Programa mensual septiembre 2009

ÍNDICE Programación septiembre 2009 ESTRENOS El cine de Pablo Fendrik El asaltante Mala Sangre / Fulltime, All The Time La sangre brota

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Delta Dos mil metros (sobre el nivel del mar)

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CICLOS Maestros del Cine Japonés Rock en el Cine Semana de Cine Nórdico 13º Tour de Cine Francés Short Shorts Film Festival México 2009

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Matiné infantil El viaje de Chihiro / El increíble castillo vagabundo

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PROGRAMAS DOBLES El universo de Peter Brook La conspiración de Iván Vivir para matar Metal alrededor del mundo

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Historia del cine mudo Avaricia Mikael Aelita, la reina de Marte El caballo de hierro

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CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES Lic. Consuelo Sáizar Presidenta

CINETECA NACIONAL Leonardo García Tsao Director General Susana López Aranda Directora de Difusión y Programación Ángeles Sánchez Gutiérrez Directora de Acervos Nelson Carro Subdirector de Programación Ricardo Cázares Subdirector de Acervos Catherine Bloch Gerschel Subdirectora de Investigación Abel Muñoz Hénonin Subdirector de Documentación Ernesto Favela Escalante Subdirector de Salas y Apoyo Técnico Melina Diazmercado Delfín Jefa de Programación y Enlace Internacional

Programa Mensual de la Cineteca Roberto Garza Iturbide Subdirector de Publicaciones y Medios Agustín Gendron Zárate Jefe de Redacción Mauricio Matamoros Durán Jefe de Información Jorge Martínez Micher Jefe de Publicaciones Érika Magaña Euroza Diseño editorial Haydeé Pichardo Monroy Diseño de anuncios Mariana Ruvalcaba Rougerio Diseño de encarte Jesús de León Julio César Durán Miriam Jiménez Hernández Jorge Magaña Molina Jose Luis Ortega Torres Orianna Paz Esmoris José Antonio Valdés Peña Investigación Patricia Talancón Solorio Investigación iconográfica Javier Rodríguez Almaraz Exposiciones y montajes

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Programación sujeta a cambios.

Para mayor información, consulte la página Internet www.cinetecanacional.net o llame al teléfono 4155 1190.

Los días y horarios de exhibición de cada película se publican también en la cartelera diaria de los periódicos La Jornada y El Universal, y el día viernes en Reforma, Milenio y la revista Tiempo Libre.

Las copias de las películas que se exhiben son las de mejor calidad disponibles. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa Mensual es una publicación de la Cineteca Nacional para informar sobre las películas que se exhiben en sus instalaciones.

Los textos firmados son responsabilidad de su autores. Registro en trámite.

Impresión: Gráfica, Creatividad y Diseño, S.A. de C.V. Av. Plutarco Elías Calles # 1321 Col. Miravalle, México, D.F. Portada: Cartel de Érika Magaña para el ciclo Maestros del Cine Japonés.

Contraportada: Cartel de Haydeé Pichardo para el ciclo Rock en el Cine.

Abreviaturas D: Dirección P: País, año G: Guión F en C: Fotografía en color F en B/N: Fotografía en blanco y negro M: Música E: Edición Prod: Producción Dur: Duración Dist: Distribución PC: Procedencia de copia

Delta

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S

eptiembre, mes patrio, es también el dedicado a cinco ciclos importantes: En primer lugar, Maestros del Cine Japonés, organizado conjuntamente con la Fundación Japón en México en conmemoración de los 400 años de amistad entre ambas naciones, con 19 películas que representan una gran muestra de la cinematografía japonesa de los últimos sesenta años. Asimismo, se proyectará la nueva edición de uno de los ciclos más exitosos de los últimos años: Rock en el Cine, realizado junto a Reactor 107.5, esta vez con una especial dedicatoria al heavy metal. Por su parte, este mes regresan tanto la esperada Semana de Cine Nórdico, mismo que estrena en México varias cintas destacadas de dicha región europea, como el 13º Tour de Cine Francés, integrado por once filmes galos de reciente manufactura, y el festival internacional de cortometraje Short Shorts, con una gran variedad de trabajos en este formato, que no por reducido es menos trascendente. Por último, la matiné infantil, inscrita dentro del ciclo dedicado a los grandes maestros japoneses, presenta El viaje de Chihiro y El increíble castillo vagabundo.

En cuanto a los estrenos, se presentará en primer lugar un programa dedicado al cineasta argentino Pablo Fendrik, con El asaltante y La sangre brota, sus dos largometrajes a la fecha, así como dos de sus cortos; Delta, película dirigida por el húngaro Kornél Mundruczó, una de las propuestas más interesantes de la pasada 50 Muestra Internacional de Cine, y Dos mil metros (sobre el nivel del mar), ópera prima del mexicano Marcelo Tobar de Albornoz.

Por su parte, los cuatro Programas dobles de septiembre se dedican a Peter Brook, El díptico sobre Iván el Terrible de Sergei Eisenstein, un par de asesinos seriales (uno con taladro y otro con motosierra) y dos documentales metaleros.

Por último, el programa Historia del Cine Mudo presenta Avaricia (Erich von Stroheim, 1924), Mikael (Carl Theodor Dreyer, 1924), Aelita, la reina de Marte (Yakov Protazanov, 1924) y El caballo de hierro (John Ford, 1924).

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El asaltante U

El asaltante D y G: Pablo Fendrik. P: Argentina, 2007. F en C: Cobi Migliora. E: Leandro Aste. Con: Arturo Goetz (Ramos), Guillermo Arengo (Pablo Saravia), Germán de Silva (due-

ño del bar), Maya Lesca (Patricia), Bárbara Lombardo n proyecto demorado por diversas razones; una (mesera), Verónica Paiggio (Silvia). Prod: Magma Cine, noticia en el diario y una idea: tres hechos que deJuan Pablo Gugliotta. Dur: 67 mins. Dist: Cineteca Nacional. cidieron a Pablo Fendrik hacer El asaltante, filme hecho a una velocidad que asemeja lo que se ve en sus imágenes. Protagonizado por Arturo Goetz (Derecho de familia, La niña santa) y Bárbara Lombardo, narra la historia de un hombre que comete una serie de robos durante un par de horas.

La historia, cuenta Fendrik —director del corto Mala sangre y coguionista del largo Vida en Falcon—, se basa en un hecho real. “Leí en el diario la historia de un tipo que había entrado a un colegio haciéndose pasar por el padre de un alumno y había robado la caja chica. Teníamos la idea de hacer algo rápido, y esta historia me pareció buenísima. Me imaginé enseguida a Arturo en ese papel y la filmamos bastante rápido”.

Grabada en HD con fotografía de Cobi Migliora (Mundo grúa, La libertad), el filme cuenta la historia en tiempo real: “Tiene algunas elipsis. Es algo que sucedió en dos horas y lo contamos en una hora y algo”. Los hechos tuvieron lugar en Villa Urquiza y la película se filmó en ese mismo barrio, Chacarita y Palermo. “Investigué bastante del tema y pudimos tener información de primera mano de cómo sucedieron los hechos. Gracias al HD pudimos filmar tomas largas, de ocho minutos, siguiendo al personaje casi en tiempo real”.

Fendrik, que estudió en el C.I.C. (Centro de Investigación Cinematográfica) dice que el manejo de cámara se inspira en el trabajo de los hermanos Dardenne (El hijo, Rosetta), “aunque con un formato de thriller; pero no hubo más referencias cinéfilas mientras filmaba la película. Después de verla sentí que podía tener alguna conexión con Robert Bresson”, dice, y uno imagina que se refiere básicamente a Pickpocket, con el que tiene puntos en común.

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EL CINE DE PABLO FENDRIK Este “ejercicio” para filmar mientras esperaba la financiación para su opera prima terminó convirtiéndose en la opera prima de Fendrik.

Con lo cual, La sangre brota, aquel filme en el que llevaba trabajando, juntando dinero y superando contratiempos (el protagonista iba a ser el fallecido Carlos Roffe) durante casi tres años, se transformó en su segunda película. “Pero eso está bueno”, analiza el cineasta, “porque le sacó la carga de ser la opera prima. El asaltante la filmamos casi como un precalentamiento y quedó como la primera película. Así que aquella se liberó de ese peso”.

Con la energía que le dio realizar El asaltante, Fendrik no perdió el tiempo: La sangre brota se filmó con Goetz en el papel que iba a hacer Roffe: el taxista en conflicto con su hijo rebelde (papel que hizo Nahuel Pérez Biscayart). “Nos tomamos unos días, ampliamos El asaltante y arrancamos con la siguiente dice. Estábamos muy concentrados”.

Fendrik (de 33 años) tiene esperanzas de que El asaltante pueda salir y encontrar destinos en importantes festivales internacionales.

“Como todo el mundo, la mandamos a los festivales a ver qué pasa”, dice. “Esperemos tener suerte y que alguno la acepte”.

Diego Lerer Diario El Clarín, Argentina Abril 9 de 2007 A partir del martes 8

Cortometrajes Mala Sangre Mala sangre D y G: Pablo Fendrik. P: Argentina, 2004. Con: Carlos Roffé y Fernando Richart. Dur: 6 mins.

Fulltime, All The Time Fulltime, All The Time D y G: Pablo Fendrik. P: Argentina, 2004. Dur: 5 mins.

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La sangre brota

La sangre brota D y G: Pablo Fendrik. P: Argentina, 2008. F en C: Julián Apezteguia. M: Juan Ignacio Bouscayrol. E: Leandro Aste. Con: Arturo Goetz (Arturo), Guillermo Arengo

Entrevista con Pablo Fendrik

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(McEnroe), Nahuel Pérez Biscayart (Leandro), Stella Galazzi (Irene), Ailín Salas (Vanesa), Guadalupe Docampo (Romina). Prod: Magmacine, Acrobates Films, Neue

Cameo Film, Juan Pablo Gugliotta, Natalia Videla Peña. l segundo largometraje de este director nacido en Dur: 100 mins. Dist: Cineteca Nacional.

Buenos Aires en 1973 surgió a partir de una serie de experiencias personales del cineasta. Este duro y desencantado filme participó en el Festival de Cannes en 2008, donde ganó el Premio de la Crítica Joven. La siguiente conversación se llevó a cabo en el marco de la XXX edición del Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana.

La violencia que nos inunda todos los días suele convertirse en un asunto vedado, íntimo…

Me interesaba todo lo contrario. Quería hacer un retrato minucioso, delicado y al mismo tiempo potente sobre cómo se manifiesta la violencia doméstica. También de cómo prevalece la naturaleza de determinada gente, no especialmente buena. Cómo esas cosas que se reprimen para poder vivir en determinada sociedad terminan saliendo. Si uno es una fiera, una bestia realmente despreciable, por más que intente ocultarlo tarde o temprano se va a enfrentar a una situación que lo va a hacer salir. Tratar de domar el demonio interno es mucho peor que dejarlo libre.

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EL CINE DE PABLO FENDRIK Decidir tratar la violencia desde su manifestación de maltrato físico extremo implica caminar por la frágil frontera entre una mirada certera y la morbosidad ¿Cómo enfrentó este reto?

Uno de los riesgos más claros que asume la película es ese: cómo ponerse en ese lugar sin pasarse de la raya. De hecho, también varía mucho de acuerdo a la percepción de cada espectador. Para mí lo importante es que se sintiese como algo real, aunque esté estetizado y magnificado por la ficción. Quería que la sensación del espectador en la sala fuera de: “Uy, esto está pasando, no está enfriado ni está edulcorado por la cámara”. El título de la película funciona muy bien cómo advertencia. Se sabe que va a pasar algo fuerte. En el caso del título tampoco fue una elección fría: era una frase que estaba en la última escena del guión, la vi, la cogí y la pegué como título porque me pareció que era muy representativa de todo lo que estaba pasando. En el filme todo tiene que ver con sangre, con los lazos sanguíneos y con lo fuerte que es la relación entre padres e hijos.

Para el tratamiento de las escenas más fuertes ¿recurrió a la obra de algunos autores como referente?

Me gusta mucho el fotógrafo francés Cartier-Bresson, que dedicó toda su carrera a captar imágenes con un mismo lente. Trabajaba casi siempre con 50 milímetros y se dedicaba a captar un momento clave. Me gusta poner a mis actores sin demasiadas marcas físicas y poder captarlos con la cámara, de una manera casi documental. Después, en el trabajo con los actores, fue un referente importante John Cassavetes. En cuanto a cierta estetización de la dinámica de la violencia, o de cierto look que puede tener una ciudad, el Scorsese de los setenta es uno de mis directores favoritos. ¿Cuán arraigada está la violencia en Latinoamérica?

En Argentina la violencia es algo muy palpable: está absolutamente incorporada a la cotidianeidad de todos. En Buenos Aires, comparado con lo que yo conozco de otras ciudades del continente, está bastante controlado. En São Paulo, en las afueras de Río de Janeiro, es bastante más complicado. La convivencia que esas ciudades tienen con la violencia es mucho más extrema que la nuestra; sabes por dónde tienes que caminar y por dónde no, qué hacer cuando se te acerca alguien con un aspecto un poco raro, cómo moverte… lamentablemente es algo que uno incorpora en cada momento de su día.

Ivet González Revista La Jiribilla, Cuba Diciembre de 2008

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Delta E

Delta

D: Kornél Mundruczó. P: Hungría-Alemania, 2008. G: n 2005, el joven realizador húngaro Kornél MundruYvette Biro y Kornél Mundruczó. F en C: Mátyás Erdély. czó llevó a la pantalla Johanna, su segundo largomeM: Félix Lajkó. E: Dávid Jancsó. Con: Félix Lajkó (Mihail), Orsolya Tóth (Fauna), Lili Monori (madre), Sándor Gástraje, una variación del filme La pasión de Juana de Arco par (madre del amante). Prod: Essential Filmproduktion (Carl Theodor Dreyer, 1928), transformado en un musical GmbH, Filmpartners, Proton Cinema, Philippe Bober, Viktória Petrányi. Dur: 92 mins. Dist: Cinematográfica expresionista con toques operísticos, cuya acción se desaMacondo. rrolla en un hospital. La protagonista (Orsolya Toth) tiene ahí el don de sanar a los pacientes con sexo, práctica que de inmediato perturba a las autoridades mediáticas del lugar, quienes acosan y condenan a la generosa hechicera.

La factura plástica de la cinta es impresionante, como también su banda sonora. La produjo su compatriota, el cineasta maestro Béla Tarr (Satantango) y el fotógrafo fue Matyás Erdely.

En México se exhibió fugazmente en una edición del Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México, y quedó luego sin distribución comercial.

Tres años después, Mundruczó recibe de nuevo el apoyo de Béla Tarr y propone en Delta otra parábola sobre la intolerancia, con el mismo fotógrafo y la misma protagonista de Johanna, aunque esta vez la acción se desarrolla en un poblado perdido a las orillas del Danubio.

Del universo claustrofóbico de aquel hospital en su película anterior, el realizador transita aquí a espacios muy abiertos, donde captura las faenas diarias de granjeros, su esparcimiento rutinario en el bar local, algún ritual funerario por el río y la trágica evolución de una relación incestuosa.

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Luego de una larga ausencia, el joven Mihail (Félix Lajkó) regresa a casa de su madre y descubre ahí a su hermana, a quien apenas ha tratado, y al hombre que ocupa el lugar de su padre, posiblemente asesinado. Elige instalarse en el pueblo, pero vive alejado de la familia, que apenas lo tolera. Su hermana abandona el hogar, lo sigue, y acepta compartir con él una intimidad que el pueblo entero condena.

Mundruczó registra de modo notable la vida rural, desde los chillidos de un cerdo a punto de ser sacrificado hasta los pasos de una tortuga —animal fetiche en el filme— tan lentos y caprichosos como el desarrollo de esa trama que libera poco a poco sus secretos. En una escena clave, la cámara insinúa un contacto carnal, el derrumbe del tabú máximo, concentrándose en los pies o en las sombras que sobre el suelo dibujan los personajes. La naturaleza omnipre-

sente contrasta en su variedad y pureza con la cerrazón y los prejuicios de una población lista para el linchamiento moral y el crimen de odio.

Como en Johanna, esta intolerancia es una bestia agazapada que en un instante imprevisto salta para destruirlo todo. El director captura la capitulación de las últimas buenas voluntades (un tío comprensivo), el nacimiento del desprecio en un hombre (el padrastro), que de violador pasa a ser rectitud moral ultrajada, o la indiferencia de una madre atenta únicamente a su propio interés. Una visión muy pesimista de la naturaleza humana, con los ecos lejanos de Escenas de caza en la baja Baviera (Peter Fleischmann, 1969) o de Rompiendo las olas (Lars Von Trier, 1996), y un talento para explorar y ofrecer la complejidad de las emociones con el recurso de una pista sonora y una fotografía sobresalientes.

Carlos Bonfil Diario La Jornada, México Noviembre 5 de 2008 A partir del viernes 18

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Dos mil metros

(sobre el nivel del mar)

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alo invita a vivir en su departamento a tres personas, quienes ya lo conocían sin saberlo: la reunión no es una casualidad. El director mexicaDos mil metros (sobre el nivel del mar) no Marcelo Tobar estrena su ópera prima en la Cineteca D y G: Marcelo Tobar de Albornoz. P: México, 2008.

Nacional: una historia que invita al espectador a tener un F en C: Juan Bernardo Sánchez. E: David Torres y Marcelo Tobar. Con: Ari Brickman (Galo), Giovanna Zacarías papel activo y a llegar a sus propias conjeturas… al fin y (Fama), Mónica Huarte (Carlota), Xavier Therrien (Alex). al cabo, no todo está dicho.

Prod: Películas del 77, Tita Sánchez Mejía. Dur: 73 mins. PC: Marcelo Tobar de Albornoz.

¿Cuál fue el origen del proyecto?

La idea surgió a partir de una anécdota personal, de estar con personas que conviven en un departamento y que se conocen… pero que no saben que entre ellos hubo otras redes que se tejieron en el pasado. La levantamos con préstamos de amigos y de familia; todos, incluyendo a los actores, cobraron. Cuatro actores encerrados en una casa era algo realizable, así que no lo quise complicar. ¿Cómo fue trabajar con tres actores profesionales y un no-actor?

A Giovanna (Zacarías) ya la conocía; a Mónica (Huarte) la fui a ver al teatro, a Ari (Brickman) me lo recomendaron, y Xavier (Therrien) es un amigo canadiense al que le escribí el papel. La dirección de cámaras fue muy sencilla, con el propósito de ahondar en la dirección de actores. Quería lograr cierto tono realista que no veía mucho en las películas mexicanas. Tenía a una actriz cómica, a una de cine, a Ari, que es músico, y a Xavier… y aunque hubo mucho trabajo previo al rodaje no fue necesario ensayar; me gusta la espon-

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taneidad. Con cada uno manejé herramientas distintas para nivelar el tono que al final, irónicamente, lo daba Xavier, el no-actor. ¿Qué te motivó a contar una historia a través de lo que no se dice?

Para empezar, me interesaba hacer un guión cuya estructura fuera sólo de dos actos. No hay tercer acto y eso fue a propósito, porque así se dejan muchos asuntos inconclusos. La mayoría de las películas hacen lo contrario… te lo dicen todo y al no hacerlo dejas una tarea al espectador; le das la oportunidad de que le entre contigo, provocas que la película viva dentro de una persona más que dentro de un cine. Incluso, en el montaje le quité 25 minutos en los que se explicaban más cosas y preferí comprometerme con que no sepamos bien qué pasó antes y qué pasa después.

Cuatro personas encerradas en un departamento y que no quieren (o pueden) salir de ahí… ¿Qué es lo que los motiva a seguir adentro?

Conforme avanza la película uno se pregunta: ¿Por qué no simplemente se largaron de la casa? Son cuatro personas que tal vez nunca debieron estar juntas pero terminan en esa situación por pura soledad. Cada uno la vive y enfrenta de manera distinta y es en esa diferencia que radica el choque emocional entre ellos. Se vuelven víctimas y verdugos a la vez, y sus vidas no serán las mismas después de su encuentro. Creo que por eso es difícil definir un protagonista. Depende de la identificación que cada espectador tenga sobre los mecanismos de tal o cual personaje. Parece mentira, pero Alex tiene sus adeptos (y son hombres en general) y Fama también los tiene (y son mujeres en general). Galo tal vez sea un perverso, pero ¿qué no hay algo de perverso en todos nosotros? ¿Por qué realizar este proyecto en formato digital?

Porque ese es su mejor origen. No fue un pretexto usarlo porque “fuera barato”, sino porque los resultados son asombrosos. Con Juan Sánchez Mejía, la tarea fue entender el medio digital, usar la paleta de colores que le gusta a esta cámara, etcétera. Y la película tiene, por su parte, un tono que exige ser visto en digital, con un público reducido, y sobre todo, ser exhibida en un espacio como la Cineteca. Su público es aquél que tiene ganas de pensarla y de platicarla… quería que tuviera una vida más allá de los 73 minutos que dura, y a la gente le ha gustado mucho porque, siendo una película pequeña, es fiel a sí misma.

Jorge D. Martínez Micher Cineteca Nacional A partir del viernes 18

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Maestros del

Cine JaponĂŠs

Sanjuro

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l 30 de septiembre de 1609, el galeón San Francisco, que cubría la ruta Manila-Acapulco, naufragó en las proximidades de Onjuku, en la provincia de Chiba, Japón. Gracias a la ayuda de la población local, más de la mitad de los viajeros, novohispanos en gran parte, salvaron su vida. El shogun Ieyasu Tekugawa ofreció un barco para regresar a los náufragos, siendo ésta la primera embarcación japonesa que cruzó el Océano Pacífico y llegó hasta Nuevo México.

Para conmemorar estos 400 años de amistad México-Japón, la Cineteca Nacional exhibe el ciclo Grandes Maestros del Cine Japonés, en el que están representados la mayoría de los cineastas destacados con algunas de sus obras más importantes, a partir de que el cine japonés llegó a México, hace poco más de 57 años, cuando el 7 de agosto de 1952 se estrenó en el Chapultepec Rashomon, de Akira Kurosawa.

En ese momento, occidente descubría apenas el cine japonés y Rashomon abría las puertas a una cinematografía que en los años siguientes asombraría al mundo. Premiada con el León de Oro en el Festival de Venecia en 1951, reconocida con el Oscar a la mejor película extranjera en 1953, Rashomon llamó la atención internacional sobre un cineasta que durante la década se convertiría en un nombre popular, gracias a otras películas de época (gidai geki) como Los siete samurai (1954) y La fortaleza escondida (1958).

Junto a Kurosawa, otros directores japoneses ganarían fama en esos años: Teinosuke Kinugasa con La puerta del infierno (1953), premiada en Cannes y Locarno; Kenji Mizoguchi con Ugetsu monogatari (1953) y El intendente Sansho (1954), León de Oro y León de Plata en Venecia, respectivamente; Kon Ichikawa, con El arpa birmana (1956), Oscar a la mejor película extranjera; e Hiroshi Inagaki, con El hombre del carrito, en sus dos versiones de 1943 y 1958, la segunda León de Oro en Venecia.

A esa primera ola de cine japonés que recorrió el mundo, y que incluía también, no hay que olvidarlo, las populares películas de monstruos encabezadas por el Godzilla (1954), de Ishiro Honda, se sumarían luego Hiroshi Teshigahara, Masaki Kobayashi, Kaneto Shindo, Shohei Imamura, Nagisa Oshima y, más tardíamente, Yasujiro Ozu y Mikio Naruse. En los años recientes, Takeshi Kitano, el animador Hayao Miyazaki y el muy prolífico Takashi Miike, confirman la vitalidad de este cine, así como otros dos nombres no incluídos en la muestra, Hirokazu Koreeda y Naomi Kawase.

Realizado con la colaboración de la Fundación Japón y la Embajada de Japón en México, el ciclo Grandes Maestros del Cine Japonés se compone de dos partes. La primera está compuesta por películas traídas especialmente para la ocasión, entre las que se incluyen títulos nunca vistos en México, como La evaporación de hombre de Shohei Imamura o Fancy Dance de Masayuki Suo. La segunda incluye varios títulos clásicos conservados en el acervo de Cineteca Nacional.

Nelson Carro Cineteca Nacional

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La puerta del infierno Jigokumon D: Teinosuke Kinugasa. P: Japón, 1953. G: Teinosuke Kinugasa y Masaichi Nagata, basado en la pieza teatral El esposo de Kenza de Kan Kikuchi. F en C: Kôhei Sugiyama. E: Shigeo Nishida. M: Yasushi Akutagawa. Con: Kazuo Hasegawa (Moritoh Enda), Machiko Kyô (Lady Kesa), Isao Yamagata (Wataru Watanabe), Yataro Kurokawa (Shigemori), Kôtarô Bandô (Rokuroh), Jun Tazaki (Kogenta), Koreya Senda (Gen Kiyomori). Prod: Daiei Studios, Masaichi Nagata. Dur: 86 mins. PC: Fundación Japón.

La condición humana, partes I-II Ningen no joken I-II D: Masaki Kobayashi. P: Japón, 1959. G: Masaki Kobayashi y Zenzo Matsuyama, inspirado en la novela de Jumpei Gomikawa. F en B/N: Yoshio Miyajima. M: Chuji Kinoshita. E: Keiichi Uraoka. Con: Tatsuya Nakadai (Kaji), Michiyo Aratama (Machiko), Ineko Arima (Yang Chun Lan), Chikage Awashima (Jin Tung Fu), Keiji Sada (Kageyama), Sô Yamamura (Okishima), Akira Ishihama (Chen). Prod: Shochiku Kinema Kenkyû-jo, Shigeru Wakatsuki. Dur: 208 mins.

PC: Fundación Japón.

Un samurái es consumido por su obsesión hacia una mujer, a quien desea como trofeo de guerra. El lado oscuro del honor y el deber, temas infaltables del género de samuráis, es puesto en tela de juicio por Kinugasa, quien retrata a todo color los catastróficos efectos que el deseo, el rencor y la manipulación tienen en sus atormentados personajes. Entre otros reconocimientos internacionales, el filme obtuvo el Gran Premio del Festival de Cannes en 1954 y el Oscar de la Academia Estadounidense al mejor vestuario en 1955.

En una monumental novela de seis volúmenes escrita por Jumpei Gomikawa sobre la participación japonesa en la Segunda Guerra Mundial, Masaki Kobayashi encontró la manera de expresar su preocupación sobre el hombre enfrentado a una sociedad que le corrompe. En esta primera parte, su protagonista, el soldado Kaji, es enviado a supervisar un campo de prisioneros. Buscando mejorar sus condiciones de vida, irónicamente será visto como un enemigo por los cautivos chinos y como un traidor por sus compatriotas.

Martes 1º

Parte 1: Martes 1º y viernes 4 Parte 2: Miércoles 2 y viernes 4

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La condición humana, partes III-IV Ningen no joken III-IV D: Masaki Kobayashi. P: Japón, 1959. G: Masaki Kobayashi y Zenzo Matsuyama, inspirado en la novela de Jumpei Gomikawa. F en B/N: Yoshio Miyajima. M: Chuji Kinoshita. E: Keiichi Uraoka. Con: Tatsuya Nakadai (Kaji), Michiyo Aratama (Machiko), Minoru Chiaki (Onodera), Izumi Hara (Sawamura, jefa de enfermeras), Kaneko Iwasaki (enfermera Tokunaga), Kokinji Katsura (Sasa), Yusuke Kawazu (Terada). Prod: Shochiku Kinema Kenkyû-jo, Shigeru Wakatsuki, Masaki Kobayashi. Dur: 181 mins. PC: Fundación Japón.

La condición humana, partes V-VI Ningen no joken V-VI D: Masaki Kobayashi. P: Japón, 1959. G: Masaki Kobayashi, Koichi Inagaki y Zenzo Matsuyama, inspirado en la novela de Jumpei Gomikawa. F en B/N: Yoshio Miyajima. M: Chuji Kinoshita. E: Keiichi Uraoka. Con: Tatsuya Nakadai (Kaji), Michiyo Aratama (Machiko), Yusuki Kawazu (Terada), Tamao Nakamura (mujer refugiada), Chishu Ryu (anciano de la aldea), Reiko Hitomi (Umeko), Kyôko Kishida (Ryuko), Taketoshi Naitô (Tange). Prod: Shochiku Kinema Kenkyû-jo, Shigeru Wakatsuki, Masaki Kobayashi. Dur: 190 mins.

PC: Fundación Japón.

Castigado por sus superiores al mostrar bondad hacia el enemigo, el soldado Kaji es enviado al frente de batalla, donde tratará de proteger a los jóvenes reclutas de las crueles maniobras de sus superiores. Segundo capítulo de este monumental fresco antibélico de Masaki Kobayashi, quien, además de compartir a través de la figura de su protagonista el rechazo al militarismo japonés, recuerda en este filme sus propias vivencias en el frente de guerra, reflexionando también sobre la culpa colectiva de toda una nación.

Tras la derrota japonesa, Kaji es tomado prisionero por las tropas soviéticas, sufriendo la despiadada crueldad de sus captores.

Tercer y último capítulo de esta épica, en la cual Kobayashi plantea un claro paralelismo entre el militarismo japonés y lo inhumano del stalinismo. Fruto de cuatro años de trabajo de su creador, La condición humana es el mayor testimonio fílmico sobre Japón y su participación en la guerra, en el cual los ideales y el martirio de su protagonista alcanzan resonancia universal.

Parte III: Jueves 3 y sábado 5

Parte V: Domingo 6 y miércoles 9

Parte IV: Sábado 5 y martes 8

Parte VI: Domingo 6 y jueves 10

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El intendente Sansho Sanshô dayû D: Kenji Mizoguchi. P: Japón, 1954. G: Fuji Yahiro y Yoshikata Yoda, inspirado en un relato de Ogai Mori. F en B/N: Kazuo Miyagawa.

M: Fumio Hayasaka, Kanahichi Odera y Tamekichi Mochizuki. E: Mitsuzô Miyata. Con: Eitarô Shindô (Sansho), Kinuyo Tanaka (Tamaki), Yoshiaki Hanayagi (Zushiô), Kyôko Kawaga (Anju), Akitake Kôno (Taro), Masao Shimizu (Masauji Taira), Ken Mitsuda (primer ministro Fujiwara). Prod: Daiei Studios, Masaichi Nagata. Dur: 124 mins. PC: Fundación Japón.

Historia de Tokio Tôkyô monogatari D: Yasujiro Ozu. P: Japón, 1953. G: Yasujiro Ozu y Kôgo Noda. F en B/N: Yuuharu Atsuta. M: Kojun Saitô. E: Yoshiyasu Hamamura.

Con: Chishu Ryu (Shukishi Hirayama), Chieko Higashiyama (Tomi Hirayama), Setsuko Hara (Noriko Hirayama), Haruko Sugimura (Shige Kaneko), Sô Yamamura (Koichi Hirayama), Kuniko Miyake (Fumiko Hirayama), Kyôko Kagawa (Kyoko). Prod: Shochiku Kinema Kenkyû-jo, Takeshi Yamamoto. Dur: 136 mins. PC: Fundación Japón.

Un anciano matrimonio viaja a Tokio para visitar a sus hijos, sin imaginar que tal vez ellos tengan pocas ganas de verles. Yasujiro Ozu, cineasta sensible a la condición de la clase media urbana, con la familia como principal pilar, retrata en este emotivo filme una dolorosa pero natural lucha generacional.

Considerada entre las mejores películas de la historia del cine, Historia de Tokio contrasta la modernidad y la tradición en medio de la atmósfera renovadora palpable durante la reconstrucción de la nación japonesa.

Una familia, violentamente separada, es arrastrada a la esclavitud. El hijo mayor, sirviente del cruel intendente Sansho —a quien la dureza de la vida ha despojado de toda misericordia hacia sus semejantes— será el único capaz de redimirse para reunir a su familia de nuevo. Una magistral reflexión de Kenji Mizoguchi sobre el hombre, su entorno, y la redención que brinda eternidad al espíritu, con la cual este gran cineasta japonés obtuvo el León de Plata en el Festival de Venecia de 1954.

Miércoles 2

Jueves 3

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El hombre del carrito Muhomatsu no issho D: Hiroshi Inagaki. P: Japón, 1943. G: Hiroshi Inagaki y Mansaku Itami, basado en una historia de Shunsaku Iwashita. F en B/N: Kazuo Miyagawa. M: Goro Nishi. Con: Tsumasaburo Bando (Matsu), Ryunosuke Tsukigata (Matsugoro), Kyoji Sugi (Yoshiko). Prod: Daiei Studios. Dur: 80 mins. PC: Fundación Japón.

Nubes flotantes Ukigumo D: Mikio Naruse. P: Japón, 1955. G: Yôko Mizuko, inspirado en una novela de Fumiko Hayashi. F en B/N: Masao Tamai. M: Ichirô Saitô. E: Hideshi Ohi. Con: Hideko Takamine (Yukiko Koda), Masayuki Mori (Kengo Tomioka), Mariko Okada (Sei Mukai), Isao Yamagata (Sugio Iba), Chieko Nakakita (Kuniko Tomioka), Daisuke Katô (Seikichi Mukai), Roi H. Jêmusu (soldado norteamericano).

Prod: Toho Company, Sanezumi Fujimoto. Dur: 123 mins. PC: Fundación Japón.

La desventurada odisea de Yukiko, una mujer que persigue el amor de un mal hombre, primero durante la Segunda Guerra Mundial y más tarde en medio del desencanto del Japón en la inmediata posguerra, sirve al cineasta Mikio Naruse para construir un melodrama romántico. El realizador reflexiona sobre la derrota de la nación del Sol Naciente, las pasiones del hombre, la triste condición social y emocional de la mujer en esa sociedad y el amor convertido en obsesión, mismo que destruye a quienes lo sufren.

Un conductor de palanquín se gana la simpatía de un cliente adinerado, gracias a su optimismo y amor por la vida. Cuando éste muere, su viuda y su pequeño hijo entablan una profunda amistad con el chofer, quien se vuelve una figura paterna para el niño y una nueva posibilidad amorosa para ella.

Primera versión de este melodrama sobre las diferencias sociales en el Japón moderno, que quince años más tarde Inagaki retomó en una segunda versión, misma que le valió el León de Oro del Festival de Venecia en 1958.

Sábado 5

Viernes 4

19

La evaporación del hombre Ningen Johatsu D: Shohei Imamura. P: Japón, 1967. F en B/N: Kenji Ishiguro. M: Toshirô Mayuzumi. E: Matsuo Tanji. Con: Yoshie Hayakawa, Shohei Imamura, Shigeru Tsuyuguchi. Prod: Art Theatre Guild, Imamura Productions, Nihon Eiga Shinsha, Shohei Imamura. Dur: 130 mins.

PC: Fundación Japón.

Los samuráis del Shogun Yagyû ichizoku no inbô D: Kinji Fukasaku. P: Japón, 1978. G: Kinji Fukasaku, Hirô Matsuda y Tatsuo Nakajima. F en C: Toru Nakajima. M: Toashiaki Tsushima.

Con: Kinnosuke Nakamura (Yagyu Tajima), Sonny Chiba (Yagyu Jubei), Hiroki Matsukata (Iemitsu Tokugawa), Reiko Ohara (Okuni), Yoshio Harada (Sanza Nagoya), Etsuko Shihomi (Yagyu Akane).

Prod: Toei Company. Dur: 130 mins. PC: Fundación Japón.

Tras realizar Los pornógrafos en 1966, Imamura se separa de la que hasta ese momento había sido su casa productora y decide explorar su lado más experimental. Es así que filma La evaporación del hombre, falso documental acerca de la desaparición no aclarada de un hombre llamado Tadashi Oshima. Por medio de entrevistas a familiares, amigos y a la prometida del desaparecido, el director, quien mezcla realidad y ficción, intenta descubrir el paradero actual de Oshima y los motivos de su repentina desaparición.

Fukasaku, autor de la saga Batallas sin honor ni humanidad (1973) que revolucionaría el género yakuza —filmes acerca del crimen organizado japonés—, dejó atrás este tema para rodar su primer filme de samuráis.

Realizado bajo un periodo de crisis del cine nipón, la cinta, mezcla de romance, traición y batallas, captura mediante una fotografía vibrante la majestuosidad del Japón del siglo XVII. Al morir su padre, un par de hermanos lucha por el trono; la rivalidad entre ambos crecerá cuando la corte intrigue en su contra.

Domingo 6

Martes 8

20

Fancy Dance Fanshî dansu D: Masayuki Suo. P: Japón, 1989. G: Masayuki Suo y Reiko Okano. F en C: Yuichi Nagata. M: Yoshikazu Suo. E: Junichi Kikuchi.

Con: Masahiro Motoki (Yohei Shiono), Honami Suzuki (Masoho Akashi), Ken Osawa (Ikuo Shiono), Hikomaro (Eishun Sasaki), Hiromasa Taguchi (Chinrai Shinada), Kazuo Chikada (Jian), Paul Silverman (Yosei). Prod: Daiei Studios, Shôji Masui. Dur: 101 mins.

PC: Fundación Japón.

Fuegos artificiales Hana-bi D y G: Takeshi Kitano. P: Japón, 1997. F en C: Hideo Yamamoto.

M: Joe Hisaishi. E: Takeshi Kitano y Yoshinori Oota. Con: Takeshi Kitano (Yoshitaka Nishi), Kayoko Kishimoto (Miyuki, esposa de Nishi), Ren Osugi (Horibe), Susumu Terajima (Nakamura), Tetsu Watanabe (Tesuka), Hakuryu (Yakuza Hitman). Prod: Bandai Visual Company, Office Kitano, TV Tokyo, Tokyo FM Broadcasting Co., Masayuki Mori, Yasushi Tsuge, Takio Yoshida. Dur: 103 mins. PC: Cineteca Nacional.

A pesar de que Masayuki Suo logró el reconocimiento internacional con cintas posteriores a Fancy Dance (Shiko funjatta, 1992 / Shall we dansu?,1996), desde entonces ya mostraba su interés por abordar temáticas poco comunes. Bajo una estética similar a la de Ozu y basado en un popular cómic, Suo construye una crítica con tintes de humor, a la aparente vida ascética de los monjes budistas.

Un cantante de rock debe servir por un año como novicio pero pronto descubrirá que la espiritualidad es más terrenal de lo que parece.

Hombre orquesta sí los hay: director, guionista, actor, pintor, conductor de televisión, Kitano obtuvo el aplauso de la crítica internacional como cineasta con este filme ganador del León de Oro en el Festival de Venecia. Mediante flashbacks y una estética que recuerda a Ozu, el director contrasta el movimiento con la inactividad, la explosión de la violencia con la paz de un ser desahuciado. El policía Nishi debe lidiar no sólo con la enfermedad terminal de su mujer y el crimen que lo rodea, sino con sus propios demonios.

Miércoles 9

Jueves 10

21

Permiso para vivir Ningen Gokaku D y G: Kiyoshi Kurosawa. P: Japón, 1998. F en C: Junichirô Hayasaki. M: Gary Ashiya. E: Masahiro Onaga. Con: Hidetoshi Nishijima (Yutaka), Shun Sugata (Shinichiro), Lily (Sachiko), Kumiko Aso (Chizuru), Sho Aikawa (Kazaki), Yoriko Douguchi (Miki), Ren Osugi (Murota). Prod: Daiei Studios. Dur: 109 mins. PC: Fundación Japón.

Vivo o muerto Hanzaisha

Mejor conocido por sus filmes de terror que retratan problemas existenciales en lugar de explotar la violencia (Cure, 1997 / Karisuma, 1999), Kiyoshi Kurosawa demuestra con esta cinta que también es capaz de realizar melodramas. Bajo una atmósfera minimalista con pinceladas de humor, Kurosawa reflexiona acerca de la desintegración familiar y la pérdida de un pasado que siempre fue mejor.

Tras una década en coma, Yukata despierta con 24 años, no obstante, su edad y su cuerpo no son los únicos que han cambiado.

Viernes 11

D: Takashi Miike. P: Japón, 1999. G: Ichiro Ryu. F en C: Hideo Yamamoto. M: Kôji Endô. E: Yasushi Shimamura. Con: Riki Takeuchi (Ryuuichi), Sho Aikawa (Jojima), Renji Ishibashi (Aoki), Hitoshi Ozawa (Satake), Shingo Tsurumi (Chen), Kaoru Sugita (señora Jojima), Dankan (Tanaka). Prod: Daiei Motion Picture Company, Toei Video Company, Excellent Film, Makoto Okada, Katsumi Ono. Dur: 105 mins. PC: Fundación Japón.

Realizador de más de 60 filmes para cine y televisión, y reconocido en el Festival de Rotterdam por Audition (1999), Miike se ha consolidado poco a poco en los circuitos cinematográficos de occidente. Su cine, mezcla de grotesca violencia, sangre y perversión, con una fuerte dosis de acción y humor ácido, recuerda al estilo de Tarantino y Lynch. Hanzaisha, primera parte de la trilogía (Tôbôsha, 2000 / Final, 2002), refleja el sórdido mundo de la yakuza, la lucha entre pandillas y la corrupción de la policía.

Sábado 12

22

Rashomon Rashômon D y E: Akira Kurosawa. P: Japón, 1950. G: Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto, inspirados en una novela de Ryunosuke Akutagawa.

F en B/N: Kazuo Miyagawa. M: Fumio Hayasaka. Con: Toshirô Mifune (Tajômaru, el bandido), Machiko Kyô (Mazako Kanazawa), Masayuki Mori (Takehiro Kanazawa), Takashi Shimura (leñador), Minoru Chiaki (monje), Fumiko Honma (espiritista), Daisuke Katô (guardia). Prod: Daiei Motion Picture Company y Minoru Jingo.

Dur: 88 mins. PC: Cineteca Nacional.

Cuentos de la luna pálida de agosto Ugetsu monogatari D: Kenji Mizoguchi. P: Japón, 1953. G: Yoshikata Yoda y Matsutarô Kawaguchi, inspirado en una idea de Kyûchi Tsuji y relatos de Akinari Ueda. F en B/N: Kazuo Miyagawa. M: Fumio Hayasaka, Tamekichi Mochizuki e Ichirô Saitô. E: Mitsuzô Miyata. Con: Masayuki Mori (Genjurô), Machiko Kyô (Lady Wakasa), Kinuyo Tanaka (Miyagi), Sakae Ozawa (Tobei), Ikio Sawamura (Genichi), Mitsuko Mito (Ohama), Kikue Môri (Ukon). Prod: Daiei Studios, Masaichi Nagata. Dur: 94 mins. PC: Cineteca Nacional.

Tras ocurrir un crimen, los sobrevivientes narran ante la autoridad cómo acontecieron los hechos, dando lugar a muy distintas versiones.

Pesimista reflexión acerca de la maldad del hombre, que lo hace engañarse a sí mismo para sobrevivir. Más cercano al dinamismo de John Ford que a la contemplación de Ozu o Mizoguchi, Kurosawa hizo de Rashomon la carta de presentación del cine japonés en el mundo entero, consiguiendo el León de Oro en Venecia y el Oscar de Hollywood a la mejor película extranjera en 1950.

Interesado en la actitud del hombre enfrentado al horror de la guerra, Kenji Mizoguchi reúne dos relatos sobrenaturales ubicados en el siglo XVI, durante una cruenta guerra civil.

Elegantes planos secuencia y una fantasmal atmósfera son el marco de esta historia, en la cual un alfarero es seducido por una dama espectral. Por este filme de singular belleza, considerado entre los mejores de la historia del cine, Mizoguchi obtuvo el León de Plata a la mejor dirección en el Festival de Venecia de 1953.

Domingo 13

Martes 15

23

El arpa birmana Biruma no tategoto D: Kon Ichikawa. P: Japón, 1956. G: Natto Wada, basado en la novela homónima de Michio Takeyama. F en B/N: Minoru Yokoyama.

M: Akira Ifukube. E: Masanori Tsujii. Con: Rentaro Mikuni (capitán Inoyue), Shôji Yasui (Mizushima), Juan Hamamura (Ito), Taketoshi Naitô (Kobayashi), Shunji Kasuga (Maki), Kô Nishimura (Baba). Prod: Nikkatsu y Masayuki Takaki. Dur: 116 mins. PC: Cineteca Nacional.

Kuroneko Yabu no naka no kuroneko D y G: Kaneto Shindô. P: Japón, 1968. F en B/N: Kiyomi Kuroda. M: Hikaru Hayashi. E: Hisao Enoki. Con: Kichiemon Nakamura (Gintoki), Nobuko Otowa (madre), Kiwako Taichi (nuera), Kei Sato (Raiko), Taiji Tonoyama (granjero), Rokko Toura (samurai), Hideo Kanze (Mikado). Prod: Toho Company, Nicheri Shinsha. Dur: 99 mins. PC: Fundación Japón.

Birmania, 1945. Después de vivir los horrores de la Segunda Guerra Mundial, un soldado japonés que se dedicaba a tocar el arpa durante el conflicto, regresa al lugar de los hechos convertido en monje, con el objetivo de sepultar a los muertos. Primera de dos versiones —la segunda, filmada en 1985— que Ichikawa realizó de la misma historia. Pacifista y antibélico, el filme —exhibido en esta ocasión en una copia nueva— fue nominado a un Oscar como mejor película extranjera y obtuvo el Premio San Giorgio en Venecia.

Considerada como una de las películas que han rescatado las leyendas populares japonesas en beneficio de la riqueza cultural, Kuroneko es una historia de fantasmas que inicia con el brutal asesinato de dos mujeres a manos de una banda de samuráis mercenarios.

Más tarde, el líder es seducido y asesinado por una joven mujer, poseída por el espectro de una de las víctimas. Para vengar la muerte del guerrero, aparece el esposo de la mujer, a quien le ha sido ordenado asesinar a su propia compañera.

Miércoles 16

Jueves 17

24

La mujer de arena Suna no onna D: Hiroshi Teshigahara. P: Japón, 1964. G: Kôbô Abe, basado en su novela homónima. F en B/N: Hiroshi Segawa. M: Tôru Takemitsu. E: Fusako Shuzui. Con: Eiji Okada (entomólogo Niki Jumpei), Kyôko Kishida (mujer), Hiroko Ito (esposa del entomólogo), Koji Mitsui, Sen Yano, Kinzo Sekiguchi. Prod: Toho Film, Teshigahara Productions, Kiichi Ichikawa, Tadashi Oono. Dur: 123 mins. PC: Cineteca Nacional.

Sanjuro Tsubaki Sanjûrô D y E: Akira Kurosawa. P: Japón, 1962. G: Akira Kurosawa, Ryuzo Kikushima y Hideo Oguni, basado en la novela Días pacíficos de Shugoro Yamamoto. F en B/N: Fukuzo Koizumi y Takao Saitô.

M: Masaru Satô. Con: Toshirô Mifune (Sanjuro Tsubaki), Tatsuya Nakadai (Hanbei Muroto), Keiju Kobayashi (espía), Yuzo Kayama (Iori Izaka), Reiko Dan (Chidori), Takashi Shimura (Kurofuji), Yûnosuke Itô (Mutsuta). Prod: Toho Company, Kurosawa Production Co., Akira Kurosawa, Ryuzo Kikushima, Tomoyuki Tanaka. Dur: 96 mins. PC: Cineteca Nacional.

Tras perder el último autobús que lo llevaría a la ciudad, Niki —un científico especializado en el estudio de los insectos— decide hospedarse en la casa de una solitaria y silenciosa mujer. A partir de ese momento quedará prisionero en un espacio invadido por la arena, contra la que debe luchar día tras día. Este filme, reconocido con el Premio Especial del Jurado en Cannes, posee toda una serie de imágenes surrealistas, mismas que provocan que la historia sea una experiencia claustrofóbica y memorable para el espectador.

Un experimentado samurái apoya a unos jóvenes guerreros para expulsar de su clan a la corrupción reinante, a la vez que aprende la verdadera filosofía de su oficio. Kurosawa retoma al violento mercenario de Yojimbo (1961), nuevamente encarnado por Toshirô Mifune, en un acercamiento que alienta la reflexión sobre el honor, la violencia, el paso del tiempo y la muerte, por sobre las secuencias de acción, sin olvidar el irónico sentido del humor que hace tan disfrutable al renegado samurái protagonista.

Viernes 18

Sábado 19

25

Furyo Merry Christmas, Mr. Lawrence D: Nagisa Oshima. P: Japón-Gran Bretaña, 1983. G: Nagisa Oshima y Paul Mayersberg, basados en la novela The Seed and the Sower de Laurens Van der Post. F en C: Toichiro Narushima. M: Ryuichi Sakamoto. E: Tomoyo Oshima. Con: David Bowie (Jack ‘Strafer’ Celliers), Tom Conti (John Lawrence), Ryuichi Sakamoto (capitán Yonoi), Takeshi Kitano (sargento Gengo Hara), Jack Thompson (capitán Hicksley), Johnny Okura (Kanemoto), Alistair Browning (De Jong). Prod: Asahi National Broadcasting Company, Recorded Picture Company, Jeremy Thomas. Dur: 124 mins. PC: CinetecaNacional.

Realizador de El imperio de los sentidos (1976), Nagisa Oshima, apodado por la crítica “el Godard japonés”, contrasta en Furyo las posturas de británicos y japoneses sobre la Segunda Guerra Mundial. Oshima se sirve de dos grandes exponentes de la música —David Bowie y Ryuichi Sakamoto, ganador del BAFTA al mejor soundtrack por este trabajo— para construir un drama situado en un campo de concentración japonés, cuya rutina se rompe con la llegada de un inglés que despierta los más bajos instintos en el director.

Domingo 20

El ciclo Maestros del Cine Japonés ha sido realizado por la Cineteca Nacional y la Fundación Japón en México, con el apoyo de la Embajada de Japón en México.

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Matiné infantil

Maestros del Cine Japonés El increíble castillo vagabundo Hauru no ugoku shiro D y G: Hayao Miyazaki, inspirado en la novela homónima de Diana Win Jônzu. P: Japón, 2004. F en C: Atsushi Okui. M: Joe Hisaishi.

E: Takeshi Seyama. Prod: Studio Ghibli, Buena Vista Home Entertainment, Nippon Television Network Corporation (NTV), Tokuma Shoten, Tohokushinsha Film, Mitsubishi, John Lasseter, Hiyao Miyazaki. Dur: 119 mins. PC: Cineteca Nacional.

El viaje de Chihiro Sen to Chihiro no kamikakushi D y G: Hayao Miyazaki. P: Japón, 2001. F en C: Atsushi Okui.

M: Joe Hisaishi. E: Takeshi Seyama. Prod: Studio Ghibli, Buena Vista Home Entertainment, Nippon Television Network Corporation (NTV), Tokuma Shoten, Tohokushinsha Film, Mitsubishi, Yasuyoshi Tokuma, John Lasseter. Dur: 125 mins. PC: Cineteca Nacional.

H

ayao Miyazaki es un referente obligado de la cinematografía japonesa de animación, misma que constituye toda una opción creativa, y que va mucho más allá de ser un género destinado exclusivamente al público infantil.

La obra de este aritsta nipón se caracteriza por ser artesanal: en su gran mayoría, cada fotograma es dibujado y pintado a mano, lo que los reviste de una belleza estética única, llena de complejos e irrepetibles trazos. En los años setenta, Miyazaki —fundador del prestigiado estudio Ghibli— realizó la serie de televisión Heidi, y varios años más tarde, las multipremiadas El viaje de Chihiro y El increíble castillo vagabundo. En la primera, la bruja Yubaba define bien a la pequeña protagonista de diez años, al llamarla “floja, consentida, chillona… y además, tonta”. Por otro lado, en El increíble castillo vagabundo, Sophie es una joven obsesionada con el trabajo. Ambas tendrán que enfrentar sus propios miedos, solas en mundos llenos de brujas, hechiceros y personajes extraños, para, al final, encontrarse a sí mismas.

Patricia Talancón Solorio Cineteca Nacional Sábados y domingos de septiembre

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Rock en el Cine

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e acuerdo con Juan Villoro, el balompié es un deporte que sucede dos veces, la primera en la cancha, en la realidad, y una más a través de la ficción tejida por el análisis, minuciosa disección capaz de manipular el tiempo, una vez y otra la pelota cruza una puerta. Algo similar sucede con el rock and roll: el fenómeno acontece en la calle, en el estudio, accidentalmente en un barrio que tiene la vida cuesta arriba, más tarde la documentación se encarga de fabricar con sus herramientas una narrativa paralela Hoy la apreciación de esta expresión popular está cambiando de vehículos. La crisis global ha golpeado las posibilidades de los medios impresos y la bitácoras electrónicas privilegian la inmediatez por encima de la contextualización o el análisis, en muchísimos casos resulta más importante para los blogs hablar sobre los discos de moda que ofrecer una perspectiva diferente al eco cibernético de un elogio o la cruel denostación.

Así, llegamos a la quinta edición del ciclo Rock en el Cine, un espacio de convivencia que, por fortuna, ha logrado convertirse en parte de la dinámica de la ciudad. Los medios audiovisuales nos ofrecen a oportunidad de mirar de nuevo lo que ha ocurrido en diferentes canchas: el hip hop, el electro clásico, el rock mexicano, la música balcánica contemporánea, el rock pesado tradicional. En casi todas nuestras presentaciones encontramos la narrativa que nos ayuda a entender mejor esas grabaciones que nos han acompañado la vida. O, mejor todavía, encontramos la ruta para acercarnos a expresiones que nos eran desconocidas. Un par de casos: Easy Rider y The Wrestler, nos permiten dimensionar la manera como esta música ha sido asimilada, interpretada y aplicada por el cine de ficción en distintos periodos.

En estos años, hemos atestiguado la emoción profunda de mirar al rock en una pantalla inmensa. Esperamos, de nuevo, volver a ese territorio. Transporte sobra: estrenamos Naco es chido, documento surreal con uno de los pilares del rock nacional como protagonista: Botellita de Jerez; recuperamos al Radiohead de finales de los 90, cuando acababan de entregar el que todavía se considera el mejor disco de la década, OK Computer; presentamos Style Wars, el primer documento sobre el cuarto elemento del hip hop: el graffiti, forma de arte que ha conectado a nivel profundo con un sector de la juventud mexicana, y nos asomamos al reencuentro de los Pixies, en una cinta cuya primera intención es llevarnos a las entrañas de su gira de 2004, pero que termina contando una conmovedora historia que llega por sorpresa.

Este es el ciclo Rock en el Cine 2009. Esta es una mirada al arte popular que, por fortuna, nos sucede muchas veces y por distintos medios.

Julio Martínez Reactor 105.7

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Naco es chido Naco es chido D: Sergio Arau. P: México, 2008. G: Sergio Arau, Armando VegaGil y Tihui. F en C: Gerardo Barroso. M: Botellita de Jerez. E: Sebastián Hoffmann. Con: Sergio Arau, Armando Vega-Gil, Francisco Barrios, Yareli Arizmendi, Gina Moret. Prod: Rossana Arau. Dur: 90 mins. PC: Cine Cien.

Style Wars Style Wars D: Tony Silver. P: Estados Unidos, 1983. F en C: Burleigh Warters.

E: Sam Pollard. Testimonios: Demon, Se 3, Crazy Legs, Frosty Freeze, Barbara Andalcio, Richard Ravitch, Tom Carr. Prod: Tony Silver, Henry Chalfant. Dur: 70 mins.

Falso documental sobre el grupo de rock mexicano Botellita de Jerez, creador del conocido Guacarrock en la década de los 80.

La historia inicia cuando unos estudiantes encuentran el master de un supuesto disco perdido de la banda, el cual llevan a una disquera. Ahí, la ejecutiva Macuca contrata a un detective para buscar a los integrantes del grupo: el Cucurrucucú está en un hospital psiquiátrico, el Mastuerzo es arrestado por hacer canciones explosivas y el Uyuyuy está viviendo de homeless en Los Ángeles.

En este trabajo ya clásico, el documentalista Tony Silver capturó el fenómeno que tomó por asalto a la ciudad de Nueva York en aquella época: el grafitti, nueva forma de comunicación visual propuesta por toda una joven generación de artistas callejeros. Bajo su influjo, las calles se transformaron, las instituciones no lo vieron con buenos ojos y, a la par, surgieron una gran cantidad de híbridos musicales, con sus correspondientes bailes. Así, el breakdance y el Hip Hop también son parte de esta historia.

Jueves 17

Jueves 17

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Just For Kicks Just For Kicks D: Thibaut de Longeville y Lisa Leone. P: Francia-Estados Unidos, 2005. G: Come Chantrel y Thibaut de Logeville. F en C: Lisa Leone.

Testimonios: Grandmaster Caz, Damon Dash, Doze, Missy Elliott, Futura 2000, Robert García. E: Scott Stevenson. Prod: Caid Productions Inc., Program 33, Alex Stapleton. Dur: 82 mins.

Una película sobre los Pixies loudQUIETloud: A Film About The Pixies D: Steven Cantor y Matthew Galkin. P: Estados Unidos, 2007. F en C: Jonathan Furmanski y Paul Dokuchitz. M: Daniel Lanois y Matt Yelton. E: Trevor Ristow. Prod: Steven Cantor. Dur: 85 mins.

Dist: Ambulante.

La historia de los sneakers, conocida variedad de tenis, es por demás curiosa e inesperada: de ser calzado para el deporte y el juego en los años 70, pasaron a ser símbolo central de la escena Hip Hop en los 90. Ese producto de piel y hule habla de inquietudes e industrias comerciales, culturales y musicales. Este documental se centra precisamente en el ámbito Hiphoppero, en el que se calcula que los sneakers cuentan actualmente con un mercado global que mueve millones y millones de dólares.

Registro del regreso a los escenarios de una de las bandas más influyentes en la historia del rock. Tras su separación repentina, en medio de recriminaciones públicas, Pixies dejó un legado musical que incluyó cuatro discos (y medio), un puñado de giras, varias composiciones geniales y muchas preguntas acerca de la conflictiva relación entre los cuatro miembros fundadores. En 2004, sus admiradores se emocionaron y sorprendieron cuando el legendario grupo decidió reunirse de nuevo.

Jueves 17

Viernes 18

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El tren del misterio Mystery Train D y G: Jim Jarmusch. P: Estados Unidos-Japón, 1989. F en C: Robby Müller. E: Melody London. M: John Lurie; canciones varias.

Con: Masatoshi Nagase (Jun), Youki Kudoh (Mitsuko), Screamin’ Jay Hawkins (recepcionista), Cinqué Lee (bellboy), Nicoletta Braschi (Luisa), Elizabeth Bracco (Dee Dee), Joe Strummer (Johnny), Steve Buscemi (Charlie). Prod: Mystery Train Productions, JVC Entertainment, Jim Stark. Dur: 110 mins.

Busco mi destino Easy Rider D: Dennis Hopper. P: Estados Unidos, 1969. G: Peter Fonda. Dennis Hopper y Terry Southern. F en C: László Kovács. E: Donn Cambern.

M: Canciones varias. Con: Peter Fonda (Capitán América), Dennis Hopper (Billy), Jack Nicholson (George Hanson), Luke Askew (hombre en la carretera), Luana Anders (Lisa), Sabrina Scharf (Sarah), Phil Spector (traficante). Prod: Columbia Pictures, Pando Company, Raybert Productions, Peter Fonda. Dur: 95 mins.

Un decrépito hotelucho en Memphis es el escenario de tres historias paralelas, unidas por la música y presencia del inmortal Elvis Presley.

La banda sonora que acompaña las peculiares andanzas —puro Jarmusch quintaesenciado— de esta multinacional colección de freaks (entre ellos Joe Strummer, como un inepto hamponcete) incluye, además del Rey, por supuesto, algunos otros clásicos de Roy Orbison, Bobby Blue Bland y Otis Redding, además de varias composiciones originales de John Lurie.

Get your motor runnin’, head out on the highway… La madre de todas las road movies cumple 40 años, y la anticonformista cruzada en pos de la libertad del Capitán América y Billy the (Biker) Kid no ha perdido vigencia ni poder de evocación. Este canto de cisne de los ideales sesenteros fue uno de los primeros filmes en musicalizarse exclusivamente a partir de canciones ya conocidas, y ese es justo uno de sus mayores méritos: Las rugientes choppers devorando el asfalto con “Born To Be Wild” a todo volumen son un momento cumbre de la fusión entre rock y cine.

Viernes 18 Sábado 19

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Heavy Metal Heavy Metal D: Gerald Potterton. P: Canadá, 1981. G: Dan Goldberg y Len Blum, basados en la revista Heavy Metal. F en C: M: Elmer Bernstein. E: Ian Llande, Mick Manning y Gerald Tripp. Con: John Candy (sargento Desk / Dan / Den / robot), Don Francks (Grimaldi / copiloto / bárbaro), Eugene Levy (Stern / reportero / Edsel). Prod: Columbia Pictures Corporation, Guardian Trust Company, Canadian Film Development Corporation (CFDC), Famous Players, Ivan Reitman.

Dur: 90 mins.

Heavy Metal 2000 Heavy Metal 2000 D: Michael Coldewey y Michel Lemire. P: Canadá-Alemania, 2000.

G: Simon Bisley y R. Payne Cabeen, basados en la revista Heavy Metal. F en C: Bruno Philip. M: Frédéric Talgorn. E: Brigitte Breault.

Voces: Michael Ironside (Tyler), Julie Strain (Julie), Billy Idol (Odin), Pierre Khol (Germain St-Germain), Sonja Ball (Kerrie), Brady Moffatt (Lambert). Prod: CinéGroupe, Das Werk, Helkon Media AG, Trixter Film, Michel Lemire, Jacques Pettigrew. Dur: 88 mins.

Basada en la revista de culto de cómics para adultos Heavy Metal, este filme homónimo hilvana seis distintas historias donde se pone en escena distintos episodios en la existencia de Loc-Nar, reliquia con forma esférica y de color verde que contamina de un mal en estado puro las distintas galaxias y épocas en que ha tenido presencia. Cuando un astronauta la encuentra se la regala a su hija, quien será testigo involuntario de las historias de caos y destrucción al ritmo de la música de Black Sabbath, Sammy Hagar y Nazareth, entre otros representantes clásicos del metal.

Tyler es un minero que descubre una extraña piedra verde que es, en realidad, la llave de entrada al manantial del planeta Ouroboros, el cual provee de inmortalidad a quien beba sus aguas, aunque los efectos secundarios son peligrosos. Tyler se convierte en un despiadado pirata intergaláctico, que busca dominar la galaxia, y arrasa el planeta Eden, hogar de Julie, quien sobrevive a la masacre y cuyo único objetivo será vengarse de quien exterminó a su raza. Más que continuación, nueva adaptación del trabajo realizado en la revista de culto homónima.

Sábado 19

Sábado 19

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Radiohead – Meeting People is Easy Meeting People is Easy D y F en C: Grant Gee. P: Gran Bretaña, 1999. E: Jerry Chater.

Prod: Kudos Productions Ltd., Parlaphone y Dilly Gent. Dur: 95 mins.

Festival Express Festival Express D: Bob Smeaton y Frank Cvitanovich. P: Reino Unido-Holanda, 2003. F en C: Peter Biziou, Bob Fiore y Clarke Mackey. E: Eamonn Power. Prod: Apollo Films, PeachTree Films B.V., Gavin Poolman, John Trapman. Dur: 90 mins.

Este célebre documental, nominado a un Grammy en la categoría de Mejor Video Musical Largo, presenta la intensidad y decepción que caben en una banda de rock en tour. Ok Computer es ya una grabación clásica de la música contemporánea, y es durante la gira de este disco –que inició en Barcelona en 1997 y terminó en Nueva York, tras 104 conciertos– que este documental se construye en base a tomas en directo, tras bambalinas, entrevistas y una serie de material alterno que hacen de este trabajo uno más experimental de lo normal.

Tras el éxito y trascendencia del festival de Woodstock, muchos otros proyectos parecidos se llevaron a cabo. Este documental muestra uno de los más peculiares, mismo que fue conocido como Festival Express, especie de “compañía itinerante” que durante cinco días de ese emblemático 1969 ofreció conciertos en todas las paradas que hizo desde Toronto hasta Calgary, en Canadá. Entre los grupos y músicos participantes de esta singular gira se encuentran Janis Joplin, The Band, The Grateful Dead, Delaney & Bonnie y Buddy Guy, entre otros.

Domingo 20

Domingo 20

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101 Depeche Mode 101 D y E: David Dawkins, Chris Hegedus y D. A. Pennebaker. P: Gran Bretaña-Estados Unidos, 1989. F en C: Crystal Griffiths, Andre Jackamets, Rosemary Tomosky-Franco y Kevin Walker. Prod: Mute Films, Pennebaker Associates, Vision Video, Frazer Pennebaker.

Dur: 117 mins.

El amor es un perro infernal Crazy Love D: Dominique Deruddere. P: Bélgica, 1987. G: Dominique Deruddere y Marc Didden, basado en relatos de Charles Bukowski. F en C: Willy Staasen. E: Ludo Troch. M: Raymond van het Groenewoud; canciones varias. Con: Josse De Pauw (Harry Voss), Geert Hunaerts (Harry, 12 años), Michael Pas (Stan), Gene Bervoets (Jeff), Amid Chakir (Bill), Florence Béliard (la princesa), Carmela Locantore (Gina).

Prod: Multimedia, Alain Keytsman. Dur: 90 mins.

1988 fue un año de suma importancia para Depeche Mode, pues con la gira de su disco Music for the Masses lograron captar la atención tanto del público mainstream como de los circuitos underground de la música electrónica. El concierto que realizaron en el Rose Bowl de Califronia fue el 101 (y último) de la gira, y es de ese suceso de donde se desprende este documental y concierto, hoy día ya un clásico. Co-realizado por D. A. Pennebaker, autor del igualmente célebre documental de Bob Dylan Dont Look Back.

Los tres episodios de este filme sobre la inocencia perdida están basados en la salvaje prosa de Bukowski, aunque atemperada por la sensibilidad europea. Precisamente uno de esos filtros es la música utilizada; en el segundo acto, el protagonista tiene 19 años, alma de poeta, el rostro deformado por un atroz caso de acné y un particular gusto por torturarse en soledad, escuchando himnos clásicos al amor desdichado como “Love Hurts”, de Roy Orbison. En ocasiones, el rock también es dolor…

Martes 22

Martes 22

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Metal.

A Headbanger’s Journey Metal. A Headbanger’s Journey D y G: Sam Dunn, Scot McFadyen y Jessica Joy Wise. P: Canadá, 2005. F en C: Brendan Steacy. M: Varios. E: Mike Munn.

Con: Tony Iommi, Dee Snyder, Slayer, Alice Cooper, Slipknot, Rob Zombie, Vince Neil, Bruce Dickinson, Ronnie James Dio, Cannibal Corpse, Lemmy. Prod: Banger Productions, 235 Films, Chum Television, Government of Ontario, Sam Dunn, Scot McFadyen. Dur: 96 mins.

Global Metal Global Metal D y G: Sam Dunn y Scot McFadyen. P: Canadá, 2008. F en C: Martin Hawkes. M: Varios. E: Christopher Donaldson y Lisa Grootenboer. Con: Rafael Bittencourt, Adrian Smith, Dave Murray, Max Cavalera, Tom Araya, Kerry King, Lars Ulrich, Marty Friedman, Bruce Dickinson, Barney Greenway, Kobi Farhi. Prod: Banger Productions, Sam Dunn, Scot McFadyen. Dur: 93 mins.

Sam Dunn es un fanático de la música metal prácticamente desde niño, pero también es un antropólogo que, en compañía de Scot McFadyen, decidió emprender un estudio sobre el género musical que ha definido su personalidad, incluyendo sus orígenes, para abordarlo más como un fenómeno cultural que como una suma de controversias. Apoyado en entrevistas con reconocidos exponentes, esta obra abre una discusión sobre la razón por la cual este género musical es amado por un grupo fiel de seguidores, a la par que es denostado por amplios sectores de la sociedad.

Prosiguiendo con su investigación antropológica sobre el mundo del metal, Dunn y McFadyen emprenden un viaje por Sudamérica, Asia y el Medio Oriente visitando las sedes más reconocidas de la escena metalera, ahora con el objetivo de realizar un estudio sobre el comportamiento de las audiencias y la recepción de las distintas formas de hacer metal en el mundo: el death indonesio, el black de la República Popular China o el trash metal iraní, dejando en claro que los nuevos fans no se limitan a lo hecho en occidente.

Martes 22, miércoles 23,

Martes 22, miércoles 23,

jueves 24 y sábado 25

jueves 24 y sábado 25

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Metallica: The Complete Story D: Simon Bisset. P: Estados Unidos, 2008. Dur: 150 mins.

Public Enemy: Welcome to the Terrordome Public Enemy: Welcome to the Terrordome D: Robert Patton-Spruill. P: Estados Unidos, 2007. F en C: Richard Moos, Todd Walker, Michael Norville, Jon Marc Sandifer, Maxie Collier, Robert Jett, Sharman Perskin, Louis Tash, Jonas Durfor, Tim Palmer, Chang Cho, Justin Bradshaw, JFW Don III, Joanna Hunsberger, Josh Martin, Kathyrn Payne, William Durfor, John Dunfor, Andrew Johnson, Nozomi A. Johnson. E: Beecher Cotton. M: Public Enemy. Prod: Lathan Hodge, Walter Leaphart. Dur: 100 mins.

Dist: Ambulante.

Este trabajo es una reedición de Metallica: Dark Souls y Aural Aphetamine: Metallica & The Dawn of Trash, un par de documentales clásicos de la banda encargada de hacer que un género musical rudo y underground como el trash metal brincara de las cocheras californianas a lo más selecto de la escena mundial. Mezclado con pietaje nunca antes visto, recorre la historia de una de las bandas más influyentes del último cuarto del siglo XX, desde sus inicios a fines de los setenta y hasta su más reciente renacimiento, después de algunos trabajos fallidos.

Public Enemy se asoma al mundo de uno de los grupos más influyentes en la historia del hip hop. El documental se interna tras bastidores —donde vemos a Chuck D y a Flavor Flav interactuando— y ofrece al espectador un asiento de primera fila en los conciertos que la banda ha dado por todo el mundo. Incluye una serie de entrevistas con los Beastie Boys, Tom Morello (de Audioslave y Rage Against The Machine), Henry Rollins, Talib Kweli y Jonathan Davis (de Korn), quienes también intervienen en la biografía fílmica de este legendario grupo.

Miércoles 23

Miércoles 23

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El luchador The Wrestler D: Darren Aronofsky. P: Estados Unidos-Francia, 2008. G: Robert Siegel. F en C: Maryse Alberti. E: Andrew Wiesblum. M: Clint Mansell; canciones varias. Con: Mickey Rourke (Randy The Ram Robinson), Marisa Tomei (Cassidy), Evan Rachel Wood (Stephanie), Mark Margolis (Lenny), Todd Barry (Wayne), Judah Friedlander (Scott), Ernest Miller (The Ayatollah). Prod: Wild Bunch, Protozoa Pictures, Saturn Films, Sessions Payroll Management, Darren Aronofsky, Scott Franklin. Dur: 112 mins.

Gogol Bordello sin parar Gogol Bordello Non-Stop D, F en C y E: Margarita Jimeno. P: Estados Unidos, 2007. Prod: Margarita Jimeno y Darya Zhuk. Dur: 87 mins. Dist: Ambulante.

El protagonista de este filme, luchador estrella en los años ochenta, ha visto pasar sus mejores días, por lo que ahora se presenta en centros comunitarios y arenas locales. Obviamente, la nostalgia forma parte importante del asunto; como dice The Ram, el luchador protagonista, “la música de hoy no es lo que solía ser”, y para comprobar el punto, resuena entre caída y caída una efectiva selección de piezas de la época de oro de la melena metalera oxigenada, interpretadas por Guns N´Roses, Scorpions, Quiet Riot, Ratt, Cinderella, Accept y Slaughter, entre otras bandas.

La documentalista colombiana Margarita Jimeno y su cámara siguen de cerca la trayectoria de Eugene Hütz, el fundador del grupo de música gitana-punk Gogol Bordello. Este trabajo se construye a través de un extenso periodo de cinco años dentro de la escena de la música rusa en Nueva York, donde seguimos la maratónica gira de la banda y somos testigos de la inesperada transformación de estas figuras de culto underground en celebérrimo fenómeno internacional.

Jueves 24

Viernes 25

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De veras me atrapaste De veras me atrapaste D: Gerardo Pardo Neria. P: México, 1983. G: Gerardo Pardo y Tony Pardo. F en C: Óscar Palacios. M: Manchuria. E: Gerardo Pardo y Óscar Palacios. Con: Lucy Reina (Aída), Gerardo de la Peña (El Humo), Tenoch Ramos (Tenoch), Annette Fradera (Laura), Armando Martín (Pecas), Claudio Brook (padre de Aída), Eduardo López Rojas (El Tira) Prod: Manuel Barbachano Ponce, Gerardo Pardo.

Dur: 93 mins.

Iron Maiden: Flight 666 Iron Maiden: Flight 666 D y G: Sam Dunn y Scot McFadyen. P: Estados Unidos, 2009.

F en C: Martin Hawkes. M: Iron Maiden. E: Lisa Grootenboer, Wendy Hallam Martin y Mike Munn. Con: Steve Harris (bajista), Bruce Dickinson (vocalista), Dave Murray (guitarrista), Adrian Smith (guitarrista), Janick Gers (guitarrista), Nicko McBrain (batería). Prod: Banger Films, Phantom Music Management, EMI, Banger Productions, Sam Dunn, Scot McFadyen. Dur: 112 mins.

Esta película, ópera prima de Gerardo Pardo, es una curiosidad del cine mexicano.

Juventud, rebeldía, romance, rock, drogas, violencia, conservadurismo, intolerancia y… hasta un fantasma llamado El Humo, roquero seductor que representa a un moderno Virgilio (psicoguía) en el viaje de liberación de una joven provinciana que dejó a su familia y a su prometido para instalarse en la bulliciosa ciudad de México de los años ochenta.

Los directores del díptico Metal y Global Metal se montaron por 45 días al Ed Force One, el avión de Iron Maiden, para acompañarlos en su monumental gira Somewhere Back In Time. El resultado es un documento sin precedentes por dos razones: es la primera vez que los integrantes de la Doncella de Hierro permitieron que se les documentara en tour y además, el ánimo antropológico de los directores rompe con la figura típica del rockstar: nos muestra hombres comunes desempeñando el trabajo que los apasiona.

Viernes 25

Sábado 26

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Favela a todo volumen

Favela on Blast D y Prod: Leandro HBL y Wesley Pentz. P: Brasil, 2007. F en C: Leandro HBL. E: Ricardo Mehedff y Breno Fortes. Dur: 80 mins.

Dist: Ambulante.

Zoé 281107 Zoé 281107 D y E: Gabriel Cruz Rivas y Rodrigo Guardiola Zierold. P: México, 2008. G: Gabriel Cruz Rivas, Rodrigo Guardiola Zierold y Zoé. F en C y B/N: Kenji Katori y Guillermo Garza. M: Zoé. Con: León Larregui, Sergio Acosta, Ángel Mosqueda, Jesús Báez, Rodrigo Guardiola. P: Pablo García Gatterer, Humberto Hinojosa, Zoé. Dur: 84 mins. Dist: EMI.

Favela a todo volumen se aleja de la tradición cinematográfica de representar exclusivamente la pobreza y la violencia de las favelas de Río de Janeiro para dar cuenta del lado más creativo y vital de esos barrios marginados. El funk carioca es un género que combina música electrónica americana de los años ochenta y ritmos brasileños. El documental nos adentra en el universo particular de esta subcultura y en la vida de los funkeiros —aficionados al baile—, DJ’s y MC’s que se reúnen a escuchar los ritmos funk a todo volumen.

Este documental, codirigido por Rodrigo Guardiola, baterista de Zoé, registra el concierto con el que la banda celebró su décimo aniversario, el 28 de noviembre de 2007 en el Palacio de los Deportes de la ciudad de México, e incluye entrevistas con los miembros del grupo, testimonios de amigos y seguidores, así como pasajes de la gira de aquel año. Se trata de un retrato íntimo de una de las bandas de rock más importantes que ha dado México.

Domingo 27

Sábado 26

Esta película continuará su exhibición hasta el día domingo 4 de octubre.

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Los Vaqueros de Leningrado en América Leningrad Cowboys Go America D: Aki Kaurismäki. P: Finlandia-Suecia, 1989. G: Aki Kaurismäki, Sakke Järvenpää y Mato Valtonen. F en C: Timo Salminen. E: Raija Talvio. M: Mauri Sumén; canciones varias. Con: Los Vaqueros de Leningrado (Mauri Sumén, Sakke Järvenpää, Heikki Keskinen, Pimme Korhonen, Sakari Kuosmanen, Puka Oinonen, Silu Seppälä, Mato Valtonen y Pekka Virtanen), Matti Pellonpää (Vladimir), Kari Väänänen (Igor), Jim Jarmusch (vendedor de autos). Prod: Esselte Video, Finnish Film Foundation, Finnkino, Svenska Filminstitutet, Villealfa Filmproduction, Katinka Faragó, Klas Olofsson, Aki Kaurismäki.

Dur: 78 mins.

Desde algún lugar de la tundra finlandesa llega esta inclasificable banda, cuya música original era una mezcla de polka, folk finlandés y canciones populares rusas. Encabezados por un representante en busca de fama y fortuna, llegan a Nueva York, se reinventan como un grupo de rock (pero sin abandonar el colosal copetazo y los zapatos de duende lisérgico) y, a bordo del Cadillac usado que les vende Jim Jarmusch, se lanzan a cruzar todo Estados Unidos intentando llegar a México. Esta excéntrica road movie en tono de farsa nos demuestra que el espíritu rockero no conoce fronteras ni idiomas: es el verdadero lenguaje universal.

Domingo 27

Rock en el Cine es un ciclo organizado por la Cineteca Nacional y la estación Reactor 105.7 del Instituto Mexicano de la Radio.

La Cineteca Nacional agradece a las estaciones Interferencia 7diez del IMER y W Radio, así como a MTV y Telehit su apoyo en la difusión de este ciclo.

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Semana de

Cine N贸rdico

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C

onvocadas por el adjetivo “nórdico”, automáticamente vienen a la imaginación imágenes de nieve, fiordos, llanuras heladas, gigantes de dientes blanquísimos envueltos en pieles… pero también en una segunda oleada, por contraste, ciudades modernísimas, veranos restallantes, diseño de líneas depuradamente simples, costumbres de avanzada, y por supuesto, cine; un cine peculiar y de trazo único.

Si “infancia es destino” según Freud —Dr. Sigmund Freud—, latitud es más que destino: es una forma de ver y vivir; de percibir y expresar… y sobre todo, de reflexionar sobre las honduras del alma y la conducta humanas.

De Sjöström y Bergman a Kaurismaki, Vinterberg o Von Trier, corre una línea invisible y sin embargo tangible: la condición de vivir en el extremo, en el techo del mundo, en el norte-norte.

Como en años anteriores, el cine nórdico llega a nuestro país y como suele ocurrir, viene bien representado: el ciclo que esta vez se presenta trae nombres destacados, obras premiadas, nuevos cineastas y sobre todo, propuestas variadas.

Seis ficciones y tres documentales, realizados todos en los últimos tres años, provenientes de Finlandia, Noruega, Dinamarca y Suecia, en coproducciones con Europa o bien en forma solista, confirman el alto nivel cualitativo alcanzado por las cinematografías nórdicas.

La oferta de este ciclo es, pues, tan amplia y diversa como interesante: con temas que van desde la resistencia durante la Segunda Guerra Mundial —como en la recreación histórica de la lucha antinazi de los legendarios daneses Flama y Citrón—, o la observación intimista de la crisis de pareja en El corazón del cielo —del sueco Simon Staho—, hasta una ácida y burlona visión de las supuestas bondades de la conocida “terapia del pensamiento positivo”, en El arte del pensamiento negativo, debut fílmico del noruego Bard Breien; y nombres como Bent Hamer —con el agridulce retrato de un maquinista jubilado que intenta adaptarse a su nueva vida en O’Horten— o Nils Gaup —que presenta el absorbente drama histórico La rebelión Kautokeino, acerca de la rebelión religiosa-cultural vivida en el siglo XIX en su pueblo natal—, ambos ganadores de premios y reconocimientos internacionales. Toca a Finlandia abrir las actividades con La casa de las mariposas negras, segundo largometraje de Dome Karukoski, que aborda el dificultoso y aún doloroso tránsito de la adolescencia en un hogar para jóvenes con problemas.

En cuanto a la visión documental, tanto la original reflexión planteada en Todo es relativo, que inquieta por su austera mirada sobre la relatividad de los valores, como Extraños acontecimientos de Kanerva Cederström, que muestra facetas desconcertantes de ciudades y habitantes, por temperamento, tempo y forma, no podrían ser películas más que nórdicas.

Por último, Praderas de roca, que combina la espectacular belleza de los paísajes himalayos con la descripción de la dureza de vivir en ellos, es sin duda la mejor confirmación de que, sí, también latitud es destino.

Susana López Aranda Cineteca Nacional

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La casa de las mariposas negras Tummien perhosten koti D: Dome Karukoski. P: Finlandia, 2008. G: Marko Leino, basado en la novela homónima de Leena Lander. F en C: Pini Hellstedt. M: Panu Aaltio. E: Harri Ylönen. Con: Niilo Syväoja (Juhani Johansson), Tommi Korpela (Olavi Harjula), Kristiina Halttu (Irene Harjula), Kati Outinen (Tyyne), Pertti Sveholm (Erik Johansson), Matleena Kuusniemi (Maire Johansson), Eero Milonoff (Salmi). Prod: Mainostelevisio (MTV3), Solar Films, Markus Selin. Dur: 105 mins. PC: Embajada de Finlandia en México.

El arte del pensamiento negativo Kunsten å tenke negativt D y G: Bård Breien. P: Noruega, 2006. F en C: Gaute Gunnari. M: Stein Berge Svendsen. E: Zaklina Stojevska. Con: Fridtjov Såheim (Geirr), Kjersti Holmen (Tori), Henrik Mestad (Gard), Marian Saastad Ottesen (Marte), Kari Simonsen (Lillemor), Kirsti Eline Torhaug (Ingvild). Prod: Maipo Film-og TV Produksjon, Dag Alveberg. Dur: 93 mins. PC: Embajada de Noruega en México.

El joven cineasta Dome Karukoski (Beauty and the Bastard, 2005), construye en su segundo largometraje, ganador de varios Premios Jussi en Finlandia, un melodrama acerca de la prisión tanto física como emocional. Juhani es un adolescente que vive angustiado por una experiencia infantil traumática. Tras emigrar de familia en familia termina en La Isla, una especie de hogar para chicos, donde tendrá que enfrentarse no sólo a las rígidas leyes del rector del lugar, sino a sus propios demonios.

Tras realizar una serie de cortometrajes —entre los que destacan Que será, será (2002) y Solstikk (2003)— Bård Breien dirige y escribe su primer largometraje, en el que ridiculiza la famosa “terapia del pensamiento positivo”.

Los protagonistas de esta ópera prima son un grupo de discapacitados y una psicóloga que intentan contagiar de entusiasmo la vida de Geirr, quien ha quedado minusválido tras un accidente automovilístico… y se niega a dejar su amargura a un lado.

Jueves 3, jueves 10 y domingo 13

Viernes 4

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El corazón del cielo

Himlens hjärta D: Simon Staho. P: Suecia-Dinamarca, 2008. G: Peter Asmussen y Simon Staho. F en C: Anders Bohman. M: Stefan Nilsson. E: janus Billeskov Jansen. Con: Jakob Eklund (Ulf), Lena Endre (Susanna), Maria Lundqvist (Ann), Mikael Persbrandt (Lars), Ingemar Carlehed (abogado). Prod: Trollhättan Film, Jonas Frederiksen. Dur: 95 mins.

PC: Embajada de Suecia en México.

O’Horten O’Horten D y G: Bent Hamer. P: Noruega-Alemania-Francia, 2007. F en C: John Christian Rosenlund. M: KAADA. E: Pål Gengenbach. Con: Baard Owe (Odd Horten), Espen Skjønberg (Trygve Sisener), Githa Nørby (Fru Thøgersen), Bjørn Floberg (Flo), Kai Remlov (Steiner Sissener), Henny Moan (Svea). Prod: Bulbul Films, Pandora Filmproduktion, Bent Hamer. Dur: 90 mins. PC: Embajada de Noruega en México.

El quinto largometraje del director sueco Simon Staho (Bang Bang Orangutang, 2005) inicia con el divorcio de Lars y Susanna para luego revelar, mediante un flashback, la razón de ese distanciamiento. Meses antes, ellos invitaron a cenar a sus mejores amigos Ulf y Ann, pero sus conversaciones los llevaron lentamente hacia la mentira y el adulterio.

Filmada de manera muy estilizada, en su mayoría en un departamento, la película está llena de primeros planos cerrados, lo que significó un gran reto para los cuatro actores.

Después de trabajar durante 40 años como maquinista, el señor O’Horten se ve obligado a jubilarse; a partir de ahora, se da cuenta que el camino que le sigue es un viaje sin itinerarios ni estaciones conocidas. Bent Hamer, reconocido en dos ocasiones con el premio Fipresci —la primera por su ópera prima Eggs (1995) y la segunda por Kitchen Stories (2003)— regresa a la pantalla grande con esta comedia, en donde realiza un melancólico y gracioso retrato de un hombre que tiene que adaptarse a su nueva vida.

Sábado 5 y miércoles 9

Domingo 6 y miércoles 9

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Todo es relativo

Alt er relativt D: Mikala Krogh. P: Dinamarca, 2008. G: Mogens Rukov y Mikala Krogh. F en C: Manuel Alberto Claro y Adam Philp. M: Joachim Holbek. E: Theis Schmidt. Entrevistas: Mogens Rukov y Sara Bro. Prod: SR Film Production ApS, Christina Rank. Dur: 75 mins. PC: Embajada de Dinamarca en México.

Flama y Citrón

Flammen & Citronen D: Ole Christian Madsen. P: Dinamarca-República Checa-Alemania, 2007. G: Lars K. Andersen y Ole Christian Madsen. F en C: Jørgen Johansson. M: Karsten Fundal. E: Søren B. Ebbe. Con: Thure Lindhardt (Flammen), Mads Mikkelsen (Citronen), Stine Stengade (Ketty Selmer), Peter Mygind (Aksel Winther), Mille Hoffmeyer Lehfeldt (Bodil), Christian Berkel (Hoffman). Prod: Nimbus Film Prod., Lars Bredo Rahbek. Dur: 130 mins. PC: Embajada de Dinamarca en México.

¿Acaso nuestros valores, sueños y esperanzas son básicamente universales o reflejan meramente nuestros estilos de vida? Mediante secuencias documentales y material de archivo provenientes de diferentes partes del mundo, Mikala Krogh analiza la concepción de diversas culturas acerca de emociones como la tristeza, la felicidad, el amor y la rabia. Un documental sobre la diversidad y la relatividad de las emociones humanas, filmada, entre otras ciudades, en Maputo, Tokio, Dubai, Dallas y Copenhague.

Madsen dirigió y co-escribió este filme basado en hechos reales, acerca de dos activistas de la resistencia anti-nazi durante la ocupación alemana en Dinamarca. Ambos fueron tan efectivos que los germanos ofrecieron una jugosa recompensa por su captura. En esta mezcla de ficción y documental, vemos el heroísmo de los protagonistas, pero también su lado oscuro y destructivo. Ganador del Bodil a la mejor cinematografía, el filme plantea eficazmente el entorno social colectivo de esta historia inmersa en la guerra.

Martes 8 y sábado 12

Martes 8 y sábado 12

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Extraños acontecimientos Erikoisia tapauksia D, G y E: Kanerva Cederström. P: Finlandia, 2008. F en C: Marko Luukkonen. Con: Irma Junnilainen. Prod: Auli Mantila. Dur: 60 mins. PC: Embajada de Finlandia en México.

La rebelión Kautokeino Kautokeino-opprøret D: Nils Gaup. P: Dinamarca-Noruega-Suecia, 2008. G: Nils Isak Eira, Nils Gaup, Reidar Jönsson y Tone Pelone Wahl. F en C: Philip Øgaard. M: Marie Boine. E: Jan-Olof Svarvar y Tomas Täng. Con: Anni-Kristiina Juuso (Elen Skum), Aslat Mahtte Gaup (Mathis Hætta), Mikkel Gaup (Aslak Hætta), Nils Peder Gaup (Mons Somby), Mikael Persbrandt (Carl Ruth), Bjørn Sundquist (Niels Stockfleth). Prod: Rubicon TV, Erik Disch, Tove Kløwik, Jørgen Storm Rosenberg, Jeanette Sundby. Dur: 96 mins. PC: Embajada de Dinamarca en México.

Documental inspirado en las situaciones reales y las experiencias de los citadinos, que suponen un día de viaje en un tren, a través de cuyas ventanas desfilan las avenidas, parques, edificios e historias de una ciudad muy similar a Helsinki. Durante el viaje, lo peculiar y lo ordinario, lo trágico y lo cómico, lo absurdo y lo real, adquieren un significado completamente diferente, bajo una óptica que acerca al espectador a la esencia de la ciudad y a su gente, verdaderos protagonistas de este filme.

La comunidad Sami ha sido históricamente relegada de la vida noruega. No obstante, eso podría cambiar, cuando la tribu dirigida por Elen desencadene una cruenta lucha al negarse a pagar una deuda a Ruth, traficante de alcohol en la región. Basándose en hechos reales, Nils Gaup —nominado a un premio de la Academia en 1987 por El pionero— ganó con este filme cuatro premios Amanda, otorgrados a lo mejor del cine noruego: mejor actriz, mejor fotografía, mejor diseño de producción y mejor música original.

Jueves 10

Viernes 11

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Praderas de roca Textures D y G: Donagh Coleman. P: Irlanda-Finlandia-Gran Bretaña, 2008.

F en C: Timo Peltonen y Johannes Lehmuskallio. M: Linda Buckley.

E: Breege Rowley. Prod: Illume Oy, Orchid Pictures, Wildfire Films, Yleisradio (YLE), Jouko Aaltonen, Beverley Cook, Martha O’Neill.

Dur: 75 mins. PC: Embajada de Finlandia en México.

Donagh Coleman viajó por vez primera a la India en 1996, y desde entonces ha estado ahí periódicamente para estudiar la cultura y el budismo tibetanos. Algunas de esas experiencias confluyen en Praderas de roca, documental que refleja la dura existencia de una familia de nómadas que habita en el Himalaya a merced de la naturaleza. Con un paisaje tan bello como inhóspito como escenario, y una banda sonora interpretada por los protagonistas, el filme ofrece un emotivo retrato de una comunidad en vías de extinción.

Domingo 13

La Cineteca Nacional agradece a las embajadas de Dinamarca, Finlandia, Noruega y Suecia en México su participación en la elaboración del presente ciclo.

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La Cineteca Nacional lamenta el fallecimiento de

Rosalío Solano

destacado cinefotógrafo, galardonado con la Medalla Salvador Toscano al Mérito Cinematográfico del año 1999.

México, D.F. Septiembre de 2009

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13° Tour de

Cine Francés

E

n los doce años que han transcurrido desde el 1º Tour de Cine Francés, se ha proyectado una vasta selección de lo mejor y más exitoso de dicha cinematografía: Claude Chabrol, André Techiné, Claude Miller, Cédric Klapisch, Claude Lelouch, Agnès Jeoui, Agnès Varda y Nicolas Philibert, por mencionar sólo algunos.

Entre los largometrajes que conforman este 13º Tour de Cine Francés en México, se incluyen El inspector Bellamy, protagonizada por Gérard Depardieu y dirigida por Claude Chabrol, quien ha cumplido ya los cincuenta años como cineasta, con igual número de películas dirigidas. Otros famosos y grandes actores que participan en esta selección de cine galo son Mathieu Amalric, en Confesiones en la familia; Sophie Marceau y Françoise Fabian en LOL@ y Kristin Scott Thomas en Hace mucho que te quiero.

Del director François Ozon (Juegos perversos, 2003) veremos su más reciente filme, Sólo los niños van al cielo, una mezcla de drama, fantasía y comedia. Y del músico, productor y director Christophe Barratier (Los coristas, 2004) se exhibirá Paris 36, historia de época en un barrio popular de París, homenaje a los musicales franceses de los años treinta y cuarenta.

Catherine Bloch Cineteca Nacionall

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El inspector Bellamy Bellamy D: Claude Chabrol. P: Francia-Alemania, 2009. G: Claude Chabrol y Odile Barski. F en C: Eduardo Serra. M: Matthieu Chabrol. E: Monique Fordoulis. Con: Gérard Depardieu (Paul Bellamy), Clovis Cornillac (Jacques Lebas), Jacques Gamblin (Nöel Gentil/Emile Leullet/ Denis Leprince), Marie Bunel (Françoise Bellamy), Vahina Giocante (Nadia Sancho), Marie Matheron (Madame Leullet). Prod: Alicéleo, Patrick Godeau. Dur: 110 mins. Dist: Cinemas Nueva Era.

El cuarto de los muertos La chambre des morts D y G: Alfred Lot. P: Francia, 2007. G: Alfred Lot, basado en la novela homónima de Franck Thilliez. F en C: Jérôme Alméras. M: Nathaniel Mechaly. E: Maryline Monthieux. Con: Mélanie Laurent (Lucie Hennebelle), Éric Caravaca (Moreno/Pierre Norman), Gilles Lellouche (Sylvain), Jonathan Zaccaï (Vigo), Céline Sallette (Annabelle), Laurence Côte (Alex). Prod: Produire à Paris, Charles Gassot.

Dur: 118 mins. Dist: Cinemas Nueva Era.

Tras haber cumplido cincuenta años como director, Claude Chabrol (El bello Sergio, 1958) nos ofrece nuevamente una aguda disección de la pequeña burguesía francesa de provincia, mediante la historia del alter ego del inspector Maigret: el inspector Bellamy. Éste pasa las vacaciones de verano en la vieja casona familiar de su mujer, lugar hasta donde llegan un fugitivo en busca de su protección y su hermano Jacques, un alcohólico. La música del filme es un homenaje al poeta y cantautor francés Georges Brassens.

Filmada cámara en mano por Jérôme Alméras en diversas regiones del norte de Francia, esta historia policiaca se centra en un par de desempleados que una noche, después de atropellar a un hombre, descubren que éste llevaba un maletín con dos millones de euros.

De manera inexplicable, al día siguiente la policía descubre en el mismo lugar el cuerpo de una niña víctima de un secuestro. Dichos acontecimientos darán pie para que una joven inspectora con gran intuición investigue su primer caso.

Viernes 11

Sábado 12

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Confesiones en familia Un conte de Nöel D: Arnaud Desplechin. P: Francia, 2008. G: Arnaud Desplechin y Emmanuel Bordieu. F en C: Eric Gautier. M: Grégoire Hetzel.

E: Laurence Briaud. Con: Catherine Deneuve (Junon), Jean-Paul Roussillon (Abel, esposo de Junon), Anne Consigny (Elizabeth, la hija mayor), Mathieu Amalric (Henri, el hijo del medio), Mevil Poupaud (Ivan, el hijo pequeño), Hippolyte Girardot (Claude, esposo de Elizabeth), Emmanuelle Devos (Faunia, novia de Henri). Prod: Why Not Productions, Pascal Caucheteux. Dur: 150 mins. Dist: Cinemas Nueva Era.

LOL@ LOL - Laughing Out Loud D: Lisa Azuelos. P: Francia, 2008. G: Lisa Azuelos y Nans Delgado. F en C: Nathaniel Aron. E: Stan Collet. Con: Sophie Marceau (Anne), Christa Theret (Lola), Alexandre Astier (Alain), Jocelyn Quivrin (Lucas), Jérémy Kapone (Maël), Françoise Fabian (mamá de Anne), Louis Sommer (Mehdi). Prod: Pathé, Bethsabée Mucho, TF1 Films Production, M6 Films, Romain Le Grand. Dur: 107 mins. Dist: Cinemas Nueva Era.

Desplechin dirige por cuarta ocasión al actor Mathieu Amalric en este filme nominado a la Palma de Oro en Cannes 2008. El autor se centra, como lo ha hecho a lo largo de su filmografía, en personajes fracasados e incomprendidos, quienes cargan a sus espaldas profundos conflictos emocionales.

Mediante voz en off y pequeños monólogos acompañados de música clásica, irlandesa o hip-hop francófono, Desplechin construye un melodrama donde revela en carne viva las heridas de una familia disfuncional.

La brecha generacional entre los jóvenes y sus padres, sirve como punto de partida para esta historia de la francesa Lisa Azuelos, quien la creó basándose en su experiencia personal. LOL son las siglas de Laughing Out Loud (muerto de risa) en la jerga de Internet, y la forma como llaman a Lola, quien tiene los problemas típicos de una adolescente: está enamorada de un compañero, sus amigos no paran de hacerle bromas y, por si fuera poco, hace tiempo que no se entiende con Anne, su madre.

Domingo 13 y martes 15

Miércoles 16 y jueves 17

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Hace mucho que te quiero Il y a longtemps que je t’aime D y G: Philippe Claudel. P: Francia-Alemania, 2008. F en C: Jérôme Alméras. M: Jean-Louis Aubert. E: Virginie Bruant. Con: Kristin Scott Thomas (Juliette Fontaine), Elsa Zylberstein (Léa), Serge Hazanavicius (Luc), Laurent Grévill (Michel), Frédéric Pierrot (Capitán Fauré), Claire Johnston (madre de Juliette y Lea). Prod: UGCYM, Integral Filme, Yves Marmion. Dur: 115 mins. Dist: Cinemas Nueva Era.

París 36 Faubourg 36 D y G: Christophe Barratier. P: Francia, 2008. F en C: Tom Stern.

M: Reinhardt Wagner. E: Yves Deschamps. Con: Gérard Jugnot (Pigoil), Clovis Cornillac (Milou), Kad Merad (Jacky), Nora Arnezeder (Douce), Pierre Richard (señor TSF), Bernard-Pierre (Galapiat). Prod: Blue Screen Productions, Constantin Film Produktion, France 2 Cinéma, France 3 Cinéma, Galatée Films, Nicolas Mauvernay, Jacques Perrin. Dur: 120 mins. Dist: Cinemas Nueva Era.

El escritor francés Philippe Claudel ganó el premio César en Francia y el Bafta en Inglaterra por esta película, su ópera prima, en la que analiza el encierro y el secreto.

Se cuenta aquí la historia de dos hermanas: Juliette, que acaba de salir de la cárcel después de 15 años de encierro, y Léa, casada y con dos hijas. El silencio de Juliette es una incógnita incluso para su hermana, con quien mantiene un vínculo afectivo casi invisible. Un filme que cuestiona el significado de la familia y las relaciones entre padres e hijos.

Tercer largometraje de Christophe Barratier como director —tras el éxito de Los coristas (Les choristes) en 2004— y ganador en 2009 de dos Étoiles d’Or (premio de la prensa francesa de cine) y un Premio Lumière. Este filme representa un homenaje a los musicales franceses de los años treinta, en el que el realizador muestra la historia de Faubourg, barrio popular ubicado al norte de París, en el que tres obreros desempleados, junto con el vecindario, deciden producir un musical en un teatro abandonado.

Viernes 18

Sábado 19

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Por ella Pour elle D: Fred Cavayé. P: Francia, 2008. G: Fred Cavayé y Guillaume Lemans. F en C: Alain Duplantier. M: Klaus Badelt. E: Benjamin Weil.

Con: Vincent Lindon (Julien), Diane Kruger (Lisa), Lancelot Roch (Oscar), Olivier Marchal (Henri Pasquet), Hammou Graïa (comandante Susini). Prod: Fidélité Films, Olivier Delbosc, Eric Jehelmann, Marc Missonnier. Dur: 96 mins. Dist: Cinemas Nueva Era.

Mi gran fiesta judía Coco D: Gad Elmaleh. P: Francia, 2009. G: Gad Elmaleh y Caroline Thivel. F en C: Gilles Henry. E: Jennifer Augé. Con: Gad Elmaleh (Coco), Pascale Arbillot (Agathe), Manu Payet (Steve), Jean Benguigui (Zerbib), Ary Abittan (Max), Daniel Cohen (Mimo). Prod: Légende Films, KS2 Productions, Studio Canal, TF1 Films Production, Ilan Goldman. Dur: 95 mins. Dist: Cinemas Nueva Era.

¿Hasta dónde es capaz de llegar un hombre para defender a su pareja? Ésta es la pregunta que Fred Cavayé se plantea en Por ella, su largometraje debut como director. Lisa y Julien son un matrimonio afortunado que ve pasar sus días sin mayores contratiempos al lado de su hijo Oscar. Sin embargo, lo que creían perfecto se desvanece una mañana, cuando ella es arrestada por la policía y posteriormente condenada a veinte años en prisión por su presunta responsabilidad en un caso de asesinato.

Basado en un personaje creado para su show La Vie Normale, el comediante marroquí Gad Elmaleh escribió, dirigió y protagonizó este filme. Coco es un hombre de 40 años que empezó de la nada, siendo inmigrante, y consolidó una carrera gracias a su invención: agua mineral “chispeante”. Su más grande consagración está por llegar: el Bar Mitzvah de su hijo Samuel. Obsesionado con el evento, Coco actúa desmesuradamente y llega casi a la locura, sin percatarse que con ello está alejando a su familia y amigos.

Domingo 20 y martes 22

Miércoles 23

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Sólo los niños tienen alas Ricky D: François Ozon. P: Francia, 2009. G: Emmanuèle Bernheim. F en C: Katia Wyszkop. M: Philippe Rombi. E: Muriel Breton. Con: Alexandra Lamy (Katie), Sergi López (Paco), Mélusime Mayance (Lisa), Arthur Peyret (Ricky), André Wilms (médico), Jean-Claude Bolle-Reddat (periodista). Prod: Claudie Ossard, Chris Bolzli. Dur: 90 mins. Dist: Cinemas Nueva Era.

Secreto de Estado Secret défense D: Philippe Haïm. P: Francia, 2008. G: Philippe Haïm y Julien Sibony. F en C: Jérôme Alméras. M: Alexandre Azaria. E: Sylvie Landra. Con: Gérard Lanvin (Alex), Vahina Giocante (Diane/Lisa), Nicolas Dovauchelle (Pierre), Simon Abkarian (Al Barad), Rachida Brakni (Leïla/Chadia), Mehdi Nebbou (Ahmed). Prod: UGC YM, Yves Marmion. Dur: 100 mins. Dist: Cinemas Nueva Era.

Nominada al Oso de Oro en el Festival de Berlín de 2009, Sólo los niños van al cielo es una mezcla de géneros cinematográficos —drama, fantasía y comedia— en la que François Ozon (Swimming Pool, 8 mujeres, 5x2) rompe con cualquier expectativa. La historia es muy sencilla: Katie, madre soltera, conoce a Paco, y de su relación nace Ricky, un bebé que a simple vista parece de lo más normal. Pero con este nuevo miembro de la familia sucede algo extraordinario: tiene alas, justo como un ángel.

Tercer largometraje de Haïm, después de Barracuda (1997) y Les Dalton (2004). Esta vez, el realizador —quien también se ha destacado por musicalizar alrededor de una decena de películas— une en su historia los destinos de Diane y Pierre. Ella es una estudiante enrolada por la DGSE (Dirección General de la Seguridad Exterior); él, un delincuente reclutado por una red terrorista. Ambos son soldados de una guerra sin concesiones en nombre de dos ideologías opuestas; no obstante, comparten el mismo destino.

Jueves 24

Viernes 25 y sábado 26

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La chica de Mónaco La fille de Monaco D: Anne Fontaine. P: Francia, 2008. G: Benoît Graffin y Anne Fontaine. F en C: Patrick Blossier. M: Philippe Rombi. E: Maryline Monthieux. Con: Fabrice Luchini (Bertrand Beauvois), Roschdy Zem (Christophe Abadi), Louise Bourgoin (Audrey Varella), Stéphane Audran (Édith Lasalle), Gilles Cohen (Louis Lasalle), Alexandre Steiger (Alain). Prod: Canal+, CinéCinéma, Pyramide Productions, Soudaine Compagnie, Philippe Carcassonne, Bruno Pésery. Dur: 95 mins.

Dist: Cinemas Nueva Era.

No importa cuánto éxito o el poder tengas; ni siquiera que tu vida esté bajo control: el amor y el sexo pueden hacerte perder la razón, para bien o para mal. Ésta es la premisa de La chica de Mónaco, thriller cómico que explora el lado oscuro del deseo. Bertrand Beauvois, un abogado brillante, viaja a Mónaco para trabajar en un caso de asesinato. Allí recibirá la protección de un guardaespaldas. La relación de ambos cambiará cuando el dueto se convierta en trío, con la aparición de una sensual joven que trastocará sus vidas.

Domingo 27

58

Short Shorts

Film Festival México 2009 Festival Internacional de Cortometrajes de México (FICMEX)

La cuarta edición de Short Shorts Film Festival México se llevará a cabo del 3 al 11 de septiembre en Cineteca Nacional y Cinemex Insurgentes y Altavista.

Competencia oficial México Cine. Competencia oficial México Video. Competencia oficial Iberoamericana. Competencia oficial Internacional.

Muestra Asiática de cortometrajes producidos en China, Corea, Vietnam, Singapur, Hong Kong, Taiwán, Tailandia, Sri Lanka, etc.….

Muestra Japonesa de cortometrajes, con la más reciente producción en formato corto de este país asiático.

Muestra Internacional de filmes cortos de Noruega, Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido, Bélgica, Estados Unidos, Canadá, Turquía, Francia, Hungría, Suiza e Israel, entre otros.

KIMUAK (Cortos Vascos). Presentación especial dedicada al festejo de la distribuidora de cortometrajes Vascos por su 11º aniversario.

Festival invitado. Proyección de cortometrajes españoles presentados en el Festival Internacional de Cine de Móstoles 2009 en Madrid.

60

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Una Mirada en Corto: Directores contemporáneos. Curaduría enfocada en presentar el trabajo de directores consagrados a nivel mundial, aclamados por la crítica internacional, entre ellos, Carlos Reygadas, Godfrey Reggio, Roy Andersson, Philippe Grandrieux y Amat Escalante.

AFTER WAR: Tres cortometrajes digitales: Survival Game, de Moon Seung-Wook; The New Year, de Wang Xiaoshuai, y Letter from Hiroshima, de Nobuhiro Suwa.

Largo en Corto: Largometrajes que se componen de varias historias distintas dentro de la misma propuesta: Cada quien su cine (2007): Para celebrar el 60 aniversario del Festival Internacional de Cine de Cannes en 2007, su presidente, Gilles Jacob, decidió convocar a importantes realizadores provenientes de los cinco continentes para expresar su sentir por el cine, y específicamente, por sus salas. El resultado ha sido un filme compuesto por 31 cortometrajes, no mayores a tres minutos de duración. El trabajo final está dedicado a la memoria de Federico Fellini. Participaron Théo Angelopoulos, Olivier Assayas, Bille August, Jane Campion, Youssef Chahine, Chen Kaige, Michael Cimino, David Cronenberg, Jean-Pierre y Luc Dardenne, Manoel de Oliveira, Raymond Depardon, Atom Egoyan, Amos Gitaï, Hou Hsiao Hsien, Alejandro González Iñárritu, Aki Kaurismäki, Abbas Kiarostami, Takeshi Kitano, Andrei Konchalovsky, Claude Lelouch, Ken Loach, Nanni Moretti, Roman Polanski, Raoul Ruiz, Walter Salles, Elia Suleiman, Tsai Ming-liang, Gus Van Sant, Lars Von Trier, Wim Wenders, Wong Kar-Wai, Zhang Yimou y David Lynch.

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E

TOKYO!

n TOKYO!, tres directores visionarios presentan un TOKYO! antológico tríptico que examina la naturaleza de una D y G: Michel Gondry (“Interior Design”), Leos Carax (“Merde”), Bong Joon Ho (“Shaking Tokyo”) P: Francia-Japón-Corea del Sur“inolvidable ciudad, conformada por personas disparataAlemania. Dur: 110 mins. das que viven, trabajan (y se vuelven locos) dentro de una enorme, constantemente envolvente y densamente poblada megalópolis japonesa: La deslumbrante e inimitable Tokio.

Tríptico, rapsodia psicogeográfica, urbe enamorada, espectáculo fenómeno y otras cosas más, TOKYO! Es una fantasía en tres movimientos que te hacen ver uno de las más grandes ciudades del mundo en impredecibles y deslumbrantes nuevas formas.

En la tradición de películas como Historias de Nueva York, Noche en la tierra, Paris te amo y su próxima secuela, Nueva York te amo, TOKYO! nos hace preguntarnos si nosotros le danos forma a la ciudad, o la ciudad nos da forma a nosotros. Lo incuestionable es que en este proceso se revela toda la riqueza humana inmersa en el corazón de una vida urbana moderna. TOKYO! fue parte de la Selección Oficial del Festival de Cannes, dentro de la sección Una cierta mirada.

Cortos de animación PIXAR: Empresa líder y pionera en animación por computadora, creadora de los éxitos Toy Story 1 y 2, Bichos y Los Increíbles, por mencionar sólo algunos, compila por primera vez los cortos que anteceden sus largos. Así que tendremos el estreno en México de Las aventuras de André y Wally B., Luxo Jr., El sueño de Red, Juguete de hojalata, Knick Knack, El juego de Geri, Para los pájaros, El nuevo coche de Mike, Saltando, El ataque de Jack-Jack, Hombre orquesta, Mater y la luz fantasma y Recogido.

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Programa doble I: El Universo de Peter Brook

Brook por Brook: retrato íntimo Brook by Brook D y G: Simon Brook. P: Francia, 2002. F en C: Simon Brook, Pascal Sutra-Furcade, Emmanuel Bastien y Phillippe Dorelli. M: Dennis Barbier y Silvana Di Martino. E: Josie Milievic. Testimonios: Peter Brook. Prod: Agat Films & Cie, ARTE France, Dum Dum Films, Derives, Radio Télévision Belge Francophone, Yvon Davis. Dur: 75 mins.

La tragedia de Hamlet The Tragedy of Hamlet D: Peter Brook. P: Gran Bretaña-Francia-Japón, 2002. G: Peter Brook y Marie-Hélène Estienne, basados en la pieza teatral Hamlet de William Shakespeare. F en C: Ricardo Aronovich. M: Toshi Tsuchitori. E: Nicolas Gaster. Con: Adrian Lester (Hamlet), Natasha Parry (reina Gertrudis), Jeffery Kissoon (Claudio/fantasma), Bruce Myers (Polonio/enterrador), Scott Handy (Horacio), Shantala Shivalingappa (Ofelia), Rohan Siva (Guildenstern/Laertes). Prod: BBC, ARTE France, NHK Japan, Agat Films & Cie, Jane Weiner, Yvon Davis. Dur: 134 mins.

E

l teatro moderno no sería igual sin Peter Brook. Dirigió su primera obra en 1945, introduciendo a la Gran Bretaña las vanguardistas propuestas escénicas de Sartré o Cocteau. Entre William Shakespeare o Peter Weiss, Brook propició la intertextualidad del teatro con el resto de las artes, despojándolo de artificios y convirtiendo al director en el autor de la puesta en escena. Su intensa actividad escénica se complementa con una filmografía en la cual alternan la adaptación de sus propias escenificaciones (Marat/Sade, 1967) y sus acercamientos a la obra de Shakespeare. Este programa doble presenta una minimalista adaptación de La tragedia de Hamlet que Brook realizó para la televisión inglesa en el 2002, buscando acercarse a la médula misma de la historia, mientras que en Brook por Brook: retrato íntimo, documental realizado por su hijo Simon, los recuerdos familiares y profesionales del artista alternan con algunos pasajes en los cuales nos comparte su filosofía vital.

José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional Martes 1º, miércoles 2 y sábado 5

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Programa doble II: La conspiración de Iván

Permanencia voluntaria

La conspiración de los boyardos Ivan Groznyy II: Boyarsky zagovor D y G: Sergei Eisenstein. P: URSS, 1946. F en B/N y C: Andrei Moskvin y Eduard Tisse. M: Sergei Prokofiev. E: Eleonora Praksina y Esfir Tobak. Con: Nikolai Cherkasov (zar Iván IV), Serafima Birman (Boyarina Efroisinia Staritskaya), Pavel Kadochnikov (Vladimir Andreyevich Staritsky), Mikhail Zharov (guardia Malyuta Skuratov), Amvrosi Buchma (guardia Aleksei Basmanov), Vsevolod Pudovkin (Nikolay), Mikhail Kuznetsov (Fyodor Basmanov). Prod: Alma Ata Studio, Sergei Eisenstein. Dur: 88 mins.

Iván el Terrible Ivan Groznyy I D, G y E: Sergei Eisenstein. P: URSS, 1944. F en B/N: Andrei Moskvin y Eduard Tisse. M: Sergei Prokofiev. Con: Nikolai Cherkasov (zar Iván IV), Lyudmila Tselikovskaya (zarina Anastacia Romanovna), Serafima Birman (Boyarina Efroisinia Staritskaya), Mikhail Nazvanov (príncipe Andrei Kurbsky), Mikhail Zharov (guardia Malyuta Skuratov), Amvrosi Buchma (guardia Aleksei Basmanov), Mikhail Kuznetsov (Fyodor Basmanov). Prod: Alma Ata Studio, Sergei Eisenstein.

Dur: 103 mins.

C

uando Sergei Eisenstein realizó este par de filmes —concebidos como parte de una trilogía que no llegó a terminar— ya era un cineasta consagrado que con cintas como El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (1928), se convertió en el maestro del montaje. Tras una breve estancia en Hollywood, Eisenstein regresó a su tierra para filmar Alexander Nevsky (1938), que enaltecía la figura patriótica de este personaje. Stalin, complacido por su visión nacionalista, encomendó a Eisenstein una saga sobre Iván el Terrible, uno de los zares más crueles y despiadados. Con el apoyo del dictador, quien probablemente veía en el filme una herramienta propagandística para justificar la brutalidad de su régimen, Eisenstein realizó en 1944 Iván el Terrible, obra monumental, mezcla de intriga, traición y violencia, que elevaba la figura del zar a héroe nacional. Dueña de una estética más oscura y expresionista, y con algunos minutos en color, la secuela no corrió con tanta suerte, ya que fue censurada debido al claro paralelismo entre Iván y Stalin, lo que retrasó su estreno hasta 1958, cuando tanto el cineasta como el dictador ya habían muerto.

Orianna Paz Cineteca Nacional Martes 8, miércoles 9 y sábado 12

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Programa doble III: VIVIR PARA MATAR

El asesino del taladro The Driller Killer D: Abel Ferrara. P: Estados Unidos, 1979. G: Nicholas St. John. F en C: Ken Kelsch y Jimmy Spears. M: Joe Delia. E: Bonnie Constant, Michael Constant, Abel Ferrara (Jimmy Laine) y Orlando Gallini.

Con: Abel Ferrara/Jimmy Laine (Reno Miller), Carolyn Marz (Carol Slaughter), Baybi Day (Pamela), Harry Schultz (Dalton Briggs), Alan Wynroth (Al, el propietario), Maria Helhoski (la monja). Prod: Navaron Productions. Dur: 96 mins.

Masacre en cadena The Texas Chain Saw Massacre D: Tobe Hooper. P: Estados Unidos, 1974. G: Kim Henkel y Tobe Hooper. F en C: Daniel Pearl. M: Wayne Bell y Tobe Hooper. E: Larry Carroll y Sallye Richardson. Con: Marilyn Burns (Sally Hardesty), Allen Danziger (Jerry), Paul A. Partain (Franklin Hardesty), William Vail (Kilk), Teri McMinn (Pam).

Prod: Vortex, Tobe Hooper. Dur: 83 mins.

L

a década de los setenta es conocida por presentar una cierta cruda moral y social como respuesta a la vertiginosa década anterior. En Estados Unidos la decepción post-Vietnam caló hondo en el inconsciente colectivo, que encontró en el cine de violencia un reflejo de esta era de incertidumbre y pesimismo. Fue así que el cine de horror independiente encontró nuevas vetas realistas por explorar, mismas que se vieron plasmadas en películas como Masacre en cadena y El asesino del taladro. La primera, filmada con escaso presupuesto, está parcialmente inspirada en los crímenes cometidos por el asesino en serie Ed Gein en Wisconsin —mismo que también inspiró Psicosis (1960)—, y sigue la historia de un grupo de jóvenes que viaja a Texas para descubrir si la tumba de sus padres ha sido profanada; no obstante, su estancia en la región les depara una desagradable sorpresa. Por otro lado, El asesino del taladro narra cómo un pintor decide un buen día armarse de un taladro eléctrico para eliminar a todos los causantes de su desasosiego.

Miriam Jiménez Cineteca Nacional Martes 15, miércoles 16 y sábado 19

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Programa doble IV: Metal alrededor del mundo

Permanencia voluntaria

Metal: A Headbanger’s Journey

Global Metal *Las fichas técnicas de estos documentales pueden verse dentro del ciclo Rock en el Cine.

S

am Dunn y Scot McFadyen se han especializado en la realización de documentales cuyo tema central es el heavy metal. Antes de dirigir Iron Maiden: Flight 666 (2009), el cual sigue al legendario grupo británico en una de sus recientes giras alrededor del mundo, Dunn y McFadyen hicieron lo propio en Global Metal, al registrar a diversas agrupaciones que componen e interpretan este género musical en países como Indonesia, China, Irán, Brasil, Japón, Israel y Emiratos Árabes Unidos, así como otras ya reconocidas, originarias de Estados Unidos y Gran Bretaña. La formación como antropólogo de Dunn le permitió indagar en la cultura de cada país para analizar su influencia en la obra de las bandas participantes. Lo mismo ocurrió en Metal: A Headbanger’s Journey, donde se exploran las ramificaciones y subgéneros del heavy metal, se establecen sus raíces y se justifican algunas de sus principales temáticas: religión, sexo, violencia y muerte.

Jesús de León Cineteca Nacional Martes 22, miércoles 23 y sábado 26

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Programa 68

Avaricia Greed

D: Erich von Stroheim. P: Estados Unidos, 1924. G: Erich von Stroheim y June Mathis, basados en la novela McTeague de Frank Norris. F en B/N: William Daniels, Ben Reynolds y Ernest B. Schoedsack. M: Carl Davis. E: Joseph Farnham. Con: Gibson Gowland (McTeague), ZaSu Pitts (Trina), Jean Hersholt (Marcus Schouler), Chester Conklin (señor Sieppe), Sylvia Ashton (señora Sieppe), Dale Fuller (Maria), Joan Standing (Selina). Prod: Metro Goldwyn Mayer, Irving Thalberg. Dur: 140 mins.

A

varicia, filme con el cual Von Stroheim intentó plasmar un descarnado realismo en el cine de Hollywood, narra la historia de degradación y destrucción de un matrimonio víctima de la codicia. La magistral forma en la cual el cineasta consiguió retratar la miseria humana, inspirada por su interés en Zolá y otros autores naturalistas, aunada a su monumental duración original de poco más de diez horas de proyección, provocaron que la casa productora MGM mutilara la película sin la aprobación del director.

Jueves 3

Programa 69

Mikael Mikael

D: Carl Theodor Dreyer. P: Alemania, 1924. G: Thea von Harbou y Carl Theodor Dreyer, basados en la novela homónima de Hermann Bang. F en B/N: Karl Freund y Rudolph Maté. Con: Walter Slezak (Mikael), Benjamin Christensen (Claude Zoret), Maxu Auzinger (Jules), Nora Gregor (princesa Lucia Zamikoff), Didier Aslan (Duque de Monthieu), Alexander Murski (señor Adelsskjold), Karl Freund (corredor de arte). Prod: Universum Film (UFA), Erich Pommer. Dur: 90 mins.

M

ikael, un aprendiz de pintor, se vuelve fuente de inspiración para un prestigioso artista plástico, enamorado de su belleza. Sin embargo, la aparición de una joven modelo pondrá en riesgo la amistad y unión espiritual que existe entre ambos. Bajo las sombras y niebla del Expresionismo alemán, el danés Carl Theodor Dreyer orquesta un desgarrador retrato del artista y su proceso creativo, en un filme pionero en la historia del cine al abordar, de forma sensible, una temática abiertamente homosexual.

Jueves 10

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Programa 70

Aelita, la reina de Marte Aelita D: Yakov Protazanov. P: URSS, 1924. G: Aleksei Fajko y Fyodor Otsep, basados en una pieza teatral de Aleksei Tolstoy. F en B/N: Emil Schünemann y Yuri Zhelyabuzhsky. Con: Yuliya Solntseva (Aelita, reina de Marte), Nikolai Tsereteli (Los), Nikolai Batalov (Gusev), Igor Ilyinsky (Kravtsov), Vera Orlova (Masha), Vera Kuindzhi (Natasha Los), Konstantin Eggert (Tuskub, gobernante de Marte). Prod: Mezhrabpom, Yakov Protazanov. Dur: 100 mins.

U

n ingeniero construye un cohete para viajar al espacio y encontrarse en el planeta Marte con la reina Aelita, soberana del lugar, con quien el protagonista tiene un extraño vínculo a través de sus sueños. Producción futurista realizada en la Unión Soviética, en la cual el socialismo se fusionó con una estética vanguardista que retrata a la burguesía marciana entre estructuras que van del cubismo al constructivismo, y que fue una gran influencia para la Metrópolis de Fritz Lang y seriales como Flash Gordon.

Jueves 17

Programa 71

El caballo de hierro The Iron Horse D: John Ford. P: Estados Unidos, 1924. G: Charles Kenyon, John Russell y Charles Darnton. F en B/N: George Schneiderman. M: George Lanchbery. Con: George O’Brien (Davy Brandon), Madge Bellamy (Miriam Marsh), Charles Edward Bull (Abraham Lincoln), Cyril Chadwick (Peter Jesson), Will Walling (Thomas Marsh), Francis Powers (sargento Slattery), George Waggner (Buffalo Bill). Prod: Fox Film Corporation, William Fox, John Ford. Dur: 133 mins.

P

rimer gran éxito cinematográfico del director John Ford, quien enmarca una historia de amor, sacrificio y venganza en medio de la monumental construcción del ferrocarril transcontinental de los Estados Unidos durante la década de 1860. Tratando de ganar verosimilitud para esta gran epopeya fílmica, el cineasta trasladó a su equipo de filmación a locaciones reales de Arizona, Nuevo México y Nevada, además de utilizar locomotoras genuinas de la época e indígenas norteamericanos interpretándose a sí mismos.

Jueves 24

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La Cineteca Nacional agradece el valioso apoyo de

Recuerda que martes y miĂŠrcoles la entrada general es de $ 25 pesos.

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ÍNDICE

alfabético septiembre 2009 101 Depeche Mode Aelita, la reina de Marte Amor es un perro infernal, El Arpa birmana, El Arte del pensamiento negativo, El Asaltante, El Asesino del taladro, El Avaricia Brook por Brook: retrato íntimo Busco mi destino Caballo de hierro, El Casa de las mariposas negras, La Condición humana, partes I-II, La Condición humana, partes III-IV, La Condición humana, partes V-VI, La Confesiones en familia Conspiración de los boyardos, La Corazón del cielo, El Cuarto de los muertos, El Cuentos de la luna pálida de agosto Chica de Mónaco, La De veras me atrapaste Delta Dos mil metros (sobre el nivel del mar) Evaporación del hombre, La Extraños acontecimientos Favela a todo volumen Fancy Dance Festival Express Flama y citrón Fuegos artificiales Furyo Global Metal Gogol Bordello sin parar Hace mucho que te quiero Heavy Metal Heavy Metal 2000 Historia de Tokio Hombre del carrito, El Increíble castillo vagabundo, El Inspector Bellamy, El

36 70 36 24 46 6 66 69 64 33 70 46 16 17 17 54 65 47 53 23 58 40 10 12 20 49 41 21 35 48 21 26 37 39 55 34 34 18 19 27 53

Iron Maiden: Flight 666 40 Iván el Terrible 65 Just for Kicks 32 Kuroneko 24 Intendente Sansho, El 18 LOL@ 54 Luchador, El 39 Masacre en cadena 66 Metal. A Headbanger’s Journey 37 Metallica: The Complete Story 38 Mi gran fiesta judía 56 Mikael 69 Mujer de arena, La 25 Naco es chico 31 Nubes flotantes 19 O’Horten 47 París 36 55 Permiso para vivir 22 Por ella 56 Praderas de roca 50 Public Enemy: Welcome to the Terrordome 38 Puerta del infierno, La 16 Radiohead – Meeting People is Easy 35 Rashomon 23 Rebelión Kautokeino, La 49 Samuráis del Shogun, Los 20 Sangre brota, La 8 Sanjuro 25 Secreto de Estado 57 Sólo los niños tienen alas 57 Style Wars 31 Todo es relativo 48 TOKYO! 63 Tragedia de Hamlet, La 64 Tren del misterio, El 33 Una película sobre los Pixies 32 Vaqueros de Leningrado en América, Los 42 Viaje de Chihiro, El 27 Vivo o muerto 22 Zoé 281107 41