Programa mensual julio 2009

ÍNDICE

Programación julio 2009 ESTRENOS Tres monos: no escucho, no veo, no hablo Reprise: vivir de nuevo Los bastardos

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CICLOS El banquete Homenaje Nacional a José Emilio Pacheco Bandas sonoras

13 24 30

Escenarios ‘09 José Luis Guerín Godfrey Reggio Retrospectiva Andres Veiel

36 37 40

Cine Vasco

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Matiné infantil La isla del cangrejo

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PROGRAMAS DOBLES Monstruos cuadro x cuadro Virginia Woolf y las horas de Orlando Pasiones y provocaciones El blanco humano Ladrones con sentido del humor

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Historia del cine mudo Huérfanas de la tormenta Érase una vez El hombre mosca El jorobado de Nuestra Señora de París

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CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES Lic. Consuelo Sáizar Presidenta

CINETECA NACIONAL Leonardo García Tsao Director General Susana López Aranda Directora de Difusión y Programación Ángeles Sánchez Gutiérrez Directora de Acervos Nelson Carro Subdirector de Programación Ricardo Cázares Subdirector de Acervos Catherine Bloch Gerschel Subdirectora de Investigación Abel Muñoz Hénonin Subdirector de Documentación Ernesto Favela Escalante Subdirector de Salas y Apoyo Técnico Melina Diazmercado Delfín Jefa de Programación y Enlace Internacional

Programa Mensual de la Cineteca Roberto Garza Iturbide Subdirector de Publicaciones y Medios Agustín Gendron Zárate Jefe de Redacción Mauricio Matamoros Durán Jefe de Información Jorge Martínez Micher Jefe de Publicaciones Érika Magaña Euroza Diseño editorial Haydeé Pichardo Monroy Diseño de anuncios Mariana Ruvalcaba Rougerio Diseño de encarte Miriam Jiménez Hernández Jorge Magaña Molina Jose Luis Ortega Torres Orianna Paz Esmoris José Antonio Valdés Peña Investigación Patricia Talancón Solorio Investigación iconográfica Javier Rodríguez Almaraz Exposiciones y montajes

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Programación sujeta a cambios.

Para mayor información, consulte la página Internet www.cinetecanacional.net o llame al teléfono 4155 1190.

Los días y horarios de exhibición de cada película se publican también en la cartelera diaria de los periódicos La Jornada y El Universal, y el día viernes en Diario Monitor, Reforma, Milenio y La Crónica de Hoy. Las copias de las películas que se exhiben son las de mejor calidad disponibles. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa Mensual es una publicación de la Cineteca Nacional para informar sobre las películas que se exhiben en sus instalaciones.

Los textos firmados son responsabilidad de su autores. Registro en trámite.

Impresión: Gráfica, Creatividad y Diseño, S.A. de C.V Av. Plutarco Elías Calles # 1321 Col. Miravalle Portada: Cartel para el ciclo El banquete.

Ilustración de Érika Magaña y Haydeé Pichardo.

Contraportada: Fotografía de José Emilio Pacheco tomada de La Jornada Semanal.

Abreviaturas D: Dirección P: País, año G: Guión F en C: Fotografía en color F en B/N: Fotografía en blanco y negro M: Música E: Edición Prod: Producción Dur: Duración Dist: Distribución PC: Procedencia de copia

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Tres monos: no escucho, no veo, no hablo

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ulio trae a las pantallas de la Cineteca Nacional varios ciclos relevantes: En primer lugar, la primera parte de El banquete, extensa degustación fílmica dedicada a la relación entre el cine y la comida, con filmes agrupados según los tiempos de todo gran menú que se respete. Asimismo, esta institución se suma al Homenaje Nacional a José Emilio Pacheco, con cinco de sus colaboraciones cinematográficas junto al director Arturo Ripstein, así como una adaptación a una de sus novelas. Por su parte, Bandas sonoras, organizado en conjunto con la estación radiofónica Interferencia 7DIEZ del IMER, representa una experiencia inédita, en la que un grupo de reconocidos rockeros mexicanos musicalizarán en vivo cuatro clásicos del cine silente proyectados en sus versiones originales. También se exhibirán tres programas que forman parte del Encuentro Internacional bianual Escenarios ‘09, organizado por el Centro de Capacitación Cinematográfica: Una función especial del filme En construcción, dirigido por José Luis Guerín, así como dos retrospectivas dedicadas a Godfrey Reggio y al director alemán Andres Veiel. Los tres realizadores visitarán la Cineteca Nacional. Por último, se ha programado una completa selección de Cine Vasco, con nueve filmes recientes representativos de dicha cinematografía. La Matiné infantil también forma parte de este ciclo, con la cinta de animación La isla del cangrejo, de los realizadores Txabi Basterretxea y Joxan Muñoz.

En cuanto a los estrenos, se presentarán Tres monos: No escucho, no veo, no hablo, filme dirigido por el realizador turco Nuri Bilge Ceylan, y que fue el más visto dentro de la 50 Muestra Internacional de Cine; Reprise: vivir de nuevo, película danesa del joven realizador Joachim Trier, y Los bastardos, cinta mexicana dirigida por Amat Escalante, ganadora de varios premios nacionales e internacionales.

Por su parte, los cinco Programas dobles de julio se dedican a Ray Harryhausen, dos adaptaciones a obras de Virginia Woolf, Stephen Frears, películas de asesinos seriales, y un par de cintas de ladrones de alta escuela. Finalmente, el programa Historia del Cine Mudo presenta Huérfanas de la tormenta (D.W. Griffith, 1921), Érase una vez (Carl Theodor Dreyer, 1922), El hombre mosca (Fred Newmeyer y Sam Taylor, 1923) y El jorobado de Nuestra Señora de París (Wallace Worsley, 1923).

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Tres monos: no escucho, no veo, no hablo U

na película de suspenso psicológico, aparentemente rutinaria dentro del estilo de los films noir, se convierte en fuerte contendiente en el reino del gran arte en competencia: se trata de Tres monos: no escucho, no veo, no hablo. En el pasado, Cannes ha sido generoso con el turco Nuri Bilge Ceylan; sus filmes Uzak y Climas consolidaron sus cartas de presentación como “autor” en 2003 y 2006. Esta nueva Üç maymun D: Nuri Bilge Ceylan. P: Turquía-Francia-Italia, 2008. película representa un cambio brusco ante su estilo anterior: G: Ebru Ceylan, Ercan Kesal y Nuri Bilge Ceylan. F en pudiera ser descrita como un melodrama introspectivo; sin C: Gökhan Tiryaki. E: Ayhan Ergürsel, Bora Gök ingöl y Nuri Bilge Ceylan. Con: Yavuz Bingöl (Eyüp), Hatice Asembargo, tanto visualmente como tonalmente sigue siendo lan (Jacer), Ahmet Rifat Ungar (Ismail), Ercan Kesal (Serla quintaesencia de Ceylan. vet), Cafer Köse (Bayram), Gürkan Aydin (el niño). Prod: Pyramide Productions, Zeynofilm, Nuri Bilge Ceylan, VaÉsta es la primera vez que el cineasta se involucra lerio De Paolis, Cernal Noyan, Zeynep Özbatur, Fabienne en una narrativa compleja, dándole vuelo a una historia Vonier. Dur: 109 mins. Dist: Cineteca Nacional. complicada que recuerda a las de escritores de novelas policiacas como Georges Simenon y James M. Cain. Tres monos consolidará la reputación de Ceylan entre los asistentes a los cines de arte, al mismo tiempo que, seguramente, logrará atraer nuevos fans. Su inclinación hacia este género lo hará más atractivo para su exportación, cosa que ni Uzak ni Climas lograron.

El tema de la película, como sucede frecuentemente en el cine negro, es la culpa, así como el efecto que tiene en quien la acepta o trata de alejarse de ella. El título del filme hace alusión a la proverbial tercia de primates que tienen fama de no ver, no oír y no hablar, y su narración comienza en un tono de intranquilidad, durante una noche donde todo está mojado. Vemos a un hombre de edad mediana dormirse al volante, provocar un grave accidente y huir del sitio del percance (el que la víctima no se vea a cuadro forma parte del enfoque elíptico de la película).

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El culpable es Servet, un político temeroso de que el accidente pueda tener un efecto negativo sobre sus posibilidades de éxito en las próximas elecciones. Es por ello que convence al chofer Eyüp (personalizado por Yavuz Bingöl, un famoso cantante folklórico en Turquía) para que asuma la culpa a cambio de una suma de dinero que proveerá seguridad económica a su familia. Así, Eyüp termina en la cárcel, mientras que su hijo Ismael cae en manos de gente malvada, hasta llegar a casa una noche cubierto de sangre.

Deseando ayudar a su hijo, Hacer, esposa de Eyüp, visita a Servet, terminando más involucrada con él de lo que ella esperaba.

Ceylan y sus co-guionistas —su esposa Ebru y el actor Ercan Kesai— sistemáticamente evitan darnos información vital, manteniéndonos así tan ignorantes como lo están frecuentemente sus personajes. De forma crucial, gran parte de la película trata acerca de las sospechas y ansiedades tanto del pa-

dre como del hijo. Como en sus otros filmes, Ceylan traza una prolongada y dura mirada hacia los misterios y las auto-destructivas contradicciones del corazón humano, aunque el tono sombrío de la película, discutiblemente pesimista, también da lugar al sardónico humor negro de Ceylan, representado aquí por un chiste recurrente acerca del elocuente pero involuntario timbre de un celular.

Habiendo filmado en alta definición, con tonos acerados y deslavados, Ceylan y el fotógrafo Gökhan Tiryaki aportan hermosas composiciones de paisajes urbanos que se han convertido en el sello del director, así como varios estudios faciales que resultan más elocuentes que los close-ups para explicarnos las emociones de los personajes. La última escena, —particularmente hermosa— fue manipulada digitalmente, dotando al filme de un final abierto que seguramente impulsará la discusión y provocará que el espectador regrese a verlo por segunda vez.

Jonathan Romney Revista Screen International Mayo 16 de 2008 Traducción: Catherine Bloch A partir del martes 30 de junio

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Reprise: vivir de nuevo

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s refrescante ver Reprise: vivir de nuevo, un quijotesco y encantador filme noruego cuyos protagonistas Reprise D: Joachim Trier. P: Noruega, 2006. G: Joachim Trier y saben exactamente hacia dónde van. Sin embargo, el Eskil Vogt. F en C: Jakob Ihre. M: Ola Fløttum y Knut drama y el humor salen a flote cuando sus planes definiSchreiner. E: Olivier Bugge Coutté. Con: Anders Danielsen Lie (Phillip), Espen Klouman-Høiner (Erik), Viktoria tivos se vuelven incontrolables.

Winge (Kari), Henrik Elvested (Henning), Christian En la escena inicial, los amigos de la infancia Phillip Rubeck (Lars), Odd Magnus Williamson (Morten), Rebekka Karijord (Johanne). Prod: Filmlance International AB, (Anders Danielsen Lie) y Erik (Espen Klouman-Høiner), Spillefilmkompaniet 4 ½, Karin Julsrud. Dur: 105 mins. están parados frente a un buzón de correo a punto de Dist: Cineteca Nacional. enviar sus primeras novelas a un editor. Y aunque Reprise: vivir de nuevo se desarrolla en el Oslo contemporáneo, la idea de que dos jóvenes aspiren a escribir la gran novela noruega parece más del siglo XX que del XXI. ¿No deberían de estar creando más bien el gran guión o blog noruego?

De primera mano, Reprise… es una reflexión acerca de la fama y su capacidad para ocasionar desgracias. Phillip y Erik idolatran a un escritor, quien se vuelve un retraído social después de que su novela es aclamada. Cuando el libro de Phillip es publicado con éxito, el joven se convierte en una discreta celebridad; no obstante, los efectos de la fama en él son tan contraproducentes que sufre un desequilibrio mental. Sin embargo, esto no desmotiva a Erik para lanzar otra novela, pese a que su primer trabajo había sido rechazado.

El director Joachim Trier, quien escribió el guión junto con Eskil Vogt y está emparentado con Lars von Trier, juega con el público del filme al ir y venir en el tiempo. Mientras Phillip y Erik bosquejan sus primeros manuscritos, Trier avanza rápidamente en el tiempo para vislumbrar posibles futuros.

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Posteriormente, un mesurado Phillip aparece en escena con cicatrices en su rostro, mientras en un flashback, vemos cómo intenta suicidarse. Su arte no es la causa, sino el amor que le tiene a una empleada de telemarketing.

Convencido de que Kari (la adorable Viktoria Winge, quien se asemeja a una joven Sissy Spacek) es su musa, se obsesiona con ella.

Una vez que es dado de alta del hospital, regresa a su departamento y descubre que su madre ha removido todas las fotos de Kari, a quien busca otra vez pese a que sus amigos le advierten que es una chica problemática.

Al igual que la mayoría de los integrantes del joven elenco, Lie tiene poca experiencia en la actuación; de hecho, en la vida real es médico. Aún así, es capaz de comunicar los deseos prohibidos de Phillip. Hay una intensidad, muchas veces aterradora, en el modo en que observa a Kari.

Por otra parte, Winge dota a Kari de una inocencia encantadora. Ella quiere genuinamente a su acechador, pero se ve sobrepasada por su comportamiento extremo. Las escenas más conmovedoras de Reprise: vivir de nuevo se dan entre ellos dos, más aún por

la visible evocación de los problemas emocionales de Phillip, plasmados en su rostro.

Su relación con Erik es tan complicada como la que tiene con Kari. Es muy difícil cuando dos amigos cercanos comparten las mismas ambiciones y sólo uno las materizaliza. Si a eso le añadimos el precio que Phillip tuvo que pagar, es aún más sorprendente que Erik quiera conseguir el premio.

Hay una breve escena que revela mucho sobre los dos: Erik visita a Phillip en el psiquiátrico, pero cuando ve a su amigo a través de la puerta, desaliñado en una bata de hospital, no es capaz de entrar. Súbitamente queda en evidencia la fragilidad de su amistad.

Trier, quien es escasamente mayor que sus personajes, es capaz de capturar el sentimiento de estar en el precipicio de la vida adulta y querer aquello que apenas se puede expresar. Erik y Phillip son miembros de un grupo más extenso de amigos, menos interesantes pero igual de egoístas. El inteligente guión de Reprise: vivir de nuevo obligará así a cierto sector del público a recordar los días en los que tenían esa edad.

Ruthe Stein Diario San Francisco Chronicle, Estados Unidos Mayo 23 de 2008 Traducción: Jorge D. Martínez Micher A partir del viernes 10 de julio

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Los bastardos U

n golpe de guitarra eléctrica sobre la pantalla en rojo total es la obertura de este nuevo filme de Amat Escalante. Esa única nota, chirriante, que altera los sentidos, pone al espectador en guardia. Lo que verá a continuación será un relato de contenida violencia, que al estallar tendrá consecuencias inesperadas.

En 2005, Escalante, cineasta mexicano nacido en Barcelona en 1979, obtuvo con Sangre, su ópera prima,

Los bastardos D: Amat Escalante. P: México-Francia-Estados Unidos, 2008. G: Amat Escalante y Martín Escalante. F en C: Matthew Uhry. E: Ayhan Ergürsel y Amat Escalante.

Con: Jesús Moisés Rodríguez (Jesús), Rubén Sosa (Fausto), Nina Zavarin (Karen), Kenny Johnston (contratista), Aaron Briggs (adolescente racista), Trevor Glen Campbell (Trevor). Prod: Mantarraya Producciones, No Dream Cinema, Tres Tunas, Foprocine, Le Pacte, MCM Productions, Ticoman, BAC Films, Jaime Romandía, Carlos Reygadas. Dur: 85 mins. Dist: Mantarraya Films

el premio Fipresci de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes, dentro de la sección Una cierta mirada. Dicho filme llamó la atención por su sobriedad, tanto en la puesta en escena del cineasta (basada en extensos planos fijos que retratan los angustiantes tiempos muertos en los que se mueven los personajes), como por su elección de actores (encarnados por personas que aceptaron participar en el filme sin ningún antecedente en la actuación), sin olvidar el rigor narrativo, que más que plantear una historia convencional con su principio, nudo y desenlace, apuesta por un relato en apariencia nulo, capaz de atrapar la atención por la inquietud que su inmovilidad provoca.

Escrita en mancuerna por el director y su hermano Martín Escalante, Los bastardos es un acercamiento a la dolorosa realidad de nuestros paisanos en el país del dólar. Sus personajes son un par de inmigrantes ilegales: el obrero Jesús y Fausto, su compañero adolescente, interpretados por los migrantes mexicanos Jesús Moisés Rodríguez y Rubén Sosa. En el filme, ambos provienen de Guanajuato (estado de la República en el cual creció Escalante) y parecen condenados, como muchos otros connacionales, a vivir las consecuencias de estar en un país que no es el suyo, en el que no se habla su idioma y en el cual están expuestos a la constantes crueldades

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e injusticias de los güeros, representados aquí por contratistas y amas de casa, quienes hacen uso de sus servicios laborales, sexuales o de cualquier tipo, con una actitud en la que privan la soberbia y el racismo. La mencionada situación de ilegitimidad en la que viven los personajes sustenta el título del filme.

La puesta en escena de Escalante sufre un cambio notable en Los bastardos, aten-

los personajes caminando hacia la cámara, o aquél en el cual los trabajadores ilegales laboran en un terreno baldío, con la urbe amenazante ante ellos.

Pero no es Los bastardos un filme de tesis sobre la realidad social de los paisanos en Estados Unidos, sino que gira violentamente hacia una reflexión sobre la miseria moral, las víctimas que se tornan victimarios

diendo a las necesidades del relato. Sangre era un filme claustrofóbico, hecho a la medida del formato académico 1:85, mientras que en Los bastardos los personajes se mueven sin cesar, por lo que el formato panorámico era más que necesario. Escalante aprovecha este recurso con fortuna, al conseguir composiciones que no desperdician el gran tamaño de la pantalla, como el plano inicial que retrata el canal de Los Ángeles con

y la venganza de los oprimidos hacia aquellos que, en apariencia, “todo lo tienen”.

Escalante no toma partido: tan triste es la situación de los paisanos como la de la familia norteamericana que el filme retrata, asfixiada por su desamor y falta de comunicación.

Con seguridad, contemplación y sobriedad, Amat Escalante orquesta uno de los clímax más escalofriantes del cine nacional reciente, no apto para espectadores sensibles.

José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional A partir del viernes 3 de julio

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Una comilona de 40 pelĂ­culas

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El banquete No hay amor más sincero que el amor a la comida.

George Bernard Shaw

L

as primeras apariciones cinematográficas de la comida y el acto de comer se dieron desde los inicios mismos del arte fílmico. Auguste Lumière se retrató acompañado por su esposa mientras alimentaban a su hija Andrée en una breve “vista” titulada Le repas de bébé en 1895. Poco después, el pionero inglés James Williamson hizo sentir al espectador la sensación de ser devorado en su cortometraje The Big Swallow (1901), en el que un caballero, al ser fotografiado sin permiso, abre la boca al tamaño del cuadro cinematográfico y se come a la cámara con todo y operador.

En ocasiones, la comida funciona como un acto social, a la manera de un ritual que convoca a varios personajes y en el cual se puede desarrollar una historia de secretos bien guardados y mentiras dolorosas, como sucede en la primera cinta filmada bajo las reglas del Dogma ’95: La celebración (1998). También puede ayudar a conocer el carácter de un grupo social de una época determinada, como lo hacen los platillos que se degustan en La edad de la inocencia (1993) de Martin Scorsese.

Comer es un placer. Basta recordar El festín de Babette (1987) de Gabriel Axel, donde la anfitriona prepara un banquete de alta cocina, disponible para todo aquel que desee disfrutarlo. Porque cierto es que en algunas películas la comida, o la ausencia de ella, es un símbolo de poder o miseria.

Ahí están las reales comilonas con las que se agasajaba Charles Laughton en La vida privada de Enrique VIII (1933) de Alexander Korda. En el extremo opuesto, el vagabundo de Chaplin se veía obligado a devorar sus propios zapatos en La quimera del oro (1925), en medio de la locura provocada por el hambre y el frío de Alaska. Y hambre es la perenne sensación de los protagonistas en El discreto encanto de la burguesía (1972), condenados por Buñuel a vagar sin la posibilidad de cenar.

Cocina es identidad. Los gángsters italoamericanos de Buenos muchachos (1990) permanecen cerca de sus raíces gracias a las pastas, salchichones, vinos y carnes que comen, incluso tras las rejas, pero, por otra parte, la modernidad provoca que el paladar se ajuste a los sabores de la aldea global, como sucede a las hijas del protagonista de Comer, beber y amar (1994) de Ang Lee, que dan la espalda a los tradicionales platillos orientales preparados por su padre para entregarse a la Fast-food.

El sexo y la comida también se han unido en la gran pantalla. Mantequilla, leche, frutas y cubos de hielo poseen alto contenido erótico en El último tango en París (1973) de Bernardo Bertolucci, 9½ semanas (1986) de Adrian Lyne y Luna amarga (1993) de Roman Polanski, pero ninguna supera la combinación de salsas, mariscos y yemas del yakuza en Tampopo (1985) de Juzo Itami.

El comer tiene un lado oscuro. Deglutir hasta morir es la meta de los protagonistas de La gran comilona (1973) de Marco Ferreri, mientras que en El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante (1989) de Peter Greenaway, la infidelidad lleva al canibalismo. Asimismo, muerte y comida se combinan en Sweeney Todd (2007) de Tim Burton, donde el hombre devora (literalmente) a su prójimo.

Este ciclo no existiría sin los cocineros y cocineras que han inspirado a los cineastas. Artistas de la parrilla y el sartén, pueden ser hasta ratas de campo. Son ellos y ellas quienes en la mesa nos brindan un placer que este ciclo lleva a la pantalla grande, y de ahí al paladar cinéfilo. ¡Bon appétit!

José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional

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El banquete / Los preparativos

Larga vida a la señora Lunga vita alla signora D y G: Ermanno Olmi. P: Italia, 1987. F en C: Maurizio Zaccaro.

E: Giulia Ciniselli y Ermanno Olmi. Con: Marco Esposito (Libenzio), Simona Brandalise (Corinna), Stefania Busarello (Anna), Simone Dalla Rosa (Mao), Lorenzo Paolini (Ciccio), Tarcisio Tosi (Pigi), Marisa Abbate (La Señora). Prod: Radiotelevisione Italiana (RAI-UNO), Cinemaundici, Alitalia, Giampietro Bonamigo. Dur: 115 mins. PC: Cineteca Nacional.

Un banquete de bodas Xi yan D: Ang Lee. P: Taiwán-Estados Unidos, 1993. G: Ang Lee, Neil Peng y James Schamus. F en C: Jong Lin. M: Mader. E: Tim Squyres.

Con: Winston Chao (Wai-Tung Gao), Mitchell Lichtenstein (Simon), May Chin (Wei-Wei), Ah Lei Gua (señora Gao), Sihung Lung (señor Gao), Dion Birney (Andrew), Chung-Wei Chou (cocinero). Prod: Central Motion Pictures Corporation, Good Machine, Ted Hope, Ang Lee, James Schamus. Dur: 106 mins. PC: Cineteca Nacional.

Filme ganador del León de Plata de la Muestra Cinematográfica de Venecia en 1988, en el que la preparación y ejecución de un fastuoso banquete, servido en honor de la matrona de un decadente castillo italiano y sus invitados, es el pretexto para que el cineasta Ermanno Olmi reflexione sobre los vicios privados de la alta burguesía. Todo mientras su joven protagonista, quien funge como mesero en dicha ocasión, recorre soñadoramente los inmensos pasillos de la cocina, a manera de rito de iniciación.

Wai Tung y Simon, su pareja de origen occidental, ponen a prueba su relación cuando Wai se ve obligado a casarse con una chica inmigrante ilegal para ocultar a sus padres la realidad de su preferencia sexual. En este filme de Ang Lee, inspirado en una historia verídica ocurrida a un amigo suyo, la planeación y ejecución de un banquete nupcial, en el marco de una suntuosa fiesta, marca la diferencia entre el mantener intactas las convenciones sociales, o romper con ellas, aun a costa de poner en riesgo el honor familiar.

Martes 7

Miércoles 8

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Vatel Vatel D: Roland Joffé. P: Francia-Gran Bretaña-Bélgica, 2000. G: Jeanne Labrune, traducido al inglés por Tom Stoppard. F en C: Robert Fraisse. M: Ennio Morricone. E: Noëlle Boisson. Con: Gérard Depardieu (François Vatel), Uma Thurman (Anne de Montausier), Tim Roth (Marqués de Lauzun), Timothy Spall (Gourville), Julian Glover (príncipe de Conde), Julian Sands (Luis XIV), Murray Lachlan Young (Philippe d’Orleans). Prod: Gaumont, Canal+, Nomad Films, Timothy Burrill Productions, TF1 Film Productions, Légende Enterprises, Alain Goldman, Roland Joffé. Dur: 103 mins. PC: Cineteca Nacional.

El discreto encanto de la burguesía Le charme discret de la bourgeoisie D: Luis Buñuel. P: Francia-Italia-España, 1972. G: Luis Buñuel y Jean-Claude Carrière. F en C: Edmond Richard. E: Hélène Plemiannikov. Con: Fernando Rey (Rafael Acosta), Paul Frankeur (señor Thévenot), Delphine Seyrig (Simone Thévenet), Bulle Ogier (Florence), Stéphane Audran (Alice Sénéchal), Jean-Pierre Cassel (Henri Sénéchal), Julien Bertheau (Dufour). Prod: Jet Films, Greenwich Film Productions, Dean Film, Serge Silberman. Dur: 102 mins. PC: Embajada de Francia en México.

Un arruinado aristócrata pretende ganar los favores de Luis XIV ofreciéndole un suntuoso banquete. François Vatel, su hombre de confianza, es el encargado de que fuentes de frutas, faisanes, brebajes deliciosos e increíbles postres lleguen sin parar a la mesa del monarca. Destaca en este filme de Roland Joffé la utilización dramática del color (rojo para la realeza, verde para los sirvientes) y la dirección de arte, que reconstruye al mismo tiempo la decadencia y exquisitez del siglo XVII francés.

Un grupo de refinados personajes busca cenar sin conseguirlo. Las causas que lo impiden son cada vez más insólitas, desde un comedor transformado en escenario teatral hasta un ataque terrorista. En este magistral filme, repleto de humor negro y reminiscencias surrealistas, y ganador del Oscar a la mejor película extranjera, Luis Buñuel pone en boca de un personaje la receta del Buñueloni, cocktail derivado del Dry Martini, a base de Campari, ginebra, hielo a -20º y Carpano.

Jueves 9

Viernes 10

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El banquete / Los comensales

Cuestión de buen gusto Une affaire de goût D: Bernard Rapp. P: Francia, 2000. G: Bernard Rapp y Gilles Taurand, basados en el libro Affaires de goût de Philippe Balland. F en C: Gérard de Battista. M: Jean-Philippe Goude. E: Juliette Welfling.

Con: Bernard Giraudeau (Frédéric Delamont), Jean-Pierre Lorit (Nicolás Rivière), Florence Thomassin (Béatrice), Charles Berling (René Rousset), Jean-Pierre Léaud (juez), Artus de Penguern (Flavert), Laurent Spielvogel (doctor Rossignon). Prod: Catherine Dussart Productions, Canal+, CNC, Studio Images 6, Rhône-Alpes Cinéma, Procirep, Chantal Perrin. Dur: 90 mins. PC: Cineteca Nacional.

La cena La cena D: Ettore Scola. P: Italia-Francia, 1998. G: Ettore Scola, Furio Scarpelli, Giacomo Scarpelli y Silvia Scola. F en C: Franco Di Giacomo.

M: Armando Trovajoli. E: Raimondo Crociani. Con: Fanny Ardant (Flora), Vittorio Gassman (maestro Pezzullo), Giancarlo Giannini (profesor), Stefania Sandrelli (Isabella), Riccardo Garrone (Diomede), Antonio Catania (Adam), Francesca d’Aloja (Alessandra). Prod: Les Films Alain Sarde, Medusa Produzione, Filmtel, France 3 Cinéma, Massfilm, Franco Committeri. Dur: 126 mins. PC: Cineteca Nacional.

Este filme de Ettore Scola ocurre en una trattoria (palabra italiana cuya raíz, trattore, significa “preparar”). El cineasta se instala en uno de estos tradicionales locales —embajadores de la cocina italiana en el mundo, de ambiente informal y que ofrecen una rica variedad de platillos a bajo costo—, para crear un mosaico de la sociedad italiana actual. Todo a través de los variopintos personajes que degustan las delicias que ofrece el local, propiedad del personaje interpretado por Fanny Ardant.

Delicados vinos, exquisitas ensaladas y solamente carne de la mejor calidad.

Prohibidos el queso y el pescado. Ésta es la dieta a la que un mesero se somete diariamente al aceptar ser el catador exclusivo de un alto ejecutivo francés que vive obsesionado, entre otras muchas cosas, con ser envenenado. Entre ambos surge una dinámica de amo y esclavo que tendrá inesperadas consecuencias, y con la cual el director francés Bernard Rapp orquesta una perversa reflexión sobre las relaciones de poder.

Domingo 12

Martes 14

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Menú de amor Garçon D: Claude Sautet. P: Francia, 1983. G: Claude Sautet y Jean-Loup Dabadie. F en C: Jean Boffety. M: Philippe Sarde. E: Jacqueline Thiédot. Con: Yves Montand (Alex), Nicole Garcia (Claire), Jacques Villeret (Gilbert), Rosy Varte (Gloria), Marie Dubois (Marie-Pierre), Dominique Laffin (Coline). Prod: Renn Productions, Sara Films, Claude Berri, Alain Sarde. Dur: 102 mins. PC: Cineteca Nacional.

La última cena La última cena D: Tomás Gutiérrez Alea. P: Cuba, 1976. G: Tomás Gutiérrez Alea, Tomás González y María Eugenia Haya, basados en la novela homónima de Moreno Fraginals. F en C: Mario García Joya. M: Leo Brouwer. E: Nelson Rodríguez. Con: Mario Acea, Mario Balmaseda, Francisco Borroto, Samuel Claxton, Andrés Cortina, José Díaz. Prod: Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficas, Santiago Llapur, Camilo Vives. Dur: 120 mins. PC: Cineteca Nacional.

A finales del siglo XVIII, en un ingenio de La Habana durante la Semana Santa, un conde invita a doce esclavos para que sean partícipes de una singular representación de la Última Cena. Los invitados y el amo degustan juntos una serie de manjares que incluyen platillos con carne, una gran variedad de frutas, arroz, vino y pan, todo con el único fin de convertirlos a la cristiandad.

Filme ganador —entre otros reconocimientos— del Premio del Jurado como mejor largometraje en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva en 1976.

Alex es un hombre maduro que trabaja como mesero en un lujoso restaurante parisino, donde los comensales disfrutan de la más exquisita comida francesa. A pesar de su edad, el protagonista aún llama la atención de las mujeres; no obstante, se enamora de una joven comprometida a la que no está dispuesto a dejar escapar. Nominado a un Premio César por su actuación, Montand vuelve a trabajar por tercera ocasión con Sautet, después de Ella, yo y… el otro (1974) y Tres amigos, sus mujeres… y los otros (1974).

Miércoles 15

Jueves 16

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El banquete / Los entremeses

Sweeney Todd:

el barbero diabólico de la calle Fleet Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street D: Tim Burton. P: Estados Unidos-Gran Bretaña, 2007. G: John Logan y Stephen Sondheim. F en C: Darius Wolski. M: Stephen Sondheim. E: Chris Lebenzon. Con: Johnny Depp (Sweeney Todd), Helena Bonham Carter (señora Lovett), Alan Rickman (juez Turpin), Sacha Baron Cohen (Adolfo Pirelli), Timothy Spall (alguacil Bamford), Jamie Campbell Bower (Anthony Hope). Prod: DreamWorks SKG, Film IT, Parkes/MacDonald Productions, Warner Bros. Pictures, Walter Parkes, Richard D. Zanuck. Dur: 116 mins. Dist: Videocine.

Delicatessen Delicatessen D: Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet. P: Francia, 1991. G: Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro y Gilles Adrien. F en C: Darius Khondji. M: Carlos D´Alessio. E: Hervé Schneid. Con: Marie-Laure Dougnac (Julie Clapet), Dominique Pinon (Louison), Karin Viard (señorita Plusse), Jean Claude Dreyfus (carnicero), Ticky Holgado (señor Tapioca), Anne-Marie Pisani (señora Tapioca), Jacques Mathou (Roger). Prod: Constellation, Union Générale Cinématographique (UGC), Hachette Première, Sofinergie Films, Claudie Ossard. Dur: 99 mins.

Quinta colaboración de Burton con Johnny Depp, quien interpreta a un barbero en busca de venganza, cuyo negocio se especializa en el corte de cabello y gargantas. Aquellos que se interpongan en su camino terminarán convertidos en la nueva especialidad culinaria de su cómplice, la señora Lovett: pastelillos de carne humana que harán las delicias hasta del más exigente gourmet del vecindario.

Inspirado en el musical de Stephen Sondheim, el filme obtuvo un Oscar a la mejor dirección artística, entre otra veintena de premios.

Ganadora de cuatro premios de la Academia Francesa de Cine —mejor edición, mejor diseño de producción, mejor guión original y mejor ópera prima—, Delicatessen retrata una sociedad dividida en dos bandos: los vegetarianos y los carnívoros. Los primeros, exaltados por el deseo de comer un pedazo de carne, luchan a muerte con seres de su propia especie convertidos en ratas de alcantarilla que atesoran granos y semillas. Debut de Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet, quienes conjugan ironía, sátira, burla y crueldad.

Viernes 17

Domingo 19

18

Súper engórdame Super Size Me D y G: Morgan Spurlock. P: Estados Unidos, 2004. F en C: Scott Ambrozy. M: Folkfoot. E: Stela Georgieva y Julie Bob Lombardi.

Con: Morgan Spurlock, Ronald McDonald, Dr. Daryl Isaacs, Dr. Lisa Ganjhu, Alexandra Jamieson, Dr. Stephen Siegel, Bridget Bennett.

Prod: Kathbur Pictures, The Con, Studio On Hudson, Morgan Spurlock. Dur: 100 mins. Dist: Gussi-Artecinema.

El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante The Cook The Thief His Wife & Her Lover D y G: Peter Greenaway. P: Francia-Gran Bretaña, 1989. F en C: Sacha Vierny. M: Michael Nyman. E: John Wilson. Con: Richard Bohringer (Richard Borst), Michael Gambon (Albert Spica), Helen Mirren (Georgina Spica), Alan Howard (Michael), Tim Roth (Mitchel), Ciarán Hinds (Cory). Prod: Allarts Cook, Elsevira, Erato Films, Erbograph Co., Films Inc. Vendex, Kees Kasander. Dur: 120 mins.

Morgan Spurlock, heredero del estilo hiperrealista inaugurado por Michael Moore con sus documentales Masacre en Columbine (2002) y Fahrenheit 9/11 (2004), se convierte aquí en el conejillo de indias de un experimento: Tres veces al día, durante un mes completo, el director —quien se asesoró por médicos especialistas que midieron los cambios en su organismo— se alimentó solamente del menú McDonald’s: Cheeseburgers, Big Macs y McNuggets, con la finalidad de registrar las consecuencias.

Cada noche, un restaurante es visitado por un gángster con gusto culinario refinado: pavo con limón y albahaca, aguacate con vinagreta y camarones, ensalada de cigala… Pero cuando éste descubre el engaño de su mujer, decide matar a su rival, lo que provoca que ella prepare el más tabú de los ingredientes como base de un guiso que obligará a su esposo a comer. Filme rodado íntegramente en estudio, donde Greenaway dejar ver su pasión por la pintura; ejemplo de ello, un cuadro de Frans Hals que se observa en la película.

Martes 21

Miércoles 22

19

El banquete / Las entradas

Como agua para chocolate Como agua para chocolate D: Alfonso Arau. P: México, 1991. G: Laura Esquivel, basada en su novela homónima. F en C: Emmanuel Lubezki y Steve Bernstein. M: Leo Brower. E: Carlos Bolado y Francisco Chiú. Con: Lumi Cavazos (Tita), Regina Torné (Mamá Elena), Marco Leonardi (Pedro), Mario Iván Martínez (doctor John Brown), Yareli Arizmendi (Rosaura), Claudette Maillé (Gertrudis), Ada Carrasco (Nacha). Prod: Imcine, Arau Films, S.A., Alfonso Arau. Dur: 140 mins. PC: Cineteca Nacional.

El festín de Babette Babbettes gæstebud D y G: Gabriel Axel, basado en la novela Skaebne-Anekdoter de Karen Blixen P: Dinamarca, 1987. F en C: Henning Kristiansen. M: Per Nørgaard. E: Finn Henriksen. Con: Stéphane Audran (Babette Hersant), Bodil Kjer (Filippa), Birgitte Federspiel (Martine), Jarl Kulle (General Lorens Löwenhielm), Jean-Phillipe Lafont (Achille Papin), Ghita Nørby (narradora). Prod: Panorama Film A/S, Det Danske Filminstitut, Nordisk Film, Just Betzer, Bo Christensen, Benni Korzen, Pernille Siesbye. Dur: 102 mins. PC: Cineteca Nacional.

Melodrama romántico y realismo mágico son los principales ingredientes de este filme que narra una historia de amor prohibido por la tradición, en medio del torbellino revolucionario de 1910. Ternura, erotismo y melancolía, además de una sentida reflexión sobre la cocina mexicana y la femineidad, se perciben en los abundantes primeros planos de comida que hay en la cinta, capaces de extraer el místico poder que se esconde tras unas codornices en pétalos de rosa o unos deliciosos chiles en nogada.

Gabriel Axel, apasionado de la obra de Karen Blixen, adaptó con lujo de detalle esta breve historia donde la espiritualidad y la gastronomía se unen para retratar la juventud perdida, la humildad y la frustración de tres mujeres. Este filme ganador del Oscar a la mejor película extranjera en 1988, desnuda el alma de los protagonistas, en su mayoría religiosos, incitándolos al placer de las carnes y ensaladas, las aromáticas trufas y el burbujeo de los vinos, en un festín que alimentará no sólo su cuerpo, sino también su espíritu.

Jueves 23

Viernes 24

20

Ratatouille Ratatouille D: Brad Bird. P: Estados Unidos, 2007. G: Brad Bird, Jan Pinkava y Jim Capobianco. M: Michael Giacchino. E: Darren Holmes. Voces: Sergio Bonilla (Remy), Víctor Ugarte (Linguini), Edith Serrano (Colette), Jorge Arvizu (Skinner), Édgar Vivar (Gusteau), Germán Robles (Ego). Prod: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures, Brad Lewis, John Lasseter. Dur: 111 mins. PC: Cineteca Nacional.

Los sabores de la vida Politiki kouzina D y G: Tassos Boulmetis. P: Grecia-Turquía, 2003. F en C: Takis Zervoulakos. M: Evanthia Reboutsika. E: Yorgos Mavropsaridis.

Con: Georges Corraface (Fanis lakovidis), leroklis Michaelidis (Sawas lakovidis), Renia Louizidou (Soultana lakovidou), Tamer Karadagli (Mustafa), Basak Köklükaya (Saime), Tassos Bandis (abuelo Vasilis), Stelios Mainas (tío Aimilios). Prod: Village Roadshow Productions, Harry Antonopoulos, Lily Papadopoulos. Dur: 108 mins. PC: Cineteca Nacional.

Berenjena, tomate, calabacín, cebolla, pimiento verde y rojo, aceite de oliva, hierbas provenzales, sal y pimienta son los ingredientes de un guiso llamado Ratatouille, que ya era popular en la Edad Media, y que da nombre a esta producción de Disney. Por la sencillez del plato, el chef Keller —asesor de la película— sugirió la Confiti Byaldi para que Remy, una rata de campo con olfato y gusto súper desarrollados, impresione al crítico Anton Ego y así demostrar la máxima de su mentor Gusteau: “cualquiera puede cocinar”.

Con la atmósfera de cuento oriental que encierra Estambul como escenario, y el atractivo exótico de la comida mediterránea, Boulmetis recupera su propia historia en su tercer largometraje. Estructurado a semejanza de un menú, con viñetas que representan entremeses, el plato fuerte y el postre, el filme sigue con nostalgia y humor la historia de Fanis, marcada tanto por el exilio como por la filosofía gastronómica de su abuelo, quien le enseñó el arte de utilizar las especias para sazonar los platillos y la propia vida.

Domingo 26

Martes 28

21

El banquete / Los platos fuertes

Tampopo Tampopo D y G: Juzo Itami. P: Japón, 1985. F en C: Masaki Tamura. M: Kunihiko Murai. E: Akira Zuzuki. Con: Tsutomo Yamazaki (Goro), Nobuko Miyamoto (Tampopo), Ken Watanabe (Gun), Kôji Yakusho (hombre de blanco), Rikiya Yasuoka (Pisuken), Isao Hashizume (mesero). Prod: Itami Productions, New Century Productions, Seigo Hosogoe, Juzo Itami, Yasushi Tamaoki. Dur: 114 mins.

Las mujeres arriba Woman on Top D: Fina Torres. P: Estados Unidos, 2000. G: Vera Blassi. F en C: Thierry Arbogast. M: Luis Enríquez Bacalov. E: Leslie Jones. Con: Penélope Cruz (Isabella Oliveira), Murilo Benício (Toninho Oliveira), Harold Perrineau (Monica Jones), Mark Feuerstein (Cliff Lloyd), John de Lancie (Alex Reeves), Anne Ramsay (directora de televisión). Prod: Fox Searchlight Pictures, Alan Poul. Dur: 92 mins.

Los fideos: cómo prepararlos, cortarlos, cocinarlos, acercarse a ellos, olerlos, comerlos y recordarlos. Estas parecen ser las obsesiones del director japonés Juzo Itami en este auténtico spaghetti western, su segundo largometraje tras el éxito de El funeral (1984).

Por medio de viñetas repletas de humor, Itami narra las peripecias del antihéroe Goro y de Tampopo, una inepta cocinera, en la búsqueda del fideo perfecto, añadiendo a su platillo pizcas de picante con curiosas situaciones en torno a esta típica comida japonesa.

La venezolana Fina Torres (Oriana, 1985; Mecánicas celestes, 1995) construye en esta comedia romántica un cuento de hadas con tintes de realismo mágico, donde los sabores se confunden con la sensualidad y el placer, al ritmo del bossa nova. Penélope Cruz da vida a Isabella, una chef brasileña que tras el engaño de su marido emigra a San Francisco, donde su talento gastronómico ejerce un embrujo sobre los hombres, quienes sucumben ante los seductores aromas que despiden sus picantes platillos.

Miércoles 29

Jueves 30

22

Comer, beber y amar Yin shi nan nu D: Ang Lee. P: Taiwán-Estados Unidos, 1994. G: Ang Lee, James Schamus y Hui-Ling Wang. F en C: Jong Lin. M: Mader. E: Tim Squyres. Con: Sihung Lung (Chu), Yu-Wen Wang (Jia-Ning), Chienlien Wu (Jia-Chien), Kuei-Mei Yang (Jia-Jen), Sylvia Chang (Jin-Rong), Winston Chao (Li Kai). Prod: Central Motion Pictures Corporation, Good Machine, Li-Kong Hsu. Dur: 123 mins. PC: Cineteca Nacional.

Ubicado en Taiwán, tierra del laurel, la sopa de serpiente y las aromáticas gambas con jengibre, esta producción nominada a la mejor película extranjera en los Oscares de 1995 explora el papel de la comida en las relaciones interpersonales, al tiempo que contrasta la tradición y la modernidad a través de la potestad paterna. Ang Lee elabora un homenaje a la cultura gastronómica mediante los manjares que cocina el señor Chu, quien ha perdido no sólo el sentido del gusto sino la comunicación con sus hijas.

Viernes 31

La segunda parte de este menú cinematográfico se presentará durante el mes de agosto.

23

Homenaje Nacional a

José Emilio Pacheco

J

osé Emilio Pacheco ha confesado en entrevistas recientes ser un “dramaturgo frustrado”, y que, para paliar de alguna manera esa carencia, escribió varios guiones de cine.

En realidad, la actividad como guionista de esta gran figura de la literatura iberoamericana actual constituye algo más que una sustitución de géneros. De manera especial, resalta el desempeño que Pacheco tuvo en colaboración con Arturo Ripstein en varias de sus películas. Una de ellas, El castillo de la pureza, ganó en 1974 los premios Ariel y Diosa de Plata a mejor guión.

24

Esta institución se une al Homenaje Nacional a José Emilio Pacheco con el presente ciclo, organizado en conjunto con la Coordinación Nacional de Literatura del Instituto Nacional de Bellas Artes, e integrado por cinco de los filmes cuyo guión fue escrito por Pacheco y Ripstein.

En ellos destacan, además de la limpieza del trazo dramático, el excelente nivel de los diálogos, uno de los puntos fuertes de la narrativa del autor de Las batallas en el desierto.

Precisamente esta última novela es el tema de Mariana, Mariana, cinta que cierra este ciclo, dirigida por Alberto Isaac en 1987. Como un atractivo extra, en algunas de las funciones se contará con los comentarios del escritor y crítico Guillermo Samperio.

E

ste Homenaje Nacional se realiza en ocasión del septuagésimo aniversario de José Emilio Pacheco, con la participación de buena parte de la comunidad cultural de México y el apoyo de diversas instituciones, entre ellas, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el

Instituto Nacional de Bellas Artes, el Gobierno del Distrito Federal, a través de su Secretaría de Cultura, la Comisión para las Celebraciones del Bicentenario de la Independencia y del Centenario de la Revolución

de la Ciudad de México, el Fondo de Cultura Económica, el Auditorio Nacional, la Universidad Nacional Autónoma de México, la Cineteca Nacional y el Instituto Mexicano de la Radio.

J

osé Emilio Pacheco (Ciudad de México, 1939) es una figura indispensable en la poesía, la narrativa y el periodismo literario mexicano de este siglo. Su rigor intelectual, su generosa actitud hacia la literatura y su amor por la ciudad y sus personajes son características presentes en cada uno de los géneros que aborda.

Además de poeta y narrador, Pacheco es guionista de cine, crítico, traductor, investigador y periodista cultural. En esta última área, su trabajo ha contribuido a documentar capítulos de la literatura mexicana desconocidos o tratados anteriormente sin suficiencia. Este esfuerzo ha sido reunido en su célebre columna semanal Inventario.

Dentro de la poesía, la obra No me preguntes cómo pasa el tiempo recibió el Premio Nacional de Poesía Aguascalientes 1969 y afianzó a Pacheco como uno de los poetas mexicanos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Sus poemas completos están contenidos en la recopilación Tarde o temprano.

Entre sus obras más representativas se encuentran Morirás lejos, El principio del placer, Las batallas en el desierto, Ciudad de la memoria y Viento distante. Además de los premios ya mencionados, ha sido ganador de, entre otros, el Premio Xavier Villaurrutia, el Premio Malcolm Lowry de ensayo, el Premio Internacional Alfonso Reyes y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, este último en 2009.

25

El castillo de la pureza El castillo de la pureza D: Arturo Ripstein. P: México, 1973. G: Arturo Ripstein y José Emilio Pacheco. F en C: Alex Phillips. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: Eufemio Rivera y Rafael Castanedo. Con: Claudio Brook (Gabriel Lima), Rita Macedo (Beatriz), Arturo Beristáin (Porvenir), Diana Bracho (Utopía), Gladys Bermejo (Voluntad), David Silva (inspector de salubridad), María Rojo (joven de la tienda). Prod: Estudios Churubusco Azteca S.A., Angélica Ortiz. Dur: 110 mins. PC: Cineteca Nacional.

El Santo Oficio El Santo Oficio D: Arturo Ripstein. P: México, 1973. G: José Emilio Pacheco y Arturo Ripstein. F en C: Jorge Stahl Jr. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: Rafael Castanedo y Eufemio Rivera. Con: Jorge Luke (Luis Carvajal), Diana Bracho (Mariana), Claudio Brook (Fray Alonso de Peralta), Ana Mérida (Francisca), Silvia Mariscal (Justa Méndez), Martha Navarro (Catalina), Arturo Beristáin (Baltasar), Antonio Bravo (rabino Morales).

“José Emilio Pacheco hizo de los guiones literatura”, señala Arturo Ripstein, quien en cuatro ocasiones más colaboró con el escritor.

“En Clasa Films llamaron a Buñuel para que adaptara Los motivos del lobo, basada en hechos reales, al cine, pero lo rechazó; entonces le pregunté a Pacheco si sabía algo sobre el tema y me dio datos del hecho en sí: ‘un tipo de clase media, fabricante de raticidas, encerró en su casa a su familia, bajo rígidas normas morales’”. Así surgió el argumento de este filme, mismo que en 1973 obtuvo el Ariel al mejor guión.

Martes 14

Prod: Conacine, Cinematográfica Marco Polo, Leopoldo Silva, Marco Silva. Dur: 130 mins. Dist: Imcine.

Tras la lectura del libro Fe, llamas e Inquisición, de Seymour Liebman, así como de otras lecturas más, Arturo Ripstein le propuso a José Emilio Pacheco realizar un guión sobre la difícil situación de la comunidad judía en México a finales del siglo XVI. El cineasta y el escritor ya habían trabajado juntos en la exitosa El castillo de la pureza, por lo que continuaron su prolífica colaboración con este acercamiento a la historia de varios judíos perseguidos por la Inquisición, injustamente culpados de una epidemia.

Miércoles 15

26

Foxtrot Foxtrot (The Other Side of Paradise) D: Arturo Ripstein. P: México-Gran Bretaña-Suiza, 1975. G: Arturo Ripstein y José Emilio Pacheco. M: Pete Ruggolo. E: Peter Zinner.

Con: Peter O’Toole, Charlotte Rampling, Max von Sydow, Jorge Luke, Anne Porterfield, Claudio Brook, Max Kerlow, Christa Walker.

Prod: Conacine, Carvold Films, Gerald Green. Dur: 89 mins. PC: Cineteca Nacional.

Lecumberri (El palacio negro) Lecumberri (El palacio negro) D: Arturo Ripstein. P: México, 1976. G: Arturo Ripstein, Margarita Suzan y Miguel Necoechea, con la colaboración de José Emilio Pacheco y Tomas Pérez Turrent. F en C: Tomomi Kamata. M: Guillermo Zúñiga, Arturo Casas y Enrique Marín. E: Miguel Necoechea.

Narración: Emilio Ebergenyi y Tomás Pérez Turrent. Prod: Centro de Producción de Cortometraje, Hernán Littin, Carlos Velo. Dur: 105 mins. PC: Cineteca Nacional.

Arturo Ripstein conoció la historia de un grupo de espías nazis que murieron en las islas Galápagos al intentar escapar de la Segunda Guerra Mundial, y la anécdota le pareció tan interesante como para encargarle una propuesta de guión a José Emilio Pacheco.

Es así que surge esta película, que habla del esfuerzo humano por transformar la naturaleza y el ecosistema a su antojo. El filme es una coproducción hablada en inglés, para la cual H. A. L. Craig se encargó de traducir los diálogos, y el mismo Pacheco de retraducirlos al español para el subtitulaje.

Este documental inicialmente fue encargado a Arturo Ripstein como un proyecto de cortometraje para registrar los últimos meses de Lecumberri como cárcel preventiva, para dar paso al Archivo General de la Nación. Al adentrarse en el lugar, sus entonces habitantes y su historia, el cineasta comprendió que era imposible capturar tanta información en un corto, por lo que propuso convertirlo en un largometraje documental. Con el nuevo proyecto, Ripstein contó con la participación de Tomás Pérez Turrent y José Emilio Pacheco para darle forma a este testimonio.

Jueves 16

Viernes 17

27

El lugar sin límites El lugar sin límites D: Arturo Ripstein. P: México, 1977. G: Arturo Ripstein y José Emilio Pacheco, basado en la novela homónima de José Donoso. F en C: Miguel Garzón. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: Francisco Chiu Amador. Con: Roberto Cobo (La Manuela), Ana Martín (Japonesita), Fernando Soler (don Alejo), Gonzalo Vega (Pancho), Lucha Villa (La Japonesa), María Clara Zurita, Martha Aura. Prod: Conacite II, Francisco Del Villar. Dur: 110 mins. PC: Cineteca Nacional.

Mariana, Mariana Mariana, Mariana D: Alberto Isaac. P: México, 1987. G: Vicente Leñero y José Estrada, basados en la novela Las batallas en el desierto de José Emilio Pacheco. F en C: Ángel Goded y Daniel López. M: Carlos Warman. E: Carlos Savage. Con: Pedro Armendáriz (Carlos), Elizabeth Aguilar (Mariana), Saby Kamalich (madre de Carlos), Aarón Hernán (padre de Carlos), Luis Mario Quiroz (Carlos, niño), Fernando Palavicini (Rosales, adulto), Héctor Ortega (Ferrán, sacerdote). Prod: Conacite Uno, Héctor López Lechuga. Dur: 85 mins. PC: Cineteca Nacional.

La historia de La Manuela, travesti que regentea un burdel en un pueblo gris junto a su hija, la prostituta La japonesita, y la perdición de ambos con la llegada de Pancho, es ya un clásico del cine nacional. Basado en la novela de José Donoso, este filme parte de una adaptación realizada por Manuel Puig, misma que fue trabajada posteriormente por José Emilio Pacheco, Cristina Pacheco y Carlos Castañón. En 1978 obtuvo cuatro premios Ariel.

Sábado 18

Desde que Las batallas en el desierto fue publicada en 1981, José Estrada anhelaba dirigir la versión cinematográfica, pero su prematura muerte lo impidió. Finalmente fue Alberto Isaac, junto con Vicente Leñero, quienes trasladaron a la pantalla la esencia de la obra de José Emilio Pacheco: la visión de un México en constante metamorfosis, y en particular de una ciudad que vio cómo sus palacios porfirianos se derrumbaron para dar paso a multifamiliares y ejes viales. El filme obtuvo nueve arieles, entre ellos el de mejor guión.

Domingo 19

28

29

Bandas sonoras:

cine mudo a ritmo de rock

M

usicalizar películas es uno de los mayores privilegios que puede tener cualquier compositor. Inspirarse “por encargo” y seguir señas específicas pone en marcha otros resortes y poleas del proceso creativo. Lejos del común egocentrismo, nuestro quehacer responde no sólo a las visiones de un cineasta y de un guionista; además debe sumarse a ese origen sutil, a ese instante previo que con nuestra ayuda disparará mágicas reacciones frente a una historia bien filmada.

Haciendo un poco de historia —para el melómano que no lo sepa o para el cinéfilo que lo haya olvidado—, diremos que las primeras películas sonoras fueron The Jazz Singer (1927) y Lights of New York (1928), mientras que las musicalizadas en vivo son anteriores, de inicios del siglo XX, cuando pianos y pianolas sonaban coloreando una historia cuyos diálogos se ofrecían, más que como literatura de valor, como síntesis de guía y apoyo. Pero todo cambió cuando Max Steiner, en el King Kong de 1933, apostó por un verdadero soundtrack que no repitiera repertorios conocidos y que no se limitara a las exigencias del guión en donde alguien cantaba, azotaba una puerta o encendía la radio.

Digamos que, finalmente, la partitura apoyó la acción de los personajes a lo largo de su historia aumentando el impacto del evento fílmico, enalteciendo los rudimentarios inicios de quienes complementaban al

cine mudo desde un teclado, respondiendo espontáneamente a la imagen.

Precisamente en tributo a los tiempos silentes y atendiendo a una actualidad en que las fronteras pueden desaparecer entre una y otra disciplina artística, la Cineteca Nacional une esfuerzos con Interferencia 7DIEZ AM, estación del Instituto Mexicano de la Radio, para inaugurar en julio y agosto el ciclo Bandas sonoras: cine mudo a todo volumen (eco de Rock en el cine, organizado en sociedad con Reactor 105.7 FM desde 2005). Para ello hemos sido invitados dos solistas y dos grupos cuyo reto, a la manera de aquellos desaparecidos músicos que rompían el silencio como podían, será el de crear ex profeso —o de improvisar al momento— la banda sonora de cuatro clásicos del séptimo arte.

Así las cosas y hablando por todos los colegas involucrados, diré a manera de concluyente invitación que dialogar con estos genios de la cámara emociona y tensa los nervios, pues nadie que guste del cine y se dedique a la música puede soslayar —o dejar de envidiar, por un momento al menos— a paisajistas del aire como Nino Rota, Vangelis, Bernard Herrmann, Henri Mancini, Maurice Jarre, Goran Bregovic, Danny Elfman, Ennio Morricone o John Williams, por mencionar a algunos de los más notables compositores que han prestado su talento a la pantalla. Dicho esto, esperamos que las musas del rock, ustedes y “la fuerza” nos acompañen.

Alonso Arreola

30

Nosferatu, una sinfonía del horror

Nosferatu, eine Symphonie des grauens D: F.W. Murnau. P: Alemania, 1922. G: Henrik Galeen, inspirado en la novela Drácula de Bram Stoker. F en B/N: Fritz Arno Wagner.

Con: Max Schreck (conde Orlok), Greta Schroeder (Ellen), Gustav

von Wangenheim (Hutter), Alexander Granach (Knock), G.H. Schnell Primera versión fílmica del Drácula de Bram (Westenra), Ruth Landshoff (Lucy), John Gottowt (profesor Bulwer).

Stoker, filmada en escenarios naturales de Prod: Prana Film GmbH, Enrico Dieckmann, Albin Grau. Dur: 94 mins. PC: Cineteca Nacional.

Eslovaquia. Al no poseer los derechos de la novela original, F. W. Murnau tituló a su filme Nosferatu (“no muerto”, en rumano antiguo), modificando algunos personajes y situaciones.

El vampiro sirve al cineasta para reflexionar acerca de la soledad y el trágico destino de vivir con la muerte siempre al acecho. Esta sinfonía del horror, la cual marcó para siempre la filmografía vampírica, es una de las obras maestras del Expresionismo alemán.

Sábado 11 Musicalización en vivo a cargo de Los Gatos

Los Gatos

C

on una sólida trayectoria de más de veinte años de maullidos estilo rock and roll de los años cincuenta, aderezado con rhythm and blues y rockabilly, este intemporal trío conformado por El Gato (contrabajo y voz) Any (batería) y Ricki (guitarra), editó en el 2007 su disco Rockabileando con Los Gatos, mismo que incluye su éxito “Amorcito”, uno de los favoritos del selecto público que escucha las transmisiones rockeras del IMER. Su nuevo disco acaba de ser presentado, y al parecer, el Conde Orlok también quiso conocer a Bertha Lou…

31

El chico The Kid D, G, M y E: Charles Chaplin. P: Estados Unidos, 1921. F en B/N: Rollie Totheroh. Con: Charles Chaplin (un vagabundo), Jackie Coogan (el chico), Edna Purviance (la madre), Carl Miller (el hombre), Jules Hanft (médico), Tom Wilson (gendarme), Charles Reisner (bravucón). Prod: First National, Charles Chaplin. Dur: 50 mins. PC: Cineteca Nacional.

Un niño abandonado queda bajo el cariño y cuidados de un vagabundo. Mientras ambos luchan por sobrevivir en las rudas calles del arrabal, la madre, una actriz famosa, busca recuperarlo. En su primer filme de larga duración, Charles Chaplin recrea la miseria y desamparo de sus años de infancia en Londres, al mismo tiempo que reflexiona acerca de la crueldad y la capacidad del ser humano para sobrevivir. Destaca la actuación del niño Jackie Coogan, quien interpretaría en el futuro al Tío Lucas de la serie televisiva Los locos Addams.

Sábado 18 Musicalización en vivo a cargo de Alonso Arreola

Alonso Arreola

M

úsico y periodista, nació en el Distrito Federal en 1974. Ex bajista de La Barranca, con quienes grabó tres discos, ha colaborado en numerosas producciones de rock y jazz. Editó recientemente Música horizontal, su primer álbum solista, en el que intervienen Trey Gunn, Michael Manring y David Fiuczynski, entre otros muchos invitados.

Desde hace más de una década ha sido editor y colaborador de una gran cantidad de revistas, periódicos y sitios de Internet. En una original vertiente de su brillante y multifacética carrera, ha compuesto varias piezas para bebés, inquietud que tal vez ha influido en la selección de la cinta que musicalizará en este ciclo.

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El hombre de la cámara Buscando que el cinematógrafo tuviera un Chelovek s kino-apparatom lenguaje propio que lo distanciara del teaD y G: Dziga Vertov. P: Unión Soviética, 1929. F en B/N: Mikhail Kaufman. E: Yelizaveta Svilova. Con: Mikhail Kaufman (el camarótro y la literatura, el cineasta Dziga Vertov grafo). Prod: VUFKU, Dziga Vertov. Dur: 68 mins. realizó este vanguardista documental. Con ayuda de un excelente montaje visual, el filme consigue extraer de la realidad de su momento imágenes de fuertes reminiscencias surrealistas para reflexionar sobre las consecuencias de la modernidad. Así, Vertov convirtió el ojo de su cámara en un instrumento que captura la esencia misma de la vida.

Sábado 25 Musicalización en vivo a cargo de Alejandro Otaola

Alejandro Otaola

G

uitarrista de las agrupaciones Santa Sabina y La Barranca, Alejandro Otaola lanzó en 2007 Fractales, su primer material como solista. Este es un proyecto en el que se fusionan diferentes maneras de componer, registrar, producir y acercarse a la música, ya que incluye “pasajes abstractos” grabados en vivo, con temas/fragmentos que diluyen las fronteras entre el rock, el jazz y la música electrónica. Su trabajo, de naturaleza altamente experimental, complementa de manera excepcional el filme de Dziga Vertov, mismo que abrió nuevas posibilidades de expresión a los cineastas.

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Metrópolis

Metropolis D: Fritz Lang. P: Alemania, 1927. G: Thea von Harbou, basada en su novela homónima. F en B/N: Karl Freund, Günther Rittau y Walter

En medio de un sistema social que divide Ruttmann. M: Gottfried Huppertz. Con: Alfred Abel (Joh Fredersen), Brigitte Helm (María), Gustav Fröhlich (Freder), Rudolf Klein-Rogge en amos y esclavos a los habitantes de una (C.A. Rotwang), Fritz Rasp (el hombre delgado), Erwin Biswanger gigantesca ciudad del futuro, nace el amor (1811), Heinrich George (Grot). Prod: Universum Film (UFA), Erich Pommer. Dur: 123 mins. PC: Cineteca Nacional. entre el hijo del amo y una maestra de los obreros. La lucha de clases toca los terrenos de la ciencia-ficción, en esta descripción de un mundo inhumano, en el cual las máquinas rigen la vida de los hombres. Por su importancia narrativa y estética, Metrópolis fue la primera película inscrita en el programa Memoria del Mundo de la UNESCO en el año 2002.

Sábado 1º de agosto Musicalización en vivo a cargo de Yokozuna

Yokozuna

G

rupo formado en 2004 por los hermanos José Antonio (batería, trompeta, piánica, teclados, violín, armónica y voz) y Arturo Tranquilino (guitarras, armónica y voz). El dúo consigue un sonido hard rock con toques psicodélicos. Dotados improvisadores, capaces de construir extensos paisajes sonoros, Yokozuna es considerada una de las mejores bandas en vivo del rock independiente mexicano. En su carrera han conseguido hits de culto, como “Huevos al Motor”. Su elección del clásico futurista de Fritz Lang no puede ser más adecuada a su feroz estilo.

La Cineteca Nacional agradece al Instituto Mexicano de la Radio y a la estación Interferencia 7DIEZ su colaboración en la realización de este ciclo.

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Escenarios ‘09 D

el 2 al 9 de julio se realiza el Séptimo Encuentro Internacional bianual Escenarios ‘09, organizado por el Centro de Capacitación Cinematográfica, en el que participan realizadores, teóricos, profesores, alumnos, profesionales del medio, la comunidad estudiantil y el público en general. Durante una semana podrá verse una muestra selecta de las nuevas tendencias del documental internacional, no competitiva, con alrededor de 30 películas nacionales e internacionales.

Con la presencia de invitados internacionales, se compartirán reflexiones y se discutirá en torno a la producción, distribución y exhibición del documental, a través de mesas redondas, clases magistrales y proyecciones.

Como parte de este encuentro, se presentan dos ciclos en torno a la obra de Godfrey Reggio y Andres Veiel, para lo cual se contará con la presencia de estos realizadores, así como una función especial de la pelicula En construcción, dirigida por el cineasta español José Luis Guerín, quién también hará acto de presencia en la Cineteca Nacional.

La Cineteca Nacional agradece al Centro de Capacitación Cinematográfica y al Goethe-Institut Mexiko su colaboración en la realización de este ciclo.

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José Luis Guerín En construcción En construcción D y G: José Luis Guerín. P: España, 2001. F en C: Álex Gaultier. E: Mercedes Álvarez y Nuria Esquerra. Testimonios: Juana Rodríguez, Iván Guzmán, Juan López, Pedro Robles, Santiago Segade, Abdel Aziz El Mountassir, Antonio Atar, Pere Lluís Artigas, Tania Garduño. Prod: Ovídeo TV. Dur: 125 mins.

E

sta es la historia de la mutación del Barrio Chino de Barcelona, donde se construye un gran edificio de viviendas a costa de viejas casas que son demolidas: la cámara registra múltiples instantes de ese proceso. Sigue los trabajos de hombres y máquinas, los comentarios de los vecinos y los obreros durante la erección de un inmueble que alterará el paisaje urbano y humano de una ciudad en transformación. Guerín filmó más de cien horas de trabajos, vida y conversaciones durante dos años.

Como en Tren de sombras, Guerín filma el paso del tiempo: el cambio del clima, gente que muere, jóvenes que crecen jugando en la obra, viejos que rememoran el barrio que se niega a desaparecer. La presencia del pasado estalla con el descubrimiento de restos arqueológicos de la época romana, en una escena que perdurará en la memoria. Y mientras las palas derriban todo y un edificio premoldeado se levanta, la iglesia románica permanece, testigo inalterable de los tiempos.

Una peculiar galería de personajes expresa la sabiduría popular: un viejo marino, los obreros, un inmigrante marroquí que combina poesía y filosofía con un agudo sentido de la observación; todos opinan sobre cualquier tema. Rostros, espaldas, palas, escombros, gatos y niños construyen un documental de gran lirismo y un extraordinario sentido del ritmo, con un permanente juego de contrastes y acciones que alternan con intermedios descriptivos. Máquinas, sombras tras una ventana, perfiles entrevistos tras los barrotes de un balcón por una cámara sensible, sutil, que nunca grita, siempre sugiere. Guerín filma el trabajo en largos y luminosos planos, con unas tomas de sonido impecables. La película exuda humanidad, porque a pesar del fuerte localismo, las historias y la problemática del barrio son universales.

Josefina Sartora www.cineismo.com Diciembre de 2001 Jueves 9 Función con la presencia del realizador

Este proyecto se ha realizado con la ayuda financiera de la Unión Europea.

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Godfrey Reggio

N

acido en Nueva Orleans en 1940, entró a los 14 años a la orden de los Hermanos Cristianos, y durante los siguientes tres lustros su disciplina consistió en ayuno, silencio y oración, así como en la impartición de clases de nivel básico, medio y medio superior en instituciones fundadas o cofundadas por él mismo. Entre éstas se encuentran la Young Citizens for Action, la Regional Education y la Clínica de la Gente, la cual proporcionó servicio médico gratuito a 12 mil integrantes de la comunidad de Santa Fe, Nuevo México.

Con el apoyo de Francis Ford Coppola, Reggio comenzó en 1975 la construcción de un proyecto audiovisual en el que se contem-

plaría la situación de nuestro mundo a través del contraste entre la civilización moderna y el mundo en su estado puro. El resultado de dicho trabajo es la trilogía QATSI, compuesta por Koyaanisqatsi, Powaqqatsi y Naqoyqatsi, para la cual ha contado con la colaboración sonora de Philip Glass.

Esta obra ha creado un parangón mediático, brindando una referencia audiovisual sobre el mundo y, así, una influyente visión en el cine moderno. En esta ocasión, el Centro de Capacitación Cinematográfica y la Cineteca Nacional unen esfuerzos para presentar esta trilogía con la mejor tecnología de audio y video, y para lo cual se contará con la presencia del propio realizador.

Mauricio Matamoros Cineteca Naciona

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Koyaanisqatsi Koyaanisqatsi D: Godfrey Reggio. P: Estados Unidos, 1982. G: Ron Fricke, Godfrey Reggio y Michael Hoenig. F en C: Ron Fricke. M: Philip Glass.

E: Ron Fricke y Alton Walpole. Prod: Godfrey Reggio. Dur: 86 mins.

Powaqqatsi Powaqqatsi D: Godfrey Reggio. P: Estados Unidos, 1988. G: Godfrey Reggio y Ken Richards. F en C: Graham Berry y Leonidas Zourdoumis. M: Philip Glass. E: Iris Cahn y Alton Walpole. Prod: Mel Lawrence, Godfrey Reggio, Lawrence Taub. Dur: 99 mins.

El título significa “vida sin balance”, en el lenguaje hopi. La realización de este experimento audiovisual se llevó siete años, entre 1975 y 1982, y se trata de una visión apocalíptica de la colisión de la vida urbana y su tecnología versus el medio ambiente.

Reggio ha dicho que más que una idea específica, Koyaanisqatsi es un objeto animado en el tiempo, cuyo significado será distinto en cada espectador.

En el segundo acto de su trilogía, Reggio muestra, a través de las costumbres y tradiciones de nativos del tercer mundo, una celebración del esfuerzo a escala humana, e igualmente un muestrario de los contrastes entre culturas y de cómo la tecnología y mecanización de las ciudades están acabando con las mismas. El título del filme, después de todo, se refiere a la “entidad que consume la vida de otros para subsistir”.

Jueves 2 y viernes 3

Viernes 3 y sábado 4

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Cortometrajes

Naqoyqatsi Naqoyqatsi D y G: Godfrey Reggio. P: Estados Unidos, 2002. F en C: Russell Lee Fine. M: Philip Glass. E: Jon Kane. Prod: Joe Beirne, Godfrey Reggio, Lawrence Taub. Dur: 89 mins.

Anima Mundi Anima Mundi D y G: Godfrey Reggio. P: Estados Unidos, 1992. M: Philip Glass.

E: Miroslav Janek. Prod: Institute For Regional Education, Lawrence Taub. Dur: 28 mins.

Este corto se construye en base a pietaje preexistente, al cual Reggio le dio una secuencia acompañada por la música de Philip Glass. Diseñado para la campaña de diversidad biológica de la World Wide Fund, busca evocar el principio de armonía que controla las leyes de la vida desde tiempos inmemoriales.

Viernes 3 y sábado 4

“La guerra como vida” nos dice el título, y parece que ésa ha sido la historia de la civilización. Presentando así ya a la tecnología como forma vital, este tercer capítulo de la trilogía versa sobre la transición de la “antigua” a la “nueva” naturaleza: la época tecnologizada. En opinión del cineasta, “hoy día la tecnología es para el ser humano como el oxígeno; y como el apetito de la tecnología es infinito, poco a poco consume el mundo natural finito, haciendo de aquélla una agresora constante de la naturaleza”.

Sábado 4 y domingo 5

Evidence Evidence D: Godfrey Reggio. P: Estados Unidos, 1995. F en C: Graham Berry.

M: Philip Glass. E: Miroslav Janek. Prod: Fabrica SpA. Dur: 8 mins.

Según estadísticas, en Estados Unidos un niño asiste 40 horas a clases durante la semana, y ese mismo periodo de tiempo lo pasa frente al televisor. A través de la presentación de diversos niños que ven Dumbo, el clásico de Walt Disney, Evidence busca generar preguntas sobre la influencia de este medio.

Jueves 2 y viernes 3

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Retrospectiva

Andres Veiel Cuanto más descubro, menos me parece saber. Así que hasta cierto punto puedes llamar ‘caja negra’ a mi cine. Cuanto más profundizo en un tema o en una biografía, más grande llega a ser la caja negra.

Andres Veiel

N

acido en Stuttgart en 1959, Andres Veiel es uno de los cineastas alemanes de mayor éxito en la actualidad. Psicólogo de profesión, entre 1985 y 1989 estudió dirección y dramaturgia en el marco de los seminarios internacionales del Künstlerhaus Bethanien, bajo la batuta de Krzysztof Kieslowski.

Veiel nunca ha tenido reparos en cruzar las fronteras entre lo político y lo privado, y

aunque la mayoría de sus filmes transcurren en Alemania, trata temas universales. Por el conjunto de su obra, obtuvo el premio Konrad Wolf en 2005 y en 2006 el de la Fundación DEFA. La Cineteca Nacional, en conjunto con el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) y el Goethe-Institut Mexiko, se complace en presentar seis de los documentales del muchas veces llamado sismógrafo del cine alemán, para quien su cámara “detecta cosas que normalmente permanecen invisibles: la verdad profunda e interior de una persona.

Esos son los momentos cuando siempre digo: sí, está bien hacer este tipo de películas”.

Jorge Martínez Micher Cineteca Nacional

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Sueño de una noche invernal Winternachtstraum D: Andres Veiel. P: Alemania, 1992. G: Andres Veiel y Peter Weiss. F en C: Lutz Reitemeier y Hans Rombach. E: Bernd Euscher Con: Inka Köhler-Rechnitz, Anne Baltzer, Hildegard Delport. Prod: Journal-Film Klaus Volkenborn KG, Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF). Dur: 81 mins. Dist: Goethe-Institut Mexiko.

Caja negra RFA Black Box BRD D y G: Andres Veiel. P: Alemania, 2000. F en C: Jörg Jeshel. M: Jan Tilman Schade. E: Katja Dringenberg. Testimonios: Traudl Herrhausen, Rainer Grams, Dr. Thomas R. Fischer, Hilmar Kopper, Dr. Rolf E. Breuer, Werner Grams. Prod: Zero Film GmbH, Thomas Kufus. Dur: 100 mins. Dist: Goethe-Institut Mexiko.

A raíz de la primera puesta en escena de Veiel en 1991, nació este documental que retrata los sueños de juventud y el intento de realizarlos en la vejez. Inka Köhler-Rechnitz termina su formación de actriz a finales de los años veinte y enseguida le ofrecen un papel teatral en Görlitz, que no acepta porque su marido se opone. Tiempo después corre peligro de ser deportada a un campo de concentración por tener sangre judía. Setenta años después, vuelve a las tablas que debían haber sido el primer peldaño de su carrera.

Ganador del Premio del Público en Berlín 2004, Caja negra RFA retrata las vidas de Alfred Herrhausen (Presidente del Deutsche Bank, quien fue asesinado en un atentado) y Wolfgang Grams, presunto miembro de la Fracción de la Armada Roja (organización a la que se le atribuye el asesinato de Herrhausen) y muerto en un sospechoso tiroteo cuatro años después. Veiel consigue involucrar a estos dos representantes de ideologías antagónicas, sin sugerir que haya un cierto tipo de conexión entre los crímenes.

Martes 7

Miércoles 8

41

Balagan Balagan D: Andres Veiel. P: Alemania-Francia, 1993. G: Smadar Jaaron, David Maayan, Andres Veiel. F en C: Hans Rombach. E: Bernd Euscher.

Con: Kahled Abu Ali, David Maayan, Madi Maayan, Na’ama Mamber, Madi Smadar Maayan, Moni Yosef. Prod: Journal-Film Klaus Volkenborn KG. Dur: 90 mins. Dist: Goethe-Institut Mexiko.

Pasión por actuar Die Spielwütigen D y G: Andres Veiel. P: Alemania, 2003. F en C: Pierre Bouchez, Claus Deubel, Johann Feindt, Rainer Hoffmann, Jörg Jeshel, Lutz Reitemeier, Hans Rombach. M: Jan Tilman Schade. E: Inge Schneider. Con: Karina Plachetka, Constanze Becker, Prodromos Antoniadis, Stephanie Stremler, Jochen Becker, Jutta von Zitzewitz. Prod: Klaus Volkenborn, Journal Filmproduktion. Dur: 108 mins. Dist: Goethe-Institut Mexiko.

Un actor judío ortodoxo, la hija de un superviviente de un campo de concentración y un palestino son miembros del grupo de teatro judío-palestino Akko, que escenificó una polémica obra —de nombre Arbeit macht frei— sobre la presencia del Holocausto en la sociedad israelí. El documental, ganador del premio de la paz en el Festival de Cine de Berlín en 1994, mezcla extractos de escenas de la obra con entrevistas a los actores, al tiempo que brinda una mirada a la situación en Oriente Medio.

Ganador del Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 2004, y del de la Crítica Alemana un año después, Pasión por actuar acompaña a cuatro jóvenes a lo largo de sus estudios en la escuela de arte dramático Ernst Busch de Berlín, y en sus primeras experiencias profesionales después de concluir con éxito su carrera. A pesar de sus notables diferencias en cuanto a trayectoria, mentalidad y conducta social, hay una similitud entre todos ellos: su enorme pasión por el teatro.

Jueves 9

Viernes 10

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El golpe Der Kick D: Andres Veiel. P: Alemania, 2006. G: Gesine Schmidt y Andres Veiel. F en C: Jörg Jeshel. E: Katja Dringenberg. Con: Sussane-Marie Wrage, Markus Lerch. Prod: Journal Filmproduktion, Nachtaktiv Film, ZDFtheaterkanal, Brigitte Kramer. Dur: 82 mins. Dist: GoetheInstitut Mexiko.

Los sobrevivientes Die Überlebenden D: Andres Veiel. P: Alemania, 1996. Prod: Journal-Film Klaus Volkenborn KG (Berlín), Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF). Dur: 88 mins. Dist: Goethe-Institut Mexiko.

En la noche del 13 de julio de 2002, los hermanos Marco y Marcel Schönfeld, junto a su amigo Sebastian Fink, golpearon y asesinaron a Marinus Schöberl, de 16 años.

Basado en investigaciones detalladas, Andres Veiel escribió una obra de teatro sobre el caso y después la convirtió en película. Con una vieja nave industrial berlinesa como escenario, los diferentes papeles fueron adoptados por sólo dos actores, con alteraciones de luces y diferentes emplazamientos de cámara que logran transformar el lugar.

Dieciséis años después de haber salido del Instituto, Andres Veiel y sus ex compañeros intentan recrear una fotografía generacional, la cual queda incompleta, ya que tres de ellos se han suicidado. El documental, ganador en 1998 del Premio Adolf Grimme, indaga en las historias de los ausentes a través de entrevistas y recuerdos de amigos, padres y hermanos, pero sobre todo de los integrantes de una generación que vive entre el idealismo, la desesperación y el pragmatismo.

Domingo 12

Sábado 11

Este proyecto se ha realizado con la ayuda financiera de la Unión Europea.

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Cine Vasco

M

ucho se ha debatido acerca de lo que es —o deja de ser— cine vasco, así como del papel que juega el idioma en el que se habla, sea éste euskera, español o francés. Sus orígenes se encuentran en la serie de cortometrajes silentes Eusko Ikusgayak (1923-1928), así como en la obra de los hermanos Azcona, sobre todo su largometraje El mayorazgo de Basterretxe (1928), una mirada al país vasco rural y sus valores. En cuanto al documental, destacan Au pays des basques (1939) de M. de Champreux, donde por vez primera se oyó el euskera en una banda sonora, así como Euzkadi (1933), largometraje de propaganda política producido en España destruido durante la Guerra Civil, y Guernika (1937) de Nemesio Sobrevila.

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El franquismo, mediante la represión de su férreo aparato de censura, provocó la ausencia de cine vasco en España hasta la década de los años 60. En aquéllos años, algunas iniciativas privadas, todas ellas amparadas en instituciones culturales, produjeron una serie de cortometrajes —en su mayoría documentales— acerca del País Vasco. Así comenzaron sus carreras Elías Querejeta, Antonio Ezeiza, Xabiert Agirre, Pedro Olea, José Ángel Regolledo y algunos más.

Este movimiento casi subterráneo concluyó con el estallido provocado por el popular filme documental Ama Lur (Tierra madre, 1968), cuyo objetivo era plasmar la realidad del país en sus aspectos históricos, artísticos, costumbristas y socio-políticos desde una óptica nacionalista.

A partir de ese momento, las películas que se hicieron o eran militantes o no eran tomadas en cuenta, tal como lo que sucedió con Ikuska (1977-1985), serie promovida por Antonio Ezeiza, así como los filmes Ikusmena (1980), de Montxo Armendáriz y Ez (1977), de Imanol Uribe. De este último también destaca el documental El proceso de Burgos (1979), mismo que, además de provocar una fuerte polémica en torno a la búsqueda de una definición de cine vasco, más tarde llevaría a Uribe a filmar La fuga de Segovia (1981), con el apoyo del Gobierno Vasco.

La muerte de Franco en 1975, junto con la aprobación del Estatuto de Autonomía del País Vasco —o Estatuto de Guernica— en diciembre de 1979, provocaron una progresiva

ampliación de horizontes, temáticas y estéticas en el cine de la región. Asimismo, la política de subvenciones instituida a inicios de los años 80 dio lugar al nacimiento de la figura del productor-realizador, y entre ellos destaca Pedro Olea, quien en 1983 dirigió Akelarre. Más tarde, concretamente en 1984, se consolidó una asociación entre los productores vascos y la televisora Euskal, misma que hizo posible una mayor producción fílmica.

Por otra parte, el apoyo del Gobierno Vasco permitió la realización de filmes como Ander y Yull (1988) de Ana Díez; Todo por la pasta (1992) de Enrique Urbizu, y Acción mutante (1993) de Alex de la Iglesia. En 1994, fue creada la Fundación Euskal Media, con el objetivo de apoyar la producción fílmica en el país.

Rechazada en un principio, y presionada por directores y críticos, la fundación tuvo que abrirse a una temática más amplia e incluyente. A su vez, los jóvenes realizadores buscaron nuevas modalidades de financiamiento para sus proyectos, por lo que se acercaron a productoras dentro y fuera de España en busca de coproducciones.

Todo este esfuerzo produjo un cine definitivamente abierto a todos los géneros, realizado por directores todavía jóvenes pero ya maduros, como Aitzpea Goenaga, Pablo Maso y José Marí Goenaga, quienes hoy día nos hacen ver que en la actualidad el término cine vasco significa en muchas ocasiones, más que una simple denominación de origen, un sinónimo de cine de gran calidad.

Catherine Bloch Cineteca Nacional

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Nömadak TX Nömadak TX D, E y F en C: Raúl de la Fuente. P: España, 2006. G: Raúl de la Fuente, Pablo Iraburu, Harkaitz Martínez de San Vicente e Igor Otxoa. M: Harkaitz Martínez de San Vicente. E: Raúl de la Fuente.

Con: Harkaitz Martínez de San Vicente, Igor Otxoa, Mikel Laboa, Rappai Potokaren. Prod: Txalap Art, Arena Comunicación Audiovisual, Planeta Med, Igor Otxoa. Dur: 93 mins. PC: Gobierno Vasco.

La fuga de Segovia Segoviako Ihesa D: Imanol Uribe. P: España, 1981. G: Imanol Uribe y Ángel Lertxundi, basados en la novela Operación Poncho de Ángel Amigo. F en C: Xavier Aguirresarobe. M: Xabier Lasa y Amaya Zubiria. E: Julio Peña Heredia. Con: Xabier Elorriaga, Mario Pardo, José María Muñoz, Ramón Balenciaga, Imanol Gaztelumendi, José Pedro Carrión. Prod: Frontera Films, Ángel Amigo. Dur: 108 mins. PC: Gobierno Vasco.

La txalaparta es un instrumento musical vasco que se toca entre dos personas, y la música que de él emerge es el resultado de un encuentro. Multipremiado documental de Raúl de la Fuente, realizador especializado en grupos musicales, que retrata el viaje de dos hombres acompañados por la txalaparta en busca de otros sonidos, pueblos, paisajes y culturas. El grupo lleva su sueño a la India, a Laponia, al Sahara y hasta a Mongolia, lugares donde su música se fusiona con la de antiguos pueblos nómadas.

En este filme, Imanol Uribe (La muerte de Mikel, 1984) documenta un hecho real ocurrido en 1976 en la tristemente célebre cárcel de Segovia “una prisión anti-fuga”, según el gobierno español franquista. Los protagonistas fueron cerca de treinta presos políticos vascos, miembros de ETA, que pasaron ocho meses construyendo un túnel que los llevaría a la libertad. Filmada cuando la lucha de ETA todavía era idealizada, fue presentada en el Festival de San Sebastián, donde obtuvo el premio de la FIPRESCI.

Jueves 16 y sábado 25

Viernes 17

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Akelarre Akelarre D: Pedro Olea. P: España, 1984. G: Pedro Olea y Gonzalo Goikoetxea. F en C: José Luis Alcaine. M: Carmelo A. Bernaola.

Con: Silvia Munt (Garazi), José Luis López Vázquez (inquisidor), Mary Carrillo (Amunia), Walter Vidarte (Don Fermín de Andueza), Patxi Bisquert (Unai). Prod: Amboto. Dur: 93 mins. PC: Gobierno Vasco.

Todo por la pasta Todo por la pasta D: Enrique Urbizu. P: España, 1991. G: Luis Marías. F en C: Carles Gusi. M: Bernardo Bonezzi. E: Ana Murugarren. Con: Antonio Resines (Ángel), María Barranco (Azucena), Kiti Manver (Verónica), Pepe Amezola (David), Pepo Oliva (Pereda), Caco Senante (Casares).

Prod: Creativideo, Joaquín Trincado. Dur: 94 mins. PC: Gobierno Vasco.

Akelarre es uno de los títulos fundamentales del Nuevo Cine Vasco, realizada por el director, productor y guionista Pedro Olea (El maestro de esgrima, 1992). El filme cuenta una historia ubicada en un pueblo de Navarra a fines del siglo XVII, donde el señor feudal de la región desata una implacable persecución contra la brujería local ayudado por un inquisidor, símbolo de la autoridad castellana.

La pelñicula puede ser calificada como ua eficaz alegoría del país vasco en los años ochenta.

El segundo largometraje de Enrique Urbizu (La caja 507, 2002) es un thriller con estructura de road movie, con el cual el cineasta fue reconocido con el premio al mejor director en el Festival de Cartagena en 1992. El filme narra con gran eficacia la historia del robo cometido por una banda de ladrones, quienes desconocían que el dinero del botín había sido etiquetado previamente por la policía para pagar un crimen político. Ficción que retrata verazmente el ambiente social en el país vasco a fines de los años ochenta.

Sábado 18

Domingo 19

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El invierno en Lisboa El invierno en Lisboa D: José A. Zorrilla. P: España-Francia-Portugal, 1990. G: Antonio Muñoz Molina, José A. Zorrilla y Mason Funk, basados en la novela homónima del primero. F en C: Jean-Francis Gondre. M: Dizzy Gilespie. E: Ivan G. Aledo y Pablo G. del Amo. Con: Christian Vadim (Jim Biralbo), Hèléne de Saint-Père (Lucrecia), Dizzy Gillespie (Bill Swann), Eusebio Poncela (Floro), Fernando Guillén (Malcolm), Michel B. Duperial (Morton), Carlos Wallenstein (Ramírez). Prod: Igeldo Zine Produkzioak, Impala, Jet Films, Ángel Amigo, Alfredo Matas, José Antonio Sáinz de Vicuña, Alain Sarde. Dur: 100 mins.

PC: Gobierno Vasco.

Frío sol de invierno Frío sol de invierno D y G: Pablo Malo. P: España, 2004. F en C: Pablo Rosso. M: Aitor Amézaga. E: Antonio Pérez Reina. Con: Unax Ugalde (Adrián), Javier Pereira (Gonzalo), Marisa Paredes (Raquel), Marta Etura (Mimo), Raquel Pérez (Carmen), Andrés Gertrúdiz (primo). Prod: Canal+ España, Euskal Irrati Telebista (EITB), Televisión Española (TVE), Zine1, Arkaitz Gioia, Patxi San Miguel. Dur: 104 mins. PC: Gobierno Vasco.

Un joven pianista de jazz se ve envuelto en una trama policial, al enamorarse perdidamente de la mujer de un mafioso que se dedica al tráfico de obras de arte.

Tercer largometraje de José A. Zorrilla, quien reemplaza la alegría característica de Donostia por un ambiente melancólico, donde prevalecen los atardeceres color añil, las casonas viejas y los rincones inéditos de la ciudad. Destacan la actuación del trompetista, cantante y compositor Dizzy Gillespie y la banda sonora original, autoría de éste.

Debut cinematográfico del donostiarra Pablo Malo, quien obtuvo por este filme un premio Goya como mejor director novel.

Con locaciones en Irún, Oiartzun, Donostia y Lisboa, Frío sol de invierno describe el viaje interior de Adrián, un joven de 25 años quien, tras ser dado de alta del sanatorio mental en el que se encontraba, decide buscar a su padre. Para dotar de mayor credibilidad a su interpretación como Adrián, el protagonista Unax Ugalde visitó, junto con el director, diferentes hospitales psiquiátricos.

Martes 21

Miércoles 22

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Zeru horiek Zeru horiek D: Aitzpea Goenaga. P: España, 2005. G: Bernardo Atxaga y Aitzpea Goenaga, basados en la novela homónima del primero. F en C: Joan Benet. M: Francesc Gener. E: Guillermo S. Maldonado. Con: Nagore Aramburu (Irene), Joseba Apaolaza (policía 1), Airtor Merino (policía 2), Loli Astorka (monja 1), Nadala Batiste (monja 2), Teresa Calo (Antonia), Ainhoa Aierbe (Margarita). Prod: TVE, Televisió de Catalunya, Compañía Vasca de Audiovisuales, Factotum Barcelona.

Dur: 87 mins. PC: Gobierno Vasco.

Mi querida Bamako Mi querida Bamako D: Omer Oké y Txarli Llorente. P: España, 2007. G: Joanes Urkixo.

F en C: Gaizka Bourgeaud. M: Pascal Gaigne. E: Iván Miñambres y Haritz Zubillaga. Con: Djédjé Apali (Moussa), Esther Vallés (Khady), Gorsy Edu (Justin). Prod: Joxe Portela. Dur: 98 mins. PC: Gobierno Vasco.

Después de permanecer cuatro años en prisión, Irene, una ex integrante de ETA, decide viajar en autobús de Barcelona a Bilbao. Durante el trayecto, la protagonista repasa parte de su vida y reflexiona acerca de su futuro. Primer largometraje de Aitzpea Goenaga, quien también se ha desempeñado como actriz de teatro, cine y televisión, además de tener una reconocida carrera como dramaturga. Cabe mencionar que esta película fue la primera que Televisión Española filmó originalmente en euskera.

Su experiencia como Director de Inmigración del Gobierno Vasco entre 2001 y 2006 llevó a Omer Oké a realizar —junto con Txarli Llorente— este falso documental acerca de los inmigrantes africanos en España. El filme sigue la odisea de Moussa, un joven que se ve obligado a dejar a su familia para ir en busca de un futuro mejor. En su recorrido, Moussa se topará con otros tantos viajeros, quienes darán testimonio de sus propias vicisitudes y experiencias, así como de las razones que les empujaron al éxodo.

Jueves 23

Viernes 24

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Lucio Lucio D y G: Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga. P: España, 2007.

F en C: Javi Agirre. M: Pascal Gaigne. E: Raúl López. Con: Lucio Urtubia, Anne Urtubia, Pili Urtubia, Satur Urtubia, Thierry Fagart, Roland Dumas. Prod: Xabier Berzosa. Dur: 93 mins. PC: Gobierno Vasco.

Lucio Urtubia, mejor conocido como el Zorro Vasco, nunca abandonó su trabajo como albañil, a pesar de haberse involucrado en múltiples actividades subversivas desde los 17 años.

Mediante entrevistas que se complementan con imágenes de archivo y recreaciones, este documental —que obtuvo en el 2008 una Mención Especial del Jurado en el Festival de Guadalajara— rememora la vida de tan peculiar personaje, a quien, asombrosamente, su larga “carrera” le costó sólo unos meses de cárcel.

Domingo 26

La Cineteca Nacional agradece al Eusko Jaurlaritza - Kultura Saila y a la Euskadiko Filmategia su colaboración en la realización de este ciclo.

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matinÉ INFANTIL

La isla del cangrejo Karramarro uhartea D: Txabi Basterretxea y Joxan Muñoz. P: España, 2000. G: Joxan Muñoz e Inazio Mujika. F en C: Eduardo Elósegi. M: Ángel Illarramendi. E: Juan Bautista Berasategi. Con las voces de: Alfredo Landa (Sam, el narrador), Juan Carlos Loriz (Dimitri), Maribel Legarreta (Loreley), José Mari Moscoso (Walker), Isabel del Palacio (Ma). Prod: Luis Reneses de la Fuente, Iñaki Gómez. Dur: 87 mins. PC: Gobierno Vasco.

A

unque es uno de los más activos de España, el cine de animación vasco no ha figurado desde que El regreso del Viento del Norte ganara el Goya en 1994. Para la crítica especializada, tanto Megasónicos —primer largometraje español íntegramente en 3D y producido en 1997— como Ahmed, el príncipe de la Alhambra (1998), fueron decepcionantes. Sin embargo, no ha sucedido lo mismo con La isla del cangrejo, justa ganadora en el año 2001 al Goya en la categoría de mejor largometraje de animación.

El filme cuenta la historia del capitán Dimitri y su tripulación. A bordo de su barco Caín y acompañado por un mágico loro dueño de una maravillosa voz, este pirata con pata de palo, pero buenos sentimientos, se lanza a la búsqueda del tesoro mítico de Macaos, oculto en un mar infestado de tiburones y grandes peligros. Para encontrarlo, Dimitri deberá luchar contra varios traficantes de esclavos y obtener no sólo el dinero, sino también la libertad de los cautivos y, sobre todo, de la joven pirata Loreley.

Jorge Magaña Molina Cineteca Nacional Sábados 18 y 25 de julio, y 1º de agosto, y Domingos 19 y 26 de julio y 2 de agosto

Esta película se exhibe como parte del ciclo Cine Vasco.

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Programa doble I: Monstruos cuadro X cuadro

Permanencia voluntaria

El valle de Gwangi The Valley of Gwangi D: Jim O’Connolly. P: Estados Unidos, 1969. F en C: Erwin Hillier.

M: Jerome Moross. E: Selwyn Petterson y Henry Richardson. Con: James Franciscus (Tuck Kirby), Gila Golan (T. J. Breckenridge), Richard Carlson (Connors), Laurence Naismith (profesor Horace Bromley), Freda Jackson (tía Zorina), Gustavo Rojo (Carlos dos Orsos). Prod: Morningside Productions, Ray Harryhausen, Charles H. Schneer.

Dur: 96 mins.

El gran gorila Mighty Joe Young D: Ernest B. Schoedsack. P: Estados Unidos, 1949. G: Merian C. Cooper. F en B/N: J. Roy Hunt. M: Roy Webb. E: Ted Cheesman. Con: Terry Moore (Jill Young), Ben Johnson (Gregg), Robert Armstrong (Max O’Hara), Frank McHugh (Windy), Douglas Fowley (Jones), Denis Green (Crawford). Prod: Argosy Pictures, Merian C. Cooper. Dur: 94 mins.

A

ntes de que la animación se convirtiera en esclava de novedosos efectos especiales por computadora, el ingenio de Ray Harryhausen inundaba las pantallas con mundos fantásticos y monstruos que parecían cobrar vida gracias a su destreza en la técnica del stop-motion. Admirador del trabajo que Willis O’Brien —inventor de esta técnica que consiste en utilizar modelos a escala y animarlos cuadro por cuadro— había realizado en la exitosa King Kong (1933), Harryhausen creó sus primeros experimentos animados en varios cortometrajes para la Paramount. Su talento llamó la atención de O’Brien, quien lo invitó a colaborar en El gran gorila, secuela de King Kong —realizada por el mismo equipo, y que obtuvo el Oscar en 1950 a los mejores efectos especiales— en la que un ambicioso empresario descubre un inmenso gorila, la criatura perfecta para su show en Hollywood.

Caso similar es el de El valle de Gwangi, filme basado en una idea de O’Brien que Harryhausen materializó, dando vida a sus monstruos favoritos: los dinosaurios, criaturas que habitan en este valle al que llega un grupo de vaqueros en busca de aventura.

Orianna Paz Cineteca Nacional Martes 30 de junio, miércoles 1º y sábado 4 de julio

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Programa doble II: Virginia Woolf y las horas de Orlando

Las horas The Hours D: Stephen Daldry. P: Estados Unidos, 2002. G: David Hare, a partir de la novela de Michael Cunningham. F en C: Seamus McGarvey. M: Philip Glass. E: Peter Boyle. Con: Meryl Streep (Clarisa Vaughan), Nicole Kidman (Virginia Woolf), Julianne Moore (Laura Brown), Stephen Dilllane (Leonard Woolf), Miranda Richardson (Vanessa Bell), George Loftus (Quentin Bell), Ed Harris (Richard Brown).

Prod: Paramount Pictures, Miramax Films, Robert Fox, Scott Rudin.

Dur: 114 mins.

Orlando Orlando D y G: Sally Potter, basado en el libro homónimo de Virginia Woolf. P: Gran Bretaña-Rusia-Francia, 1992. F en C: Alexei Rodionov. M: Sally Potter y David Motion. E: Herve Schneid. Con: Tilda Swinton (Orlando), Billy Zane (Shelmerdine), Lothaire Bluteau (el Khan), John Wood (Archiduque Harry), Charlotte Valandrey (Sasha), Heathcote Williams (Nick), Quentin Crisp (Elisabeth I), Peter Eyre (Señor Pope). Prod: Adventures Pictures, Lenfilm Studio, Mikado Film, Rio, Sigma Film Productions, British Screen, Christopher Sheppard.

Dur: 92 mins.

A

unque empezó su carrera escribiendo ensayos y crítica literaria, el legado más importante que dejó Virginia Woolf es su obra como novelista. Destacan, dentro de este género, La señora Dalloway (1925), ubicada en la Inglaterra de la posguerra y que detalla un día en la vida de Clarissa Dalloway, quien piensa en quitarse la vida; y Orlando (1928), considerada la novela de mayor éxito de la autora, con una historia basada en la aristócrata Vita Sackville-West, con quien se dice que Woolf mantuvo una relación amorosa. Tanto Orlando (1992), adaptación de la obra homónima de Woolf, como Las horas (2002), inspirada en La señora Dalloway, son protagonizadas por personajes del sexo femenino, símbolos de la condición de las mujeres de su tiempo, quienes analizan a su manera el rol asignado a la mujer tanto en la época isabelina como en los albores del siglo XX, permeadas por una perspectiva feminista, también presente en muchas de las obras de la autora inglesa, quien se suicidaría en el año 1941.

Jorge D. Martínez Micher Cineteca Nacional Martes 7, miércoles 8 y sábado 11

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Programa doble III: pasiones y provocaciones

Permanencia voluntaria

Ábrete de orejas Prick Up Your Ears D: Stephen Frears. P: Gran Bretaña, 1987. G: Alan Bennett, basado en el libro de John Lahr. F en C: Oliver Stapleton. E: Mick Audsley.

Con: Gary Oldman (Joe Orton), Alfred Molina (Kenneth Halliwell), Vanessa Redgrave (Peggy Ramsay), Frances Barber (Leonie Orton), Janet Dale (señora Sugden), Julie Walters (Elsie Orton). Prod: Civilhand, Zenith Entertainment, Andrew Brown. Dur: 111 mins.

Mi hermosa lavandería My Beautiful Laundrette D: Stephen Frears. P: Gran Bretaña, 1985. G: Hanif Kureishi. F en C: Oliver Stapleton. M: Ludus Tonalis. E: Mick Audsley. Con: Saeed Jaffrey (Nasser Hussein), Roshan Seth (Ali Hussein), Daniel Day-Lewis (Johnny), Gordon Warnecke (Omar Hussein), Derrick Branche (Salim N. Hussein), Rita Wolf (Tania N. Hussein). Prod: Channel Four Films, SAF Productions, Working Title Films, Tim Bevan, Sarah Radclyffe.

Dur: 97 mins.

A

gudo crítico de la sociedad inglesa y provocador innato, para quien los límites son una utopía —con La reina (2006) puso en tela de juicio nada más y nada menos que a la monarquía británica—, Stephen Frears es uno de los cineastas más audaces del Reino Unido. Gumshoe (1971) marcó su debut, pero pasaría más de una década para que Frears abandonara la pantalla chica y regresara al cine, donde ha construido una sólida carrera. En esa época, el joven Frears realizó un par de filmes unidos aparentemente por el mismo tema: la homosexualidad. No obstante, tanto Mi hermosa lavandería como Ábrete de orejas van mucho más allá. La primera —originalmente realizada para televisión— está ubicada en los ochenta, durante la era Thatcher, y analiza, a través de la relación amorosa entre un pakistaní y un inglés, el racismo, la sexualidad, el conflicto generacional y la diferencia de clases. La segunda, que está basada en la biografía que John Lahr escribió sobre el dramaturgo Joe Orton, se centra en la frustración, el odio y la envidia que llevaron a su pareja, Kenneth Halliwell, a asesinarlo.

Orianna Paz Cineteca Nacional Martes 14, miércoles 15 y sábado 18

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Programa doble IV: El blanco humano

Henry: Retrato de un asesino serial Henry: Portrait of a Serial Killer D: John McNaughton. P: Estados Unidos, 1986. G: Richard Fire y John McNaughton. F en C: Charlie Lieberman. M: Ken Hale, Steve A. Jones y Robert McNaughton. E: Elena Maganini. Con: Michael Rooker (Henry), Tom Towles (Otis), Tracy Arnold (Becky), David Katz.

Prod: Maljack Productions, Lisa Dedmond, Steven A. Jones, John McNaughton. Dur: 83 mins.

El estrangulador de Boston The Boston Strangler D: Richard Fleischer. P: Estados Unidos, 1968. G: Edward Anhalt, basado en el libro de Gerold Frank. F en C: Richard H. Kline. M: Lionel Newman. E: Marion Rothman. Con: Tony Curtis (Albert DeSalvo), Henry Fonda (John S. Bottomly), George Kennedy (detective Phil DiNatale), Mike Kellin (Julian Soshnick), Hurd Hatfield (Terence Huntley), Murray Hamilton (detective Frank McAffe), Jeff Corey (John Asgeirsson). Prod: Twentieth Century Fox, Robert Fryer.

Dur: 116 mins.

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na de las figuras que el cine ha mitificado y convertido prácticamente en superestrella, a pesar de lo pernicioso de su sentido, es la del asesino en serie, a quien se ha trazado como un individuo peligroso y amoral, aunque atractivo y encantador por su particular visión de la vida. Y pese a que de forma reciente su presencia prácticamente es la de un antihéroe adorado y aplaudido, existen igualmente filmes que han buscado penetrar en los oscuros recovecos de la mente criminal, sin ánimos de exaltación. Así, El estrangulador de Boston es un clásico en el que Tony Curtis realiza una recordada interpretación como Albert DeSalvo —feminicida que tiñó de sangre las calles de dicha ciudad estadounidense— y en el que Richard Fleischer ejercita de forma intensa la pantalla dividida.

Un par de décadas después, en Henry: Retrato de un asesino serial, John McNaughton llevó a cabo de forma marginal una crónica lúgubre y sangrienta de las demenciales aventuras de Henry Lee Lucas, quien en unos cuantos años asesinó a una cantidad monstruosa de personas. Estos filmes de culto poco tienen que ver con el oropel que ronda a Hannibal Lecter.

Mauricio Matamoros Cineteca Nacional Martes 21, miércoles 22 y sábado 25

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Programa doble V: ladrones con sentido del humor

Permanencia voluntaria

Cómo robar un millón de dólares How to Steal a Million D: William Wyler. P: Estados Unidos, 1966. G: Harry Kurnitz, sobre un argumento de George Bradshaw. F en C: Charles Lang. M: John Williams. E: Robert Swink. Con: Audrey Hepburn (Nicole), Peter O’Toole (Simon Dermott), Eli Wallach (Davis Leland), Hugh Griffith (Bonnet), Charles Boyer (DeSolnay), Fernand Gravey (Grammont), Marcel Dalio (señor Paravideo). Prod: 20th Century Fox, World Wide Productions, Fred Kohlmar. Dur: 123 mins.

Topkapi Topkapi D: Jules Dassin. P: Estados Unidos, 1964. G: Monja Danischewsky, basado en la novela The Light of Day de Eric Ambler. F en C: Henri Alekan. M: Manos Hadjidakis. E: Roger Dwyre. Con: Melina Mercouri (Elizabeth Lipp), Peter Ustinov (Arthur Simon Simpson), Maximilian Schell (Walter Harper), Robert Morley (Cedric Page), Jess Hahn (Hans Fisher), Gilles Ségal (Giulio La mosca humana), Akim Tamiroff (cocinero). Prod: Filmways, United Artists, Jules Dassin.

Dur: 119 mins.

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a planeación, ejecución y consecuencias de un robo han sido siempre de gran atractivo para el cine, acto que trastoca la moral del espectador al volverlo parte de un grupo de criminales organizados. En algunos filmes, el destino trágico de sus protagonistas deja en claro que el crimen no paga. Pero en otros, no solamente el acto criminal se consuma, sino que quienes lo cometen son personajes de gran simpatía para el espectador. Así sucede en Topkapi (Jules Dassin, 1964), en la cual una banda de ladrones de joyas, con Melina Mercouri al mando, planea robar un valioso tesoro de un museo de Estambul. Se dice que este filme de exóticas locaciones inspiró años después de su estreno un robo verídico en el Museo de Historia Natural de Nueva York. En la misma tónica, entre el thriller y la comedia, Audrey Hepburn se convierte en una ladrona de arte en Cómo robar un millón de dólares (William Wyler, 1966) para, irónicamente, mantener limpio el buen nombre de su padre estafador.

José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional

Martes 28 y miércoles 29 de julio, y sábado 1º de agosto

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Programa 62

Huérfanas de la tormenta Orphans of the Storm D y G: D.W. Griffith, inspirado en la novela Les deux orphelines de Adolphe d’Ennery y Eugène Cormon. P: Estados Unidos, 1921. F en B/N: G.W. Bitzer, Hendrik Sartov y Paul H. Allen. E: James Smith y Rose Smith. Con: Lillian Gish (Henriette Girard), Dorothy Gish (Louise Girard), Joseph Schildkraut (Chevalier de Vaudrey), Frank Losee (conde de Linieres), Sheldon Lewis (Jacques Frochard), Monte Blue (Danton), Sidney Herbert (Robespierre). Prod: D.W. Griffith Productions, United Artists, D.W. Griffith. Dur: 150 mins.

B

asado en documentos y escritos sobre la Revolución Francesa, D.W. Griffith utiliza este contexto histórico como lujoso telón de fondo para narrar la turbulenta odisea de dos huérfanas, criadas como hermanas y separadas por las pugnas entre el pueblo y la aristocracia. Si bien Huérfanas de la tormenta está más cerca del melodrama decimonónico que de una lección de historia, con este filme, en el cual dirigió nuevamente a las hermanas Lillian y Dorothy Gish, Griffith obtuvo su último éxito comercial.

Jueves 2

Programa 63

Érase una vez Der var engang D: Carl Theodor Dreyer. P: Dinamarca, 1922. G: Palle Rosenkratz y Carl Theodor Dreyer, basados en una pieza teatral de Holger Drachmann. F en B/N: George Schnéevoigt. E: Edla Hansen y Carl Theodor Dreyer. Con: Clara Wieth (princesa de Illyria), Svend Methling (príncipe de Dinamarca), Peter Jendorff (el rey), Hakon Ahnfelt-Rønne (Kasper Røghat), Mohamed Archer (fraile), Bodil Faber (ama de llaves), Wilhelmine Henriksen (doctor Dorthe).

Prod: Det Danske Filminstitut, Sophus Madsen. Dur: 75 mins.

U

n príncipe se propone conquistar el corazón de una caprichosa princesa, aunque deba esconderse bajo la apariencia de un plebeyo. Realizado en 1922, cuando Dreyer regresaba de una temporada en las filas del cine alemán, este filme se ve envuelto en una onírica atmósfera de cuento de hadas. En un tono ligero, lejano al dramatismo de sus grandes obras, el realizador danés reflexiona sobre los amores difíciles y las falsas apariencias, iluminando sus fantásticos escenarios bajo los claroscuros del Expresionismo alemán.

Jueves 9

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Programa 64

El hombre mosca Safety Last!

D: Fred Newmeyer y Sam Taylor. P: Estados Unidos, 1923. G: Tim Whelan, Sam Taylor, H.M. Walker y Jean C. Havez. F en B/N: Walter Lundin. E: T.J. Crizer. Con: Harold Lloyd (el muchacho), Mildred Davis (la chica), Bill Strother (el amigo), Noah Young (policía), Westcott Clarke (señor Stubbs), Mickey Daniels (niño voceador). Prod: Hal Roach Studios Inc., Hal Roach. Dur: 74 mins.

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onsiderado el tercer genio de la comedia silente norteamericana, Harold Lloyd interpreta a un ingenuo provinciano en busca de fortuna en la gran ciudad. Para atraer más clientes al almacén donde trabaja, el protagonista se ofrece a trepar por las paredes del edificio hasta la cima; sin embargo, las cosas no serán tan sencillas como él piensa. La imagen del comediante colgando peligrosamente de las manecillas de un reloj a gran altura, con la ciudad a sus pies, se volvió una clásica del cine mundial.

Jueves 16

Programa 65

El jorobado de Nuestra Señora de París The Hunchback of Notre Dame D: Wallace Worsley. P: Estados Unidos, 1923. G: Edward T. Lowe Jr. y Perley Poore Sheehan, basado en la novela Nuestra Señora de París de VIctor Hugo. F en B/N: Tony Kornman y Robert Newhard.

M: Heinz Roemheld. E: Edward Curtis, Maurice Pivar y Sydney Singerman. Con: Lon Chaney (Quasimodo), Patsy Ruth Miller (Esmeralda), Norman Kerry (Febo), Kate Lester (Madame de Gondelaurier), Ernest Torrance (Clopin), Winifred Bryson (Flor de Lis), Nigel de Brulier (don Claudio). Prod: Universal Pictures, Irving Thalberg, Carl Laemmle. Dur: 99 mins.

L

a trágica historia de amor entre el jorobado campanero de Notre Dame y una gitana, surgida de la imaginación del escritor francés Victor Hugo, llegó a la pantalla en esta superproducción de Universal Pictures, misma que desplegó a miles de extras y necesitó a cientos de profesionales del cine para su realización. Uno de los elementos que hacen memorable este espectacular filme es la conmovedora interpretación de Lon Chaney como Quasimodo, con el rostro desfigurado y una prótesis de 44 kilos en la espalda.

Jueves 23

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La Cineteca Nacional agradece el valioso apoyo de

Recuerda que martes y miĂŠrcoles la entrada general es de $ 25 pesos.

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ÍNDICE

alfabético julio 2009 Ábrete de orejas Akelarre Anima Mundi Balagan Bastardos, Los Caja Negra RFA Castillo de la pureza, El Cena, La Cocinero, el ladrón, su esposo y su amante, El Comer, beber y amar Como agua para chocolate Cómo robar un millón de dólares Cuestión de buen gusto Chico, El Delicatessen Discreto encanto de la burguesía, El En construcción Estrangulador de Boston, El Érase una vez Evidence Festín de Babette, El Foxtrot Frío sol de invierno Fuga de Segovia, La Golpe, El Gran gorila, El Henry: Retrato de un asesino serial Hombre de la cámara, El Hombre mosca, El Horas, Las Huérfanas de la tormenta Invierno en Lisboa Isla del cangrejo, La

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Jorobado de Nuestra Señora de París, El Koyaanisqatsi Larga vida a la señora Lecumberri (El Palacio Negro) Lucio Lugar sin límites, El Mariana, Mariana Menú de amor Metrópolis Mi querida Bamako Mi hermosa lavandería Mujeres arriba, Las Naqoyqatsi Nömadak TX Nosferatu Orlando Pasión por actuar Powaqqatsi Ratatouille Reprise: vivir de nuevo Sabores de la vida, Los Santo Oficio, El Sobrevivientes, Los Sueño de una noche invernal Súper engórdame Sweeney Todd Tampopo Todo por la pasta Topkapi Tres monos: no escucho, no veo, no hablo Última cena, La Un banquete de bodas Valle de Gwangi, El Vatel Zeru horiek

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