a su capacidad productiva.

La cámara se mueve sonámbula de horror entre llanuras, bosques, playas y montañas que han visto cómo el derramamiento de sangre nativa corrompía su belleza natural. El director peca de esteticista en algún que otro pasaje, pero nunca se regodea en la violencia ni la convierte en un espectáculo consumible. Cada cuerpo herido, torturado y asesinado desprende un alarido estremecedor que traspasa la pantalla, alcanza la pupila del espectador y se clava en ella en forma de astilla para recordarle que la Historia es una espiral de dolores condenado a repetirse si no se estudia, se analiza y, lo más importante, se recuerda.

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LOS QUE SE QUEDAN

The Holdovers D: Alexander Payne 2023· 133 min. · Color Estados Unidos Dist: Universal.

Extractos de un texto de Luis Servín La Estatuilla oct. 28, 2023 Morelia

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Las películas del director Alexander Payne son conocidas por su humor negro y la forma particular de representar, a través de la sátira, a la sociedad norteamericana. En Los que se quedan, su más reciente cinta, utiliza esos recursos para construir un relato cálido, emotivo y muy divertido enmarcado en las fiestas decembrinas.

Los que se quedan nos presenta al señor Hunham (Paul Giamatti), un profesor estricto y odiado tanto por alumnos como por sus colegas, a Angus Tully (Dominic Sessa), un estudiante problemático, y a Mary Lamb (Da’Vine Joy Randolph), cocinera en duelo por la pérdida de su hijo; este trío de personajes se ven obligados a pasar juntos las vacaciones decembrinas en la Academia Barton, un internado de élite para los hijos de políticos y millonarios. Sus diferencias no les permiten llevarse bien al comienzo, pero conforme avanzan los días terminan formando un vínculo fuerte.

El guion, escrito por David Hemingson, recuerda mucho al de las comedias familiares navideñas de los años ochenta y noventa, pero el guionista no se va por el lado fácil de transmitir una moraleja sobre el amor y la magia de la Navidad, más bien utiliza esta celebración como un telón de fondo para soltar y desarrollar a su trío de personajes, todos outsiders a su propia manera.

Con el potencial para convertirse en un nuevo clásico navideño, Los que se quedan es una película muy emotiva que lidia con tópicos complejos a través del humor tan característico de su director. Las actuaciones de Paul Giamatti, Dominic Sessa y Da’Vine Joy Randolph son el centro de la cinta y los tres demuestran sus increíbles capacidades actorales tanto para sacar risas como para conmover. Un poco nostálgica, llena de cinismo y reflexiones sobre nuestra historia personal, al final te deja con la sensación de haber recibido un cálido abrazo en medio de una tormenta invernal.

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AL SON DE BENO

D: Ilán Lieberman.

2022 · 103 min. · Color México Dist: Artegios.

Extractos de un texto de Otto Cázares Sitio oficial de Ilián Lieberman ago. 2023

ESTRENO

La película Al son de Beno lleva en el título una garantía de alusiones: bailar al son de unas cuerdas que pulsa Baruj ‘Beno’ Lieberman (1932-1985) y que son también las cuerdas de equilibrista de Ilán Lieberman, su hijo.

El son al que alude el título es el son huasteco, género al que Beno dedicó buena parte de sus investigaciones, fundamentales para la comprensión de la música tradicional mexicana. Beno Lieberman, junto con Eduardo Llerenas y Enrique Ramírez de Arellano, fueron investigadores independientes que, entre los años 1971 y 1983, registraron poco más de mil piezas musicales.

Ilán Lieberman hace un pacto visual con el eco del sonido de su padre. El eco del son de Beno permanece y «toca a la distancia».

Pero su título en inglés –Beno’s Son– desplaza al padre y pone en el centro a Ilán. Es también una dedicatoria: dedicado a su son (¿a su música? ¿a su hijo?). Comoquiera que sea, el son (en sus diferentes significados: “son huasteco”, “sonido”, “eco”, “hijo”) es, sobre todo, el verbo ser que hace que padre e hijo sean. Ellos son.

Dos rasgos fundamentales más. Para darnos a su padre, Ilán –un pintor– utiliza el cine: la fosforescencia de la nada, la negra luz. Y utiliza el dibujo para poder decir lo indecible. Ya se sabe que todo dibujo tiene la mudez sagrada de un jeroglífico, pero sería más adecuado decir que no son retratos en dibujo sino acordes del rostro de Beno –cada estamento del eco: un dibujo, una transformación de su sonido– que es como aquél acorde alud del que habla el director de orquesta Daniel Barenboim, esa nota primera después de la cual caerán todas las demás como una cascada.

ESTRENO

POBRES CRIATURAS

Poor Things D: Yorgos Lanthimos 2023 · 141 min. · Color Irlanda-Reino UnidoEstados Unidos Dist: Disney

Extractos de un texto de Carlos Elorza El antepenúltimo mohicano sept. 26, 2023 Venecia

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Es curiosa la evolución del griego Yorgos Lanthimos. Mientras que lo más habitual es que los directores de cine a medida que van avanzando en sus carreras vayan estilizando sus puestas en escena, cada película de Lanthimos resulta más excesiva, barroca y sobrecargada que la anterior. Curiosamente a medida que avanza el barroquismo en los aspectos formales de su cine, su mirada hacia la especie humana se vuelve menos inclemente. [El cineasta] sigue mostrando las miserias de nuestra especie, pero esta vez deja asomar también la bondad, la empatía y la solidaridad. Y lo hace de la mano de su protagonista, Bella Baxter, interpretada con entrega, audacia y valentía por Emma Stone, una mujer adulta con el cerebro de una niña o una niña en el cuerpo de una mujer adulta que se cría sin atender a las reglas de la sociedad victoriana en la que vive.

En Pobres criaturas todo es desmedido. Narrativamente es arrolladora. Visualmente apabullante. Temáticamente pertinente y oportuna.

Llena de un humor surrealista y absurdo. De sexo y de provocación.

El mundo victoriano retrofuturista que crea es prodigioso y sugerente.

Pero toda esa exageración y barroquismo en la puesta en escena, todo ese artificio e imaginación se ajustan perfectamente a lo que requiere la historia.

El filme es un coming-of-age vertiginoso, una película de aprendizaje acelerado que empieza como una crítica a los límites de la experimentación en pos del progreso y se convierte en un poderoso alegato feminista. Un cuento de amor, de terror, de sexo. Una mirada satírica a los hombres, a su forma de actuar y a su forma de relacionarse con las mujeres. Un cruce apasionado y arrebatador entre el Frankenstein de Mary Shelley y la historia de Adán y Eva de la Biblia, de la que sólo habría quedado el creador y la mujer.

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GIRASOLES SILVESTRES

D: Jaime Rosales.

2022 · 106 min. · Color España-Francia Dist: Film Factory.

Extractos de un texto de Claudio Sánchez Aceprensa oct. 12, 2022 Madrid

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Julia (Anna Castillo) es una madre soltera de 22 años con dos hijos pequeños que acaba de enamorarse de un chico que es todo músculo, impulsividad y tatuajes. Este arranque avanza la esencia de la película que explica con tanta precisión el título. Jaime Rosales es un director de actores y personajes que ha ido derivando desde la delicadeza en retratos íntimos minimalistas (La soledad [2007]), a perfiles marcados por una primariedad que, sin embargo, deja espacio a una cierta belleza interior (Hermosa juventud [2014], Petra [2018]). Girasoles silvestres da un paso más hacia una lírica imprevista que rebosa veracidad con la luz y el ímpetu de la Naturaleza en seis personajes con encanto y personalidad.

La pasional protagonista se enamora de varios hombres a lo largo de la película, cada uno de ellos muy diferente al anterior. El director y guionista los mira con aprecio y ternura a todos, como queriendo destacar una naturaleza común, la de los girasoles en busca de una luz permanente que todos los días termina por apagarse prometiendo que volverá. No es de extrañar que los protagonistas comiencen y terminen la historia en medio de una naturaleza pacífica y generosa.

La profundidad de las relaciones que expone la película tiene la misma capa de superficialidad con la que sus protagonistas deciden unirse o separarse. Pero Rosales confirma que es un grandísimo cineasta al dejar libertad al espectador para que mida la veracidad y belleza del relato.

Los contrastes de la música son un vehículo perfecto para mostrar un itinerario sorprendente, en el que el naturalismo interpretativo, la viveza de los diálogos y la cuidada planificación embellecen las incoherencias y desdichas de unas relaciones más adolescentes que adultas, pero superadas por una felicidad esporádica, siempre asociada a los momentos de una cierta madurez familiar.

ESTRENO

TIEMPOS FUTUROS

D: Víctor Checa.

2021 · 82 min. · Color Perú-México-EcuadorEspaña-Alemania

Israel Ruiz Arreola, Wachito Cineteca Nacional ago. 17, 2022 Ciudad de México

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Una versión distópica de la ciudad de Lima sirve de escenario para el primer largometraje del cineasta peruano Víctor Checa. Una Lima gris, poblada de zonas industriales y urbanas sin casi nada de gente, y controlada por una autoridad invisible y opresora. Esta distopía no tiene tiempo definido: podría haber sucedido hace dos lustros, ocurrir dentro de cincuenta años o tener lugar ahora mismo. Una atmósfera cyberpunk latinoamericana envuelve la historia del vínculo entre Teo, un joven de 12 años, y su padre Luis, un físico, inventor y electricista.

Ambos trabajan en la creación de una máquina generadora de lluvia en una ciudad donde nadie nunca ha visto caer una sola gota de agua del cielo. Sin embargo, la obsesión de Luis por hacer funcionar el artefacto hace que descuide el pago de la renta de su departamento poniéndolos en riesgo de ser desalojados. Para ayudar con las cuentas, Teo se involucra con una banda que se dedica a espiar y vender información privada. Este encuentro hará que poco a poco se distancie de su progenitor y el avance de su proyecto se vea amenazado.

Víctor Checa es ambicioso, quiere mezclar una historia de ciencia ficción, un ambiente neo-noir y la crisis ambiental dentro de un relato más personal. Con pocos elementos, pero visualmente efectivos (un ventilador, cámaras instaladas en escarabajos, etc.), el realizador consigue crear esa distopía peruana donde la máquina pluvial funciona como metáfora de la relación entre Teo y Luis. A medida que el niño va adquiriendo autonomía y teniendo más experiencias propias con sus nuevas amistades, el lazo con su padre y su empeño por hacer funcionar el aparato irán presentando cada vez más problemas. El cielo efectivamente se irá nublando sobre ellos, pero la lluvia no será lo único que llegará.

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ENERO· 2024

ANATOMÍA DE UNA CAÍDA

Anatomie d'une chute D: Justine Triet.

2023 · 151 min. · Color Francia Dist: Diamond Films.

Extractos de un texto de Nando Salvá Cinemanía dic. 12, 2023 España

ESTRENO

«¿Qué quieres saber?». Son las primeras palabras que se pronuncian en Anatomía de una caída, y que casi parecen increparnos por las expectativas que solemos imponer a las intrigas criminales. A juzgar por su premisa, la nueva película de Justine Triet podría funcionar perfectamente como un episodio típico de Se ha escrito un crimen (1984-1996) durante el que van emergiendo pruebas hasta que se señala al culpable. Sin embargo, lo que la más reciente ganadora de la Palma de Oro nos ofrece a lo largo de sus absorbentes dos horas y media de metraje es otra cosa, la crónica precisa y demoledora de la destrucción de una familia, y el estudio psicológico de una mujer no especialmente interesada en dejarse conocer ni hacerse querer.

Su marido, novelista como ella, aparece muerto en extrañas circunstancias. ¿Ha sido un suicidio? Triet nos presenta una sucesión de análisis de restos de sangre, recreaciones en la escena del presunto crimen, informes forenses y testimonios en conflicto, y la introducción de cada nueva evidencia hace que reevaluemos nuestra hipótesis sobre lo sucedido, pero su objetivo real no es ofrecer respuestas a ese respecto sino practicar una meticulosa autopsia sobre la relación entre ambos –sus finanzas, sus respectivas filosofías parentales, su vida sexual, sus resentimientos mutuos– y convencernos en el proceso de que cualquier matrimonio es un enigma excepto, acaso, para quienes lo componen.

Mientras lo hace, además, la película se va convirtiendo en un sofisticado metacomentario sobre las historias que contamos a los demás y a nosotros mismos para descifrar la realidad y para ocultarla, sobre cómo los hechos se convierten en ficciones tan pronto como los relatamos, y sobre la posibilidad de que, en última instancia, conocer del todo la verdad sea imposible.

MATINÉ INFANTIL

SOUL

D: Pete Docter y Kemp Powers 2020 · 100 min. · Color Estados Unidos

Extractos de un texto de Claudio Sánchez Aceprensa dic. 24, 2020 Madrid

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Un salto al vacío como Soul debería prohibir los trailers y comentarios destripando la magia de un relato tan complejo y creativo. El resumen del argumento dice: «¿Alguna vez te has preguntado de dónde provienen tu pasión, tus sueños y tus intereses? ¿Qué es lo que te hace ser… tú? Pixar te lleva en un viaje desde las calles de Nueva York a los reinos cósmicos para descubrir las respuestas a las preguntas más importantes de la vida».

Pete Docter vuelve a demostrar que es el genio más fiable de Pixar. El director y guionista de las obras maestras Monsters Inc. (2001), Up: una aventura de altura (2009) e Intensa-mente (2015) ha realizado un homenaje al jazz con grandes dosis de fantasía, psicología e imaginación. Probablemente Soul sea la película de Pixar más dirigida para los adultos por el conflicto central y la enrevesada tramoya de la historia. Sin embargo, los niños quedan hechizados ante la variedad del diseño visual de la película. Es evidente que no entienden muchas de las claves que sugiere el guion, pero tanto la banda sonora de los oscarizados compositores Trent Reznor y Atticus Ross, como el ingenio en el uso del color y la definición de las localizaciones y personajes son extraordinarios.

Soul conmueve de una manera particular al hablar de realidades universales como la rutina, la inspiración y el sentido de una vida.

Lo hace con modos muy distintos a lo largo de la película. En el comienzo hay un cambio de velocidad que genera una trepidación narrativa y una condensación de metáforas que concluirá con éxito en un clímax que recuerda a la celebrada apertura de Up. Pete Docter se mueve con acierto y naturalidad en las realidades interiores del hombre, procurando aportar al espectador ideas inspiradoras sobre el conocimiento personal y la belleza en lo más cotidiano.

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ENERO· 2024

ESTRENO

SECRETARÍA DE CULTURA Secretaria ALEJANDRA FRAUSTO GUERRERO CINETECA NACIONAL Director General ALEJANDRO PELAYO RANGEL Director de Difusión y Programación NELSON CARRO RODRÍGUEZ Director de Acervos CARLOS EDGAR TORRES PÉREZ Director de Administración y Finanzas VICENTE FERNANDO CÁZARES ÁVILES Subdirección de Programación ALEJANDRO GÓMEZ TREVIÑO DIANA GUTIÉRREZ PORRAS JESÚS BRITO MEDINA EMILIO RIVAS GONZÁLEZ DANIELA MARTÍNEZ VELASCO ANA LAURA MANZANILLA GARCÍA Subdirección de Difusión ALFREDO DEL VALLE MARTÍNEZ Subdirección de Distribución ALEJANDRO GRANDE BONILLA

PROGRAMA MENSUAL DE LA CINETECA Edición y Diseño Editorial GUSTAVO E. RAMÍREZ CARRASCO Apoyo Editorial ISRAEL RUIZ ARREOLA BIANCA ASHANTI GONZÁLEZ SANTOS Investigación Iconográfica PATRICIA TALANCÓN SOLORIO