Programa Mensual Febrero 2015

PROGRAMA MENSUAL FEBRERO 2015

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RETROSPECTIVA AGNÈS VARDA

A PARTIR DEL 30 DE ENERO

ÍNDICE

Programación febrero 2015 ESTRENOS

Arraianos 04 Conducta 06 Cuatro lunas 08 El último Elvis 10 Ida 12 La vida misma 14 Leviathan 16 Enero 18 Las horas contigo 20 Cortometrajes IMCINE 22

CONTINÚAN EN CARTELERA

Boyhood: Momentos de una vida 24 Foxcatcher 24 El médico alemán 24 Las oscuras primaveras 24 Whiplash 25 Mommy 25 Paraíso: Esperanza 25 Relatos salvajes 25 La casa de la radio 26 Perros perdidos 26 Piedad 26 Fuerza mayor 26 Del amor y otros demonios 27 Sueño de invierno 27 Despertar el polvo 27 La mañana no comienza aquí 27 Ilo Ilo 28 Érase una vez yo, Verónica 28

Matinée infantil

Paddington 30

CICLOS

Restrospectiva Agnès Varda Restrospectiva Mae West De la Muestra al Premio Mezcal Ambulante: Dictator's Cut FICUNAM 2015 Clásicos en pantalla grande

32 42 46 50 54 56

Al aire libre

La casa de la radio 58 Liv & Ingmar 58 Gerhard Richter, pintor 59 Pina 59 Serrat y Sabina. El símbolo y el cuate 59 Exit Through the Gift Shop: Una película de Banksy 60 Buscando a Sugarman 60 Los dos Escobar 60 Apunte y dispare 61 Urbanizado 61

Función especial

Nararáchi 65

CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES Presidente rafael tovar y de teresa Secretario Cultural y Artístico Saúl Juárez Vega Secretario Ejecutivo francisco cornejo rodríguez CINETECA NACIONAL Director General alejandro pelayo rangel Director de Difusión y Programación Nelson Carro Directora de Acervos Dora Moreno Brizuela Subdirector de Programación ALEJANDRO GRANDE BONILLA Subdirector de Publicaciones y Medios José Luis Ortega Torres Subdirector de Acervos

En portada: Agnès Varda.

Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 4155 1190.

Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa mensual es una publicación gratuita para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica.

Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.

Impresión: Digital Color Proof. Fco. Olaguibel 47, col.

Obrera, México, D.F. Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.

CARLOS eDGAR TORRES PÉREZ Subdirectora de Investigación Catherine Bloch Gerschel Subdirector de Documentación RAÚL MIRANDA LÓPEZ Jefe de Programación y Enlace Internacional dalia rosa peña flores

Cineteca Nacional Av. México-Coyoacán 389, col. Xoco.

Programa Mensual de la Cineteca Editor Gustavo E. Ramírez carrasco Diseño editorial FABIOLA PÉREZ SOLÍS Laura nieto rueda Investigación iconográfica Patricia Talancón Solorio Colaboradores Israel ruiz arreola edgar aldape morales karen salgado beltrán Diseño de anuncios SHalom J. PÉrez GonzÁleZ Venta de espacios con Relaciones Públicas FERNANDO TORRES BELMONT ftorres@cinetecanacional.net

Abreviaturas D: Dirección. G: Guión. F en C: Fotografía en color.

F en B/N: Fotografía en blanco y negro. M: Música.

E: Edición. CP: Compañía(s) productora(s). Prod: Producción. Dist: Distribución. PC: Procedencia de copia.

ESTRENOS

I ARRAIANOS

ARRAIANOS

I ESTRENOS

Arraianos España | 2012 | 70 min.

D: Eloy Enciso Cachafeiro. G: José Manuel Sande, Eloy Enciso Cachafeiro, Mauro Herce, Manuel Muñoz. F en C: Mauro Herce. M: Vasco Pimentel, Tiago Matos. E: Manuel Muñoz. Con: Eulalia González, Aurora Salgado, Celsa Araujo, Antonio Ferreira. CP: Zeituns-Films, Ártika Films, CineBinario Films. Prod: Carlos Esbert, Eloy Enciso Cachafeiro. Dist: Interior 13.

Arraianos, de Eloy Enciso, es una película que transita entre el documental y la ficción. En su segundo largo, el director gallego adapta la obra El bosque de Jenaro Marinhas del Valle, utilizando para su puesta en escena a las personas de la aldea gallega de La Raya.

Tras tu primera película Pic-Nic (2007), ¿Cómo nace Arraianos?

Quería hacer una película en Galicia, lugar del que provengo. Una película para retratar aquel lugar, su paisaje y la musicalidad de su idioma, trabajando en la frontera geográfica de España y Portugal, a la vez que en la frontera de géneros. En aquel momento existía en Galicia una línea de apoyo específica para el cine de marcado carácter cultural y autoral y eso lo hizo posible.

De dónde viene la idea de utilizar actores no profesionales para adaptar una obra poseedora de cierto tono existencialista como El bosque?

La idea de trabajar con actores no profesionales estaba ya en los primeros borradores del proyecto.

Quería acercarme a aquella realidad rural retratando su cotidiano de forma naturalista y combinar este modo de representación con otro en el que los habitantes actuaran sus propias vidas. Un ejercicio de doble representación, en el que uno de estos acercamientos era más distanciado, es decir, en un tono no naturalista alejado del realismo. La intención fue retratar una misma esencia pero a través de dos aproximaciones a estos personajes. Este mundo de la representación enlaza con el mundo simbólico y alegórico de las tradiciones, mitos y relatos de la colectividad propios de Galicia.

La obra El bosque apareció en el camino como una pieza clave porque habla de esto.

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Ya desde el cartel, se intuye un cuidado tratamiento de la imagen, ¿qué nos puedes decir al respecto?

Casi toda la película se filmó con luz natural, es sobre todo un trabajo basado en la observación y aprovechamiento de escenarios naturales. El trabajo del encuadre, de la luz y de la relación figurafondo es muy importante tanto para mí como para Mauro Herce, el fotógrafo. Dedicamos bastante tiempo a recorrer la zona, buscar los rostros, lugares y momentos que, por una razón u otra, nos inspiran y de forma natural tienen ese potencial icónico y simbólico que creo toda persona que trabaje con la imagen busca.

Es inevitable hablar de la nostalgia que impregna a la película. Conviviendo con personas mayores se suele tener la impresión de haber perdido cosas realmente valiosas: el arraigo, la fraternidad, la humildad y sabiduría de la gente del campo…

Pienso que estamos en una época de cambio de paradigma, lo cual no significa necesariamente extinción. En cierto modo las cosas permanecen en nosotros, y si se están apagando o perdiendo creo que se debe más a nuestra ceguera y hedonismo consumista que a los cambios tecnológicos o migratorios, que suponen simplemente un nuevo contexto. Haciendo la película confronté mi propia idea preconcebida de una extinción del mundo rural y los valores que nombras. En general, los protagonistas del filme tienen confianza en que los valores positivos acaban imponiéndose: el amor, la fraternidad, la sabiduría.

Fragmentos de una entrevista a Eloy Enciso Cachafeiro La Laguna (revistalalaguna.com) Íllora, España, 24 de octubre de 2013

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I CONDUCTA

CONDUCTA

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Conducta Cuba | 2014 | 108 min.

D y G: Ernesto Daranas. F en C: Alejandro Pérez. M: Juan Antonio Leyva, Magda Rosa Galván.

E: Pedro Suárez. Con: Alina Rodríguez (Carmela), Armando Valdés Freire (Chala), Silvia Águila (Raquel), Yuliet Cruz (Sonia), Armando Miguel Gómez (Ignacio), Amaly Junco (Yeni), Miriel Cejas (Marta).

CP: ICAIC, RTV Comercial, Ministerio de Cultura. Prod: Isabel Prendes, Danilo León, Joel Ortega, Adriana Moya, Esther Masero. Dist: Motzorongo.

Ernesto Daranas, un excelente guionista de la radio, caminó con igual suerte por la televisión y llegó, por lógica, a dirigir cine, como el documental Los últimos gaiteros de La Habana (2004) con más de diez premios, entre ellos el Iberoamericano de Periodismo Rey de España 2004. Daranas no gustará de palabras iniciales: él, como cualquier artista que se respete, no trabaja para premios, sino para bordar, con imágenes y sonidos, historias que lo conmueven para llegar a los espectadores. Así amasó la idea de Conducta. ¿Cómo llegaste a este tema?

Concebimos este proyecto como una película-taller para un grupo de alumnos de la Facultad de Medios Audiovisuales del ISA [Facultad de Medios Audiovisuales de la Universidad de las Artes].

Ellos fueron parte activa de la obra desde la elección del tema, la investigación paralela al guión y la selección de los niños de la película. Conducta es consecuencia de ese trabajo, sumado a un grupo de inquietudes personales. ¿Qué tipo de inquietudes?

Luego de un cuarto de siglo de crisis, los cambios que finalmente están teniendo lugar en nuestra sociedad y economía no han logrado el impacto esperado en nuestros sectores más humildes. Lo que sí hemos visto es que a todos los niveles se hable de crisis de valores, sin que se aborden a fondo sus causas. Los niños son el gran blanco de esos problemas.

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¿Qué te motivó a la aproximación que hace la película a una familia disfuncional y a nuestro sistema de enseñanza?

En realidad, Conducta no pretende hablar del sistema de enseñanza cubano. La mirada se centra mucho más en esos riesgos a los que la niñez está expuesta, incluido el modo en que las condiciones sociales y económicas afectan a la familia y a la escuela. En estos y otros temas abundan discursos y consignas que son emplazados por lo que vivimos a diario. La maestra Carmela pone a un lado esta retórica en su afán de hacer de su aula un espacio diferente.

La película también aborda problemáticas como la emigración interna y la expresión de ciertas formas de violencia. ¿Esto fue resultado del trabajo previo sobre el que comentabas o del interés de referirte a estos temas?

Nos centramos en armar una historia y en conformar personajes que se movieran con naturalidad y eficacia dentro ella. Todo esto, desde luego, está inmerso en un grupo de problemáticas humanas y sociales entre las que la emigración interna descuella; en parte porque las medidas tomadas para contenerla profundizaron una grieta social. En cuanto a la violencia, suele ser la expresión de conflictos e insatisfacciones que sólo pueden ser resueltos si se encaran sus causas verdaderas. Todo esto tiene un impacto inevitable en la infancia, en la familia, en la escuela y en la sociedad.

Fragmentos de una entrevista de Paquita Armas Fonseca a Ernesto Daranas La Jiribilla (lajiribilla.cu), La Habana, 5 de febrero de 2014

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Cuatro lunas México | 2013 | 110 min.

D y G: Sergio Tovar Velarde. F en C: Yannick Nolin. M: Enrique Espinosa. E: Sergio Tovar Velarde, Max Blásquez. Con: Antonio Velázquez (Hugo), Alejandro de la Madrid (Andrés), Alonso Echánove (Joaquín), César Ramos (Fito), Alejandro Belmonte (Gilberto), Gabriel Santoyo (Mauricio), Sebastián Rivera (Oliver). CP: ATKO Films. Prod: Edgar Barrón. Dist: Alphaville Cinema.

¿Qué es para ti Cuatro lunas y cómo nace este proyecto?

Cuatro lunas es un proyecto cinematográfico pero también un proyecto de vida, porque, más que cualquier película que haya hecho, tengo la impresión de que hay un compromiso mayor en este caso. Será quizá porque nunca me había sentido tan cercano a un tema, volcándome sin censura ni pudor alguno; o será que empiezo a descubrir que la película está encontrando una forma de comunicación muy cercana y muy directa con su público. Deseo que Cuatro lunas, en alguna medida, inspire, fomentando la empatía y solidaridad entre las personas. Si logramos contribuir, aunque sea un poco, a combatir la homofobia, además de entretener, para mí ya será un éxito.

El proyecto nace porque me fui interesando en conocer cuán diferente puede ser la historia de un hombre gay respecto a la de otro. Me pareció fascinante explorar lo fácil que es para algunos, por su contexto, aceptarse y asumirse; y, por otro lado, lo casi imposible que resulta para otros, habiendo incluso quienes terminan optando por morir con el secreto tras una vida engañando (y engañándose). Construir un relato contraponiendo estos escenarios, a través de una historia narrada a cuatro voces es lo que dio origen a la cinta. A lo largo de varios años escuché atento las historias de personas que fui conociendo sobre cómo fue que decidieron asumirse, cómo lo comunicaron a sus padres, cómo lo tomaron. Me nutro mucho de las historias que escucho. ¿Cuáles son las cuatro historias que integran esta cinta?

Un chico de doce años que, sin saber ni entender cómo, comienza a sentirse atraído por su primo.

Dos jóvenes que se reencuentran en la universidad años después de haber perdido todo contacto,

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tras haber sido mejores amigos en la infancia. Una pareja que lleva diez años de relación y se ve amenazada por la llegada de un tercero que obliga a los dos a evaluarse. Y, finalmente, la historia de un viejo poeta que tiene esposa, hijas y nietos, pero se obsesiona con un joven prostituto y busca reunir el dinero para pagarse la experiencia, al menos una vez. ¿Consideras Cuatro lunas una película gay?

Sí y no. Por un lado, yo defiendo la idea de la igualdad y, por lo tanto, evito las etiquetas. De igual modo, me gusta pensar que cuando el público ve Cuatro lunas, transcurridos algunos minutos, deja de ver personajes gays y comienza a ver seres humanos, no más, no menos. Por esta razón, no creo que sea una película para el público gay exclusivamente, sino para cualquiera. Defiendo la idea de que las películas no son gays ni heteros, que abordan, en todo caso, historias sobre personajes homosexuales; pero eso no necesariamente define qué tan gay es una película. Me da la impresión de que hay películas que, sin abordar situaciones propiamente homosexuales, son bastante “gay”; podría mencionar Moulin Rouge (2001), El diablo viste a la moda (The Devil Wears Prada, 2006) Chicago (2002) o cualquiera de Disney, por ejemplo.

Fragmentos de una entrevista de Gus Barrientos a Sergio Tovar Velarde Soyhomosensual (soyhomosensual.com) Ciudad de México, 21 de marzo de 2014

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el último elvis

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El último Elvis Argentina-Estados Unidos | 2012 | 91 min.

D: Armando Bo. G: Armando Bo, Nicolás Giacobone. F en C: Javier Juliá. M: Sebastián Escofet. E: Patricio Pena. Con: John Mc Inemy (Elvis/Carlos Gutiérrez), Griselda Siciliani (Alejandra Olemberg), Margarita López (Lisa Marie Gutiérrez), Lucrecia Carrillo (prostituta), Nora Childers (chica en el aeropuerto), Rocío Rodríguez (Nina Hagen), Corina Romero (secretaria). CP: Anonymous Content, K&S Films, Rebolucion, Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA). Prod: Steve Golin, Hugo Sigman, Patricio Álvarez Casado, Víctor Bo, Armando Bo. PC: Cineteca Nacional.

¿Nunca quisiste ser otra persona? ¿Imaginarte cómo puede ser tener la fama, el talento, el dinero y la voz de, digamos, Elvis Presley? A Carlos Gutiérrez no sólo le pasa eso, sino que parece estar convencido de ser la reencarnación del Rey del rock & roll. Sólo que este monarca suburbano trabaja en una fábrica metalúrgica del gran Buenos Aires; tiene una solitaria existencia en una casa que en nada se parece a Graceland (el fastuoso hogar de su ídolo) y mira por televisión, incansablemente, conciertos y entrevistas del cantante. Eso sí, come todo el tiempo emparedados de mantequilla de maní y banana, tal como lo hacía Presley.

En su opera prima, Armando Bo elige contar la vida de este hombre, pero no desde la parodia ni desde el ridículo. Carlos es obsesivo y posiblemente esté al borde de la esquizofrenia, pero El último Elvis camina a su lado sin juzgarlo. Es obvio darse cuenta que ha sido y es un pésimo padre y que no por nada su mujer (Griselda Siciliani, muy bien en su rol y casi irreconocible en su aspecto) lo dejó y no quiere que se acerque demasiado a su hija (Margarita López). Pero hasta ella, que seguramente sufrió muchas cosas junto a él, le tiene más compasión y piedad que odio o bronca.

Carlos pasa de la obsesión al hecho, y si hay algo que no se puede negar es que es un gran imitador de Elvis. Pero su vida como imitador y operario parece no satisfacerlo del todo y asegura estar planeando “algo grande” por lo que renuncia a su trabajo.

El último Elvis es fascinante en su exploración de un personaje pequeño pero con ambiciones gigantes, de un hombre casi sin identidad y que ha tomado una que le permite evadirse de su

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realidad. Y todo eso dentro de un filme casi sin fisuras desde lo formal. Con su experiencia en publicidad, Bo maneja los tiempos del relato a la perfección, sus actores son impecables, el diseño de producción es notable (Graceland está reconstruido en estudios locales, por ejemplo) y hasta la bromita algo banal de mostrar una galería de imitadores (además de nuestro Elvis, hay un Jagger, un Lennon, un Iggy Pop, un Charly García y hasta Paolo el Rockero...) resulta simpática y hasta tierna.

Es que pese a tratarse de una película oscura, hasta densa en su lógica –y en el casi depresivo personaje que la protagoniza–, Bo y el notable John Mc Inerny (un excelente imitador real de Presley) logran que nos involucremos en las peripecias, alegrías y desgracias de este tal Carlitos, que un día se convirtió en Elvis y, a su manera, se consagró para siempre.

Fragmentos de un texto de Diego Lerer Clarín (clarin.com) Buenos Aires, 26 de abril de 2012

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Ida Polonia-Dinamarca | 2013 | 82 min.

D: Paweł Pawlikowski. G: Pawel Pawlikowski, Rebecca Lenkiewicz. F en B/N: Ryszard Lenczewski, Lukasz Zal. M: Kristian Selin Eidnes Andersen. E: Jarosław Kamiński. Con: Agata Trzebuchowska (Anna/Ida), Agata Kulesza (Wanda), Dawid Ogrodnik (Lis), Jerzy Trela (Szymon), Adam Szyszkowski (Feliks), Halina Skoczynska (madre superiora). CP: Opus Film, Phoenix Film Investments, Canal + Polska. Prod: Eric Abraham, Piotr Dzieciol, Ewa Puszczynska. PC: Cineteca Nacional.

¿Qué clase de sacrificio representa renunciar a aquello que no se conoce? Una pregunta similar le plantea Wanda a su sobrina Ida, una novicia católica que a punto de tomar los votos definitivos sale del convento al conocer la verdad oculta sobre su origen: es judía.

En Ida, quinto filme de ficción del varsoviano Paweł Pawlikowski, la pérdida de la fe se platea de una manera dialéctica entre dos personajes femeninos unidos por la sangre, distanciados por la negra historia del exterminio judío y reencontrados por la necesidad de un afianzamiento personal.

A partir del primer encuentro y paulatino conocimiento de estas dos mujeres es que Pawlikowski crea una historia de soledades afectivas, de pérdidas y melancolías. De profundos vacíos que la religión parece incapaz de subsanar y para los que solamente ofrece paliativos temporales que no hacen más que agrandar la desesperación que se muestra contenida, sin exabruptos, donde la paz en el rostro de la novicia contrasta con la hosquedad de la tía, y que dulcemente enmarca una mirada lánguida, de una inocencia demoledora: es la más tierna de Su rebaño la que parece rozar el precipicio.

Ahora bien, la experiencia del personaje es retratada en cámara de una forma elevada, casi mística, porque Paweł Pawlikowski logra una sabia puesta en escena a partir de una escenificación recortada en íntimos planos casi cuadrados: un desafiante encuadre de 4:3 en plena época del widescreen todo develador, y en sólida y luctuosa escala de grises en esta era donde la policromía ultrarrealista lo es todo. Ida es una historia de fe en una edad del mundo donde el nihilismo se ha quedado corto para describirlo.

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Por otra parte Wanda se convertirá en una entidad un tanto mefistofélica que expondrá a la chica en medio de un mundo de conocimiento que podría, o no, poner a prueba la fuerza de su fe.

La lanza al mundo a que encare una realidad triste: la de la sangre y muerte alrededor de su origen, la amargura sin fin de Wanda, la infamia humana que no nada sin recibir algo a cambio. Pero también le enseña un posible despertar emotivo y sexual. La misión de Wanda está completa, e Ida se desdoblará completa, experimentada y dulcemente sonriente. Tridimensional, para ahora sí, caminar con paso seguro hacia el resto de su vida.

Fragmentos de un texto de José Luis Ortega Torres Icónica núm 10, Ciudad de México, octubre de 2014

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la vida misma Life Itself | Estados Unidos | 2014 | 120 min.

D: Steve James. G: Steve James, basado en el libro homónimo de memorias de Roger Ebert. F en C: Dana Kupper. M: Billy Sullivan. E: Steve James, David E. Simpson. Con: Roger Ebert, Martin Scorsese, Ava DuVernay, Werner Herzog, Errol Morris, Chaz Ebert. CP: Magnolia Pictures, CNN Films, Film Rites, Kartemquin Films. Prod: Garrett Basch, Steve James, Zak Piper, Martin Scorsese, Steven Zaillian. Dist: Lumartis.

Una vida dedicada al cine pone el epitafio cinematográfico que merece con creces La vida misma, el meticuloso e intenso retrato emocional que hace el documentalista Steve James del fallecido Roger Ebert. Teniendo acceso ilimitado al venerado crítico, durante los que resultaron ser sus últimos cuatro meses de vida, James se va directo –como en todos sus mejores trabajos– al meollo de la cuestión, celebrando tanto al escritor como al hombre, inseparables uno del otro.

James, cuya asociación con Ebert se remonta a 1994 (cuando el crítico libró una apasionada campaña en nombre de la opera prima del director, Hoop Dreams), comenzó a filmar en diciembre de 2012, justo cuando Ebert fue internado en una clínica de rehabilitación en Chicago por una fractura de fisura en la cadera. Fue la séptima estancia del crítico en dichas instalaciones desde su cirugía de cáncer en el 2006, que lo dejara sin gran parte de la mandíbula e incapaz de hablar o comer. Y, sin embargo, a pesar de sus recientes reveses médicos, Ebert permanece ansioso por la filmación de James. Su computadora nunca está lejos de su alcance, ya que continúa escribiendo reseñas y entradas de blog, y se comunica a través de una caja con voz automatizada.

A partir de ahí, James se adentra en la biografía de Ebert –no tanto de manera cronológica como impresionista– guiado por las respuestas que el crítico le enviara por correo electrónico durante su estancia en rehabilitación, y respondiendo así a sus interrogantes (una especie de entrevista previa, de un esperado momento por sentarse frente a frente y que nunca ocurrió).

También cita extensamente, pasajes de la autobiografía del crítico del 2011, también titulada La vida misma; éstas son leídas por el actor de doblaje Stephen Stanton. Enriquecido por maravillo-

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sas fotografías de archivo y recuerdos de sus amigos, colegas y compañeros de copas, la película de James traza el viaje pródigo de Ebert, desde su infancia, obsesionada con el periódico, hasta la dirección editorial del diario de su universidad, el Daily Illini.

Naturalmente, la mayor parte de La vida misma está dedicada a la democratización de Ebert y a la popularización del impacto de la crítica cinematográfica en el mundo, con secuencias de películas juiciosamente escogidas y extractos de las respectivas reseñas de esos mismos filmes, utilizados para mostrar cómo el escritor combinaba su conocimiento enciclopédico del cine con un estilo de escritura franco y accesible, para que pudiera entenderlo cualquiera. Cineastas como Errol Morris, Werner Herzog y Martin Scorsese (también productor ejecutivo aquí) hablan de las contribuciones específicas que Ebert hizo a sus carreras.

El corazón de La vida misma es la historia de amor entre Roger y Chaz, su esposa, con quien se casó a los 50 años, y quien llegaría a ser su pilar de fuerza a través de su larga enfermedad.

Entrevistada aquí, la presencia cálida de Chaz, su amor efusivo por su marido y su miedo palpable de perderlo, impregnan la película.

Fragmentos de un texto de Scott Foundas Variety (variety.com), 20 de enero de 2014 Trad. Karen Salgado Beltrán

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Leviathan Rusia, 2014, 141 min.

D: Andréi Zviáguinstev. G: Oleg Neguin, Andréi Zviáguintsev. F en C: Mijaíl Kritschmann. M: Philip Glass. E: Anna Mass. Con: Alekséi Serebryakov (Kolia), Elena Liadova (Lilia), Vladimir Vdovitchenkov (Dmitri), Roman Madianov (Vadim Cheleviat), Anna Oukolova (Angela), Alekséi Rozin (Pacha), Serguéi Pokhodaev (Roma). CP: Non-Stop Productions. Prod: Alexandre Rodnianski, Serguéi Melkumov.

Dist: ND Mantarraya.

Existe una forma de ironía dentro del premio a mejor guión otorgado a Leviathan en el último festival de Cannes. Si se nos limita a la narración, la historia de Kolia, este mecánico anónimo de un rincón perdido sobre el mar de Barents que va a perder todo lo que tiene, lo más querido, y trata de mantener su casa, parece, por ciertas peripecias, una historia cargada, y al mismo tiempo inverosímil.

Sin embargo, el cuarto largometraje de Andréi Zviáguinstev tiene la complejidad y la evidencia de una obra maestra. Fue recompensado en Cannes por la riqueza de su guión (firmado con Oleg Neguin), mezclando escenas de pura bufonería en un relato trágico, elevando el drama íntimo – aumentado por una feroz sátira política– a una dimensión mitológica, incluso metafísica. Pero es sobretodo por su puesta en escena que Leviathan brilla.

Su grandiosa utilización del espacio y la iluminación, y su impresionante dirección de actores, hasta los roles más imperceptibles, marcan una verdadera realización, y despliegan una nueva dimensión en el cineasta, ya varias veces galardonado –por El regreso (ganador del León de Oro en Venecia), por The Banishment y por Elena (respectivamente acreedores al Premio a la Mejor Interpretación Masculina y el Premio del Jurado de la sección Una cierta mirada en Cannes).

Siempre, sus películas ponen en escena la lucha contra un poder injusto, una autoridad arbitraria: la de un padre que regresa de nuevo después de años de ausencia (El regreso); la de un esposo imponiendo un aborto a su esposa (The Banishment); y de otro comportándose con su mujer como un patrón y no como un compañero (Elena).

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Leviathan es una violenta carga contra el sistema político ruso y su corrupción generalizada. La historia que inspiró el origen de la cinta de Zviáguinstev es la de un estadounidense de Colorado, Marvin Heemeyer, que intentó oponerse a un poderoso grupo que quería apoderarse de su casa para construir una fábrica. A pesar de que la historia de Kolia está enraizada en el terreno ruso, con la fábula, que toma lugar dentro de una decoración mitológica poco identificada, se habla de todos los poderes de todos los tiempos y lugares. Lo que cuenta aquí Zviáguinstev es la suerte de los ataques al poder en general.

Algunos planos fijos sobre una oscura naturaleza del alba de la humanidad introducen la cinta.

Y la obra se cierra ahí donde la historia estaba abierta, con los mismos planos sobre la naturaleza sublime y violenta, rocas oscuras, desiertos lunares, el mar desencadenado. La música repetitiva de Philip Glass, extraída de su ópera Akhnaten, también resurge, inmutable, implacable.

Fragmentos de un texto de Jean-Dominique Nuttens Positif, París, septiembre de 2014 Trad: Edgar Aldape Morales

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ENERO México | 2013 | 90 min.

D y G: Adrián González Camargo. F en C: Anna María Soler Cepriá. M: Abraham Urquiza. E: Juan Carlos Rodarte. Con: Ernesto Hernández Doblas (Horacio), Sheila Alondra Rodríguez Romero (Lucrecia), Selma Sánchez (esposa de Horacio), Ismael Marcelino (Don Tomás). CP: Sinestesia. Prod: Enrique Chuck Núñez, Tomás Torres Ibarra, Abraham Urquiza, Alberto Zúñiga, Miguel Lobato. Dist: Sinestesia.

Una pantalla en negro advierte un secreto, mientras los sonidos de la respiración entrecortada de un hombre y una mujer hablan de una intensa pasión. Cuando escuchamos los reclamos y gritos de una segunda mujer, el tono se hace fatal.

Resulta sorprendente la forma en que el prólogo de Enero, de Adrián González Camargo, presenta a los personajes y asienta el conflicto de la historia. La cinta explora cómo la relación de Horacio y Lucrecia se irá deteriorando, a través de una iluminación que sugiere los cambios anímicos de la pareja, y adentrándose en los terrenos del thriller psicológico para delinear las consecuencias de un crimen pasional inicial.

La película es exquisita por el ejercicio de ciertos recursos visuales para enfatizar la culpa de Horacio, la incertidumbre de Lucrecia y la sombra constante de la esposa muerta; un juego entre luz y sombras cuyos paisajes naturales y una cabaña vacía son sólo la materialización de la inestabilidad de una relación sin cimientos, encaminada a su autodestrucción.

La intensidad y la tensión son algunas de las sensaciones percibidas por el espectador, gracias a esos toques surrealistas que muestran los deseos, en su mayoría trágicos, de la pareja. El director logra momentos alucinantes cuando el minimalismo, que subyace la forma del filme, se torna oscuro y tétrico. Deja entrever la vena psicópata de Horacio.

Estas impresiones también se ven reforzadas por cómo se desarrolla la relación de Horacio y Lucrecia, que transitará diversos estadios del pathos, generando una convivencia asfixiante y per-

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versa. Las actuaciones de Ernesto Hernández Doblas y Sheila Rodríguez Romero transmiten ese choque de personalidades y autodestrucción, a pesar de la falta de tonos vocales y expresividad facial para complejizar a sus personajes.

González Camargo entrega, con Enero, una historia densa y pasional, mostrando su dominio del lenguaje visual y metafórico a favor de una radiografía perturbadora de una relación condenada al fracaso.

Fragmentos de un texto de Aurora Alejandra Lomelí Pérez Rodando Cine (rodandocine.com), México, 23 de octubre de 2013

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LAS HORAS CONTIGO

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Las horas contigo México | 2014 | 88 min.

D y G: Catalina Aguilar Mastretta. F en C: Berenice Eveno. M: Víctor Hernández Stumphauser. E: Miguel Schverdfinger. Con: Cassandra Ciangherotti (Ema), María Rojo (Julieta), Isela Vega (Abu), Arcelia Ramírez (Isabel), Evangelina Martínez (Juanita), Pablo Cruz (Manuel), Issabela Camil (Armanda).

CP: La Banda Films, Cuévano Films. Prod: Roberto Sneider. Dist: Videocine

Son contadas las historias de mujeres que ven éxito detrás de las cámaras en el cine mexicano.

Catalina Aguilar Mastretta, directora de Las horas contigo, opera prima exhibida en el pasado Festival de Guadalajara, habla en entrevista para el suplemento universitario Campus Milenio sobre su película.

«No hay una proporción pareja aún entre hombres y mujeres en el cine, es algo que necesita cambiar. Al mismo tiempo, tampoco creo que el hacer películas “femeninas” sea una bandera, ni para mí ni para muchas de las cineastas que están trabajando. Creo que es una cosa que haces porque así te sale, porque vives en una mujer» Inspirada en la enfermedad de su abuela materna, Catalina sintió la rutina y la convivencia con su familia como una forma de creación. Las horas contigo cuenta la historia de Ema, representada por Cassandra Ciangherotti, una joven que se entera de que está embarazada el mismo día que viaja a casa de su abuela (Isela Vega) para pasar sus últimos días con ella. Ahí se ve forzada a convivir con Julieta, su madre (María Rojo), con la que nunca se ha llevado bien y que tiene sus propios conflictos frente a la muerte de la abuela. En la larga espera de esa muerte, se vuelve claro que Abu no se va a morir hasta que Ema y Julieta no resuelvan su relación.

Egresada de la Universidad Iberoamericana y de la maestría en el American Film Institute, Catalina creció rodeada de historias. Hija de los destacados Héctor Aguilar Camín y Ángeles Mastretta, tomó una ruta similar pero al mismo tiempo alejada de ellos: el cine.

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«Contar historias es un valor familiar. El medio del cine es el que vi de niña, finalmente. A pesar de que mis papás eran escritores, vimos mucho más cine que los libros que leímos. Supongo que no hay demasiada diferencia entre una cosa y otra. Lo que me gusta mucho del cine es que es muy colaborativo, es de mucha gente. Se crea entre muchas personas y es la mejor parte de la creatividad de mucha gente puesta en el servicio de una misma cosa; eso es muy mágico».

Producto de los incentivos fiscales, Las horas contigo puede ser un ejemplo de apoyo a jóvenes cineastas que están cobijados por talentos consolidados. Pese a ello, Catalina considera que no deben ser los únicos que muevan a la realización cinematográfica nacional.

«No es sano que una industria esté mantenida por el Estado, y creo que en los últimos años, la idea de que hay más películas, un poco más de público, influye para que haya también inversiones privadas e inversiones de riesgo que hagan a la industria un poco más saludable».

Fragmentos de un texto y entrevista de Salvador Medina Armienta a Catalina Aguilar Mastretta Suplemento universitario Campus Milenio (campusmilenio.com.mx) Miércoles 12 de marzo de 2014

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ESTRENOS

I CORTOMETRAJES IMCINE O ser un elefante México | 2013 | 13 min. | D: Ulises Pérez Mancilla.

La historia aborda el proceso de duelo por la muerte de un ser querido y la relatividad del sufrimiento, teniendo como metáfora la naturaleza de los elefantes que se sabe, tienen muy buena memoria y nunca olvidan.

Este cortometraje se proyecta antes de las funciones de Cuatro lunas.

El relojero México | 2013 | 1 min. | D: Alfonso Coronel.

Un viejo relojero moribundo trata de burlar a La Parca y así detener su inminente y fatal destino.

Este cortometraje se proyecta antes de las funciones de Las horas contigo.

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PROGRAMA MENSUAL

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co n t i n ú a n e n c a r t e l e r a

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Boyhood: Momentos de una vida

Boyhood | Estados Unidos | 2014 | 165 min. | D y G: Richard Linklater. F en C: Lee Daniel, Shane F. Kelly. E: Sandra Adair.

Con: Ellar Coltrane (Mason), Patricia Arquette (mamá), Elijah Smith (Tommy). CP: IFC Productions, Detour Filmproduction.

Prod: Richard Linklater, Jonathan Sehring, John Sloss, Cathleen Sutherland. Dist: Universal Pictures International.

I co n t i n ú a n e n c a r t e l e r a Foxcatcher

Whiplash

Mommy

Estados Unidos | 2014 | 129 min. | D: Bennett Miller. G: E. Max Frye y Dan Futterman. F en C: Greig Fraser. M: Rob Simonsen. E: Jay Cassidy, Stuart Levy y Conor O’Neill. Con: Steve Carell (John du Pont), Channing Tatum (Mark Schultz), Mark Ruffalo (David Schultz), Sienna Miller (Nancy Schultz), Vanessa Redgrave (Jean du Pont). Productor: Anthony Bregman, Megan Ellison, Jon Kilik y Bennert Miller. Dist: Sony Pictures.

Estados Unidos. | 2014. | 107 min.. | D y G: Damien Chazelle.

F en C: Sharone Meir. M: Justin Hurwitz. E: Tom Cross. Con: Miles Teller (Andrew), J. K. Simmons (Fletcher), Paul Reiser (Jim), Melissa Benoist (Nicole), Austin Stowell (Ryan), Nate Lang (Carl).

CP: Bold Films, Blumhouse Productions. Prod: Jason Blum, Helen Estabrook, David Lancaster, Michel Litvak. Dist: Sony Pictures.

Canadá | 2014 | 140 min. | D, G y E: Xavier Dolan. F en C: André Turpin. M: Noia. Con: Anne Dorval (Diane Die), Antoine Olivier Pilon (Steve), Suzanne Clément (Kyla), Patrick Huard (Paul), Alexandre Goyette (Patrick), Michèle Lituac (directora), Viviane Pacal (Marthe), Natalie Hamel-Roy (Natacha). CP: Metafilms, Sons of Manual. Prod: Nancy Grant, Xavier Dolan. Dist: ND Mantarraya.

Andrew, un prometedor baterista de 19 años, estudia en un conservatorio de música salvajemente competitivo. Atormentado por el fracaso profesional de su padre y temiendo que la mediocridad sea genética, Andrew practica todos los días. Bajo la guía de Terence Fletcher, un instructor de música brutalmente cruel, Andrew empieza a perseguir la perfección a cualquier precio. Whiplash ha sido nominada a cinco Óscares, incluido el de mejor película.

En una Canadá ficticia, una nueva ley permite que los padres angustiados abandonen a sus hijos con problemas en el hospital. Die Després, una viuda decidida, intenta educar a Steve, su carismático hijo que padece trastorno por déficit de atención e hiperquinesia.

Mientras que ambos tratan de ganarse la vida, Kyla, una vecina misteriosa, ofrece su ayuda. Mommy fue nominada a la Palma de Oro y recibió el Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes.

Boyhood: Momentos de una vida es un drama rodado a lo largo de 12 años. Es la historia de Mason (Ellar Coltrane) desde los seis años y durante una década poblada de cambios: mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, bodas, diferentes colegios, primeros amores y desilusiones, momentos maravillosos, de miedo y de una constante mezcla de desgarro y sorpresa. Un viaje íntimo y épico por la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo.

Solo, hundido y sin recursos, el excampeón olímpico de lucha libre Mark Schultz es invitado por el millonario John du Pont para viajar a su lujosa finca y montar juntos un equipo para los Juegos de Seúl 1988. Una vez instalado en el centro de entrenamiento de la granja “Foxcatcher”, lo que en principio parece una relación de amistad y respeto mutuo se vuelve algo más oscuro debido a la personalidad explosiva de DuPont.

El médico alemán

Las oscuras primaveras

Paraíso: Esperanza

Relatos salvajes

Wakolda | Argentina-Francia-España-Noruega | 2013 | 93 min. | D y G: Lucía Puenzo, basada en su novela Wakolda. F en C: Nicolás Puenzo. M: Daniel Tarrab, Andrés Goldstein. E: Hugo Primero. CP: Historias Cinematográficas Cinemanía, Telefe, Wanda Visión. Prod: Gudny Hummelvoll, Stan Jakubowicz, Axel Kuschevatzky. Dist: Alfhaville Cinema.

México | 2014 | 100 min. | D: Ernesto Contreras. G: Carlos Contreras. F en C: Tonatiuh Martínez Valdez. M: Emmanuel del Real, Renato del Real y Ramiro del Real. E: Valentina Leduc.

Con: José María Yazpik (Igor), Cecilia Suárez (Flora), Irene Azuela (Pina), Hayden Meyenberg (Lorenzo). CP: Tintorera Producciones, Agencia SHA, Alebrije Cine y Video. Prod: Luis Albores, Érika Ávila, José María Yazpik, Carlos Meza Yazpik, Eamon O’Farril.

Dist: Dragon Films, Alebrije.

Paradies: Hoffnung | Austria-Francia-Alemania | 2012, 91 min. | D y Prod: Ulrich Seidl. G: Ulrich Seidl y Veronika Franz.

F en C: Edward Lachman y Wolfgang Thaler. E: Christof Schertenleib. CP: Ulrich Seidl Produktion, Tatfilm, Société Parisienne de Production. PC: Cineteca Nacional.

Argentina-España | 2014 | 122 min. | D y G: Damián Szifrón.

F en C: Javier Juliá. M: Gustavo Santaolalla. E: Damián Szifrón y Pablo Barbieri. Con: Ricardo Darín (Simón), Óscar Martínez (Mauricio), Darío Grandinetti (Salgado). CP: Kramer & Sigman Films, El Deseo. Prod: Hugo Sigman, Pedro Almodóvar, Agustín Almodóvar, Esther García y Matías Mosteirín. Dist: Warner Pictures.

En el verano de 1960, en la desolada región de la Patagonia, un médico alemán conoce a una familia argentina y se une a ellos para seguir la ruta del desierto en caravana. El viajero es Josef Mengele, uno de los mayores criminales de la Segunda Guerra Mundial. La familia hace renacer en él todas sus obsesiones por la pureza y la perfección. En especial Lilith, la hija, una adolescente con un cuerpo demasiado pequeño para su edad.

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PROGRAMA MENSUAL

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Igor y Pina se desean profundamente pero no son libres. Ella decidirá hacerle un disfraz de león a su hijo; él comprarle una fotocopiadora a su mujer. La primavera llegará a liberarlos, llenando sus vidas de pasión y culpa.

Como complemento se exhibirá el cortometraje Un día en familia de Pedro González.

En la última parte de su trilogía sobre el paraíso, Ulrich Seidl presenta la historia de Melanie, una niña de 13 años de edad con sobrepeso. Mientras su madre viaja a Kenia (Paraíso: Amor), y su religiosa tía (Paraíso: Fe) hace trabajo misionero, la adolescente pasa sus vacaciones de verano con otras jóvenes en un campamento de dieta en la campiña austríaca. En medio del entrenamiento físico y el asesoramiento nutricional, Melanie se enamora de un médico 40 años mayor que ella.

La desigualdad, la injusticia y la exigencia del mundo en el que vivimos hacen que muchas personas se depriman. Algunos explotan. Vulnerables ante una realidad alterada e imprevisible, los personajes de Relatos salvajes cruzan la frontera que divide la civilización de la barbarie. Una traición amorosa, el retorno de un pasado reprimido, o la violencia contenida en un detalle cotidiano, se presentan para impulsarlos al vértigo de perder los estribos.

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co n t i n ú a n e n c a r t e l e r a

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I co n t i n ú a n e n c a r t e l e r a

La casa de la radio

Perros perdidos

Del amor y otros demonios

Sueño de invierno

La maison de la radio | Francia-Japón | 2012 | 103 min. | D, G y E: Nicolas Philibert. F en C: Katell Djian. CP: Les Films d’ici, Arte France Cinéma, Longride. Prod: Virginie Guibbaud, Norio Hatano y Serge Lalou. PC: Cineteca Nacional.

Jiao you | Taiwán-Francia | 2013 | 138 min. | D: Tsai Mingliang. G: Tsai Ming-liang, Song Peng-fei y Tung Chen-yu. F en C: Liao Pen-jung y Sung Wen-zhong. E: Lei Chen-ching. Prod: Vincent Wang, Jacques Bidou y Marianne Dumoulin. PC: Cineteca Nacional.

Costa Rica-Colombia | 2009 | 95 min. | D: Hilda Hidalgo G: Hilda Hidalgo basada en la novela homónima de Gabriel García Márquez. F en C: Marcelo Camorino. M: Fidel Gamboa. E: Mariana Rodríguez. CP: CMO Producciones, Aliciafilms. Prod: Laura Imperiale, Clara Maria Ochoa, Laura Pacheco y Hilda Hidalgo.

Dist: Cacerola Films.

Kiş Uykusu | Turquía-Francia-Alemania | 2014 | 196 min. | D: Nuri Bilge Ceylan. G: Ebru Ceylan y Nuri Bilge Ceylan. F en C: Gökhan Tiryaki. E: Nuri Bilge Ceylan y Bora Gökşingöl. Con: Haluk Bilginer (Aydın), Melisa Sözen (Nihal), Demet Akbağ (Necla). CP: Zeynofilm, Bredok Filmproduction, Memento Films. Prod: Zeynep Özbatur Atakan. Dist: ND Mantarraya.

De un amanecer a otro, La casa de la radio retrata 24 horas en la vida de Radio Francia Internacional, una de las estaciones radiofónicas más importantes de Europa. La cámara del director Nicolas Philibert se adentra en sus pasillos y estudios de grabación y rescata el testimonio de productores, presentadores, periodistas e invitados especiales.

Una familia de desposeídos sobrevive en las calles de Taipéi. Los instantes que conforman sus vidas no buscan la lástima del espectador, sino una solidaridad por su condición como seres que habitan un mundo cada vez más cercano al caos. En medio de prolongados silencios y aparentes tiempos muertos, el resultado es una tragicomedia acerca de la esperanza.

Piedad

Fuerza mayor

Pietà | Corea del Sur | 2012 | 104 min. | D, G y E: Kim Kiduk. F en C: Jo Yeong-jik. M: Park In-young. Con: Cho Min-soo (Mi-sun), Lee Jung-jin (Kang-do), Kang Eun-jin (Myeong-ja), Woo Gi-hong (Hun-cheol), Cho Jae-ryong (Tae-seung). CP: Kim Goof Film, FINECUT. Prod: Kim Soon-mo. Dist: Zatmeni Distribución.

Turist | Suecia-Dinamarca | 2014 | 118 min. | D y G: Ruben Östlund. F en C: Frederik Wenzel, Fred Arne Wergeland. M: Ola Fløttum. E: Jacob Secher Schulsinger.Con: Johannes Bah Kuhnke (Tomas), Lisa Loven Kongsli (Ebba), Vincent Wettergren (Harry).

CP: Plattform Produktion AB. Prod: Erik Hemmendorff y Marie Kjellson. Dist: Cine Caníbal.

Contratado por prestamistas, un hombre vive como usurero amenazando gente brutalmente para que paguen. Un día una mujer aparece asegurando ser su madre. Al inicio, él la rechaza, pero gradualmente la acepta en su vida. Cuando decide renunciar a su trabajo y vivir una vida decente, la mujer es secuestrada.

Asumiendo que pudo haberlo hecho alguien a quien hirió en el pasado, empieza a rastrear a toda la gente que ha atormentado. Piedad fue premiada con el León de Oro en Festival de Venecia de 2012.

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PROGRAMA MENSUAL

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Una familia viaja a los Alpes para pasar sus vacaciones. Todo va de maravilla hasta que, sin esperarlo, se produce una avalancha cerca de donde se encuentran.

A pesar de que el suceso no tiene consecuencias trágicas, sí repercute en su vida emocional, cuando Ebba descubre que su esposo los abandonó a ella y a sus hijos tratando de salvar su propia vida. El filme más reciente de Ruben Östlund es un drama con tintes de comedia.

En una época de inquisición y esclavitud, Sierva María, hija de marqueses, es mordida por un perro rabioso; el obispo la cree endemoniada y ordena a Cayetano, su pupilo, que la exorcice, pero ambos serán seducidos por un demonio más poderoso. Con Del amor y otros demonios, la directora y escritora costarricense Hilda Hidalgo, parece haber descifrado la clave para traducir al cine la sensualidad cerebral de la escritura de Gabriel García Márquez.

Aydin, un actor jubilado, dirige un pequeño hotel en Anatolia central con la ayuda de su joven esposa, Nihal, de quien se encuentra alejado sentimentalmente, y de su hermana Necla, triste porque se acaba de divorciar. En invierno, a medida que la nieve va cubriendo la estepa, el hotel se convierte en su refugio y en el escenario de sus aflicciones.

Despertar el polvo

La mañana no comienza aquí

México | 2013 | 78 min. | D y G: Hari Sama. F en C: José Casillas. M: Darío González Valderrama. E: Mario Sandoval y Hari Sama. Con: Donaciano Hernández Chano, Mercedes Hernández, Julio Escartín. CP: IMCINE y Té Films. Prod: Verónica Valadez Pérez. Dist: Catatonia films. Dist: Cine Tonalá

México | 2014 | 87 min. | D: Iván Ávila Dueñas. G: Armando López, Pedro Jiménez, Iván Ávila Dueñas. F en C: Iván Ávila Dueñas. E: Pedro Jiménez. Prod: Iván Ávila Dueñas. Dist: Circo 2.12

Viviendo en la indigencia por las calles de Iztapalapa, Chano se limita a contemplar su triste entorno. Sin embargo, la caída en desgracia de un ser querido despierta su instinto protector, mismo que lo lleva a reintegrarse al submundo criminal del que se encontraba apartado, con trágicas consecuencias.

Denisse tiene 23 años, vive en la ciudad de México y quiere ser DJ. Laura Esquivel es pastora de cabras, tiene 19 años y fue criada en El Verde, una minúscula ranchería de Zacatecas. Aunque parece improbable que se conozcan, cuando Denisse toca y Laura pastorea en el campo, en el mundo de sus pensamientos es factible la posibilidad de encontrarse.

Como complemento se exhibirá el cortometraje La hierba del Diablo de Gastón Andrade.

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co n t i n ú a n e n c a r t e l e r a

I Érase una vez yo, Verónica

Ilo Ilo

Singapur | 2013 | 99 min. | D y G: Anthony Chen. F en C: Benoit Soler. E: Hoping Chen y Joanne Cheong. Con: Yann Yann Yeo (Hwee Leng), Tian Wen Chen (Teck), Angeli Bayani (Teresa), Jialer Koh (Jialer), Peter Wee (maestro de conducta), Jo Kukathas (director de la escuela), Naomi Toh (maestro de inglés). CP: Singapore Film Commision, Fisheye Productions, Ngee Ann Polythecnic. Prod: Hwee Sim Ang, Wahyuni A. Hadi y Anthony Chen. Dist: Artemecánica.

Ambientada en Singapur, esta opera prima es el retrato de una familia a la que se incorpora Teresa, una trabajadora doméstica recién llegada de Filipinas.

Su presencia provoca tensión en la ya de por sí difícil relación entre los miembros de dicha familia. Sin embargo, Teresa consigue estrechar lazos con Jialer, el más joven y problemático miembro del clan. Entre los múltiples premios de Ilo Ilo, se encuentra la Cámara de Oro del Festival de Cannes.

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Era Uma Vez Eu Verônica | Brasil-Francia | 2012 | 91 min. | D y G: Marcelo Gomes. F en C: Mauro Pinheiro Jr. M: Tomaz Alves Souza, Karina Buhr. E: Karen Harley. Con: Hermila Guedes (Verônica), W. J. Solha (Zé Maria), João Miguel (Gustavo), Renata Roberta (María), Inaê Veríssimo (Ciça). CP: REC Produtores Associados, DEZENOVE som e imagens. Prod: João Vieira Jr., Sara Silveira, Chico Ribeiro. PC: Cineteca Nacional.

En Recife, una de las ciudades más violentas de Brasil, Verónica una joven de 26 años, acaba de terminar la carrera de medicina. Con una vida llena de incertidumbres afectivas y profesionales, un trabajo demandante y un padre que presiente su próxima muerte, Verónica deberá hacer frente al vendaval y buscarse a sí misma en medio de una ciudad que fluye a su alrededor. Érase una vez yo, Verónica ganó el Premio Horizontes del Festival de San Sebastián.

M A N T I N É E I N FA N T I L

I paddington

paddington

I M A N T I N É E I N FA N T I L

Paddington Reino Unido-Francia, 2014, 95 min.

D: Paul King. G: Paul King, Hamish McColl. F en C: Erik Wilson. M: Nick Urata. E: Mark Everson. Con: Ben Whishaw (voz de Paddington), Tim Downie (Montgomery Clyde), Sally Hawkins (Mary Brown), Madeleinde Worral (Agatha Clyde), Samuel Joslin (Jonathan Brown), Jim Broadbent (Señor Gruber).

CP: StudioCanal, Anton Capital Enterteinment, TF1 Films Production. Prod: Rosie Alison, Jeffery Clifford, Oliver Courson, Alexandra Ferguson. Dist: Diamond Films.

Paddington, una película de animación en 3D combinada con trabajo de actores, aborda el cuento del querido oso de peluche, logrando equilibrar un acto muy complicado. Se las arregla para ser anticuado y, a la vez, de alta tecnología. Se mantiene fiel a las raíces del personaje, mientras que lo sitúa firmemente dentro de un ambiente contemporáneo. Es encantadoramente divertido y descaradamente doble intencionado.

Pero en medio del juego de palabras, las travesuras y las aventuras internacionales, Paddington también funciona como una alegoría bastante cautelosa acerca de la inmigración. En realidad, el guionista y director, Paul King, aborda esta tensa temática de una manera que no parece demasiado torpe para los adultos, y que además, puede causar una impresión en los niños de la audiencia. Las palabras: «Por favor, cuida de este oso. Gracias», escritas a mano en una etiqueta de papel atado alrededor del cuello de nuestro diminuto y peludo héroe, desde esta perspectiva, llevan una carga emotiva. Sin embargo, Paddington, en su conjunto, es de patas ligeras.

La cinta de King ofrece una historia del origen del oso (obsesionado con la mermelada) a partir de los libros para niños de Michael Bond. Cuando conocemos a Paddington por primera vez (en la dulce voz de Ben Whishaw y con algunos toques que recuerdan a Robin Williams), éste vive en la selva de Perú con su tía y su tío (Imelda Staunton y Michael Gambon). Años antes, un explorador británico había visitado el lugar y quedó sorprendido al descubrir la existencia de dichos osos brillantes parlanchines. Ahora, cuando llega el momento de que el joven Paddington descubra su

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PROGRAMA MENSUAL

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propio camino en el mundo, su tía lo envía a Londres, ya que el explorador prometió que siempre serían bienvenidos allí.

Así que se va, vistiendo su conocido sombrero rojo y cargando un montón de su comida favorita, de modo que le dure todo el largo viaje en barco. Pero cuando llega a Londres, no sólo las personas no están sorprendidas por conocer a un oso que camina y habla, sino que rechazan groseramente sus intentos amistosos y amables de conectar. Sólo la familia Brown se atreve a mostrarle a esta despeinada y desamparada criatura, algo de bondad.

Si bien el humor puede ser marcado, Paddington también cuenta con algunas imágenes encantadoras e incluso delicadas. King, claramente alude a Wes Anderson cuando muestra la alta y estrecha casa de los Brown, como si fuera una casa de muñecas que se abre, para así revelar en las distintas habitaciones, a los miembros de la familia en sus labores. También, el mural de un árbol pintado en la pared de la escalera de caracol de los Brown, cambia varias veces para reflejar el estado de ánimo de la película.

Fragmentos de un texto de Christy Lemire Sitio oficial de Roger Ebert (rogerebert.com) 16 de enero de 2015 Trad. Karen Salgado Beltrán

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CICLOS

I Retrospectiva agnès varda

Retrospectiva Agnès Varda

Retrospectiva agnès varda

I CICLOS

Programa 1.

Nouvelle vague Un minuto para una imagen. Liliane de Kermadec Une minute pour une image. Liliane de Kermadec | Francia | 1983 | 2 min. | D: Agnès Varda.

«Hay que luchar para no perder el placer, el gusto de hacer cine», decía Agnès Varda en 1986, treinta y dos años después de haber rodado, en 1954, La pointe courte. Aquel trabajo, filmado ya en un estilo próximo al documental, ofrecía el debut tras la cámara de una directora de 26 años, y supuso, por sus métodos de producción y rodaje, por su independencia de espíritu y por la relación de intensa subjetividad que establecía con sus materiales, una obra precursora y de avanzada, antesala directa de la Nouvelle vague, como bien supo detectar André Bazin.

La vida y la filmografía entera de Agnès Varda no ha dejado nunca de luchar por no perder el contacto con lo real. Toda su obra parece estructurada para explorar las fronteras que separan o que relacionan entre sí, al documental y a la ficción. Sin dejar nunca de narrarse a sí misma como método para interrogarse en voz alta sobre la función del creador, o sobre la intermediación del cineasta, esta directora de origen belga y nacida en Bruselas, pero casada con Jacques Demy (al que tributó un emocionado homenaje en Jacquot de Nantes, de 1991), nunca ha dejado de hacer cine y de hacerlo deprisa, con la urgencia propia de aquellos cineastas para quienes hacer cine, y no sólo hacer películas, es la razón de su vida.

Por ello su filmografía no responde a los cánones convencionales ni se limita, tan sólo, a los largometrajes de ficción de formato aparentemente tradicional, como pueden ser La felicidad (Le bonheur (1964) o Les Creatures (1965). Agnès Varda alterna la práctica del cortometraje (el soberbio Ulises, la serie Un minuto para una imagen: 170 filmes de dos minutos, dedicado cada uno a comentar una fotografía), de los experimentos narrativos como Cléo de 5 à 7 (rodada en 1961, donde superpone el tiempo fílmico y el tiempo real), de los ensayos reflexivos (Una canta, la otra no; L'une chante, l'autre pas, 1976), de los falsos documentales que confunden deliberadamente la ficción con la realidad (Documentira, 1980) o de un subjetivo ejercicio meta-narrativo disfrazado de retrato biográfico, como resultó ser su personalísima aproximación a Jane Birkin en Jane B. par Agnès V. (1987).

Su concepción del cine como un ejercicio de libertad existencial, le ha permitido filmar también, a corazón abierto, audaces indagaciones en la libertad íntima del individuo que vive en los márgenes de la colectividad; en el choque entre la subjetividad personal y la percepción social, como resultó ser ese apasionante trabajo de escritura fílmica titulado Sin techo ni ley (1985) con el que ganó el León de Oro en el Festival de Venecia. Sin rendirse jamás a los imperativos del mercado, ha salido a buscar sus propias imágenes en torno a los movimientos políticos radicales (Panteras negras, 1968), por las calles de París (Daguerrotipos, 1975) o en los muros pintados de Los Ángeles (Mur, Muros, 1980). Para Varda, el cine es un instrumento de conocimiento, una manera de descubrir el mundo a través de imágenes vivas y orgánicas.

Selección de una serie de 170 cortometrajes, con duración de uno a dos minutos, creados por Agnès Varda para ser proyectados en televisión. Cada cortometraje presenta una reflexión en torno a una fotografía. Aquí, una imagen de Liliane de Kermadec comentada por Varda.

Cléo de 5 a 7 Cléo de 5 à 7 | Francia | 1961 | 90 min. | D y G: Agnès Varda. F en B/N: Jean Rabier.

M: Michel Legrand. E: Janine Verneau y Pascale Laverrière. Con: Corinne Marchand (Cléo), Antoine Bourseiller (Antoine, el soldado), Dorothée Blank (Dorothée), Michel Legrand (Bob, el pianista), José Luis de Villalonga (el amante). CP: Ciné-Tamaris, Rome Paris Films. Prod: Georges de Beauregard y Carlo Ponti.

Cléo, una frívola cantante y paradigma de belleza, espera los resultados de un estudio médico que podría diagnosticarle cáncer. Pasando de la superstición al miedo, recorrerá las calles de París encontrándose con algunas personas significativas en su vida. Con este retrato, Varda reflexiona lúdicamente sobre las contradicciones entre las posibilidades evocativas de la ficción fílmica y la capacidad del cine para capturar la realidad.

Programa 2. Podría ser cualquier lugar pero es París Tienes unas escaleras hermosas, ¿lo sabes?

T’as de beaux escaliers, tu sais... | Francia | 1986 | 3 min. | D: Agnès Varda.

Para rendir homenaje a la Cinemateca Francesa con motivo de su 50 aniversario, Agnès Varda filmó sus famosas escaleras en un cortometraje. Son 50 pasos que llevan al Musée du Cinéma y descienden hacia el cuarto oscuro donde se proyectan obras maestras de la cinematografía.

Fragmentos de un texto de Carlos Heredero Cultural (elcultural.es) España, abril de 2013

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CICLOS

I Retrospectiva agnès varda

Retrospectiva agnès varda

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Daguerrotipos

Ydessa, los osos y etc...

Daguerréotypes | República Federal de Alemana-Francia | 1975 | 80 min. | D y G: Agnès Varda. F en C: Nurith Aviv y William Lubtchansky. E: Andrée Choty y Gordon Swire.

CP: Institut National de l’Audiovisuel, Zweites Deutsches Fernsehen.

Ydessa, les ours et etc… | Francia | 2004 | 43 min.

D y G: Agnès Varda. F en C: Markus Seitz, John Holosko y Claire Duguet. M: Didier Lockwood e Isabelle Olivier. E: Agnès Varda y Jean-Baptiste Morin. Testimonios: Ydessa Hendeles. CP: Ciné-Tamaris.

Agnès Varda resgistra la calle Daguerre, en el distrito 14 de París. Filma a los comerciantes, al carnicero, la panadera, al tendero de ultramarinos o al peluquero, todos ellos vecinos de un viejo barrio tradicional. La película va más allá de simplemente mostrar la vida apacible del francés medio a mediados de los años 70. Al ver lo que se ve cada día, desde su óptica particular del mundo, Varda hace un homenaje a la belleza cotidiana en todo su esplendor.

Programa 3. Fijar una imagen: cinevardaphoto Un minuto para una imagen.

Jacques-Henri Lartigue Une minute pour une image. Jacques-Henri Lartigue | Francia | 1983 | 2 min. | D: Agnès Varda.

El proyecto Teddy Bear de la coleccionista de arte, Ydessa Hendeles, es una exhibición de miles de fotografías de familias, amigos y niños que aparecen acompañados por osos de peluche. Hija de supervivientes del Holocausto, Hendeles adquirió las fotos durante un periodo de diez años, para finalmente exponerlas como una experiencia de arte contemporáneo.

Ulises Ulysse | Francia | 1982 | 22 min. | D: Agnès Varda.

A la orilla del mar se encuentran una cabra muerta, un niño y un hombre desnudo. Se trata de una fotografía que Agnès Varda tomó en 1954. A partir de esta imagen fija, el cortometraje explora lo imaginario y lo real en una investigación apasionante llevada a cabo por la cineasta treinta años después de realizar la foto.

Fotografía de Jacques-Henri Lartigue comentada por Agnès Varda.

Un minuto para una imagen. Joan Fontcuberta Une minute pour une image. Joan Fontcuberta | Francia | 1983 | 2 min. | D: Agnès Varda.

Fotografía de Joan Fontcuberta comentada por Agnès Varda.

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Hola, cubanos Salut les cubains | Francia | 1963 | 30 min. | D y G: Agnès Varda. F en B/N: Olaf C.S., J. Marqués, Agnès Varda. E: Janine Verneau. Con: Michel Piccoli (narrador). CP: Société Nouvelle Pathé-Cinéma.

Diez años después de la revolución en Cuba, Agnés Varda ofrece una oda a la isla, a su gente, su cultura y a su muy joven estado socialista. Para esto, se vale de animar mil quinientas instantáneas que tomó durante sus vacaciones en este país. Mediante el montaje, la realizadora consigue que las personas retratadas canten y bailen, en lo que ella denomina como «socialismo y cha-cha-chá». El resultado es un cortometraje lleno de energía y esperanza.

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CICLOS

I Retrospectiva agnès varda

Retrospectiva agnès varda Programa 4. El amor, que lo reina todo

Elsa la rosa Elsa la rose | Francia | 1965 | 20 min. | D: Agnès Varda.

I CICLOS

Un minuto para una imagen. Bob Gould Une minute pour une image. Bob Gould | Francia | 1983 | 2 min. | D: Agnès Varda.

Fotografía de Bob Gould comentada por Agnès Varda.

Louis Aragon –novelista, poeta y fundador del surrealismo– narra la historia de su pareja, Elsa Triolet, escritora francesa de origen ruso. Varda registra recuerdos del pasado y el amor de un hombre por su mujer. Imágenes, poemas y diálogos de una pareja cómplice.

La ópera de Mouffe

Las llamadas cariátides

L’Opéra-Mouffe | Francia | 1958 | 17 min | D: Agnès Varda.

Les dites cariatides | Francia | 1984 | 13 min. | D: Agnès Varda.

El cuaderno de notas de una mujer embarazada en el barrio de la Mouffe en París. Los vagabundos y los borrachos sirven para mostrar la contradicción entre esperar un niño, estar llena de esperanza y rondar por un mundo de pobreza y desgracia.

Un documental sobre las cariátides de París, aquellas mujeres estatua, desnudas o semidesnudas, que se encuentran en toda suerte de elementos arquitectónicos. Un retrato de estas figuras, que posiblemente inspiraron a Baudelaire.

Un minuto para una imagen. Gladys

Los novios del puente MacDonald

Une minute pour une image, Gladys | Francia | 1983 | 2 min. | D: Agnès Varda.

Fotografía de Gladys comentada por Agnès Varda.

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Les Fiancés du pont MacDonald | Francia | 1961 | 5 min. | D: Agnès Varda.

Un joven mira la vida en negro cuando usa lentes oscuros. Desde esa perspectiva ve a su novia Anna sufrir una serie de accidentes. Una mini película burlesca incluida en Cléo de 5 a 7 en la que vemos a Jean-Luc Godard sin gafas y a Anna Karina con el cabello rubio.

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CICLOS

I Retrospectiva agnès varda

Retrospectiva agnès varda Programa 5. Lo político es personal

Un minuto para una imagen. Marc Garanger Une minute pour une image. Marc Garanger | Francia | 1983 | 2 min. | D: Agnès Varda.

Fotografía de Marc Garanger comentada por Agnès Varda.

I CICLOS

Tío Yanco Uncle Yanco | Francia | 1967 | 22 min. | D: Agnès Varda.

En los arrabales costeros de San Francisco vive un griego en una gabarra. Él navega y se dedica a pintar ciudades celestes y bizantinas, además de recibir a hippies y contestatarios en su barco. Se trata del tío de Agnès Varda, quien mediante este retrato refleja a una generación a la vez inocente y libertaria.

Un minuto para una imagen. Marc Riboud Une minute pour une image. Marc Riboud | Francia | 1983 | 2 min. | D: Agnès Varda.

Fotografía de Marc Robund comentada por Agnès Varda.

Panteras negras Black Panters | Francia | 1968 | 30 min. | D, G y Prod: Agnès Varda. F en B/N: Paul Aratow, Agnès Varda, David Myers y John Schofill. E: Paddy Monk. CP: Ciné-Tamaris.

Panteras Negras fue rodada en Oakland, California, durante las manifestaciones por el juicio de Huey Newton, líder y cofundador del Black Panther Party. Es un registro de las declaraciones, encuentros y bailes que sucedieron durante una época en que las Panteras Negras inquietaban el escenario político de Estados Unidos.

Respuesta de mujeres (Nuestro cuerpo, nuestro sexo) Réponse de femmes (Notre corps, notre sexe) | Francia | 1975 | 8 min. | D: Agnès Varda.

El canal de televisión francés Antenne 2 encargó a siete mujeres cineastas que respondieran, en siete minutos, a la pregunta «¿Qué es una mujer?». Agnès Varda lo hizo con esta película, en la que registra a mujeres hablando sobre sexo, deseo y publicidad.

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I Retrospectiva agnès varda

Retrospectiva agnès varda Programa 6.

Espejos de la calle

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Programa 9.

Cinescritura

Mur Muros

Los cosechadores y yo

Mur Murs | Francia | 1980 | 81 min. | D y G: Agnès Varda. F en C: Bernard Auroux.

M: Dieterich Buxtehude. E: Sabine Mamou y Bob Gould. CP: Ciné-Tamaris, Antenne 2.

Les Glaneurs et la glaneuse | Francia | 1999 | 82 min. | D y G: Agnès Varda. F en C: Alain Sakot, Hélène Louvart, Arlène Nelson y Agnès Varda. E: Baptiste Filloux, Jean-Baptiste Morin y Agnès Varda. CP: Ciné-Tamaris.

Un documental sobre los “murales” de Los Ángeles, es decir, las pinturas que hay en los muros de esta ciudad. ¿Quién las pinta, quién las paga, quién las mira? Una mirada sobre cómo esta ciudad, capital del cine, se revela a sí misma sin tapujos, a través de sus habitantes y sus muros que murmuran.

Un documental inspirado en las pinturas realistas francesas del siglo XIX de espigadores que recogían granos de cereal o espigas que caían después de la siega. Agnès Varda recorre Francia en busca de recolectores contemporáneos, cosechadores, espigadores, pepenadores, recicladores y gente que hurga en la basura. Ellos han perpetuado y redefinido la tradición de la cosecha como una estrategia de supervivencia.

Programa 7. doDo, cuCu, maman, vas-tu-te TAIRE

Programa 10.

La vida y el mar

Documentira Documenteur | Estados Unidos-Francia | 1981 | 63 min. | D, G y Prod: Agnès Varda.

F en C: Nurith Aviv. E: Sabine Mamou. CP: Ciné-Tamaris.

Émilie es una francesa que vive en Los Ángeles, separada del hombre que ama. Busca un lugar donde vivir, un sitio para ella y para su hijo de ocho años, Martin. Esta película ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Bruselas en 1983.

Programa 8.

Ficciones reales Sin techo ni ley Sans toit ni loi | Francia | 1985 | 105 min. | D y G: Agnès Varda. F en C: Patrick Blossier.

M: Joanna Bruzdowicz. E: Agnès Varda, Patricia Mazuy. Con: Sandrine Bonnaire (Mona Bergeron), Macha Méril (Señora Landier), Stéphane Freiss (ingeniero agrónomo), Yolande Moreau (amante) Patrick Lepczynski (David), Yahiaoui Assouna. CP: Ciné-Tamaris. Prod: Oury Milshtein.

Una joven que vagabundeaba es encontrada muerta, a causa del frío; un acontecimiento de invierno. ¿Se trata de una muerte natural? Es cosa del juez o del sociólogo. ¿Qué podemos saber de ella y cómo reaccionaron quienes dieron con ella? ¿Es posible hacer un retrato de una muchacha difícil de aprehender y cuya actitud es todo rechazo? La cámara va de la mano de Mona, quien narra los últimos dos meses de su errancia.

Las playas de Agnès Les plages d'Agnès | Francia | 2008 | 110 min. | D y G: Agnès Varda. F en C: Alain Sakot, Hélène Louvart, Arlène Nelson. M: Stéphane Vilar y Joanna Bruzdowicz. E: Baptiste Filloux y Jean-Baptiste Morin. Prod: Agnès Varda y Lisa Blok-Linson.

Regresando a las playas que marcaron su vida, Agnès Varda inventa en esta película una forma de autodocumental.

La directora se graba y entra en escena en medio de fragmentos de sus filmes e imágenes. Nos hace compartir, con humor y emoción, su debut como fotógrafa de teatro, luego como cineasta innovadora en la década de los 50, su compromiso feminista, sus viajes a Cuba, China y Estados Unidos, su trayectoria como productora independiente y su amor por las playas.

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I RetROSPECTIVA MAE WEST

RETROSPECTIVA MAE WEST Opulenta de pechos y caderas, rubia mientras se pudo, audaz como pocas mujeres lo han sido en público, Mae West fue en el cine una adelantada a los movimientos a favor de la liberación de la mujer. Un crítico la describió como «Ruidosa, plebeya, irónica, sensual, siempre envuelta en plumas y en joyas», lo que redondea bastante bien a un personaje único que no necesitaba ser redondeado.

Nació en Nueva York en 1892. A los cinco años ya hacía imitaciones, y a los trece comenzó una carrera de actuaciones en el teatro y el vaudeville. Desde 1918 quedó reconocida como estrella en muy diversos escenarios. Se le atribuye la divulgación popular del shimmy, que se realiza con un temblor sostenido de los hombros y de todo el cuerpo.

La carrera teatral de West prosiguió por años. En 1931 le llegó el contrato de Paramount con el que debutaría en el cine. Noche tras noche (1932) fue su primera participación. Entre 1932 y 1935 la actriz llegó a ser la mujer de mayor renumeración en Estados Unidos.

Todo lo que ella escribió e interpretó (en el cine, el teatro y el vaudeville) rondaba los temas del sexo, aplastando a galanes y a testigos con tal abundancia de sobreentendidos y de insinuaciones que los censores llegaron a varias crisis de indignación. Pero no se encontrará en sus películas un solo desnudo ni una sola escena de alcoba. Esos eran materiales prohibidos al cine americano anterior a 1945, cuando Mae West florecía, y justamente por esa carencia resultaban más picantes sus alusiones de situación y diálogo, envueltas en las maneras de una comedia de salón.

El estilo se documenta con docenas de frases, que casi siempre se apoyan en juegos de palabras y que parecen tonterías en sus traducciones. Pero su culminación inmortal fue la línea con que recibe a un pistolero en su camarín, le mira los pantalones y pregunta: «¿Llevas un revólver en ese bolsillo o sólo estás contento de verme?». [En Nació para pecar (1933)].

Contra una tradición de mujeres que se dejaban conquistar, Mae West impuso la agresividad propia, disimulada por un toque de humor. Desde las entrevistas periodísticas, Mae enseñó a las mujeres de su tiempo cómo había que hacer para obtener un hombre y, eventualmente, para librarse de ese hombre, difundiendo así ideas cínicas que divertían a muchos y enfurecían a unos pocos.

En 1943 pareció despedirse del cine con la comedia Sinfonías dislocadas (The Heat’s On). Fuera del cine, prosiguió en el teatro hasta 1959, año de la publicación de su autobiografía. Reapareció en el cine en 1970. Sexiette (1978) es su última película, escrita y protagonizada por ella. Muere a los 86 años de edad en Los Ángeles.

Aun dirigida por realizadores tan competentes como Raoul Walsh, Leo McCarey o Henry Hathaway, es la personalidad de Mae West –un epítome de feminidad con curiosos andares y modos de boxeador (heredados de su padre)– la que domina una obra que avasalló las taquillas y puso en jaque a la censura.

RetROSPECTIVA MAE WEST

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Noche tras noche Night After Night | Estados Unidos | 1932 | 70 min. | D: Archie Mayo. G: Vincent Lawrence, basado en la historia Single Night de Louis Bromfield. F en B/N: Ernest Haller.

Con: Mae West (Maudie Triplett), George Raft (Joe Anton), Constance Cummings (Jerry Healy), Wynne Gibson (Iris Dawn), Alison Skipworth (Mabel Jellyman), Roscoe Karns (Leo), Louis Calhern (Dick Bolton), Bradley Page (Frankie Guard), Al Hill (Blainey). CP: Paramount.

Prod: William LeBaron.

Durante el periodo de la ley seca, un exitoso exboxeador compra un bar clandestino y se enamora de una chica de alta sociedad que no sabe nada sobre su pasado. Su relación se complicará cuando algunas exnovias de sus días de boxeo hagan acto de presencia. La cinta pretendía ser un drama más sobre la prohibición alcohólica, pero terminó siendo más reconocida por ser el debut cinematográfico de Mae West, quien desde un papel secundario se robó las cámaras con su toque de comedia irónica.

Nació para pecar She Done Him Wrong | Estados Unidos | 1933 | 66 min | D: Lowell Sherman. G: Harvey Thew y John Bright, basados en la pieza Diamond Lil de Mae West. F en B/N: Charles Lang. M: John Leipold. E: Alexander Hall. Con: Mae West (Lady Lou), Cary Grant (capitán Cummings), Owen Moore (Chick Clark), Gilbert Roland (Serge Stanieff), Noah Beery (Gus Jordan), David Landau (Dan Flynn), Rafaela Ottiano (Russian Rita). CP: Paramount. Prod: William LeBaron.

Lady Lou (Mae West) es una cantante muy “amigable” con los caballeros, que trabaja en el saloon regentado por Gus Jordan. Un día conoce al apuesto capitán Cummings, quien le advierte que Gus está involucrado en negocios oscuros. Perteneciente al periodo previo al Código Hays, que regulaba los contenidos cinematográficos, la película es la adaptación de una obra teatral que West había representado en Broadway. Los picantes diálogos en entre la actriz y un joven Cary Grant pasaron a la historia del cine.

No soy un ángel I’m No Angel | Estados Unidos | 1933 | 87 min. | D: Wesley Ruggles. G: Mae West. F en B/N: Leo Tover. M: Herman Hand, Howard Jackson, Rudolph G. Kopp, John Leipod, Heinz Roemheld. E: Otho Lovering. Con: Mae West (Tira), Cary Grant (Jack Clayton), Gregory Ratoff (Benny Pinkowitz), Edward Arnold (Big Bill Barton), Ralf Harolde (Slick Wiley), Kent Taylor (Kirk Lawrence), Gertrude Michael (Alicia Hatton). CP: Paramount Pictures. Prod: William LeBaron.

Comedia musical en la que Mae West interpreta a Tira, una cantante de feria con mucho éxito entre los hombres. La actriz se encargó de escribir el guión en el que plasmó varios elementos autobiográficos de sus días como bailarina de vaudeville. La película fue lanzada cuando West era la estrella femenina más popular de Estados Unidos, y dejó frases memorables como aquella que dice: «Cuando soy buena, soy muy buena; pero cuando soy mala, entonces soy mucho mejor».

Fragmentos de un texto de Homero Alsina Thevenet Revista Imágenes núm. 8, ciudad de México, enero de 1981

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I RetROSPECTIVA MAE WEST

RetROSPECTIVA MAE WEST

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No es pecado

Hollywood te llama

Belle of the Nineties | Estados Unidos | 1934 | 73 min. | D: Leo McCarey. G: Mae West sobre su historia It Ain’t No Sin. F en B/N: Karl Struss. M: Howard Jackson, John Leipod, Tom Satterfield. E: LeRoy Stone. Con: Mae West (Ruby Carter), Roger Pryror (Tiger Kid), John Mack Brown (Brooks Claybourne), John Miljan (Ace Lamont), Katherine DeMille (Molly Brant), Duke Ellington (panista). CP: Paramount Pictures. Prod: William LeBaron.

Go West Young Man | Estados Unidos | 1936 | 82 min. | D: Henry Hathaway. G: Mae West basada en el espectáculo cómico Personal Appearance de Laurence Riley. F en B/N: Karl Struss. M: George Stoll, Arthur Johnston, John Burke. E: Ray Curtiss. Con: Mae West (Mavis Arden), Warren William (Morgan), Randolph Scott (Bud Norton), Alice Brady (Mrs. Struthers), Elizabeth Patterson (tía Kate Barnaby), Lyle Talbot (Francis X. Harrigan), Margaret Perry (Joyce). CP: Major Pictures Corp. Prod: Emanuel Cohen, Adolph Zukor.

Mae West interpreta a una cantante de cabaret, Ruby Carter, quien navega por el Mississippi con su espectáculo, tirando adelante en un mundo de hombres. Sin sucumbir ante los comentarios libidinosos de éstos, ella reserva su atención y su afecto a un boxeador apodado Tiger Kid y se debatirá entre el amor de dos hombres que la cortejan ignorando que uno de ellos es un timador sin escrúpulos.

Mavis Arden, actriz puritana por fuera pero desinhibida en privado, comienza un romance con un político. Tras este suceso, su agente hará lo posible para no dejar que continúe esta relación. La historia fue duramente criticada por organizaciones afines a la Liga de la Decencia por la imagen de la mujer y su alusión a los encuentros casuales. La raíz original de este proyecto era realizar una biografía cómica de Catalina la Grande.

Soy una dama Goin’ to Town | Estados Unidos | 1935 | 74 min. | D: Alexander Hall. G: Mae West.

F en B/N: Karl Struss. M: Irving Kahal, Sam Coslow, Sammy Fain. E: LeRoy Stone. Con: Mae West (Cleo Borden), Paul Cavanagh (Edward Carrington), Gilbert Emery (Winslow), Marjorie Gateson (Mrs. Crane Brittony), Ivan Lebedeff (Ivan Valadov), Tito Coral (Taho).

CP: Major Pictures Corp. Prod: William LeBaron.

Una bailarina de salón se enamora y sigue a un topógrafo inglés en una odisea por Buenos Aires. Su humor indecente escandaliza a la alta sociedad, enraizada en las carreras de caballos. Dirigida por Alexander Hall, Mae West comenzaría a construir ciertas bases de la figura de la femme fatale en el cine; por esto mismo, y por caracterizar a los argentinos como gigolós, la cinta fue criticada y censurada por la Liga de la Decencia y algunas otras organizaciones religiosas.

La llama de Alaska Klondike Annie | Estados Unidos | 1936 | 80 min. | D: Raoul Walsh. G: Mae West. F en B/N: George T. Clemens. M: Jimmie Johnson, Robert Burns, Theodore M. Metz, Gene Austin, Joe Hayden. E: Stuart Heisler. Con: Mae West (Rose Carlton / hermana Annie Alden), Victor McLaglen (capitán Bull Brackett), Harold Huber (Chan Lo), Phillip Reed (inspector Jack Forrest), Helen Jerome Eddy (Annie Alden), Harry Beresford (hermano Bowser). CP: Paramount Pictures. Prod: William LeBaron.

Rose Carlton huye a Alaska en un barco, motivada por el asesinato accidental de su esposo, haciéndose pasar por Annie, una misionera. Sin embargo, podría ser descubierta por el inspector encargado del caso. Encaminada por el director Raoul Walsh, Mae West encarna a una mujer liberal e intrigante, pero con un sentido humanitario acorde a los valores de la sociedad estadounidense de aquella época, en vísperas del optimismo generado por Franklin D. Roosevelt tras la Gran Depresión.

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Curvas y balas My Little Chickadee | Estados Unidos | 1940 | 83 min. | D: Edward F. Cline. G: Mae West, W.C. Fields. F en B/N: Joseph A. Valentine.

M: Charles Previn, Frank Skinner. E: Edward Curtiss. Con: Mae West (Flower Belle Lee), W.C. Fields (Cuthbert J. Twillie), Joseph Calleia (Jeff Badger), Dick Foran (Wayne Carter), Ruth Donnelly (tía Lou), Margaret Hamilton (Mrs. Gideon). CP: Universal Pictures Co. Prod: Lester Cowan, Jack J. Gross.

Un año después de reunir a James Stewart y Marlene Dietrich en el western Mujer o demonio (Destry Rides Again, 1939), la Universal decidió repetir esta fórmula, ahora con W.C. Fields y Mae West, en una parodia de la misma cinta, centrada en Flower Belle Lee, quien se casa por dinero con el estafador Cuthbert J. Twille. Al llegar a Greasewood City, una serie de acontecimientos complicarán su estadía en el lugar.

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I DE LA MUESTRA AL PREMIO MEZCAL

DE LA MUESTRA AL PREMIO MEZCAL

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De la Muestra al Premio Mezcal

Cabeza de Vaca

La Muestra de Cine Mexicano en Guadalajara nace en las peores condiciones de producción de nuestro cine. Es el año de 1986 y un grupo de entusiastas cinéfilos encabezados por Jaime Humberto Hermosillo y Emilio García Riera busca crear nuevas formas de promoción para el cine y los cineastas. Los cimientos parecen frágiles, y sin embargo la convocatoria encuentra una coyuntura particularmente favorable. Al finalizar la década de los 80, el prestigio de la Muestra es una realidad. La frase de “cita obligada” se reproduce a lo largo de la siguiente década y en cada edición hay una serie de logros concretos: una mayor participación de películas mexicanas en el extranjero, un manifiesto interés del público de Guadalajara y, apoyados en las investigaciones del Centro de Investigación y Estudios Cinematográficos (CIEC), una oferta editorial atractiva y que permite darle a los homenajes y retrospectivas una perspectiva más amplia.

Con el regreso del público a las salas donde exhiben películas mexicanas y el surgimiento de una nueva generación de cineastas, la Muestra es un esfuerzo que conquista un espacio propio, en un ambiente de renovación y, digamos, optimismo. Los propios organizadores de la Muestra van generando diversas iniciativas, formas de exhibición y discusiones de tal manera que la agenda se vuelve cada vez más ambiciosa. En un singular proceso de construcción en la edición 20 la Muestra se transforma en el Festival de Cine y en un Festival que abarca a las producciones de Iberoamérica.

En la edición 24 las dimensiones del Festival son impresionantes. En esa edición ocurren las primeras experiencias del Talent Campus y el Doculab; cabe mencionar que en esa edición la sección de Industria y Mercado está plenamente consolidada. A nivel continental es el esfuerzo más ambicioso de promoción. Cabe apuntar también que en ese año (2009) ya existen otros festivales de cine en el interior de la república y en la ciudad de México; el escenario de la producción mexicana también es diferente.

Estas tres décadas permiten hacer un corte de caja, si bien la programación de la Muestra ha buscado la diversidad de estilos y formas de entender al relato cinematográfico, lo cierto es que lo que se entiende como cine de autor es uno de los mejores hilos conductores que nos permiten apreciar a nuestra cinematografía. Ha sido en Guadalajara donde proyectos tan complicados como Cabeza de Vaca (producción cancelada de último minuto en el IMCINE de Soto Izquierdo) tuvieron su primera proyección; también se presentaron los trabajos de madurez de cineastas como Arturo Ripstein; sin embargo es el escenario ideal para el descubrimiento de directores emergentes como en su momento lo fueron Carlos Bolado, Fernando Eimbcke, Gerardo Naranjo y Gabriel Mariño, cuyas primeras películas son parte entrañable de nuestra formación como cinéfilos.

Es un honor que la Cineteca Nacional nos acompañe en este recuento.

Con una fructífera carrera en el documental, Nicolás Echevarría debutó en el largometraje de ficción con esta cinta en la cual se narran las experiencias de Álvar Núñez Cabeza de Vaca, tesorero de la Corona Española, al naufragar en el norte de México después de una expedición a la Florida en 1542.

Combinando la reconstrucción histórica con la ficción, el director recrea gran parte de las crónicas de este español.

Gerardo Salcedo Director de Programación del Festival Internacional de Cine en Guadalajara

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PROGRAMA MENSUAL

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México | 1991 | 112 min. | D: Nicolás Echevarría. G: Nicolás Echeverría y Guillermo Sheridan, inspirados en las memorias y el texto Naufragios de Álvar Núñez Cabeza de Vaca. F en C: Guillermo Navarro. M: Mario Lavista. E: Rafael Castanedo. Con: Juan Diego (Álvar Núñez Cabeza de Vaca), Daniel Giménez Cacho (Dorantes), Roberto Sosa (Cascabel/ Araino), Carlos Castañón (Castillo), Gerardo Villareal (Estebanico), Roberto Cobo (Lozoya).

CP: Iguana Producciones, IMCINE, Universidad de Guadalajara. Prod: Rafael Cruz, Julio Solórzano Foppa, Jorge Sánchez, Bertha Navarro.

Principio y fin México | 1993 | 110 min. | D: Arturo Ripstein. G: Paz Alicia Garciadiego, inspirada en la novela homónima de Naguib Mahfuz. F en C: Claudio Rocha. M: Lucía Álvarez. E: Rafael Castanedo. Con: Julieta Egurrola (Ignacia Botero), Ernesto Laguardia (Gabriel Botero), Bruno Bichir (Nicolás), Lucía Muñoz (Mireya), Alberto Estrella (Guama), Luis Felipe Tovar (César), Ernesto Yáñez (El Polvorón). CP: Alameda Films, IMCINE, Universidad de Guadalajara. Prod: Arturo Ripstein, Jr.

Al morir el patriarca de una familia, la madre decide el destino de los hijos, con fatales consecuencias. El melodrama familiar, género esencial del cine mexicano, da un violento giro hacia la tragedia en esta película que traslada una historia original del egipcio Naguib Mahfuz de las calles de El Cairo a la clase media empobrecida de la ciudad de México. Filmada en elegantes planos secuencia, la cinta obtuvo la Concha de Oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1993.

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I DE LA MUESTRA AL PREMIO MEZCAL

DE LA MUESTRA AL PREMIO MEZCAL

I CICLOS

Bajo California, el límite del tiempo México | 1998 | 96 min. | D y E: Carlos Bolado. G: Carlos Bolado y Ariel García. F en C: Claudio Rocha y Rafael Ortega. M: Antonio Fernández Ros. Con: Damián Alcázar (Damián Ojeda), Jesús Ochoa (Arce), Fernando Torre-Laphan (viejo), Gabriel Retes (caminante), Claudette Maille (esposa de Damián), Ángel Nozagaray (judicial). CP: C/Producciones, Producciones Sincronía, CONACULTA, IMCINE. Prod: Carlos Bolado, Salvador Aguirre.

Ganadora de siete Premios Ariel y merecedora del Premio del Jurado en la 13° Muestra de Cine Mexicano en Guadalajara, la opera prima de Carlos Bolado es una incursión a la vida de Damián Ojeda, un artista plástico chicano que viaja por las costas de Baja California buscando sus orígenes. En esta road movie, el director plasma la odisea física y espiritual de un hombre cuyo motivo, aparentemente, es la expiación de una culpa.

Voy a explotar México | 2008 | 106 min. | D y G: Gerardo Naranjo. F en C: Tobias Datum. E: Yibrán Asuad Mújica. Con: María Deschamps (Maru), Juan Pablo Hernández (Román), Daniel Giménez Cacho (Diputado Eugenio Valadez), Rebecca Jones (Eva), Martha Claudia Moreno (Elena). CP: Cinematográfica Revolcadero, CANANA, FIDECINE, Verisimilitude. Prod: Pablo Cruz, Gerardo Naranjo, Hunter Gray, Alain de la Mata.

La rebelión contra el mundo y un escape a ningún lugar, son las premisas de Maru y Román, dos adolescentes quienes emprenden una aventura al huir de sus casas. Ovacionada en el Festival de Cine de Berlín, Voy a explotar presenta una reflexión sobre la juventud, a partir de un choque de mundos donde la intimidad, la amistad y la confusión se entremezclan en contraposición al universo de los adultos.

Un mundo secreto México | 2011 | 87 min. | D y G: Gabriel Mariño. F en C: Iván Hernández. M: Andrés Sánchez. E: Pedro G. García, Gabriel Mariño. Con: Lucía Uribe (María), Roberto Mares, Olivia Lagunas. CP: Sobrevivientes Films, Coopoerativa Un Mundo, Centro de Capacitación Cinematográfica, Agencia SHA, Bambú Audiovisual. Prod: Tatiana Graullera, Jesús Magaña, Érika Ávila, Ernesto Contreras, Jorge Aragón.

Temporada de patos México | 2004 | 90 min. | D: Fernando Eimbcke. G: Fernando Eimbcke y Paula Markovitch. F en B/N: Alexis Zabé. M: Alejandro Rosso, Liquits. E: Mariana Rodríguez. Con: Diego Cataño (Moko), Daniel Miranda (Flama), Enrique Arreola (Ulises), Danny Perea (Rita), Carolina Politi (mamá de Flama). CP: Cinepantera, Lulú Producciones, Esperanto Films, IMCINE, Fidecine, Titán Producciones. Prod: Jaime Bernardo Ramos, Frida Torresblanco, Christian Valdelièvre.

Inspirada en el cine de Yasujirō Ozu, Temporada de patos relata la historia de dos adolescentes, quienes junto a su vecina y un repartidor de pizzas, tratan de encontrarle sentido a sus vidas en un departamento de Tlatelolco. Filmada bajo una estética minimalista, y con precisas imágenes en blanco y negro, el primer largometraje de Fernando Eimbcke es capaz de transmitir el hastío de sus protagonistas. Premiada en el Festival de Guadalajara, obtuvo también el Ariel a la mejor opera prima en 2004.

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El último día de clases de María será el principio de un viaje. En el camino, de la caótica ciudad de México a los majestuosos paisajes de Baja California, encontrará el amor, la compasión y el compañerismo que la guiarán a un mundo secreto. Presente en el Foro Internacional de la Cineteca, y premiada en el Festival de Guadalajara y en el Encuentro de Cines de América Latina de Toulouse, la cinta de Gabriel Mariño se construye como un poema visual, guiado gracias al peculiar diario de su protagonista.

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I AMBULANTE 2015 : DICTATOR'S CUT

Ambulante 2015: Dictator’s Cut

AMBULANTE 2015: DICTATOR'S CUT

I CICLOS

Bronx Obama Estados Unidos | 2012 | 6 min. | D: Ryan Murdock.

Ryan Murdock sigue la vida de Louis Ortiz, un hombre del Bronx que, al hacerse una transformación física, descubre su parecido con el presidente de los Estados Unidos, Barack Obama.

Llévate mis amores Demonstration | España-Rusia | 2013 | 66 min. | D: Victor Kossakovsky con 32 estudiantes del Máster en Documental de Creación del IDEC-Universitat Pompeu Fabra de Barcelona. F en C: 32 estudiantes del Máster en Documental de Creación del IDECUniversitat Pompeu Fabra de Barcelona. M: Ludwig Minkus. E: Victor Kossakovsky. CP: Kossakovsky Films. Prod: Victor Kossakovsky, Jordi Balló.

Citizenfour Estados Unidos-Alemania | 2014 | 114 min. | D y G: Laura Poitras. F en C: Laura Poitras, Kirsten Johnson, Katy Scoggin, Trevor Paglen. M: Hans Schumann. E: Mathilde Bonnefoy. Testimonios: Edward Snowden, Glenn Greenwald, William Binney, Jacob Appelbaum, Julian Assange. CP: Praxis Films. Prod: Laura Poitras, Mathilde Bonnefoy, Dirk Wilutzky.

Mientras se encontraba investigando para un documental sobre la privacidad y los abusos en este rubro por parte del gobierno estadounidense, la realizadora Laura Poitras comenzó a recibir mensajes encriptados de un tal “Citizenfour” en la primavera de 2013. Llegando hasta Hong Kong en busca de pistas, descubriría que este usuario sería Edward Snowden. Este documental, nominado al Óscar, relata ese encuentro, cuya sensación de angustia y paranoia evocan al “panóptico” del filósofo Jeremy Bentham.

Camaleón

Manifestación

Chameleon | Canadá | 2014 | 78 min. | D, G, F en C y E: Ryan Mullins. M: Florencia Di Concilio. CP: EyeSteelFilm. Prod: Bob Moore, Mila Aung-Thwin.

México | 2014 | 90 min. | D y G: Arturo González Villaseñor. F en C: Juan Antonio Mecalco Cruz. M: Muna Zul. E: Lucrecia Gutiérrez Maupomé. CP: Acanto Films, Pimienta Films, UAM-Xochimilco. Prod: Indira Cato.

Conocido como el James Bond del periodismo de investigación en Ghana, Anas Aremeyaw Anas manipula su identidad y cambia su imagen para registrar y denunciar, de manera directa, casos de tráfico de personas, corrupción y extorsiones en su país. Aún sin un rostro conocido por el público y sus lectores, Camaleón revela el compromiso de este hombre, infame por sus métodos poco ortodoxos.

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PROGRAMA MENSUAL

I

Llévate mis amores es un acercamiento íntimo y conmovedor a Las Patronas, un grupo de mujeres cuyo motivo es regalar comida y agua a los cientos de migrantes que diariamente cruzan el país sobre el tren conocido como La Bestia. Ganadora del Premio México Primero en el Festival de Cine de Los Cabos, esta historia surge como un diario sobre la solidaridad y el cariño de estas mujeres, en contraste con la violencia que, muchas veces, sufren aquellos que viajan sobre las vías.

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El 29 de marzo de 2012, cientos de personas salieron a manifestarse en Barcelona contra el plan de austeridad promulgado por el gobierno español.

Mientras impartía un taller en la Universidad Pompeu Fabra, Victor Kossakovsky decidió, junto a 32 estudiantes, registrar dicha protesta. Utilizando la partitura Don Quijote de Ludwig Minkus como banda sonora, Kossakovsky construye un filme-ballet de la protesta, vista desde diversas perspectivas humorísticas y críticas de ambos bandos de la lucha.

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CICLOS

I AMBULANTE 2015 : DICTATOR'S CUT La muerte de Jaime Roldós Ecuador-Argentina | 2013 | 125 min. | D y Prod: Manolo Sarmiento y Lisandra I. Rivera. G: Daniel Andrade, Manolo Sarmiento. F en C: Daniel Andrade. E: Manoela Ziggiatti, Sergio Venturini. CP: Corporación La Maquinita, M&S.

Ganadora del Premio García Márquez de Periodismo, la cinta explora la repentina muerte del presidente Jaime Roldós en un sospechoso accidente de avión; un hecho que estremeció a Ecuador en 1981. Descrito por el propio Márquez como un «presidente de corazón generoso», Roldós había buscado el liderazgo democrático de un continente sometido al poder de brutales dictaduras militares. Este relato surge como una voz de un país silenciado por el papel que juega la verdad oficial.

Hombre sombra Shado’man | Países Bajos | 2013 | 87 min. | D, G, F en C y E: Boris Gerrets. CP: Pieter Van Huystee Film, IKON, Les Films D’Ici, Pippaciné. Prod: Pieter van Huijstee.

Hombre sombra es un diario cinematográfico sobre seis jóvenes que viven en las calles de Freetown, Sierra Leona. El director se adentra en el mundo interior de cada personaje para ir develando su realidad, definida desde las condiciones precarias en las que viven. Sin embargo, la cinta pone énfasis en la dignidad y la supervivencia de estos chicos, ante un país que, al parecer, ofrece pocas oportunidades de una mejor calidad de vida.

Leymah Gbowee: el sueño Leymah Gbowee: the dream | Estados Unidos | 2014 | 17 min. | D: Errol Morris.

Como parte del proyecto Tres cortometrajes sobre la paz del New York Times, Errol Morris construye una imagen de Leymah Gbowwe, quien a través de su activismo político para derrocar al dictador de Liberia (Charles G. Taylor), fue capaz de reestablecer su propia fe en la humanidad. Ganadora del Premio Nobel de la Paz en 2011, sus acciones condujeron al fin de una guerra civil en Liberia, y facilitaron el camino para la elección de la primera presidenta en el continente africano.

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PROGRAMA MENSUAL

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I ficunam 2015

ficunam 2015

FICUNAM 2015 El Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM) es un festival cinematográfico organizado por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

FICUNAM se ha consolidado, desde su primera edición, como un espacio de exhibición capaz de integrar las diferentes direcciones del cine contemporáneo y de reunirlas en un espacio no sólo de muestra, sino también de difusión, discusión, formación, estudio y encuentro profesional.

El festival no es una vitrina más de este arte: es también un seleccionador, catalizador y foro de análisis y discusión cinematográfica. FICUNAM privilegia la proyección de cine independiente de corte autoral nacional e internacional y tiene un particular interés por el cine realizado bajo innovadores modelos de producción.

En el contexto de su edición 2015, parte de la programación de FICUNAM (dos películas de la sección competitiva y dos más de la retrospectiva al cineasta bielorruso Serguéi Loznitsa) se exhibe en salas de la Cineteca Nacional en febrero.

I CICLOS

Liquidación Poselenie | Rusia | 2001 | 80 min. | D: Serguéi Loznitsa. F en B/N: Pavel Kostomarov.

CP: St. Petersburg Documentary Film Studios. Prod: Viacheslav Telnov.

Los habitantes de una extraña comunidad del campo ruso están involucrados en el trabajo diario de una granja. Sin embargo, a medida que la película avanza, el espectador se dará cuenta que los trabajadores no son lo que aparentan, pues sus tareas tienen otro tipo de propósitos. Cubierta con los sonidos y ritmos de la vida rural, la película es una parábola de la sociedad post soviética y un testimonio de la importancia de la naturaleza en la vida moderna.

Court India | 2014 | 116 min. | D y G: Chaitanya Tamhane. F en C: Mrinal Desai. M: Sambhaji Bhagat. E: Rikhav Desai. Con: Vira Sathidar (Narayan Kamble), Usha Bane (Sharmila Pawar), Vivek Gomber (Vinay Vora), Pradeep Joshi (juez), Geetanjali Kulkami (procurador), Shirish Pawar (Subodh). CP: Zoo Entertainment. Prod: Vivek Gomber, B.S. Narayanaswamy.

Ganador del Premio Horizontes a la Mejor Película en el Festival de Venecia en 2014, Court, primer largometraje del debutante Chaitanya Tamhane, denuncia los procesos judiciales de India. Filmado en Bombai, emerge como un agudo comentario sobre la clase política, la educación y el acceso al poder, sustentado a partir de la historia de Narayan Kamble, un profesor y cantautor acusado de incitar el suicidio de un trabajador del gobierno.

Amor Fou Austria-Luxemburgo-Alemania | 2014 | 96 min. | D y G: Jessica Haussner. F en C: Martin Gschlacht. E: Karina Ressler. Con: Birte Schnoeink (Henriette), Christian Friedel (Heinrich), Sthepan Grossmann (Friedrich Louis Vogel), Sandra Hüller (Marie), Holger Handtke, Barbara Schnitzler. CP: Coop99 Filmproduktion, AMOUR FOR Luxemborug, Essential Filmproduktion. Prod: Martin Gschlacht, Antonin Svoboda, Bruno Wagner, Bady Minck, Alexander Dumreicher-Ivanceanu, Philippe Bober.

Maidan Ucrania-Países Bajos | 2014 | 130 min. | D y G: Serguéi Loznitsa. F en C: Serguéi Loznitsa, Sergiy Stefan Stetsenko, Mykhailo Yelchev. E: Danielius Kokanauskis, Serguéi Loznitsa. CP: The Netherlands Film Fund, Against Gravity. Prod: Serguéi Loznitsa, Maria Baker.

Amor Fou es la historia de los últimos días del poeta Heinrich von Kleist antes de su muerte. Encuadrada a principios del siglo XVIII en Berlín, el cuarto largometraje de Jessica Haussner presenta el encuentro entre el poeta y su devota Henriette Vogel, a partir de un siniestro y curioso pacto. Con un humor turbio, la cinta es una pieza emotiva y oscura, enraizada en valores contrapuestos como el amor y la muerte, la vitalidad y la fatalidad.

Este documental hace una crónica del levantamiento civil en contra del régimen del presidente ucraniano Víctor Yanukovych que tuvo lugar en Kiev a finales del 2013. La película sigue el progreso de la revolución, desde las marchas pacíficas en la plaza de Maiden a las sangrientas batallas entre los inconformes y la policía. Maiden formó parte de la selección oficial del pasado Festival de Cannes.

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CICLOS

I clásicos en pantalla grande

clásicos en pantalla grande

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Viaje a Italia Viaggio in Italia | Francia-Italia | 1953 | 80 min. | D: Roberto Rossellini. G: Roberto Rossellini y Vitaliano Brancati, inspirados en la novela Dúo de Colette. F en B/N: Enzo Serafin.

M: Renzo Rossellini. E: Iolanda Benvenuti. Con: Ingrid Bergman (Katherine Joyce), George Sanders (Alexander Joyce), Maria Mauban (Marie), Anna Proclemer (prostituta), Paul Muller (Paul Dupont), Leslie Daniels (Tony Burton), Jackie Frost (Betty). CP: Italiafilm, Junior Film, Sveva Film, Les Films Ariane, Francinex. Prod: Adolfo Fossataro. PC: Cineteca Nacional.

Un matrimonio viaja a Nápoles. En el trayecto, ambos se percatan de cuán ajenos son el uno hacia el otro, iniciando así una espiral de desamor. Más que retratar el crepúsculo de una pareja, esta es una reflexión acerca del amor llevado a los umbrales de la espiritualidad. En apariencia un melodrama romántico, el filme es considerado como una obra de notoria modernidad que rompió el clasicismo del cine italiano e impulsó a dicha cinematografía hacia las profundidades existencialistas de maestros como Antonioni.

Hamlet Reino Unido | 1947 | 155 min. | D: Laurence Olivier. G: Laurence Olivier inspirado en la pieza teatral homónima de William Shakespeare. F en B/N: Desmond Dickinson. M: William Walton. E: Helga Cranston. Con: Laurence Olivier (Hamlet, príncipe de Dinamarca / voz del fantasma), Basil Sydney (Claudio), Felix Aylmer (Polonio), Norman Woolland (Horacio), Terence Morgan (Laertes), Eileen Herlie (reina Gertrudis), Jean Simmons (Ofelia). CP: Two Cities Films. Prod: Laurence Olivier.

Hamlet prepara su venganza luego de que el fantasma del rey, su padre, le habla de su asesinato consumado en complicidad entre su madre y su tío. Fotografiada con audacia para conseguir «una imagen majestuosa y poética que estuviera a la altura del verso», según el propio Olivier, resulta una de las mejores adaptaciones cinematográficas de la obra clásica de Shakespeare, ganadora de cuatro premios Óscar en 1948, incluyendo mejor película y actor.

Río Bravo Rio Bravo | Estados Unidos | 1958 | 141 min. | D y Prod: Howard Hawks. G: Jules Furthman y Leigh Brackett, sobre un argumento de B.H. McCampbell. F en C: Russell Harlan. M: Dimitri Tiomkin. E: Folmar Blangsted. Con: John Wayne (alguacil John T. Chance), Dean Martin (Dude), Ricky Nelson (Colorado Ryan), Angie Dickinson (Plumas), Walter Brennan (Stumpy), Pedro González (Carlos), John Russell (Nathan Burdette). CP: Warner Bros. Pictures, Armada Productions.

Un criminal es encarcelado en la humilde prisión del pueblo de Presidio, Texas, a orillas del Río Bravo. Sus custodios son el sheriff John Chance y su asistente Dude, quien intenta dejar atrás su alcoholismo. El hermano del detenido, un conocido matón, luchará por liberar a su hermano, poniendo a prueba la inteligencia de sus captores para impedirlo. Un clásico western en el cual la camaradería masculina trasciende las connotaciones machistas para volverse una herramienta en la lucha del bien contra el mal.

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Bonnie y Clyde Bonnie and Clyde | Estados Unidos | 1967 | 111 min. | D: Arthur Penn. G: David Newman y Robert Benton. F en C: Burnett Guffey.

M: Charles Strouse. E: Dede Allen. Con: Warren Beatty (Clyde Barrow), Faye Dunaway (Bonnie Parker), Michael J. Pollard (C.W. Moss), Gene Hackman (Buck Barrow), Estelle Parsons (Blanche), Denver Pyle (Frank Hamer), Dub Taylor (Ivan Moss). CP: Warner Bros., Seven Arts, Tatira-Hiller Productions. Prod: Warren Beatty.

La pareja de criminales más famosa de Estados Unidos se convirtió en una leyenda después de esta película, la cual es considerada un parteaguas en la historia de Hollywood debido a la ruptura de tabús como el sexo y la violencia en el cine. Durante la década de los 30, en tiempos de la Gran Depresión, Bonnie Parker es una joven camarera cuya vida cambiará el día que conoce a Clyde Barrow. Juntos encabezarán a una banda de jóvenes delincuentes que se especializarán en el robo a bancos y en burlar a las autoridades.

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AL AIRE LIBRE

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I AL AIRE LIBRE Gerhard Richter, pintor Gerhard Richter - Painting | Alemania | 2011 | 97 min. | D y G: Corinna Belz. F en C: Johann Feindt, Dieter Stürmer y Frank Kranstedt. M: Stefan Nilsson. E: Stephan Krumbiegel. Testimonios: Gerhard Richter, Norbert Arns, Hubert Becker, Sabine Moritz-Richter, Konstanze Ell, Marian Goodman, Benjamin Buchloh, Kasper König. CP: Zero One Film.

Prod: Thomas Kufus. PC: Cineteca Nacional.

Considerado uno de los más importantes artistas plásticos del mundo, Gerhard Richter ha experimentado durante medio siglo con una tremenda gama de técnicas e ideas, representando crisis históricas y analizando las formas de representación existentes de los medios masivos de comunicación. Este documental, retrato de un artista que se vuelve por sí mismo una obra de arte, hace una crónica de su proceso creativo, yuxtapuesto con escenas inéditas de su vida cotidiana y otros materiales de archivo.

Pina Alemania-Francia-Reino Unido | 2011 | 103 min. | D y G: Wim Wenders. F en C: Hélène Louvart y Jörg Widmer. M: Thom Hanreich. E: Toni Froschhammer. Con: Regina Advento, Malou Airaudo, Ruth Amarante, Jorge Puerta, Rainer Behr, Andrey Berezin, Damiano Ottavio Bigi, Bénédicte Billet, Ales Cucek. CP: Neue Road Movies. Prod: GianPiero Ringel, Erwin M. Schmidt, Wim Wenders.

La casa de la radio La maison de la radio | Francia-Japón | 2012 | 103 min. | D, G y E: Nicolas Philibert. F en C: Katell Djian. CP: Les Films d’ici, Arte France Cinéma, Longride. Prod: Virginie Guibbaud, Norio Hatano y Serge Lalou. PC: Cineteca Nacional.

La casa de la radio es una inmersión en el corazón de una de las estaciones radiofónicas más antiguas y prestigiosas de Europa, Radio France, con sede en París, Francia. Realizado en seis meses, el documental presenta un retrato íntimo y emotivo de un día en la vida del icónico recinto circular que alberga a la radiodifusora. De un amanecer a otro, Nicolas Philibert, nos lleva a través de los pasillos y al interior de las cabinas de locución, donde presentadores, periodistas e invitados interactúan con muy distintos públicos.

Liv & Ingmar Liv & Ingmar: Painfully Connected | Noruega-Suecia-Reino Unido | 2012 | 89 min. | D y G: Dheeraj Akolkar. F en C: Hallvard Bræin. M: Stefan Nilsson. E: Tushar Ghogale.

Testimonios: Liv Ullmann. CP: NordicStories, Vardo Films. Prod: Rune H. Trondsen.

PC: Cineteca Nacional.

Este documental es un relato afectuoso pero veraz de los 42 años de relación entre la legendaria actriz Liv Ullmann y el cineasta Ingmar Bergman.

Contada desde el punto de vista de Liv, narra a través de un collage de imágenes y sonidos que incluyen fragmentos de las 12 películas que hicieron juntos, fotografías y escenas detrás de las cámaras. Esta película es un homenaje no sólo a dos de los más grandes artistas de nuestro tiempo, sino también a dos amigos inseparables.

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Wim Wenders y la coreógrafa y bailarina Pina Bausch, emprendieron este proyecto interdisciplinario con la idea de capturar la obra de Bausch y redimensionarla en 3D. Dos días antes de empezar el rodaje Pina muere y el filme, estancado en un principio e impulsado por familiares y compañeros después, se convierte en un homenaje a manos ––o deberíamos decir cuerpos– de sus colegas del Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. El documental refleja su ausencia y al mismo tiempo muestra el potente legado de la artista.

Serrat y Sabina.

El símbolo y el cuate España | 2013 | 82 min. | D y G: Francesc Relea. F en C: Carlos Carcas y Carles Mestres. M: Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina. E: Carlos Prieto. Con: Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina, Carlos Ares, Estefanía Becker, Pedro Benavente, Roberto Burns, Mariano Carnicer, Jimena Coronado, Ricardo Darín, Estela de Carlotto, Teresa Fuller. CP: What’s up Doc., Lastor Media. Prod: Isabel Jubert y Tono Folguera.

Documental que sigue el viaje de los amigos y cómplices Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina a través de América Latina. La película se remonta varias décadas atrás, cuando los dos artistas descubrieron aquel continente, con el que mantienen una larga historia de amor. Serrat es el símbolo para toda una generación que le venera como un referente. Sabina es otra cosa: es el cuate, esa palabra tan mexicana que describe el amigo, el colega, el cómplice.

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AL AIRE LIBRE

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I AL AIRE LIBRE Exit Through the Gift Shop: Una película de Banksy Exit Through the Gift Shop | Estados Unidos-Reino Unido | 2010 | 87 min. | D: Banksy. M: Geoff Barrow, Roni Size. E: Tom Fulford, Chris King. Con: Banksy, Thierry Guetta/Mr. Brainwash, Debora Guetta, Space Invader, Monsieur André, Zeus, Shepard Fairey, Ron English. CP: Paranoid Pictures. Prod: Jaimie D’Cruz.

Bansky, el artista urbano más reconocido y famoso por sus irreverentes intervenciones en calles de varias ciudades del mundo y cuya identidad se mantiene estrictamente en el anonimato, presenta en su primera incursión cinematográfica, una reflexión sobre los absurdos que rodean a la cada vez más mercantilista escena del arte. El documental sigue los pasos de Thierry Guetta, un camarógrafo que decide registrar a varios exponentes del street art, hasta que él mismo se sumerge en el mundo del stencil con aerosol.

Buscando a Sugarman Searching for Sugar Man | Suecia-Reino Unido | 2012 | 86 min. | D, G y E: Malik Bendjelloul. F en C: Camilla Skagerström. M: Rodriguez. Con: Stephen Sugar Segerman, Craig Bartholomew Strydom, Dennis Coffey, Mike Theodore, Steve Rowland, Clarence Avant, Sixto Rodriguez, Eva Rodriguez. CP: Red Box Films, Passion Pictures. Prod: Malik Bendjelloul y Simon Chinn.

En 1968, en un bar de Detroit, dos productores fueron encantados por un carismático compositor de ascendencia mexicana: Rodriguez. Pensando que habían encontrado a un héroe de la música folk, produjeron dos discos con él. A pesar de las buenas críticas obtenidas por Cold Fact, el primero de ellos, el disco fue un desastre comercial y marcó el fin de su carrera discográfica. Rodríguez se hundió en la oscuridad sin saber que a miles de kilómetros de distancia, en Sudáfrica, su música e influencia política abanderaban una revolución.

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Apunte y dispare Point and Shoot | Estados Unidos | 2014 | 83 min. | D, G y E: Marshall Curry. F en C: Alan Jacobsen y Matthew Vandyke. M: James Baxter y The National. Con: Matthew Vandyke. CP: Marshall Curry Productions, P.O.V./American Documentary, ITVS. Prod: Marshall Curry, Elizabeth Martin y Matthew Vandyke.

En 2006, Matt VanDyke, un tímido joven de 26 años con trastorno obsesivo-compulsivo dejó su hogar en Baltimore, Estados Unidos, compró una motocicleta, una cámara de video y comenzó un viaje a través del norte de África y Medio Oriente. Al detonarse la revolución en Libia, Matt se unió a la resistencia contra Muamar el Gadafi, filmando y luchando en la guerra. Esta película ganó el premio al mejor documental en la 13ª edición del festival de cine de Tribeca, Nueva York.

Los dos Escobar

Urbanizado

Colombia-Estados Unidos | 2010 | 104 min. | D, G y Prod: Jeff y Michael Zimbalist. F en C: Jeff Zimbalist. M: Ion Furjanic. E: Jeff Zimbalist y Greg O’Toole. Con: Apunt4María Ester Escobar, Francisco Maturana, Alexis García, Jaime Gaviria, Jhon Jairo Velásquez, Rubén Dario, Juan José Bellini, Fernando Rodríguez, Eduardo Rojo, Leonel Álvarez, Luz María Escobar, Fernando Brito. CP: All Rise Films.

Urbanized | Estados Unidos-Reino Unido | 2011 | 85 min. | D, G y Prod: Gary Hustwit. F en C: Luke Geissbuhler. M: Kristian Dunn. E: Shelby Siegel, Michael Culyba.

Con: Udo Andriof, Alejandro Aravena, Jon Bird, Amanda Burden, Ricky Burdett, Candy Chang, Yung Ho Chang, Noah Chasin, James Corner, Mark Covington, Joshua David, Ellen Dunham-Jones. CP: Swiss Dots.

Los dos Escobar investiga la unión secreta entre el delito y el deporte, descubriendo las sorprendentes conexiones entre el asesinato de Andrés Escobar, capitán y representante de la selección de futbol colombiana en la Copa Mundial de 1994, y el de Pablo Escobar, el magnate del narcotráfico colombiano de la misma época.

A través de la exploración de diversos proyectos urbanos en decenas de ciudades alrededor del mundo, este documental enmarca el debate sobre el futuro de las ciudades. El filme, centrado en el diseño de numerosas urbes, nos muestra el trabajo y los testimonios de algunos de los arquitectos más prestigiosos del mundo. Tercera parte de la trilogía de Gary Hustwit acerca del papel del diseño en el mundo contemporáneo, tras Helvética (2007) y Objectified (2009), sobre diseño tipográfico e industrial respectivamente.

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F U N C I Ó N E S P EC I A L

I narárachi

Narárachi México, 2014, 85 min.

D y Prod: Susana Bernal. F en C: Santiago Torres, Susana Bernal. M: Fernando Vigueras. E: Santiago Torres. CP: Black María, CONACULTA, Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

Esta película retrata la vida cotidiana de Cecilia, una mujer mestiza que habita en la comunidad indígena de Narárachi, Chihuahua. No se trata de una historia lineal, sino de escenas que van dibujando con mucha libertad una forma distinta, rarámuri, de relacionarse con la familia, la comunidad y la naturaleza. Fruto de la convivencia entre Cecilia y la directora, esta obra busca transmitir una experiencia de empatía, sensibilidad y cierto misticismo. Cálida, íntima y sumamente humana, la mirada que ofrece Narárachi del mundo indígena es capaz de ampliar nuestros horizontes.

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febrero Amor Fou 55 Apunte y dispare 61 Arraianos 04 Bajo California, el límite del tiempo 48 Bonnie y Clyde 57 Boyhood: Momentos de una vida 24 Bronx Obama 51 Buscando a Sugarman 60 Cabeza de Vaca 47 Camaleón 50 Casa de la radio, La 26, 58 Citizenfour 50 Cléo de 5 a 7 33 Conducta 06 Court 55 Cosechadores y yo, Los 41 Cuatro lunas 08 Curvas y balas 45 Daguerrotipos 34 Del amor y otros demonios 27 Despertar el polvo 27 Documentira 40 Dos Escobar, Los 60 Elsa la rosa 36 Enero 18 Érase una vez yo, Verónica 28 Exit Through the Gift Shop: Una película de Banksy 60 Foxcatcher 24 Fuerza mayor 26 Gerhard Richter, pintor 59 Hamlet 56 Hola, cubanos 35 Hollywood te llama 45 Hombre sombra 52 Horas contigo, Las 20 Ida 12 Ilo Ilo 28 Leviathan 16 Leymah Gbowee: el sueño 52 Liquidación 55 Liv & Ingmar 58 Llamadas cariátides, Las 37 Llama de Alaska, La 44 Llévate mis amores 51 Maidan 54 Mañana no comienza aquí, La 27 Manifestación 51 Médico alemán, El 24

I í n d i c e a l fa b é t i co

Mommy 25 Muerte de Jaime Roldós, La 52 Mur Muros 40 Nació para pecar 43 Narárachi 62 Noche tras noche 43 No es pecado 44 No soy un ángel 43 Novios del puente MacDonald, Los 37 Ópera de Mouffe, La 36 Oscuras primaveras, Las 24 O ser un elefante 22 Paddington 30 Panteras negras 38 Paraíso: Esperanza 25 Playas de Agnès, Las 41 Perros perdidos 26 Piedad 26 Pina 59 Principio y fin 47 Relatos salvajes 25 Relojero, El 22 Respuesta de mujeres (Nuestro cuerpo, nuestro sexo) 39 Río Bravo 56 Serrat y Sabina. El símbolo y el cuate 59 Sin techo ni ley 40 Soy una dama 44 Sueño de invierno 27 Temporada de patos 48 Tienes unas escaleras hermosas, ¿lo sabes?

33 Tío Yanco 39 Ulises 35 Último Elvis, El 10 Un minuto para una imagen. Bob Gould 37 Un minuto para una imagen. Gladys 36 Un minuto para una imagen. Jacques-Henri Lartigue 34 Un minuto para una imagen. Joan Fontcuberta 34 Un minuto para una imagen. Liliane de Kermadec 33 Un minuto para una imagen. Marc Garanger 38 Un minuto para una imagen. Marc Roboud 38 Un mundo secreto 49 Urbanizado 61 Viaje a Italia 57 Vida misma, La 14 Voy a explotar 49 Whiplash 25 Ydessa, los osos y etc...

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D I G I TA L

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