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Diciembre 2011. Nº 11. Año 1

www.cinemascomics.com

La revista

ENTREVISTAS

Hugh Jackman

ubre c s e D ¡ per ú s o r nuest rso! concu CLÁSICOS DE LOS 90 Inteligencia Artificial

ESPECIALES Alma de metal, corazón guerrero Andrew Niccol Benicio del Toro Robert Downey Jr. Estrenos ESPECIAL NAVIDAD

Cine para pasar unas navidades de miedo

Orient Express The yellow sea


u

cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego Christian Arza (www.moonfilms.es) David Larrad Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Enrique Abenia Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Gustavo Martín Francisco Nieto Sánchez (www.cinedeaqui.es) Javier Calvo José Joaquín González (www.defanafan.com) Manuel Moros María Laura Gutiérrez Pedro Pinos Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) COMICS Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) Moratha (moratha.blogspot.com) PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics. A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

EDITORIAL

Hola a tod@s, quiero comenzar primero pidiendo disculpas por el retraso de este número que por causas de tiempo no nos ha sido posible lanzarla en la fecha habitual, aunque también os he querido compensar ese retraso con un número muy especial que seguro, hará las delicias de más de uno. También quiero aprovechar para desearos unas felices fiestas y un prospero año nuevo.

Este mes le damos la bienvenida a una nueva colaboradora María Laura Gutiérrez que nos trae dos interesantes artículos, el primero dedicado a Robert Downey Jr., protagonista de nuestra portada y que regresa a nuestras pantallas el próximo mes de enero con Sherlock Holmes: Juego de sombras, el segundo artículo está dedicado a nuestros robots favoritos de la historia del cine. Gerard Fossas repasa la filmográfica de Andrew Niccol que ha estrenado este mes In Time con Justin Timberlake y Amanda Seyfried, y Christian Arza hace lo propio con la figura de Guillermo del Toro que hace unos días nos trajo No tengas miedo a la oscuridad. Francisco Nieto nos hablará del estreno oriental destacado de enero The Yellow Sea. Sergio Reina nos recordará un clásico de los noventa, Inteligencia Artificial y José Joaquín González nos trae un especial con películas para pasar unas navidades de miedo. Manuel Moros nos trae la reseña literaria del mes, y por supuesto las críticas de David Larrad y Enrique Abenia, y las tiras cómicas de Diego Burdio y Moratha. Y para terminar, y esperando que los mayas no tuvieran ni puta de idea de prediciones astrológicas, os deseamos que en este 2012 se cumplan todos vuestros deseos (o por lo menos, unos cuantos) y que sigamos disfrutando de nuestras pelis favoritas (sobre todo de la nueva entrega de Batman y Los Vengadores) y soñando, pues sabido es que los sueños son la verdadera realidad y que aunque todos estemos hundidos en el fango algunos, queridos amig@s de cinemascomics, elevamos nuestra vista hacia las estrellas, más allá de Orión e incluso hacia el infinito y más allá...¡Feliz Año nuevo! Carlos Gallego Director de Cinemascomics


Diciembre 2011 Número 11

62 comics 7│La página de Diego Burdio 159│Gordos con Mochila

Entrevista: Hugh Jackman

ALMA D

Actualidad

14

8│Nuevas imágenes de Ghost Rider: Espirítu de Venganza 10│Primeras imágenes de Prometheus 12│Nuevas imágenes de The Amazing Spider-man

criticas 132│Acero Puro 133│ In Time 134│Attack the Block 135│Misión Imposible 136│Immortals 137│Drive

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Cinemascomics

│Diciembre 2011

122 150 CINE PARA PASAR UNAS NAVIDADES DE MIEDO

GUILLERMO DEL TORO VIDA Y SUEÑOS A TRAVÉS DEL CINE

Clásico Intelig

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THE YEL www.cinemascomics.com


contenido estrenos

70

16 │ Sherlock Holmes: Juego de Sombras 5 de enero

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DE METAL, CORAZÓN GUERRERO

LAS REALIDADES FANTÁSTICAS DE ANDREW NICCOL

38 │ In Time 2 de diciembre 54 │ Acero Puro 2 de diciembre 78 │ Vicky el vikingo: El martillo de Thor 2 de diciembre 84 │ Attack the block 7 de diciembre 88 │ Arthur Christmas: Operación regalo 7 de diciembre

46

92│ Alvin y las ardillas 3 16 de diciembre 98 │ Immortals 23 de diciembre 116│ No tengas miedo a la oscuridad 23 de diciembre

os de los 90: gencia Artificial

128 │ XP3D 27 de diciembre

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LLOW SEA www.cinemascomics.com

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ROBERT DOWNEY JR. AUTENTICO

130 │ Drive 28 de diciembre

que leer 158 │ The walking dead: Caminando entre los muertos 160 │ Zona Cómic Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Nuevas imรกgenes


Ghost Rider: Espíritu de Venganza En la secuela de “Ghost Rider”, Johnny - continua luchando con su maldición como cazador de recompensas del diablo escondiéndose en una parte remota de la Europa del este, cuando es reclutado por una secta secreta de la iglesia para salvar a un niño (Fergus Riordan) del diablo (Hinds). En un primer momento, Johnny se muestra reacio a aceptar el poder de Ghost Rider, pero es la única manera de proteger al niño y, posiblemente, de librarse de su maldición para siempre. La película está escrita y dirigida por Mark Neveldine y Brian Taylor, y vuelve a contar con Nicolas Cage para dar vida al personaje, le acompañan en el reparto Ciaran Hinds, Violante Placido, Idris Elba (actor al que últimamente estamos viendo en un montón de adaptaciones como The Losers o THOR) y Johnny Whitworth. Está previsto su estreno para el 12 de febrero de 2012.


Primeras imágenes

Prometheus Precuela de la saga iniciada por Ridley Scott con “Alien el octavo pasajero” 1979, que vuelve a ponerse a la ordenes en esta nueva entrega en la que cuenta con Noomi Rapace, Michael Fassbender, Charlize Theron, Idris Elba, Guy Pearce, Patrick Wilson, Sean Harris, Kate Dickie, Rafe Spall y Logan MarshallGreen como protagonistas. Situada en los más peligrosos rincones del universo. El film lleva a un grupo de científicos y exploradores a un viaje que pondrá a prueba sus límites físicos y mentales en un remoto planeta, donde descubrirán las respuestas a nuestras preguntas más profundas y al mayor misterio de la vida: el por qué de los orígenes de la humanidad en la Tiera.... Ideada inicialmente como una precuela de ‘Alien’, Fox confirmó más adelante que se trataría de una película de ciencia-ficción totalmente original, cuyo estreno en USA está previsto para junio de 2012.


Nuevas imรกgenes

The Amazing Spider-man


Dirigida por Marc Webb, protagonizada por Andrew Garfield (Peter Parker) y Emma Stone (Gwen Stacy), y por primera vez en 3D, se estrenará en los cines el próximo 3 de Julio de 2012. El nuevo capítulo de la franquicia de Spider-Man producido por Columbia, Marvel Studios, Avi Arad y Laura Ziskin, basado en el comic de Marvel creado por Stan Lee y Steve Ditko y con un guión de James Vanderbilt, Alvin Sargent y Steve Kloves, se centra en la historia de un joven corriente que tiene que enfrentarse a los problemas comunes de cualquier adolescente y, además, a lo que representa poseer unos poderes asombrosos. Estreno 3 de julio de 2012.


r de Emma Stone es Gen Stacy el gran amo Peter Parker


cuyos Rhys Ifans es el Dr. Curt Connors les fata ra tend tica experimentos en gene consecuencias

los tios Martin Sheen y Sally Field dan vida a er Park May y ben de Peter,


Estreno


5 DE ENERO

Sherlock Holmes siempre ha sido el más listo de todos… hasta ahora. Y es que hay una nueva mente maestra del crimen que anda suelta, el profesor James Moriarty (Jared Harris), y no sólo está al mismo nivel intelectual que Holmes; además, su capacidad para el mal, combinada con una total falta de conciencia, podrían concederle cierta ventaja sobre el famoso detective. En todo el mundo se están produciendo llamativas noticias: un escándalo acaba con un potentado del algodón de la India, un comerciante de opio chino fallece de una aparente sobredosis, estallan bombas en Estrasburgo y Viena, fallece un magnate del acero estadounidense… Nadie ve ninguna conexión entre estos acontecimientos aparentemente aleatorios, excepto el gran Sher-

lock Holmes, que ha adivinado una red deliberada de muerte y destrucción. Y en su centro, como una araña especialmente siniestra, está Moriarty. La investigación por parte de Holmes del plan de Moriarty se torna más peligrosa cuando le hace abandonar Londres junto a Watson para dirigirse a Francia, Alemania y, finalmente, Suiza. Pero el astuto Moriarty siempre les saca un paso de ventaja, y está peligrosamente a punto de culminar su malvado plan. De tener éxito, no sólo le reportaría una inmensa fortuna y un gran poder, sino que también alteraría el curso de la historia. El director Guy Ritchie vuelve a la dirección en “Sherlock Holmes: Juego de sombras”, la continuación de la exitosa “Sherlock Holmes”. Esta secuela supone

también el reencuentro de los productores Joel Silver, Lionel Wigram, Susan Downey y Dan Lin. Bruce Berman y Steve Clark-Hall han sido sus productores ejecutivos. En su primer papel en lengua inglesa, la actriz sueca Noomi Rapace, que alcanzó la fama internacional por su trabajo en la película sueca “Los hombres que no amaban a las mujeres”, da vida a una misteriosa gitana llamada Sim, que se convierte en una aliada de Holmes y Watson en sus intentos por detener a Moriarty. Jared Harris (de la serie de televisión “Mad Men”, “El curioso caso de Benjamin Button”) se une al reparto como el famoso profesor Moriarty. Stephen Fry (“Alicia en el país de las maravillas”, “Harry Potter y el cáliz de fuego”) da vida a Mycroft Holmes, el extre-


madamente excéntrico hermano mayor de Sherlock. Entre quienes retoman su papel de la primera película encontramos a Rachel McAdams como Irene Adler; a Kelly Reilly como la novia de Watson, Mary Morstan; a Eddie Marsan como el inspector Lestrade; y a Geraldine James como la sufrida casera de Holmes, la señora Hudson. “Sherlock Holmes: Juego de sombras” ha sido escrita por Michele Mulroney y Kieran Mulroney. Sherlock Holmes y el doctor Watson fueron creados por el fallecido Arthur Conan Doyle, y aparecen en sus relatos y novelas. Ritchie colabora una vez más

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con el equipo técnico de la primea entrega, incluido el director de fotografía Philippe Rousselot, la diseñadora de producción Sarah Greenwood, el editor James Herbert, la diseñadora de vestuario Jenny Beavan y el compositor Hans Zimmer. Warner Bros. Pictures, en asociación con Village Roadshow Pictures, presenta “Sherlock Holmes: Juego de sombras”, una película dirigida por Guy Ritchie y producida por Silver Pictures en colaboración con Wigram Productions. La cinta será distribuida por Warner Bros. Pictures, una compañía Warner Bros. Entertainment y por Village Roadshow Pictures en algunos territorios.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN “Caso reabierto…” Estas dos palabras al final de la entrega de “Sherlock Holmes”, de 2009, prometían al público más aventuras en el futuro. Ahora, “Sherlock Holmes: Juego de sombras”, fiel a esa promesa, nos devuelve al mítico detective a la gran pantalla en un misterio repleto de acción que reúne al elenco y al equipo responsables de ese gran éxito mundial. El director Guy Ritchie lo explica así: “Estaba deseoso de volver al mundo de Sherlock Holmes porque la experiencia con la primera película fue muy positiva, tanto www.cinemascomics.com


de Holmes, el doctor Watson, al que da vida Jude Law. El productor Joel Silver afirma: “La dinámica entre Robert y Jude era mágica, como la de Holmes y Watson, y esta película nos dio la oportunidad de subir un nivel más. En la primera cinta, le dimos al público tiempo para conocer las debilidades de los personajes. En ésta, puesto que ya habíamos sentado las bases, pudimos pasar directamente a la acción, y todo ha sido más grande, más divertido y más explosivo en el más amplio sentido de estas palabras”. “Lo primero y más importante”, añade Robert Downey Jr., “es que queríamos mantener el tono visceral que aporta la original visión de Guy, y presentar al mismo tiempo a Holmes con un caso aún más difícil, un caso que pusiera a prueba sus considerables destrezas”. Y el reto procede de la amenaza que supone un temible enemigo cuyo nombre resultará familiar a todo el que tenga unos mínimos conocimientos acerca del universo de Sherlock Holmes: el profesor James Moriarty.

en lo personal como en lo creativo. Había multitud de posibles historias para recuperar al personaje porque plantea muchas facetas interesantes. Sus idiosincrasias prácticamente trascienden cualquier descripción, y por eso quería tener la oportunidad de explorarlo en mayor profundidad, y dar al mismo tiempo al público algo que no hubiera visto antes”. El “Sherlock Holmes” de Ritchie ha redefinido al icónico personaje de Sir Arthur Conan Doyle para una nueva generación, y ha sido Robert Downey Jr. quien ha creado su propia encarnación única del papel, junto con el amigo, socio y en ocasiones complemento www.cinemascomics.com

“Necesitábamos un misterio que subiera el listón a Holmes, así que lo enfrentamos a su enemigo más famoso”, señala la productora Susan Downey. “Al final de la primera película, Sherlock conoce fugazmente a Moriarty de la mano de Irene Adler. En este intervalo de tiempo, se ha obsesionado realmente con lo que tiene en mente Moriarty y apenas ha llegado a vislumbrar el alcance de su plan”. El productor Lionel Wigram comenta: “Moriarty es la máxima mente maestra del crimen a escala mundial. Es un genio – aunque sea del mal – y, puesto que es tan brillante, Holmes puede haber encontrado a un enemigo a su altura”. Ritchie lo enfatiza: “Puesto que

ambos están intelectualmente al mismo nivel en cierto sentido, existe como una especie de juego que los estimula a ambos. De esta forma, se necesitan el uno al otro, y esa idea es fiel a los libros. Holmes necesita a Moriarty tanto como Moriarty necesita a Holmes”. Para escribir el guión, los productores contaron con el matrimonio Kieran y Michele Mulroney, y es que ésta última estaba especialmente familiarizada con el material original. Lo explica así: “Puesto que me críe en Inglaterra, recuerdo haber leído y haber quedado maravillada por la forma extraña y maravillosa en que funcionaba la mente de Holmes. Fue un placer revisitar los relatos originales y seguir maravillándome con la inventiva y lo intrincado de los misterios de Arthur Conan Doyle”. De hecho, los verdaderos amantes de Sherlock Holmes se darán cuenta de que en esta producción se ha rendido tributo al autor al incorporar parte del lenguaje de Conan Doyle en los diálogos. Los guionistas también se mostraron dispuestos a hacer justicia al malo de la historia, además de a sus héroes. “Teníamos claro que independientemente de en qué consistiera el plan que Moriarty tuviera en mente, tenía que parecer insuperable”, confirma Kieran Mulroney. “Las apuestas tenían que estar a la altura de la sed de mal del profesor, que, evidentemente, es enorme. Nuestro objetivo consistía en empujar a Holmes y Watson hasta el límite en la persecución de este hombre… para poner a prueba su relación incluso más que en la película anterior”. “Me encantó que la conexión entre Holmes y Watson, tal y como la habíamos desarrollado, seguía constituyendo en gran medida el alma de la historia”, comenta Jude Law, quien vuelve a dar vida a Watson. Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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El productor Dan Lin, que ya había trabajado con los Mulroney antes, señala: “El guión de Kieran y Michele explora la evolución de la relación entre Holmes y Watson después de la primera película, cuando Sherlock está preparado para su próximo caso y Watson se ha comprometido con Mary y tiene en mente sentar la cabeza y abandonar la vida de detective privado. ¿Qué implica esto para su futuro? ¿Y cómo se las arreglará el mundo sin ellos, especialmente cuando el peor archienemigo de Holmes, el profesor Moriarty, anda suelto?” Aparte de Moriarty, “Sherlock Holmes: Juego de sombras” presenta al público moderno otro personaje de sobra conocido por los lectores de los relatos originales: el hermano mayor y mucho más mundano de Sherlock, Mycroft Holmes, interpretado por Stephen Fry. La Irene Adler de Rachel McAdams también regresa para tentar y atormentar a Sherlock, mientras que una nueva mujer que se incorpora al grupo, una gitana llamada Sim a la que da vida la ac-

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triz sueca Noomi Rapace, podría aportar el vínculo con la última pieza del puzzle, necesaria para completar el siniestro complot de Moriarty. A medida que se va desvelando la verdadera dimensión de la conspiración de Moriarty, también crece el ámbito de acción superando los límites de Londres y trasladándonos a Francia, Alemania y Suiza. Ritchie afirma: “Nuestra narrativa nos permitía desplegar nuestras alas por toda Europa y ampliar la topografía y el paisaje de la historia”. Wigram comenta: “También nos permitió dar un toque diferente al conjunto que encaja a la perfección con lo que ocurría a finales del siglo XIX, en términos políticos, económicos y, especialmente, industriales. Era el principio de la era moderna, donde vemos las semillas del conglomerado militar-industrial, con armas mucho más grandes y potentes y unas municiones mucho más eficientes”.

Con un mundo cambiante como telón de fondo, el peligro acecha por todas partes. Sin embargo, para alguien que sepa moverse, también supone una tremenda oportunidad para conseguir poder y riqueza. Sólo Sherlock Holmes ha sido capaz de deducir que el profesor James Moriarty está tramando algo… y que sólo es cuestión de tiempo que todo se descubra.

“Ésta es nuestra última aventura, Watson. Quiero aprovecharla al máximo.” El personaje que da título a la historia, interpretado por Robert Downey Jr. en “Sherlock Holmes”, desafió todas las normas. Atrás quedaron la emblemática gorra de cazador, la pipa y la elegante flema británica, sustituida por un camorrista callejero y aficionado a las peleas cuya superioridad física está al mismo nivel que su mente privilegiada y sus poderes de percepción fuera de lo común. Ritchie comenta: “Una de las cosas más importantes en la priwww.cinemascomics.com


mera película era alejarnos de la impresión más rancia, por así decirlo, del personaje que creo que todo el mundo esperaba. Respetando la creación original de Conan Doyle, quisimos acceder al aspecto más físico de Holmes, transmitiendo al mismo tiempo su inteligencia y su ingenio, y Robert le aportó todo eso y mucho más a la fórmula. Añadió muchos pequeños matices al papel. Ahora me resulta imposible imaginarme a cualquier otra persona como Sherlock Holmes”. Downey dice, a su vez: “Me encanta trabajar con Guy; se trata de un proceso que supone mucha colaboración y tiene un sentido del humor increíble que se deja sentir. Uno de los elementos de esta cinta consistía en el redescubrimiento total de Sherlock Holmes una vez más. Queríamos mantener el sentido de la diversión pero con aún más seriedad”. “Robert sabe cómo meterse en la mente del personaje para que resulte divertido y excéntrico y, al mismo tiempo, absolutamen-

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te creíble como el detective más famoso de todos los tiempos. Es fantástico verle”, recuerda Silver. En el tiempo que ha transcurrido desde la primera película, Holmes ha estado dedicado a una misión singular, movido por la revelación de que, aunque hubiera vencido al malvado Lord Blackwood, se había olvidado de alguien que representaba una amenaza aún mayor. Amparado en el secretismo, el profesor Moriarty había estado esperando pacientemente a aprovecharse del trabajo de Blackwood. Downey lo explica así: “Meses más tarde, vemos las secuelas de la obsesión de Holmes por Moriarty, hasta el punto de que está claramente ‘perdiendo la chaveta’. Se ha concentrado absolutamente en él, dejando a un lado todo lo demás, incluida, posiblemente, su propia salud mental”, comenta divertido el actor. Ése es el estado en el que el doctor Watson descubre a su viejo amigo cuando regresa a Baker Street en vísperas de su boda con

Mary. Jude Law comenta: “Watson llega deseoso de disfrutar de la despedida de soltero que supuestamente le ha organizado su padrino. En lugar de ello, se da cuenta de que tiene motivos para preocuparse por el comportamiento obsesivo de Holmes hacia el profesor Moriarty. No creo que dude de que Holmes está bien, y en cierta medida en él subsiste ese sentido de la responsabilidad que hace que se sienta obligado a colaborar para que triunfe la justicia. Pero sospecha que esto le llevará al dilema al que siempre se enfrenta: una vida segura con su esposa o la emoción de la persecución. Sin duda ha pasado momentos muy buenos durante sus casos con Holmes y quiere que su amigo se recupere, así que siempre termina del lado de los desvalidos”. Ritchie sugiere: “A todos nos encantaría tener la genialidad de Sherlock Holmes, aunque es mucho más fácil empatizar con Watson. Puesto que es médico, es un intelectual por derecho propio pero, en cierta medida, Watson

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es un hombre del montón que se siente atraído por la vida de acción y Holmes es su vía de escape hacia esa vida. Hacen una pareja perfecta, y ése es el motor que impulsa estas historias”. La química entre Holmes y Watson se repite también fuera de los focos en la relación que mantienen los dos actores que interpretan a estos personajes. Downey afirma: “Siento por Jude lo mismo que Sherlock por John: le quiero como un hermano. No podría pedir un compañero mejor”.

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“Desarrollar la interacción entre Holmes y Watson fue una de las partes más gratificantes de la película anterior y, desde el primer momento, Robert y yo la recuperamos al momento”, recuerda Law. “Esta vez teníamos la ventaja de que ya conocíamos realmente a los personajes, y de que las bases de su relación ya se habían sentado en la primera película, por lo que esta vez pudimos abandonarnos a nuestro instinto y llevar las cosas un poco más al límite”. Michele Mulroney comenta que

la familiaridad de los actores con sus personajes hacía vital su aportación. “Robert y Jude viven y respiran estos dos personajes y comprenden exactamente lo que funciona con ellos. No se daba por bueno ningún diálogo si ellos no lo consideraban pertinente. Fue valiosísimo contar con ambos como los encargados de poner voz a Holmes y Watson”. “Robert y Jude son dos actores con un talento excepcional a los que les encanta lo que hacen, y que son también buenos amigos”, añade Ritchie. “Estos ingredienwww.cinemascomics.com


tes aportaron mucha energía al rodaje y nos hizo el trabajo mucho más fácil a todos”.

“Ese hombre sin rostro al que te enfrentas no es un criminal cualquiera. Es el Napoleón del crimen.” De todas formas, Watson no se ve enfrentado a la decisión de unirse de nuevo o no a Holmes. Moriarty decide por él, ya que los elije a él y a su amada Mary como daños colaterales en su lucha contra el detective. www.cinemascomics.com

Jared Harris interpreta el papel del hombre al que describe como “quizás el primer supervillano de la literatura moderna, lo que da bastante miedo. Tiene que funcionar a un nivel que justifique la buena opinión que Holmes tiene de él en términos de la magnitud de la amenaza que supone. Hay que pensar que es tan inteligente como Holmes – quizás más – como un maestro del ajedrez capaz de estar adelantando en su cabeza varias jugadas con respecto a su rival. Pero lo cierto es que es un enfermo sociópata… lo que hace que sea un personaje muy diver-

tido de interpretar”, comenta. Al elegir al actor que daría vida a uno de los personajes más malvados que se hayan imaginado nunca, el equipo de producción tuvo que tener en cuenta el hecho de que el mundo percibía a Moriarty como un profesor de matemáticas brillante pero benévolo más admirado que temido. Ritchie lo explica así: “Queríamos preservar la idea de que Conan Doyle quería que fuera el villano menos probable que se pudiera imaginar. Es su desmedida ambición lo que lo diferencia del resto. Jared era el Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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hombre adecuado para este trabajo”. Wigram afirma: “Jared interpreta a Moriarty con una maravillosa combinación de encanto y amenaza. Puede que parezca muy comedido y amable, pero también hay un brillo maligno en su mirada, y él transmite las distintas facetas de Moriarty: un respetado profesor de universidad y amigo de los ricos y poderosos y la diabólica mente maestra detrás de una vasta empresa criminal, consciente de cómo la industrialización está cambiando el panorama y que lo aprovecha en su beneficio propio como nadie más podría imaginar. Ésa es su genialidad”. “Sólo Holmes comprende el alcance y la complejidad de los planes de Moriarty”, afirma Ritchie. “Él es quien debe transmitírselo a Watson y, a través de él, al público”. El propio Holmes podría no haber sido consciente de los planes de Moriarty hasta que fuera demasiado tarde de no ser por Irene Adler,

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quien, como vimos en “Sherlock Holmes”, trabaja para el profesor. Le ha revelado su identidad a Sherlock, advirtiendo irónicamente al detective que no lo subestime y colocándose al mismo tiempo directamente entre estos dos poderosos adversarios a punto de chocar entre sí. Susan Downey comenta: “Irene es la única mujer que ha vencido a Holmes, la única que puede con él. Tienen una relación muy inflamable que no pasa desapercibida a Moriarty y que resulta peligrosa para ambos”. De nuevo en su papel de la calculadora “femme fatale”, Rachel McAdams explica: “La relación de Irene con Sherlock puede ser bastante divertida – una especie de juego del gato y el ratón para ver quién admite sus verdaderos sentimientos primero – pero también tiene dramatismo e intriga, puesto que nunca sabes qué se está guardando debajo de la manga. Fue divertido trabajar con Guy y Robert para encontrar el tono correcto en su relación de amor/

odio... como en una coreografía”. Actuando como mensajera de Moriarty, Irene le da inadvertidamente otra pista a Sherlock: una carta dirigida a una misteriosa adivina gitana llamada Sim y que se convierte en lo que Downey denomina “la clave para resolver el caso”. El papel de Sim supone su primer trabajo en lengua inglesa para Noomi Rapace, quien llamó la atención del director en la película sueca de 2009 “Los hombres que no amaban a las mujeres”. Ritchie lo confirma: “Éramos grandes fans suyos, y cuando nos reunimos con ella, ya tenía muchas ideas para el personaje. Me ha encantado trabajar con Noomi porque es valiente e inteligente, y estaba totalmente comprometida, cualidades todas ellas que buscábamos en Sim”. Rapace comenta que el estilo de vida nómada de los gitanos y las actitudes de aquellos tiempos son lo que ha endurecido a Sim. “Siempre está moviéndose de www.cinemascomics.com


un lugar para otro y, vaya donde vaya, no le tratan bien, así que ha tenido que aprender a defenderse. Su pueblo está acostumbrado a sobrevivir en circunstancias extremas y a vivir apartado, normalmente en lugares en los que no son bien recibidos. Sim ha conocido el lado más oscuro de la humanidad y, en ese sentido, tiene algo en común con Holmes”. La actriz también podría compartir algo más con su personaje. “Mi padre era un cantaor de flamenco español y siempre me dijeron que tenía sangre gitana”, confiesa. “No estoy segura de si es verdad o no, pero siempre me ha interesado la cultura gitana e interpretar a Sim me han dado una oportunidad fantástica para explorar esa faceta: la forma en que viven y aman y su fuerte sentido de la familia y la lealtad. Guy me dio mucha libertad para desarrollar el personaje, y se lo agradecí mucho”. “Noomi es increíble… no es sólo una actriz maravillosa, sino tam-

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bién una persona estupenda”, comenta Silver. “En la mayor parte de la película está acompañada de Robert y Jude, y lo único que tuve que hacer es dejarla trabajar libremente a su lado, es realmente increíble”. La críptica carta que lleva a Sherlock Holmes hasta Sim es de su hermano, René. Años antes, Sim y René se habían unido a un grupo de anarquistas denominado el “Lapin Vert”. Cuando el grupo se radicalizó en exceso, Sim y su hermano abandonaron la causa, pero, por motivos desconocidos, René ha dado marcha atrás y se ha convertido en un peón dentro del juego mortal de Moriarty. Sim acepta ayudar a Holmes y Watson para tratar de salvar a su hermano. Holmes ve por primera vez a Sim en un club de caballeros al que ha llevado a Watson y a su hermano mayor, Mycroft Holmes, con el pretexto de celebrar la despedida de soltero de Watson.

Mycroft Holmes, que ocupa un puesto indeterminado pero aparentemente de alto nivel en el gobierno británico, es interpretado por el popular actor y cómico británico Stephen Fry. Nos comenta: “Sherlock Holmes fue uno de mis primeros amores literarios. Fui miembro de la Sherlock Holmes Society de Londres y era, creo, el miembro más joven por aquel entonces. Cuando me llamaron para hablarme de Mycroft, me sentí encantado; no podría haber aceptado más rápido ni con más entusiasmo”. “Lo maravilloso de Sherlock Holmes”, prosigue Fry, “es que posee cualidades particulares que perduran cada vez que una nueva generación lo redescubre. Cuando vi la primera entrega de ‘Sherlock Holmes’ dirigida por Guy con Robert y Jude, pensé que era algo de nuestro tiempo. Tenía una combinación de acción y humor y todo lo que ejemplifica las mejores encarnaciones del personaje. Ha sido un placer trabajar con ellos en esta película. Guy es

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un director increíble: agudo como pocos, constantemente curioso, que sabe lo que quiere y cómo hacer divertido el ambiente en el rodaje”. “Stephen Fry es considerado una leyenda nacional en Inglaterra, y si pasas un tiempo con él, comprendes por qué”, afirma Susan Downey. “No sólo es un actor extraordinario, también es una de las personas más cultas y preparadas que haya conocido nunca. Es una enciclopedia andante. Siempre que teníamos una pregunta, ya fuera sobre historia o sobre Holmes, recurríamos a Stephen porque sabíamos que siempre tendría la respuesta exacta”. Como verdadero aficionado, Fry llegó al papel de Mycroft conociendo a la perfección todas sus idiosincrasias. “Me encanta la idea de que Sherlock Holmes tenga un hermano que es más inteligente que él, pero que es un vago redomado y desconsiderado con los demás. Mycroft es un completo misántropo. Es co-fundador de un club, denominado el Club

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Diógenes, en el que no se permite hablar. Cuando está con Sherlock, inmediatamente tratan de superarse el uno al otro, y Watson se ve atrapado en medio de estos dos supercerebros embarcados en una batalla de ingenio”, recuerda divertido. La nueva novia de Watson, Mary, se muestra sorprendida e incluso horrorizada en cierta medida cuando descubre que existe otro Holmes al quedar con bastantes pocas contemplaciones al cuidado de Mycroft después de que Sherlock le deje sin su luna de miel. De nuevo en su papel de Mary Morstan, ahora la señora Watson, encontramos a Kelly Reilly, de la que Susan Downey dice que tiene “un talento salvaje”. Añade: “Estábamos encantados de volver a contar con Mary en esta película, tanto en escenas de acción como de comedia, porque nos daba la oportunidad de mostrar distintas facetas de Kelly como actriz y de Mary como personaje”. A propósito de su papel, Reilly señala: “Mary sabe que John le

ama, pero también que está dividido entre llevar una vida tranquila con ella o una existencia repleta de aventuras con Sherlock Holmes. Y creo que disfruta esos momentos más de lo que ella misma está dispuesta admitir”. El reparto de “Sherlock Holmes: Juego de sombras” se completa con Paul Anderson como la mano derecha de Moriarty, el coronel Sebastian Moran, famoso por ser el mejor tirador de Europa, y Thierry Neuvic como Claude Ravache, el líder de “Lapin Vert”, quien comete el error de aliarse con Moriarty, con unas trágicas consecuencias.

“Mi querido amigo, si me acompaña hasta el final, no le volveré a pedir que me ayude.” Holmes lleva un tiempo persiguiendo a Moriarty cuando se reencuentra con el doctor Watson. En su última noche de soltero, Watson llega al 221B de Baker Street, cuyo exterior se construyó en los estudios Leavesden. Watwww.cinemascomics.com


son espera la tradicional despedida de soltero, pero sabe que la tradición no es el punto fuerte de su amigo. En lugar de ello, cuando abre la puerta, se encuentra con una verdadera selva urbana, y es que el salón está repleto de árboles y plantas habitados por una “troupe” de animales exóticos. La erupción de esa flora y fauna que ha ocupado el apartamento de Baker Street es creación de la diseñadora de producción Sarah Greenwood y su equipo en las instalaciones de los estudios Elstree. Comenta: “Lo mejor es que podíamos usar cualquier variedad de planta porque Holmes las ha importado de todas partes para probar distintos venenos y fórmulas medicinales. Sin embargo, el conjunto reúne ciertas cualidades estética, aunque Holmes no haga nada por motivos estéticos, y es que todo tiene que servir a un fin”. La espesa vegetación se dispuso sobre los muebles, libros, documentos, experimentos y otros elementos hasta el punto de que “daba la sensación de que no cabía nada más”, comenta

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Greenwood. “Empezamos a preguntarnos cómo íbamos a lograr introducir una cámara para rodar, pero de algún modo lo logramos”. Oculto entre el follaje, resulta imposible distinguir a Holmes, ya que está vestido con su propio traje de de camuflaje de la cabeza a los pies. La diseñadora de vestuario Jenny Beavan afirma: “Sherlock lleva más disfraces en esta película, lo que resulta complicado a la par que divertido. Aparte de eso, básicamente nos mantuvimos fieles a la idea de que el fondo de armario Holmes es bastante ecléctico, una combinación de prendas que no terminan de combinar. Por el contrario, Watson siempre está bien vestido, como corresponde a un antiguo militar. Incluso como civil, su gusto recuerda a su viejo uniforme”. Holmes también se ha apropiado del viejo despacho de Watson, transformándolo en un intrincado sistema de seguimiento “de baja tecnología” – la manifestación física de su obsesión por Moriarty – en el que sigue el desarrollo del plan de éste. Las cintas rojas van de los titulares de los periódicos

a los mapas u otras pistas varias, conformado una compleja tela de araña de conspiraciones y asesinatos... y todos y cada uno de los hilos llevan inevitablemente de vuelta al profesor. Al salir del apartamento, Holmes y Watson viajan con estilo, con Watson al volante de uno de los primeros vehículos sin caballos. Este automóvil, fruto de las investigaciones y el diseño de Greenwood, fue construido por el equipo de efectos especiales comandado por Mark Holt. Poniendo su sello en otro modo de transporte popular de la época, Greenwood diseñó un opulento vagón de tren victoriano en el que unos Watson recién casados tenían previsto comenzar su luna de miel, ajenos a los planes que están a punto de hacerles descarrillar. Greenwood comenta: “Uno de los aspectos que sólo se mencionaba de pasada en la entrega anterior y que queríamos explorar en mayor profundidad en ésta era la floreciente industria, que afectaba a todos los niveles de la sociedad.

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Todo el mundo estaba sufriendo enormes cambios”. A punto de cerrar el siglo XIX, las lámparas de aceite rápidamente cedieron paso a la luz eléctrica y la aparición de algunos tempranos aparatos de iluminación resultó sorprendentemente útil para el director de fotografía Philippe Rousselot. Lo explica así: “Solían usar esas arcadas gigantes para iluminar las ciudades y que en realidad se parecen bastante a las grandes luces que empleamos en el cine actual. Así que no tuvimos que ocultar ninguno de nuestros elementos de iluminación ya que mantenían el rigor histórico, lo que puede resultar muy cómodo cuando estás preparando una toma”. Como hicieron en “Sherlock Holmes”, Rousselot y Guy Ritchie utilizaron una cámara digital de alta velocidad llamada Phantom, que permitía al director modificar la velocidad de la acción de formas diferentes. Ritchie utilizó la Phantom para crear lo que apodaron como la “Holmes-visión”,

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reveladora de los rapidísimos cálculos mentales de Holmes cuando está a punto de producirse algún encontronazo físico. Sin embargo, Ritchie lo aclara: “No me gusta repetirme, por lo que introduje una variación en la ‘Holmes-visión’ en este film. Esta vez las cosas no funcionan necesariamente tal y como prevé Holmes, por lo que tiene que ajustar su forma de pensar”. El director añade que modificaron ligeramente la técnica en la confrontación cumbre entre los dos grandes protagonistas de la película, reflejando la estrategia de Holmes y la contraestrategia de Moriarty. Ritchie comenta; “Nos dio la oportunidad prefecta de transmitir que tanto Holmes como Moriarty funcionan al mismo nivel intelectual. Pero Sherlock Holmes sigue siendo un personaje muy físico”. Eric Oram, que lleva años entrenando a Robert Downey Jr. en la disciplina marcial del Wing Chun Kung Fu, volvió a trabajar con el

actor como ya hizo en “Sherlock Holmes” para lograr el intuitivo estilo de lucha del personaje. El coordinador de especialistas Franklin Henson comenta: “Robert siempre está dispuesto a rodar sus propias escenas y es muy bueno. También fue muy útil contar con Eric, ya que conoce la dinámica a la que está acostumbrado Robert”. Henson coreografió un estilo pugilístico más tradicional para Moriarty dado que había sido campeón de boxeo en Cambridge. Jared Harris también rodó sus propias escenas de lucha que demuestran que el profesor es un rival a la altura del detective, tanto en lo físico como en lo intelectual. Ritchie afirma que: “Moriarty tiene el aspecto de un académico, pero ya sabemos que las apariencias engañan”. Las escenas de lucha no se limitan a los hombres, y eso es algo que gustó especialmente a Noomi Rapace. “Sim es una luchadora callejera”, confirma la actriz. “Puewww.cinemascomics.com


de dar puñetazos y patadas, y es muy buena con los cuchillos, pero cuando se mete en situación, agarra lo primero que tiene a mano. Es una luchadora. Y eso me gusta”, recuerda con una sonrisa. Sim da muestra de su temple en una emocionante escena de acción que se desarrolla en el club de caballeros, donde la motivación real de Holmes tiene poco que ver – o nada en realidad – con la despedida de soltero de Watson. El histórico Wilton’s Music Hall londinense se convirtió en el bullicioso establecimiento, donde Holmes esquiva los ataques de un excepcionalmente acrobático cosaco asesino enviado por Moriarty para acabar con Sim. La persecución posterior y la secuencia de lucha, que se desarrolla a través de los distintos niveles del club, nos permite disfrutar de las habilidades de un experto en parcours y un especialista, ambos vestidos con todos los aditamentos rusos de la época. Al diseñar el vestuario de Sim, Jenny Beavan tuvo en cuenta el aspecto físico del personaje, así como su herencia gitana. Beavan señala: “Sim no toleraría las limitaciones de la moda victoria-

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na. Quería que sus ropas transmitieran cierta idea de libertad. Encontré en Harper’s Bazaar una estupenda imagen de una mujer de en torno a 1890 con una falda corta para esa época y pensé que sería perfecta para ella”. Aunque no es opulento, el armario de Sim está lleno de color, con delicados bordados y capas de distintos tejidos y texturas. Tiene algo masculino que se ve compensado por la feminidad de las joyas con las que se adorna.

“Si supiéramos cómo pararle… evitaríamos el hundimiento de la civilización occidental. No quiero presionar.” El gran plan de Moriarty está llamado a tener repercusiones mundiales, por lo que la misión para detenerle termina llevando a Holmes y Watson más allá de las fronteras de Inglaterra. El alcance internacional de la aventura representó tanto oportunidades como problemas para el equipo creativo, empezando por el hecho de que la película se rodó casi en su totalidad en el Reino Unido. Recrear la Europa del siglo XIX

también hizo necesario recurrir a tecnologías del siglo XXI. El equipo de efectos visuales, liderado por el supervisor Chas Jarrett, se sirvió de las cromas y la fotografía de segunda unidad para eliminar más de un siglo de cambios. Dan Lin lo desarrolla: “La última tecnología de efectos visuales nos permitió rodar sobre todo en Londres y sus alrededores, incorporando como fondo otros lugares de Europa”. El distrito de Greenwich sirvió para escenas que transcurren tanto en Inglaterra como en Francia, incluidas las escenas de apertura en las calles de Londres, donde un Sherlock Holmes disfrazado está siguiendo a Irene Adler. Greenwich se aprovechó luego también para rodar las escenas de los exteriores de la Ópera de París. El Richmond Park londinense se empleó para rodar el campamento gitano de Sim, al que Holmes y Watson la siguen antes de que ésta se una a ellos para buscar a su hermano René, empezando por París. El café a los pies de la torre Eiffel – una maravilla arquitectónica recién construida – se recreó en Hampton Court, justo a las afueras de la ciudad.

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A medida que va creciendo el espectro de la destrucción sembrada por Moriarty, Holmes, Watson y Sim deben dirigirse desde Francia hasta Alemania a caballo, demostrando una de las pocas debilidades de Holmes. La secuencia se rodó en las hermosas montañas de Gales. El histórico astillero de Chatham, en Inglaterra, se convirtió en la fábrica de municiones alemana Meinhard, donde vemos los antepasados del armamento moderno a escala masiva y donde Holmes conoce de primera mano la crueldad de su enemigo. La acción lleva inexorablemente a Holmes y Moriarty a un fatídico encuentro en una espectacular villa sobre las cataratas de Reichenbach en los Alpes suizos. Diseñada por Greenwood, las increíbles vistas son una creación del equipo de efectos visuales de Jarrett. Downey reflexiona: “Creo que son tal y como hubiera querido Conan Doyle, y eso me hace sentir especialmente orgulloso.

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Tienen una naturaleza dramática que resulta majestuosa y aterradora al mismo tiempo, un precipicio ideal en el que reunir a los dos enemigos para resolver sus diferencias de una vez por todas”. El sabor internacional de la historia se refleja también en la música de Hans Zimmer, autor de la banda sonora de la primera entrega de “Sherlock Holmes”. Zimmer confiesa: “Por supuesto, incluimos el tema de ‘Sherlock Holmes’, pero ésta es una película más grande y más épica, por lo que hemos querido transmitir esa idea con la música también”.

que yo no sé hablar romaní y ellos no hablaban ni inglés ni alemán, pero, cuando se sentaron a tocar, no importaba el idioma que hablábamos cada uno”.

El compositor escribió una nueva suite para Moriarty y quiso también incorporar música que representara el espíritu de la cultura gitana de Sim. Zimmer se desplazó a asentamientos gitanos en Eslovaquia, donde afirma que descubrió “una musicalidad increíble. Conocimos a un par de grupos y los subimos a un autobús hasta Viena, donde empezaron a grabar en unos pequeños estudios musicales. Lo más interesante es

Joel Silver concluye: “El trabajo en esta película ha sido muy divertido y un viaje estupendo, y creo que eso es algo que va a notar el público. Espero que todo el mundo salga del cine pensando ‘¿Y ahora qué?’”

Ritchie afirma: “Me encanta trabajar con Hans. Es un estupendo colaborador, y creo que eso mismo puede decirse de todos y cada uno de los miembros de este equipo. Mucho más que las mías, los productores y el reparto, esta película refleja las contribuciones creativas de mucha gente con talento, y me siento muy afortunado por ello”.

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ROBERT DOWNEY JR. AUTENTICO

Por María Laura Gutiérrez La estrella más gamberra, el superhéroe más desvergonzado y uno de los actores más camaleónicos y sorprendentes del actual panorama cinematográfico estrena Sherlock Holmes: Juego de sombras. Pero antes de ser el mejor Holmes posible ha sido un actor blanco que se opera para hacer de actor negro (Tropic Thunder), un excepcional Chaplin, o un abogado con dotes para el canto (Ally McBeal), por lo que es elemental, querido lector, que seguirle la pista siempre es una buena idea.


GOLPE AL SUEÑO AMERICANO Robert Downey Jr. ha sido y será el actor más gamberro y políticamente incorrecto de todos los tiempos. Aunque si por algo destaca Downey Jr. no es por su fama de desvergonzado, vividor y bromista, sino por su brillante y destacado talento para dar vida a cualquier ser que se proponga, sin que todo ello le suponga esfuerzo alguno. Es más, casi podría decirse que el actor lleva a escena a los personajes más complejos con escandalosa facilidad. La interpretación no parece esconder misterio alguno para la rebelde estrella que, lejos de permanecer en los límites marcados por Hollywood, se empeña en romper tantas reglas hollywoodienses como se le crucen por el camino. Downey Jr. debutó en 1970 en Pound, filme dirigido y escrito por su padre, Robert Downey Sr., a la precoz edad de cinco añitos. Tal vez por eso el camaleónico artista se mueva con sobrada destreza y gracia ante las

cámaras y, tal vez por saberse conocedor de su indiscutible talento, encara cualquier proyecto, por raro o peculiar que éste resulte, con absoluto poderío. Resulta por tanto elemental que cuando se ha participado en más de 60 películas y se llevan más de cuarenta años en la industria del espectáculo, no hay más límite que el que el propio Downey Jr. se quiera poner, y revisando su filmografía es fácil comprobar que éste no es muy propenso a esto último. RETRATO DE UNA OBSESIÓN Elijan la película que quieran de Downey Jr. y fíjense bien en su rostro: descubrirán en sus ojos la pista indiscutible de que se lo está pasando en grande. Su mirada, eternamente nostálgica, aporta el elemento distintivo a cada uno de los roles a los que da vida. En sus ojos se encuentra la clave para desenmascarar los sentimientos del personaje que lleva a escena, y en sus gestos se evidencia que el actor deja de

ser él mismo para perderse en la compleja personalidad de sus papeles. Sin embargo, hay algo que el actor no puede ocultar en la gran pantalla: su pasión por la interpretación. Nadie disfruta tanto como Downey Jr. delante de una cámara. El artista se deja llevar hasta sobrepasar todo límite interpretativo, todo ello con la insolente despreocupación propia de una descocada estrella. Repasar su filmografía es toda una declaración de intenciones de amor por el cine, porque si bien sus obras acaban teniendo algunos puntos en común (el protagonista destaca por poseer una enrevesada personalidad o ser el vivo retrato del antihéroe por antonomasia), siempre resultan ser una excelente narración de hechos, a veces demasiado absurdos (Cariño, estoy hecho un perro, Brian Robbins. 2006), siempre íntimos (El solista. Joe Wright. 2009), algo desconcertantes (Two girls and a guy, James Toback. 1996) e indiscutiblemente extraordinarios (Tropic Thunder: Una guerra

En la imagen Robert Downey Jr. junto a Jamie Foxx en “El solista”. Joe Wright. 2009.

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muy perra, Ben Stiller. 2008). Es por tanto, irrepetible, la palabra que mejor define la colección de filmes que el actor nos ha regalado en las últimas cuatro décadas. No en vano, es el principio de un legado que lleva realizando desde que éste era un tierno infante. ESCÁNDALO EN EL PLATÓ La década de los ochenta parecía desaprovechar todas las posibilidades que suponen contar con Downey Jr. como protagonista, y éste parecía relegado a eternos papeles secundarios (Up the academy, A toda marcha, Baby it´s you) que no obstante mostraban la singularidad del astro, una característica tremendamente explotada en la mejor escuela de humor del mundo: “Saturday Night Live”. El legendario e incombustible espacio televisivo lanzó a Downey Jr. a un estrellato condenado a sufrir varios altibajos durante los siguientes años. Si en 1990 Air America le dio la oportunidad de compartir avión y aventuras junto a la estrella del momento, Mel Gibson, Escándalo en el plató (Michael Hoffman.1991), demostraba lo que ya sabemos: que nadie escenifica el humor con tanta profundidad como él. No en vano, al año siguiente, en 1992, el genial artista ponía rostro y voz a Chaplin dirigida por Richard Attenborough, en el filme de homónimo nombre, y lo hacía aportando sentimientos a un genio del humor del que poco o nada se sabe, y cuya oscura y nostálgica personalidad era encarnada con destacada naturalidad por Downey Jr. La crítica se perdía en elogios para el actor y él, simplemente, se perdía en su intento de vivir a su manera, que entre otros placeres incluía el derecho a elegir los filmes más diversos entre sí. Y consecuencia de esto último es que hayamos podido disfrutar de la violenta, transgresora y polémica Asesinos natos (historia que www.cinemascomics.com

Robert Downey Jr. junto a Mel Gibson en Air America

si bien fue destrozada por Oliver Stone,provocando la ira del genio hiperactivo Quentin Tarantino, rompió todas las reglas establecidas hasta el momento), la inolvidable, dulce y romántica Sólo tú (Norman Jewison. 1994), y, por supuesto, la divertida A casa por vacaciones (Jodie Foster. 1995), donde la singular vis cómica del artista vuelve a destacar. La lista de películas posteriores pueden tildarse de “curiosas obras de poco éxito entre el pú-

blico”, entre las que destacan Two girls and a guy, por la constante incertidumbre que Downey Jr. logra causar en el espectador, así como Hugo Pool, dirigida por Downey Sr. y que rescata a estrellas de los ochenta como Sean Penn, Alyssa Milano, Patrick Dempsey y el propio hijo del director, o In dreams (Neil Jordan. 1999), un muy inquietante thriller donde la angustia se apodera de cada fotograma. Llegó el nuevo milenio y con ello, Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Imagen de Tropic Thunder: Una guerra muy perra. Ben Stiller, 2008.

Jóvenes prodigiosos (Curtis Hanson. 2000), obra que narra con cierta locura una adictiva historia de principio a fin en la que, además, Downey Jr. se muestra fresco, alocado, trascendental y, en definitiva, tremendamente poético en su rol de Terry Crabtree, un personaje que marcaba un nuevo comienzo en la década más destacada del actor, una etapa que despunta por la (aún más) destacada variedad de personajes y estilos ofrecidos por el actor. CON CORBATA Y SIN ZAPATOS No se puede negar que hubo un tiempo en el que Robert Downey Jr. podía definirse como el actor más impertinente, provocador e incorregible de todos los tiempos. Sin embargo, tras su genial participación en la (muy noventera) serie Ally McBeal en el año 2000 (discos recopilatorios y duetos con Vonda Shepard incluidos), la

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madurez parecía haber llegado a Downey Jr., quien tras varios intentos de reconducir su carrera por senderos más tranquilos y, sobre todo, mucho más rentables, era recibido por la puerta grande por todos aquellos que tan fácilmente le habían censurado tiempo atrás. En el año 2000, ocho años después de su candidatura al Globo de Oro por su magnífica interpretación del maestro del humor, Chaplin, el astro se hacía con el dorado globo por su reflexivo personaje en la mencionada Ally McBeal, rol que además suponía un añadido de calidad e interés a una serie que parecía encontrarse en una época de declive sin novedad alguna que ofrecer, salvo, claro está, el gustazo de disfrutar del talento de Downey Jr. en escena y, en más de una ocasión, ante el micrófono.

El detective cantante (Keith Gordon. 2003) o la desenfadada y arrebatadora Kiss Kiss Bang Bang (Shane Black. 2005) no hacían sino abrir paso a la gran película de Downey Jr., aquella por la que el mundo le conoce a día de hoy, la espectacular y deshinibida Iron Man (Jon Favreau. 2008). El héroe más juerguista no le debe sus poderes a su corazón a pilas, sino al carisma desvergonzado de Tony Stark, o lo que bien podría ser lo mismo, Robert Downey Jr., ya que héroe y actor parecen inspirados el uno en el otro: mientras que uno revivió gracias a un inagotable deseo por vivir, el otro revivió una carrera gracias a su inquebrantable deseo de seguir haciendo aquello que más le divierte: actuar. Y, sobra decirlo, ambos comparten ingenio, ironía, sentido del humor y ganas de pasárselo en grande. Este divertimento lo amortiza www.cinemascomics.com


con creces, ya que es indudable que disfrutó como nunca con todos y cada uno de los segundos de rodaje de la surrealista Tropic Thunder: Una guerra muy perra, lo cual le valió una merecida nominación al Oscar por su papel de un actor blanco que oscurece su piel para protagonizar una película como un actor de color (si no lo han entendido a la primera,es lógico: la trama fue ideada por el excéntrico director Ben Stiller). Aunque si de historias hilarantes hablamos, es imposible no mencionar Salidos de cuentas, la última película estrenada del actor, y que seguramente debiera avisar a los espectadores de los posibles riesgos de desplazamiento de mandíbula que puede provocar la

constante risa que produce visionarla. EL SOLISTA Actualmente el divo de la interpretación ya tiene pendiente de estreno la esperada por todos Los vengadores y Iron Man 3. Mientras tanto, Hollywood se rinde ante él, y él se deja querer… a su manera, ya que nadie puede culpar al artista de no participar en las más independientes, políticamente incorrectas y originales películas. De hecho, casi podría afirmarse que si Downey Jr. accede a salir en superproducciones como Iron Man es únicamente por el mero placer de meterse en la piel de un superhéroe con afición a la bebida, las mujeres y a los más

extraños cachivaches electrónicos, porque por mucho que Downey Jr. haya moderado sus excesos, llegue puntual y con el guión aprendido a los rodajes, e incluso haga un notable esfuerzo por demostrar cierta simpatía ante los medios en tiempos de promoción, siempre será el rebelde que ha demostrado ser, el divo que cruza la alfombra roja de los Oscar en zapatillas, la persona que disfruta siendo tal y como es, y no tal y como se espera que sea. Puede intentarlo hasta la saciedad, pero Downey Jr. no puede ocultar su verdadera naturaleza: irreverente y tan políticamente incorrecta como éste quiera, porque Robert Downey Jr. es, elementalmente, auténtico.

Imagen de Los Vengadores. Robert Downey Jr. (Iron Man) junto a Chris Evans (Capitán América)

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Estreno

In Time 2 de diciembre

En un futuro, en el que el tiempo es considerado, literalmente, dinero y es posible detener el proceso de envejecimiento a los 25 años, la única manera de seguir vivo es ganar, robar o heredar más tiempo. Will Salas vive su vida minuto a minuto, hasta que una inesperada ganancia de tiempo le permite acceder al mundo de los ricos, donde se une a una hermosa joven heredera para intentar destruir tan corrupto sistema. IN TIME está escrita y dirigida por

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Andrew Niccol, autor del guion de ‘El show de Truman’. La película está producida por Eric Newman (‘Hijos de los hombres’), Niccol y Marc Abraham (‘Hijos de los hombres’) así como el propio Niccol. Andrew Z. Davis (‘El dragón rojo’), Kristel Laiblin (‘Hijos de los hombres’) y Amy Israel (‘¿Bailamos?’) son productores ejecutivos. Tras las cámaras está el equipo formado por el director de fotografía nominado al Oscar en nueve ocasiones Roger Deakins (‘Valor de ley’, ‘El lector’), el di-

señador de producción nominado al BAFTA Alex McDowell (‘Los vigilantes’, ‘Charlie y la fábrica de chocolate’) y la diseñadora de vestuario ganadora de tres Oscar Colleen Atwood (‘Alicia en el País de las Maravillas’, ‘Memorias de una geisha’, ‘Chicago’).

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Aquél que muere pleno de juventud y vigor, tiene la muerte más bella. Alexander Pope (La Ilíada, de Homero)

El tiempo es dinero. Benjamin Franklin Hojeamos una revista o un periódico. Encendemos la televisión. Navegamos por Internet… o vawww.cinemascomics.com

mos a ver una película. Está ahí, explícita o sutilmente, impregnando todos los medios de comunicación: somos una civilización obsesionada con la juventud. La industria de salud y belleza invierte anualmente millones y millones de dólares y de horas intentando encontrar la forma de detener el proceso de envejecimiento del cuerpo humano, generando consumidores dispuestos a pagar cantidades tan grandes de dinero que, juntándolo todo, podrían saldar la deuda de un

pequeño país, todo a cambio de disponer de su propia fuente de la juventud. La ciencia está cada vez más cerca de encontrar una solución para combatir este complejo proceso pero, entretanto, un hombre puede haber encontrado una manera de mantener siempre jóvenes a los seres humanos… sobre el papel, al menos: el realizador de futuros realistas Andrew Niccol. La habilidad de Niccol para combinar grandes escenas de acción con grandes conceptos de manera Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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sorprendente, a través de mundos fantásticos pero absolutamente reconocibles, se pone totalmente de manifiesto en IN TIME. “IN TIME es un thriller de acción”, señala Niccol. “Creo que la gente puede disfrutar con la película a ese nivel. Los espectadores irán a verla por los efectos especiales, la acción, las persecuciones de coches y para ver a Amanda Seyfried empuñando una pistola, ¡lo cual hace estupendamente! Pero yo creo que el público apreciará también algunos de los temas e ideas que exploramos en el filme, porque IN TIME trata en cierto modo sobre nuestro íntimo deseo de mantenernos siempre jóvenes. Aunque no podemos eliminar el gen del envejecimiento, como efectivamente se hace en la película, realmente llegamos a lími-

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tes extremos para seguir siendo jóvenes”. Niccol, natural de Nueva Zelanda, perfiló sus dotes como realizador dirigiendo publicidad en Londres, antes de trasladarse a Hollywood a raíz de su éxito como guionista y director de ‘Gattaca’. Al año siguiente, Niccol escribió el guion de ‘El show de Truman’, por el que fue nominado al Oscar al mejor guion original. La habilidad de Niccol para combinar ideas atrevidas e innovadoras con otras fácilmente reconocibles, atrajo al productor Eric Newman. “Igual que anteriores trabajos de Niccol, su guión de IN TIME realmente me transportó hasta el mundo que él mismo había creado”, recuerda Newman.

“Era una parábola, una obra con conciencia social y, sin embargo, como todo su trabajo, era increíblemente entretenida, vertiginosa y brillante”. El productor ejecutivo Andrew Z. Davis ansiaba trabajar en una película que fuera, a la vez, una gran aventura y una crítica social: “IN TIME refleja algo perfectamente reconocible. Todo el mundo puede relacionarla con una historia sobre ricos y pobres, que es esencialmente de lo que trata la película. Pero, al mismo tiempo, tiene acción, romance y un mensaje político. Y, como todo el mundo sabe, un buen thriller debe tener el ritmo de un reloj, independientemente de si estás esperando a que una bomba explote o a que un rehén sea rescatado. En www.cinemascomics.com


esta película, en realidad sí que hay un reloj; el tiempo es el gran elemento de discriminación”. La productora ejecutiva Kristel Laiblin se sintió atraída por la complejidad del guion de Niccol y la belleza de su narración: “La forma de contar historias de Andrew es sobria y evocadora. El mundo donde vive nuestro héroe se mueve frenéticamente; nadie pierde el tiempo. En el lado opuesto está el mundo de los ricos, donde a nadie se le agota el tiempo. Ahí pueden pasarlo de la manera que quieran: jugando a un juego pausado, como las cartas, algo que nadie podría hacer en otro lugar. Son mundos totalmente distintos, y Andrew creó ambos de una forma extraordinariamente realista en unas pocas www.cinemascomics.com

páginas”. Amy Israel, productora ejecutiva de IN TIME, estaba en New Regency Productions cuando Niccol trajo el proyecto, y recuerda con claridad, como el resto de sus colegas, la primera vez que lo leyó: “El guion de Andrew era original, se basaba en una idea genial y en esencia era una emotiva e impactante historia. Era realmente especial, y todos fuimos conscientes de eso desde el principio. La historia tenía lugar en un mundo no muy distinto al nuestro, en una especie de realidad alternativa. En ella, el tiempo se considera moneda de cambio, y todo el mundo nace con un reloj biológico incrustado en su muñeca. A los 25 años de edad, cuando se considera que el lóbulo frontal del ce-

rebro y el cuerpo han alcanzado ya su plena madurez, ese reloj comienza a hacer tic-tac; y sólo te queda un año de vida. O has nacido con tiempo, y entonces no tienes ninguna preocupación, o debe empezar a buscarte la vida, literalmente”. Will Salas es el héroe de la historia. Vive en la región, o zona horaria, más pobre, llamada Dayton. Casi nunca tiene más de 24 horas en su reloj biológico, por lo que tiene que trabajar cada día en una fábrica para poder pagarse otro día más de vida. A su madre, Rachel, le ocurre lo mismo, al igual que a todos los que viven en el miserable territorio de Dayton. No obstante, en vez de ser un sitio desolador, la vida en Dayton está llena de color, sonidos, veloCinemascomics │Diciembre 2011 │

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cidad, música, prisa… y crímenes. La banda de los Hombres Minuto está siempre al acecho buscando el modo de robar tiempo, y acabar con una vida a cambio de unas pocas horas no significa nada para ellos. (El robo de tiempo es simplemente una cuestión de fuerza; el agresor vence cuando coloca su reloj biológico sobre el reloj de la víctima, y le fuerza a ello mediante una llave que le bloquea el brazo). Cuando Will protege a Henry, un rico que se ha infiltrado en la zona, de un grupo de Hombres Minuto que tratan de quitarle su tiempo, Henry le regala a Will en señal de agradecimiento un siglo de vida. Pero como el tiempo es

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riqueza y como tal se rastrea celosamente, el movimiento de una cantidad tan grande dentro de los confines de Dayton llama la atención de las autoridades: los Guardianes del Tiempo. Además, Will es falsamente acusado de asesinato, lo cual desencadena que un veterano Guardián del Tiempo llamado León comience a perseguirle incansablemente. Sin un plan en mente (aparte de evitar ser capturado por los Guardianes del Tiempo), Will decide irse a vivir a la zona más rica, New Greenwich. En un marcado contraste con Dayton, aquí nada se mueve con celeridad; el tiempo es un lujo que todos los residentes se pueden permitir, ya que

la mayoría tiene cientos o, incluso, miles de años de vida. Pero esa inmortalidad relativa tiene un precio, y todos viven temiendo que les roben y les hieran; “los pobres mueren y los ricos no viven”, observa Will. Enseguida empieza a hacerse evidente para Will, que para que unos pocos vivan, muchos deben morir, con el fin de conseguir un equilibrio entre ricos y pobres. ¿Podrá Will aprovechar el tiempo que tiene para hacer algo positivo? No obstante, en New Greenwich hay algo que atrae a Will: Sylvia Weis, la hija del supermillonario Philippe Weis. Cuando los Guardianes del Tiempo tratan de apresarle, Will coge a Sylvia como rewww.cinemascomics.com


marca una cuenta atrás. Y su madre le da 30 minutos para almorzar. Inmediatamente comprendes que Will tiene 22 horas de vida [a menos que pueda obtener más tiempo]. Y que ella es su madre, aunque ambos parezcan tener la misma edad, y simplemente le ha procurado tiempo para que tenga un almuerzo decente. Todo eso refleja una economía narrativa realmente brillante, lo cual resulta muy difícil de conseguir en un guion”.

hén, y lo que empieza como una huida de la ley se convierte en una arriesgada y peligrosa apuesta por cambiar las reglas de ese nuevo mundo, no tan feliz, con dos amantes a la fuga como principales protagonistas. El productor Eric Newman alude a la velocidad con la que Niccol nos presenta este mundo en su guion. “El mayor reto en una película como ésta es cómo le vendemos este universo al público”, explica Newman. “Andrew lo hizo en las primeras tres páginas del guion. Will Salas se despierta, entra en una habitación donde hay una hermosa mujer de 25 años, y él le dice: ‘Hola, mami’. Y Will tiene un dispositivo en la muñeca que www.cinemascomics.com

EL CASTING Buscar actores para una película donde todos tienen 25 años, o se mantienen con esa edad, puede parecer una tarea sencilla, pero éste no era el caso. Aunque es cierto que, por fuera, los personajes aparentan 25 años, por dentro son mucho más viejos…, algunos han cumplido 30, 50, 60 e incluso 100 años. Y eso tenía que transmitirse a través de la interpretación, sin ayuda de maquillaje, efectos especiales o tecnología. “Todos los actores tenían que aparentar 25 años, más o menos, porque en la historia es a esa edad cuando se extingue el gen del envejecimiento”, detalla Niccol. La edad no fue elegida de forma arbitraria. “Es la edad en que finaliza nuestro proceso de maduración, cuando el lóbulo frontal del cerebro ya se ha desarrollado completamente”, prosigue el realizador. “Esa es la parte del cerebro que controla nuestros impulsos y nuestra conducta temeraria. Las compañías de alquiler de coches lo saben; no alquilan un coche a menores de 25 años. En la película hay personajes cuya edad cronológica es de 100 años, por lo tanto, había que buscar ‘espíritus viejos’. Sólo hay unos pocos actores jóvenes que tengan la capacidad de interpretar a una persona anciana con un cuerpo de 25 años”. Un actor que no dejó pasar la

oportunidad de interpretar a un “espíritu viejo” fue Justin Timberlake. Su fulgurante ascenso al estrellato fue lo que contribuyó a convencer a los realizadores de su idoneidad para el personaje de Will. “Me gusta su ética de trabajo, que es uno de los principales rasgos que Justin comparte con su personaje, Will Salas”, dice Niccol. “En realidad, fue muy acertado que Justin interpretara a Will. Will tiene que despertarse cada día e ir a trabajar… o morir, y yo no creo que el propio Justin se haya tomado un día de vacaciones desde que tenía 12 años. No hay razón por la que Justin no pueda ser un popular héroe de acción [como Will] puesto que parece que todo lo que toca le sale bien”. Eric Newman añade: “Justin ha sido adulto desde que tenía 17 años, cuando se convirtió en una superestrella. No ha tenido una infancia convencional, y eso lo lleva siempre consigo. El personaje de Will es alguien que probablemente tampoco tuvo infancia porque, en ese mundo, naces con un reloj en tu muñeca, pasando 24 años de tu vida esperando a que ese reloj se ponga en marcha. Y cuando lo hace, tienes menos de un año para intentar asimilarlo; te enfrentas constantemente a tu propia mortalidad. Pienso que Justin ha trabajado incansablemente y más duro que nadie, y eso también lo transmite en su interpretación. Creo que Justin y Will tienen una ética similar, trabajar o morir, y en ese sentido ambos están muy conectados”. Timberlake, fan de las películas de acción desde hace mucho tiempo, aceptó de buen grado la oportunidad de interpretar a un personaje cuyos actos heroicos se enmarcan dentro de la realidad y en un contexto extraordinariamente rico. “Cuando era niño, algunas de mis películas favoritas eran las de acción, como ‘Acorralado’, ‘El fugitivo’ y ‘La jungla Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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de cristal’”, dice Timberlake. “Lo que me encantaba de estas películas concretamente era que los protagonistas eran gente normal que, al enfrentarse a circunstancias extraordinarias, hacía cosas extraordinarias”. Las heroicidades de Will se producen como resultado de un factor perfectamente verosímil. “Will se ha criado prácticamente sin nada”, señala Timberlake. “Cada día se despierta y va a trabajar para seguir con vida. A partir de una serie de sucesos, Will decide que ya no aguanta más y asume la tarea de intentar cambiar la manera en que las cosas funcionan en ese mundo”. “Will ha crecido en Dayton, que es como una especie de gueto. Parece casi una ironía el hecho de que el nombre de la ciudad incluya la palabra inglesa ‘day’, puesto que la mayoría de la gente que anda por allí sólo tiene un día de vida. En consecuencia, la vida cotidiana en Dayton es muy acelerada. La gente no tiene tiempo de pasear, por lo tanto, la mayor parte del tiempo va corriendo a donde tenga que ir, y normalmente come y bebe sobre la marcha. No disponen de tiempo libre ni tienen tiempo que perder. Todo es frenético y vital, de una manera algo arriesgada pero también hermosa. Cuando te hallas contra la pared y no tienes elección, modificas tus parámetros y vives la vida como más te conviene para poder sobrevivir”. Timberlake le dedica especiales elogios a Amanda Seyfried, que interpreta a Sylvia, su involuntaria (al principio) cómplice. “Hay gente que ve el mundo de la misma forma que Will. Al final del día, pienso que lo único que Will quiere es justicia. Yo creo que, a través de Sylvia, Will descubre que puede aspirar y luchar por algo de mayor envergadura. La película se convierte en una especie de historia de Robin Hood a partir de www.cinemascomics.com

ese momento, una vez que ambos forman pareja; y, como cualquier par de jóvenes que se enfrenta a situaciones de alto riesgo, se enamoran. Y trabajar mano a mano con Amanda ha sido genial. Creo que hemos conseguido transmitir eso tan especial que surge entre estos dos personajes”. Aunque es Sylvia quien inspira a Will a emprender la lucha, al principio ella no era así en absoluto. Ese nuevo lado más oscuro de Sylvia era algo que Seyfried podía poner de relieve. El productor Andrew Z. Davis señala: “Lo que me gusta de Amanda es que tiene dulzura pero, al mismo tiempo, un lado peligroso. No creo que el público haya visto suficientemente esa faceta de ella en el cine”. “Sylvia está prisionera en una jaula de oro”, secunda Amy Israel, “atrapada por su situación personal; algo que ella se cuestiona porque no está segura de que todo sea exactamente como debería ser. Pero se mantiene dentro del sistema por su padre y por sus circunstancias, siempre anhelando algo más, deseando correr riesgos. Pero nadie asume riegos en New Greenwich”. “A Sylvia le horroriza su vida cotidiana”, confiesa Amanda Seyfried. “Quiere tener algún tipo de aventura. En un mundo como éste, pasas tanto tiempo intentando proteger tu vida que no llegas a vivir realmente. Todo el mundo tiene guardaespaldas. Todos comen muy bien, pero poco, no beben ni fuman; resulta algo frívolo. Sylvia simplemente no está hecha para esta clase de vida. Satisface su deseo de una vida diferente cuando Will se la lleva”. La aparición de Will en la zona horaria más rica es muy reveladora. Will se halla manifiestamente fuera de lugar, pero hay algo en él que resulta indiscutiblemente atractivo, al menos para Sylvia. Seyfried prosigue, “Will llega a

New Greenwich y se pasea por allí como si fuera una especie de dios. Cuando Will y Sylvia llegan a Dayton, todos corren porque están luchando continuamente contra el tiempo. Todo el mundo se mueve apresuradamente, pero es una sensación emocionante y liberadora porque allí se vive día a día. En este lugar la inquietud se manifiesta de otra forma. Lo importante es el ahora”. Esa enorme diferencia entre ambos entornos es lo que determina un punto de inflexión tanto para Will como para Sylvia. Timberlake apunta, “La primera mitad de la película realmente cuenta la evolución que sufre el personaje de Will: a mitad de la película, decide cuál debe ser el propósito de su lucha, descubre su gran objetivo. La segunda parte del filme se refiere a la enorme transformación del personaje de Sylvia. Ella nació con tiempo, por tanto, subestima todo lo que Will valora, igual que le pasa a Will con ella. Una cosa es nacer sin nada e intentar luchar por lo que crees justo; otra cosa es nacer teniéndolo todo y darte cuenta de que quizás haya una parte de eso que no te mereces. Hay un rasgo de humildad en esa aceptación, y eso es lo que transforma a Sylvia”. Aparte de la aventura que emprende el personaje de Sylvia, a Seyfried le atrajeron muchas de las cosas que también suscitaban la imaginación de Timberlake en relación al mundo que Niccol había creado. “Andrew es único en su género, y yo quería formar parte de este proyecto. Es una historia muy diferente pero, al mismo tiempo, tiene muchos paralelismos con nuestra forma de vida, y eso es lo que la hace tremendamente inteligente. Y también tengo que admitir que el hecho de apuntar con una pistola y patear traseros me sonaba fenomenal”. Sylvia y Will corren por salvar sus vidas; no sólo intentando enconCinemascomics │Diciembre 2011 │

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trar el tiempo suficiente para sobrevivir un día más, sino huyendo de los Guardianes del Tiempo que tratan de capturar a la fugitiva pareja. “Los Guardianes del Tiempo son los encargados de mantenimiento del sistema; en realidad, son los administradores del tiempo”, dice Niccol. “Y nuestro principal antagonista, el Guardián del Tiempo León, no es realmente un villano. Simplemente es un burócrata, una figura de autoridad que no guarda lealtad a nadie, ni rico ni pobre. Su única lealtad tiene que ver con los minutos y los segundos”.

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León no es una persona rica. Tiene un trabajo estable, y ha conseguido mantenerlo lo suficiente como para vivir 35 años más del tiempo que tenía adjudicado por nacimiento. Cree en el sistema porque tiene que hacerlo. León no es muy diferente de Will. Will es suficientemente joven como para creer que puede haber esperanza en el futuro, idea que León podría haber respaldado, fugazmente, hace muchos años. León ahora es lo suficientemente viejo como para saber ya mucho, y cree (o tiene que creer) que, o bien te

dedicas a trabajar para el sistema, o bien debes ser eliminado. Para interpretar al Guardián del Tiempo León, los realizadores eligieron a otro “espíritu viejo”: Cillian Murphy. Murphy defiende las circunstancias de su personaje: “Es un policía responsable de que el sistema siga funcionando”; pero el actor cree que lo que pasa en su interior es mucho más fascinante de interpretar: “Lo mejor del personaje es su contradicción, porque León realmente procede del mismo gueto en el que vive Will. En el fondo, él sabe que es un sistema corrupto, sin embargo, ha decidido aceptarlo y concentrarse en su trabajo como guardián del tiempo. Se comporta de una manera automática y absolutamente centrado en su objetivo, y para él únicamente eso es seguir avanzando. Yo creo que ha reprimido todo su pasado. Lo que me gustó del guion es que Will y León son las dos caras de la misma moneda. Simplemente han tomado caminos distintos. Éste es el camino que León ha elegido, y para ello refrena todos los recelos e inquietudes que le produce el sistema. Ha intentado olvidarlos a lo largo de toda su vida”. Al igual que en el típico y modélico juego persecutorio –el cazador y el cazado– espléndidamente realizado, por ejemplo, en ‘El fugitivo’, también aquí se establece un vínculo entre ambos a medida que la persecución se precipita. Murphy añade, “León no sólo comienza a ser consciente de que procede de la misma área miserable que Will, sino también que hay cierto sentido de la historia: León conoció al padre de Will. Creo que a medida que avanza la película van empezando a sentir respeto el uno por el otro”. Buena parte de la amenaza que entraña Dayton, además de la posibilidad de que no te llegue con el salario de un día para cubrir tu límite de tiempo, es la presencia www.cinemascomics.com


de los Hombres Minuto, unos ladrones dispuestos a robar todo el tiempo que puedan. Alex Pettyfer interpreta a Fortis, el líder de los Hombres Minuto, un refinado psicópata de 75 años (que, por supuesto, aparenta 25). “Dada su edad, resulta un personaje bastante persuasivo”, dice Niccol. “Tiene un gusto para la ropa mucho más sofisticado que los jóvenes de su entorno. Y eso le hace parecer diferente al resto”. Pettyfer apunta, “Fortis es un matón, aunque no sin cierta elegancia. Y es exactamente un absoluto psicópata y un perturbador hambriento de tiempo. Yo creo que lo más aterrador de Fortis es que piensa que no tiene nada que perder. Simplemente no le importa nada. Se ha vuelto completamente loco y ansía más tiempo desenfrenadamente”. El actor disfrutó de su viaje a lado oscuro, encontrándolo una experiencia muy liberadora: “No es que puedas hacer todo lo que quieras cuando interpretas a un villano, pero tienes una gran libertad de creación. Y yo creo que eso es el mayor atractivo de interpretar a un personaje como www.cinemascomics.com

Fortis; que puedes construirlo con muchas capas”. Para interpretar a Rachel Salas, la madre de Will, los realizadores recurrieron a Olivia Wilde, cuya carrera se ha disparado a partir de películas tales como ‘Tron: Legacy’ y ‘Cowboys & Aliens’. “Olivia no va a poder interpretar a una mujer de 50 años hasta dentro de otros 30, y yo creo que en ese sentido había un desafío y también resultaba divertido para los actores y para nosotros mismos”, afirma el productor Eric Newman. “El personaje de Rachel requería a una actriz con una madurez superior a su edad, y Olivia tiene esa cualidad”, añade Niccol. Wilde, que es unos años más joven que su hijo en la pantalla, Timberlake, afirma, “Me atrajo mucho la idea de interpretar a alguien de espíritu viejo en el cuerpo de una persona joven. Y pensé, qué interesante interpretar a alguien que tiene 50 años, que ha vivido una larga vida en un mundo donde resulta muy difícil tener una vida larga. Es decir, te preguntas por lo que ha tenido que pasar para sobrevivir durante 50 años”.

A Wilde le impresionó igualmente el enfoque de Niccol. “Sorprendentemente, Dayton es un lugar muy vital, lleno de color y sensualidad”, dice con entusiasmo. “Te imaginas que en una sociedad tan lejos de la ideal todo tendría que ser gris, mortecino y triste. En vez de eso, aunque en este mundo se ha llegado a una flagrante situación de enorme desigualdad y miseria, hay una vida increíble, y especialmente en la zona más pobre de la ciudad”. Alguien situado en el extremo más opuesto de Will y Rachel, y para quien “Dayton” es únicamente un concepto de contabilidad, es el magnate Philippe Weis, el padre de Amanda. La fortuna de la familia Weis se ha erigido a partir de una cadena de establecimientos de préstamo de tiempo, que cobran exorbitantes tipos de interés por el tiempo prestado a los daytonianos que desesperan por seguir vivos. Vincent Kartheiser interpreta a Philippe, y, aunque realmente le lleva menos de diez años a Seyfried, el intérprete de la serie “Mad Men” aceptó el reto de interpretar a su padre, cuya edad en realidad, internamente, supera los 100 años. Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Kartheiser comenta: “Cuando tú o yo podríamos decir cosas como, ‘Bueno, sólo se vive una vez’ o ‘Vive hoy como si fuera el último día de tu vida’, Weis y sus amigos y familiares no piensan en la posibilidad de tener un último día. Weis y los de su clase disponen de siglos para conseguir sus objetivos, lo cual les provoca, en el mejor de los casos, una enorme desmotivación”. Weis no siente ningún escrúpulo de conciencia respecto a su fortuna; mientras haya gente con menos de 24 horas de vida, habrá clientes. Y definitivamente es un partido amañado; a favor de Weis, por supuesto. Kartheiser señala: “Los tipos de interés que Philippe impone van en relación con hasta qué punto los ‘ricos’ quieren controlar a los ‘pobres’. Por lo tanto, cuando se necesita que muera gente, para evitar la superpoblación, los tipos de interés suben, de modo que no puedan conseguir un préstamo de más tiempo, ni siquiera abonar el interés del crédito de tiempo que ya tienen

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concedido. Y éste es un préstamo que no puedes dejar de pagar, si quieres seguir viviendo”. El mejor amigo de Will, Borel, es un espíritu atormentado incapaz de asumir tales restricciones. Johnny Galecki, que interpreta a Borel, señala que su personaje y Will “comparten las mismas ideas en relación al sistema, pero yo creo que Borel es demasiado sensible para este mundo. El reloj biológico es su talón de Aquiles; le obsesiona. Y entonces recurre a la ayuda de la automedicación, quizás en demasía. Tiene una mujer y un bebé maravillosos, y si no fuera por ellos, probablemente se habría dejado ir hace mucho tiempo”. Henry Hamilton es un enigmático forastero que se adentra en un bar local donde están Will y Borel, haciendo ostentación de más de un siglo de tiempo en su muñeca. Un anzuelo de tal calibre atrae rápidamente a los Hombres Minuto, pero Will interviene en defensa de Henry. A cambio, Hamilton

no sólo le recompensa a Will con tiempo, sino también revelándole la verdad y los más recónditos secretos de sus respectivos territorios. Matt Bomer, protagonista de la popular serie ‘Ladrón de guante blanco’, interpreta a Hamilton. “Hamilton es como un personaje de una novela de Dickens, alguien que da al protagonista una información que le determina a emprender un nuevo rumbo. Henry quiere cambiar las cosas, pero no sabe cómo hacerlo. Tiene 105 años, ha vivido una vida plena, y ahora quiere que llegue a su término. En Will, Henry encuentra a alguien que puede pensar en alguien que no sea él mismo, que tiene el valor y la fortaleza moral para realmente influir en el cambio. En consecuencia, le ofrece el regalo de muchos años por delante, con la esperanza de que un espíritu valiente pueda alterar las cosas”.

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LAS REALIDADES FANTÁSTICAS DE

ANDREW NICCOL Por Gerard Fossas

Corría el año 1998, yo tenía 11 años y salía del cine con mis padres. Habíamos visto El Show de Truman y mi reacción refleja nada más abandonar la sala fue sospechar de mi alrededor, recordándome lo imposible que era y a la vez imaginando que podía haber una cámara tras cada espejo. La idea de convertir la vida de una persona en una atracción para el resto quizá no era tan descabellada en el fondo. Dos años después se celebraría en España la primera edición de Gran Hermano (a partir del formato del Big Brother, cuya primera edición fue en los Países Bajos un año antes, en 1999) y en todo el mundo empezaba a eclosionar con fuerza el formato del reality show, entonces todavía tratado como un experimento sociológico a pesar de su finalidad televisiva del entretenimiento. El futuro que describía El Show de Truman era una suerte de anticipo, se fusionaba perversamente con el presente y la locura de la propuesta se hacía peligrosamente real o, al menos, fácilmente concebible y por ello resultaba realmente perturbador. Este film visionario estaba dirigido por Peter Weir (El Club de los Poetas Muertos, Master and Commander) pero la mente creativa responsable era la de Andrew Niccol, actualmente en los cines españoles con el estreno de In Time. Niccol es un cineasta que quiero reivindicar sin alzar mucho la voz porque todavía nos debe a todos, pero sobre todo a sí mismo, una www.cinemascomics.com

obra maestra. Su corta filmografía atesora grandes premisas y un imaginario extraordinario que no han sido plasmados en películas a su altura, así que reconociendo que en el fondo se trata de un placer culpable, quiero reivindicar a Andrew Niccol como un gran creador de la actualidad. El productor y el director Andrew Niccol quizá debería hacer lo que George Lucas no debió haber hecho nunca: dejar de dirigir y concentrarse en guión y producción. La figura del productor a menudo para el gran público es desconocida y, sin embargo, es seguramente la más importante en la creación de una película. El Oscar a la mejor película sube a recogerlo el productor porque, al fin y al cabo, la película es suya. El productor es el encargado de participar activamente en todo el proceso creativo y el que tiene la última palabra en todos los aspectos, desde la elección del equipo humano que trabaja en ella (director incluido) hasta el diseño artístico y el montaje final de la película. La figura del productor ganó en prestigio con la reestructuración de la industria de Hollywood en los años 80, pero quizá es ahora con el boom de las series, sobre todo a partir de Lost, que el productor ha ganado el reconocimiento de autor. Por poner ejemplos básicos, nadie discute que la saga Star Wars es de George Lucas a pesar de que no dirigió ni El

Impero Contraataca ni El Retorno del Jedi, o que es creador de las películas de Indiana Jones, todas dirigidas por Spielberg. El propio Spielberg dejó su marca en Super 8 a pesar de estar dirigida por J.J. Abrams, Tintín tiene mucho de Peter Jackson y a partir de Piratas del Caribe el productor Jerry Bruckheimer es un abanderado del cine de aventuras contemporáneo. Restando Gattaca, que es realmente una película redonda, los libretos de Andrew Niccol han funcionado mejor en manos de otros directores, quedándose él con la producción. Que tiene talento lo demuestra que dos realizadores como Peter Weir y Steven Spielberg accedieron a trabajar con guiones suyos, en la ya citada El Show de Truman y en La Terminal respectivamente, y ambos films son realmente interesantes. La marca Niccol Andrew Niccol ha sido cualificado como el creador de futuros realistas, aunque sólo Gattaca e In Time son películas eminentemente futuristas. Los universos descritos en su filmografía no son una representación del futuro en sí mismo, sino en la hiperbolización de una realidad muy identificable en el presente. La selección genética que plantea Gattaca es disponer el escenario para contar una historia de superación de las propias limitaciones, de la misma forma que la premisa de In Time es una original visión del sistema Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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capitalista, una que pone mucho más énfasis en la división clasista y en las diferencias entre ricos y pobres al convertir el tiempo de vida en moneda de cambio. Los rasgos futuristas de El Show de Truman se limitan a la construcción de un plató televisivo monstruoso como símbolo de la transgresión moral que es convertir toda una vida en una mentira sólo como excusa para un espectáculo. Las construcciones monstruosas son sinónimo de poder y un desafío que el ser humano lanza contra la naturaleza. Ésta es una idea que, Niccol también explota en Simone en un nivel más metafórico ya que no es un edificio lo que se construye, sino un personaje. Simone es la creación digital de un director de cine frustrado que necesita una estrella que lo remolque a la cima del éxito, así que diseña digitalmente a Simone y la hace perfecta gracias al poder de la tecnología. La película se convierte en una sátira del star system cuando Simone deja de ser sólo una actriz para convertirse en un espejo y una inspiración para todo el mundo que, al igual

que su creador, han visto en ella la perfección. Simone deja de ser una mentira cuando la gente la incorpora a sus vidas y hacen de ella el famoso perfecto: una cara pública cuya vida privada no existe ya que es la de su creador, que ve como su “monstruo” le supera (como le ocurre al Dr. Frankenstein con su criatura) y empieza a acabar con él hasta llevarlo a la locura. El protagonista y su contexto Las obras de Andrew Niccol se caracterizan por su puesta en escena sencilla, concentrada en un solo personaje protagonista situado en un contexto claramente definido. El protagonista acapara toda la atención de la trama, hasta el punto que los personajes secundarios terminan siendo accesorios. Los personajes femeninos, sobre todo, son la gran asignatura pendiente de este director que convierte a las mujeres en roles planos, normalmente el de compañeras románticas. Jude Law en Gattaca y Ed Harris en El Show de Truman son los únicos secundarios que aportan un contrapunto al relato, ganan una identidad fuerte

y complementan al protagonista; pero no existe tal excepción en ninguno de los caracteres femeninos, ni siquiera el trío formado por Rachel Roberts, Winona Ryder y Catherine Keener, con una presencia abundante, pero también vacía, en Simone. El problema de apostar tan fuerte por un personaje es que si éste falla, la película también. Niccol no es un buen director de actores y normalmente los personajes tienden hacia una excentricidad histriónica debido al humor cínico con el que salpica sus películas. Nicolas Cage (El Señor de la Guerra) y Al Pacino (Simone), dos actores con una inherente tendencia a despeinarse y poner cara de locos, son los ejemplos más claros de protagonistas que derrumban poco a poco la película hasta dejar la sensación de que a lo mejor la idea no daba para un largometraje puesto que, una idea sin desarrollo a través de los personajes se difumina hasta desaparecer. Lo que comentaba al principio de que los guiones de Niccol funcionan mejor en manos de otros lo demuestra que El Show de Truman y La Terminal, pese a contar con las mismas cualidades y limita-

Imagen de El Show de Truman. Peter Weir (1998)

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Fotograma de “Simone”. Andrew Niccol (2002) ciones, son películas mucho más sólidas porque la premisa aguanta durante todo el metraje. Ambas películas son historias con reminiscencias kafkianas que presentan personajes descontextualizados en un entorno hostil hacia ellos. El espacio en ambas películas es protagonista, algo que no ocurre cuando dirige Niccol. Los personajes secundarios son proyecciones de este espacio, personificaciones de la amenaza o puertas hacia una salida, convirtiendo su no-desarrollo en un halo de misterio a su alrededor que los hace interesantes a pesar de no ser complejos. La oportunidad perdida In Time es una película de acción y ciencia ficción muy digna que será recordada por todos como una oportunidad perdida de desarrollar una obra maestra a partir de la genialidad de la premisa. Niccol cambia sus rudimentos habituales con el protagonista, ya www.cinemascomics.com

que el objetivo del personaje de Justin Timberlake no es controlar su entorno y dominarlo a su favor, sino derrocarlo. La evolución del protagonista se limita, pues, a la decisión que toma en el primer punto de giro de la película y el resto se estructura como un film de aventuras al uso. La mejor parte de la película es el principio, cuando se dibuja el tablero y se disponen las piezas. La concepción del fantástico que tiene Niccol es extraordinaria porque maquilla la realidad y la convierte en un futuro ficticio, uno muy potente en el caso de In Time porque se da la oportunidad de abrir dos líneas argumentales apasionantes: una es aprovechar la premisa para analizar la mecánica del sistema capitalista, con sus aciertos, sus fallos y sus consecuencias a través de una historia de ficción y la otra es experimentar con la actitud de las personas ante la vida eterna o, como contrapunto, ante el conocimiento exacto del momento de su muerte.

El problema es que en esta película el contexto es un marco y no un elemento protagonista como en otras. Niccol apuesta por convertir In Time en una suerte de Bonnie & Clyde pero sin resolver su falta de manejo con los protagonistas, que cumplen sin lucirse pero que no son capaces de aglutinar la personalidad y la fuerza suficientes como para llevar la película al nivel superior que por originalidad y creatividad le correspondería. Como decía al principio, Andrew Niccol nos debe a todos una obra maestra y puede conseguirla, seguramente como productor y dejando la dirección a cargo de un realizador con más talento que él. Sea como sea, la concepción que Niccol tiene del fantástico es extraordinaria y seguro que nos regalará más de una alegría en el futuro.

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Estreno

Acero Puro

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En la descarnada y vertiginosa aventura de acción de DreamWorks ACERO PURO, Hugh Jackman da vida a Charlie Kenton, un boxeador arruinado en un futuro no muy lejano, que ha quedado relegado del mundo del boxeo desde que imponentes robots de dos metros y medio se apoderaran de la escena del boxeo. Sin peleas ni miras a futuro, Charlie se ve forzado a trabajar como promo-

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tor de robots boxeadores de poca monta. Ahora, Charlie sobrevive ensamblando robots de mala muerte y trasladándose de un sórdido recinto al otro, detrás de cualquier pelea profesional que pueda arreglar para que disputen sus autómatas. Y cuando parece que las cosas ya no pueden empeorar ni complicarse aún más, su casi desconocido hijo de diez años, Max (Dakota Goyo), vuelve

inesperada e involuntariamente a entrar en su vida. Casi verdaderos extraños, padre e hijo se unen a regañadientes para reconstruir y entrenar a un robot hallado entre un montón de chatarra, y convertirlo en un gran boxeador. Con todo en juego, en un escenario feroz donde todo vale y —contra todo pronóstico— Charlie logra una última oportuwww.cinemascomics.com


nidad de regresar a escena, y Max descubre que, más allá del triunfo o la derrota, la vida le tiene reservado algo mucho más importante de lo que jamás imaginó. Explorando su sentido más hondo, el director de ACERO PURO, Shawn Levy, aborda la película como una historia de redención de tres almas perdidas y olvidadas. “Los protagonistas de la hiswww.cinemascomics.com

toria —un padre, su hijo y una máquina— todos son seres abandonados”, señala el director. “Los tres han sido dejados de lado y olvidados. La esencia de la historia se centra en la oportunidad que se presenta a estos tres seres de recuperar lo que han perdido”.

Zemeckis, Steve Starkey, Mary McLaglen y Josh McLaglen son los productores ejecutivos. El guión de John Gatins está inspirado en una historia de Dan Gilroy y Jeremy Leven, basada en parte en el cuento de Richard Matheson “Steel”.

ACERO PURO es producida por Don Murphy, Susan Montford y Shawn Levy. Jack Rapke, Robert

Completan el reparto de ACERO PURO Evangeline Lilly, Anthony Mackie y Kevin Durand. Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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LA PREMISA Imagina un tiempo, en un futuro no muy lejano, en el que los fanáticos del boxeo se han cansado de ver a los boxeadores dándose puñetazos en el ring. Un tiempo en el que la sed del público por la violencia y la brutalidad supera a la que cualquier atleta de carne y hueso puede ofrecer, o incluso soportar. Se trata de un mundo en el que el boxeo ha evolucionado a tal punto que los hombres ya no pueden competir entre sí… donde los robots han reemplazado a los mortales. La idea de robots boxeadores fue pensada para el reputado director Shawn Levy, extensamente reconocido por sus taquilleras comedias UNA NOCHE EN EL MUSEO y UNA NOCHE EN EL MUSEO 2. Cuando DreamWorks le presentó la idea para la película ACERO PURO, Shawn cuenta que le atrajo el proyecto porque tenía el respaldo de Steven Spielberg y Stacey Snider. “Me llamaron y me presentaron lo que en un pri-

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mer momento parecía una idea bastante loca para una película”, recuerda Levy de su primera reacción frente a la historia. “Por supuesto, me sentí sumamente halagado, pero estaba un poco indeciso con respecto a la premisa. Luego leí el guión. Entonces hallé una oportunidad única de realizar una emotiva película sobre la relación entre un padre y un hijo y los deportes. Y esto me estimuló completamente”. “Estábamos fascinados de poder trabajar con Shawn”, comenta Stacey Snider, socio principal, copresidente y director ejecutivo de DreamWorks Studios. “Y creemos que con esta película, ha incluso sobrepasado el gran trabajo con el que se lo ha asociado anteriormente. ACERO PURO es una película realmente innovadora”. Shawn Levy siempre fue un fanático del boxeo, pero también un ferviente admirador de películas de boxeo como TORO SALVAJE y la saga de películas ROCKY. “Incluso las que no son tan buenas, son

igualmente geniales; por lo general, siempre tienes a un héroe a quien las cosas no le han salido muy bien, y a quien deseas que se le dé una segunda oportunidad para que pueda finalmente lograr su triunfo definitivo”, refiere el director. “ACERO PURO es sin duda un homenaje a todas esas películas de boxeo que mis hermanos y yo hemos visto cerca de unas cincuenta veces”. Si bien ACERO PURO es una película de acción con paisajes norteamericanos visualmente imponentes y una acción espectacular, el director Levy no deseaba depender simplemente de los enormes paisajes o la fantástica maquinaria robótica para explorar las relaciones de la historia. “Para mí, esta película no podía ser únicamente grande, sensacional, poderosa”, señala Levy. “Hubiera sido poco original. El guión poseía un tono y una emoción únicos, de manera que la película debía lograr una interesante fusión entre una acción y escala impresionantes, y una historia www.cinemascomics.com


profunda y conmovedora que, en definitiva, es una historia de salvación”. EL REPARTO El director Levy y su equipo de producción pasaron mucho tiempo buscando al actor perfecto para cada uno de los papeles de ACERO PURO y están fascinados de que todos hayan aportado más de lo esperado a sus personajes. El valor del proyecto que instantáneamente atrajo a Hugh Jackman (LOBEZNO, EL GRAN TRUCO) para dar vida al personaje de Charlie, fue el mismo que entusiasmó al director de DreamWorks para formar parte de esta historia única. Jackman señala: “Lo que principalmente me atrajo del guión es la relación entre el padre y el hijo, y la idea de que las personas que han cometido errores, de los que se arrepienten, pueden tener una segunda oportunidad y convertirse en mejores personas”. A Jackman también le fascinó el

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mundo en el que está ambientada la historia. “Me gustó que la película esté ambientada en un futuro no muy lejano. Es un futuro que parece accesible a nosotros”, declara el galardonado actor. “Además, soy un gran fanático de los deportes, de manera que el boxeo entre robots me pareció una idea fascinante. Y, por supuesto, se trata de una verdadera historia de aquel que está en desventaja, que debe luchar contra todo para salir victorioso, en la que la persona más valerosa acaba venciendo. Definitivamente es una película positiva e inspiradora. Y para mí, fue distinto a todo lo que había realizado anteriormente. Además, trabajar con Shawn Levy fue algo que no debí ni pensar. Shawn es sencillamente la persona más positiva, llena de energía y divertida que puedes tener a tu lado. Este fue uno de los rodajes más desafiantes y entretenidos que he realizado”. Para dar vida a Max, el hijo abandonado de niño por el personaje de Jackman, los cineastas rea-

lizaron cientos de audiciones y hallaron numerosos jóvenes actores excepcionales. “En todo momento tuvimos la certeza de que habría un niño allí fuera que se viera bien en el papel, pero que además contara con ese algo extra, algo que no puedes precisar exactamente, pero que es mágico en la pantalla”, refiere Levy. “Cuando vimos a Dakota Goyo, un niño de los suburbios de Toronto, supimos que tenía esa cualidad indefinible que estábamos buscando. Posee ese algo que creo que nunca hallaré la palabra adecuada para poder definir. Pero que cuando vean la película, sabrán de qué hablo. Es indiscutible”. Jackman reafirma esa fuerte convicción del director sobre la elección del actor que diera vida a Max. “La relación entre el padre y el hijo es el alma de la película. Cuando Shawn y yo hablamos por primera vez del papel, coincidimos que debíamos contar con un talentoso joven actor, pero que si no lográbamos una gran química

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entre el padre y el hijo, no teníamos película”, cuenta Jackman. “Por supuesto, podemos tener una acción fenomenal y robots maravillosos y todo eso, pero el vínculo entre padre e hijo es el corazón de la película”. Para el papel de Bailey, los realizadores seleccionaron a la popular estrella de televisión Evangeline Lilly (“Lost”). El director Levy admite que él ya era un admirador de la actriz y estaba emocionado cuando ella aceptó el papel. “Evangeline me maravilla”, de-

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clara Levy con entusiasmo. “Estaba loco por ella en “Lost”. Era un gran fanático de la serie. Siempre supe que ella era buena, lo que no creí es que fuera tan fantástica. Y en ACERO PURO no sólo es magnífica en las grandes escenas dramáticas que interpreta con Dakota o con Hugh, sino también cuando se halla en medio de una multitud siguiendo las peleas. En esos brevísimos planos durante las escenas de lucha, aporta una energía muy visceral y enardecedora. Fue una especie de audiencia sustituta para nosotros. Está

muy involucrada y enfrascada en lo que sucede”. Al recordar su primer acercamiento al papel y el quedar seleccionada para ACERO PURO, Lilly declara: “Cuando comencé a leer el guión que me dio mi agente y vi que se trataba de boxeo entre robots, de inmediato pensé: ‘¡De ninguna manera! ¡Yo no puedo hacer una película de robots boxeadores! ¡Esto no es para mí!’ Yo siento un particular interés por las pequeñas películas independientes. Pero seguí leyendo, y www.cinemascomics.com


para cuando había terminado de leer el guión, estaba tan conmovida y me pareció tan bien escrito que definitivamente quería el papel”. Kevin Durand, quien ya había trabajado con Hugh Jackman en LOBEZNO y con Evangeline Lilly en “Lost”, fue convocado para interpretar a Ricky, el robot promotor de los combates quien, a pesar de su larga amistad con Charlie, no duda en pelear contra él para cobrar una deuda.

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Los realizadores además contrataron a Anthony Mackie (DESTINO OCULTO, THE HURT LOCKER) para el papel de Fin, el presentador del Crash Palace; a la actriz nominada a un premio Tony® Hope Davis (“Un dios salvaje”) para el papel de Deborah, la tía de Max quien anhela obtener la custodia de su sobrino; y James Rebhorn (LADRÓN DE GUANTE BLANCO, ROCKEFELLER PLAZA) en el papel de Marvin Barnes, su acaudalado esposo mayor. La actriz rusa Olga Fonda, quien casi no contaba con experiencia en cine, fue seleccio-

nada para dar vida a la propietaria de robots rusos, mientras que Karl Yune (MEMORIAS DE UNA GEISHA, METEORO) interpreta a Tak Mashido, el primer diseñador de robots del mundo y pionera leyenda del boxeo de robots. LOS ROBOTS El diseño de los robots de ACERO PURO estuvo a cargo de un equipo de Legacy Effects. Estos verdaderos artistas dieron vida a una amplia gama de fascinantes boxeadores, cada uno con una marcada Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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personalidad propia. Los realizadores deseaban que cada uno de los robots tuviera una personalidad y una estética bien definidas, así como una paleta de colores diferente. Los robots miden entre 2 y 2, 50 metros de altura, y son antropomorfos en cuanto a que poseen dos brazos, dos piernas, torso y cabeza (o, en el caso del robot Twin Cities: dos cabezas). Pero pueden hacer cosas que los seres humanos no pueden. Dar con el reparto perfecto de personalidades robóticas supuso un proceso creativo desafiante —pero finalmente gratificante— para diseñadores y realizadores. El director Levy señala: “Deseo que el público sepa que a pesar de que la premisa de la película es de ciencia ficción, estos robots no lo son. Son máquinas que nos gustaba imaginar que podrían

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haber sido construidas por los seres humanos. Además de su escala —no poseen la escala de los Transformers, y no son indestructibles— les hemos conferido una fragilidad y una humanidad que nos recuerdan a antecedentes como EL GIGANTE DE HIERRO y WALL•E”.

El director Shawn Levy rinde honor a quien lo merece y señala que para la extraordinaria tecnología empleada en ACERO PURO, junto con su equipo de efectos especiales “tomaron prestadas numerosas páginas de la tecnología que James Cameron desarrolló para la película AVATAR”.

en la forma tradicional, donde primero rodábamos un cuadro vacío y más tarde los animadores insertaban un robot generado por computadora; utilizamos la tecnología de captura de movimiento (motion capture) con boxeadores reales luchando entre sí, que fueron coreografiados por Garrett Warren y Sugar Ray Leonard. Nosotros capturamos los datos de los movimientos de sus cuerpos. Los digitalizamos. Los guardamos. Y meses más tarde, entramos en un set de acción real y montamos una toma. Esta tecnología permite con esos datos programados de captura de movimiento y la llamada Simul-Cam B, incorporar los datos almacenados en un escenario de acción real”.

El director además explica: “Este es un enfoque de la última generación de efectos visuales. En pocas palabras, en lugar de rodar

“Tomamos la tecnología que fue literalmente inventada en Avatar, pero haciendo algo un poquito diferente con ella. Avatar tomó las

LA TECNOLOGÍA

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interpretaciones rodadas con la técnica de captura de movimiento y las insertó en un mundo virtual. Nosotros tomamos las interpretaciones captadas por captura de movimiento y las volvimos a insertar en el mundo real”. Levy advierte que el proceso suena complicado y nos hace el favor de explicarlo en términos más sencillos: “Es decir, los boxeadores suben al ring llevando trajes especiales que nos permiten captar datos. Al pelear, los datos de sus movimientos — sus movimientos generan datos— se transmiten en forma simultánea a un robot avatar en la pantalla. Por lo tanto, podemos acudir a nuestro ring de acción en vivo, montar una cámara en un ring vacío y la tecnología nos permite tomar al boxeador robot que creamos seis meses antes e integrarlo en ese ring en tiempo real, mientras lo ves en la www.cinemascomics.com

cámara. Ésa es la Simul-Cam B”. LA EXPERIENCIA El director Shawn Levy resume su experiencia en ACERO PURO. “Hay algo tan gratificante en haber logrado que la película en la pantalla sea exactamente la película que yo tenía en la cabeza”, declara. “Es la película que planteé a Steven [Spielberg] y Stacey [Snider] la primera vez que me senté con ellos. Y hemos logrado mantenernos fieles a ese primer instinto”. Hugh Jackman agrega: “Toda mi vida profesional quise actuar en una película que me conmoviera como lo hicieron ROCKY, CARROZAS DE FUEGO Y El CLUB DE LOS POETAS MUERTOS. Esas películas me inspiraron, me hicieron saltar de la butaca, me hicieron reír y me cautivaron por completo.

Esta película es para mí un sueño hecho realidad. Creo que hemos realizado una película que entretendrá e inspirará a los espectadores tal como esas películas lo hicieron conmigo”. El productor Don Murphy señala: “Creo que ACERO PURO tiene algo para cada uno de nosotros. Posee boxeo para los hombres, robots para los niños, Hugh Jackman para las mujeres y el aspecto familiar para todos por igual”. La productora Susan Montford coincide plenamente. “Es una historia hermosa, una experiencia con la que todos se podrán sentir identificados, de una espectacularidad increíble. Creo que lo tenemos todo. Y logrará cautivar a todos los espectadores”.

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ENTREVISTA

HUGH JACKMAN SI TÚ COMO ESPECTADOR REALMENTE TE CREES EL PAPEL QUE EL ACTOR ESTÁ INTERPRETANDO, SI TE SIENTES TRANSPORTADO, SI CREES EN LA HISTORIA, ENTONCES QUIEN TE HACE SENTIR TODAS ESAS COSAS ES UN GRAN ACTOR Hugh Jackman (Charlie Kenton) es australiano. El mundo entero le conoció gracias a su papel de Wolverine en la primera entrega de la franquicia de los X-Men, papel que repitió en las exitosas X2 y X-Men: The Last Stand de 2006. También interpretó al personaje en la precuela X-Men Origins: Wolverine. En el otoño de 2009 se subió a los escenarios de Broadway para interpretar junto a Daniel Craig la obra A Steady Rain, donde se contaba la historia de dos policías de Chicago que son grandes amigos, pero cuyas diferentes formas de reaccionar frente a un acontecimiento realmente traumático del que son protagonistas pondrán a prueba su amistad. El 22 de febrero de 2009, Jackman cargó con la enorme responsabilidad de presentar desde el Teatro Kodak la 81 entrega de los Premios Anuales de la Academia, donde entusiasmó a los asistentes e hizo aumentar la audiencia de la cadena ABC un 13% con respecto a la del año anterior. Jackman ya había presentado los premios Tony entre 2003 y 2005, ganando un premio Emmy por su trabajo de 2004 en la 58 ceremonia de dichos premios, y una nominación por el del año siguiente. A finales de 2008 protagonizó www.cinemascomics.com

junto a Nicole Kidman el film romántico de aventuras Australia, dirigido por Baz Luhrmann. Ese mismo año apareció en la oscura Deception, con Ewan McGregor. También ha protagonizado The Fountain, de Darren Aronofsky; The Prestige, de Christopher Nolan y Scoop, de Woody Allen. Ha puesto voz a las películas animadas Happy Feet y Flushed Away y también ha trabajado en Someone Like You, Swordfish, Van Helsing y Kate y Leopold, por la cual fue nominado a los Globos de Oro de 2002. Por su interpretación del cantante y compositor Peter Allen en The Boy From Oz, Jackman fue galardonado en 2004 con el premio Tony al mejor actor en un musical y con los premios Drama Desk, Drama League, Outer Critics Circle y Theatre World. Anteriormente había participado en otras obras de teatro como Carousel en el Carnegie Hall, Oklahoma! En el National Theater de Londres (una nominación Olivier Award), Sunset Boulevard (por la cual consiguió un premio Mo, el equivalente australiano de los Tony) y Beauty and the Beast de Disney (una nominación a los premios MO). Su carrera comenzó en Australia con su participación en los films independientes Paperback Hero

y Erskiniville Kings (por el que ganó el premio al mejor actor concedido por el Australian Film Critics´Circle y una nominación al mejor actor de The Australian Film Institute). En 1999 fue nombrado Estrella Australiana del Año en la Australian Movie Convention. Ahora estrena Real Steel, una audaz y estremecedora película de acción basada en el relato Acero, escrito por Richard Matheson en 1956. En 2020, el boxeo se ha transformado en un deporte de alta tecnología y los boxeadores han colgado los guantes para ser sustituidos por poderosos robots que se enfrentan en el ring. Charlie Kenton, un boxeador fracasado, se ha convertido en un promotor de poca monta que sobrevive ensamblando robots de bajo costo a los que apunta en peleas del circuito amateur. Finalmente, cuando esta situación toca fondo, Charlie se asocia con su casi desconocido hijo Max para construir y entrenar a Atom, un auténtico robot campeón. A medida que suben las apuestas en la brutal arena en la que todo vale, Charlie y Max, contra todos los pronósticos, tendrán una última oportunidad de triunfar.

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¿Estabas buscando conscientemente una película de este tipo, es decir, para todos los públicos? No, no lo buscaba. Me llegó el guión, lo leí y realmente me encantó. Y cuando Shawn Levy se embarcó en el proyecto, todavía me reafirmó más en mi decisión de trabajar en él. Sabía que era una gran película, pero no se me buscaba como un actor de acción. Casi es lo contrario. Se me apalea en una escena, pero aparte de eso, no tengo más escenas de ese tipo. Esta es la primera vez que trabajas con el director Shawn Levy. Si pudieras definirle con una sola palabra, ¿cuál sería y por qué? Fenomenal. Se ha convertido en un gran amigo mío, lo cual no es fácil en este negocio. Podrían contarse con los dedos de una mano el número de amigos a los que considero amigos de verdad. Él es casi omnipresente. Sabe todo lo que ocurre, desde el punto de

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vista de un productor. Si acudo a él como actor y le planteo alguna cuestión, ya sabe cuál es. Piensa en todo el mundo y saca lo mejor de todos. Es muy generoso y un gran trabajador. Creo que en esta película ha jugado a otro nivel, lleno de corazón. No puedo enumerar todas las cosas buenas que tiene este hombre. Ahora hecho de menos no estar en el plató con él. Es una rara avis. Hay muy poca gente que sea tan buena en lo que hace y tan encantadora como lo es él. Tenías algo de experiencia con el boxeo, pero ¿cómo fue subirte a un ring con Sugar Ray Leonard? Fue interesante. El primer día que trabajamos juntos había un equipo filmando el “cómo se hizo”. Es un campeón del mundo, así que solo estaba entrenando conmigo simulando golpear mi estómago...¡qué daño! Como la cámara estaba allí, simplemente quería divertirse conmigo. Es un

gran tipo, nos caímos muy bien y realmente me gusta. ¿Aprendiste alguna lección importante de él? Me habló del “hombre en la esquina”, lo que me sorprendió mucho. Mi personaje es ese “hombre en la esquina”, el entrenador. No es el boxeador. Poseo y controlo a estos robots y los entreno, así que soy “el hombre en la esquina”. Sugar Ray se mostró muy desconcertado porque no pensaba que yo me diera cuenta de lo importante que es “el hombre de la esquina” en el mundo del boxeo. E incluso, aunque quienes pelean son los robots, de lo que tienes que convencerte es que tú eres su fuerza, su dureza. Sugar Ray me dijo que solía trabajar con Angelo Dundee durante dos o tres semanas antes de un combate, precisamente porque Angelo sabía exactamente qué decirle durante una pelea. Me dijo que lo peor que te puede pasar es tener un entrenador que no sabe cómo hablarte. Necesito www.cinemascomics.com


saber cómo llevar arriba a mi luchador, cuándo gritarle, cuándo decirle la palabra adecuada. Es durante el entrenamiento cuando te preparas mentalmente. La conexión entre el luchador y su entrenador no puede romperse en ningún momento. Y es algo de lo que no me había dado cuenta. Así pues, fue terrible. También habló abiertamente del coste del boxeo, del coste personal, no solo del físico. El objetivo de ello, la excelencia de convertirte en campeón del mundo, es difícil. Hay que sacrificar muchas cosas. Y dice que a seis semanas de un combate solo puedes pensar en tí mismo. Tienes que renunciar a todo y a todos. Y eso puede ser muy doloroso para la gente. ¿Cuál fue tu primer paso para crear tu personaje, Charlie Kenton? Lo primero que hice fue familiarizarme con la idea de que piensa que es un fracasado, alguien con una opinión muy pobre de sí mis-

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mo. Y lo que hace que alguien actúe de esa forma; qué es lo que hace que alguien, deliberadamente, intente ser casi antipático. No quiere que se le acerque nadie. Ese fue su lado emocional sobre el que trabajé en primer lugar. También estaba su aspecto físico. Le dije a Shawn que deberíamos tomar algunas fotos mías en pantalones de boxeo para que pudiéremos tenerlas, y después engordé diez kilos porque quería que Charlie tuviera el aspecto de alguien que ha dejado el boxeo. Cuando me vio Shawn me dijo: ¡Creo que te has pasado! ¡Has ido demasiado lejos! Así que tuve que sacarme unos cuantos kilos de encima. ¿Qué aspecto de tu personaje es el que más te llamó la atención como actor? Me gusta la idea de alguien que tiene una opinión tan baja de sí mismo. Siente que ha fallado en todo y ahora está intentando ganarse la vida a duras penas con

algo que odia. Algo tan humillante como decepcionante. Y por encima de todo, se ha endurecido frente al mundo que le rodea. Pensé que su desesperación era algo realmente poderoso que explotar; alguien que está desesperado por escapar y se siente atrapado por todas partes. Pero para ser honesto, lo más poderoso es la oportunidad para redimirse. Eso le asusta, pero ahora es muy consciente de lo que puede perder. Y si no funciona, de cómo podrá vivir con sí mismo. Charlie es un fracasado, pero ahora se le ha concedido una segunda oportunidad. ¿Qué piensas de las segundas oportunidades? Percibo el fracaso de una forma diferente a como lo hace Charlie. Tengo la necesidad de tener éxito para satisfacerme tanto a mí mismo como a los demás, así que las relaciono con ello. Puedo entender perfectamente ese sen-

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timiento de que la segunda oportunidad es más aterradora que la primera. Incluso aunque piense que es un desafío, me fuerzo a decir sí porque no me gusta ser prisionero de ningún tipo de miedo...que es algo peor que el miedo en sí mismo. Pero sabes lo que hay en juego, y Charlie, el niño y también para el robot, si piensas en ello, son personajes desechables. Y creo que lo que más me gusta de esta historia es cómo se aterroriza Charlie con la idea de que realmente tiene una oportunidad para redimirse. Al principio de la película, Charlie se ha resignado a que su vida no vale nada. Está enfadado con el mundo. Está enfadado con todo el que le rodea. No es capaz de culparse a sí mismo de su fracaso y lo achaca a los demás. Cuando eres consciente de que el culpable eres tú, es muy difícil vivir con ello. No

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puede decir que mi vida haya sido una colección de fracasos como la de Charlie, pero me identifico con el miedo a fallar. ¿Piensas que en la vida hay que ir a por lo seguro? No, en mi trabajo no lo hago. Hice un musical en el que yo era el único personaje, y fue un poco aterrador porque era solo yo cantando y bailando, y era mi show. Pero se siente uno bien. Me siento más a gusto con ese sentimiento ahora que antes. Nunca he tenido más miedo que la primera vez que canté en un partido de rugby, Australia contra Nueva Zelanda, enfrente de 100.000 personas. Tuve un ataque de pánico la noche de antes, porque ha habido gente que ha sido abucheada y no ha vuelto a trabajar después de cantar esa única canción, el himno nacional. Así que nunca he

sentido más miedo que entonces, ni siquiera en la ceremonia de los Oscars. Porque ahora creo que cuantas más cosas haces, menos miedo tienes, porque empiezas a darte cuenta de que el resultado no es tan importante como piensas. Probablemente me dieron más miedo los exámenes del instituto que presentar los Oscars. En el momento en que piensas que lo es todo y que si no lo haces bien tu vida se ha acabado, di adios a las oportunidades. Así que cuantas más cosas haces, menos miedo tienes a hacer otras. ¿Es esta película un nuevo punto de vista a lo que pensamos que son las películas sobre deporte? Absolutamente, en términos de ser una película conmovedora. Real Steel es una película de deporte, pero también es un drama. www.cinemascomics.com


golpeas, se te va la cabeza, así que debes ser capaz de pedirle eso a tu cuerpo y, realmente, eso es baile. Hablando de baile, Dakota Goyo también baila. ¿Correcto? Así es. Estaba muy nervioso por tener que bailar frente a 5.000 extras. Me sentí muy orgulloso de él. Es algo realmente grande para un niño de diez u once años. ¿Qué es más importante en tu vida personal, el éxito o el respeto?

Se profundiza mucho en los personajes, que es lo que buscaba ¿Te sirvió tu experiencia en los musicales para la coreografía del boxeo? Sí. La escena en que boxeo con mi sombra se hizo con una persona con zancos. Tuvimos que coreografiarlo para que nos moviéramos perfectamente coordinados, y en una única toma. Así pues, nos llevó bastante trabajo. Sin duda, eso es entrenamiento teatral. Y para las secuencias de lucha, lo mismo. Pienso que el mejor entrenamiento para las peleas es el baile. Un especialista choca conta muros, choca con una motocicleta, y todo eso, pero golpear un saco es la cosa más dura. Es una extraña mezcla de tensión y relajación. Cuando realmente lo www.cinemascomics.com

Soy una persona bastante competitiva, así que me gusta ganar. Pero para mí la cosa más importante es “estar en marcha”, que es una expresión frecuente en Australia. Es parte de nuestras creencias que Australia es una nación donde de lo único que te arrepientes es de lo que no has hecho, e inmcluso aunque fracases en algo, al final del día no te arrepientes de ello. Así que simplemente te pones en marcha. Lo que más respeto, tanto en mí como en los demás, es el espíritu de seguir en marcha. Para bien o para mal, puede funcionar o no, pero voy a ir a por ello. Últimamente, probablemente prefiero ser respetado por ello tanto si tengo éxito como si fracaso, si gano o pierdo. ¿Ha cambiado esta película tu opinión del mundo del deporte? No. Soy un fanático de los deportes. No se me puede decir ninguna palabra mala de ellos. Sé que es un negocio y que puede ser cínico y, por supuesto, lo veo, pero para mí es algo puro. Una vez que rodé en Canadá, todos los canales daban curling. Me empecé a aficionar a él. Es un deporte realmente democrático. Puedes tener cualquier edad y cualquier físico y sin embargo, ser un gran curler. Me encanta eso en el deporte. Después, en Londres, estuve en los campeonatos de dardos, así

que pienso que estoy hecho para el deporte. ¿Qué pasa con el boxeo? Es atletismo, desafío y también gente sangrando. ¿Eres un fan? Sí, lo soy. Entrené en Nueva York para prepararme este papel porque quería tener el aspecto de poder lanzar un puñetazo. El entrenador me dijo que me iba a preparar como si fuera a luchar por un título. Me encantó eso. Mi padre fue campeón de boxeo en el ejército británico. Por lo tanto, amaba el boxeo y hablaba de él como un deporte. Sin embargo, cuando mi hermano y yo nos peleábamos, siempre nos separaba. Pero soy un fan del boxeo. ¿Entrenaste con Evangeline Lilly? Tiene brazos de haber entrenado. Yo no me metería con Evangeline. Os aconsejo, muchachos, que no os metáis con ella. Es una fuerza. ¿Cómo definirías un buen actor? Si tú como espectador realmente te crees el papel que el actor está interpretando, si te sientes transportado, si crees en la historia, entonces quien te hace sentir todas esas cosas es un gran actor. ¿Es difícil, con la prensa y el negocio, no convertirte en un cínico? Tienes que mantenerte en guardia contra ello. Puedes ver el negocio del cine con cinismo o como lo que realmente es, una oportunidad increíble para trabajar en un campo que obviamente te interesa. Después de un tiempo, puedes llegar a no saber valorar ningún trabajo, y es contra eso contra lo que hay que mantenerse alerta. Pienso que el cinismo nace de la decepción, así que si sientes que no has cubierto tus expectativas, que es muy parecido a lo que le ocurre a mi personaje, te vuelves Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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un amargado y es más fácil convertirte en un cínico hacia cualquier cosa que enfrentarte a ello; es miedo a fallar, realmente. ¿Piensan tus hijos que eres enrrollado? Oh, no. Estaba haciendo el espectáculo musical en que actuaba yo solo en Toronto, y un domingo mi mujer y mis hijos vinieron a verme. Entonces canté una canción para ella y la abracé y la cara de mi hijo lo decía todo. Me gusta bailar pero, sabes, yo soy Wolverine, y bailar no es enrrollado.

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Más tarde, cuando bailaba haciendo un poco el tonto, se volvió a su madre y le dijo “Papá es tan penoso”. ¡La mayoría de las cosas que hago le parecen penosas! ¿En qué proyectos solidarios participas? Estoy involucrado en tres o cuatro, pero te hablaré de uno en concreto del que todavía no he hablado con nadie. Con mis socios, he fundado una compañía de te y café. Se llama Laughing Man Coffe and Tea. Siempre me han inspirado dos hombres: uno

es Muhammad Yunus, el ganador del Premio Nobel por fundar el Grameen Bank y su obra social, y el otro es Paul Newman. Leí su libro y pensé en abrir algún tipo de negocio para crear empleo. Así que fundamos esta compañía, que empezó a funcionar en octubre. Justo cuando se estrene esta película. Estoy muy orgulloso de ello. Vamos a dar todos los beneficios a obras de caridad educacionales.

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ALMA DE METAL, CORAZÓN GUERRERO Por María Laura Gutiérrez

Boxeo y robots: ¿qué más se puede pedir? Acero puro se sitúa en el ring de la taquilla española para dejar K.O. todos nuestros sentidos. Los robots son enigmáticos y majestuosos seres capaces de atemorizar al intrépido Dr. Who, con la habilidad de desquiciar a tranquilos usuarios de taxis (Desafio Total), sin mucho que decir (Wall-E) o venidos directamente desde el futuro para acabar con todos nosotros (Terminator). Tan metálicos seres nos rodean y, sobre todo, nos atraen hacia la taquilla, salvo que todo esto sea un sueño, fruto de tu imaginación, y en realidad te encuentres inmerso en una trampa creada por robots (Matrix). Puedes observar con atención cuanto te rodea, e intentar despertar o seguir leyendo.


“Yo he visto cosas que vosotros no creeríais… atacar naves en llamas más allá de Orión, he visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”. Aquellos que hayáis identificado fácilmente estas poéticas palabras sabréis que hablar de robots en el cine es mucho más que hacer mención a diseños creados por ordenador, u otros Optimus elementos transformerizadores de última generación. De hecho, los robots que han conquistado al cinéfilo más empedernido son aquellos que, lejos de portar tornillos y corazas de metal, han lucido un aspecto (y espíritu) humano muy por encima de su fría naturaleza. Estos, los robots que el cine se esfuerza en mostrarnos en la gran pantalla, buscan a partes iguales la reflexión y la simpatía en el público, porque al final, tal y como revela Rick Deckard, estos sólo quieren obtener respuesta a las mismas preguntas que todos: “¿De dónde vengo?, ¿adónde voy?, ¿cuánto tiempo me queda?”. Se demuestra, por tanto, que aquello que define la humanidad no es

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la materia que la forma sino los sentimientos y los deseos que la impulsan. Y para mostrar dicha teoría no hay mejor ejemplo que Blade Runner, cinta de culto por excelencia y de dimensiones épicas que, si bien pasó bastante desapercibida en su estreno, ha marcado un antes y un después en la manera de narrar historias. Un hecho respetado y menos discutido que las leyes de la robótica creadas por Isaac Asimov es que Ridley Scott cambió el cine en 1982, y lo hizo con apenas un puñado de replicantes. Estos trascendentales protagonistas se movían por un mundo sin igual, en el que todo tenía cabida, desde la estética retro con toques asiáticos, a la trama futurista y apocalíptica representada en una decadente realidad que atrapa al espectador. Si bien Scott deja numerosas cuestiones sin resolver, dejando en el espectador la sensación de haber contemplado una obra incompleta, es precisamente ese misterio lo que hace de la cinta un oscuro y delicioso gozo cinéfilo, pues toda la fantasía se perdería si todo cuanto aparece fuera justificado y explicado. Sin embargo, el motivo por el que he

traído a colación tan majestuosa obra es que, hasta la fecha, ésta ha creado los mejores robots de la historia cinematográfica: unos seres llenos de interrogantes, dudas y miedos, sentimientos de los que carecían hasta la fecha dichas máquinas, siempre mostradas como conocedoras absolutas de la verdad e implacables en el cumplimiento de sus deberes, sin importarles nada que no fuera respetar las reglas u objetivos marcados (por absurdos o injustos que estos resultasen). Por eso, es imposible permanecer inmune ante las palabras con las que yo iniciaba el artículo y que Roy Batty usaba para poner fin a su existencia. Por primera vez en el cine, las máquinas se mostraban vulnerables e indefensas ante la envidia de los hombres, que tras dotarlas de la perfección, veían cómo éstas no sólo les superaban en habilidades físicas o intelectuales, sino que deseaban por encima de todo disfrutar de aquello que el hombre a menudo menosprecia, y que tan fácilmente les otorga: la vida. Del mismo modo, ahora Acero puro nos muestra un robot cuya mirada refleja más que una conexión eléc-

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El hombre bicentenario. Chris Columbus (1999) trica: irradia la chispa de quien se siente vivo. Claro, que antes de llegar a Atom, otros muchos nos han enamorado, aterrado, y sorprendido. ¿Puede un androide sentir? Y si es así, ¿qué lo diferencia de cualquier persona? Ésta es la pregunta que atormenta a Rick Deckard, y que el Séptimo Arte lleva planteando desde que se estrenasen cintas como Inteligencia Artificial o El hombre bicentenario, ya que, si bien hasta entrada la década de los ochenta los robots no eran más que personajes con personalidades más o menos atractivas (Metrópolis) o estrambóticas (Star War) que, más allá de perseguir unos objetivos (Alien) o la propia supervivencia (2001: Una odisea en el espacio), no presentaban demasiados problemas de identidad. Ahora son tortuosos Pinochos anhelantes del sentimiento de vida y, como ya he comentado, el Gepetto originario fue Scott, quien rompió con Blawww.cinemascomics.com

de Runner los esquemas robóticos tradicionales. La obra magna cuya definición sería: “la película sin réplica”, ha inspirado un sinfín de historias de temática similar. Un ejemplo de esto último es D.A.R.Y.L., una de las primeras cintas en las que la máquina era un niño de mirada angelical, cuyo único defecto era poseer una computadora por cerebro. Muy en la línea de esta obra, y seguramente más popular, se encuentra una de las más inquietantes obras de Steven Spielberg: Inteligencia artificial. La cinta muestra cómo un (por aquellos entonces) entrañable y en auge Haley Joel Osment, se pasa toda la eternidad en busca de un hada que le libre de su condición eléctrica para poder ser, por fin, un niño de verdad, y de ese modo, encontrar el calor de una familia y una sociedad recelosa de aquello que ellos mismos han creado: seres con capacidad de amar, trama de la que se sirvió Kike Maíllo para relatar la historia

de Eva, una niña que al igual que Daryl desconoce su naturaleza artificial y que sirvió como filme de apertura del festival de Sitges de este año. Pero si hay un androide que merezca especial mención en materia de reconocimientos humanos es el robot ideado por el mismísimo Isaac Asimov (El hombre bicentenario), llevado al cine por uno de los cómicos de excepción más queridos por todos, Robin Williams. Williams insufló vida a un grisáceo ser, que lo único que quería era ser feliz y ayudar a serlo a todo aquél que le rodease. No pedía mucho, y portando como portaba la siempre infantil y tierna mirada de Williams, parecía excesivamente cruel que no le otorgasen el título de persona. Por eso, y aunque de manera póstuma, obtuvo aquello que tanto persiguió. Claro, que para ello tuvo que renunciar a su inmortalidad, algo que muchos otros no hubieran esCinemascomics │Diciembre 2011 │

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Imagen de Terminator 2. James Cameron (1991). El T-800 (Arnold Schwarzenegger ) luchando contra el T-100 (Robert Patrick)

tado dispuestos a sacrificar (2001: Una odisea del espacio). El robot de Williams era el perfecto mayordomo, el robot que toda familia querría tener en su hogar. Porque no nos engañemos, el cine se empeña en colocar a las máquinas siempre al servicio del hombre, lo cual acaba por enfurecerlas hasta límites insospechados (Matrix) y no es de extrañar que incluso viajen en el tiempo para asegurarse de que exterminan a la raza humana, o al menos eso es lo que hacía Teminator, el segundo gran robot de la historia del cine, después de los replicantes Roy Batty y Rachel.

ginó un sinfín de películas prescindibles y de menor categoría como Robocop y las rentables y pertinentes secuelas de la propia Terminator (que no hacían más que desvirtuar y copiar la idea principal, careciendo de la originalidad de la primera, que pese a no tener un gran presupuesto contó con toda la pasión y buenas intenciones de un siempre ambicioso James Cameron). Escala de grises

Sin embargo, ni todos los robots poseen carencias sentimentales ni todos los robots quieren aniquilar a los humanos. Algunos simplemente se sienten conformes con su robótica condición, y en ellos encontramos a los más dispares seres atornillados: desde perfectas amas de casa, pasando por exasperantes taxistas, hasta (¿cómo no?) los divertidos amigos C3-PO y R2-D2. Y es que,

James Cameron y Arnold Schwarzenegger nos hicieron uno de los mejores regalos de la década de los noventa: nos ofrecieron un villano intemporal que, además de dar mucho miedo, se reconstruía a sí mismo, manejaba cualquier arma sin problemas y peleaba sin descanso. Nadie nos ha atemorizado más que él, gracias a su penetrante mirada carente de escrúpulo o sentimiento alguno (aún tememos la anunciada rebelión de las máquinas). Terminator ori-

C3-PO y R2-D2 en Star Wars. George Lucas (1977)

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si dejamos a un lado el conflicto existencial de dichas máquinas, lo cierto es que es muy interesante comprobar cuáles han sido aquellos robots que han escapado del óxido del tiempo y han marcado a las distintas generaciones. Tuercas y tornillos Como creo que es más que justo empezar por los clásicos, no puedo sino hacer mención a Robby (Planeta prohibido), ese fabuloso ente metálico cuya cabeza se recalentaba hasta el punto de explotar ante la mera posibilidad de hacer daño a alguien, un ser definido en la propia cinta como una mera herramienta creada para ser ajena al mal. Este gigante de hierro fue el héroe indiscutible de 1956, y protagonizó una de las pe-

lículas más fascinantes de aventuras extraespaciales, e imprescindible en la lista de todo geek de la robótica. Una década después llegaría el popular B9 de la serie Perdidos en el espacio, esa singular serie que mostraba la especialidad de la época en Hollywood: una idílica familia (en el espacio, sí, pero idílica). Esta sitcom tenía inspiración directa en Los supersónicos, divertida trama animada que nació en 1962 y contaba con el aliciente de disfrutar de la voz de Mel Blanc y un secundario de lujo: la eficiente y maternal empleada del hogar Robotina Rosie. Antes de que se sobrecarguen los circuitos de alguien, aclaro que no me olvido de las dos joyas del género: Ultimátum a la tierra, que mostraba el rechazo que un

robot tan bien intencionado como Gort puede causar entre la gente, y Metrópolis. Esta última, catalogada como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, presenta uno de los robots más carnales de todos los tiempos: María, una tentadora máquina cuya similitud con los Cybermen del Dr. Who es más que notable y cuya narración, propia de la época (1927), es tan cautivadora como un cuento susurrado, y cuya falta de sonido no hace más que aportar un aura de magia y fantasía en cada uno de los fotogramas, diseñados con esmero y tacto para trasmitir mucho más de lo que se ve. María podría considerarse la Eva de la biblia robótica, aunque lo cierto es que la presencia femenina en el género ha sido escasa

María el robot de Metropolis. Fritz Lang (1927)

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pero irrepetible. No hay palabras para describir la ironía y critica ácida mostradas en Las mujeres perfectas, por no mencionar el formidable espectáculo de ver a Christopher Walken convertido en robot, así como a un grupo de exitosas mujeres reprogramadas para hacer las delicias de sus esposos, parejas entre las que se incluyen la formada por Nicole Kidman y el ochentero Matthew Broderick, víctimas en potencia de una trastornada Glenn Close. Aunque para aquellos que busquen emociones más fuertes que tartas de manzana y camisas recién planchadas, en el listado femenino no podía faltar ella, la implacable y astuta T-X de Terminator 3: La rebelión de las máquinas (lástima que la trama resultase insulsa y predecible). Robots de andar por casa En esta entrañable categoría se encuentra el dúo más simpático desde el Gordo y el Flaco: el disciplinado C3-PO y el carismático R2-D2. Estos han jugado un importante papel en el cine, tanto que incluso en la actualidad inspiran a personajes de éxito (Leonard y

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Sheldon, protagonistas de The Big Bang Theory). En un tono más gamberro nos encontramos con Número 5 de Cortocircuito, clásico inigualable, y Bender (Futurama), todo un ejemplo de que en robótica no hay ley escrita. Este último no sólo es creación del todopoderoso y firma omnipresente en cualquier producto The simpsons, Matt Groening, sino que Bender responde a unos criterios de gamberrismo y libertinaje propios de finales de los noventa y que para nada se corresponde con otros robots de corte más moderado y tímido a los que la Academia de Hollywood ha concedido gustosa un Oscar. Estoy hablando de Wall-E, el Buster Keaton de la robótica. El limpio robot conmovió a grandes y pequeños en 2008, aunque para muchos, el robot por excelencia de la animación siempre será Mazinger Z, que junto con Afrodita A, popularizó aquello de “puños fuera”. No quiero terminar este artículo sin mencionar a los robots más espectaculares en forma y tamaño (los gigantes de Sky Captain), los

más desquiciantes (Johnny Taxi de Desafio Total), y los más surrealistas (Godzilla vs Mechagodzilla), y los responsables de que siempre nos preguntemos si aquellos que nos rodean son en realidad máquinas, que pese a menospreciar nuestra vida nos otorgan su simpatía (Ash de Alien). Guantes de acero Y ya, antes de acabar, recuerden que si se encuentran con cualquiera de los titánicos contrincantes de Atom, no han de tener miedo, ni siquiera han de pensar en la fuerza letal de sus puños o sus inquebrantables corazas. Tampoco deben pensar que, al contrario que ustedes, ellos están entrenados para la pelea; tan sólo han de recordar que las leyes de la robótica les protegen. No obstante, y a pesar de lo dicho, si por un casual Yo, robot estuviera en lo cierto, y existiera la posibilidad de que se encontraran ante un robot con algo más que unos segmentos aleatorios de códigos, que las leyes de Asimov les acompañen.

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Estreno

Vicky el Vikingo: El martillo de Thor

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¿Cuándo se convertirá por fin el pequeño y tímido Vicky (Jonas Hämmerle) en un vikingo de verdad? Esa es la pregunta que le ronda constantemente por la cabeza a su padre, Halvar (Waldemar Kobus), el temible jefe de los vikingos de Flake. En un asalto que estaban preparando sobre un campamento de caballeros lleno de carromatos cargados de tesoros, Vicky parece no dar una a derechas. En vez de machacar a

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los caballeros, negocia con ellos, acaba encerrado en un carromato, ayuda a unos esquimales esclavizados a escapar e incluso permite que la descarada Svenja (Valerie Eisenbart) se la juegue. Halvar, Vicky, y los vikingos Tjure (Nic Romm), Snorre (Christian A. Koch), Urobe (Olaf Krätke), Gorm (Mike Maas), Ulme (Patrick Reichel) y Faxe (Jörg Moukaddam) se ven obligados a regresar a Flake prácticamente con las manos va-

cías, con lo que incurren en la ira de las mujeres de la aldea, al no llevarles ni oro, ni hidromiel, ni siquiera pieles. Halvar logra llevar a su mujer, Ylva (Sanne Schnapp), una esclava: Svenja, que se había colado de polizona en el drakar. Ylvi (Mercedes Jadea Díaz) recibe rebosante de alegría a Vicky, su mejor amigo, en cuyo poder obra ahora un misterioso libro www.cinemascomics.com


que cayó del bolsillo de uno de los esquimales en su huída. Es el cuaderno de bitácora de Erik el Rojo, al que otrora sirviera el bisabuelo de Vicky. El libro indica cómo llegar al Palacio del Hielo Eterno, donde parece ser que se encuentra guardado el legendario tesoro de los dioses. Y resulta que Halvar lleva colgada del cuello la llave del palacio: un amuleto con forma de martillo heredado de su abuelo. www.cinemascomics.com

Halvar decide entonces recuperar el mítico tesoro. Sin embargo, esa misma noche, el jefe de Flake es secuestrado, junto con su amuleto, por Sven, el Terrible (Günther Kaufmann). Urobe, el sabio, recuerda a la tribu la antigua tradición por la que el hijo del jefe pasa a convertirse siempre en el nuevo cabecilla. ¡Por fin Vicky podrá tener la última palabra! Y su primera orden es, naturalmente: “¡Iremos a rescatar a mi padre!”.

Vicky, la pequeña esclava Svenja y los vikingos se hacen a la mar rumbo al Cabo del Miedo, pero su drakar se ve atrapado en una fuerte borrasca. Para evitar volcar, se ven obligados a sacrificar las velas, tras lo que quedan varados en la idílica Isla de las Valquirias. Las hermosas mujeres quedan sorprendidas al descubrir que nada menos que Sven, el Terrible, es quien tiene la llave del Palacio de Hielo. Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Las valquirias cosen unas insólitas velas nuevas para que los vikingos puedan proseguir su viaje al Cabo del Miedo. Disfrazados de bufones, Vicky y sus hombres logran colarse en el castillo de Sven. Consiguen localizar a Halvar, solo para caer en la emboscada del repelente lugarteniente de Sven, Pokka (Christoph Maria Herbst), que encierra a los intrusos en la mazmorra. Vicky es el único que logra escapar y se encuentra en la necesidad de ser más valiente de lo que nunca ha sido. Roba el amuleto de Halvar de los aposentos de Sven y libera a los vikingos de la mazmorra. Enfurecido, Sven emprende una enconada persecución pero, tras un espectacular duelo en la Garganta de Odín, sus caminos se separan. El barco de Sven pone rumbo a Groenlandia, mientras que el drakar de los vikingos se precipita por el borde de una enorme catarata y queda atrapado en la masa flotante de hielo del fondo. Para evitar morir congelados, nuestros héroes se ven obligados a quemar trozo a trozo su barco.

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A la mañana siguiente, los casi congelados vikingos son rescatados por esquimales, que conducen a Vicky y sus hombres hasta el Palacio del Hielo Eterno. Sven se les ha adelantado, pero no logra descifrar los tres grandes acertijos creados para proteger el tesoro y evitar que caiga en malas manos. Para resolver esos acertijos, hace falta valor, discreción y sentido común. En otras palabras: ¡se necesita a Vicky! En VICKY EL VIKINGO Y EL MARTILLO DE THOR, el ingenioso chico vikingo regresa a la gran pantalla en una nueva aventura dirigida por Christian Ditter (LOS COCODRILOS (VORSTADTKROKODILE), VORSTADTKROKODILE 2, FRANCÉS PARA PRINCIPIANTES). Bajo los auspicios del productor Christian Becker (VICKY EL VIKINGO, LA OLA, HUI BUH, EL TERROR DEL CASTILLO) y de Rat Pack Filmproduktion, en coproducción con Constantin Film, B.A. Production y BKWT, el rodaje de esta apasio-

nante aventura familiar se inició el pasado otoño en el lago Walchensee, y pasaría también por el castillo de Burghausen, los estudios Bavaria Film Studios de Múnich y la isla mediterránea de Malta. El filme está financiado por FFF FilmFernsehFonds Bayern (Fondos Bávaros de Cine y Televisión), los BBF Bayerischen Banken Fonds (Fondos Bancarios Bávaros), el FFA German Federal Film Board (Consejo Federal del Cine Alemán), BKM, el DFFF German Film Fund (Fondo del Cine Alemán) y la Malta Film Commission (Comisión de Cine de Malta).

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VICKY-PEDIA Los libros – La obra radiofónica – La serie animada – El éxito cinematográfico En 1963, el autor sueco Runer Jonsson (1916 - 2006) empezó a escribir su serie de libros infantiles “Vicke Viking”. Las aventuras del inteligente niño vikingo empezaron a publicarse también en Alemania a partir de 1964 con el título “Wickie und die starken Männer” (Vicky y los hombres fuertes). Al año siguiente, recibieron el Premio Alemán de Literatura Infantil. En octubre de 1965 la Westdeutsche Rundfunk (WDR, Radio de Alemania Occidental) emitió una obra radiofónica en dos partes sobre “Vicky el vikingo”. Unos años más tarde, Josef Göhlen, responsable de programación infantil y juvenil de la cadena de televisión alemana

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ZDF, decidió producir una serie de marionetas de 13 capítulos basada en los libros. Sin embargo, la idea quedó pronto descartada a favor de una serie de dibujos animados. Para reducir los costes lo máximo posible, ZDF, junto con el canal de televisión austriaco ORF, se embarcaron en la primera cooperación internacional con un socio japonés. Zuiyo Enterprise Company, que más adelante se convertiría en Nippon Animation, recibió el encargo de crear la serie animada. El creador de Vicky, Runer Jonsson, también colaboró en la elaboración de los guiones. Entre 1972 y 1974, el estudio de animación produjo un total de 78 episodios de 23 minutos de duración cada uno. La música de la versión alemana de “Vicky el vikingo” corrió a cargo de Karel Svoboda. El famoso tema principal, “¡Hey, hey, Vicky!

¡Hey, Vicky, hey!”, fue compuesto por Christian Bruhn y Andrea Wagner, e interpretado por un conjunto de Colonia, Stowaways, que más tarde se conocerían también como Bläck Fööss. A partir del 31 de enero de 1974, la cadena ZDF emitiría cada jueves “Vicky el vikingo”. Se trataba de la segunda serie de animación, después de “Meteoro (Speed Racer)”, emitida en la televisión alemana, y con ella nació una especie de estilo de manga eurojaponés. Más adelante, siguiendo esta tradición, llegarían otras coproducciones germano-japonesas, como “La abeja Maya”, “Pinocho”, “Tao Tao” o “Alicia en el país de las maravillas”. A diferencia de ellas, otras series de anime como la famosa “Heidi” o “Simbad” fueron en realidad producciones puramente japonesas, sin cooperación alemana, aunque

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también se exportaron con gran éxito por toda Europa. La cadena ORF se encargó de emitir “Vicky el vikingo” en Austria a partir del 17 de febrero de 1974, y la cadena Fuji TV hizo lo propio en Japón a partir del 3 de abril de 1974. La serie se emitió en otros muchos países, como España, Francia, Italia, Gran Bretaña, Holanda y Taiwán, entre otros. Hace unos años, el productor Christian Becker y su productora Rat Pack Filmproduktion, en cooperación con Constantin Film,

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desarrollaron una nueva interpretación del material de Vicky con intención de crear una gran película de aventuras para toda la familia, basada en los libros y la serie de animación. Becker convenció a Michael Bully Herbig para que se encargara de dirigirla y, en 2008, con la ayuda de un programa de televisión de ‘casting’ emitido en la cadena ProSieben, “Bully busca vikingos”, Michael Bully Herbig logró reunir al reparto de la primera película de acción real de “VICKY EL VIKINGO”. La cinta de aventuras se rodó entre agosto y noviembre de 2008 en Múnich,

en el lago Walchensee y en Malta, con el joven Jonas Hämmerle en el papel principal. Desde septiembre de 2009, más de seis millones de espectadores de las regiones de habla alemana acudieron a las salas de cine para ver esta fantástica aventura. El 30 de agosto de 2010, el director Christian Ditter (que se encargó, además, de escribir el guión) empezó a rodar VICKY EL VIKINGO Y EL MARTILLO DE THOR en 3D, junto con el alabado productor Christian Becker.

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Estreno

Attack the Block 7 de diciembre

Divertida y aterradora película de aventuras que enfrenta a una banda de adolescentes contra una invasión de salvajes alienígenas, convirtiendo una zona marginal de Londres en una zona de peligrosos juegos de ciencia ficción. De la noche a la mañana, un bloque de pisos se convierte en una fortaleza sitiada y un grupo de adolescentes de la calle en héroes. El enfrentamiento entre el ghetto y el espacio exterior está servido. Sam, una estudiante de enfermería, es asaltada de camino a casa por una banda de adolescentes enmascarados y encapuchados.

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La caída de un meteorito y el ataque de una extraña criatura distraerán a los jóvenes y permitirá escapar a Sam. Tras matar a la criatura los chicos arrastran su cadáver hasta a la parte superior del bloque, zona que ellos consideran su territorio. Mientras Sam y la policía tratan de localizar a la banda, cae una segunda oleada de meteoritos. Confiados en la victoria, ante lo que ingenuamente consideran un débil invasor, los chicos se hacen con armas, bicis, y motocicletas

para defender su territorio. Pero ahora, las criaturas son más grandes. Mucho más grandes, salvajes y peligrosas. Llegan decididas a vengar la muerte de su compañero y nada se interpondrá en su camino. El film está producido por los responsables de la divertida Zombies Party, y dirigida por el debutante Joe Cornihs (guionista de Las Aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio y la próxima Ant Man), la cinta esta protagonizada por John Boyega, Jodie Whittaker, Alex Esmail, Franz Drameh, Leeon www.cinemascomics.com


Jones, Simon Howard, Luke Treadaway, Jumayn Hunter, Danielle Vitalis, Paige Meade, Sammy Williams, Michael Ajao, Nick Frost. Es una vieja pregunta planteada por científicos y filósofos de todo el mundo: ¿Qué pasaría si unos despiadados extraterrestres invadieran una urbanización de viviendas sociales del sur de Londres? Joe Cornish nos brinda por fin una respuesta con su ópera prima ATTACK THE BLOCK. Y la respueswww.cinemascomics.com

ta es que darían con la horma de su zapato: un grupo de jóvenes adolescentes (o vándalos, si se prefiere) que empiezan como los malos de la película, atracando a una inocente enfermera (Jodie Whittaker) que se dirigía a su casa después del trabajo. Fue precisamente esa intrigante dicotomía, ese choque entre amenaza externa e interior de acero, la que llevó a Cornish a tomar como protagonistas a un grupo de personas a menudo condenadas y demonizadas por la sociedad y convertirlas en héroes en el transcurso de una disparatada noche.

“Eso era lo que me entusiasmaba: empezar con un chico que había hecho algo malo, como atracar a alguien”, afirma Cornish. “Me divertí escribiéndolo, lidiando con el reto de intentar darle la vuelta a la empatía del espectador en el transcurso de la película”. A pesar de que ATTACK THE BLOCK (cuyo título es un homenaje al poco conocido filme surcoreano Attack The Gas Station) es una película de ciencia ficción pura y dura, que traslada los tropos y convencionalismos propios del géCinemascomics │Diciembre 2011 │

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nero a un bloque de edificios rebosante de vida, sus orígenes son mucho más prosaicos. “Una banda de chavales me robó la cartera y el móvil sirviéndose de su superioridad numérica”, recuerda Cornish citando un incidente que tuvo lugar en 2001. “Como soy el típico cobarde, les di todo lo que tenía”. Bueno, no todo. Quizá se hicieran con sus bienes materiales, pero el atraco (o para ser más precisos, el préstamo forzado) hizo que las ideas se le agolparan en la cabeza. “Me impactó lo jóvenes que eran y pensé: ‘Probablemente me cruzo con vosotros en el parque a diario. ¡Seguramente estamos en el mismo nivel de Call Of Duty!’”. Unos meses después, vio la película de terror de Night Shyamalan Señales y eso fue el detonante. “Señales me recordaba a un guión escrito por John Sayles titulado Night Skies, que se convirtió en Gremlins y E.T. El extraterrestre”, afirma Cornish. “Siempre me ha gustado la idea del ase-

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dio y de los humanos sitiados por alienígenas, así que pensé: ‘¿Y si eso pasara en el barrio del sur de Londres en el que me crié? ¿Y si hubiera caído algo así mientras me atracaban? Esos chicos a los que mucha gente teme se volverían de pronto importantes, de repente su fuerza podría ponerse al servicio de una buena causa’. Y continué a partir de ahí”. DESARROLLAR ATTACK THE BLOCK Quizá la película tenga sus raíces en la ciencia ficción, pero Cornish estaba firmemente decidido a que ATTACK THE BLOCK fuera lo más realista posible, con diálogos y personajes directamente extraídos de las calles y las urbanizaciones del sur de Londres en las que se había criado. Con frases como las de Moses: “Acéptalo, tío” y “Créetelo, colega”, la película es como un tesoro de frases doradas a la espera de ser descubierto. “Para mí el lenguaje de la película era algo muy llamativo”, admite Cornish. “Me encanta La naranja

mecánica y recuerdo haber leído novelas como El color púrpura o El aprendiz de carnicero que están escritas en argot. Las primeras páginas son impenetrables, pero luego algo mágico sucede y lo entiendes por osmosis. Así que pensé que sería una oportunidad para hacer algo parecido. Esos chavales tienen su propio lenguaje y es una película de ciencia ficción. Igual que el klingon. Para mí, es un elemento del género”. Para familiarizarse con la jerga, Cornish y la productora asociada Lucy Pardee se embarcaron en una expedición de un año por los clubes juveniles del sur de Londres, entrevistando a jóvenes en un intento de meterse en la cabeza (y el lenguaje) de sus futuros personajes. “A pesar de haber crecido en el sur de Londres, no soy tan de la calle como uno podría pensar”, comenta Cornish entre risas. “Así que tuvimos que documentarnos bastante. Escribí la película a modo de historieta, con un brewww.cinemascomics.com


ve resumen de lo que quería que ocurriera, y le pedí a un amigo que hiciera las ilustraciones de las criaturas. Hicimos ampliaciones en cartulina y hablamos con grupos de chavales de allí. Les contábamos la historia y grabábamos todo lo que decían”. Las sesiones fueron increíblemente gratificantes para Cornish. “Lo alucinante es que prácticamente continuaban ellos la historia sin que les dijéramos nada”, se maravilla. “Les preguntábamos: ‘¿Qué haríais vosotros?’ ‘¡Si me saltara encima, le patearía el culo!’ Fue muy gratificante. Aprobaron la historia y a menudo tomaban la dirección que esperábamos que tomaran”. También proporcionaron a Cornish las frases que estaba buscando para marcar la jerga de sus cinco héroes y la autenticidad del mundo que estaba construyendo. “Fue divertido aprender lo que significaba cada palabra”, comenta. “Construimos un léxico de unas diez palabras. Pensé que sería www.cinemascomics.com

mejor limitarlo a diez palabras y usarlas de forma reiterada, para que el espectador al final dedujera el significado por contexto”. Al productor ejecutivo Matthew Justice también le cautivó ese primer guión y la atención que Joe prestaba a los detalles. “Viendo la manera tan minuciosa en la que se documentaba y su forma de meditar cuidadosamente cada decisión que tomaba, te dabas cuenta de que, aunque nunca había dirigido una película, tenía muchísimos conocimientos fílmicos y una amplia cultura cinematográfica”. Por fin Cornish tenía un guión que le satisfacía y una idea clara del tipo de película que quería hacer. “Es más bien como una película de John Carpenter, o una película de monstruos de bajo presupuesto de principios de los 80”, afirma. “Tiene claras influencias de Carpenter, más minimalista con el diálogo y menos centrado en el mismo que la película británica típica, y más marcado por la cinética, la acción y el movi-

miento”. “También contábamos con cinco atractivos únicos: un quinteto de héroes que no tenía ninguna similitud con nada de lo que se hubiera visto antes en el cine británico”. “Pensé que era una oportunidad para hacer una película de género, que esos chavales tenían un aspecto increíble, como sacados de una película de ninjas o de vaqueros”, afirma Cornish. “Tienen motocicletas, bicis y minimotos. Además de llevar un atuendo genial e ir en unos vehículos increíbles, poseen un armamento muy cinematográfico, con espadas samurai, bates ����������������� de béisbol y fuegos artificiales”.

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Estreno

ARTHUR CHRISTMAS: OPERACIÓN REGALO EN 3D

7 de diciembre

La comedia familiar Arthur Christmas: Operación Regalo, realizada en 3D mediante imágenes creadas por ordenador por los estudios Aardman para Sony Pictures Animation, revela la increíble respuesta, hasta ahora nunca descubierta, que todos los niños se plantean: “¿Cómo reparte Santa Claus todos los regalos en una noche?” La solución está en la apasionante operación secreta de alta tecnológica que se lleva a cabo bajo el Polo Norte. El tema

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central de la película es una historia con todos los ingredientes de un clásico de la Navidad; una divertida familia desorganizada y un inesperado héroe: el hijo más joven de Santa Claus, Arthur. De repente, en la gran operación de reparto de regalos se pierde uno entre los cientos de millones de presentes. Es entonces cuando el Santa Claus menos competente se embarca en una divertida y emocionante misión a contrarreloj para entregar el último paquete

antes de que amanezca. Columbia Pictures y Sony Pictures Animation presentan una producción de Aardman, Arthur Christmas: Operación Regalo. Protagonizada por James McAvoy, Hugh Laurie, Jim Broadbent, Bill Nighy, Imelda Staunton y Ashely Jensen. Está dirigida por Sarah Smith y producida por Peter Lord, David Sproxton, Carla Shelley y Steve Pegram. Escrita por Peter Baynham & Sarah Smith. Los coprowww.cinemascomics.com


ductores son Chris Juen y Peter Baynham y el codirector es Barry Cook.

dad y un millón de destellos luminosos y figuras descienden del cielo. La invasión ha comenzado y no se oye ni un sólo tintineo...

¿CÓMO LO HACE SANTA CLAUS?

...pero que nadie se preocupe. Es la forma en la que Santa Claus hace su trabajo cada Navidad: con un gran trineo de casi dos kilómetros y medio de ancho, con la más moderna tecnología para no hacer ruido, y un millón de elfos trabajando en grupos de tres que tienen 18,14 segundos para entrar

Imaginad una noche iluminada por la luz de las estrellas. Es Nochebuena y los niños están durmiendo, soñando con Santa Claus sobre su trineo, tirado por ocho maravillosos renos. De repente, una sombra se cierne sobre la ciuwww.cinemascomics.com

en cada casa, dejar los regalos y pasar a la siguiente. Santa Claus está llegando a la ciudad, pero esta vez, no va a entrar por la chimenea. “Así se haría si tuvieran toda la tecnología del mundo y no se escatimara en gastos”, dice Sarah Smith, que dirige y coescribe Arthur Christmas: Operación Regalo, la nueva película de animación en 3D por Aardman para Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Columbia Pictures y Sony Pictures Animation. “¿Cómo sería su equipamiento?, ¿cómo lo harían?”, añade Smith”. En lo más alto de la organización se encuentra el propio Santa Claus, pero en estos momentos, no es más que un hombre enfrentándose a su posible jubilación. Arthur Christmas: Operación Regalo, tiene un segundo secreto que revelar: ¡la familia Santa Claus es una dinastía con una larga línea sucesoria de Santa Claus que se remonta a hace más de 1.000 años! Dirigiendo el día a día, se encuentra el hijo mayor de Santa, Steve, un macho alfa que será el próximo en vestir el traje rojo. El propio padre de Santa, el abuelo Santa (Grandsanta), llevaba esta vestimenta, y se queja a todos diciendo que a él le quedaba mejor, pero ya ha pasado mucho tiempo desde que se jubiló junto a su maravilloso viejo trineo, Evie. La Señora Santa, la diligente Primera Dama del Polo Norte, mantiene los fuegos de la casa a punto, cuando no está abriendo hospitales para elfos, negociando tratados con Groenlandia, manteniendo los grados correctos o haciendo la entrañable salsa para el Día de Navidad. Y después está Arthur, el hijo menor de Santa.

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“Arthur cree en la Navidad y no sólo porque forme parte de los negocios de la familia”, nos cuenta James McAvoy, que interpreta a Arthur. “Cree a ciegas en la causa. No hay nadie en el mundo que se preocupe más por la Navidad que Arthur”. Pero el espíritu navideño sólo lo sienten algunos. No es el Santa Claus más hábil de la historia, ya que Arthur pasa apuros en todos los departamentos en los que su padre le coloca, incluso en secciones sencillas como empaquetado y mantenimiento. Pero cuando la historia arranca, está encantado con el puesto que desempeña en el Departamento de Cartas a Santa. Aquí se deleita con las ilusiones de innumerables niños, que no sólo piden regalos, sino que también envían obsequios, dibujos y hacen preguntas sobre cómo consiguen hacerlo todo en una noche. Pero lo que parece menos probable es que Arthur será el único que podrá salvar el gran día y eso es precisamente lo que ocurre con el último regalo que va a tener que ser entregado a la antigua usanza... ¡con Arthur dirigiendo a los renos! Arthur encuentra en su abuelo a

un aliado, Grandsanta, que tiene sus propias razones para formar parte de la misión. “Grandsanta tiene muy mal humor y es un incordio, pero él y Arthur comparten algo: un sencillo, hondo y profundo compromiso y entusiasmo de lo que es la Navidad”, dice Bill Nighy, que pone la voz a este personaje. “Es el único que puede verdaderamente ayudar a Arthur”. Pero Grandsanta no está interesado en salvar la Navidad sólo porque es lo que hay que hacer, sino porque es una oportunidad para que este vejestorio cascarrabias demuestre a su familia que la forma antigua de hacer las cosas es la mejor, utilizando su viejo trineo. Pero en esta película hasta Grandsanta tiene la oportunidad de cambiar de opinión: “Me gusta como comienza pensando de una manera y termina haciéndolo de otra. Todos sus actos en la primera parte pasan desapercibidos pero van tomando fuerza a medida que avanza la película”, comenta Nighy. Hugh Laurie también forma parte del reparto haciendo de Steve. “Está increíble en este papel”, dice Smith. “El personaje es muy chulo y en cierta forma está un poco enamorado de él mismo, es www.cinemascomics.com


el típico personaje difícil de interpretar. Y Hugh lo capta a la perfección y nos aporta una maravillosa y divertida interpretación”. La película está dirigida por Sarah Smith con un guión de Peter Baynham & Sarah Smith. “Peter es uno de mis más antiguos amigos y colaboradores”. No había pasado mucho tiempo desde mi incorporación en Aardman, desarrollando nuevos borradores para películas, cuando Peter me llamó y me dijo “creo que he tenido una de mis mejores ideas”, y me contó el argumento de Arthur Christmas: Operación Regalo. Me encantó desde el principio y me llegó al corazón. Es una historia grandiosa, conmovedora y divertida. El tipo de historias que me encantan”, nos cuenta Smith. Baynhman cuenta que “había empezado a preguntarse cómo lo hace Santa Claus realmente. ¿Cómo lo consigue? Presumiblemente con algo más grande que un trineo tirado por ocho renos. ¿Cómo se mueve sin que nuestros radares y satélites le vean? Sentí que sería un tema apasionante para hacer una película. Siempre me ha atraído la comedia, así que me imaginé lo que pasaría si Santa tuviera un hijo tan patoso www.cinemascomics.com

como yo, en la operación más importante de la Navidad. “La película es realmente divertida y muy inteligente, al más puro estilo Aardman”, continúa diciendo McAvoy. “Es ingeniosa, inventiva, irreverente, diferente y entretenida. Supongo que todo esto fue lo que nos llevó a hacerla”. Para Smith y Baynham, la mitad de la diversión a la hora de escribir el guión, fue trabajar en todos los detalles de la operación de Santa y en la misión heroica de Arthur. “Una vez que comenzamos a pensar sobre cómo Santa Claus hace lo que hace, fue una locura”, cuenta Baynham. “Comienzas a pensar que tendría que empezar por el extremo sur de Nueva Zelanda e ir zigzagueando alrededor del mundo para hacerlo en doce horas. Tuvimos una discusión sobre las zonas horarias y sobre si Santa Claus podría volar durante el día y regresar de noche. La idea de que los elfos tengan exactamente 18.14 segundos por casa se basaba en los cálculos que hicimos”. Smith continúa diciendo que “después investigamos sobre la distancia que hay entre todos los lugares a los que Arthur y Grandsanta tienen que volar. Calcula-

mos qué velocidad tendría que necesitar el trineo tirado por ocho renos para que Grandsanta pudiera dar la vuelta al mundo y volver en el día. ¿Y qué ocurre si pierden un reno, a qué velocidad tendrían que ir?” Pero no os preocupéis, esto no es concurso, Smith y Baynham se rompieron la cabeza con los cálculos para que no tengáis que hacerlo vosotros. Esperan que el público se centre en lo que realmente importa: la parte central de la historia. Según Smith, “lo principal para Pete y para mí era que cuando estuviéramos trabajando en la trama de la película, conseguir que nos emocionara a nosotros mismos y que fuera veraz. Fue importante no tener que inventarnos las emociones, que llegara de manera real. Y como la película la hemos hecho incluyendo nuestros sentimientos y emociones, el resultado final es muy especial para nosotros”. “Comenzamos por preguntarnos, “¿cómo lo hace Santa Claus?”, nos añade Baynham. “Pero según avanza la historia, la pregunta no es ¿cómo?, sino ¿por qué?”.

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Estreno


16 de diciembre

Las Ardillas y las Chipettes transforman un crucero de lujo en su personal lugar de juegos, hasta que accidentalmente naufragan en una isla desierta. Al intentar encontrar la forma de volver a casa descubrirรกn que el islote no es tan desierto como ellos esperaban.


En 2007, ALVIN Y LAS ARDILLAS, un fenómeno global para varias generaciones de fans, se convirtió en un gran evento cinematográfico que mezclaba los actores de carne hueso y los efectos infográficos con un sentido del humor moderno. En este gran éxito de taquilla navideño, que logró recaudar más de 350 millones de dólares en todo el mundo, el compositor Dave Seville transformaba a las ardillas cantarinas Alvin, Simon y Theodore en auténticas estrellas de la música pop, a la vez que el descontrolado trío arrasaba el hogar de Dave, arruinaba su carrera y ponía patas arriba la hasta entonces tranquila existencia de Seville. Pero, antes de tener tiempo siquiera de gritar “¡Alvinnnnn!”, se empezó a preparar una nueva entrega de ALVIN Y LAS ARDILLAS. No dispuestas a dormirse en sus laureles, a las ardillas se les ocurrió una nueva idea: una secuela, en la que Alvin, Simon y Theodore se toparan al fin con la horma de sus zapatos, con la aparición del nuevo trío femenino, las Chipettes.

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Sin embargo, en esta nueva temporada navideña, las ardillas se disponen a ofrecernos su mayor aventura, más grandiosa y espectacular que ninguna de las anteriores: ALVIN Y LAS ARDILLAS 3, en la que Alvin y sus amigos, acompañados de las Chipettes, se encuentran transformando un crucero de lujo en su zona de juegos particular, hasta que accidentalmente naufragan en una isla remota. Mientras tratan de urdir una forma de regresar a la civilización, descubrirán muy a su pesar que su nuevo territorio no está tan desierto como pudieran haber pensado en un primer momento. La nueva película lo tiene todo: Alvin causando estragos en un crucero de lujo, una épica competición de baile de salsa, un volcán en erupción, material deportivo antropomorfizado, una misteriosa náufraga, las ardillas y las Chipettes volando por los aires en cometas descontroladas y tirolinas improvisadas, y, naturalmente, la música más marchosa pasada por el filtro de las ardillas.

Son Alvin, Simon, Theodore, Brittany, Jeanette y Eleanor como no se habían visto jamás. BREVE HISTORIA DE LAS ARDILLAS Alvin y las ardillas llevan más de 50 años deleitando al público de todo el mundo. Desde el momento en que surgieron, con su gran éxito navideño “The Chipmunk Song”, que alcanzaría el primer puesto de las listas, esta creación del cantante y compositor Ross Bagdasarian, padre, con su particular y pegadizo sonido, se convirtió en un pilar de la cultura popular, tanto entre los más pequeños como entre los mayores. En 1958, Ross Bagdasarian, padre, era un músico y compositor en horas bajas con una familia que alimentar. Había firmado con Liberty Records, un sello discográfico en apuros que necesitaba desesperadamente un éxito. Como todo artista que se precie, Bagdasarian, padre, era alguien dispuesto a asumir riesgos. Vació la cartilla de ahorro familiar, compró un magnetófono último modelo y se sentó a pensar qué www.cinemascomics.com


hacer con él. Mirando por su escritorio, vio un ejemplar de un libro titulado “Duel with the Witch Doctor”. Esa fue su inspiración para la canción “Witch Doctor”, un éxito inmediato que alcanzaría el primer puesto de las listas, y que todo el mundo conoce por su estribillo sin sentido: “OO EE OO AH AH ting tang wal-la wal-la bing bang”. Bagdasarian empleó una particular técnica para crear la voz del personaje que daba nombre a la canción. Redujo la velocidad de grabación del magnetófono y grabó la letra con una voz lenta y grave, y luego la reprodujo a velocidad normal. Esta técnica serviría para definir más adelante las características voces de Alvin, Simon y Theodore. Dado que “Witch Doctor” había superado la marca del millón de www.cinemascomics.com

unidades vendidas, Liberty Records recibió de repente una importante inyección de efectivo. Pero ese dinero no bastaba para salvar el sello indefinidamente, de modo que Liberty no tardaría en encontrarse necesitada de otro nuevo éxito... por lo que recurrieron una vez más a Bagdasarian. Bagdasarian decidió valerse nuevamente de su entorno familiar para inspirarse y se encontró oyendo a su hijo de cuatro años preguntando insistentemente cuánto faltaba para que llegara la Navidad — estaban en plenos calores del verano de 1958 — y así acabó componiendo el eterno tema navideño “The Chipmunk Song (Christmas Don’t Be Late)” (“La canción de las ardillas (No te retrases, Navidad)”)... aunque todavía no le había puesto ese título porque aún no había creado a las ardillas.

A Bagdasarian le encantaba la voz que había creado para “Witch Doctor”, pero quería hacer algo nuevo con ella, dotarla de personalidad, pero no sabía muy bien cómo. Un día, mientras recorría en coche el Parque Nacional Yosemite, una ardilla apareció corriendo, se plantó ante el coche, en mitad de la carretera, se alzó sobre sus patitas traseras y pareció desafiar a Bagdasarian a que se atreviera a pasar. El resto es historia... ya que esa ardilla se convirtió en Alvin. Bagdasarian creó dos compañeros para su travieso Alvin: Simon, el intelectual y práctico, y Theodore, el risitas al que le encantaba comer. Juntos eran Alvin y las ardillas, cuyos nombres provenían de tres de los ejecutivos de Liberty: Al Bennett, Si Waronker y Theodore Keep. Pocos años anCinemascomics │Diciembre 2011 │

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tes, Bagdasarian había empezado a grabar con el nombre artístico David Seville. Y así nació ese nuevo número musical, David Seville y las ardillas. Aunque en un primer momento no fue nada fácil conseguir que emitieran “The Chipmunk Song (Christmas Don’t Be Late)” por la radio, Bagdasarian encontró una pequeña emisora de Mineápolis dispuesta a ponerla antes de que comenzara oficialmente la temporada navideña. La centralita se colapsó de llamadas y el boca a boca hizo que la canción se fuera pasando cada vez por más emisoras, hasta llegar a convertirse en el ‘single’ que más rápido se había vendido para alcanzar el número uno de la lista de éxitos hasta entonces, más de cuatro millones y medio de copias en siete semanas (cifra que acabaría siendo superada por los Beatles, en 1964, con “I Want to Hold Your Hand”); además, sería candidata

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a cuatro premios Grammy®, de los que ganaría finalmente tres. Las ardillas debutaron en un programa de televisión, como marionetas que actuaban con “Dave Seville” (Bagdasarian), en “The Ed Sullivan Show”. Una vez más, se convirtieron en un éxito instantáneo. La gente pedía a gritos más ardillas y se diseñó una imagen para las mismas que era muy distinta de la que con el tiempo hemos llegado a asociar con ellas. Al principio, las ardillas tenían aspecto, bueno, básicamente de ardillas... no exactamente fotorrealistas, pero basadas más en el animal de verdad que en una versión de peluche. Surgió toda una pequeña industria, con todo tipo de juguetes y objetos de recuerdo de las ardillas y, por supuesto, discos. Las ardillas se habían convertido en un éxito descomunal. El público nunca se cansaba de ellas. Después del lanzamiento en 1960

del ‘single’ “Alvin for President”, Bagdasarian recibió una carta de apoyo del entonces senador John F. Kennedy, candidato a la presidencia. Kennedy escribió a Bagdasarian para decirle que le alegraba saber que tenía al menos un rival digno. Su popularidad parecía no tener límites. En apenas tres años, las ardillas habían vendido 16 millones de discos, habían ganado varios premios Grammy entre numerosas candidaturas y se hallaban en la cresta de la ola de una campaña de ‘merchandising’ sin precedentes. Había llegado el momento de que cobraran vida en un medio dinámico y visual. The Alvin Show debutó en televisión en otoño de 1961 y, con él, una nueva imagen para Alvin, Simon y Theodore, y, ya puestos, para el propio Bagdasarian, ya que el personaje de Dave Seville tenía ahora una encarnación en el mundo de la animación. www.cinemascomics.com


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Estreno

IMMORTALS 23 de diciembre El visionario director Tarsem Singh y los productores Gianni Nunnari (300), Mark Canton (300) y Ryan Kavanaugh (The Fighter) llevan a la gran pantalla un relato épico donde se mezclan la traición, la venganza y el destino, IMMORTALS, una espectacular e innovadora aventura en 3D. Un rey enloquecido por el deseo de poder arrasa la Grecia antigua, amenazando con destruir a la raza humana, hasta que un joven

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y heroico campesino se alza contra él realizando una hazaña tan atemporal como impactante. El brutal y sangriento rey Hiperión (Mickey Rourke) y su despiadado ejército avanzan por Grecia, destruyéndolo todo a su paso con implacable eficiencia. Los pueblos caen uno tras otro ante los hombres de Hiperión y cada victoria le acerca un poco más a su objetivo: desatar la furia de los titanes dor-

midos para vencer a los dioses del Olimpo y a medio mundo. Nada parece capaz de detener el inexorable avance del malévolo rey en su conquista del mundo, hasta que un joven llamado Teseo (Henry Cavill) jura vengar a su madre, que ha perecido en uno de los ataques de Hiperión. Teseo pide consejo al Oráculo de la Sibila, Fedra (Freida Pinto), que ante las perturbadoras visiones del fuwww.cinemascomics.com


turo del joven, se convence de que solo él podrá detener la terrible destrucción. Con su ayuda, Teseo reúne a un pequeño grupo de hombres y asume su destino en una batalla desesperada por el futuro de la humanidad. El reparto de IMMORTALS está compuesto por Mickey Rourke (El luchador, Iron Man 2), nominado a un Oscar y ganador de un Globo de Oro; John Hurt (El hombre www.cinemascomics.com

elefante, Harry Potter y las reliquias de la muerte), nominado a un Oscar; Kellan Lutz (la saga Crepúsculo); Henry Cavill (la serie “Los Tudor”); Freida Pinto (Slumdog Millionaire); Luke Evans (Furia de titanes); Isabel Lucas (Transformers 2: La venganza de los caídos), y Stephen Dorff (Somewhere). Tarsem Singh (La celda, The Fall/ El sueño de Alexandria) dirige la

película a partir de un guión de los hermanos Charley y Vlas Parlapanides. Los productores son Gianni Nunnari (300), Mark Canton (300) y Ryan Kavanaugh (The Fighter). Director de fotografía, Brendan Galvin (El vuelo del Fénix); diseñador de producción, Tom Foden (La celda); diseñadora de vestuario, Eiko Ishioka (The Fall/El sueño de Alexandria); montadores, Wyatt Jones (Tron: Legacy) y Stuart Levy (Wall Street: el dineCinemascomics │Diciembre 2011 │

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ro nunca duerme). La producción ejecutiva corre a cargo de Craig J. Flores (300), Tucker Tooley (Sin límites), Tommy Turtle (El curioso caso de Benjamin Button) y Jeff G. Waxman (The Fighter).

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

Cuando los productores Gianni Nunnari y Mark Canton hablaron con los hermanos Charley y Vlas Parlapanides, los autores del guión de IMMORTALS, supieron inmediatamente que habían encontrado una historia tan original como absorbente. “Nos describieron el guión con precisión y detalle”, recuerda el productor Gianni Nunnari. “Nos gustó mucho la idea, pero no estábamos seguros de querer volver a meternos en otra historia épica”. Sus reservas se debían a que acababan de lanzar 300, la innovadora película de época y de acción que batió récords de taquilla. “No cabe duda de que 300 fue un hito en nuestras carreras”, añade el productor Mark Canton. “No se

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había hecho nada parecido hasta entonces. Demostramos que puede hacerse una película histórica de forma moderna, con temas relacionados con los sentimientos, emociones y moral actuales. Gianni es un maestro reconociendo un buen guión. Los dos somos apasionados de la historia, la mitología y la literatura. Decidimos que IMMORTALS sería nuestra segunda asociación para la producción de varias películas históricas y mitológicas”. Mark Canton y Gianni Nunnari se sintieron atraídos por lo que llaman la sensibilidad tipo “Homero se encuentra con Joseph Campbell” del guión. “El mensaje subyacente es que debemos aceptar nuestra responsabilidad”, explica Gianni Nunnari. “Y cuando lo hacemos, descubrimos que es un privilegio. Nos permite vivir una vida más amplia de lo que nos creíamos capaces”. IMMORTALS, la historia de un joven y pobre campesino llamado Teseo que se rebela y acaba teniendo el

destino de la civilización en sus manos, vio la luz como un relato corto escrito por Charley Parlapanides antes de convertirse en un guión coescrito con su hermano Vlas. Los dos habían trabajado delante y detrás de las cámaras, pero era la primera vez que escribían el guión de una película de alto presupuesto. Partiendo de la mitología clásica griega, moldearon una historia que empieza cuando los dioses del Olimpo someten a sus predecesores, los titanes, y encarcelan a los supervivientes en una montaña. “En el guión, nadie recuerda a los titanes”, explica Charley Parlapanides, “hasta que el rey Hiperión encuentra a un titán muerto. En Hiperión vimos al Charles Manson de la Grecia antigua. Concibe un culto sangriento y convence a sus hombres para que le sigan. No solo peligra la raza humana, también los dioses”. Los hermanos Parlapanides idearon una historia original, fiel a la mitología griega. “Nos servimos www.cinemascomics.com


de arquetipos familiares, pero les dimos la vuelta”, dice Charley Parlapanides. “En el centro de la historia se encuentra un hombre que empieza siendo un incrédulo y acaba tomando un camino que le transformará en héroe y mártir”. Teseo, el protagonista, está inspirado en uno de los héroes más prolíficos en hazañas de la Grecia antigua. En esta historia, Teseo es un joven pobre cuya madre ha sido asesinada durante uno de los crueles ataques del rey Hiperión. Teseo ha perdido a la única persona a la que amaba y jura vengar su muerte. “La vida no ha tratado bien a Teseo”, dice Vlas Parlapanides. “Es hijo ilegítimo y, encima, debe enfrentarse a unas circunstancias extraordinarias. Su reacción le define. Al principio es presa de una ira ciega, pero poco a poco se da cuenta de que su combate va mucho más allá”. “Teseo y el rey Hiperión son en

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realidad las dos caras de una misma moneda”, sigue diciendo Vlas. “Hay muchos paralelismos entre los dos. Ambos han sido perseguidos y sojuzgados. Uno se inclina por el lado oscuro y el otro prefiere la luz”. En palabras de Mark Canton: “Hiperión ha bebido de la fuente del mal y tiene una ética muy particular. Es una partida de ajedrez entre el bien y el mal. En realidad, todas nuestras películas giran alrededor de eso, y no siempre queremos llegar a la conclusión de que gana el bien porque sabemos que en el mundo real no es así. Nuestros personajes viajan en un tiempo que conecta con el futuro”. Los productores sabían que tenían algo muy especial entre manos, pero que todo dependería del director capaz de plasmar en imágenes una historia así. “Basándonos en nuestra experiencia, nos pareció esencial encontrar a un cineasta brillante”, dice el productor Mark Canton. “Gianni y yo

conocíamos a Tarsem Singh y nos apetecía trabajar con él. Es un talento fuera de lo normal”. En opinión de Ryan Kavanaugh, presidente ejecutivo de Relativity Media, Tarsem Singh es un visionario: “No solo es brillante como director, también posee la mentalidad de un artista. Esta película es una superproducción comercial, pero nunca la enfocó como tal. Estudió cada fotograma de cada escena. Antes de empezar a rodar, sabía de qué color eran las sandalias de los figurantes y exactamente qué tipo de espadas llevaban”. La visión de Tarsem Singh ha ido mucho más allá que la simple realización de una versión taquillera de un mito griego para Hollywood. Reconoce que el proyecto le ha servido de vehículo para plasmar su visión a gran escala: “Me gusta leer los mitos griegos, pero no me interesaba hacer una película basada en los mitos originales. Me intrigaba la relación entre los hombres y los dioses, por lo

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que podíamos basarnos en relatos tradicionales, usar la mitología como base, pero añadiendo cosas relevantes para el momento actual, tal como se hacía en los cuadros renacentistas”.

dad. La historia no es segura, la mitología tampoco lo es. Además, no nos atrae la seguridad”.

El dinamismo creativo de Tarsem Singh y sus conocimientos empezaron a transformar la historia, pero los productores nunca olvidaron que IMMORTALS también debía ser una aventura de acción que hiciera subir la adrenalina a cualquiera. Por consiguiente, la película está llena de imposibles proezas físicas, efectos de última generación y la sensación que solo puede dar el 3D. “Tarsem siempre buscaba algo que no se había hecho antes”, explica Gianni Nunnari. “A menudo me sorprendía. Busca formas innovadoras y originales para llevar la imagen a la pantalla. Pero hay mucha testosterona en esta película”.

La historia de IMMORTALS reposa en tres personajes de proporciones épicas: el rey Hiperión, un guerrero enloquecido y decidido a hacerse con el mundo; Teseo, un joven aventurero que jura destruir a Hiperión para vengar la muerte de su madre, y Zeus, la autoridad suprema del Monte Olimpo y de los antiguos dioses griegos. El conflicto entre los tres da lugar a una batalla épica en la que intervienen hombres, dioses y semidioses que amenaza con aniquilar a la raza humana. Gianni Nunnari, hablando del casting, dice: “Necesitábamos actores asombrosos, pero también debían entender que la gran estrella es la película”.

Mark Canton añade: “Es atrevido. No nos inclinamos por la seguri-

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EL CASTING DE IMMORTALS: HÉROES Y MONSTRUOS

Desde un principio, los producto-

res y el director estaban de acuerdo en que, para el papel de Teseo, querían a un actor cuya fama no hiciera sombra al personaje. Henry Cavill empezaba a darse a conocer por su papel protagonista como Charles Brandon en la serie “Los Tudor”, pero aún no había sido escogido para encarnar el papel principal de Superman: Man of Steel, dirigida por Zack Snyder. “Cuando nos reunimos con Henry, el guión aún no estaba acabado”, recuerda Tarsem Singh. “Le entregué una página y le dije que leyera el diálogo. Lo leyó tres veces, y las tres interpretó el diálogo de forma totalmente diferente. Es muy versátil. Supe que Henry sería capaz de adaptarse al guión”. El actor estaba entusiasmado por trabajar con Tarsem Singh en una película de ambientación mitológica: “Siempre me ha atraído la mitología. Cuando leí el guión, era una de las primerísimas versiones, pero Tarsem me explicó su visión con un entusiasmo contagioso”.

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Teseo madura durante sus duras experiencias. “La sociedad le ha rechazado y él, a su vez, rechaza a la sociedad”, dice Henry Cavill. “Solo siente afecto por su madre, pero es inteligente. Hace preguntas, no se limita a seguir ciegamente. Un anciano misterioso le protege y le enseña filosofía y artes marciales. Cuando llega a la edad adulta, se ha convertido en un gran guerrero”. El actor reconoce que sus conocimientos sobre los mitos y leyendas que inspiraron la película le sirvieron muy poco para crear su personaje: “Pueden encontrarse paralelismos con los mitos de Teseo, pero esta no es la historia tradicional. Aquí hablamos de una batalla de hombres contra hombres. Hay dioses y hay titanes, pero no participan directamente en los asuntos terrenales”. En vez de documentarse históricamente, Henry Cavill prefirió sumergirse en el mundo que Tarsem Singh creó para la película. “Tarsem me enseñó de dónde sacaba la inspiración y en qué dirección iría”, explica el actor. “Me dio referencias muy importantes para crear Teseo. De hecho, la versión www.cinemascomics.com

final del guión no llegó hasta unos días antes del comienzo del rodaje, pero Tarsem siempre la tenía en la cabeza. Intentar hacer otra cosa habría sido muy arriesgado por mi parte”. La pasión del realizador por el proyector era contagiosa. “Estaba dispuesto a hacer lo que fuera, porque él lo estaba haciendo”, recuerda el actor. “Ponía diez veces más energía que cualquier otra persona en el plató. Tiene un don increíble para explicar lo que quiere”. Los cineastas no dudaron que Mickey Rourke era perfecto para interpretar al monstruoso rey Hiperión. Su reputación como símbolo voluble de Hollywood añade otra dimensión al brillo maléfico del terrible rey. Este papel es otro hito en la fulgurante carrera del actor desde que regresó por la puerta grande con El luchador, por la que fue nominado a un Oscar. “En la vida real, Mickey Rourke es muy honrado y discreto”, dice Mark Canton. “Ha conseguido regresar como lo ha hecho gracias a su gran talento. Por fin tiene el respeto y las oportunidades que siempre mereció. Hace pregun-

tas que solo hacen los grandes. Quiere saber qué puede aportar a la película. Pero cuando Mickey entra en el plató, más les vale a los demás actores que sepan interpretar porque si no es así, los aplastará”. La reputación de Mickey Rourke convenció a Tarsem Singh de que era el actor ideal para el papel. “No existe malo más original que Mickey Rourke”, dice el director. “Por eso le di rienda suelta. Dirigí de forma muy definida a los demás actores, pero dejé que Mickey aportara lo que le apetecía. Es capaz de dar otro giro a los diálogos más sencillos”. Teseo tiene varios compañeros, como Fedra, una sacerdotisa y vidente interpretada por Freida Pinto; un indeseable llamado Stavros, al que encarna Stephen Dorff, y un monje que protege a Fedra. “Un ladrón, un esclavo, un monje, una sacerdotisa”, enumera el director. “No parecen encajar mucho, pero las búsquedas son así, ¿verdad?” Mark Canton supo inmediatamente que Freida Pinto, una joven actriz india que había debutado Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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en Slumdog Millionaire, de Danny Boyle, era Fedra. “Había llegado el momento de que se convirtiera en una estrella de verdad”, dice el productor. “Es guapísima, se entrega mucho al trabajo, es una gran profesional. No había duda de que queríamos tenerla en el reparto”. Gianni Nunnari está totalmente de acuerdo: “Hay actores y actri-

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ces que maduran durante un rodaje, y es lo que ha pasado con Freida”. La llamativa belleza y el aspecto misterioso de Freida Pinto conquistaron a Tarsem Singh de inmediato. “Fedra debía ser exótica en comparación a los demás habitantes de su mundo”, dice el director. “Puede que muchas personas esperen que sea griega, tratándo-

se de una película con tema griego, pero nunca se me ocurrió. En cuanto conocí a Freida, supe que no hacía falta buscar más”. Fedra siempre ha vivido con las demás sacerdotisas y tiene la reputación de ser una gran vidente. Sin embargo, sus visiones son ambiguas. “Se convierten en experiencias perturbadoras porque nunca sabe realmente qué va a pasar”, explica la actriz. “Tiene una visión de www.cinemascomics.com


mewhere, de Sofia Coppola, es Stavros, el aliado y amigo de Teseo. “Es un personaje poco habitual, que dice y hace lo que le apetece”, explica el actor. “Me gusta el sentido del humor de Stavros y su aura de misterio. En realidad, no se sabe muy bien quién es, si acabará siendo bueno o malo. Se enfrenta a Teseo durante un tiempo, pero Teseo comprende que Stavros le protege y que su ayuda le vendrá bien”. Tarsem Singh escogió a Stephen Dorff para el papel porque “Stavros cree ser alguien especial, y me di cuenta de que Stephen tiene el descaro suficiente para aportar el toque de engreimiento necesario al papel”. En opinión de Stephen Dorff, la energía sin límites, la entrega y la eficiencia de Tarsem Singh le convertían en el director perfecto para IMMORTALS: “Una película así solo se consigue teniendo a un capitán como él. Hace el montaje mentalmente mientras rueda. No sobra nada, no rueda de más”.

EL CASTING DE IMMORTALS: DIOSES Y DIOSAS

Teseo, pero no sabe quién es. Le ve con el cinturón del emperador, lo que podría significar que es el deseado libertador. Pero no acaba de fiarse de él porque no le conoce. Tardará en convencerse de que es él”. Freida Pinto reconoce que ha tenido suerte de contar con Tarsem Singh para guiarla por su primera experiencia con un gran estudio www.cinemascomics.com

de Hollywood: “No creo que haya muchos directores que den tantos ánimos como Tarsem. En una película de elevado presupuesto como ésta, el tiempo es dinero, pero nunca se impacienta, siempre está abierto a las sugerencias”.

Tarsem Singh tuvo una original idea a la hora de buscar actores para encarnar a los dioses del Monte Olimpo, que observan con sumo interés lo que pasa en la tierra: “Decidí que todos los dioses debían ser jóvenes”, dice el director. “La sabiduría está asociada a la edad, y los pintores renacentistas representaron a los dioses con rasgos viejos y cuerpos perfectos. En una película no es posible, a menos que todo se haga digitalmente. Mi razonamiento es el siguiente: Un dios no tiene por qué parecer viejo. Si yo estuviera en el Olimpo y pudiera tener el aspecto que quisiera, no llevaría una barba blanca”.

Stephen Dorff, que impresionó al público en su encarnación de un playboy de Hollywood en So-

Un grupo de guapísimos y jóvenes actores encarna a los dioses y diosas. Zeus, interpretado por Luke Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Evans, al que pronto veremos con John Cusack en The Raven, intenta impedir que los otros dioses interfieran en los problemas de los mortales, pero su hija Atenea, a la que da vida Isabel Lucas (Transformers: La venganza de los caídos), busca una solución pacífica al conflicto, mientras Poseidón, encarnado por Kellan Lutz (la saga Crepúsculo), encuentra formas de ayudar a los hombres con enrevesados planes. “El papel de Zeus, como soberano de los dioses, es observar sin actuar”, explica Luke Evans. “La naturaleza debe seguir su curso. Intenta mantener esa regla e imponerla a los demás, pero nadie le hace caso”. El joven actor se sentía feliz con la idea de trabajar con Henry Cavill y Tarsem Singh. “Respeto profundamente el trabajo de Henry”, dice. “Además, hace tiempo que nos conocemos y siempre es agradable trabajar con alguien a quien ves fuera del ámbito profesional. En cuanto a Tarsem, dudo que haya alguien que no se asom-

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bre ante las imágenes que crea. No conozco a otro director que tenga un don semejante contando historias”. Kellan Luzt conoce la mitología griega desde pequeño y siente debilidad por el amable Poseidón. “Soy Piscis y me encanta nadar”, dice. “Mis padres decían que era un pez. Siempre vi a Poseidón como a mi tío favorito. Es el hermano de Zeus y el tío de los dioses más jóvenes. Es verdad que existe cierta rivalidad entre Zeus y él. Y por mucho que Zeus le prohíba hacer algo, como se ve en la película, encuentra una forma de hacer lo que quiere”.

que reunieron los productores y el director fue de gran ayuda para hacer menos duro un rodaje tan arduo: “Ha sido increíble trabajar con estas personas. A pesar de un rodaje durísimo, disfruté cada momento gracias a mis compañeros de reparto”.

EL DEDO DE DIOS

Atenea, a la que encarna Isabel Lucas, también intenta esquivar la prohibición de su padre para poder ayudar a Teseo y a sus compañeros. “En todas las historias mitológicas, Zeus y Atenea están en sintonía”, explica la actriz. “Siempre ha sido la hija favorita y está convencida de que se saldrá con la suya”.

El director Tarsem Singh llegó a la primera reunión con los productores de IMMORTALS armado con una carpeta llena de reproducciones de cuadros pertenecientes a diversos museos para ilustrar la visión que quería aportar a la película. El productor ejecutivo Tucker Tooley, de Relativity Media, recuerda que se quedó bastante sorprendido durante esa primera reunión: “Incluso trajo una reproducción de buen tamaño de un lienzo clásico. A primera vista, el cuadro no tenía nada que ver con lo que habíamos imaginado para la película, pero cuando Tarsem empezó a explicarnos lo que quería, la imagen cobró sentido”.

Según Henry Cavill, el reparto

Su idea era basar las imágenes de www.cinemascomics.com


IMMORTALS en la obra de Caravaggio, el chico malo del barroco italiano. Conocido por saltarse las reglas y por usar modelos de carne y hueso para sus cuadros religiosos y mitológicos, empleaba una paleta de colores saturados, una iluminación dramática, además de imprimir movimiento y emociones a sus temas. Su modo de pintar rompió con el estilo más bien estático del Renacimiento y le valió alabanzas y reproches en igual medida. Los productores entendieron que el ambicioso concepto de Tarsem Singh era perfecto para la película. El director colaboró activamente con el diseñador de producción para recrear la luminosidad de las obras de Caravaggio en la película. “Lo llamamos “la iluminación del dedo de Dios”, dice Tarsem Singh. “Se centra en un punto y parece proceder de una fuente de luz lejana”. El director artístico Michael Manson dice que la visión y la valentía creativa de Tarsem Singh han hecho que IMMORTALS cree un nuevo género épico. “Muchos de nosotros en el departamento artístico llevamos muchos años trabajando con Tarsem”, dice. “Perso-

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nalmente, hace casi 15 años que colaboramos, y nos entendemos fácilmente. Siempre empezamos con su interpretación del guión. A partir de ahí, nos documentamos en bibliotecas, Internet y museos. Todos aportamos algo de nuestros archivos para el vestuario, el maquillaje, las prótesis y los efectos especiales”. En vez de una época histórica definida, el director y el departamento artístico prefirieron crear un mundo original. “Ni es la época minoica ni la Edad del Bronce”, explica Charley Parlapanides. “Es la Edad Tarsem. Está poblada por los dioses del Olimpo y los titanes, pero el punto de vista es único. No es un mundo reconocible. En su mayoría sale directamente de la cabeza de Tarsem. Ha creado algo nuevo e impresionante, oscuro y brutal”. La diseñadora de vestuario Eiko Ishioka, ganadora de un Oscar por el espectacular vestuario de Drácula, de Bram Stoker, de Francis Ford Coppola, es conocida por sus diseños para cine, teatro, televisión y publicidad. Asimismo, es una respetada artista plástica cuyas obras forman parte de la colección permanente del Museo de

Arte Moderno de Nueva York. Su visión iconoclasta tiene muchos puntos en común con la de Tarsem Singh. “En cuanto al vestuario, decidimos muy al principio descartar la ropa tipo Grecia Antigua”, dice el director. “Habría sido contraproducente contratar a alguien como Eiko y atarla de pies y manos. No es necesario decirle que se salga de lo clásico, no tiene ni idea de lo que significa la palabra ‘clásico’”. “Sin embargo, se trata de una película de acción. Era importante que no diseñara un vestuario espléndido en el que fuera imposible moverse”, añade Tarsem Sing. La diseñadora, de nacionalidad japonesa, explica que vio inmediatamente que el vestuario debía pertenecer a un mundo imaginario, pero que a la vez, debía atar su imaginación a una realidad física. Disfrutó colaborando con los actores para que sus ideas tuvieran un sentido práctico. “Durante las pruebas reconozco que tengo ideas bastante locas”, dice Eiko Ishioka. “Para asegurarme de que los trajes son funcionales, les pido a los actores que me ayuden. Creo sinceramente que debe

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haber una colaboración entre el actor y el diseñador”. Freida Pinto disfrutó mucho con el proceso y lo considera esencial para la creación de su personaje. “Eiko diseñó unos trajes maravillosos para todos”, dice la joven actriz. “Pero no era fácil acostumbrarse a ellos. Había que mantener una postura muy concreta para que estuvieran perfectos, pero son una parte esencial en una película de dimensiones épicas como ésta. Llevo un increíble corpiño rojo con falda de raso rojo y un velo negro. Ponérmelo me daba mucha confianza en mí misma. No era nada vulgar, al contrario. Su idea de la sexualidad y sensualidad femenina es muy adecuada”. El traje de Poseidón planteó un

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auténtico reto para Kellan Lutz, sobre todo durante las secuencias de batallas. “Llevaba un enorme casco con un pez que me entorpecía mucho durante las luchas. No oía casi nada porque unas conchas me cubrían las orejas, más bien me parecía estar en el océano. Además, no paraba de darme con el tridente”. Eiko Ishioka reconoce que lo más difícil fue conseguir que las armaduras parecieran realistas. “Quería usar materiales brillantes para los cascos”, dice. “Pero las superficies reflectantes habrían interferido con la filmación delante de un fondo verde. Tampoco quería que las armaduras parecieran falsas, como de madera.

No debían brillar mucho, pero sí lo suficiente para parecer metálicas”. El maquillaje de la diseñadora Nikoletta Skarlatos complementa a la perfección el vestuario ideado por Eiko Ishioka. “El diseñador de producción Tom Foden me mandó un ‘tour’ virtual de los decorados para que pudiera visualizar a los personajes”, explica la diseñadora de maquillaje. “Me documenté muchísimo antes de presentarles una serie de ideas, sobre todo porque soy una gran fan de Tarsem y de Eiko. Estaba convencida de que era la oportunidad para hacer algo fuera de lo común”. “Es una película con mucho mawww.cinemascomics.com


quillaje”, sigue diciendo. “El 3D es muy específico y se aprecia todo. Asimismo, la alta definición incrementa los detalles, por lo que nos hemos esforzado en ser muy precisos”. Nikoletta Skarlatos se esmeró en crear un aspecto especial para Fedra, el personaje interpretado por Freida Pinto: “No seguimos el tradicional maquillaje indio, tampoco es un look contemporáneo. Es algo diferente, misterioso, con pequeños toques muy peculiares”. El peinado y el maquillaje ayudaron a la actriz a meterse en el personaje. “Probaron varios colores para el pelo”, dice Freida Pinto. www.cinemascomics.com

“Al final añadieron extensiones. Cuando acababan de maquillarme, me sentía como alguien de otra época, como otra persona, era Fedra”. Nikoletta Skarlatos también se ocupó de crear la sangre y los efectos especiales de maquillaje: “La sangre puede oscurecerse, pero en 3D se nota mucho. Trabajamos con el director de fotografía para ver qué sangre era mejor para el día y para la noche”.

LA CREACIÓN DE UN NUEVO MUNDO ESPECTACULAR IMMORTALS es una película llena de efectos visuales, acción, aventura y casi todo lo que pueda

imaginarse. Se ha recurrido a lo último en tecnología 3D y efectos visuales para unir la realidad física con mundos creados digitalmente. “No salíamos de nuestro asombro”, dice el productor Gianni Nunnari. “La tecnología usada en esta película debería entusiasmar al público”. Para facilitar la creación del mundo imaginado por Tarsem Singh, los productores optaron por rodar en los estudios Cité du Cinéma, en Montreal. De este modo, las oficinas de producción, los efectos especiales, el departamento artístico y los efectos visuales estaban reunidos bajo un solo techo. El director decidió trabajar con Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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laboraron muy de cerca para que todo encajara. “El departamento artístico vive en un mundo real, construye decorados. Luego usamos estos decorados para crear entornos. Trabajamos con Tom Foden y Michael Manson para que el proceso fuera perfecto”. IMMORTALS hace uso de varios sistemas punta para conseguir un estilo visual sin precedentes. Durante la preproducción, se implementó un sistema llamado InterSense, que ya se había usado para el rodaje de Avatar. “Tarsem podía ver exactamente en qué se transformaría el fondo verde”, explica el productor ejecutivo Jeff Waxman, que también fue el director de producción. “Lo diseñamos todo con meses de antelación. Varios pintores de forillos se dedicaron a diseñar todos los entornos en ordenadores. Al estar todos en el mismo edificio, Tarsem podía ir de un lado a otro y hacer cambios en el mismo momento”.

sus colaboradores habituales, el director de fotografía Brendan Galvin y el diseñador de producción Tom Foden. “Me muevo muy rápidamente, y para alguien que no me conoce puede hacerse cuesta arriba”, explica el director. “Mi equipo habitual se mueve tan rápido como yo. Aunque esta película no tenga nada que ver con lo que hemos hecho hasta ahora, el apoyo práctico que ofrecen es crucial para mí”. El productor de efectos visuales Jack Geist y el supervisor de producción de efectos visuales Raymond Gieringer se unieron al

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equipo para ocuparse de los espectaculares efectos visuales de IMMORTALS. “Se requerían muchos efectos solo para los entornos”, dice Raymond Gieringer, “pero dentro de los entornos, había más efectos: batallas, montañas derrumbándose, luchas entre dioses y titanes. Hablamos de más de cien tomas con efectos especiales”. Se construyeron unos veinte decorados, cada uno con un mundo virtual diferente, y algunos con vistas de 360 grados. Raymond Gieringer hace hincapié en el hecho de que los departamentos co-

La tecnología avanza a pasos agigantados, y Ryan Kavanaugh dice que pudieron ir más allá de lo que le fue posible a James Cameron cuando rodó Avatar. “Tarsem tenía la posibilidad de sentarse delante de un ordenador antes de rodar una escena y verlo todo a escala”, dice el productor. “Podía ver la toma antes de rodarla y decidir cómo rodarla, con qué objetivos. También le facilitaba crear la perfecta realidad 3D y entender qué partes de la escena sobresaldrían”. Durante el rodaje, el director usó otro sistema punta llamado Moses, con el que controlaba las tomas con más precisión. “Moses es un sistema de previsualización para saber de antemano qué aspecto tendrá la toma en una extensión digital o en un mundo creado digitalmente”, explica el director de fotografía Brendan Galvin. “Tarsem podía visualizar la cabeza de una persona aparecer por encima www.cinemascomics.com


de una colina que no existía. Por ejemplo, lo usamos en la escena del monasterio, mirando hacia abajo al campamento de los heracliones, para saber dónde colocar todo lo que no aparecía”. El director está de acuerdo en que el sistema Moses, combinado con una cuidada preproducción, le permitió crear tomas de una composición perfecta. “Podía crear un cuadro”, explica Tarsem Singh. “El sistema visualiza más allá del fondo verde, me daba el control de la composición”.

TRABAJANDO EN OTRA DIMENSIÓN Una película como IMMORTALS, con dioses del Olimpo, dramáticas batallas y grandiosos paisajes, requería un estilo de producción a gran escala. Desde el principio, los creadores de la película fueron conscientes de que debía ser rodada en 3D. Sin embargo, un rodaje con cámawww.cinemascomics.com

ras convencionales 2D para crear los efectos 3D posteriormente en la posproducción, ofrecía al director un mayor control de la profundidad y del alcance dinámico que un rodaje en 3D. “Tomamos todos los elementos en consideración”, explica el director de producción y productor ejecutivo Tucker Tooley. “Antes de rodar un solo fotograma, diseñamos los elementos correspondientes al primer plano y al fondo para optimizar el proceso de tridimensionalización”. Tarsem Singh trabajó con el estereografista David Stump, de 3DCG, para desarrollar las referencias de la profundidad adecuada para que la película encajara con la visión del director. “La diferencia se nota inmediatamente”, dice Tarsem Singh. “Invertimos el tiempo necesario e hicimos una planificación correcta. Algunos ya han tachado el proceso de ‘revolucionario’”. El aspecto innovador fue ejecutado por Prime Focus, la empresa de efectos 3D que se había ocu-

pado de tridimensionalizar éxitos de taquilla como Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma, y Harry Potter y las reliquias de la muerte 3D - Parte 2. Los últimos adelantos tecnológicos, como el programa View-D, propiedad de Prime Focus, dieron al director la flexibilidad necesaria para crear imágenes nunca vistas hasta ahora. Con una plantilla de 4.000 artistas y técnicos repartidos en tres continentes, Prime Focus se dedicó en cuerpo y alma a plasmar la ambiciosa visión de Tarsem Singh. “El reto de cada película es que todo un equipo de artistas se adapte a los requerimientos del director”, dice Bobby Jaffee, ejecutivo de marketing de Prime Focus. “Lo que quieren George Lucas o Michael Bay no tiene nada que ver con lo que quiere Tarsem Singh”. “Las ideas de Tarsem están detrás de todo lo que hicimos”, explica David Stump. “Nos pidió que diéramos volumen y forma a los personajes. La palabra clave fue ‘esculpir’. Queríamos que los Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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personajes parecieran estar delante del espectador y no dentro de la pantalla”. La tecnología demostró ser una continuidad casi orgánica del concepto visual que ha desarrollado el director. “Podía contarse esta historia de muchas maneras”, explica Tarsem Singh, “pero mi sentido de la estética se presta al 3D. Tiendo a rodar conjuntos, escenas largas, y ambos son muy efectivos en 3D. Tampoco me inclino por un montaje rápido o por primerísimos planos, que no funcionan muy bien en 3D. No tuve que adaptarme al 3D, nos entendemos”.

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David Stump reconoce que el proceso de tridimensionalización puede ser lento y arduo, pero merece la pena. “Nos llevó meses de trabajo, pero crear contenidos 3D estereoscópicos en la posproducción nos dio un mayor control. Por ejemplo, podíamos colocar lo que quisiéramos donde quisiéramos. Bueno, no es que pudiésemos, debíamos hacerlo, porque nada cae en el lugar exacto por casualidad”. En opinión de Ken Halsband, ejecutivo encargado de producción de Relativity Media, la película acabada tiene una profundidad y un volumen que no se ha vis-

to antes en la pantalla. “Lo más novedoso y único de esta película es que hemos conseguido dar un aspecto artístico al 3D”, dice. “Todo, desde los decorados al vestuario, se diseñó pensando en 3D. Hemos aprovechado la tecnología más de lo que se había hecho hasta ahora”. IMMORTALS eleva el nivel de los efectos estereoscópicos en el cine. “Tarsem ha creado un mundo nuevo”, dice Tucker Tooley. “Queríamos ofrecer un entorno innovador donde el espectador pudiera sumergirse, y la tecnología 3D nos ha permitido hacerlo”.

VELOCIDAD OLÍMPICA www.cinemascomics.com


durante las escenas de batalla, los dioses se mueven con mucha mayor rapidez que los humanos. Los combates son diferentes. Los mortales luchan entre sí en tiempo real. Los dioses se mueven a una velocidad tremenda cuando luchan, aunque apenas se nota ya que los contrincantes (dioses y titanes) se mueven a la misma velocidad. Sin embargo, cuando los dioses luchan contra los mortales, estos parecen estar inmóviles”. Hay momentos en que los tres tipos de lucha ocurren simultáneamente, pero para convertir en realidad las ideas del director se necesitó mucha paciencia y persistencia. “Rodamos desde la perspectiva de los dioses”, explica Tarsem Singh. “Luego, volvimos a rodar lo mismo desde el punto de vista de los mortales. Tardamos cuatro días en rodarlo para obtener la perspectiva correcta desde los dos bandos. Los seres humanos casi están paralizados, y los dioses pasan como el rayo. No es una lucha justa”.

Los héroes inmortales de la película, los dioses y diosas del Monte Olimpo, son muy diferentes de los mortales. Son más bellos, más fuertes y mucho más rápidos. El director siempre los imaginó como criaturas pertenecientes a otro mundo. “Al final decidimos que los dioses llevaran muy poca ropa”, dice Tarsem Singh. “Debían estar en forma, y fue uno de los factores que se tomó en cuenta durante el casting”. Algunas de sus extraordinarias aptitudes son el producto de un innovador uso de la cámara. “Debían estar a otro nivel”, sigue diciendo el director. “Por eso, www.cinemascomics.com

El director de fotografía Brendan Galvin explica que la magia se crea cambiando la velocidad de la cámara. “A quinientos fotogramas, todo se ralentiza mucho, pero a mil, cualquier movimiento parece estático”, explica. “Es una velocidad irreal, se entra en otra dimensión, se ven otras cosas. La mayoría de nosotros estamos habituados a ver imágenes a mayor velocidad, pero la imagen ralentizada es otra cuestión”. Para el productor Mark Canton, la velocidad “olímpica” es un perfecto ejemplo de cómo se han entretejido los efectos especiales en la película de forma que fueran parte íntegra del relato. “Ver a los dioses moverse a una enorme velocidad y a los mortales a cámara lenta es más que un simple efecto”, dice. “Nadie había intentado manipular el tiempo para dos personajes diferentes

en la misma escena. Más que una película, es una experiencia. Es un acontecimiento, como ocurrió con La guerra de las galaxias la primera vez que la vimos”.

LUCES, CÁMARA, ACCIÓN… Y TODAVÍA MÁS ACCIÓN Para conseguir el alcance, la cantidad y el atrevimiento de las tremendas batallas de IMMORTALS, fue necesaria la colaboración de un ejército de coreógrafos, entrenadores y especialistas expertos en el manejo de la espada y en la práctica de las artes marciales. Las coreografías empezaron a prepararse con seis meses de antelación para ultimar los más pequeños detalles antes del rodaje. Tarsem Singh prefería escenas de lucha más realistas, menos estilizadas de lo que suele verse en películas contemporáneas: “Quería que se vieran los enfrentamientos físicos con las armas de que disponían. Nada puede sustituir al combate físico”. Los productores contrataron a Artie Malesci, que había trabajado en Corrupción en Miami, en Transporter 2 y en la serie “Último aviso”, como coordinador de especialistas. Trece luchadores se entrenaron y ensayaron durante tres meses en Montreal para formar el núcleo de los especialistas. Según Artie Malesci, el resultado es acción de principio a fin. “Filmamos todo lo que hicimos para que Tarsem lo viera. Le parecía bien, mal, lo cambiaba. Mientras preparábamos la coreografía, también entrenábamos a los actores para que estuvieran en forma. Los especialistas se esforzaron mucho, debían conseguir el cuerpo que queríamos o no trabajarían en la película”. El actor Henry Cavill empezó a entrenar seis meses antes del comienzo del rodaje. “Cuando conocí a Henry, estaba en forma”, dice Tarsem Singh. “Pero le expliqué que no bastaba con estar Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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bien, había que estar mejor. Nada de grasa, porque no llevaría mucha ropa. Cuando volví a verle, supe que ya se había metido en el papel”. Henry Cavill recibió indicaciones de cómo entrenarse, y debía mandar fotos regularmente para que la producción viera sus progresos. “Las últimas semanas me entrené sin cesar”, recuerda el actor. “Pasaba ocho horas diarias en el gimnasio, cinco días a la semana”. Freida Pinto cree que el esfuerzo valió la pena: “Tarsem me dijo que los actores estaban transformándose, que debían tener otro cuerpo. Pero no entendí a lo que se refería hasta que conocí a Henry. Tenía el aspecto de un dios”. “Nunca había visto a alguien en una forma física semejante”, dice el productor Gianni Nunnari. “Durante meses se dedicó a esculpir su cuerpo”. También se entrenó para los combates que le esperaban, pero reconoce que las escenas de batalla

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nunca habrían podido rodarse sin el equipo de especialistas: “Son asombrosos. Algunas de las coreografías de los combates eran muy complejas y había que recordarlo todo al pie de la letra. Tarsem suele hacer un plano secuencia, pero nunca hubo que repetir, todos nos acordábamos”. Tarsem Singh escogió un lugar cerrado para rodar la última lucha entre Teseo e Hiperión. “Me gustan los sitios estrechos y creé un cuello de botella”, explica el director. “Hay un túnel. El ejército lucha fuera, mientras que dentro del túnel tiene lugar un mano a mano terrible”. Según Henry Cavill, la lucha en el túnel es realmente espectacular, y el director complicó el desenlace un poco más con tres combates diferentes a la vez. “Teseo e Hiperión se enfrentan al fondo del túnel”, dice Tarsem Singh, “los mortales intentan impedir a los inmortales que entren, y los dioses intentan parar a los titanes. Tres escuelas de lucha: la primera es todo emoción, la segunda es todo ‘guau’, y la tercera es todo

escala”. Los diferentes estilos de lucha hacían más difícil la tarea de los especialistas. “Cuando los dioses luchan con los mortales, es una escuela. Cuando los dioses luchan entre sí o contra los titanes, es otra cosa”, dice el director. “Había que definir claramente cada estilo”. “Tarsem nunca pide más a alguien de lo que se exige a sí mismo”, dice el productor Mark Canton. “Era el primero en llegar y el último en irse. Apenas se sentaba y no desaparecía en su caravana. Venía a pintar sus obras maestras, a trabajar. Nos alegramos mucho de haberle proporcionado los pinceles y el lienzo”. Y termina diciendo: “Todas nuestras películas son especiales, pero en esta hay algo que no puede describirse con palabras. Tiene una dimensión épica que solo un visionario podía darle”.

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Estreno

N O TENGAS MIEDO A LA OSCURIDAD 23 de diciembre

“Los cuentos tradicionales, en muchas ocasiones, hablan de abducciones: hadas raptando a niños, bebés, adultos, y devolviéndolos a sus familias cambiados. Bien en la forma de un sustituto o simplemente retorcidos, llenos de oscuros vicios e inclinaciones, aullando a la luna o lo que sea. Les cambian de una forma extraña y creí que sería bueno integrar esos elementos en la historia.” Guillermo del Toro Productor, co-guionista


Algo muy antiguo y malvado habita en la oscuridad bajo la mansión Blackwood. Cuando la joven Sally Hurst (Bailee Madison) llega a Rhode Island para visitar a su padre (Guy Pearce) y a la nueva novia de éste, Kim (Katie Holmes), en la mansión victoriana que están restaurando, empieza a sentirse como una extraña, su nuevo y ornamentado hogar le parece una prisión fría e indeseable. Alex, obsesionado con su gran proyecto y sus aspiraciones como arquitecto, se ha alejado de su hija y todos los esfuerzos de Kim para establecer vínculos con Sally acaban frustrados. Sally se evade explorando la mansión. A pesar de las advertencias del guardés Mr. Harris (Jack Thompson), Sally se embarca en una aventura que le lleva a descubrir un sótano escondido, abandonado desde la misteriosa desaparición, un siglo antes, del constructor de la mansión, el afamado ilustrador Emerson

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Blackwood. Lo que una vez fue el estudio privado de Blackwood, la oscura, fría y húmeda cámara subterránea, guarda los secretos del pasado de este lugar inestable y profano, y quizá algo aún más siniestro. Con su incipiente curiosidad, Sally se ve sorprendida cuando unas voces desde las profundidades del tiro de la chimenea empiezan a hablarle. Voces que le toman el pelo, la interpelan y ruegan que les ayude. Voces que pertenecen a los Homunculi, criaturas maliciosas y manipuladoras cuyos orígenes datan de un tiempo cuando las hadas y los demonios eran mucho más que simples personajes de cuentos; y que viven en la oscuridad y se alimentan de los dientes de los niños. Cuando Sally, sin querer, libera a las criaturas malvadas de su cautiverio, se encuentra sola en su lenta concienciación de la omnipresencia de estas criaturas en la casa, y de su verdadera naturaleza, de su maldad.

Ciego a los miedos, reales y fundados, de su hija, Alex está demasiado concentrado en la cena que él y Kim están planeando para inaugurar la casa restaurada, como para prestar mucha atención a los cuentos aparentemente sobrenaturales de su hija sobre el mal en la oscuridad, incluso después de que Mr. Harris sufra un ataque brutal, que el adulto justifica como un accidente laboral. Inesperadamente, Sally encuentra una aliada en Kim, quien se reconoce en la joven, en su extraña combinación de fortaleza y fragilidad. Empieza a tomarse lo que dice la muchacha más en serio y decide investigar la raíz de sus miedos, esto le lleva a un descubrimiento inquietante sobre el verdadero destino de Blackwood. Cuando los Homunculi atacan a Sally en el baño, comienza un reinado de terror que amenaza a todo aquel que se cruce por el camino de estas terroríficas criaturas. Esta familia rota debe unirse para www.cinemascomics.com


derrotar el ejército de monstruos malignos. ¿O acaso sufrirán ellos mismos el mismo trágico desenlace que Emerson Blackwood?

SOBRE LA PRODUCCIÓN En México, hace unos 30 años, un joven Guillermo del Toro compartía un juego infantil con sus hermanos, en el se asustaban unos a otros susurrando el nombre “Saaaalllllllliiiiii”. Habían visto la película para televisión de los 70 “FRÍO EN LA NOCHE” (DON’T BE AFRAID OF THE DARK) que les dejó una huella duradera. “Para mi generación fue la película de televisión que más miedo daba del mundo,” dice del Toro. “Nos puso los pelos de punta a toda mi familia y se quedó en mi mente.” Cuando del Toro fue a Estados Unidos, años más tare, buscó el material original durante tres o www.cinemascomics.com

cuatro años antes de que pudiera encontrar al autor y asegurar los derechos. Del Toro escribió el guión junto a su socio Matthew Robbins y dice que “se lo pasaron en grande” trabajando en él. “Muchos de los elementos que introduje en el guión de “NO TENGAS MIEDO A LA OSCURIDAD” eran elementos que luego pasarían a “EL ESPINAZO DEL DIABLO” y a “EL LABERINTO DEL FAUNO” – pequeños momentos, gestos, ideas.” Al escribir el guión, del Toro disfrutó explorando temas que había tenido en mente durante bastante tiempo, particularmente la idea de un hada de los dientes macabra. “He estado obsesionado con el hada de los dientes desde que era un chaval. Me preguntaba: ¿por qué quieren dientes? ¿Se los comen, hacen pequeños murales con ellos? ¿Qué hacen con sus dientes? Nunca llegué a tener una respuesta satisfactoria…”

Pasaron años sin que el proyecto saliera adelante, pero durante ese tiempo el proceso de desarrollo continuó, incluyendo un cambio sustancial con respecto a la fuente original: el personaje de Sally, originalmente un adulto, se reescribió como una niña. “En el telefilm, Sally es mayor, la interpreta Kim Darby. Es una película que tiene mucho que ver con personajes femeninos adultos de una manera retro, anterior a los movimientos de liberación feminista, así que era una mujer modosa, mentalmente herida. Eso no me gustaba y pensé que sería mejor si Sally era una niña.” El título había estado con Miramax durante muchos años y después de la reestructuración de Weistein en 2005, del Toro decidió ver qué había pasado con el guión. “Realmente estaba deseando y rezando que el guión se hubiera dejado atrás para que pudiera darle otro toque. Cuando parecía Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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que se había quedado en Disney y Miramax, fui inmediatamente a Keri Putman y Daniel Hassid y les pregunté si a ellos les gustaría hacerla conmigo como productores, y buscar a un director joven para llevarla a cabo.” El productor Mark Johnson conoció el proyecto en esta etapa. Él y del Toro se conocían desde hace más de una década y habían estado buscando una oportunidad para trabajar juntos. Johnson recuerda: “Estaba en mi coche en Los Ángeles hace unos diez meses, me llamó y dijo ˝¿Quieres producir una película conmigo?˝ y después me habló sobre “NO TENGAS MIEDO A LA OSCURIDAD”.” Del Toro recapacita, “Todo el proceso duró de 1993 a 2009, así que en total nos llevó 16 años hacer esta película, para hacerla de la manera que queríamos y encontrar el director correcto para traer un elemento excéntrico y añadir una personalidad diferen-

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te, y creo que lo encontramos en Troy Nixey.”

val Internacional de Cine de Toronto en 2007.

CAPTAR AL DIRECTOR

Nixey había mando por e-mail fotos del cortometraje a del Toro, que quedó impresionado. Recuerda, “Cuando llegó la hora de buscar a un director para “NO TENGAS MIEDO A LA OSCURIDAD”, nuestro amigo común Nick Nunziata de Chud.com, dijo ˝¿Y Troy? Ve su corto, salió realmente bien˝, vi su corto y me encantó.”

Antes de hacer su primera incursión en la dirección de cine, Troy Nixey había vivido y trabajado en Canada, disfrutando de una exitosa carrera como artista gráfico ilustrando cómics. Entre sus trabajos más destacados están títulos de la serie de Batman con Mike Mignola, Only the End of the World Again de Neil Gaiman, Grendel: Black, White & Red de Matt Wagner, Bacon y el cómic críticamente aclamado Trout. Del Toro estaba familiarizado con el trabajo de Nixey como ilustrador, “me encantó el cómic que hizo con Mike Mignola, así que le seguí los pasos.” Cuando Nixey probó la dirección, su primer proyecto fue un cortometraje intrincado pero dinámico titulado Latchkey’s Lament, que tardó cuatro años en acabar y fue críticamente aclamado en Festi-

Del Toro quedó con Nixey para hablar sobre la historia y el personaje, “sentí que entendía el universo de la niña bastante bien y tenía un gran talento para hacer que las cosas no se desarrollaran de la manera habitual.” De la misma manera, Johnson había quedado muy impresionado con Latchkey’s Lament - tanto es así que llamó a Nixey de repente desde el set de “NARNIA” en Praga para conocerle y para ofrecer su apoyo en futuros proyectos. Así que no fue ninguna sorpresa www.cinemascomics.com


para Johnson cuando Guillermo llamó, con respecto a “NO TENGAS MIEDO A LA OSCURIDAD”: “fíjate que resulta que era Troy dirigiendo”. Nixey no tardó en aceptar la oferta para dirigir su primer largometraje para la gran pantalla, alabando el guión por tener “un muy buen equilibrio entre personajes fuertes y elementos oscuros de fantasía acechando bajo la superficie.” A pesar de la limitada experiencia en cine de Nixey, Johnson le describe como un “visualizador maravilloso” y dice que disfruta produciendo directores noveles. “Necesitan un tipo de ayuda diferente de la gente que ha hecho películas durante años y años.” Nixey tenía confianza a la hora de lanzarse a dirigir para la gran pantalla. Explica: “Afiné mis habilidades como relator de historias a lo largo de mis 17 años trabajando en cómics. Fue cuando hice mi corto, Latchkey’s Lament, que mis ojos se abrieron a lo que creo que es el mejor medio para contar historias jamás creado. Ahora estoy aquí trabajando en Melbourne haciendo esta película y es todo lo que siempre he querido hacer.” Durante la pre-producción el veterano productor Bill Horberg se sumó al proyecto como productor ejecutivo para ofrecer apoyo creativo adicional a Nixey. Horberg dice, “Estaba preparándome para mis vacaciones de verano con mi familia, y sonó el teléfono y era Mark: me dijo lo que era y me sonaba el proyecto, y estaba familiarizado con el título, pero no mucho más.” En aquel entonces, Johnson estaba produciendo “NARNIA” en Queensland y del Toro estaba preparando el rodaje de “THE HOBwww.cinemascomics.com

BIT” en Nueva Zelanda. Horberg dijo: “Simplemente era un trabajo, como lo es siempre, el conseguir que todos se comunicaran entre ellos, el conseguir que Troy articulara su visión de la película, el rodaje de la película, el estilo que estaba empezando a desarrollar y encontrar. El clavar las localizaciones, los horarios y el plan de producción y trabajar con el productor Stephen Jones aquí, intentar hacer que el estudio fuera cómodo, asegurarse de que tuviéramos un plan sólido, económica y creativamente.” El productor ejecutivo Stephen Jones estaba involucrado en la

película en sus estados iniciales y supervisó cada aspecto de la producción a lo largo de la preproducción, el rodaje y la postproducción. Cuando se le pregunta sobre las dinámicas de los productores involucrados Jones explica: “Cada uno tiene sus fortalezas y supongo que las mías son la logística, la organización y el saber presupuestar, y la de Mark es ser creativo y la de Bill es el desarrollo; así que cuando juntas a todos, tienes un equipo que, esperamos, lleve una buena película a la gran pantalla.”

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GUILLERMO DEL TORO VIDA Y SUEÑOS A TRAVÉS DEL CINE Por Christian Arza Guillermo del Toro, director y guionista nacido en México en 1964, conocido por su afición al terror y fantasía que ha plasmado en todos sus productos e incluso en el nombre de su productora: Necropia. Pero este mexicano residente ahora en Los Ángeles ha contribuido al mundo del cine de muchas y muy variadas maneras, regalándonos personajes salidos de su mente que formarán parte de la historia del cine y puede que de nuestras vidas para siempre. Sus temas recurrentes, fantasía con cierto aire oscuro y tenebroso, o los niños que también están presentes en sus películas. Del Toro comenzó su andadura en 1993 con la película “Cronos” una historia vampirica en el que un pequeño artefacto con forma de escarabajo extrae la sangre de la persona que lo porta pero a cambio le proporciona vida eterna. Sin duda una fábula impregnada de ciencia ficción y que contó con un par de actores que repetirían con él en más de una película, Federico Luppi y Ron Perlman. Esta película se hizo con 7 galardones Ariel, los premios que entregan la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas., entre las que se incluía la de mejor película y mejor director, pasando a www.cinemascomics.com

ser una de las 100 mejores películas del cine Mexicano. Tuvieron que pasar 4 años, concretamente hasta 1997 donde se viera recompensado su trabajo previo y empezó a recoger los frutos del éxito que había cosechado. “Mimic”, película que cruza la ciencia-ficción con el terror, basada en el cuento con el mismo nombre creado por Donald A. Wollheim, nos contaba la historia de la doctora Susan Tyler, estupenda Mira Sorbino, en compañía de su marido el también doctor, Peter Mann (Jeremy Northam), que creaban una especie nueva de insecto para poder acabar con una plaga de enfermedades, provocadas por cucarachas, que asola Nueva York. Poco podían imaginar que la especie que iban a liberar iba a evolucionar y se mimetizaría con el mayor depredador, el hombre. Nueva vuelta de tuerca para un género que le encanta a Del Toro. Esta vez, mezclado con otra de sus grandes pasiones, los insectos. Todo un entramado de acción, suspense y por momentos terror para decirnos lo que básicamente muchos ya sabemos, el hombre crea y destruye sin pensar en las consecuencias. Y sino miren a su alrededor y se darán cuenta de cuantos bosques, playas y ecosistemas matamos cada día…

Aquí conoció a una persona que se convertiría en amigo a partir de entonces y que forjaría un trabajo conjunto, el dibujante y escritor Mike Mignola, creador del personaje de Hellboy. Y llegó su inicio de andadura en España, con la genial película “El espinazo del diablo”, thriller fantástico-terrorífico que exploraba la vida de unos niños en un orfanato durante la Guerra Civil Española, que mientras soportaban la represión y la reclusión en un centro asistían a la aparición de un fantasma que les guiaba hacia un gran secreto oculto en lo más profundo del centro. Aquí repitió con otro de sus grandes amigos, Luppi, pero se rodeó de un elenco español para esta ocasión. Supongo que fruto de la colaboración en la producción por parte de España junto a México, y también debido a que la productora del filme es El deseo, la que comparten los hermanos Almodóvar. Eduardo Noriega partició también en la película, junto a Marisa Paredes (que trabajó con Almodóvar) o Irene Visedo, la popular hija de los Alcántara, la familia televisiva. Su primera incursión en el mundo de los comics vendría de la mano de “Blade II” en el año 2002, segunda parte de la saga del vampiCinemascomics │Diciembre 2011 │

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ro que puede ver el sol. Del Toro incorporó en esta entrega a una nueva especie, “Los Reapers” que daría un nuevo aire a la franquicia y traería de cabeza a Blade quien tenía que aliarse con sus enemigos los vampiros, para hacer frente a la amenaza de unos seres que no hacían distinciones entre una especie u otra y comían todo lo que querían. Vamos, que les gustaba la carne y el pescado, como diría aquel. Como curiosidad para aquellos que no lo han visto, aparece Santiago Segura (Torrente), gran amigo del director Mexicano y que en esta ocasión hacía un cameo especial. Mucho debió de gustarle a Del Toro su incursión en el mundo comiquero que en su siguiente proyecto también bebía de las viñetas. “Hellboy”, en el 2004, sumergió al Mexicano en los entes sobrenaturales otra vez, en esta ocasión acompañado por ese pequeño gran demonio abandonado en la Tierra, el del titulo, que es atraido a este planeta por los ansias de poder de Hitler y su gente que construyen un portal para traer a este mundo a los 7 dioses del Caos. Lo que no esperaban era que sus planes se vieran

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trastocados por los aliados que quieren detener a Hitler. Al cerrar el portal algo entra aquí, Hellboy, y deciden criarlo para que luche por el bien a pesar de su aspecto demoníaco. Como no podía ser de otra forma, invitó a su amigo Santiago Segura para hacer nuevamente un cameo, al propio Mignola e incluso él mismo. Sin duda, el mundo de Hellboy es algo totalmente adecuado para alguien como Del Toro. Un universo gigante donde poder desarrollar criaturas, escenarios fantasiosos y villanos sacados de los peores cuentos y todos ellos haciéndolo de una forma que parece hasta racional. Se involucra tanto en el diseño y creación que muchas veces parece más una figura de maquillador, dibujante que de director de película. Voy a hacer una mención especial al proyecto que desarrolló después de dejar al demonio rojo porque es probablemente un punto de inflexión en su carrera. En el 2006, estrenó “El laberinto del fauno”, probablemente una de las mejores películas del mexica-

no en cuanto a historia e interpretaciones se refiere desde mi punto de vista. No sólo por tener un excelente guión llevado por unos actores soberbios sino porque somos incapaces de entrever que es real y que no dentro de la película. Con la Guerra Civil Española como telón de fondo, Del Toro nos sumerge en la historia de Ofelia, una niña obligada a vivir bajo el yugo de la represión y la dictadura en la que se sumía el país en aquella época. Una noche, la pequeña niña descubre unas antiguas ruinas en un laberinto que la llevan a conocer a un fauno (mitad cabra-mitad humano), en esta ocasión convertido en una criatura extraña que parece más un cabrito que se ha erguido, y que la profetiza que ella en realidad es una princesa que llevan esperando los seres mágicos durante años. Para poder convertirse en ella, deberá pasar 3 pruebas que demostrarán que realmente es la elegida. Nueva vuelta de tuerca para el Mexicano en la que poder demostrar sus dotes de fantasía y terror mezclándolo todo bien para conseguir un producto que a pesar de verlo a través de los ojos www.cinemascomics.com


Imagen de “El laberinto del Fauno”. Tras la máscara del Fauno se encuentra el actor Doug Jones, que ya había trabajado para del Toro en Hellboy como Abe Sapien.

de una niña bien podría pasar por el típico cuento del hombre del saco que no queremos contar a los niños pequeños por su crudeza. Y es que esta vez, lo mas aterrador viene del propio ser humano, un hombre, el capitán Vidal (Sergi López) que nos hace creer en lo retorcida que es la mente humana y lo monstruos que podemos llegar a ser y eso que no tenemos muchas veces ese aspecto. Cuesta diferenciar a lo largo de la película, lo que Ofelia ve o cree ver y lo que realmente es. Hay momentos que hasta es mejor ver con ella que ser testigos de la realidad en la que vive, una madre en delicado estado de salud, Carmen (Ariadna Gil), que lleva en el vientre al hijo del capitán, la guerra que acecha la zona donde vive por albergar a rebeldes liderados por Mercedes (Maribel Verdú) o la doble vida que lleva el médico de la zona, el doctor Ferreiro (Álex Angulo) por intentar salvar a la gente que lucha por una buena causa. Todos ellos, excepcionales en sus papeles y fantásticamente liderados por Ofelia www.cinemascomics.com

(Ivana Baquero), detonante de todos los hechos que acontecen. Repetirían con el director en esta ocasión Doug Jones (Hellboy) haciendo del propio Fauno y Federico Luppi, haciendo de Rey. Con esta película le llovieron las nominaciones y los premios por doquier. Y en cierta manera, puede que hasta fuera una prueba de que le debían tomar en serio, no sólo por su imaginación a la hora de contar historias sino por el desarrollo que las proporcionaba. Estuvo nominada a 6 premios Oscars, entre ellos Mejor película en lengua extranjera, mejor guión original o mejor maquillaje, en esta última ganadores entre otras categorías menores. Pero lo cierto es que estaba ahí, y ese era su premio. Ganó en los premios Bafta, otorgados por la Academia Británica y en la que se llevó la estatuilla de Mejor película de habla no inglesa, junto con el de mejor maquillaje y mejor diseño de vestuario. Arrasó también en los Goya, donde recibió 7 galardones del cabezón Español, entre ellas, Mejor actriz revelación para su

protagonista Ivana Baquero y mejor guión original para Del Toro. Y le quedaban los premios de su tierra, los Ariel, en los que de 12 nominaciones obtuvo 9 premios, entre ellos Mejor película, Mejor dirección y Mejor actriz para Maribel Verdú. Los mejores portales de cine en donde se hacen las críticas de las películas la valoraron con una nota muy alta, que la han posicionado la cuarta película con más alta calificación de todos los tiempos. Sin duda todo un logro y una recompensa para Del Toro, que vió como su historia y sus creaciones conseguían llegar a todo el mundo y ganarse un respeto que se pedía a gritos desde su primera incursión el cine. El 2007, a pesar de no ser un año de dirección para él, supuso la integración de otro campo explorado anteriormente pero con un resultado diferente, la de productor. Del Toro siempre ha estado en la búsqueda de nuevos talentos para el género fantástico, quizá para descubrir a más Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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buenas raciones de su propia medicina. Le cogió cariño al personaje de Hellboy, tanto que llegó a firmar su secuela en el 2008. “Hellboy 2: El ejército dorado” le trajo de nuevo el personaje de Mignola con una nueva aventura. Esta vez para enfrentarse a una armada dorada dispuesta a acabar con el mundo. Más personajes extravagantes que crear, situaciones que imaginar y parajes que inventar. Las fuentes del comic son infinitas y a Del Toro le sirve para poder explorar. Repitió con el elenco principal de la primera película para dar continuidad a las historias y le rodeó de una galería de secundarios con los que explotar la acción y a los personajes. Recientemente ha declarado que le gustaría terminar con la saga en una tercera entrega que finalizaría las aventuras del demonio rojo, por lo menos hasta que alguien le resucite con un remake o un orígenes tan famosos hoy en día.

personas con sus mismas aficiones y gustos para poder apadrinarlos, ayudarlos a crecer y realizar sus proyectos. De aquí salió la idea de “El orfanato”, idea que produjo junto a Telecinco cinema y que se basó en una idea de Sergio G. Sánchez para que la dirigiera Jose Antonio Bayona. El argumento gira en torno a Laura (Belén Rueda) que regresa al orfanato donde creció junto a su hijo y marido. El niño juega por la casa con un amigo imaginario tapado con un saco en la cabeza y al que se le unen mas niños ante la inquietud de su madre. Durante una fiesta, su hijo desaparece y empieza la búsqueda de él a través de la casa y lo sobrenatural. Papelón para

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Belén Rueda que borda el papel de madre protectora y angustiada por la situación y papelón para el niño protagonista Simón (Roger Princep). De nuevo los niños como protagonistas en una historia, de nuevo fantasmas y de nuevo una situación que vivimos primero de la mano del niño y luego de la madre. Ingredientes que atrajeron naturalmente la atención de Del Toro y que insistió en poder participar, y que reportó grandes premios no sólo para España sino para el mexicano que ha visto como New Line Cinema ha comprado los derechos para hacer una versión Americana y en la que Del Toro estará de nuevo presente como productor para asegurar

Exploró en el 2009 una faceta en la que nunca había participado, la de escritor de libros. Con su primer libro “Nocturna” volvía al género que le cosecho éxitos, los vampiros, para contar la historia de una pandemia que transforma a los humanos en vampiros. El libro lo co-escribió junto a su amigo Chuck Hogan como parte de una trilogía (Nocturna, Oscura y Eterna) que verían la luz progresivamente. Actualmente se prepara el lanzamiento de la segunda parte de la trilogía. En el 2010, retomó su faceta de productor con la cinta “Los ojos de Julia” en la que nuevamente coincidido con Belén Rueda como protagonista de este inquietante thriller en la que Julia (Rueda) descubre que su hermana a muerto y que este hecho esta rodeado de cosas inexplicables y de alguien que la sigue a todos los lados. Una película que tuvo éxito de taquilla en España y que ha conseguido exportarse a algunos países europeos para poder distribuirla. Y ahora, este año 2011, a punto www.cinemascomics.com


de estrenar como productor “No tengas miedo a la oscuridad” historia de terror-fantasía de las que le gustan a él para contarnos la historia una chica, Katie Holmes, que se muda junto a su padre a una casa anteriormente habitada por su abuela fallecida. En una casa, que aparentemente es normal, descubrirán una especie de portal dimensional hacia el más allá por el cual se filtran una serie de abominables criaturas. En este caso, remake de una cinta de 1973 en la que la original es bastante superior en cuanto a ambiente terrorífico y criaturas. Igual la mano de Del Toro ha provocado cierto toque de fantasía que hace que la película pierda un poco de empaque final, y puede ser que el guión también esté algo falto de chispa nueva que Del Toro sabe impregnar a sus productos. Su futuro sin duda alberga muchos proyectos, algunos que se han escapado de sus manos como “El Hobbit” para el que llegó con Peter Jackson y que tuvo que abandonar después de dedicarle 2 años de preparación y preproducción dejando a Jackson todo el trabajo. Imaginar lo que la mano de Del Toro hubiera podido impregnar la Tierra Media, dragowww.cinemascomics.com

nes, orcos, elfos... una pena para el que esto escribe. Pero hay muchos que tiene bien firmes en su mesa como una nueva versión de “Frankenstein” que espera vea la luz en el 2012 y de la que ha declarado que no se ha contado la historia desde donde él la ha imaginado. “En las montañas de la locura” con un presunto Tom Cruise cogiendo el testigo protagonista en sus películas y enfrentándole a seres monstruosos, aires espeluznantes, aventura y terror. Lástima que las cosas vayan muy despacio para este proyecto tan interesante. Lo que sí es real es que veamos su proyecto “Pacific Rim” en el 2013 y que contará con un viejo amigo de él, Ron Pearlman, que ya trabajó con Del Toro en Hellboy, era el diablo rojo del titulo, para contar la historia de una invasión alienígena que amenaza la Tierra y que los humanos usarán unos robots gigantes para detener tal amenaza. Me recuerda en cierta manera a la serie de los Power Rangers, aquellos chavales adolescentes que tenían esos robots enormes (Los Zords, no finjáis que no lo sabíais porque os acordáis de ellos) para combatir a los

alienígenas agigantados que mandaba la pesada de Rita, la mala. Pues esto es parecido pero con un argumento actualizado y algo menos infantiloide si me lo permitís, para que Del Toro pueda explayarse tranquilamente y pueda crear a su antojo mundos y criaturas que en el fondo es lo que a él le encanta, su verdadera pasión. Yo creo que él, en el fondo, es un chaval enamorado de lo que el cine le permite hacer y deshacer, crear y destruir y que dirigir es sólo un medio para exponer lo que realmente le inquieta o le emociona. Un vehículo. Es uno de los directores a tener en cuenta en todos los círculos en los que se mueve, dicen de él además que es como un niño grande y que es buen amigo, vistos los cameos que pide. Ya va siendo hora de que también digamos que es buen director, que se lo ha ganado a pulso con su trabajo todo este tiempo. Y si a Spielberg le coronamos en la aventura, a Scott en la ciencia ficción, a Lucas por Star Wars o a Eastwood por el western, yo corono a Del Toro en el terror junto a los maestros, porque tarde o temprano el alumno se convertirá en maestro. Y es una forma de seguir aprendiendo… Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Estreno

XP3D

27 de diciembre

Ángela, es una estudiante de psiquiatría escéptica de la existencia del mundo paranormal. El profesor Fuentes, el más duro y excéntrico de la facultad, propone a Ángela y a un grupo de estudiantes demostrar o desmentir la existencia de hechos inexplicables, investigando un pueblo maldito llamado Susurro, para aprobar su asignatura. Sobre Susurro existe la leyenda del Doctor Matarga que asesinó a

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decenas de habitantes con métodos terroríficos. Los supervivientes se vengaron y lo encerraron en las minas de sal para que muriera lentamente. Dice la leyenda que el espíritu aguarda allí y ha torturado y matado a los que se han atrevido a importunarle. Ángela y sus compañeros, Belén, José, Carlos y Toni, emprenden el viaje a Susurro. Al cual se suma Diana, la hermana menor de Án-

gela, que les presta su furgoneta. La relación entre Ángela y Diana ha sido fría desde la infancia, cuando unos trágicos acontecimientos las separaron. Juntos recorren el pueblo y las antiguas minas de sal, donde encerraron al DOCTOR. Sin hacer caso a las advertencias abren un portal hacia el mas allá, con trágicas consecuencias. www.cinemascomics.com


XP3D, es la primera película española de terror en 3D, con un reparto encabezado por Amaia Salamanca (Sin tetas no hay paraíso, Fuga de cerebros), Maxi Iglesias (Mentiras y gordas, Física o química), Luis Fernández (Tres metros sobre el cielo, Los protegidos), Úrsula Corberó (La República, Física o química), Oscar Sinela www.cinemascomics.com

(El castigo, Física o química), Manuel de Blas (Los fantasmas de Goya, Ángel o Demonio), Miguel Angel Jenner (La Riera, 23- F el día más difícil del Rey) , Eduard Farelo (Los ojos de Julia) y Alba Ribas.

y Rodar, responsable de éxitos como El orfanato y Los ojos de Julia, y Antena 3 films, en colaboracion con Chroomosome 22, y que distribuirá Sony Pictures Releasing de España

El director novel Sergi Vizcaíno dirige este thriller de terror en 3D producido por Rodar Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Estreno

DRIVE

28 de diciembre

Drive (RYAN GOSLING) es un conductor especialista de cine por el día y un conductor para fugas por la noche. Pero no importa el trabajo que tenga que hacer porque Drive se siente siempre a gusto detrás del volante. Shannon (BRYAN CRANSTON) es mentor de Drive a la vez que su jefe. Desde que se dio cuenta del talento de Drive al volante, le busca directores de cine y te-

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levisión del mundo del entretenimiento o a ladrones que necesitan el mejor conductor para sus fugas, pero llevándose una comisión en ambos casos. Shannon siempre está planeando la forma de hacer dinero y ahora quiere encontrar un coche de carreras que pueda competir en el circuito profesional. Dado que Bernie Rose (ALBERT BROOKS) es el hombre más rico que conoce,

y a pesar de que los orígenes de su dinero son bastante dudosos, Shannon le propone convertirse en su inversor. Después de ver a Drive en acción en la pista de carreras, Bernie Rose insiste en que Nino (RON PERLMAN) sea también su socio. Drive es un solitario y no le entusiasman los planes que Shannon le busca. Pero su mundo cambia el día que se encuentra con Irene www.cinemascomics.com


(CAREY MULLIGAN) en el ascensor del edificio donde vive. Cuando vuelve a verla en la tienda de comestibles con su hijo pequeño, Benicio (KADEN LEOS), se queda paralizado y le ofrece ayuda cuando se encuentran de nuevo en el aparcamiento y el coche de Irene no arranca. A partir de ese momento, Drive se acostumbra a llevar a Irene a su trabajo de camarera y a vigilar a Benicio mientras el coche de Irene está en el taller. www.cinemascomics.com

Este interludio en la vida de Drive termina bruscamente cuando Standard (OSCAR ISAAC), el marido de Irene, sale de prisión antes de tiempo por buen comportamiento. A pesar de que no ha pasado nada entre Drive e Irene, Standard se siente amenazado por la presencia de otro hombre en su vida familiar. Drive se retira ya que respeta el deseo de Irene de mantener unida a su familia. Pero cuando encuentra a Standard en-

sangrentado y tirado en el garaje con Benicio a su lado y muy asustado, Drive se enreda mucho más en la vida de Irene. Y es cuando empiezan los problemas...

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criticas

Acero Puro

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Por David Larrad

Ciencia Ficción / EEUU / 2011 / 126 minutos / DreamWorks SKG / ImageMovers / Angry Films. Director: Shawn Levy. Actores: Hugh Jackman, Dakota Goyo, Evangeline Lilly, Anthony Mackie, Kevin Durand, Hope Davis, James Rebhorn, Marco Ruggeri, Karl Yune, Olga Fonda, John Gatins. Guión: Leslie Bohem, John Gatins, Dan Gilroy, Jeremy Leven. Música: Dani Elfman.

“Acero Puro” es una mezcla de varias películas y el resultado no puede ser mejor, por un lado la historia se asemeja a “Yo, el Halcón” film protagonizado en 1987 por Sylvester Stallone, donde un campeón de pulsos recorre el país con su hijo del que se tiene que hacer cargo cuando su madre muere, por otra parte “Acero Puro” también copia otro éxito de Stallone, nos referimos a “Rocky”, ya que la pelea final entre “Atom vs Zeus” podría ser una recreación robótica de la mítica pelea de “Rocky vs Apollo”. Por último tiene un toque de “Transformers” pero mientras Michey Bay tenia la manía de mostrar las peleas con movimientos muy rápidos que incluso mareaban, aquí la cámara esta quieta y podemos ver con todo detalle lo bien hechos que

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están los robots. Si repasamos la trayectoria del director Shawn Levy vemos que está llena de films para toda la familia, así que en “Acero Puro” han tratado de hacer un espectáculo para todas las edades y rebajar la violencia que se podría intuir al principio con los trialers y las primeras imagenes que nos enseñaban.

con el robot al más puro estilo Justin Bieber. La banda sonora es muy buena con auténticos temazos como “Bad Meets Evil” de Fastlane y “Till I Collapse” de Eminem. En definitiva, muy entretenida y muy bien hecha, con una historia entrañable y unos combates de autentico lujo.

Sin duda lo mejor del film es la relación entre el niño y el padre, atención a Dakota Goyo que si sigue por este camino y Hollywood no le deslumbra hay actorazo de nivel, ya que se pone al mismo nivel que uno de los actores más carismáticos de la actualidad como es Hugh Jackman, incluyendo los bailecitos que se monta el niño www.cinemascomics.com


In Time

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Por David Larrad

Ciencia Ficción / Acción / EEUU/ 2011 / 109 minutos / New Regency / Strike Entertainment. Director: Andrew Niccol. Actores: Justin Timberlake, Amanda Seyfried, Vincent Kartheiser, Cillian Murphy, Johnny Galecki, Olivia Wilde, Alex Pettyfer, Matt Bomer, Rachel Roberts, Elena Satine, Yaya DaCosta. Guión: Andrew Niccol. Música: Craig Armstrong.

“In time” cuenta con una idea de un futuro muy innovadora, pero una vez que ya conocemos la sociedad en la que viven los personajes, la película se hace bastante monótona y previsible, las escenas de acción se sustituyen por gente corriendo, no paran de correr en las dos horas que dura el film. Lo que al principio parece una crítica social contra el sistema donde los ricos se hacen cada vez más ricos y los pobres en cambio cada vez son más pobres, siguiendo las teorías de Darwing donde el fuerte prevalece sobre el débil, pasa a ser una especie de “Bonnie and Clyde” mezclados con “Robin Hood”, es decir la pareja de enamorados que atracan bancos www.cinemascomics.com

de tiempo para regalárselo a los pobres. El principal problema de la película es que el futuro en el que esta planteado es demasiado parecido a nuestro presente, es decir si ya hay gente con más de 100 años con el aspecto de 25 años quiere decir que la tecnología por la que los humanos se rigen por el tiempo de vida se creo hace mucho tiempo, por lo tanto otro tipo de tecnología como en coches o en teléfonos debería ser también mucho más avanzada, así sería un futuro imaginario más llamativo o que creara más atención para el espectador, ya que la historia parece que no daba para más.

que en vez de actuar lo único que hacen es correr, una mención especial a Cillian Murphy, un actorazo como ya vimos en el “Batman” de Nolan o en “Orígen”. En definitiva, prometía una gran historia y se queda en un film bastante plano que se digiere rápidamente, pero que se olvidará igual de rápido.

Los actores están correctos ya Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Attack the Block

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Por Carlos Gallego

Ciencia Ficción / Inglaterra / 2011 / 80 minutos / Studio Canal / Film4 / UK Film Council. Director: Joe Cornish. Actores: John Boyega, Jodie Whittaker, Alex Esmail, Franz Drameh, Leeon Jones, Simon Howard, Luke Treadaway, Jumayn Hunter, Danielle Vitalis, Paige Meade, Sammy Williams, Michael Ajao, Nick Frost, Joey Ansah. Guión: Joe Cornish. Música: Steven Price

La cinta claramente influenciada por el cine de John Carpenter o Joe Dante, es todo un homenaje a películas de los 80 como Critters o La cosa del propio Carpenter; un film modesto tanto en presupuesto como en sus pretensiones, pero que sabe salir adelante gracias precisamente a ese toque ochentero en la realización, incluso en los FX, donde han quizás por esa falta de medios han dejado atrás los efectos en CGI, recurriendo a muñecos de latex y gente disfrazada y que no por eso dan menos miedo, también sobre todo a un guión ingenioso que sabe mantener el equilibrio de tensión, con toques de humor y muy gamberro, el pobre E.T. lo hubiera teni-

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do crudo de haberse cruzado con la pandilla protagonista en vez de con Elliot. En cuanto a los críos están todos increíbles destacando el papel protagonista de John Boyega, un joven actor que tiene cierto parecido físico a Denzel Washington, y que da vida a Moses, el propio Cornihs explicaba que en su forma de homenajear a Carpenter quiso darle al personaje una aire a lo Snake Plissken en Rescate en New York. Ciertamente no habrá que perder de vista a este chaval porque podría ser uno de los futuros héroes del cine de acción que venga y sino al tiempo. En cuanto a la aparición de Nick Frost, aun-

que va apareciendo a lo largo de todo el film se queda en algo meramente simbólico. En definitiva estamos ante un film muy recomendable y que con el tiempo puede llegar a convertirse en un film de culto como las películas a las que homenajea.

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Misión Imposible: Protocolo fantasma

Por David Larrad

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Acción / EEUU / 2011 / 132 minutos / EEUU / Paramount Pictures. Director: Brad Bird. Reparto: Tom Cruise, Jeremy Renner, Simon Pegg, Paula Patton, Josh Holloway, Michael Nyqvist, Ving Rhames, Tom Wilkinson, Léa Seydoux, Vladimir Mashkov, Anil Kapoor, Michelle Monaghan. Guión: Christopher McQuarrie, Josh Applebaum, Andre Nemec. Música: Michael Giacchino.

“Mision Imposible: Protocolo fantasma” es la típica película de acción, muy bien hecha con un ritmo frenético, ya que sus más de 2 horas se te pasan volando. Lo mejor sin duda son los artilugios que usan desde coches que casi parecen naves espaciales, guantes que se pegan a los cristales y sobre todo la pantalla que simula el fondo de un pasillo, un invento genial sin duda, que cualquier espía que se precie debería usar. La escena del edificio de Dubai, el más alto del mundo que tanto hemos visto en carteles y los trailers del film es sencillamente www.cinemascomics.com

espectacular haciendo que la tension aumente cada segundo. Tom Cruise a sus 49 años esta hecho un portento fisico como bien demuestra en las escenas de acción aparte que su personaje parece inmortal porque sale ileso de todos los golpes, caidas y peleas en las que interviene.

es todo un heroe de acción. En definitiva, una gran película de acción a la que no le falta de nada y que entretiene desde el primer segundo. Sin duda de lo mejor que hemos podido ver este año.

Jeremy Renner al que pronto veremos en “Los Vengadores” haciendo de Ojo de HalcÓn merece una pelicula de protagonista ¡Ya!, y esperemos que sea interpretando al personaje de Marvel, ya que Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Immortals

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Por David Larrad

Fantástico / EEUU/ 2011 / 110 minutos / Relativity Media / Virgin Produced / Hollywood Gang Productions / Atmosphere Entertainment MM. Director: Tarsem Singh. Actores: Henry Cavill, Mickey Rourke, Luke Evans, Kellan Lutz, Isabel Lucas, John Hurt, Freida Pinto, Robert Maillet, Stephen Dorff, Anne Day-Jones. Guión: Charley Parlapanides, Vlas Parlapanides. Música: Trevor Morris.

”Immortals” es una libre adaptación de la mitología griega, parece ser que Hollywood está más interesado en hacer dinero que en respetar la historia griega tal y como la conocemos. La estética es clavada a “300” desde los soldados musculados, los trajes y en algún que otro decorado, hay movimientos de cámara y coreografías de lucha que directamente han sido robadas del film de 2006 de Zack Snyder. Lo pero de todo es lo esperpentico de algunos cascos que llevan los personajes, como las pinzas de Hyperion y los cascos de los Dioses ya que en vez de el Olim-

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po parecía una caravana de Drag Queens, en pantalla quedaban fatal, más del estilo de películas parodia como “Casi 300”. Los decorados son bastante malos, solo vemos un acantilado, un desierto blanco de sal y un muro. La historia de amor es bastante sencilla entre el fornido protagonista y la joven virgen Oráculo, que le durará bastante poco la virginidad. Así que nos pasamos casi una hora y media viendo al sanguinario Hyperion, al grupito de rebeldes liderados por Teseo y a los Dioses, hasta que llegamos a el último

cuarto de hora que la película se transforma en el videojuego “God of War” y comienza la brutalidad y la sangre. En el poster y en el trailer nos habían enseñado imagenes de una especie de guerra en los cielos, la decepción llega cuando nos damos cuenta que tan solo dura 5 segundos. Por no hablar de los titanes que son todos iguales, ya podrian haberlos hecho un poco diferentes y menos grises. En definitiva, los efectos estan bien, la historia inventada es pasable pero en conjunto se hace lenta y aburrida.

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Drive

Por Enrique Abenia

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Acción / EEUU / 2011 / 100 minutos / Bold Films / Odd Lot Entertainment / Marc Platt Productions / Seed Productions. Director: Nicolas Winding Refn. Reparto: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Christina Hendricks, Bryan Cranston, Oscar Isaac, Albert Brooks, Tina Huang, Joe Pingue, Christian Cage, James Biberi. Guión: Hossein Amini (Novela: James Sallis). Música: Cliff Martinez.

El danés Nicolas Winding Refn no ha podido tener mejor bautismo en Hollywood. Sin el bombo mediático de las películas que han entrado en liza en la temporada de premios, ‘Drive’ encandiló a la crítica en Cannes, donde obtuvo el premio al mejor director, y no dejó indiferentes a quienes la vieron en San Sebastián y Sitges. Es el ‘thriller’ del año. El filme se centra en un joven experto en conducción. Trabaja como especialista cinematográfico en escenas de acción, así como se encarga de las reparaciones en un taller. Y de vez en cuando colabora en robos. No hace preguntas www.cinemascomics.com

y sus condiciones son sencillas: espera en su vehículo durante cinco minutos, y si transcurrido ese tiempo los ladrones no han regresado con el dinero, se marcha. Su talento no pasa desapercibido para un adinerado hombre de negocios, que accede a patrocinarlo con objeto de que compita en circuitos de carreras profesionales. Todo cambia cuando conoce a su vecina y a su hijo, con los que entabla una peculiar relación. El protagonista no dudará en ayudar al marido de la mujer, recién salido de la cárcel, aunque eso implique tener problemas con la mafia.

Crítica de ‘Drive’: Cuenta con elementos para satisfacer al cinéfilo: un héroe solitario y misterioso, en la línea de los filmes del género de los 60 y 70; buenas actuaciones (no solo brilla Ryan Gosling, también los secundarios, en especial Carey Mulligan y Albert Brooks) y una dirección con personalidad. Winding Refn rueda con estilo una historia hipnótica y con momentos potentes (como los del motel y el ascensor). Su realización se apoya en el montaje y la estupenda fotografía, sin olvidarse de la pegadiza banda sonora. Más que un ‘thriller’, ‘Drive’ es una pieza de autor. No se la pierdan.

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Orient Express

THE YELLOW SEA Por Francisco Nieto

Avalada por el merecido premio a la mejor dirección conseguido en el pasado Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya (Sitges 2011), nos llega la coreana The Yellow Sea, y su estreno en nuestro país, aunque se produzca de forma limitada, no puede más que congratularnos, en unos días navideños en que la cartelera se suele llenar de producciones tan intrascendentes como aburridas (uno tiene la sensación de que, entre gatos con botas y pingüinos que bailan más que al cine

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parece que vaya a un zoológico). El único pero es que la iniciativa de estrenar atractivas producciones orientales en formato de gran pantalla tiene fecha de caducidad, y aunque el gran trabajo que está llevando a cabo Mediatres a la hora de difundir todo un catálogo de buenas películas está siendo recibido con entusiasmo por el público, en el mes de febrero los trabajos con vitola de finalistas a los Oscars se harán dueños y señores de todos los cines.

Consolémosnos pues con este maravilloso thriller de acción que apabulla por su factura impecable y por la contundencia de una historia que arraiga en la acomodada retina del espectador. Desde luego no se trata de un producto de fácil digestión, sobre todo en lo que a la última parte del metraje se refiere; la hemoglobina salpica cada fotograma y a una escena brutal le sigue otra todavía más salvaje, llegando a rayar límites grotescos. Pero para el aficionado que disfrutó con propuestas tan www.cinemascomics.com


Estreno 5 de enero radicales como la ya clásica Old boy, de Park Chan Wook, o las más recientes Yo encontré el diablo (I saw the devil, 2010) de Kim Jeewon y The man from Nowhere, de Lee Jeong-beom, esta propuesta le resultará tan atractiva como original en sus planteamientos. Ahora ya no se trata de un ejercicio de violencia gratuita, aunque algunos puedan pensar lo contrario, sino que todo lo que ocurre en ese tercio postrero está más que justificado por una primera parte en la que la exposición de www.cinemascomics.com

denuncia de una situación, la de la explotación que sufren los norcoreanos que viven en China, nos sitúa en un contexto que justifica todo lo que acaece a partir de entonces. Gu-nam, que así se llama el héroe de la función, vive una situación límite. Después de pedir dinero prestado a unos mafiosos para que su mujer pueda emigrar a Corea del Sur, se encuentra con que ésta no da señales de vida ni le envía el dinero necesario para pagar la deuda, mientras se ve amenazado por los usureros y

a punto de perder su trabajo de taxista. Desesperado, acepta una oferta que solventará sus problemas económicos, además de permitirle viajar a Corea donde, tal vez, pueda reencontrar a su esposa; a cambio sólo tiene que hacer una cosa: matar a un hombre. Durante el viaje y la estancia en su ‘mediapatria’, conocerá la patética situación de otros inmigrantes del Norte, condenados a la pobreza, la marginalidad y la explotación. Hasta aquí el drama humano. Como no podría ser de Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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otra manera, nada saldrá como estaba previsto y nuestro protagonista se verá envuelto en una serie de acontecimientos sangrientos (con fugas al humor tan propias de este tipo de films coreanos) que le arrastrarán a una espiral de violencia incontrolable. Aquí no hay pistolas ni disparos, pero el uso y abuso de lo que conocemos como “armas blancas” (cuchillos, navajas, hachas…) nos

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ofrece un espectáculo grandguiñolesco de cercenaciones y amputaciones mil. Sí que es cierto que tanto derrame y exceso puede llevar a escandalizar a un público menos avezado en la materia, y que la intensificación de los actos violentos repercute en que la historia se pierda por momentos entre la dispersión de personajes y las maquinaciones más delirantes, pero quien escribe sólo pue-

de atestiguar el deleite y disfrute de toda la platea ante un espectáculo de tal magnitud. El artífice de tan recomendable trabajo no es otro que Na HongJin, en la que es su segunda película tras la también multipremiada The Chaser, de 2008 (Cannes, Sitges y Deauville entre ellos), un debut que dejó boquiabiertos a propios y a extraños al presenwww.cinemascomics.com


tarnos un thriller repleto de sorprendentes vueltas de tuerca, convirtiéndose así en una de las cintas más taquilleras en la historia del cine coreano. Todas las constantes que ya se celebraron en este primer trabajo de su autor aparecen de nuevo y mucho más desarrolladas en The Yellow Sea: a lo largo del film se nos va suministrando de forma paulatina la información y las pistas necewww.cinemascomics.com

sarias para que desgranemos el guión y tengamos la dosis de suspense necesaria para mantenernos en tensión; el ritmo es dinámico y agitado (si bien en algunos momentos pasaremos al cambio de registro en cuanto a género, viendo pequeñas dosis de humor negro) y los personajes están muy bien definidos. Si nos referimos a este último punto, el que hace referencia a las grandes interpre-

taciones que suelen acompañar a las creaciones del realizador treintañero, en este caso nos encontramos con dos actores realmente soberbios, dos auténticas estrellas en ciernes que ya demostraron todo su talento en The Chaser: por un lado, el flemático pero rocoso Ha Jung-woo, a quien ya habíamos tenido la oportunidad de ver en films tan conocidos para el público coreano como FoCinemascomics │Diciembre 2011 │

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rever the moment, un drama lacrimógeno que giraba entorno al mundo del balonmano femenino o The Fox Family, y quien gracias a su electrizante papel principal en The Yellow Sea ha conseguido tal fama que los directores no paran de rifárselo (este 2011 ha rodado nada menos que cuatro películas, mientras que para el 2012 que comienza ya tiene dos más en post producción). Pero la verdadera sorpresa de la película es sin duda el villano (hay unos cuantos más, pero este sobresale por su fiereza y crueldad), uno de los mejores y más apuntillados personajes del cine coreano del último lustro; una auténtica fiera que lo mismo se está comiendo una pierna de cordero a dos carrillos que la utiliza como arma mortífera encima de la cabeza de alguno de sus atolondrados secuaces. Kim Yunseok, quien da vida en el film a Myung-Ga, este auténtico sádico de buen corazón, también carga en sus fornidas espaldas con un buen número de títulos, muchos

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de ellos pertenecientes al género de acción: Tazza: The High Rollers, Running Wild o Running Turtle dan buena prueba de ello. Ambos consiguen hacer creíble una trama que podría haberse ido de las manos en cualquier momento, dado el alto grado de matizaciones de sus respectivos roles. Hay un momento en el film, en el que refiriéndose al personaje de Gu-nam llegan a describirlo como alguien al que “por mucho que machaquen no se le puede tener lástima”. Y no es porque no se pueda empatizar con él, es porque es un sujeto más que humilde pero rotundo, fuerte, que no parece necesitar consuelo a pesar de estar completamente desamparado. Y es que además lo está en una situación límite en todos los aspectos vitales, que no tiene otra dirección que tomar que seguir hacia adelante, ejemplificando tanto el drama de la inmigración ilegal, como la situación de los apátridas a causa de leyes fronterizas estúpidas y arbi-

trarias. De todas maneras, y como la perfección en el cine cuesta de encontrar, debemos de poner en el debe de la propuesta la confusión existente entre los nombres de todos los personajes que aparecen a lo largo y a lo ancho del film (y que hace que en ocasiones no sepamos bien quién quien es quién) y los poquísimos detalles que se nos dan sobre algunos secundarios que pasan por pantalla como auténticas almas en pena sin oficio ni beneficio. También se han levantado algunas voces críticas que no entienden lo mal filmadas que están las escenas de persecuciones automovilísticas, cuando en The Chaser suponían toda una declaración de principios de cómo rodar una escena de acción, e incluso han llegado a afirmar que el final, que aquí no desvelaremos, es inadecuado (como hay opiniones para todos los gustos esperamos que el público acuda en masa a ver el film y pueda sacar sus propias conclusiones). www.cinemascomics.com


Otros datos a destacar del film son la presencia de un buen grupo de secundarios que, aparte de ir cayendo como moscas a medida que las distintas venganzas se vayan consumando, aportan su granito de arena en una historia que se sostiene sin ningún problema a pesar del ritmo frenético que se le infunde. Entre ellos vale la pena distinguir a Jo Sung-ha, quien da vida a Tae-won, el objetivo que el protagonista ha de eliminar a toda costa y que le llevará por la calle de la amargura. A Jo lo hemos visto en comedias del tipo Fly, Daddy, Fly o melodramas como The Peter Pan Formula. En cuanto a presencias femeninas se refiere, hallamos la siempre gratificante participación de Tak Sung- eung, protagonista de la muy aclamada cinta de terror Bedevilled, además de Oh Yun-hong, vista en films como Green Chair o A Day for an Affair. Con su relato dividido en capítuwww.cinemascomics.com

los, puede producirse la sensación de que el ritmo avanza demasiado paulatino hacia la conclusión, pero en su virtuosismo apocalíptico podemos afirmar sin llegar a equivocarnos que nos encontramos ante una auténtica balada sangrienta (hay quien ya la ha calificado como la nueva Kill Bill) que utiliza los clichés del polar para divertirnos y entretenernos con una narrativa expansiva y generosa a partes iguales. The Yellow Sea comenzó a filmarse en el año 2009 en Pusan, Corea, (donde recibió una subvención bastante cuantiosa), hasta marzo de 2010, cuando el rodaje se trasladó a Yanji, una ciudad de la prefectura de Yambián, situada en la frontera entre Corea del Norte y Rusia, y donde viven alrededor de 800.000 Joseon-Jok. Existe un acuerdo entre productoras por el que la Fox invirtió una cantidad importante en la producción del film a cambio de tener los derechos a la hora de rea-

lizar un presumible remake para las pantallas norteamericanas. Si se diera este caso, el director del film, Na Hong-jin ya ha sido confirmado como la persona que cogería las riendas del proyecto. También se ha hablado de una posible secuela en su país de origen, aunque no se ha concretado nada al respecto. Por último, reseñar que el film se estrenó en las pantallas coreanas la Navidad de 2010, donde ya se colocó desde el primer fin de semana en lo más alto del box office autóctono. La película vendió la friolera de 815.177 entradas en 726 pantallas y recaudó el 25´2 por ciento de todas las entradas vendidas durante este mismo primer fin de semana.

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LLÉVATE A CÉSAR A CASA EN BLU-RAY, DVD Y COPIA DIGITAL James Franco (127 Horas) da vida a Will Rodman, un neurocientífico que vive en San Francisco tratando de desarrollar una cura para la enfermedad del Alzheimer mediante ensayos con chimpancés, dándoles un nivel humano de inteligencia. Después de un accidente en el laboratorio, Will decide adoptar en su casa a César, el bebé huérfano hijo de un primate sometido a dichas pruebas. Will criará y continuará investigando en secreto a César porque la investigación le afecta personalmente ya que quiere encontrar una cura para su padre, enfermo de Alzheimer (John Lithgow, “Dexter”). Lo que comienza como una simple continuación de su experimento pronto se convierte en un problema, a pesar de su increíble inteligencia, César desarrolla su instinto primate y ocasiona disturbios en el vecindario, por lo que se verá forzado a vivir en un centro de primates. La inteligencia de César continúa creciendo, de forma que se sitúa como el líder de sus congéneres en el centro, donde guiará la revolución primate que

conllevará, en última instancia, a la aparición de EL PLANETA DE LOS SIMIOS. Dirigida por Rupert Wyatt (The Escapist), EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS cuenta con fantásticos efectos especiales, así como con la participación estelar de Freida Pinto (Slumdog Millionaire), Brian Cox (Red), Tom Felton (Harry Potter) y Andy Serkis (El Señor de los Anillos). EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS en un único pack que incluye Blu- Ray, DVD y Copia Digital cuenta con exclusivos contenidos adicionales, material extra y material del rodaje. La Copia Digital es una descarga legal que permite disfrutar del cine en dispositivos portátiles, con el lanzamiento de EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS se estrena también la Copia Digital para dispositivos Android, además de para iTunes y Windows.

Con motivo del lanzamiento en DVD / Blu-Ray el pasado 14 de diciembre de “EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS”, os traemos un nuevo concurso en el que Sorteamos 2 BLU-RAY, DVD Y COPIA DIGITAL de la película . Para participar tan solo debes responder a la siguiente pregunta a concursoscinemascomics@gmail.com, e indicar en el asunto concurso “EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS” antes del 20 de enero.

¿A que otro famoso simio de la historia del cine ha interpretado el actor Andy Serkis? Contenidos en Blu-Ray EL ORIGEN DEL PLANETA DE

Contenidos en DVD EL ORIGEN DEL PLANETA DE

LOS SIMIOS

LOS SIMIOS

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- Copia Digital para Windows, iTunes, Android.

- El ingenio de Andy Serkis

- Mitología de los Simios

- Una nueva generación de Simios

- El ingenio de Andy Serkis

- Escenas Inéditas

- Escenas Inéditas

- Selección de escenas - Galería conceptual de los personajes - Más allá de las fronteras cinematográficas - Los grandes Simios - Componiendo la banda sonora con Patrick Doyle


Cine de los 90

Por Sergio Reina 116 │ Cinemascomics │ Septiembre 2011

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Hace poco, uno de esos institutos americanos que se dedican a realizar estudios “muy serios y claves para la Humanidad” (en concreto el Smithsonian), realizo un ranking sobre las películas más tristes de la historia. La conclusión, fue que Campeón (The Champ), era la película más triste, seguida por Bambi. Puede que el estudio tenga razón, pues ambas son muy tristes, pero la película que abordamos en este artículo no puede quedarse muy lejos de esos primeros puestos. Para mí, Inteligencia Artificial, es una de las mejores películas de Spielberg, la más madura, y en la que el sentimentalismo tan típico de este gran director da paso a muchas más cosas que la simple sensiblería de la que mucha gente dice que adolece este film. Y es todo lo contrario; un film que te da que pensar y que realmente está lleno de crueldad y de sentimiento de soledad. No solo en su tramo final, el cual ha sido ninguneado por los más legos

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espectadores (no así la crítica, a la que esta vez tengo que darle la razón), sino que está patente a lo largo de toda la película. La película es un proyecto del fallecido Stanley Kubrick, el cual desde que leyó el relato corto en el que está basado (Los superjuguetes pueden durar todo el verano, 1969), quedó tan impresionado que quiso adaptarlo para el cine. Pero su afán en busca de la perfección hizo que se pospusiera demasiado a lo largo de los años, tanto que al final murió sin haber podido realizar la película. En todo este periplo, Kubrick y Spielberg habían hablado y mucho sobre el proyecto. Tanto que incluso mantenían un contacto continuo, colaborando entre los dos, en cómo debía de ser el argumento. Kubrick pensó que el director ideal para la película era Spielberg, pero este pensaba al contrario, que debía de ser Kubrick el que llevara a buen puerto el proyecto, aunque sí quería involucrarse en él, pues le propuso

ejercer de productor. Así es como quedaron hasta llegar a la década de los 90, donde parecía que Kubrick iba por fin a dirigir la película, pero su último proyecto (Eyes Wide Shout) se iba alargando demasiado, tanto que al final se quedó en el camino y Eyes Wide Shout fue su obra póstuma. A su muerte, la familia de Kubrick, le pidió a Spielberg que ha modo de homenaje, dirigiera la película. Steven, gran amigo de Kubrick, se volvo por completo en la película abandonando otros proyectos, y volviendo a escribir un guión, cosa que no hacía desde Encuentros en la tercera fase. En el documental que va incluido en los extras del DVD, podéis ver a Spielberg como habla de la composición del guión, el que realizo echando mano de sus notas sobre las ideas que tenía Kubrick sobre la película, aunque también incluyo sus propias ideas, respetando siempre la idea y la manera de hacer cine de Kubrick.

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Así fue cómo se concibió este cuento de hadas, o un Pinocho modernizado, llegando a convertirse (bajo mi punto de vista) en una obra maestra, con la que me castigo de vez en cuando viéndola (me castigo porque siempre me hace llorar a pesar de haberla visto chorrochocientas veces). La sipnosis: Una pareja que tiene postrado a su hijo en hibernación por no tener una cura recibe un regalo de la empresa en la que trabaja el marido. El regalo es David, un niño robot, capaz de amar, y que si deciden quedárselo, y grabarle la impronta, el amor que sentirá por su madre adoptiva le desbordará y será imposible dar marcha atrás, por lo que si fuera devuelto, la única vía posible se-

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ría su eliminación. El hijo verdadero sale finalmente del coma, y la convivencia con David se hace cada vez más difícil, pues los celos del niño hacen creer a los padres que David puede ser un peligro para la familia. Conclusión: David es abandonado a su suerte en medio del bosque. David solo tiene una meta, volver con su madre, pero para que su madre lo vuelva a aceptar solo puede ser un niño de verdad, por lo que recuerda el cuento de Pinocho que oyó leer a su madre a su hijo verdadero, y se lanza en busca del Hada Azul del cuento para que le conceda el deseo. En su búsqueda, se topa con Gigoló Joe, que junto al osito Teddy, será su Pepito Grillo particular. La búsqueda finaliza tras pasar graves peligros, pero la res-

puesta por parte del Hada no llega hasta que no pasan 2000 años. Spielberg, no se limita a poner el nombre de Kubrick en los títulos de crédito, sino que firma varias escenas como un certero homenaje al fallecido director. Tan bien realiza estos homenajes que es difícil pensar que esas escenas no las hubiera rodado Kubrick de otra manera. Sin duda, una de ellas es la escena del abandono de David en medio del bosque, una escena aterradora, donde Halley Joel Osment se deja la piel, y compone una actuación redonda. La verdad es que Halley brilla en este trabajo y se entrega en toda la película, hasta tal punto que fue idea suya el que David no pestañeara a lo largo de todo el metraje. Y es que Halley hace que David, rebowww.cinemascomics.com


se amor, ternura, tristeza, soledad, y de una manera demasiado realista. El resto del cast, tampoco se queda atrás, Jude Law (Gigoló Joe) también borda su papel de robot de placer, y Frances O´Connor da con el punto perfecto de madre. También tenemos en el reparto a un solvente William Hurt. La película, diferenciada claramente en tres partes, culmina en un soberbio acto final. Precisamente, este acto final es el que más se ha criticado. Injustamente bajo mi punto de vista (y de mucha más gente por lo que he podido leer), y da un cierre perfecto a la película, que habría quedado inconclusa, si como toda www.cinemascomics.com

esa gente dice, la película hubiera acabado en la escena de David congelado delante del Hada Azul. (Aquí normalmente debería ir la temida palabra Spoiler, pero creo que al tratarse de una película que ya tiene 10 años, no es necesario ni pertinente) En este último tramo de la película, los papeles de David y su madre dan un vuelco, y es David el que recibe las atenciones y la madre la que está pendiente y servicial con su falso hijo. Tras 2000 años, la humanidad se ha extinguido y los extraterrestres están explorando la Tierra congelada cuando dan con David, que se convierte de este modo en el último vestigio de la grandeza del hombre. Estos seres quieren complacer a David, por lo que le conceden traer a la vida

a su madre tras explicarle que, a pesar de todos los avances de que disponen, tan solo pueden darle vida durante un día, y que no se podrá volver a repetir. David, ansioso por el amor de su madre, acepta y tras pasar el día más feliz de su vida, ambos mueren con Teddy como testigo. Un final que puede aparentar felicidad, pero que encierra un claro mensaje: la felicidad no es eterna ni dura siempre, algo muy duro de ver. En definitiva, una película redonda y que espero que el paso del tiempo ponga en su sitio, que es entre las mejores de la historia del cine.

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Ahora que el año está a punto de acabar, lo normal en todo tipo de publicaciones es hacer un repaso sobre lo mejor y lo peor del año, pero como para mí el año aun no ha terminado he decidido realizar un especial sobre cine más o menos de terror que está ambientado en estos días destinados a las compras y la felicidad navideña.

que otro título a la lista, pero por cuestiones de tiempo y espacio he decidido que sean solos diez films (dos menos que las uvas, las campanas y los meses del año) los que compongan el artículo, por lo que si tenéis alguna queja o sugerencia... podéis poneros en contacto con nuestro querido coordinador ^_^.

Ciertamente he de decir que hay muchas más cintas que sin lugar a dudas son mucho mas terroríficas, pero he de dejar claro que la intención de este articulo no es poneros los pelos de punta, sino disfrutar de una cuidada selección de títulos que se contraponen con los habituales estrenos navideños que durante estas fechas nos invaden, y que en su mayoría consisten en comedias románticas, películas de animación infantiles o bonitas historias en las que soltar una lagrimilla.

Sin más empecemos este repaso, que al no estar realizado a modo de ranking, queda ordenado por la fecha de estreno de estas estupendas (algunas más que otras) producciones.

Estoy seguro que cualquiera de los apreciados lectores de esta publicación digital podría añadir algún

No, ahora en serio. Joe Dante era ya por el año 84 un gran conocido

Gremlins (1984, Joe Dante) ¡¡¡ Que levante la mano quien no haya visto esta película !!!... bien... ahora señor “controlador de ambiente” diríjase hacia ellos y ellas, y azótelos por cometer semejante pecado.

del cine fantástico, y tras dirigir obras como “Piraña” y “Aullidos”, consiguió dirigir una de las cintas más apreciadas de los años 80. El film contaba con un guion de Chris Columbus, el director de las dos primeras entregas cinematográficas de “Harry Potter”, y como sabéis nos presentaba a unas criaturas fantásticas, a las cuales estoy seguro que no tardaremos mucho en ver en algún remake. La historia nos hablaba de Gizmo, el último miembro vivo de los mogwai, una raza de criaturillas con clara predilección por las travesuras y que al igual que un puñetero “Furby”, llevaban un buen libro de instrucciones. Estas medidas estaban destinadas a evitar males mayores, y consistían entre otras en evitar el contacto con el agua y no darles de comer después de medianoche. Evidentemente, el protagonista de la historia, un jovencísimo Zach Galligan (al que la suerte no le acompaño fuera de las cintas

“Gremlins”. Joe Dante (1984)

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de Dante), no conseguía cumplir las normas que se le habían dado acerca de su nueva mascota, y tras un baño y un atracón nocturno, los mogwai dejaban de ser esos simpáticos animalillos con pinta de peluches para convertirse en unas criaturas muy desagradables que sembrarían el pánico en la ficticia comunidad de Kingston Falls durante la noche de navidad. La cinta estaba producida por Steven Spielberg, y admito que he perdido la cuenta de las veces que la he visto. Como curiosidad decir que el film fue responsable de ciertos ajustes en el sistema de calificación por edades de la MPAA (Asociación Americana de Cineastas), ya que aunque estaba calificada para todos los públicos contenía algunas escenas que en los lejanos ochentas no eran aptas para menores.

Los Fantasmas atacan al jefe (1988, Richard Donner) Nuestra siguiente parada nos lleva a la cuarta película más importante de Bill Murray, tras el éxito brutal que obtuvo con “Cazafantasmas”. Dirigida por Richard Donner (Superman 1,2 y Los Goonies), esta cinta titulada “Scrooged” en su versión original, suponía una actualización del clásico “Cuento de Navidad” de Charles Dickens y volvía a reunir a Murray con un nutrido grupo de fantasmas que en esta ocasión le devolverían el tan apreciado “espíritu navideño”. En clave de comedia, “Los Fantasmas atacan al jefe” resultaba un film de lo más entretenido, y aunque no resultaba especialmente terrorífico, nos mostraba los peligros de convertirnos en un avaro empresario (supongo que los dueños de Lehman Brothers no llegaron a verla). Puestos a elegir una versión más apetecible del clásico de Dickens, www.cinemascomics.com

Imagen de “Game Over: Se acabo eL juego” . René Manzor. (1989)

yo me quedaría con ella, y aunque este lejos de asustar, debido a mi vena nostálgica tiene el lugar asegurado en esta lista navideña.

Game Over: Se acabo el juego (1989, René Manzor) Probablemente solo los aficionados al cine de los 80 conozcan esta película dirigida por el realizador francés René Manzor, que se puede considerar como una perfecta mezcla entre “Solo en casa” (que se realizo un año después) y “Silent Night Deadly Night” (film de psicokiller de serie b que estaba protagonizada por un asesino vestido de Santa Claus). Manzor era por entonces un director y guionista bastante desconocido, pero tras este largometraje consiguió llamar la atención de otras productoras y se vio inmerso en la dirección de series como la de “Los Inmortales” o “Las aventuras del joven Indiana Jones”. “Game Over” (conocida también con la muletilla “Se Acabo el juego”) nos pone en la piel de un niño de clase alta que vive en una mansión dotada de los más avanzados sistemas electrónicos. Acostumbrado a tenerlo todo, decide tenderle una trampa a Santa Claus en la noche de Navidad pese a la advertencia de su madre

de que Papa Noel no quiere que lo vean. El joven protagonista (Alain Lalanne) aun cree en esta figura navideña, pero para nada se esperaba que tras ejecutar su elaborado plan, el siempre bonachón “Santa” (que en realidad era un sádico ladrón) comienza un salvaje juego del gato y el ratón para acabar con la vida de todos los habitantes de la casa. El film no es la novena maravilla, pero a todos los nostálgicos de la época nos cautivo por la cantidad de “aparatejos” que manejaba el protagonista (un chinorris cargado de mala uva) de este film

Gremlins 2: La nueva generación (1990, Joe Dante) Cambiamos de década y llegamos a la esperada secuela de Gremlins, que esta vez estaría ambientada en un rascacielos “inteligente” donde la alta tecnología suponía similares peligros a los provocados por estas criaturas nacidas de las leyendas entre viadores de la Segunda Guerra Mundial. La cinta suponía el regreso de Zach Galligan (Billy) y Phoebe Cates(Kate, el que sin dudas es el papel más conocido de su escueta carrera) en pleno Nueva York, Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Pesadilla antes de Navidad. Henry Selick (1993)

donde por cuestiones de azar se volverían a cruzar con Gimo y sus particulares hermanos, que en esta ocasión pasaría de ser objetos de estudio en un laboratorio (dirigido por Christopher Lee) a convertirse en la debacle de una empresa de televisión por cable que expandía sus negocios por multitud de sectores. A diferencia de la primera entrega, Gremlims 2 se catalogo para mayores de 13 años, razón por la que Joe Dante accedió a hacerla buscando libertad artística para que las criaturas creadas por él y Chris Columbus pudieran hacer de las suyas sin miedo a la censura. Particularmente creo que es un film realmente divertido, y aunque no está a la altura del primero, resulta igual de entretenido para echar el rato en un fría tarde navideña.

Pesadilla antes de Navidad (1993, Henry Selick) Aunque está dirigida por Henry Selick (Coraline), esta película

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siempre ha sido atribuida a Tim Burton, el cual produjo y escribió parte del guion para una divertida historia de animación en Stop Motion con toques navideños entremezclados con Halloween. La cinta protagonizada por Jack Skellington se ha convertido con el tiempo en un icono para las tribus urbanas a las que denominamos “emos” o “góticos” y aunque en realidad es una divertida cinta plagada de números musicales, parece que estos amigos de la oscuridad solo se quedaron con su estética procedente de Halloween Town, el reino de Skellington. La historia, que seguro conocéis, muestra los intentos de Skellington por hacerse cargo de la Navidad, y como a pesar de que sus intenciones son ocupar simplemente el puesto de Papa Noel (Santa Clavos que le llama el) convertirá la luminosa festividad de la natividad en una mezcla grotesca entre la alegría navideña y las terroríficas tradiciones de Halloween.

El día de la Bestia (1995, Alex de la Iglesia) He aqui una verdadera obra maestra protagonizada por Santiago Segura y Alex Angulo en el que es el segundo largometraje de Alex de la Iglesia, el mejor director de la academia de cine que hemos tenido en España. “El día de la Bestia” es una salvaje comedia “con tintes satánicos” en el que un trastornado seminarista cree haber encontrado las claves que en el libro de “Revelaciones” del apóstol Juan indican el nacimiento del Anticristo, y que para sorpresa propia, ocurrirá en Madrid en la noche de navidad. El film es un verdadero despiporre plagado de referencias al heavy y al cine “satánico” (ese que tonteaba con ritos y demás parafernalia relacionada con Belcebú) y nos muestra a una emergente población de interpretes (creo que es la primera vez que vi a Nathalie Seseña, la mujer de Antonio Recio, mayorista-no-limpia-pescado de la tronchante serie “La que se www.cinemascomics.com


Avecina”) que poco después veríamos en multitud de trabajos. Junto a “La comunidad” es una de las cintas patrias que más veces he visto, y su lugar en esta lista esta más que justificado.

Películas para no dormir: Cuento de Navidad (2005, Paco Plaza) Para el siguiente titulo tenemos que saltar diez años en el tiempo, aterrizando en un film dirigido por Paco Plaza ([Rec]) que pertenecía a una serie/colección de seis películas que homenajeaban a la serie “Historias para no dormir” de Narciso Ibáñez Serrador. Desde aqui os invito a que les deis una oportunidad si aun no las habéis visto, recomendando encarecidamente junto a este título, “La Habitación del Niño” (Alex de la Iglesia) y “Para entrar a Vivir” (Jaume Balagueró). En esta historia que poco tiene que ver con la obra de Dickens nos encontramos con un grupo de niños de la década de los ochenta que bien podrían haber protagonizado cintas como “Los Goonies” y “Exploradores”, pero que en esta ocasión se enfrentaran a una situación un poco mas particular cuando encuentran en un agujero a una ladrona disfrazada de Papa Noel a la que intentan darle una lección que se volverá contra ellos. Sin lugar a dudas es la mejor entrega de la colección, y sus protagonista, un grupo de niños de la costa brava, reflejan a la perfección las inquietudes que teníamos los chiquillos que crecimos en esa época de los 80 a la que le tengo tanto cariño, y de la que se habla tanto y en tantas ocasiones. Negra Navidad (Black Christmas) (1974, Bob Clark y 2006, Glen Morgan) La cinta de la que os hablo a continuación tuvo su primera versión en 1974(dirigida por Bob Clark, y considerado un film de culto), pero debido a que la que he viswww.cinemascomics.com

Poster de “El día de la bestia”. Alex de la Iglesia (1995)

to es el remake de 2006, solo os puedo hablar de esta ultima dirigida por Glen Morgan (director de Willard y guionista prolífico que ha trabajado en series como Expediente X) y en la que vemos a Mary Elizabeth “Ojazos” Winstead, una de mis actrices favoritas (si, puede que no sea por su talento interpretativo, aunque no lo hace nada mal) del cine reciente y que a diferencia de la mayoría de títulos anteriores sí que muestra un nivel de salvajismo y gore digno del film de psico-killer

navideño que es. La historia es simple, y nos cuenta el regreso a casa de Billy, un chico con una terrible infancia al que se le creía muerto, y que descubre que su hogar se ha convertido en una residencia universitaria, repleta de preciosas chicas. Evidentemente y como mandan los cánones del cine de psico-killer, estas chicas y sus novios irán cayendo poco a poco a medida que cometen ciertos pecadillos. Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Rare Exports (2010, Jalmari Helander)

Sint / Saint (2010, Dick Maas) Y llegamos al penúltimo titulo, que curiosamente guarda multitud de similitudes con Rare Export, el último candidato en nuestra cinta. Ambas películas proceden del norte de Europa (esta es Belga, y la siguiente es Sueca/Finlandesa) y las dos tiene como principal protagonista a una versión malvada de un icono navideño. En Saint o Sint que es el título original, conoceremos a San Nicolás, una celebridad en Bélgica que todos los días 6 de diciembre acostumbra a dejar caramelos y regalos a los niños que se han portado bien. O eso parecía, ya que en esta cinta, San Nicolás aparece con un aspecto fantasmagórico y con ganas de cortar cabezas, ya sean de adultos y niños, sin importarle que hayan sido buenos o malos. La cinta se publico recientemente en España (llego directa a DVD)

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y se puede disfrutar como lo que es: un titulo de serie b de lo más apetecible.

Rare Exports (2010, Jalmari Helander) Este último titulo de la lista nació a raíz de dos cortometrajes que el director de la cinta (y su hermano) presentaron a distintos festivales de cine fantástico. Tan buena fue la aceptación que se produjo un largometraje basado en la esencia de los cortos, y que al igual que ellos fue bien recibido en festivales como el de Sitges (en el que se le premio como mejor cinta del año 2010). El film estaba inédito en nuestro país, y afortunadamente llego a las carteleras este mes de diciembre con el horrible sobrenombre de “Un cuento gamberro de navidad”. La historia, lejos de ser en plan asesino sobrenatural como “Sint”,

nos cuenta las vivencias de un pueblo del norte de Finlandia, en el que un grupo de científicos descubren un sorprendente hallazgo, que puede dar explicación a ciertas leyendas sobre Papa Noel. Evidentemente la cinta ha recogido opiniones y criticas de lo más variado, pero en general (aun no la he visto, porque se estrena dos días después de la fecha en que escribo esto) parece que será del gusto de los aficionados al cine fantástico. Y bueno, hasta aqui llego el repaso. Han sido diez películas bastante diversas (a excepción de las dos de Gremlins) que sin lugar a dudas nos orientan sobre la importancia de portarnos bien y cumplir ciertas normas, si no queremos caer en manos de versiones despiadadas de diversas criaturas, ya sean peluches entrañables o gorditos ataviados con trajes rojos y barbas abundantes.

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QUÉ LEER Por Manuel Moros Los muertos vivientes se han levantado. El mundo que conocíamos ya no existe y solo unos pocos supervivientes tratan de luchar contra las adversidades para mantenerse con vida. En cuestión de meses la sociedad se ha desmoronado, sin gobierno, sin supermercados, sin televisión. En un mundo gobernado por los muertos, por fin nos vemos obligados a vivir... Este libro se centra en la conocida obra de Robert Kirkman, analizando con todo tipo de detalles todo lo relacionado con los muertos vivientes, conociendo un poco más a sus autores, descubriendo detalles y curiosidades sobre su obra, deteniéndose en sus personajes, sobreviviendo con ellos, y dando un paseo, página a página, hasta la exitosa adaptación televisiva realizada por AMC, con Frank Darabont a la cabeza y con la participación cercana del propio creador de la historia, Robert Kirkman. Por si esto fuera poco, Charles Adlard, dibujante de la serie regular de comics, realiza el prólogo y concede a los autores una extensa entrevista. Un libro extenso, riguroso, repleto de información y curiosidades sobre el cómic y la serie de televisión, con todo tipo de detalles y numerosas imágenes nunca vistas hasta el momento. Para desgarrar cada página al volverla con desesperación, deseando ansiosamente devorar el siguiente bocado de información. Respira hondo, saboréalo y, como los mejores zombis, tómatelo con calma...

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THE WALKING DEAD: CAMINANDO ENTRE LOS MUERTOS. De Diego Matos y Alberto Vicente Editorial DOLMEN ISBN: 978-8415201557 Nº Edición:1ª Año de edición:2011 324 páginas │ 18,95 euros

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POWERS 4: SUPERGRUPO Contiene Powers vol. 4: Supergroup TPB USA Guión: Brian Michael Bendis Dibujo: Michael Avon Oeming Formato: Libro con solapas, 176 págs. a color. PVP: 18,00 € Editorial Panini Uno de los más importantes miembros de un popular supergrupo ha aparecido violentamente asesinado. Su muerte provocará que el gobierno establezca importantes controles sobre la población de vigilantes con poderes especiales. Como consecuencia de ello, los detectives Walker y Pilgrim se verán forzados a tomar una importante decisión que cambiará sus vidas y sus carreras para siempre... Y también la manera en la que el mundo ve a los superhéroes.

N LEE’S BOOM COMICS. SOLDIER ZERO 1 Contiene Soldier Zero 1-4 USA Guión: Paul Cornell Dibujo: Javier Pina Formato: Libro con solapas, 96 págs. a color. PVP: 11 € Editorial Panini

¡Descubre el nuevo universo superheroico creado por Stan Lee! Después de que un alienígena parásito llegue a la Tierra, el veterano soldado Steward Travers, hasta ahora postrado en una silla de ruedas, sufre cambios que le convierten en un auténtico superhumano. Forzado a implicarse en una guerra interplanetaria, Travers se convertirá en Soldier Zero: Medio humano, medio alienígena... ¡Todo un soldado!

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CLÁSICOS DC: BATMAN DE STEVE ENGLEHART Y MARSHALL ROGERS Guión/Dibujo: Alan Davis, Len Wein, Steve Englehart/Marshall Rogers, Walter Simonson Detective Comics # 469-476, 478-479 (May. 1977, Oct.1978) Batman Dark Detective # 1-6 (Jul. Sep. 2005), DC Special Series # 15 (1978) USA Formato: Libro cartoné, 344 págs. a color . Precio: 22€ Editorial Planeta DeAgostini Cómics El Batman defi nitivo. Así ha defi nido la historia a la etapa de Steve Englehart y Marshall Rogers de mediados de los años 70. Fueron un puñado de números, pero bastaron para marcar el tono que el personae tenía que asumir durante las décadas siguientes. Con personajes nuevos y reinterpretaciones de personajes como Silver St. Cloud o Deadshot, por no olvidar la historia del Pez sonriente. Además, este volumen recopila la inédita “Dark Detective”, que volvió a juntar a ambos autores en 2005.

STAR WARS : BOBA FETT (INTEGRAL) Guión/dibujo: VVAA Edición original: SW boba fett integral Formato: Libro cartoné, 496 págs. Blanco y negro/Color Precio: 45€ Editorial Planeta DeAgostini Cómics

EL CAZARRECOMPENSAS MÁS TEMIDO DE LA GALAXIA. En esta antología se recogen nueve historias que relatan algunas de las misiones más peligrosas del gran aventurero Boba Fett. Desde la resolución de disputas diplomáticas (con muchos prejuicios) a grandes grescas entre cazarrecompensas, pasando por un duelo con Darth Vader y el desenmascaramiento de unos impostores. Si el precio se le acomoda, no hay trabajo suficientemente arriesgado para el misteriosohombre de la armadura mandaloriana.

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Cinemascomics: La revista nº 11  

Cinemascomics: La revista, es una publicación de cine gratuita, especializada en adaptaciones de comics a la gran pantalla, cine fantástico,...

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