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Black Canvas 2021 Retrospectiva Laila Pakalniņa

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25º Tour de Cine Francés

O CT U B R E 2021

PROGRAMA MENSUAL


ÍNDICE

CINETECA NACIONAL Av. México-Coyoacán 389, col. Xoco. Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.

EN PORTADA En el espejo · Laila Pakalniņa · 2020

25º TOUR DE CINE FRANCÉS

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BLACK CANVAS 2021

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ABREVIATURAS D: Dirección. B/N: Fotografía en blanco y negro. Dist: Distribución. PC: Procedencia de copia.

Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 4155 1190. Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad. El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica. Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.


PROGRAMACIÓN

OCTUBRE 2021

DOSSIER LAILA PAKALNIŅA Escenarios de vida

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ESTRENOS

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FUNCIONES ESPECIALES

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CICLOS

25º TOUR DE CINE FRANCÉS

OCTUBRE · 2021

Del 15 de octubre al 31 de octubre

Desde 1997 y con más de 150 filmes exhibidos a lo largo de su historia, el Tour de Cine Francés se ha consolidado como una muestra itinerante que presenta lo más esperado del cine francés contemporáneo (en versión original y subtitulada) al rededor de la República Mexicana, Centroamérica, Argentina y Chile, previo a su estreno comercial en salas de la región. Fundado por Nueva Era Films, Cinépolis, la Embajada de Francia en México, y la Federación de Alianzas Francesas, esta ya tradicional muestra tiene el propósito de promover el cine francés, y crear un nuevo público cinematográfico, ávido de la cultura y el lenguaje galo. Cada película se presenta entre dos y cuatro semanas en cada una de las ciudades que forman parte de una muy amplia red de exhibición que incluye un circuito cultural del que la Cineteca Nacional forma parte esencial.

Para esta su edición número 25 en 2021, la programación del Tour comprende siete largometrajes que como cada año reúnen algunas de las producciones más aclamadas de la cinematografía francesa; títulos que de la comedia romántica al drama y el suspenso, presentan el trabajo de desatacados cineastas, actores y productores que dan vida y personalidad al cine francés de nuestra época.


TOUR DE CINE FRANCÉS

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CINETECA NACIONAL MÉXICO

Delicioso · 2021


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CICLOS

FANTASÍAS

Les fantasmes, Francia, 2021, 101 min. D: Stéphane y David Foenkinos.

Seis parejas intentan exploran los lados ocultos de su vida íntima, lo que deja entrever seis cuestionamientos sobre el acceso al placer. Desde el juego de roles hasta la abstinencia, pasando por el exhibicionismo, esta comedia muestra una serie de historias separadas con la misma interrogante: ¿Qué es el deseo? Dirigida por los hermanos Stéphane y David Foenkinos, Fantasías está protagonizada por Monica Bellucci, Denis Podalydès, Suzanne Clément, entre otras figuras del cine francófono.

ADIÓS, IDIOTAS

Adieu les cons, Francia, 2020, 87 min. D: Albert Dupontel.

OCTUBRE · 2021

Cuando Suze Trappet, de 43 años, se entera que está gravemente enferma, decide buscar a su hijo, el cual se vio obligada a abandonar cuando ella era adolescente. Su búsqueda le hará conocer a JB, un hombre que a sus 50 años se encuentra en plena depresión, y al señor Blin, quien es ciego y con un entusiasmo arrasador. El trío se embarcará en una búsqueda tan espectacular como imposible. Esta excéntrica comedia negra obtuvo seis Premios César –entre ellos Mejor Película y Dirección– en 2021.

DELICIOSO

Délicieux, Francia-Bélgica, 2021, 112 min. D: Éric Besnard.

En los días previos a la Revolución Francesa, el cocinero Pierre Manceron es despedido por su jefe, el duque de Chamfort. Su encuentro con Louise, una mujer que quiere aprender del arte culinario, le devuelve la confianza en sí mismo y lo empuja a liberarse de su actitud servil para emprender su propia revolución. Pierre y Louise inventarán un lugar para gozar y compartir, abierto a toda la comunidad: el primer restaurante de Francia. Su idea les hará ganar muchos clientes, pero también enemigos.

CAJA NEGRA

Boîte noire, Francia-Bélgica, 2021, 131 min. D: Yann Gozlan.

Thriller protagonizado por Pierre Niney en el papel de Mathieu Vasseur, quien es nombrado investigador principal para descifrar un desastre aéreo sin precedentes. ¿Qué sucedió en el vuelo Dubái-París antes que el avión se estrellara en los Alpes? ¿Error de pilotaje? ¿Falla técnica? ¿Acto terrorista? El análisis cuidadoso de las cajas negras de la aeronave llevará a Mathieu a realizar en secreto su propia investigación, en la que él mismo ignora hasta dónde lo llevará su búsqueda de la verdad.


TOUR DE CINE FRANCÉS

MIENTRAS ESTÉ VIVO

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De son vivant, Francia, 2020, 92 min. D: Emmanuelle Bercot.

Un hombre condenado a morir demasiado joven por una enfermedad. El sufrimiento de una madre ante lo inaceptable. La dedicación de un médico y una enfermera para acompañarlos en este camino imposible y guiarlos hacia la aceptación durante las cuatro estaciones que conforman el año. La más reciente película de la directora Emmanuelle Bercot es un drama esperanzador que cuenta con las actuaciones de dos de los actores franceses más conocidos de la pantalla, Benoît Magimel y la legendaria Catherine Deneuve.

L'homme de la cave, Francia, 2021, 114 min. D: Philippe Le Guay.

Simon y Hélène deciden vender la bodega que tienen en el sótano de su edificio. El señor Fonzic, un hombre de apariencia común y corriente, se las compra. La situación se complica cuando el hombre se muda al sótano, lo convierte en su residencia permanente y se hace amigo de la hija adolescente de la pareja. Inspirado en una historia real que le sucedió a un par de amigos cercanos del director Philippe Le Guay, El hombre del sótano es un provocador thriller ambientado en la París de nuestros días.

MANDÍBULAS

Mandibules, Francia-Bélgica, 2020, 77 min. D: Quentin Dupieux.

Cuando dos amigos ingenuos, Jean-Gab y Manu, encuentran una mosca del tamaño de un perro mediano atrapada en la cajuela de un automóvil, deciden quedársela y entrenarla con la esperanza de ganar mucho dinero. La más reciente película del director francés de cine fantástico y músico electrónico Quentin Dupieux relata un hecho absurdo como si se tratara de la situación más cotidiana, mezclando momentos hilarantes y diálogos surrealistas con un bien logrado escore de la banda inglesa Metronomy.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

EL HOMBRE DEL SÓTANO


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CICLOS

BLACK CANVAS FESTIVAL DE CINE CONTEMPORÁNEO 2021

OCTUBRE · 2021

1 al 10 de octubre

La 5ª edición de Black Canvas Festival de Cine Contemporáneo se llevará a cabo del 1 al 10 de octubre de 2021 del presente año bajo un innovador formato híbrido, una programación arriesgada y desafiante, además de una serie de actividades que nos permitirán adentrarnos en el pensamiento y reflexión del cine. Conscientes de la situación actual y afín al espíritu desafiante y arriesgado que demanda su historia, Black Canvas Festival de Cine Contemporáneo ha decidido mutar y transformarse; buscar nuevos caminos para ofrecer lo mejor del cine de autor del panorama internacional y seguir consolidándose como uno de los festivales más radicales y propositivos del país. Buscando ampliar las opciones de exhibición en miras de cubrir las necesidades del público mexicano y a la vez cumplir con los requerimientos y recomendaciones de las autoridades sanitarias, Black Canvas Festival de Cine Contemporáneo nuevamente se presentará en un formato híbrido, donde continuaremos ofreciendo lo mejor del séptimo arte en nuestras las sedes físicas: Cineteca Nacional, Cinemex, La Casa del Cine MX y la Universidad de la Comunicación como punto de reunión para

celebrar el cine con proyecciones al aire libre, además de un importante número de conversatorios en vivo dentro de este mismo formato. A esta lista se suma la sede digital FilminLatino, accesible a todo el territorio nacional, como una ventana que amplifica la descentralización del cine y ofrece lo que consideramos lo más importante del panorama fílmico del último año, plataforma en donde reuniremos gran parte de nuestra programación, donde la cinefilia de todo el país podrá conocer y adentrarse en la oferta de programación online de la quinta edición. La programación de nuestras competencias, invitados, jurados, actividades así como el resto de nuestras actividades la podrás encontrar en nuestro sitio web. Te invitamos a estar al tanto de nuestras redes sociales donde compartiremos más sorpresas e información detallada de nuestra quinta edición.

Black Canvas, Festival de Cine Contemporáneo


BLACK CANVAS 2021

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Cogida caótica o porno loco · 2021


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CICLOS

OCIO O: LO CONTRARIO DE NO HACER NADA

FREIZEIT oder: das gegenteil von nichtstun, Alemania, 2021, 71 min. D: Caroline Pitzen.

OCTUBRE · 2021

Berlín, 2018. El vecindario donde creció un grupo de adolescentes ahora es una obra de construcción. Los jóvenes caminan mientras leen libros, discuten sobre el sexismo cotidiano y la responsabilidad del individuo por el sistema en que vivimos, e inventan acciones políticas en un barrio de la extinta Alemania Oriental. Con la idea de que la revolución puede nacer en los tiempos de ocio, Caroline Pitzen crea una película en la que intérpretes no profesionales se convierten en sujetos políticos.

ESTA LLUVIA NUNCA TERMINARÁ

This Rain Will Never Stop, Ucrania-Letonia-Alemania-Catar, 2020, 103 min. D: Alina Gorlova.

Después de que huyeron del conflicto armado en Siria, la familia Suleyman se dispersó por Europa. Este documental sigue a uno de sus miembros, Andriy, que ahora es voluntario de la Cruz Roja y se enfrenta a otro conflicto militar, esta vez en Ucrania. Ya sea escapando de la guerra o intentando aliviar el sufrimiento, los viajes de Andriy se entremezclan con imágenes de ayuda humanitaria, demostraciones de fuerza militar y fragmentos de su cotidianeidad en un ciclo interminable de vida y muerte.

EVOLUCIÓN

Evolution, Alemania-Hungría, 2021, 97 min. D: Kornél Mundruczó.

Evolución sigue el destino de tres generaciones de una familia incapaz de reconciliarse con su pasado en un país que aún arrastra las heridas de su historia. A lo largo de tres capítulos que oscilan entre recuerdos de la Segunda Guerra Mundial y escenas actuales de la vida berlinesa, la película cuestiona la identidad judía en Alemania y el legado de traumatismos generacionales. El dolor de los miembros del clan es representado dentro de una conmovedora historia de imágenes poéticas y surrealistas.


BLACK CANVAS 2021

MADERA Y AGUA

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Wood and Water, Alemania-Francia-Hong Kong, 2021, 80 min. D: Jonas Bak.

Después de jubilarse, una mujer deja atrás su vida solitaria en la Alemania rural y los recuerdos familiares perfectos, para viajar a Hong Kong en busca de su hijo al que no ha visto en años. Su experiencia en esta región llena de protestas sociales y sus encuentros con desconocidos terminarán por derribar los muros que construyó alrededor de sí misma. Madera y agua es una minuciosa exploración del amor maternal que aborda temas como la distancia, el contacto humano y la espiritualidad.

Argentina, 2021, 86 min. D: Ignacio Ceroi.

De viaje por Francia, el cineasta argentino Ignacio Ceroi adquirió una cámara digital de segunda mano en la que encontró videos de su antiguo dueño. Intrigado por las grabaciones, contactó al propietario, un francés llamado Charles, para pedirle permiso de usar el material. A partir de este momento inicia un juego lúdico, experimental y narrativo en el que Ceroi cuenta la supuesta vida de este hombre que vive en Montpellier, su mujer, sus perros y su paso por la militancia revolucionaria en Camerún.

EL VIAJE DE JACK

No táxi do Jack, Portugal, 2021, 70 min. D: Susana Nobre

A los 63 años y casi jubilado, Joaquim, una suerte de Elvis portugués, se ve obligado a seguir las reglas del centro de trabajo para poder cobrar las prestaciones por desempleo. A pesar de saber que no volverá a la vida laboral, debe ir de empresa en empresa pidiendo sellos para dar fe de que busca trabajo. Entre el documental y la ficción, la película sigue el recorrido de Jack por áreas industriales y por sus memorias como inmigrante en los Estados Unidos, donde trabajó como taxista en Nueva York.

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QUÉ SERÁ DEL VERANO


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CICLOS

PRELUDIO A COLÓN

México-Francia, 2020, 88 min. D: Florence Malfatto.

OCTUBRE · 2021

Cuestionando las presencias, un territorio aparece, marcado por la historia de la colonización. Desde la invasión española, en las zonas purépecha y mazahua, en México, comenzó una larga resistencia. Preludio a Colón es un viaje más perceptual que narrativo a través de paisajes enigmáticos, casi estáticos, que transcurren entre el presente y el pasado de esta historia que se diluye y vuelve emerger mediante la música y la narración de un antiguo texto del siglo XVI, la Relación de Michoacán.

VEN AQUÍ

Jai jumlong, Tailandia, 2021, 69 min. D: Anocha Suwichakornpong.

Cuatro jóvenes actores viajan a la ciudad tailandesa de Kanchanaburi para visitar el museo que conmemora a las víctimas de la II Guerra Mundial. Al encontrarlo cerrado, rentan una cabaña en el bosque, beben, conversan y se quedan mirando los fuegos artificiales. Mientras tanto, en otra parte del bosque, una mujer angustiada sufre una misteriosa transformación. Ven aquí es un collage fílmico experimental que indaga sobre el peso omnipresente de la historia, dejando muchas interrogantes en su camino.

ESPÍRITU SAGRADO

España-Francia-Turquía, 2021, 97 min. D: Chema García Ibarra.

José Manuel y el resto de miembros de la asociación de ufología Ovni-Levante se reúnen semanalmente para intercambiar información sobre mensajes extraterrestres y abducciones. Julio, su líder, muere inesperadamente, dejando a José Manuel como la única persona que conoce el secreto que podría alterar el futuro humano. Con una mezcla de humor y desconcierto, Espíritu sagrado descoloca al espectador, que no sabe si está viendo una tragedia terrible, una comedia involuntaria o una gran broma cósmica.


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ESQUIRLAS

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Argentina, 2020, 70 min. D: Natalia Garayalde.

El 3 noviembre de 1995 estalló la Fábrica Militar de Río Tercero, en Argentina, lo que provocó que miles de proyectiles cayeran en los pueblos de los alrededores. Por entonces, Natalia Garayalde era una niña de doce años que grabó con su cámara de video la devastación de su ciudad natal. Veinte años después, aquel material casero se convierte en un testimonio reflexivo y doloroso sobre la familia, la destrucción de una ciudad, la verdad siniestra sobre el caso y las heridas difíciles de sanar.

Das Mädchen und die Spinne, Suiza-Alemania, 2021, 98 min. D: Ramon Zürcher y Silvan Zürcher.

Lisa se muda del departamento que ha compartido con Mara para irse a vivir sola. A medida que se llenan las cajas de mudanza, se pintan las paredes y se reinstalan los armarios, los abismos comienzan a abrirse, los anhelos llenan la habitación y se pone en marcha una montaña rusa emocional. La chica y la araña es una pieza de cámara desarrollada en dos departamentos en Berlín, impulsada por un extraño campo magnético donde las relaciones entre amigos, amantes, vecinos y extraños se atraen y multiplican.

LOS TRABAJOS Y LOS DÍAS

The Works and Days, (de Tayoko Shiojiri en la cuenca Shiotani) Estados Unidos-Suecia-Japón-Reino Unido, 2020, 480 min. D: C.W Winter, Anders Edström.

Los trabajos y los días (de Tayoko Shiojiri en la cuenca Shiotani) es un retrato de una familia, un terreno, cinco estaciones, un paisaje sonoro y el tiempo en sí mismo. Filmada a lo largo de 14 meses al interior de un pequeño poblado de apenas 47 personas en las montañas de la prefectura de Kioto, en Japón, el segundo largometraje en conjunto del estadounidense C.W Winter y el sueco Ander Edström, es una ficción de ocho horas sobre una naturaleza que se va adaptando y el trabajo de un agricultor.

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LA CHICA Y LA ARAÑA


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CICLOS

EL LOBBY

The Lobby, Alemania-Argentina, 2020, 76 min. D: Heinz Emigholz.

OCTUBRE · 2021

Un personaje simplemente llamado “viejo hombre blanco” reflexiona en los lobbies de distintos edificios de departamentos en Buenos Aires, Argentina, y habla acerca de cuestiones como la muerte, la conciencia y el estado de las relaciones humanas en nuestros días. En la película más reciente del artista visual y cineasta alemán Heinz Emigholz, las ideas del protagonista, que conforman un monólogo contemporáneo en tránsito entre el absurdo y lo provocador, son emitidas desde espacios nunca identificados.

EL ESPACIO INTERIOR

Argentina, 2020, 67 min. D: Agustina Grillo y Pío Filgueira.

En la mitad de un paisaje agreste argentino de la provincia de San Juan, al centro-occidente del país, tres hombres de la tercera edad realizan actividades en un observatorio astronómico. Bajo el estilo del documental observacional, los directores Agustina Grillo y Pío Filgueira siguen una rutina de elementos técnicos y naturales que rodea su labor. Filmado con precisión, El espacio interior adquiere fuerza en los encuadres y la temporalidad, para dar cuenta de un mundo que termina y otro que empieza.

AMIGOS Y EXTRAÑOS

Friends and Strangers, Australia, 2021, 81 min. D: James Vaughan.

Ray y Alice, dos veinteañeros australianos de clase media-alta, parecen no tener los pies en la tierra, ya sea en temas amorosos, de trabajo, o incluso de diversión. Su actitud insatisfecha los lleva a experimentar una serie de extrañas situaciones que son mostradas en divertidas viñetas en esta ópera prima del director James Vaughan. El resultado es una estimulante exploración del mundo de los jóvenes adultos adinerados en Australia, aderezada por el matiz irónico de la generación millennial.


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DESDE LO MÁS PROFUNDO

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Rock Bottom Riser, Estados Unidos, 2021, 70 min. D: Fern Silva.

El turbulento flujo de lava volcánica de Hawái proporciona la base para este ensayo cinematográfico experimental. Lleno de asombrosas imágenes telescópicas y digresiones sobre fenómenos naturales relacionados filosóficamente, Desde lo más profundo atraviesa distintas ciencias como la astronomía, la geología y la etnografía, y examina los orígenes del universo, la influencia del colonialismo y el descubrimiento de nuevos mundos mientras nos asoma a la existencia de nuestro propio planeta.

Argentina, 2021, 61 min. D: Andrés Guerberoff.

Mountakha es un inmigrante senegalés recién llegado a Buenos Aires. En Dakar era camionero y mientras intenta conseguir ese empleo en esta nueva ciudad, realiza algunos trabajos temporales. Mountakha se pregunta si podrá ser un buen vendedor o si su destino estará ligado a la actuación. Con un espíritu de observación que intenta nunca ser intrusivo, Borom Taxi sigue a Mountakha y otros senegaleses que tratan de adaptarse a este nuevo territorio, poniendo énfasis sobre sus condiciones de vida y de trabajo.

COGIDA CAÓTICA O PORNO LOCO

Babardeală cu bucluc sau porno balamuc, Rumania-LuxemburgoRepública Checa-Croacia-Suiza-Reino Unido, 2021, 106 min. D: Radu Jude.

La reputación de Emi, una profesora de secundaria, se ve amenazada después de que una grabación personal de contenido sexual se vuelve viral. Su esposo la subió a internet, pero es ella quien lleva la peor parte de la condena. Obligada a enfrentarse a los padres que exigen su despido, Emi se niega a rendirse. La ganadora del Oso de Oro del Festival de Berlín 2021 es un ensayo cómico y juguetón sobre el puritanismo y la doble moral de la sociedad rumana, ambientada en la Bucarest de la era del COVID.

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BOROM TAXI


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CICLOS

SÓLO LOS VIENTOS

Only the Winds, Líbano-Estados Unidos-Suecia, 2020, 131 min. D: Karim Kassem.

OCTUBRE · 2021

El cineasta Karim Kassem emprende un viaje desde Nueva York a su país de origen, Beirut. Entre la dificultad de volver a casa, una enfermedad crónica y la investigación para una futura película, describe la situación en el Líbano a través de una multiplicidad de encuentros con amigos, familiares y completos desconocidos, agregando así un subtexto sociopolítico a un ensayo repleto de narrativas poéticas. Sólo los vientos escudriña la metafísica del ser y el significado de nuestro tiempo en la Tierra.

VACACIONES CORTAS

Jong chak yeok, Corea del Sur, 2020, 79 min. D: Kwon Min-pyo y Seo Hansol.

Cuatro estudiantes de secundaria, miembros del club de fotografía, reciben una cámara de su maestra para que tomen fotografías del “fin del mundo”. Mientras discuten a dónde ir, se suben al tren para ir a la última estación, continuando su viaje a pie mientras admiran nuevos paisajes, reflexionan sobre lo cotidiano y, sobre todo, fortalecen sus vínculos a través de la conversación. Vacaciones cortas es una meditación poética y pausada sobre el descubrimiento de los jóvenes del mundo que los rodea.

LA RULETA DE LA FORTUNA Y LA FANTASÍA

Gūzen to Sōzō, Japón, 2021, 121 min. D: Ryūsuke Hamaguchi.

El director japonés Ryūsuke Hamaguchi narra tres historias protagonizadas por personajes femeninos fuertes y centradas en desencuentros románticos y en el rol del azar en la vida cotidiana. Un triángulo amoroso inesperado, una trampa de seducción fallida y un encuentro que resulta de un malentendido, son contados con saltos amplios de tiempo, giros fantásticos y conversaciones que revelan historias de amor y desamor, venganzas, intentos de recuperar a personas queridas y sentimientos que no se van.


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PAISAJES DE RESISTENCIA

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Pejzaži otpora, Serbia-Alemania-Francia, 2021, 95 min. D: Marta Popivoda.

Paisajes de resistencia traza un viaje a través de los recuerdos de la luchadora antifascista Sonja Vujanović, una de las primeras mujeres partisanas en Yugoslavia, quien también estuvo entre las líderes del movimiento de resistencia en Auschwitz. Sin apostar por el material de archivo, la artista visual Marta Popidova construye un ensayo fílmico en el que la voz narrativa de la nonagenaria mujer va de los interiores de su casa actual a los probables escenarios que atravesó hace más de 75 años.

Nemesis, Suiza, 2020, 132 min. D: Thomas Imbach.

La antigua estación de carga de Zúrich trajo prosperidad a esa ciudad. Pero 125 años después, este símbolo de movimiento internacional da paso al control, el aislamiento y la seguridad nacional. Está previsto que en su lugar se levante un nuevo centro penitenciario y policial, diseñado para alojar a personas que esperan ser deportadas. Filmado enteramente desde su ventana, Thomas Imbach retrató este sitio de construcción durante más de siete años, capturando el movimiento inquieto de máquinas y personas.

MOSTRO

México, 2021, 75 min. D: José Pablo Escamilla.

Una pareja de jóvenes obreros pasa las tardes consumiendo sustancias químicas en una choza autoconstruida. Sus viajes extáticos y las visiones que experimentan los hacen olvidar por un momento la ruidosa ciudad industrial en la que viven. Pero cuando Alexandra desaparece frente a sus ojos, Lucas debe enfrentarse a un sistema corrupto. A través de un mundo onírico que se mezcla con una cruda realidad, la ópera prima de José Pablo Escamilla explora la frágil situación que vive la juventud en México.

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NÉMESIS


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CICLOS

EL LADO QUIETO

México-Argentina-Filipinas, 2021, 70 min. D: Miko Revereza y Carolina Fusilier.

OCTUBRE · 2021

En algún lugar de la costa del Pacífico en México, permanece la isla de Capaluco. Lo que fue un concurrido centro vacacional ahora es un espacio abandonado. Una curiosa criatura marina emerge del agua después de viajar por una fuerte corriente que provino de Filipinas. Combinando documental con toques de ciencia ficción, El lado quieto especula sobre los futuros habitantes de los restos arquitectónicos, y navega por ruinas que interactúan con los sonidos espectrales propios de esa isla vacía.

DIARIOS DE OTSOGA

Diários de Otsoga, Portugal, 2021, 102 min. D: Maureen Fazendeiro y Miguel Gomes.

Crista, Carloto y João construyen un invernadero ventilado para mariposas en el jardín. Los tres comparten rutinas del hogar, día a día… Pero no son los únicos. Diarios de Otsoga es un ejercicio metalingüístico que toma la forma de un diario fílmico que empieza por el día 22 hasta llegar al primero. Con guiños que refieren a la pandemia de COVID-19, el propósito es explorar el rodaje de una película en una casa de verano a la vez que se hace una compleja reflexión sobre el tiempo y el oficio del cine.

EL ACTOR PRINCIPAL

México-Argentina, 2020, 75 min. D: Paula Markovitch.

Luis, un joven que vive en Iztapalapa, ha sido seleccionado como actor de un “filme de arte” y se dispone a asistir al estreno internacional en Berlín. Al llegar, conoce a Azra, una lavandera albanesa con una misteriosa cicatriz. Luis prefiere faltar al estreno para quedarse con ella, lo que da pie a una amistad intensa que los lleva a develar extraños secretos. Paula Markovitch hace una sutil reflexión sobre la marginación a través de los espacios físicos y socioculturales que habitan los protagonistas.


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ACTOS DE AMOR

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Acts of Love, Francia-Estados Unidos, 2021, 71 min. D: Isidore Bethel y Francis Leplay.

Cuando su novio mayor pierde interés en él, un director de cine se muda a Chicago y usa aplicaciones de citas para elegir nuevos amantes en un proyecto amorfo que su madre odia. El segundo largometraje de Isidore Bethel, en codirección con Francis Leplay, es un estudio reflexivo sobre el amor y los encuentros que nos definen en la vida. Protagonizada por el propio Bethel, la película muestra una historia fragmentada y meditativa sobre el apego, la decepción, el deseo y lo que implica estar con una persona.

Communists!, Reino Unido, 2021, 75 min. D: Christopher Small.

Una cineasta, Sacha Roth, intenta convertir un acto de violencia en una obra de arte sin pensarlo mucho. En el camino pone en peligro casi todas sus relaciones. La ópera prima del crítico y programador Christopher Small es una obra que habla de la cultura cinéfila y el cine independiente. Con una estética minimalista, la película plantea una cuestión: ¿es posible encontrar una conciencia social revolucionaria en el cine y sus festivales, pese a las películas políticas que invaden su historia?

QUERIDA CHANTAL

México-España, 2021, 5 min. D: Nicolás Pereda.

En este cortometraje, el director mexicano Nicolás Pereda realiza un homenaje miniatura a la cineasta belga Chantal Akerman. Querida Chantal se concibe como una serie de cartas imposibles que responden a la intención de la directora por alquilar la casa de la hermana de Pereda en la Ciudad de México.

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¡COMUNISTAS!


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CICLOS

UN MUNDO FLOTANTE

Un monde flottant, Francia, 2021, 56 min. D: Jean-Claude Rousseau.

OCTUBRE · 2021

Entre lluvia y hechizos, tras las huellas de Yasujirō Ozu en el Japón de hoy, la gente se encuentra, aunque estos encuentros pueden ser sin palabras. Hay también algunos eventos sísmicos, un temblor que no interrumpe el curso de la película. Y para que exista una historia en este mediometraje, se retrata un paraguas olvidado en una habitación de hotel.

TREN DE NUEVO

Train Again, Austria, 2021, 20 min. D: Peter Tscherkassky.

Sin diálogos y con una fotografía en blanco y negro, el tercer trabajo fílmico de la serie “Rushes” de Peter Tscherkassky es un homenaje a Kurt Kren, pionero del cine vanguardista y experimental en Austria que en 1978 rodaría la que se considera una de sus obras maestras, 37/78: Tree Again. Tscherkassky rinde tributo a Kren mientras revisa un tópico clásico de la historia del cine.

NO EXISTEN TREINTA Y SEIS MANERAS DE MOSTRAR CÓMO UN HOMBRE SE SUBE A UN CABALLO

Argentina, 2020, 63 min. D: Nicolás Zukerfeld.

El director estadounidense Raoul Walsh dijo una vez: «No hay treinta y seis maneras de mostrar a un hombre subiéndose a un caballo». Esta declaración de principios establecería la forma del lenguaje clásico. Un profesor de cine argentino inicia una investigación sobre el origen de esta frase, sin darse cuenta de que su obsesión lo llevará a adentrarse en un laberinto cinematográfico conformado por detectives perdidos en el salvaje oeste.


BLACK CANVAS 2021

LA NOCHE

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The Night, Taiwán, 2021, 19 min. D: Tsai Ming-liang.

En 2019, la noche en Hong Kong estaba envuelta en una belleza fascinante, pero el panorama de la vida cotidiana estaba cambiando gradualmente. Al pasear por la zona de Causeway Bay, el director Tsai Mingliang documentó el ritmo y el ambiente de la ciudad, junto con un paso elevado y una vieja canción que permanecía en su mente.

Introduction, Corea del Sur, 2020, 66 min. D: Hong Sang-soo.

Youngho, un joven aspirante a actor, mantiene una fría relación con su padre, un exitoso acupunturista, mientras que su novia Juwon está a punto de irse a Berlín a estudiar diseño de moda. Frustrado en lo afectivo y lo vocacional, Youngho intentará ser rescatado por su madre. Como es habitual en su cine, Hong Sang-soo retrata caminatas en la playa o por las calles y largas charlas aderezadas con soju para hablar de las diferencias generacionales, las contradicciones y angustias de la vida moderna.

SEIS DÍAS CORRIENTES

España, 2021, 85 min. D: Neus Ballús.

Seis días corrientes sigue la historia de una semana en la vida de Moha, Valero y Pep, trabajadores de una pequeña empresa de fontanería y electricidad en las afueras de Barcelona. El joven marroquí Moha tendrá que lidiar con la excentricidad tanto de clientes como de sus nuevos compañeros, quienes resienten su llegada. Con un estilo que mezcla ficción y tintes documentales, esta singular comedia esconde una profunda reflexión sobre los prejuicios que se activan cuando se convive con alguien distinto.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

INTRODUCCIÓN


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AGOSTO · 2021

DOSSIER

Laila Pakalniņa en rodaje


LAILA PAKALNIŅA

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LAILA PAKALNIŅA: ESCENARIOS DE VIDA CINETECA NACIONAL MÉXICO

Laura Gómez Vaquero Catálogo de Documenta Madrid, XV Festival Internacional de Cine Documental, España, 2018


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CICLOS

OCTUBRE · 2021

El roble · 1997

Tras graduarse del Instituto de Cine de Moscú (VGIK) a comienzos de los años 90, Laila Pakalniņa comienza a hacer cine. Para entonces, el colapso de la Unión Soviética era ya un hecho y las repúblicas bálticas acababan de lograr su independencia. Insertada en este nuevo escenario, la cineasta nacida en Letonia opta, sin embargo, por dejar de lado los núcleos donde se toman las grandes decisiones sobre el futuro del país y acercarse a aquellas parcelas de la realidad letona que no aparecen en los medios. Es así como en sus primeras películas, cortometrajes de una encantadora sobriedad, se encuentra ya presente uno de los principios que regirá trabajos posteriores: captar con atención la cotidianidad que se despliega en lugares concretos. Ya se trate del trabajo de los que preparan la ropa en un hospital infantil (Ropa de cama, 1991), del reparto del correo en una pequeña población (El correo, 1995), de las idas y vueltas de una barca con pasajeros que cruza un río que separa Letonia de Bielorrusia (El ferry, 1994) o de la sencilla vida en una aldea que permanece junto a un vetusto roble (El roble, 1997), las películas de Pakalniņa evidencian que es en la férrea estructura de lo cotidiano donde se asientan la vida y el cine. Su método de trabajo se basa ante todo en la observación atenta, lo que le permite reivindicar la importancia del gesto e, incluso, en ocasiones, descubrir un mundo nuevo, tal y como se evidencia en Tierra de ensueño (2004), donde se registra la sorprendente frenética actividad animal en un vertedero al aire libre.


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LAILA PAKALNIŅA

CINETECA NACIONAL MÉXICO

El correo · 1995


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AGOSTO · 2021

DOSSIER

Cascada · 2016


40 FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA

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Ropa de cama · 1991

CINETECA NACIONAL MÉXICO

Sin embargo, en el cine de Pakalniņa hay una tendencia que hace que sus películas no estén concebidas meramente como el registro de una realidad en presente continuo: el uso de un montaje basado en el movimiento de los personajes dentro de plano y que a veces también se contempla a partir de la banda sonora. Las suyas suelen ser narraciones abiertas, sin un comienzo y un final, sino que se componen de piezas que, unidas, componen, como en un mosaico, una mirada múltiple y rítmica a las dinámicas desarrolladas en un determinado lugar por quienes lo habitan. En ocasiones, ese montaje llega a conseguir un efecto cómico que revela la singular naturaleza comportamental del ser humano; así sucede, por ejemplo, en Three Men and a Fish Pond (2008), donde se pone en relación la especie humana con el reino animal; también, en Snow Crazy (2012), cuyos peculiares escenarios, pistas de esquí artificiales en un país sin montañas, dan lugar a divertidas escenas protagonizadas por los que las disfrutan; y Cascada (2016), en la que la repetición de conductas ante una de las consideradas maravillas nacionales por los letones, la cascada más grande de Europa, evidencia que el comportamiento del turista enfrentado a la naturaleza no suele ser tan imaginativo.


CICLOS

¡Hola, caballo! · 2017

OCTUBRE · 2021

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La observación atenta, el registro de las dinámicas de un determinado lugar y la predominancia del montaje por movimiento dentro de plano o por el uso del sonido se encuentran expresados de manera más refinada e incluso poética en sus últimas películas, Tierra de ensueño (2004) y ¡Hola, caballo! (2017). En ambas, la directora logra dibujar un paisaje casi abstracto donde las leyes del espacio-tiempo se trastocan y donde el ser humano es una figura intermitente que aparece y desaparece de plano. En el primer cortometraje, la escena en la que se ubica un local situado en medio de la nieve captado con plano fijo se convierte en irreal gracias a un uso del montaje que rompe con las convenciones de la narrativa convencional; en el segundo, el espacio es un escenario por donde pasa el tiempo, y los seres, como las cosas, se insertan de manera pasajera en él. Las películas de Laila Pakalniņa son invitaciones a mirar lo ordinario desde una perspectiva singular y, en ocasiones, lúdica. Son espacios en los que la vida se expresa en forma de cambio y movimiento.


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Tierra de ensueño · 2004


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CICLOS

BLACK CANVAS: LAILA PAKALNIŅA

OCTUBRE · 2021

1 al 10 de octubre

Laila Pakalniņa nació en 1962 en Liepāja, hoy la tercera ciudad más grande de Letonia. Estudió periodismo televisivo en la Universidad de Moscú, y continuó sus estudios de cine en el departamento de Dirección de la prestigiosa VGIK, en la misma ciudad, graduándose en 1991. Actualmente radicada en Riga, la capital de su país natal, el trabajo de la directora, que consta de un gran número documentales, tanto largometrajes como cortometrajes, además de algunas películas de ficción, ha sido objeto de retrospectivas en festivales de Europa como Documenta Madrid, en España y Visions du Réel, en Suiza, así como en el reconocido Centro Pompidou de París. Gracias a Black Canvas Festival de Cine Contemporáneo, su trabajo se presenta de manera conjunta por primera vez en América Latina. A través de sus películas, Pakalniņa juega con el montaje, la repetición y el ritmo natural de la vida para representar de manera nunca forzada la belleza que habita en los hechos más simples: un viaje en autobús que recorre cientos de kilómetros de la ex Unión Soviética

y atraviesa varias fronteras (El autobús, 2004); la poesía de los desechos humanos en una ciudad contemporánea y la maravilla de la vida que, lejos de nuestra vista, va emergiendo de su acumulación (Tierra de ensueño, 2004); o el sorprendente esfuerzo que hay detrás de la fabricación de objetos que nuestra sociedad considera absolutamente insignificantes y del todo desechables (Cuchara, 2019). El de Laila Pakalniņa puede ser definido como un cine tan desafiante a los modelos clásicos de la producción audiovisual de todos los tiempos como lúdico en su esencia exploradora del mundo, cualidades que no sólo la convierten en una cineasta única en la escena internacional, sino que la hacen un modelo a seguir para quienes buscan plasmar la realidad de una manera distinta en un mundo como nunca antes plagado de imágenes y puntos de vista

Cineteca Nacional


BLACK CANVAS 2021

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Laila Pakalniņa en el rodaje de En el espejo ·2020


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CICLOS

EL ZAPATO

Kurpe, Alemania-Letonia-Francia, 1998, 83 min. D: Laila Pakalniņa

OCTUBRE · 2021

La primera ficción de Laila Pakalniņa es una comedia ambientada a finales de la década de 1950 durante la Guerra Fría, cuando las playas de Letonia formaban parte de la frontera de la Unión Soviética. Una mañana, tres patrulleros soviéticos descubren un zapato de mujer en la arena y huellas que conducen al pintoresco pueblecito de Liepāja. Así comienza una investigación en la que todas las mujeres del pueblo se prueban el zapato al igual que Cenicienta, aunque la recompensa no sea un príncipe azul.

EL PITÓN

Pitons, Letonia, 2003, 88 min. D: Laila Pakalniņa.

Un incidente rompe la calma dentro de una escuela postsoviética en Letonia: alguien ha defecado en el ático. Para investigar el hecho, la tiránica directora no permite salir a nadie de las instalaciones hasta que encuentre al responsable de la broma. Sin embargo, otro alboroto comienza cuando la mascota del fotógrafo, una pitón, desaparece en algún lugar de la escuela. El pitón es un drama absurdo que retrata a dos serpientes, una real y otra metafórica, coexistiendo en el mismo espacio.

EL AUTOBÚS

Buss, Letonia-Estonia-Lituania-Finlandia, 2004, 58 min. D: Laila Pakalniņa

Este documental narra un viaje en autobús de Tallin a Kaliningrado, una ruta que pasa por cuatro países distintos y atraviesa tres fronteras: Estonia-Letonia, Letonia-Lituania y Lituania-Rusia. Sus pasajeros necesitan cuatro monedas diferentes para pagar los baños o comprar bocadillos para comer en el trayecto. Durante la época soviética no había guardias fronterizos en esta ruta. Ahora, después de que los tres Estados bálticos se adhirieron a la Unión Europea, la historia ha vuelto a dar un giro.


BLACK CANVAS: RETROSPECTIVA LAILA PAKALNIŅA

AMANECER

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Letonia-Estonia-Polonia, 2015, 96 min. D: Laila Pakalniņa.

Durante la confusión moral de la época soviética, el pequeño Janis considera a su padre un enemigo de la granja colectiva llamada Dawn y por lo tanto enemigo del gobierno. Después de que Janis informa acerca de los crímenes de su padre, éste decide vengarse de su propia descendencia. La cineasta Laila Pakalniņa vuelve a explorar los mitos del pasado soviético, reinterpretando los dogmas de la ideología para convertirlos en una sátira mordaz acerca de la conformidad e indolencia ante el poder.

Karote, Letonia-Lituania-Noruega, 2019, 66 min. D: Laila Pakalniņa.

La directora letona Laila Pakalniņa siempre ha sentido fascinación por cosas que parecen insignificantes. En este documental pone su mirada en torno a una cuchara de plástico, desde su fabricación hasta el final de su corta vida. Con tomas largas en blanco y negro de fábricas y tiendas de conveniencia, Pakalniņa sigue la ruta industrial para producir estos utensilios y la contrasta con una sociedad consumista que, sin ver el esfuerzo laboral detrás de cada cuchara, la desecha con facilidad.

EN EL ESPEJO

Spogulī, Letonia-Lituania, 2020, 90 min. D: Laila Pakalniņa

En su película más reciente, Laila Pakalniņa actualizó la historia de Blancanieves para nuestro mundo moderno. En esta reinterpretación del cuento de hadas, la joven protagonista ahora es hija de un entrenador de CrossFit y creció en el gimnasio, mientras su madrastra es una mujer obsesionada con el fitness. Con una estética de selfies en blanco y negro y un sentido del humor absurdo, la película es una crítica al narcisismo y el fascismo corporal en nuestra era saturada por las redes sociales.

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CUCHARA


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CICLOS

PROGRAMA 1 ROPA DE CAMA

Veļa, Letonia, 1991, 10 min. D: Laila Pakalniņa

OCTUBRE · 2021

El debut cinematográfico de Laila Pakalniņa fue con esta disertación silenciosa de la vida diaria de un camionero que transporta ropa de cama limpia a un hospital para niños. El hombre descarga las sábanas y las reparte entre las salas del lugar, donde transcurren pequeños dramas fascinantes de vida y muerte. Y cada día es la misma historia.

EL FERRI

Prāmis, Letonia, 1994, 16 min. D: Laila Pakalniņa.

Un ferri atraviesa el río. En este tipo de embarcación se transporta a gente de una orilla a otra, de un país a otro, y nunca se detiene pese a los cambios de clima. A través del ferri, este corto captura imágenes de la ciudad de Piedruja-Druja, en la frontera de Letonia y Bielorrusia a principios de 1990, cuando la Unión Soviética empezó a desmoronarse y Letonia consiguió su independencia.

EL CORREO

Pasts, Letonia, 1995, 21 min. D: Laila Pakalniņa

Cada mañana, la vida de las ciudades iniciaba con la llegada del correo, un momento importante en la rutina cotidiana de las personas. En este corto documental sin diálogos, Laila Pakalniņa retrató el camino del correo tradicional en un pueblo a partir de una mujer que reparte los sobres, desde su llegada en el camión, la clasificación de las cartas y la entrega casa por casa.


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EL ROBLE

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Ozols, Letonia, 1997, 28 min. D: Laila Pakalniņa.

Entre 1994 y 1997, Laila Pakalniņa se concentró en retratar a personas y su integración con el paisaje. En este corto radicalizó esta idea al usar la historia de un roble de 700 años en el poblado de Sēja en Letonia, para retratar la vida repetitiva y pacífica de los lugareños. La directora presenta a personas que miran un tanto ansiosas a la cámara luego de decir su nombre y ocupación.

PROGRAMA 2

Leiputrija, Letonia, 2004, 35 min. D: Laila Pakalniņa.

Este documental observacional inicia mostrando la belleza de un amanecer para luego sumergirse en la enorme poesía que habita en la basura y los desechos que producimos los seres humanos. La ciudad descarta sus residuos, pero esa fealdad se convierte en hogar y ecosistema para muchos seres vivos.

CASCADA

Rumba, Letonia, 2016, 20 min. D: Laila Pakalniņa.

Aunque Letonia, el país natal de la directora Laila Pakalniņa, no tiene montañas, sí tiene la cascada más grande de Europa. Este hecho sirve como pretexto para una cómica y tierna exploración documental de los cientos de turistas que llegan a ella para divertirse, inmortalizarse en fotos y disfrutar de la naturaleza.

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TIERRA DE ENSUEÑO


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CICLOS

¡HOLA, CABALLO!

Letonia, 2017, 25 min. D: Laila Pakalniņa

OCTUBRE · 2021

Esta película es acerca de cómo todo cambia mientras todo permanece igual. Filmado a 250 kilómetros de la ciudad de Riga, capital de Letonia, el documental registra el paso de las estaciones a la orilla de una tranquila carretera rural, al tiempo que capta los diferentes movimientos, sonidos y luces que se transforman sutilmente con el paso del tiempo.

EL PRIMER PUENTE

Pirmais tilts, Letonia, 2020, 11 min. D: Laila Pakalniņa.

El primer puente nos habla de fronteras, barreras y las formas en las que uno las cruza para ver qué hay del otro lado. Pero también es una película sobre el tiempo, pues está filmada con negativos Kodak adquiridos en los años 90 y encontrados intactos en 2018, estableciendo un juego entre el espacio y el soporte de la imagen.

Laila Pakalniņa en rodaje, 2018


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OCTUBRE · 2021

ESTRENOS


Cholitas · 2019

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LOS ILUMINADOS

Les éblouis D: Sarah Suco. 2019 · 100 min. · Color Francia Dist: Nueva Era Films.

Extractos de un texto de Armando Casimiro Guzmán Revés Online oct. 12, 2020 Morelia

ESTRENO

Los iluminados es el debut de Sarah Suco como directora y guionista, y se inspiró en su propia experiencia personal. La actriz nacida en Marsella vivió diez años (desde los ocho hasta la mayoría de edad) en una comunidad religiosa perteneciente al Movimiento Carismático Católico. Ahora traslada sus experiencias a la historia de Camille, quien tiene doce años y es la mayor de cuatro hermanos. Ella lleva una vida tranquila hasta que sus padres deciden asistir a los servicios de una iglesia local. Las voluntades de los padres de Camille se funden con las del cura Eric-Marie y con las de una comunidad en aparente estado de gracia… pero la joven tiene otros planes. El gran acierto de Sarah Suco es mostrar sin maniqueísmos –y distanciándose de su propio pasado– cómo una familia ajena a los extremismos termina seducida por un culto religioso. La integración es paulatina, casi imperceptible: los cantos, las palmadas en la espalda, las desaforadas muestras de alegría y hasta rituales catárticos son las herramientas que utiliza el cura para ejercer un despótico control mental sobre una comunidad que cada vez se cierra más. Pero Camille está en otro camino: ella llega a los catorce años y se distancia del fanatismo de sus padres. Tiene sus primeras citas amorosas e incluso roba dinero de la caja de la comunidad. Resiente las consecuencias que este estilo de vida ha tenido en sus hermanos: desde la ignorancia y el estrés, hasta el abuso sexual. Y es que los padres de la joven protagonista se ofuscan ante la perspectiva de la vida idílica dentro de una comunidad que los acepta. Mientras que Camille se deslumbra y se deja llevar por el amor que siente hacia sus padres… hasta que adquiere control de su mente y sentimientos. Para unos el embelesamiento es temporal, pero para otros es permanente.


ESTRENO

AL FINAL BAILAMOS

And Then We Danced D: Levan Akin. 2019 · 113 min. · Color Suecia-Georgia-Francia Dist: Cine Caníbal.

Extractos de un texto de Carlos Bonfil La Jornada nov 15, 2020 Ciudad de México

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Al final bailamos, tercer largometraje de Levan Akin, pudiera ser un tributo a la tradición milenaria de la danza georgiana. Aunque lo que en esencia sugiere su relato es el cuestionamiento de una rigidez inflexible y de un culto a la virilidad como expresión única de una identidad nacional. La mejor forma de modernizar una tradición dancística afincada en los prejuicios y en la tiranía de los roles de género, sería reivindicando su posible libertad y su carácter incluyente, y esa es justo la apuesta del director y guionista sueco de origen georgiano. Merab aspira a brillar en la Compañía Nacional de Danza de Georgia. El joven intenta resarcir el honor familiar, adaptarse a marchas forzadas al código viril de la compañía de baile, hasta el momento en que debe enfrentarse a un nuevo rival que es a todas luces su contraparte: Irakli, cuyo carisma conquista a todos y, de modo particular y complejo, a un Merab instantáneamente hechizado. Lo sorpresivo e irritante que resultó la película en Georgia fue que transformó un esperado tributo al folclor local en una celebración de la diversidad cultural y la disidencia sexual. Levan Akin consigue oponer a esa rigidez opresiva el jubiloso desenfado de minorías socialmente silenciadas, cuyas vidas descubre atónito un Merab de pronto cobijado por ellas y paulatinamente liberado. Ese relato de un aprendizaje moral del que se benefician a su vez el amado Irakli y también David, hermano heterosexual del protagonista, es en definitiva una narrativa llena de resistencias civiles en una nación proclive a una deriva autoritaria. El lenguaje que mejor maneja el director será el silencioso diálogo de las miradas cómplices y transgresoras que intercambian Merab e Irakli, cargadas a menudo de esa ternura masculina que tanto aborrecen sus censores.

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TARDES EN EL DIVÁN

Un divan à Tunis, D: Manele Labidi. 2019 · 88 min. · Color Francia-Túnez Dist: Zima Entertainment.

Extractos de un texto de Irene Crespo Cinemanía sept. 07, 2020 Madrid

ESTRENO

Freud frente a Alá. Dios como solucionador de los problemas personales y sociales frente a las teorías del psicoanálisis. Esa lucha es la que intenta ganar Selma en su regreso a Túnez desde que su padre la sacó de allí con destino a París cuando tenía sólo diez años. Estamos en 2012, la Primavera Árabe ha triunfado en Túnez derrocando al dictador Ben Ali, hay elecciones, partidos políticos, pero los islamistas tienen el 40% de los votos en el que aún se considera el país más moderno del mundo musulmán (sobre todo, en lo que se refiere a las mujeres). En ese contexto, Selma quiere instalar su diván, su consulta, ayudar a los tunecinos “en un viaje hacia ellos mismos”. Las risas iniciales e incrédulas se acaban transformando en pacientes convencidos. El diván es el pretexto de [la directora] Manele Labidi para hablar del propio viaje de la mujer protagonista, interpretada por Golshifteh Farahani quien, por su historia real (como exiliada iraní) aporta mucho valor a este personaje que va soltando píldoras de por qué ha regresado a Túnez y que no sabe si es francesa o tunecina. Las raíces, la llamada de la tierra original están en el alma de esta ópera prima que, para variar, no trata la revolución sociocultural árabe de la última década con intensidad y dramatismo, sino con cierto humor y ligereza. Algunos traumas de la sociedad se van dejando ver a través de los pacientes y la homosexualidad o transexualidad de uno, el encarcelamiento político de otro, parecen solucionarse con facilidad. Frente a Selma y su regreso está Olfa, su prima adolescente, que no entiende por qué ha vuelto cuando todo el mundo quiere irse de allí. Selma sólo choca contra la realidad tunecina en su lentitud burocrática, que parece querer expulsarla de nuevo a ella y a su dios judío, Mr. Freud.


ESTRENO

AMPARO OCHOA. SE ME REVENTÓ EL BARZÓN

D: Modesto López. 2021 · 85 min. · Color México

Patricia Talancón Solorio Cineteca Nacional sept. 24, 2021 Ciudad de México

CINETECA NACIONAL MÉXICO

El documental implica un proceso creativo diferente al resto de los géneros del cine porque no hace uso de actores profesionales; su función es informativa y los recursos en los que se apoya son básicamente entrevistas, testimonios, fotografías y materiales de archivo (en muchos de los casos inéditos) para representar audiovisualmente la realidad desde el punto de vista de su director. En el caso del documental Amparo Ochoa. Se me reventó el barzón, el trabajo del documentalista Modesto López desarrolla una línea de tiempo en torno a la carrera de una de las más importantes intérpretes del movimiento musical denominado “Nueva Canción”, surgido a raíz de las movilizaciones de los años sesenta y que impulsó, entre muchos otros fenómenos, a la naciente canción de protesta. Maestra rural en sus inicios, allá en su natal Sinaloa, Amparo Ochoa, quien se decantaba por la canción vernácula en su niñez, terminó por adherirse a la corriente artística que utilizaría la canción como una vía para la crítica social. «Mi abuelo fue juarista y mi padre zapatista. Mi abuelo fue juarista y mi padre zapatista, y yo siempre en tierra ajena y eso que soy agrarista…», cantó. Modesto López entreteje el vínculo sentimental a través de la voz en off de la intérprete y las anécdotas de familiares y amigos. Sus canciones, la gran picardía y la potencia con que las interpreta logran el objetivo de generar conciencia en quien la escucha, uno de los objetivos de este tipo de composiciones. «No me critiquen porque vivo al otro lado, no soy un desarraigado, vine por necesidad. Ya muchos años que me vine de mojado, mis costumbres no han cambiado ni mi nacionalidad…».

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OCTUBRE · 2021

LA NOCHE DE LOS REYES

La nuit des rois D: Philippe Lacôte. 2020 · 93 min. · Color Francia-Costa de MarfilCanadá-Senegal Dist: Alameda Films.

Extractos de un texto de Cecília Barroso Cenas de Cinema feb. 04, 2020 São Paulo Traducción: Gustavo E. Ramírez Carrasco

ESTRENO

Aunque por un lado representado por la figura única de Barba Negra, el dirigente de la gigantesca prisión la MACA, en Costa de Marfil, [el sultán] Shahriar son también la masa de presidiarios que asumen la función de eliminar a su Sherezade en caso de que sus historias terminen antes del amanecer. La resignificación de esas figuras se da en un ambiente real y reconocible también redefinido, donde las leyendas y las fábulas se hacen presentes para determinar el futuro del lugar. La noche de los reyes en el título de la película de Philippe Lacôte es aquella en la que el liderazgo del presidio será transferido, cuando el antiguo señor del lugar, enfermo, se quite la propia vida y deje que otro tome su lugar. Todo en medio de una atmósfera de encantamiento. La capacidad de mezclar lo real y lo fantástico sin que haya quiebres o extrañamiento es lo que diferencia al largometraje marfileño. La facilidad con la que el filme transita entre la cotidianidad de la prisión y sus distintas capas, y las representaciones del imaginario hace que La noche de los reyes envuelva al espectador de una forma curiosa, entre la tensión y la conexión que la narrativa mítica consigue establecer. Quien está entre los dos universos, intentando entender lo que sucede y conectándolos es Roman, o el contador de historias. Su personaje lleva lo mítico de la historia de Barba Negra a su creación desarticulada, y dota de aires surrealistas a su realidad como miembro de una pandilla callejera. La carga política en la película es muy fuerte, y por más que haya mucha fantasía entre la fundamentación mítica, La noche de los reyes cuestiona toda una lógica de exclusión y abandono que determina la segregación social en muchos países del mundo. Es una obra que impresiona e incomoda en la misma medida. Un lugar para la fantasía y también para el horror.


ESTRENO

IDENTIDAD TOMADA

D: Gabriel Retes. 2020 · 84 min. · Color México

Con información de Proceso, Protocolo y El Norte

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El 20 de abril de 2020 falleció el cineasta mexicano Gabriel Retes, dejando como legado una filmografía con obras tan importantes como Chin Chin el teporocho (1975), La ciudad al desnudo (1989) y El bulto (1991). La mayoría de ellas fueron realizadas con presupuestos irrisorios y en cooperativa, pero gracias a su espíritu crítico y combativo ahora se han convertido en objetos de culto; destino que muy probablemente comparta el último largometraje que dirigió, Identidad tomada, el cual llega a las pantallas como una divertida carta de despedida a su público. Al igual que en otras de sus películas como Bandera rota (1978) y Bienvenido-Welcome (1994), el cineasta abordó en su último trabajo tras la cámara el tema del cine dentro del cine a partir de la historia de un grupo de amigos cineastas que buscan participar con su ópera prima en varios festivales. Desafortunadamente, en todos han sido rechazados, por lo que en un intento desesperado toman la decisión de hacerla pasar como un filme de Tomás Guevara, un prestigioso cineasta que lleva años desaparecido. Cuando la película es aceptada en el festival más importante de Iberoamérica, los jóvenes cineastas buscan e intentan convencer al director para que se presente en el evento a cambio de un arreglo más ventajoso para él que para ellos. En un ingenioso autohomenaje a su figura como director, Retes interpreta al veterano cineasta Guevara. Su actuación, reconocida en el Festival de Cine Latinoamericano de Trieste, pone en escena de una manera autorreflexiva una personificación de sí mismo en una original comedia mexicana. La obra póstuma de Gabriel Retes critica con un cautivante humor negro el mundo del cine, los festivales y el plagio, pero también es un mensaje esperanzador, una lección de las buenas y malas decisiones que tomamos cuando somos jóvenes.

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OCTUBRE · 2021

UNA BANDA DE CHICAS

D: Marilina Giménez. 2018 · 83 min. · Color México-AlemaniaArgentina Dist: Compañía de Cine.

Extractos de un texto de Áurea Ortiz Villeta Culturplaza, sección cultural de Valencia Plaza oct. 05, 2019 España

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La historia de las mujeres que han de luchar por abrirse camino en un mundo masculino, por ser tomadas en serio, por no perder o por alcanzar su identidad, y dejar de ser objetos de la mirada ajena para pasar a ser sujetos, hay que contarla. Y en ello está Una banda de chicas, documental argentino dirigido y coescrito por Marilina Giménez. Ambientado en la escena musical bonaerense actual, cuenta la historia de varias bandas musicales compuestas por mujeres heteros, lesbianas, cis o trans que no responden a ningún cliché. De manera muy fluida y directa, mediante entrevistas, material de archivo y contundentes actuaciones en directo que reflejan sin filtro toda su potencia, se van descubriendo las muchas dificultades que las bandas han encontrado en su trayectoria y, sobre todo, cómo han dinamitado estereotipos. Marilina Giménez lo sabe bien: ella ha formado parte de ese mundo. Desde 2007 hasta 2013 formó parte de la banda Yilet, y el planteamiento del documental nace de su propia experiencia y de los retos que afrontó en ese periodo. Aquí oímos cumbia, reguetón feminista, punk, rock y mucho más. Paula Maffía, Lucy Patané, Chocolate Remix, Ibiza Pareo, Kobra Kei, Kumbia Queers, Las Kellies, Las Taradas, Liers, Miss Bolivia, Sasha Sathya, She Devils y Yilet, componen un relato coral y diverso, una reivindicación de la identidad y también de cierta sororidad que hace que, aún con estilos distintos, compartan la audacia y necesidad de estar arriba del escenario. Una banda de chicas es Buenos Aires, pero su valor es global. Además de ofrecer un montón de buenas actuaciones, centra muy bien la cuestión y lo hace de forma poliédrica. Reapropiación, reivindicación, diversidad y celebración de la música, del cuerpo y del hecho de ser mujer, aunque eso implique una lucha constante.


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CHOLITAS

D: Jaime Murciego y Pablo Iraburu. 2019 · 80 min. · Color España-Japón-Chile-Bolivia Dist: Séptimo.

Extractos de un texto de Alfonso Rivera Cineuropa ago. 28, 2020

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Un antes y un después: hay gestas, retos y hasta hechos cotidianos que cambian la vida de un humano para siempre. Eso muestra el documental Cholitas, que protagonizan cinco mujeres bolivianas (Dora Magueño, Lidia Huayllas, Cecilia Llusco, Elena Quispe y Liita Gonzales), rodado con admirable pericia técnica y dirigido/escrito por el dúo formado por Jaime Murciego y Pablo Iraburu. Con un montaje rápido que apuesta por no dejar decaer su ritmo, Cholitas comienza presentando a sus cinco heroínas, cinco indígenas bolivianas que siempre han vivido a la sombra de sus parejas: pero ha llegado el momento de que ellas tomen las riendas de sus actos, sin tener que pedir permiso a hombre alguno. Así, ataviadas con la indumentaria típica del altiplano, parten rumbo a Argentina, donde les espera un equipo de especialistas que les ayudará a escalar la montaña más alta del continente americano: el Aconcagua. Así, la cámara de los directores, siempre atenta al detalle, al gesto y a la hermosura paisajística, seguirá a este equipo suficiente hermanado y de un optimismo a prueba de miedos, ventiscas y peligros. En el trayecto, veremos el contraste fascinante entre el atuendo de las cholitas y el entorno moderno y tecnificado de centros comerciales o aviones; escucharemos sus sueños y aspiraciones, captaremos su amor por los suyos, seremos testigos de sus bailes y partidos de fútbol, y percibiremos su fe en una aventura que no sólo las conecta con la naturaleza, sino que las retrata como auténticas luchadoras, capaces de soportar el dolor de situaciones extremas y novedosas: toda una lección de vida y un ejemplo de superación. Cholitas es una producción de Arena Comunicación que cuenta con la coproducción de la japonesa NHK, la participación de Movistar y la producción asociada de Mimbre (Chile).

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DÍAS DE INVIERNO

D: Jaiziel Hernández Máynez. 2020 · 90 min. · Color México Dist: FDR.

Extractos de una entrevista de Pablo Rendón a Jaiziel Hernández Sitio oficial de FICUNAM

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Días de invierno es la ópera prima del realizador mexicano Jaiziel Hernández. Tuvimos la oportunidad de hablar con el cineasta de su primer largometraje como director, en el que da el salto de la cinefotografía a la dirección, con una película que aborda ese sentir humano del hartazgo del tedio frente al deseo de permanecer. ¿Qué se va a encontrar el espectador en tu película? Días de invierno es una película que habla más que nada de relaciones familiares, de cuestiones que van un poco de adentro hacia afuera. Es una película que habla sobre lo que es crecer en un lugar de México que puede ser tal vez inhóspito, un poco solitario. Un personaje que se encuentra perdido, que está como buscando su lugar en el mundo y qué sigue en su vida. Se siente como una historia de realismo sociomexicano, ¿es esa la intención? Pues sí, es una historia basada en el realismo, pero digamos que más en el naturalismo, y a mí me interesa mucho la cuestión de la toma de decisiones en el personaje. Me gusta mucho lo que lleva a un personaje a tomar una decisión. Es lo que hace gran parte de la película y también me interesan mucho las relaciones familiares, entre madre e hijo, entre hermanos, ese tipo de cine que me gusta que es como entre diálogos, entre familiares. Hay un constante estira y afloja entre la situación de querer escapar y permanecer. Sí, exactamente, es un conflicto muy interno que tiene que ver con el hecho de tener que hacer tu vida, de pertenecer a una familia y no abandonarla o, en este caso, de no dejar sola, por ejemplo, a una madre que acaba de perder su trabajo. También está una crisis de la edad y entonces el hijo está como en este conflicto interno de si tomar su camino, si arrancar con su vida en una etapa o si quedarse con su madre.


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CORAZÓN DE MEZQUITE

D: Ana Laura Calderón. 2019 · 74 min. · Color México, Dist: Ki Visual.

Paola Parra Solorio Cineteca Nacional sept. 26, 2021 Ciudad de México

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El árbol de mezquite es un elemento esencial de la comunidad yoreme, en sus ramas se encuentra la protección, la sanación y los cuidados del alma. Es, también, parte fundamental de su tradición musical, pues a partir de él es posible construir los instrumentos con los que se alimentan su danza y cultura. El uso del arpa en esta comunidad indígena es un legado forjado en el esplendor de su origen y el dolor que la sociedad moderna ha dejado a su paso. La directora Ana Laura Calderón se adentra en las tradiciones de la comunidad yoreme para contar una luminosa historia sobre el poder de los sueños, el cambio y la resistencia. Con un guion de Ana Paula Pintado y filmada durante el 2018 en La Bocana, al sur de Sonora, Corazón de Mezquite recrea el trayecto emocional de una niña que, contra las normas establecidas y la desaprobación de su padre, se abraza al deseo de explorar su herencia musical y convertirse en la mejor “arpera” de la región, tal como lo hiciera su antecesora Candelaria durante la época de la Revolución. Una narrativa con bases antropológicas que también aborda la complejidad de las relaciones parentales ante la pérdida y el dolor, Corazón de Mezquite sobresale por la autenticidad en su puesta de escena, reuniendo bajo una misma mirada la experiencia actoral de Ianis Guerrero con la habilidad innata de Mayrin Buitimea, pequeña niña de la comunidad yoreme que da vida al personaje principal de la película. Para este pueblo cada arpa es una historia personal unida a un recuerdo o experiencia colectiva, y Calderón rescata sensiblemente este concepto para dar a la cinematografía mexicana un relato familiar que homenajea con entusiasmo la magia detrás de los sueños de infancia y la fortaleza con la que resisten las comunidades indígenas en nuestro país.

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LA LUZ DEL ALBA

D: Xavier Robles. 2021 · 86 min. · Color México

Extractos de un texto de Bianka Estrada SinEmbargo jun. 11, 2021 México

ESTRENO

Un acercamiento a la lucha y los procesos de resistencia de cinco pueblos originarios de México es mostrado en La luz del alba (2021), un filme dirigido por Xavier Robles y producido por Guadalupe Ortega. El documental explora los esfuerzos de los pueblos de Cherán, Guelatao de Juárez, Nochixtlán, Cuetzalan y las montañas de Guerrero para poner un alto al abandono de los gobiernos y tomar así el control con sus propias manos para salir adelante. La inquietud por exponer estas luchas nació a raíz de la filmación del documental Ayotzinapa: Crónica de un crimen de Estado (2014) que acercó a Robles y a Ortega a la realidad que vivían los pueblos originarios de donde eran algunos de los jóvenes de la Escuela Normal Rural “Raúl Isidro Burgos”. Estos guionistas, que dieron vida a la icónica Rojo amanecer (1989), tuvieron que dar pie a una investigación de más de medio año para dar con la selección de los pueblos a retratar, conocer su historia y contactar a la gente adecuada que los pudiera guiar en el camino. El siguiente paso fue viajar hasta esas localidades, con las que convivieron para conocerlas mejor. Estas comunidades les proporcionaron alimentos, hospedaje y también protección en aquellas zonas que aún están en conflicto con bloqueos de carreteras y gente armada. Son cinco pueblos con diferentes historias y luchas que fueron de alguna manera unidos por el hartazgo de gobiernos incompetentes, el despojo de sus recursos naturales y la violencia que los amenaza. La luz del alba es un acercamiento a las luchas, pero también a estos lugares que conservan parte de su biodiversidad. El documental tuvo a cargo de su fotografía a Alex Argüelles y en su montaje a Paloma Robles, quienes buscaron además de retratar la realidad mostrar la belleza de los ecosistemas que rodean a las comunidades.


ESTRENO

FUEGO ADENTRO

D: Jesús Mario Lozano. 2020 · 72 min. · Color México Dist: PromoFilmFest.

Extractos de un texto de Antonio G. Spíndola Cine PREMIERE oct. 29, 2020 México

CINETECA NACIONAL MÉXICO

La violencia trasciende los tiempos actuales. Mantiene cierta afinidad con la obstinada maleza que sobrevive al paso de los años, continuamente resurgiendo en cualquier jardín, incluso en el más paradisíaco. Así podría parafrasearse la premisa sostenida por el director Jesús Mario Lozano en su último filme de ficción, Fuego adentro. La película sigue a un muchacho taciturno llamado León, que pasa sus días en la montañosa Cuetzalan limpiando tumbas y recorriendo la periferia natural de la urbe poblana, para después pernoctar en un destartalado cuarto, en soledad y atento a lo que podría suceder afuera de su ventana. Es claro que algo oculta, quizá un pasado truculento, evocado por los cerdos descuartizados de un matadero que cierta noche llaman su atención. No será hasta la inesperada visita de su hermano menor que León deberá hacer frente a su vida previa y a un destino ineludible. El realizador de Nuevo León dividió su película en cuatro segmentos titulados conforme a místicos escenarios de la cosmogonía nahua, lo que pretende establecer un vínculo entre la mitología precolombina y la vida del enigmático León, que se convierte en una metáfora del descenso al infierno. Más a fondo, «la cosmogonía nahua fue muy importante para hablar de una historia que trasciende el tiempo contemporáneo y que de algún modo pertenece a siglos de violencia que ha tenido este país desde que es país, y antes de serlo como tal», explica el director. Fuego adentro cuenta entonces la estremecedora historia de dos hermanos que, según lo que el cineasta permite inferir, se originó en un pasado remoto. No obstante, sigue brotando repetidamente con nuevos rostros y en nuevas circunstancias, perpetuando así un “destino trágico” que estigmatiza el ensangrentado suelo fértil que es México: una tierra maldita.

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OCTUBRE · 2021

LAZOS DE FAMILIA

Sorry We Missed You D: Ken Loach. 2020 · 101 min. · Color Reino UnidoFrancia-Bélgica, Dist: Zima Entertainment.

Extractos de un texto de Ale Vega Cinéfilos MX dic. 02, 2020 México

ESTRENO

El cine del británico Ken Loach tiende a no tentarse el corazón. Desde los años 60, el cineasta se ha dedicado a mostrar al mundo lo complicado que es vivir para la clase media/baja en Inglaterra. Para Latinoamérica, pueden no ser extrañas las injusticias laborales; pero, verlo desde los ojos de un nativo del Reino Unido cuya obra se ha abocado a exponer lo mal que lo pasa la clase trabajadora, sirve para abrir un amplio panorama: esos males no son exclusivos del primer o tercer mundo. En su nueva película, Lazos de familia, Loach vuelve a la carga. La vida de la familia Turner es complicada: Ricky, con bastantes deudas, comienza bien en un nuevo empleo como repartidor de paquetes, aunque hará sacrificios que involucran a sus seres queridos con la esperanza de darles un porvenir mejor, ya que le venden el puesto con la posibilidad de ser “su propio jefe”. Conforme avanza la trama, no sólo se enfrenta con las contradicciones de esa promesa sino con las decisiones que repercuten en las rutinas de su esposa Abby, cuidadora de adultos mayores, su problemático hijo Seb y su hija Liza Jane, una jovencita aprehensiva respecto al futuro. Los personajes intentan manejarse en la mentira de normalidad que se les entrega, una sin consideraciones, y basada sólo en productividad e intimidación. La clase trabajadora siempre es la más castigada, y Ken Loach enseña que vivimos a merced de empresas que no les importa el bienestar. Lo digital permite una utopía donde la promesa de autonomía puede ser un camino a la horca: la libertad suena tentadora, pero se ignora la injusticia y la opresión. Loach es brutal para recordarnos que no es válido sacrificar ni el amor familiar ni el descanso por una empresa autómata: somos un cúmulo de necesidades y aprecios que deben cuidarse a toda costa.


ESTRENO

UNA ISLA EN EL CONTINENTE

D: Juan Pablo Miquirray. 2019 · 69 min. · Color México

Con información de Cinema Planeta, FilminLatino y Producciones La Vieja Escuela Presenta sept 25, 2021 Ciudad de México

CINETECA NACIONAL MÉXICO

En Baja California, México, existe una ruta de arte rupestre que muestra la historia y vida de los primeros pobladores de esa zona. El Vallecito, Las Pintas, San Fernando Velicatá y Cataviña, entre otros, son algunos de los lugares cuyos vestigios reflejan la vida de sus antiguos habitantes. Realizadas hace aproximadamente 9,000 años, esas pinturas reflejan las similitudes entre aquellos que poblaron esa región del país en tiempos inmemoriales y aquellos que la habitan ahora. La ópera prima del director egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica, Juan Pablo Miquirray, podría definirse como un recorrido a lo largo y ancho de la península de Baja California, en donde el pasado y el presente se entrelazan para crear una bella y única sinfonía de la naturaleza, la historia y la gente de este territorio, desde el origen de sus pobladores y la manera en la que buscaron dejar huellas a través de sus creaciones pictóricas, hasta la voracidad que surge de los proyectos turísticos en la región, y que amenazan no sólo el legado arqueológico, sino el propio bienestar de las personas que viven ahí en nuestros días. Desafortunadamente, como muchos otros lugares en el mundo, este mágico conjunto de vestigios se ha convertido en un suculento bocado para industrias como la minera, que con sus actividades al aire libre amenaza su conservación, así como para los grandes inversionistas en turismo, quienes en su afán de explotar la belleza de esta privilegiada región, ponen en peligro su delicado equilibrio. Con la participación de personalidades como el poeta bajacaliforniano Edmundo Lizardi, o el artista visual Francisco Hernández Zamora, también originario del estado, Una isla en el continente es al mismo tiempo una oda al pasado y una advertencia para el futuro.

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UNA PELÍCULA DE POLICÍAS

D: Alonso Ruizpalacios. 2021· 107 min. · Color México Dist: Netflix.

Extractos de un texto de Víctor Esquirol Otros Cines Europa mar. 07, 2021 Berlín

ESTRENO

La atípica Berlinale de este año no dejó de explorar la paradoja de nuestro presente. La ficción y el documental intercambiaron varias veces sus posiciones naturales, inventando algo nuevo en el camino. Bajo ese contexto, Alonso Ruizpalacios concretó en Una película de policías muchas de las intenciones de su anterior filme, Museo [2018], que presentó al cine como una vía de escape para una situación (la del ladrón acosado por las fuerzas de la ley) insostenible. En Una película de policías, Ruizpalacios emplea el dispositivo documental para aproximarse a las figuras de Teresa y Montoya, dos policías mexicanos cuyas sendas vitales y noches de patrulla dan fe de un contexto social al borde de la quiebra. El retrato de unos representantes del orden revela la lucha por la supervivencia en un mundo a la deriva. Así, la película abraza los códigos del cine de género. Los movimientos de cámara, nerviosos pero precisos, y el uso de voz en off remiten a cierto cine gansteril, mientras el hilo narrativo manifiesta un punto de vista espectral. La idea de una ficción que fagocita la realidad se confirma cuando el relato épico, trufado de persecuciones y tiroteos, se “musicaliza” con las guitarras de Dead Combo. No cabe duda de que se pretende revelar una farsa, la ocultación del desengaño de quien había idealizado la nobleza de su profesión… hasta que se dio de bruces con la triste realidad. La pirueta estética y conceptual que pone en juego el director consiste en la presentación de una especie de making-of que otorga una segunda vida a la cara fantasiosa del filme. El cine, la “película de policías”, actúa como un antifaz con el que se preserva la identidad de los que osan levantar la voz contra un sistema que premia el silencio cómplice, y que por supuesto castiga severamente la crítica disidente.


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FUNCIÓN ESPECIAL

DÍA DEL PATRIMONIO AUDIOVISUAL

OCTUBRE · 2021

27 de octubre

En 2005 la UNESCO proclamó el 27 de octubre de cada año como el Día Mundial del Patrimonio Audiovisual, con la finalidad de hacer consciente al público sobre la necesidad de tomar medidas urgentes para preservar y reconocer la importancia de documentos audiovisuales como películas, programas de radio y televisión, y grabaciones de audio y video. Este tipo de materiales son patrimonio de la humanidad y contienen información clave de los siglos XX y XXI, lo que los hace parte constitutiva de nuestra historia e identidad. Los archivos audiovisuales representan una herencia inestimable, una afirmación de nuestra memoria colectiva y una valiosa fuente de conocimiento, ya que reflejan la diversidad cultural, social y lingüística de las comunidades de todo el mundo. Conservar este patrimonio y asegurar que siga siendo accesible al público y a las generaciones futuras es un objetivo vital para todas las instituciones de la memoria, así como para el público en general. Desde hace más de 15 años, la Cineteca Nacional conmemora el Día Mundial del Patrimonio Audiovisual junto con la Federación Internacional de Archivos Fílmicos (FIAF), Memoria del Mundo de la UNESCO y el

Consejo Coordinador de las Asociaciones de Archivos Audiovisuales (CCAAA). Para el 2021, la Cineteca presentará las funciones especiales de tres clásicos del cine mexicano que han sido restauradas por la institución en los últimos años: Ensayo de un crimen (1955), una radiografía en la que Luis Buñuel nos introduce en las entrañas de la psicopatía mientras denuncia las estructuras y valores que enmarcan el deseo feminicida de un presunto criminal; Río Escondido (1948), una de las obras icónicas de Emilio “el Indio” Fernández, en la que también colaboraron el cinefotógrafo Gabriel Figueroa y la actriz María Félix; y Tiburoneros (1962), emblemática cinta dirigida por Luis Alcoriza que contrastó con el moralismo del cine mexicano de aquella época. Estas tres películas y sus proyectos de restauración son el ejemplo de cómo la Cineteca Nacional trabaja y se une a los esfuerzos para la conservación y difusión de la memoria fílmica del mundo.

Cineteca Nacional


DÍA DEL PATRIMONIO AUDIOVISUAL

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Luis Buñuel en rodaje de Ensayo de un crímen · 1955

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FUNCIÓN ESPECIAL

ENSAYO DE UN CRIMEN

La vida criminal de Archibaldo de la Cruz, México, 1955, 89 min. D: Luis Buñuel.

OCTUBRE · 2021

La muerte ha perseguido a Archibaldo de la Cruz desde la infancia. Ya adulto, las muertes de varias mujeres cercanas a él hacen que crea que es un asesino, pues él deseó los decesos. Interrogado por un juez, el hombre expondrá la historia de su vida, en la que mezclará realidad e imaginación. Ensayo de un crimen es una radiografía en la que Buñuel nos introduce en las entrañas de la psicopatía mientras denuncia las estructuras y valores que enmarcan el deseo feminicida del presunto criminal.

RÍO ESCONDIDO

México, 1948, 105 min. D: Emilio Fernández.

Por instrucciones del presidente de la república, la maestra Rosaura viaja a un mísero pueblo del norte de México para educar a la población. Una vez ahí, deberá enfrentarse a un inescrupuloso cacique que tiene el control de esta región sin vías de comunicación, agua potable ni servicios de salud. Río Escondido es una de las obras más acordes con las ideas y propuestas artísticas de Emilio Indio Fernández, en la que participaron el cinefotógrafo Gabriel Figueroa y la actriz María Félix.

TIBURONEROS

México, 1962, 100 min. D: Luis Alcoriza

Aurelio es un trabajador que ha dejado a su familia en la ciudad para cazar tiburones en la costa de Tabasco. Su trabajo no sólo le permite enviar remesas, sino ayudar a la comunidad en la que vive, donde mantiene un amorío con una chica mucho más joven. Cuando reciba una carta, Aurelio deberá decidir entre su plácida vida y la compleja existencia en la urbe. Con influencia de Buñuel y un argumento que equilibra drama, erotismo y comedia, Tiburoneros es una de las cintas más reconocidas de Luis Alcoriza.


FUNCIÓN ESPECIAL

Hele sa hiwagang hapis, D: Lav Diaz. 2016 · 488 min. · Color Filipinas-Singapur PC: Cineteca Nacional. *Función dividida en cuatro partes de dos horas cada una, con intervalos de 15 minutos.

Edgar Aldape Morales Cineteca Nacional jun. 23, 2017 Ciudad de México

«Estaré ahí para estremecerme ante la crueldad del hombre». Este diálogo parece resonar a lo largo de las ocho horas de duración del monumental fresco fílmico realizado por el filipino Lav Diaz sobre la revolución que ocurrió en su país entre 1896 y 1898. Tomando como inicio el fusilamiento del escritor José Rizal, Canción de cuna para el misterio trágico es un amplio relato casi centrado en dos vertientes: por un lado, el vínculo que une a Juan Crisóstomo Ibarra, a quien conocemos como el rico y traidor Simeon, y al poeta y activista Isagani, personajes del propio Rizal que creó en dos novelas. Por el otro lado, se sigue el viaje que realiza Gregoria de Jesús para hallar el rastro del padre de la revolución, Andrés Bonifacio, en compañía de una expedición en la que participa Cesarea, acusada de ayudar al gobierno español para evitar la independencia de Filipinas. Lo que Diaz muestra a lo largo de su fresco fotografiado en un poético blanco y negro, es el desgaste ideológico de una lucha donde las víctimas, divididas en una guerra civil, caminan sin rumbo por selvas y bosques aferrándose a ideales de emancipación y fe. El cineasta pone a discutir a sus personajes: la distinción de clases, la religión, el arte o la libertad son temas que se conjugan con una crítica hacia las congregaciones católicas y una postal de la mitología de Filipinas, representada por el Tikbalang, una siniestra criatura aquí encarnada en un catrín, una mujer con un perro y un ente andrógino. No obstante, lo que pesa es la visión de personas oprimidas a lo largo del tiempo, con escenas que se alargan dependiendo de la violencia no tanto física como sí psicológica. De ahí que la crueldad del hombre aparezca vigente a lo largo de la película, como una muestra de que la libertad todavía se suprime en la actualidad.

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CANCIÓN DE CUNA PARA EL MISTERIO TRÁGICO

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SECRETARÍA DE CULTURA Secretaria ALEJANDRA FRAUSTO GUERRERO CINETECA NACIONAL Director General ALEJANDRO PELAYO RANGEL Director de Difusión y Programación NELSON CARRO Directora de Acervos DORA MORENO BRIZUELA Director de Administración y Finanzas VICENTE FERNANDO CÁZARES ÁVILES

PROGRAMA MENSUAL DE LA CINETECA Editor GUSTAVO E. RAMÍREZ CARRASCO Concepto Gráfico Original GISSELA SAUÑE VALENZUELA Diseño Editorial TAYDÉ LUNA Apoyo Editorial ISRAEL RUIZ ARREOLA EDGAR ALDAPE MORALES Investigación iconográfica PATRICIA TALANCÓN SOLORIO Subdirección de Programación ALEJANDRO GÓMEZ TREVIÑO DIANA GUTIÉRREZ PORRAS JESÚS BRITO MEDINA EMILIO RIVAS GONZÁLEZ Subdirección de Difusión ALFREDO DEL VALLE MARTÍNEZ Subdirección de Distribución ALEJANDRO GRANDE BONILLA



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