Programa mensual Enero 2009

ÍNDICE

Programación enero 2009

ESTRENOS La tierra prometida El Paraíso de Hafner Shine a Light Cállate y canta Historias mínimas Verano ‘04

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Matiné infantil WALL·E

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Función especial de Reyes Triciclo Chaplin

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CICLOS Dogmas del Dogma 95 Festival de Festivales 2007 Ernst Lubitsch en Berlín

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PROGRAMAS DOBLES Stanley Donen se enfrenta al thriller Una pequeña dosis de cine negro Elvis de celuloide El film noir según Robert Siodmak

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Historia del cine mudo La viuda del pastor Historias tenebrosas El último de los mohicanos La marca del Zorro

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CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES Sergio Vela Presidente CINETECA NACIONAL Leonardo García Tsao Director General Susana López Aranda Directora de Difusión y Programación Ángeles Sánchez Gutiérrez Directora de Acervos Nelson Carro Subdirector de Programación Ricardo Cázares Subdirector de Acervos Catherine Bloch Gerschel Subdirectora de Investigación Abel Muñoz Hénonin Subdirector de Documentación Ernesto Favela Escalante Subdirector de Salas y Apoyo Técnico Programa Mensual de la Cineteca Roberto Garza Iturbide Subdirector de Publicaciones y Medios Agustín Gendron Zárate Jefe de Redacción Mauricio Matamoros Durán Jefe de Información

Programación sujeta a cambios.

Para mayor información, consulte la página Internet www.cinetecanacional.net o llame al teléfono 4155 1190.

Los días y horarios de exhibición de cada película se publican también en la cartelera diaria de los periódicos La Jornada y El Universal, y el día viernes en Diario Monitor, Reforma, Milenio y La Crónica de Hoy. Las copias de las películas que se exhiben son las de mejor calidad disponibles. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa Mensual es una publicación de la Cineteca Nacional para informar sobre las películas que se exhiben en sus instalaciones.

Los textos firmados son responsabilidad de su autores. Registro en trámite.

Impresión: Gráfica, Creatividad y Diseño, S.A. de C.V Av. Plutarco Elías Calles # 1321 Col. Miravalle Portada: Cartel de Haydée Pichardo para el ciclo Dogmas del Dogma 95.

Jorge Martínez Micher Jefe de Publicaciones Érika Magaña Euroza Mariana Ruvalcaba Rougerio Diseño editorial Miriam Jiménez Hernández Jorge Magaña Molina Jose Luis Ortega Torres Orianna Paz Esmoris José Antonio Valdés Peña Investigación Javier Rodríguez Almaraz Exposiciones y montajes Patricia Talancón Solorio Investigación iconográfica Haydeé Pichardo Monroy Diseño de anuncios

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Abreviaturas D: Dirección P: País, año G: Guión F en C: Fotografía en color F en B/N: Fotografía en blanco y negro M: Música E: Edición Prod: Producción Dur: Duración Dist: Distribución PC: Procedencia de copia

El programa de estrenos de 2009 presenta El Paraíso de Hafner, perturbador documental dirigido por el cineasta austriaco Günter Schwaiger, trabajo que muestra un ejemplo vivo de la banalización del mal señalada por Hannah Arendt como uno de los peores legados de la barbarie nazi. Aparece también otro testimonio fílmico, pero ahora a favor de la vida y la música: Shine a Light, de Martin Scorsese, con 18 cámaras registrando un nuevo capítulo de la leyenda de The Rolling Stones en vivo. La tierra prometida, largometraje del director israelí Amos Gitai, es un filme de ficción que, sin embargo, toca un tema muy real: el tráfico de mujeres de Europa del Este al Medio Oriente. Por su parte, Historias mínimas, intimista filme argentino del director Carlos Sorín, presenta la odisea de tres personajes inolvidables; Verano ’04, segunda película del joven realizador alemán Stefan Krohmer, con una gran actuación de la actriz Martina Gedeck, y finalmente, otro documental sobre música: Cállate y canta, de las directoras Barbara Kopple y Cecilia Peck, sobre el escándalo provocado por las Dixie Chicks al repudiar públicamente a George W. Bush cuando todavía era un héroe del mundo libre.

En cuanto a los ciclos, se exhibirán Dogmas del Dogma 95, selección de once

cintas seguidoras del famoso voto de castidad ideado por Lars von Trier y sus colegas en 1995; Festival de Festivales 2007, muestra de documentales franceses premiados en todo el mundo, y Ernst Lubitsch en Berlín, con cinco filmes de la época alemana del célebre maestro de la comedia sofisticada, además de un documental sobre su vida y obra. La matiné infantil presenta WALL·E, sorprendente visión de los estudios Pixar al futuro del planeta, y el Día de Reyes vuelve a rodar por la Cineteca el famoso Triciclo Chaplin.

Los programas de Historia del Cine Mudo presentan La viuda del pastor

(Carl Theodor Dreyer, 1920), Historias tenebrosas (Richard Oswald, 1919), El último de los mohicanos (Maurice Tourneur y Clarence Brown, 1920) y La marca del Zorro (Fred Niblo, 1920). Finalmente, los Programas Dobles están dedicados a Stanley Donen, dos adaptaciones a la novela negra The Big Clock, Elvis Presley

Shine a Light

y Robert Siodmak.

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La tierra prometida Amos Gitai es muy importante para Israel. Eso creo yo.

Promised Land D: Amos Gitai. P: Israel-Francia-Gran Bretaña, 2004. G: Y también creo que le es conflictivo. Por esa misma raAmos Gitai y Marie-Jose Sanselme. F en C: Caroline zón, trata de balancear y ajustar esa imagen homogénea Champetier. M : Simon Stockhausen. E : Yann Dedet e Isabelle Ingold. Con: Rosamund Pike (Rose), Diana Bes—creada por los israelíes y sus aliados—, que se tiene acerpechni (Diana), Hanna Schygulla (Hanna), Anne Parillaud ca de su país, su gente, su religiosidad y su cultura.

(Anne), Alla An (Alla), Kristina Likhnyski (Kristina), Yussuf Abu Warda (Yussuf). Prod: Agav Productions, HanWay La tierra prometida trata sobre el contrabando de muFilms, MP Productions, Amos Gitai, Michel Propper, Laujeres de Europa del Este a los burdeles en Eilat y Haifa. rent Truchot. Dur: 88 mins. Dist: Alfhaville.

Gitai no nos ofrece información acerca del origen de estas mujeres ni de los contrabandistas; sin embargo, el filme es implacablemente agresivo en su denuncia de condiciones y sistemas.

Para dichas mujeres, la policía fronteriza de Israel no parece ser especialmente estricta.

En la primera escena, encontramos jóvenes rusas y beduinos egipcios sentados alrededor de una fogata en el desierto del Sinaí. Al día siguiente, las jóvenes son llevadas a la frontera, donde miembros de las mafias de ambos lados hacen sus intercambios, llegando a acuerdos sin roces después de siglos de práctica. Las bellas mujeres son vendidas al mejor postor entre los padrotes israelíes. Los precios varían de acuerdo al aspecto y la edad; las vírgenes son las más caras.

“Seguramente yo también fui muy radical en algunos de mis primeros documentales” declaró Amos Gitai. Durante los ochenta, tuvo que exiliarse varios años, en gran parte a causa de sus películas. Sin embargo, le parece muy interesante que nosotros, conocedores más bien de sus largometrajes, pensemos que se está volviendo cada vez más peligroso.

Mucha gente fuera de Israel entró en contacto con Amos Gitai en 1999, año en el que Kadosh recibió el aplauso internacional y la atención especializada en Cannes. Cuando, unos meses más tarde, el filme fue presentado en Tesalónica, el realizador contaba con cierto apoyo del gobierno de Israel. El mismo Gitai explica su situación en ese momento: “Yo soy uno de esos directores que han tenido que esperar mucho tiempo antes de ser reconocidos en su propio país. Cuando presenté el guión de Kadosh, la Comisión de Filmaciones lo rechazó; cuando les mostré la primera toma, me negaron los fondos para mi siguiente película, y cuando el filme estuvo editado, me volvieron a rechazar; todo cambió con el reconocimiento internacional” afirma Gitai.

Kadosh fue el tercer largometraje de la trilogía del director acerca de la vida cotidiana en Israel. Las otras dos películas también causaron controversia, pero, gracias a que las vidas presentadas en esos dos filmes les parecieron demasiado comunes a los censores. el asunto no pasó a mayores. Sin embargo, bajo la superficie, descubrimos aspectos mucho más interesantes.

Gitai retrata la vida en Israel y reflexiona acerca de temas judíos en todos sus largometrajes.

Sin embargo, sus filmes no se parecen entre sí. El director es un esteta entrenado como arquitecto, que cambió totalmente su estilo en La tierra prometida. Es la primera vez que utiliza el video, con cámara en mano casi todo el tiempo, escasa iluminación y una edición apresurada,

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donde el sonido del yiddish se mezcla con el del muzak de los bares. Gracias a todos estos recursos, Gitai ha logrado que su película parezca un reportaje de televisión.

“Escoger al video como formato fue una decisión estética”, afirma. “Yo quería dar vida a una cierta agitación y a la credibilidad. Lo que muestra la película debe corresponder a su contenido”.

Después del estreno de La tierra prometida en Israel, un reportero de la estación de radio del ejército le exigió a las autoridades se aseguraran de que Gitai no pudiera volver a filmar otra película. Y, en verdad, este filme podría poner en peligro toda posibilidad futura para que Gitai reciba fondos de Israel. Pero, por otro lado, el cineasta está convencido de que podrá volver a producir otra película sobre el alma profunda de su país, y seguramente sus colaboradores en el extranjero lo apoyarán.

Fragmentos del texto de Einar Guldvog Staalesen www.filmkritikerlanget.no Noviembre 29 de 2004 Traducción: Catherine Bloch A partir del viernes 2

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El Paraíso de Hafner Adolfo Hitler fue la figura más importante de la historia.

Hafner’s Paradise Tal es la declaración que hace, sin tapujos, Paul María D y G: Günter Schwaiger. P: Austria-España, 2007. F en C: Juan Lucas. M: Ulrich Fussenegger, Bernhard Lang y Hafner, anciano de ochenta y cuatro años, que vive una Ernesto Molinari. E: Martin Eller. Con: Paul Maria Hafvida de rutinas felices como refugiado —desde tiempos de ner, Cristina de Rueda, Hans Landauer, Joachim Neyroth.

Prod: Never Land Films, Günter Schwaiger. Dur: 74 Franco— en Madrid. Venera la figura del dictador como mins. Dist: Cineteca Nacional. redentora y visionaria. Hafner fue en otro tiempo oficial de la Waffen-SS nazi. Hacia el final de la Segunda Guerra Mundial fue destinado al campo de concentración de Dachau. A pesar de haber estado allí, no acepta que haya sido un campo de exterminio. Según declara a cuadro, Hitler buscaba salvar a los judíos al enviarlos a ese lugar.

Hafner vive en la negación. No cree posible que hayan existido los campos de exterminio, y su desplante resulta tan paradójico como chocante. Exhibe una bonhomía en su vida diaria libre de toda culpa (sentimiento que comparte con otros nazis refugiados, seniles, bajo el sol) y siente un orgullo exacerbado por haber pertenecido a las Waffen-SS (el desplante que hace de su memorabilia es tan paradójico como aterrador).

El realizador de este documental, el austriaco Günter Schwaiger (quien reside también en España desde hace unos años) ha venido investigando historias, personas y vínculos que ofrezcan luz al respecto de ese margen oscuro que crearon y vivieron los criminales de guerra nazis exiliados a España y Sudamérica. Dados siempre a la discreción, la disposición tenida por Hafner para hablar de su vida y experiencias resulta verdaderamente excepcional. Parece no tener mayor escrúpulo al respecto de quién fue y de lo que hizo. Pasó unos años de cárcel como criminal de guerra y, liberado, se dedicó a seguir una vida común y corriente, se casó en España, tuvo hijos, se dedicó a criar cerdos. Su mundo, tal y como lo captura Schwaiger, tal y

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como lo vive Hafner, sirve de extraña alegoría de lo que supone olvido y tiempo transcurrido. ¿Puede omitirse lo sucedido? ¿Inventarse como algo totalmente distinto?

Según Schwaiger, este documental se le presentó a la vez como un desafío y un duelo. Ya había dado de qué hablar en 2005 con su documental Santa Cruz... por ejemplo (codirigido con Hermann Peseckas) sobre la exhumación hecha a seis víctimas de la represión franquista en una localidad española. Puede decirse que El Paraíso de Hafner le ha resultado tanto una lucha como una oportunidad. La necedad anodina que luce Hafner, dado siempre a la cortesía, no deja de hacerlo casi simpático. Es una simpatía que sintió Schwaiger durante el rodaje y que, según confiesa, le resultó insoportable.

El documental alcanzará su punto culminante cuando Hafner es confrontado con un sobreviviente de los campos, Hans Landauer. Como víctima de un trauma, Hafner se niega a creer lo que le dice Landauer. Sus salidas son aterradoramente infantiles. Le dice a Landauer que se ve demasiado bien como para haber estado en un campo de concentración. Landauer, quien se muestra en la mejor disposición, se rinde ante esta imposibilidad. No hay una manera de hacérselo ver a Hafner. Vive atenido a su versión de lo sucedido durante la Alemania Nazi como a una fe que se le ha enseñado de niño.

Ricardo Pohlenz Diario Reforma, México Mayo 22 de 2008 A partir del viernes 16

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Shine a Light Si usted espera que Martin Scorsese se aproxime a los RoShine a Light lling Stones en la forma crepuscular en la que lo hizo con D: Martin Scorsese. P: Estados Unidos-Gran Bretaña, el grupo The Band en El último rock (1978), está equivo2008. F en C: Robert Richardson. E: David Tedeschi.

Testimonios: Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood, cado. De ninguna forma los Stones están despidiéndose.

Charlie Watts, Christina Aguilera, Buddy Guy, Jack White Todavía no están preparados para una elegía y un adiós.

III. Prod: Paramount Classics, Shangri-La Entertainment, Concert Productions International, Steve Bing, Michael En Shine a Light, la banda reta al mundo entero a ser Cohl, Victoria Pearman, Zane Weiner. Dur: 122 mins. admirada. La música está a todo volumen y más viva que Dist: Gussi-Artecinema. nunca; es un rock & roll que surge desde sus entrañas. Al ser el registro de un concierto de beneficencia promovido por la fundación Clinton en el Beacon Theatre de Nueva York en el 2006, podría pensarse que Scorsese enfrentó serias limitaciones.

Hay una secuencia en la cual Mick Jagger expresa su molestia ante las múltiples cámaras colocadas en el escenario y el teatro, las cuales amenazan con distraerlo. Pero Scorsese no se intimida. De hecho, 18 cámaras —algunas de ellas operadas por cinefotógrafos ganadores del Oscar como John Toll, Robert Elswit y Emmanuel Lubezki—, vuelan sobre el escenario como abejas sobre la miel, retratando a Jagger eufórico en compañía de una corista durante la canción “She Was Hot”, mientras Keith Richards arremete con ronca voz el tema “You Got

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The Silver”. Más tarde, Ronnie Wood le enseña al mismísimo Richards lo que una guitarra es capaz de hacer; y finalmente, Charlie Watts provoca un orgasmo a su batería.

Los materiales de archivo seleccionados por el cineasta resultan excepcionales, pues si bien los actuales Stones tienen sus rostros ya surcados por el tiempo, su energía es en verdad explosiva. Las intervenciones de los invitados musicales son variopintas. Jack White queda deslumbrado al interpretar junto a sus ídolos “Loving Cup”, mientras Christina Aguilera se adentra en la autopista sexual que es Mick Jagger al interpretar junto a él “Live With Me”. Lo mejor viene con Buddy Guy, leyenda del blues, que con su interpretación de “Champagne & Reefer” deja a los mismísimos Stones boquiabiertos. La banda toca para su público, ignorando a las cámaras, pero la puesta en escena resulta tan íntima y la atención al detalle por parte de Scorsese es tan aguda, que uno parece estar disfrutando del concierto casi en tercera dimensión. Esta es la obra de un maestro del cine que alumbra con su talento a la mejor banda del mundo. Deje todo y corra a verla.

Peter Travers Revista Rolling Stone, Estados Unidos Abril 17 de 2008 Traducción: José Antonio Valdés Peña A partir del martes 30 de diciembre

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Cállate y canta Shut Up And Sing El 10 de marzo de 2003, Natalie Maines disparó D y G: Bárbara Kopple y Cecilia Peck. P: Estados Unidos, una bomba que tendría eco en todo el mundo.

2006. F en C: Chris Burrill, Joan Churchill, Seth Gordon, Gary Griffin, Eric Haasse, Luis López y Darrin Roberts.

Desde un escenario en Londres, la vocalista princiE: Michael Culyba, Bob Eysenhardt, Aaron Kuhn, Emma pal de las Dixie Chicks, declaró: “Para que lo sepan, Morris y Jean Tsien. Testimonios: Natalie Maines, Emily Robinson, Martie McGuire, Rick Rubin, Simon Renshaw. estamos avergonzadas de que el presidente de los Prod: Cabin Creek Films, David Cassidy, Claude Davies, Estados Unidos sea de Texas.”

Bárbara Kopple, Cecilia Peck. Dur: 93 mins. Dist: Cine, Video y Televisión.

Su pronunciamiento, emitido en medio de la invasión norteamericana a Irak, cuando la popularidad del presidente Bush se mantenía a la alza, de inmediato tuvo repercusiones negativas.

De la noche a la mañana, las Dixie Chicks, cantantes de country-pop consentidas de Estados Unidos y quienes dos meses antes habían cantado “The Star-Spangled Banner” en el Super Bowl, presenciaron cómo su producción desaparecía de la mayoría de las estaciones de música country. En reuniones de odio realizadas en el sur del país vecino, miles de discos de las Dixie Chicks fueron destruidos y Natalie Maines recibió amenazas de muerte.

Este documental de Bárbara Kopple y Cecilia Peck, aborda justamente cómo Maines, junto a Martie Maguire y Emily Robinson, lidiaron con la controversia y el furor que causó esta opinión. En la superficie, Cállate y canta es un filme modesto, sin grandes pretensiones, pero sigue a las Dixie Chicks durante tres años y toma la ruta tradicional de Kopple, dejando que los eventos hablen por sí mismos sin tomar partido ni debatir la política de la administración de Bush. Ni el grupo ni su representante, Simon Renshaw, accedieron a una entrevista formal.

Dando saltos en el tiempo entre el 2003, algunos eventos del pasado y el 2006, mientras el trío prepara su nuevo álbum titulado Taking The Long Way con el productor Rick Rubin, el

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filme realiza un estudio de caso acerca de las relaciones entre la política, las celebridades y los medios en el polarizado clima social de la actualidad. El título proviene de la letra de “Not Ready To Make Nice”: Cómo puede ser que las palabras que dije puedan forzar a alguien a llegar tan al límite que pudiera escribirme una carta diciendo: mejor cállate y canta, o tu vida terminará.

El filme se centra en cómo las estrellas del pop son elevadas a la categoría de políticos y etiquetados como tales. Cuando los medios se transforman en jueces y alimentan la adicción del público por el drama y sucede algo como lo de las Dixie Chicks, cuya postura iba en contra de sus bases de carácter republicano, alguien debe pagar. Asimismo, el documental también denuncia que existe un doble parámetro al momento de juzgar a las celebridades: a las mujeres por lo general se las asume condescendientemente como personas que no saben cuál es su lugar.

La primera interrogante que enfrentaron las Dixie Chicks después del incidente fue: ¿Natalie Maines debería tragarse sus palabras y disculparse? Por supuesto que no, clama ella; lo único que declara con orgullo es que apoya a las tropas norteamericanas. La segunda pregunta fue: ¿Las consecuencias de su decisión lograrán fracturar la solidaridad de tres mujeres que se llaman a sí mismas “hermanas”? Otro rotundo no.

Para sorpresa de Maines, transcurridas un par de semanas, la controversia no hizo más que aumentar. Las Dixie Chicks se vieron obligadas a rescatar su carrera y su imagen pública.

Parte de su publicidad más llamativa incluyó la portada de la revista Entertainment Weekly, en la que aparecen desnudas, aunque con el cuerpo cubierto de frases a favor de la libertad de expresión; también asistieron a los shows de Bill Maher y Howard Stern.

El nuevo álbum, Taking The Long Way, salió finalmente a la venta en mayo de 2006 y vendió un millón de copias en tres semanas. Sin embargo, en el sur de los Estados Unidos el boicot continuó, ya que la venta de boletos a sus conciertos fue muy baja, por lo que el grupo se vio forzado a continuar la gira en Canadá.

El filme culmina con brillantes actuaciones de las Dixie Chicks interpretando “The Long Way Around” y “Not Ready To Make Nice”, canciones contenidas en su más reciente álbum.

Gracias a estos temas, que se han convertido en himnos de defensa de los derechos humanos y de solidaridad, la banda suena más vital y fuerte que nunca.

Stephen Holden Diario The New York Times, Estados Unidos Octubre 27 de 2006 Traducción: Orianna Paz A partir del viernes 2

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Historias mínimas Por desgracia no abundan —y ojalá hubieran más— películas que, como ésta, provoquen una inmediata e incontrolable empatía entre la pantalla y los espectadores, en quienes aún en la única y misteriosa penumbra de la sala, uno puede adiviHistorias mínimas nar la sonrisa cómplice y dichosa, la sensación de un clima D: Carlos Sorín. P: Argentina-España, 2002. G: Pablo Solarz. F en C: Hugo Colace. M: Nicolás Sorín. E: Mahacompartido a fuerza de absoluta comunicación. med Rajid. Con: Javier Lombardo (Roberto), Antonio BeHistorias mínimas, apoyado en un guión sumamente nedectis (don Justo), Javiera Bravo (María), Laura Vagnoni (Estela), Mariela Díaz (amiga de María), Julia Solomo Malinteligente de Pablo Solarz, sobre una idea original suya donado (Julia), Aníbal Maldonado (don Fermín). Prod: y del director, presenta, con el fondo espectacular de Martín Bardi. Dur: 92 mins. Dist: Alfhaville. los paisajes interminables de la provincia de Santa Cruz, —bellamente fotografiados por Hugo Colace— la odisea de tres personajes centrales y varios secundarios, incluido un perro perezoso, que se entrecruzan y complementan de manera natural y verosímil.

Está, por ejemplo, María Flores, una veinteañera que, muy sola, cuida a su pequeña hija.

Y que un día cualquiera se entera de que ha ganado la participación en un concurso para llevarse una multiprocesadora: así que viaja a la ciudad y penetra en el mundo estrambótico — ¡y cuánto!— de un programa conducido por un animador que es un delicioso resumen de las peores vulgaridades de la televisión.

Al octogenario Don Justo lo mueve el deseo de recuperar a un perro de raza indefinida que alguna vez, como reprochándole una torpeza, se le escapó. Dicen que lo han visto en San Julián y entonces el viejo, a pura fe y coraje, se lanza a recuperar a su peludo amigo. Que —ya verán por qué— tiene doble identidad, como algunos superhéroes.

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En cambio Roberto, cuarentón y soltero con ganas de dejar de serlo, aprovecha su oficio de viajante para hacer amistades. Pero su verbo le falla cuando conoce a una joven y bella viuda que, a centenares de kilómetros, le parece la encarnación del amor. Y como la muchacha es madre, el pretendiente lleva un pastel de cumpleaños para quien no sabe si es nene o nena, lo que motivará la secuencia más divertida y otra espléndida actuación, luego de su vividor de El descanso, de Javier Lombardo.

Tanto Justo (Antonio Benedictis, mecánico jubilado) como María (Javiera Bravo, maestra jardinera), César García (mozo, actor fetiche de Sorín), así como casi todo el resto del elenco, salvo Lombardo y Enrique Otranto, no son actores profesionales. Pero —honor al mérito de ellos y del señor Sorín— sus desempeños son perfectos, tanto que uno no podría imaginarles otra máscara.

Al cabo —sabia lección que no debería olvidarse— menos puede ser más y desde la mismísima modestia de su título, estas Historias mínimas resultan poderosas; y reforzadas por el indudable sabor del afecto que el realizador siente por las criaturas de la ficción, sin ser empalagosa a fuerza de su humanidad, la película es más dulce que el trajinado pastel de Roberto.

Y algo así como la felicidad hecha imagen y sentimiento. ¡Qué placer!

Aníbal M. Vinelli Diario El Clarín, Argentina Octubre 24 de 2002 A partir del viernes 16

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Verano ‘04 Verano ‘04, melodrama de actitudes y emociones desbordadas ocurrido durante unas vacaciones veraniegas en la costa báltica alemana, confirma la genialidad de una joven promesa cinematográfica germana: Stefan Krohmer, (ésta es su segunda película tras They’ve Got Knut, 2003), así como de su guionista Daniel Nocke. El filme tiene un reparto de primer nivel, encabezado por la sensacional Martina Gedeck en uno de sus mejores personajes.

Sommer ‘04 D: Stefan Krohmer. P: Alemania, 2006. G: Daniel Nocke.

La ópera prima de Krohmer retrataba a una generaF en C: Patrick Orth. M: Ellen Mcllwaine. E: Gisela Zick. ción de maduros ex revolucionarios quienes, durante los Con: Martina Gedeck (Miriam), Robert Seeliger (Bill), Svea Lohde (Livia), Peter Davor (André), Lucas Kotaranin años ochenta, se metían en problemas a causa de sus hor(Nils), Nicole Marischka (Grietje), Gábor Altorjay (Daniel). monas y su egoísmo. Por su parte, Verano 04 mezcla la Prod: Ö-Filmproduktion, Arte, Bayerischer Rundfunk, Südwestrundfunk, Westdeutscher Rundfunk, Frank comedia agridulce con las desagradables situaciones que Löprich, Katrin Schlösser. Dur: 97 mins. Dist: Cinemas abrumarán a una familia clasemediera alemana, cuando Nueva Era. una adolescente en plena ebullición sexual se les une durante las vacaciones.

La cuarentona Miriam y su politizado esposo André parten a vacacionar, acompañados de su hijo adolescente Niels y la joven novia de éste, Livia, una niña de 12 años sexualmente precoz, que se comporta ya como toda una mujer. La relación entre los muchachos cuenta con la aprobación paterna y el rechazo de Miriam. En medio de la situación se encuentra Bill, cuarentón con quien la jovencita ha convivido un día entero en su yate, sin la presencia de Niels. De ascendencia estadounidense y germana, Bill ha vuelto a Alemania para arreglar asuntos relacionados con la reciente muerte de su padre. Miriam sospecha que entre él y Livia algo se ha desatado; la noche en que la chica no regresa a casa, la mujer decide visitar a Bill y averiguar de una vez por todas lo que sucede.

Los agudamente sutiles diálogos del guionista Daniel Nocke dan a entender que en esta

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historia ocurren más cosas de las que pueden verse a simple vista. En la hermosa escena en que Miriam y Bill se enfrentan (él dice sentirse atraído hacia Livia a causa de su despierto carácter, pero sin inclinación sexual alguna), algo surge de repente: la hostilidad inicial de la mujer se torna franca atracción carnal hacia Bill. Al día siguiente, Miriam pasará un día entero con él. Días más tardes, harán el amor violentamente, mientras Livia aguarda en las escaleras de la entrada esperando a su maduro amigo. Varios triángulos emocionales se tejerán alrededor de los problemas de los protagonistas. Será una tragedia la que vuelva a mezclarlos a todos. Finalmente, una coda ocurrida tiempo después, revelará sorprendentes secretos.

Martina Gedeck es una actriz melodramática que simplemente mejora con la madurez, interpretando en esta ocasión a una mujer cuyos principios liberales son desafiados cuando una pasión casi adolescente viene a alterar el inicio de su “edad madura”, en medio de la atmósfera veraniega de la historia.

Derek Elley Revista Variety, Estados Unidos Mayo 21 de 2006.

Trad: Mauricio Matamoros A partir del viernes 16

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matiné infantil

WALL·E

WALL·E D: Andrew Stanton. P: Estados Unidos, 2008. G: Andrew Stanton, Jim Reardon y Pete Docter. M: Tho-

mas Newman. E: Stephen Schaffer. Voces: Ben Burtt Con casi una decena de largometrajes estrenados, Pixar (WALL·E), Elissa Knight (Eve), Jeff Garlin (capitán), Fred se ha ganado un lugar en la historia como la productora Willard (Shelby Forthright – BnL CEO), John Ratzenberger (John), Kathy Najimy (Mary). Prod: Pixar Animation que revolucionó el cine infantil de animación. Partiendo Studios, Walt Disney Pictures, Jim Morris. Dur: 98 mins. de premisas universales como la amistad, la solidaridad, Dist: Columbia-BuenaVista-TriStar. el amor y la valentía, los filmes de esta compañía crean historias y personajes tan emotivos que cautivan no sólo a los niños, sino también a los adultos. La mejor prueba de ello es WALL·E, el último robot en la faz de la Tierra, que dedica su tiempo a construir rascacielos de basura compactada, a recolectar objetos inservibles y a ver, una y otra vez, el musical Hello, Dolly! Todo junto a su única compañera: una cucaracha. Un buen día, WALL·E recibe la inesperada visita de Eve, una robot de última generación que llega al planeta en busca de alguna señal de vida. Su llegada le descubre un nuevo mundo, por lo que no dudará en emprender junto a ella un viaje por el espacio hasta llegar a la nave en la que residen los humanos, quienes esperan ansiosos poder regresar a la Tierra. Destacan en este filme la casi ausencia de diálogos y la visión de una Tierra convertida en basurero, abandonada por la humanidad.

Miriam Jiménez Cineteca Nacional

Sábados y domingos de enero

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TRICICLO Chaplin

El chico The Kid D, G, M y E: Charles Chaplin. P: Estados Unidos, 1921. F en B/N: R.H. Totheroh. Con: Charles Chaplin (un vagabundo), Jackie Coogan (el chico), Edna Purviance (la madre), Carl Miller (el hombre), Jules Hanft (médico), Tom Wilson (gendarme), Charles Reisner (bravucón). Prod: First National, Charles Chaplin. Dur: 50 mins. Dist: Cineteca Nacional.

Tiempos modernos Modern Times D, G, M y E: Charles Chaplin. P: Estados Unidos, 1936. F en B/N: Ira H. Morgan y Rollie Totheroh. Con: Charles Chaplin (obrero), Paulette Goddard (la chica), Henry Bergman (propietario del café), Tiny Sandford (Big Bill), Chester Conklin (mecánico), Hank Mann (ladrón), Stanley Blystone (padre de la chica). Prod: Charles Chaplin Productions, Charles Chaplin. Dur: 86 mins.

Dist: Cineteca Nacional.

El gran dictador

Primero aparecen en el cielo como un trío de The Great Dictator estrellas alineadas, que parecen acercarse a la D y G: Charles Chaplin. P: Estados Unidos, 1940. F en B/N: Roland Totheroh y Karl Struss. M: Meredith Wilson y Charles Chaplin. E: Tierra conforme el año viejo termina su ciclo.

Willard Nico. Con: Charles Chaplin (Adenoid Hynkel/barbero judío), Llegada la noche de Epifanía, Melchor, Gaspar Paulette Goddard (Hannah), Jack Oakie (Benzini Napaloni), Reginald Gardiner (comandante Schulz), Henry Daniell (Garbitsch), Billy Gilbert y Baltasar, los Tres Reyes Magos, inician su tra(Herring), Maurice Moscovitch (Jaeckel). Prod: Charles Chaplin Prodicional recorrido para llevar alegría a todos los ductions, Charles Chaplin. Dur: 124 mins. Dist: Cineteca Nacional. niños del mundo.

La Cineteca Nacional presenta en este día tres películas de otro personaje asociado a la alegría, la risa y las imágenes en movimiento: Charles Chaplin. En El chico, se ve obligado a adoptar a un niño abandonado, y lo que comienza como una jugarreta del destino termina en un lazo de camaradería y amor, luchando ambos por salir adelante en medio de una pobreza muy similar a la que Chaplin vivió en su infancia. Más tarde, nuestro héroe emprende una nueva cruzada en compañía de una chica huérfana: busca un empleo sin comprometer su integridad, algo muy común en estos Tiempos modernos. Finalmente, cuando el cine hizo hablar a su personaje, éste se transformó en un barbero judío y en un desquiciado dictador. Deseamos que este programa, integrado por copias restauradas en 35 mm., sea una alegría más en este día tan especial para los cinéfilos más pequeños y los jóvenes de corazón.

José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional Martes 6

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Dogmas del Dogma 95

El Manifiesto Dogma 95, presentado en París el 20 de marzo de 1995 durante un evento que celebraba el centésimo aniversario del nacimiento del cine, dió origen a un singular movimiento creativo, basado en un estricto conjunto de reglas (el llamado voto de castidad) que se expandió por todo el mundo.

Los primeros directores en realizar un filme bajo estas normas fueron los daneses Thomas Vinterberg, Lars von Trier, Søren KraghJacobsen y Kristian Levring.

A ellos les siguió un nutrido grupo de realizadores, mismo que encontró en sus premisas una revitalización del cine, hasta que en 2002, el Secretariado de Dogma 95 decidió no funcionar más como la instancia encargada de registrar las obras que cumplían con el voto de castidad. A pesar de que el último filme inscrito oficialmente fue Dogma #31 - El desenlace, de Juan Pinzás, la página Internet del movimiento incluye cientos de títulos registrados.

En la Cineteca Nacional se han estrenado Dogma #1 - Festen, la celebración, en la XXXII Muestra Internacional de Cine de 1998; Dogma #3 - Mifune: Secretos de familia, en la XXXVI Muestra del 2000; Dogma #4 - Viva el rey, en la XXXVIII Muestra de 2001; Dogma #12 - Italiano para principiantes, en el Festival Cinema Europa 2002, y Dogma # 28 - A corazón abierto, en el Foro Internacional de 2003.

A continuación, reproducimos el manifiesto íntegro del movimiento, extraído de la página oficial http://www.dogme95.dk:

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Dogma 95 es un colectivo de cineastas fundado en Copenhague en la primavera de 1995 que tiene como fin formal luchar contra ciertas tendencias del cine actual.

¡Dogma 95 es una acción de rescate!

En 1960, ¡ya se había llegado al límite! El cine estaba muerto y pedía su resurrección. ¡El fin era el indicado, pero no los medios! La nueva ola había resultado ser sólo un pequeño oleaje que al tocar la tierra se convirtió en lodo. Los lemas acerca del individualismo y la libertad provocaron durante algún tiempo que nacieran nuevas obras; sin embargo, no se produjo ningún cambio. La ola estaba allí para el mejor postor, al igual que los directores, pero nunca pudo ser más fuerte que aquellos que la habían creado. El cine antiburgués se convirtió en un cine pudiente, pues había sido fundado sobre teorías basadas en una percepción burguesa del arte. El concepto mismo del autor, nacido del romanticismo, era entonces... ¡falso! ¡Para el Dogma 95 el cine no es algo individual! Actualmente, un revuelo tecnológico está causando furor, el cual llevará a la total democratización del cine. Por primera vez, todos podrán hacer películas. Sin embargo, cuanto más accesibles se hacen los medios, más importante es la vanguardia. No es accidental el que la palabra “vanguardia” tenga connotaciones militares. La respuesta es la disciplina... debemos ponerles uniformes a nuestras películas, porque el cine individualista será por definición decadente.

Dogma 95 le hace frente al cine individualista al presentar una serie de reglas indiscutibles conocidas como El voto de castidad. En 1960, ¡se había llegado al límite! Dijeron que el cine había sido maquillado hasta su muerte y, sin embargo, a partir de entonces el uso de cosméticos se multiplicó.

La “tarea suprema” de los cineastas en decadencia es engañar al público. ¿Es de esto de lo que estamos tan orgullosos? ¿Es esto lo que nos aportan los “100 Años”? ¿Ilusiones a través de las cuales se pueden mostrar las emociones?... ¿Mediante el libre albedrío de cada artista para escoger los engaños?

La previsibilidad (dramaturgia) se ha convertido en el becerro de oro alrededor del cual todos bailamos. Hacer que la vida interior de los personajes justifique el argumento es demasiado complicado, y definitivamente no es un arte auténtico. Como nunca antes, las acciones superficiales y las películas artificiales reciben todas las alabanzas. El resultado es estéril. Una ilusión del patetismo así como una ilusión del amor. ¡Para Dogma 95 una película no es una ilusión! Actualmente un revuelo tecnológico está causando furor, lo cual ha conllevado a que los cosméticos sean considerados Dios. Mediante la nueva tecnología, cualquier persona puede, en cualquier momento, eliminar los últimos restos de verdad mediante un abrazo mortal con las sensaciones. Las ilusiones son el todo detrás de lo cual se esconde la película.

Dogma 95 se enfrenta al cine de ilusiones presentando una serie de reglas indiscutibles conocidas como El voto de castidad.

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El voto de castidad Juro someterme a las siguientes reglas, establecidas y confirmadas por Dogma 95: • El rodaje debe realizarse en exteriores. No se pueden introducir accesorios ni escenografía (si un accesorio en especial es indispensable para la historia, será necesario elegir una locación en donde ese accesorio ya se encuentre).

• El sonido nunca debe ser producido por separado de las imágenes y viceversa (no se puede utilizar música, a menos de que ésta forme parte de la escena que está siendo filmada).

• La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento —o inmovilidad— que se pueda conseguir con la mano está autorizado (la película no debe ocurrir en el lugar donde está parada la cámara; la filmación debe hacerse donde sucede la película).

• La película tiene que ser a color. La iluminación artificial no es aceptada. Si hay poca luz para filmar entonces la escena debe ser eliminada, o bien se puede montar una sola luz sobre la cámara.

• Los procesos ópticos y los filtros están prohibidos.

• La película no debe contener ninguna acción superficial (no pueden existir asesinatos, armas, etcétera).

• Los cambios temporales y geográficos están prohibidos (esto quiere decir que la película sucede aquí y ahora).

• Las películas de género no están aceptadas.

• El formato de la película debe ser en 35 mm.

• El director no debe aparecer en los créditos. ¡Además, juro que como director me abstendré de todo gusto personal! Ya no soy un artista. Juro que me abstendré de crear “una obra”, ya que considero que el instante es mucho más importante que la totalidad. Mi meta suprema es lograr que la verdad emerja de mis personajes y escenarios. Juro lograr esto por todos los medios posibles, sacrificando para ello tanto el buen gusto como cualquier consideración estética.

Es así que pronuncio mi VOTO DE CASTIDAD. Copenhague, lunes 13 de marzo de 1995 En nombre de Dogma 95, Lars von Trier - Thomas Vinterberg

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Los idiotas Dogma #2 - Idioterne D, G y F en C: Lars von Trier. P: Dinamarca-Suecia-Italia-Francia, 1998. E: Molly Marlene Stensgård. Con: Bodil Jørgensen (Karen), Jens Albinus (Stoffer), Anne Louise Hassing (Susanne), Troels Lyby (Henrik), Nikolaj Lie Kaas (Jeppe), Louise Mieritz (Josephine), Henrik Prip (Ped). Prod: Danmarks Radio (DR), Zentropa Entertainments, October Films, Vibeke Windeløv, Dag Alveberg, Svend Abrahamsen.

Dur: 117 mins.

Festen, la celebración Dogma #1 - Festen D: Thomas Vinterberg. P: Dinamarca-Suecia, 1998. G: Thomas Vinterberg y Mogens Rukov. F en C: Anthony Dod Mantle. E: Valdís Óskarsdóttir. Con: Ulrich Thomsen (Christian), Henning Moritzen (Helge), Thomas Bo Larsen (Michael), Paprika Steen (Helene), Birthe Neumann (madre), Trine Dyrholm (Pia), Klaus Bondam (Helmut).

Prod: Danmark Radio, SVT Drama, Nimbus Film Productions, Birgitte

A un excéntrico grupo de personas los une la afición de jugar a ser idiotas en su tiempo libre.

Karen, una reservada y tímida mujer, se va con ellos a una casa de campo en donde explorarán los límites de sus anormales conductas.

Presentada en la Selección Oficial de Cannes, esta obra fundamental de Lars von Trier sigue al pie de la letra los mandamientos del Dogma 95, al retratar cámara en mano y sin elementos artificiales a esta banda que está dispuesta a confrontar a la sociedad con sus idioteces.

Hald. Dur: 105 mins. PC: Cineteca Nacional.

Sábado 17

Primer filme realizado bajo el llamado Voto de castidad de Dogma 95. En éste se narra una amarga reunión familiar, en la cual el hijo mayor revela oscuros secretos que atañen al patriarca del clan, quien es nada menos que el festejado de la ocasión. El realizador Thomas Vinterberg ganó con este trabajo la presea al descubrimiento europeo del año en los Premios del Cine Europeo, así como el Premio Especial del Jurado en Cannes, y dio el banderazo de salida a un manifiesto cinematográfico con más de 100 filmes registrados.

Viernes 16

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Mifune: Secretos de familia Dogma #3 - Mifunes sidste sang D: Søren Kragh-Jacobsen. P: Dinamarca-Suecia, 1999. G: Søren Kragh-Jacobsen y Anders Thomas Jensen. F en C: Anthony Dod Mantle. M: Thor Backhausen, Karl Bille y Christian Sievert. E: Valdís Oskarsdottir. Con: Anders W. Berthelsen (Kresten), YIben Hjejle (Liva Psilander), Jesper Asholt (Rud), Sofie Gråbøl (Claire), Emil Tarding (Bjarke Psilander), Anders Hove (Gerner). Prod: Danmarks Radio (DR), Nimbus Film Productions, SVT Drama, Zentropa Entertainments, Birgitte Hald, Morten Kaufmann. Dur: 98 mins.

Tras la muerte de su padre, Kresten —quien vive cómodamente en Copenhague— regresa a la granja donde creció. Allí, se encuentra con su hermano Rud, afectado de sus facultades mentales, y con un pasado que hasta ese momento había tratado de ocultar. Tercera entrega del movimiento Dogma 95, dirigida por Søren Kragh-Jacobsen, quien crea una serie de personajes entrañables, presas de sus propios secretos. Filme ganador del Gran Premio del Jurado y del Oso de Plata en el Festival de Berlín 1999.

Domingo 18

Viva el rey Dogma #4 - The King is Alive D: Kristian Levring. P: Suecia-Dinamarca-Estados Unidos, 2000. G: Kristian Levring y Anders Thomas Jensen, inspirados en la obra teatral El rey Lear de William Shakespeare. F en C: Jens Schlosser. M: Derek Thompson. E: Nicholas Wayman-Harris. Con: Miles Anderson (Jack), Romane Bohringer (Catherine), David Bradley (Henry), David Calder (Charles), Bruce Davison (Ray), Brion James (Ashley). Prod: Newmarket, Machine International, Zentropa Entertainments 5 ApS, Danish Broadcasting Corporation, Patricia Kruijer, Vibeke Windeløv.

Dur: 105 mins.

Cuarto largometraje filmado bajo las reglas del movimiento Dogma 95, en el que Kristian Levring medita acerca de la conducta humana en circunstancias extremas. El realizador presenta aquí a un grupo de turistas perdidos en el desierto de Namibia. Un sobreviviente africano narra los sucesos en su propio dialecto y se convierte en el único testigo de lo que sucede con ellos, quienes al verse aislados del resto del mundo, sin comida y sin agua, deciden montar El rey Lear como último sustento vital.

Martes 20

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Julien Donkey Boy Dogma #6 - Julien Donkey Boy D y G: Harmony Korine. P: Estados Unidos, 1999. F en C: Anthony Dod Mantle. E: Valdís Óskarsdóttir. Con: Ewen Bremner (Julien), Brian Fisk (muchacho del estanque), Chloë Sevigny (Pearl), Werner Herzog (padre), Joyce Korine (abuela), Evan Neumann (Chris), Miriam Martínez (adolescente). Prod: 391 Productions, Forensic Films, Independent Pictures, Scott Macauley, Robin O’Hara, Cary Woods. Dur: 101 mins.

Amantes Dogme #5 - Lovers D y F en C: Jean-Marc Barr. P: Francia, 1999. G: Pascal Arnold y Jean-Marc Barr. E: Brian Schmitt. Con: Élodie Bouchez (Jeanne), Sergej Trifunovic (Dragan), Geneviève Page (Alice), Dragan Nicolic (Zlatan), Thibault de Montalembert (Jean-Michel). Prod: Bar Nothing, TF1 International, Tolodo, Pascal Arnold. Dur: 100 mins.

En París, Dragan, un artista proveniente de la antigua Yugoslavia, entra a una librería y conoce a Jeanne, una encantadora y bella joven.

Ambos se enamoran e inician una apasionada relación comunicándose en inglés, ya que él no habla francés y ella no habla serbio. Su amor se enfrenta al hecho de que él no tiene papeles y que la policía le da tres días para abandonar Francia. El actor galo Jean-Marc Barr se inició en la dirección con este filme Dogma 95, premiado en el Festival de Munich.

El guionista de Kids y realizador de Gummo presenta en este filme un caleidoscopio visual a partir de la vida de un adolescente atormentado: Julien es vejado por su padre (encarnado por Werner Herzog, cuyo cine, sin duda, influye notablemente al Dogma 95) mientras él igualmente se aprovecha de otros chicos; por otra parte, su hermana Pearl está embarazada, y nadie sabe quién es el padre. Primer filme estadounidense que se inscribe en este movimiento.

Jueves 22

Miércoles 21

25

A corazón abierto Dogme #28 - Elsker dig for evigt D: Susanne Bier. P: Dinamarca, 2002. G: Anders Thomas Jensen. F en C: Morten Søborg. M: Jesper Winge Leisner. E: Thomas Krag y Pernille Bech Christensen. Con: Mads Mikkelsen (Niels), Sonja Richter (Cecile), Nikolaj Lie Kaas (Joachim), Paprika Steen (Marie), Stine Bjerregaard (Stine), Birthe Neumann (Hanne), Niels Olsen (Finn). Prod: Jonas Frederiksen, Vibeke Windeløv. Dur: 113 mins. Dist: Cine, Video y Televisión.

Italiano para principiantes Dogma #12 - Italiensk For Begyndere D y G: Lone Scherfig. P: Dinamarca-Suecia, 2000. F en C: Jørgen Johansson. E: Gerd Tjur. Con: Anders W. Berthelsen (Andreas), Anette Støvelbaek (Olympia), Ann Eleonora (Karen) Peter Gantzler (Jørgen Mortensen), Lars Kaalund (Hal-Finn), Sara Indrio Jensen (Giulia).

Prod : Danmarks Radio (DR), Det Danske Filminstitut, Zentropa Entertainments, Ib Tardini. Dur: 118 mins.

Lone Scherfig fue la primera mujer en dirigir un filme Dogma 95. El guión narra la historia de un grupo de habitantes de un suburbio de Copenhague. Personas solitarias, con un pasado doloroso, necesitadas de afecto, que encuentran un poco de esperanza gracias a las relaciones que establecen en un curso de italiano para principiantes. Esta exitosa comedia romántica obtuvo más de 19 premios internacionales, incluyendo el Oso de Plata en el Festival de Berlín 2001.

Viernes 23

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Una joven mujer inicia una relación amorosa con el médico que atiende a su pareja, quien ha quedado inválido tras un accidente. Película número 28 de la filmografía Dogma, en la cual la danesa Susanne Bier, egresada de la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca, y con una larga carrera como realizadora de comerciales y videoclips, reflexiona de forma descarnada sobre los efectos de la pasión amorosa en los seres humanos, víctimas de un incierto destino, pero siempre ajustándose al voto de castidad del movimiento.

Sábado 24, domingo 25 y martes 27

La tacha azul Dogma # 32 - Se til venstre, der er en Svensker D: Natasha Arthy. P: Dinamarca, 2003. G: Kim Fupz Aakeson. F en C: Rasmus Videbæk. M: Kaare Bjerkø. E: Lasper Leick. Con: Sidse Babett Knudsen (Katrina), Björn Kjellman (Thomsen), Kim Fupz Aakeson (paciente), Ibrahim Atilla Agyun (Hakan), Lotte Andersen (Mette), Kaare Bjerkø (músico). Prod: Brigitte Hald, Brigitte Sov. Dur: 128 mins.

Dist: Mandala Films.

El desenlace Dogma #31 - El desenlace D y G: Juan Pinzás. P: España, 2005. F en C: Gerardo Moschioni y Tote Trenas. M: Juan Manuel Sueiro. E: Miguel Ángel Santamaría.

Con: Carlos Bardem (Rosendo), Isabel del Toro, Fernando Epelde (paralítico), Javier Gurruchaga, Miguel Insúa, Beatriz Rico, José Rodríguez (pianista). Prod: Pilar Sueiro. Dur: 105 mins.

Un director de cine y una productora deciden realizar un filme basado en la última novela del famoso escritor Rosendo Carballo. Sin embargo, cuando tres amigos mutuos se suman al proyecto, los más oscuros secretos del pasado saldrán a la luz. Juan Pinzás, el único director español reconocido oficialmente por Dogma 95, culmina con este filme —triunfador en el Festival de Cine Latino de Nueva York— su trilogía inscrita dentro de esta vanguardia, misma que incluye Érase otra vez (2000) y Días de boda (2002).

Los preparativos de la boda de Katrine, su miedo a decir la verdad, el desequilibrio mental de su hermana y la llegada de un antiguo amor son los ejes narrativos de una trama con tintes de comedia donde conviven las drogas, la locura y el sida. Filme número 32 del Dogma, ganador del Gran Premio del Jurado del Festival de Cine de Los Ángeles, en el que Natasha Arthy se apega a los preceptos del movimiento, al construir un relato naturalista, donde los personajes y sus conflictos son protagonistas.

Jueves 29, viernes 30 y sábado 31

Miércoles 28

27

Delitos Dogma #34 - Forbrydelser D: Annette K. Olesen. P: Dinamarca, 2004. G: Kim Fupz Aakeson y Annette K. Olesen. F en C: Bøje Lomholdt. M: Jeppe Kaas. E: Molly Malene Steensgaard. Con: Ann Eleonora Jørgensen (Anna), Trine Dyrholm (Kate), Sarah Boberg (Jossi), Nicolaj Kopernijus (Henrik), Sonja Richter (Marion), Lars Ranthe (Frank). Prod: Zentropa Entertainments, Ib Tardini. Dur: 101 mins.

Ana es nombrada capellán en una cárcel de mujeres, a la que llega convencida de poder ayudar espiritualmente a las prisioneras. Allí conoce a Kate, una mujer cuyas “manos curativas” —dicen—, alivian a las drogadictas, pero Ana no está preparada para enfrentarse a tan inverosímiles pruebas de fe. Filme lleno de cuestionamientos morales y éticos, ganador del Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Valladolid, y cuyo estreno celebró el 10º aniversario de Dogma 95.

Domingo 1º de febrero

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Festival de Festivales 2007

Cinéma du Réel Etat Généraux du Documentaire FIPA FIDMarseille Bureau du Documentaire

Festival de Festivales 2007 es una selección de documentales producidos en Francia por realizadores de todo el mundo, y que han sido exhibidos en algunos de los más prestigiosos certámenes galos, como Cinéma du Réel, Etat Généraux du Documentaire, FIPA y FIDMarseille. El Ministerio de Asuntos Extranjeros y Europeos de Francia, junto con el Bureau du Documentaire, adquirió estos trabajos para su distribución no comercial fuera de Francia.

Los documentales programados incluyen temas tan variados como una expedición científica a Groenlandia vista por una video artista francesa; el efecto del encierro en varios jóvenes reos en la cárcel de Nisida, cerca de Nápoles; la tragedia del tráfico de armas en la ciudad palestina de Rafah; la lucha independentista de los chechenos; el significado histórico de la famosa huelga en la fábrica LIP en Francia en 1973, y la prostitución juvenil en Camboya vista por Rithy Panh. También se incluyen dos documentales acerca de los relevantes artistas contemporáneos Yves Klein y Francis Alÿs.

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Los hijos de Itchikeri Itchikeri Kenti, les fils de l’Itchikeri D, G, F en C y E: Florent Marcie. P: Francia, 2006. Prod: No Man’s Land. Dur: 146 mins.

Chechenia, invierno de 1996. Florent Marcie, fotógrafo y documentalista francés, recorre y filma de modo clandestino el país en guerra: desde la ciudad de Grozny en ruinas, vigilada por el ejército ruso, hasta una gran manifestación independentista que desafía al ocupante, además de documentar los campamentos donde se esconden los partisanos chechenos. Editada diez años después, para dar testimonio de una historia olvidada, Los hijos de Itchikeri es una película simbólica para los chechenos, así como un filme universal sobre lo que queda de humano en la guerra y la resistencia.

Viernes 2 y jueves 15

Los LIP, la imaginación al poder Les LIP, l’imagination au pouvoir D: Christian Rouaud. P: Francia, 2006. Prod: Les Films d’Ici. Dur: 118 mins.

Documental sobre aquellos hombres que organizaron la huelga obrera más emblemática después del 68: la de la fábrica de relojes LIP en Besançon, Francia. Su lucha, iniciada en abril de 1973, duró varios años y movilizó a multitudes tanto en su país como en otras partes de Europa, y aunque las acciones ilegales se multiplicaron, nunca cedió a la tentación de la violencia. Las narraciones se entremezclan buscando entender por qué aquélla huelga simbolizó la esperanza y los sueños de toda una generación.

Sábado 3, viernes 16 y jueves 22

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Los hombres Les hommes D, G y F en C: Ariane Michel. P: Francia, 2006. Prod: Love Streams Productions, Agnès B. Dur: 95 mins.

El papel no puede envolver la brasa Le papier ne peut pas envelopper la braise D y G: Rithy Panh. P: Francia, 2006. F en C: Prum Mesa. M: Marc Marder y Agnès Sénémaud. Prod: Catherine Dussart Productions, Institut National de l’audiovisuel, France 2, France 5, Bophana Production.

Tras participar en una expedición científica a Groenlandia a bordo del barco Tara, la video artista francesa Ariane Michel decidió relatar su experiencia desde el punto de vista de la isla que recibe a los visitantes. El plano secuencia inicial muestra la forma en la que de un mar helado emergen siluetas humanas que salen de un barco. Los narradores son los mismos habitantes de ese paisaje helado y salvaje, donde los días no tienen fin. Obtuvo el Gran premio en el Festival Internacional de Documental de Marsella 2006.

Dur: 90 mins.

Martes 6 y viernes 9

Rithy Panh, director camboyano de S-21: La máquina de la muerte (2002), sigue explorando las heridas de un pueblo mutilado por el genocidio perpetrado por los Khmers Rojos. En esta ocasión, el filme se sitúa en un edificio de Phnom Penh, lugar habitado por 13 prostitutas menores de 20 años, y cuyas conversaciones muestran el desamparo en el que viven y su condición como verdaderas parias de la sociedad actual. Ganador del premio al mejor documental de la Academia de Cine Europea 2007.

Domingo 4, sábado 17 y miércoles 21

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Nisida, crecer en prisión Nisida, grandir en prison D, G y F en C: Lara Rastelli. P: Francia, 2006. E: Valérie Brégaint.

Prod: Flight Movie. Dur: 100 mins.

Rafah, crónicas de una ciudad en la Franja de Gaza Rafah, chroniques d’une ville dans la bande de Gaza D: Stéphane Marchetti y Alexis Monchovet. P: Francia, 2006. G: Stéphane Marchetti, Sébastien Mesquida y Alexis Monchovet. F en C: Alexis Monchovet. M: Damien Traversaz. E: Stéphane Marchetti.

En la cárcel ubicada en la isla de Nisida, frente a las costas de Nápoles, viven unos cuarenta jóvenes de 14 a 21 años, quienes fueron filmados a lo largo de un año y medio por Lara Rastelli. La directora confecciona un sentido retrato acerca del encierro. A pesar de que los chicos cubrieron su rostro con máscaras para preservar el anonimato, la también guionista y fotógrafa logró establecer una buena relación con tres de ellos, quienes hablan de su vida diaria, dividida entre escuela y trabajo, aburrimiento y encierro.

Prod: Playprod. Dur: 52 mins.

Jueves 8 y domingo 11

Documental que retrata los grandes cambios en la vida de Rafah, ciudad palestina al sur de la franja de Gaza, desde septiembre de 2005 hasta septiembre de 2006. Dividida en dos partes por un corredor de seguridad que marca la frontera entre Egipto y Gaza, Rafah es la capital del tráfico de armas en el Medio Oriente; armas que, desde la retirada de Israel de la zona el 12 de septiembre de 2005, alimentan sangrientas luchas entre familiares.

Miércoles 7 y sábado 10

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De amplios detalles De larges details: Sur les traces de Francis Alÿs D: Julien Devaux. P: Francia-Bélgica, 2006. E: André Gaultier. Prod: Atlante Productions. Dur: 56 mins.

Yves Klein, la revolución azul Yves Klein, la révolution bleue D: François Levy Kuentz. P: Francia, 2007. G: François Levy Kuentz y Stephan Levy-Kuentz. F en C: Olivier Raffet. M: Ramuntcho Matta.

Narración: Georges Bigot y Corine Juresco. E: Nadine Verdier y Nicole Serres. Prod: MK2TV, Centro Pompidou, France 5, Charles Gillibert. Dur: 52 mins.

Por medio de material de archivo, obras e imágenes de ficción, esta película muestra la trayectoria artística y revela las misteriosas correlaciones que componen la obra de Yves Klein (1928-1962), una de las grandes figuras del arte contemporáneo. Un filme narrado por el artista mismo, quien cuenta su epopeya bajo la forma de un rompecabezas, a través del cual emerge el hombre, el artista, su obra y su época. Fue galardonada con el premio FIPA en Montreal en 2007.

Francis Alÿs, artista contemporáneo, pintor, fotógrafo y creador de performances, es un caminante compulsivo con gusto por lo efímero e inasible; aquéllo que se nos escapa de las manos cuando pensábamos haberlo atrapado. Instalado desde hace más de quince años en México, la megalópolis es para él un laboratorio a la medida de su búsqueda infatigable y curiosa. Julien Devaux, frecuente colaborador de Alÿs, recibió por este trabajo una mención especial en el Festival de Cortometraje de Huelva en 2008.

Martes 13 y domingo 18 Miércoles 14 y martes 20

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Cortometrajes Tweety Lovely Superstar Tweety Lovely Superstar D y F en C: Emmanuel Gras y Eman Oktaï. P: Francia, 2006. M: Aks’ser. E: Karen Benainous. Prod: Keen Film, Claire Duguet, Niclas Perret. Dur: 18 mins.

En el tejado de un edificio, cuatro hombres y un niño buscan derribar el inmueble, con sus brazos como única herramienta. Los movimientos se convierten en música, y la música en golpes… Filme premiado en varios festivales europeos de cortometraje.

Martes 13 y domingo 18

Cene Cene D y G: Andy Guerif. P: Francia, 2006. F en C: Pascal Rabate. Prod: Capricci Films. Dur: 31 mins.

Un plano secuencia de 31 minutos narra la historia de 13 obreros durante la construcción de un escenario, que recrea La Última Cena de Duccio di Buoninsegna, maestro italiano del siglo XIII. Ganadora del Gran Premio FID Marsella 2007.

Miércoles 14 y martes 20

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Ernst Lubitsch en Berlín Billy Wilder: “Se acabó Ernst Lubitsch…”

William Wyler: “Algo peor. Se acabaron las películas de Lubitsch…”

Este sentido diálogo entre dos de los más grandes cineastas de Hollywood ocurrió la noche del 30 de noviembre de 1947, mientras se velaban los restos mortales de Ernst Lubitsch, en California.

Para ambos directores, Lubitsch fue su mentor en los años del cine silente alemán; mientras Wyler quizás absorbió de él su clasicismo fílmico para contar historias, Wilder adoptó su postura irónica ante la vida para la creación de filmes como La comezón del séptimo año, entre otros.

Algunos de sus filmes norteamericanos han alcanzado importantes posiciones entre los mejores de la historia de Hollywood y son ejemplos notables de comedias sofisticadas inyectadas por una sutil ironía, capaces de criticar ácidamente a la sociedad desde sus cimientos.

El director de Ninotchka (1939, la película que hizo reír en pantalla a la mismísima Greta Garbo) y Ser o no ser (1942, divertidamente feroz sátira antinazi, realizada en los peores momentos de la Segunda Guerra Mundial) nació en Berlín en enero de 1892, hijo de un sastre judío. Sus experiencias teatrales escolares lo hicieron abandonar sus estudios siendo un adolescente, evitando una tragedia familiar al llevar los libros contables del negocio de su padre durante el día, mientras se dedicaba a participar como actor en algunos cabarets berlineses por la noche. Su encuentro con el director teatral Max Reinhardt será decisivo, convirtiéndose en su actor estelar durante la segunda década del siglo XX. La actuación llevó a Lubitsch al cine, incorporándose como extra en la compañía Bioscop en Berlín. Su simpatía pronto provocó que protagonizara exitosas comedias con las que ganó rápidamente su independencia creativa. Dirigió su primera película en 1914 y cuatro años más tarde filmaría sus dos primeros grandes éxitos: Los ojos de la momia, un filme de aventuras

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ambientado en Egipto, y una versión de la Carmen de Prosper Mérimée. Ambos filmes, protagonizados por la célebre vampiresa Pola Negri, situaron a Lubitsch como uno de los principales artistas del cine alemán justo después de finalizada la Primera Guerra Mundial. El presente ciclo es tan sólo una muestra de la etapa alemana de Ernst Lubitsch, una obra que comenzó en 1914 y concluyó en 1923, año de su partida hacia Hollywood, dejando un legado de 39 filmes realizados.

Los filmes de Lubitsch significaron para el pueblo alemán un refrescante alivio en medio del desierto de la posguerra, el hambre, y la crisis política y moral tras la derrota. Aunque podrían fácilmente ser clasificados como comedias, bajo su aparente frivolidad aparecen ciertos temas e ideas bastante subversivas con respecto a la visión del mundo que tenía el cineasta; a su estilo en Hollywood se le bautizará como el “Toque Lubitsch”. Así, la heroína de No quiero ser un hombre (1918), se rebela contra la feminidad que la sociedad le impone. La estricta vida militar es ridiculizada por el director en Gato montés (1921), mientras que la frivolidad, potenciada por la omnipotencia económica del dólar, es denunciada en La princesa de las ostras (1919, filme en el cual los europeos de alcurnia tampoco salen bien librados). En el torcido universo de Lubitsch, los placeres del mundo árabe se convierten en pesadilla, como ocurre en Sumurun (1920), mientras que Ana Bolena (1920) busca salvar su cabeza ante los caprichos de su esposo, un tal Enrique VIII. De los más trágicos o insulsos momentos de la vida, Lubitsch supo extraer la comicidad de dichas situaciones, sin olvidar hacer un comentario al mundo que le rodeaba.

Sus atractivas puestas en escena, con notables decorados de estudio y elegantes vestuarios; su habilidad en el manejo de actores famosos; su humor sofisticado… todas estas virtudes lo hicieron abandonar su país natal para incorporarse a las filas de Hollywood. Por fortuna para Lubitsch, irónicamente (como lo fue todo en su vida), hubo un final feliz.

José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional

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No quiero ser un hombre Ich möchte kein Mann sein D: Ernst Lubitsch. P: Alemania, 1918. G: Hanns Kräly y Ernst Lubitsch.

F en B/N: Theodor Sparkuhl. M: Neil Brand. Con: Ossi Oswalda (Ossi), Kurt Götz (doctor Kersten), Ferry Sikla (abogado Brockmüller), Margarete Kupfer (institutriz). Prod: Projektions-AG Union (PAGU), Universum Film (UFA), Paul Davidson. Dur: 45 mins.

La princesa de las ostras Die Austernprinzessin D: Ernst Lubitsch. P: Alemania, 1919. G: Hanns Kräly y Ernst Lubitsch. F en B/N: Theodor Sparkhul. M: Aljoscha Zimmermann.

Con: Victor Janson (Mister Quaker, Rey de las Ostras de Norteamérica), Ossi Oswalda (Ossi, su hija), Harry Liedtke (príncipe Nucki), Julius Falkenstein (Josef), Max Kronert (Selighson, casamentero), Kurt Bois (conductor). Prod: Projektions-AG Union (PAGU). Dur: 60 mins.

Una joven de ríspido carácter, cansada de recibir la estricta educación que la convertiría en una dama de sociedad, se disfraza de caballero con la intención de pasar un buen rato, sin medir las consecuencias. Lubitsch consiguió explotar al máximo la vena cómica de Ossi Oswalda, su actriz fetiche, en esta comedia “sofisticada” donde la ambigüedad sexual de la protagonista es un subversivo elemento por medio del cual el cineasta cuestiona los roles que la sociedad impone a sus individuos.

Para satisfacer a su caprichosa hija, un empresario norteamericano busca casarla con un príncipe europeo. Comedia en cuatro actos que cuestiona cínicamente la actitud mercantilista de los estadounidenses, opuesta al refinamiento prusiano, y todo lo anterior unido por el absurdo de las convenciones sociales. El filme tuvo gran éxito y es considerado el primero donde se aprecia el llamado “Toque Lubitsch”, una sutil combinación entre comedia e ironía que se volvió el sello distintivo del cineasta.

Viernes 23 y martes 27

Viernes 23 y miércoles 28

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Ana Bolena Anna Boleyn D: Ernst Lubitsch. P: Alemania, 1920. G: Fred Orbing y Ernst Lubitsch. F en B/N: Theodor Sparkuhl. M: Javier Pérez de Azpeitia.

Con: Henny Porten (Ana Bolena), Emil Jannings (Enrique VIII), Paul Hartmann (Sir Henry Norris), Ludwig Hartau (Duque de Norfolk), Aud Egede Nissen (Jane Seymour), Hedwig Pauly-Winterstein (reina Catalina). Prod: Messter Film, Union Film, Universum Film (UFA).

Dur: 118 mins.

Sumurun Sumurun D: Ernst Lubitsch. P: Alemania, 1920. G: Hanns Kräly y Ernst Lubitsch, inspirados en la pantomima de Friedrich Freska y Richard Rieß, adaptada al teatro por Max Reinhardt. F en B/N: Theodor Sparkuhl y Kurt Waschneck. M: Javier Pérez de Azpeitia. Con: Jenny Hasselqvist (Sumurun), Pola Negri (Yannaia), Paul Wegener (Jeque), Ernst Lubitsch (Yeggar, jorobado vagabundo), Aud Egede Nissen (Haidee), Harry Liedtke (Nur-Al Din), Carl Clewing (hijo del Jeque).

Prod: Projektions-AG Union (PAGU). Dur: 103 mins.

Lubitsch se aventuró en los terrenos del filme histórico para recrear la historia de Ana Bolena y su trágica relación amorosa con el rey Enrique VIII. Si bien resultan destacables Henny Porten como la protagonista y las fastuosas escenografías, el actor Emil Jannings —quien encarna al monarca inglés—, consigue crear un personaje cuyas ansias de poder sólo se igualan a su apetito insaciable de mujeres y buenas viandas. Su enorme éxito internacional logró capturar la atención de Hollywood hacia el director.

Una cortesana, integrante del harem de un anciano jeque, pone en riesgo su vida al enamorarse de un humilde comerciante. Ésta es tan sólo una de las historias que Lubitsch engarza en un filme que mezcla sutilmente la comedia, el drama y las aventuras exóticas, inspirado en una pantomima del célebre director teatral Max Reinhardt. Exhibida fuera de Alemania bajo el título de Una noche árabe, Sumurun brindó al cineasta la oportunidad definitiva para iniciar una fructífera carrera en Hollywood.

Sábado 24 y jueves 29

Sábado 24 y viernes 30

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Gato montés Die Bergkatze D: Ernst Lubitsch. P: Alemania, 1921. G: Ernst Lubitsch y Hanns Kräly. F en B/N: Theodor Sparkuhl. M: Marco Dalphane. Con: Pola Negri (Rischka), Paul Heidemann (teniente Alexis), Victor Janson (comandante Tossenstein), Wilhelm Diegelmann (Claudius), Hermann Thimig (Pepo), Edith Meller (Lilli), Marga Köhler (mujer del comandante). Prod: Projektions-AG Union (PAGU). Dur: 82 mins.

Ernst Lubitsch en Berlín Ernst Lubitsch in Berlin — Von der schönhauser allee nach Hollywood D y G: Robert Fischer. P: Alemania, 2006. F en C y B/N: Jonathan Rho, Manuel Lommel y Michael Rüdiger. M: Aljoscha Zimmermann.

E: Frank Schönfelder. Testimonios: Nicola Lubitsch, Enno Patalas, Jan Christopher-Horak, Tom Tykwer, Wolfgang Becker, Dani Levy, Michael Hanisch. Prod: Transit Film GmbH, Loy W. Arnold. Dur: 110 mins.

Un militar que había sido secuestrado por bandoleros es liberado por la hija del líder, Rischka, enamorada de él, y quien se convierte en su peor pesadilla al enterarse que se casará con otra mujer. Una comedia en la cual Lubitsch orquesta una farsa mordaz de la disciplina castrense. Además de explotar las aptitudes de la vampiresa Pola Negri como comediante, el cineasta altera la normalidad de la imagen fílmica con encuadres en forma de figuras geométricas, para aumentar el absurdo de su historia.

Largometraje documental que repasa la vida y obra del director alemán, desde su nacimiento en 1892 hasta su partida hacia Hollywood en 1923. Incluye entrevistas con Nicola Lubitsch, hija del cineasta, historiadores fílmicos como Enno Patalas y Jan-Christopher Horak, y figuras como Tom Tykwer, entre otros. El filme también presenta imágenes inéditas de los inicios del director como actor y cineasta, además de interesantes aspectos de la industria cinematográfica alemana durante la época silente.

Domingo 25 y sábado 31

Domingo 25 y domingo 1º de febrero

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Programa doble I: Stanley Donen se enfrenta al Thriller

Charada Charade D: Stanley Donen. P: Estados Unidos, 1963. G: Peter Stone y Marc Behm, basado en la novela The Unsuspecting Wife de Marc Behm.

F en C: Charles Lang Jr. M: Henry Mancini. E: James Clark. Con: Cary Grant (Peter Joshua/Carson Dyle), Audrey Hepburn (Regina Lampert), Walter Matthau (Hamilton Bartholemew), James Coburn (Tex Panthollow), George Kennedy (Herman Scobie), Dominique Minot (Sylvie Gaudet). Prod: Universal Pictures, Stanley Donen Films, Stanley Donen. Dur: 113 mins.

Arabesque D: Stanley Donen. P: Estados Unidos, 1966. G: Julian Mitchell, Stanley Price y Peter Stone, basados en una novela de Gordon Cotler. F en C: Chistopher Challis. M: Henry Mancini. E: Frederick Wilson.

Con: Sophia Loren (Yasmin Azir), Gregory Peck (profesor David Pollock), Alan Badel (Beshraavi), Kieron Moore (Yussef Kasim), Carl Duering (Hassan Jena), John Merivale (Mayor Pennington Sloane).

Prod: Universal Pictures, Stanley Donen Films, Stanley Donen. Dur: 105 mins.

Stanley Donen, quien junto con Gene Kelly cambiaría la historia del cine musical con Cantando bajo la lluvia (1952), realizó una década después dos filmes de suspenso: Charade, un gran éxito de taquilla gracias al carisma de sus intérpretes y un excelente guión, y Arabesque, en la que Donen no pudo volver a reunir a su anterior pareja protagonista, pues Cary Grant se retiró del cine ese año y Audrey Hepburn se encontraba filmando Cómo robar un millón (aunque él la volvería a dirigir en Two for the Road en 1967). El gran atractivo de Arabesque fue la participación de la bellísima Sophia Loren, ganadora del Oscar en 1961 por Dos mujeres. En Charade, la joven Regina Lambert se ve acosada por hombres que buscan el oro que su difunto marido robó, por lo que no sabe si creer o no en el atractivo hombre que dice querer ayudarla; mientras que en Arabesque es el profesor David Pollock, famoso egiptólogo contratado para descifrar un mensaje, quien al ver su vida en peligro no sabe si confiar o no en la bella y sensual Yasmin.

Catherine Bloch Martes 6, miércoles 7 y sábado 10

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Programa doble II: Una pequeña dosis de cine negro

Permanencia voluntaria

Sin escape alguno No Way Out D: Roger Donaldson. P: Estados Unidos, 1987. G: Robert Garland, basado en la novela de Kenneth Fearing. F en C: John Alcott. M: Maurice Jarre. E: William Hoy y Neil Travis. Con: Kevin Costner (comandante Tom Farrell), Gene Hackman (Secretario de Defensa David Brice), Sean Young (Susan Atwell), Will Patton (Scott Pritchard), Howard Duff (senador William ‘Billy’ Duvall), George Dzundza (Sam Hesselman). Prod: Orion Pictures Corporation, Roger Garland, Laura Ziskin. Dur: 114 mins.

El reloj asesino The Big Clock D: John Farrow. P: Estados Unidos, 1948. G: Jonathan Latimer, basado en la novela homónima de Kenneth Fearing. F en B/N: Daniel L. Fapp y John Seitz. M: Victor Young. E: LeRoy Stone. Con: Ray Milland (George Stroud), Charles Laughton (Earl Janoth), Maureen O’Sullivan (Georgette Stroud), George Macready (Steve Hagen), Rita Johnson (Pauline York), Elsa Lanchester (Louise Patterson). Prod: Paramount Pictures, John Farrow, Richard Maibaum. Dur: 95 mins.

La novela El gran reloj, obra del escritor Kenneth Fearing, publicada en 1946 y relatada a partir del punto de vista de siete personajes, inspiró al cineasta John Farrow a realizar una adaptación de la misma, aunque con ciertas diferencias: su versión recurre al flashback, así como a una estética emparentada con el cine negro. El filme, estrenado el 9 de abril de 1948 en Estados Unidos, retrata la lucha que un periodista mantiene contra el tiempo y el destino, para evitar que se le acuse del asesinato de una joven. A partir de este largometraje, el guionista Jonathan Latimer comenzaría una larga serie de colaboraciones con Farrow. Cuatro décadas más tarde, el realizador de origen neozelandés Roger Donaldson realizó el remake de El reloj asesino.

Donaldson optó por ubicar su historia en el ámbito militar, por lo que el protagonista del filme es el Secretario de Defensa estadounidense; un hombre que en un arranque de furia mata a su amante, y para encubrir su delito inculpa a alguien más.

Miriam Jiménez Martes 13, miércoles 14 y sábado 17

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Programa doble III: Elvis de celuloide

Prisionero del rock and roll Jailhouse Rock D: Richard Thorpe. P: Estados Unidos, 1957. G: Nedrick Young y Guy Trosper. F en B/N: Robert J. Bronner. M: Jeff Alexander. E: Ralph E. Winters. Con: Elvis Presley (Vince Everett), Judy Tyler (Peggy Van Alden), Mickey Shaughnessy (Hunk Houghton), Vaughn Taylor (Señor Shores/ Narrador), Jennifer Holden (Sherry Wilson), Dean Jones (Teddy Talbot). Prod: Avon Productions, Metro Goldwyn-Mayer, Pandro S. Berman. Dur: 96 mins.

La novia robada Love Me Tender D: Robert D. Webb. P: Estados Unidos ,1956. G: Maurice Geraghty y Robert Buckner. F en B/N: Leo Tover. M: Lionel Newman. E: Hugh S. Fowler. Con: Elvis Presley (Clint Reno), Richard Egan (Vance Reno), Debra Paget (Cathy Reno), Robert Middleton (señor Siringo), William Campbell (Brett Reno), Neville Brand (Mike Gavin). Prod: Twentieth Century-Fox, David Weisbart. Dur: 89 mins.

En 1953 un joven de tupidas patillas y pelo ondulado se presentó en los estudios Sun Records.

Era un chico de tez blanca, capaz de transmitir el sentimiento de la música negra, y cuya vestimenta de cuero, cabello abultado y movimientos sensuales conquistaron a una generación que sucumbió ante el Rey del Rock. La novia robada, cuyo título original rinde homenaje a un sencillo de Elvis, marcó el debut cinematográfico del cantante en el papel de Clint, quien se casa con la ex novia de su hermano, un soldado que regresa de la Guerra Civil. El filme, situado en 1865, cuenta con cuatro números musicales: “Poor Boy”, “Let Me”, “We’re Gonna Move” y “Love Me Tender”. “El rock de la cárcel”, elegida por el American Film Institute como una de las 100 mejores canciones de la historia de Hollywood, inspiró Prisionero del rock and roll, en la que Elvis es un rebelde que, tras pelear en un bar, termina en prisión, donde demuestra su talento para cantar y bailar. Tras el éxito del filme, El Rey obtuvo contratos que prolongaron su carrera actoral hasta completar 33 películas.

Orianna Estefanía Paz Esmoris Martes 20, miércoles 21 y sábado 24

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Programa doble IV: El film noir según Robert Siodmak

Permanencia voluntaria

Sin ley y sin alma Criss Cross D: Robert Siodmak. P: Estados Unidos, 1949. G: Daniel Fuchs, basado en la novela homónima de Don Tracy. F en B/N: Frank Planer.

M: Miklós Rózsa. E: Ted J. Kent. Con: Burt Lancaster (Steve Thompson), Yvonne De Carlo (Anna Dundee), Dan Duryea (Slim Dundee), Stephen McNally (teniente Pete Ramírez), Tom Pedi (Vincent), Percy Helton (Frank), Alan Napier (Finchley). Prod: Universal Pictures, Michel Kraike. Dur: 88 mins.

La dama fantasma Phantom Lady D: Robert Siodmak. P: Estados Unidos, 1944. G: Bernard C. Schoenfeld, basado en la novela homónima de William Irish. F en B/N: Woody Bredell. M: H.J. Salter. E: Arthur Hilton. Con: Franchot Tone (Jack Marlow), Ella Raines (Carol Kansas Richman), Alan Curtis (Scott Henderson), Aurora Miranda (Estela Monteiro), Thomas Gomez (inspector Burgess), Fay Helm (Ann Terry), Elisha Cook, Jr. (Cliff Milburn).

Prod: Universal Pictures, Joan Harrison. Dur: 87 mins.

Cineasta alemán que se incorporó a Hollywood en 1941, Robert Siodmak es uno de los más importantes exponentes del film noir clásico y, paradójicamente, un cineasta ignorado por el público y la mayoría de los historiadores de cine. Dentro del thriller policíaco, Siodmak se interesó por el drama psicológico de sus protagonistas, envueltos en una espiral de violencia que se extendía desde el entorno doméstico hasta la criminalidad organizada. Este programa doble reúne dos de sus mejores filmes, donde salen a relucir los temas recurrentes del cineasta, así como su gusto por la fotografía de amenazantes contraluces expresionistas y la forma en la que la música de sus filmes cobra particular importancia en el momento de expresar la angustia del relato. En La dama fantasma, el futuro de un inocente depende de una misteriosa mujer, mientras que en Sin ley y sin alma, un hombre ansioso por recuperar el amor de su mujer se ve envuelto en un acto criminal, con fatales consecuencias.

José Antonio Valdés Peña Martes 27, miércoles 28 y sábado 31

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Programa 37

La viuda del pastor Prästänkan D y G: Carl Theodor Dreyer, inspirado en el relato Prestekonen de Kristofer Janson. P: Suecia, 1920. F en B/N: George Schnéevoigt.

Con: Greta Almroth (Mari), Einar Röd (Söfren), Hildur Carlberg (Margarete), Emil Helsengreen (jardinero), Mathilde Nielsen (Gunvor), Lorenz Thyholt (alguacil), Olav Aukrust (prospecto). Prod: Svensk Filmindustri. Dur: 71 mins.

El exilio de talentosos cineastas de Suecia a Hollywood, brindó al danés Carl Theodor Dreyer la oportunidad para volverse director. En dicho país, Dreyer pudo realizar sus dos primeros filmes, El presidente y Páginas del diario de Satán, ambas de 1919. Un año más tarde, en Noruega, filmó La viuda del pastor. Este melodrama, en el cual un joven ministro debe casarse con la anciana viuda de un pastor para ejercer su ministerio, es su primera obra maestra, realizada con una extrema sobriedad.

Jueves 8

Programa 38

Historias tenebrosas Unheimliche Geschichten D: Richard Oswald. P: Alemania, 1919. G: Anselma Heine, Robert Liebmann y Richard Oswald, inspirado en relatos de Edgar Allan Poe y Robert Louis Stevenson. F en B/N: Karl Hoffmann. Con: Conrad Veidt, Anita Berber, Reinhold Schünzel, Hugo Döblin, Georg John, Paul Morgan, Richard Oswald. Prod: Richard Oswald Produktion, Richard Oswald. Dur: 112 mins.

Siniestros personajes de las pinturas que decoran la tienda de un anticuario cobran vida, y para amenizar su tétrica velada se cuentan entre ellos cinco relatos de horror. Estas historias conforman una cinta pionera en reunir relatos terroríficos en el cine, algunos inspirados en autores clásicos del género, como Robert Louis Stevenson o Edgar Allan Poe, y protagonizados todos ellos por Conrad Veidt, quien ese mismo año había encarnado al sonámbulo asesino de El gabinete del doctor Caligari.

Jueves 15

47

Programa 39

El último de los mohicanos The Last of the Mohicans D: Maurice Tourneur y Clarence Brown. P: Estados Unidos, 1920. G: Robert A. Dillon, basado en la novela homónima de James Fenimore Cooper. F en B/N: Philip R. Dubois y Charles Van Enger. Con: Harry Lorraine (Hawkeye), Barbara Bedford (Cora Munro), Albert Roscoe (Uncas), Wallace Beery (Magua), Theodore Lerch (Chingachgook), Lillian Hall (Alice), Henry Woodward (mayor Heyward). Prod: Maurice Tourneur Productions, Maurice Tourneur. Dur: 73 mins.

Primera versión cinematográfica de la clásica novella de James Fenimore Cooper, famoso escritor norteamericano. El cine se volvió el terreno ideal para recrear los personajes ideados por el autor, así como las aventuras en que se ven envueltos, en el contexto histórico de la disputa entre Francia e Inglaterra por las colonias americanas en el siglo XVIII. Dirigen Maurice Tourneur y su asistente personal Clarence Brown, quien se convirtiría posteriormente en uno de los más importantes artesanos de Hollywood.

Jueves 22

Programa 40

La marca del Zorro The Mark of Zorro D: Fred Niblo. P: Estados Unidos, 1920. G: Johnston McCulley, inspirado en su relato The Curse of Capistrano, con la colaboración de Eugene Miller y Douglas Fairbanks. F en B/N: William C. McGann y Harris Thorpe. Con: Douglas Fairbanks (don Diego Vega / El Zorro), Marguerite De la Motte (Lolita Pulido), Robert McKim (capitán Juan Ramón), Noah Beery (sargento González), Charles Hill Mailes (don Carlos Pulido), George Periolat (gobernador Alvarado). Prod: Douglas Fairbanks Productions, Douglas Fairbanks. Dur: 91 mins.

Justo cuando el público se había cansado de los melodramas románticos que interpretaba, el actor Douglas Fairbanks dio un giro a su carrera, para convertirse en el primer héroe de acción del cine norteamericano. Dirigida por el hábil Fred Niblo, esta película, ubicada en California a principios del siglo XIX, nos invita a seguir las correrías de un español que, para defender a los suyos, adopta una oscura identidad secreta para combatir los abusos del Virrey, después de dejar una “Z” marcada a filo de espada sobre el cuerpo de sus enemigos.

Jueves 29

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La Cineteca Nacional agradece el valioso apoyo de

Recuerda que martes y miĂŠrcoles todos somos estudiantes Entrada general $ 25 pesos.

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ÍNDICE

alfabético enero 2009 A corazón abierto Amantes Ana Bolena Arabesque Cállate y canta Cene Charada Chico, El Dama fantasma, La De amplios detalles Delitos Desenlace, El Ernst Lubitsch en Berlín Festen, la celebración Gato Montés Gran dictador, El Hijos de Itchikeri, Los Historias mínimas Historias tenebrosas Hombres, Los Idiotas, Los Italiano para principiantes Julien Donkey Boy LIP, la imaginación al poder, Los Marca del Zorro, La Mifune: Secretos de familia

60

26 25 39 42 12 35 42 19 45 34 28 27 40 23 40 19 31 14 47 32 23 26 25 31 48 24

Nisida, crecer en prisión No quiero ser un hombre Novia robada, La Papel no puede envolver la brasa, El Paraíso de Hafner, El Princesa de las ostras, La Prisionero del rock and roll Rafah, crónica de una ciudad en la Franja de Gaza Reloj asesino, El Shine a Light Sin escape alguno Sin ley y sin alma Sumurun Tacha azul, La Tiempos modernos Marca del Zorro, La Tierra prometida, La Tweety Lovely Superstar Último de los mohicanos, El Verano ‘04 Viuda del pastor, La Viva el rey WALL·E Yves Klein, la revolución azul

33 38 44 32 8 38 44 33 43 10 43 45 39 27 19 48 6 35 48 16 47 24 18 34