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Noviembre 2011. Nº 10. Año 1

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La revista

ESPECIALES FUN & SERIOUS Las series que nos llegan Resumen SITGES 2011 Adaptaciones de cuentos clásicos

ubre c s e D ¡ per ú s o r nuest rso! concu CLÁSICOS DE LOS 90 Doce Monos

ENTREVISTAS

Melissa Rosenberg Booboo Stewart Estrenos

Verbo Melancolía Tiburón 3D: La presa Amanecer. Parte I El gato con botas

ESPECIAL SERIES Fringe

Orient Express SONG KANG-HO


16 FESTIVAL CINE ZARAGOZA

Cartel Ganador_ZINE_Francisco Jesus Redondo Losada

Del 2 al 10 de diciembre 2011. www.festivalcinezaragoza.com

Medios Oficiales

Colaboran

Patrocinan

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u

cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego David Larrad Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Francisco Nieto Sánchez (www.cinedeaqui.es) Javier Calvo José Joaquín González (www.defanafan.com) Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Manuel Moros Pedro Pinos Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) Christian Arza (www.moonfilms.es) Enrique Abenia Gustavo Martín COMICS Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) Moratha (moratha.blogspot.com) PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics. A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

EDITORIAL

Hola a tod@s, una vez más aquí estamos para traeros los mejores reportajes y artículos del momento en un número al que dedicamos nuestra portada a “Amanecer. Parte 1”, cuarta entrega de la famosa saga de vampiros que ha vuelto a poner de moda el género. Un número en el que podremos conocer un poco mejor y gracias a nuestro colaborador Diego Sánchez que pudo entrevistarlos en el pasado Festival de Cine Fantástico de Sitges, a Melissa Rossenberg responsable de escribir el guión de las cuatro entregas y al actor Booboo Stewart, uno de los actores protagonistas del film. Pero no solo de Crepúsculo viven los amantes del cine fantástico, así que os traemos muchas más cosas, Gerard Fossas formo parte del Jurado Jove del Festival de Cine Fantástico de Sitges y nos trae un resumen de la pasada edición celebrada en el mes de octubre. Christian Arza, nos cuenta cómo ha ido la primera edición del Fun & Serious games festival, celebrado hace unos días en Bilbao y nos da un pequeño avance de las series de televisión que están por llegar. Sergio Reina vuelve a recordarnos uno de nuestros clásicos modernos, está vez viaja a los noventa para hablarnos de “Doce Monos” película dirigida por Terry Gilliam. Francisco Nieto nos habla en su sección “Orient Express” de uno de sus actores favoritos, Song Kang-Ho.

José Joaquín González Haro, nos trae un interesante artículo acerca de las películas basadas en cuentos clásicos y Javier Calvo nos hablará de la fantástica serie creada por J.J. Abrams, Fringe. Las críticas cinematográficas llegarán de la mano de Enrique Abenia y David Larrad; y cómo no también contaremos con el humor de los artistas Diego Burdio y Moratha que volverán a deleitarnos con sus fantásticas y divertidas viñetas. Una vez más agradeceros a todos que estéis ahí, siguiéndonos y animándonos a seguir al pie del cañón, porque sin vosotros nada de esto sería posible e invitaros a estar atentos a las próximas novedades de nuestra página web.

Carlos Gallego Director de Cinemascomics


Noviembre 2011 Número 10

54 comics 7│La Página de Diego Burdio

Entrevista: Melissa Rosenberg

Fun & S

121│Gordos con Mochila Por Moratha

Actualidad 8│Nuevas imágenes de Brave

criticas 84│Verbo

14

85│ Las Aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio

102

86│Tiburón 3D: La presa 87│La Cosa 88│Melancolía

Dr. Ishiguro is ATR Fellow and Professor of Osaka University. The geminoid has been developed in ATR Hiroshi Ishiguro Laboratory.

Especial series: FRINGE

89│One Day

SITGES 2011

Clásico DOCE M

LAS SER

90│Amanecer: Parte 1 4 │

Cinemascomics

│ Noviembre 2011

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contenido estrenos 22 │ Detrás de las paredes 4 de noviembre 30 │ Tiburón 3D: La presa 4 de noviembre

10 58

Serious game festival

Entrevista: Booboo Stewart

98

32 │ Verbo 4 de noviembre 34 │ Amanecer: Parte 1 18 de noviembre 64 │ El gato con botas 25 de noviembre

que leer 122 │ Zona Cómic

os de los 90: MONOS

108 116

RIES QUE VIENEN COMO HA CAMBIADO EL CUENTO www.cinemascomics.com

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Nuevas imágenes

Desde tiempos remotos, los relatos de monumentales batallas y místicas leyendas han pasado de generación en generación en las surcadas y misteriosas colinas de Escocia. En BRAVE, INDOMABLE una nueva historia se une a la tradición cuando la valiente Mérida (voz original en inglés de Kelly Macdonald) se enfrenta a las costumbres, al destino y a las bestias más feroces. Hábil arquera, Mérida es la impetuosa hija del Rey Fergus (voz original en inglés de Billy Connolly) y de la Reina Elinor (voz original en inglés de Emma Thompson). Decidida a forjar su propio camino en la vida, Mérida desafía una antigua y sagrada costumbre

de los señores de la tierra: el enorme Lord McGuffin (voz original en inglés de Kevin McKidd), el hosco Lord Macintosh (voz original en inglés de Craig Ferguson) y el cascarrabias Lord Dingwall (voz original en inglés de Robbie Coltrane). Inadvertidamente, sus acciones desatan el caos y la furia en el reino, y cuando Mérida acude a una anciana y excéntrica adivina (voz original en inglés de Julie Walters) en busca de ayuda, lo único que se le concede es un deseo mal logrado. El consecuente peligro la forzará a descubrir el real significado de la valentía, una virtud que necesitará para deshacer una bestial maldición antes de que sea demasiado tarde.

Dirigida por Mark Andrews (LOS INCREÍBLES,RATATOUILLE, JOHN CARTER) y Brenda Champan (EL REY LEÓN, El príncipe de Egipto), y producida por Katherine Sarafian (cortometraje PRÁCTICA EXTRATERRESTRE), BRAVE, INDOMABLE es una gran aventura llena de emoción, con personajes memorables y el clásico sello humorístico de Pixar, disfrutado por audiencias de todas las edades. El film llegará a los cines de la región a partir de junio de 2012 y será presentado también en Disney Digital 3D™ en salas selectas. Estreno 22 de junio de 2012.


Por Christian Arza Los pasados días 8 y 9 de noviembre se celebró en Bilbao el primer festival de videojuegos que premiaba a los mejores trabajos europeos del año. Es la primera cita importante de estas características que se celebra en la capital vizcaína y la acogida por parte de la ciudad y de los habitantes no ha podido ser mejor. Personas disfrazadas emulando a los protagonistas de los juegos, coches de lujo, glamour en la alfombra roja… (Sí, no sólo Hollywood tiene una; aquí también tenemos). Junto con la entrega de los galardones a los mejores juegos se abrió todo un abanico de conferencias para hablar sobre la si-

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tuación actual de los videojuegos denominados “Serious games”, aquellos destinados a convertirse en importantes herramientas de trabajo en áreas como la sanidad, cultura o educación. Profesionales de todos los sectores se dieron cita durante estos dos días en Bilbao para exponer y cambiar opiniones sobre a dónde nos lleva el futuro inmediato en el campo digital y si es posible adaptar otras opciones de juego a los ya instaurados actualmente. El renovado teatro Campos Elíseos fue el escenario el día 8 de la entrega de premios a los mejores juegos europeos. Conducida por la presentadora Patricia Conde y

el actor Alex O’Dogherty, esta se dividió en dos categorías: Serious Games, que premiaban los juegos educativos y Ocio, los que están en el mercado para que el público juegue. En la categoría Serious Games, los ganadores fueron: • Mejor juego de Salud: Playmancer. • Mejor juego de educación: AfterZoom. • Mejor juego simulación, corporativo, negocio: Sigur.

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Imagen de “Uncharted 3: La traición de Drake”

• Mejor juego de cultura y turismo: Medieval Dublín. En la segunda, Ocio, llegó el despliegue. Los grandes juegos actuales fueron los protagonistas absolutos de la noche. • Mejor juego europeo de consola: Killzone 3. • Mejor juego europeo de Pc: The Witcher 2. • Mejor juego europeo para móviles/tablets: Nyx Queso. • Mejor juego europeo online/web: Basket Dudes • Mejor juego europeo de acción: Battlefield 3.

• Mejor juego europeo deportivo / velocidad: Top Spin 4. • Mejor juego europeo de terror: Dead Island. • Mejor juego europeo casual/ familiar: Kinect Sports 2. • Mejor banda sonora de juego europeo: Crysis 2. • Mejor guión europeo: The Witcher 2. • Mejor juego independiente europeo: Minecraft.

• Mejor juego europeo de rol: The Witcher 2.

• Premio del jurado a “Toda una saga”: Gears of War 3.

• Mejor juego europeo de aventuras: The next big thing:Hollywood Monster 2.

• Mejor juego del año NO europeo: Uncharted 3: La traición de Drake.

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• Mejor juego europeo del año: Battlefield 3. Como veis, la gala no deparó muchas sorpresas, y lo tuvo difícil el jurado que estuvo compuesto por gente de renombre internacional como, Jazno Francoeur que ha trabajado para Disney en producciones como “Hermano Oso”, “Tarzán” o “El rey León”; Gonzalo Suárez que dirigió y diseño la exitosa serie “Commandos” o Gareth Mills, que es el fundador de la organización World Class Curricullum, una alianza internacional de desarrolladores curriculares que promueve el intercambio de ideas para apoyar la innovación educativa. Un gran plantel que dio aún más prestigio al evento. Y aunque se dejaron algún juego nominado en el tintero sin premiar como Batman Arkham City, Fable III o Black Mirror III, lo cierto es que no pudo ser mejor la entrega de premios con un teatro lleno de ingenieros, actores, músicos, desarrolladores, estudiantes y trabajadores de la industria así como de aficionados a los juegos en sí. Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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Gears of wars 3. Premio del jurado a todo una sagaa. Paralelamente a la entrega de premios, se celebró también un ciclo especial que trataba sobre cine y videojuegos en una mesa redonda donde participaron personas de ambos mundos como Jaume Balagueró director de “REC”; Fabriciano Bayo, director de “Virtual Toys”, la compañía dedicada al desarrollo de Cars 2 para PSP; Roberto Serrano, responsable del juego “Dead Island” con su compañía y Juan Bas, guionista y escritor, que también aportaron su granito de arena al evento participando intensamente en el debate. Una conferencia interesante en la que hablaron sobre la importancia que tiene hoy en día el consumo de videojuegos en la vida de las personas, la escasez de recursos por los que pasa ahora la industria del cine, que prefieren ir a por lo fácil y convertir un videojuego en película

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con la consiguiente dificultad que ello conlleva, o la inmensa fuente de ideas que pueden ser los desarrolladores de videojuegos que no ponen límites a lo que crean. Un debate interesante que es muy difícil exponer aquí pero que podéis ver en la página Web del evento que añado más abajo. Y como no podía ser de otra forma, el evento se cerró a lo grande. Con el director de Uncharted 3, Justin Richmond, ofreciéndonos una serie de videos que acompañaba con unas explicaciones en las que nos mostraba el trabajo entre bambalinas del juego del año. La captura de movimientos que realizaron a los actores que dan vida a los protagonistas, las texturas de los entornos, el proceso de guión para darle mas espectáculo a esta nueva entrega y un largo etc… En ciertos momentos,

la verdad, parecía que asistiamos al making of de una película de aventuras que en ocasiones recordaba a Indiana Jones por sus bellos paisajes (y porque en Drake hay algo de Indi, para qué engañarnos…) pero sin duda un broche de oro para dos días intensos. Ahora sólo queda esperar al próximo año para ver qué nos depara la segunda edición de este Fun & Serious Game Festival, aunque viendo lo visto, será espectacular…

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SITGES 2011: INTELIGENCIA ARTIFICIAL Y CINE EMOCIONAL Por Gerard Fossas “Propongo darle un premio a la película que no empiece con un primer plano o un plano detalle”. Recuerdo que dije esto a mis compañeros de Jurado Joven el segundo día de festival, evidentemente en broma, pero también un poco en serio, puesto que a la postre resultó que una holgada mayoría, y con esto quiero decir rozando el pleno, de las películas que vi (alrededor de 60) apostaban por abrir con un plano cerrado. Inteligencia artificial Resulta muy oportuno que este año el leitmotiv del festival fuera la inteligencia artificial, conmemorando de paso el décimo aniversario de A.I. de Spielberg y Kubrick pero también dedicando un espacio a la reflexión sobre el pensamiento mecánico, el alma robótica o como quiera llamarse. Un avance, en definitiva, hacia un escenario todavía teórico al que la ciencia ficción nos ha ido aproximando durante muchos años y que cada vez parece más cercano a hacerse real. Eva, el film de Kike Maíllo que inauguraba el festival, plantea ideas muy interesantes sobre el ideal de la inteligencia artificial y sobre dónde está la cima de la ciencia de la robótica, y aunque desgraciadamente dista mucho de profundizar en ellas es una película que invita www.cinemascomics.com

a la reflexión. Y no comienza con un primer plano, por cierto. Insisto en esta obsesión mía por el plano cerrado porque me hace pensar en una de las conclusiones que muchos extrajimos de Sitges 2010: que hay una falta de creatividad enorme que marcha de la mano del aumento de la producción de cine fantástico a nivel mundial. Hay una evidente uniformidad formal en el cine de hoy en día que hace que una película nos recuerde irremediablemente a otra que a su vez es parecida a una tercera, ésta a una cuarta y así hasta perder la cuenta. Podemos escudarnos en el tópico de que en el cine está todo inventado, pero, aunque hay una buena dosis de verdad en la sentencia, yo prefiero hablar de que hay una gran accesibilidad a una tecnología y a una técnica que permite hacer películas muy válidas a nivel formal (y si no las hay, se hace un mockumentary) y, al ser más fácil y más barato, se producen más películas con guiones que hace unos años apuntalarían sillas con la pata coja. ¿Existe, acaso, un pensamiento mecánico global a la hora de hacer una película? ¿En qué momento el guión dejó de ser el primer paso para una producción? Hay películas muy bien hechas,

pero no hay ideas, pero sobre todo, no hay ideas bien desarrolladas, cosa que por cierto demuestran la gran mayoría de los cortos que se han pasado este año. En un corto la síntesis es básica, no hay tiempo para desarrollar a fondo una idea ni es suficiente lucirse a nivel visual: se trata de plantear una idea y resolverla. Por esto, ha sido en el corto donde se ha evidenciado lo comentado, puesto que se pueden contar con los dedos los cortometrajes proyectados durante esta edición que verdaderamente valen la pena, de los que tristemente, un mes después, sólo me viene a la mente Decapoda Shock, de Javier Chillon. El triunfo de las producciones independientes Mi discurso hasta ahora puede sonar fatalista, aunque ni mucho menos pretendo serlo, pero sí creo que es una reflexión que hay que hacer porque el rumbo no es alentador a pesar de que todavía se hacen muy buenas películas. De hecho, la programación de Sitges 2011 ha sido la mejor de los últimos años, con grandes títulos tanto a nivel nacional como internacional, y lo más destacable es que las principales triunfadoras son producciones independientes de bajo presupuesto que han visto Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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a la luz gracias sobre todo al ímpetu del director y al compromiso de sus equipos con una idea y un proyecto. La gran triunfadora de esta edición, la película que ha gustado a todo el mundo, ha sido sin duda Attack the Block. La producción inglesa dirigida por Joe Cornish ha conseguido una cosa tan difícil como hacer coincidir a crítica y público (se llevó sendos premios) y no ganó como mejor película de Secció Oficial por la sencilla razón de que dos miembros del Jurado Oficial no quisieron, una situación que se resolvió con un Premio Especial del Jurado sacado de la manga. Sin embargo, el máximo galardón se lo llevó Red State, de Kevin Smith. Un premio para mí merecido, ya que la película demuestra lo buen guionista que es el director de Clerks, que esta vez se ha atrevido a ir a muerte con una historia susceptible de ser polémica con un discurso honesto

y por encima de cualquier ideología. Red State es una película atrevida, hecha con sentido común, intensa, muy bien interpretada y con recursos arriesgados en la dirección, como aguantar todo un discurso en plano secuencia o alargar la parte del tiroteo sin que se haga monótona. Los del Jurado Joven, sin embargo, nos pusimos de acuerdo fácilmente en premiar Bellflower, de Evan Glodell. No es una obra maestra, pero destaca por una propuesta visual diferente y muy atractiva, basada en la saturación de los colores y un uso narrativo del desenfoque para contar una historia críptica de romance apocalíptico que se maneja entre la realidad y la proyección imaginaria de la imaginación visceral del protagonista. Se trata de una película muy enérgica y viva que contrasta con el panorama desolador que presenta. Por último, quiero destacar la película que premiamos como la

mejor de la sección Midnight XTreme, Detention, una película demencial, de ritmo inalcanzable y con una fluidez de diálogos y planos imposibles de asimilar. Entra en la corriente de lo que se conoce como “movie mutations”, término acuñado por primera vez por el crítico Jonathan Rosenbaum, que describe un nuevo cine fusionado con otro tipo de artes como el videoclip, la música, la pintura, el cómic o incluso la cultura pop. Detention es, como lo fue Kaboom el año pasado, la representación de un tipo de cine en el que la narrativa deja de ser importante y se concentra en un collage abstracto de referencias. Es un slasher transformado en videoclip, viajes en el tiempo, artes marciales, teenage movies y suspense, todo mezclado con sentido del humor y un montaje vibrante que atrapa y no deja indiferente. Panorama de películas Como he dicho, este año la programación de películas ha sido

Imagen de Attack the Block, una de las grandes triunfadoras de esta pasada edición

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Fotograma de “Mientras Duermes” de Jaume Balagueró realmente buena y haría falta un número entero de la revista para repasarlas todas. Sin embargo, me gustaría destacar otros títulos de la Secció Oficial a competición que fueron muy aplaudidos por la mayoría por su calidad. Triunfaron films como The Yellow Sea por su poderosa dirección, una película tan especial como la recientemente estrenada Otra Tierra, Kill List a pesar de su nefasto final, The Mortician y su interesante uso del 3D, el cuento gótico de Livide, The Woman con su puntilloso y controvertido guión, la frenética The Raid y, una devoción personal, una película tan de Sitges como The Divide, que se presentó en el festival por primera vez en su versión íntegra. De todas formas, lo que ha hecho que esta edición del Festival de Sitges fuera un rotundo éxito de público ha sido el cartel de la sección Panorama, en la que se presentan películas más comerciales, tanto internacionales como nacionales, con un estreno inminente en nuestro país. En ella pudimos ver en primicia títulos tan importantes como Contagio de Steven Soderbergh, Melancholia de Lars www.cinemascomics.com

Von Trier, Intruders de Juan Carlos Fresnadillo, Jane Eyre con Mia Wasikowska y Michael Fassbender, el retorno fulgurante de William Friedkin con la impresionante Killer Joe y, una de las maravillas del año, Drive de Nicholas Windign Refn. La firma española Como siempre, el protagonismo principal del Festival de Sitges es para las producciones de género catalanas y españolas del año, un año en que por lo que hemos visto se van a estrenar (o se han estrenado ya) muy buenos títulos de terror y ciencia ficción, y eso que lamentablemente no se proyectaron las que probablemente sean las dos películas españolas de bandera: [REC]3 Génesis de Paco Plaza y Luces Rojas de Rodrigo Cortés. De las que sí vimos, sobresalen por encima de las otras dos retornos muy esperados. El primero es el de Jaume Balagueró, que descansa de la saga [REC] para presentar la que posiblemente sea su mejor película hasta la fecha, Mientras duermes; y el segundo

es sin duda el regreso de Nacho Vigalondo, tres años después de Los Cronocrímenes, con una comedia con tintes de ciencia ficción, Extraterrestre. También tuvo una gran acogida la comedia de terror Lobos de Arga, una suerte de Lesbian Vampire Killers a la española y con licántropos, muy disfrutable en el contexto del festival pero que se presume poco exitosa en taquilla. Del resto, vale la pena remarcar el mockumentary Emergo, que a pesar de ser la enésima aproximación al universo de los fenómenos paranormales resulta ser una película mejor trenada de lo que parece gracias sin duda a un buen trabajo de guión; Apollo 18 de Gonzalo López-Gallego y las buenas intenciones de Verbo. Nuevos cines emergentes Uno de los compromisos del Festival de Sitges es el de promocionar las películas producidas en países con poca tradición cinematográfica y que empiezan a asomar la cabeza con el cine de género. Con más o menos fortuna, son filmes dignos de mención porque no tenCinemascomics │Noviembre 2011 │

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Imagen de “Proyecto: Troll Hunter”

drán distribución en nuestro país y porque, en algunos casos, se sirven de una historia de terror para narrar metáforas sobre la situación de su país o sobre sus tradiciones y mitos. Con esta vocación, tenemos películas como la brasileña Trabalhar Cansa de Brasil, la irlandesa The Other Side of Sleep, la marroquí Mirages, Saint de Holanda, la cubana Juan de los Muertos y dos interesantes propuestas noruegas como The Troll Hunter y, sobre todo, una original película sobre el preludio de un apocalipsis zombie como es Dark Souls. Sin embargo, destaca por encima de todas Rabies, la primera película de terror de Israel. No es una gran película, pero es muy interesante la idea de cómo las cicatrices que las guerras han grabado sobre el territorio del país se convierten en la amenaza para unos personajes que viven sus vidas sin peligro, puesto que el enemigo en Rabies son el entorno y las secuelas del pasado reciente, y es la interacción con el espacio lo que

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desemboca en muerte, violencia y locura. Inteligencia emocional Hablando con Chris Baker, artista conceptual de A.I., soltó que Eva no valía nada y que ni siquiera los efectos eran gran cosa. Claro. Ellos hicieron A.I. diez años atrás, con un presupuesto de cien millones de dólares y con Spielberg al frente. Normal que vea las cosas desde una perspectiva altiva. Pero Eva no está tan mal al fin y al cabo. Es decepcionante hacia el final y no está madurada del todo, pero no está mal. Como muchas de las películas que se han pasado en Sitges. Como Lobos de Arga con sus licántropos que parecen peluches gigantes; es cutre, pero encantador al fin y al cabo. Las palabras de Chris Baker sintetizan un poco un pensamiento, a mi parecer erróneo, de que el valor de una película reside en su inversión, en su aspecto. En el fondo es a lo que él se dedica, en diseñar la apariencia de la película. Pero quedarse aquí es

lo que lleva al cine comercial de baja calidad, al 3D que se limita a ser una estafa, a los remakes y secuelas sin sentido y, en definitiva, a estas películas que tanto se parecen entre ellas. Esta edición de Sitges ha mantenido más que nunca su apuesta original por el cine de serie B, el de género, que se hace como se puede a nivel técnico y cuyo valor reside en la implicación de la gente, en los directores que hipotecan su casa para hacer la película o en los actores que se desviven por un papel. Todo aquello que no es simplemente funcional, en definitiva, y el bonito palmarés que ha quedado bien lo demuestra. Hasta ahora ningún robot ha escrito ni dirigido una película y esperemos que nunca lo haga porque el cine lo disfrutamos las personas y lo que verdaderamente nos gusta, por muy pomposa y espectacular que pueda ser una superproducción llena de efectos digitales, es ver algo que nos remueva por dentro. Y esto la inteligencia artificial no lo puede hacer.

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El miedo no siempre es como lo imaginas

(DON´T BE AFRAID OF THE DARK)

Katie HOLMES

MIRAMAX Y GUILLERMO DEL TORO PRESENTAN

Guy PEARCE

UNA PRODUCCIÓN NECROPIA / GRAN VIA KATIE HOLMES GUY PEARCE “DON´T BE AFRAID OF THE DARK” BAILEE MADISON JACK THOMPSON CASTING MARY VERNIEU, C.S.A. VENUS KANANI, C.S.A. DISEÑO DE VESTUARIO WENDY CHUCK MÚSICA MARCO BELTRAMI BUCK SANDERS MONTAJE JILL BILCOCK, A.C.E., A.S.E. DISEÑO DE PRODUCCIÓN ROGER FORD FOTOGRAFÍA OLIVER STAPLETON, B.S.C. PRODUCTORES EJECUTIVOS STEPHEN JONES WILLIAM HORBERG TOM WILLIAMS PRODUCIDA POR GUILLERMO DEL TORO MARK JOHNSON BASADA EN LA SERIE DE TV DE NIGEL McKEAND GUIÓN GUILLERMO DEL TORO & MATTHEW ROBBINS DIRIGIDA POR TROY NIXEY

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Estreno

Detrás de las paredes

4 de Noviembre

Había una vez tres niñas que vivían en una casa. DANIEL CRAIG (Cowboys & Aliens, Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres, que se estrenará próximamente), NAOMI WATTS (The Ring [La señal], Caza a la espía) y la ganadora de un Oscar® RACHEL WEISZ (El jardinero fiel, The Lovely Bones) son los protagonistas de Detrás de las paredes, un thriller sobre una familia que, sin saberlo, se muda a una casa en la que se han cometido varios asesinatos macabros… para encubrir misterios todavía más tenebrosos que se esconden en estas paredes.

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Will Atenton (Craig), un editor de gran éxito, abandona su trabajo, un puesto con mucho poder en Manhattan, para irse a vivir con su mujer, Libby (Weisz), y sus dos hijas a un pintoresco pueblo de Nueva Inglaterra. Pero cuando se empiezan a acostumbrar a su nueva vida, descubren que su perfecta casa ha sido el escenario del asesinato de una madre y sus hijos. Y todo el pueblo piensa que el crimen fue cometido por el marido, el único superviviente. Cuando Will comienza a investigar, no está seguro de si está empezando a ver fantasmas o es que la trágica historia le resulta demasiado cercana. Las únicas

pistas provienen de Ann Patterson (Watts), una misteriosa vecina que conocía a los desaparecidos. Mientras Will y Ann van encajando las piezas del inquietante puzzle, tienen que descubrir quién asesinó a la familia en la casa de ensueño de Will antes de que vuelva a matar. Craig, Watts y Weisz, comparten pantalla también con MARTON CSOKAS (Alicia en el país de las maravillas), que encarna a Jack, el ex marido de Ann; ELIAS KOTEAS (La cuarta fase) que interpreta al extranjero Boyce; y JANE ALEXANDER (La semilla del mal) , la Dra. Greeley. www.cinemascomics.com


James G. Morrison presenta una producción de Morgan Creek y de Bobker/Kruger Films: Detrás de las paredes, protagonizada por Daniel Craig, Naomi Watts, Rachel Weisz, Marton Csokas, Elias Koteas, Jane Alexander. Con casting a cargo de Avy Kaufman, CSA y la música de John Debney, supervisada por Dave Jordan. La edición de Detrás de las paredes corre a cargo de Glen Scantlebury y Barbara Tulliver, ACE. El diseño de vestuario es de Delphine White, y el de producción, de Carol Spier. El director de fotografía de este thriller de suspense es Caleb Deschanel, ASC, los productores ejecutivos son Rick Nicita, Mike Drake. Los productores del largowww.cinemascomics.com

metraje son David Robinson, Daniel Bobker y Ehren Kruger. Escrita por David Loucka y producida por James G. Robinson, Detrás de las paredes está dirigida por Jim Sheridan. ¿Quién es Peter Ward? Comienza Detrás de las paredes En 2009, Daniel Bobker y Ehren Kruger, socios de producción, enviaron a James G. Robinson, director ejecutivo de Morgan Creek, y a David Robinson, vicepresidente de la misma, el guión de Detrás de las paredes. Bobker y Kruger, que ya habían colaborado con anterioridad en el thriller de suspense La llave del mal y en el largometraje

de acción y aventuras Los hermanos Grimm, quedaron intrigados con los temas que el guionista David Loucka abordaba en este thriller psicológico, y se convencieron de que Morgan Creek era la productora asociada adecuada para desarrollar y financiar este proyecto. Loucka tejió la fascinante historia de Will Atenton, un carismático editor que deja su frenético trabajo en Nueva York para pasar más tiempo con su esposa y sus dos hijas pequeñas en su casa de Nueva Inglaterra. Cuando por fin Will se establece para comenzar su carrera como escritor, una serie de perturbadores sucesos que Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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ocurren en la casa comienzan a asolar a la familia. Ahora se ve obligado a enfrentarse al hecho de que nada es lo que parece. James G. Robinson nos explica por qué decidió desarrollar y producir la película: “Con tantos thrillers, enseguida suele ser demasiado obvio cuál va a ser el giro de la película, y el director se pasa la mayoría del tiempo tratando de no dejar rastro de ello. Lo que diferencia a Detrás de las paredes es que explora el misterio según va surgiendo, desde la perspectiva de una persona. Mientras que Will trata de descubrir quién es el asesino de la familia (si es que existe), comienza a dudar y a sos-

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pechar de sí mismo. Nos encantó el hecho de que cualquiera puede sentirse identificado con la situación. Según se vaya desarrollando, el público cuestionará sus propias suposiciones sobre lo que está pasando”. Para dar vida a esta polifacética historia, los productores contrataron a Jim Sheridan, nominado al Oscar® al Mejor Director. El cineasta irlandés, famoso por su impresionante currículum, que comprende desde colaboraciones con Daniel Day-Lewis (Mi pie izquierdo, En el nombre del padre y The Boxer) hasta películas tan sumamente personales

como En América, o el drama bélico Brothers (Hermanos), nunca imaginó que su siguiente película sería un thriller psicológico. Aun así, se sumergió de pleno en el tenso material y quedó impresionado por la habilidad del autor a la hora de abordar diferentes géneros y de mantener al lector intrigado. Sheridan reconoce que disfrutó de la oportunidad de dirigir Detrás de las paredes. Nos cuenta: “Leí el guión, y me gustó bastante la idea irresistible de un tipo que vive dos realidades al mismo tiempo”. El director estaba deseando tomar las riendas de este Thriller psicológico en el que no sabes en ningún momento en qué punto estás. No sabes ni www.cinemascomics.com


Al pensar en cómo enfocaría la historia a partir del material, Sheridan nos explica: “Lo que intentas es captar las emociones. Intentas percibir lo que no se puede ver: un mundo que, más que verlo, lo intuyes. No me interesaba tanto el cambio visual, lo que buscaba era más un cambio emocional, que se efectúa en lo más profundo de Will (un cambio de dentro a fuera, más que de fuera a dentro)”. Cuando comenzó la producción, Sheridan empezó a reunir a su mejor equipo detrás de las cámaras para crear Detrás de las paredes. También se encargó de seleccionar a los actores que interpretarían a los personajes que viven en la casa de ensueño de Will y en los alrededores. Y a la hora de hacer el casting, buscó a un hombre conocido por sus trabajos dramáticos y de acción, así como a una veterana en thrillers y a la ganadora de un Oscar®. En cuanto a la casa: el casting del thriller

qué es real, ni quién cometió el asesinato. De hecho, ni si quiera se sabe si realmente existe el supuesto asesino. Al cineasta le encantó que la historia de Loucka permitiera al lector adentrarse de forma tan íntima en la mente de Will y explorar el profundo miedo de perder a su familia. “Creo que muchas veces la gente reacciona ante la tragedia inventándose un mundo de fantasía. Supongo que, en base a ello, el drama es un tipo de sistema de creencia que crea el propio ser humano para combatir la abrumadora realidad de la muerte”, apunta el director.

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El equipo estaba tratando de encontrar a su Will Atenton, un personaje que Sheridan describe como un hombre que “descubre una verdad sobre sí mismo que desconocía”, y la búsqueda terminó cuando Daniel Craig accedió a interpretar el papel. Esto es lo que nos explica Sheridan sobre su elección: “Daniel es el tipo de hombre con el que las mujeres se sienten protegidas. Parece un tipo decente, lo bueno es que realmente es un tipo decente; es encantador a la hora de trabajar y muy disciplinado”. Craig, fan de las películas dramáticas de Sheridan, admite que no hizo falta convencerle en cuanto vio la oportunidad de trabajar con el director. Comenta: “Soy admirador suyo desde hace mucho, y habíamos estado hablando de hacer algo juntos los últimos dos años. Entonces surgió esto y me

llamó, así que mi respuesta fue ‘Por supuesto’” Cuando leyó el guión de Loucka, Craig se sumergió en las dificultades a las que Will se enfrenta mientras trata de entender esa crisis. El actor está de acuerdo con Sheridan y agradece que el guión deje al lector intrigado durante tanto tiempo. Y nos cuenta: “Si resulta que crees en fantasmas, entonces es una historia de fantasmas; si no crees en ellos, entonces es algo creado por la mente, lo cual es igual de maravilloso. No quisimos decantarnos por ninguno de los dos casos, queríamos dejarlo en manos del espectador”, nos cuenta el protagonista. Craig entendió que, en realidad, interpretaría a dos personajes en Detrás de las paredes. Nos explica la historia personal de Will: “Interpreto a un hombre felizmente casado, que vive en una casa de ensueño con su esposa y sus dos hijas pequeñas, y de repente, comienza a desarrollarse la otra historia. Descubren que en esa casa ha habido un asesinato. La esposa y los hijos de los anteriores inquilinos fueron asesinados y la historia empieza a formar parte de su día a día. Es casi como si la casa les estuviera hechizando”. El actor se dio cuenta de que interpretar a un personaje con semejante conflicto interno era más complicado de lo que en un principio suponía: “Es algo muy peliagudo. Gran parte de la película la rodamos en orden cronológico y grabamos enseguida el comienzo. Lo más duro llegó hacia el final. Ha sido muy complicado emocionalmente, pero muy satisfactorio desde la perspectiva de actor”. Las actriz Naomi Watts da vida a Ann Patterson, la vecina de al lado de Will y Libby. La primera vez que aparece Ann es cuando Will cruza la calle para hablar sobre su hija. Podemos ver que Ann Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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es extremadamente cauta con su nuevo vecino y que zanja rápidamente la conversación. Sheridan comenta su opinión sobre la nominada al Oscar®, y sobre cómo se hizo con el personaje de Ann: “Naomi es asombrosa con sus ojos, es muy expresiva, puedes leerle el pensamiento en todo momento. Desde el momento en que la ves en la película sabes que Ann oculta algo”. Desde la saga de La señal (The ring) a Promesas del Este y Funny Games, la actriz ha sido capaz de transmitir la inquietud que experimentan los personajes que interpreta con tan solo una mirada o un pequeño gesto. Para Watts, el atractivo de Detrás de las paredes residía en el descubrimiento de cómo estos “tres personajes están tan involucrados los unos en las vidas de los otros”. Watts nos presenta a su personaje: “Ann tiene un ex marido con el que no se lleva demasiado bien y con el que comparte una hija, por lo que tienen bastantes dis-

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cusiones. Intentamos deducir qué pasa en la vida familiar de Ann y si necesita la ayuda de Will, o si es él quien necesita la ayuda de ella. Todos estos grandes interrogantes se plantean en la película”. No fue solamente la oportunidad de trabajar con el director Jim Sheridan y con sus amigos Daniel Craig y Rachel Weisz lo que la convenció para unirse al proyecto. La actriz admite: “Ann me recordaba a un personaje de Hitchcock. Hay algo raro en ella, algo que te atrae, el público se preguntará: ‘¿Me gusta o no me gusta?’ Me gustó esta yuxtaposición y, como actriz, interpretar este tipo de misterios siempre es divertido”. Las oscarizada Rachel Weisz, impresionada por la habilidad con la que en el guión se tratan los temas del romanticismo, lo sobrenatural y el miedo, se unió al reparto para dar vida a la esposa de Will, Libby. No se sumó al proyecto solamente por el guión, sino también por la oportunidad

de trabajar con colegas de semejante talento. Weisz nos aclara: “Daniel y Naomi ya estaban embarcados en ello cuando yo me apunté, así que no podía imaginar una presentación más atractiva”. En cuanto al protagonista masculino, Rachel comenta: “El personaje de Daniel ha pasado por situaciones muy dolorosas y se encuentra en el límite”; de su vecina de al lado nos cuenta: “A lo largo de toda la película, Ann conoce el secreto sobre la identidad de Will y la verdad de los asesinatos (la historia de la que el público no sabe nada). Para dar vida a un personaje así se necesita una actriz que pueda transmitir una sensibilidad inmensa y a la vez una gran complejidad. Te das cuenta de que hay un secreto o algo que la perturba, pero no puede decir de qué se trata. Naomi interpreta todo esto con una gran delicadeza, posee una gran complejidad y es el tipo de actriz en cuyo rostro ves pasar sus pensamientos sin necesidad de diálogo”.

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Hablando de la producción de Libby, Sheridan añade: “Rachel es un chica impresionante y muy apasionada por su trabajo. Su papel tomó más fuerza a medida que rodamos, porque me di cuenta de que tenía que incluirla en algunas escenas en las que en principio no aparecía. La puse en varias escenas, y ella improvisó algunas frases para ver cómo quedaban”. Craig comparte con nosotros cómo hicieron para aplicar este estilo de rodaje improvisado en plató: “Tienes un guión que te da claras pautas de qué hacer y grabas lo que pone en el texto, pero después tratas de indagar todo lo posible. No dejas la escena hasta que la exprimes al máximo, sacando todas las emociones y las verdades que puedes. Es más reescribir el guión sobre la marcha que improvisar”. Dos de los miembros más jóvenes del reparto guardan el secreto más importante de la película. Las encargadas de interpretar a las hijas de Will y Libby son las hermanas TAYLOR GEARE y CLAIRE GEARE. Las niñas dan vida a Trish y Dee Dee respectivamente, y las hemos visto recientemente en la taquillera Origen. Craig nos habla de sus interpretaciones en esta película: “Igual que en En America, Sheridan encontró dos niñas idóneas para el papel. Siempre trata de encontrar críos muy naturales y realistas. No busca interpretaciones, sino que actúen de la forma más realista posible. Estuvieron sencillamente asombrosas”. A medida que el público va descubriendo el destino de Trish y Dee Dee, ellas personifican el terror que la audiencia está sintiendo en ese momento. Sheridan, que trabajó con Taylor Geare en Brothers (Hermanos) y conoció a su hermana durante dicha producción, nos cuenta lo siguiente sobre trabajar con niños: “No tienes que jugar www.cinemascomics.com

con ellos; o lo consideran algo real, o no. Es o todo o nada, no hay medias tintas”.

Cindi y Artie, los vecinos adolescentes aterrados por la historia de Peter Ward.

En el elenco de Detrás de las paredes encontramos a Marton Csokas en la piel de Jack, el ex marido de Ann; a Elias Koteas, que interpreta al misterioso Boyce; a Jane Alexander como la Dra. Greeley, la médico de Greenhaven; a RACHEL FOX, que encarna a Cloe, la hija de Ann y Jack; a JOE PINGUE, que da vida a Martin, el antiguo inquilino del centro de rehabilitación de Peter Ward; a RACHEL CRAWFORD como Ellen Bewes; a BRIAN MURRAY interpretando al Dr. Medlin; y a SARAH GADON y GREGORY SMITH, que dan vida a

James G. Robinson nos comenta que los actores de reparto proporcionan al público una forma de compartir su miedo, y añade: “Nos presentan a la gente del entorno de Will y Libby y, a medida que cada uno va contando su historia, las piezas empiezan a encajar y empezamos a entender quiénes son los miembros de esta familia y qué es lo que realmente les ha pasado. No podría estar más satisfecho con la interpretación de nuestros actores, y con el miedo que son capaces de provocar”. Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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Vivir en dos mundos: Diseño y Rodaje Cuando Sheridan se imaginó a este equipo interpretando el guión de Loucka, supo que tenía que diferenciar muy bien los dos mundos. Nos cuenta: “Uno es el de la casa de ensueño, y el otro es el de una casa en ruinas con todo destartalado. En una película puede resultar complicado notar los cambios en un espacio en dos dimensiones, muchas veces el público no nota nada si solo cambias un fondo”, nos cuenta el director. Para solucionar este tema, Sheridan pensó que “los cambios deben transmitirse al público de manera tridimensional, por ejemplo

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mostrando a alguien cayendo por las escaleras o una mano atravesando la pared, o algo colgando. Diseñamos los platós de manera que, por el fondo, resultara obvio que la casa se había destartalado. Por ejemplo, en una escena, Will vuelve a la casa y se la encuentra con las puertas y las ventanas tapiadas con tablas”. Sería cosa del cinematógrafo Caleb Deschanel el mirar con lupa la visión creada por la diseñadora de producción Carol Spier. Spier, que vuelve a trabajar en esta película con Naomi Watts, su protagonista en Promesas del Este, se ha inspirado en sus primeros trabajos, como Silent Hill y Blade II. En cuanto al aspecto ge-

neral de la casa nos cuenta: “He intentado que parezca lo más realista posible, incluso aunque parte de la casa sea una proyección de la imaginación de Will. Para el principio, hice que la casa fuera un lugar cómodo, un hogar, como si fuera una casa histórica que Will y Libby quisieran restaurar. La casa en ruinas es un poco excesiva, porque es necesario hacerla de forma un poco más exagerada de lo que realmente sería… pero a la vez lo más realista posible”. Deschanel está de acuerdo con el enfoque de Spier sobre el toque inicial de delicadeza: “Las diferencias que hemos introducido son muy sencillas, nos hemos servido de cambios en la iluminación o de cambios de humor. No www.cinemascomics.com


hemos utilizado demasiados efectos visuales, por ejemplo dando vueltas al rededor de algo delante del croma y luego cambiando el fondo. De esta forma hemos creado una realidad con la que el espectador puede sentirse identificado, de tal manera que no se sienta engañado. Es como ver un truco de magia en el que el mago no se esconde en ningún momento y puedes ver cómo lo hace”. Delphine White, diseñadora de vestuario, apunta: “Mi reto estaba en la creación de dos mundos sin que fuera obvio que uno es el mundo real y el otro es imaginario. Traté de aportar a los actores principales una sensación de fugacidad eligiendo ropa más bien www.cinemascomics.com

diáfana. El vestuario de Libby se va oscureciendo hacia el final, mientras Will se pregunta si está muerta y si es producto de su imaginación”. También el departamento de maquillaje, dirigido por DONALD MOWAT, nos habla del impacto que causa el desarrollo del personaje de Will. El diseñador comenta: “Se nos ocurrieron varias ideas (pelucas, vello facial, suciedad, sangre), una mezcla de maquillaje con la que podíamos jugar un poco y ver cómo se sentía más cómodo Daniel. En maquillaje y peluquería menos es más, normalmente son las cosas que no se notan las que nosotros buscamos. Ojeras, labios agrietados: indica-

dores de que alguien se encuentra en una situación de estrés y que ha pasado por muchas cosas”. Aunque para Sheridan era importante limitar la cantidad de efectos especiales para Detrás de las paredes, sí que se han utilizado cuando ha sido necesario. SOPHIE VERTIGAN, diseñadora de efectos especiales, nos explica el tema en una de las secuencias principales: “Al principio de la película, hay una fuerte tormenta de nieve en abril, con mucha nieve, y según avanza la trama y empezamos a descubrir lo que pasó, la nieve comienza a derretirse”.

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Estreno

Tiburón 3D: La presa

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Un excitante fin de semana de verano se convierte en una sangrienta pesadilla para un grupo de estudiantes universitarios, cuando se ven perseguidos por unos sanguinarios depredadores acuáticos en TIBURÓN 3D, LA PRESA, una aventura trepidante y terrorífica protagonizada por un reparto jóvenes estrellas emergentes. Sara (Sara Paxton) y sus amigos viajan en barco hasta la casa del lago que tiene su familia en Louisiana. En cuanto llegan, se ponen rápidamente el bañador para pa-

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sar un fin de semana de diversión al sol. Pero cuando Malik (Sinqua Walls), una estrella de fútbol americano universitario, sale del agua tambaleándose con un brazo arrancado, el ambiente de fiesta desaparece. Nick (Dustin Milligan), un joven tímido que va a entrar en la facultad de medicina, se encuentra haciéndose cargo de la situación – practicando los primeros auxilios y comunicándole a Sara lo urgente que es llevar a Malik al hospital, al otro lado del lago.

Una vez que ya se han puesto en marcha en una pequeña lancha, se dan cuenta de que el lago está plagado de cientos de tiburones enormes. El barco falla a mitad de trayecto, dejándoles tirados sin asistencia médica y sin forma de comunicarse, y quedan en estado de shock al descubrir que el barco ha sido saboteado. Según se van enfrentando a un horrible ataque tras otro, cada vez resulta más evidente que alguien está elaborando un plan para matarles. Sin opciones de rescate, Sara y los demás luchan para dewww.cinemascomics.com


fenderse de los tiburones, buscar ayuda y mantenerse con vida el tiempo suficiente como para llegar a tierra. TIBURÓN 3D, LA PRESA está protagonizada por Sara Paxton (SUPERHEROE MOVIE, LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA), Dustin Milligan (“Sensación de vivir: La nueva generación”, LA PLAGA), Chris Carmack (“O.C.”), Joel David Moore (AVARTAR) y Katharine McPhee (UNA CONEJITA EN EL CAMPUS). La película está dirigida por David R. Ellis (SERPIENTES EN EL www.cinemascomics.com

AVIÓN, DESTINO FINAL 2), basada en un guión de Will Hayes y Jesse Studenberg. Los productores son Chris Briggs (HOSTEL, POSEIDÓN) y Lynette Howell (BLUE VALENTINE, HALF NELSON). El co-productor es Tawny Ellis Lehman (DESTINO FINAL 4, SERPIENTES EN EL AVIÓN). La productora asociada es Crystal Powell (BLUE VALENTINE, TERRI). El director de fotografía es Gary Capo (EL INCREÍBLE HULK, SIEMPRE A MI LADO(CHARLIE ST. CLOUD)). El editor es Dennis Virkler (EL HOMBRE LOBO). El diseñador de producción es Jaymes

Hinkle (SERPIENTES EN EL AVIÓN, CELLULAR). El productor ejecutivo es Douglis Curtis (SHOOT’EM UP – EN EL PUNTO DE MIRA, FREDDY CONTRA JASON).

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Estreno

Verbo

4 de Noviembre

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VERBO cuenta la historia de Sara, una chica de 15 años con un sexto sentido. Una joven y tímida heroína del siglo XXI que empieza a intuir que en el mundo tiene que existir algo más que lo que ven nuestros ojos, algo escondido que empieza a obsesionarle. Guiada por su instinto, comienza a encontrar en su gris existencia una serie de inquietantes mensajes y pistas que le empujan a entrar en una nueva dimensión, peligrosa y terrorífica, en la que deberá iniciar un viaje para salvar su vida. www.cinemascomics.com

En el transcurso de este devenir perturbador pero lleno de aventuras, Sara encontrará un nuevo reto: el modo de cambiar el mundo. La película supone la opera prima de Michael Chapero Jackson y está protagonizada por Alba García, Miguel Ángel Silvestre, Verónica Echegui, Macarena Gómez, Manolo Solo, Adam Jeziersky, Víctor Clavijo,Manolo Solo, Nasser Saleh Ibrihim y Fernando Soto.

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Estreno

Amanecer

(Parte 1) 18 de Noviembre


La eternidad es solo el comienzo... La esperadísima cuarta entrega de La Saga Crepúsculo, dirigida por el ganador del Oscar® Bill Condon, LA SAGA CREPÚSCULO: AMANECER (PARTE I), arroja luz sobre los secretos y misterios de este fascinante romance épico que ha cautivado a millones de personas. En La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I), Bella (Kristen Stewart) y Edward (Robert Pattinson), junto con sus seres queridos, tendrán que hacer frente a la cadena de acontecimientos ocasionados por sus elaborados esponsales, su romántica luna de miel y el tumultuoso nacimiento de su primera

hija... que trae consigo una imprevista y sorprendente consecuencia para Jacob Black (Taylor Lautner). Con más dosis del romance, la pasión, la intriga, el valor y la acción que convirtieron a Crepúsculo, La Saga Crepúsculo: Luna Nueva y La Saga Crepúsculo: Eclipse en grandes éxitos internacionales, La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I) inicia la conclusión del relato de amor, amistad sin límites, sacrificio, aceptación y descubrimiento de tu verdadero ser. Basadas en la serie de libros de gran éxito de ventas de Stephenie Meyer, las películas y las novelas constituyen un auténtico fenómeno cultural con una comunidad de fans entregados que esperan impacientes la llegada de cada nue-

va entrega. Stephenie Meyer ha logrado convertirse en un fenómeno editorial a escala mundial. Casi 50 países han adquirido los derechos de traducción de sus cinco libros de Crepúsculo, mientras que se han vendido más de 116 millones de ejemplares de la saga en todo el mundo. Sus libros han pasado más de 302 semanas en la lista de ‘bestsellers’ del New York Times. La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I), primera de una adaptación en dos partes, está dirigida por Bill Condon (Dreamgirls, Dioses y monstruos), a partir de un guión de Melissa Rosenberg, basado en la novela Amanecer, de Stephenie Meyer. Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner son sus protagonistas principales.


COMIENZA EL ÚLTIMO CAPÍTULO DEL GRAN FENÓMENO La serie cinematográfica de La Saga Crepúsculo está protagonizada por Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner, y cuenta la historia de una chica de 17 años, Bella Swan, que se muda a vivir con su padre al pueblecito de Forks, Washington, y no puede evitar sentirse atraída por Edward Cullen, un pálido y misterioso compañero de clase que parece empeñado en mantenerla a distancia. Pero ninguno de los dos puede negar la atracción que los empuja el uno hacia el otro... ni siquiera cuando Edward le confiesa que tanto él como su familia son vampiros. Para complicar el asunto, el mejor amigo de Bella, Jacob Black, es un hombre lobo, creado con un único fin: matar vampiros. La primera entrega de la serie, Crepúsculo, con la que comenzaba esta vampírica historia de amor ambientada en la actualidad y cargada de acción, llegaba a las

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salas de cine norteamericanas el 21 de noviembre de 2008 (5 de diciembre en España), para lograr una espectacular acogida. La segunda entrega, La Saga Crepúsculo: Luna Nueva llegaría a la cartelera española el 18 de noviembre de 2009 (2 días antes de su estreno en Estados Unidos) y la tercera, La Saga Crepúsculo: Eclipse, no se haría esperar mucho, y se estrenaría a nivel mundial el 30 de junio de 2010. Las tres películas han logrado una recaudación bruta de 800 millones de dólares en la taquilla norteamericana, mientras que la franquicia se acerca ya a la cifra de 2.000 millones de dólares en la taquilla mundial. En España las primeras tres películas suman más de 52 millones de Euros. Además, las películas no dejan de batir sucesivos récords en sus respectivos lanzamientos en DVD/ Blu-Ray: Las tres películas en España han vendido más de 800.000 unidades. A cada nuevo lanzamiento, tiendas por toda España celebran eventos a medianoche para los insaciables fans de Cre-

púsculo, que esperan ansiosos la continuación de la historia. Al igual que en el libro, en La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I) los tres protagonistas principales continúan su viaje a la madurez, empezando por los ajetreados últimos días de preparativos para la boda de Bella y Edward. “Al final de Eclipse, los dejamos en la pradera, hablando de su futura boda. Empezamos Amanecer con todos los personajes que hemos ido conociendo a lo largo de la saga recibiendo invitaciones para el acontecimiento. Bella y Edward se encuentran en distinto estado de nervios previos a la boda, y entonces nos embarcamos en la boda del siglo”, explica el productor Wyck Godfrey, que ha trabajado en todas las entregas de la serie. “Luego nos trasladamos a Brasil, donde pasan su luna de miel en la isla Esme, una parte de la historia que todo el mundo espera con impaciencia. Por supuesto, entonces llegan los problemas, como sucede en cualquier matrimonio... un embarazo

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inesperado. Para el final de La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I), Bella ya no estará soltera, no estará sin hijos y ya no será humana”. En esta entrega, la saga explora temas más adultos, como el matrimonio y la familia, y lo que harías para proteger a aquellos a los que amas incondicionalmente. “Siempre me han gustado las historias en las que los personajes tienen ocasión de madurar. No me gustaba cuando se quedaban bloqueados en una misma etapa, cuando tienes a una persona que tiene siempre la misma edad y hace las mismas cosas”, explica la autora de la serie, Stephenie Meyer. “Me encantaba Ana de las Tejas Verdes, que creciera, se casara y tuviera seis hijos. Luego sus hijos crecían y se casaban... es como la vida. Hay una evolución. Así que siempre tuve intención de llevar la historia de Crepúsculo a lo largo de las generaciones. Al principio, cuando empecé, me gustaba tanto lo que hacía, era un desahogo creativo tan maravilloso, que me vi continuando a lo www.cinemascomics.com

largo de las generaciones y escribiendo sobre ellos para siempre. No quería dejarlo nunca”. Meyer agrega: “Eclipse también acaba con Jacob con el corazón destrozado y huyendo al bosque. Bella se decide definitivamente por Edward... siempre fue la respuesta para ella. Durante toda la diversión de los preparativos de la boda en Amanecer, Jacob no sabe exactamente dónde se encuentra. Huye al norte, hasta Canadá, y se pasa un par de meses viviendo como un lobo. Pero tampoco desaparece mucho tiempo, porque Bella y Edward están oficialmente prometidos en junio, se casan el 13 de agosto y Jacob reaparece en la boda”. La autora Stephenie Meyer también asume el papel de productora en las últimas dos entregas de la serie cinematográfica, que se rodaron simultáneamente, y estuvo presente en el plató a diario durante todo el rodaje. “La verdad es que la participación de Stephenie ha sido una constante progresión natural, y nuestra re-

lación ha crecido a lo largo de los años. Ha pasado de visitas puntuales en Crepúsculo, a visitas regulares en Luna Nueva y Eclipse, y ahora está aquí a tiempo completo. Paso más tiempo con Stephenie del que paso con mi mujer”, sugiere Godfrey entre risas. “Aprecio mucho nuestra amistad. Lo mejor de hacer películas es que es como un campamento de verano para adultos. Se crean rápidamente unas sólidas amistades con gente que estarán contigo el resto de tu vida”. “La verdad es que la labor de producción que he realizado en estas dos películas no dista mucho de lo que venía haciendo en las entregas anteriores”, agrega Meyer. “En realidad, el título de productor no ha cambiado gran cosa mi papel. He estado muy implicada en todo momento en el proceso de toma de decisiones, aunque también he tenido que aceptar ciertos compromisos. Pero sí resulta distinto tener que preocuparse tanto por el clima y si vamos a poder filmar mañana. Esa ha sido una nueva experiencia”. Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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Godfrey se muestra de acuerdo: “No ha sido muy distinto del papel que había desempeñado en las películas anteriores. Siempre que tenemos alguna duda sobre la mitología, tanto si estaba físicamente presente como si no, la llamábamos o le enviábamos un correo electrónico. También está viendo todo el metraje. Ahora está aquí en el momento en que surgen las ideas. Stephenie es un buen elemento para los actores, que a veces tienen dudas sobre sus personajes. Además, sus conocimientos sobre la realización cinematográfica han aumentado considerablemente en estos últimos años. Las tres últimas películas han sido una verdadera escuela de cine para ella”. Meyer ha vuelto a servir como recurso inestimable para la guionista Melissa Rosenberg, otra veterana de toda la serie cinematográfica. “Melissa ha hecho un trabajo increíble para sintetizar estos libros en películas. Desde el primer libro, nos ha llevado todo el camino y ha tenido la disciplina necesaria para, mientras estábamos haciendo una película, ponerse a trabajar en firme en la siguiente y obligarnos a centrarnos”, explica Godfrey. “Creo que es consecuencia de su experiencia en televisión, para mantener el trabajo de una serie al día. Melissa entiende muy bien el mundo de Stephenie y tiene una gran relación con ella. Sabe cómo articular lo que intenta hacer, y se entiende con Stephenie para saber qué quitar y qué añadir. Han establecido una estrecha colaboración”. Dado que la novela de Amanecer, con partes narradas tanto desde el punto de vista de Bella como de Jacob, llega a ocupar unas sustanciosas 754 páginas, se empezó a plantear desde los inicios del proceso la posibilidad de dividir la densa historia en dos películas. “Cuando leí el libro, en el momento en que Bella abre los ojos y están rojos, fue lo que se me ocurrió”, afirma Rosenberg. “No www.cinemascomics.com

era tanto un momento de ‘ajá, sorpresa’ como de ‘bueno, estaba claro’. Me pareció un punto natural donde cortar, en la transición de la vida de Bella como humana a su vida como vampiro y como madre. Son dos mundos completamente distintos para ella”.

En esta ocasión, se incorpora a las filas de los directores de la Saga Crepúsculo, en las que ya figuraban Catherine Hardwicke, Chris Weitz y David Slade, el realizador ganador del Oscar® Bill Condon, para encargarse de sacar adelante estas dos últimas entregas.

“En un primer momento, me puse a esbozar un esquema de ambas historias. Teníamos que saber que podía funcionar en líneas generales, antes siquiera de poder continuar. El libro era muy largo, pero no tanto como para dos películas. Se hacía necesario ampliar ciertas cosas. Así que me correspondía a mí asegurarme de que había suficiente para dos películas. La presión fue tremenda”, comenta Rosenberg riendo.

“En Amanecer, hemos tenido muchísima suerte. Se ofrecieron muchos grandes directores que estaban interesados en el material y en el desafío de rodar dos películas a la vez”, recuerda Godfrey. “Ya habíamos hablado con Bill Condon tanto para Luna Nueva como para Eclipse, así que, cuando empezamos a buscar director para Amanecer, y resultó que estaba no solo disponible, sino también interesado, nos quedamos todos encantados. Siempre recordaré lo que dijo en una de nuestras primeras reuniones, al referirse a los libros y las películas: ‘Supongo que estoy imprimado con el mundo de Crepúsculo’. Era perfecto que hubiera usado esa metáfora sobre su propio afecto por la serie”.

La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I) se centra en Bella y cómo crea su propia familia, mientras que la Parte II se centrará más en cómo proteger esa familia. Rosenberg agrega, “La Parte I trata sobre irte de casa. Trata sobre madurar y convertirte en un verdadero adulto, convertirte en esposa, convertirte en madre y volverte poderosa... y dominar de verdad tu propio poder. Es una historia iniciática, la verdad, sobre valerte por ti misma por primera vez. Es una historia muy adulta, que le sucede a una chica de 18 años. La Parte I acaba en el momento en que Bella despierta convertida en vampiro, y la Parte II comienza exactamente en ese mismo punto”. “Al principio, todo parece ideal. Es el romance perfecto, que por fin alcanza su culminación. Pero, como en todos los matrimonios, hay complicaciones. No existe eso de ‘fueron felices y comieron perdices’”, advierte Rosenberg. “El matrimonio exige mucho trabajo, cualquiera que esté casado podrá decirlo. Así que, naturalmente, Bella y Edward tienen problemas que resolver y son problemas de vida o muerte. Hay mucho, muchísimo en juego, no podrían estar jugándose más”.

Condon tenía numerosas razones por las que quería participar. “Lo que me resulta interesante es que todas las películas anteriores son muy distintas entre sí”, señala Condon. “Cada director ha abordado esas películas de una forma completamente distinta, aunque la historia continúe de un libro a otro. Hay unidad en el estilo de escritura, tanto de los libros como de los guiones pero, dentro de esas limitaciones, cada director ha sabido hacer algo muy distinto. Me encantaba ese hecho y que la cuarta película, en especial, pareciera muy distinta de las anteriores. Y luego, la quinta es muy distinta de la cuarta. Así que es una oportunidad de dejar tu huella”. “Nuestras agendas nunca habían logrado coincidir antes”, prosigue Condon. “Pero Amanecer llegó justo cuando se acababa de venir abajo una película que estaba a punto de empezar a rodar. Recibí Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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una llamada, leí un esbozo general y luego la novela. Me encantó, en gran medida porque buena parte de las películas anteriores habían servido para preparar el terreno a todo lo que ocurre aquí. En el curso de una sola película, Bella se casa, tiene sus primeras relaciones sexuales, se queda embarazada, da a luz, muere y renace como un vampiro. Y eso es solo el primer filme”. “Con tanta expectativa, toda la película era como un tercer acto”, agrega. “Resultaba muy satisfactoria, un poco como una vieja película de Minnelli, como un gran melodrama romántico de Hollywood, combinado con una

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intensa película de terror. Esas dos ideas se combinan juntas para convertirse en algo que, en mi opinión, resulta único. Además, me encantan las películas de vampiros”. Al final de la última película, Bella y Edward tienen una sombra planeando sobre sus cabezas, con la expectativa de que, según las leyes de los Vulturis, ella debe convertirse en vampiro. “Los Vulturis harán verdadero acto de presencia en la Parte II, pero esa cuenta atrás está presente a lo largo de toda la Parte I. Los Vulturis se mantienen a la espera. Al recibir Aro la invitación de boda, se está dando a entender que ‘vale,

así os mantendréis al margen un poco más’”, explica Godfrey. “En esta película, la principal amenaza no es solo el peligro interno que representa la incógnita del bebé de Bella, sino también el inminente ataque de los lobos a la casa de los Cullen. Nos hemos apartado de la amenaza que suponen los Vulturis, para centrarnos de verdad en los peligros innatos de Forks, Washington, y lo que el nacimiento de su hija va a hacer a la precaria tregua entre los vampiros Cullen y los lobos”, prosigue Godfrey. “Bill es perfecto porque es un adicto al género y le encanta la fantasía. En los inicios de su carrera, también escribió guiones www.cinemascomics.com


historia mediante el color, la música, el diseño, la cámara... para indagar en las emociones de esta mujer, resultó emocionante. Ya no se tienen ese tipo de oportunidades muy a menudo”. Condon, que ganó su Oscar® al Mejor guión adaptado por Dioses y monstruos, una película sobre los últimos días de la vida del director de Frankenstein, se mostró de acuerdo con la decisión de dividir el último capítulo en dos películas. “Estaba bastante claro. Este último libro tiene tres partes, el principio y el final se ven desde la perspectiva de Bella, pero la parte central se ve desde el punto de vista de Jacob. El punto de corte es el momento en que ella se convierte en vampiro, que es el momento en que terminamos la primera película. Hasta entonces, es realmente una película completa. Pasan muchas cosas y la idea de hacer todo eso en 50 minutos nos habría obligado a no pasar más que de rascar la superficie de todo. Era la decisión más acertada”.

de películas de género y, además, es un director muy visual... basta ver Dreamgirls”. “Hay géneros clásicos de Hollywood que nunca pasan de moda, los musicales son un ejemplo. Me interesa cómo hacer que esos géneros funcionen”, plantea Condon. “Como decía, este es realmente un melodrama romántico clásico. Ya no se hacen muchos de esos. Pero, a lo largo de la historia del cine, sobre todo durante la Edad de Oro de Hollywood, el melodrama era un género realmente básico, aunque ahora se haya dejado un poco de lado. Así que ser capaz de trabajar en ese campo y expresar una www.cinemascomics.com

“Melissa escribía”, recuerda Condon, “lo hablábamos y no se lo enseñábamos a nadie hasta que tuviéramos un borrador que nos pareciera que aguantaba bien dramáticamente. Implicaba decisiones importantes que hace falta tomar para contar una historia de manera cinematográfica”. Condon estaba deseando trabajar con los jóvenes protagonistas de esta historia que gira en torno a un personaje femenino. “El hecho de que el personaje central sea una mujer, interpretada por Kristen Stewart, suponía un gran aliciente para mí. Soy un gran admirador de Kristen, gracias a las entregas anteriores y a un par de cosas más que le había visto hacer. Tener ocasión de acompañarla al emprender este increíble viaje a lo largo de estas dos películas figuraba en primer lugar de mi lista de razones para embarcarme en este proyecto”, afirma Condon.

UN ELENCO DE PERSONAJES QUE NO DEJA DE CRECER La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I) recupera a todos los personajes importantes de las entregas anteriores y presenta, además, a cinco nuevos vampiros que componen el aquelarre de Denali. Los adorados actores, ya conocidos a escala mundial, que interpretan a Bella, Edward y Jacob... así como a los Cullen, lobos, humanos y Vulturis, vuelven a retomar todos sus papeles. Los personajes de Julia Jones y Booboo Stewart cobrarán bastante más importancia en este capítulo, ya que Leah y Seth Clearwater se unen a la nueva manada de lobos de Jacob. A todos ellos hay que sumar ahora las nuevas incorporaciones al reparto de esta entrega: MyAnna Buring como Tanya Denali, Casey LaBow como Kate Denali y Maggie Grace como Irina Denali, así como Christian Camargo como Eleazar Denali y Mía Maestro como Carmen Denali. En La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte 2) habrá ocasión de ver a otros muchos aquelarres más de todas partes del mundo. BELLA, EDWARD Y JACOB: EL TRIÁNGULO CAMBIA DE FORMA Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner vuelven a meterse en la piel de sus icónicos personajes protagonistas de Bella Swan, Edward Cullen y Jacob Black. En un primer momento, al director Bill Condon le imponía un poco la perspectiva de dirigir a este grupo tan sumamente unido y entendido. “Al empezar, no cabe duda, se lo conocían todo mejor que yo. Siempre hay una etapa inicial de toma de contacto, sucede en cualquier película, pero aquí quizá fuera más evidente. Pero la verdad es que lo agradecí, y también que todos fueran tan generosos y abiertos desde el Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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cultura popular de una manera que muy rara vez se consigue en tu carrera”. “Kristen, Rob, Taylor y yo pasamos muchísimos días de ensayos simplemente comentando cada escena y repasando ambos guiones. Ese, como siempre, fue el tiempo más valioso del que dispusimos”, asegura Condon. “El ambiente se fue distendiendo y pude ver que se sentían muy cómodos entre ellos, había una sensación de seguridad que resultaba muy agradable”. “Los momentos que más destacan en las mentes de los fans: la boda, la luna de miel, el parto... me intimidan. La verdad es que con tan solo pensar en tener que hacer la boda, me volvía loca”, admite Kristen Stewart. “Es una película importante y no es nada fácil hacer algo que resulta tan importante para tanta gente. Pero, al mismo tiempo, ¿cuántas personas tienen ocasión de hacer algo así? Tenemos todos mucha suerte”.

principio. Tenían muy claro que esto ya era el final y, por lo recogido en los libros, sabían que les aguardaban desafíos muy especiales, pero todos querían estar a la altura y asegurarse de que saliera bien”, comenta Condon. “Lo que me asombraba de todos ellos son los grandes conocimientos que poseían sobre la realización de películas, sus preguntas y los temas que les interesaban iban más allá de cómo íbamos a hacer una determinada escena, les importaba todo. Eran plenamente conscientes de su condición de líderes del equipo de esta película y estaban deseando asumir ese

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papel y hacerlo bien”. “Al embarcarnos en el último libro, la verdad es que hay cierta sensación de finalización, y esperaba que todo el mundo lo disfrutara de verdad, porque algo así no se produce muy a menudo”, se confía el productor Wyck Godfrey. “Los actores han cambiado muchísimo como individuos. Al ver Crepúsculo recientemente, recordé lo jóvenes, inocentes y nuevos que eran. Ninguno de nosotros sabía en qué se acabaría convirtiendo esto. Nos sentimos todos honrados y afortunados de haber podido formar parte de la

“La escena de la boda es un momento bastante trascendental para la serie. Creo que Edward le ha pedido en matrimonio ya unas 50 veces a estas alturas”, comenta riendo Pattinson, “así que la situación ha ido cobrando fuerza y más fuerza y más fuerza todavía”. “Por fin, están todos contentos”, señala Stewart entre risas. “Hemos tenido breves momentos de felicidad antes, pero siempre ha habido algo que los echaba a perder. Una vez más, tendremos que superar sin duda unos cuantos obstáculos pero, por primera vez, no vas a dudar ni un instante si Edward y Bella seguirán juntos”. Rodar la ceremonia fue un momento emotivo para todos. “Parecía muy real. La primera vez que avancé por el pasillo hasta el altar, incluso vestida con mi ropa normal, simplemente para saludar, antes de ir a ponerme el vestido, con todo el mundo sentado ya en los bancos, pensaba: ‘Buewww.cinemascomics.com


no, gracias por venir a mi boda’. Fue realmente alucinante”, recuerda riendo Stewart. Tras la luna de miel, regresan a Forks, y Jacob descubre que Bella todavía no se ha convertido en vampiro. “Jacob se pasa por la casa y se queda encantado cuando descubre que [Bella] ha vuelto, pero entonces ella le da la noticia de que está embarazada”, explica Lautner. “Es un auténtico mazazo para Jacob que, una vez más, pierde la calma. Es muy complicado. Rompe el tratado y, sin duda, causa un gran revuelo dentro de la manada”. El peligro que supone este embarazo acelerado para Bella cambia sustancialmente la dinámica entre Edward y Jacob. Edward recurre a Jacob con el fin de que le ayude a convencer a Bella para que renuncie a un embarazo al que teme que ella no pueda sobrevivir. Además, a petición de Edward, Jacob acepta matar a Edward si Bella muere. “En la primera parte, tienen una relación www.cinemascomics.com

extraña, porque Edward no puede tener una verdadera amistad con él, ya que a Jacob la verdad es que no le interesa”, explica Pattinson “Tampoco es que a Edward le interese, pero se ven obligados prácticamente a vivir juntos y al final se acaba creando un vínculo, porque en definitiva ambos quieren lo mismo para Bella. Los dos quieren que esté bien y ambos creen que está cometiendo una locura por tomar la decisión que está tomando. Jacob está tan interesado como Edward en hacer cambiar de opinión a Bella”. Lautner agrega: “Jacob siempre ha formado parte de la manada y siempre ha seguido a Sam. Cuando la manada se divide, Jacob se ve obligado a madurar y aprender a tomar sus propias decisiones. Cuando se entera del embarazo, lo primero que piensa es: ‘eso va a matar a Bella, matemos mejor al bebé. ¿A quién le importa ese bebé? ¿Por qué debería importarme ese bebé? A mí me importa Bella y creo que están todos locos, incluida Bella, por querer tener-

lo. No tiene sentido, [Bella] va a morir’. Así es como lo ve Jacob al principio, pero, cuando escucha la postura de Bella, la apoya. Eso no significa que esté de acuerdo con ella, pero harán lo posible para asegurarse de que salga con vida. Mientras tanto, Sam y el resto de su manada tienen como principal prioridad destruir a Bella, algo que no me sienta nada bien”. “Sentía mucha curiosidad por saber cómo resolver el triángulo, cómo hacer para no dejar a Jacob completamente tirado, totalmente en la estacada”, se pregunta Condon. “La idea de que Jacob y todo lo que hemos experimentado con él en realidad nos estaba conduciendo a su verdadero destino, que es una conexión con el bebé que crean Edward y Bella, es una idea genial y alocada. Es la solución más asombrosa al atolladero en que te has metido. Es una solución increíble y sumamente original al antiquísimo problema del triángulo amoroso”. Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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LOS CULLEN: UN AQUELARRE DE VAMPIROS EN CRISIS Peter Facinelli como Carlisle, Elizabeth Reaser como Esme, Nikki Reed como Rosalie, Kellan Lutz como Emmett, Jackson Rathbone como Jasper y Ashley Greene como Alice, regresan todos para interpretar al aquelarre de los Cullen, la familia de vampiros de Edward. La película empieza con Alice encargándose de todos los preparativos de la boda, al haber recibido carta blanca de Edward y Bella para todo: la ceremonia, el banquete, la lista de invitados... “Bella es la que va a pasar por el altar, pero el vestido de novia, los preparativos y todo lo demás se va a hacer al estilo de Alice, por todo lo alto y tan fabuloso como sea posible”, describe Godfrey. Greene se muestra de acuerdo: “Alice ha preparado una boda fastuosa y decadente. Al estilo de El sueño de una noche de verano. Lo ha planeado todo hasta el úl-

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timo detalle, incluso lo que Bella va a llevar en su luna de miel. Se ha ocupado de todo. Todo el mundo sabe que Alice es una excelente organizadora de fiestas, pero al fin tenemos ocasión de verla en acción y verla manejar todo el cotarro”. “Jasper y Alice tienen una relación de esas en las que puede que a él no le vayan las mismas cosas que a ella, pero la apoya al 100%”, aporta Rathbone. “Si quiere organizar una boda por todo lo alto, él la ayudará a montar una boda por todo lo alto. Esa es la faceta cariñosa de Jasper que me encanta interpretar, la intensidad de sus sentimientos hacia sus seres queridos. Jasper es un tipo muy fiel, lo que creo que es producto del aspecto sureño de su carácter. Dentro de la familia Cullen, lucharía a muerte por salvar a cualquiera de ellos. Al principio, Jasper se muestra un poco a la defensiva con todo el asunto, pero se implica más cuando Emmett, Edward y él deciden divertirse un poco a modo de des-

pedida de soltero. Jasper sale un poco de su caparazón, algo que me ha gustado interpretar”. El anuncio del inesperado embarazo de Bella provoca reacciones para todos los gustos. “Hay división de opiniones entre los Cullen”, asegura Meyer. “Unos defienden a ultranza la decisión de Bella de querer tener a su bebé. Por otro lado, tenemos a otros a los que lo único que les preocupa es la vida de Bella. Además, Alice no puede ver qué va a suceder y haría cualquier cosa por no perder a la persona que se ha convertido en una verdadera hermana. Así que tenemos una dinámica interesante, porque los miembros de la familia tienen opiniones opuestas”. “Rosalie es la primera que salta a defender a Bella, dado que ella nunca podrá tener hijos propios”, explica Godfrey. “Alice, que adora a Bella como amiga, intenta hacerla desistir. Carlisle, por supuesto, pretende simplemente resolver los problemas, y

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Edward está totalmente abatido, pues considera que la ha matado. Y en medio de todo, tienes a Bella diciendo: ‘No, puedo hacerlo, puedo aguantar el embarazo y, al final, vosotros me salvaréis’. Así que están divididos“. “Hicieron falta cuatro libros para que Rosalie y Bella estuvieran por fin de acuerdo en algo”, prosigue Meyer. “Rosalie es complicada. Es un personaje interesante con el que trabajar en las primeras novelas porque no quiere participar. No quiere formar parte del mundo de esta humana, porque siente una gran envidia por todo aquello a lo que Bella está renunciando. Cuando Bella se halla en esa situación, en la que se encuentra con la posibilidad, aparentemente imposible, de tener un bebé, hace exactamente lo que Rosalie habría hecho y, por primera vez, Rosalie la entiende. Quiere defender la decisión de Bella, porque es lo que ella haría en su lugar. Además, hay otro factor en juego, y es que quiere de verdad tener al bebé”. “El enemigo de mi enemigo es mi amigo”, observa Godfrey riendo. “En Eclipse hay cierta distensión entre ellas, pero ahora Rosalie está ayudando a Bella, aunque por motivos más bien interesados. No es que de repente esté entusiasmada con Bella, sino que está entusiasmada ante la idea de ese bebé y quiere formar parte de ello”. “Ofrece quizá un apoyo demasiado ferviente”, agrega Rosenberg. “Es una dinámica interesante. ¿Está Rosalie protegiendo a Bella o protegiendo al bebé? Es una relación complicada. Cuando entra en escena este bebé, surge algo en Rosalie que resulta completamente inesperado... cierta ternura. Se siente realizada de una manera muy interesante. Pero es una acérrima defensora del embarazo”. “Rosalie siente un fuerte vínculo con el bebé porque tiene un deseo innato de ser madre”, comenwww.cinemascomics.com

ta Stewart. “Se le puede ver en los ojos, sería capaz de matar a toda la familia si se atrevieran a destruir esa vida. No es necesariamente a Bella a la que protege al principio. Lo que me gusta es que se crea un lazo entre Bella y Rosalie a causa del bebé y, cuando nace Renesmee, pueden decir, como amigas: ‘Nosotras lo hicimos posible’”. “Bella ocupa ahora un lugar especial en la mente de Rosalie porque es la incubadora de ese ser mágico, pero su prioridad es el bebé”, confirma Reed. “Rosalie hace cuanto está en su mano para mantener a Bella con vida. En ese

sentido, Bella y ella están en la misma onda, porque lo único que quiere Bella es que su bebé sobreviva, está dispuesta incluso a morir por el bebé. Rosalie tiene un punto de vista totalmente distinto al de los demás. Mientras el resto de la familia no solo está aterrado, sino también indignado y horrorizado de que Bella pudiera estar dispuesta a jugarse la vida, yo experimentaba unas emociones completamente distintas. Rosalie cree que esto podría ser la respuesta a todo. Es fantástico. Lo mejor que le ha pasado nunca. Por primera vez, tiene esperanza en su futuro”.

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Bella dé a luz. Entonces, los lobos se enteran y, de repente, ya no queda tiempo para más preparativos. Están atrapados”, afirma Meyer. “Carlisle estaba haciendo acopio de mucha sangre del tipo de Bella, porque dan por hecho que Bella va a perderla en grandes cantidades y, como médico, tiene acceso a sangre”. “Es terrible”, admite Rathbone. “Intentan cuidar de Bella, pero no pueden pensar más que en comer. Los lobos andan por ahí fuera, bien fuertes, y, cada día que pasa, los Cullen se van debilitando y sus poderes se van reduciendo lentamente. Es una situación difícil para los Cullen. Bella va recuperando fuerzas de lo que es básicamente como un brik de zumo para ellos, lleno de sangre, y esa sangre tiene revueltos a los demás vampiros, sobre todo a Emmett y a Jasper. Claro que Carlisle tiene su propia reserva de sangre guardada, pero no se lo dice a nadie, lo que resulta un poco desconcertante. Gracias por escondernos toda esa sangre, a pesar de que ahora mismo nos vendría muy bien”.

“La luna de miel de Bella y Edward se ve bruscamente interrumpida por un pequeño contratiempo; un pequeño contratiempo en forma de bebé que crece a velocidad exponencial”, explica Rathbone. “Nadie acaba de entender cómo es posible que un vampiro deje embarazada a una humana, y toda la familia Cullen intenta hacerse a la idea. Bella quiere lo mismo que cualquier madre joven: lo mejor para su bebé. Así que se olvida de su propia salud, la deja completamente de lado, porque lo único que le preocupa es esa nueva vida que crece en su interior. Alice no puede ver qué

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futuro le espera al bebé, ni siquiera si es un bebé. Así que lo que crece en el interior de Bella se convierte en objeto de intensa discusión entre los miembros de la familia Cullen. Jasper hará lo que decida su mujer, sea lo que sea por lo que se acabe decantando. Este bebé afecta a todos los personajes del universo de Crepúsculo, sobre todo a la manada de lobos y, muy en especial, a Jacob”. “Los Cullen se ven asediados por los lobos, que merodean por su casa. Lo están preparando todo por lo que pueda suceder cuando

Los actores también encontraron inspiración en sus líderes. “Todos nuestros directores han sido realmente estupendos, cada uno a su estilo, muy diferentes y especiales, pero todos igualmente maravillosos. Sin embargo, Bill merece mención aparte”, apunta Reed. “No solo es que sea un placer trabajar con él, porque es divertido y está permanentemente sonriente, sino que tiene respuestas para todas las preguntas. Está más preparado que nadie con quien haya trabajado jamás, su actitud y la energía que irradia es lo que nos impulsa a todos”. “Cuando descubrí que contábamos con él, me entusiasmé, porque sabía que Bill sería un director de actores”, reconoce Facinelli. “Tiene una forma muy delicada de dirigir, muy receptiva a las ideas de los actores y dispuesto a probar lo que se te ocurra aportar. Nunca he llegado www.cinemascomics.com


a oírlo gritar, ni una vez. Tiene un carácter muy dulce, muy cálido y muy generoso”. “Además, está haciendo dos películas”, prosigue Facinelli. “Cuando recibí los guiones de estas películas, ¡tenían casi 250 páginas! ¡Pesaban lo suyo! Cuando hablamos sobre la trayectoria de Carlisle, le dije a Bill: ‘Tienes un enorme camino por delante. Buena suerte, porque no va a ser fácil, pero será muy gratificante. Estaremos contigo en primera línea’. He de reconocérselo... es nuestro general y comandante en jefe en esta batalla. Hay una bestia a la que hay que dar muerte, y él está allí todos los días, a por todas, desde las seis de la mañana hasta que ponemos punto final”. “Soy una gran fan”, agrega Reed. “Soy una auténtica admiradora, y esto es más que un trabajo para él. Bill vive esto intensamente y es algo que te absorbe por completo. No puedo imaginarme lo que debe ser hacer una de estas, ¡mucho menos dirigir dos! Se lo pregunto cada día: ‘¿Cómo es que todavía te queda pelo? ¿Cómo consigues dormir por las noches? ¿Cómo consigues no perder la cabeza y seguir siendo persona?’. Algo así puede resultar completamente abrumador y está haciendo un trabajo más que excelente para ayudarnos a ubicarnos en todo momento durante el rodaje”. Rathbone continúa: “Bill manifiesta claramente cierta sensibilidad hacia los personajes, más que hacia las situaciones que se producen en torno a ellos. Sus historias se centran completamente en los personajes, aunque se encuentren en un gran mundo de fantasía. Se pueden apreciar unos lazos muy tangibles entre los personajes por su forma de relacionarse entre sí. Bill se centra decididamente en eso e intenta que todos nosotros lo transmitamos como actores”. www.cinemascomics.com

LOS LOBOS: LA MANADA SE DIVIDE En esta nueva entrega, retoman sus personajes de la manada de lobos, ya aparecidos en La Saga Crepúsculo: Luna Nueva y La Saga Crepúsculo: Eclipse, los actores de la Primera Nación/nativo americanos: Chaske Spencer como Sam Uley, el alfa de la manada, Alex Meraz como Paul Lahote, Kiowa Gordon como Embry Call, Bronson Pelletier como Jared Cameron y Tyson Houseman como Quil Ateara. Tinsel Korey también reaparece como Emily, prometida de Sam.

Julia Jones y Booboo Stewart ven cómo los papeles que interpretaron originalmente en La Saga Crepúsculo: Eclipse se amplían, al incorporarse los hermanos Leah y Seth Clearwater a la manada de lobos de Jacob. Entre los demás miembros de la nación india Quileute que también regresan en esta entrega figuran: Gil Birmingham como Billy Black, padre de Jacob, y Alex Rice como Sue Clearwater, madre de Leah y Seth, que inician su propio triángulo amoroso con el padre de Bella. Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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También aparecerán unos cuantos personajes Quileute nuevos en La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I), que incluyen a Braydon Jimmie como Collin Littlesea, Swo Wo Gabriel como Brady Fuller, y presentando a la pequeña de cuatro años Sienna Joseph como Claire Young. Tanaya Beatty también aparece como Rebecca Black, hermana de Jacob e interés romántico de Paul. Los lobos sirven a un propósito fundamental: proteger a los humanos de los vampiros. Sin embargo, al empezar la película, el aquelarre de los Cullen, así como la futura vampiro Bella, ya no se perciben como amenazas. “La

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manada ha aceptado un incumplimiento técnico del tratado. Colaborar con los Cullen en Eclipse ha cambiado su perspectiva. Siguen siendo el enemigo, pero no son un enemigo tan malo. Bella ha tomado claramente la decisión de unirse a los Cullen, pero no la están obligando a convertirse en vampiro, así que Sam está dispuesto a dejarlo pasar por alto. Jacob, naturalmente, no es de la misma opinión. Cree que el hecho de que Bella se transforme es un destino peor que la muerte”, explica Meyer. LOS HUMANOS Billy Burke vuelve a meterse en

la piel de Charlie Swan, padre de Bella y jefe de policía de Forks. Sarah Clarke, de Crepúsculo y La Saga Crepúsculo: Eclipse, regresa como Renée Dwyer, para compartir la alegría de la boda de su hija Bella. Ty Olsson (El origen del planeta de los simios) interpreta a su marido, Phil Dwyer. Al padre de la novia no le hace precisamente gracia que su hija todavía adolescente se vaya a casar. “Charlie ha llegado a un estado de tranquila resignación”, comenta Burke. “¿Pondría la boda de Bella en su lista de cosas que le gustaría ver en su vida? No. Pero se da cuenta de que su hija es una persona con una vida prowww.cinemascomics.com


personajes es que se están despidiendo de su antiguo grupo de amigos, de sus viejos compañeros de instituto. Fue divertido volver a contar con todos esos actores, hacia el final de nuestro calendario de rodaje, cuando filmamos la boda. No había tenido ocasión de conocerlos antes, pero son todos increíblemente divertidos”, comenta Condon. “Anna Kendrick y Mike Welch se levantaron e hicieron unos brindis de lo más maravillosos y forzados... en parte ensayados, en parte improvisados. Pero eran una parte crucial de la primera película, y fue un momento muy especial cuando todos ellos aparecieron en el plató”. Kendrick observa: “La verdad es que Jessica no cambia gran cosa. Es una de las cosas que más y a la vez menos me gustan de ella, es muy estática. Tiene un aire de chica borde de instituto que no ha llegado a madurar. Sigue teniendo básicamente la misma opinión sobre Bella. Le ha tomado cierta simpatía, pero sigue viendo a Bella como la chica nueva que llega y acapara toda la atención a la que Jessica solía estar acostumbrada, o desearía estarlo. Así que no ha madurado mucho, y eso es lo triste y también divertido de ella”. pia y que va a hacer lo que quiera. Va a seguir su corazón y, como padre, tiene que respetarlo”. “El respeto mutuo que Bella y Charlie sienten uno por otro ha aumentado a lo largo de estas películas. Cuando Kristen y yo nos vimos por primera vez, nuestra relación venía a ser como la que se veía en la pantalla en la primera película. A medida que nos hemos ido conociendo todos, eso se ha prestado muy bien a mostrar cómo se desarrollaba la relación entre Charlie y Bella”, prosigue Burke. “En esta película, parte del proceso de crecimiento de estos www.cinemascomics.com

LOS VULTURIS: A LA EXPECTATIVA A pesar de aparecer poco tiempo en pantalla, la inminente amenaza de los Vulturis, un venerable aquelarre de vampiros eternos que dictan e imponen las leyes del mundo de los vampiros, se deja sentir a lo largo de toda la Parte I. Aunque no habían hecho acto de presencia desde el final de La Saga Crepúsculo: Luna Nueva, Michael Sheen, Jamie Campbell Bower y Christopher Heyerdahl regresan a la serie como los legendarios gobernantes de los Vulturis: Aro, Cayo y Marco. Charlie Bewley y Daniel Cudmore también regresan como los matones Vulturi, Demetri y Felix.

Ali Faulkner interpreta a Bianca, quien trae la notice de que Carlisle tiene un nuevo miembro en su familia, Ahora los Cullen tienen algo que Aro quiere. Dakota Fanning y Cameron Bright no aparecen en este episodio, pero volverán en La Saga Crepúsculo: Amanecer (parte II.) EL AQUELARRE DE VAMPIROS DE DENALI: LOS PRIMOS VEGETARIANOS Al principio de la película, se presenta a los primos vampiros de Alaska de los Cullen como invitados de la boda, donde Bella tendrá ocasión de conocerlos. MyAnna Buring, Casey LaBow y Maggie Grace interpretan a las tres hermanas rubias de ascendencia rusa Tanya, Kate e Irina, mientras que Christian Camargo y Mía Maestro interpretan a los hermanos de origen español, Eleazar y Carmen. “A Tanya se le ocurrió lo del vegetarianismo por su propia cuenta, así que, cuando conoció a Carlisle, compartían esa compasión por los humanos de la que la mayoría de los vampiros carece”, explica Meyer. “Carmen y Eleazar se unieron al aquelarre de Denali porque buscaban una forma de vivir más tranquila y pacífica, y eso fue lo que encontraron con la familia de Tanya”. Además del aquelarre de Denali, se dejarán ver docenas de nuevos personajes sobrenaturales, procedentes de países de todo el mundo, como Egipto, Brasil, Irlanda, Rumanía, Inglaterra, Estados Unidos, Italia y Francia, en La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte II). ACERCA DE LA PRODUCCIÓN El rodaje de La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I) comenzó el 7 de noviembre de 2010 en Río de Janeiro, Brasil, y continuó, simultáneamente con la producción de La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte II), a lo largo de seis meses Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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y pasando por tres países diferentes. El equipo multinacional filmó distintas secuencias principalmente en los siguientes lugares: Río de Janeiro y Paraty, en Brasil, Baton Rouge y Nueva Orleans, Luisiana, en Estados Unidos, así como Vancouver, la isla de Vancouver y Squamish, Columbia Británica, en Canadá, que sirvieron para recrear entre todos el mundo de Forks, Washington, isla Esme, Brasil, y Volterra, Italia. Debido a la escala global de la historia, en especial en la segunda película, se recrearon numerosos países en los distintos exteriores. También se rodaron planos extra para la secuencia de la luna de miel brasileña de la Parte I en el Caribe. UNA HISTORIA, DOS PELÍCULAS El desafío añadido de realizar simultáneamente dos películas épicas, La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte I) y la más ambiciosa todavía La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte II), en dos centros de producción importantes, obligó a menudo a los realizadores a estar preparando a la vez varios platós

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separados por miles de kilómetros. La producción montó dos bases de operaciones: una en Baton Rouge, Luisiana, donde se llevó a cabo la mayor parte del rodaje en interiores, y la otra en Vancouver, Canadá, donde se rodaron la mayoría de los exteriores de la parte de la historia ambientada en el noroeste del Pacífico. El proyecto también hacía necesario un viaje a Brasil, lo que exigió montar un tercer equipo de producción, que se conocía como la “unidad mundial”. Mientras la compañía principal de rodaje empezaba a filmar en Luisiana, otros equipos en Canadá (muchos de los cuales ya habían trabajado antes en la franquicia) localizaban zonas remotas de bosque y construían la casa de los Cullen a gran escala, junto a otros decorados. Tras veinte semanas de preparativos, la producción empezó a rodar en bloques para lograr una mayor eficiencia en cuestión de exteriores, disponibilidad de los actores, el aspecto, el atrezo y los decorados. “En los primeros momentos del desarrollo, tuvimos que ocu-

parnos de todos los factores que definen el aspecto característico de cada personaje: pelucas, maquillaje, lentillas y vestuario, y luego los propios decorados. Bill y yo nos dedicamos a revisar toda la lista, pasando por cada uno de los personajes, decorados, escenarios y exteriores”, señala el coproductor Bill Bannerman. “Sin embargo, las cuestiones que había que resolver para la Parte II son muy distintas de las que había que resolver para el principio de la Parte I, y todo ello tenía que estar resuelto antes de empezar el propio rodaje”, explica Bannerman. “Pero Bill Condon es un genio, sumamente intelectual, hasta el punto de ser capaz de comprender cada faceta de la producción, tanto desde la perspectiva creativa como desde la de la ejecución física. Bill es capaz de ver el conjunto de la obra y comprender sus distintas facetas y qué hacer para llevar a cabo cada una de ellas”. La unidad principal acumuló por sí sola 101 días de rodaje. “Este www.cinemascomics.com


capítulo ya tiene por sí mismo unas grandes exigencias logísticas”, admite Bannerman. “Las exigencias logísticas de rodar las dos partes a la vez han sido mayores todavía... tres países con múltiples unidades: unidad principal, segundas unidades, unidades de acción, unidades de fondos, unidades de efectos y unidades aéreas. Tuvimos que dividir el trabajo en esas dinámicas para lograr que tan solo resultara una especie de compleja y difícil partida de ajedrez”. Kristen Stewart comenta: “Hemos abordado el proyecto como uno solo. Se está rodando todo como una única gran película, puesto que el libro no está dividido en dos historias distintas. Ha resultado tan confuso como cualquier otro proyecto que no se rueda en orden cronológico, solo que muy largo”. “Ha habido días en que rodábamos una escena del principio de la primera película, almorzábamos y luego rodábamos una escena del final de la segunda película

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por la tarde. Ha sido una locura”, comenta Taylor Lautner. “Todos los personajes cambian mucho de la primera película a la segunda. Jacob cambia un montón, así que era difícil seguir la pista de en qué punto de su trayectoria se encontraba. Pero teníamos a Bill Condon para ayudar, así como a Stephenie y a todo el reparto. Fue complicado, probablemente de lo más complicado que hemos hecho hasta ahora en esta franquicia”. TODO POR LOS FANS “Cuando pongamos punto final a la producción de Amanecer, habremos realizado, de principio a fin, cinco películas en tres años y tres meses”, señala Godfrey. “Desde el primer día de rodaje de Crepúsculo al último día de rodaje de Amanecer, ¡no han pasado más que tres años básicamente! Es todo un logro extraordinario. No conozco ninguna otra franquicia que haya sido capaz de producir sus entregas tan seguidas”. “Evidentemente, era necesario hacerlo, porque, puede que los

vampiros no envejezcan, pero los actores tienden a hacerlo. Así que ha sido un auténtico torbellino... para los que nos hemos ocupado de la parte de producción, nos hemos pasado casi dos de los tres años lejos de casa”, plantea Godfrey. “Ha resultado frenético y estimulante en ciertos momentos, y agotador en otros... pero, ahora que estamos rodando las dos últimas películas, es la primera vez que hemos sentido un poco de nostalgia. Podías estar sentado esperando a que prepararan un plano y recordar un día de mucha lluvia en Portland. Todo el mundo está respirando hondo y disfrutando del hecho de que estamos llegando al final”. Cuando Stephenie Meyer empezó a escribir Crepúsculo en 2003, jamás imaginó que llegaría a convertirse en una serie de películas. “Participar en la creación de películas me resulta algo muy extraño e inesperado”, admite Meyer. “En el día a día, te acostumbras a ponerte toda la ropa de lluvia y volver al trabajo pero, cuando te paras a pensar: ‘Estamos ha-

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ciendo una película que se va a ver en la gran pantalla’. Estoy tranquilamente hablando con Kristen como si nada. Si te paras a pensarlo, ahora mismo es una de las mayores estrellas de cine del mundo, y estamos aquí, de charla, contándonos historias. Así que tienes tus momentos de ‘vaya, qué raro’. Hoy es raro porque estamos rodando la boda. Ver a cientos de extras preparándose para ir a la boda de Bella y Edward es conmovedor. La experiencia de estos últimos tres años y medio me ha cambiado la vida. Jamás podría haber imaginado vivir algo así”. “¿Con qué frecuencia tienes oportunidad de formar parte de una anomalía de este calibre? Muy, muy rara vez”, responde Bannerman. “Más allá de Star Wars, ¿dónde se ve a una comunidad de fans que apoya con semejante

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pasión a una franquicia hasta el punto de pasarse cinco noches haciendo cola solamente para poder ver a los actores desfilar por la alfombra roja? Esperan durante días enteros para conseguir entradas de pases de preestreno, o van a una convención donde los actores firman autógrafos... no se parece a nada que haya visto nunca”. “Dentro de unos años, recordaremos esta época de rodaje como alucinante. La ironía es que no se nos permite comentar nada mientras lo estamos haciendo”, comenta Bannerman riendo. “No queremos que se nos escapen los secretos, para que a los fans les pillen de nuevas y disfruten de la experiencia cuando acudan al cine. Ha sido un auténtico desafío durante tres años no contarle a nadie que estás trabajando en uno de los proyectos más emocionantes del planeta”.

“Los fans de estas películas son increíbles y nunca dejan de sorprenderme”, concuerda Godfrey. “Ir a Brasil fue una experiencia extraordinaria por el derroche de cariño de los fans, eran verdaderos fanáticos. Había al menos 250 personas con pancartas en el exterior del hotel de Kristen y Rob, día y noche, gritando y animando. Seguro que los vuelve locos, pero yo siempre les digo que se paren un momento a considerarlo y se den cuenta de que podríamos no volver a disfrutar de una energía tan especial el resto de nuestras carreras”. Mientras rodaban en Luisiana, los fans locales crearon una página de Facebook llamada Twilight Takes Over Baton Rouge (Crepúsculo toma Baton Rouge), que consiguió casi 10.000 seguidores. “Como corresponde al estilo sureño, todo el mundo era un poco www.cinemascomics.com


jante nivel de locura de fans en ningún otro proyecto... la emoción, la atención de los medios y el bombo publicitario... todo ello forma parte de esta anomalía que es Crepúsculo”. Bannerman prosigue: “El nivel de atención es inusitado, pero hace que invierta muchas energías en proteger el entorno de trabajo. Cuando tienes un equipo humano de 400 personas y un reparto que puede oscilar entre dos y cincuenta o más personas cada día, es un mundo muy grande. Así que, a medida que nos trasladamos de exterior en exterior, y de país en país, se convierte en un reto en sí mismo crear un entorno que nos permita centrarnos en la tarea que tenemos delante, sin faltar al respeto a los fans que se han metido de lleno en esta franquicia”.

más reservado y permitieron al reparto ir donde quisieran. Baton Rouge estuvo un poco más controlado de lo que había estado Vancouver, o ciudades más grandes de todo el mundo, así que me da la impresión de que alguien debió de decir: ‘Dejémosles hacer su trabajo aquí o podrían no volver nunca’”, explica Godfrey, entre risas. “Cuando tenía 16 años y Star Wars era lo más, no existía Internet, ni las campañas virales”, comenta Bannerman. “No sabías nada hasta que se estrenaba la película. Ahora, debido a las plataformas multimedia y a la cantidad de información que hay circulando, los fans obtienen muchísima información, tanto si se ha desvelado adrede como si no, y expone mucho más todo lo que hacemos a la luz pública. No había tenido que vérmelas nunca con semewww.cinemascomics.com

Al acercarse el final del rodaje de la épica saga, los realizadores siguieron sintiéndose responsables de las expectativas de los fans. “El viaje que emprende Bella en el mundo de los vampiros depara muchas sorpresas y maravillas. Es una montaña rusa de emociones para los fans, que están deseando saber cómo sería sentir el mordisco. ¿Qué siente ella cuando el veneno se extiende por su cuerpo? Se van a sentir sumamente satisfechos a todos los niveles, pero querrán más”, asegura Bannerman. “Uno de los aspectos interesantes de hacer una película de Crepúsculo es que hay tanta gente que se conoce tan bien el material, que te tomas muy en serio cualquier decisión que suponga cambiar algo”, comenta Condon. “Durante el montaje, se hace más complicado hacer lo que harías normalmente al montar cualquier otra película: meter la tijera. Hay una serie de escenas que se han quedado en la sala de montaje y que acabarán saliendo en el DVD. Algunas se encuentran entre los momentos favoritos de

los fans, el divertido intercambio de dardos envenenados entre Jacob y Rosalie, que acaba con este tirándole un perrito caliente a ella. Esperas que la gente comprenda que momentos geniales de la novela, que incluimos en el guión y hasta se rodaron porque a los fans les encantan, en última instancia no tienen cabida en la película. Tenemos más de 15 de escenas de ese tipo en el filme. Pero hay que sopesar seriamente las expectativas de los fans mucho más de lo que harías en cualquier otro proyecto”. Mientras la Parte I se dispone a llegar a las salas de cine, Condon se encuentra muy ocupado en la postproducción de la Parte II. “Para mí, ha sido una intensa experiencia que dura ya año y medio. Empezar elaborando los guiones, preparar dos películas y rodarlas las dos. Luego, un calendario muy apretado para llegar al lanzamiento de la primera de las películas”, explica Condon. “La segunda película es mucho más grandiosa y será la culminación de todo... nos metemos de lleno en la vida de un vampiro”. El rodaje de la unidad principal de La Saga Crepúsculo: Amanecer concluyó justo antes del amanecer en la mañana del 23 de abril de 2011, en una playa de St. Thomas, en el Caribe. Por su parte, la segunda unidad acabó con el rodaje de las escenas arriesgadas en el Stawamus Chief Provincial Park, justo al sur de Squamish, el 29 de abril de 2011, mientras que la unidad aérea seleccionó con cuidado unos cuantos días de clima ideal en las semanas siguientes, para poner punto final al rodaje de la saga. La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte II) llegará a las salas de cine el viernes 16 de noviembre de 2012.

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ENTREVISTA

MELISSA ROSENBERG LAS DOS PARTES DE “AMANECER” VAN A SER MUY SEXYS Por Diego Sánchez

Como entras a formar parte de la saga Crepúsculo? Había hecho una película para los productores, Step up, y tuvimos una gran relación creativa durante el proceso, así que cuando llegaron los derechos del libro, me dijeron: “¿Cómo te sentirías escribiendo sobre vampiros y adolescentes?” Evidentemente, dije que me encantaría”. ¿Conoces la serie Buffy cazavampiros? Es una de mis series favoritas de todos los tiempos, así que en cuanto me llamaron les conteste: “allí estaré”. ¿Habías leído los libros antes? Cuando me llamaron me compré los libros y me leí el primero durante ocho horas, de una sentada. Luego tuvimos una reunión de meas de ocho horas con los productores y así empezó todo. ¿Cómo aguantas la presión de los fans? Lo mejor que puedo. Es aterrador. Si fallo, fallo a nivel internacional. Puedo fastidiarla en Argenwww.cinemascomics.com

tina, suiza, en cualquier parte del mundo. Por encima de todo es que estos fans aman el libro, arruinar la novela sería un enorme desprecio para ellos. Así que lo primero para mi era cerciorarme de que cuando alguien vea la película estén viendo lo que es el libro. Lo importante es que el filme sea fiel a las novelas, lo que no es nada fácil porque el cine se hace de una forma y la literatura de otra. ¿Cual fue la parte más difícil de adaptar de toda la saga? New Moon, sin duda alguna. Porque estructuralmente, durante dos tercios de la película Edward no está en los libros, y solo aparece en las últimas páginas. El resto del tiempo su personaje está desaparecido. Pero tienes a Robert Pattison y no puedes sacarle de la peli por una hora. Queríamos centrarnos en la relación con Bella, pero cómo mantienes una relación cuando la otra persona no está ahí? Así que fue un reto enorme y fue un gran reto. Sin lanzar spoilers, ¿cómo ma-

nejasteis la adaptación del final de libro, siendo como es tan fuerte para adolescentes? Amanecer trata sobre el matrimonio, que no es un tema propio de adolescentes. En cuanto dicen “si quiero” empieza la Guerra. Para adultos es un tema más común, pero no para adolescentes. Además hemos añadido puntos de terror en referencia a La semilla del Diablo. A pesar de lo que pudiera desembocar en el final, la sangre no es necesariamente aterradora. Eso lo aprendí escribiendo Dexter, donde a pesar de todo lo que pasa la sangre nunca la utilizamos para asustar o impresionar. Así que trasladar algunas de esas ideas del final del libro a las películas ha sido complicado, porque no es un final para niños. Los padres decidirán si quieren que sus hijos la vean porque nos han dado una calificación para mayores de trece años por esas escenas. ¿Sueles ir a internet y ver lo que dicen los fans de la películas? No puedo. En internet hay mucha gente con ideas, cosas muy inCinemascomics │Noviembre 2011 │

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teresantes, pero también mucha gente que siendo anónimos lanzan mensajes de odio y no podría escribir si leyera todo ese odio y rabia que algunas personas lanzan desde sus casas. Mi marido sí lo hace y filtra los mensajes que puedo leer o no. Para alguien creativo, internet puede ser perjudicial si dejas que los mensajes te afecten. Los productores de las películas sí que leen todo y deciden si algo pueden aplicarlo para el futuro o no. Pero yo no puedo. ¿Hay algún personaje que estuviera en las novelas y no hayas podido poner en los guiones? Probablemente haya alguno. Aunque realmente es más sobre el pasado de los personajes lo que duele dejar fuera. Al final, la película es sobre Bella, Edward y Jacob, y todo lo que ralentice esa historia, queda fuera. Así que hay historias que no hemos podido contar. Por ejemplo, la historia de los Volturi, la historia de Jane y Alec... Pudimos contar algo, re-

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tazos muy pequeños en algunas de las películas, pero sus historias son realmente complejas y profundas, muy interesantes, y son las que me gustaría haber podio contar, aunque tuvimos que dejar casi todo fuera. ¿Qué pueden esperar los fans de las próximas entrega? Debo decir que los fans deben esperar que Amanecer sea algo muy sexy, mucho más que las entregas anteriores. Han esperado durante tres películas para que Edward y Bella se unieran, así que no creo que vayan a sentirse decepcionados. Además, me atrevo a decir que está muy bien hecho. Todo gracias a Bill Condon, que ha hecho un trabajo excelente, es un gran director y seguro que va a funcionar muy bien en pantalla. Además la relación con él es una de las mejores de mi Carrera. A pesar de haber ganado un Oscar no se le ha subido a la cabeza y no ha querido coger el guión y rescribirlo en ningún momento. Quería que yo la escribiera. Pero lo bue-

no es que él es escritor, así que sabe utilizar el mismo lenguaje que yo. Gracias a ello congeniamos perfectamente. Pudimos trabajar las emociones con mayor profundidad para plasmarlas en la pantalla, hemos podido hablar del mismo modo y entender lo que teníamos que contar a los fans, con las mismas palabras y utilizando el mismo lenguaje. Bill Condon me ha hecho mejor escritora. Cuando terminas el guión, ¿sigues trabajando con el director? Con Bill trabajé tanto antes del rodaje que me aseguré de que el guión era exactamente lo que el quería. Así al llegar al rodaje estaba todo en las páginas del guión. Luego las cosas pueden cambiar porque la localización es diferente, porque hay recortes presupuestarios… Siempre hay pequeños detalles. Pero en el fondo está todo en el guión y no cambia mucho. Lo que yo escribo es lo que él rueda.

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ENTREVISTA

BOOBOO STEWART FORMAR PARTE DEL UNIVERSO DE “CREPÚSCULO” ES UNA LOCURA Por Diego Sánchez

¿Es tu primera vez en España? Si, la primera. La gente es muy agradable y es un lugar increíble. Y no digamos el tiempo.. Nunca había estado en el festival de Sitges, nunca había oído hablar de él, pero es realmente fantástico. Se nota un ambiente fantástico. ¿Cómo conseguiste el papel? La verdad es que fue un fan el que me avisó en MySpace diciendo que había un personaje que sería genial para mi. Así que hablé con mi agente y fui la última persona del mundo que hizo el casting pero tuve suerte y me eligieron. ¿Qué es lo que más te gusta? Lo que más me gusta es que a todo el mundo le gusta este personaje. No se los fans, quizá a alguno no le guste, pero en el filme no hay ningún personaje a quien no le guste.

entender el universo en que me iba a meter. ¿Que pueden esperar los fans de tu personaje? Podrán ver mas de mí. Porque en las anteriores películas no salía mucho. Veremos como Jacob o Edward son casi ídolos para él y como se relaciona con ellos. Tengo muchas ganas de que los fans vean más de mi personaje. Seth, tu personaje, es un cambia-formas que pasa gran parte del tiempo con los vampiros, ¿verdad? En la película se ve mucho esta relación. El pasa mucho tiempo con los vampiros, les admira y se relaciona con ellos aunque no sean de su especie. Es una relación interesante y creo que hemos hecho un trabajo interesante en ese aspecto.

¿Leíste los libros?

¿Como crees que los fans reaccionaran al final?

Cuando me dijeron que podría estar en la película me lancé a por los libros. Los empecé a leer para

Creo que estarán muy tristes…. Sera una mezcla de alegría, porque creo que el final es fantásti-

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co, pero también tristeza, porque es como cuando terminó El señor de los anillos. Te sientes triste porque es el final de un largo viaje pero al mismo tiempo has disfrutado de todo un gran camino. Es una mezcla fantástica. ¿Como fue trabajar con el equipo de una película que pertenece a un universo tan enorme? Fue una locura. Formar parte de este universo es una locura . Nunca había visto tanta seguridad. Era en parte divertido y entretenido, estar en el set, compartir tiempo con todo el mundo. Hubo momento que pase un buen rato con extras que trabajan en la película, porque estaban empapados, por la lluvia, y nadie se quejaba. Recuerdo momentos divertidos, cuando teníamos que rodar con sol y de pronto llovía o nevaba. Era una locura, pero en el fondo es muy divertido trabajar entre tanta gente y con tantos medios. ¿Sientes mucha presión de los fans? Al principio si, un poco. Durante las dos primeras semanas tras saCinemascomics │Noviembre 2011 │

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ber que iba a estar en Crepúsculo no pude decir nada porque esperaban a un anuncio oficial. Una vez se hizo pública mi participación, fui a internet a ver qué decía la gente. Pero al final pensé que simplemente debería hacerlo. Era una locura lo que un papel pequeño como el mío puede levantar. Pensé que no debería dejar que la presión de los fans me afectara, si creían que iba hacerlo bien o no.

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Simplemente tenía que hacerlo. Y así pude disfrutarlo más. ¿Cuál es tu personaje favorito? Es una pregunta muy difícil. Me gusta mucho mi personaje, en realidad. También Sam Ulley, que es el líder de su grupo y es interpretado por Chaske Spencer. Es un personaje que me gusta mucho.

Y, ¿después de esto? Estoy empezando un canal en Youtube con mi hermana en el que vamos a colgar videos exclusivos sobre el rodaje de Crespúsculo, el estreno y todo eso. Además, tengo la película White Frog recién finalizada de rodar y pongo la voz al personaje de Jake Segerstrom en Guardians of Luna, así que estaré ocupado. www.cinemascomics.com


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Estreno

EL

GATO CON BOTAS

25 de Noviembre

Mucho antes de que conociera siquiera a Shrek, el conocido espadachín, amante y fuera de la ley Gato con Botas (ANTONIO BANDERAS) se convierte en un héroe al emprender una aventura junto a la dura y espabilada Kitty Zarpassuaves (SALMA HAYEK) y el astuto Humpty Dumpty (ZACH GALIFIANAKIS) para salvar a su pueblo. Complicándoles las cosas por el camino están los infames forajidos Jack y Jill (BILLY BOB THORNTON y AMY SEDARIS), que harán cualquier cosa para que Gato y su banda no lo consigan. Esta es la verdadera historia del Gato, del Mito, de la Leyenda... y, por supuesto, de Las Botas. “El Gato con Botas” está dirigida por CHRIS MILLER. Está producida

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por JOE M. AGUILAR y LATIFA OUAOU. Los productores ejecutivos son ANDREW ADAMSON y GUILLERMO DEL TORO. El guión es de TOM WHEELER, sobre una historia de BRIAN LYNCH, WILL DAVIES y Tom Wheeler. La música es de HENRY JACKMAN. La película ha sido calificada “Para menores acompañados” por la MPAA por alguna acción y aventura y cierto humor ligeramente grosero. UN CUENTO LEGENDARIO QUE CONTAR Chris Miller es polifacético por naturaleza: animador, dibujante de guiones, actor, realizador. Licenciado en el prestigioso Departamento de Cine y Animación del California Institute of the Arts, Miller realizó una exitosa carrera en anuncios, videos y películas antes de aterrizar en los recién

creados DreamWorks Animation Studio SKG como dibujante en “HormigaZ”, la primera comedia animada de gran éxito del estudio. Después de eso, se convirtió en un miembro fundacional de un grupo de élite que llegaría a cambiar la historia de la animación: primero como dibujante en “Shrek”, película ganadora del Óscar, y luego como encargado de la historia en “Srek 2” y como director en “Shrek Tercero” (por no mencionar la multitud de memorables personajes a los que fue prestando su voz), Chris se convirtió en una parte integral de la serie de películas de animación de mayor éxito de la historia del cine. Miller conoció por primera vez al inolvidable felino llamado Gato con Botas siendo encargado de la www.cinemascomics.com


historia en “Shrek 2”. Ya entonces se dio cuenta de que el Gato estaba destinado a hacer grandes cosas. Miller recuerda: “El Gato con Botas tuvo un papel tan importante en el éxito de “Shrek 2”, que me parecía tan sólo cuestión de tiempo el que triunfara por su cuenta. Es un personaje sumamente atractivo, y estaba claro que necesitaba que se contara su propia historia. Yo siempre me sentí atraído por ese gato, ese personajillo tenía una gran historia tras él, uno se daba cuenta de que había innumerables historias y aventuras. Yo siempre quería saber: ‘Vale, ¿de qué vas? ¿De dónde procede ese acento? Y lo más importante de todo, ¿de dónde has sacado esas botas? ¿Cómo se originó todo?’” Miller vio un montón de caractewww.cinemascomics.com

rísticas que volvían irresistible al aventurero minino: “Hay algo un poco diabólico en él, que es lo que realmente me gusta de él, pero aún así tiene un grandísimo corazón. Pese a su tamaño, es una figura enorme”. El productor Joe M. Aguilar, ganador de un Emmy, es también un veterano de DreamWorks Animation, habiendo trabajado como alto ejecutivo y productor clave en la empresa desde su creación. El productor Aguilar resume así el encanto del Gato: “De todos los personajes a los que se puede llamar secundarios, creo que éste es el personaje más entrañable de todas las sagas cinematográficas que hemos hecho, y probablemente sea el personaje por el que hay más gente interesada en saber más cosas de él. Al desa-

rrollar una película sobre el Gato con Botas, intentamos hacer algo digno del personaje... algo repleto de aventuras, algo que aprovechara de verdad el carisma que tiene”. Otra persona que estaba ahí desde el principio del personaje (como supervisora de la historia y el montaje de “Shrek 2”), la productora cinematográfica Latifa Ouaou, expresa su opinión acerca de por qué se encariñó el público con este aventurero: “Lo que hace que el Gato con Botas sea tan especial es que ese gato tan pequeñito tiene una tremenda personalidad y una profunda voz. Tiene un grandísimo ego y es muy orgulloso y fanfarrón, y aún así se le puede distraer con una lata de atún o con el reflejo de una luz. Me parece que eso produce Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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una figura sumamente atractiva y cómica”. Chris Miller se sentía tan seguro del personaje que quiso dirigir la película de su debut. “Quería dirigir ‘El Gato con Botas’ porque me parecía que este personaje merecía tener su propia historia acerca de sus orígenes porque, aunque sea de pequeño tamaño, también es muy desmesurado. Merecía tener una historia realmente épica y divertida. Hay muchas risas en el Gato. Yo tenía muchas ganas de estar ahí cuando nos sumergiéramos en su mundo, en algo que representara de verdad todas las facetas de su carácter: es pequeño pero valiente, dramático, romántico. Creo que todo eso le convertía en algo perfecto para una gran película”.

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Esa idea llevaba rondando por el estudio bajo diversas formas casi desde el momento en el que el Minino se quitó el sombrero y le puso a los espectadores sus “ojazos de gatito triste”. Según la productora Ouaou, “La película empezó realmente a gestarse cuando se incorporó Chris Miller para dirigir el proyecto, pues ha estado involucrado en todas las películas de “Shrek” y fue el director de la tercera, y además empezó siendo un dibujante. Es un gran narrador que comprendía de manera extraordinaria al personaje. Además de sus dotes narrativas, tiene también una gran sensibilidad visual. Pero, por encima de todo, le interesan los personajes con profundidad, y que la comedia salga de verdad de esos personajes. Creo que eso es lo que le hace realmente especial”.

El director describe la película así: “Es una historia sobre la hermandad que sale mal y se estropea, y en el fondo trata sobre la venganza y la redención... pero en esencia, es una comedia. Gato es muy gracioso. Cuando nos encontramos por primera vez con Gato, es un fuera de la ley que escapa, un fugitivo de la justicia huyendo de pueblo en pueblo, pero también sabemos que va en busca del modo de limpiar su nombre y aclarar su pasado”. A la hora de contar la conocida historia del Gato, los realizadores fueron más allá de sus orígenes literarios para buscar su propia y atrevida aventura de cómo se convirtió en leyenda ese gato. Al igual que con otras historias creadas en DreamWorks Animation, se realizó un borrador, con un grupo www.cinemascomics.com


de gran talento estableciendo el ritmo de los avatares de la historia: el director, los productores, el supervisor de la historia, los escritores y otros expertos en desarrollo. Bob Persichetti, encargado de la historia, recuerda: “La primera película del estudio en la que trabajé fue ‘Shrek 2’, y la primera secuencia en la que trabajé fue precisamente en la que se presentaba al Gato con Botas, así que llevo trabajando en él, bueno, desde el principio, allá por 2001. Y creo que todo el mundo se dio cuenta, al instante, del gran personaje que era. Debía tener su propia película”. Persichetti afirma algo que puede parecerle obvio a cualquiera que vea los títulos de crédito del equiwww.cinemascomics.com

po de “El Gato con Botas”: “Para la mayoría de nosotros, es como trabajar en familia. De una u otra forma, todos hemos estado junto al personaje desde que apareció. La sensibilidad y el humor de Chris son perfectos para esta historia. Y es un artista increíblemente colaborativo, así que dirigir a unas 400 personas (y hasta 600, en los momentos álgidos) parece algo totalmente apropiado para él. Es genial para coordinar todo y aprovechar el talento de cada uno”. PERSONAJES Y REPARTO: HÉROES Y DELINCUENTES Ya desde el principio, una de las claves de la popularidad del personaje del Gato con Botas fue la voz que salía del héroe y proscri-

to: la de Antonio Banderas. Dice el director Chris Miller: “¿El Gato con Botas es interpretado por Antonio Banderas, o es Antonio Banderas quien es interpretado por el Gato con Botas? No lo sé, a veces es difícil distinguirlos. Pero una cosa sí que es segura, y es que uno no podría existir sin el otro, porque Antonio le aporta mucha pasión al papel. Esta diminuta criatura debería tener, a primera vista, una vocecita chillona, pero de su boca sale un sonido grave. De la yuxtaposición de ambas cosas sale un humor auténtico. Tenemos a este gran actor con una voz inmensa, dándole voz a ese bonito animal peludo. Lo que me encanta de la interpretación de Antonio es cuando se toma más en serio a sí mismo, y Gato hace algo más acorde con Cinemascomics │Noviembre 2011 │ 67


su naturaleza, como por ejemplo perseguir una lucecita”. Joe Aguilar comenta: “Creo que el atractivo del personaje comienza por Antonio. Su interpretación es graciosa, carismática, llena de machismo, misterio y aventura. Y luego, uno ve al Gato, y escucha esa voz grave saliendo de él, y uno se parte de risa y quiere saber más cosas de él”. Dice el propio Banderas: “Es un personaje extraordinario. Hemos ido descubriendo en él muchos colores diferentes desde que empecé a ponerle mi voz en 2002. Es romántico, y un héroe épico. Tiene un gran corazón. Tiene un gran sentido del honor y de la lealtad, junto con un toque algo pícaro que me parece que le añade un matiz interesante. A los niños también les encanta eso, esa parte de él. Pero cuando empezamos con las películas de Shrek, realmente no sabíamos mucho de él. Era y aún sigue siendo un poco misterioso. En realidad, para mí el personaje es una dicotomía, y eso es lo que le hace gracioso”. Poniéndose ligeramente filosófico, el actor repasa los temas más

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amplios que representa el diminuto gato: “Bueno, para mí no es un gato, ¿sabes?. Para mí es un ser que tiene la capacidad de expresar cosas. Es un honor y un privilegio, en estos tiempos tan difíciles que estamos viviendo, tener la ocasión y la capacidad de hacer reír a gente de todo el mundo. Es un regalo. Desde hace casi diez años, y ya desde el principio, Gato empezó a tener su propio sitio, por así decir, en la cultura popular norteamericana, y después en la de todo el mundo. He visto los efectos que produce el Gato también en otros países. Como soy español, también tengo la oportunidad de hacer el personaje para un número mayor de gente, unos 800 millones más, porque hago el personaje en las dos versiones del español: una versión para América del Sur y Central, con los dichos especiales que utilizan para el humor, y luego hago una versión en castellano para España”. El actor comparte una serie de cualidades con su alter ego de la pantalla: Banderas sabe manejar una espada (habilidad que aprendió interpretando al Zorro en dos películas), sabe defenderse en la

pista de baile (algo que demostró en Broadway, y también en películas), y ha demostrado más que sobradamente ser capaz de encarnar al prototipo del ‘latin lover’ (en una película tras otra): “Yo soy más alto, ciertamente, pero en muchos sentidos, el Gato con Botas y yo somos muy parecidos”. El mundo del Gato con Botas está habitado por personajes de cuento retorcidos, pero pocos son tan retorcidos como Humpty Dumpty, antiguo amigo de Gato. Cuando comienza nuestra historia, Gato es un huérfano que se cría en el pequeño pueblo de San Ricardo, en donde conoce a un amigo un poco raro (y con una forma bastante rara). Dice Miller: “Gato escuchaba los sueños de Humpty, quien tenía muchos planes, pero que al fin y al cabo es sólo un huevo. Apenas es capaz de desplazarse, así que no tiene capacidad para llevar a cabo realmente ninguno de sus planes. Todos se metían con él y estaba un poco marginado, y Gato le protegía y siempre daba la cara por él. Así que tenemos a Humpty, el soñador, y a Gato, que contribuye a hacer realidad los sueños”. www.cinemascomics.com


Ambos sueñan con abandonar el orfanato y encontrar una vida mejor: lo único que necesitan es plantar unas habichuelas mágicas que se conviertan en una mata gigante, para así poder robar una mítica oca que pone huevos de oro del castillo de un gigante que vive sobre las nubes. Realmente fácil. La pueril búsqueda de las míticas habichuelas se queda en nada, así que sus sueños infantiles comienzan a desvanecerse... al menos para Gato, y los dos empiezan a distanciarse. Eso ocurre poco antes de que el gato de acción encuentre su verdadera vocación, al salvar abnegadamente a una mujer que estaba a punto de ser arrollada por un toro. San Ricardo le otorga rápidamente a Gato el título de héroe, lo cual le vale su elegante sombrero y sus legendarias botas (que representan la verdad, el honor y el valor). Al igual que en muchas parejas del folclore y de la historia, cuando uno alcanza la fama y la fortuna, los celos no tardan en aparecer. Así que cuando Gato accede a ayudar a Humpty en una aventura que sale mal (todo con tal de salvar su amistad), los dos toman caminos separados y tienen unos objetivos muy distintos. Gato se convierte en un presunto traidor para los de su pueblo y para todos los que confiaban en él, y Humpty Dumpty se convierte en un huevo malo, cuyos sueños infantiles se convierten en pensa-

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mientos de lucro personal y venganza. No es exactamente igual que en los cuentos, pero así es como lo quería Chris Miller. “Humpty Dumpty es diferente a lo que habéis sabido antes de él, creo que lo mejor que hemos hecho ha sido coger algunas cosas que pensabais que sabíais de él, y llevar al personaje en una nueva dirección, intentando a la vez crear visualmente algo que nunca antes hubiéramos visto. Eso es lo que nos motiva de verdad como realizadores de animación”. Persichetti, el supervisor de la historia, dice en broma: “¿No es verdad que todo gato tiene a un huevo como hermano? Empezamos a trabajar en esos dos personajes: Humpty es un gran personaje y Gato necesitaba a alguien con quien criarse y que fuera su rival, en cierto modo. Era como, vaya, tiene a un huevo por hermano. Empezó siendo una semilla así, y simplemente echó raíces y creció”. Dice Miller: “Humpty Alexander Dumpty está interpretado por Zach Galifianakis, y creo que Zach está extraordinario en este papel. Me encanta su interpretación: es increíblemente gracioso, y su agudo y extemporáneo ingenio es realmente atractivo. Lo que más me gusta de Zach en este papel es el toque inesperado que le aportó. Humpty es como un personaje deteriorado, como roto, y no se

porta nada bien en una parte de la película, pero Zach le aportó la siguiente base: Humpty sentía que estaba perdiendo a su mejor amigo, lo que le impulsaba a actuar de una manera rara con la cabeza, pero su corazón seguía ciertamente la dirección correcta”. Dice Latifa Ouaou: “Sabíamos que Zach era tronchante, pero lo que le aportó al personaje de Humpty Dumpty fue una vulnerabilidad y una dulzura casi infantiles que convirtieron en pluridimensional de verdad al villano. Uno simpatiza con él, y para nosotros eso era importante, no queríamos que fuera un villano en blanco y negro”. Para el actor cómico, uno de los retos estribaba en las restricciones que conlleva el arte de dar voz a un personaje. Dice Galifianakis: “Creo que una de las cosas más difíciles fue imaginar un personaje solamente con la voz. Al empezar, te enseñan una caricatura del aspecto que tiene el personaje de momento. Y entonces tienes que encontrar una actitud, y estás limitado a utilizar solamente tu voz. Una vez que los animadores te han visto actuar, por ejemplo, si yo utilizo mis manos durante cierta escena, pues le meten eso. Pero hay que sacar más expresión de la voz de lo que probablemente haría un actor en un papel normal, de imagen real”. Recuerda Ouaou: “Cuando empe-

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zamos, le explicamos: ‘Sí, eres un huevo’, y le dijimos que íbamos a trabajar a partir de un guión, pero que iba a haber cambios, porque desarrollamos y producimos la película al mismo tiempo. También queríamos que se sintiera con libertad para salirse del guión. Zach confiaba muchísimo en Chris, y sencillamente dejó que Chris le guiase. Cuanto más se familiarizaba con el personaje, más cómodo se sentía con el material, y empezaba a aportar más ideas en las sesiones y a improvisar, lo cual es lo mejor para el actor, para nosotros y, al fin y al cabo, para el personaje”. Galifianakis se enfrentó de cara al reto de ser “un hombre en una cabina con un micrófono”: “Me gusta mucho esa simplicidad.

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Tengo una formación como cómico de monólogos, así que estoy acostumbrado al micrófono y a simplemente expresarme. Eso es lo que más me gusta de ello. Recuerdo que, siempre que salía de alguna sesión, me decía a mí mismo: ‘¡Qué trabajo tan estupendo!’ Además ha sido divertido explorar al personaje, con esa soltura que tiene, es desbordante. Yo soy bastante reservado en persona, así que es divertido llegar y hacer este personaje tan desbordante”. También dice bromeando: “¿Que si pensé cómo sería un huevo, si hice algo de documentación? Humm, debería haber ido al pasillo siete del supermercado y salir un poco con huevos, charlar con ellos y conocerles un poco. Pero

me he comido los huevos, le he tirado huevos a la gente que hace ruido en la calle a las dos de la madrugada en mi barrio. Ahora que lo pienso, creo que los huevos se aprovechan en la vida, porque la gente se los come, o los tira, pueden ponerse malos o ser endiablados. Los huevos son bastante curiosos en general, con esa forma tan graciosa, en cierto modo se les menosprecia. Creo que esta película lo demuestra, y puede que arrojará luz sobre el modo en que se ha tratado a los huevos. O quizás no”. Después de su separación, Humpty vuelve a aparecer en la vida de Gato, cuando ha encontrado finalmente el modo de hacer realidad su sueño de la infancia de encontrar las habichuelas mágicas. Lo www.cinemascomics.com


tiene todo planeado, pero necesita la ayuda de Gato para llevarlo a cabo. Pero también va a ser una labor a tres bandas (gato, huevo, gato). Y ahí es donde aparece en la historia Kitty Zarpassuaves, que es la mayor ladrona de toda la España antigua. “Salma Hayek es Kitty Zarpassuaves,” dice Chris Miller, “y en su interpretación es bella, fuerte y sensual, pero lo que es más importante, es graciosa. Salma es una actriz realmente graciosa, y en esta película tiene ocasión de demostrarlo de verdad, porque le aporta al personaje toda su relación de trabajo con Antonio (es su quinta película juntos), y hace que parezca realmente auténtico. Se nota que son buenos amigos, porque se pelean realmente bien, www.cinemascomics.com

lo cual hace que eche chispas su relación romántica en la pantalla. Hacen una pareja estupenda. Me encanta la voz de Salma, es rica y profunda, y funciona muy bien para Kitty”. Joe Aguilar reflexiona: “La historia de fondo de ‘El Gato con Botas’ incluía siempre tener una historia con las mujeres, así que teníamos que elaborar un personaje que fuera digno de él. Así que creamos a Kitty Zarpassuaves. Inmediatamente pensamos en Salma Hayek, y nos hizo mucha ilusión que estuviera dispuesta a participar. Sabíamos que su química iba a ser fuerte, por su trabajo en películas de imagen real. También sabíamos que sus voces iban a funcionar bien juntas. Kitty Zarpassuaves no es alguien

que a Gato le fuera a resultar muy fácil conquistar, tenía que ser alguien fuerte e interesante. Intentábamos elaborar el retrato de un personaje que no fuese solamente una mujer fatal”. Latifa Ouaou observa: “Probablemente, la comedia no sea lo primero en lo que se piensa cuando uno piensa en Salma Hayek. Tiene una voz fantástica, y aunque sabíamos que podía ser seductora, está realmente increíble con la comedia. Es sumamente ingeniosa, y le aportó al personaje muchas de sus propias cualidades. Hay algo realmente especial en un personaje femenino que sabe lo que quiere y que en realidad no necesita a nadie para conseguirlo”. Cinemascomics │Noviembre 2011 │ 71


Hayek se sintió encantada de poder dar voz a la independiente, fuerte y graciosa gatita. “Todo en esta película es divertido y emocionante. Para empezar, es la primera vez que trabajo en animación, y llevaba mucho tiempo queriendo hacerlo. No podía haber llegado en mejor momento, porque ahora puedo compartir esta película con mi hija. Me he convertido en una experta en animación desde que nació... y puedo decir con orgullo que , aunque creo que he visto todas las películas animadas que se han hecho, creo que ésta está ciertamente entre las diez mejores de todas”. También había aspectos logísticos que jugaban a favor de Hayek: “Había una circunstancia que me gustaba mucho. Podía trabajar en

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pijama. Y, como yo viajo mucho, pude grabar en unas cinco ciudades diferentes”. Casi como una prueba de la afirmación de Ouaou de que el desarrollo y la producción iban juntos, una faceta clave de la personalidad de Kitty no apareció hasta que estuvieron metidos en las sesiones de grabación. Dice Persichetti: “Cuando trabajo, hay muchas cosas bullendo en mi cabeza, como la idea de un ladrón que es un gato de verdad. Los gatos son muy silenciosos. ¿Quizás para superar alguna deficiencia? Fue un fijador para el personaje. Puede que haya sido nuestra tercera o cuarta repetición de la primera elaboración de la película, pero de repente nos dijimos: ‘¡Pero claro! ¡No tiene garras!’ Eso es lo

que está superando, pero ahora podemos jugar con ello, porque esa increíble cualidad es la que básicamente le permite robar las habichuelas de las manos de Jack sin que éste se dé ni cuenta. Puede robarle las botas al Gato sin que se entere. Es la carterista ideal. Así que todo encajó muy bien. Y le añade un interesante matiz a este personaje latino y súper sexy”. A Hayek le encantó su personaje, y lo describe así: “Es una muy buena contrincante a nivel verbal, y también una luchadora muy buena a nivel físico. Además, es una ladrona fantástica, una de las mejores que existen, y está orgullosa de ello. Me gusta mucho el que siempre gane, y que siempre tenga razón. Y aunque www.cinemascomics.com


Gato discuta con ella e intente demostrar que se equivoca, no lo consigue. Es realmente un placer ser una gata como ésta”. Tan simbiótica es la interpretación a dos bandas entre Banderas y Hayek que Antonio le hizo una petición a los realizadores. “Llevo trabajando con Salma desde principios de los noventa, y es una amiga muy querida. Normalmente, en la animación trabajamos solos. Pero esta ha sido la única vez que he pedido hacer una sesión con un actor, porque con Salma sé que tenemos muchísima química, y sobre todo, nos peleamos muy bien ante la cámara. Tenemos como una especie de ritmo, y sabemos improvisar. Así que pedí que la trajeran junto a mí, e hicimos una sesión juntos. www.cinemascomics.com

Y sacamos diversas cosas de ahí. Fue estupendo volver a trabajar de nuevo con ella”. “Antonio está maravilloso en este papel”, responde Hayek. “Nació para interpretar a este gato. Llevamos mucho tiempo trabajando juntos, y hemos hecho muchas películas juntos. Siempre es un placer y una alegría. Tuvimos la suerte de poder hacer una sesión de grabación juntos, aunque es algo que normalmente no sucede así, porque todo el mundo está muy ocupado y en lugares diferentes, pero conseguimos organizarlo. Los dos estuvimos improvisando, y muchas de las cosas que hicimos terminaron formando parte de la película. Se identifica tanto con el personaje, y ya le conozco tan bien, que cuando es-

taba grabando sin él, podía sentir su presencia como un fantasma recitando sus frases. Me encanta en este papel, y sé exactamente lo que diría siendo el Gato, aunque no esté presente”. Parte del problema del plan de Humpty para hacerse con las habichuelas y finalmente hacerse rico es que hay alguien por ahí que desea tanto como él poseer las habichuelas... de hecho, son dos los que se interponen ante los sueños de Humpty: una pareja de bandidos, marido y mujer, con muy malas pulgas y conocidos como Jack y Jill. Acorde con la idea general de los realizadores en cuanto al revisionismo de los cuentos, no se trata de la típica pareja de cuento Cinemascomics │Noviembre 2011 │ 73


que vaga por las montañas y tiene problemas para conseguir agua. Son grandes, malos y decididos, lo que naturalmente los convierte en perfectos para una vida dedicada a la delincuencia. Dice el productor Joe Aguilar a propósito de los dos consumados actores que dan voz a Jack y Jill: “Queríamos que Jack fuera grande, fuerte y fiero, así que, durante la fase de desarrollo, cuando otros estaban haciendo las voces del personaje, todo el mundo utilizaba una voz grave, un poco como el personaje que interpretó tan bien Billy Bob Thornton en ‘El otro lado de la vida’. Y puede que nosotros no lo supiéramos, pero Billy Bob fue siempre nuestra primera opción. Y Amy Sedaris es simplemente una gran cómica, nos encanta. Y cuando estábamos buscando a alguien para el personaje de Jill, pensábamos en los rasgos de su personalidad y buscábamos a alguien que pudiera aportar algo realmente interesante y que se divirtiera replicando a la voz grave y feroz de Jack. Y una vez le hubimos dado el papel a Amy, apareció con esa especie de voz sureña y como de campo que resulta desternillante”. Al contrario que la mayoría de sus personajes cinematográficos, un accesible Billy Bob Thornton opina: “La mayoría de las películas que hago no son películas que puedan ver mis hijos, bueno, algunos sí, pero los más pequeños,

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no. He tenido pocas oportunidades de hacer algo así, o sea, una película animada, y he intentado hacer las que pensaba que eran buenas. Lo estupendo de esta película es que (aunque no soy ningún experto) a todos mis conocidos, ya sean niños o ancianos, les gustan las películas de Shrek, y los personajes que salían en ellas. Así que me pareció francamente un honor que me pidieran participar en esto”. Cuando se le pregunta sobre la caracterización de su voz, el actor replica: “Bueno, en realidad peso unos 65 kilos, y Jack pesa alrededor de 140 o algo así. No sé si esto tiene algún sentido o no, pero tenía que sonar como si fuera un poco más gordo”. Pero la opinión de Thornton sobre el personaje real de Jack difiere un poco del crudo retrato que ofrecen los realizadores. “Jack es un poco como los malos de las películas de hace mucho tiempo... ahora bien, no es que tenga un corazón de oro, pero tiene una faceta sensible, y a mí siempre me encanta ver eso, como lo que Bruto le demuestra a Olivia, al contrario de lo que le demuestra a Popeye. Los diálogos de Jack son graciosos, y como ya he dicho, es un tipo malo, pero no creo que sea un tipo malvado. Es un tipo egoísta, eso es lo que es. Quiere lo que quiere... y su mujer, Jill, lo quiere aún más”. Y vaya si lo hace. Pero, al igual

que su compañero de reparto, Sedaris tiene una historia para explicar los, bueno, los malos modos de Jill. Dice Amy Sedaris: “Echémosle un vistazo un momento. Creo que Jill es un personaje muy incomprendido. Sin embargo, en el Viejo Oeste Español-Antigua Época de los Cuentos de Hadas no era como ahora, las oportunidades para las mujeres eran mucho más limitadas. Estaba la maternidad, que podía hacer que una terminara viviendo en una bota con un montón de mocosos. Había muchos menos oficios donde elegir, por ejemplo, transformar la paja en oro con una rueca, hacer de canguro de mineros bajitos, practicar la magia negra o, que el cielo nos asista, conceder deseos. Si me enfrentara a eso, caramba, puede incluso que recurriera a una vida de delincuente. Jill simplemente quiere más que lo que se le ha ofrecido. Comparado con todas esas cosas, elegir una vida de villano es su manera de decir: ‘No, chicos, creo que es así como se potenciará mejor mi talento personal. Creo que es en esto en lo que destacaré’”. Sedaris continúa: “Para mí, no hay nada tan divertido como meterme de verdad en un personaje hilarante, y Jill es una gran oportunidad para hacerlo. Tiene un vivo sentido de la aventura, al estilo de Annie Oakley, y una actitud de ‘no digas chorradas’ al estilo de Belle Starr. Tiene brío y agallas, y es una gran dama, lo cual yo no soy, al menos no en www.cinemascomics.com


cuanto a mi altura. Y a los actores siempre nos encanta interpretar a alguien mucho más alto que nosotros”. PONIENDO AL “GATO CON BOTAS” EN SU SITIO... Está claro y es evidente que a los espectadores les encanta Shrek y sus acompañantes. Pero a la hora de establecer la historia de los orígenes del Gato con Botas, los realizadores no quisieron ofender a nadie al mirar a otra parte que no fueran los bosques y campos de Muy Muy Lejano. Explica Joe Aguilar: “Cuando empezamos con ‘El Gato con Botas’, nos dimos cuenta de que no nos podíamos apartar demasiado del mundo de Shrek, porque ése es el universo en el que existe. Rediseñar completamente ese mundo echaría fuera a los espectadores. Pero sabíamos que podíamos llegar bastante lejos, siempre que permaneciéramos en ese universo. Modificamos lo más que pudimos el diseño y la caricatura de nuestros personajes secundarios, que tienen un aspecto y una sensibilidad diferentes a los de la saga de Shrek, pero ciertamente nos quedamos dentro de ese universo”. Miller explica más peculiaridades: “El mundo donde vive Gato es

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una especie de cuento de hadas de la Europa mediterránea. Es muy cálido, brillante y colorido. Muchas de estas decisiones salían simplemente del personaje. El mundo de Shrek es muy fresco, con exuberantes verdes y azules, y el mundo de ‘El Gato con Botas’ es muy cálido, caluroso, romántico. Pienso en él como en una parte diferente del universo de los cuentos y canciones infantiles”. La productora Ouaou afirma: “Sin embargo, creo que teníamos muchas ganas de jugar con leyendas. Encontramos influencias en las películas de Sergio Leone, y nos fijamos más en las arquitectura de estilo español. Pero fuimos conscientes de no apartarnos demasiado del lugar donde fue presentado. Sólo se puede llegar hasta cierto punto, si se va demasiado lejos, no será reconocible en ese entorno. Queríamos actualizar el cuento del Gato con Botas, pero no queríamos conectarlo necesariamente con la historia original”. Gran parte de la responsabilidad de diseñar el mundo de Gato recayó en el director artístico Guillaume Aretos, quien fue también el director artístico de la segunda y la tercera películas de “Shrek”. Aretos afirma: “Llevo mucho tiem-

po con esta saga, y el equipo es ya casi como mi familia. El Gato con Botas es un personaje muy interesante de llevar a la pantalla, porque creo que es bastante especial”. “Lo que más ilusión me hacía de la película era la oportunidad de hacer algo diferente: le llevamos a un mundo estilizado y refinado, donde podemos jugar con sombras grandes y simbólicas en un mundo muy colorido”. El director insistió en que el mundo que crearan respaldara a esta joya de personaje. Su objetivo común era un lugar que se prestara a hacer un tipo de cine grandioso y con amplitud, lleno de trabajo activo con la cámara y con una composición atrevida. Como Gato es, desde cualquier punto de vista, un personaje ‘colorido’, el paisaje también tenía que ofrecer y contener una paleta completa de colores ricos, cálidos y saturados. Por encima de todo, debía ser un lugar para la acción, la aventura, la comedia y el romance, porque “este mundo debía ser simplemente un reflejo de lo que es Gato, en esencia”. El director colaboró con los dibujantes para crear un mundo con un lenguaje estilístico familiar. “En realidad queríamos enfocarlo como si fuera un ‘espagueti western’ al estilo de Leone, lo

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cual nos parecía que cuadraba perfectamente con el personaje, en cuanto al tamaño y la escala. Adoptamos ese uso expansivo de la cámara, e incluso utilizamos algo la pantalla partida. Pero tampoco queríamos limitarnos solamente a eso (yo diría que eso está ciertamente en la esencia de nuestra película), porque aunque Gato encaja ciertamente en esa clase de películas, también se presta a otra clase de géneros con un protagonista fuerte y aventurero, como Indiana Jones, el agente 007 o el Zorro. Y también hay otros. Así que al final empezamos a buscar en la historia del cine, inspirándonos en esos personajes desmesurados”. Dice Aretos, el director artístico: “Si uno se fija en el diseño, la inspiración para el mismo es muy simple: es el propio personaje. Es un personaje retorcido, y lo digo en un sentido literal. En lo que se refiere al lenguaje de las formas, empezamos por retorcer la forma de las cosas. Si te fijas en los decorados, verás que todas las casas están un poco inclinadas, nada está realmente recto. Hay una asimetría, con unos personajes muy desequilibrados, que van de lo gigante a lo pequeño.

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Así que todo se basa en el lenguaje de las formas. Además de eso, Gato es un personaje muy colorido. Nos inspiramos en la cultura latina, y vimos algunas películas españolas. Buscamos una iluminación menos realista, nos dimos más libertad y nos desmadramos un poco. Tuvimos que jugar con grandes sombras, ya que Gato es un personaje pequeño en un mundo muy grande. En las películas de Shrek, Gato medía como un metro, con las botas puestas, para equilibrar el hecho de estar siempre con Shrek, un gigante de más de dos metros de altura. Nos dimos cuenta de que, en su mundo, ese tamaño no iba a funcionar, porque estamos en un mundo humano sin gigantes, así que le volvimos a poner del tamaño de un gato normal... si los gatos llevaran botas y caminaran a dos patas”. Un dicho de Aretos al principio de la producción se convirtió en un principio básico de la producción: personajes retorcidos, mundo retorcido. Lo explica así: “Nos fijamos en la geografía del norte de España, que es seca pero muy bonita, y nos dimos cuenta de que los olivos y los pinos de la costa estaban retorcidos por el vien-

to. También nos fijamos en otros climas desérticos del norte y el centro de América. Este desequilibrio está en nuestros personajes y su entorno”. Uno de los sitios concretos que más llamó la atención de los realizadores fue el pueblo de San Miguel de Allende, en el centro de México, con sus edificios coloniales neo-clásicos de color arcilla. En el mundo de la animación, una de las mayores diferencias entre ésta y las películas de imagen real es el uso de un editor. Al contrario que en la imagen real, donde el montador normalmente edita la película al final de la fotografía principal, un montador de animación participa desde el principio, en primera línea, trabajando durante el proceso del guión, para ayudar a establecer golpes, ritmos, estructuras narrativas y otros aspectos que son el resultado de una colección de imágenes artísticamente ensambladas. Eric Dapkewicz es el montador de “El Gato con Botas”, y comenzó a ‘hacer los deberes’ viendo clásicos como “El bueno, el feo y el malo” y “Por un puñado de dólares”, junto con otras pelícuwww.cinemascomics.com


las con una narrativa dramática y con protagonistas heroicos. El resultado final fue un estilo único, sin miedo a rendirle homenaje al género que revitalizó el western norteamericano. Algunas escenas se detienen en un personaje, captando el entorno quizás una pizca más de tiempo de lo que se espera en animación. Parte integral de dicha evocación de Leone es la banda sonora, del compositor Henry Jackman, cuyo trabajo ha aparecido en toda clase de films, desde superproducciones de Hollywood hasta pequeñas comedias románticas. Al igual que Dapkewicz, Jackman se unió al proyecto en sus primeras fases, y le aportó su música para ayudar a establecer el ritmo y la sensibilidad de la película (comenzando con pistas temporales, y refinándolas hasta conseguir la banda sonora definitiva). Miller cree que este trabajo en equipo desde el principio mismo es la clave para el éxito de un proyecto. Afirma: “Las aportaciones de todos los departamentos en esta película han sido extraordinarias. Guillaume y el departamento de dibujo aportaron muchísima belleza, dramatismo y color, y fueron esenciales para www.cinemascomics.com

elaborar la historia que contamos. El encargado de la historia, Bob Persichetti y todo su equipo pusieron muchas ideas estupendas en juego. El encargado de layout Gil Zimmerman, que rodó la película, y su departamento, transformaron lo imaginado en realidad. Me siento muy afortunado por haber trabajado con Joe y Latifa, que son unos realizadores increíbles. Toda esa química funcionó y produjo una maravillosa colaboración y una experiencia realmente satisfactoria”. Otro miembro destacado del equipo de producción de “El Gato con Botas” es el premiado cineasta Guillermo del Toro, quien por una afortunada coincidencia visitó las instalaciones de DreamWorks Animation al principio de la producción, lo cual aprovechó Chris Miller para entrevistarse con él. El director recuerda: “A Guillermo le atrajo mucho esta historia, le encantaba su tono. Y resulta que al día siguiente íbamos a proyectar un trozo de la película, y él pudo venir. Le encantó, y después me dijo que le gustaría participar en la película. Yo me quedé anonadado y casi sin palabras, y dije algo así como: ‘Estupendo, ¿cuándo puedes empezar?’ y él contestó: ‘Ahora mismo’. Así que en el plazo de 24 horas se convirtió en uno de los productores ejecutivos y en un estupendo asesor de la película. Tiene una energía maravillosa, y siempre se enfrenta a los retos con una solución, no critica, sino que observa las cosas y ofrece ideas para mejorarlas”. Una de esas soluciones fue para la historia del personaje de Humpty. Un soñador bastante incomprendido en el orfanato, su historia tomó cuerpo cuando Del Toro sugirió que quizás Dumpty inventase cosas cuando era joven. Eso les iba a ayudar a establecer la inteligencia del personaje y resultaría muy provechoso para ulteriores desarrollos del argumento. El cineasta estaba tan entusiasmado por participar en el proyecto que incluso le dio voz al Comandante del pueblo de San Ricardo. Dice el productor Aguilar: “Guillermo del Toro es una de las per-

sonas que más me inspira cuando trabajo con él. Está lleno de energía e ideas graciosas, y tiene un profundo conocimiento del diseño artístico. Es como una enciclopedia de cine”. Del Toro, nominado al Óscar, observa: “Cuando estábamos empezando la película, me ofrecí voluntario para hacer uno de los ‘gritos de celebración’ de la fiesta, y eso me llevó a interpretar al Comandante, una especie de figura paterna para Gato. Nos lo imaginamos como un Clint Eastwood mexicano, muy lento y solemne. Al principio era solamente un proyecto de voz, pero como a todo el mundo le gustó, se la quedaron”. “Creo que le gente se va a quedar sorprendida del extraordinario nivel artístico que tiene la película”, añade Del Toro. “Es una película enorme con enormes secuencias de acción, muchas aventuras, estupenda comedia y una rica y colorista fantasía, llena de imaginación y de inventiva. Creo que es un auténtico festín en sí misma. No se trata solamente de un derivado, es su propio y absoluto mundo”. ...EN EL SUELO... Para llevar al gato, el huevo y la gata a esos puntos interesantes, los realizadores de “El Gato con Botas” tuvieron que enfrentarse a un reto de diseño. Miller y su equipo se propusieron llenar este cuento épico con héroes diminutos, y esa dicotomía le parece apasionante a Aretos, el director artístico: “Creo que lo bonito de esta película es que hay un tipo muy pequeño que vive una enorme aventura épica. Creo que eso es lo fascinante del diseño de esta película, lo loco que es el mundo que desarrollamos”. Una secuencia que muestra claramente el tamaño y el ritmo de la película es el atraco a la diligencia, en la que el Gato con Botas, Kitty y Humpty intentan robar las habichuelas mágicas en las narices de los malvados Jack y Jill... mientras todos ellos viajan Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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a velocidad de vértigo en una diligencia. Cuenta Chris Miller: “Me parecía importante que, en nuestras escenas de acción, hubiera una sensación de emoción y peligro, pero que en esencia fueran graciosas. Queríamos que fueran muy agradables, como una atracción de feria o una pista de carreras que te llena de adrenalina. Queríamos una sensación táctil y divertida”. Otra secuencia que ofrece emoción (aunque de otra clase muy diferente) es el primer encuentro y consiguiente enfrentamiento entre Gato y un consumado ladrón rival suyo. Tras encontrarse Gato ante un oponente enmascarado, sigue a su rival hasta una cantina

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‘sólo para gatos’, con la intención de desafiar al taimado felino. Las normas del local establecen que los martes, las peleas se limitan a competiciones de baile, así que nuestro héroe y su adversario enmascarado se ponen a bailar en compañía de los demás, para deleite de toda la concurrencia gatuna. Para que la secuencia saliera bien, la clave era la coreografía, que mezcla con humor un poco de todo, desde flamenco hasta bailes latinos de salón y danza contemporánea (de Laura Gorenstein Miller, fundadora, coreógrafa y directora artística de la compañía de danza Helios Dance Theater, con sede en Los Ángeles). Chris

Miller comenta: “Fuimos muy afortunados de poder contar con Laura para la coreografía de algunas secuencias de la película. Contribuyó mucho a añadirle un toque de autenticidad, y se trata de escenas complejas, con muchos malabarismos entre la narración y los momentos de personajes. Eso ayudó muchísimo a nuestros animadores. Tomó el movimiento de nuestras sencillas indicaciones del guión y lo transformó en una preciosa coreografía para dos bailarines, así que rodamos un video de esas escenas y nuestros animadores lo trasladaron a los cuerpos de nuestro héroe y su Kitty”. Después de una semana de ensayos, a los bailarines de Laura Miwww.cinemascomics.com


ller se les puso unos trajes para la captación de movimientos, y se utilizaron los datos resultantes para proporcionar referencias y puestas en escena a los animadores, no se trató simplemente de transferir el movimiento a los personajes. Aguilar comenta: “Utilizamos la cámara y las escenas rodadas para imaginar cómo diseñar los planos lo mejor posible”. Para la coreógrafa, fue especialmente divertido el misterio del adversario oculto tras una máscara. Comenta Laura Miller: “Una de las cosas que más me interesaron a la hora de coreografiar esta escena es que no querían revelar a los espectadores que Kitty es una chica. Así que, en cuanto a www.cinemascomics.com

la coreografía, tuve que hacer los movimientos más masculinos, con más bravuconería, un poco más agresivos de lo que los haría normalmente para un personaje femenino”. Antes de filmar los bailes, Miller se llevó el guión gráfico a su estudio, junto con la música, y elaboró los bailes paso a paso, trasmitiendo la acción que había en las viñetas. “En ellas se me indicaba, por ejemplo, que Gato se acerca ocho pasos hacia la cámara, y se me decía que necesitaban un plano medio y un movimiento rápido de pies. Yo elaboraba algo con mis bailarines, y luego lo contrastaba cada día con Chris, lo cual era una manera estupenda de trabajar. El me decía los cambios que quería,

y también podía comprobar cada día los progresos”. En otra secuencia aparecen Gato y Kitty, ya sin máscara, bailando alrededor de la hoguera, con alguna interrupción ocasional de Humpty Dumpty, quien quiere apagar cualquier chispa de romance que pueda surgir entre los dos. Dice de nuevo la coreógrafa: “Fueron muy concretos en que, por razones del diálogo, sus caras tenían que estar hacia la cámara, así que, como coreógrafa, quise hacerlo interesante. Y lo hice con los pasos y el uso de las caderas, inspirándome mucho en el baile latino. Eso, a su vez, supuso un reto para los animadores, porque los gatos no tienen unas caderas como las de los seres humanos. Cinemascomics │Noviembre 2011 │ 79


Pero creo que al final hicimos entre todos una secuencia estupenda”. … Y POR LAS NUBES Pero la acción de “El Gato con Botas” no se limita a persecuciones en tierra ni a retos de baile. Se extiende hasta muy por encima de unos paisajes color arcilla, hasta las nubes del cielo... y además, “El Gato con Botas” fue concebida desde el principio como una película para ser proyectada en InTru 3D. Un reto detrás de otro... “Desde el principio estuvo muy claro que esta película quedaría mejor presentada en 3D, y sólo en 3D, así que nos aprovechamos de unas cuantas oportunidades

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geniales”, dice el director Chris Miller. “Está la secuencia en la que plantan las habichuelas mágicas, y en el guión aparece una gran tormenta que va bajando, un enorme tornado que envía energía a la habichuela, que entonces se convierte en una planta en continuo crecimiento, que se extiende más allá del sistema solar y llega hasta la tierra de los gigantes. Eso hace que se creen escenas fantásticas y enérgicas con una acción increíble, y que de repente se transforman en momentos tranquilos, donde aparecen ricos detalles en cada fotograma, con una profundidad y una escala increíbles, y esos diminutos personajes maravillados ante el universo. ¡Pues claro, hombre, eso es el 3D!”

Para Guillaume Aretos, el director artístico, eso implicaba horas de estudio y de dibujo de viñetas... y dado que las matas de habichuelas enormes son pocas y difíciles de encontrar, hizo la mejor cosa posible, que fue visitar el Museo del Louvre, y más concretamente el Musée des Arts Décoratifs, que contiene una asombrosa sala Art Deco. Esa sala de madera está repleta de tallas increíbles, con todas las cosas de la sala (un perchero, una mesa, una silla, el marco de la ventana, una moldura en el techo) que parecen salir de una enredadera interminable. “Yo estaba pensando que la mata de habichuelas les iba a llevar al mundo de más allá de las nubes, con muchos giros y espirales, y a la vez lo imaginaba en el aspecto estéreo. Las líneas www.cinemascomics.com


rectas o las perspectivas angulares pueden ser aburridas. Así que pensé: ‘Bueno, la mata de habichuelas crecería de una forma incontrolable, en espirales, lo cual es peligroso para ellos pero mucho más divertido para nosotros’. Y con cada nuevo descubrimiento o paisaje, habría diferentes sensaciones a medida que van ascendiendo: asombro, cuando salen disparados como un cohete, luego, una pausa romántica, mirando los cielos, un momento de miedo, un trueno, y después una niebla blanca cuando entran en el mundo de las nubes, la cima del universo. Y todas las nubes son nubes de partículas, es decir, que cuando la cámara se mueve a través o alrededor de ellas, hay pequeños trozos que destacan al pasar junto a la cámara. Hay una www.cinemascomics.com

sensación de profundidad que no puede ofrecer una pintura o un modelado mate”. La escala de la secuencia ya era de por sí bastante imponente (Miller dice en broma: “¡Esa mata de judías creciendo kilómetros y kilómetros, llevando a dos gatos y un huevo!”), pero como muchos ya saben, las masas amorfas (agua, fuego, pelaje, plumas) suponen una dificultad aún mayor para los animadores gráficos. Y aquí había un mundo compuesto, sobre todo, por nubes. El director comenta: “Aquí se nos presentaba la ocasión de crear un paisaje que aún no se había explorado, donde la gravedad no funciona igual que en la Tierra. Las nubes están constantemente

formándose y cambiando de forma, se puede jugar con las nubes, se pueden hacer bolas de nieve con ellas, se puede correr por debajo, o dar saltos encima. Pasamos varios meses únicamente explorando y debatiendo diferentes maneras de conseguir eso. Y nuestro equipo de efectos especiales hizo un trabajo increíble creando todo ese mundo y la profundidad que hay tras él, que funciona de manera muy eficaz en 3D, es una experiencia en la que uno se sumerge de verdad. Es etéreo y un poco surrealista. Están tan lejos del sol que éste queda por debajo de los personajes. Este paisaje de nubes en constante evolución era para nosotros un estupendo terreno de juego”. Amaury Aubel, encargado de los Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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efectos, explica: “Era un gran desafío, animar las nubes, modelarlas para que parecieran realistas, pero también para que interactuaran con los personajes. Están rodeados por nubes que a la vez les sostienen. Están las nubes en primer plano, con las cuales interactúan, y las nubes de fondo, a las que nosotros llamamos el paisaje de nubes, que se extienden hacia atrás hasta el horizonte. También la iluminación era problemática, teniendo que hacer que reaccionaran realísticamente ante la luz, pero también de una manera artística. Una tenía que ser más dorada, la otra, más amenazadora”. El comportamiento de las nubes fue otra de las cuestiones. Dice Aubel: “Vemos el cielo todos los días, así que nos daríamos cuenta de lo que está bien y lo que no lo

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está. Estos objetos son transparentes o semi-transparentes, dependiendo de la mayor o menor distancia del que mira. Y, sin entrar en complejos temas físicos, la forma en la que interactúa la luz es otro problema: la luz llega a una nube y rebota en las partículas, en las moléculas de agua, y se dispersa en muchas direcciones. No es como un sólido, como una roca”. ¡Llegan los ordenadores al rescate! Ken Museth, del departamento de investigación y desarrollo de DWA, ideó un programa para un nuevo formato de volumen, capaz de manejar masas gigantescas. Las formas modeladas se podían convertir en nubes renderizando el ‘ruido de superficie’, dándoles la apariencia de las algodonosas nubes que podían ser fácilmente reconocidas y vistas

como auténticas por los espectadores situados fuera de la mata de habichuelas. ADIÓS, GATOS Y HUEVO Para el director Chris Miller (al igual que para muchos de los actores y miembros del equipo técnico), la magia de la animación consiste en transformar un trabajo de equipo en un concepto cinematográfico único. Miller confiesa: “Me encanta la animación. Desde el punto de vista de la narrativa, parece tener unas posibilidades ilimitadas, pues se puede crear un universo entero sin ninguna limitación. Y me gusta esa idea. Pero, ya sea animación o imagen real, todo se reduce a lo bien que se cuente una historia, y a lo bien que pueda conectar el público con los personajes”. www.cinemascomics.com


Zach Galifianakis opina: “Según el cuento, Humpty Dumpty se cayó de una tapia, y unos tipos del pueblo o algo así (todos los hombres del rey, supongo) no fueron capaces de recomponer al pobre tipo. O sea, ahí no es que haya mucha historia. Pero en esta historia hay mucha más profundidad. Se pueden ver muchos matices de Humpty Dumpty. Se puede ver su relación con este gato aventurero. ¿Y a quién no le gusta ver a un gato y un huevo enredando juntos? Cuando estéis por ahí, apuesto a que estaréis pensando: ‘Tío, ¿a quién me gustaría ver enredando juntos? Humm, ya sé. ¡A un gato y un huevo!’ Bueno, pues yo tengo una película para vosotros”. Antonio Banderas admira no sólo el esfuerzo titánico que representa completar una película de animación por ordenador, sino www.cinemascomics.com

también el refinamiento de su visualización, hasta el más mínimo detalle. Dice: “Recuerdo que, durante ‘Shrek 2’, Eddie Murphy comentó que esos tipos eran tan increíbles, que realmente eran capaces de robarte un trocito de alma y ponerlo en la pantalla, para que todos lo vean. No puedo estar más de acuerdo”. Dice la productora Latifa Ouaou: “Más de 620 artistas han trabajado durante años en este proyecto, en más de 20 departamentos. A la vista de esas cifras, uno se da cuenta de lo fundamental que es el que todo el mundo colabore para conseguir un objetivo común. Me pareció que tuvimos una auténtica sincronía y colaboración en ‘El Gato con Botas’, con Chris Miller a la cabeza, durante todo el proceso hasta el fijado de la pintura, que es la última fase

del proceso de animación. Fue una experiencia realmente fantástica y energética”. Horas de trabajo, ruido de superficie, 3D donde uno se sumerge, ausencia de caderas humanas... al final , para el director Chris Miller, todo se reduce (y siempre ha sido así) a una sola cosa: la historia. Dice para finalizar: “Lo primero y principal, es que es una comedia, y es una gran película de aventuras, pero también lleva dentro un bonito mensaje que dice que todo el mundo merece una segunda oportunidad en la vida, y que en cualquier momento puedes cambiar el curso de tu propia vida: nunca es demasiado tarde”.

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criticas

Verbo

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Por Enrique Ebenia

Fantástico / España / 2011 / 87 minutos / Apaches Entertainment / Telecinco Cinema. Director: Eduardo Chapero-Jackson. Actores: Alba García, Miguel Ángel Silvestre, Najwa Nimri, Verónica Echegui, Macarena Gómez, Manolo Solo, Adam Jeziersky, Víctor Clavijo, Nasser Saleh Ibrihim, Michelle Asante, Peter Peralta, Álvaro Cañete, Miriam Martín, Nach. Guión: Eduardo Chapero-Jackson. Música: Pascal Gaigne.

El mundo del cortometraje es un trampolín. Tarde o temprano, los directores con premios y buenas críticas dan el salto al largo. Es el caso, por ejemplo, de Eduardo Chapero-Jackson, quien debuta con ‘Verbo’, que supone una novedad al pertenecer a un género, el de la fantasía, no demasiado explorado en la industria española. Por su temática y mensaje (la historia de una joven incomprendida que busca su sitio), el filme está destinado a los adolescentes, aunque el caudal de referencias que incluye amplía su público potencial. A pesar de las esperanzas puestas en Chapero-Jackson, es un producto hueco por culpa de un guión no acorde con su sorprendente estilo visual.

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Sara (Alba García) es una chica llena de inquietudes y que ha llegado a la conclusión de que nadie la entiende. No tiene una buena relación con sus padres y se ha convertido en la rara del instituto. Su única vía de escape consiste en analizar los mensajes que Líriko (Miguel Ángel Silvestre), un misterioso poeta urbano, deja por las calles, pintados en el suelo o las paredes. Sara piensa que van dirigidos a ella. La joven emprenderá un viaje interior en el que deberá superar una serie de pruebas para salvar su vida ante la oscura amenaza que se cierne sobre su realidad.

hop’, los videojuegos o el ‘anime’ (incluso cuenta con unas secuencias de animación), pero no pasa de ahí. Su principal defecto reside en el argumento, prefabricado con la única intención de epatar con los adolescentes poco exigentes. Hay diálogos que producen sonrojo y que parecen artificiales. La idea de ‘Verbo’ tiene su interés, si bien no está bien desarrollada (lo mismo ocurre con los secundarios) y se queda en lo fácil. Para hacer una película no basta con las buenas intenciones y un envoltorio vistoso. Fallida.

Crítica: Como se ha indicado, ‘Verbo’ es un popurrí referencial, con guiños y alusiones al ‘hip www.cinemascomics.com


Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio

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Por David Larrad

Animación / Comics / EEUU/ 2011 / 107 minutos / Amblin Entertainment / Paramount Pictures / Sony Pictures Entertainment Director: Steven Spielberg. Actores: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost, Daniel Mays, Toby Jones, Enn Reitel, Joe Starr, Mackenzie Crook, Kim Stengel, Gad Elmaleh, Tony Curran, Cary Elwes, Sebastian Roché. Guión: Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish (Cómic: Hergé). Música: John Williams.

“Las aventuras de Tintin: El secreto del unicornio” es una divertida película de aventuras, consigue que no nos aburramos en ningún momento aunque dure casi dos horas, porque se meten los protagonistas en problema y cuando los resuelven se meten en otros mayores, así que no dan tiempo para el respiro. Hay grandes referencias a las películas de Steven Spielberg, como “Tiburón” pero sobre todo a “Indiana Jones”, la estética es muy parecida a la saga del intrépido profesor de arqueología. En cuanto a la banda sonora esta muy bien integrada con la acción pero www.cinemascomics.com

puede que recuerde demasiado a las aventuras de “Indianas Jones”. La interpretación de los actores es increíble, aunque no sabremos nunca si es merito de los interpretes o de los animadores y su técnica de captura del movimiento, a veces las fallan un poco las expresiones da la cara o el movimiento de los cuerpos. Lo que esta claro es que Andy Serkis es un maestro en este sistema de rodaje, ahí esta su trabajo como Gollum o Cesar de “El origen de el planeta de los simios”.

guida vemos quienes son los buenos y quienes son los malos, así que no hay muchas sorpresas, por lo tanto nos tenemos que conformar con las gracias que hace el Capitán Haddock y su intento por vivir sin el alcohol. Hay muchas escenas de acción, como la persecución por la ciudad o la lucha de grúas. Lo que más destaca es lo bien hechos que están todos los decorados, desde las ciudades, hasta el desierto.

La historia es muy sencilla, en seCinemascomics │Noviembre 2011 │

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Tiburón 3D: La presa

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Por Enrique Abenia

Terror / EEUU / 2011 / 91 minutos / Rogue / Incentive Filmed Entertainment / Next Films / Sierra Pictures. Director: David R. Ellis. Actores: MSara Paxton, Dustin Milligan, Chris Carmack, Joel David Moore, Katharine McPhee. Guión: Will Hayes, Jesse Studenberg.

No solo hay comida ‘fast food’, también se producen películas de consumo rápido, carne de multisala, a poder ser en 3D, para espectadores que buscan un entretenimiento pasajero. En sí, esa estrategia comercial no tiene nada malo; el problema llega cuando la mercadotecnia pervierte el contenido y vende filmes de dudosa calidad. ‘Tiburón 3D. La presa’ se promociona como una obra de terror ‘gore’ y, a priori, el público puede pensar que encontrará en ella lo que demanda del subgénero. Sin embargo, hallará un largometraje aburrido y ridículo cuyo marco de exhibición debería ser la televisión y no el cine. Un grupo de estudiantes (com-

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puesto por hombres fornidos y mujeres neumáticas, como mandan los tópicos) decide pasar unos días de fiesta en un lago, una ocasión ideal para beber y ligar. La juerga dará paso al horror, ya que los jóvenes descubrirán que unos tiburones merodean en el agua. Como la historia no se sostiene por sí sola, el guión introduce una sorpresa argumental (que no es tal), de forma que los personajes serán víctimas de una despiadada venganza. ‘Tiburón 3D. La presa’ se desarrolla de forma previsible, por lo que el interés del público enseguida se desvía hacia la espectacularidad y violencia de las muertes, pero, por desgracia, estas resultan sosas y decepcionantes, con

un formato tridimensional que no aporta nada. Tampoco contribuyen a mejorar el nivel unos diálogos de chiste (la justificación de los malos es realmente risible), unas actuaciones mediocres y una dirección rutinaria y sin alma. Y qué decir de los efectos visuales. El humor o la parodia podrían haber sido una salida, si bien le falta ironía. La película no da lo que promete y se hace pesada (tarda más de 20 minutos en entrar en materia). Más le valdría a David R. Ellis, el director, volver a los tiempos de ‘Cellular’ o, incluso, de ‘Serpientes en el avión’.

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La Cosa

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Por Carlos Gallego

Terror / Ciencia Ficción / EEUU / 2011 / 138 minutos / Coproducción EEUU-Canadá; Strike Entertainment / Universal Pictures. Director: Matthijs van Heijningen Jr. Reparto: Mary Elizabeth Winstead, Eric Christian Olsen, Joel Edgerton, Ulrich Thomsen, Jonathan Walker, Dennis Storhøi, Kim Bubbs, Stig Henrik Hoff, Trond Espen Seim, Paul Braunstein, Jørgen Langhelle, Jan Gunnar Røise, Kristofer Hivju, Jo Adrian Haavind, Carsten Bjørnlund. Guión: Eric Heisserer, Ronald D. Moore (Historia corta: John W. Campbell Jr.). Música: Marco Beltrami.

El film nos sitúa en el tiempo unos días antes de los sucesos ocurridos en la película de 1982, y nos muestra lo ocurrido en la base noruega que encuentra la criatura del espacio. Para el aficionado que llegue a ver The Thing sin haber visto la película anterior le resultará una cinta entretenida, aunque no dejará de ser una película más de bichos que no aporta nada nuevo al género y cuyas mayores carencias se encuentran en un guión predecible. La película en muchos sentidos es todo un homenaje a la cinta de Carpenter, los títulos de crédito son idénticos en cuanto a forma de ponerlos, tipo de letra, la música y la inclusión de elementos y detalles fácilmente reconociwww.cinemascomics.com

bles para los fans de The Thing, dando una la gran sensación de Dejavu. El problema llega con el argumento, y es que en esta nueva versión salvo el descubrimiento de la nave, la criatura y los minutos finales que enlazan a la perfección con la clásica, el resto del metraje sigue la misma línea argumental que su predecesora repitiendo situaciones y planos de está que no aportan nada nuevo a lo que debería de ser el reinicio de una saga que termina bebiendo de otras películas como Aliens,que pierde todo el componente de miedo a lo desconocido que tenía la anterior para dar más protagonismo al bicho y en la que terminamos comparando a la actriz Mary Elizabeth Winstea (Ramona en Scott Pilgrim) con Ripley.

En cuanto al elenco todos cumplen a la perfección con su papel, tampoco es que haya un gran guión detrás y los ponga en situaciones límite. Aunque si hay algo que destacar es la creación de la criatura y los efectos especiales así como el trabajo del director de fotografía y la recreación de la base y del bicho a partir de la película clásica. En definitiva un precuela que no aporta nada nuevo y que difícilmente llega al nivel de tensión y miedo que el film de Carpenter, demostrando que los clásicos, son clásicos por algo, y que a no ser que aportes algo nuevo resulta innecesaria.

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Melancolía

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Por Enrique Abenia

Drama / Ciencia ficción / Dinamarca / 2011 / 136 minutos / Rogue / Coproducción Dinamarca-Alemania-Suecia; Zentropa Entertainments / Memfis Film / Slot Machine / Zentropa International Köln / BIM Distribuzione / Eurimages / Trollhättan Film AB / arte France Cinéma. Director: Lars von Trier. Actores: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, Alexander Skarsgård, Stellan Skarsgård, Udo Kier, John Hurt, Brady Corbet. Guión: Lars von Trier. Música: Mikkel Maltha

Lars Von Trier continúa mostrando sus demonios interiores mientras experimenta con los géneros. Si en ‘Anticristo’ coqueteaba con el terror, en ‘Melancolía’ incorpora al argumento elementos del cine de catástrofes, con un planeta que amenaza con impactar contra la Tierra. El resultado es una obra tan hipnótica como irregular, con innegables puntos de interés, si bien sus piezas no terminan de encajar en el conjunto. Justine (Kirsten Dunst) acaba de casarse y, aunque se esfuerza por parecerlo, no es feliz. Durante el banquete nupcial en la ostentosa mansión de Claire (Charlotte Gainsbourg), su hermana, y su adinerado cuñado (Kiefer Suther-

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land) afloran sus problemas de depresión. Estos terminan por aguar la fiesta y echan abajo su breve matrimonio. A pesar de lo ocurrido, la vida continúa en aquella casa, en la que la joven y sus familiares afrontarán la inminente colisión del planeta Melancolía y la posibilidad de que la vida llegue a su fin. A lo largo de su filmografía, Von Trier ha dejado claro que es un cineasta único, más allá de su ego desmedido y las polémicas que suele protagonizar cada cierto tiempo. ‘Melancolía’ evidencia su dominio narrativo, el talento para la poesía visual y, sobre todo, su habilidad para inquietar al espectador. Su último trabajo transmite

angustia por la extraña actitud de los personajes y la sensación de que el apocalipsis se aproxima. Sin embargo, el largometraje (dividido en dos partes, centradas en cada una de las hermanas) no resulta homogéneo y Von Trier parece no haber cuidado tanto el guión (no ahonda en el comportamiento de los personajes, en especial los secundarios con peso). Una carencia que el público perdonará por la soberbia interpretación de Dunst y Gainsbourg. Solo por estas dos actrices y la desazón que produce la historia merece la pena ver ‘Melancolía’. Una propuesta rara pero coherente con el universo del autor. www.cinemascomics.com


One Day (Siempre el mismo día)

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Por Christian Arza

Romántica / Comedia / EEUU / 2011 / 108 minutos / Focus Features / Color Force / Random House Films. Director: Lone Scherfig. Reparto: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Romola Garai, Rafe Spall, Ken Stott. Guión: David Nicholls (Novela: David Nicholls). Música: Marco Beltrami.

Como bien dice el título, asistimos al encuentro que se da el mismo día pero en diferentes años entre Emma (Anne Hathaway) y Dexter (Jim Sturgess). Dos personas que se conocen el día de su graduación, y que son muy diferentes entre sí pero que forjan una relación amistad-amor más allá de lo que esperaban. Mientras Emma es una chica de clase trabajadora que quiere encontrar su lugar en el mundo para poder cambiarlo, Dexter es un ligón oportunista con ganas de comerse el mundo y todo lo que le venga por delante. A lo largo de 20 años asistimos, cada 15 de Julio, a sus diferentes vidas y los altibajos de su relación pasando por momentos buenos y malos. Sólo para descubrir que todo lo que han pasado juntos les ha llevado a encontrarse el uno al otro. www.cinemascomics.com

Estamos ante otra película que bebe de una fuente literaria, fue libro antes que película, escrita por el autor británico David Nicholls que a su vez es el guionista de la película. Supongo que para asegurar su idea y fidelidad con el libro, ya sabemos que Hollywood transforma todos sus productos. Una novela que probablemente podría haber venido firmada por otro escritor romántico, Nicholas Sparks y que no se habría notado mucho la diferencia. Es evidente el estilo narrativo de Nicholls, en el que los detalles tienen importancia en la fecha en la que se desarrolla la historia, más allá de eso las fechas pasan como un suspiro. Los actores, ambos, están perfectos en sus roles, Hathaway que es siempre un valor seguro ha dotado a Emma de una naturalidad, frescura y sinceridad que se contraponen con el carácter

chulesco, arrogante y seductor de Dexter, el personaje de Sturgess. Dos contraposiciones bien distintas y que encajan perfectamente en esta historia sobre las relaciones humanas. Sin duda, la historia nos lleva por un camino en el que es difícil distinguir la diferencia entre el amor y la amistad, entre el querer y el amar, entre rendirse y luchar. Con un sorprendente giro final, “One Day” nos hace pasar un 15 de Julio casi tan repetitivo como aquella película de Bill Murray “Atrapado en el tiempo” que revivía el mismo día una y otra vez, con una diferencia, el personaje de Murray aprendía de sus errores en el mismo día, nuestros personajes aprenden a través del tiempo.

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Amanecer (Parte 1)

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Por David Larrad

Cine Fantástico / USA / 2011 / 117 minutos /ummit Entertainment / Temple Hill / Sunswept Entertainment. Director: Bill Condon. Actores: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Anna Kendrick, Peter Facinelli, Dakota Fanning, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Nikki Reed, Kellan Lutz, Peter Facinelli, Elizabeth Reaser, Christian Serratos, Billy Burke, Boo Boo Stewart, Sarah Clarke, Michael Welch, Julia Jones, Kiowa Gordon, Alex Meraz, Gil Birmingham. Guión: Melissa Rosenberg. Música: Carter Burwell.

El director escogido para hacer “Amanecer: Parte 1” es Bill Condon responsable de films como “Candyman 2: Adiós a la carne”, “Dioses y monstruos” o “Dreamgirls”, en el reparto destaca el trio de protagonistas el hombre lobo Taylor Lautner (“Abduction”, “Historias de San Valentín”), el vampiro Robert Pattinson (“Harry Potter y el cáliz de fuego”, “Recuérdame”) y la chica que está entre ellos Kristen Stewart (“The Runaways”, “Jumper”). “Amanecer: Parte 1” trata sobre la boda de Bella y Edward, la joven humana y el vampiro; todo parece felicidad y amor pero durante la luna de miel Bella queda embarazada, algo que parece

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imposible en teoría. Los hombres lobo piensan que el bebe debe morir así que luchan contra los vampiros que intentan proteger a la joven madre. “Amanecer: Parte 1” aunque esté dividida en dos partes y haya que esperar al año que viene para ver como termina, el film de Bill Condon no te deja a medias, pero si que te deja con interes para saber que ocurrirá ente el conflicto entre hombres lobos, vampiros y demás seres que interfieren entre el amor de los dos jóvenes. El principio del film se hace un poco lento, con el tema de la boda, además la banda sonora no ayuda mucho, después de la luna

de miel y con el embarazo muy avanzado la cosa se pone más interesante, saber si Bella superará el parto, la lucha de Jacob con Edward y los hombres lobo. Es una lastima que cuando se transforman en animales y adoptan la forma de los lobos estén tan mal hechos, podrían haber invertido un poco más en los efectos especiales, ya que cuando andan no quedan demasiado naturales. En definitiva le doy un 7/10, hay que recordar que cuando termina la película hay que quedarse hasta después de los créditos ya que incluye un clip que nos anticipa lo que ocurrirá en “Amanecer: Parte 2”. www.cinemascomics.com


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Orient Express

SONG KANG-HO Por Francisco Nieto Desde un sencillo policía de rudos métodos en un pueblo rural dejado de la mano de Buda, pasando por un hombre desesperado sediento de venganza al quedarse sin trabajo y no poder pagar el transplante de riñón de su hermana, hasta de militar en Corea del Norte en la frontera con su homónima del Sur. Estos y otros papeles han hecho de Song Kang-Ho uno de les referentes de la nueva cinematografía coreana. Su desparpajo a la hora de abordar variopintos registros, y su instintiva improvisación que le confiere una personalidad única, le han convertido en uno de los actores más queridos de todo Corea del Sur e incluso más allá de los lindes de su país. Song es uno de esos intérpretes que solamente con su presencia consiguen llenar la pantalla; tiene ese algo especial que consigue que uno rápidamente se identifique con él, haciendo que las distintas historias se vean desde su punto de vista. Es un actor capaz de hablar con la mirada, y es en su rotunda expresión que alcanza plena conexión con las plateas. Su carrera ha crecido de forma vertiginosa en los últimos años, a pesar de no contar con un currículum extenso, situándose en una cómoda posición tanto de cara a la taquilla como a la crítica de su país. Será o no casualidad, pero ha formado parte de tres de los proyectos más laureados por el público y los distintos festivales donde se exhibieron; tanto Joint Security Area (2000), de Park Chan-Woo, como Memories of murder (2003), de John Bong-ho, y la pionera Shiri (1999), de Kang www.cinemascomics.com

Je-Gyu, demostraron al mundo la valía de Song. Los actores coreanos muchas veces pecan de inmovilismo e incluso de un hieratismo interpretativo marcado por unas estructuras fílmicas basadas en el control y la sumisión al director y al guión. Song en ese aspecto podríamos decir que rompe moldes; disfruta de un rostro impasible que le ayuda a reforzar su faceta más siniestra cuando lo requiere como para sorprender con gestos entrañables. Sus ilimitados recursos actorales le permiten navegar sin temor por comedias, dramas, thrillers, melodramas e incluso le han permitido asomarse al fantástico en la última producción en la que hemos podido verle en nuestro país, The host (2006), Joon-ho Bong. En todas ellas nos ha regalado excelentes e impresionantes interpretaciones, y aunque es en la comedia donde sin duda mejor se desenvuelve, no se le suele relacionar sistemáticamente a un género determinado. Song Kang-Ho nació el 17 de enero de 1967 en Kyungnam, Corea del Sur. Después de graduarse en la escuela secundaria de Kimhae, empezó su carrera artística en grupos de teatro de aficionados. Él nunca tuvo un entrenamiento profesional como actor, aunque eso más que ir en su contra a la larga fue un beneficio, ya que en ocasiones el aprendizaje del teatro puede interferir en el arte de la naturalidad en pantalla, y Song no es para nada un actor afectado, sino todo lo contrario, alguien con una calidad podríamos decir “animalística” que se guía por su

propio instinto. Gracias a estos trabajos esporádicos en la escena se le presentó la oportunidad en el 1996 de trabajar como extra en la película de Hong Sang-Soo, The day a pig fell into the well (el día en que un cerdo cayó en un pozo); a partir de entonces su vida profesional ya no se apartaría nunca de los platós. Posteriormente interpretó a un mendigo en el docudrama de Hang Sun-Woo, Timeless Bottomless Bad movie, y a un gángster que entrenaba a un grupo de reclutas en Nº 3, de Song Neung-Han, ambas en el 1997. Poco a poco su carrera se iba cimentando, con películas de bajo presupuesto en las que tenía una presencia menor, como en Green Fish (1997), de Chang Dong-Lee, o The quiet family (1998), de Kim Ji-un, donde compartiría cartel por primera vez con Choi Min-Sik. A partir de ahí vendrían sus éxitos más sonados y por los que hoy por hoy es más conocido: Shiri (1999), de Je Gyu-Kang, donde ejercía de compañero del policía secreto protagonista; Joint Security Area (2000) y Simpaty for Mr. Vengeance (2002), ámbas dirigidas por Park Chan-Wook, en las que se mete en la piel de un soldado de Corea del Norte en un puesto fronterizo con el Sur, y de un padre atormentado por el secuestro de su hija, respectivamente; Memories of murder, de John BongHoo, papel que le valió conseguir los premios más importantes de toda su trayectoria, y en donde daba vida a un policía simplón y Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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tozudo que investigaba una serie de asesinatos; y la actual y todavía no estrenada The host, donde repite actuación con el director de Memories... en la piel de un padre que, tras la desaparición de su hija a manos de un monstruo, organizará una búsqueda con los miembros de su familia. Su prestigio en el panorama cinematográfico coreano ha subido como la espuma, y buena prueba de ello es el hecho de que es uno de los portavoces de la asociación de actores surcoreanos, lo que le ha llevado últimamente a tener sonoras disputas con directores como Kang Woo-Suk (Silmido), quien le acusa de tener un caché demasiado elevado para lo que ofrece en la pantalla. Filmografía: The day a pig fell into the well (1996): En la que fue su primera aparición en la gran pantalla tan sólo figuró como extra. El film, de bajo presupuesto, trataba las vidas de cinco tipos urbanos muy reconocibles que eran testigos de un accidente bastante anormal. Tomando como modelo películas como Vi-

das cruzadas o Grand Canyon, el director, valiéndose de continuas elipsis narrativas, enlazaba temas que tenían como vínculo común la transgresión personal, como la violencia, el sexo sin intimidad o la explotación.

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Green fish (1997): Su primer rol en el que consiguió un papel con diálogo, interpretó a Pan-Su; su presencia en el film también se puede tildar de anecdótica, aunque podemos decir que ya empezaba a tener buen ojo a la hora de elegir las películas en las que trabajaba, ya que estamos ante uno de los films más hermosos y melancólicos que el cine coreano dio en la década de los 90. La trama era la de un soldado que volvía a su pueblo y se daba cuenta de que el tiempo transcurrido desde su marcha había hecho cambiar todo el entorno de como lo recordaba. Nº 3(1997): Seguramente este fue el trabajo que le lanzó al reconocimiento en su país. De ser un completo desconocido, fue reconocido con algunos premios locales al mejor actor. Song se puso en la piel de Jo-Pil, un gángster que entrenaba a un grupo de reclutas. Su interpretación cómica resulta memorable, aunque también se recuerda esta película por ser la primera en la que coincidió con otro “grande” del cine coreano, Choi Min-sik (Old boy). Timeless bottomless bad movie (1998): Aquí atisbamos su presencia a cuentagotas, siendo su escena más destacada aquélla en la que en una esquina canta una canción religiosa mientras está aplaudiendo. El film trata de manera documental la vida de los vagabundos y borrachos que habitan en los barrios más pobres de Seúl. El director, mediante un ritmo de cinema verité con encuadres desordenados y distorsionados, retrata las esperanzas quebradas de estas personas que acaban cayendo en la droga, el crimen pequeño o el licor. The quiet family (1998): Siguiendo en la estela cómica, Song interpretó a Yeong-Min, uno de los tres hijos de una familia que decide comprar una casa de campo en el bosque esperando hacer fortuna como turismo rural de la zona. Cuando los huéspedes comienzan a fallecer por diversas causas, deciden enterrar los cuerpos en

el bosque para así evitar la mala fama. Con una estructura muy similar a La felicidad de los Katakuris, de Takashi Miike, el film es una de las comedias negras más finas y cínicas que se hayan podido ver en la historia del cine coreano. Shiri (1999): La película que le lanzó al estrellato, y que marcó un antes y un después tanto para la cinematografía coreana como para su posterior carrera. En ella dio vida a Lee Jang-Gil, un agente secreto que actuaba de compañero del protagonista de la cinta, Ryu, quien investiga sobre una conspiración terrorista organizada por activistas de Corea del Norte. La película, dirigida por Je Gyu-Kang (elegido hombre del año en Corea tras el estreno del film), contó con un presupuesto desorbitado, aunque desde luego

fue bien invertido, ya que proliferan las secuencias de acción, tiroteos y explosiones, aunque siempre contrapunteado por el cuidado en el aspecto visual y en la estética en la que se encuadra el film. The foul King (2000): Como si fuera un precedente de la reciente Super Nacho, Song también se calzó los calzones y la máscara de lucha libre para interpretar a Dae-ho, un mísero empleado de oficina improductivo y que es frecuentemente humillado por sus www.cinemascomics.com


Imagen de Joint Security Area, Park Chan-Wook (2000)

superiores que un día se inscribe en un club local de lucha libre, lo que desencadena en una nueva vocación que le permite solucionar todos sus problemas existenciales. Song demuestra una independencia absoluta y una gran coherencia a la hora de elegir sus proyectos. Lejos de sentirse deslumbrado por el éxito anterior se embarca en un film de bajísimo presupuesto (sólo la comida que se ofreció a los productores valió más que la propia película) para actuar por amistad hacia el director, Kim Jee-Won (con quien ya había trabajado en The quiet family). Este film, que jugaba de una manera burlesca con el tema de la soledad y la explotación de los trabajadores, supuso la primera ocasión en la que coincidió con Shin Ha-Kyun, con quien volvería a trabajar en JSA y Simpathy for Mr Vengeance. Joint Security Area (2000): Su priwww.cinemascomics.com

mera película bajó las órdenes de Park Chan-Wook y una auténtica obra maestra, se mire desde donde se mire. Song bordó el papel del sargento de Corea del Norte Oh Kyeong-Pil, lo que le sirvió para afianzar la fama que ya había sembrado antes atrás (la escena en la que escupe una chocolatina ofrecida por un soldado del otro bando es simplemente magistral). Este thriller político sin duda ganó enteros gracias a su interpretación y a la prestación de los demás miembros del elenco. Park supo insuflar un humanismo desgarrador a una historia que nos venía a explicar la injusticia que impera en las políticas severas, para poder así mostrar las inconsistencias de un sistema a través de mensajes muy claros. Simpathy for Mr Vengeance (2002): Song comienza a encadenar un éxito tras otro. Aquí vuelve a trabajar a las órdenes de Park Chan-

Wook en una historia de violencia y de venganza. Interpreta a Park Dong-Yin, el dueño de una fábrica que despide a uno de sus empleados y también un padre roto por el dolor cuando ve que su hija, después de ser secuestrada por ese mismo trabajador desesperado. muere debido a la negligencia de sus captor. El rostro de Song refleja perfectamente los matices de una angustia que se va acentuando progresivamente, consiguiendo la que yo creo (junto a Memories of murder) la que es su mejor actuación, y si no sólo hay que verle en la escena en la que acude a la autopsia de su hija (momento que queda marcado para siempre en la retina del espectador). A través de sus ojos inyectados en sangre podemos apreciar una sociedad, la coreana, que va a la deriva. Podría haber sido una mera crítica social, pero los dos protagonistas, a los que la cámara respeta y disfruta con sus impulsos, elevan el Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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Imagen de Memories of murder, John Boon-Ho (2003)

film a algo más importante.

mejor comedia de Song.

Ymca Baseball (2002): Song vuelve de nuevo a la comedia, en este caso comedia deportiva, interpretando a Ho-Chang, un joven coreano en tiempos de la invasión de Japón que se aficiona al juego del baseball, formando junto a otros compañeros el que sería el primer equipo profesional de baseball en Corea. Se nota que este fue un proyecto relajado, aunque todo el peso de la función recae en él. La película se salva gracias a su actuación, ya que es un mero y simple divertimento con un buen arranque, pero que paulatinamente va languideciendo (precisamente cuando la historia parece olvidarse de Song y se centra más en los avatares de sus compañeros). De todas formas Ymca tiene buenos momentos y sigue siendo una película bien hecha, pero está lejos de ser la

Memories of murder (2003): Si ya con JSA se le conoció en distintos festivales, fue en esta película de John Boon-Ho donde nuestro hombre alcanzó el reconocimiento internacional. Premiada en multitud de festivales, Song alcanza la perfección interpretativa. La historia, inspirada en hechos reales ocurridos en una población rural entre 1986 y 1991, trata la investigación por parte de dos policías de antagónicos recursos, de un serial-killer, quien mató a diez mujeres en un radio de diez kilómetros.

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Song da vida al detective Park Doo-Man, un auténtico bruto que al estilo de Harry el sucio no ceja en su empeño de tratar a patadas a cualquier sospechoso. Nuestro actor utiliza una variedad de recursos actorales realmente ejem-

plar, pasando de la caricatura bufa al drama más inhumano con una facilidad pasmosa. Realmente merecidos todos los premios que atesoró. The president´s barber (2004): Quizás su film menos conocido de tos los interpretados en el último lustro, interpreta a una persona modesta que por casualidad acaba siendo el barbero del dictador. La trama, como se puede presuponer, tiene un marcado carácter político e histórico, donde también se abordan las relaciones padre-hijo y entre dictador y subordinado. Antartic Journal (2005): Película que se alzó con el premio Orient Express en el pasado Festival de Sitges, sin lugar a dudas es la que más le costó rodar, ya que el equipo del film se desplazó nada menos que a los escenarios gélidos www.cinemascomics.com


Imagen de The Host, Joon-ho Bong (2006). de Nueva Zelanda para explicarnos la historia de una expedición que intenta alcanzar la Antártida. Choi Do-Hiung es el personaje interpretado por Song, una especie de capitán Ahab de Moby Dick, obsesionado con alcanzar la cima y dejar atrás su pasado, sin importarle lo que le suceda a él y a los suyos. El film fue un pequeño fracaso dentro de su carrera, ya que se desperdició gran parte del presupuesto en los exteriores, descuidando sobremanera el guión. Simpathy for lady Vengeance (2005): realiza un pequeño cameo como policia herido. The host (2006): Un film con elementos de comedia, terror y drama que se ha considerado como un clásico contemporáneo. Una auténtica obra maestra con un Song Kang-ho estelar en el rol de un padre que debe recuperar a toda costa a su hija, secuestrada nada más y nada menos que por un monstruo marino. The show must go on (2007): Film www.cinemascomics.com

que le supuso ganar el premio al major actor en los 28º Blue Dragon Film Awards, y en el que da vida a un gangster que sueña con mudarse a una zona donde su familia sea más feliz, aunque sus rivales, contando entre ellos también a su mujer y su hija, no se lo permitirán.

Thirst (2009): de nuevo Park Chan-wook se cruza en su camino para ofrecerle un papel antológico como un sacerdote que necesita beber la sangre de sus coétanos para sobrevivir. Una mezcla explosiva de terror y comedia que ganó merecidos premios en Cannes y Sitges.

Secret sunshine (2007): Película con la que Jeon Do-yun, compañera de reparto de Ho, consiguió alzarse con el Premio a mejor actriz en el prestigioso Festival de Cannes. Aquí nuestro protagonista se pone en la piel de Jong-Chan, un mecánico que se enamorará de una mujer perseguida por el infortunio.

The secret reunion (2010): otra de espías con la guerra entre las dos Coreas como telón de fondo.

The good, the bad and the weird (2008): La adaptación al cine coreano del clásico de Sergio Leone El bueno, el feo y el malo nos enseñó a un Song Kang-ho pendenciero y divertido junto a otros dos grandes del cine coreano actual: Lee Byung-hun y Jung Woo-sung. Un film que es pura adrenalina y que a pesar de durar más de dos horas se pasa como un suspiro.

Próximos proyectos: Hindsight, la historia de un jefe mafioso retirado que se enfrenta a una misteriosa mujer llamada Se-Bin; Howling, donde interpreta a un veterano policía quien, ayudado por una compañera más joven, deberá investigar una serie de asesinatos en serie; Snow Piercer, el último trabajo de Bong Joonho, quien ya le dirigió en The Host, es una adaptación a la gran pantalla del cómic Le Transperceneige, de Jacques Lob.

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Cine de los 90

Por Sergio Reina 116 │ Cinemascomics │ Septiembre 2011

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Estupenda película de ciencia ficción, dirigida por el ex-Monty Phyton, Terry Gilliam. Un director de esos que podemos llamar raros, pero cuyo su cine, desde luego, no deja a nadie indiferente, ya desde sus inicios, dirigiendo magníficas películas de humor para lucimiento de los Monty Phyton, hasta que se puso a dirigir en solitario y dio rienda suelta a toda su imaginación, ensoñaciones y amor por la ciencia ficción. Esta película de la que hablamos hoy es la primera en la que en su etapa ya sin los Monty Phyton, no escribió el guión. Un guión que se empeñó mucho en dirigir y que tras el éxito comercial de su última película (El rey pescador , 1991), le permitió tener el control total sobre la filmación y el montaje, a pesar de ser una película de estudio. Y esto es algo que hay que reconocer a este director. Nunca se ha vendido, y ha hecho las películas que el ha querido hacer, y por supuesto, con su particular visión. Algo desde luego

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para alabar, y para cuestionarnos por qué no tenemos más películas dirigidas por él y tengamos que esperar tanto entre una y otra. El film es la adaptación del corto francés La Jetée, una joya del cine francés del año 1962, que tras pasar por la manos del productor Robert Kosberg, fue a recaer a los estudios Universal Pictures, los cuales ponen a los hermanos Peoples (David fue el guionista de Blade Runner), a trabajar. Tras el pasado cinematográfico de Terry, con películas de viajes en el tiempo, con mundos paralelos entre la locura, la imaginación y la realidad, el guión llega a sus manos. Y en lugar de poner de protagonistas a los que los estudios tenían preparados, Nick Nolte y Jeff Bridges, Terry lleva a la película a Bruce Willis, y a un todavía poco conocido Brad Pitt. Willis es James Cole, un presidiario en un futuro cercano donde la Humanidad ha llegado casi a su extinción por culpa de un virus

liberado intencionadamente, y donde la poca población que queda debe vivir bajo tierra, por lo que la naturaleza, la salvaje naturaleza, ha vuelto a adueñarse del mundo. Y es ahí donde entran en juego los “voluntarios”, que son presidiarios, destinados a peligrosas misiones al mundo exterior, e incluso a viajes en el tiempo para lograr una cura para el fatídico virus. Cole (Willis), es uno de esos elegidos, trasladado en un primer viaje hasta 1990, unos seis años antes de que todo empezara, es decir de que el mundo empezara a acabarse para la raza humana. Lo único que le han dicho a Cole es que tiene que localizar a el Ejército de los Doce Monos, un grupo que al parecer fue el responsable de extender el virus, para poder localizar el virus en su estado puro y desarrollar una cura. En 1990, Cole es tomado por loco y encerrado en un manicomio, donde la psiquiatra Kathryn Railly (Madeleine Stowe), lo conoce y, a pesar de no creerle ni una palabra, quiere ayudarle. En su

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internamiento conoce a Jeffrey Goines (Brad Pitt), un loco, descendiente de un famoso científico creador de virus y bacterias, y que tras unas cuantas conversaciones de locura, se queda con la idea de asolar el mundo por medio de una bacteria. Cole intenta escapar con la ayuda de Goines (Pitt), y en su fracaso, es devuelto a su presente, donde tras comunicar el fracaso de la misión al haberse equivocado de año, le enseñan fotos del Ejército de los Doce Monos donde aparece Goines como su claro cabecilla. Cole empieza a creer que puede ser el culpable de la extinción de la Humanidad, en lugar de su salvador al haberle dado la idea a Goines. De nuevo es mandado a 1996, esta vez con éxito, pero con la cabeza hecha un lío, sin saber si lo que está pasando es real o un producto de su mente. El trabajos de los actores protagonistas, junto con la ambientación de la película, son los puntos fuertes de este film, donde para

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algunos espectadores puede resultar algo caótico seguir el hilo del argumento. Aunque bajo mi punto de vista, esto último también juega a favor de la película. Con todo esto, la película supuso un éxito comercial, gracias también a lo ajustado del presupuesto de Terry Gilliam, que con apenas 30 millones de dólares, contó con dos estrellas en su cast, y fue capaz de hacer una película de ciencia ficción con viajes en el tiempo, algo impensable hoy en día, a no ser que nos recluyamos en el cine de autor. Como he dicho, el trabajo de los actores, es de sobresaliente. Bruce Willis logró una de sus mejores interpretaciones, encarnando a James Cole, a medias entre la locura y el más real pragmatismo. Gracias a este trabajo, Brad Pitt consiguió su primera nominación a los Oscars. Un trabajo que le llevo a prepararse a conciencia, pasando varias semanas en un psiquiátrico acompañando y estudiando a los enfermos allí

internados. Sin duda, su trabajo es muy convincente, al igual que cuando ha hecho algo parecido en películas posteriores (Snatch, cerdos y diamantes, Quemar después de leer). Y Madeleine Stowe también está perfecta en su papel, y no solo por su miope belleza, sino por lo bien que hace muy de víctima. En definitiva, una joya que merece rescatar de vez en cuando, a pesar de que tienes que tardar algo de tiempo en verla, pues sus continuas sorpresas quedan desveladas a lo largo del film y pierde fuerza en sus posteriores visionados. Una película convertida en obra de culto, que a mí me encanta, aunque reconozco que puede resultar algo tediosa y caótica para ciertos espectadores.

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Especial series


ESTO ES INEXPLICABLE FRINGE, ABRAMS Y LA CIENCIA-FICCIÓN EN PEQUEÑO FORMATO Por Javier Calvo Fringe es extraña. No tiene explicación lógica o aparente, y esa es su gran apuesta. Una amalgama de tópicos fantásticos que renuevan la ciencia-ficción televisiva, para deleite de miles de fans. El típico ejemplo de encadenación de enigmas sobre los cuales es difícil hablar sin desvelar nada crucial. Sin embargo, más allá de su capacidad mediática, Fringe es, sobre todo, una nueva serie de J.J. Abrams. Y eso es mucho decir.


El propio título lo dice. “Fringe” – que en inglés, además de la acepción ‘flequillo’, tiene también la de ‘margen’ o ‘borde’- es lo periférico, lo que se sale de la norma. Los márgenes de la ciencia común y el positivismo: aquello que no puede ser explicado con términos acotados a la lógica y que, en definitiva, es a lo que se dedican los tres protagonistas. J.J. Abrams sigue empeñado en demostrar que este es un mundo extraño, como diría Elijah Snow. El creador de Perdidos no tiene ningún respeto por las leyes naturales, para deleite de los fans de la ciencia-ficción. En Fringe, su proyecto ideado a medias con los guionistas Alex Kurtzman y Roberto Orci, desafía de nuevo a la razón con la historia de Olivia Dunham (Anna Torv), una agente del FBI que debe enfrentarse a una multitud de insólitos sucesos que se adentran en los pantanosos terrenos de lo paranormal. Estos extraños fenómenos que sur-

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gen a lo largo de todo el planeta podrían tener un vínculo común. Para esclarecer sus investigaciones, Dunham solicita la ayuda de un notable científico, Walter Bishop (John Noble). El problema es que esta prodigiosa mente lleva años encerrada en un centro psiquiátrico, por lo que la federal necesita también la ayuda de un pariente que pueda interceder ante la institución. Ahí es donde entra en juego el hijo de Bishop, Peter (Joshua Jackson, estrella catódica gracias a su papel en Dawson crece), un cerebrito con tanta habilidad para desaparecer del mapa como para ignorar durante siglos a su padre enfermo. Construidos bajo un equilibrio de fuerzas que pivota entre la genialidad de la locura (ese científico a lo mad doctor encarnado por Bishop padre) y las fuerzas de la lógica gubernamental (la jovenzana federal), Abrams utiliza a su tríada protagonista para guiar al telespectador a través de una enrevesada trama que es mejor

descubrir por uno mismo, ya que los hilos que entrelazan las diferentes partes ocultas de la historia son frágiles y susceptibles de convertirse en spoiler.

Abrams, la esperanza Fringe ha contribuido a hacer de J.J. Abrams uno de los padres de la actual revolución dramática que acapara la televisión. Si con Perdidos renovó el concepto de serie de culto, esta nueva apuesta por lo paranormal ha consolidado un creciente grupo de adeptos que ven en este neoyorquino al nuevo Lovecraft, pero mucho más cargado de adrenalina. En este sentido, el lanzamiento de Fringe (que vuelve a estar bajo el amparo económico de la Fox) tuvo una sobresaliente acogida de público en los EEUU, allá por el 2008. Las sucesivas temporadas, sin embargo, han ido decayendo en éxito de audiencias, proceso que, en realidad, parece más una consecuencia del exceso de oferta televisiva y de cuestiones de www.cinemascomics.com


parrilla que de su desarrollo interno. Aun así, las críticas iniciales resultaron positivas, y muchos autores destacaron su capacidad para convertir al espectador en un adicto ávido de novedades, gracias al buen uso del enigma. La estructura narrativa, frente al continuismo perpetuo de Perdidos, apuesta por desarrollar un misterio nuevo en cada capítulo, aunque existen argumentos de fondo que mantienen una subtrama común y, en definitiva, todo apunta a que los sucesos, por muy aislados e independientes que se manifiesten, parecen estar vinculados de algún modo. De este modo, se abre la posibilidad de engancharse a la serie en cualquier momento de su desarrollo. Por el momento, Fringe encara su cuarta temporada. Tanto Kurtzman como Orci habían trabajado con Abrams en Star Trek, la puesta a punto de la vieja franquicia en su versión fílmica. Si el buen oficio demostrado en la película se puede prolongar, o si el mecanismo dramático de Fringe está presto a agotarse, es algo que se verá con el tiempo.

Influencias y otros misterios De momento, parece innegable que Abrams y los suyos han explorado un buen número de fuentes a la hora de crear esta serie. Evidentemente, si hablamos de dramas de ciencia-ficción y misterio para una generación contemporánea, el referente inmediato es Expediente X (Chris Carter, 19932002). Federales contra extraterrestres, conspiraciones e infecciones extrañas, y una mujer al frente del reparto, asentando el rol protagonista en papeles norománticos (un camino que, por cierto, el propio Abrams ha ayudado a pavimentar con Alias). Pero allí donde Expediente X apostaba por la sobriedad y un tono pausado, Fringe carga las pilas con un desarrollo más dinámiwww.cinemascomics.com

co. Al igual que hicieran con Star Trek, los guionistas de la serie han acelerado visualmente los lugares comunes de la ciencia-ficción, convirtiendo casi en un lúdico espectáculo la reflexión sobre los límites del mundo natural de la serie de Carter. Los creadores citan también a la mítica The Twilight Zone como influencia destacada. Emitida entre los 50 y los 60, este clásico televisivo de lo fantástico recopiló durante sus cinco temporadas todo un catálogo de temas futuristas, pseudocientíficos y paranormales explotados luego en otras ficciones tanto en pequeña como en gran pantalla. Existe, sin embargo, un produc-

to fuera del medio televisivo con el que Fringe guarda numerosos puntos en común, y al que nos hemos referido al comienzo de este artículo citando a uno de sus protagonistas: Planetary, una de las obras magnas de Warren Ellis y John Cassaday y, en conjunto, uno de los mejores cómics de los últimos 10 años. Publicado en origen por DC Comics desde el año 98 hasta el 2009, Planetary narra la historia del enigmático Elijah Snow, un individuo con la capacidad de manipular el frío, y su equipo de “arqueólogos de lo imposible” (personas dotadas de ciertas habilidades que trabajan para la empresa que da nombre a la obra y que se ocupa de estudiar los Cinemascomics │Noviembre 2011 │

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fenómenos ocultos que subyacen tras el desarrollo normal del mundo). Si lo cierto es que Abrams no parece haberse pronunciado al respecto de una posible lectura y análisis de la obra, es curioso cómo ambas traman guardan más de un vínculo común, y así ha sido destacado por algunos fans. Para empezar, ambos tienen a una tríada protagonista de dos hombres y una mujer –en las cuales es ella, sobre todo, el principal eje del componente acción- que desarrollan lazos casi filiales entre sí. Pero además, son los propios personajes principales los que guardan en su pasado algunos de los secretos más jugosos de la trama, y en los dos casos existen, igualmente, ciertas pérdidas de memoria de carácter (por así decirlo) estratégico. No hay que olvidar tampoco que sus temáticas van dirigidas hacia el esclarecimiento de sucesos inexplicables en los que parecen entrar en juego personajes con

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habilidades fuera de lo común. Y algunos de esos temas son semejantes en una y otra obra, como las conspiraciones o la posibilidad de la existencia de más de un universo. Por último, el interés por la investigación de sucesos paranormales no deja de tener ciertas implicaciones personales para los protagonistas. ¿Casualidad? Este es un mundo extraño, así que quién sabe.

Abrams de su labor como productor es que una serie rentable se caracteriza por crear un universo propio completo y autorreferente, en el que los espectadores sean capaces de sumergirse totalmente. Para ello, nada mejor que crear ciertos juegos o guiños que traspasen la propia pantalla y permitan a los televidentes interactuar por su cuenta con la propia trama.

Sea como sea, la lista de influencias para Fringe queda abierta a otras fuentes y, en definitiva, no hay que olvidar que la serie se nutre de una cierta revalidación de los temas fantásticos en televisión, a raíz de otras series como Héroes, Sobrenatural o la propia Perdidos, y de ficciones sobre investigaciones rebuscadas con cierto halo de sorpresa final, como CSI en sus diferentes ediciones o Bones.

Ya en Perdidos la relación con el usuario/fan llegaba a una expansión total por los dominios de Internet; los seguidores de la serie se encontraban tan inmersos en su realidad mediática que generaron todo un cúmulo de informaciones y mensajes complementarios destinados llenar los huecos de las tramas, sus posibilidades pretéritas y su desarrollo potencial. La Lostpedia, una auténtica obra de consulta para el fan, se encontraba a la cabeza de ese mundo construido, por fin, a medias entre los propios productores y los espectadores del programa.

Más allá de la pantalla Si algo tiene bien aprendido

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Un buen método para conseguir la implicación del telespectador es lanzar algunos enigmas de forma más o menos casual no sólo en la propia emisión de la serie sino también en sus anuncios y promociones. Estos misterios, que no quedarían resueltos directamente en la trama, servirían para que la curiosidad del seguidor se viera azuzada y tomara la iniciativa en esta participación activa. En Fringe, Abrams ha tratado este asunto gracias a los llamados ‘glifos’. Estos extraños símbolos toman el relevo de la famosa secuencia numérica de Perdidos. Formados por simples imágenes de ciertos objetos (una hoja, una mariposa, una manzana abierta con una curiosa semilla en su interior) que estuvieran fotografiados mediante una máquina de rayos X, los glifos aparecen de forma continuada a lo largo de la serie, incluso en sus títulos de apertura. Con ellos, Abrams ha creado un supuesto lenguaje autónomo que ha picado el interés de los fans por su deswww.cinemascomics.com

ciframiento. La táctica ha funcionado, puesto que en Internet pueden contemplarse ya multitud de artículos relativos a sus significados, e incluso se permite la posibilidad de escribir el nombre de uno con esos enigmáticos caracteres. Otro de los recursos que Fringe ha utilizado para expandirse en la cultura popular viene ya avalado por muchas otras series, y se está convirtiendo en un camino común para todos aquellos programas cuyas tramas son susceptibles de ser transformadas en un tebeo: la publicación de cómics que amplían y desarrollan las subtramas que no se ven en pantalla. Desde el propio comienzo de la serie, Wildstorm comenzó a editar una serie de ejemplares homónimos que actúan como precuela de la historia vista en televisión. El éxito de los cómics ha sido notable, hasta el punto de que el mismo Joshua Jackson ha intervenido en el guión de una nueva ola de tebeos que desarrollan más líneas

narrativas y explican las transiciones entre las temporadas más recientes. Con ganas de encontrar su arraigo en la mente colmena de los freaks de la ciencia-ficción, Fringe alterna las tácticas de marketing con una historia cargada de misterios y enigmas dispuestos a cautivar al espectador. Quizá la tele no sea el medio óptimo en el que veamos terminar esta historia; existen, tal vez, universos –narrativos- paralelos a donde puedan trasladarse sus personajes. O quizá ambos mundos convivan a la vez. Mientras la imaginación sea libre, habrá guionistas capaz de mantener lo inexplicable vivo para siempre. Algunos, incluso, crearán escuela.

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LAS SERIES QUE NOS LLEGAN… Por Christian Arza

Después del verano llega de nuevo el frío y la rutina a nuestros pequeños hogares. Con el periodo estival más que acabado en cuanto a vacaciones, pero todavía disfrutando de los últimos rayos de sol veraniegos, nos llegan poco a poco las nuevas temporadas de nuestras series preferidas junto con los nuevos estrenos de las principales cadenas de televisión estadounidenses y españolas. Sin duda, todo un abanico de posibilidades para los espectadores que cada vez demandamos y consumimos más y más series sin tener que esperar a su difusión en una cadena pública.

Quizá el número de producciones que se estrenan sea menor que las que vuelven una temporada más, pero eso no les resta ni un ápice de interés y más ahora que las series se cuidan mucho más en cuanto a estética, reparto, originalidad y difusión, a veces sin escatimar gastos, para darles aún más impacto. Puede que estemos ante el resurgimiento de una nueva era en la que las cadenas de televisión invierten bastante más capital en sus productos estrellas, las series, incluso por delante de las producciones cinematográficas.

Y es que este 2011 nos viene cargadito. Vuelve con su segunda temporada una de las series revelación del pasado año, “The Walking Dead” (AMC), que ha estrenado su segunda temporada para deleite de los fans de los zombis. Con un arranque espectacular, este año nos promete más acción, más zombis y la oportunidad de conocer en profundidad a los personajes que conocimos en la temporada pasada. Una serie que congrega a millones de seguidores en todo el mundo y que ya ha renovado por otro año más.


Y seguimos con el género sobrenatural, porque no sólo de muertos vivientes vive la televisión. “Supernatural” (CW) o Sobrenatural aquí en España, es otra serie que vuelve a la carga este año. En un principio, se suponía que finalizaba este año junto con otra gran serie que veía su fin en ese mismo periodo, “Smallville”, pero la cadena CW consideró que perder a sus dos grandes bazas a la vez era algo que no se podían permitir. Así que nos dejó con una grata sorpresa cuando finalizó el episodio y descubrimos que ¡CUIDADO SPOILER! Castiel es el nuevo Dios y ahora tiene todas las almas bajo su poder mientras Sam empieza a tener visiones sobre el infierno y Dean es incapaz de remediar que su hermano se esté hundiendo y que ha perdido a su amigo Castiel. FIN SPOILER. Con esta nueva premisa arranca la que ya es la séptima temporada en espera de que haya alguna más, o al menos eso es lo que han dejado entrever sus productores. No puedo olvidarme del género vampiro-lobo-bruja, todo mezclado en este tipo de producciones con la tremenda, sexy e inquietante “True blood” (HBO) protagonizada por la estupenda Anna Paquin. Este año, el tema de las brujas será el principal, correspondiente a la cuarta novela publicada, que intenta seguir con rigor. Recordemos que esta serie aparte de los vampiros ya incorporó los hombres lobo en su segunda temporada y ahora las brujas a su historia. Otro argumento que explota “Crónicas Vampíricas” (CW), que vuelve una vez más con su tercera temporada explotando el filón del trío amoroso DamonElena-Stefan, en donde los dos hermanos vampiros luchan por el amor de la humana. Una serie, en contrapartida de la anteriormente mencionada, con un look más juvenil y más “teen”, enfocada a los jóvenes que son los que mayoritariamente ven la CW. Esta temporada ¡CUIDADO SPOILER!

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Stefan se marcha con Klaus, que es el primer híbrido entre vampiro y hombre lobo, para salvar a su hermano Damon y a Elena. Algo empieza entre ellos dos a surgir mientras intentan encontrar a Stefan, convertido ahora en un asesino. FIN SPOILER. Veremos qué tal le sienta la fórmula a una producción que tendrá que hacerse cada vez más adulta. El productor de la serie Kevin Williamson, creador de la serie adolescente “Dawson Crece” y la saga de terror “Scream” es también co-autor de otra producción que seguirá los pasos de las Crónicas. En “The secret Circle”

(CW), en su primera temporada, una chica que aún no sabe que es especial llegará a un pueblo en el que habrá una reunión de brujas de la que ella entrará a formar parte, pues posee poderes que no había descubierto. De nuevo, un grupo de guapos y guapas paseándose en un producto creado para atraer a las masas de adolescentes que se sientan frente al televisor. Le daremos una oportunidad para ver hacia dónde desarrollan todo esto. Revisionaremos también los clásicos cuentos de nuestra infancia con dos estrenos que seguro que tendrán más de una sorpresa. www.cinemascomics.com


Carteles promocionales de “Once upon a time”

La primera, “Once upon a time” (ABC) o cómo Blancanieves sobrevive a la maldición de la bruja y es enviada a un mundo cruel y despiadado: el nuestro. Aquí, una mujer, la guapísima Jennifer Morrison (House) recibirá la visita inesperada de su hijo, al que dio en adopción, instándola a que vuelva a su pueblo para salvar a sus habitantes de la maldición que les apresa. Tendrá que lidiar con todos los personajes salidos de los cuentos, ahora desmemoriados pero que poco a poco irán recordando su otra vida. Un punto de partida interesante, que puede dar bastante jugo si saben aprovecharlo bien. Por otro lado, la producción “Grimm” (NBC), seguirá los pasos de un policía intentando averiguar y resolver por qué se escapan a la realidad todos los personajes creados por los hermanos del titulo. La primera me parece una estupenda idea www.cinemascomics.com

de renovar los clásicos cuentos de hadas para hacerlos mas reales, además de tener a estrellas de la talla de Morrison, o Robert Carlyle entre sus filas, lo cual le da más empaque a la serie. Por el contrario, creo que han descuidado un poco “Grimm”, quizá debido a la gran puesta en escena que es el episodio piloto de “Once upon a time” y que difícilmente podrán copiar en el otro producto. De todas formas, nadie duda de la capacidad de la NBC para sacar adelante sus productos de una forma sobresaliente. “Fringe” (FOX), otra de las series que siguen dando caña en la televisión, vuelve con su cuarta temporada. J.J.Abrams es sin duda uno de los hombres influyentes del momento. Recordemos que es el creador de la estupenda “Perdidos” y creador también de la que hablamos junto con los

guionistas Roberto Orci y Alex Kutzman, responsables de la saga Transformers, un hombre capaz de supervisar series como ésta sin perder un ápice de originalidad, tocando temas como la telequinesia, la teletransportación e incluso los multiuniversos. Es además responsable de dos nuevas propuestas para la pequeña pantalla como son “Alcatraz” (FOX), de próximo estreno, en el que recupera a Jorge García, el inolvidable Hugo de “Perdidos” para contarnos la historia de la cárcel más famosa del mundo y cómo de ella se escapan unos cuantos criminales sin que nadie sepa a donde han ido. Pronto descubren que después de unos años aparecen misteriosamente sin saber cómo. Una propuesta que combina con la producción de “Personas de Interés” (FOX), en la que vuelve a contar con otro amigo de su periplo “Lostiano”, Michael Emerson, Cinemascomics │ Noviembre 2011 │

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Los protagonistas de “Terra Nova”

conocido por todo el mundo por ser Benjamín Linus, y Jim Caviezel, protagonistas de este thriller en el que un ex agente de la CIA (supuestamente fiambre) y un millonario con muchos recursos lucharán contra una organización criminal mientras nos espían. Los alienígenas también tienen su hueco en la parrilla televisiva con el estreno de “Falling Skies” (TNT), producida por el omnipresente (con permiso de Abrams) Steven Spielberg. En ella, una invasión alienígena mata a casi toda la población del planeta y solo unos pocos pueden sobrevivir para iniciar la resistencia. Además, los niños son subyugados para trabajar con los alienígenas. Una de las propuestas más interesantes de este año, sin duda, y que trae de nuevo a la primera línea a un genial actor como

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es Noah Wyle, recordado por la serie “Urgencias”. Una estética cuidada, no sólo a nivel técnico sino humano en el que priman las relaciones entre nuestra especie y cómo nos enfrentamos a la invasión. Me recuerda en muchos puntos a “The Walking Dead” por su tratamiento de personajes y situaciones dejando en un segundo plano el tema fantástico, que lo que hace es complementar la situación. Acabada ya la primera temporada ¡CUIDADO SPOILER! en la que Tom Mason (Wyle) inicia una resistencia que no esperaban los alienígenas, por lo que le instan a que les acompañe a la nave nodriza para estudiarle y conocer más a los humanos. FIN SPOILER. Ya ha renovado por una segunda temporada, actualmente en fase de rodaje, que el año que viene podremos disfrutar por aquí.

Otra propuesta interesante es la largamente retrasada “Terra Nova”, producida nuevamente por Spielberg en donde un grupo de personas, visto el fin de la vida en la tierra por la superpoblación y la escasez de oxigeno, viajan a través de una grieta espacio temporal al Cretácico, una época de dinosaurios y criaturas prehistoricas a las que tendrán que enfrentarse. Una serie que ha sido galardonada con el premio “Most Exciting New Series” en los Critics’ Choice Television Awards, concedidos por críticos y periodistas que han visto los pilotos de series. Sin duda, a Steven se le acumula el trabajo y combina sus dos pasiones como son los alienígenas (aún tengo en el recuerdo la última película de Indiana Jones) y los dinosaurios (no en vano fue el creador de “Parque Jurásico”).

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Imagen de la segunda temporada de “Spartacus”

Cambiamos de tercio con dos series que renuevan por otro año más y que disfrutaremos en breve, o al menos eso esperamos. “Spartacus” (STARZ) renovación del clásico que llega con su segunda temporada tras el parón realizado debido al cáncer que tenía su protagonista, Andy Whitfield, y que no puedo superar acabando con su vida el pasado 11 de septiembre. Un hombre que hizo un gran trabajo, todo sea dicho, y al que el personaje difícilmente va a abandonar durante mucho tiempo. Ahora, el gladiador enfrentado a Roma será interpretado por su compatriota Liam Mcintyre. ¡CUIDADO SPOILER! Recordamos que Espartaco inicia una revuelta en el último episodio matando a Batiato, su dueño, e iniciando la revolución que les llevará a Roma. FIN SPOILER. Y por supuesto, no podemos olvidarnos de “Juego de Tronos” (HBO), estupenda recreación de los libros de George R. R. Martin que tan fantásticamente ha llevado a la pantalla la cadena HBO con un gran reparto encabezado por Sean Bean y Lena Headey, en donde cada episodio www.cinemascomics.com

es un deleite para fans y novatos en este mundo de espadas y tronos. Actualmente desarrollando la segunda temporada, acabó con unos índices de audiencia muy elevados, renovándola casi al momento de estrenarse, y es que los libros son de los más vendidos actualmente aunque son compuestos por varias entregas. La intención es intentar seguir siendo fiel a la fuente literaria sin olvidar la innovación y las sorpresas. Lo que no cabe duda es que, “Winter is coming”, titulo del primer episodio y lema oficial de la casa de los protagonistas, los Stark, se está convirtiendo en un lema en sí mismo que que copian por doquier y repiten millones de personas. A mi parecer, oiremos hablar de esta producción durante bastante tiempo y veremos si Hollywood llega a escuchar estos cantos y produce una película. Tiempo al tiempo. Quiero destacar también tres producciones un poco diferentes de lo que estamos acostumbrados. “The River” (ABC) es terror psicológico con cámara al hombro

siguiendo a un hijo que se adentra en el Amazonas en busca de su padre desaparecido. Firmado por el productor Oren Peli (Paranormal Activity) y dirigiendo el episodio piloto nuestro director catalán Jaume Collet Serra, es una propuesta que tenemos que tener en cuenta y más después de ver el trailer que es absolutamente fantástico. No tengo que deciros que el tío Spielberg esta metido como productor ejecutivo, que no es mucho, pero ayuda seguro. Así que os invito a que lo visionéis. Y “American Horror Story” donde una familia encabezada por Dylan McDermot y Connie Britton, junto con sus hijos, se mudan a Los Ángeles después de una tragedia familiar y descubren que la casa donde viven está encantada, haciendo frente a los secretos y horrores que esconde el hogar donde viven. Que dicho sea de paso, la casa es un personaje más, ya lo veréis. Por último, y no menos importante, “Awake”, serie protagonizada por Jason Issacs (Harry Potter), en la que da vida a un policía que suCinemascomics │ Noviembre 2011 │

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Imagen de “Awake”

fre un accidente de coche con su familia. Al despertar le cuentan que su mujer ha fallecido y su hijo ha sobrevivido pero días después, se levanta una mañana viendo que es su hijo quien ha fallecido y su esposa la que ha sobrevivido. A partir de ahora tendrá que vivir compaginando ambas realidades. David Slade (30 días de oscuridad) es el que dirige el episodio piloto de esta serie que juega con el drama fantástico y que no conviene perder de vista. No puedo olvidarme de las producciones españolas que últimamente parece que invierten más dinero y recursos para sacar adelante historias que sean diferentes o que por lo menos lleguen al público. Es el caso de “El Barco” (ANTENA 3) que actualmente emite su segunda temporada, en la que seguimos al Estrella Polar en su periplo naval de quedarse solos en el mundo sin saber que ha ocurrido al resto de la población

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mientras suceden hechos extraños a su alrededor, que a muchos les recuerdará a “El internado”, además de contar con actores españoles de primera fila como Mario Casas, Blanca Suárez, Belén Rueda o Juanjo Artero. O “Águila Roja” (TVE), ya en su cuarta temporada, en la que el justiciero precursor de héroes sigue en su lucha contra el comisario con la inclusión de temas fantásticos como vampiros o el Santo Grial, y que ha visto su éxito trasladado a la gran pantalla con el estreno de su primera película. Otra serie que cuenta entre sus filas con grandes actores como Inma Cuesta, David Janer o Javier Gutiérrez.

go camino en el que han aparcado definitivamente otras producciones interesantes. Al final, todos estos productos viven gracias a nosotros, el público, que consumimos lo que nos interesa y cuando nos interesa. De ello depende la supervivencia de las series, no de sus actores o su historia (que nos influyen) porque al final, admitámoslo, la última palabra no es “¡Corten!”, sino, renovación. La última palabra es nuestra…

Como todos sabemos, tenemos poco tiempo libre que dedicar a visionar estas grandes series que vienen o que ya se han instalado en nuestros hogares. Toca la peor parte: elegir. Algunas se quedarán con nosotros algún año más y otras se irán quedando por el larwww.cinemascomics.com


Kristen Stewart (Crepúsculo) es Blancanieves en “Snow White and the Huntsman” de Rupert Sanders


Todo evoluciona. Tanto la literatura como la cultura van cambiando con los tiempos, adaptándose a las distintas circunstancias, y de igual forma que con otros asuntos, el cine y la televisión reflejan estos cambios. Una de estas últimas manifestaciones nos está llegando en forma de vueltas de tuerca a los cuentos clásicos que casi todos hemos escuchado de niños, mostrándonos historias bastante más retorcidas de lo que recordamos y que curiosamente no se alejan demasiado de los consejos y objetivos que los autores originales se marcaron en sus obras. Y es que de todos (bueno de casi todos) es conocido que la mayoría de cuentos infantiles (comúnmente llamados cuentos de hadas) tenía como objetivo asustar a los niños en una época donde los peligros acechaban dentro y fuera de las aldeas. La mayoría de estos cuentos se atribuyen a los hermanos alemanes Jacob y Wilhelm Grimm, dos autores que son considerados los fundadores de la filología alemana, y que tras ver el potencial público infantil que tenían sus obras fueron suavizando edición tras

edición sus contenidos hasta llegar a las ideas que actualmente tenemos de sus historias.

ambientación lúgubre y tenebrosa que hacía que ciertos niños lo pasaran incluso mal viéndola.

Hasta hace poco la mayoría de sus historias fueron adaptadas por Disney u otras productoras enfocadas al público infantil, pero en un acto de regresión a los tenebrosos orígenes de dichas historias, el cine y la televisión nos han ofrecido adaptaciones de dichos relatos potenciando la parte terrorífica de ellos.

La serie duró solo una temporada, con un total de nueve episodios (Hemson hizo una segunda basada en historias de la mitología griega), basados en historias típicas del folclore alemán narradas y presentadas por un cuentacuentos (John Hurt) que vivía acompañado exclusivamente de su perro (que tenia la voz de Jim Hemson en la versión original) en un viejo castillo renacentista.

En el dossier que os traigo este mes analizaremos algunas de estas obras ya estrenadas hace algunos años, comentaremos algunas que se encuentran actualmente en emisión y os adelantaremos algunos datos sobre los proyectos que nos llegarán en breve. 1988 - EL CUENTACUENTOS (Jim Hemson) Comenzamos con un clásico televisivo que nos llegó de la mano del amo y maestro de las marionetas Jim Hemson. La serie “El Cuentacuentos” comenzó a emitirse en la segunda mitad de la década de los 80, y aunque estaba destinada a todos los públicos respiraba una

Tengo muy buenos recuerdos de la serie, y sin duda cualquiera que la haya visto recordará historias estupendas como “El Soldado y la Muerte”, un clásico lleno de picardía y humor negro que marcó mi infancia. 1996 - LA VENGANZA DE PINOCHO (Kevin Tenney) Concebida de forma descarada como un clónico de “Muñeco Diabólico”, esta cinta que utiliza el personaje que Carlo Collodi creó en 1881 nos presenta a un personaje tan reconocido por los niños (gracias al trabajo de Disney)


Imagen de Matt Damon y Heath Ledger en “El secreto de los hermanos Grimm”. Terry Gilliam (2005).

como una criatura diabólica que emprenderá una venganza contra aquellos que acabaron con la vida de su amo.

madrastra del cuento, que en esta versión se nos muestra como una psicópata celosa e incluso más peligrosa de lo que conocíamos.

Ciertamente, es una cinta que vale muy poco, y fuera de la curiosidad que representa por convertir en malvado a un personaje como Pinocho, no aportaba mucho a un género que por aquellas fechas ya contaba con tres entregas protagonizadas por Chucky.

La cinta tenia momentos realmente terroríficos, y fue una de las primeras (que yo sepa la primera) interpretación terrorífica para cines de uno de los relatos de los hermanos Grimm.

1997 - SNOW WHITE (La Verdadera historia de Blancanieves) Michael Cohn Tercera y última película de este poco pródigo director en la que nos presentaba una terrorífica versión del clásico Blancanieves protagonizada por Sigourney Weaver (Avatar) y Sam Neil (Parque Jurasico). El film gira en torno a la malvada

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2003 - RED RIDING HOOD (Giacomo Cimini) Mucho antes que Catherine Hardwicke (Crepúsculo) presentara su particular versión de Caperucita Roja, el italiano Giacomo Cimini dirigió esta particular película del genero slasher (asesinos) que adoptaba ciertas características del popular cuento. En esta historia la protagonista es una niña que tras el asesinato de su padre se convierte en una

sangrienta justiciera, asesinando a todos aquellos que hayan infringido la ley. La cinta no está distribuida de forma oficial en España, pero se puede encontrar en ciertos círculos donde este tipo de cine tiene una gran aceptación a pesar de su baja calidad 2005 - EL SECRETO DE LOS HERMANOS GRIMM (Terry Gilliam) Dirigida por el prolífico Terry Gilliam, que lo mismo te dirige una cinta desternillante como “Los caballeros de la mesa cuadrada” o te presenta un clásico de la ciencia ficción como “12 Monos”, es esta una curiosa historia donde los autores de los míticos cuentos alemanes se veían envueltos en una trama donde muchos de los personajes que aparecen en sus historias participan en una oriwww.cinemascomics.com


Amanda Seyfried fue Caperucita Roja en la versión de Catherine Hardwicke. ginal, divertida y a ratos inquietante aventura que estaba protagonizada por Heath Ledger, Matt Damon y Monica Bellucci. En la pelicula, los hermanos Grimm más que ser unos cuentacuentos, viven del cuento, aterrorizando a las pequeñas aldeas con historias y sucesos paranormales que están dispuestos a erradicar por un módico precio. Su negocio parece estar en alza hasta que en un pueblo tomado por las tropas napoleónicas empiezan a ocurrir cosas realmente raras. A lo largo de la cinta podemos ver siniestras versiones del Hombre de Jengibre, Hansel y Gretel, Rapunzel, Caperucita Roja, el Lobo Feroz y la malvada Reina. El film me resultó sumamente divertido, y aunque para disfrutarlo al máximo haya que estar familiarizado con este tipo de historias, es una película 100% recomendable. www.cinemascomics.com

2011 - CAPERUCITA ROJA (Catherine Hardwicke)

lo pero con hombres lobo de por medio.

Damos otro nuevo salto en el tiempo y llegamos hasta el presente año 2011 con otra extraña versión del cuento Caperucita Roja. Dirigida por Catherine Hardwicke, la directora de la primera entrega de la Saga Crepúsculo, este film es un fallido intento por dotar de ambiente sobrenatural a un cuento tan sencillo como el que tenían entre manos.

Nadie esperaba demasiado de ella, por lo que no resultó una gran decepción, aunque seguramente haya quienes disfrutarán de la historia.

En esta cinta, protagonizada por Amanda Seyfried y con actores de tanto renombre como Gary Oldman (Batman Begins), nos encontramos con un pueblo dominado por una serie de ritos que pretenden apaciguar a un espíritu licántropo que vive en el bosque colindante. La historia mezcla romanticismo con fanáticos religiosos y criaturas sobrenaturales en un cocktail que tenía ingredientes suficientes como para funcionar y que quedó en un mero intento de recrear el fenómeno Crepúscu-

2011 - ONCE UPON A TIME (Érase una vez) - (Adam Horowitz y Edward Kitsis) Esta serie de televisión recientemente estrenada está dirigida por dos de los guionistas de Lost (Perdidos) y cuenta con Jennifer Morrison (House) como principal protagonista de esta historia que entremezcla el universo de los hermanos Grimm con nuestra realidad. La serie está siendo emitida por la ABC y ha tenido uno de los arranques más espectaculares de la temporada. Aún no se ha estrenado en España y los aficionados al género fantástico ya se están frotando las manos mientras espeCinemascomics │ Noviembre 2011 │

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será muy innovadora. 2012 - BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR (Snow White and the Huntsman) (Rupert Sanders) Un film del que acabamos de ver un espectacular trailer donde Kristen Stewart (Crepúsculo) y Chris Hemsworth (Thor) adoptarán los papeles de Blancanieves y el Cazador para destituir a la malvada reina (Charlize Theron) de un trono que no le pertenece. Rupert Sanders es el director de esta cinta que supone su debut en el mercado cinematográfico tras dirigir multitud de anuncios televisivos con los que ha conseguido hacerse un buen nombre.

Mirror, Mirror de Tarsem Singh

ran a verla. Junto a la televisiva Jennifer Morrison, hay que destacar el papel de Robert Carlyle (Full Monty, 28 semanas después), quien tiene un papel bastante importante en esta serie que compite con el producto de nuestra siguiente parada. 2011 - GRIMM (David Greenwalt y Jim Kouf) Otra de las novedades más esperadas de la temporada de otoño en televisión, y que en esta ocasión nos muestra bajo la atenta mirada de los productores ejecutivos de Buffy y Angel un conjunto de historia policiacas en un pueblo donde los personajes de los cuentos de los Hermanos Grimm toman vida en forma de ciudadanos que tienen mucho que ocultar. Al igual que la anterior serie, Grimm todavía no ha llegado a España, y lo poco que he podido ver me ha dejado con ganas de más. En los distintos trailers y clips he podido reconocer a trolls, brujas y lobos feroces pero sinceramente no puedo daros muchos más datos aparte del casting, que está encabezado por David Giuntoli (Turn The Beat Around), Rusell Hornsby

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(Lincoln Heights), Silas Weir Mitchell (Prison Break) y Sasha Roiz (Caprica). 2012 - MIRROR, MIRROR (Espejito, Espejito) (Tarsem Singh) La primera de las dos películas de Blancanieves que nos llegarán el próximo año (esta llega en marzo y la segunda en junio) está dirigida por Tarsem Singh, un realizador que este año nos ha presentado “Immortals” y que cuenta en su filmografía con títulos como “La Celda” y “The Fall”. Esta adaptación del cuento de los hermanos Grimm (en IMDB aparecen como parte del equipo de guionistas) comenzara con el asesinato del rey y padre de Blancanieves por parte de la malvada madrastra (Julia Roberts), y nos mostrara en clave de drama y aventuras cómo Blancanieves (Lily Collins) se aliará con los siete valientes enanos para recuperar un reino que ha sido devastado por la diabólica reina.

Al igual que “Mirror, Mirror”, esta cinta se estrenará en 2012 (en junio para ser exactos) y hasta entonces solo podemos decir que tiene un aspecto épico y prometedor. Y por fin, y tras estos diez productos de lo más diverso, podemos dar por terminado este dossier que seguramente se podría ver ampliado en breve con nuevas películas y series similares, entre las que esperemos que más pronto que tarde esté incluida la adaptación del comic “Fabulas” de Bill Willingham, un producto muy original que estoy seguro sería un gran éxito en televisión mostrándonos una visión de los personajes de cuentos y fabulas muy diferentes a todas las que hemos mencionado hasta el momento.

Aún no hemos visto suficiente material como para opinar del film, pero seguramente consiga atraer al público con una estética, que siguiendo la línea del director, www.cinemascomics.com


CASANOVA 1: LUJURIA Contiene Casanova: Arc One 1-4 USA Guión: Matt Fraction Dibujo: Gabriel Bá y Fábio Moon Formato: Libro tapa dura, 160 págs. a color. PVP: 18,00 € Editorial Panini Antes de La Patrulla-X, Iron Man y Thor, el guionista Matt Fraction sorprendió a toda la industria con un prodigioso cómic dibujado por Gabriel Bá y Fábio Moon (Umbrella Academy). Se titulaba Casanova, y ahora se presenta completamente remasterizado y revisado. Descubre a Casanova Quinn, un tipo de moralidad dudosa y sin ningún objetivo en la vida, que un buen día es enviado a través del tiempo y el espacio para infiltrarse en la organización creada por su padre para preservar la ley y el orden. Ha llegado la hora de descubrir el gran cómic que todavía no conocías.

THE ‘NAM 1 Contiene The ‘Nam 1-10 USA Guión: Doug Murray Dibujo:Michael Golden Formato: Libro con tapa dura, 272 págs. a color. PVP: 25 € Editorial Panini

Recopilada por primera vez desde su publicación original, llega esta obra maestra del cómic que gira alrededor de uno de los conflictos bélicos que marcaron el siglo XX. El soldado veterano Doug Murray, junto al maravilloso dibujante Michael Golden, ofrecen la historia definitiva sobre la guerra del Vietnam. Sigue el camino de Ed Marks y sus compañeros a través de una jungla de sangre, mentiras, traición y valor. Es la guerra que definió a una generación y en la que no tienen cabida los superhéroes, pero sí auténticos y muy humanos héroes.

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LÁGRIMAS EN LA LLUVIA Damián Campanario / Alessando Valdrighi (Basado en la novela de Rosa Montero) Formato: cartoné, color, 16,8 x 25,7 cm. 144 páginas. Precio: 14,95€ Editorial Planeta DeAgostini

Aumenta el número de muertes de replicantes que enloquecen de repente. Mientras, una mano anónima transforma el Archivo Central de los Estados Unidos de la Tierra para modificar la Historia de la humanidad. Agresiva, sola e inadaptada, la detective Bruna Husky investiga esta trama de alcance mundial, con la constante sospecha de traición de quienes se declaran sus aliados, y la sola compañía de unos seres marginales capaces de conservar la razón y la ternura en medio del vértigo de la persecución y en un entorno social cada vez más inestable. Una historia de supervivencia, sobre el amor y la necesidad del otro, sobre la moral política y la ética individual, la memoria y la identidad.

LOS MUERTOS VIVIENTES (EDICIÓN INTEGRAL): LIBRO DOS Guión/Dibujo: Paul Dini/Carlos D´Anda Edición original: Batman Arkham City 1-5 USA Formato: Libro cartoné, 168 págs. a color. Precio: 14,95€

Paul Dini, uno de los mejores guionistas de Batman de todos los tiempos, encargado de la serie de animación del Caballero Oscuro en los años 90 y de una etapa junto a Dustin Nguyen en la serie mensual, presenta la historia que une los videojuegos Arkham Asylum y Arkham City. Indispensable para entender toda la trama que lleva al juego más esperado del año.

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SIN PLAN. SIN RETORNO. SIN SALIDA

Cinemascomics: La revista nº 10  

Cinemascomics: La revista, es una publciación de cine gratuita, especializada en adaptaciones de comics a la gran pantalla, cine fantástico,...

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