JUNIO 2025

Cineteca Nacional

CINE Y FUTBOL: UNA MIRADA DIFERENTE Retrospectiva Leonardo Favio

Doha Film Institut: Nuevo cine árabe Dossier: Cine y futbol Función especial: Futbol México 70 Arqueología del cine: Cine futbolero en 8mm y súper 8

Ciudad de México Junio, 2026

505

PROGRAMA MENSUAL

CINETECA NACIONAL Av. México Coyoacán 389, Col. Xoco, Alcaldía Benito Juárez, C.P. 03330, Ciudad de México

Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.

4

RETROSPECTIVA LEONARDO FAVIO

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EN PORTADA México 70, 1970 Dir. Alberto Isaac

DOHA FILM INSTITUT

Acervo iconográfico de la Cineteca Nacional ABREVIATURAS D: Dirección.

G: Guion.

A: Animación B/N: Fotografía en blanco y negro.

Dist: Distribución.

CP: Compañía productora.

PC: Procedencia de copia.

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CINE Y FUTBOL: UNA MIRADA DIFERENTE 38

Programación sujeta a cambios.

Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net

Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica.

Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.

ESTRENOS DESTACADOS

México 70 ∙ 1970

DOSSIER

20

ELLAS CUENTAN SU HISTORIA CON EL FUTBOL

ADRIANELLY HERNÁNDEZ

TRES LADOS PARA LA COMPOSICIÓN

RAFAEL GUILHEM

FUNCIÓN ESPECIAL: MÉXICO 70

34

ARQUEOLOGÍA DEL CINE: CINE FUTBOLERO EN 8MM Y SÚPER 8

62

GUSTAVO E. RAMÍREZ CARRASCO

4

CICLOS

LEONARDO FAVIO “Si algo se puede rescatar de mi filmografía, o de mi vida, es la ternura” Leonardo Favio

JUNIO · 2026

DEL 19 AL 27 DE JUNIO

Director, actor y cantante, Leonardo Favio, nacido en Las Catitas (Mendoza, Argentina) y bautizado con el nombre de Jorge Jury Olivera, construyó una prolífica carrera multidisciplinaria marcada por los cruces entre imagen poética, sensibilidad sonora y compromiso político. Su cine, siempre militante y atento a la realidad social, exploraba historias en apariencia sencillas, pero complejas en su singularidad estética y narrativa.

Desde sus primeras obras, Favio desarrolló un estilo único, interesado por la afectividad de los sujetos que retrataba. Influenciado por el neorrealismo italiano, pero también por la cultura popular y rural argentina, sus películas ponían al centro personajes vulnerables cuyos destinos estaban marcados por el implacable azar y por un contexto complejo, muchas veces doloroso. Lejos de instrumentalizar estas historias para articular simples retratos melodramáticos, Favio construía acercamientos sensibles a partir de una propuesta formal que potenciaba la emotividad contenida en los rostros, los paisajes y las miradas mediante primeros planos, contrastes de luz y ritmos

pausados. A esa delicadeza visual se sumaba el uso hiperexpresivo de la música y de los silencios, dando lugar a una filmografía inusual e intensa que sigue cautivando.

En junio de 2026, la Cineteca Nacional, en colaboración con la periodista, editora y escritora Silvina Pachelo, presenta una retrospectiva que reúne cuatro películas que dan cuenta de la cosmovisión y evolución de la filmografía del realizador latinoamericano. El recorrido incluye su incursión en el largometraje de ficción con Crónica de un niño solo (1965), película fundamental en la historia del cine argentino que explora, con realismo y poesía, la marginalidad, la violencia y el abandono que atraviesan las infancias inmersas en los sistemas de reinserción social; Nazareno Cruz y el lobo (1975), que reinterpreta, desde una dimensión fantástica, religiosa y rural, una de las leyendas populares más emblemáticas de Argentina; Soñar, soñar (1976), sobre la amistad, los sueños imposibles y el fracaso, y finalmente, Gatica, el mono (1993), que ofrece uno de los retratos más intensos sobre la fama y la idolatría a través de la vida del boxeador José María Gatica.

Paola Parra Cineteca Nacional

5

LEONARDO FAVIO

CINETECA NACIONAL MÉXICO Crónica de un niño solo ∙ 1965

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CICLOS

CRÓNICA DE UN NIÑO SOLO

JUNIO · 2026

Argentina, 1965, 79 min.

D: Leonardo Favio. G: Leonardo Favio, Jorge Zuhair Jury. F en B/N: Ignacio Souto. M: Cimarosa y B. Marcelo Con: Leonardo Favio, Diego Puente, Tino Pascali, Beto Gianola, Óscar Espíndola. Prod: Luis De Stefano.

Dedicada a su mentor, Leopoldo Torre Nilsson, Crónica de un niño solo, la ópera prima de Leonardo Favio, se constituye como la primera parte de su conocida trilogía en blanco y negro. El filme carga con un gran peso autobiográfico, centrando la historia en Polín, un niño que tras ser abandonado en un orfanato donde la violencia y la segregación se viven a diario, logra escapar y comienza una búsqueda por su libertad. Polín atravesará desde la inocencia de su edad un mundo lleno de miseria, violencia y maldad, donde sobrevivir no será fácil. Considerada como una de las mejores películas argentinas, el filme destaca hasta la actualidad por el impresionante trabajo de composición y acompañamiento sonoro.

SOÑAR, SOÑAR Argentina, 1976, 85 min.

D y Prod: Leonardo Favio. G: Leonardo Favio y Jorge Zuhair Jury. F en C: Rogelio Chomnalez. M: Pocho Leyes. Con: Carlos Monzón, Gian Franco Pagliaro, Óscar Carmelo Milazzo. CP: Choila S.R.L

Tras un encuentro fortuito, Carlos, un empleado municipal que sueña con ser artista, conoce a Mario, un trotamundos que deambula con un espectáculo musical por pequeñas cantinas. Entre ellos surgirá rápidamente una tierna amistad que llevará a Carlos a abandonarlo todo para perseguir sus sueños junto con Mario. Pese a la mala recepción que tuvo por la crítica de su tiempo, Soñar, soñar fue una de las historias favoritas de su realizador, quien construyó una interesante y optimista historia de sueños y posibilidades.

LEONARDO FAVIO

GATICA, EL MONO Argentina, 1993, 136 min.

7

D: Leonardo Favio. G: Leonardo Favio, Jorge Zuhair Jury. F en C: Alberto Basail. M: Iván Wyszogrod. Con: Edgardo Nieva, Horacio Taicher, Juan Costa, María Eva Gatica. CP: Instituto Nacional de Cinematografía Argentina (INCA).

Después de casi 20 años sin hacer películas, Leonardo Favio regresó del exilio artístico y político para grabar este filme biográfico que retrata la vida del que fue el boxeador favorito de Perón. La cinta se centra en la controvertida figura de José María Gatica, desde su infancia en la pobreza, hasta algunas de sus peleas más icónicas, retratando mientras tanto el devenir de un país donde el peronismo era vencido de a poco y el inicio de la dictadura comenzaba a vislumbrarse en el horizonte.

NAZARENO CRUZ Y EL LOBO

D y Prod: Leonardo Favio. G: Leonardo Favio y Jorge Zuhair Jury. F en C: Juan José Stagnaro. M: Juan José García Caffi. Con: Juan José Camero, Marina Magali, Alfredo Alcón, Lautaro Murúa, Nora Cullen. CP: Choila S.R.L.

Basada en una obra de radioteatro de 1951, escrita por el célebre Juan Carlos Chiappe, Nazareno Cruz y el lobo fue uno de los filmes más reconocidos del cineasta argentino Leonardo Favio, quien conjuntó en la historia la mitología guaraní y la leyenda del lobizón.

La cinta comienza con la aparición de “La Lechiguana”, una bruja que augura la llegada del séptimo hijo varón de una mujer del pueblo, quien cargará con la maldición de transformarse en lobo. A causa de la desconfianza y el miedo, el pueblo exilia a la mujer y al niño.

Después de 20 años, Nazareno regresa y conoce a la hermosa Griselda, de quien queda perdidamente enamorado, sin imaginar que ese encuentro definirá su trágico futuro.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Argentina, 1975, 92 min.

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CICLOS

DOHA FILM INSTITUT

NUEVO CINE ÁRABE

JUNIO · 2026

DEL 4 AL 10 DE JUNIO

El Doha Film Festival llega a Cineteca Nacional con siete propuestas cinematográficas que exploran, desde diversas perspectivas, las problemáticas políticas y sociales de Asia Occidental. Abordando la segregación, la pobreza, el machismo y los distintos conflictos armados que se viven desde hace años, esta curaduría nos permite conocer historias de profunda resiliencia y valentía donde el papel de las mujeres frente y detrás de cámara cobra una relevancia y un peso significativo.

Entre estas miradas destacan títulos de gran peso político como Mujeres olvidadas (2025) de la actriz y directora iraquí Zahraa Ghandour, que aborda el problema de las “desapariciones” de mujeres en Irak y el impacto emocional y social de éstas, y La reina del algodón (2025) de la cineasta sudanesa Suzannah Mirghani, que construye una historia sobre las nuevas formas de

colonialidad en el territorio africano.

Este ejercicio crítico se complementa con propuestas que exponen la belleza de lo cotidiano a través de historias mucho más contemplativas, tales como Bajo las higueras (2022) de la cineasta Erige Sehiri, quien regresa a su país de origen para registrar las distintas formas en las cuales la juventud sobrevive a la monotonía, se enamora por primera vez y va descubriendo su identidad mientras la cosecha de higos sigue su curso.

Acción, romance, tragedia y comedia negra son algunas de las líneas que encontraremos en esta edición del festival, el cual desarrolla un papel fundamental en la difusión de la cultura cinematográfica en Catar y en el encuentro dialógico con el cine del resto del mundo.

Cineteca Nacional

DOHA FILM INSTITUT

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EL ASENTAMIENTO Al mosta'mera, Egipto-Francia-Alemania-Catar-Arabia Saudita, 2025, 94 min.

Hossam, de 23 años, y su hermano Maro, de 12 años, aceptan entrar a trabajar a la fábrica donde meses antes murió su padre. El trato que hace la fábrica de aceptar a los dos hermanos para evitar una demanda por negligencia despierta en los trabajadores y en los propios hermanos una incomodidad que se hace cada vez más explícita. Sin embargo, Hossam sólo desea conservar el empleo para cuidar a su madre enferma, decisión que afecta directamente a Maro quien espera que su hermano emprenda una venganza. Entre la incertidumbre económica que los oprime, ambos deberán encontrar un camino que les ayude a superar la muerte de su padre, al tiempo que lidian con las injusticias estructurales de su marginada comunidad.

MUJERES OLVIDADAS Flana, Irak-Francia-Catar, 2025, 85 min .

D: Zahraa Ghandour. G: Zahraa Ghandour, Gladys Joujou. F en C: Jocelyne Abi Gebrayel. M: Khyam Allami. Prod: Zahraa Ghandour, Marc Berdugo, Bárbara Conforti.

La historia de Flana comienza en Bagdad, en la casa de la tía Hayat donde la directora Zahraa Ghandour se crió y donde conoció a Nour, su vecina y amiga de la infancia que un día desapareció con apenas diez años. A partir de su búsqueda, Ghandour construye este íntimo documental que explora las violencias sistemáticas que sufren las mujeres iraquíes, donde la desaparición es una historia colectiva que parece no tener una relevancia social fuera de los círculos de mujeres que sobreviven cuidándose entre sí.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

D y G: Mohamed Rashad. F en C: Mahmoud Lotfi. M: Tony Overwater. Con: Adham Shoukry, Ziad Islam, Hajar Omar, Mohamed Abdel Hady, Emad Ghoneim. Prod: Hala Lotfy. CP: Hassala Films, Caracteres Productions, Seera Films.

10

CICLOS

LA REINA DEL ALGODÓN Cotton queen, Alemania-Francia-PalestinaCatar-Arabia Saudita-Sudán, 2025, 93 min.

D y G: Suzannah Mirghani. F en C: Frida Marzouk. M: Amine Bouhafa.

Con: Mihad Murtada, Rabha Mohamed Mahmoud, Talaat Fareed, Haram Bisheer, Mohamed Musa. Prod: Caroline Daube, Didar Domehri.

Ambientada en un pueblo algodonero de Sudán, Cotton Queen sigue a Nafisa, una joven mujer que ha crecido bajo las enseñanzas de su abuela Al-Sit, matriarca de la comunidad y encargada de la industria algodonera desde que el pueblo logró la liberación de los colonos británicos. Sin embargo, la armonía del pueblo y de Nafisa se pondrá a prueba cuando un empresario extranjero que busca introducir algodón transgénico le pida matrimonio, confrontando a la joven con su legado de resistencia y su despertar emocional.

JUNIO · 2026

BAJO LAS HIGUERAS Under the fig trees, Túnez-Francia-SuizaAlemania-Catar, 2022, 92 min.

D: Erige Sehiri. G: Erige Sehiri, Ghalya Lacroix, Peggy Hamann. F en C: Frida Marzouk. M: Amine Bouhafa. Con: Fide Fdhili, Feten Fdhili, Ameni Fdhili. Prod: Didar Domehri, Erige Sehiri y Palmyre Badinier CP: Maneki Films, Henia Production.

El retrato de un grupo de jóvenes que pasan sus días en una plantación de higos se vuelve el móvil a partir del cual la cineasta Erige Sehiri construye una cinta de profunda intimidad, donde se exploran los deseos, aspiraciones y sueños de mujeres y hombres que siguen construyendo su identidad, mientras huyen de la monotonía de la vida rural. El filme destaca por la sensibilidad de la cineasta a la hora de retratar el entorno, a partir de un registro lento y detallado que expone sus raíces como documentalista.

REINAS Malikates, Marruecos-CatarFrancia-Bélgica, 2022, 83 min.

D y G: Yasmine Benkiran. F en C: Pierre Aïm. M: Jozef van Wissem.

Con: Nisrin Erradi, Nisrine Benchara, Rayhan Guaran, Jalila Talemsi, Hamid Nider. Prod: Jean des Forêts, Amélie Jacquis. CP: Petit Film.

Una mujer escapa de prisión para impedir que su hija viva internada en un centro de menores. Durante su fuga, pistola en mano, la madre toma como rehén a una joven conductora. Con la policía pisándoles los talones, las tres mujeres se embarcan en una peligrosa huida a través de las montañas del Atlas. Al más puro estilo de Thelma y Louise, Queens es una road movie por las áridas carreteras del desierto, que acompaña a un trío de mujeres liberadas de las normas patriarcales y machistas de Marruecos.

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FIEBRE MEDITERRANEA Mediterranean fever, Palestina-CatarChipre-Alemania-Francia, 2022, 108 min.

D y G: Maha Haj. F en C: Antoine Héberlé. M: Munder Odeh. Con: Amer Hlehel, Ashraf Farah, Anat Hadid, Samir Elias. Prod: Baher Agbariya, Martin Hampel, Thanassis Karathanos. CP: Majdal Films, Pallas Film, Still Moving.

Ganadora del premio al mejor guion en Una Cierta Mirada del Festival de Cannes, esta comedia negra sigue al palestino Waleed mientras intenta sobrellevar sus aspiraciones literarias frustradas y una depresión crónica en su departamento de Haifa. Su vida de control y aislamiento se verá sacudida al entablar una relación inesperada con su nuevo vecino, Jalal, un bullicioso estafador de poca monta. Pero la motivación detrás de esta improbable amistad los llevará a un viaje lleno de oscuros encuentros.

EL EXTRANJERO

En un pequeño pueblo de los Altos del Golán ocupados, la vida de un médico sin licencia, desesperado y sumido en una crisis existencial, da un giro desafortunado cuando se encuentra con un soldado herido en la guerra de Siria. Desafiando los mandatos de la comunidad en tiempos de crisis nacional, decide atender al hombre, marcando su propio destino. El extranjero es una obra atmosférica que evoca una especie de idealismo atrofiado en una tierra marcada por la ocupación y las tensiones políticas.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Al Garib, Siria-Palestina-CatarAlemania, 2021, 112 min.

D, G y E: Ameer Fakher Eldin. F en C: Niklas Lindschau. M: Rami Nakhleh. Con: Ashraf Barhom, Mohammad Bakri, Elham Arraf. Prod: Dorothe Beinemeier, Jiries Copti, Tony Copti. CP: Fresco Films, Metafora Production, Red Balloon Film.

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CICLOS

CINE Y FUTBOL: UNA MIRADA DIFERENTE

JUNIO · 2026

A PARTIR DEL 5 DE JUNIO

Hay varias maneras de ver el futbol. Una de ellas es como un negocio millonario, que involucra poderosos patrocinadores y funciona de acuerdo con las reglas del mercado capitalista. Otra el verlo como un bien público: el futbol como un factor de cohesión social y un vehículo de cultura.

En Una mirada diferente, apostamos por lo segundo. Y una prueba de ello, es que la mitad de los títulos que conforman este ciclo están dedicadas al futbol femenino. En particular, al primer mundial de futbol que se llevó a cabo en el Estadio Azteca en el año de 1971, tema de dos de los documentales: el mexicano Tan cerca de las nubes (2023), de Manuel Cañibe, y el argentino México 71 (2023), de Carolina Gil Solari y Carolina M. Fernández. Otro documental mexicano Ángeles F.C. (2025), de Roberto Ortiz, sobre un grupo de mujeres futbolistas, vistas tanto en el deporte como en su entorno social y familiar, en una de las zonas más peligrosas de Mexicali. La brasileña Adriana Yañez, en Las primeras (2024), se centra en mujeres de los suburbios de Río de Janeiro que fueron la base de la primera selección femenina brasileña en los 90, luego de años de prohibición, con el argumento de que el futbol afectaba la maternidad.

Otro filme brasileño, Democracia en blanco y negro (2014), de Pedro Asbeg, revive otro episodio singular, que reúne futbol, rock y política en el movimiento organizado alrededor del Corinthians de São Paulo, encabezado por los jugadores Sócrates y Casagrande, para democratizar el equipo y enfrentar la dictadura militar. El 5 de Talleres (2014), de Adrián Biniez, narra la historia de un jugador que luego de recibir una tarjeta roja, a los 35 años, decide abandonar el futbol y reencausar su vida. La historia es una ficción, pero el equipo es real: un tradicional equipo cordobés, de Argentina, fundado en 1913 y actualmente propiedad de sus más de 70 mil socios. De Chile, presentaremos Historias de futbol (1997), de Andrés Wood, una película de episodios que presenta tres historias en las que el futbol tiene un papel protagónico. Una de ellas adapta el relato El puntero izquierdo, de Mario Benedetti.

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CINE Y FUTBOL

Atlético San Pancho, 2001 Dir. Gustavo Loza Acervo iconográfico de la Cineteca Nacional

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Finalmente, para las infancias, programaremos la mexicana Atlético San Pancho (2001), de Gustavo Loza, sobre tres niños que intentan revivir el interés por el futbol en el pueblo de San Francisco del Monte, lugar donde el deporte está totalmente olvidado.

Cine y futbol: Una mirada diferente se exhibirá a partir del 5 de junio en las tres Cinetecas, además de circular por otras salas del país.

Paralelamente, se proyecta Futbol México 70, de Alberto Isaac, en copia de 35 milímetros y la versión restaurada de Ulama, el juego de la vida y la muerte de Roberto Rochín.

En buena parte del mundo, el futbol es un deporte que mueve multitudes, pero también es un factor de identidad que está presente prácticamente en todos los órdenes de la vida. En Un mirada diferente nos centramos exclusivamente en películas de México y América Latina.

Nelson Carro Programador

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CICLOS

JUNIO · 2026

EN LA CANCHA O EN LA PANTALLA El futbol y el cine comparten algo esencial: convierten lo cotidiano en épica. En una cancha o frente a una pantalla, el drama, la euforia, la derrota, la esperanza y la identidad colectiva se condensan en instantes capaces de marcar generaciones. Más que veintidós personas corriendo frenéticamente tras un balón es —guste o no— un fenómeno social que forja un repositorio enorme de historias.

Este ciclo explora esa relación. Pongámoslo en términos pamboleros, esto va desde la cáscara callejera, el llano o la talacha hasta la Copa del Mundo; de lo íntimo a lo colectivo, una mirada más allá de marcadores.

Aquí, están las voces que desafían inercias y reescriben narrativas donde parecía que las heroínas estaban omitidas y el futbol femenil era mero trámite para capital político: México 71 (Carolina Gil Solari), Tan cerca de las nubes (Manuel Cañibe) y Las primeras (Adriana Yañez), tres producciones que documentan el largo y complicado camino de las seleccionadas nacionales de Argentina, México y Brasil, respectivamente, por hacerse de un espacio en la historia del balompié. O Ángeles FC (Roberto Ortiz), donde un grupo de chavas

y su entrenador ven las hostiles canchas de Mexicali como refugio y reivindicación.

Desde Argentina, El 5 de Talleres (Adrián Biniez) se enfoca en el dilema del retiro de un jugador de Tercera División tras ser expulsado en los primeros partidos de temporada; un espejo que nos confronta con ese hasta aquí que tendremos en algún momento. Por otro lado, el clásico chileno Historias de futbol (Andrés Wood) y la mexicana Atlético San Pancho (Gustavo Loza), revelan cómo este deporte dialoga con temas tan diversos como la infancia, la identidad, la política, el género y la posibilidad de imaginar otros futuros.

Cerrando este recorrido, el documental Democracia en blanco y negro (Pedro Asbeg) nos recuerda que el futbol también puede ser un espacio de resistencia, organización y disputa política. Su mirada sobre la experiencia brasileña nos lleva, casi de forma inevitable, a pensar en otros clubes y aficiones que han convertido al estadio en una extensión de sus convicciones: desde la identidad antifascista de FC St. Pauli en Alemania y Rayo Vallecano en España, hasta los vínculos comunitarios, políticos y culturales del ecuatoriano Mushuc Runa SC o del CD Palestino en Chile.

Historias (con balón) aparentemente simples que terminan narrando el pulso de toda una sociedad.

Iván Villanueva Cineteca Nacional

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CINE Y FUTBOL

CINETECA NACIONAL MÉXICO Tan cerca de las nubles ∙ 2023

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CICLOS

LAS PRIMERAS As Primeiras, Brasil, 2024, 78 min.

D y G: Adriana Yañez. F en C: João Atala. M: Fabio Goés. E: Juliana Munhoz. Prod: Gal Buitoni, Luis Ferraz. CP: Olé Produções, UPEX.

Este documental gira en torno al grupo de mujeres que conformó la primera selección nacional del futbol femenil en Brasil en 1998, centrándose en la historia detrás de la gloria. Abandonadas, despojadas de sus uniformes y de sus sueños, años después dan testimonio de su experiencia antes, durante y después de haber hecho historia en su país. Mediante material de archivo, entrevistas y cámara en mano, la directora Adriana Yañez entrega un acercamiento personal al mundo detrás del futbol y sus dificultades.

MÉXICO 71 JUNIO · 2026

Argentina, 2023, 64 min.

D: Carolina Gil Solari y Carolina M. Fernández. G: Carolina Gil Solari, Emilio Guazzaroni. F en C: Aylén López. M: Francisco Seoane. E: Karina Expósito. Prod: Carolina M. Fernández. CP: Salamanca Cine.

Este documental cuenta la historia de la infravalorada Copa Femenil del Futbol de México 1971 a través de las vivencias de la selección argentina. Traídas con engaños, sin calzado adecuado, sin camisetas y sin alguien que las dirigiera, se enfrentaron a las adversidades, convirtiéndose en las favoritas del público mexicano. Mediante material de archivo y testimonios de las seleccionadas, México 71 da luz a un evento que fue escondido a los ojos del mundo, resignificando su importancia en la historia.

ATLÉTICO SAN PANCHO México, 2001, 110 min.

D: Gustavo Loza. G: Carolina Rivera, Rosy Ocampo. F en C: Chava Cartas. M: Enrique Quezadas. E: Roberto Bolado. Con: Héctor Suárez, Plutarco Haza, Nora Velázquez, Diego Luna. Prod: Fernando Sariñana, Francisco Gonzáles Compeán. CP: Altavista Films.

Un grupo de niños aficionados al futbol provenientes de un pequeño pueblo buscan cumplir su sueño de ganar un campeonato, para eso recurren a un exjugador estrella que regresa a su hogar. Contando con el apoyo de Don Pepe, un viejo intendente, emprenden un viaje lleno de tropiezos que los convertirá en un equipo que lucha más allá del propio futbol para encontrar la grandeza. Este filme explora la cultura del futbol en México y sus alcances en la vida de quienes lo practican con pasión y cariño.

CINE Y FUTBOL

ÁNGELES FC México, 2025, 101 min.

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D, G y F en C: Roberto Ortiz. M: Alejandro Urquijo, Alexis Rodríguez. E: Leonor Maldonado, Raúl Zendejas. Prod: Luis Bravo. CP: Amalgama del desierto, Jacalito Cine, Colorado River Films.

Este documental se centra en Cristian, un hombre que tras lograr salir del crimen organizado forma un equipo de futbol en tierras fronterizas. A través de éste buscará regresar a la comunidad algo de lo que le arrebató. Entrenando a niñas, niños y mujeres en situación vulnerable, se enfrenta a los retos de vivir en una de las zonas más peligrosas de Mexicali. Ángeles FC busca dar un vistazo a las oportunidades que el futbol tiene para cambiar la vida de las personas, dentro o fuera de la cancha.

TAN CERCA DE LAS NUBES

En 1971 un grupo de jóvenes futbolistas mexicanas llenaron el Estadio Azteca con más de 110 mil espectadores para disputar la final del Segundo Campeonato Mundial de Futbol Femenil, un torneo que rompió récords de asistencia, pero que no era reconocido por la FIFA. Entre imágenes de archivo y testimonios de aquellas pioneras del futbol femenil en México, este documental recupera su excepcional historia en la que desafiaron a un sistema machista y clasista, y abrieron la cancha para las mujeres de hoy.

EL 5 DE TALLERES Argentina-Uruguay-Alemania-FranciaPaíses Bajos, 2014, 100 min.

D y G: Adrián Biniez. F en C: Guillermo Nieto. M: Adrián Biniez, Sebastián del Muro. E: Fernando Epstein. Con: Esteban Lamothe, Julieta Zylberberg, César Bordón. Prod: Agustina Chiarino, Fernando Epstein. CP: Morocha Films, Mutante Cine, Aramos Cine.

A veces, el verdadero juego comienza al dejar la cancha. Tras ser expulsado durante un partido, Patón Bonassiolle, capitán y mediocampista del Club Atlético Talleres, se da cuenta de que su carrera como futbolista ha llegado a su fin. Jugó toda su vida para el club, sin lograr fama ni fortuna. A los 35 años, deberá apoyarse en su pareja, Ale, para buscar un nuevo rumbo en su vida. Pero Patón debe aceptar que no sólo se trata del fin de su carrera futbolística, sino también de otro tipo de despedida.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

México, 2023, 95 min.

D y G: Manuel Cañibe. F en C: Jessica Villamil. M: Camilla Uboldi. E: Ana García y Joaquín Celaá. Con: Testimonios de Silvia Zaragoza, Irma Chávez, Sandra Tapia, Sandra Ramírez. Prod: José Nacif, Hugo Espinosa, Manuel Cañibe, Laura Berron.CP: Filmadora, N+Docs.

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CICLOS

HISTORIAS DE FUTBOL Chile, 1997, 95 min.

D: Andrés Wood. G: René Arcos, Andrés Wood. F en C: Igor JadueLillo. M: Miguel Miranda, José Miguel Tobar. Con: Daniel Muñoz, Fernando Gallardo, Néstor Cantillana, Elsa Poblete. Prod: Andrés Honorato. CP: Wood Producciones, Roos Film.

Una mirada a la situación social de Chile a través de tres historias que giran en torno al futbol. En la primera, un promisorio jugador de un club de barrio no sabe si apegarse o no a los oscuros criterios de los dirigentes. En la segunda, una pandilla de niños se hacen de un balón que sale volando de un estadio para luego descubrir que sólo puede haber un dueño. Y en la tercera, la llegada de un joven a una cabaña durante un partido de Chile en el mundial, agitará la vida de las dueñas de casa.

JUNIO · 2026

DEMOCRACIA EN BLANCO Y NEGRO Democracia em Preto e Branco, Brasil, 2014, 90 min.

D: Pedro Asbeg. G: Arthur Muhlenberg. F en C: Rodrigo Graciosa. M: Fabiano Krieger. Con: Testimonios de Sócrates Brasileiro, Juninho, Luiz Inácio Lula da Silva, Walter Casagrande, Rita Lee (narración).

Prod: Gustavo Gama Rodrigues, Rodrigo Letier. CP: ESPN Brasil, Miração Filmes, TVZero.

En los años 80, Brasil llevaba casi dos décadas bajo una dictadura cuando un movimiento nacido al interior del club de futbol Corinthians, de São Paulo, ayudó a amplificar el clamor popular como forma de protesta contra el régimen. Liderados por los jugadores Sócrates, Wladimir y Casagrande, el equipo instauró un proceso democrático en el que todos participaban en las decisiones del club. Este documental muestra cómo el deporte, la música y la política se unieron para encauzar el rumbo de la historia.

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AKI K AURISMÄKI

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Historias de futbol ∙ 1997

JUNIO · 2026 México 70, Dir. Alberto Isaac Acervo iconográfico de la Cineteca Nacional

CINE Y FUTBOL

CINETECA NACIONAL MÉXICO

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DOSSIER

ELLAS CUENTAN SU HISTORIA CON EL FUTBOL Por Adrianelly Hernández Vega*

JUNIO · 2026

¿Elba Selva era la Maradona de México 1971?

No, Maradona fue la Elba Selva de 1986.

México 71 (Gil Solari y Fernández, 2023)

Cuando la conocí, sostenía entre sus manos unos viejos recortes y fotografías amarillentas como testigos del tiempo. «Cuidado, que se pueden romper», me dijo con una sonrisa entre el orgullo y la nostalgia. Alicia Vargas me contó, de viva voz, los detalles de su vida y el futbol, desde aquellas tardes junto a sus hermanos —«pero siempre jugué mejor que ellos», decía—, hasta el sentimiento de pararse ante un Estadio Azteca a punto de explotar, en el Mundial de México 1971, con el que su nombre fue reconocido y la llevó a ser elegida como la tercera mejor jugadora del siglo XX por Concacaf, detrás de leyendas como las estadounidenses Michelle Akers y Mia Hamm.

Lo que Alicia Vargas me dijo aquella noche en un restaurante en el corazón de la CDMX dejó claro que la hazaña de la que ella fue parte era tan grande que una tesis de licenciatura le quedaba corta, esa historia merecía ser contada de otra forma, debía ser

inmortalizada y conocida por las generaciones que afortunadamente hoy pueden ver con normalidad que una mujer juegue futbol (aunque no se malentienda, aún persiste un fuerte rechazo hacia las mujeres y el deporte, pero con diferentes matices y, sobre todo, con el contrapeso de la lucha feminista desde distintos frentes). En esa plática de un lejano 2011, ni ella ni yo imaginábamos que una década después habría más de un documental contando su historia.

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CINE Y FUTBOL

Boleto para el campeonato femenil de 1971, México.

El momento de romper los techos de cristal Septiembre de 1971: más de 100 mil personas en el Estadio Azteca abarrotaron las gradas para apreciar el talento de la mexicana Vargas, de la danesa Susanne Augustesen, de la argentina Elba Selva o de la italiana Elena Schiavo, quienes eran referentes de un grupo de mujeres que desafió las normas sociales de los turbulentos años 70 del siglo XX. La Copa Mundial de México 1971 no apareció en los libros sagrados del balompié, no por varias décadas, pero en su momento fue el hito que catapultó a miles de mujeres hacia las canchas de futbol. Ellas no lo sabían, pero aquel acto rebelde de hacer suya una pelota abrió el camino que hoy hace posible que haya, por lo menos, 16.6 millones mujeres jugando futbol alrededor del mundo.

México, Argentina, Italia, Dinamarca, Francia e Inglaterra fueron las selecciones que protagonizaron aquel evento que la FIFA y la FMF [Federación Mexicana de Futbol] desconocieron, con argumentos misóginos, aunque «normales para la época»: «no es un deporte propio para las mujeres», «científicamente, las mujeres no deberían jugar futbol», «jamás podrán ser hábiles como los hombres», «se ven torpes y ridículas»… no obstante, como la misma historia lo cuenta, esos comentarios denigrantes no las detuvieron, al contrario, atizaron

JUNIO · 2026

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sus ánimos de estar ahí, en ese terreno del que constantemente se les quería expulsar.

Lo interesante es que ya sea en el entonces Distrito Federal, en Buenos Aires o en Londres, las futbolistas recibían esos mismos mensajes en español, inglés, francés o italiano; la violencia machista no hace distinción de idioma, lo que deja ver que la estructura del pensamiento patriarcal traspasa territorios, situación económica o cultura; está impregnada en todos los rincones del mundo, pero no toma en cuenta que en esos mismos rincones habita la resistencia, que cobra vida de maneras diversas, a veces con una pancarta y un megáfono, otras, como en este caso, con una pelota, de papel, de cartón o de cuero. La resistencia se llamó mundialistas de los años 70.

Y aquí también es donde aparece la figura de los medios… los periódicos, la radio, la televisión y su reciente avance de pasar del blanco y negro al color; ellos dejaron huella, ¿no es esa su labor?, de un evento que cambió la historia. Aunque había que añadir que también en las páginas y en las transmisiones predominaba un discurso misógino, en el que se le daba mayor peso a la sexualización de las futbolistas o a minimizar su capacidad. Pero los medios historizan, sea cual sea su discurso; sin darse cuenta, se encargan de relatar el día a día, y en ese entretejer la vida, algunas historias se olvidan entre otras miles de notas, pero éstas, las de aquellas “chamacas”, como se les nombraba en los titulares, traspasaron la frontera del olvido y medio siglo después, el cine les rinde homenaje. ¿A la altura?, ni siquiera sé responder, pues no creo que haya algo que realmente logre rendirle honor a lo que aquellas mujeres, algunas aún niñas, hicieron por todas las que hoy somos parte del futbol, ya sea como jugadoras, entrenadoras, árbitras o periodistas.

La revolución de las mujeres en la cancha y en la pantalla Un DVD fue mi primer acercamiento al Mundial de 1971; Alicia Vargas y otras mundialistas que seguían en contacto, como Martha Coronado, Elvira Aracén e Irma Chávez aceptaban compartir pedacitos de esa historia con personas que buscábamos adentrarnos en las páginas del pasado para encontrarles. Así llegó a mis manos ese disco en el que pude ver extractos de los partidos que habían ocurrido décadas atrás en el Estadio Azteca. Era sabido que la televisión había sido clave en el Mundial de 1971, pues las selecciones acudieron a programas con figuras como Raúl Velasco y Paco Malgesto, además de convivir con actrices como Carmen Salinas y Verónica Castro, por lo tanto, el registro audiovisual estaba ahí, enlatado, esperando ser encontrado y proyectado a las nuevas generaciones, sin dejar de lado que el hecho de que el mundial varonil de 1970, apenas un año antes y también en México, fuera el primero transmitido a color, hacía que el interés se concentrara en las pantallas.

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Sin embargo, con todo y que las futbolistas de todos los países se convirtieron en estrellas por algunos días, el olvido que atravesaron una vez que terminó el torneo fue aplastante, por esa razón es que la recuperación de su memoria a través de la pantalla, ya no de la televisión, sino del cine, es lo mínimo que merecen estas mujeres. El cine inmortaliza, la pantalla las mantiene vivas y eso ha sido posible gracias a los documentales y las obras de ficción que actualmente se difunden sobre el futbol femenil, aunque la espera haya sido de más de 50 años.

Acerca de México 1971, Tan cerca de las nubes (Manuel Cañibe, 2023) se enfoca en contar la historia del equipo mexicano, aunque incluso lo hace desde su camino a Italia 1970, el mundial anterior y el primero “no oficial”. Tanto Italia 1970 como México 1971 fueron torneos organizados fuera de la FIFA, y es precisamente este argumento el que ha obstaculizado que en los récords de asistencia al Estadio Azteca sea incluida la historia del futbol femenil, esto como reflejo de quiénes son los dueños de la narrativa, los hombres del futbol. Sin embargo, Tan cerca de las nubes intenta recuperar aquello que la historia ocultó: los sueños cumplidos, pero también las inclemencias a las que se enfrentaron las futbolistas.

Con los testimonios en primera persona de Silvia Zaragoza, Martha Coronado, Alicia Vargas, Irma Chávez, Elvira Aracén, María de la Luz Hernández, Yolanda Ramírez, Patricia Hernández, Lourdes de la Rosa y Sandra Tapia, Tan cerca de las nubes reconstruye el camino recorrido por unas jóvenes que sólo querían jugar futbol, que no dimensionaban la forma en que estaban cambiando la historia a través de esa necedad, a través de aferrarse a un «cuando el futbol te toca y te toca», como lo dice Elvira Aracén ante la cámara.

Pero no sólo es la historia desde la mirada de la selección anfitriona, también está lo que padecieron las jugadoras de Argentina, narrativa que se retoma en el documental

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Imperdibles: Futbol femenil y cine En cuanto a más documentales sobre el mundial mexicano femenil, también se encuentra Copa 71 (Rachel Ramsay y James Erskine, 2023), que presenta una visión más global de lo ocurrido hace más de medio siglo, con un contexto con tintes más políticos y apoyado en entrevistas de la época con jugadoras danesas, inglesas e italianas, perspectivas poco exploradas en Tan cerca de las nubes y México 71, películas con un enfoque latinoamericano.

Pero si no sólo echamos un vistazo, sino que nos adentramos a más propuestas de pantalla acerca del futbol femenil, no se pueden dejar de mencionar los documentales #SeAcabó: Diario de las campeonas (Joanna Pardos, 2024), que habla sobre la agresión de Luis Rubiales a Jennifer Her-

Tan cerca de las nubes, 2023 Titular de periódico México 71

moso, en la Copa del Mundial de AustraliaNueva Zelanda 2023; pero también la serie documental Matildas: El mundo a nuestros pies (Katie Bender, 2023), con la historia de la selección de Australia rumbo a su propio mundial, con figuras como Samantha Kerr y Ellie Carpenter; o LFG: ¿Cuánto es suficiente? (Andea Nix y Sean Fine, 2021) cuyo tema central es la lucha de la selección de Estados Unidos contra su propia federación al no recibir remuneraciones justas, un hito en cuanto a los derechos laborales del futbol femenil. Finalmente, Mujeres con pelotas (Gabriel Balanovsky, Ginger Gentile, 2013), que concentra su narrativa en la lucha de las mujeres argentinas por hacerse del espacio público para jugar futbol.

En cuanto a la ficción, la película Hoy partido a las tres (Clarisa Navas, 2017) es un clavado a la nostalgia de quienes nos curtimos en el futbol llanero y sabemos todo lo que implica reunir a once mujeres para que, sin contratiempos, encaren un juego de futbol; y más reciente y por estrenarse en salas, aunque ya ha recorrido distintos festivales, está Pioneras: Sólo querían jugar (Marta Díaz de Lope Díaz, 2026), que presenta la historia de las primeras futbolistas en España, país que actualmente es el referente de calidad del balompié femenino. ¿Rinden homenaje?, ¿se apegan a la realidad?, ¿son un reconocimiento a las ancestras del futbol? Se podrían dar distintas respuestas a la relación del futbol femenil con el cine, pero no cabe duda que una de sus más grandes labores es mantenerlas vivas, mantener ardiendo la llama, esa llama que nos hace pensar que el mundo es un poco más justo cuando son ellas quienes tienen el dominio del balón.

*Adrianelly Hernández Vega es periodista deportiva, profesora e investigadora apasionada del futbol.

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México 71 (Gil Solari y Fernández, 2023), que presenta el testimonio en primer plano de Elba Selva, María Esther Ponce, María Fiorelli, Elsa Irena Bruccoli y Virginia Andrada, quienes se enfocan en hablar de su amor por la pelota y de cómo el viaje a México para jugar el mundial marcó su vida de una forma inexplicable, además de enfatizar su asombro por el reconocimiento de la gente y de los medios de comunicación. Y es que del 15 de agosto al 5 de septiembre de 1971, parecía que había otra dimensión, aunque efímera, en la que las mujeres brillaban en el futbol, acaparaban las portadas de los periódicos y los horarios estelares en la televisión, como si la desigualdad no existiera… pero fue eso, efímera, e incluso contrastante para las sudamericanas, que al volver a casa se dieron de frente con la realidad.

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TRES LADOS PARA LA COMPOSICIÓN DE UN RECTÁNGULO JUNIO · 2026

Por Rafael Guilhem*

1 Todo comienza con el límite. En el cine es el encuadre; en el futbol, la cancha de juego. Ambos comparten el axioma de la línea: algo queda dentro y el resto fuera; el adentro absorbe los elementos externos y transforma su naturaleza. Crea un contexto artificial del que todo lo demás se desprende. La línea transpira, remite sus componentes a otra apertura, expía todo lo que la cruza. Después es posible fraccionar al infinito, dibujar la línea en un sitio y una escala distintos. Pier Paolo Pasolini, sin más, calcó su propio sistema de clasificación cinematográfico en el futbol: el futbol de prosa, practicado en Europa, era para él sintaxis, orden, código; también táctica, estrategia y ciencia. Por su parte, il calcio in poesia pertenece a quienes desequilibran, inventan y se expresan a través del regate y el gol. Pasolini apuntó a la selección brasileña de la Copa Mundial México 1970; escribió con la mente puesta en Jairzinho, Gérson, sobre todo en Pelé: providencias que devolvieron al futbol la belleza de la incertidumbre. Y a ellos Pasolini consagró una mirada todavía más detallada: de entre los límites de la cancha, las reglas y la geometría del balón, emergía el ciframiento erótico del cuerpo, sus movimientos y desplazamientos dentro de un marco de definición, la inscripción de los músculos y los gestos de los jugadores en el tiempo y el espacio. No es una lectura ajena a las descripciones que hizo Luc

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Moullet de Gary Cooper o John Wayne en su Política de los actores [2021]. Tampoco es distante de la mise en scène —que tantos réditos dio a la política de los autores—, en la que el ordenamiento del sistema de reglas y excepciones que conforma un plano está dictado por la relación dinámica entre los actores, la cámara, el sonido, los objetos, el decorado, inscritos todos ellos en la dimensión espaciotemporal, y cuya composición no existe sin la capacidad del cineasta para habilitar, dentro de su trazo, la posibilidad del azar.

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2 Serge Daney, crítico de cine que publicó en Cahiers du Cinéma a partir de 1964, dedicó la década de los 80 a escribir sobre el tenis en el diario Libération. Mucho más perseverante que Pasolini en la indagación sobre el deporte, centró su atención en el torneo Roland Garros y en sus admirados Arthur Ashe, Jimmy Connors y John McEnroe. Hay mucho que aprender de su amor por el tenis, inseparable de su amor por el cine. En sus crónicas gustaba de identificar la relación que cada jugador establecía con la pelota. Algunos mantenían cercanía, se comportaban con afecto, otros la golpeaban con furia, como queriendo desprenderse de ella cuanto antes. Hay un momento en el tenis, sin embargo, en que la pelota yace suspendida en el aire, a mitad de la cancha, encima de la red, y no es claro si la pelota va o viene, ni a quién pertenece. Fugazmente, el límite se escinde y la figura inicial se abre a la posibilidad de un intercambio (el mismo que ocurre, en el cine, entre el director y los espectadores). Al igual que la quietud, el desfase es un recurso inapelable: un partido de tenis puede desarrollarse en un ritmo monocorde hasta que, de súbito, uno de los dos jugadores introduce un cambio de ritmo

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y descubre un tempo inédito que desconcierta el orden de las cosas.

Naturalmente, a Daney le atraía el cara a cara, la intimidad con que dos tenistas se hablan cada cual intentando hechizar al otro con el lenguaje y el estilo de su raqueta. Como aficionado Daney era, según Charles Tesson, hawksiano (en las películas de Howard Hawks las peleas son entre dos personajes), mientras que Tesson —y otros críticos aficionados al futbol— era fordiano (en las películas de John Ford las peleas se vuelven un problema colectivo). ¿Por qué Daney no se interesó por el futbol con la misma intensidad que por el tenis? Me aventuro a inferir que la aglomeración de participantes en la cancha dispersaba en demasía —por lo menos para el gusto de Daney— la tensión del intercambio. Además, prefería un deporte en que los jugadores lucharan por usurpar el tiempo, ampliarlo, ser merecedores de él, y no uno en que acabaran ceñidos a una duración reglamentaria. Hay una razón más: la articulación entre ojo y mano. Como ocurre en el cine con los intérpretes, en el tenis no hay golpeo ni ademán que no resida antes en la mirada secreta del tenista. Es un lazo misterioso, en ocasiones sincrónico y en ocasiones todo lo contrario, pero que comprende la base a partir de la cual se desdoblan y suman figuras cada vez más complejas que terminan por constituir la obra final. Como si en esa disyunción primordial pudiera adivinarse el destino del partido, el destino de la película.

3 Jorge Valdano acopió en un artículo reciente esta declaración de Pedri, actual elemento del Futbol Club Barcelona: «Un jugador tiene siempre un segundo más de lo que cree». A Daney le habría encantado la frase y quizá le hubiera permitido revalorar el que es, para mí, el deporte

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Coda Hoy el futbol no es lo que era. Ha estrechado sus márgenes de error mediante las estadísticas y el control de sus aspectos indeterminados.

Ha aumentado las cámaras que cubren palmo a palmo las acciones de los partidos, ha incorporado la tecnología al grado de que la realidad se ve con lupa y lo que era liso y llano ahora es áspero. Se ha querido

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más hermoso del mundo. Pedri es de esos centrocampistas que pasan desapercibidos. Es en parte su papel: desde las sombras organizar, distribuir, anticiparse a imaginar los índices tentativos y la configuración del espacio en términos móviles sin revelar, antes de la hora, sus intenciones a los rivales. Su tarea, como el passeur de la cinefilia, consiste en unir puntos y llevar valores de orilla a orilla. Es de esos jugadores que practican el futbol entre líneas y que exige a los espectadores una apreciación más atenta del desarrollo del partido. No tiene la espectacularidad del goleador ni el riesgo del portero, pero aporta conciencia al futbol, materializa la pizarra en el campo y, como lo quisiera Daney con los tenistas, establece el ritmo de juego tan sólo para romperlo de un momento a otro con una pausa o el lanzamiento vertiginoso del balón hacia un espacio previamente oculto. El futbol puede mostrar, con gran precisión, la construcción de una idea: cómo se van ensamblando las trayectorias, cómo colisiona el orden con lo aleatorio, y cómo la conciencia y la materia luchan entre sí por imponer sus condiciones. En eso, y en su tajante diferencia frente a la dimensión de la realidad, marcada por los límites que lo separan de la vida común (y que denotan la seriedad del juego), comparte con el cine algo más que su espíritu. Lo que exigen de la inteligencia del espectador-hincha es mucho, depende de nosotros ser capaces de vislumbrarlo.

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moralizar un deporte que, por vivir en la diferencia —como todos los deportes y los juegos—, responde a otra brújula ética. Valdano insiste en que, al día de hoy, “la mano de Dios” escenificada por Maradona en 1986 sería imposible, y con ello, las apostillas que el futbol puede anotar a los fenómenos sociales y políticos, si bien su vía más pregnante a este respecto es la estética. El futbol es una forma cuyos contornos han de proferir, a su vez, la vía para burlarlos. Los obstáculos, claro está, se le imponen con el único fin de que las soluciones sean elaboradas y verdaderas: bellas, en una palabra. Si los límites, en cambio, lo aprisionan y lo determinan como producto empaquetado, perderá su sentido de excepcionalidad. ¿Acusa el cine un declive similar? Puede ser. Siempre es una salida sencilla decir que todo empeora, sin embargo, cuando los Pasolini, los Daney, los Valdano, los Pelé, los Maradona y los Pedri no encuentren continuadores —aun si es para contradecirlos—, el futbol y el cine dejarán de imaginar en términos materiales, concretos, y divagarán hacia una imaginación perezosa. La materia siempre deja un resquicio para ser ocupado por los hacedores. ¿Cuál es la lección? Parafraseando a Pedri: un cineasta tiene siempre un segundo más de lo que cree.

Rafael Guilhem es programador y responsable editorial de Ambulante, y uno de los editores de la revista impresa El Cine Probablemente.

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P. 37 pp. 38-39 pp. 40-41 Reinterpretación fotográfica.

Estados Unidos 1994.

Fotografía: Gustavo E. Ramírez

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FUTBOL MÉXICO 70 Los mundiales de fútbol tienen impregnada esa discusión, siempre acalorada, sobre el ayer y el hoy del deporte que concita más atención en el mundo. Que antes el fútbol era más puro y no tenía tanto marketing. Que el fútbol de ahora se juega a otra velocidad. Que antes los zapatos pesaban más. Que Lionel Messi y Cristiano Ronaldo no podrían hacer lo que han hecho en los últimos 20 años con el nivel de patadas que se pegaban en el pasado. Frases y sentencias hay para todos los gustos. Lo único cierto es que en las décadas pasadas y en la actualidad, un mundial es un mundial y provoca emociones que marcan a distintas generaciones de personas que han formado comunidad en torno a un partido.

Con el paso del tiempo, esos partidos de fútbol, las jugadas, los futbolistas, las camisetas y los estadios se transforman en patrimonio. Un patrimonio al que se vuelve una y otra vez, según sea el grado de nostalgia que nos sacude. No sólo cada cuatro años, sino también en el momento en que tenemos la posibilidad de recordar. Ahí es donde toma fuerza el cine y su esencia natural de ser una máquina capturadora del tiempo que nos ha dejado. Eso es

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p. 30 pp. 32-33 México 70 1970 Dir. Alberto Isaac Acervo iconográfico de la Cineteca Nacional

México, 1970, 94 min.

D: Alberto Isaac.

G: Derek Ford, Donald Ford.

F en C: Raúl Martínez Solares, Ken Goddard.

CP: Alameda Films.

Agradecimientos a Fundación Azteca

lo que me pasa cuando veo Futbol México 70, la película oficial del Mundial que coronó a Pelé como el único jugador de este deporte que levantó tres veces una Copa del Mundo.

Dirigida por Alberto Isaac y producida por Alfredo Ripstein, César Santos Galindo y Morton Lewis, este documental llama la atención por sus segmentos de ficción, protagonizados por Everardo Rodríguez Tamez, un niño muy afortunado que se escapa de su casa en Monterrey para ser parte de la fiesta. El domingo 31 de mayo de 1970 comenzó el torneo en el Estadio Azteca de Ciudad de México, con el encuentro entre México y la Unión Soviética. Un empate sin goles ante 107 mil espectadores, en cuyas imágenes se puede ver la dualidad de alegría y nerviosismo que azota a los hinchas.

Como suele suceder con las películas que acompañan a los grandes eventos deportivos de la historia, los hechos son presentados desde lo general, más que desde lo específico. Pese a esto, el documental logra transmitir hoy, 56 años después, toda la emoción que significó esta Copa para el pueblo mexicano, con su paso a cuartos de final y el recordado partido contra Italia. Una emoción irradiada, además, a toda América Latina, por el legendario Brasil de Pelé, Jairzinho, Gérson, Tostão, Rivelino y Carlos Alberto, que logró llevarse el trofeo por tercera vez y definitiva. La regla decía que la selección que ganara un mundial tres veces se llevaba la Copa Jules Rimet a perpetuidad y así sucedió con Brasil, aunque el trofeo sería robado desde las vitrinas de la Confederación Brasileña de Fútbol (CBF) en 1983.

También, el documental realizado por Alberto Isaac, pone en valor a la que quizás es una de las mejores selecciones de Perú de todos los tiempos, que con Teófilo Cubillas, Héctor Chumpitaz y compañía, emocionó a sus compatriotas al acceder a cuartos de final en un contexto muy complicado para el pueblo peruano. Y es que el mismo día que se inauguraba el mundial, el 31 de mayo, un terremoto estremeció a la ciudad de Huaraz, al norte de Perú, con una lamentable cifra de 60 mil fallecidos. Las secuencias que revisan el partido inaugural de la selección peruana ante Bulgaria son uno de los momentos altos de la película.

Futbol México 70 es un viaje a una cúspide deportiva a la que será necesario volver siempre que el tema de conversación sean los mundiales de fútbol. También es el registro histórico de un México del pasado, de un fútbol del pasado y de los espectadores de antaño. Aunque la realidad del presente sea demasiado vertiginosa, la imagen de Pelé celebrando el título en andas, con un sombrero de charro, será para siempre una epifanía.

Víctor Hugo Ortega Malloco, Chile 19 de mayo de 2026

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«Resulta enternecedor ver este documental con la perspectiva que dan 56 años de distancia y ser testigo de un país que hoy ya es complicado de reconocer, así como de aquel halo de ternura e ilusión con el que los mexicanos fueron anfitriones del que es considerado el mejor mundial de la historia».

Al igual que el cine, el futbol ha sido utilizado a lo largo del tiempo como un instrumento de la memoria. Una forma de congelar instantes, sensaciones y relatos para evitar que queden en el olvido.

Futbol México 1970 es la combinación de ambos mundos. Un documental por encargo dirigido por Alberto Isaac —quien dos años antes había sido nominado al Óscar por su largometraje sobre los Juegos Olímpicos de 1968— junto a un joven Arturo Ripstein.

La historia nos es contada a través de la voz del gran actor Claudio Brook y de un niño de siete años que, al mirar por televisión la llegada de las 16 selecciones nacionales al Distrito Federal para disputar la Copa del Mundo de 1970, siente la necesidad de estar allí y vivirlo. Así que se escapa de su pueblo y emprende un viaje que lo lleva hasta el Estadio Azteca.

Resulta enternecedor ver este documental con la perspectiva que dan 56 años de distancia y ser testigo de un país que hoy ya es complicado de reconocer, así como de aquel halo de ternura e ilusión con el que los mexicanos fueron anfitriones del que es considerado el mejor mundial de la historia.

Las razones para llegar a esa conclusión se relatan con paciencia a lo largo del documental: el vuelo de palomas durante la inauguración, Pelé alzado en hombros en medio del Azteca, las celebraciones en el Ángel tras la victoria mexicana ante Bélgica, las atajadas de Gordon Banks o el Partido del Siglo, con Beckenbauer jugando con el hombro dislocado.

Nunca antes un evento deportivo de esta magnitud había sido capturado con 25 cámaras, todas ellas a color. El trabajo de Alberto Isaac no decepciona ni siquiera al verlo hoy, a las puertas de un nuevo mundial —el tercero— en México.

Porque además de dejar testimonio de lo ocurrido durante aquel verano, el documental funciona hoy como un espejo que nos permite ver todo lo que hemos ido perdiendo con el tiempo: ese futbol romántico e inocente que nos hacía felices simplemente por ser un juego, y nada más.

Héctor Miguel Núñez Velázquez 15 de mayo de 2026

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UNA EVA Y DOS ADANES Billy Wilder no necesitaba conocer el argumento de Fanfarria de amor, una olvidada comedia romántica francesa filmada en 1935 y de nueva cuenta en la República Federal de Alemania en 1951, para saber lo que sentía un artista perseguido por el hambre, el estado habitual en el que viven Joe y Jerry, los músicos protagonistas de Una Eva y dos adanes.

En 1934, el emigrante alemán Wilder estaba en el consulado de los Estados Unidos en Mexicali, México, solicitando una extensión de su visa de trabajo para seguir escribiendo películas en Hollywood. El cónsul le preguntó a qué se dedicaba. «Escribo películas», respondió.

El funcionario estampó el sello de aprobación en sus documentos migratorios exigiendo sólo una cosa: «Ve y escribe algunas buenas». El cineasta, productor y escritor cumplió desde entonces su promesa, convirtiéndose en uno de los grandes directores del siglo XX. Las aventuras de dos músicos perseguidos por la necesidad que se unen a una orquesta de señoritas para sobrevivir, argumento central de las cintas originales en las cuales se basa Una Eva y dos adanes, se complementó con un homenaje al cine de gángsters. Los protagonistas presencian una masacre orquestada por el mafioso Polainas Colombo y deben huir para salvar el pellejo. Wilder retrata la atmósfera enloquecida de aquellos tiempos, con las faldas cortas, el alcohol clandestino, las fiestas salvajes y un exceso vital que la recesión regresará a la dura realidad. Wilder recrea la célebre Masacre de San Valentín de Al Capone

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«Una Eva y dos adanes tiene un lugar clave en la historia del cine por la forma en la cual Wilder, rodeado por viejos códigos de censura aún vigentes en Hollywood, trastornó el sentido de los roles de género de sus personajes con notable vitalidad y desparpajo que sólo podía imprimir un testigo de las libertades sociales de la República de Weimar».

Some Like It Hot Estados Unidos, 1959, 121 min.

D: Billy Wilder.

G: Billy Wilder, I.A.L. Diamond.

F en B/N: Charles Lang Jr. Con: Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft.

CP: Mirisch Company.

Dist: Park Circus.

e incluso hace que George Raft, uno de los mafiosos célebres del cine, encarne al líder criminal.

Una Eva y dos adanes tiene un lugar clave en la historia del cine por la forma en la cual Wilder, rodeado por viejos códigos de censura aún vigentes en Hollywood, trastornó el sentido de los roles de género de sus personajes con notable vitalidad y desparpajo que sólo podía imprimir un testigo de las libertades sociales de la República de Weimar. El cineasta dirige a dos símbolos sexuales como Marilyn Monroe y Tony Curtis trastocando la apariencia de sus personajes. Monroe, encarnando a la intérprete de ukulele Sugar Kane, es una perdedora sin remedio que vive romances marcados por el abuso y el desamor. Mientras que Curtis, quien alterna con su álterego femenino Josephine, se hace pasar por el millonario que ella sueña, pero interpretándolo como un hombre impedido para responder ante la pasión femenina. La única forma de sobrevivir a la situación y ser felices será derribar sus máscaras.

Una Eva y dos adanes no es una comedia sobre hombres vestidos como mujeres. Es una obra maestra sobre cómo la supervivencia lleva a sus protagonistas a confrontarse con sus defectos y aceptarse como realmente son. Wilder tiene un as bajo la manga con la extraordinaria interpretación de Jack Lemmon como Jerry y su personalidad femenina Daphne. A lo largo del filme es quien se pregunta cómo las mujeres pueden soportar la tortura de los tacones. Es el personaje que sufre acoso sexual en un ascensor. Y es quien encuentra una posible salida a su pobreza en los galanteos del millonario Osgood Fielding. La mascarada seguirá hasta el delirio, planteando para este músico sin futuro un abanico enorme de posibilidades.

Cínico observador de los peores defectos de la condición humana, Wilder se permite en Una Eva y dos adanes una reflexión sobre el amor como una fuerza de la naturaleza capaz de derrumbar las máscaras que nos separan de la realidad. Finalmente, nadie es ni debe ser perfecto.

José Antonio Valdés Peña Ciudad de México, 22 de abril de 2026

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DISPARARON AL PIANISTA Películas como Dispararon al pianista contienen en sí una esencia difícil de catalogar, no entran en el imaginario de aquellos que buscan mirar una película de animación y tampoco encajan del todo con las necesidades de alguien que busca una película de acción, aunque acción es algo que sobra en la cinta. Ni siquiera sería del todo aceptada entre el purismo que suscita el documental, donde la aspiración de lo “real” puede llegar a mermar procesos creativos de invención narrativa o estructural.

Y es justamente gracias a ello que el filme logra llegar a un lugar nuevo e impresionantemente bello, al que Fernando Trueba deseaba llegar, porque, como él mismo ha mencionado en diversas entrevistas, lo más importante de contar una historia es entender cuál de todas es la mejor forma para hacerlo. Y para contar ésta en específico, no existía ninguna otra opción. Al menos no una que les permitiera, a él y a Javier Mariscal, animador y codirector de este proyecto, expresar ética y políticamente sus búsquedas estéticas.

Con esto nos referimos a la forma en la que Trueba encontró a Tenório Jr. el móvil temático que estructura la película por completo y que conoceremos, paradójicamente, a través de su ausencia. Trueba, un melómano ya reconocido, halló entre uno de sus tantos discos un sonido que despertó en él la pregunta más importante para cualquier documentalista que quiera sumergirse en las complejidades de la biopic: ¿quién es esta persona y dónde está?

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«Bajo la inocente premisa de conocer el devenir de uno de los músicos más importantes de la bossa nova, termina por transformarse en un imponente acto de consciencia política donde se exponen las dolorosas […] consecuencias de las dictaduras en Latinoamérica».

Bianca Ashanti Cineteca Nacional Ciudad de México, 20 de mayo de 2026

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España-Francia-Países Bajos-Portugal-Perú-Reino Unido-Estados UnidosBrasil, 2023, 104 min.

D: Javier Mariscal, Fernando Trueba.

G: Fernando Trueba.

E: Arnau Quiles.

Con: Jeff Goldblum, Tony Ramos, Abel Ayala, Roberta Wallach.

Prod: Cristina Huete.

Dist: Park Circus.

A partir de esa pregunta, tal como posteriormente lo haría su álter ego Jeff —el personaje ficticio que sirve como guía en el documental—, Trueba comenzó una investigación que le llevó años y que dejó como resultado un complejo caleidoscopio de imágenes y testimonios que le ayudarían a construir la monumental figura de “el pianista”. Pero esta investigación rebasó por completo las propuestas y, quizá incluso, las capacidades de la biopic planteada. En primera, por el contexto histórico, en segunda, porque para Trueba y para Jeff, el entender y dimensionar el concepto de “desaparecido” implicaba un deber político: resucitar a Tenório simbólicamente.

Las implicaciones de esto último explican en su totalidad la decisión artística del cineasta de realizar su filme a través de la animación, generando una distancia del realismo documental que le permitía explorar la capacidad de una imagen liberada donde el color y el sonido se vuelven vórtice creativo.

De esta forma, Dispararon al pianista, que comienza bajo la inocente premisa de conocer el devenir de uno de los músicos más importantes de la bossa nova, termina por transformarse en un imponente acto de consciencia política donde se exponen las dolorosas implicaciones de la Operación Cóndor, las consecuencias de las dictaduras en Latinoamérica, los rezagos emocionales ante la ausencia de un cuerpo “desaparecido” y la cercana relación entre el arte, la disrupción y la opresión política.

Utilizando el color, en su forma más exacerbada, para ahondar y reconstruir el recuerdo, que es lo único que tenemos de Tenório y los millones de desaparecidos que dejaron las dictaduras, el filme logra generar una resistencia ante esta verdad dolorosa sobre las distintas formas en las que un artista puede silenciarse. Mientras Mariscal trae de la oscuridad y la sombra el cuerpo de Tenório, Trueba le da un sonido y una cadencia a sus manos frente al piano y a las risas de todos aquellos que lo conocieron y que al recordarlo le permiten vivir en un último concierto, del que somos testigos gracias a este filme que se configura como un acto de magia al servicio de la música.

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KIX: EL REY DE LAS CALLES Existen películas centradas en la infancia que se sienten como dolorosas cachetadas de realidad. Clásicos de la ficción como Los olvidados (Luis Buñuel, 1950) y Kids (Larry Clark, 1995), y documentales como Streetwise (Martin Bell, 1984) escandalizaron al público de su época al mostrar sin piedad la cruda vida de infinidad de jóvenes. Situación de calle, orfandad, violencia intrafamiliar, pobreza, drogadicción, prostitución, criminalidad, en fin, condiciones de vida muy alejadas de la niñez ideal. En ellas también se revela el tipo de sociedades donde crecen esos niños, generalmente marcadas por una crisis de valores derivada de su contexto político y económico. Siguiendo este sendero de exploraciones cinematográficas, los directores húngaros Dávid Mikulán y Bálint Révész dirigen su mirada hacia un grupo de salvajes y enérgicos niños que hacen de las calles de Budapest su patio de juegos predilecto. Kix: El rey de las calles es un documental cautivador que nace de la curiosidad por acercarse y conocerlos, para después, a medida que pasa el tiempo, fijar su atención especialmente en Sanyi, el más rebelde de ellos. A lo largo de 12 años, los cineastas registran la vida de este niño, marcada por una familia disfuncional, la escasez económica, problemas escolares y “travesuras” que tendrán consecuencias cada vez más graves.

Lo primero que salta a la vista es la forma tan arrojada del registro: una cámara en mano frenética, impulsada por los “dollys” abordo de una patineta, desprende una vitalidad en

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«A lo largo de 12 años, los cineastas registran la vida de Sanyi, marcada por una familia disfuncional, la escasez económica, problemas escolares y “travesuras” que tendrán consecuencias cada vez más graves [...] Es cinema verité al estilo millennial que transmite una sensación de libertad sin límites».

Kix Hungría-Francia-Croacia, 2024, 92 min.

D y G: Dávid Mikulán y Bálint Révész.

F en C: Dávid Mikulán.

E: Yael Bitton y Károly Szalai.

CP: Cinéphage Productions, ELF Pictures.

Dist: La Ola.

sintonía con la de esos niños que juegan, corren, gritan, pelean, rayan paredes y destruyen todo a su alrededor. Es cinema verité al estilo millennial que transmite una sensación de libertad sin límites, pero que también encuentra detrás de esa apariencia indomable la falta de una guía parental e institucional. Aunque no se menciona, la película tiene como telón de fondo la gestión del primer ministro húngaro Viktor Orbán, líder conservador, aliado de Donald Trump, que duró más de quince años en el poder (en 2026 por fin fue derrotado en las elecciones). Algo tiene que decir este marco político invisible pero ciertamente palpable en la vida de los retratados. Mientras tanto, una amistad entre los directores y los niños se va formando detrás de cámaras, haciendo del documental un acto participativo (en momentos, los realizadores deben fungir como niñeros) que consigue capturar una radical intimidad de Sanyi y su familia. Afortunadamente, Mikulán y Bálint Révész son cuidadosos con lo que deciden dejar en escena. No hay morbosidad ni pornomiseria, todo lo contrario, hay un genuino cariño y preocupación por ellos.

Kix es una obra que creció junto con Sanyi. Cuando empezó a realizarse, Mikulán aún era estudiante y su enfoque cinematográfico amateur fue desarrollándose hasta encontrar las formas más adecuadas para acompañar y retratar a su pequeño amigo mientras se convertía en un adolescente, incluso cuando las cosas dieron un giro trágico. Con un fuerte compromiso social y emocional, Kix: El rey de las calles consigue abreviar una constelación de momentos entrañables y desgarradores para hacer la crónica de una inocencia extraviada en su camino a la adultez. Una historia que no conoce de geografías, pues ese mismo tipo de infancias crecen en igual o peores condiciones en todas partes del mundo. Latinoamérica lo sabe bien. Al final, la cachetada duele y ante el lamentable presente de Sanyi, queda el consuelo de volver a esas imágenes donde el niño siempre será niño.

Israel Ruiz Arreola, Wachito Cineteca Nacional Ciudad de México, 20 de mayo de 2026

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ESTRENO

ROMERÍA Hay un profundo interés dentro del cine de Carla Simón de descubrir aquellas heridas que jamás sanaron, de traer a la mesa los temas que las familias grandes siempre intentaron olvidar. Romería, su más reciente largometraje, no es la excepción. Por el contrario, es quizá uno de los filmes más comprometidos con remover de raíz la historia personal de su autora.

Llevando a la pantalla a una Marina recién mayor de edad, Simón construye una especie de álterego, una buscadora. La joven protagonista llega con tan solo una mochila al hombro a un entorno completamente desconocido para ella. Nadie la preparó para este momento y el reencuentro con esa vida que nunca conoció amenaza con inundar las pocas certezas que ha encontrado en el diario de su madre fallecida, el cual revisita como un ritual cada vez que se siente perdida, como una brújula que le ayuda a recordar el objetivo de su viaje y, aún más importante, la necesidad de que termine para volver a casa.

Por ello, las palabras se vuelven un ancla de sentido y paciencia. Marina, cargada con su cámara, su deseo de estudiar cine y el peso de su sangre, se ve enfrentada con una familia que goza de esconder los secretos debajo de la alfombra y lavarse los pies antes de entrar a la alberca. En aquella pretenciosa perfección que se yergue como un castillo de naipes, con silencios incómodos y verdades a medias, se esconde la imposibilidad de ser reconocida y, sobre todo, aceptada.

ESTRENO

CINETECA NACIONAL MÉXICO

«Hay un profundo interés dentro del cine de Carla Simón de descubrir aquellas heridas que jamás sanaron, de traer a la mesa los temas que las familias grandes siempre intentaron olvidar. Romería, [...] no es la excepción. Por el contrario, es quizá uno de los filmes más comprometidos con remover de raíz la historia personal de su autora».

España-Alemania, 2025, 112 min.

D y G: Carla Simón.

F en B/N: Hélène Louvart.

Con: lúcia Garcia, Mitch Martín, Tristán Ulloa, Celine Tyll.

CP: Elástica Films, Ventall Cinema, Dos Soles Media.

Dist: Piano.

Sin embargo, Simón parece querer pagar las deudas que heredó de una infancia fracturada. Y, con una ternura que rehúye a la condescendencia, construye en su protagonista a una mujer prematuramente madura que parece tener la claridad que, en su momento, no tuvo ninguno de sus dos progenitores. Esto permitirá que ella, como exploradora de ese pasado oculto, secreto, rumoreado entre cuartos oscuros y cabinas de veleros, encuentre un camino a su historia más allá del recuerdo, donde el reconocimiento de los dolores y los amores que configuraron la vida de sus padres, le ofrece una puerta de libertad.

Con lo poco a su alcance, Marina reconstruye una memoria que se intentó sepultar entre las hojas secas del jardín. El parecido con su madre la vuelve un fantasma para su familia paterna, un recordatorio de lo que se amó y se perdió en el camino. Al entenderlo, ella se vuelve capaz de desprenderse del peso de las expectativas y termina por elegir una historia propia que ya no carga con la culpa y el miedo.

Un apellido, un acta y una beca para estudiar son las insignias con las que la joven vuelve a casa, pero la verdadera riqueza insospechada recae en su derecho de nombrarse en alto como la hija de una generación que murió oculta, en silencio, con la tristeza cargada en su sangre. Una generación que murió de sida y por ello fue borrada de la historia y de las fotos familiares, pero que regresa para mostrarse sin vergüenza y rescatar todo aquello que se ha intentado ignorar por años y que ahora desgarra el silencio de cada cuarto cerrado bajo llave.

Al final, es una Marina navegante la que nos despide de esta historia. El naufragio entre las palabras es el que le ha enseñado a navegar, como a su padre; a contar historias, como a su madre y a saber que la sangre sí pesa, pero que es la complejidad y profundidad de los afectos lo que en realidad define su pasado y su futuro.

Eso último es lo que parece regalarse Carla Simón a través de esta cinta que es testimonio y testamento, al mismo tiempo. Como casi todas las palabras, como casi todas las historias.

Bianca Ashanti Cineteca Nacional Ciudad de México, 28 de octubre del 2025

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ESTRENO

MAGALLANES La figura de Fernando de Magallanes pasó a la historia por la expedición que abrió la conexión entre los océanos Atlántico y Pacífico y permitió redefinir la dimensión del mundo conocido.

Entre 1519 y 1521, aquella travesía transformó la cartografía y consolidó una narrativa heroica alrededor del navegante. Sin embargo, en Magallanes, el director filipino Lav Diaz desplaza el protagonismo del explorador para centrar su mirada en el acontecimiento histórico que dejó a su paso: la colonización de Filipinas y las consecuencias de un despojo que continúa resonando hasta nuestros días.

Durante sus viajes sufragados por el rey Manuel de Portugal, Fernando estuvo involucrado en la colonización de Malaca en el año de 1511 bajo la premisa de encontrar «as profundezas mais profundas da Terra». Pero esto, como resulta evidente, es meramente apropiación y extractivismo. No es sorpresa para nadie; Portugal, reconocido como un país conquistador e imperialista, ha marcado el territorio de una forma brutal, llevándose el nombre de regiones dentro de América, África y Asia.

Después de recibir rechazo en su país natal, había convencido al rey de España para que financiara una expedición con el objetivo de encontrar una ruta directa hacia Asia, en concreto, a las islas Molucas, fuente del lucrativo mercado de las especias dominado hasta entonces por Portugal y Venecia. Viajó con una embarcación conformada por 239

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CINETECA NACIONAL MÉXICO

«Una elegía sobre la memoria violentada y la necesidad urgente de recuperar la dignidad histórica de los pueblos. Lav Diaz no filma únicamente el pasado: lo exhuma, lo confronta y lo devuelve a nuestras manos como una herida abierta que todavía supura».

Magalhães, Portugal-Filipinas-FranciaEspaña-Taiwán, 2025, 163 min.

D y G: Lav Diaz.

F en C y E: Artur Tort y Lav Diaz.

Con: Gael García Bernal, Ângela Azevedo, Amado Arjay Babon, Ronnie Lazaro.

CP: Rosa Filmes, Andergraun Films, Black Cap Pictures.

Dist: La Corriente del Golfo.

hombres y cinco naves. Entre una fe fervorosa, motines, tiranía, y la ya gastada narrativa del hallazgo, la tripulación marcó la primera circunnavegación completa del globo.

Magallanes llegó a la isla de Mactán con la compañía del santo menino Jesús, de Enrique —su esclavo proveniente de Malasia, quien lo acompañó durante la expedición y le sirvió como intérprete— y de la ya reducida tripulación. Llegó en un recipiente de hombre cuyas inclinaciones católicas sometieron y corrompieron a la isla filipina. Mató, hurtó, despersonificó. Llenó de sangre el mar. El pseudo intelectual que le dio la vuelta al globo, ensució un linaje entero. ¿De quién es la tierra si la tierra es robada? ¿A dónde pertenecemos si no queda territorio al cual pertenecer? Hijxs de la patria, pero ¿cuál patria?

Lav Diaz enuncia de forma inmaculada el destierro de una (su) isla y de un evento que ingenuamente dio inicio a una historia que debe escribirse y sobrescribirse para las nuevas generaciones. Resignificar el despojo, renombrarnos, declarar nuestra tierra como meramente nuestra. La conquista es un cáncer que de manera cíclica y repetitiva alcanza nuestra historia y las historias de nuestros linajes.

Con una fotografía espectacular de la mano de Artur Tort, Magallanes viene a instalarse como un referente para señalar el desdén a la colonización aquí y en todas partes. En nuestros hermanos palestinos, en el desabasto de bienes en Cuba, en la crisis del narco en México. Los sistemas de poder que nos rodean. Esta película es, por mucho, una elegía sobre la memoria violentada y la necesidad urgente de recuperar la dignidad histórica de los pueblos. Lav Diaz no filma únicamente el pasado: lo exhuma, lo confronta y lo devuelve a nuestras manos como una herida abierta que todavía supura.

Y entonces estoy yo, en el salón de mi primaria precarizada donde falta una banca y mi compañero va a echar un vistazo a ver si sobra una en el salón de al lado. Abro mi libro de historia que entregó la semana pasada la Secretaría de Educación Pública y escucho a mi maestro llamar descubrimiento a lo que siempre fue despojo a sangre fría. La ocupación y su mala costumbre de estar presente.

Aylin A. Ravelo Delgado Cineteca Nacional

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ESTRENO

FRANZ Franz Kafka ha sido hasta el momento una de las personalidades más sobresalientes y enigmáticas de la historia de la literatura. Este filme explora la figura de quien fuera un ser humano peculiar, extraño si se mira con los ojos de aquella época; un hombre arrojado a las entrañas de la sociedad con nada más que miedo y sombras que lo siguen a donde vaya, todo mientras se enfrenta a un incesante ruido de fondo que apenas y lo deja plasmar su arte en papel.

La historia es contada mediante saltos temporales, espaciales y de narrador, que no sólo exploran su infancia y su día a día como individuo, sino también su impacto en la vida de otros; conocidos y familiares que pausan la narración para contar directamente al espectador alguna de las particularidades de Franz. Pero la película no sólo se limita a contar una historia contemporánea al propio Kafka, también explora la actualidad de los pasillos del museo dedicado a su persona, construido alrededor de su antiguo hogar.

El viajar por la vida de Kafka desde una vista externa a él no es una decisión gratuita, surge del deseo de ilustrar la naturaleza del escritor, que se sentía ajeno a toda persona con la que se encontraba. Siendo un hombre que conocía el peso único e inconfundible de la palabra, intercambia el contacto directo por la comunicación epistolar, donde al imaginar y materializar sus pensamientos creía encontrar la comprensión que frente a frente escapaba de él.

ESTRENO

CINETECA NACIONAL MÉXICO

«Existe un elemento casi lúdico que, más allá de conmover o entretener, tiene el deseo de empatizar con Franz, no por ser un hombre de cristal que se rompería al mínimo toque, sino por hacer valer su fortaleza a través de su sensibilidad en tiempos de un utilitarismo creciente debido a una guerra que se avecina y afecta todos los aspectos de su vida».

República Checa-AlemaniaPolonia, 2025, 127 min.

D: Agnieszka Holland.

G: Marek Epstein, Agnieszka Holland.

F en C: Tomasz Naumiuk.

Con: Idan Weiss, Peter Kurth, Aaron Friesz, Sandra Korzeniak.

CP: Films Boutique, Eurimages, Marlene Film Production.

Dist: Great Moviez.

En Franz, esta forma tan subjetiva de ver la vida se encuentra respaldada por visiones oníricas intercaladas con los pasajes de su vida, algo que aleja a la película del rigor cronológico del cine convencional. Desde membranas que crecen entre sus dedos, hasta jaulas de espejos que lo arrojan al abismo, el distanciamiento emocional del escritor es representado por visiones caleidoscópicas, casi febriles, que se alimentan de sus propios sentimientos de alienación.

Pero no sólo las imágenes son un reflejo de la personalidad abrumada de Kafka; el sonido suma un efecto de ajetreo, de desorden que lo rodea por todos los frentes, ya sea fuera de su estudio, dentro de su hogar, e incluso dentro de su propia mente inquieta.

Es esto lo que lo lleva a momentos de confusión, de delirios que suman al peso de sus letras un deseo de conectar con el mundo, ya sea por medio de sus cartas o al compartir su arte.

Las miradas melancólicas, los reproches de su padre y las peculiaridades que lo alejan de las personas de su tiempo no son lo único que alimenta este filme. Existe un elemento casi lúdico que, más allá de conmover o entretener, tiene el deseo de empatizar con Franz, no por ser un hombre de cristal que se rompería al mínimo toque, sino por hacer valer su fortaleza a través de su sensibilidad en tiempos de un utilitarismo creciente debido a una guerra que se avecina y afecta todos los aspectos de su vida.

Esta película es un homenaje a la personalidad de una figura literaria que con sus ojos de color gris azulado vio más allá de su propio tiempo, de las personas, e incluso de los rígidos moldes que permeaban cada capa de la sociedad. Sus letras, hasta la fecha, logran cautivar a través de la representación de situaciones incomprensibles y frustrantes de la vida humana, mismas que la directora Agnieszka Holland supo capturar adecuadamente, preservando la esencia del escritor checo. Franz engloba a profundidad la vida de Kafka, su impulso creador y su relevancia a través del tiempo, con una mirada personal y llena de cariño hacia el autor que tantas veces descansó junto al río.

Ignacio Martínez Ciudad de México, 18 de mayo de 2026

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ANIMALIA PARADOXA

2024 · 80 min.

Chile D y G: Niles Atallah.

F en C: Matías Illanes.

M: Sebastián Jatz.

Con: Andrea Gómez.

CP: Globo Rojo Films, Diluvio.

Dist: Compañía de Cine.

Israel Ruiz Arreola, Wachito Cineteca Nacional Ciudad de México, 15 de mayo de 2026

ESTRENO

El mundo llegó a su fin. Ya sólo quedan las ruinas de lo que alguna vez fueron ciudades, ahora habitadas por extraños seres híbridos.

Entre ellos está la protagonista de Animalia Paradoxa: una criatura mitad humana, mitad anfibia que se mueve entre los escombros de la civilización buscando agua y soñando recurrentemente con el mar. Inspirándose y retorciendo el cuento de Hans Christian Andersen, La sirenita, el cineasta Niles Atallah es un genio loco que construye un mundo postapocalíptico tan inquietante como fascinante.

Poblada por seres de cuerpos multiformes con reminiscencias animales y humanas, la película es todo un bestiario que combina varias disciplinas como la danza, animación cuadro por cuadro, artes plásticas, títeres y cine. Animalia Paradoxa es una alquimia poética y surrealista que parece salida de un sueño compartido entre la pintora Leonora Carington y el cineasta Jan Švankmajer. Un frenesí de carácter artesanal con texturas, objetos y movimientos que atraviesan el ojo sin pasar por el filtro de la razón.

Al igual que en sus anteriores películas, Lucía (2010) y Rey (2017), cargadas de observaciones políticas y sociales, Atallah imprime en esta obra una preocupación nueva. Evidentemente, se trata de la crisis ambiental que fuera de la ficción ya nos está llevando al borde de la extinción. Pero además de su particular universo distópico, el director propone el camino de la metamorfosis a través de la creación artística y el totemismo. Entre lo humano, lo animal y lo mítico, Animalia Paradoxa hace de la fantasía un refugio ante una catástrofe igual de urgente que la falta de agua o la contaminación del aire: la crisis espiritual. Sólo volviendo a lo animal, encontraremos un tipo de conocimiento ancestral, que, si bien no salve al mundo, nos ayude a seguir soñando con uno mejor.

ESTRENO

BINNIZÁ, LOS SERES DE LAS NUBES

2025 · 79 min.

México D, G y F en C: Juan Carlos Rulfo.

Con: Irma Pineda Santiago, Lukas Avendaño, José Panfilo Martínez Vázquez.

M: Leo Heiblum.

Prod: Eduardo Díaz Casanova.

Dist: Benuca Films.

Bianca Ashanti Cineteca Nacional Ciudad de México, 17 de mayo de 2026

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Este filme, que comienza y se constituye rítmicamente acompañado de un poema en zapoteco que escucharemos en diversos momentos climáticos, narrado por la poeta Irma Pineda, funciona a partir de la palabra, de su concepción y entendimiento como cuna, raíz y refugio. Es a través de ella que se construye un moderno Popol Vuh, la reinvención de la historia de los binnizá, un ejercicio de la memoria colectiva que se permite la ficción para exaltar e intentar recuperar la conexión que “la gente de las nubes” tenía con su entorno.

Esto último dota a la cinta de una crítica que desde la sutileza de la observación y la confrontación de los paisajes con los relatos orales que construyen su herencia, explicita los miedos y riesgos que la comunidad afronta a diario, donde la lucha por conservar su lenguaje se vuelve una postura política que es atravesada por una estética propia que reconfigura la linealidad occidental del tiempo.

Estas búsquedas se hacen acompañar por la cámara desde algo que Rulfo nombra como “la estética de la confianza” y que se basa en la capacidad del cineasta de mirar de cerca y entender las necesidades narrativas propias de la comunidad de Juchitán, adaptando a ellas la imagen cinematográfica que él crea —y no al revés—.

Es decir, para poder contar la historia de los binnizá, se tienen que invertir los valores de la narrativa convencional. Aquí, el pasado se (re)escribe de acuerdo a los deseos del futuro. Y para poder grabar la reescritura de un pasado, se necesita reorganizar la imagen (propia del documental) que aspira a mostrar la realidad e imponer sobre ella el sueño.

La reconfiguración de estos elementos permite así que Binnizá, los seres de las nubes constituya en congruencia con su línea de denuncia crítica, una estructura donde lo que más importa es entender el arte y el lenguaje de ese pueblo como promesa y destino.

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JUNIO 2026

AMOR (SEXOSUEÑOS)

Kjærlighet 2024 · 120 min.

Noruega D y G: Dag Johan Haugerud.

F en C: Cecilie Semec.

Con: Andrea Bræin Hovig, Tayo Cittadella Jacobsen, Thomas Gullestad.

CP: Motlys, Oslo Filmfond.

Dist: Nueva Era Films.

Sharely Cuellar Ciudad de México, 20 de mayo de 2026

ESTRENO

Lejos del melodrama o de la provocación fácil, Amor, de Dag Johan Haugerud, observa cómo dos personas lúcidas y solas intentan imaginar una forma de vincularse que no responda al guion tradicional del romance. La película parte de un ángulo social complejo: en la actualidad, las relaciones parecen romperse cada vez más entre el agotamiento emocional, la hiperconexión y el desencanto frente a los modelos tradicionales.

Marianne (Andrea Bræin Hovig), una uróloga acostumbrada a comunicar diagnósticos difíciles de manera puntual y con carácter racional, y Tor (Tayo Cittadella Jacobsen), un enfermero con una sensibilidad abierta al contacto humano, trabajan juntos, pero es hasta que se encuentran en un ferry que establecen una conexión más cercana. La conversación los lleva a hablar sobre cómo se relacionan emocional y sexualmente; él comparte su experiencia en citas esporádicas con hombres mientras ella se replantea las citas y el sexo casual desde un lugar distinto.

Haugerud construye una narrativa donde la cotidianidad y las charlas casuales funcionan como antesala para lo filosófico: los trayectos en ferry, las caminatas, los encuentros fortuitos y las pláticas que suceden después del sexo se convierten en detonantes para discutir sobre la complejidad de las relaciones sentimentales con una naturalidad cercana para el espectador. Amor permite que sus personajes se contradigan, duden y reformulen continuamente aquello que creen necesitar de sus vínculos.

El director conecta la intimidad con la vocación profesional. Marianne y Tor trabajan con diagnósticos difíciles y personas obligadas a replantear su vida afectiva frente a la enfermedad. Desde ahí, la película reflexiona también sobre los cuidados: no sólo como responsabilidad médica, sino como una forma de atención emocional genuina hacia el otro.

ESTRENO

MI PECHO ESTÁ LLENO DE CENTELLAS

2024 · 75 min.

México D y G: Gal S. Castellanos.

F en C: Bruno Santamaría Razo.

E: Andrea Rabasa Jofre.

Con: María del Pilar Castañeda, Gal S. Castellanos.

CP: Muchachxs Salvajes.

Dist: Mandarina Cine.

Israel Ruiz Arreola, Wachito Cineteca Nacional Ciudad de México, 19 de mayo de 2025

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Mirar hacia adentro, voltear a verse a sí mismo puede llegar a ser un acto doloroso, pero también liberador. Los “documentales del yo”, aquellas obras donde el sujeto retratado también es el director, están inscritos en una dimensión social cada vez más significativa. Algo que la teórica argentina Leonor Arfuch llamó el espacio biográfico, una red interdiscursiva donde las fronteras entre lo público y lo privado se diluyen, reconfigurando la forma en que moldeamos nuestras identidades. Aquí, el relato de la experiencia vivida da sentido a la autenticidad. Dentro de estas coordenadas, se entiende el poder emocional y reflexivo de un documental como Mi pecho está lleno de centellas.

El primer largometraje del director Gal S. Castellanos es una exploración autobiográfica que nace de la necesidad de encontrar el rumbo en un momento penoso de su vida: su padre muere y a los cuatro días, su madre escapa a Turquía para encontrarse con su amante. A lo largo de la película, vemos al director hacer una evaluación de su pasado e historia familiar, removiendo y buscando entre recuerdos alguna pista. Al mismo tiempo, mantiene una correspondencia con su madre a través de videocartas, mientras él se sincera con su propio viaje personal: una transición de género.

En una narración extremadamente íntima, Castellanos se vulnera ante el espectador sin miedo ni pudor. El director juega con la ficción, pero sabe que no es suficiente. Desnudarse literal y figurativamente a través del documental es la forma más adecuada para compartir su viaje transformador lejos de quien hasta ese momento era. Mi pecho está lleno de centellas es una muy sincera y poética confidencia hecha película, que se pregunta por el significado de la libertad a partir de las búsquedas de madre e hijo por su verdadera identidad.

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EN EL CAMINO México, 2025, 93 min.

ESTRENO

D y G: David Pablos. F en C: Ximena Amann. Con: Osvaldo Sánchez, Víctor Prieto. CP: Animal de Luz Films, Producciones Año Bisiesto, La Corriente del Golfo. Dist: Cinépolis Distribución.

Veneno es un joven errante que intercambia favores sexuales por dinero. Un día conoce a Muñeco, un hombre muy solitario, con quien construye una amistad que se verá atravesada por su peligroso pasado.

En En el camino, el director David Pablos construye una historia sobresaliente de amor y masculinidades enmarcada en el imponente paisaje del desierto del norte de México. El filme obtuvo el premio a Mejor Película en la sección Orizzonti del 82° Festival Internacional de Cine de Venecia.

ALPHA Francia-Bélgica, 2025, 128 min.

D y G: Julia Ducournau. F en C: Ruben Impens. Con: Mélissa Boros, Tahar Rahim, Emma Mackey, Golshifteh Farahani, Finnegan Oldfields.

CP: Mandarin 8 Compagnie, Kallouche Cinéma. Dist: MUBI.

Alpha es una problemática niña de 13 años que vive con su madre en una gran ciudad, mientras una gran epidemia se mantiene activa. El mundo de la joven comienza a cambiar cuando vuelve de la escuela con una letra tatuada en su brazo, lo que levanta la preocupación de quienes la rodean ante una posible infección. Este filme explora tanto los procesos de deshumanización como los miedos de la experiencia adolescente cuando se entrelazan con el pánico generalizado de una sociedad que se enfrenta a nuevas enfermedades.

EL DÍA DE LA REVELACIÓN Disclosure Day, Estados Unidos, 2026, 145 min.

D: Steven Spielberg. G: David Koepp, Steven Spielberg. F en C: Janusz Kaminski. Con: Emily Blunt, Josh O´Connor, Eve Hewson, Colman Domingo. CP: Universal Pictures, Amblin Entertainment.

Dist: Universal Pictures.

En un futuro no muy lejano, los secretos que el gobierno de los Estados Unidos se ha esforzado tanto por mantener ocultos serán de dominio público.

Entre conspiraciones, avances de la tecnología y encuentros inesperados, la revelación promete cambiar vidas y la percepción de nuestro lugar en el universo. Este filme marca el regreso del director Steven Spielberg a la ciencia ficción, reflexionado sobre algunas teorías conspirativas que involucran al Pentágono o el Área 51.

ESTRENO

CASO 137 Dossier 137, Francia, 2025, 115 min.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

D: Dominik Moll. G: Dominik Moll, Gilles Marchand. F en C: Patrick Ghiringhelli. Con: Léa Drucker, Yoann Blanc, Antonia Buresi, Etienne Guillou-Kervern. CP: Haut et Court. Dist: Mirada México.

A finales del año 2018, gracias a la inminente alza de los precios de los combustibles, estallan en Francia las manifestaciones de los llamados chalecos amarillos. La película sigue los pasos de Stéphanie Bertrand, una agente de asuntos internos encargada de investigar un acto de brutalidad policiaca en contra de un joven durante una caótica protesta. Enfrentada a una masa de burocracia sin fin, Stéphanie se adentra en las profundidades de un sistema que favorece a la autoridad y el poder.

LA BUENA LETRA España, 2025, 110 min

D: Celia Rico. G: Celia Rico, con base en el libro homónimo de Rafael Chibes. F en C: Sara Gallego. Con: Loreto Mauleón, Ana Rujas, Enric Auquer, Roger Casamajor. CP: Mod Producciones, Misent Producciones. Dist: Bestiario Films.

Ana sufre junto a su familia las heridas aún abiertas de la guerra civil, especialmente su cuñado Antonio, quien vive traumatizado por la violencia del conflicto y se convierte en el centro de sus cuidados. Mediante su comida, sus palabras sinceras y su paciente silencio, Ana busca subsanar su dolor, hasta la llegada de Isabel, hermana de Antonio, que rompe el equilibrio construido. Este filme ofrece un vistazo a los tiempos de dificultad vividos después de conflictos armados y el costo que la guerra tiene sobre el espíritu humano.

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FUNCIÓN ESPECIAL INFANCIAS

FUNCIÓN ESPECIAL INFANCIAS

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CINETECA NACIONAL

El cine para infancias supone un gran trabajo intelectual que —paradójicamente— sólo está bien hecho cuando no se nota: la profundidad de las historias, la composición, el impacto visual, todo es trabajado hasta incluir sólo aquello que es esencial; lo más cercano a la poesía. Es mucho el riesgo de los creadores porque no hay medias tintas: la película atrapa al público o no, pero en ese riesgo se mueve todo arte.

En esta nueva etapa del Programa Mensual, que inicia con la impresión del número 505 que tienes entre tus manos, presentamos el espacio dedicado al cine para toda la familia, en donde intentaremos ofrecer obras dedicadas a explorar la estética y el lenguaje cinematográfico dirigido a niñeces. Estarán aquí el cine hecho con niñas y niños como protagonistas, el cine para niñas y niños y el que está realizado por niñas y niños.

Con su propio espacio, sus preocupaciones, y su personalidad, ¡todo un género completo cabe aquí!

Jorge Betanzos

FUNCIÓN ESPECIAL INFANCIAS

KIKI: ENTREGAS A DOMICILIO Majo no takkyûbin, Hayao Miyazaki, Japón, 1989, 101 min.

D: Hayao Miyazaki. G: Eiko Kadono, Hayao Miyazaki.

F en C: Shigeo Sugimura. M: Joe Hisaishi. E: Takeshi Seyama. Con: Voces originales de Minami Takayama, Rei Sakuma, Mieko Nobusawa, Keiko Toda, Kappei Yamaguchi, Hiroko Seki. CP: Studio Ghibli, Nippon Television Network (NTV), Nibariki, Kiki´s Delivery Service Production Committee. Prod: Morihisa Takagi, Mikihiko Tsuzuki, Hayao Miyazaki. Dist: Cinemex Distribución.

Kiki: entregas a domicilio cuenta la historia de Kiki, una brujita de 13 años que, junto a su familiar, un gatito negro llamado Jiji, emprenderá una nueva aventura hacia lo desconocido.

Es una tradición antigua que, a esa edad, las brujitas empiecen a ser autosuficientes, encuentren una ciudad donde puedan ser de ayuda e inicien su entrenamiento, el cual dura un año.

En el camino, Kiki y Jiji encuentran algunos obstáculos, ya que en la ciudad donde aterrizan hace mucho tiempo que no se ve una bruja y por un breve momento se sienten fuera de lugar.

Pero no todo es malo, a medida que avanza la historia encuentran apoyo y lugares seguros, como Osono, la panadera que decide hospedar a la brujita con su gatito y le da la idea de iniciar su negocio de entregas a domicilio. Después de un viaje desastroso, Kiki empieza a desesperarse y se da cuenta de que está perdiendo sus poderes, pues ya no entiende lo que dice Jiji. Ursula y Tombo, sus amigos, la animarán a recobrar su creencia en la brujería y en ella misma. Hayao Miyazaki crea un gran coming of age animado lleno de colores, texturas y mucho detalle, con un ambiente vibrante y lleno de luz, donde explora la transición a la adultez y la pérdida de la magia infantil, decantando en una historia llena de un aprendizaje agridulce que nos recuerda que crecer es aprender a estar solos.

Fernanda Espinosa Gutiérrez Cineteca Nacional 19 de mayo del 2026

CINETECA NACIONAL

TOY STORY 5 Estados Unidos, 2026, 90 min.

D y G: McKenna Harris, Andrew Stanton. A: Matt Aspbury, Jean-Claude Kalache. M: Randy Newman.

E: Jennifer Neysa Jew. Voces originales: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Keanu Reeves, Greta Lee. Prod: Jessica Choi, Lindsey Collins.

CP: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures.

Dist: Disney.

Buzz, Jessie y todos nuestros juguetes favoritos se enfrentan a un nuevo desafío que amenaza su forma de vida cuando la pequeña Bonnie se obsesiona con una tableta inteligente y deja de jugar con ellos. Ante el miedo de ser olvidados, este colorido grupo de amigos hará todo lo posible por demostrar el valor de la imaginación en la vida de los niños. Mientras tanto, Woody regresa para apoyar a sus amigos en esta difícil misión y demostrar que no existe nada que reemplace el cariño y la aventura que un juguete puede ofrecer.

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ARQUEOLOGÍA DEL CINE

CINE FUTBOLERO EN 8MM Y SÚPER 8:

ARQUEOLOGÍA DEL CINE

JUNIO · 2026

EL MUNDIAL DE MÉXICO 1970

Por Gustavo E. Ramírez Carrasco* Jefe de Publicaciones de Cineteca Nacional, especialista editorial y coordinador del Programa Mensual.

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CINE FUTBOLERO EN 8MM Y SÚPER 8

Foco poscolonialismo

CINETECA NACIONAL MÉXICO

"Futbol en el Mundial de México, 1970". Familia Carrillo Zazueta. Súper 8mm.

JUNIO · 2026

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ARQUEOLOGÍA DEL CINE

A finales de los años 60, las cámaras de cine habían reducido su tamaño y se había creado un mercado de modelos portátiles o caseros que permitían el desarrollo de un cine amateur dirigido al uso doméstico. Aunque en el continente americano ese mercado estuvo lógica y primordialmente orientado al consumo estadounidense, en México y otros países de América Latina, el uso de esa tecnología tuvo una proliferación moderada, principalmente entre sectores urbanos de clase alta y mediaalta que adquirían este tipo de equipos para completar sus álbumes familiares a través de la documentación en movimiento de eventos sociales, viajes y actividades culturales.

En este panorama, la aparición del formato súper 8, comercializado a partir de cámaras más ligeras, prácticas y portátiles, además de un diseño que por un lado ofrecía una superficie más amplia para la imagen, y por otro reducía las complejidades del uso al colocar las cinta dentro de una cartucho precargado que evitaba mayores cuidados, tuvo un papel importante.

Especialmente los jóvenes se interesaron por este tipo de tecnología, quienes pronto, del simple registro de fiestas o vacaciones pasaron a una producción más elaborada y a menudo con pretensiones experimentales, artísticas o contraculturales sobre todo a partir del inicio de la década de los 70, en un momento en el que la larga sombra de la represión de 1968 permanecía todavía muy presente.

Durante la época, se llegaron a organizar cursos, talleres, exhibiciones y concursos donde los aspirantes a cineastas mostraban su voluntad por una producción de ambiciones artísticas o contestatarias. Por ejemplo, en

1970 se convocó al Primer Concurso de Cine Experimental en 8mm, en el que participaron 20 filmes, que según relata el historiador mexicano de arte Álvaro Vázquez Mantecón en su artículo publicado en la Revista de la Universidad en 2021 “El curioso caso del súper 8 mexicano” «estuvieron caracterizados por un afán crítico e irreverente».

Pero además de las películas que simplemente registraron eventos o experiencias familiares, y aquellas que por otra parte, en una admirable labor más ambiciosa se aventuraron a la reflexión a través de formas cinematográficas narrativas o experimentales, están aquellas que documentaron —con una propuesta “cinematográfica” o sin ella— eventos de importancia histórica nacional. Los Juegos Olímpicos de 1968 fueron documentados en 8mm desde las gradas del Estadio Universitario por cineastas amateurs mexicanos o extranjeros y algunos de esos registros pueden encontrarse en internet; y del mítico festival de rock de Avándaro en 1971 también existen grabaciones que constituyen algunos de los pocos documentos realizados sobre el que tal vez haya sido el momento más relevante de la contracultura mexicana, como los del director Sergio García Michel (inéditas hasta hace una década) o las escenas registradas y montadas por Alfredo Gurrola para su documental Avándaro (1971).

Un año antes, la Copa Mundial de Futbol de 1970 también fue objeto de registros en formatos domésticos por cineastas —algunos amateurs y otros no tanto— que capturaron desde diferentes perspectivas momentos del que románticamente es considerado como “el mundial más hermoso de la historia”.

CINE FUTBOLERO EN 8MM Y SÚPER 8

"Futbol México 70".

Colección Laura Martínez Díaz. Súper 8mm.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

MÉXICO 1970, EL PRIMER MUNDIAL HIPERMEDIÁTICO

Del 31 de mayo al 21 de junio de 1970 tuvo lugar la novena Copa del Mundo de la FIFA, organizada por México apenas dos años después de los Juegos Olímpicos de 1968 y caracterizada por las tensiones de un contexto político en Foco poscolonialismo el que la pesada bruma del 68 aún gravitaba sobre el triunfalismo desarrollista del “Milagro Mexicano”. Pese a todo, la imagen de un México fuerte, estable y sobre todo moderno intentaba proyectarse desde el Estado a partir de un copa del mundo diseñada para redefinir el espectro mediático de los eventos deportivos. Se trataba del primer mundial transmitido globalmente vía satélite, el primero que podría verse en color en muchos países y el que significaría, además, uno de los primeros grandes eventos televisivos a nivel planetario gracias a una tecnología más sofisticada de imagen y transmisión, y a una estrategia internacional con grandes patrocinios y una organización global. En ese contexto, 16 selecciones de todo el mundo se daban cita para disputar el torneo, que daba inicio en el Estadio Azteca con un partido entre México y la Unión Soviética.

Además de toda la novedosa tecnología de imagen y transmisión televisiva internacional que acompañaba al torneo, y una robusta estrategia mediática nacional que incluía hasta la realización de una superproducción documental dirigida por Alberto Isaac, Futbol México 70 (1970), en coproducción con el Reino Unido, este mundial incluía otra característica, más modesta, pero no menos significativa: la proliferación de registros hechos por los asistentes gracias a la mayor circulación de cámaras de “bajo costo”, película y mecanismos domésticos de registro cinematográfico. Así, las Kodak, Canon y Bolex de 8 y súper 8mm (tecnología entonces incipiente) tal vez no serían tan raras entre el público, entregando registros que, desde ópticas diametralmente distintas a la espectacularidad televisiva, dejaron constancia de una mirada menos central, pero igualmente interesante.

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ARQUEOLOGÍA DEL CINE

JUNIO · 2026

LAS CINTAS DE MÉXICO 1970 EN LA CINETECA NACIONAL En su papel de archivo de la memoria fílmica de México, la Cineteca Nacional no sólo resguarda en sus acervos aquellas películas que han sido producidas a partir de la gran industria cinematográfica del país, sino también materiales de origen privado que han sido otorgados a la institución para su resguardo a través de programas como Archivo Memoria, una iniciativa dedicada a rescatar cine doméstico, amateur y “huérfano” en un esfuerzo por preservar la memoria visual cotidiana del país: películas familiares, registros de fiestas, viajes, barrios, ceremonias, calles, vida obrera, rituales, vacaciones, experimentos, material de interés antropológico… todo aquello que históricamente no ha sido comprendido por el cine industrial o académicamente reconocido en México. Es dentro de ese lado b de los archivos fílmicos de la Cineteca donde podemos encontrar una serie de pequeñas películas de 8mm y súper 8 que registraron algunos momentos del Mundial de futbol de México 1970.

La pequeña serie, integrada por cuatro películas filmadas durante el mundial, todas ellas sin sonido integrado, proviene de distintos particulares y muestra circunstancias diversas en torno a la copa del mundo, desde la inauguración el 31 de mayo de 1970 en el Estadio Azteca, con la ceremonia inicial y la presentación de las selecciones participantes, hasta el partido final el 21 de junio de ese año en el mismo escenario, cuando Brasil se coronó campeón tras el partido contra Italia.

La perspectiva y estilo de registro en estas grabaciones dista mucho de aquella que se difundió de manera oficial a través de los medios y el cine, al presentar un punto de vista alternativo que, aunque a veces espacialmente lejano a los sucesos en la cancha —a menudo las tomas fueron realizadas desde distintos niveles de las gradas—, muestra sin embargo la incontenible emoción de ser parte de la euforia colectiva.

Inauguración.

Familia Carrillo Zazueta. Súper 8mm.

Sig. pág. Partido inaugural.

Colección Laura Matínez Díaz.

Súper 8mm.

CINE FUTBOLERO EN 8MM Y SÚPER 8

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FUTBOL MÉXICO 1970. COLEC- FUTBOL EN EL MUNDIAL DE CIÓN LAURA MARTÍNEZ DÍAZ. MÉXICO 1970. FAMILIA CARRISÚPER 8MM. LLO ZAZUETA. SÚPER 8MM. En apenas tres minutos y medio de duración, este material muestra imágenes desde las Foco poscolonialismo gradas del que posiblemente fue el partido entre la selección mexicana contra El Salvador, llevado a cabo en el Estadio Azteca el 7 de junio de 1970, y en el que México resultó ganador con un marcador de 4-1. Además de algunas escenas de jugadas de peligro en las que los jugadores mexicanos se aproximaban a la portería rival (en las que se puede apreciar la algarabía y emoción del público desde las tribunas), esta película resalta por sus registros previos al partido y las tomas realizadas desde afuera del Coloso de Santa Úrsula, en las que se retratan la llegada de los aficionados al estadios entre puestos de comida y artículos conmemorativos como banderas de México, así como las gradas del Azteca antes de ser completamente abarrotado por el público.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Con una duración aproximada de 10 minutos, esta película, filmada con un formato de súper 8 recorre desde las gradas del Estadio Azteca algunos de los momentos más emblemáticos de la Copa del Mundo de México 1970. En primer lugar, la inauguración del evento, con el desfile de los seleccionados uniformados que recorren el contorno de la cancha acompañados de sus delegaciones; las presentaciones protocolarias y el espectáculo de banda de guerra y globos lanzados al cielo; posteriormente el inicio del partido inaugural entre la anfitriona México y la Unión Soviética, que culminó en un empate 0-0. En la misma película también podemos encontrar filmaciones de otros dos partidos de la Copa del Mundo, igualmente efectuados en el Azteca: el encuentro entre Alemania Federal y Uruguay el 20 de junio de 1970 por el tercer lugar (que culminó con un marcador de 1-0 favor Alemania) y sobre todo la gran final del torneo entre Brasil e Italia el 21 de junio, tras la que Brasil se coronó como campeona en uno de los momentos más inolvidables de la historia del futbol. Desde las tribunas del estadio, estos registros muestran el salto de equipos, periodistas y aficionados a la cancha tras el triunfo de la verdeamarela, seguidos de la icónica vuelta olímpica efectuada por Pelé y compañía.

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ARQUEOLOGÍA DEL CINE

JUNIO · 2026

FUTBOL MUNDIAL. COLECCIÓN JUAN CARLOS JASSO. SÚPER 8MM. En menos de tres minutos de duración, esta cinta muestra desde las gradas algunos momentos del partido final de la Copa del Mundo entre las selecciones de Brasil e Italia, tras el que la selección sudamericana, comandada por Pelé, se coronó como campeona en el Estadio Azteca. El material, que desafortunadamente muestra cierta decoloración, también presenta imágenes de los protocolos iniciales, así como la muchedumbre fuera del estadio una vez concluido el encuentro, entre quienes se encuentran los aficionados de la verdeamarela festejando eufóricos el triunfo de su selección. Quizá en el contexto del mundial, esta pequeña película también contiene imágenes de otras partes de la Ciudad de México, como Paseo de la Reforma.

Final Brasil-Italia.

Colección Juan Carlos Jasso. Súper 8 mm.

"Campeonato del mundo de futbol 1970".

Colección Regueiro. 8mm.

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CINE FUTBOLERO EN 8MM Y SÚPER 8

CAMPEONATO DEL MUNDO DE FUTBOL DE 1970.

COLECCIÓN REGUEIRO. 8MM. Foco poscolonialismo

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Con una selección de escenas que narra cronológicamente algunos de los momentos relevantes de la Copa del Mundo, esta película de casi 8 minutos de duración presenta tomas de algunos partidos de la selección mexicana, como los encuentros ante El Salvador y Bélgica ocurridos respectivamente el 7 y el 11 de junio de 1970, así como la semifinal entre Italia y Alemania Federal, el partido por el tercer puesto entre Uruguay y Alemania Federal y la gran final entre Brasil e Italia, todos disputados en la cancha del Estadio Azteca. El metraje tiene la particularidad de mostrar también imágenes de distintos materiales de prensa de periódicos de la época como Esto y Novedades anunciando resultados y noticias alrededor de estos partidos, lo que le da un interesante matiz periodístico. Destacan las tomas capturadas afuera del Coloso de Santa Úrsula a la llegada de los aficionados, entre la venta de artículos y los estacionamientos completamente llenos. Un pequeño grupo de personas son mostradas de manera recurrente, posiblemente los familiares del realizador. Esta cinta también muestra desde las gradas el momento en que Brasil se corona como campeona del mundo ante la euforia de fanáticos, delegaciones y periodistas.

"Campeonato del mundo de futbol 1970".

Colección Regueiro. 8mm.

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EXTENSIÓN ACADÉMICO

CINETECA NACIONAL MÉXICO CURSO PRESENCIAL

11 SESIONES

NOMBRE: SI ES GRACIOSO, ¿NO? COMEDIAS EN MEDIO DEL S.XX COORDINA: DR. BRÍAN HANRAHAN FECHA: DEL 9 DE JUNIO AL 18 DE AGOSTO DEL 2026 HORARIO: MARTES 18 A 21 H

13 SESIONES NOMBRE: FILM NOIR: LA CIUDAD EN BLANCO Y NEGRO MODERA: RAFAEL AVIÑA FECHA: DEL 2 DE JUNIO AL 25 DE AGOSTO DEL 2026 HORARIO: MARTES DE 18 A 21 H

CINETECA NACIONAL DE LAS ARTES CURSO PRESENCIAL

12 SESIONES

NOMBRE: ENTRE LA FANTASÍA Y UN MUNDO CAMBIANTE: HOLLYWOOD EN LOS AÑOS OCHENTA COORDINA: JOSÉ ANTONIO VALDÉS PEÑA FECHA: DEL 8 DE JUNIO AL 24 DE AGOSTO DEL 2026 HORARIO: LUNES DE 18 A 21 H

PROGRAMACIÓN DE CURSOS

DESARROLLO ACADÉMICO

JUNIO · 2026 71 DESARROLLO ACADÉMICO

SECRETARÍA DE CULTURA Secretaria CLAUDIA CURIEL DE ICAZA CINETECA NACIONAL Directora General MARINA STAVENHAGEN VARGAS Director de Difusión y Programación NELSON CARRO RODRÍGUEZ Director de Acervos CARLOS EDGAR TORRES PÉREZ Director de Administración y Finanzas VICENTE FERNANDO CÁZARES ÁVILES Subdirección de Programación ORIANNA PAZ ESMORIS DIANA GUTIÉRREZ PORRAS CAROLINA ARELLANO ROJAS MAURICIO CERVANTES SILVA JESÚS BRITO MEDINA EMILIO RIVAS GONZÁLEZ SAID EDUARDO VALENCIA MAYA ROSALBA ALVARADO PÉREZ ANA LAURA MANZANILLA GARCÍA IVAN GUILLERMO CABAÑAS MATA NIRVANA CASTILLO LORENA CID REYES Subdirección de Distribución ALEJANDRO GRANDE BONILLA Subdirección de Difusión ALFREDO DEL VALLE MARTÍNEZ Subdirección de Preservación de Acervos TANIA LÓPEZ ESPINAL Acervo iconográfico de la Cineteca Nacional ROCIO GIL PEÑA MANUEL EDUARDO CORTÉS GARCÍA LINA MILET GARCÍA HUERTA Desarrollo Académico EMILIO CASAS BOHÓRQUEZ Coordinación Académica de Diplomados y Maestría CRISTINA PRADO ARIAS MARIANA GARCÍA OLSINA

PROGRAMA MENSUAL DE LA CINETECA Edición GUSTAVO E. RAMÍREZ CARRASCO Investigación, redacción y apoyo editorial ISRAEL RUIZ ARREOLA BIANCA ASHANTI GONZÁLEZ SANTOS NADIA FERNANDA NAVA GONZÁLEZ Diseño Editorial AYLIN A. RAVELO DELGADO Colaboradores JOSÉ IGNACIO MARTÍNEZ NÚÑEZ TANIA FERNANDA ESPINOSA GUTIÉRREZ EMMANUEL CHÁVEZ REYES JORGE BETANZOS MONTESINOS RAFAEL GUILHEM ADRIANELLY HERNÁNDEZ IVÁN VILLANUEVA SHARELY CUELLAR VÍCTOR HUGO ORTEGA HÉCTOR MIGUEL NÚÑEZ JOSÉ ANTONIO VALDÉS PEÑA PAOLA PARRA SOLORIO