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Agosto 2011. Nº 7. Año 1

www.cinemascomics.com

La revista

ESPECIALES

CHRIS EVANS EL PLANETA DE LOS SIMIOS ENTREVISTAS

KEVIN FEIGE Estrenos bre u c s e ¡D ros t s e u n azos! s r u c con CLÁSICOS DE LOS 80 LA CAJA MISTERIOSA DE CONAN

J. J. ABRAMS

Capitán América El origen del planeta de los simios Super 8 Conan el bárbaro... CINE JAPONÉS TAKASHI MIIKE

ROMAN POLANSKI EL GENIO MALDITO


Dr. Ishiguro is ATR Fellow and Professor of Osaka University. The geminoid has been developed in ATR Hiroshi Ishiguro Laboratory.


cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego David Larrad Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Francisco Nieto Sánchez (www.cinedeaqui.es) Javier Calvo José Joaquín González (www.defanafan.com) Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Manuel Moros Pedro Pinos Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) Christian Arza (www.moonfilms.es) Enrique Abenia Gustavo Martín COMICS Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) Moratha (moratha.blogspot.com) PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics. A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

EDITORIAL En Cinemascomics no nos vamos de vacaciones, y aquí nos tenéis un número más dando guerra. Como habéis podido ver en la portada, este número es especial porque llegan varios y esperados blockbuster del año como son “El Capitán América: El primer vengador”, “El origen del planeta de los simios”, “Conan el bárbaro” o “Super 8” y no hemos querido perder la oportunidad de dar un pequeño avance de lo que vaís a encontrar en el interior de la revista homenajeando al gran Drew Struzan, responsable de un gran número de posters de cine de conocidas películas como “Star Wars”, “Indiana Jones” o “Regreso al Futuro” entre muchas otras. También me gustaría dar la bienvenida a tres nuevos colaboradores como son Gustavo Martín nuestro corresponsal en Madrid, Enrique Abenia que este mes nos trae la crítica de Templario y Christian Arza de www.moonfilms.com que ha escrito un interesante artículo sobre Chris Evans, el actor que da vida en pantalla al Capitán América. Además me gustaría agradecer una vez más la desinteresada colaboración de nuestros habituales colaboradores que pese a los días de fiesta han hecho un gran esfuerzo por hacer este número posible. Manuel Moros repasará la saga completa de “El planeta de los simios”, Gerard Fossas de www.butacapreferente.com dedica su artículo de este mes a la figura de J.J. Abrams y Pedro Pinos lo hace a la figura de Roman Polanski. Sergio Reina de criticode-cine-aficionado.blogspot.com una vez más nos llevará de nuevo a los años 80 para reencontrarnos con las adaptaciones de Conan el Bárbaro protagonizadas por el gran Arnold Schwarzenegger y José Joaquín González de www.defanafan.com nos traerá la recomendación literaria en Qué leer. Este mes tampoco quiero terminar la editorial sin darte las gracias también a ti, uno de nuestros lectores que nos animáis con vuestras 230.000 visitas a seguir esforzándonos para que cada número sea mejor. Carlos Gallego Director de Cinemascomics


Agosto 2011 Número 7

32 comics 7│La Página de Diego Burdio

Vacaci Planet

Chris Evans: Una vida entre viñetas y fotogramas

126│Gordos con Mochila Por Moratha

Actualidad 8│Primera imagen oficial de “Man of Steel” 10│Nuevas imágenes de

“The Amazing Spider-man”

criticas 114│Green Lantern 115│ Capitán América: El primer vengador 116│ El origen del Planeta de los Simios 117│Templario

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62 124 Cláscios de los 80: Conan

Takashi Miike

La caja de J.J. A www.cinemascomics.com


contenido estrenos 14 │ Capitán América: El primer vengador

iones en el ta de los Simios

2 de agosto

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44 │ El origen del planeta de los simios 2 de agosto 60│13 asesinos

Entrevista: Kevin Feige

12 de agosto 68│ Zooloco 12 de agosto 70│ Conan el bárbaro 19 de agosto 82│ Super 8

118 Roman Polanski El genio maldito

19 de agosto

que leer 128 │ El libro del cementerio 130 │ Zona Cómic

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a misteriosa Abrams www.cinemascomics.com

Primera imagen de “Man of Steel” Cinemascomics │Agosto 2011 │

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Primera imagen


PRIMERA IMAGEN DE HENRY CAVILL COMO SUPERMAN EN “MAN OF STELL” DE ZACK SNYDER Warner Bros. Pictures y Legendary Pictures han ofrecido una primicia sobre la nueva película de Man of Steel, desvelando el nombre de la estrella Henry Cavill como el intérprete de Superman en la película del director Zack Snyder. La película está también protagonizada por la actriz tres veces nominada al Oscar, Amy Adams (The Fighter), en el papel de la periodista del Daily Planet Lois Lane, y el nominado al Oscar Laurence Fishburne (What’s Love Got to Do with It) como su editor jefe, Perry White. Martha y Jonathan Kent, los padres adoptivos de Clark Kent, serán interpretados por la actriz nominada al Oscar Diane Lane (Infiel) y Kevin Costner, ganador del Oscar (Bailando con lobos). Los adversarios del superhéroe son otros dos supervivientes Kriptonianos, el villano General Zod, interpretado por el nominado al Oscar Michael Shannon (Revolutionary Road), y Faora, la malvada pareja de Zod, interpretada por Antje Traue. También de Kripton, la tierra natal de Superman, están su madre, Lara Lor-Van, interpretada por Julia Ormond, y su padre, Jor-El,

interpretado por el ganador del Oscar Russell Crowe (Gladiator). Completan el reparto los actores Harry Lennix, como el militar estadounidense General Swanwick, y Christopher Meloni, como el Coronel Hardy. Man of Steel está producida por Charles Roven, Emma Thomas, Christopher Nolan y Deborah Snyder. El guión fue escrito por David S. Goyer, basado en la historia de Goyer y Nolan, basada a su vez en los personajes de Superman creados por Jerry Siegel & Joe Shuster y publicado por DC Comics. Thomas Tull y Lloyd Phillips son los productores ejecutivos. Actualmente en producción, el estreno de Man of Steel está previsto para 2013 en España y será distribuida en todo el mundo por Warner Bros. Pictures, de Warner Bros. Entertainment Company.


Nuevas imágenes

Nuevas imágenes de “The amazing Spider-man”


Aquí os traemos una serie de nuevas imágenes de “The Amazing Spider-man”, entre las que podemos ver a la pareja formada por Peter/Spidey (Andrew Garfield) y Gwen Stacy (Emma Stone), los tíos de Peter Ben (Martin Sheen) y May (Sally Field) o un detalle de los famosos lanzarredes que recupera el realizador Marc Webb para el film.


BRAD PITT

SEAN PENN

E S C R I TA Y D I R I G I D A P O R

TERRENCE MALICK RIVER ROAD ENTERTAINMENT PRESENTA A BRAD PITT SEAN PENN JESSICA CHASTAIN “THE TREE OF LIFE” CASTING FRANCINE MAISLER, C.S.A. Y VICKY BOONE

VESTUARIO JACQUELINE WEST MÚSICA ALEXANDRE DESPLAT MONTADA POR MARK YOSHIKAWA DISEÑO DE PRODUCCIÓN JACK FISK FOTOGRAFÍA EMMANUEL LUBEZKI, A.S.C., A.M.C.

PRODUCTOR EJECUTIVO DONALD ROSENFELD PRODUCIDA POR

SARAH GREEN BILL POHLAD BRAD PITT DEDE GARDNER GRANT HILL Copyright © 2011 Fox and its related entities. All rights reserved

www.tripictures.com

ESCRITA Y DIRIGIDA POR TERRENCE MALICK


F FOR FAKE


Estreno

CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR

5 de agosto

Era el año 1941; el mundo estaba desgarrado por la guerra. Tras varios intentos frustrados de ingresar como militar para hacer su parte y luchar junto a sus hermanos y hermanos en las Fuerzas Aliadas, el beligerante Steve Rogers (Chris Evans), un joven de 45 kilos de peso, participa en un programa experimental que lo convertirá en el súper soldado conocido como el Capitán América. En su nueva y musculosa encarnación, el Capitán América une fuerzas con su amigo Bucky Barnes (SEBASTIAN STAN) y la confiada Peggy Carter (HAYLEY ATWELL), bajo las órdenes del Coronel Chester Phillips (TOMMY LEE JONES), para luchar contra la malvada organización HYDRA, la

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división científica de los Nazis encabezada por el villano Calavera Roja (HUGO WEAVING). “Capitán América” se centra en los primeros días del Universo Marvel, poblado más adelante con superhéroes como Iron Man, Hulk y Thor…días en los que las guerras se peleaban con armas pero las ganaban los hombres. “Capitán América” es la última emocionante producción de Marvel Studios, que se suma al taquillero éxito del verano de 2011 “Thor”, y próximamente, el 4 de mayo de 2012, saldrá a la luz “Marvel Studios’ The Avengers.” Paramount Pictures y Marvel En-

tertainment presentan una producción de Marvel Studios de un filme de Joe Johnston: “Capitán América,” protagonizada por Chris Evans, Tommy Lee Jones, Hugo Weaving, Hayley Atwell, Dominic Cooper, Neal McDonough, Derek Luke y Stanley Tucci. La música es de Alan Silvestri y el supervisor musical es Dave Jordan. Los coproductores son Stephen Broussard y Victoria Alonso. La diseñadora de vestuario es Anna B. Sheppard. Los editores son Jeffrey Ford, A.C.E., y Robert Dalva; el director de producción es Rick Heinrichs; y el director de fotografía es Shelly Johnson, ASC. Los productores ejecutivos son Louis D’Esposito, Joe Johnston, Nigel Gostelow, Alan Fine, Stan Lee, y www.cinemascomics.com


David Maisel. Producida por Kevin Feige. El guión es de Christopher Markus & Stephen McFeely. “Capitán América” está dirigida por Joe Johnston.

EL HÉROE QUE LO COMENZÓ TODO El Capitán América (el alter ego de Súper Soldado del joven patriota Steve Rogers) apareció por primera vez en Marvel en marzo de 1941, ocho meses antes de que EE.UU. se implicara en la Segunda Guerra Mundial; la inolvidable portada del cómic mostraba a un joven héroe luciendo una bandera americana en el pecho e impactando con su puño la mandíbula de Adolf Hitler. Dicha postura política no adulterada metió a sus www.cinemascomics.com

creadores Joe Simon y Jack Kirby en un buen lío pero también anunció la llegada de un valiente campeón para aquellos que sufren a manos de la tiranía y el autoritarismo militar. Simon y Kirby no ocultaron ni objetaron a la meta principal del superhéroe. El atrevido y agresivo estilo visual causó sensación. Recuerda Simon: “Esta era la época que precedía a la Guerra, y estábamos asediados por activistas políticos que convocaban grandes manifestaciones en Madison Square Garden a las que asistían unas 50.000 personas. Algunas de estas personas descubrieron dónde vivíamos y eran muy agresivas y nos criticaban y escupían. El FBI se enteró de lo que estaba ocurriendo y

nos asignaron agentes para vigilar nuestra oficina, por si acaso.” (Kevin Feige, Presidente de Marvel Studios y productor de “Capitán América” observa: “Cuando ves a Capitán América golpeando a Hitler en marzo de 1941, antes de Pearl Harbor, entiendes que es un mensaje que proclamaba: ‘Ya no podemos seguir al margen.’ Eso le habló a Steve Rogers y al Capitán América como personaje.” De hecho la amenaza del Eje era tan inminente en 1941 que los creadores del cómic trabajaron al revés, comenzando con su villano y creando un héroe como respuesta al mismo (en la fórmula clásica se crea al héroe primero). Cinemascomics │Agosto 2011 │

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Simon y Kirby se sentaron a diseñar varias versiones del Capitán América, y finalmente llegaron a una en particular que gustó mucho al fundador Martin Goodman (Goodman fundó Marvel como Timely Publications en 1939). La respuesta del mercado fue positiva e inmediata y el libro se agotó. Tras muchas reformulaciones el Capitán América sigue siendo básicamente el mismo. Comenta Simon: “Han hecho muchas cosas desde que yo trabajé en el personaje, sin embargo, aún recordamos quién es el Capitán América. Es un símbolo. Es un icono.” Pero fue en septiembre de 1963 cuando Marvel Comics estrenó The Avengers, un grupo de superhéroes formado por cuatro de los personajes más queridos de Marvel: Iron Man, Thor, Hulk, (todos ellos creados en los años 60) y el Capitán América, un personaje creado dos décadas antes, obteniendo así el merecido título: “El primer Vengador.” Desde su creación, los cómics del Capitán América han vendido más de 210 millones de copias en más de 70 países. Y ahora, cuando los fans celebran el 70 cumpleaños del superhéroe, Marvel Studios lanza esta historia de orígenes acerca de cómo Steve Rogers se convirtió en el Primer Vengador, el Capitán América. Al tener tanta experiencia y éxito en la adaptación de novelas gráficas al cine, el estudio no dudó en mantener la historia en el momento histórico en el que había nacido. Afirma Feige “Creo que no podíamos haber creado esta idea de la existencia de un universo cinematográfico Marvel interconectado sin el Capitán América porque él es el inicio del universo Marvel, no sólo en la historia de nuestros cómics, sino además dentro de la serie de seres humanos mejorados. Sea por la mordedura de una araña, la exposición a rayos gamma, o un traje metálico de construcción propia, la

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idea del humano con súper poderes comenzó con Steve Rogers, el Capitán América.” Así, la decisión de contar la historia de Steve Rogers en los años 40 se zanjó. Prosigue Feige: “No se puede contar la historia del Capitán América sin llevarla a esa época. ¿Es ésta la auténtica época de la Segunda Guerra Mundial que verías en el History Channel? Pues no. Ésta película es la historia del universo Marvel. La historia que todos aprendimos en el colegio va por otro lado, esta es una visión de la historia desde la ciencia ficción. Nos hemos basado en eventos reales, lugares reales, y les hemos dado el toque Marvel, aprovechando así la oportunidad de explicar los orígenes del universo Marvel y de contar una historia que, francamente, no podría contar nadie más. Abundan las películas de guerra, y se han hecho muchas películas en torno a la Segunda Guerra Mundial, pero nunca nadie ha hecho una como ésta.” Joe Johnston, director y productor ejecutivo, está de acuerdo, asegura: “Realmente sólo tienes una oportunidad de hacer una historia de orígenes. Los años 40 rebosaban energía, alimentada por la creencia optimista que ‘el bien’ triunfará. Desde el punto de vista cinematográfico esta era te proporciona un baúl entero de posibilidades con sus vehículos, moda y arquitectura, y las aprovechamos con los artilugios y armas de Marvel. Nos pareció que sería una gran oportunidad empezar con esta historia y luego avanzar.” El talentoso equipo de escritores formado por Christopher Markus y Stephen McFeely lleva 15 años escribiendo guiones (entre ellos las tres entregas de “Las Crónicas de Narnia”). Añade McFeely: “Capitán América no es sólo una gran representación del ideal americano de su época, también

es un héroe prototípico, alguien que no ha nacido para ello pero ha tenido que esforzarse para seguir adelante con valentía inquebrantable y confianza en sí mismo. Aunque estas cualidades se trasladan fácilmente a la actualidad, sería más difícil en nuestro contexto contemporáneo aceptar a un héroe vestido de bandera. El hecho de que ellos quisieran hacerlo bien, francamente, hizo que resultara muy atractivo.” En Johnston, Marvel encontró al director ideal para dirigir el proyecto. Necesitaban a alguien que no sólo quisiera contar la historia, sino que además pudiera darle corazón. Johnston comenzó su carrera muy joven en el ámbito de los efectos especiales. Mientras trabajaba en la prestigiosa Industrial Light & Magic, recibió el Oscar® compartido en 1982 por Mejores Efectos Visuales en “En busca del arca perdida.” Su don para contar historias y su manejo de los aspectos técnicos a la hora de dar vida a una aventura vintage lo señalaron como el candidato ideal para dirigir “Capitán América.” Recuerda Feige “En cada conversación que mantuvimos con Joe [Johnston], al final siempre volvíamos al hecho de que él no quería perder de vista al personaje, no quería perder a Steve. Sí, claro, el diseño sería asombroso y el estilo visual sorprendente, pero quería asegurarse de que los espectadores se sumaran al viaje. Era la persona adecuada para transmitir la historia como algo contemporáneo y hacer que resultara moderna, relevante, y atractiva para los espectadores.” Coincide además que Feige era fan de toda la vida de Johnston. En palabras del propio Feige: “He sido un gran admirador de Joe Johnston casi toda mi vida, desde su trabajo en la primera ‘Guerra de las Galaxias’. Su carrera ha ido en aumento, preparando el camino para llegar a hacer un filme de Marvel que es de última tecnología, contemporánea y con corazón. www.cinemascomics.com


Poster retro homenajeando la portada del número 1 de El Capitán América. Marzo de 1941.

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Su película ‘Cielo de octubre’ es una obra cinematográfica asombrosa e identificable. Cualquier otro director hubiera llegado con ganas de pasarlo bien porque nuestra película está ambientada en los años 40 y es divertida, y cosas así. Y posiblemente el resultado hubiera sido algo vacío de contenido donde el protagonista nace del diseño y hubiéramos perdido el alma del filme. Sin embargo, Johnston siempre estuvo en sintonía con los productores y siempre repetía que la película se trataba de Steve Rogers y el viaje de este.” Conforme iba moldeándose el guión, los guionistas Markus y McFeely se esforzaron continuamente para asegurar que la historia del Capitán América encajara perfectamente con los personajes y argumentos existentes del Universo Marvel. Asegura Markus: “Consultábamos con los demás proyectos o nos consultaban ellos para asegurarnos que no faltara el tejido conectivo. Por ejemplo, Howard Stark interpreta a un personaje bastante importante en la película, y su hijo es Tony Stark, Iron Man. Las vínculos han esta” Los escritores comenzaron con el patrón encontrado en las páginas de los cómics del Capitán América. Se metieron de lleno en aquel mundo y ávidamente devoraron montón tras montón de novelas gráficas. Al contar la historia desde el principio con Steve Rogers, el argumento tendría que dar lugar al universo entero de Marvel, un hecho que no tomaron a la ligera los guionistas. “Somos las comadronas que ayudan a dar a luz a esta criatura,” bromea Markus. “Exacto,” añade McFeely, “en nuestra película existe una organización llamada el S.S.R. (Reserva Científica Estratégica) que luego se convertirá en S.H.I.E.L.D. (División Nacional de Intervención, Seguridad y Logística) y te sientes muy importante, aunque de forma poco importan-

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te, porque estás trabajando con el génesis de cosas muy conocidas y cruciales en este universo.” Tras documentarse ampliamente con lecturas del material base, los guionistas llegaron a la conclusión de que el mayor atractivo para los espectadores era el personaje de Steve Rogers antes de convertirse en Capitán América. Asegura McFeely: “Era importante que desde el inicio los espectadores se identificaran y quisieran a Steve como personaje, antes de que este se convierta en un icono.”

Comenta Johnston: “Conocemos a Steve Rogers como personaje primero, y creo que eso es lo que lo ha convertido en un fenómeno durante 70 años. No tiene súper poderes especiales, sus poderes son básicamente lo que puede hacer el ser humano, pero llevado a un grado de perfección física. Tengo que decir que eso es lo que más me llamó la atención del personaje y me atrajo a hacer la película. Va de un chico que, en cuestión de minutos, pasa de ser un debilucho de 53 kilos, al espécimen humano perfecto. Y como tal, Steve tiene que enfrentar un montón de cuestiones, tanto www.cinemascomics.com


físicas como psicológicas, y me resulta interesante explorar esos temas y problemas y enmarcarlos en una trepidante historia de acción que es realmente buena.”

El CASTING de Capitán América El casting de Steve Rogers/Capitán América fue un proceso largo y arduo. En el guión su personaje va de un extremo a otro, desde un chico rechazado del cual se aprovechan los demás, a un líder dinámico. ¿Dónde encuentras a alguien que al principio aparente ser un tímido y escuálido adulto www.cinemascomics.com

pero que sea capaz de ganarse la simpatía y el respeto de los espectadores, y se transforme en un líder duro y creíble, capaz de desafiar legítimamente a una fuerza de élite formada por soldados sin escrúpulos de Hitler? Los productores barajaron muchos nombres que, por un motivo u otro, fueron desapareciendo de la lista.

ba y el nombre de Evans permanecía. Comenta Feige: “A todos nos gustó mucho Chris y es gracioso porque él había estado en la lista desde el principio, lo que sucede es que, como productores, nos llevó un camino más largo volver a él. Es como un bosque, una vez que lo talas, ves el árbol que está en el centro.”

El nombre de Chris Evans siempre estuvo en la lista, ya que previamente había colaborado con Marvel interpretando a Johnny Storm/La antorcha humana en “Los cuatro fantásticos” y la secuela de esta. La lista se acorta-

Johnston continua: “Comprendimos que Chris reunía todas las cualidades, todo lo que necesitaba ser el personaje. Era encantador. Tiene aspecto de chiquillo pero a la vez es capaz de ser un hombre y un líder. Es como si huCinemascomics │Agosto 2011 │

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biera salido de un cómic.” Evans, al principio, experimentó cierta reticencia cuando le hablaron del proyecto. El alcance y la magnitud del compromiso le dio un poco de vértigo. Explica Evans: “Estaba asustado y nervioso, esta es una propiedad importante para Marvel y un personaje querido por muchos fans. Mentiría si dijera que al principio no me sentí abrumado, pero es un honor interpretar a este personaje y realmente quería hacerlo justicia. No podría estar más agradecido con el papel, pero bueno, sólo que a la vez, estaba un poco nervioso.” Para ayudar a aliviar sus preocupaciones, los cineastas le hablaron a Evans del personaje, no de la película de acción, centrándose en quién es Steve Rogers. Asegura Evans: “Era una muy buena historia, incluso más allá del tema de superhéroe. Steve tiene muchas dificultades y a pesar de ellas escoge no amargarse ni dejar que le afecten. Es un hombre bueno, sincero y noble, y gracias a estas virtudes, le conceden un regalo. Cuando se convierte en el Capitán América, es capaz de conciliar su nueva vida con sus valores previos.” Prosigue Evans: “Su patriotismo tiene algo atractivo que me hizo sentir como si quisiera ser este tío. Fue genial utilizar su escudo para machacar a los malos, pero en verdad, las capacidades físicas del Capitán América no se pueden comparar con las de los demás superhéroes. Lo que le hace tan atractivo como héroe se reduce a unas cuantas cosas: es la clase de hombre al que seguirías a la guerra; el hombre que quieres que te lidere, no por su valentía o coraje, sino porque es un buen hombre y se asegurará de que volverás sano y salvo. Respecto a la construcción del personaje realmente me centré en estudiar los cómics que hablaran de su transformación,” afirma Evans. “Es la historia de la creación de un héroe, algo que

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comienza mucho antes del traje y el escudo.” Con el fichaje clave de Evans los productores de “Capitán América” comenzaron el casting con buen pie. Los numerosos personajes que pueblan esta historia son muy variados. Se necesitaría una gama entera de actores internacionales para contar esta historia de orígenes. Para ello, Marvel siguió con su política no oficial/oficial de escoger a los intérpretes primero. Resume Feige: “Tendemos a dejar que el papel nos diga lo que necesita y nunca decidimos exclusivamente en base a un rostro, o una imagen, sino que decidimos en base a que sea alguien con quien te puedas identificar. Es emocionante pensar que todos estos personajes podrían tener la

oportunidad de encontrarse en otra película porque seguimos construyendo este universo Marvel. Nunca se sabe quién va a ser el próximo que saldrá en la pantalla, y por ello debemos asegurarnos de que contamos con los mejores desde el principio.” La red se echó sobre un terreno muy amplio y Marvel ha reunido un conjunto estelar y variado de intérpretes, desde rostros nuevos a reconocidos veteranos. El ganador del Oscar® Tommy Lee Jones es el Coronel Chester Phillips, el comandante oficial del Capitán América; el versátil Hugo Weaving da vida a Johann Schmidt/ Cráneo Rojo, el vil director de HYDRA; y el nominado al Oscar® Stanley Tucci es el Dr. Abraham Erskine, el creador de Proyecto www.cinemascomics.com


Renacimiento y el hombre que selecciona personalmente a Steve Rogers para convertirse en el primer voluntario del programa. La nominada al Globo de Oro Hayley Atwell interpreta a Peggy Carter, el contacto militar del Capitán América; Sebastian Stan es Bucky Barnes, el amigo más cercano de Steve; Dominic Cooper el rico empresario e inventor Howard Stark; y Toby Jones, Arnim Zola, un científico colaborador de los Nazis. Se suman al reparto de los ’Comandos Aulladores’ del Capitán América: Neal McDonough como Dum Dum Dugan, Derek Luke como Gabe Jones, Kenneth Choi como Morita, Bruno Ricci como Jacques Dernier, y J.J. Feild como Montgomery Falsworth. Tommy Lee Jones destaca como uno de los actores únicos en su www.cinemascomics.com

generación que está en lo más alto de la profesión. Ha llegado hasta aquí con incontables interpretaciones excelentes, prácticamente patentando el personaje del ‘Americano al mando’ - un hombre de pocas palabras capaz de liderar un ejército, una investigación o una agencia por la mera fuerza de su presencia. También ha sido bendecido con un malvado sentido del humor y el cerebro de un erudito, es decir, que parece haber nacido para interpretar al Coronel Phillips. Comenta Jones: “Doy vida al Coronel, una especie de militar tosco que está a cargo de la unidad que crea al Capitán América. Creo que siempre hay una parte personal en estas películas pero me gusta lo que han hecho Joe

[Johnston] y Kevin [Feige] para hacer algo único. Ésta es una película basada en un cómic, pero además parece tocar un tema que está haciendo eco ahora en el ámbito nacional. Pero no me pondré en plan serio ni reflexivo, son aventuras divertidas y emocionantes, así que me quedo con eso. Me dan la oportunidad de gritar, mandar, y decir algo gracioso de vez en cuando. Pasamos un buen rato.” Markus y McFeely no podían creer lo afortunados que habían sido al contar con Jones. “Es una locura pensar que alguna vez saldrán tus diálogos de la boca de Tommy Lee Jones” se maravilla Markus. “En las tomas diarias repasábamos las escenas y el leía de maravilla, quedaba perfecto y teníamos que Cinemascomics │Agosto 2011 │

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Hugo Weaving es Johann Schmidt / Cráneo Rojo, el archienemigo del Capitán América.

detenernos para pensar ‘Espera, no acaba de decirlo porque sí, nosotros lo escribimos.’ Todavía nos cuesta creerlo, pensar que decía nuestros diálogos.” En “Capitán América” Steve Rogers se enfrenta a uno de los villanos más notorios de Marvel, el Cráneo Rojo, t.c.c. Johann Schmidt, un villano presentado por primera vez en marzo de 1941. Antes de que Steve Rogers recibiera las inyecciones del Proyecto Renacimiento que cambiarían su cuerpo, Johann Schmidt recibió un prototipo del suero diseñado para potenciar los poderes existentes de un hombre. En el caso de Rogers, su corazón valiente y naturaleza valerosa dieron lugar al Capitán América, pero la crueldad de Schmidt y sus ansias de

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poder lo convirtieron en un monstruo espantoso deseoso de dominar el mundo. Era un papel desafiante, sin duda, pero Johnston ya tenía al actor australiano Hugo Weaving en mente para el papel tras su colaboración en “El hombre lobo.” Johnston buscaba a alguien capaz de brillar a través del maquillaje para encarnar a Cráneo Rojo, alguien que fuera capaz de transmitir aún detrás de una máscara. Weaving había demostrado sin lugar a dudas esta capacidad en “V de vendetta,” en el que proporcionó una interpretación redonda detrás de una máscara completamente estática. “Lo importante es mantener al personaje de Johann Schmidt frente a la cámara durante el

mayor tiempo posible, para que cuando se convierta en Cráneo Rojo, los espectadores ya le conozcan como hombre, básicamente ocurre lo mismo que con Steve, que funciona mejor si le conoces como el chiquillo escuálido” explica Feige. Weaving admite que conocía muy poco acerca de los personajes del cómic y de hecho desconocía lo icónico que era su personaje. Confiesa Weaving: “No sabía nada acerca de las historias del Capitán América y mis conocimientos de los superhéroes en general es escaso. Para mí formar parte de este mundo ha supuesto todo un proceso de aprendizaje. Johann Schmidt es un oficial alemán al que le interesa acceder a un poder más allá del terrenal y en cuanto a villanos se refiere, esto www.cinemascomics.com


Hayley Atwell es Peggy Carter le hace mucho más interesante.” Apunta Stephen McFeely: “Algo que le distingue es que se desvincula de los Nazis y acaba matándolos. ¡Incluso nuestro malo odia a los Nazis! Lo quieres tanto como lo odias y Hugo parte de ahí y se adentra en terrenos totalmente insospechados.” Weaving confiesa que una vez que se sumó al proyecto tuvo que ponerse anteojeras, metafóricamente, para poder llegar al alma de su personaje: “Existen tantas historias y representaciones diferentes de Cráneo Rojo ahí fuera, que sencillamente no sabía a dónde dirigirme. Podía sumergirme en los cómics, o trabajar desde el guión. Sentí que la mejor opción sería trabajar en base a esta versión particular de Cráneo Rojo que aparece en el guión ya que Marvel desarrolló este argumento específicamente para él. No importa el tiempo que lleve el personaje entre nosotros o sus distintas representaciones en los cómics o en la cultura popular, lo único que me importa a mí como www.cinemascomics.com

actor es intentar comprender quién es el personaje y qué intenta lograr. Y eso estaba plasmado en las páginas del guión.” Contar con Weaving supuso una especie de reunión, no sólo para el director Johnston, sino también para el director de fotografía Shelly Johnson y el director de producción Rick Heinrichs ya que los cuatro trabajaron juntos anteriormente en “El hombre lobo.” Asegura Weaving: “Pensé que sería divertido interpretar a Cráneo Rojo. Cuando me enseñaron las imágenes visuales del personaje pensé que por lo menos sería un reto interpretar a un villano tan icónico. Y tener la oportunidad de volver a trabajar con estos tíos sería un valor añadido.” El interés amoroso del “Capitán América” es Peggy Carter, interpretada por la actriz británica Hayley Atwell. Carter es tan dura como la que más en el mundo del cómic y trabaja en una operación de la Reserva Estratégica Científica, una organización de tecnología

punta que desarrolla nuevas formas de luchar contra el enemigo. Comenta Atwell: “Lo que más me atrajo al leer el guión es que me podía identificar con esta mujer que vive en un entorno dominado por los hombres. Es luchadora, cualidad que siempre es atractiva en cualquier personaje, y además, es misteriosa. La relación que mantiene con Steve Rogers no es la típica historia de amor. Es una mujer de carrera, tiene dignidad personal y está harta de que los hombres del Ejército no la tomen en serio. Creo que todo esto hace que sea bastante formidable, especialmente para Steve. No importa en quién se convierta él porque sigue siendo interiormente un chaval inexperto con las mujeres. Es como si saltara de la educación primaria a la universidad sin pasar por la educación superior.” Comenta Kevin Feige: “En las películas de Marvel las mujeres ayudan a los superhéroes a entender quiénes son a medida que Cinemascomics │Agosto 2011 │

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ellos viven sus diferentes aventuras, de forma en que hay igualdad entre ellos. Siento que estas historias funcionan mejor cuando tienes a alguien como Peggy Carter junto a Steve Rogers, alguien capaz de ponerlo en su lugar. Ella es el centro moral de Steve en el viaje que vive él hasta convertirse en el Capitán América. Así que ella sin duda nos brinda una maravillosa oportunidad de explorar y ampliar los grandes personajes femeninos que hemos tenido en nuestras películas.” Cualquier experiencia vital que haya tenido Steve Rogers antes de convertirse en el Capitán América se debe a su amistad con Bucky Barnes, y en muchos sentidos Bucky es lo que a Steve le gustaría ser. Ambos son valientes, pero el estado físico de Bucky hace que este sea capaz de ganar peleas a puñetazos, tenga más confianza con las chicas, y lo que es más importante, que sea aceptado en el servicio militar a pesar de que Steve es rechazado. Al igual que el personaje del Capitán América, Bucky Barnes aparece en múltiples ocasiones en

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los cómics de Marvel, así que el casting representó todo un reto ya que el actor tenía que encajar con el proyecto pero además tendría que ser capaz de llevar al personaje en nuevas direcciones si se presentara la oportunidad. Recuerda el productor: “Sebastian Stan grabó sus propias pruebas y nos las envió pero para el papel de Steve Rogers, no para Bucky. Pero quedamos tan encantados con él que le hablamos acerca de Bucky y le dijimos que habíamos actualizado su personaje para hacerlo un igual, el hermano mayor que Steve nunca tuvo.” Stan se entusiasmó con el papel de Bucky: “Interpreto a James Buchanan Barnes, más conocido como Bucky. Es muy parecido a Steve en muchos sentidos y creo que por eso se entienden: ambos son huérfanos, independientes, y tienen confianza en sí mismos. Pero Bucky se siente responsable de Steve y haría cualquier cosa para protegerlo.” En cuanto a la relación que mantienen el transformado Capitán

América y el soldado Barnes, explica Sebastian: “Una vez que Steve se convierte en el Capitán América se convierte en el símbolo. Bucky siempre fue entrenado para ejecutar las tareas más duras y menos refinadas, y gracias a ello soy una parte clave de los esfuerzos del Capitán América. Eso me encanta porque creo que le aporta una faceta diferente a mi personaje.” Al igual que Weaving, Stan tuvo que encontrar el ‘verdadero’ Bucky entre las múltiples apariciones del personaje en el mundo Marvel, pero los productores quisieron hacerle la vida más fácil al actor, quien explica: “En los cómics anteriores el personaje de Bucky se había perfilado de forma muy diferente al giro que decidimos darle en esta película y gracias a ello pude tener una visión fresca y personal de él, pero claro, sí que hubieron ciertos aspectos del personaje que había que mantener.” Dominic Cooper también tenía grandes expectativas que cumplir como el inventor Howard Stark, el futuro padre de Tony Stark, el www.cinemascomics.com


hombre que se convertirá en Iron Man. Relata Cooper: “No me crié con cómics, era más el niño que hacía ‘rruun, rruun’ con el coche de juguete. Pero una vez me entregué a este papel, me llamaron por teléfono y mantuvimos una agradable conversación en la que hablamos largo y tendido acerca de cómo ellos veían el personaje y la parte que desempeñaría en la historia en conjunto. Resulta que como personaje Howard Stark es un emprendedor entusiasta y exuberante que fue playboy, creador e inventor. Sentí que muchas de estas facetas de su personalidad darían mucho juego en cuanto al desarrollo del personaje y sería muy divertido de interpretar. Me sentí algo celoso por no llevar traje y capa y escalar o hacer cosas así pero bueno, no se puede tenerlo todo.” Aunque no era un desconocido a las grandes producciones (interpretó al futuro yerno de Meryl Streep en el musical “Mamma Mía!”), la trayectoria de Cooper se ha centrado más en títulos más pequeños e independientes. Por ello, el impacto de encontrarse inmerso de repente en una aven-

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tura y acción de dimensiones sobrehumanas fue muy memorable: “Fue algo extraordinario pisar el estudio por primera vez. Habiendo trabajado en películas más pequeñas e independientes, lo primero que me encontré fue a un chaval que hacía los guiones gráficos, y cada imagen era tan preciosa y elaborada, que todas ellas parecían cuadros individuales. Perfectamente podrías colgar cualquiera de ellas en tu salón. Y no sólo tenía una bellísima representación de cada cuadro de la película, sino que además estaba detrás de un ordenador hablando con Joe [Johnston]. Y ahí estaba yo en plena conversación, escuchándoles discutir dónde quería Joe que se posicionara el submarino en cierto momento de la acción. Y tenían la capacidad de mover el set entero de lugar utilizando los gráficos, y ahí comprendí la enormidad del proyecto y lo avanzado de su desarrollo. Me sentí como si hubiera entrado en mi propio mundo cómic.” Para el actor Neal McDonough, ser elegido para representar a Dum Dum Dugan fue “una bendición, sencillamente, lo mejor.”

El actor, de 1,82 metros de altura, llevó almohadillas y “tuvo el placer de comer mucha tarta de chocolate” para ponerse cachas para un personaje de grandes dimensiones, Dugan. Pero más allá de las delicias y los detalles, el actor estaba encantado de trabajar en un proyecto de Marvel. Relata McDonough: “El problema que veía yo con muchas de estas historias de cómics adaptadas al cine es que, sentía personalmente que lo importante no era la interpretación sino que iba de efectos o vestuarios o exhibiciones tecnológicas. Pero vi lo que hizo Jon Favreau con ‘Iron Man,’ para empezar, contando con Robert Downey, Jr. y realmente el tema iba mucho más allá de un cómic, se trataba de una historia y creo que lo que la gente suele olvidar es que estos cómics lo que hacían era contar buenas historias. Creo que Marvel ha recuperado esa tradición y considero que Chris se ha enfrentado al Capitán América con asombrosa pericia, al igual que lo hizo Robert con Iron Man.” El Dr. Erskine, el creador del suero súper soldado, lo interpreta el reconocido actor Stanley Tuc-

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ci, admirador de toda la vida de los cómics por “su extremo heroísmo y la belleza de su sencillez gráfica.” Marvel le obsequió al actor una colección de cómics que detallaban las primeras historias del científico y su creación, y todas ellas le sirvieron a Tucci de inspiración para incorporarlas en su personaje. Asegura: “el Dr. Erskine es un científico alemán al que presionó el régimen Nazi para que compartiera con ellos los hallazgos de su investigación. Estaba desarrollando un suero que amplificaría todos los atributos físicos y morales de cualquier persona. Los Nazis le intentaron presionar para que utilizara el suero con ellos y Erskine se negó. Eventualmente llegó a América y empleó su descubrimiento para el bien. Desafortunadamente, alguien lo consiguió anteriormente en Alemania y lo utilizó para mal. Y este mal se convirtió en el enemigo del Capitán América.” Y aunque la mayoría de las personas del entorno de Erskine se asombran de que elija al delgaducho de Steve Rogers como primer voluntario, el doctor está convencido de sus razones e insiste: “Él ve en Steve un sentido inequívoco de la moralidad, del bien y el mal, junto con un sentido innato de la justicia y un deseo de luchar por lo que es correcto. Aunque físicamente no sea el sujeto más perfecto, sabe que el suero lo compensará. El suero actuará sobre todos los atributos y los acentuará. Steve es la persona más moralmente pura que ha podido encontrar.” LA PREPARACIÓN: ROJO, BLANCO, Y AZUL VERSUS…ROJO Con un personaje tan reconocible como el Capitán América, trasladar los aspectos fantásticos de su icónico vestuario al mundo real supuso un reto para el artista conceptual y diseñador Ryan Meinerding y la diseñadora de vestuario nominada al Oscar® Anna

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B. Sheppard. Tomaron como referencia setenta años de cómics para buscar un equilibrio necesario que por un lado satisfaría a los fans y por otro fuera creíble en el mundo cinematográfico. Sobre todo tenían que asegurar que el traje conjugara el alucine y la fantasía con el pragmatismo. En palabras del coproductor Stephen Broussard: “Sea el traje de Tony en ‘Iron Man’ o la armadura asgardiana de Thor, la clave es hallar el equilibrio de no sacrificar la estética visual que resulta tan atractiva en la página del cómic, y es la razón por la cual los lectores han respondido a este material durante décadas. Así lo vemos nosotros. Creemos que esa es la razón por la que Steve Rogers pasó de ser un símbolo, un tío en un escenario de la USO con un traje que no impone nada, a

convertirse en el hombre que está en primera línea de guerra liderando un ejército.” Meinerding es muy meticuloso en su investigación, cogiendo referencias de varias fuentes y discutiendo cada movida detalladamente con los productores. Cada correa, cada hebilla, responde a una razón práctica más allá de sus propiedades cosméticas. El productor Feige comenta: “Le damos vida a los trajes con un guiño a los cómics, pero además están inspirados en la credibilidad, parece que son de la época y que acaban de salir de las páginas de los cómics, pero además sin duda parecen existir en nuestro mundo real.” A Marvel se le da muy bien respetar lo que ha precedido sin dejarse esclavizar por ello. Añade www.cinemascomics.com


Feige: “Sería estúpido descartar los diseños originales y empezar de cero, porque los huesos están ahí. Quisimos escoger los mejores elementos y adaptarlos a nuestro actor y a nuestra historia, así el resultado final es creíble cuando lo ves en acción.” Mientras que Evans estuvo semana tras semana preparándose físicamente para acercarse a esa ‘perfección física’ que conseguiría el suero del Dr. Erskine, un equipo de artistas se dedicaron a trabajar el efecto opuesto del suero: la transformación de Johann Schmidt como el Cráneo Rojo. El proceso constó de múltiples pasos, en el primero de ellos David White realizó un molde a escala real del actor Hugo Weaving. Este molde serviría como base sobre la cual se podrían realizar varios diseños. Explica White: “Mi meta era encontrar un equilibrio escultural y una conexión entre Hugo y el Cráneo Rojo. Quería asegurarme de que no perdiéramos de vista a Hugo bajo el maquillaje final.”

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White y los productores probaron varios modelos conceptuales antes de llegar a la imagen adecuada. La meta era conseguir una apariencia ósea sin dar ninguna pista de que Johann había sufrido quemaduras. Explica White: “Joe [Johnston] no quería que los espectadores simpatizaran con Cráneo Rojo, no queríamos que diera lástima. Pero sin duda buscábamos una imagen clásicamente memorable pero tal vez un poco grotesca, sin llegar a ser asquerosa. Finalmente dimos con un look que equilibró lo horripilante sin llegar a ser demasiado grotesco; sencillamente tenía el toque justo de carisma y atractivo como para no poder quitarle los ojos de encima.” Una vez perfeccionado el maquillaje, las primeras aplicaciones llevaron unas tres horas y media, se aplicaría encima la animación por ordenador para darle los últimos toques al look y eliminar la nariz de Weaving. Recuerda Feige: “Dimos por hecho desde el principio que necesitaríamos los efectos digitales para darle

el toque final al personaje, pero a parte de cuestiones menores como la eliminación de la nariz, nos quedamos impresionados con lo mucho que avanzó David White con el personaje desde aquella primera prueba.” Otra parte importante del exitoso resultado fue la capacidad de Weaving de canalizar su interpretación a través del maquillaje y las prótesis que llevaba en el rostro. White utilizó siete piezas individuales cubiertas de silicona que ´le pegó a la piel para aguantar la pintura y el maquillaje. La silicona tenía además un beneficio añadido: el color se translucía ligeramente y gracias a esta luminosidad producida bajo las luces del escenario, se creó una luz roja que parecía venir de otro mundo. Comenta Weaving: “Al principio fue un poco engorroso ponerme la máscara. Pero ya en la segunda tanda de pruebas descubrí que podía emplear mucha sutileza en las expresiones faciales y de hecho pude expresarme fácilmente con la máscara. Los pómulos, las cejas y la boca eran muy extre-

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mas pero me permitieron expresarme con el rostro mientras que en algunas de las primeras pruebas sentía que había perdido a Schmidt con la máscara.” “Se crean unas ondas preciosas bajo las luces,” explica entusiasmado White. “Es muy orgánico y se mueve extremadamente bien.” Weaving se pasaba frecuentemente 14 o 15 horas con la prótesis mientras rodaban. “El calor no se puede escapar, así que empezaba a sudar y el sudar intentaba escaparse. Como no tenía ningún sitio a donde ir, me salía de las orejas o se escurría hasta los labios y parecía que estuviera babeando” comenta Weaving. Recurrieron a la aplicación de talco para ayudar a contrarrestar el sudor”. Aunque tiene experiencia creando trajes fantasiosos (sus créditos cinematográficos abarcan desde comedias de época a emotivas historias dramáticas y militares), para la dos veces nominada al Oscar® Anna Sheppard, era su primera incursión en el universo de los cómics. Añade la diseñadora: “Todo el proyecto en sí ha su-

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puesto un gran proceso de aprendizaje para mí y siento que cada uno de los trajes es muy especial. El estilo de cada uno era muy importante y lo discutimos noche y día. Como diseñadora, tuve que adaptarme y escuchar la opinión de muchas personas que saben mucho más que yo. En este caso, he recibido más asesoramiento y he aprendido mucho acerca de este género.” Al recordar el momento en el que se probó el icónico traje por primera vez, Evans asegura que: “Obviamente me preocupa hacerlo bien con cada personaje, pero en este caso, llevaría el traje durante mucho tiempo. Es como si el traje llevara gran parte del peso, por decirlo de alguna forma. Hubo muchas personas que trabajaron muchísimo en el diseño del traje. Me lo probaba cada un par de semanas y me pinchaban, pellizcaban y medían. Cortaban cosas, añadían otras. Al final, consiguieron el traje que querían y debo decir que el resultado es fantástico.” El modelo del traje, Patrick Whitaker, colaboró estrechamente

con la diseñadora Sheppard y el supervisor de vestuario Graham Churchyard, quienes a su vez se mantenían en constante comunicación con los productores para asegurarse que hasta el más mínimo detalle del traje fuera preciso, funcional, práctica, y estiloso. La tela es nylon balística, un tejido de nylon muy resistente con una capa de goma (de una firma de sillas de montar de Reino que produce este material para fabricar mantas ecuestres). El nylon es fuerte y duradero, capaz de aguantar colores saturados y proporcionar cierta libertad de movimiento. Comenta Whitaker: “Aunque el traje tenía que ser tan funcional como fuera posible, no pasaba nada si era un poco grueso, porque es de los años 40.” Howard Stark le da a Rogers lo que eventualmente se convierte en el arma característica del Capitán, su escudo. Su distintiva forma redondeada se debe de hecho a una decisión tomada muy al principio por el creador/ilustrador Joe Simon, de evitar cualquier violación de un personaje publicado por una editorial rival. www.cinemascomics.com


Según Dominic Cooper, quien interpreta a Howard Stark, “El escudo está hecho de vibranio, que es más fuerte que el acero pero mucho más ligero. El material no permite que se transmitan vibraciones y cuando algo golpea al escudo no hay repercusiones. Por ello, el escudo de vibranio hace que una bala parezca un algodón…y lo he inventado yo. ¿No está mal eh?” “Probablemente la mayoría de las personas no escogerían un escudo como primer arma de combate. Pero lo divertido del escudo”, comenta Kevin Feige, “es que después de 600 ejemplares de cómics del Capitán América, sigue siendo capaz de hacer cosas nunca antes vistas con el escudo.” Habiendo dicho eso, los escritores sí incluyeron unos cuantos buenos impactos con el escudo en ciertos momentos importantes de la película. “Es tanto un arma defensiva como ofensiva, así que sirve tanto para desviar balas como de arma arrojadiza” describe el guionista Christoper Markus. Añade Stephen McFeely: “Es inexplicablemente alucinante. No hay razón por la cual esta cosa grande

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y redonda no pueda ser preciosa, pero cada vez que Chris paseaba con él me daban ganas de tener uno.” Se hicieron escudos diferentes para el rodaje, y parte de la responsabilidad recayó sobre el utilero Barry Gibbs: “Hay cuatro clases de escudos en la película, la original o ‘héroe,’ la ligera, la de goma dura y la de goma suave, y todas ellas tienen usos diferentes. Chris utilizó el original para los primeros planos, y alternó entre los otros tres escudos en función de las necesidades de cada plano. La de goma suave siempre se utilizó para los combates.” (La animación por ordenador también tuvo su pequeña parte en la creación del escudo. Añade Evans: “De vez en cuando hacíamos un plano en el que utilizábamos la animación por ordenador. El escudo era tan grande que si lo hubiera lanzado según las exigencias del guión, le podía haber hecho mucho daño a alguien.”) LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL AL ESTILO MARVEL Rodada en su mayoría en Reino Unido, la producción de “Capitán

América” se basó en los mundialmente conocidos estudios Shepperton en Surrey (o ‘Sound City,’ como fue conocida cuando se empezaron a rodar allí las producciones cinematográficas en 1931, una década antes de que el mundo conociera al Capitán América). La fotografía comenzó el 12 de julio de 2010 y terminó oficialmente el 19 de noviembre de 2010. En el rodaje participaron en torno a 1.000 personas en producción. Se amplió el rodaje en estudios con amplia cobertura en exteriores: en Manchester y Liverpool (norte de Inglaterra), Caerwent (Gales, en una antigua fábrica de propulsores de la Armada Real), Aldershot (conocida como ‘El hogar del ejército británico’), Black Park (Buckinghamshire), Hackney Empire (Londres) y los estudios Pinewood (Buckinghamshire). Aunque los productores buscaban la versión Marvel de los años 40, se esforzaron por asegurar que se mantuviera anclada en la realidad. La coproductora Victoria Alonso asegura: “Siempre contamos con una recopilación de lo que es históricamente correcto y luego lo ampliamos si es necesario para abarcar nuestra histo-

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ria.” El director de producción Rick Heinrichs fue minucioso a la hora de representar lugares y momentos históricos, adaptando los exteriores británicos a los entornos americanos con alteraciones y adiciones tanto prácticas como informáticas. Anna Sheppard, quien vistió a unos 300 extras a diario en algunas de las escenas, se basó en materiales de la época y piezas auténticas para aportar mayor autenticidad. El asesor militar Billy Budd, con más de 15 años en la Marina Real Británica ayudó a los actores, explicándoles cómo manipular equipos y armas militares; los productores también incluyeron a militares reales en las escenas de más acción. Los soldados, ya fueran veteranos o estuvieran en activo, formaron una tercera parte de los cuerpos de seguridad que aparecen en la película. (Budd confiesa que optó por no asesorar a Evans en las secuencias previas a convertirse en el Capitán América: “No quería que tuviera ninguna idea de

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cómo hacer las cosas de la forma militar, ni siquiera cómo ponerse firme, así que verdaderamente se pierde en muchas de las actividades antes de convertirse en el héroe que está destinado a ser.”) El armero de producción supervisor Nick Jeffries investigó y consiguió pistolas de época e instruyó a los actores para disparar y manejarlas con seguridad. El coordinador de especialistas Steve Dent también estuvo presente para velar por la seguridad durante las escenas y ayudó a crear los asombrosos logros de poderío físico del Capitán América, entre ellos una veloz persecución a pie que ocurre inmediatamente después de su transformación (se consiguió grabando a Evans corriendo sobre una ‘alfombra mágica,’ una especia de cinta o suelo en movimiento). Pero el entrenamiento no se limitó a los combatientes masculinos de la película. Hayley Atwell se entrenó rigurosamente haciendo circuitos militares con un antiguo Marine, no sólo para estar pre-

parada físicamente, sino además porque tenía que ser capaz de manipular tanto una pistola como una ametralladora para ser creíble como Peggy Carter: “Comenzamos entrenado con pistolas, yo utilicé un Walther PPK. Había hecho algunas prácticas con pistolas anteriormente pero nunca nada a esta escala. Realmente tenía muchas ganas e incluso rodaron algunos de mis entrenamientos. Luego Joe [Johnston], el director, que siempre ha querido divertirse y comprobar si podía estirar los límites, preguntó ¿‘y si te conseguimos una ametralladora? Realmente creo que tendríamos que darle algo especial a Peggy.’ Así que me la trajeron y cuando la disparé por primera vez casi me caigo de bruces. Es tan poco discreta, y se desprenden un montón de pedacitos de proyectiles y polvo y emite muchísimo calor. Me preguntaba si sería capaz de hacerlo con rostro impasible. Me llevó varias semanas poder dispararla sin pestañear, a base de concentración pude relajarme y eventualmente llegué a sentir www.cinemascomics.com


que era como una ampliación de mi brazo. Debo decir que al final me sentí bastante satisfecha conmigo misma, y Joe [Johnston] también, y eso significó mucho para mí.” Mientras que la mayor parte del equipo artístico y técnico se preparaba para simular el combate de la Segunda Guerra Mundial, la otra se esforzaba por hacer que Steve Rogers aparentara estar menos preparado para la guerra. El supervisor de efectos visuales Christopher Townsend recibió el encargo de crear el look de Steve Rogers antes de su transformación. Habiendo trabajado anteriormente en géneros de fantasía, acción y aventura, Townsend llegó preparado para enfrentar el reto. Townsend confiesa también que estaba entregado al proyecto por haber sido un gran fan de la adaptación cinematográfica de Marvel de “Iron Man.” Admite que: “realmente disfruté del filme y francamente me entusiasmó pensar lo que podríamos hacer con ‘Capitán América,’ especialmente al poder trabajar en una película de orígenes y crear el clima de cómo iba a ser, cómo sería el personaje y de lo que sería capaz de hacer.” Para convertir a Evans en el muchacho Steve Rogers de 53 kilos de peso, Townsend empleó una colección de técnicas de efectos visuales, entre ellas sustitución de cabeza, lo cual se realizó con mayor credibilidad al ‘adelgazar’ tanto la cabeza como el rostro de Evans. Un doble corporal más delgado observaba la actuación de Chris Evans en una escena y luego la imitaba lo más fielmente posible. A continuación, unían cuerpo y cabeza con el último toque mágico de Townsend. Incluso midiendo 5’7”, el doble no siempre era lo suficientemente ineficaz así que usaron un software para deteriorarle un poco el cuerpo. “Chris Evans está en plena forma física, casi me pareció un crimen www.cinemascomics.com

hacerle eso,” explica el productor ejecutivo Louis D’Esposito, “Pero el resultado te sorprenderá y comprobarás lo bien que complementan los efectos visuales su actuación.” Durante el rodaje el nombre de Johnston estaba en boca de todos, quienes afirmaban que es ‘el director de los actores’. Chris Evans lo explica: “A Joe [Johnston] le encanta escuchar lo que piensan los actores y está dispuesto a ensayar y hablar de las escenas. Se sienta con todo el mundo y sus conversaciones siempre son positivas, participativas y creativas y no siempre se tiene ese lujo. Además, te protege de la jerarquía de personas que tienen que darte su aprobación hasta para el más mínimo detalle, realmente sientes que sólo estáis tú y él y que estáis haciendo una película independiente juntos. Sea cual sea la situación, hará que funcione y la solucionará, y en una película con una escala como esta eso es un gran alivio.” Kevin Feige es un autoproclamado fan del cómic: “Nos consideramos aficionados así que lo entendemos de la misma forma. Si les damos lo que quieren ver es porque nosotros también queremos verlo. Sabemos que el pecado capital es pensar que nosotros conocemos mejor un material que lleva 70 años de existencia. No es casualidad que el Capitán América sea mucho mayor que nosotros y él seguirá estando aquí cuando nosotros no estemos.” Continua Feige: “Lo fascinante de Steve Rogers/Capitán América es que es un personaje que prácticamente no ha cambiado. Es capaz de adaptarse a los tiempos y es un reflejo del sentir del país en cualquier momento dado. Es emocionante tener por fin la oportunidad de contar su historia adaptada al cine.” Chris Evans se considera afortu-

nado de poder formar parte de esta ‘película de cómic’: “Los aficionados están muy arraigados y son tremendamente leales. Evidentemente tomaré precauciones añadidas a la hora de mis decisiones respecto al filme, para poder honrar a estos fans. Tienen voz y además muy fuerte, y quieren ser oídos. Pero eso es genial. Un actor necesita a los espectadores y es bonito contar con los fans, porque sabes que te apoyarán. Cuando hay muchos cocineros en la cocina la cosa se complica y es difícil tener una visión única. No es fácil porque si lo fuera habría muchos cocineros más. No he participado en esta película sólo porque sea de Marvel, y porque tenga una base de aficionados muy fuerte, aunque fueron factores contribuyentes. Lo que me convenció fue contar con Joe Johnston como director y Kevin Feige detrás del telón. Así que sólo pienso agachar la cabeza y esperar que hice bien mi trabajo.” Para Johnston dirigir “Capitán América” supuso el cumplimiento de un sueño en muchos sentidos. Termina diciendo: “Sólo pensé que se trataba de un personaje que representaba la proyección de un ideal nacional. Históricamente el personaje nació antes de que entráramos en la Guerra y creo que rápidamente se convirtió en un símbolo de ‘lo que podríamos hacer si nos lo permitieran.’ Bueno, supongo que hacer la película me dio la oportunidad de hacer estas cosas. Me entregaron aquellos sueños nacionales y creo que pudimos contar la historia del Capitán América de tal forma que hemos hecho que todos, fans y creadores de Marvel, se sientan orgullosos. No podría estar más feliz.” Para saber más de los orígenes del Capitán América no puedes dejar de leer el especial que dedicamos en nuestro número 0 del pasado mes de enero. http://issuu.com/cinemascomics/docs/ cinemascomics-enero Cinemascomics │Agosto 2011 │

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CHRIS EVANS UNA VIDA ENTRE VIÑETAS Y FOTOGRAMAS Por Christian Arza

Christopher Robert Evans, más conocido por Chris Evans, es sin duda uno de los actores del momento gracias a su participación en la película de aventuras “Capitán América: El primer vengador” que se estrena el 5 de agosto en nuestras pantallas, un film perteneciente a un género que no le es desconocido a este actor y modelo estadounidense. Nacido en el país de las barras y estrellas, por sus venas corre sangre italiana e irlandesa por parte de sus abuelos, y aunque sus padres sean dos personas con trabajos normales y corrientes (su madre, bailarina y su padre, dentista), el hijo les salió actor. Durante su etapa en la escuela aprovechó el verano para participar en un programa de interpretación en el que un agente lo descubrió y convenció para que se dedicase al mundo de la interpretación. Al principio obtuvo pequeños papeles en series de televisión como “Profesores de Boston” o “El fugitivo” pero no fue hasta el año 2001 cuando Chris Evans comenzó su camino en el mundo del cine con la película “No es otra estúpida película americana”, una parodia descarada y con sorna de las películas adolescentes estrenadas en esa época que no dejaban tópico americano en www.cinemascomics.com

pie. La suerte acompañó a nuestro primer vengador, y aunque las críticas la vapulearon, Evans salió airoso de ella y siguió trabajando para conseguir otros papeles en otras producciones de distinto índole. En el 2004 participó en la película “La puntuación perfecta”, cinta dirigida por Brian Robbins en la que robaba examen y compartía cámara con actores emergentes como Scarlett Johansson o Erika Christensen. Nueva caída en taquilla y aluvión de críticas negativas para la cinta. Pero Evans siguió trabajando. A continuación, participó en la película “Celular”, thriller persecutorio con Kim Basinger, William H. Macy, Jason Statham y su pareja de entonces, Jessica Biel, en la que demostró que no sólo era un rostro bonito. Y aquí llegó el despegue, en el 2005, cuando llamaron a su puerta para ofrecerle el papel que iba a cambiar su vida, personal y profesionalmente. Ese año protagonizó “Los 4 fantásticos” la película protagonizada por los emblemáticos personajes de la Marvel en la que Evans se metió en la piel del ardiente Johnny Storm, alias la Antorcha Humana. Una película que supuso una parte en el renacimiento de los héroes cinematográficos, junto a

Spiderman o Daredevil, y que le lanzó definitivamente al estrellato. Alternó esta superproducción con papeles más discretos e íntimos como el drama “London: Oscura obsesión”, donde se trató el tema de la droga y el amor algo obsesivo, o “Gente poco corriente”, donde también se trataba la drogodependencia. En el 2007 participó en la aclamada película de ciencia-ficción “Sunshine”, dirigida por Danny Boyle, donde un valeroso grupo de hombres y mujeres se dirigen hacia el Sol con la misión de reactivar la agonizante estrella mediante una enorme explosión nuclear, puso voz al relanzamiento de la película animada “Las tortugas ninja” y a la película de animación “Terra”, participó en la película romántica “Diario de una niñera” y finalmente, se volvió a meter en la piel de Johnny Storm en “Los 4 fantásticos y Silver Surfer”, la secuela de la primera. Un año plagado de trabajo. El papel de la Antorcha Humana predijo un poco el camino comiquero que iba a seguir el joven Evans en los sucesivos años venideros. En el 2009, “Push” supuso una nueva inmersión en el campo de los superhéroes y aunque no venía precedida por un comic, como era el caso del resto, indaCinemascomics │Agosto 2011 │ 33


Chris Evans junto a su compañero de reparto Sebastian Stan en “Capitán América: El primer vengador”

gaba en la vida de personas con poderes especiales (telequinesis o premonición), que deciden usarlos para combatir el mal. El año siguiente fue el de “Los perdedores”, basado en un comic de Andy Diggle, en la que Evans era miembro de un grupo especial de agentes, entre los que se encuentran Zoe Saldana, Oscar Jaenada o Jefrey Dean Morgan, buscan venganza para limpiar su nombre y “Scott Pilgrim contra el mundo”, adaptación del cómic de Bryan Lee O’Malley, en la que el protagonista de la cinta, Pilgrim (Michael Cera), debe luchar contra los 7 ex novios de la chica que le gusta, entre los cuales se encuentra Lee Lucas (el personaje de Evans). El 2011 no le pinta nada mal; está a punto de estrenar “El Capitán América: el primer vengador”, el drama “Puncture” en el que volverá a retomar el tema de las drogas, “¿Cuál es tu número?” comedia romántica en la que ayudará a Ana Faris a encontrar al hombre de su vida y la esperada película de la patrulla más famosa de

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Marvel, con permiso de los X-Men, “Los Vengadores”, en donde compartirá cartel con Robert Downey Jr (Iron man), Chris Hemsworth (Thor), Samuel L.Jackson (Nick Fury) o Scarlett Johansson (Viuda Negra), Jeremy Renner (Ojo de Halcón) y Mark Ruffalo (Bruce Banner/Hulk), entre otros. Además, Evans tiene por delante un futuro ligado a los comics, pues ha firmado dos secuelas del Capitán América y otras dos de “Los vengadores”. Echando cuentas, son casi 10 años para un mismo personaje en distintas producciones, aunque Evans lo tiene claro; este es su momento: “Puede ser la oportunidad para que vengan otras cosas, como dirigir o escribir”. Eso siempre, claro está, que el público no le vuelva la espalda a este tipo de producciones. Sin duda, el inminente estreno del primer vengador de Marvel puede darle a Chris Evans mucha más popularidad y dinero que los que le reportaron Los 4 Fantásticos. Y ya se sabe que en Hollywood no hay nada como hacer dinero para que los estudios den luz verde a

todos los proyectos que quiera uno hacer. Sólo el tiempo dirá si esta eterna promesa del cine, al que no le gusta la fama, conseguirá consagrarse en el mundo de los superhéroes como hicieran en su día Christopher Reeve (Superman), Hugh Jackman (Lobezno), Wesley Snipes (Blade) o actualmente Christian Bale (Batman). De momento, ya ostenta un record: el de interpretar a dos superhéroes distintos, Johnny Storm (Los 4 Fantásticos) y Steve Rogers (Capitán América), un record que comparte con Ryan Reynolds, quien interpretó a Deadpool (X-Men: Primera generación) y recientemente a Hal Jordan (Green Lantern) y Justin Hartley quien hizo lo mismo en televisión con Oliver Queen (Green Arrow) y Arthur Curry (Aquaman). Veremos si a partir del 5 de agosto rompe otros records, esta vez de taquilla que seguro no le vendrán nada mal, ni a él ni al estudio.

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ENTREVISTA

KEVIN FEIGE PRESIDENTE DE MARVEL & PRODUCTOR DE CAPITÁN AMÉRICA En la última década KEVIN FEIGE (Productor) ha jugado un papel instrumental en una serie de éxitos de taquilla adaptadas de las páginas de los cómics de Marvel, como las enormemente exitosas trilogías de “Spider-Man” y “XMen.” En su actual función de productor y Presidente de Marvel Studios, Feige supervisa todos los aspectos creativos de las actividades cinematográficas y de entretenimiento de la empresa. Recientemente Feige ha producido “Thor,” que se estrenó nacionalmente el 6 de mayo de 2011. Dirigida por Kenneth Branagh, la película está protagonizada por Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Stellan Skarsgård, Kat Dennings, Clark Gregg, Colm Feore, Ray Stevenson, Idris Elba, Jaimie Alexander, con Rene Russo y Anthony Hopkins como Odin. La película debutó en el primer puesto y recaudó más de 65 millones de dólares en su primer fin de semana. Hasta el momento “Thor” ha recaudado más de 430 millones de dólares. Antes de “Thor,” Feige produjo “Iron Man 2,” que se estrenó en cines el 7 de mayo de 2010. La secuela de “Iron Man,” dirigida por Jon Favreau y protagonizada por Robert Downey Jr. y Gwyneth Paltrow, al igual que nuevos miembros del reparto como Mickey Rourke, Scarlett Johansson y Don Cheadle, se llevaron el primer puesto en su fin de semana de estreno y nacionalwww.cinemascomics.com

mente recaudó 128,1 millones de dólares. Hasta el momento esta película ha recaudado más de 620 millones de dólares en taquilla. En el verano de 2008, Feige produjo las taquilleras “Iron Man” y “El increíble Hulk,” las primeras películas completamente financiadas y desarrolladas por el nuevo Marvel Studios. “Iron Man,” en la que Robert Downey Jr. se pone la poderosa armadura del superhéroe para el director Jon Favreau junto a Gwyneth Paltrow y Jeff Bridges, se estrenó el 2 de mayo de 2008, y rápidamente se convirtió en un éxito de taquilla. Ocupando la primera posición dos semanas consecutivas, el filme recaudó más de 100 millones de dólares en su primer fin de semana y más de 571 millones de dólares en todo el mundo. El 13 de junio de 2008 Marvel lanzó “El increíble Hulk,” que supuso el segundo estreno que debutó en el primer puesto ese verano. Protagonizada por Edward Norton, con William Hurt, Tim Roth y Liv Tyler. La espectacular renovación del icónico Goliat verde del director Louis Leterrier recaudó en taquilla más de 250 millones de dólares en todo el mundo. Actualmente Feige está produciendo dos títulos para Marvel Studios: “Marvel Studios’ The Avengers,” que se estrenará el 4 de mayo de 2012; y “Iron Man 3,” que se estrenará el 3 de mayo de 2013. Hablamos con él sobre ‘Capitán América’ que se

estrenará el 5 de agosto. ¿Cuánto tiempo llevas trabajando en este proyecto como productor? Llevo en Marvel más de diez años y hemos estado hablando del Capitán América todo ese tiempo, y ciertamente ya se hablaba de ello antes incluso de que yo formara parte de la empresa. Así que llevo mucho tiempo trabajando activamente en este proyecto, y llevo dándole vueltas diariamente desde hace 5 años. ¿Cuál fue tu mayor reto al llevar a la gran pantalla a este emblemático personaje? El mayor desafío es siempre encontrar la manera de hacerle justicia a un personaje que tiene tanto linaje e historia. Y en el caso del Capitán América, sus aventuras tienen lugar en el transcurso de dos épocas distintas... Sí, porque tiene sus aventuras de los años cuarenta, y luego Stan Lee le sacó del hielo y le metió en la época moderna en los años sesenta, donde ha estado desde entonces. Así que nuestra primera decisión fue situar la acción en la versión Marvel de la Segunda Guerra Mundial. Queríamos que él público se encariñara con SteCinemascomics │Agosto 2011 │

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kevin Feige junto con el reparto de “The Avengers” en la presentación del casting de la pasada cominc Con de San Diego de 2010

ve Rogers como hombre antes de que tuviera un disfraz y un escudo, porque así es como funcionan nuestros mejores personajes, ya sea Tony Stark, Peter Parker o Bruce Banner. ¿Qué historia queríais contar en esta película? Eso era fácil, porque sabíamos que íbamos a contar la historia de los orígenes del Capitán América. Así que sabíamos que íbamos a seguir al joven y enclenque Steve Rogers en su intento de alistarse y unirse a la lucha contra los nazis. Su endeblez se lo impide, pero eso no le impide que lo intente, hasta que alguien ve en él el potencial para formar parte de un programa para convertirse en un superhéroe soldado. ¿Qué es lo que hace especial al personaje del Capitán América? Lo genial de él es su historia y su linaje. El Capitán América fue uno de los primeros superhéroes

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de Marvel que se crearon, allá en 1941, y es uno de los personajes más populares y famosos que tenemos. ¿Y cuánto tiempo tardasteis en encontrar al actor adecuado para interpretar al protagonista, Steve Rogers/Capitán América? Fue la mayor selección de casting que hemos hecho nunca, hasta que hablamos con Chris Evans, a quien conozco desde hace años. Después de la conversación que mantuvimos con él acerca del papel, nos encontramos ante Steve Rogers, no sólo físicamente, sino también en espíritu. Pero él se resistía a dar el paso... Sí, porque todos sabíamos el nivel de responsabilidad que conlleva aceptar este personaje tan emblemático. Así que se tomó un tiempo para hablarlo con su familia y sus amigos, y cuando accedió a hacerlo estaba listo para meterse en el papel, ponerse el disfraz

y empuñar el escudo. ¡Y lo hace formidablemente bien! Y hay un poderoso villano que se le enfrenta... Si se habla de los súper villanos emblemáticos de los cómics, Cráneo Rojo está en lo más alto de la lista. Lleva en activo desde los años cuarenta, y fue el arquetipo para muchos de los que vinieron detrás. Hugo Weavinga le da vida a Cráneo Rojo en la gran pantalla... Queríamos a alguien que pudiera darle una vida tal al personaje que superara todos los clichés estereotipados inherentes a esa clase de papeles de villanos. Es tremendo lo que Hugo Weaving puede hacer con una ceja o una mirada. Y cuando se convierte en Cráneo Rojo (tras un proceso impresionante que es una mezcla de maquillaje y efectos especiales), uno nunca se pierde sus ojos ni su interpretación. Es uno de los mejores actores actuales. www.cinemascomics.com


La relación del Capitán América con Peggy Carter también es importante en la historia... Todas las películas de Marvel tienen una gran relación en su centro, y Capitán América: El primer Vengador también es así. Steve Rogers (cuando aún es un chaval canijo y enclenque) conoce a Peggy Carter, que trabaja para un departamento del gobierno que está intentando desarrollar un suero para fabricar superhéroes. Es más alta que él, pero se da cuenta de su arrojo y su carácter, e incluso percibe también su gran corazón cuando aún es un alfeñique. Tras convertirse en el Capitán América, continúan medio en broma su relación hasta llegar al final. ¿Qué crees que le aportó Hayley Atwell al papel de Peggy Carter? R: También encontramos a Hayley ya un poco tarde en el proceso, tras haber visto sus trabajos en cine y haber ella realizado dos

magníficas audiciones con nosotros. Queríamos que Peggy Carter fuera una mujer fuerte, que tuviera suficiente aplomo como para ir mano a mano con Tommy Lee Jones y con héroes como el Capitán América. Y Hayley era una de las mujeres más fuertes, guapas y divertidas que habíamos conocido. ¿Qué puedes decirnos acerca del emblemático escudo que porta el Capitán América? Empezamos usando un escudo de colección del Capitán América que teníamos para las pruebas de vestuario. Ahora bien, la gente espera de nosotros que tomemos algo que está en un cómic y le insuflemos vida y le demos más textura. Así que más o menos un mes antes de comenzar el rodaje diseñamos la versión final del escudo de vibranium. ¿Fue muy complicado conseguir que Chris Evans tuviera el aspecto del Steve Rogers enclen-

que antes de convertirse en el Capitán América. Pienso que el efecto más genial y rompedor de la película es hacer que Chris Evans (quien aumentó enormemente sus proporciones físicas para el papel) parezca mucho más enclenque de lo que es. Y todas las técnicas que utilizamos estaban basadas en su interpretación, con su verdadera cara, aunque cambiábamos el truco prácticamente para cada plano. Fue el efecto decisivo de la película. ¿Qué piensas que es lo que hace que Joe Johnston sea el director apropiado para Capitán América: El primer Vengador? Esta es la película hacia la que se ha estado dirigiendo durante toda su carrera, desde sus primeros tiempos dibujando personajes, vehículos y guiones gráficos hasta películas como Cariño, he encogido a los niños o The rocketeer. Joe ha sido un pionero de los efectos visuales durante los últimos 30

Kevin Feige junto a Robert Downey Jr. durante el rodaje de “Iron Man 2” www.cinemascomics.com

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Kevin Feige junto a Natalie Portman y Kat Dennings, las guapas protagonistas de “THOR”

años, y cuando supe que estaba interesado en esta película casi no me lo creía. Tuvimos muchas reuniones para hablar del guión y los personajes, y fue una de las personas que insistieron en que la ambientáramos en la época en la que lo hemos hecho. Pero, aunque Capitán América: El primer Vengador se desarrolle durante la versión Marvel de la Segunda Guerra Mundial, la narrativa, la realización y los efectos visuales son de lo más contemporáneo e innovador. ¿Os basasteis en los dibujos de los cómics para conseguir la estética adecuada para la película? Siempre empezamos nuestras películas con una pila de cómics, un folio en blanco y una pared llena de imágenes de los cómics que más nos gustan. Y en este caso se veía constantemente a Joe comparando alguna imagen del cómic con algún plano de la película. La película se rodó en Londres... Joe y el resto del equipo pasaron allí varios meses dando vida a todos los platós, vehículos y disfraces. Y otras de las razones para rodar en Londres fue que gran parte de la película se desarrolla

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allí. Nuestro director artístico, Rick Heinrichs, y su equipo fueron tan geniales que fueron capaces de construir más platós de los que esperábamos, y de elaborar impresionantes efectos visuales. ¿Tendrá mucha acción? Es una gran película con mucha acción, probablemente la que más de todas las que hemos hecho en Marvel ¿Gran parte de esa acción era real? Sí, gran parte era real, precisamente porque el Capitán América no es un personaje generado por ordenador. A veces no podíamos creer la enorme cantidad de tanques que teníamos rodando por el campo, o el inmenso tamaño de la producción. Entonces, ¿qué podemos esperar de Capitán América: El primer Vengador? Nos propusimos hacer una película que estuviera a la altura de las mejores películas de Marvel. No se trata sólo de saltar entre enormes edificios o de contar con

impresionantes efectos visuales, sino de un hombre que se enfrenta a sus nuevos poderes, ambientada en un paisaje y un trasfondo que no habíamos visto nunca. Y la realidad de un conflicto bélico mundial le da un impulso que hará de ella una de las películas más épicas y espectaculares que hayamos hecho nunca. ¿Cuál es el mejor cumplido que te gustaría que te hicieran por esta película? El mejor cumplido que podemos recibir por cualquier película que hagamos proviene en primer lugar de los fans, afirmando que es la película que imaginaban y que querían ver. Y el segundo mejor cumplido procede de la gente que nunca ha leído los cómics y no les va necesariamente estas películas, pero a quienes les encantó y se encontraron con que se identificaban con los personajes. Eso es lo que nos proponemos conseguir todas las veces, hacer una película que complazca tanto a los fans que viven y sienten a esos personajes como a la gente que haya oído hablar de ellos por primera vez al ver el trailer o un cartel.

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¡Concurso “conviértete en el Capitán América”!

Sorteamos 3 pack compuestos de 1 juego para Wii de “Capitán América: Supersoldado” y 1 figura de acción del Capitán. Para participar tan solo debes responder a la siguiente pregunta antes del 1 de septiembre: ¿Quiénes fueron los creadores del famoso personaje de Marvel el Capitán América y en qué año hizo su primera aparición? Envía tu respuesta a concursoscinemascomics@gmail.com indicando en el asunto “concurso Capitán América”

Conviértete en el Capitán América, el súper soldado definitivo en los días más oscuros de la Segunda Guerra Mundial y enfréntate al Cráneo Rojo y su ejército en esta épica aventura de acción en tercera persona. Empuña su legendario escudo para acabar con múltiples enemigos de una sola vez y rebotar sus balas contra ellos, resuelve puzles y escala muros. Sobre todo, entra en combate con su escudo por delante, con la fuerza suprema del primer Súper Soldado del mundo al alcance de tus dedos. Toma parte en un combate fluido de acrobáticas plataformas para infiltrarte en el espectacular y misterioso castillo de Hydra y lucha contra los infames Iron Cross, las fuerzas de Hydra y una multitud de malvados enemigos servidores del Cráneo Rojo en esta aventura completamente nueva del Capitán América. Capitán América: Supersoldado combina un acrobático sistema de combate con fluidas plataformas y una gran variedad de ataques con el escudo, incluyendo melee combos. La historia, completamente original, ha sido escrita por el prestigioso guionista de comics, películas y series de televisión Christos Gage, quien además de llevar el peso de la serie Avengers: The Initiative, ha escrito numerosos guiones para los más destacados personajes de Marvel, incluyendo Siege: Captain America, Iron Man, X-Men, Spider-Man, Civil War: House of M y Union Jack.

PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Conviértete en el Capitán América: Lucha contra enemigos empeñados en conquistar el mundo durante la Segunda Guerra Mundial. Usa tus habilidades como Súper Soldado para infiltrarte en el castillo de Hydra y acabar con las fuerzas del Mal. Utiliza el escudo del Capitán América: Tu escudo es tu mejor arma, tanto ofensiva como defensiva. Utilízalo para acabar con múltiples enemigos a distancia, bloquear sus ataques, destruir objetos, resolver puzles y devolverles sus propias balas. Captura el castillo, salva al mundo: Infíltrate en el enorme complejo de Hydra, que es tanto un desafío acrobático para la fortaleza física del Capitán como un lugar de misterios, con enemigos y peligros ocultos en cada uno de sus rincones. © SEGA, the SEGA logo are either registered trademarks or trademarks of SEGA corporation. All Rights Reserved. Trademarks are property of their respective owners. Nintendo DS and Wii are trademarks of Nintendo.

Plataformas acrobáticas: Tus habilidades físicas te permitirán escalar muros, trepar por precipios y saltar con pértiga para superar los diferentes obstáculos. Dispondrás de controles temporales para ejecutar movimientos avanzados y descubrir múltiples caminos en tus misiones. Combate fluido: Muévete libremente por el campo de batalla con la precisión de un acróbata mientras acabas con tus enemigos con devastadores combos. Captura un torreón o atrapa a un enemigo y utiliza sus armas contra él. Da puñetazos, golpes, saltos, atrapa a tus enemigos y lanza tu escudo para liberar todo el poder del Capitán América. Enfréntate a temibles enemigos: Lucha contra los peores villanos del Capitán América: el Cráneo Rojo, Arnim Zola, el Barón Strucker, Madame Hydra, los Iron Cross y muchos más. Historia original ambientada en el Universo Marvel: Vive las excitantes aventuras del mundo del Capitán América de la mano de una historia escrita por el prestigioso guionista de Marvel Christos Gage, creada específicamente para el videojuego y ambientada en el Universo Marvel. Disponible para PlayStation 3, Xbox 360, Wii, DS, 3DS. Página Web: www.captainamericagame.com


Estreno

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EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS es la primera película con actores reales cuyo protagonista es un reflexivo animal, consciente de sí mismo y de sus sentimientos –un chimpancé llamado César– que, a través de la mágica e innovadora tecnología desarrollada para el filme ‘Avatar’, ofrece una inaudita interpretación llena de emoción e inteligencia. Dicha tecnología permite al público conectar emocionalmente con César y su heroica aventura, narrándose gran parte de la misma desde su punto de vista. Este trabajo se ve complementado con las excepcionales y extraordinarias dotes del actor Andy Serkis, el artista en técnica de captura de movimientos más famoso del mundo, que llena a César de matices, alma, sabiduría y sentimiento. Además de presentar estas imágenes fotorrealistas de simios con los que conectas emocionalmente, el contexto de la película resulta inmediatamente familiar e identificable. EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS es una

historia de orígenes en el sentido más estricto del término. Situada la acción en San Francisco, en la época actual, la película es una moraleja basada en la realidad, una fehaciente combinación de ciencia y ciencia-ficción, donde los experimentos de ingeniería genética que el hombre lleva a cabo, producen el desarrollo de inteligencia en los monos y el comienzo de una guerra por la supremacía. “Es una visión contemporánea de la mitología de ‘El planeta de los simios’”, dice el productor Dylan Clark. “Es una película de gran espectacularidad, pero que se sustenta en la calidad del relato, las emociones y la profundidad de sus personajes. En el fondo, se trata de una obra basada en los personajes”. El enfoque emocional del filme fue un importante aliciente para actores como John Lithgow. “Es algo muy raro que una gran película de ciencia-ficción se base en las emociones y los conflictos humanos”, dice el actor nominado al Oscar. “Me sorprendió la credi-

bilidad emocional del guión. Esta película recoge las expectativas del público y las estimula mentalmente”. Al igual que su importante predecesora, la película original de ‘El planeta de los simios’, este nuevo filme utiliza el género de la ciencia-ficción para explorar universos y conceptos mucho más amplios. “EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS trata sobre la llegada de nuestra civilización a un punto de no retorno”, dice el director Rupert Wyatt. “Los sucesos se revelan a través de los ojos de César, un chimpancé superinteligente que cuando es muy joven considera a los humanos capaces de hacer las cosas más maravillosas, como el arte y la razón. Pero después empieza a ver el lado oscuro de la humanidad: opresión, intolerancia y marginación de aquellos y aquello que no entendemos”. Otro tema clave es la prepotencia de la humanidad; nuestra arrogancia al creer que podemos tergiversar, forzar, burlar o esquivar las leyes de la naturaleza, sin

Concept art de “Origen del planeta de los simios”

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que haya ninguna consecuencia. “En el filme original de ‘El planeta de los simios’, la arrogancia del hombre era la que llevaba al personaje del coronel Taylor [interpretado por Charlton Heston] a contemplar en aquella playa la Estatua de la Libertad y la escalofriante realidad del destino de la humanidad”, señala el guionista y productor Rick Jaffa. “No fue un capricho del destino o una mutación lo que provocó ese mundo al revés”. Asimismo, EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS también enfrenta efectivamente a los humanos con la naturaleza –y consigo mismos–, provocando un desenlace que sitúa a humanos y simios en un camino que les conducirá a un nuevo y espeluznante orden mundial. GEN-SYS: EN EL PRINCIPIO Will Rodman (James Franco) es un científico que trabaja para una gran corporación farmacéutica, Gen-Sys, dirigiendo una investigación genética que desarrolla

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un virus benigno para recuperar el tejido deteriorado del cerebro humano. Will se consagra a buscar una cura para el alzhéimer, enfermedad que padece su padre, Charles (John Lithgow). Su incuestionable objetivo –“está casado con la ciencia”, dice Jaffa– le impide disfrutar de vida personal, pero la conexión entre su investigación y la enfermedad de Charles los une a ambos, si bien es cierto que bajo difíciles y desgarradoras circunstancias. “Will es una persona fría, solitaria”, dice James Franco, recientemente nominado al Oscar al mejor actor por su trabajo en ‘127 horas’. “Casi toda su energía la dedica al trabajo. Cuando su padre, Charles, empieza a sufrir síntomas de demencia, Will se traslada a la casa paterna, su hogar en la infancia, para cuidar de él. El papel de cuidador es algo que Will nunca había tenido que hacer hasta entonces”. Justo antes de iniciar los ensayos en humanos de una prometedora y potencialmente lucrativa nueva droga de Gen-Sys, ALZ-112,

los simios sobre los que Will está realizando pruebas empiezan a presentar de repente un extraño y agresivo comportamiento. La dirección considera fallida la investigación y Will tiene que cancelar su programa. En medio de la confusión que supone la súbita conclusión del estudio, Will se ve de pronto a cargo de una cría de chimpancé que ha pasado inadvertida; un macho, huérfano reciente de su más prometedor sujeto de ensayos. Este joven chimpancé, con un gran destino ante sí, se llama César. EL ORIGEN: LA EVOLUCIÓN DE LA REVOLUCIÓN Will cría secretamente, en casa, al joven César, al mismo tiempo que se ocupa de su debilitado padre. “Ahora Will debe ser el cuidador no sólo de Charles sino también de un chimpancé bebé”, dice Franco. “A medida que la historia se desarrolla, Will se va convirtiendo en más persona y menos científico, y comienza a www.cinemascomics.com


preocuparse más por César que por tener éxito con la droga”. César es mucho más que una mascota para Will; de hecho, Will es la figura paterna para este chimpancé tan especial. “En cierto modo, la película es una historia sobre padres e hijos”, dice la guionista y productora Amanda Silver, que escribió el guión junto a su marido, y socio en trabajos de guión, Rick Jaffa. “Will se convierte en un padre para su propio padre, así como para César”. John Lithgow añade: “La dinámica entre Will, Charles y César resulta extraordinaria. Will está perdiendo a su padre debido al alzhéimer al mismo tiempo que gana a un ‘hijo’, César. Esta es la tensión emocional que pone en marcha la historia”. A través de César, Will conoce a Caroline (Freida Pinto), una primatóloga que es la veterinaria del simio y que se convierte en una pieza clave en la vida de ambos. “Caroline aprecia el hecho de que Will se preocupe tanto por un chimpancé que casi le trata como a su propio hijo”, dice Pinto. “Ella ha dedicado toda su vida

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a los simios, por lo tanto, los ama profundamente y se preocupa por ellos sinceramente”. Dado que en el útero de su madre estuvo expuesto a la ALZ-112, el joven César muestra una inteligencia y un comportamiento inusuales para un mono de cualquier edad. Animado por la observación de las inesperadas dotes de César, Will consigue clandestinamente varias muestras de la ALZ-112 de Gen-Sys, y, a pesar de ser consciente de su despropósito, prosigue privadamente su investigación en casa, utilizando a su padre y a César como sujetos de ensayo. Conforme pasa el tiempo, con la ayuda de la droga, el chimpancé muestra unas increíbles habilidades cognitivas e intelectuales. Al mismo tiempo, los síntomas de la enfermedad de alzhéimer en Charles van remitiendo milagrosamente. La vulneración de las normas sobre ensayos de laboratorio que ha perpetrado Will parece haber funcionado más allá de sus expectativas. Pero, como pronto descubre, eso conduce a Will –y a toda la raza humana, finalmente– por una senda peligrosa.

“Will ha cruzado la línea”, afirma Rick Jaffa. “Él piensa, estupendo, podemos curar el alzhéimer e incrementar la inteligencia. Y es cuando empiezas a jugar a ser Dios y cuando surge el riesgo”. “EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS explora uno de los temas más importantes probablemente del mundo actual”, afirma Peter Chernin. “Tenemos a nuestra disposición increíbles herramientas de carácter científico y médico, y nos preguntamos hasta dónde podemos seguir avanzando sin colisionar efectivamente con la naturaleza, dónde están los límites”. Will Rodman fuerza dichos límites hasta el punto más crítico y mucho más allá, hasta resultados catastróficos. Pero antes de que acontezcan tan funestas consecuencias, conocemos a César como un incipiente adolescente que, al igual que su homólogo humano, siente curiosidad por el mundo que le rodea. Sin embargo, a medida que César madura, su extraordinariamente desarrollada inteligencia se ve contrarrestada por el agresivo y peligroso instinto de protección característico de los machos adultos de su especie. César se convierte entonces en

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algo muy difícil de manejar para Will y Caroline. Will se resiste a deshacerse de César, al que quiere como a un hijo; Caroline entiende la confusión que Will sufre en su interior, pero sabe que es imposible que César siga con él. “Caroline insiste en que todos los animales necesitan espacios abiertos y que no se puede esperar que un enorme animal –incluso uno tan especial como César– crezca dentro de una casa”, explica Pinto. “Por supuesto, Caroline quiere tanto a Will como a César, y comprende por qué le resulta tan difícil a Will librarse del simio”. Will lleva a César al Refugio de Primates de San Bruno para que viva junto a otros simios. Pero Will ignora que el “refugio” se asemeja más a una cárcel gestionada miserablemente; es un vertedero para primates no queridos o abandonados. De su administración se ocupa Landon (Brian Cox, que actuó en el debut cinemato-

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gráfico del director Rupert Wyatt, la aclamada película ‘El escapista’), y el hijo de Landon, Dodge, interpretado por Tom Felton. El trabajo de este último actor en EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS es otro inventivo papel de malvado tras su interpretación del abusón Draco Malfoy en la saga cinematográfica de ‘Harry Potter’, por la que Felton fue premiado recientemente con un premio MTV Movie al Mejor Villano. Dado que físicamente no es el simio más fuerte de las instalaciones, César enseguida se da cuenta de que para sobrevivir tiene que hacer valer su superioridad intelectual sobre el temible macho alfa Rocket, sobre un terrorífico y peligrosamente violento gorila llamado Buck y sobre un orangután muy deteriorado psicológicamente llamado Maurice. César se impone rápidamente sobre los demás simios, estableciendo un nuevo orden social. En una escena crucial y apasionante, César se enfrenta y se venga de sus crueles

cuidadores humanos. Dylan Clark señala: “Construimos la estructura de la película en torno a esta escena”, cuyos detalles los realizadores prefieren mantener en secreto. “Será muy potente y emocionante”. Rupert Wyatt añade: “Queríamos que fuera un momento donde el mundo se detiene, que apela a la idea general de la evolución y que puede llegar a afectar a una especie”. Ese decisivo instante provoca una intrépida fuga, una épica confrontación en el Puente Golden Gate de San Francisco, una desgarradora y profética reunión entre Will y César; y, finalmente, una revolución que transformará al planeta para siempre. DANDO VIDA A CÉSAR La creación de César y su hábitat, el cometido de Weta Digital, al igual que en ‘Avatar’ y en la trilogía de ‘El señor de los anillos’, implica llevar al público a www.cinemascomics.com


un mundo que no ha visto anteriormente. El supervisor principal de efectos visuales de EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS, Joe Letteri, ganador del Oscar en cuatro ocasiones, declara: “Para ‘Avatar’, Jim Cameron creó un mundo totalmente fantástico y desconocido previamente. El reto con EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS era muy diferente y, en cierto modo, incluso más abrumador. Aplicamos algunas tecnologías que habíamos desarrollado en ‘Avatar’ para generar un mundo real, reconocible: el San Francisco de la época actual. Absolutamente todo –los simios, las localizaciones– tenía que parecer verdadero ya que se trata de una historia basada en la realidad, no de ciencia-ficción convencional”. Letteri atribuye a Rupert Wyatt el mérito de basar en la realidad tanto la historia como los efectos. “Rupert nos inculcó a todos la idea general de que lo que hacíamos era mezclar imágenes realistas de chimpancés con el conjunto. Por tanto, empezamos desde cero. Es un enfoque totalmente nuevo en la saga cinematográfica de ‘El planeta de los simios’. Mostramos a los primates como

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realmente los conocemos. Sólo les añadimos un mayor nivel de inteligencia y sutiles características humanas”. Para Letteri, ‘El planeta de los simios’ es en cierto modo el Santo Grial de los artistas de efectos visuales, dado que la película original de 1968 es un referente cinematográfico tanto por su espectacularidad como por su técnica. “En mi opinión”, dice Letteri, “‘El planeta de los simios’ es un clásico del género,” y es una película tan`apreciada que la idea de trabajar en un relato sobre sus orígenes –la historia de cómo ll%gó a suceder– me resultaba muy interesante, sobre todo pudiendo enfocarlo desde el punto de vista de César, como pRotagonista trincipal”. Una vez que Weta Digital empleó sus herramientas tecnológicas más avanzadas Para generar las imágenes fotorrealistas de los simios, el artista en la técnica de captura de movimientos más famoso del mundo, el actor Andy Serkis, se unió al proyecto para dotaò a César de matices, emoción, alma, sabiduòía y

sentimiento. La contribución de Serkis a EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIO no se puede menospreciar, dice Wyatt: “Andy Serkis es el Charlie Chaplin de nuestra generación. Con esto quiero decir que es uno de los pocos actores que se ha adaptado totalmente a la actual tecnología de efectos visuales, pues comprende perfectamente el enorme potencial de lo que podemós conseguir. Creo que algunos actores se sienten intimidados ante la técnica de captura de movimientos porque piensan que aísla su interpretación de la verdadera realidad del filme, cuando es junto lo contrario. Andy entiende que cada pequeño matiz, cada respiración, cada pequeño movimiento muscular que proporciona a la cámara es toda una manifestación visual. El cine es ante todo un medio visual, y si se es capaz de hacer que el personaje cuente una historia con la mínima cantidad de palabras, entonces resulta perfecto”. El arco interpretativo del personaje de César va desde que el chimpancé es un recién nacido hasta que es adulto y líder de una revolución. Serkis, que ha conse-

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guido aclamadas interpretaciones dando vida a Gollum en la trilogía de ‘El señor de los anillos’ y a Kong en el remake de ‘King Kong’, señala que “César es uno de los personajes más extraordinarios que he asumido, tanto física como emocionalmente. Una cosa es interpretar a un chimpancé, pero interpretarlo desde la infancia hasta la edad adulta –y como líder revolucionario–, bueno, es algo muy diferente. Pero como actor no me pude resistir”. “Parte de la aventura consiste en interpretarlo como si fuera un niño pequeño, con su alegría ante los descubrimientos, y luego siendo consciente de que posee una inteligencia superior a su edad”, prosigue Serkis. “César aprende de los seres humanos que le rodean y percibe que es un ser extraordinariamente dotado, advirtiendo después que el mundo puede ser un lugar extremadamente cruel. A César le han endosado la carga de su inteligencia. Él no la buscó. Siente sobre sus hombros mucha responsabilidad; sin haberla pedido”. En torno al segundo acto de la película, “César se convierte en pri-

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sionero”, dice Serkis. “Le apartan de su entorno afectivo y se siente repudiado. Le recluyen en el Refugio de San Bruno, donde le encierran en una jaula, rodeado de perturbadas y salvajes criaturas, tras ser rechazado por los humanos que han sido sus padres y sus seres más queridos. Se empieza a cuestionar su identidad. Entonces descubre su capacidad para liderar y unir al resto de primates, y yo creo que ahí es cuando César pasa a un tercer estadio…, la revolución. Utiliza su inteligencia para instigar a los simios a rebelarse y luego usa su influencia y poder para liderarlos. Es un viaje extraordinario para mí, como actor”. Las exigencias físicas del personaje representaron un tipo de viaje muy distinto. La precisión, el entrenamiento y la concentración resultaban esenciales para captar los movimientos de los simios de forma realista. El coordinador de especialistas Terry Notary, antiguo artista del Cirque du Soleil, fue una pieza clave para ayudar a los actores a dar forma a la interpretación de sus personajes. Notary contribuye también con un importante trabajo de captura

de movimientos en algunos de los principales simios. Al igual que los actores de captura de movimientos abrieron un nuevo camino al aportar emociones y fisicidad a sus personajes, asimismo, Weta Digital optimizó el innovador trabajo realizado en ‘Avatar’ para EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS. Por primera vez, Weta Digital filmó los efectos visuales en localizaciones ad hoc, fuera del controlado entorno de un espacio cerrado, como los estudios conocidos con el nombre de El Volumen. Letteri señala: “Al igual que hicimos en ‘Avatar’, utilizamos los trajes y cascos característicos de la técnica de captura de movimientos para captar las expresiones faciales de los actores y obtener toda la gama de sus interpretaciones. Pero aquí, por primera vez, usamos la captura de movimientos como una pieza totalmente integrada con la interpretación en vivo, y de esa forma eliminamos la barrera entre los efectos visuales y la acción de los actores. El trabajo en EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS giró sobre todo en torno a www.cinemascomics.com


la interpretación y la interacción de los actores entre sí. Podíamos ocuparnos del resto –los auténticos efectos visuales– más tarde”. Weta Digital creó una nueva infraestructura portátil de captura de movimientos, que podía montarse en diferentes tipos de localización. Por primera vez en la historia del cine, señala el supervisor de efectos visuales Dan Lemmon, “pudimos trabajar con luz del sol directamente”. Los mayores desafíos de Weta Digital –y de toda la producción– surgieron durante la filmación del clímax de la película, que tiene lugar en, sobre, bajo y a lo largo del Puente Golden Gate. (El equipo de producción construyó www.cinemascomics.com

el gigantesco set a las afueras de Vancouver). En la escena, representando una épica batalla entre el hombre y el primate, se muestran elaboradas acciones de especialistas, fuego, explosiones, helicópteros, cientos de coches y extras, y la característica niebla de San Francisco, así como la culminación de todo el drama, la emoción y la interacción de los personajes. Tanto esta secuencia como otras importantes partes de la película están siempre al servicio del objetivo emocional y en conexión con la temática que trata. Andy Serkis sintetiza: “EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS no es una película basada en los efectos especiales. Es una potente y emo-

cionante historia con un telón de fondo. La acción y el espectáculo encajan perfectamente con el drama. Y por eso yo creo que es realmente potente, porque la cara del espectador no refleja admiración o sorpresa (¡Guau!). Se trata fundamentalmente de buscar el realismo y la verdad”. “La película apela a uno de nuestros miedos más primitivos desde el inicio de los tiempos, que se apropien de nuestro planeta –literalmente, permitiendo que otra especie se apodere del mundo–, y analiza cómo podría llegar a ocurrir”, concluye Rupert Wyatt.

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¿Hombres racionales? ¿Hombres detentores de la sabiduría? ¿Hombres inspirados por el espíritu...? No, esto no es posible. En esto, el cuentista se ha pasado de la raya. Pierre Boulle. El planeta de los simios.

Pocos años en la historia del siglo XX estuvieron tan cargados de acontecimientos políticos y culturales tan importantes y con tanta trascendencia como lo estuvo 1968. Fue el año de las revueltas estudiantiles en París y en otras capitales europeas, de la Primavera de Praga en Checoslovaquia, de las protestas contra la guerra de Vietnam, de la mitificación de Ernesto “Che” Guevara, de la revolución cultural china, del movimiento hippie...También fue el año en el que el estreno de cuatro películas marcarían un antes y un después en la concepción de los géneros de terror y ciencia-���� ficción: fue el año en que pudieron verse por primera vez, por una parte, “La noche de los muertos vivientes” (Night of the Living Dead, George A. Romero) y “La semilla del diablo” (Rosemary´s Baby, Roman Polansky) y, por la otra, “2001: Una odisea del espacio” (2001: A Space Odissey, Stanley Kubrick) y un icono indiscutible del fantástico que marcó

a varias generaciones de aficionados y que merece ser tema del artículo de este mes con motivo del estreno del último episodio de su saga: “El planeta de los simios“ (Planet of the Apes, Franklin J. Schaffner). La historia comenzó varios años atrás, en 1957, cuando “El puente sobre el río Kwai” (The Bridge on the River Kwai, David Lean) fue galardonada con nada más y nada menos que con siete Oscars. Se trataba de la adaptación cinematográfica de una novela del francés Pierre Boulle, así que cuando en 1963 el escritor acabó una nueva obra titulada La Planète des singes, el productor hollywoodiense Arthur P. Jacobs se apresuró a adquirir sus derechos, incluso antes de que fuera publicada, por la nada modesta cifra de 360.000 dólares. En Planète des singes, el periodista Ulises Mérou, el físico Arturo Levain y el profesor Antelle se

embarcan en nave espacial capaz de viajar a la velocidad de luz, concebida por este último, con destino a un planeta del sistema del sol Betelgeuse, a 300 años-luz del nuestro. Cuando llegan allí descubren, sorprendidos y horrorizados, un mundo y una civilización muy similares a las nuestras, solo que la especie dominante

Pierre Boulle autor de “La Planète des singes” . 1963


Charlton Heston (coronel George Taylor) junto a Linda Harrison (Nova), Kim Hunter (Dra. Zira) y Roddy McDowall (Cornelius). Como curiosidad contar que Linda Harrison también tuvo un papel en la versión de Tim Burton de 2001.

son los simios (chimpancés, gorilas y orangutanes), que son las únicas criaturas racionales, mientras que los humanos tan solo poseen una psique rudimentaria. Intentando conocer el origen de esta aberración evolutiva y con la ayuda de los científicos Zira y su novio, Cornelius, Mérou llega a la conclusión, tras visitar unas antiquísimas ruinas, que también en un remoto pasado los humanos fueron allí la especie dominante antes de degenerar y ser sustituidos por los simios, a los que ellos mismos instruyeron. Finalmente, consigue llegar a su nave y regresar a la Tierra en compañía de una hermosa humana llamada Nova y el hijo concebido por ambos, Sirio, solo para descubrir que, después de siete siglos, también en nuestro planeta ha ocurrido lo mismo, pues quienes les reciben en el aeropuerto de Orly son un par de gorilas uniformados. Jacobs encargó la elaboración del guión al escritor Rod Serling, responsable de la serie televisiva “En los límites de la realidad” (The Twilight Zone, 1959-1964), que trasladó la acción a una Tierra post-nuclear, lo que le permi-

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tió escribir uno de los finales más impactantes de la historia del Séptimo Arte. Sin embargo, fue considerado demasiado largo, y reescrito por el prestigioso guionista Michael Wilson, ganador de dos Oscars por sus adaptaciones de “Un lugar en el sol” (A Place in the Sun, George Stevens, 1951) y “El puente sobre el río Kwai”. En el guión definitivo, una nave espacial que salió de la Tierra en 1972 choca contra un planeta extraño en el año 3978. Los tres supervivientes, dirigidos por el capitán Taylor, cruzan un inhóspito desierto para encontrarse con una civilización de simios que tratan a los humanos como animales. Taylor es recluido en una jaula junto a una primitiva humana llamada Nova para ser sometido a experimentos de laboratorio, pero gracias a Zira y Cornelius, consiguen huir y llegar la llamada Zona Prohibida, un vasto espacio desértico donde los simios no pueden ni se atreven a entrar. Allí, Taylor descubre los restos de la Estatua de la Libertad enterrados en la arena y comprende que, en realidad, no ha viajado hasta ningún lejano planeta, sino que tan solo ha re-

gresado a la Tierra miles de años después de su partida y después de que los humanos se hayan aniquilado como civilización en estúpidas guerras sin sentido... Con el guión bajo el brazo, Jacobs se dedicó a patear los estudios presentando su propuesta, pero solo recibió negativas pues en aquellos momentos, el género de ciencia-ficción pasaba por sus horas más bajas después de consolidarse como tal a principios de la década de los cincuenta. El cine, como un medio de comunicación masiva que es, refleja y propaga valores presentes en la realidad incluso en los géneros que en apariencia, más se alejan de ella. De hecho, el cine de ciencia-ficción es el más revelador del espíritu de su tiempo, y su potencial para aludir a las cuestiones sociales y políticas y a los fantasmas colectivos de la época que lo alumbró, menos explorables desde los géneros asociados al realismo, debe ser tenido muy en cuenta. Así, la Guerra Fría que siguió a la Segunda Guerra Mundial y el temor a un conflicto nuclear y a la infiltración de espías comunistas dentro de la sociedad norteamericana www.cinemascomics.com


(fomentado por la Caza de Brujas del senador McCarthy y su Comité de Actividades Anti-americanas) quedaron reflejados en las innumerables producciones de invasiones extraterrestres y horrendas mutaciones radioactivas que inundaron las pantallas que, salvo honrosas y contadas excepciones, pertenecían a la serie B, cuando no a la Z; un cine barato, hecho con pocos medios y destinado a un público joven que acudía en masa a los auto-cines. Por ello, los estudios no veían muy claro gastar mucho dinero en una producción, con simios haciendo de humanos, que olía demasiado a serie B. Sin embargo, Jacobs no tiró la toalla, y consiguió convencer a Charlton Heston para protagonizar su proyecto. Como diría más tarde el actor, lo que le atrajo fue la idea de una civilización diferente, de monos que hablasen: “Era una idea maravillosa para una película”. Heston propuso como director a Franklin J. Schaffner, con quien había trabajado en la magnífica epopeya medieval “El señor de la guerra” (The

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War Lord, 1965). Con una superestrella y un prestigioso director, el proyecto consiguió llamar la atención de la 20th Century Fox, cuyo presidente, Richard Zanuck, puso como condición antes de dar el visto bueno una prueba de maquillaje lo suficientemente convincente como para que los simios no resultaran ridículos. La responsabilidad recayó en John Chambers, un especialista ortopédico que acabó dedicándose al maquillaje cinematográfico después de trabajar fabricando todo tipo de prótesis para los soldados mutilados en la Segunda Guerra Mundial en el Fiztsimons Hospital de Denver. Chambers había obtenido un gran reconocimiento por su trabajo en “El último de la lista” (The List of Adrian Messenger, John Huston, 1962), donde caracterizó a Kirk Douglas de diez personajes distintos, convirtiendo también a Burt Lancaster en una oronda mujer y a Frank Sinatra en un pintoresco gitano. Las máscaras que diseñó para “El planeta de los simios” supusieron una auténtica innovación al es-

tar compuestas por dos piezas de látex, un material por entonces novedoso, que se adaptaba perfectamente a los gestos y expresiones de los actores y una capa de plástico y gomaespuma que permitía la transpiración, cubiertas por una vistosa peluca de caballo. Su trabajo, que significó un antes y un después en la industria del maquillaje protésico, terminó de convencer a la Fox y le valió la concesión de un Oscar especial antes de que existiera uno específico para esta categoría, que le entregó Walter Matthau acompañado por un chimpancé. “El planeta de los simios” se estrenó en Nueva York el 8 de febrero de 1968, y resultó un gran éxito, tanto de público como de crítica, recaudando más de 26 millones de dólares (cinco veces lo invertido), y no solo gracias al magnífico guión y a las caracterizaciones de Chambers, sino también al excelente trabajo de dirección de Schaffner y de actores como Kim Hunter (que ganó un Oscar por su Stella de “Un tranvía llamado deseo” y que interpretó

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Escena de Regreso al planeta de los simios (1970) que volvió a contar con la presencia de Charlton Heston y Linda Harrison.

a la doctora Zira) y del gran Roddy McDowall (Cornelius) o Maurice Evans (el doctor Zaius; un papel que rechazó Edward G. Robinson), la música de Jerry Goldsmith, la impresionante dirección de fotografía de Leon Shamroy, el vestuario de Morton Haack y el brillante diseño de producción de William J. Creber y Jack Martin Smith. La película fue nominada a dos Oscars (Mejor Vestuario y Mejor Banda Sonora, aunque no ganó ninguno) y contribuyó a sanear las maltrechas arcas de la Fox, que siguió apostando por el género con exitosas producciones como “La guerra de las galaxias” (Star Wars, George Lucas, 1977) o “Alien, el octavo pasajero” (Alien, Ridley Scott, 1979). Por su parte, Jacobs se dio cuenta de que había encontrado un filón de oro, y no estaba dispuesto a renunciar a él... El 26 de mayo de 1970 se estrenó “Regreso al planeta de los simios” (Beneath the Planet of the Apes), dirigida no por Schaffner sino por Ted Post, con guión de Paul Dehn y con la mayoría de los protagonistas (a excepción de McDowall, que estaba en Gran Bretaña dirigiendo “La viuda del diablo”) repitiendo papeles. Un desganado Heston, con la cabeza en otros proyectos, aceptó participar con la condición de que su personaje fuera quitado de en medio a las primeras de cambio.

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En “Regreso al planeta de los simios”, una nave de rescate es enviada al planeta de los simios, y el único superviviente, Brent, encuentra a Nova, que lleva un colgante que le regaló Taylor. Con ayuda de Zira y Cornelius, se dirigen a la Zona Prohibida, donde encuentran una sociedad de mutantes humanos de rostros horriblemente desfigurados y poderes mentales viviendo bajo los restos de lo que una vez fue Nueva York. Los mutantes adoran a un misil nuclear, el único que ha quedado después de la guerra que asoló el planeta y el más poderoso, pues tiene una enorme capacidad destructiva. Brent y Nova son capturados y se reencuentran con Taylor mientras un ejército de gorilas liderado por el implacable general Ursus, al que acompaña el doctor Zaius, se dirige hacia el lugar para averiguar el destino de los muchos exploradores que nunca han regresado. Los simios combaten a los humanos; Nova y Brent mueren y Taylor, también malherido, acciona el misil, destruyendo el planeta. Con la mitad de presupuesto que su predecesora, Post apostó por entregar una película de aventuras con un toque pulp, muy alejada de la reflexiva entrega anterior y nada preocupada en profundizar en aspectos de ella. Aunque con un guión mucho más flojo que su predecesora y no pocos errores narrativos, no puede

negársele a “Regreso al planeta de los simios” la presencia de escenas tan logradas como las de la estación de metro, las de la ciudad subterránea donde viven los supervivientes del apocalipsis nuclear y sobre todo, las de la gran catedral donde se adora al misil, y ser, simple y llanamente, una entretenida película de acción sin demasiadas pretensiones. Con el planeta de los simios destruido, la solución argumental que se eligió para continuar la saga fue situar la nueva entrega en el presente. “Huida del planeta de los simios” (Escape from the Planet of the Apes), dirigida por Don Taylor y con guión de Dehn, se estrenó menos de un año después, y en ella se veía cómo Zira (Kim Hunter por última vez), Cornelius (nuevamente, McDowall) y el doctor Milo (interpretado por Sal Mineo) llegan a la Tierra del presente tras viajar en el tiempo y el espacio en la reparada nave de Taylor, consiguiendo así escapar a la destrucción de su propia Tierra, la del futuro. Se entraba de esta forma en el siempre pantanoso terreno de las paradojas temporales y la eterna pregunta sin respuesta: ¿Puede un viajero del tiempo alterar el pasado o su presencia en un tiempo que no es el suyo es la que, precisamente, hace posible el curso de los acontecimientos futuros? Los simios son recluidos en la enwww.cinemascomics.com


fermería de un zoológico, donde Milo muere tras ser atacado por un gorila y Zira y Cornelius se hacen amigos de los dos médicos a su cargo, los psicólogos Lewis Dixon y Stephanie Branton. Tras declarar frente a una comisión presidencial son plenamente aceptados y agasajados, pero el principal asesor científico del presidente, el doctor Otto Hasslein, después de sonsocarles con malas artes lo que le espera a los humanos en el futuro y conocer el embarazo de Zira, pasa rápidamente a considerarlos una amenaza y decide acabar con ellos. Zira y Cornelius son asesinados a balazos mientras que su hijo se salva después de que Armando, propietario de un circo, acceda a a intercambiarlo por otro chimpancé. El plano final le muestra junto a Armando pronunciando la palabra “Mamá”... Con un presupuesto de menos de dos millones de dólares, “Huida del planeta de los simios” consiguió recaudar la nada desdeñable cifra de nueve millones de dólares tan solo en la taquilla norteamericana, lo que dio pie al rodaje de una nueva entrega, escrita también por Dehn y dirigida en esta ocasión por J. Lee Thompson, responsable de “Los cañones de Navarone” (The Guns of Navarone, 1961) o “El cabo del miedo “(Cape Fear, 1962), por ejemplo. Traicionando completamente el espíritu de la novela de Boulle, donde la causa de la caída de la raza humana era su propia desidia, en “La conquista del planeta de los simios” (Conquest of the Planet of the Apes), es César, el hijo de Zira y Cornelius, el encargado de liderar una violenta rebelión contra los humanos, que usan a los simios como esclavos. Evidentemente, la única posibilidad de resolver esta contradicción es echando mano de la teoría de los universos paralelos, según la cual cuando un viajero del tiempo penetra en el pasado, este es necesariamente alterado, el universo se bifurca en ramas separadas y la realidad se subdivide en universos www.cinemascomics.com

múltiples. De esta forma, aunque los resultados sean los mismos (la aparición de simios racionales), el viaje temporal de Zira y Cornelius crea una Tierra alternativa, a la que nunca llegará Taylor, que nunca había oído hablar de la visita a la Tierra en el pasado de simios inteligentes. Solo aceptando esta interpretación de la saga podríamos ser no demasiado duros con la última entrega, pues en “La Batalla por el planeta de los simios” (Battle for the Planet of the Apes), dirigida nuevamente por Thompson pero con guión de John William Corrington y Joyce Hooper Corrington, se ofreció un final feliz,

muy alejado de la visión terriblemente pesimista de “El planeta de los simios”, con los simios y los hombres viviendo en armonía y “con esperanza en el futuro”, tal y como lee en su discurso el Gran Legislador (el orangután interpretado por...¡John Huston!), después de que 600 años atrás, César haya conseguido detener la guerra entre las dos especies. “La Batalla por el planeta de los simios” se estrenó el 15 de junio de 1973. 12 días después, Jacobs fallecía de un ataque al corazón a la temprana edad de 51 años, dejando huérfana a la saga y sin una nueva entrega que funcionara de puente con la primera. El Cinemascomics │Agosto 2011 │

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13 de septiembre de ese mismo año, la cadena de televisión CBS estrenó el último proyecto del productor, una serie basada en los personajes de “El planeta de los simios”, con guiones de Art Wallace y Anthony Wilson, con capítulos de aproximadamente una hora de duración. En ella, en 1980, una nave espacial cae en un vórtice temporal y se estrella en un planeta desconocido en el que los simios dominan a los humanos (en realidad, es la Tierra del año 3085). Perseguidos por el general gorila Urko, y ayudados por el chimpancé Galen (McDowall, ya todo un experto en cuestiones simiescas), los astronautas Alan Virdon y Pete Burke viajan de aldea en aldea en busca de un ordenador que pueda leer un pequeño disco que poseen (una especie de caja negra de la nave), que les permitirá saber cómo regresar a su tiempo. El gran éxito entre el público más joven convenció a los productores de lanzar una infinidad de productos bajo el lema Go Ape! (¡Disfruta como un mono!), mucho antes de que Lucas se hiciera millonario con el merchandising de “La guerra de las galaxias”. 60 empresas diferentes comercializaron 300 productos diferentes: muñecos, máscaras, pósters, cuadernos para colorear, comics de la Marvel, juegos de mesa de MB, novelizaciones de los episodios...A pesar de que la serie fue un digno complemento a la saga, fue cancelada debido a su pobre audiencia cuando llevaba emitidos tan solo catorce episodios, lo que pudo deberse a su horario de emisión, los viernes a las ocho de la noche, cuando debía competir con las populares sit-com de la cadena rival, la NBC, “Sandford and Son” y “Chico and the Man”. Precisamente, fue esta cadena la que estrenó el 6 de septiembre de 1975 “Return of the Planet of the Apes”, una serie de dibujos animados con capítulos de media hora de duración que solo duró 13 episodios. Tendrían que pasar más de 30

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Mark mark wahlberg y Helena Bonham Carter en “El planeta de los simios” de Tim burton. 2001. Como dato curioso el responsable del maquillaje no fue otro que Rick Baker responsable de la increíble metamorfosis a hombre lobo de David Naughton en el clásico “Un hombe lobo americano en Londres”. 1981.

años para que los simios volvieran a la gran pantalla, esta vez en forma del innecesario remake de “El planeta de los simios” de un Tim Burton en horas flojas, con Mark Wahlberg, Tim Roth y Helena Bonham-Carter, que se estrenó en 2001 y que no aportó nada en absoluto a la saga, con un final supuestamente trasgresor que quedó muy por debajo del original. La nueva entrega, “El origen del planeta de los simios” (Rise of the Planet of the Apes, Rupert Wyatt, 2011), es una precuela,

con simios digitales hiperrealistas creados por Weta Digital (El Señor de los Anillos y Avatar), que pretende dar una vuelta de tuerca a la saga y explicar de una forma diferente el origen de los simios inteligentes y los inicios de la revolución que les llevó a dominar el planeta, retomando la carga metafórica y la visión crítica de nuestra sociedad de la primera. Esperemos que no defraude a los miles de seguidores de la saga...

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Estreno

13 ASESINOS

12 de agosto

La época de paz del Japón feudal se ve amenazada por la ascendente carrera en el poder de Lord Naritsugu, el despiadado hermano del Shogun. Un oficial del shogunato, harto de sus excesos, pedirá secretamente al samurái Shinzaemon que reúna un grupo de hombres para asesinarle. Los 13 Asesinos de Miike son un remake del film homónimo dirigido por Eichi Kudo en 1963. Una inmersión en el jidaigeki protagonizada por Koji Yakusho.

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El ascenso al poder del joven y sanguinario Lord Naritsugu supone una seria amenaza para la paz en el Japón feudal. Simplemente por ser el hermano de Shogun, Lord Naritsugu está por encima de la ley, y asesina y viola a su antojo. Afligido por la masacre perpetrada por el sádico Naritsugu, el oficial Sir Doi contacta secretamente con el samurái Shinzaemon Shimada para acabar con Naritsugu. El noble samurái, indignado por la crueldad de Naritsugu, acepta de buen grado la peligro-

sa misión. Para ello, reúne a un selecto grupo de samuráis, entre los que se encuentra su sobrino Shinrokuro y el devoto aprendiz Hirayama. Juntos, traman una emboscada para atrapar a Lord Naritsugu. Shinzaemon es consciente del peligro que conlleva. Naritsugu va escoltado por una comitiva encabezada por el letal e implacable Hanbei, uno de sus antiguos rivales.

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SOBRE LA PRODUCCIÓN Miike realiza el remake del film homónimo dirigido, en 1963, por Eichi Kudo. Una inmersión en el jidaigeki (películas de época que se extienden desde la era Heian siglo XIII - hasta el final del periodo Tokugawa en 1868) protagonizada por el gran Koji Yakusho, que suma seis a los siete samuráis de Kurosawa y que Miike rueda con riguroso clasicismo hasta llegar al tercio final que deviene en puro www.cinemascomics.com

espectáculo y que pasará a la historia por ser una de las batallas más largas rodadas. La mayor parte del rodaje se llevó a cabo en el verano de 2009, en un enorme set al aire libre situado en Tsuruoka, en la prefectura de Yamagata, al norte de Japón. Toshiaki Nakazawa, productor de Departures, ganadora del Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa, se ocupó de la produc-

ción ejecutiva para Japón, Jeremy Thomas (El último emperador, Feliz Navidad Mr. Lawrence, Brother…) de la parte de Reino Unido y Takashi Hirajo de la producción para la Corporación japonesa de TV Asahi. Nakazawa ya había trabajado anteriormente con Miike en Sukiyaki Western Django, Andromedia, Yakuza Demon y The Bird People in China.

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TAKASHI MIIKE Director de 13 ASESINOS Por Francisco Nieto Sánchez Quien tenga la oportunidad durante este mes de agosto de descubrir a Takashi Miike en las poquísimas salas en las que por desgracia se va a estrenar “13 asesinos” seguramente se preguntará quién diantres es este director y por qué no nos han llegado más películas de él durante los últimos años. Pues bien, estamos ante uno de los realizadores asiáticos más prolíficos y a la vez polémicos que ha parido el cine mundial en los últimos veinte años. Si exceptuamos un par de títulos que sí tuvieron la suerte de darse un paseo por nuestra cartelera: “Audition” (1999) y “Llamada perdida” (2002), el grueso de su filmografía sólo ha podido ser visionado en nuestros lares gracias al estimable trabajo de algunos festivales de género fantástico (Sitges, San Sebastián...) que no han cejado durante años en el empeño de traer sus producciones y sobre todo, por la suicida labor de algunas distribuidoras independientes que se atrevieron a editar películas completamente a contracorriente. Miike es un cineasta voraz con una media de tres y hasta cuatro producciones anuales. Mientras alguno de sus films se encuentra en la sala de montaje, él ya ha comenzado a rodar uno nuevo, mientras localiza y barrunta su nuevo proyecto. Ha habido años en los que ha llegado a rodar la friolera de cinco películas a la vez (alguna para televisión), con lo que su producción se antoja casi inabarcable. www.cinemascomics.com

En todo este tiempo ha experimentado en todos los géneros habidos y por haber: thriller, terror, comedia, películas infantiles, melodramas, películas históricas y de superhéroes, incluso un western en el que participó Quentin Tarantino y que se tituló “Sukiyaki Western Django” (2007). Últimamente parece haber dado con la tecla de la revisitación de chambaras clásicos como es el caso de esta “13 asesinos” que llega este mes a las pantallas, o “Hara Kiri”, su nuevo proyecto presentado con éxito en Cannes y que es un remake del film de mismo título que dirigió Masaki Kobayashi en 1962. Todo un desparrame de buen cine que no debería pasar desapercibido para nadie. Como todo buen maestro que se precie, también ha perpetrado algunos trabajos infumables, y otros un tanto irregulares, pero si analizamos su obra en conjunto, descubrimos a un realizador capaz de ofrecernos regalos tan extremos como “Ichi the Killer” (2001) o la trilogía “Dead or Alive” (1999-2002), y espectáculos tan deslumbrantes y adrenalíticos como las dos partes de “Crows Zero” (2007, 2009). Vamos a tratar en este artículo de acercarnos un poco más a la figura de este director decididamente iconoclasta, capaz de dinamitar los ideales, normas o modelos tradicionales japoneses para darles un barniz fresco y novedoso, y encima salir indemne en la mayoría de las ocasiones.

Cuenta que apenas asistía a la escuela de cine, que jamás ha reconocido influencias directas, acepta cualquier tipo de encargo y gran parte de su extensa filmografía se ha estrenado exclusivamente en vídeo. Sin embargo, el nombre de este realizador hiperactivo aparece constantemente en boca de todos, sean cinéfilos o cinéfagos. Autor o fraude, lo que está claro es que estamos ante un espíritu diferente e independiente que va por libre. Quien tuvo la suerte de cruzárselo en la visita que realizó al Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya en 2003 lo recordará tras sus gafas de sol y su impresionante cazadora de cuero (recordemos que el Festival de Sitges de 2003 se celebró inusualmente en el mes de diciembre, bajo unas temperaturas gélidas propias de la estación). En aquella ocasión Miike trajo bajo el brazo “Gozu”, que se tuvo que conformar con el Premio Especial del Jurado y los mejores efectos visuales, resultando ganadora de aquella edición otra cinta oriental y nipona, el “Zatoichi” de Takeshi Kitano. Pero su aportación ese año al festival no fue tan sólo este título que compitió en la Sección Oficial; también pudieron disfrutarse “Graveyard of Honor”, “One Missed Call”, “Dead or Alive “y “Shangri-la”. Allí, Miike recordó la influencia que para iniciarse en el cine habían tenido sobre él las películas de artes marciales de Bruce Lee; su concepción de la violencia en el cine como algo tan Cinemascomics │Agosto 2011 │

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Imagen de “Audition” . 1999.

extremo que puede llegar a producir incluso la risa; lo acelerado de sus rodajes que, sin embargo, no son excusa para una perfecta planificación y una guionización depuradas; su nula intención de reflexión y profundización en algún tema concreto, sin mensajes políticos o de otra índole; su gozo a la hora de hacer películas por el simple placer de poder rodarlas, con la única intención de transmitir al público lo bien que se lo ha pasado a la hora de rodarlas; su negativa a ceñirse a un género en concreto como fiel reflejo de la vida cotidiana, donde se pasa de situaciones grotescas a otras horribles, y de éstas a otras melodramáticas, y así sucesivamente; su completa indiferencia ante el hecho de que los distribuïdores se interesen solamente por sus films más violentos y por sus historias de yakuzas y dejen al margen el resto de su producción; la poca importancia que le da a trabajar con presupuestos exiguos porque eso le permite tener mayor liber-

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tad a la hora de crear y el concepto de película como objeto vivo, que tiene una cierta autonomía propia. Pocos saben que Miike fue alumno del gran director japonés Shohei Imamura, fundador y decano de la Academia de Artes Visuales de Yokohama. Los primeros films de Miike fueron producciones para televisión, aunque también comenzó a trabajar en pequeñas producciones financiadas directamente por la yakuza. Ya entonces empezaba a mostrar su estilo extremo y los temas más recurrentes en sus producciones. Si por algo se ha caracterizado Miike a lo largo y ancho de su filmografía es por ser cuando menos atípico, a la vez que impenetrable, capaz de cambiar de registro en cada ocasión que encara una nueva producción y de fascinar e indignar a partes iguales con su particular visión de la sociedad, la violencia y el sexo japoneses. Muchos críticos han escrito sobre él, pero muy pocos se han atre-

vido a adentrarse profundamente en sus pesadillas filmadas y en sus aspectos más ocultos, cegados; sus momentos más perversos y desquiciados que el cineasta incluye de forma contumaz y obstinada en cualquier título de su vasta filmografía. Si a ello le unimos la diferencia idiomàtica y de cultura de un país que continúa siendo un gran desconocido a ojos de Occidente nos da como resultado que a día de hoy, y con más de ochenta y cinco títulos a sus espaldas, Miike sigue siendo un perfecto desconocido para casi todos. Reconocido en Occidente gracias a uno de sus trabajos previstos para el mercado videográfico nipón que acabó estrenado en salas de su país (Fudoh: The New Generation, 1996) y después convertido en habitual de los festivales internacionales más inquietos, llegó “Dead or Alive” (1999), el explosivo inicio de una saga de gangsters que destacaba por un inicio brillante, una mirada desmitificadora y pesimista del Japón www.cinemascomics.com


contemporáneo. El director tira de la manta para mostrarnos toda la porquería que subyace bajo esa estampa idílica, exótica, del Japón que se vende en las agencias turísticas (ejecutivos trajeados esnifando kilométricas rayas de cocaína y yakuzas asesinados mientras están sodomizando a un hombre). Después vendría “Audition”, que podría resumirse como una retorcida vuelta de tuerca al tema de la masculinidad concretada en la imborrable imagen de una mujer con delantal de cuero y agujas quirúrgicas preparada para lo peor. “Audition” nos habla de los otros yo interiores que yacen en nosotros, de esos que sólo puedes llegar a vislumbrar cuando conoces verdaderamente a la persona. Estos dos títulos no hicieron sino aumentar su fama de transgresor de culto, que se vería confirmada en títulos posteriores como la alucinógena “City of Lost Souls” (2000), su extravagante pieza musical “The happiness of the Katakuris” (2002), remake en versión musical de “The Quiet Family”, una película estrenada tres años antes en Corea del Sur con la que debutó Ji-woon Kim (uno de los directores de 3 Extremes). No es la única versión de la historia que se llevó al cine, ya que en 2003 se estrenaría otro remake en Hong Kong, “A Misterious Murder”, aunque sin duda, la versión más surrealista fue la de Miike. En 2001 rodó “Visitor Q”, filmada en video con escasos medios económicos, a la que seguiría una de sus películas más celebradas: “Ichi the Killer”, controvertido film que contiene todos los elementos típicos del director: montajes espectaculares, sexo, humor negro, mutilaciones varias... todo un festín para sus fans más acérrimos, ya que es particularmente concienzuda a la hora de mostrar rostros deformados por los golpes o cicatrices horribles. Pero entre todas estas películas que le dieron a conocer al gran público, Miike filmó otras tantas que fueron redescubiertas más adelante; y así www.cinemascomics.com

“The City of Lost Souls” (2000), “Rainy Dog” (1997), “The Bird people in China” (1998) o “DOA 2” (2000) vienen a formar un marco donde la soledad, el mestizaje, la memoria, el desarraigo, la familia y la violencia son los temas principales que aparecen de forma recurrente. Mientras para unos Miike siempre quedará reconocido como el autor adrenalítico y violento de “Ichi the Killer” o “Audition”, para otros quedará como un autor semiclásico capaz de darle la vuelta a una serie de géneros anclados en el pasado. En 2004, el director nipón rodó tres películas: “Izo”, “Zebraman” y “Llamada perdida”, además de un mediometraje (un segmento

de la película Three..Extremes) y sendas series de televisión (Yasha y Part Time Detective 2). “Izo” es bajo mi punto de vista su peor película, resultando un desmesurado y atemporal film de samurais, aunque contara en el reparto con el mismísimo Takeshi Kitano, con quien a Miike le hubiera gustado trabajar en su propia versión de “Zatoichi”. Por su parte, “Zebraman” fue un homenaje nada convencional a las series niponas como “Ultraman”, que conoció una secuela dirigida por el mismo Miike que se pudo ver el año pasado en el Festival de Sitges: “Zebraman 2: Attack on Zebra City”. En 2005 rodó tan sólo una película, “La gran guerra Yokai”, un film infantil donde se acentuaba Cinemascomics │Agosto 2011 │

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Quentin Tarantino en “Sukiyaki Western Django” 2007

la presencia de personajes propios del folklore japonés, lo que hacía un tanto incomprensible y dificultosos su desarrollo, aunque era igualmente disfrutable, y la serie de televisión “Ultraman Max”. Al año siguiente, sin embargo, el cineasta volvió por sus fueros y filmó nada más y nada menos que cinco películas, entre las que destacan “Bing Bang Love: Juvenil A”, un thriller carcelario donde se trataban temas como la homosexualidad dentro de la vertiente más caótica, experimental e inclasificable de Miike, con una puesta en escena brillante y una concepción cinematogràfica del todo revolucionaria. Al lado de este drama, también participó en uno de los episodios de “Masters of Horror”, concretamente en el titulado “Imprint”, mediometraje que entre otras censuras le valió su no emisión en la televisión estadounidense que sí había emitido el resto de capítulos. Otra vez incomodidad y repuganncia elevados a la enésima potencia, y es que este director es incorregible. Por lo que respecta a 2007, se puede decir que es uno de los años

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más productivos y a la vez fértiles de su carrera. Tres grandes títulos jalonan una añada espectacular: “Sukiyaki Western Django”, remake del film “Django”, de Sergio Corbucci, resultado del fanatismo del director por todo lo que rodea al western italiano; “Detective Story”, uno de los Miike más desconocidos y bizarros, donde asistimos a una hipnótica sesión de riñones, hígados y pulmones extraídos en la peculiar investigación de unos asesinatos; el film de Yakuzas “Like a dragon”, adaptación del videojuego de Sega para Playstation 2 “Ryu Ga Gotoku” y por último, la inigualable “Crows Zero”, una auténtica ensalada de violencia pandillera que entusiasmó a todo aquel que tuvo la oportunidad de verla en algún festival. Un film tan delirante como extremo en su concepción de la ferocidad adolescente. En 2008 se toma un cierto respiro y tan sólo nos regala un film: “God´s Puzzle”, un extraño experimento fílmico que flirtea con elementos de ciencia ficción en el que un grupo de estudiantes realizan una serie de investigaciones en

los que tratan de crear su propio universo. Nadie la entendió, y yo creo que su director tampoco. Para televisión realiza en esa misma temporada “K-Tai Investigator 7”. En 2009, aparte de realizar la segunda y al igual exitosa continuación de “Crows Zero”, “Crows Zero 2”, vuelve a adentrarse en el terreno de la comedia infantil con “Yatterman”, un divertimento para toda la familia basado en un anime japonés de finales de la década de los 70. El año pasado filmó la continuación de “Zebraman, “Zebraman: Atack on Zebra City” y esta “13 asesinos” que ahora llega hasta nosotros. Futuros proyectos: Pues para el lector al que le haya picado la curiosidad sobre los próximos trabajos de Takashi Miike diremos que presentó en Cannes el film “Hara-Kiri: Death of a Samurai”, revisitación del clásico de hace 50 años de mismo título dirigido por Masaki Kobayashi, además de tener en cartera dos películas basadas en el mundo de los videojuegos: “Gyakuten Saiban” y “Ninja Kids”. www.cinemascomics.com


EN CINES E

2 DE SEPTIEMBRE

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ZOOLOCO

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En Zooloco, los animales del zoológico Franklin Park adoran a su cuidador, Griffin Keyes (Kevin James). Cuando Griffin se da cuenta de que se encuentra más cómodo con un león que con una dama, decide que la única manera de encontrar una chica con quien compartir su vida es dejar el zoológico y buscar otro trabajo más glamoroso. A los animales les entra el pánico y deciden romper el código que han mantenido desde siempre y revelar su mayor secreto: que pueden hablar. Para evitar que Griffin se vaya, deciden enseñarle las reglas del cortejo al más puro estilo animal. La película también cuenta con la presencia de Rosario Dawson y Leslie Bibb y con las voces en su versión ori-

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ginal de Cher, Nick Nolte, Adam Sandler y Sylvester Stallone. En la versión española de la película cuenta también con la voz de José Mota, entre otros. Columbia Pictures y Metro-Goldwyn-Mayer Pictures presentan una producción de Broken Road/ Hey Eddie/Happy Madison, Zooloco. La película está protagonizada por Kevin James, Rosario Dawson y Leslie Bibb. Dirigida por Frank Coraci. Guión de Nick Bakay & Rock Reuben & Kevin James y Jay Scherick & David Ronn. Historia de Jay Scherick & David Ronn. Producida por Todd Garner, Kevin James, Adam Sandler, Jack Giarraputo y Walt Becker. Los productores ejecutivos son Barry

Bernardi, Jeff Sussman, Charles Newirth y Jennifer Eatz. El director de fotografía es Michael Barrett. El director de producción es Kirk M. Petruccelli. El director de montaje es Scott Hill. La directora de vestuario es Mona May. La música corre a cargo de Rupert Gregson-Williams. El supervisor musical es Michael Dilbeck. El supervisor de efectos especiales es Peter G. Travers. Y los efectos especiales están creados por Pictures Imageworks Inc. Zooloco ha sido calificada PG (Guía Parental Sugerida) por Motion Picture Association of America debido a un lenguaje y algunas bromas un poco groseras. El film se estrenará el 8 de Julio de 2011. www.cinemascomics.com


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CONAN EL BÁRBARO 3D 19 de agosto “Vivo. Amo. Mato... Y me doy por satisfecho”. - Conan, el bárbaro El bárbaro más legendario de todos los tiempos regresa este verano. Tras haber prosperado y evolucionado durante ocho décadas consecutivas en el imaginario colectivo – en prosa e ilustrado, en la gran pantalla y en la pequeña, en juegos y en todas las formas y propiedades imaginables – las hazañas de Conan en la Era Hiboria cobran ahora vida como no se habían visto jamás en una colosal película de acción y aventuras en 3D. Una búsqueda que comienza como una vendetta personal para el feroz guerrero cimmerio no tardará en convertirse en una épica batalla que lo enfrentará a descomunales rivales y horrendos monstruos. Contra toda esperanza de victoria, Conan se dará cuenta de

que es la única posibilidad de salvación de las grandes naciones de Hiboria frente a la invasión de un mal sobrenatural. Adaptada con gran pericia a partir de la obra original de Robert E. Howard y fiel a la mitología y psicología de este icónico personaje, el reparto de CONAN EL BÁRBARO está integrado por Jason Momoa, Rachel Nichols, Stephen Lang, Rose McGowan, Saïd Taghmaoui y Ron Perlman. La película está dirigida por Marcus Nispel, con guión de Thomas Dean Donnelly & Joshua Oppenheimer y Sean Hood. Aurum Producciones presenta una producción de Millennium Films en asociación con EFF Independent Productions y una producción de Conan Properties International LLC.


ACERCA DE LA PRODUCCIÓN Con el estreno de CONAN EL BÁRBARO, el guerrero más famoso del mundo regresa a la gran pantalla, continuando un legado en la cultura popular que ha perdurado ya casi ocho décadas y ha inspirado a generaciones de artistas de los mundos de la ficción, el cómic, los videojuegos, la animación, el cine y la televisión. El personaje de Conan, el bárbaro, introducido inicialmente en 1932 a través de una serie de relatos cortos obra del escritor de ficción ‘pulp’ Robert E. Howard, ayudó a sentar las bases del floreciente género conocido como “espada y brujería”, adelantándose varias décadas a la publicación de la obra de otros maestros de la literatura fantástica como J.R.R. Tolkien. Desde entonces, se ha convertido en un icono cultural en toda regla, que ha atrapado la imaginación del público: un héroe duro e imperturbable, que no debe lealtad ni fidelidad a nadie, y con la capacidad de salvar circunstancias imposibles valiéndose de su fuerza

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bruta y de la habilidad propia de un avezado guerrero. “Creo que el atractivo de Conan es que no se doblega ante nadie”, plantea el director Marcus Nispel. “No es políticamente correcto. No se rige por los principios morales de nadie más. Es un bárbaro que no depende de nadie más que de sí mismo”. Aunque ninguna película de Conan puede ignorar la original de John Milius de 1982, Nispel y los productores Danny Lerner y Les Weldon, de Millennium Films, ven esa cinta únicamente como una pequeña parte del universo de Conan, que es mucho más amplio, y no ha dejado de crecer a lo largo de las décadas desde su creación. Según comenta Lerner: “No estamos abordando esta entrega como una película basada en una encarnación anterior del personaje. Nos la planteamos más bien como un filme basado en toda una cultura”.

Para Nispel, que ya tiene amplia experiencia ofreciendo nuevas versiones de clásicos con sus trabajos en LA MATANZA DE TEXAS y VIERNES 13, lo fundamental para mostrar a Conan en una nueva película es mantener un respetuoso equilibrio entre homenaje y reinvención. “Vamos a volver al Conan mitológico, tal y como se describe en las historias de Robert E. Howard”, explica. “Pero, al mismo tiempo, no podemos negar que la conciencia popular ha evolucionado y las cosas no son iguales a cómo eran entonces. Lo que la gente espera ahora de Conan será diferente, pero al mismo tiempo hay ciertos elementos que no querrían que cambiáramos. Así que nuestro mantra al producir CONAN EL BÁRBARO es ‘dale a la gente lo que quiere, pero no le des lo que espera’”. El primer paso en esta empresa era, evidentemente, encontrar al propio Conan, una tarea nada sencilla, teniendo en cuenta el imponente aspecto físico y el estoico carisma del personaje.

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En diciembre de 2009, los realizadores llevaban más de un mes buscando activamente y haciendo pruebas a una serie de actores, cuando el director de reparto, Kerry Barden, sugirió a Jason Momoa, que acababa de terminar de rodar “Juego de tronos” para el canal HBO. “La primera vez que nos reunimos con Jason, vimos todo lo que esperábamos que fuera Conan”, recuerda Weldon. “Tiene una presencia física imponente. La confianza. Y transmite una sensación de energía desenfrenada que resulta esencial para el personaje”. Lerner agrega: “No podría imaginarme a ningún actor con el que he trabajado o que haya visto en la gran pantalla que pudiera encajar en esa imagen tan perfectamente como lo hace Jason. Es un atleta natural. Posee la agresividad, la fuerza y la energía necesarias. Y, cuando lees las descripciones que el propio Robert E. Howard hace de Conan, detallan exactamente a Jason”. www.cinemascomics.com

El actor medio hawaiano y medio irlandés, empezó a darse a conocer en la serie mundialmente popular “Los vigilantes de la playa”, tras la que vendrían una temporada en “North Shore” y otras cuatro en la popular serie de ciencia ficción “Stargate: Atlantis”. Momoa no tenía más que seis años cuando se estrenó el filme de Milius, pero recuerda encontrarse con las imágenes de Conan creadas por el visionario dibujante de cómics Frank Frazetta, cuyo estilo exuberante y oscuramente sensual ayudó a definir no solo el universo del cómic de Conan (y el póster de la película) sino todo el género de “espada y brujería”. “Cuando ves esas ilustraciones, te causan una gran impresión”, asegura Momoa. “Nuestro objetivo ha sido captar al héroe representado en las imágenes de Frazetta. Esa era nuestra meta”. Las ilustraciones de Frazetta también causaron un impacto considerable en la visión que tenían Nispel y el diseñador de producción Chris August para la película.

“No se puede filmar Conan estilo ‘cinéma vérité’”, explica Nispel. “Tienes que pintarlo, elegir nuevos ángulos, iluminarlo gráficamente, entonces podrás contar la historia de manera que logres vencer la incredulidad de los espectadores”. Dicho esto, tanto Nispel como August se mostraron de acuerdo en que la película debía parecer una especie de fragmento perdido de la historia, un relato épico sobre gente real de la antigüedad. Según explica August: “Decidimos que el ambiente tenía que ser una parte fundamental de la película, y que debía verse muy sucio y crudo. Mágico, pero de una manera más brutal”. “La visión de Marcus era tratar de hacer cuanto fuera posible de Conan ante la cámara, lo que suponía que pudiéramos ver realmente lo que se estaba rodando, sin tener que incorporar luego mucha infografía”, recuerda Weldon. El planteamiento realista que proponía Nispel encajaba bien Cinemascomics │Agosto 2011 │

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con el plan de Lerner y Weldon de rodar la película en los Nu Boyana Studios y en exteriores de Bulgaria. Según explica Lerner: “Desde un punto de vista económico, era mucho más sencillo y práctico crear en Bulgaria los decorados, el atrezo y el vestuario para que Hiboria cobrara vida y conseguir una experiencia visceral”. Nispel y August encontraron todo lo que necesitaban durante una amplia búsqueda de exteriores por todo el país. “Bulgaria tiene unos paisajes asombrosos y una larga tradición cultural que era perfecta para el proyecto”, señala August. “Mientras buscábamos a lo largo de un río, alguien nos señaló un lugar donde había unas cuevas que unos monjes habían

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excavado en las propias colinas. Te hacía sentir como si estuvieras realmente en el mundo de Conan, muy duro y crudo pero, al mismo tiempo, increíblemente hermoso”. “En ningún otro lugar está más presente la Edad Media que en Bulgaria”, reconoce Nispel. “¿Para qué crear decorados digitales falsos cuando tienes allí mismo, delante de ti, una gigantesca cueva (la cueva Prohodna en Lukovit) o un bosque prehistórico (Pobiti en Kamani, Varna, cerca del Mar Negro)?” A medida que el plan de producción iba tomando forma, Momoa se metió de lleno en un régimen intensivo de preparación, durante el que pasó seis horas diarias du-

rante mes y medio con el equipo de diseño de acción de Los Ángeles 87eleven, antes de marcharse a Bulgaria. “Ese proceso me ayudó mucho a comprender al personaje”, afirma Momoa, que realizó la mayor parte de sus propias escenas arriesgadas. “Conan se expresa a través de su espada. No tiene más remedio, porque las palabras no son su fuerte. Así que la preparación con la espada con el maestro sensei Chad Stahelski me ayudó mucho a descubrir el corazón de Conan”. Los ejercicios de pesas con Eric Laciste servían para completar el día de trabajo y ayudaron al actor de 1,93 m a aumentar considerablemente su masa muscular antes de empezar el rodaje.

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Pero el proceso de selección del reparto continuaba, y el papel de Tamara, acompañante de Conan y a la postre interés romántico, fue a parar a manos de la veterana del cine de acción Rachel Nichols (STAR TREK XI, G.I. JOE). Tamara, novicia de un monasterio de influencias griegas y maestra de artes marciales, es una “pura sangre”, descendiente directa de los hechiceros de Aquerón, cuya sangre reactivará el poder de la máscara de Aquerón. Tras reunirse con Nispel, Nichols se mostró entusiasmada ante la posibilidad de interpretar a una mujer inteligente y capaz, muy alejada de los estereotipos de las heroínas de fantasía. “No se trata de un caso de esos en los que Conan se encarga de toda la acción mienwww.cinemascomics.com

tras Tamara se queda pasivamente sentada como una damisela en apuros”, explica Nichols. “Tamara es inteligente y fuerte y, si se le presenta la opción de luchar o huir, elegirá luchar. Es la homóloga femenina de Conan y está a la altura de él”. El actor Stephen Lang (AVATAR) describe a Khalar Zym, enemigo de Conan y asesino del padre de este, como “el caudillo guerrero más malo de toda Hiboria, lleva toda la vida tratando de recuperar la máscara de Aquerón, que le permitirá recuperar a su mujer muerta e incluso conseguir la inmortalidad. Entra en escena muy al principio en la película, cuando Conan, siendo aún un niño, descubre lo que verdaderamente

significan el pillaje y el saqueo”, aporta Lang con una sonrisa traviesa. La mayor parte de las escenas entre Khalar y Conan implican algún tipo de combate, de modo que Lang tuvo que pasar la mayor parte de su tiempo libre en Bulgaria haciendo ejercicio, estirándose y ensayando coreografías con el equipo de especialistas. “Jason Momoa es un tipo muy grande y eso ya representaba por sí mismo un reto”, admite Lang. “Se supone que Khalar no solo es un maestro con la espada, sino que también domina la doble cimitarra, que es la pesadilla de los ninja. Todo lo que hacía, tenía que hacerlo con confianza y ser muy preciso”. Cinemascomics │Agosto 2011 │

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años Leo Howard, que se encarga de interpretar a un joven Conan en la secuencia de presentación de la película, a fin de crear el personaje juntos. Momoa explica: “Nos mirábamos el uno al otro, establecimos su forma de andar, cómo Conan es un poco como el león, el lobo, la pantera. La forma que tiene de acechar a la gente. Los ojos y las cejas, y Leo lo captó perfectamente”. A Howard, que es cinturón negro de primer dan y miembro de SideSwipe Performance Team, un grupo de exhibición de artes marciales extremas, le costó menos hacerse con la coreografía de las escenas de lucha que a muchos de los actores adultos. “Mis escenas explican cómo Conan se hizo tan duro y tan despiadado”, explica Howard. “Vive experiencias verdaderamente traumáticas de pequeño y eso lo convierte en lo que es de mayor”.

En su búsqueda de poder absoluto, Khalar Zym va acompañado de su hija Marique, interpretada por Rose McGowan (“Embrujadas”, GRINDHOUSE). “Marique es medio bruja, medio humana”, explica McGowan. Marique, celosa del dominio que ejerce su madre bruja, muerta hace largo tipo, sobre su padre, está extrañamente obsesionada por demostrarle a este su valía. “Es malvada, pero solo lo hace para ganarse el amor de su padre”, apunta McGowan. “Su relación me resulta fascinante. Está llena de patetismo, y me encanta el extraño giro que da al mundo de Conan”.

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Marique demuestra ser una mortífera adversaria y McGowan desarrolló un estilo de lucha específico para su personaje con el equipo de especialistas. “Decidí que Marique no iba a ser como cualquier otra persona con una espada. Quería que fuera más como una cobra. Embelesa a su presa y entonces golpea”, explica la actriz, refiriéndose a las letales uñas metálicas creadas para Marique por el jefe de atrezo de la película, Dirk Buchmann. A pesar de no tener ninguna escena juntos, Momoa colaboró estrechamente con el joven de 13

Ron Perlman, conocido por sus carismáticas interpretaciones en las dos entregas dirigidas por Guillermo del Toro de HELLBOY, dota de una feroz y conmovedora gravedad a Corin, padre de Conan y cabecilla de su tribu de cimmerios. “Los cimmerios son un clan guerrero”, explica Perlman. “Viven en un entorno hostil, uno más de los numerosos clanes en constante lucha por el dominio territorial. La forja, donde se hacen sus espadas, es casi su iglesia y la tratan como uno trataría cualquier cosa que le resulte sagrada y fundamental para su misma supervivencia”. Además de dirigir a su gente, Corin se encarga de criar solo a su hijo, después de que la madre de Conan, interpretada por la actriz británica Laila Rouass, muera en el parto en mitad de una batalla. “Es una guerrera cimmeria y, a pesar de estar en avanzado estado de gestación, lucha con tantas ganas como el que más”, comenta Rouass. “A través de sus actos, podemos ver de dónde saca Conan www.cinemascomics.com


su determinación, sus agallas y su fuerza”. “Me ha dado una directriz en cuanto a cómo ve la vida de su hijo, y todo está empañado por ese deseo expresado en su lecho de muerte”, agrega Perlman. “Hay muchos momentos increíbles compartidos entre padre e hijo”. El único amigo de Conan, Artus, es un fornido pirata de Zamora interpretado por el actor Nonso Anozie. “Artus es un verdadero líder, pero sabe cuándo hacerse a un lado y dejar actuar a Conan”, explica Anozie. “Artus es la única persona ante la que Conan sería capaz de mostrarse aunque solo fuera ligeramente vulnerable, o con la que echarse unas risas, o compartir alguna broma. Así que Jason y yo pasamos mucho tiempo juntos fuera del rodaje, explorando su relación”. CONAN EL BÁRBARO se rodó a lo largo de 12 semanas en exteriores de toda Bulgaria, y en los diversos platós y decorados de Nu Boyana Studios. El diseñador de producción Chris August, junto con un www.cinemascomics.com

equipo que llegó a alcanzar en algún momento las 400 personas, se encargó de crear unos 60 decorados distintos. Rodar bajo los elementos, ya fuera en los bosques nevados de Zlatnite Mostove o en los lluviosos campos de batalla rurales de Bistrica, hacía necesario contar con un director de fotografía capaz de sacar el máximo partido a las condiciones de luz existentes en cada lugar. “Buena parte de nuestro planteamiento con la iluminación se basó en las condiciones climatológicas, en los exteriores, en los colores que había disponibles”, explica el director de fotografía Thomas Kloss, colaborador habitual de Nispel.

“Marcus se mostraba muy receptivo a nuestras aportaciones a la hora de crear los personajes, no solo su aspecto”, recuerda Wheeler. Stephen Lang se incorporó al reparto tan solo una semana antes de empezar a rodar, por lo que su aspecto se diseñó a través de correos electrónicos entre el actor, el director y Wheeler. “Vino del avión al estudio, se sentó en la silla, sacamos un molde de la nariz y, dos días después, hicimos una prueba de maquillaje”. La característica cicatriz vertical de la nariz de Khalar acabó por convertirse en un elemento de la historia y queda establecida en un ‘flashback’ como resultado de una herida en el rostro.

Poblar el mundo de CONAN EL BÁRBARO con personajes visualmente memorables era una de las prioridades de Nispel durante el rodaje, para lo que tuvo que confiar en gran medida en el talento de su equipo de diseño, compuesto por la diseñadora de vestuario Wendy Partridge, el peluquero Aldo Signoretti, y los expertos en efectos de maquillaje Scott Wheeler y Shaun Smith.

McGowan atribuye a la diseñadora de vestuario Wendy Partridge la creación del aspecto ‘góticopunk’ de Marique. “El vestuario era un auténtico prodigio de ingeniería, hacían falta dos personas para ponerme y quitarme casi todos mis trajes”, señala McGowan. “Salvo uno de ellos, no podía sentarme con ninguno puesto, así que, a la hora de la comida, me quedaba de pie en mi tráiler porCinemascomics │Agosto 2011 │

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que no quería estropearlos. Eran todos de cuero y constaban de muchas piezas distintas”. Al querer crear un tipo de acción muy particular para CONAN EL BÁRBARO, Lerner y Weldon recurrieron al director de segunda unidad y coordinador de especialistas David Leitch, al coordinador de especialistas Noon Orsatti, y a selectos miembros de la compañía de diseño de acción 87eleven, para que coreografiaran y facilitaran las escenas de lucha. En palabras de Leitch: “Intentamos poner al día las peleas a espada de la película original e incluir más situaciones con múltiples atacantes, hacerlas algo más activas, más modernas y aumentar la intensidad. El viejo Conan era una parada, un golpe. Este Conan tiene que vérselas con muchas más cosas a la vez”. Para cumplir el apretado plan de rodaje en el estudio de Bulgaria, el equipo de especialistas a menudo tuvo que enseñar a los actores las secuencias de acción en el mismo día en que se rodaban.

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“Dimos con un auténtico filón con Jason Momoa”, asegura Noon. “Tiene todo el talento del mundo y tiene un aspecto espectacular con una espada. También estábamos encantados de contar con un montón de excelentes actores de acción, como las estrellas de las artes marciales mixtas Bob Sapp y Nathan Jones, para interpretar los papeles de esbirros de Khalar Zym. Nos brindó la oportunidad de realizar algunas escenas de acción física espectaculares”. El equipo de especialistas también contaba con el constante aliento de Nispel, que busca continuamente formas de crear escenas de acción innovadoras. “Marcus siente la necesidad de hacer esta película de tal manera que lo deje a él mismo alucinado, con la esperanza de que así también deje alucinados a los espectadores”, explica Momoa. “Además, siente auténtico deseo de colaborar”, agrega Perlman. “Para él, no le importa quién tenga una buena idea, ya sea el actor, él mismo o cualquier otro.

Está verdaderamente dispuesto a cambiar cualquier cosa sobre la marcha e incorporar algo que no se le hubiera ocurrido”. Aunque hace más de 25 años de la última aparición de Conan en la gran pantalla, Nispel cree que es un momento especialmente oportuno para volver a disfrutar con el icónico héroe. “Vivimos en un mundo muy artificial”, señala el director. “Pasamos la mayor parte del día delante de ordenadores, tomando conocimiento prestado, tomando experiencias reales prestadas. Conan te sumerge en un mundo en el que todavía se te mete la tierra bajo las uñas y donde no tienes que pedir permiso a todo el mundo. Puedes hacer las cosas de forma mucho más básica”. “A la gente le atrae la clase de pasión que posee Conan por enderezar el mundo y luchar por aquello en lo que crees”, comenta Lerner.

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LA NOVELA DE LA PELÍCULA

MICHAEL A. STACKPOLE BASADA EN UNA HISTORIA DE THOMAS DEAN DONNELLY, JOSHUA OPPENHEIMER Y SEAN HOOD


Concurso de “Conan el Bárbaro” ¿Quieres conseguir una de las tres novelas de la película que sorteamos? Para participar tan solo debes responder a la siguiente pregunta antes del 1 de septiembre: ¿Por cual personaje de una serie de televisión se ha hecho rencientemente más conocido el actor Jason Momoa? Envía tu respuesta a concursoscinemascomics@gmail.com indicando en el asunto “concurso Conan el Bárbaro” Concebido por el escritor norteamericano originario de Texas Robert E. Howard (1906- 1936), Conan el Bárbaro nació en 1932 en la revista de relatos Weird Tales. Muy pronto, las hazañas de este personaje, ambientadas en un mundo salvaje donde prima la espada y la brujería, se harían populares entre millones de lectores, siendo reeditadas en múltiples ocasiones. Situados en la ficticia Era Hibórea, entre la destrucción de la Atlántida y la llegada de las antiguas civilizaciones, sus relatos y novelas inspiraron en 1970 una versión en formato de cómic. Excelentes guionistas y dibujantes como Roy Thomas, Michael Fleisher, Barry Windsor-Smith o John Buscema adaptaron los relatos de Howard y crearon nuevas aventuras del bárbaro de Cimmeria en colecciones como Conan the Barbarian o The Savage Sword of Conan. En la década de los años ochenta, el actor Arnold Schwarzenegger dio vida al bárbaro creado por Howard en las películas Conan el Bárbaro (1982) y Conan el Destructor (1984). Tras la cancelación de otro film (Conan the Conqueror) y el siempre prometido pero jamás realizado nuevo largometraje del cimmerio, los derechos de Conan pasaron a manos de Paradox Entertainment, que junto a Millennium Films, Lionsgate y Nu Image Films, produjo por fin Conan el Bárbaro, película estrenada en 2011. Sinopsis: Nacido en una tierra dura y salvaje, donde el dominio del arte de guerrear implica la supervivencia, Conan de Cimmeria aprende muy pronto a desarrollar el instinto y la fuerza. Pero la vida del joven guerrero tomará un sendero aun más salvaje cuando Khalar Zym, un cruel señor de la guerra, aniquile a su familia y destruya su poblado. Conan se ha quedado solo. Ahora, para subsistir, deberá desarrollar toda su fuerza e intuición. En su deambular, Conan se enfrentará a amenazas surgidas de una tierra indómita y primitiva, habitada por gigantescas bestias ansiosas de carne humana, hombres despiadados y sanguinarios y criaturas surgidas de las arcanas artes de la magia negra. Pasados los años, forjado en mil batallas, más cruel que sus enemigos, Conan está preparado para vengarse de Zym. Pero, antes, tendrá que enfrentarse a la seductora Marique, la hija del señor de la guerra, digna sucesora de su sádico

progenitor. Sólo entonces Conan estará listo para la batalla final contra Zym. Conan el Bárbaro es la versión novelada de la película dirigida por Marcus Nispel, producida por Millennium Films, Lionsgate, Nu Image Films y Paradox Entertainment. Con Jason Momoa (Stargate Atlantis) en el papel de Conan, el film cuenta con la presencia en el reparto de Rachel Nichols (G.I. Joe, Star Trek), Rose McGowan (Planet Terror, Death Proof, Embrujadas), Ron Perlman (Hellboy I y II) y Stephen Lang (Avatar). Acerca del autor: Michael A. Stackpole (1957) es el autor de la versión novelada de la película Conan el Bárbaro, inspirada en el guión cinematográfico de Thomas Dean Donnelly, Joshua Oppenheimer y Sean Hood. Desde 1977, Stackpole se convierte en un brillante creador de juegos de rol y de videojuegos, como Mercenaries, Wasteland o Star Trek: 25th Anniversary. En 1986 empieza su carrera como escritor, inicialmente con novelas inspiradas en los personajes de series televisivas como Battle Tech (con catorce libros) o franquicias cinematográficas tan populares como Star Wars, en sagas como X-Wing y The New Jedi Order (ocho volúmenes). Stackpole es también el creador de nuevos mundos ficticios, siempre entre la fantasía y la ciencia-ficción, en otras sagas literarias, como DragonCrown War (2000-2003), Age of Discovery (2005-2007) o The Crown Colonies (2010-2011), en proceso de publicación. Su habilidad narrativa y su facilidad para el género fantástico, fueron los principales motivos para que Michael A. Stackpole fuera el escogido para escribir esta novela. PVP: 17,95 ISBN: 978-84-9885-774-0 Más información de las novedades de Panini comics en www.paninicomics.es


Estreno

SUPER 8

19 de agosto

En el verano de 1979, un grupo de amigos de un pueblecito de Ohio se disponen a hacer una película de zombis. Mientras ruedan su película en Súper 8, son testigos de un catastrófico accidente de tren y, tras librarse ellos mismos por poco, pronto descubren que no fue un accidente. Poco después, comienzan a sucederse en el pueblo una serie de extrañas desapariciones y de sucesos inexplicables, y el sheriff adjunto Jack Lamb (Kyle Chandler) intenta descubrir la verdad, algo más

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terrorífico de lo que ninguno de ellos podía imaginar. Paramount Pictures Presenta una Producción Amblin Entertainment/Bad Robot , “Super 8”, protagonizada por Kyle Chandler, Elle Fanning, Joel Courtney, Gabriel Basso, Noah Emmerich, Ron Eldard, Riley Griffiths, Ryan Lee y Zach Mills. La película ha sido escrita y dirigida por J.J. Abrams. Los productores son Steven Spielberg, J.J.

Abrams y Bryan Burk. La película ha sido realizada por un equipo creativo compuesto por el director de fotografía Larry Fong, el director artístico Martin Whist, los encargados del montaje Maryann Brandon, A.C.E., y Mary Jo Markey, A.C.E., la diseñadora de vestuario Ha Nguyen, el oscarizado compositor Michael Giacchino, y los efectos visuales y la animación son de Industrial Light & Magic.

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Cómo se hizo “Súper 8” En el núcleo de ‘Súper 8’ están seis chicos de un pueblo siderúrgico de Ohio en los años setenta cuyo sueño de hacer en las vacaciones una magistral película de monstruos se ve bruscamente interrumpido. Tras presenciar un horrible accidente de tren, las misteriosas circunstancias que rodean al accidente repercuten en su amistad y sus familias, y cambian para siempre su forma de ver la vida. www.cinemascomics.com

Y, si en el núcleo de ‘Súper 8’ hay un grupo de chavales, el alma de ‘Súper 8’ son dos cineastas que también se iniciaron haciendo películas en súper 8 cuando eran muy jóvenes. Tanto J.J. Abrams como Steven Spielberg descubrieron la dirección cinematográfica en su infancia haciendo películas en formato Súper 8 y 8 mm (respectivamente), lo cual sentó las bases para todas sus aventuras actuales en la gran pantalla. Como director, Abrams es famo-

so por mezclar carácter, humor y suspense en sus películas “Misión Imposible 3” y “Star Trek”. El productor de títulos como el thriller de suspense “Monstruoso” es también el responsable de series de televisión como “Felicity”, “Alias”, “Fringe” y la innovadora serie de ABC “Perdidos”. Spielberg, realizador de algunas de las mejores y más memorables películas de todos los tiempos, como “E.T.”, “Encuentros en la tercera fase” o “En busca del Cinemascomics │Agosto 2011 │

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arca perdida”, ha sido una fuente de inspiración para Abrams desde que éste era un crío. Fue su pasión compartida por las películas de Súper 8 lo que iba a reunir una y otra vez a estos dos cineastas. De pequeño, Abrams descubrió por primera vez las maravillas de una cámara de Súper 8 (un formato introducido por Eastman Kodak en 1965) a los 8 años de edad, cuando empezó a filmar sus películas caseras cuyos temas eran las cosas que le encantaban siendo niño: persecuciones, batallas y monstruos. Unos pocos años después, Abrams y su amigo de la infancia Matt Reeves (director de “Monstruoso”) habían participado en festivales cinematográficos y habían aparecido en un artículo del periódico Los Angeles Times titulado “Los imberbes prodigiosos”. Poco después, se puso en contacto con ellos la ayudante de Spielberg (en aquel entonces, Kathleen Kennedy), quien les preguntó si estarían interesados en restaurar las viejas películas en 8 mm que rodó el propio Spielberg cuando era un chaval. Teniendo J.J. tan sólo 15 años, él y Matt Reeves aceptaron trabajar juntos montando las películas caseras en 8 mm de Spielberg. Lo que sirvió inicialmente de inspiración para ambos volvería a reunirles de nuevo muchos años

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después. “Empezamos a hablar de la clase de películas que nos gustan y también de la clase de películas que nos gustaría hacer juntos algún día. Inmediatamente, cada uno se puso a contar su historia de las películas en Súper 8 que habíamos hecho. Y los dos pensamos que sería genial hacer una película acerca de unos jóvenes que viven una aventura haciendo películas”, recuerda ������ Spielberg. Abrams quería hacer “Súper 8” al estilo de las películas que a él le gustaban: historias trascendentales ambientadas en una sociedad en la que las tareas cotidianas del trabajo, el amor y la familia podrían parecer normales, hasta que son interrumpidas abruptamente por unos sucesos extraordinarios, terroríficos y fantásticos. “Quería que los espectadores vivieran toda la acción, el humor, el suspense y la pirotecnia de una película veraniega de palomitas, pero ‘Súper 8’ también tiene corazón de verdad, y para mí eso es realmente lo más importante”, explica Abrams. “A pesar de todas las salvajadas que suceden en la película, es la primera película que he hecho que parece realmente una parte de mi vida”. Al desarrollar “Súper 8”, a Abrams le sedujo la idea de tener como protagonistas a unos jóvenes cineastas en ciernes, pero

buscaba una historia que sirviera como nexo. Fue entonces cuando decidió fusionar ese concepto con otra idea que hacía tiempo que le rondaba en la cabeza. “Tenía una idea sobre un tren que transportaba cargas desde el Área 51”, dice, refiriéndose a la instalación militar de alto secreto en la remota Nevada donde se rumorea que se guardan restos de aeronaves no identificadas y otros fenómenos extraños. “Aquello era un argumento sin personajes, y aparte tenía aquellos estupendos personajes que necesitaban un argumento. Así que pensé que si los juntaba, podría salir una película muy interesante”. Spielberg estuvo de acuerdo. “Cuando J.J. se presentó y sugirió lo de de tomar la idea de los chicos que hacen películas en Súper 8 y mezclarla con un proyecto más grande de ciencia-ficción, en donde aparece algo en su película que causa un gran misterio y una crisis en su pueblo, a mí me pareció algo realmente atractivo”, dice. “Me pareció que iba a ser una película tanto sobre las formas de hacer películas en los setenta como sobre adónde condujo aquello”. Su compañero en la producción Bryan Burk también había conocido a Abrams gracias a su pasión por el Súper 8. “Hacer películas en Súper 8 siempre formó parte www.cinemascomics.com


de mi vida”, dice Burk. “Conocí a Abrams porque había oído hablar de un chico que hacía películas en Súper 8 y había montado las películas caseras en 8 mm de ������ Spielberg. Era una experiencia que todos compartíamos. Creo que la diversión de imaginar ideas y de salir por ahí a hacer películas sigue siendo la base de todo lo que hacemos”. A Burk le encantó la idea de mezclar una historia íntima y emotiva acerca de unos amigos adolescentes de un pequeño pueblo con una fantasía épica y creativa. El guión de “Súper 8” era también una amalgama de las mayores pasiones de Abrams, como su pasión por la inventiva de la ciencia-ficción, su inclinación por las aventuras cargadas de humor, y su fascinación por las encrucijadas donde se unen lo cotidiano y lo totalmente inexplicable. A medida que se iba desplegando la idea de Abrams para “Súper 8”, lo iba haciendo alrededor de dos ideas abstractas que se convirtieron en algo fundamental para la www.cinemascomics.com

producción. La primera es lo que Abrams definió hace mucho tiempo como “La Caja Misteriosa”, la idea de que lo que más atrae a la gente es un misterio que no se ve, y de que una película debería tener toda la poderosa imprevisibilidad de una caja cerrada de la que podría salir absolutamente cualquier cosa. Abrams opina que, en una época de información instantánea, puede suponer un reto perpetuo mantener al público literalmente a oscuras hasta que empiece la película, pero eso no le ha impedido intentar ofrecerle a la gente la emoción de esa experiencia. “Creo que si puedes crear algo original y no chafárselo al público por adelantado, la impresión es muchísimo mayor”. La otra idea que quería introducir en “Súper 8” era el propio espíritu desenfadado y artesanal de la realización de películas en Súper 8. “Esta película no sólo me trae recuerdos, sino que además es análoga a la forma en que solíamos hacer aquellas películas”,

dice. “Todo es cuestión de narrativa, de crear una ilusión que parezca real, de intentar asustar a la gente, de hacerles reír, de hacerles sentir algo. Para nosotros, todo eso es igual ahora que antes”. Spielberg también se sentía exultante por todo lo que Abrams aportó. “J.J. Tiene realmente la capacidad de hacer de puente entre las generaciones”, observa el realizador. “Le aporta la pasión por la manera en que se hacían antes las películas, pero además combina eso con una gran habilidad para hacer la clase de películas que le gustan a la gente hoy en día. Entiende lo que piensan y dicen los chicos de hoy, así que es tan relevante para la generación más joven como lo es para la mía. Creo que es sencillamente uno de los mejores narradores cinematográficos actuales, dándole a todo lo que hace un sentido extraordinario de la cámara, la iluminación, la composición y la narrativa”. Spielberg añade: “Con “Súper 8”, Cinemascomics │Agosto 2011 │

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J.J. ha hecho una película que parece a la vez nostálgica y extraordinariamente nueva. Mezcla de manera magistral una historia de ciencia-ficción con la maravillosa dinámica de un grupo de chavales, quienes se comportan de un modo contemporáneo, pero también capta estupendamente la forma de ser que han tenido siempre los chavales”. Abrams se sintió humilde por la participación tan directa de ������ Spielberg. “El tiempo que pasó Steven trabajando en esta película me dejó alucinado, porque hace muchas cosas a la vez, ¿de dónde saca el tiempo? Y sin embargo, durante horas se sentaba a repasar el guión o se metía en la sala de montaje”, recuerda. “Para mí era algo surrealista. Fue un verdadero privilegio no sólo trabajar con él, sino además hacerlo en una película acerca de una época de tanta importancia en nuestras vidas”.

Los chicos de “Súper 8” Para J.J. Abrams, la base de “Sú-

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per 8” estuvo siempre en los personajes. Incluso cuando los hechos más extraños e inexplicables empiezan a afectar a su antaño tranquilo pueblo de Ohio, estos personajes viven unas experiencias y una relaciones muy reales de amor y de pérdida. Sabía que iba a ser esencial encontrar la mezcla justa de actores, así que Abrams y su equipo emprendieron una búsqueda a gran escala. El objetivo era encontrar jóvenes actores desconocidos con los que el público disfrutara descubriéndolos, pero también un reparto que tuviera la encantadora aunque volátil química que siempre parecen tener los amigos y rivales de la infancia verdaderos. Añade Bryan Burk: “Lo mejor de este grupo de chicos es que todos tienen la rara habilidad de poder expresar bastante sin que parezca que están actuando. Creo que es un gran mérito de J.J. porque no sólo encontró a los chicos adecuados, sino que además supo cómo trabajar con ellos”.

El grupo de adolescentes finalmente elegido era notablemente variado. Algunos eran curtidos profesionales mientras que otros nunca antes habían actuado profesionalmente. Procedían de todo Estados Unidos: Elle Fanning (Alice Dainard) es oriunda de Conyers, Georgia, Joel Courtney (Joe Lamb) es de Moscow, Idaho, Gabriel Basso (Martin) de St. Louis, Missouri, Riley Griffiths (Charles) de Cedar City, Utah, Ryan Lee (Cary) de Austin, Texas, y Zach Mills, (Preston) de Lakewood, Ohio. Para el papel de Alice, los realizadores eligieron a una de las jóvenes actrices más en alza en Hollywood: Elle Fanning, entre cuyas películas más recientes están “Babel”, “El curioso caso de Benjamin Button” y “Somewhere, en un rincón del corazón”. Fanning se sintió muy ilusionada al conseguir el papel. “Fue de locura”, recuerda Elle. “Fue una completa sorpresa recibir una llamada del propio J. J. Me dijo: ‘Hola, Elle, soy J. J. Abrams, y me haría mucha ilusión

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trabajar contigo. Yo me quedé alucinada, me entraron ganas de chillar, pero por supuesto que no podía porque él estaba al teléfono, así que me callé y escuché. Luego, cuando colgó el teléfono, me puse a dar gritos. Estaba muy emocionada”. Abrams recuerda que la audición de Elle le sorprendió. “Cuando entró Elle, lo primero que pensé fue que quizás fuera demasiado joven, porque tenía 12 años y debía aparentar 14”, dice. “¡Pero pronto me di cuenta de que era mucho más sofisticada que yo! Tiene un aplomo increíble, y sin embargo encaja perfectamente con ese grupo de chicos alelados”. A Elle le sedujo inmediatamente la complejidad del personaje de Alice. “Es una chica bastante dura, un poco chicazo, y ha tenido una vida difícil”, explica Elle. “Su madre se marchó y su padre siempre está bebiendo, así que cuando los chicos le preguntan si quiere formar parte de su película, se dice: ‘¡Qué porras! Voy a hacerlo’. Y entonces todo desemboca en ese increíble suceso para todos ellos”. El antagonista de Elle, Joel Courtney, nunca antes había tenido una experiencia profesional cuando le ofrecieron el papel del protagonista de “Súper 8”, Joe Lamb, un chico que intenta salir adelanwww.cinemascomics.com

te tras la repentina muerte de su madre. “Sabía que J.J. me estaba ofreciendo una oportunidad realmente grande y no quería defraudarle. Quería hacer un buen trabajo para él, para mí y para todos los que trabajaban en la película”, explica Joel. Añade Abrams: “No quería que el protagonista de ‘Súper 8’ fuera el director de la película. Quería que fuera el chico que sigue al director, que está ahí porque ha perdido a su madre y lo lleva mal con su padre, y está buscando su camino”. Ya desde el principio, Joel comprendió por qué Joe se dedica a hacer la película en Súper 8 de su amigo en un momento de su vida en el que ninguna otra cosa es segura. “La madre de Joe ha fallecido y su padre, al ser el policía del pueblo, casi nunca está en casa”, comenta Joel. “Así que Joe solamente encuentra consuelo con sus amigos. Su padre quiere que sea un chico normal y que juegue al béisbol, pero Joe sólo quiere hacer películas. Es el encargado del sonido, el maquillaje y los efectos especiales, y le encanta todo eso”. Por encima de todo, a Joel le atrajo la tensión cada vez mayor de la historia. “Me encanta su

misterio, y es un subidón total de adrenalina”, dice. Interpretando a Martin, el chico ingenuo que es a menudo blanco de las bromas de sus amigos mientras actúa en su película de monstruos, está Gabriel Basso, quien protagoniza la célebre serie de Showtime “The Big C”. Abrams opina que Gabriel es el extremo opuesto de su personaje. “Gabriel es increíblemente inteligente, y creo que hay que serlo para interpretar bien a un tonto”, observa el director. En cuanto Abrams le contó un resumen básico de la historia, a Gabriel le enganchó. “Me encanta que sea una historia acerca de unos chicos que son testigos de algo que no deberían haber visto”, dice. “Meten la mano en el tarro prohibido”. Otro primerizo en el cine es Riley Griffiths, quien realiza su debut cinematográfico en “Súper 8” interpretando a Charles, el perfeccionista y motivado visionario del grupo, y escritor y director de la película que están haciendo. “Me encanta mi personaje porque está decidido a hacer películas y se lo toma muy en serio”, dice Riley. “Cosas como los ‘recursos de producción’ son muy, muy importantes para él, pero sus amigos no le comprenden”. Riley recuerda que J. J. Abrams le Cinemascomics │Agosto 2011 │

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planteó una gran cuestión cuando le dijo que el papel era suyo. “Me preguntó: ‘¿Estás preparado para esto?’ Y yo le dije: ‘Estoy súper preparado’”, dice riendo. Comenta Abrams: “Riley estuvo fantástico cuando llegó, pero nunca antes había estado en un plató, así que se enfrentaba a un gran reto”. Riley redobló sus esfuerzos, obsesionándose tanto con meterse en el papel de un director en ciernes que comenzó a seguir a Abrams por todo el plató, impregnándose del estilo y los gestos del director. “Me puse a mirar cómo dirige J.J. y luego traté de transferir todo eso a Charles”, dice. “J.J. también me contó todo lo necesario sobre las cámaras de Súper 8 y me dijo que era la misma cámara que él había tenido de pequeño, y fue realmente genial”. Ryan Lee, quien interpreta a Cary, el miembro más pícaro del grupo, y que ya había aparecido en diversos papeles en cine y televisión, era un gran fan de la

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película “Star Trek” de Abrams. “Nunca había visto “Star Trek” en TV, porque para mí eso era de la época de mis padres, pero la forma en que la hizo J.J. era absolutamente genial”, dice. “Cuando me enteré de que iba a hacer una prueba para J.J. mi corazón se desbocó”. El sentimiento era el mismo entre los realizadores. “Ryan estuvo espectacular en su audición”, dice Burk. “Estuvo increíblemente gracioso, y ciertamente fue el primer actor al que quisimos contratar”. Tras haber conseguido el papel, a Ryan le hacía una ilusión especial interpretar a Cary. “Es el chico que está siempre metiéndose en líos y divirtiéndose sin parar. Es muy gracioso”, dice. Completando el grupo de flamantes cineastas está Preston, el sabelotodo seguro de sí mismo que es una de las estrellas de la producción de los chavales. Interpretando a Preston está Zach Mills, quien ha aparecido a menudo en cine y televisión, con papeles en

“Hollywoodland”, “La tienda mágica del señor Magorium” y la película de Clint Eastwood “El intercambio”. A Zach le cayó muy bien Preston. “Es listo hasta el punto de ser un poco desagradable”, confiesa. “Conoce muy bien sus temas y le encanta darle datos a la gente, lo que resulta interesante cuando comienzan a suceder un montón de cosas muy extrañas”. También le cayeron estupendamente sus compañeros de reparto. “Las amistades de la películas son muy reales”, observa Zach. “Siempre estábamos enredando en el plató y divirtiéndonos juntos, incluso cuando no estábamos rodando”. “Nos hemos hecho muy buenos amigos, casi como de la familia”, explica Joel. “Ha sido maravilloso tener otros chicos de nuestra edad con los que poder hablar”. Elle resume: “En cuanto empezamos a ensayar, sintonizamos y nos hicimos muy buenos amigos. www.cinemascomics.com


Nos divertíamos tanto juntos que simplemente estar juntos se convirtió en otra cosa genial de hacer la película”.

Los adultos de “Súper 8” Mientras los chicos de “Súper 8” lidian con algo que no tenían que haber descubierto, entran en conflicto con los padres, los profesores y las autoridades de todas clases, interpretadas cada una de ellas por un reparto de adultos en el que están entre otros Kyle Chandler, Noah Emmerich y Ron Eldard. Chandler, famoso por sus papeles en las serie de televisión “Friday night lights” y “Edición anterior”, interpreta al agente de policía Jackson Lamb, el padre de Joe, quien comienza a investigar las extrañas desapariciones y los otros sucesos raros que afectan de repente al pueblo. Es un concienzudo miembro de las fuerzas del orden pero, habiendo enviudado recientemente, el policía se ve inmerso en un misterio absorbente en un momento en que sus

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emociones son muy crudas y su hijo más le necesita. Abrams dice que la clave de la interpretación de Chandler es una ligera cualidad atormentada que se entreve bajo su rudo exterior. “Kyle es un actor increíble”, dice el director, “sumamente simpático y estupendo para hacer de hombre corriente. Interpreta a Jack con gran fuerza y dureza, y sin embargo deja traslucir que, aunque puede que no sea el mejor de los padres, tiene el corazón realmente destrozado, y eso hace que simpaticemos con él”. “Su mujer ha fallecido, y ahora tiene que ocuparse de un hijo al que no entiende en absoluto”, explica Chandler. “Quiere proteger a Joe lo más posible, pero también se da cuenta de que Joe está creciendo y que se va a ir a vivir aventuras con sus amigos, le guste o no le guste a Jack”. Se sintió también fascinado por lo que Jackson Lamb presencia a su alrededor al ser invadido el pueblo por el miedo y la ansiedad.

“La gente del pueblo empieza a hacer lo que todos hacemos cuando no podemos resolver un misterio: empiezan a acusarse unos a otros”, observa. “Una sombra comienza a invadir ese pueblecito de Ohio, y además tenemos a esos chicos que están metidos en algo enorme, incluso aunque la policía intente esclarecer las cosas”. Trabajar con el principiante Joel Courtney como su hijo fue un momento particularmente especial para Chandler. “Me imagino lo que debe ser llegar a un plató tan grande, complicado e intimidante como este, sin haber trabajado antes en ninguna película”, dice con una sonrisa. “Joel lo llevó muy bien, estando a la altura de todos los retos”. Noah Emmerich, cuyos papeles en la pantalla van desde “El show de Truman” a “Juegos secretos,” pasando por el gran éxito de televisión “The Walking Dead”, interpreta el papel del curtido y misterioso coronel de las Fuerzas Aéreas que llega al pueblo en una misión tan secreta que no le pue-

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de decir a nadie lo que está buscando realmente. Emmerich no pudo negarse a la ocasión de trabajar con Abrams. “J.J. era lo que más me atraía”, dice. “Es raro encontrar un narrador tan magistral. Sabes que, haga lo que haga, vas a estar en buenas manos. Tiene la capacidad de crear una gran sensación de misterio entre los espectadores, de hacer que se crispen realmente en sus butacas y de inflamar su curiosidad. Tanto J.J .como yo fuimos magos de pequeños, y creo en cierto modo J.J. ha aportado esa cualidad de ser capaz de maravillar e intrigar con sus películas”. En cuanto a su reservado personaje, Emmerich simplemente observa: “Es un tipo sombrío y terrorífico, ¡y estoy seguro de que voy a asustar a los chicos que me vean durante la próxima década!” Como complemento local de Jackson Lamb está Ron Eldard, el actor que comenzó su carrera en la célebre serie de televisión

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“Urgencias” y luego se pasó al cine con títulos como “Sleepers”, “Black Hawk derribado” y “El color del crimen”. Como Louis Dainard, el irascible y atribulado padre de Alice, Eldard se describe a sí mismo como “un tipo verdaderamente luchador. Lucha en su trabajo en la siderurgia, lucha porque su mujer le ha abandonado y lucha con una hija que está madurando. No le gusta mucho que salga con una pandilla de chicos, pero ella quiere formar parte de ese grupo de colegas cineastas”. Eso hace que Louis entre en conflicto con Jackson Lamb a medida que sus hijos van intimando cada vez más. “Son dos personajes muy competitivos”, subraya Eldard. “Antes, Jack y Louis eran muy buenos amigos, pero suceden ciertas cosas y ahora ambos están enfrentados. Jack es un representante de la ley y Louis es un renegado pero, a medida que las cosas se van poniendo peor, descubren que van a tener que ayudarse mutuamente”.

La película dentro de una película de “Súper 8” Dentro de la historia de “Súper 8” hay otra historia: J.J. Abrams decidió ya desde el principio escribir no sólo un guión formal para la película que están rodando los chicos dentro de la película, sino, por el contrario, dejar que fuera surgiendo orgánicamente, sobre la marcha, de la imaginación de los actores. Los realizadores se quedaron impresionados. “Todos tenían una maña increíble para aprender la filmación de películas muy rápidamente”, observa Bryan Burk. Añade Burk: “Lo que espero y me hace ilusión de “Súper 8” es que los chicos que vean esta película se sientan inspirados a salir a hacer sus propias películas. Había algo mágico en aquella época en la que lo único que hacía falta para hacer una película era convencer a tus amigos para que pasaran el verano dedicándose al proyecto. Creo que J.J. le va www.cinemascomics.com


a meter ese gusanillo a la gente, cuando se den cuenta de que lo único que necesitan es una cámara, un grupo de amigos y una idea para hacer que pasen grandes cosas”. Abrams observa que los aspirantes a cineastas de hoy en día tienen una riqueza de recursos tecnológicos a su disposición con la que su generación no pudo ni soñar. “La tecnología se ha democratizado tanto que, mientras que en 1979 era excepcional que un chico tuviera una cámara, hoy las hay por todas partes”, dice. “Todos los móviles llevan una videocámara. La posibilidad de hacer una película casera como las que se pueden hacer hoy en día era algo que no existía cuando yo era un chaval, pero ojalá hubiera existido”.

El mundo setentero de “Súper 8”

Si bien el reparto y los realizadores son el corazón y el alma de “Súper 8”, el igualmente importante esqueleto visual de la película es su diseño visual. Le da vida al punto de vista de un chaval de un típico pueblo obrero del Medio Oeste a finales de los setenta, y luego lo catapulta hacia unos sucesos fantásticos, lo cual vuelve del revés la realidad cuidadosamente elaborada del lugar.

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“J.J. deseaba ardientemente que la película pareciera como de 1979 pero, al mismo tiempo, quería darle a los espectadores la clase de imágenes que sólo se pueden hacer con los efectos especiales de hoy en día”, opina el productor ejecutivo Guy Riedel. “Está la dulzura y ligereza que evocan las películas de los setenta, pero tampoco hay ninguna duda de que se trata de una película de J.J. Abrams en el siglo XXI”. La mezcla de estilos comenzó con el trabajo del director de fotografía Larry Fong (“300”, “Watchmen”), con quien Abrams comenzó a trabajar en la época del Súper 8 y con quien ha seguido colaborando en varias series de televisión, entre ellas “Perdidos”. Fong es no sólo uno de los mejores fotógrafos de acción de Hollywood, sino también un consumado mago, y Abrams quería que le aportase la misma sensación de asombro y sorpresa repentina a “Súper 8”. Dice Abrams: “Larry era un chico que iba haciendo películas por la calle cuando le conocí. Nos hicimos amigos, y lo hemos seguido siendo desde entonces. Fue muy divertido trabajar con él en esta película porque nos recordaba mucho a lo que nos gustaba hacer a nosotros cuando éramos unos críos”.

Las imágenes de Fong, que pueden ir de lo íntimo a lo alucinante, impresionaron a los realizadores, pero fue su habilidad como prestidigitador la que cautivó a los jóvenes actores. “Larry Fong es un mago alucinante”, afirma Joel Courtney. “De vez en cuando nos enseñaba a hacer algún truco genial, pero lo mejor eras no saber cómo lo hacía”. Añade Ryan Lee: “Larry entendió muy bien que necesitábamos divertirnos para no estresarnos demasiado en el plató. Sus trucos nos tenían constantemente intrigados”. Mientras tanto, el truco de dar vida al arquetípico pueblo siderúrgico norteamericano de Lillian, Ohio recayó en el director artístico Martin Whist, quien había colaborado previamente con J.J. Abrams en “Monstruoso”. Whist siempre se espera una lectura divertida cuando se trata de Abrams, pero el guión de “Súper 8” le dejó anonadado. “Se leía como un clásico inmediato”, dice el diseñador. “Tenía todos los elementos de las películas que me encantaban cuando era un chaval, pero también parecía como si fuera la nueva generación de esa clase de narrativa”. Ya desde esa primera lectura, supo que quería crear un mundo bien detallado y definido para

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esos personajes, para luego ponerlo patas arriba. “Mis primeras conversaciones con J.J. giraban en torno al hecho de que queríamos hacer que todo lo relativo al pueblo pareciera consistente, tangible y creíble para aquella época”, recuerda Whist. “Teníamos que crear la sensación de una realidad cotidiana, para que cuando entraran en ella los elementos fantásticos, lo surrealista se convirtiera en un inquietante barniz de algo que nos parece muy familiar”. Tanto Whist como Abrams querían ser lo más fieles posible al vibrante estilo de finales de los setenta. “Queríamos que fuera algo sutil, pero esa época es una influencia visual omnipresente en la película”, explica Whist. “Se nota mucho porque ya casi no se utilizan esos colores, como el verde oliva, el naranja tostado y el ocre. ¡Creo que he utilizado más matices de marrón en esta película que en toda mi vida!”, Whist continúa: “J.J. nos ayudó mucho con el trabajo de documentación. Tiene una fantástica colección

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de revistas antiguas de Súper 8, que tenían un montón de anuncios. Repasar todo aquel material reavivaba nuestros recuerdos, y entonces él empezaba a lanzar y pedir ideas acerca de lo que había que crear para cada personaje. Para mí, el secreto para crear la autenticidad de una época es ser contenido. Es el efecto acumulativo de pequeños momentos viscerales lo que te hace sentir que estás en otra época, y eso es lo que hemos intentado”. La diseñadora de vestuario Ha Nguyen (“Shooter: El tirador”, “Máscara”) también encontró la mayor parte de su material de documentación en revistas y catálogos, sobre todo en catálogos de ropa de los setenta, lo cual reveló la ropa que se ponían los norteamericanos del Medio Oeste en aquella época. “Revisé algunos libros escolares de verdad de finales de los setenta”, cometa Nguyen. “Uno era de Ohio, otro de Texas y otro de Indiana. Los comparé con los catálogos de ropa que tenía, y se

trataba más o menos de la misma ropa que se estaba vendiendo en el Medio Oeste, así que todo encajaba. No queríamos el estilo salvaje de los setenta que se ve en las revistas de moda. Queríamos que la gente pareciera real”. Con tantos uniformes militares como se necesitaban para la segunda mitad de la película, Nguyen recurrió a N. Edward Fincher, sastre militar, para que trabajara con ella. “Ed se ocupó de todos los uniformes para cerciorarnos de que todo lo que hacíamos fuera auténtico”, dice. Para los personajes principales, Nguyen se propuso definir seis jóvenes personalidades muy diferentes. “Cada chico tiene su propia estética totalmente única, con diferentes diseños y colores. Algunos son un poco más extravagantes, como Charles, y otros son más atrevidos y brillantes, como Cary”, explica Nguyen. ”Nos divertimos especialmente con la ropa de Joe, que va cambiando a medida que va pasando de hablar bajo a coger realmente confianwww.cinemascomics.com


za. Los colores que viste se vuelven cada vez más fuertes, siempre en aumento hacia el clímax”. Vestir a Elle Fanning como Alice fue otro reto realmente atractivo. “La descripción de Alice en el guión era que, aunque sigue siendo una niña, también es muy guapa”, dice Nguyen. “Eso no es difícil de encontrar en Elle, porque es absolutamente increíble. J.J. también quería que fuera un poco chicazo. Encontré tejidos más suaves para sus camisetas para darle más forma, pero seguí manteniendo su aspecto de chicazo utilizando un tejido ligeramente más basto para el resto de la ropa”. Fanning resume las reacciones de los actores ante las ropas: “Nos transportaron completamente en el tiempo. A mí me dejaron hipnotizada. Siempre me ha encantado la ropa antigua. Es muy divertido ponerse unas ropas completamente diferentes porque te hacen ser una persona completamente diferente”. Además de la estética de “Súper 8”, hay otro matiz clave: la banda sonora de Michael Giacchino, que suponía el reto de mezclar los divertidos sonidos de los setenta con las turbulentas emociones de un thriller dramático. Ganador del Óscar a la mejor banda sonora original por “Up”, Giacchino ha colaborado con Abrams en todas sus películas.

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“Al igual que todos nosotros, Michael también hacía películas en Súper 8 cuando era un chaval, y nos dijo: ‘Tengo que ser yo quien le ponga música a esta película’”, recuerda Burk. “Lo abordó estrictamente desde el punto de vista de los personajes, y él y J.J. pasaron mucho tiempo comentando todo lo que pasa a nivel emocional en el guión. La música siempre es el centro de las películas de J.J., y Michael siempre está a su lado”.

Rodando en el Cinturón del Acero Para crear el pueblo siderúrgico de los setenta de “Súper 8”, la producción viajó a Weirton, Virginia Occidental, que se encuentra en una estrecha franja de tierra entre Ohio y Pennsylvania, en el río Ohio. La impresionante silueta de la ciudad, dominada por su extensa siderurgia central, hacía que fuera un símil perfecto para la estoicamente resistente y laboriosa pequeña ciudad norteamericana que J.J. Abrams había ideado como escenario de su historia. Explica el director artístico Martin Whist:: “Weirton forma parte del cinturón del acero norteamericano, al igual que el pueblo de nuestra película. Era genial, porque no sólo daba la sensación de ser un pueblo siderúrgico antaño poderoso, sino que también tenía

todos los elementos para que lo hiciéramos parecer de 1979”. “Siempre me gustó la idea de ambientar la historia en un pueblo”, dice Abrams. “Mi padre se crió en Harrisburg, Pennsylvania, y recuerdo cuando la visitábamos de pequeño, antes de que la siderurgia pasara a vivir momentos difíciles. Parecía un sitio cualquiera de los Estados Unidos. Esos pueblos dan la sensación de ser reales e identificables”. Añade Bryan Burk: ”Es un lugar que ha cambiado muy poco en los últimos 30 años. De hecho, “El cazador” se rodó en Weirton, y el pueblo sigue prácticamente igual que como estaba entonces”. Un pueblo con una población de menos de 20.000 habitantes llenó de entusiasmo a los actores y el equipo técnico. Dice Kyle Chandler: “No se tiene muy a menudo la ocasión de llegar a uno de esos sitios donde la población está deseando dejarte entrar en sus vidas. Simpaticé inmediatamente con el comisario de la policía local, y me pasé todo el día yendo en coche con él a conocer a los otros policías. Me ofrecieron una imagen real de lo que es vivir en un pueblo”. Un plató importante era el de la Calle Mayor, donde Whist creó la tienda de cámaras Olson, el sitio favorito de los jóvenes cineastas

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del pueblo. “Fue divertido crear la tienda de cámaras”, recuerda Whist. “La tienda es un punto fundamental de la historia, así que tenía que tener una autentica presencia. Ahí introdujimos los detalles tecnológicos que son muy específicos de la época: los giradiscos, los reproductores de 8 pistas, y por supuesto las Súper 8”. Whist pudo conseguir sobre el terreno todo el material de época. “Mi decoradora, Fainche MacCarthy, encontró a un tipo con una tienda de cámaras que tenía guardado todo ese material de los setenta”, dice Whist con una sonrisa. “También había guardado todas las cajas, así que pudimos limpiar las viejas y que pareciesen como nuevas. Fue un hallazgo extraordinario”. La tienda de cámaras era también uno de los sitios favoritos de Noah Emmerich. “Al entrar en aquel plató, experimenté una increíble sensación de vuelta atrás en el tiempo, hasta cuando yo tenía unos ocho años. Mirar las estante-

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rías de la tienda me traía muchísimos recuerdos: la Kodachrome, y los flashes desechables, caramba. Toda esa tecnología ahora parece casi del paleolítico”. Otra de las localizaciones claves es Weirton Heights, donde Whist encontró las casas de Joe y de Charles. “Lo que nos encantó de las casas donde viven Joe y Charles es que son la quintaesencia de ese pueblo”, explica Whist. “La casa de Joe es una casita muy de clase trabajadora construida en los años cuarenta que dice mucho de quién es él y de dónde procede. La casa de Charles es más típica de los setenta”. Aumentando el ambiente de pueblo pequeño, cientos de personas de la localidad participaron en la película. Los chicos del pueblo hicieron de extras en el colegio, mientas que los adultos participaron en las escenas de acción con los militares. Todos se convirtieron en actores por un día para crear uno de los momentos fundamentales de la película: una explosiva reunión en el ayuntamiento en la

que Jackson Lamb tiene que dirigirse a una multitud de confusos y agitados paisanos. Los del pueblo estaban tan ilusionados con la toma que Abrams recuerda que algunos hasta le ofrecieron hacer saltar sus casas por los aires para crear efectos auténticos. “La gente de Weirton fueron maravillosos a más no poder”, comenta Abrams. “No se puede ser más servicial, paciente ni, francamente, mejores actores. En la escena del ayuntamiento, el grupo que teníamos era extraordinario. Nadie sobreactuaba. La gente se metió en ello de una manera que era como un sueño. No es que rodáramos allí sólo por su estética, rodamos allí porque la gente era maravillosa”. El efecto galvanizador que tuvo en el pueblo el hecho de participar en la película fue igualmente impresionante para todos los que los presenciaron. “Escuché muchas veces decir a la gente: ‘Hace años que no nos reunimos en grupo, como ahora, a charlar en nuestros porches’. Se divertían www.cinemascomics.com


estando juntos y en comunidad”, recuerda Abrams. Para la escena de la gran batalla de la película, la producción consiguió tanques y vehículos de transporte de tropas en un museo, y coreografió la acción con ayuda de unos expertos militares. Al empezar el rodaje, el cielo nocturno se incendió de disparos y explosiones, y el barrio tembló con el rugir de los tanques. Las noticias se extendieron a kilómetros a la redonda, y los mirones se apostaron provistos de sillas plegables y cestas de picnic. Mientras tanto, unos noticiarios especiales en los medios de comunicación advertían a la población de que no se trataba de ninguna invasión real, ¡para que a nadie le entrase el pánico! Para los jóvenes actores de la película, esas escenas de acción, que se vuelven frenéticas en la segunda mitad de la película, fueron lo más impresionante que habían visto en sus vidas. “Para nosotros fue increíble”, dice Riley Griffiths. “Nos divertimos un montón”. Tras el rodaje en Virginia Occidental, la producción regresó a Los Ángeles, en donde Whist había preparado cuidadosamente los interiores de las casas de Joe y Charlie para que fueran como un espejo de sus historias personales. www.cinemascomics.com

“La estética de las habitaciones era sumamente importante para nosotros, porque ayuda a crear un personaje”, explica Whist. “Aquí fue donde J.J. le añadió sin palabras gran parte del trasfondo de sus vidas, cómo son sus padres, cuál es su situación económica, con qué valores se educaron. En el caso de Charlie, todo es vivaz y activo. La casa es demasiado pequeña, pero parece muy acogedora y ambos padres trabajan, así que es un poco más caótica que la mayoría. Por contra, Joe es hijo único y su madre ha fallecido recientemente, así que queríamos que fuera un lugar más sombrío y silencioso. J. J. y yo pensamos mucho en lo que estos chicos tendrían en su habitación: qué habría en las paredes, qué clase de maquetas y de dibujos tendrían. La clave estaba en conseguir que pareciese que vivían allí”. Robert S. Kyker, encargado de utilería, consiguió incluso algunos muñecos de los setenta, entre ellos un muñeco de Cuasimodo que Abrams recordaba de cuando era joven. Todo ello contribuyó a crear una especie de máquina del tiempo instantánea para los miembros del reparto que vivieron el año 1979. Dice Kyle Chandler: “Eché un vistazo a la habitación de Joe y me sentí como si volviera a tener 14 años. La habitación de Joe estaba como calcada de la mía cuando era un chaval, desde las pinturas para las maquetas

hasta los modelos que cuelgan de las paredes”. A Abrams también le produjo una impresión visceral andar por el plató. Lo resume así: “La decoración del plató era tan bestialmente buena que yo podía coger cualquier cosa, ya fuera un paquete de cromos o una revista, las maquetas o los juguetes, y al instante me hacía revivir el pasado”.

Los efectos visuales de “Súper 8”

La mayor parte de la película se mantuvo estrictamente en secreto para intentar que las escenas álgidas de la película fueran un divertido secreto para el público. Se construyó una enorme cueva con una forma extraña en un estudio, se pusieron en marcha los efectos de la criatura y se forjaron los platós de las secuencias del accidente de tren y las posteriores al mismo. Para captar la asombrosa reacción en cadena del propio accidente de tren, Steve Riley, supervisor de efectos especiales, utilizó un ariete tipo trineo de unos 500 kilos de peso al que le dieron la forma de la parte frontal del tren. “Utilizamos un trineo remolcado por la sala mediante una grúa de 4 toneladas para crear el efecto visual”, explica. “Al chocar, teCinemascomics │Agosto 2011 │

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níamos preparada una secuencia de explosiones que se sucedían para crear la clase de restos que lanzaría realmente un accidente de tren. Utilizamos unos 850 gramos de pólvora negra y unos 150 metros de mecha de grano cien, lo cual es un potente explosivo. Actúa muy rápidamente, así que produce un gran estruendo y cuando explota es muy intenso”. Para el escenario de después del choque del tren, donde los seis aprendices de cineastas se encuentran en estado de shock, Whilst utilizó vagones de tren de tamaño natural volcados en ángulos inimaginables. “Todo era muy pesado de manejar, así que utilizamos grúas para colocarlos, y luego maquinaria pesada para destrozarlos y hacer que pareciera que habían sufrido una terrible colisión”, dice. El diseño de escenarios con efectos visuales perfeccionados tuvo un papel fundamental a la hora de conseguir que esas escenas parecieran tan reales que se te parase el corazón. “La manera en que los efectos visuales pueden ampliar ahora el campo físico nos abrió muchos caminos en esta película”, observa Martin Whist. “Le dio a J.J. y al resto del equipo la oportunidad de conseguir unos planos que de otro modo no hubieran sido tan viscerales y emocionantes”.

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Sin embargo, lo que de verdad dio trabajo al equipo fueron los efectos especiales creados para lo que ocurre después del accidente de tren, y todos cuantos participaron en la película acordaron mantenerlo en secreto hasta que los espectadores tengan ocasión de ser sorprendidos por ellos. Dichos efectos fueron realizados por los magos digitales de ILM, mientras que las revelaciones álgidas de la película recayeron en Neville Page, el diseñador de la criatura, quien había trabajado antes con J.J. Abrams en “Monstruoso”, pero que nunca había hecho nada parecido a lo que creó para “Súper 8”. Lo único que Abramas dice de los efectos especiales en este caso es: “Gran parte del trabajo se concentró en conseguir que pareciese único y real. Nunca habíamos considerado a los monstruos como un efecto visual, sino como un personaje. ILM jugó un papel increíble en esto. Cada vez que trabajo con ellos, pienso: ‘Se han vuelto a superar a sí mismos otra vez’, y ése fue ciertamente el caso en “Súper 8””. Añade Burk: “Los de ILM fueron los socios perfectos para esta película. Tomaron realmente el mando y lo hicieron mucho más espectacular de lo que habíamos imaginado”.

Steven Spielberg también trajo consigo a varias leyendas cinematográficas, entre ellas Dennis Muren, el artista de los efectos visuales seis veces ganador del Óscar, y entre cuyas películas están “E.T.”, “Parque Jurásico”, “Indiana Jones y el templo maldito”, “La guerra de los mundos” y varios episodios de la célebre saga épica de George Lucas “La guerra de las galaxias”, y los oscarizados encargados de sonido Ben Burtt y Gary Rydstrom (diseño de sonido adicional), quienes han colaborado frecuentemente con Spielberg a lo largo de su carrera. Colaborar con tanta gente cuyo trabajo tanto Abrams como Burk habían admirado desde pequeños fue para ellos como cerrar el círculo. “Cuando era un chaval, para mí hacer películas era una salvación”, confiesa Abrams. Para concluir, Burk añade: “Hacer una película sobre unos chavales que están haciendo una película en Súper 8, y hacerla con Steven Spielberg, quien estaba en el epicentro de todo aquello que nos había encantado de pequeños, es algo que sobrepasa nuestros sueños más desenfrenados”.

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LA CAJA MISTERIOSA DE

J.J. ABRAMS Por Gerard Fossas

Así pues, ¿qué hay en esta Caja Misteriosa? La respuesta es sencilla: posibilidades infinitas, potencial.

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J.J. Abrams en un momento del rodaje de Super 8

En una conferencia que el director, productor y guionista J.J. Abrams dio para TED (Technology, Entertainment, Design) habló de su fuente de inspiración para crear sus extraordinarias ficciones. En medio de su discurso sacó una caja precintada a la que se refiere como Mistery Box (Caja Misteriosa), una caja que presuntamente contiene objetos para realizar trucos de magia aunque, como no está abierta, no puede saberlo. Así pues, ¿qué hay en esta Caja Misteriosa? La respuesta es sencilla: posibilidades infinitas, potencial. Como él mismo dice, los relatos en general y los suyos especialmente, suelen estar llenos de cajas misteriosas, de posibilidades, de misterios que se van desvelando (o no) y en cuyas revelaciones y ocultaciones reside el atractivo de una historia. La existencia de esta Caja Misteriosa creo que es imprescindible para vislumbrar levemente cómo trabaja la mente creativa de Abrams y entender un poco más por qué sus ficciones son como

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son. Mi intención en este artículo no es hacer un repaso por la carrera de J.J. Abrams, sino intentar abrir esta Caja Misteriosa y descubrir cuáles son sus intereses, las claves del éxito de sus creaciones, cómo se reflejan en varias de sus series y películas y, en definitiva, valorar el genio creativo de Abrams como uno de los realizadores más importantes del panorama actual.

Los conceptos Evidentemente nunca he estado en una reunión de guionistas de “Lost” o “Fringe”, pero imagino que en ellas pocas veces se habló o se habla sobre cómo se va a desarrollar la trama en los siguientes episodios. La principal característica de la primera serie de éxito de J.J. Abrams, “Alias”, se caracteriza por una transformación constante a nivel argumental, hasta el punto que podríamos discernir varias historias en una, ya que la complejidad que alcanza “Alias” debido a sus constantes ramificaciones es algo que va más

allá de la subtrama. En “Lost” y en “Fringe” ocurre algo parecido pero diferente y más complicado de llevar a cabo ya que el universo de ambas series no se dibuja a partir de una ramificación exponencial de una trama central esencialmente simple, sino de una definición progresiva de personajes y situaciones a través del planteamiento y la representación de nuevos conceptos que poco tienen que ver con el discurso narrativo. El atractivo de “Lost”, por ejemplo, era la constante colocación de Cajas Misteriosas como migajas en un camino hacia ninguna parte, una serie de misterios la mayoría de ellos irresolubles que servían como excusa para manejar los personajes, que para Abrams siempre son el verdadero centro de la historia. Esto último puede resultar muy evidente, de hecho lo es, pero ¿en cuantas películas, sobre todo de acción y ciencia ficción, actuales el humo de la pirotecnia oculta a los personajes? ¿Acaso no es, por ejemplo, Shia LaBoeuf en la saga www.cinemascomics.com


Transformers un simple vehículo que transporta el espectador por una sucesión de secuencias espectaculares? “Lost” y “Fringe” son relatos expansivos que van de personas en sitios y momentos concretos porque la magnitud de lo que les rodea es demasiado grande e inexplicable, por esto no hay respuesta a qué es la Isla que no sea una teoría igual de válida que cualquier otra, del mismo modo que en “Fringe” jamás veremos un mapa o una explicación que articule la estructura del universo imaginado por Abrams.

Los personajes Para J.J. Abrams, los personajes son el epicentro en torno a los cuales gira todo lo demás. Analicemos por un momento su versión de “Star Trek” porque quizás es el caso que mejor refleja su filosofía al respecto. Los tripulantes de la Enterprise eran personajes más que hechos y encumbrados en los pilares del culto, de modo que

el reto era hacerlos a la vez tan nuevos como reconocibles, algo que resulta más complicado de lo que parece porque no se trata solamente de hacer un “Año Uno” con Kirk y Spock, sino de volver a imaginarlos. El hecho de acentuar la parte impulsiva y arrogante del Capitán Kirk fue todo un acierto en este sentido, como lo fue el poner en crisis a Spock y romper su estabilidad emocional característica para convertirlo en un tipo que está medio perdido porque no sabe cómo equilibrar la balanza entre su lado humano y su lado vulcano. Los Kirk y Spock de Abrams son dos personajes genuinos que al encontrarse y al aprender a respetarse y a tolerarse empiezan a sugerir a aquellos personajes de la serie y de varias películas. Por esto J.J. Abrams presentó la película diciendo que “su película estaba hecha para los que no eran fans de Star Trek” y, de hecho, él no es fan en absoluto. En su faceta de resucitador de sagas, consiguió algo parecido con

“Misión: Imposible 3”, intentando copiar el estilo de Brian de Palma (director de la primera) y olvidar que Ethan Hunt (Tom Cruise) es un espía para centrarse en que es un hombre al que le han matado o secuestrado un ser querido y se mueve por una atadura sentimental que lo lleva a colgarse de los sitios para hacerse con el macguffin de turno, llámese Lista NOC o Pata de Conejo. Pero no sólo se trata de presentar a los personajes desde su lado más íntimo y vulnerable; también es esencial su tratamiento a medida que los sucesos les afectan. En las películas el margen es corto y los personajes trazan una curva evolutiva más cerrada, pero en las series el espectro temporal es mucho más amplio y da mucho más juego en este sentido. Fijémonos en el desarrollo de Jack Shepard (Matthew Fox) en “Lost”, puesto que es un personaje cerrado – a diferencia de Sydney Bristow (Jennifer Gardner) de “Alias” (en la que se mantiene la posibilidad abierta de una nueva tem-

Imagen de Star Trek (2009), en ella vemos a Spock (Zachary Quinto) y Kirk (Chris Pine) www.cinemascomics.com

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John Locke (Terry O’Quinn) en “Lost”

porada) o Olivia Dunham (Anna Torv) de “Fringe” – y lo podemos observar en perspectiva. La figura de Jack Shepard no podría ser más irreverente a nivel teórico, ya que la historia de Jack en la serie es la crónica de la deconstrucción de la figura del héroe. Lo interesante de él es cómo asume un rol clásico de liderazgo ante una situación límite, adoptando la postura mil y una veces vista del salvador, e intentando guiar al grupo de náufragos para establecer un orden social parecido al del mundo civilizado, a pesar de que no están en él. Lo que en un principio parece funcionar, debido a sucesos varios y a que la Isla no es ni representa el mundo real, su rol, como concepto, deja de tener validez y entonces empieza un proceso de regresión personal hasta el punto que durante un número importante de capítulos es un secundario al margen y no el protagonista que en teoría estaba

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destinado a ser. Además, su complementariedad con John Locke (Terry O’Quinn) representa una conceptualización más profunda y en el fondo es uno de los leitmotivs de la serie, quizás el principal, el de la dualidad que existe entre el hombre de ciencia (Jack) y el hombre de fe (Locke), ya que ambos representan a la vez sendas divisiones de público y esta bipolaridad de J. J. Abrams, capaz de diseccionar cajas y otros objetos para desentrañar todos los misterios de su funcionamiento y estructura, pero a la vez empeñado en no abrir una Caja Misteriosa con un interrogante porque no quiere corromper su magia y limitar sus posibilidades a su contenido.

El espacio y el tiempo Una de las obsesiones de J.J. Abrams en sus creaciones es rom-

per con la linealidad cronológica y física que imponen el espacio y el tiempo. Ya en “Alias” el pasado, el presente y el futuro se retroalimentaban a través de profecías, objetos y personajes que tenían una presencia importante en varios momentos del tiempo. En la película “Star Trek” juega la carta de los viajes en el tiempo aprovechando el paraguas de ciencia ficción futurista de la serie, pero es en “Lost” y en “Fringe”, una vez más, cuando el juego espaciotemporal toma más relevancia. Hay un momento en “Lost” en el que la realidad se descontrola y la Isla empieza a dar saltos en el tiempo, llevando a sus habitantes a través de varias épocas. “La pregunta no es dónde estamos, sino ¿cuándo estamos?”, dice John Locke. Y no sólo son los saltos en el tiempo los que desubican el universo de “Lost” de cualquier mapa imaginable, también www.cinemascomics.com


En la imagen los niños protagonistas de Super 8

es la misteriosa ubicación de la Isla, cuyo acceso y salida parece estar limitados a unos designios superiores e incomprensibles, y en unas cuantas ocasiones vemos cómo resulta imposible salir o entrar en ella o incluso llegar a vislumbrarla a pesar de seguir las coordenadas correctas. La Isla de Lost es un no-lugar en toda regla, un espacio irreal, de transición, en el que las leyes físicas y sociales pierden su vigencia. En varios episodios, la playa adopta una condición de limbo, este espacio entre mundos que describe Dante en La Divina Comedia como una isla donde una espiral de humo negro se lleva las almas perdidas al otro mundo. Por otro lado tenemos “Fringe”, -una serie que personalmente me tiene fascinado porque parece una suerte de Expediente X-, que en el fondo es una herramienta para que Abrams deje rienda suelta a su imaginación y construya un relato en torno al misterioso universo de la metafísica. Realidades paralelas, saltos de tiempo, www.cinemascomics.com

rotura de verdades científicas, personajes que se convierten en paradojas, mundos digitales, viajes astrales, exploraciones de la mente...un sinfín de ingredientes abstractos, en definitiva, que mágicamente articulan una obra de ficción con coherencia narrativa. Los referentes Para J.J. Abrams las referencias, los homenajes y los guiños que pueda incluir en sus obras van más allá del superficial guiño de cara a la galería o del onanismo cultureta; están evidentemente por cariño pero también para sumar con el objetivo de enriquecer y redimensionar el conjunto. Para ilustrar el uso del referente que hace J. J. Abrams, el ejemplo que más me gusta y quizá uno de los más significativos es el del personaje de James Ford, también conocido como Sawyer, interpretado por Josh Holloway. Sawyer es uno de los personajes principales de Lost y uno de los más fascinantes por su comportamiento pendulante y su actitud a la par heroica y egoísta según la situación.

Como a estas alturas ya es sabido, buena parte de los personajes de Lost deben su nombre a un personaje real o ficticio, ya que su forma de ser está inspirada en cierta medida en el personaje anteriormente existente. Sawyer debe su nombre a Tom Sawyer, el niño pícaro que se las ingeniaba para conseguir comida y dinero para vivir, precisamente lo que hace Sawyer antes de ir a parar a la Isla. Sin embargo, el nombre de James Ford es legado de dos mitos de la historia del Salvaje Oeste: Jesse JAMES y Robert FORD. Jesse James era un bandido inteligente y violento, pero amado por el pueblo porque era justo con sus allegados y con los más pobres, así que al fin y al cabo podemos hablar de un hombre noble con un lado delictivo. Robert Ford, por otra parte, era compañero de Jesse James y era un tipo perspicaz y listo, pero también un cobarde oportunista que no dudó en matar a Jesse James por la espalda cuando se sintió amenazado por él. Los que hayáis visto “Lost” podréis apreciar que la compleja Cinemascomics │Agosto 2011 │

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psique de Sawyer está conformada a partir de los rasgos de estos dos vaqueros convertidos en mitos y que en todas sus acciones en la Isla podemos identificar a uno u otro.

El respeto por el público “Siempre hay presión con los administradores, con el dinero y con los estudios, pero siempre acabas saliendo adelante. La verdadera pregunta es ¿merece la pena ver esto?”. Estas declaraciones son de J. J. Abrams durante una entrevista en la que presentaba Star Trek. De ellas se desprende que su mayor preocupación como creador es hacer algo que valga la pena de ver. Si nos paramos a pensar detenidamente en la secuencia de “Super 8” del accidente del tren podemos ver claramente esta filosofía de tener en cuenta al público todo el rato. La explosión de un tren se ha rodado una barbaridad de veces, pero no de la forma en como lo ha hecho Abrams. Secuenciar una serie de planos con explosiones y

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objetos volando no supone ningún reto ya que la pomposidad pirotécnica actual permite hacerlo fácilmente. Sin embargo, en esta secuencia estamos sumergidos en una emocionantísima grabación de una escena por parte de unos niños con una cámara super 8 y el verdadero clímax es el monólogo de la niña, a la que vemos ensayar con una brillantez extraordinaria, de modo que la tensión se concentra en una vertiente emocional y no adrenalítica. El esfuerzo de los niños por intentar que les salga bien la película es lo que nos contagia y la grabación de la toma buena es lo que desean, lo que deseamos, de modo que el accidente del tren en este momento coge una dimensión anticlimática que presenciamos desde el punto de vista de los niños y desde las entrañas de la cámara super 8, con un plano maravilloso en el que vemos cómo las imágenes del tren descarrilando están siendo registradas sobre la película. Es una escena de una gran fisicidad mecánica centrada en la cámara de vídeo amateur, el leitmotiv de la película, con la pirotecnia con-

vencional relegada a un segundo plano.

Transmediatización Para acabar, creo que es interesante comentar la relación transmediática de buena parte de las obras de J. J. Abrams, hasta el punto que dejan de ser tan solo productos audiovisuales para convertirse directamente en fenómenos. “Lost” es el arquetipo de esta condición, ya que el desarrollo de la serie, como reconocieron tanto Abrams como Lindelof, estuvo muy condicionado por las opiniones de los fans, que exponían sus teorías y especulaciones en foros y blogs de Internet. Como curiosidad, hay que decir que cuando presentaron la serie, en realidad Abrams y Lindelof vendieron humo, ya que únicamente tenían la idea del capítulo piloto y poco más, y dejaron que la serie evolucionara por sí sola y al gusto del público. De hecho, el personaje de Jack Shepard inicialmente tenía que morir en el segundo o tercer episodio, pero se convirtió prácticamente en el protagonista

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central debido a las posibilidades que fueron encontrando para él a medida que la trama se iba desarrollando. También son apasionantes casos como los de “Fringe” o “Monstruoso”, película dirigida por Matt Reeves y producida por J. J. Abrams (ambos creadores de la serie Felicity). De “Fringe” resulta estimulante el código interno que hay, marcado por esta especie de jerogíficos que aparecen en medio de los capítulos: una mano con seis dedos, el rostro de una mujer en humo, una mariposa con esqueleto, unas manzanas con fetos humanos en las semillas, etc. Todos estos símbolos, combinados con un punto de luz que aparece en un lugar concreto, conforman un lenguaje descifrable que oculta palabras y mensajes relacionados a la vez con cada capítulo y con el universo de la serie en general. Por su parte, “Monstruoso” fue promocionada con una campaña viral sin precedentes, tan oculta que incluso pasó desapercibida. A través de blogs y páginas web se filtraron noticias alrededor de investigaciones científicas, manipulación genética, experimentos militares y la existencia de un monstruo terrible consecuencia de todos ellos. A través de “Lost” se lanzaron vídeos virales de la Compañía Dharma que, aunque parecían de la serie, se estaban refiriendo a la película, e incluso en el filme aparece una insignia de Dharma que puede relacionar ambas historias. Inicialmente, “Monstruoso” se promocionó con carteles y displays que mostraban la Estatua de la Libertad destrozada y parte de Nueva York humeante, pero no había ningún título. Al principio se especulaba con una segunda parte de Godzilla o con una película de catástrofes, pero muy pronto gracias a la campaña viral empezó a relacionarse lo que sería Monstruoso con Lost. Incluso una vez estrenada la película se www.cinemascomics.com

hablaba de una posible reciprocidad entre serie y película y con que en “Lost” podría aparecer de alguna forma el origen del monstruo del filme de Matt Reeves. Con “Super 8” también se ha lanzado una campaña viral, aunque el grueso de la promoción ha sido a través de clips y tráilers teasers. De todos modos, el tono de Super 8 a priori no está centrado en el misterio, sino en la nostalgia por este cine familiar de ciencia ficción ochentero (la asociación con Spielberg, de hecho, ha contribuido a que el film de Abrams haya sido comparado con E.T.) y con los inicios de esta generación de directores que dieron lugar al New Hollywood (los Coppola,

George Lucas, Peter Jackson o el propio Spielberg) que tuvieron la oportunidad de empezar a rodar desde pequeños con cámaras de super 8 y que fueron los primeros en estudiar cine en las universidades. Una vez más, J. J. Abrams ha encontrado una motivación centrada en experiencias personales, identificables por parte del público, para contar una historia de nuevo focalizada en unos personajes creíbles envueltos por unos sucesos extraordinarios para hacer una película que, como todo lo que ha hecho hasta ahora, vale la pena ser vista.

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Estreno

DESTINO FINAL 26 de agosto


No importa adónde huyas, no importa dónde te escondas... No puedes burlar a la muerte. ¿O sí? En “Final Destination 5”, la Muerte está, como siempre, omnipresente, mostrando su amenazadora realidad a un grupo de empleados que se dirigen a un campamento organizado por la empresa donde trabajan. Durante el viaje en autobús, Sam (Nicholas D’Agosto) tiene una premonición en la que él, varios de sus amigos y muchas otras personas morirán en el derrumbe de un puente. Rápidamente, todo comienza a coincidir con la visión de Sam, y él trata desesperadamente de alejar del desastre a sus compañeros entre los que se encuentran su amigo Peter (Miles Fisher) y su novia Molly (Emma Bell), antes que la Muerte los reclame.. Pero el destino de esos seres inocentes no es sobrevivir. En una aterradora carrera contra el tiempo, este grupo de amigos marcado por la fatalidad tratará de encontrar la manera de escapar de los siniestros designios de la Muerte. “Final Destination 5” es la segunda de la serie “Final Destination” filmada en 3D. Está dirigida por Steven Quale, en su debut como director de largometrajes. El guión fue escrito por Eric Heisserer, basándose en los personajes

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creados por Jeffrey Reddick. Los productores Craig Perry y Warren Zide regresan por quinta vez a la franquicia en colaboración con los productores ejecutivos Richard Brener, Walter Hamada, Dave Neustadter, Erik Holmberg y Sheila Hanahan Taylor.

Brian Tyler (“Fast Five”).

El reparto de la película incluye a Nicholas D’Agosto (“Fired Up!”, la serie televisiva “Heroes”), Emma Bell (“Frozen”, la serie “The Walking Dead”), Miles Fisher (de las series “Mad Men” y “Gossip Girl”), Courtney B. Vance (“Flash Forward”, “ER”) y Arlen Escarpeta (“Friday the 13th”), con David Koechner (“The Office”, “Anchorman”) y Tony Todd, ícono de la saga “Final Destination” (“Hatchet II”). Completan el elenco P.J. Byrne (“Dinner for Schmucks”), Ellen Wroe (de la serie “Huge”) y Jacqueline MacInnes Wood (“The Bold and the Beautiful”).

La película está clasificada como R por excesos en el lenguaje y contenido violento.

Colaborando con Quale detrás de cámaras están el director de fotografía Brian Pearson (“Drive Angry 3D”, “My Bloody Valentine 3D”); el director de arte David R. Syefur (“Repo Men”, “Journey to the Center of the Earth”); el editor Eric Sears (“Shooter”); Ariel Velasco Shaw (“Final Destination 3”), el supervisor de efectos visuales, y Jori Woodman (“Eight Below”) en el diseño de vestuario. La música está a cargo de

New Line Cinema presenta una producción de Practical Pictures/ Zide Pictures: “Final Destination 5”. El filme será distribuido a nivel mundial por Warner Bros. Pictures, a Warner Bros. Entertainment Company.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN “A la Muerte no le gusta que se burlen de ella…” En “Final Destination 5”, quinta entrega de la exitosa franquicia de terror, la Muerte de nuevo es la acosadora suprema que sistemáticamente da caza al grupo de amigos que intentan escapar a su implacable acecho. Esta vez, la Muerte descarga su furia contra un grupo de empleados que realizan un breve viaje organizado por la empresa en la que trabajan. El autobús que los transporta debe cruzar un enorme puente colgante suspendido a más de 60 metros sobre las turbulentas aguas de un río. Parece que todo está perdido cuando el puente comienza a astillarse frente a sus ojos. Sam, el personaje que presagió el accidente, rápidamente urde un plan para salvar

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a sus compañeros y logra evitar el desastre... o eso cree. El director Steven Quale declara: “En las películas anteriores, los personajes inevitablemente se morían, la pregunta sólo era cuándo y cómo; es lo que disparaba la adrenalina. Para esta película, hemos añadido un nuevo giro: puede ser que algunos hayan encontrado una manera de sobrevivir”. Para el productor Craig Perry, este quinto regreso ofrece la oportunidad, no solo de cumplir las expectativas de sus fans, sino de hacerlos saltar en sus asientos. “Con cada una de estas películas buscamos alcanzar un nivel más alto”, dice Perry. “Algo que hemos aprendido de nuestros fans es que quieren una historia cautivante y aterradora que también sea una divertida aventura, así que hemos intentado darle más intensidad a la historia”. Como querían filmar la cinta en 3D, los productores Craig Perry y Warren Zide llamaron a Quale, experto en la técnica. “Lo que Steve ya no recuerda de 3D es mucho más de lo que yo jamás sabré”, declara Perry. “Ha trabajado en esto durante veinte años con Jim Cameron, el gran maestro no solo del 3D, sino de las películas de acción. Steve

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ama profundamente el cine y esa pasión junto con sus habilidades técnicas, lo convierten en el mejor candidato para nuestro proyecto”. Quale sintió que trabajar en una película con una premisa sólida significó un desafío a su creatividad para mejorar aún más la estructura. “Corrí una maratón viendo las cuatro ‘Final Destination’ una detrás de otra poniéndome en el lugar del espectador, fijándome en lo que más me gustaba de cada una, y recién entonces comencé a pensar en lo qué haría detrás de la cámara”. El guionista Eric Heisserer dice que trabajar en “Final Destination 5” es el sueño de cualquier guionista, porque ya no era necesario idear el nudo de la historia. “La gran ventaja de este filme es que se da la situación poco frecuente en que, gracias a las cuatro películas anteriores, no tuve que dedicar mucho tiempo a dar explicaciones al público. Desde el comienzo, mi intención era escribir un thriller sobrenatural que también fuera una película de ‘Final Destination’. Al igual que nuestros fans, yo quería ver secuencias de muerte atroces, pero también expandir la mitología de este universo con un dilema moral que obliga a los personajes a enfrentar la pregunta de qué o a quién valoran más”.

Como las secuencias de muerte al estilo reacción en cadena características de la serie son lo que el público más espera, para el guionista resulta un divertido reto hacer estas escenas cada vez más ambiciosas y mejores. “Definitivamente, lo más difícil para mí fue diseñar las coreografías para las secuencias de muerte. Viajé varias veces a nuestras locaciones reales. Tomé fotografías, dibujé diagramas, realicé entrevistas. Muchas veces sentí como si estuviera visitando la escena de algún crimen, aunque no se hubiera cometido ninguno... todavía”, bromea Heisserer. “Esa cadena de pequeños eventos cotidianos que, con el detonador adecuado, desemboca en fatalidad requiere de una plan muy cuidadoso. El reverso de la moneda es que una secuencia de muerte que funciona es la más divertida de escribir”. Además de las secuencias de muerte, Quale y los productores decidieron hacer que la historia y la evolución de los personajes tuvieran el mismo peso. Reconocieron el valor del apego del público a los personajes; cuando el público se involucra con ellos, ser testigos de su fin se convierte en una experiencia mucho más aterradora y visceral. “Nos propusimos filmar una pelíwww.cinemascomics.com


cula visualmente impactante, con secuencias de acción dinámicas, comenzando con la secuencia del puente”, declara Quale. “Pero también creo que el público querrá seguir a los personajes. Sus historias verdaderamente impulsan la película, así que invertimos mucho tiempo en seleccionar a los actores adecuados para cada papel. Tuvimos mucha suerte con el grupo”. “Creo que logramos un balance genial en esta película”, dice Perry. “El colapso del puente es una de las secuencias iniciales más grandes que hemos hecho. Después viene el suspenso puro de anticipar no solo lo qué le sucederá a los personajes sino, lo que es más importante, cómo sucederá, que es lo que distingue a las cintas de ‘Final Destination’”. “Unos pocos afortunados sobreviven al desastre. Después, uno a uno, la Muerte los alcanzará a todos”. La historia de “Final Destination 5” se centra en Sam, un joven profesional que enfrenta un dilema en su carrera: seguir trabajando en una fábrica de papel para poder pagar las cuentas, o ir tras su sueño de convertirse en chef y mudarse a París. Elegir París podría costarle la chica que ama; un precio probablemente demasiado alto”.

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“Cuando lo conocemos, Sam está preocupado porque justo en el momento en que se está preparando para comenzar el viaje con sus compañeros, su novia Molly quiere terminar la relación”, comenta Nicholas D’Agosto, quien interpreta a Sam. “Mientras abordan el autobús, él tiene la sensación de que algo no anda bien, pero no le da importancia. Cuando la Muerte comienza a llevarse a quienes lo rodean, Sam se asusta porque no comprende lo que sucede; no sabe qué hacer al respecto, ni cómo explicarle al FBI que él no está involucrado en las muertes. Además, tiene que tomar decisiones sobre su vida… o lo que resta de ella”. Perry señala: “Nick es una persona agradable y simpática, y eso se transfiere a Sam, lo que es clave para que el público quiera acompañarlo en su aterradora aventura”. D’Agosto sonríe: “Lo que amo de esta franquicia es que deja al público con la gran pregunta, ‘¿Qué o quién es la entidad que le otorga a los personajes las visiones que les permiten evitar a la Muerte, solo para que los alcance después?’ Creo que es una pregunta interesante que cautiva a los espectadores. Yo definitivamente no intentaré responderla... aunque tengo mis propias teorías”.

La muerte lanza sus redes sobre las personas más cercanas y allegadas a Sam, hasta que parece que nadie se salvará... excepto, quizá, el amor de su vida. Emma Bell interpreta a Molly, la novia de Sam. Molly es una chica tierna que ama profundamente a su novio, pero siente que sus vidas están tomando caminos diferentes. Analizando el personaje de Molly, Bell comenta: “Ella vive en un pueblo pequeño y está cómoda ahí. Creo que nunca ha soñado con mudarse a la ciudad, ni con ser parte de algo más. Está enamorada de Sam, pero sabe que sus sueños son más grandes de lo que ella jamás podrá soñar. No sabe bien cómo equilibrar su amor por él sin alejarlo de sus metas. Molly sabe que, si Sam tuviera que escoger, la escogería a ella antes que a París, pero no quiere ponerlo en esa posición, así que ella toma la decisión por él”. Perry recuerda haber visto a Bell en una película anterior y haber pensado: “‘¿Quién es esa chica? Es fantástica.’ Así que cuando estábamos eligiendo al elenco y vimos su nombre, la aceptamos de inmediato. Emma tiene unos ojos increíbles: puede venderte una escena sin decir una sola palabra”.

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El mejor amigo de Sam y su supervisor en el trabajo es Peter, interpretado por Miles Fisher. “Es una persona muy directa. Para él, dos más dos son cuatro, y nada más”, declara Fisher. “Cuando la Muerte comienza a acecharlo a él y a sus amigos, Peter se empeña en descubrir alguna explicación lógica, porque su modo de pensar no concibe algo distinto. Creo que, cuando la Muerte le arrebata a la persona más cercana a él, algo dentro de él cede. No logra comprenderlo ni aceptarlo y, en su esfuerzo por encontrarle algún sentido, se aferra a cualquier cosa”. Perry dice que el personaje de Peter podría ser la variante más importante de la franquicia. El personaje le da a la cinta una narrativa dramática que no había sido explorada antes. “Hay muchos giros inesperados y divertidos para el público, pero creo que uno de los más interesantes es que tenemos un personaje cuyo mundo está colapsando, así que utiliza recursos muy depravados intentando salvarse. Es algo que no habíamos visto antes: un antagonista tangible en el tercer acto”.

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Fisher disfrutó su papel que va en contra de lo característico de la serie. “Lo genial de estas películas es que el público ya conoce las reglas. Saben que todos los personajes morirán de maneras horribles y lo divertido es jugar con ellos. Los accidentes suceden todos los días: en la bañera, en la cama solar, cerca de una pista de carreras, cada vez que abordas un avión. Estas cintas avivan la imaginación y desconciertan, pero siempre con humor. Fue divertido entrar en ese juego y llevarlo a otro nivel”. Ellen Wroe interpreta el papel de la novia de Peter, Candice. Wroe es una joven actriz y ex-gimnasta: exactamente lo que buscaban los realizadores. De hecho, fue en la gimnasia que Wroe entró en contacto por primera vez con esta serie de películas. “Cuando yo competía, hacíamos fiestas cada sábado y veíamos películas de terror, incluyendo las de ‘Final Destination’. Me asustaban tanto que tenía que cubrirme los ojos, pero después las veíamos todas de nuevo”.

que Wroe era justo lo que buscaban. “Ellen era valiente, luchadora y tenía la experiencia de la gimnasia. En cuanto la vimos, supe que la búsqueda había terminado: teníamos a Candice”.

Quale dice que no tiene dudas de

“Después de tantos años, fue di-

Ya que habían pasado siete años desde que Wroe practicara gimnasia, el coordinador de dobles J.J. Makaro tenía a dos dobles de acción listas y ensayando los elementos gimnásticos de una escena en la que Candice pasa por una serie de rutinas complicadas. Sin embargo, como explica Makaro, no fue necesario usar dobles. “Ellen fue una enorme sorpresa. Yo contaba con que necesitaría una doble en las partes más difíciles de la rutina, pero Ellen fue directo al gimnasio y comenzó a ponerse en forma. Cada vez que parecía que iba a necesitar ayuda, Ellen llegaba y nos dejaba atónitos. Finalmente, nuestro entrenador de acrobacias dijo: ‘La única persona que necesitamos para hacer esto es Ellen’. Su ética de trabajo y su dedicación son más que impresionantes”.

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fícil volver a ponerme en forma y recuperar el nivel que tenía, pero enfrenté el reto”, comenta Wroe. “En un par de semanas, llegué a entrenar durante dos o tres horas al día y recuperé muchas de mis habilidades”. Un personaje que no posee la misma ética de trabajo es Isaac, el clásico empleado de oficina que siempre fastidia a todos y ahuyenta a las damas, a pesar de sus intentos de lograr lo contrario. El actor P.J. Byrne, novato en el cine de terror, ansiaba interpretar este papel. “Pensé, ‘¿Cuándo tendré la oportunidad de morir en pantalla de esa forma y además en 3D?’ Eso fue lo que más me entusiasmó de ‘Final Destination 5.’” Byrne describe a Isaac y su preocupación principal en la vida: “¡A Isaac le gustan las chicas; a Isaac le gusta Isaac, y a Isaac le gusta que Isaac consiga chicas! Ha estudiado cómo conquistar chicas, coqueteará con 99 mujeres y quizá, con suerte, lo logrará con la número cien. A fin de cuentas, está siempre en eso”. Mientras que Isaac rehuye de sus responsabilidades, su colega en la fábrica de papel Presage, Nathan, se toma las suyas muy en serio. Nathan, interpretado por Arlen Escarpeta, es un empleado muy trabajador que debe equilibrar

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su labor como parte del equipo administrativo con la supervisión de los procesos industriales. No es una combinación fácil. “Nathan se divide entre su trabajo con los obreros, en el que lidia con los sindicatos de trabajadores, y el grupo de gerentes, que son también amigos suyos”, dice Escarpeta. “También es mucho más joven que muchos de los empleados que supervisa, así que recibe maltratos de uno de los más veteranos, y tiene que luchar para manejarlo todo sin perder la calma”. En Presage también trabaja la bella y atrevida Olivia. Su apariencia y actitud son la combinación perfecta, pero existe un detalle: la vista de Olivia es pésima. Harta de estar pendiente de sus gafas de carey, Olivia decide someterse a una cirugía ocular láser, con resultados imprevistos. Jacqueline MacInnes Wood comenta sobre esa escena: “Fue un momento intenso y enloquecedor para mí, así que el terror de Olivia es un reflejo de mi propio desconcierto. Yo siempre estoy buscando retos: motocicletas, patinetas... lo que sea, pero nada me preparó para este momento. Fue verdaderamente aterrador”. El público de “Final Destination” siempre debate sobre qué perso-

naje sufrió la muerte más horrenda o más creativa, pero el elenco y la producción de esta quinta película otorgan unánimemente el triunfo a Olivia. Quale cree que la secuencia hará que el público lo piense varias veces antes de decidirse a conseguir una visión de 20/20. “Esa clase de cirugía es muy común hoy en día, pero la emoción con que Jacqui interpretó esa escena la hizo difícil de ver, inclusive para nosotros. En mi opinión, no hay duda de que ella se lleva el premio al momento más espeluznante, que más hiela la sangre”. El personaje de Dennis, director de Presage, es interpretado por el actor de comedia David Koechner. Él es conocido por su disparatado personaje en televisión, quien también dirige una compañía papelera. Como muchas veces sucede en la vida real, Dennis no es del todo querido por sus empleados, lo que permite algunos momentos cómicos dentro de la masacre. Koechner, que nunca antes había visto una cinta de ‘Final Destination’, también se ríe un poco mientras piensa en su personaje. “Yo soy algo miedoso”, confiesa, “así que no estaba muy tranquilo sobre donde me estaba metiendo. Me mostraron una compilación de

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todas las muertes que han ocurrido en la serie y casi me muero de risa”. “David Koechner es de las personas más graciosas que he conocido y es un gran actor de comedia”, comenta Perry. “Le inyectó humor a la película, al mismo tiempo que aportó un trasfondo dramático que le da mucha credibilidad a su personaje”. Quizá el personaje más creíble de la película sea el siempre serio Agente Block, el agente del FBI que investiga las muertes interpretado por Courtney B. Vance. “¿Qué se puede decir de Courtney?”, se pregunta Perry. “Tiene una presencia majestuosa y cada escena suya está cargada de esa gravedad”. Para Vance, ésta fue una opor-

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tunidad para explorar un género nuevo en su larga experiencia fílmica. “Me asustan las películas de terror, pero cuando supe que Steve Quale sería el director, pensé, ‘Nunca he hecho algo así y sé que estaré en buenas manos’, así que decidí intentarlo”. En el fondo de cada escena del crimen merodea el misterioso Bludworth, interpretado por el ícono de la serie Tony Todd. “Tony es un hombre imponente”, dice D’Agosto. “Con una sola mirada, es capaz de desconcertarte por completo y anularte, pero trabajar con él es muy divertido. No puedo pensar en alguien más amable y gentil que él”. Los seguidores del género se entusiasmaron cuando supieron que Todd aparecería en la última entrega. “Tras una breve ausencia,

Tony regresó y todos estábamos encantados”, dice Perry sobre el veterano de tres películas. “Cualquiera que ame la serie estará feliz de saber que Tony no solo hace una breve aparición estelar, sino que actúa en varias escenas. Y se entrega en cada una. Sé que nuestros fans lo van a adorar”. Todd da un pequeño indicio sobre su personaje: “¿Quién es Bludworth? Adivinen ustedes. Puede ser un vendedor o un representante de alguna compañía. Tiene secretos propios que no puede revelar, pero supongo que hay una razón para que siga apareciendo”.

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criticas

Green Lantern

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Por David Larrad

Comics / Fantástico / EEUU / 2011 / 105 minutos / Warner Bros Pictures / DC Comics Director: Martin Campbell. Actores: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Mark Strong, Tim Robbins, Angela Bassett, Temuera Morrison, Jay O. Sanders. Guión: Greg Berlanti, Michael Green, Marc Guggenheim, Michael Goldenberg. Música: James Newton Howard.

“Linterna Verde”, las criticas se habían cebado con el film y la recaudación ha sido más baja de lo esperada, a parte de que no se han recuperado los 200 millones invertidos, ya desde su rodaje hubo problemas, se filmaron nuevas tomas a posteriori y como el traje no convenció se cambiaron los efectos especiales. Pero resulta que al final me ha sorprendido gratamente, es un entretenido film donde el espectáculo visual lo pone el planeta de “Oa”. El cuerpo de Linternas Verdes llevan protegiendo el universo desde hace siglos, pero una nueva amenaza aparece y Abin Sur malherido se dirige a la tierra a buscar a su sucesor, así que le entrega el anillo de poder y la linterna verde a Hal Jordan un excelente piloto de aviones pero un tanto indisciplinado, así que Hal deberá descubrir sus nuevos poderes, asumir

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sus nuevas responsabilidades, vencer sus miedos y proteger el Universo del malvado Parallax. Linterna Verde es un entretenido film donde lo que más destaca sin duda son los efectos especiales, se han dejado un buen dinero en recrear el planeta de los Linternas verdes “Oa” y en hacer el CGI tanto del traje, como del malo de la película Parallax, un auténtico deborador de mundos. Puede que ahí se centre el mayor de los problemas de la película y es que se han gastado todo el presupuesto en los efectos, dejando a un lado el guión del que se podría haber sacado más juego, ya que por ejemplo “Sinestro” interpretado por Mark Strong se sabe que es uno de los archienemigos de Linterna Verde y apenas se cuenta por qué se vuelve malvado, dejándolo para una posible

segunda parte. Así como la historia de la infancia de Hal Jordan y la relación con su familia también pasa un poco desapercibida. Hay partes de la película que pasan muy rápidas y que se podrían haber explayado un poco más y en cambio hay otras que se hacen más lentas perdiéndose un poco el ritmo general del film.Si hay algo que no esta del todo trabajado es la parte del antifaz que usa, que queda un poco ridículo al lado del resto del traje que es impresionante. En definitiva es muy entretenida y pasas un buen rato en el cine, yo la pondría la altura del nivel de “Los cuatro Fantásticos” es decir muy por debajo de peliculones basados en personajes de comics como “Iron man” o “Batman: El caballero Oscuro”. www.cinemascomics.com


Capitán América : El primer vengador

Por Gustavo Martín

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Comics / Fantástico / EEUU / 2011 / 125 minutos /Paramount Pictures / Marvel Studios Director: Joe Johnston. Actores: Chris Evans, Hugo Weaving, Hayley Atwell, Sebastian Stan, Tommy Lee Jones, Stanley Tucci, Toby Jones, Neal McDonough, Derek Luke, Natalie Dormer, Richard Armitage, Dominic Cooper, Kenneth Choi, Samuel L. Jackson, Stan Lee. Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely (Cómic: Joe Simon, Jack Kirby). Música: Alan Silvestri.

“Capitán América: El primer Vengador”: La película está ambientada en la América de 1942 durante la segunda guerra mundial, está repleta de acción y de efectos especiales, que no dan cabida al aburrimiento. El bien y el mal están completamente diferenciados en los 2 bandos, lo que no da lugar a dudas sobre quién debería que ganar y quién debería perder. Aunque este personaje ha conseguido sus poderes por medio de experimentos científicos lo más importante que aporta son sus valores, su nobleza y su persistencia al afrontar las situaciones adversas. Cualidades que ya www.cinemascomics.com

poseía cuando era un enclenque. Los protagonistas cumplen perfectamente y a pesar de las dudas que pudiera haber sobre si el actor Chris Evans tras haber interpretado a Johnny Storm en Los cuatro fantásticos podía dar la talla como Capitán América, quedan enseguida disueltas al verle en acción en la piel del Capi, aunque si hubiera que destacar alguna interpretación destacaríamos al siempre magistral Hugo Weaving.

del Capi, Bucki, aunque aparece de una forma renovada, si en los cómics era lo equivalente al Robin de Batman, siendo un crío con máscara, en la película de Johnston, es una versión más adulta y hasta la transformación de Steve Rogers en el Capitán América ejerce en cierta forma de hermano mayor de este.

Tampoco faltan los guiños al resto del universo Marvel como la aparición de Howard Stark, padre de Tony Stark (Iron Man) o la aparición del primer compañero Cinemascomics │Agosto 2011 │

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El origen del planeta de los simios «««««

Por Gustavo Martín

Ciencia Ficción / EEUU / 2010 / 110 minutos / 20 th Century Fox / Chernin Entertainment Director: Rupert Wyatt. Actores: James Franco, Andy Serkis, Freida Pinto, Brian Cox, John Lithgow, Tom Felton, David Oyelowo, Tyler Labine, Jamie Harris, David Hewlett. Guión: Rick Jaffa, Amanda Silver (Novela: Pierre Boulle). Música: Patrick Doyle.

La primera película de la saga El planeta de los simios fue creada en el año 1968, dirigida por Franklin J. Schaffner, y protagonizada por Charlton Heston. En una época en la que las películas de ciencia ficción eran de bajo presupuesto, 20th Century Fox apostó a realizar la primera superproducción de ciencia ficción. 53 años más tarde, con los mejores efectos especiales, creados por Weta Digital (Avatar), nos cuentan el origen de la historia, resolviendo las dudas que planteaban aquella película, y teniendo en cuenta el más mínimo detalle para que la historia encaje perfectamente. Andy Serkis tras participar en ‘El Señor de los Anillos’ y ‘King

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Kong’, mediante la captura de imagen por ordenador, da vida a Cesar, el Simio protagonista, al que le transfiere unas facciones y expresiones completamente humanas. Esta vez en lugar de actores disfrazados se puede ver a un mono casi real con expresiones perfectas. Como coprotagonista James Franco que ha trabajado en películas como ‘Spiderman’ interpreta al científico que es el responsable de toda esta historia. Su actuación es bastante buena, más teniendo en cuenta que tiene que interactuar con un personaje creado por ordenador. El film cuida hasta el mas mínimo detalle para que todas las

piezas encajen, y comprendamos el origen del resto de la saga. Es una historia creíble que nos hace pensar que puede ocurrir en cualquier momento. Un elemento muy importante es la banda sonora, creada por Patrick Doyle’Sense and Sesibility ‘ y ‘Hamlet’ , que se fusiona perfectamente con la película, amplificando las escenas de mayor dramatismo. Se puede decir que la película se divide en 2 partes con 2 ritmos distintos. La primera es la infancia de Cesar viviendo en un mundo idílico en casa del científico, y la segunda parte mas cruda y con mas acción, es en la que Cesar ha crecido y comienza a tramar la rebelión. www.cinemascomics.com


Templario

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Por Enrique Abenia

Aventuras / Acción / Historica / Inglesa / 2011 / 120 minutos / Vip Medienfonds 4 / Rising Star Director: Jonathan English. Reparto: James Purefoy, Brian Cox, Kate Mara, Paul Giamatti, Jason Flemyng, Derek Jacobi, Charles Dance, Aneurin Barnard, Bree Condon, Mackenzie Crook, Jamie Foreman, Rhys Parry Jones, Vladimir Kulich, John Pierce Jones, Daniel O’Meara. Guión: Jonathan English, Erick Kastel. Música: Lorne Balfe.

En verano, entre ´blockbusters’ y estrenos mediáticos, llegan de forma escalonada a la cartelera películas menores que en otra época del año tendrían complicado su pase por las salas comerciales y se editarían directamente en DVD. ‘Templario’ entra dentro de esta categoría y se apunta a la moda de las producciones de corte épico y medieval. Se trata de una serie B pura y dura que, a pesar de su carencias, resulta entretenida y gustará al aficionado a las historias de batallas y espadas que, eso sí, no pida demasiado. Juan I de Inglaterra (un histriónico Paul Giamatti) se ha visto obligado a firmar una Carta Magna que en la práctica limita la monarquía absoluta. Colérico, y con el supuesto apoyo de Roma, reúne a un ejército de mercenarios para tomar el país por la fuerza. Para www.cinemascomics.com

asegurarse la victoria antes de entrar en enfrentamiento directo con los franceses, deberá controlar el castillo de Rochester, ubicado en un enclave estratégico. Sin embargo, un templario atormentado (James Purefoy) y un puñado de hombres defenderán la fortaleza con ah��nco El filme de Jonathan English (responsable del bodrio ‘La leyenda del minotauro’) destaca por su uso explícito de la violencia. En la pantalla aparecen mutilaciones y escenas ‘gore’ para mostrar la crudeza de la Edad Media. Un atrevimiento que se agradece en estos tiempos de lo políticamente correcto. La película abusa de un montaje frenético en las secuencias de lucha, en un intento por ocultar que es una obra modesta, y se ve lastrada por una duración excesiva para un argumento tan

simple (le sobran 20 minutos). Tampoco le ayuda el esquematismo de los personajes y la floja trama romántica entre el templario y la señora del castillo. Sin embargo, ‘Templario’ es un largometraje digno con el que se pasa un buen rato, por lo que consigue el aprobado. La presencia de secundarios como el citado Giamatti, Brian Cox, Derek Jacobi y Charles Dance da lustre al producto. Todos cumplen, al igual que su protagonista, Purefoy. Si después de ver ‘Templario’ se han quedado con ganas de más Edad Media, ahí va una recomendación, ‘Black death’, de Christopher Smith y con Sean Bean en el reparto. Próximamente saldrá en DVD. Cinemascomics │Agosto 2011 │

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ROMAN POLANSKI El Genio Maldito

Por Pedro Pinos

Desde que yo recuerdo, la línea entre la fantasía y la realidad ha estado siempre irremediablemente borrosa. He tardado casi toda una vida en comprender que esta es la clave de mi existencia. - Roman Polanski.

Roman Polanski es un enigma dentro de un laberinto. Semejante indefinición puede extraerse tras la disección minuciosa de sus obras, las cuales semejan un crisol existencial en el que se funden todos y cada uno de los fundamentos vitales. La vida de Roman Polanski ha estado sometida a todo tipo de vicisitudes a lo largo del tiempo; su madre murió en Auschwitz, su padre sobrevivió a otro campo de exterminio, Roman niño estuvo confinado en el ghetto de Cracovia durante la ocupación alemana de Polonia… Y luego vinieron las discrepancias políticas con el régimen estalinista de Polonia, el violento asesinato de su esposa embarazada de ocho meses Sharon Tate, la acusación de abusos sexuales a una menor en los EE.UU, el encarcelamiento y la precipitada evasión de aquel país… ¿Alguien puede quedar indiferente a todo esto? ¿Acaso no

iba a tener el consiguiente reflejo fílmico? Ciudadano del mundo, intelectual y políglota, sus películas han sido producidas en Polonia, Francia, Gran Bretaña, EE.UU, pero todas ellas tienen el sello del sufrimiento de todos los hombres y mujeres del planeta. Es difícil encontrar personajes polanskianos que queden ajenos a la línea que separa la realidad de la ficción, y por ende el espectador sentirá una extraña inquietud al contemplar sus filmes, plenos de recovecos psicopatológicos al tiempo que de un realismo sorprendente. Es imposible contemplar un filme de Polanski y quedar indiferente. Podría concluirse que la nacionalidad de sus películas es únicamente su mundo interior, en el que las referencias al universo del psicoanalista Sigmud Freud y el atormentado escritor Franz Kafka

son continuas. Las pretensiones del cine de Polanski pueden ser puestas en sus propia boca: Los lugares cerrados, como las situaciones límite, tienen la ventaja de que sirven para que los personajes revelen ciertos aspectos de su carácter que en otras circunstancias difícilmente quedarían al descubierto, con lo cual permiten una mayor profundización de las verdaderas motivaciones de esos mismos personajes. (Roman Polanski a Antonio Castro en “Dirigido por”, número 206, octubre de 1992) No se encuentra desencaminado quien pretenda encuadrar a Polanski dentro del surrealismo, si bien deberá hacerlo más próximo a Cocteau que a Buñuel, y deberá hacer hincapié en el regusto del director por el vouyerismo y la deformación de la miradas; no solo en su conjunto, sino en la


de sus propios personajes. Y por supuesto, nadie debe olvidar la importancia de las relaciones con los vecinos que aparecen a lo largo de toda su obra. Al respecto de esto último, Polanski remarcaba la importancia de las comunidades vecinales en la vida de cada individuo, haciéndose la siguiente reflexión: ¿Quién no ha tenido problemas con sus vecinos? La concisión de los filmes de Polanski contrasta con el deformado mundo interior que se advierte en ellos. Debe destacarse que la cámara asumirá casi siempre el punto de vista del protagonista, dejando de lado imágenes oníricas u otras subjetividades. Roman Polanski se graduó en cine en Lodz, dando sus primeros pasos como actor y realizando nueve cortometrajes, los dos últimos de manera semi-profesional. El cuchillo que da título a su primer largometraje, “El cuchillo en el agua” (Noz W Wodzie, 1962) guiará el devenir de muchos de sus personajes, quienes se verán inmersos en situaciones violentas y descontroladas. Planeada de modo cerebral y formalista cuenta la historia de un matrimonio que recoge a un autostopista y le invitan a su yate para navegar por un lago. El esposo representa la oxidada Polonia comunista y el joven es un trasunto del propio Polanski. Le imprimió al lago un asfixiante sentido de claustrofobia, haciendo de ello el sello personal que nunca le abandonaría en su filmografía. Las autoridades políticas polacas quedaron sumamente disgustadas con este trabajo y ya nunca más se volvió a ver una cinta de Polanski rodada en su patria. “Repulsión” (Repulsión, 1965) fue un doble salto mortal de Polanski, pues se alejó definitivamente del entramado oscurantista del telón de acero, al tiempo que se adentraba en el atrevido estudio psicoanalítico de la represión sexual femenina que sufre su protagonista, encarnada por la hermosa Catherine Deneuve. Dotada de un academicismo cercano a los tratados de psiquiatría, prescindió por

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completo de vacuidades y efectos oníricos vanos, presentándonos lo aterradores que resultan los conflictos psíquicos irresolutos. “Callejón sin salida” (Cul-desac, 1966) nos brindó la oportunidad de ver a la bellísima actriz Françoise Dorleac –hermana de Catherine Deneuve y fallecida prematuramente en un terrible accidente de tráfico- malvivir con su decadente marido en un imponente castillo medieval en la costa británica. Una insoportable decadencia asola su matrimonio. Atrapados en su propio hogar por unos delincuentes que huyen tras un atraco, comprobaremos el grado de degradación moral al que pueden llegar los seres humanos, y del que nunca fue ajeno el señor Polanski. Sardónica, bañada en el teatro del absurdo, hiriente, aterradora… “El baile de los vampiros” (The Fearless vampire killers, 1967) ironizó con respeto absoluto sobre el imaginario vampírico, reformulando aspectos acerca de la sexualidad de los vampiros y sus mitos, cuidando la estética y los decorados hasta rayar en la perfección y dejando bien claro que no sólo Hammer Films era capaz de dominar las contrastes cromáticos y ambientes góticos.

“La Semilla del Diablo” (Rosemary´s Baby, 1968), basada en la novela de Ira Levin, resultó sumamente fascinante por su poder de sugerencia y aterrorizó a los espectadores de medio mundo al denunciar sin tapujos los horrores que se ocultan a nuestro alrededor, incluyendo –una vez más- a nuestros adorables vecinos. La ambigüedad pretendida por su título original fue truncada en el “título español”, y si bien se insertó la terrorífica escena de los ojos satánicos del bebé, cualquier persona razonable albergará dudas de principio a fin acerca de la salud mental de la desdichada protagonista. Rosemary´s Baby es un magnífico ejercicio de estilo sobre enfermedad mental y satanismo, y puede considerarse uno de los grandes hitos del cine de terror de todos los tiempos. “Macbeth” (1971) fue financiado por la revista Playboy, y demostró la pasión intelectual por el teatro clásico de Roman Polanski. El rey escocés presentará las mismas alucinaciones que la protagonista de Repulsión o el de El Quimérico inquilino (1976), sin apartarse del auténtico espíritu de la obra literaria. Polanski dotó el largometraje con todos los elementos naturalistas y realistas que le fue

Polanski junto a Mia Farrow durante el rodaje de la semilla del diablo. 1968. www.cinemascomics.com


posible, sin dejar de lado los aspectos mágicos de la historia. “¿Qué?” (Che?/What?, 1973) fue una película de género erótico en la que Roman Polanski siguió demostrando al mundo su interés por la sexualidad al tiempo que destapaba unos cuantos fetiches de su interior. Los magníficos desnudos de Sydne Rome se acompañaron de la presencia del ilustre Marcello Mastroiani y de la música clásica de Schubert, Mozart y Beethoven. “Chinatown” (1974) fue la única producción exclusivamente norteamericana de Roman Polanski. Demostró de sobras que podía lidiar con el cine negro “en color” con garantías. El pulso firme en la dirección, el guión prefecto de Robert Towne, la música magistral de Jerry Goldsmith y las soberbias interpretaciones de Jack Nicholson y John Huston -interpretando al incestuoso patriarca de una influyente familia del estado de California- compusieron un auténtico clásico del cine. “El Quimérico Inquilino” (Le Locataire, 1976) está basada en una novela de Roland Topor, donde se nos narra la tragedia de un hombre tan corriente como insignificante -interpretado magistralmente por el propio Roman Polanski- que es conducido a la locura por no se sabe bien qué causas, pero que desde el plano puramente racional podría considerarse que sufre un brote esquizofrénico. Conociendo las inquietudes por Satán del señor Polanski, así como sus inclinaciones a la fantasía, la magia y la brujería, quienes crean en explicaciones fantásticas acerca de la influencia maligna del edificio al que se muda el protagonista, no se encontraran desencaminados por completo. “Tess” (Tess, 1979) fue la máxima expresión del romanticismo clásico sesgado por la tragedia. Basada en la novela “Tess of the d´Ubervilles” de Thomas Hardy, resultó una bocanada de aire pacificador para el espíritu de los que esperaban más sobresaltos y horrores polanskianos. Los más cinéfilos deben conocer que existe www.cinemascomics.com

una versión muda de 1924, dirigida por Marshall Neilan, con happy end, y que el mítico David O. Selznick siempre la tuvo en la cabeza con el fin de llevarla a la pantalla al estilo de Lo que el viento se llevó.

“Piratas” (Pirates, 1986) era un proyecto que llevaba gestándose diez años, y que pretendía desmitificar el género de piratas del mismo modo que se había hecho con el de vampiros con la magCinemascomics │Agosto 2011 │

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Adrien Brody, da vida a Wladyslaw Szpilman, en “El Pianista” 2002, papel por el que ganó un Oscar al mejor actor.

nífica “The Fearless Vampire Killers”. El soberbio Walter Matthau compuso una memorable interpretación como capitán pirata en tiempos del cardenal Mazarino, trufando la película de los guiños humorísticos que tan bien sabía llevar a cabo y que resultaban apropiados por completo para el gusto de Polanski, quien demostró con este largometraje que no estaba dispuesto a seguir las modas hollywoodienses, y que moriría con sus propias ideas. “Frenético” (Frantic, 1988) fue planeada como intento desmitificador del thriller clásico, dando como resultado una interesante intriga al estilo de Hitchcock con MacGuffin incluido (un detonador de ingenios nucleares escondido en una figurita de la Estatua de la Libertad). El doctor Walker, interpretado por Harrison Ford, pierde en extrañas circunstancias a su esposa durante un viaje de placer por París; entonces comenzará su frenética búsqueda, donde se destaparán las debilidades del norteamericano medio y que rayará en el delirio y la locura durante todo el metraje. “Lunas de Hiel” (Bitter Moon,

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1992) adaptó fielmente la novela Lunes de hiel de Pascal Bruckner, quien escribió que “el amor es, evidentemente, dos soledades que se acoplan para crear un malentendido.” Las insanas relaciones de dos parejas saldrán a relucir durante un viaje en barco, dejando bien a las claras una vez más la turbulencia y la desazón que anidan en el corazón humano. Con el estilo propio de Las Mil y una Noches en cuanto a fiel oyente versus complaciente narrador, desfilará ante el espectador todo un catálogo de humillaciones sexuales, represiones, adulterios, deseos ocultos y lesbianismo; los cuales no hacen otra cosa que abrir de par en par nuestra verdadera naturaleza. “La Muerte y la Doncella” (Death and the Maiden, 1994) según la obra teatral de Ariel Dorfman, se abría con la magnífica interpretación por un cuarteto de cámara de la partitura musical del mismo título compuesta por Franz Schubert (1797-1828), bajo cuyos acordes había sido torturada y violada la protagonista -interpretada por Sigourney Weaber- en una cárcel sudamericana bajo un régimen dictatorial. Esta mujer

cree identificar a su torturador en el hombre que llama a la puerta de su casa para pedir ayuda por haber sufrido una avería en su automóvil. A partir de tal planteamiento, un magnífico ménage à trois interpretativo entre la víctima, su marido y el presunto criminal, donde la relatividad de la verdad es el auténtico protagonista de la historia. “La Novena Puerta” (The Ninth Gate, 1999) está basada en la obra del afamado escritor español Arturo Pérez Reverte, “El Club Dumas”, y supuso la vuelta de Roman Polanski al cine “satanista”, pero esta vez utilizó una “puerta falsa”. Tal vez por haber logrado una obra maestra con su anterior entrega sobre el tema, “La Semilla del Diablo” (1968) y a causa de la gran expectación que generan sus trabajos, generó un tufillo de decepción entre la crítica, si bien tanto los incondicionales del género como los del director encontrarán una historia sólida y laberíntica que no aburre aunque desmerece a otras obras del director. “El Pianista” (The Pianist, 2002) según la autobiografía de Wladyswww.cinemascomics.com


law Szpilman (1911-2000) supuso la vuelta a tierras polacas de Roman Polanski para rodar parte del filme, una obra donde se nos muestra con crudeza la ocupación alemana de Polonia durante la Segunda Guerra Mundial. El tratamiento cartesiano de la narración, donde se cuida hasta el más mínimo detalle, hizo pensar a más de uno que nos encontrábamos frente al testamento cinematográfico de Roman Polanski, habida cuenta de las indisimuladas raíces biográficas de la película. Sólo puede decirse que resulta una obra estremecedora y capital en la cinematografía sobre ocupaciones bélicas y genocidios. “Oliver Twist” (Oliver Twist, 2005) confirmó la similitud entre Roman Polanski y Charles Dickens, el autor del original literario sobre el que se basa el filme, pues ambos son capaces de crear atmósferas físicas y emocionales que reflejan la crudeza de la realidad sin ambages. Las excelencias técnicas e interpretativas compusieron el Oliver Twist más próximo al espíritu del libro de la historia del cine, demostrando la buena forma de su director, así como su talento a

la hora de plasmar clásicos de la literatura universal. El Escritor (The Ghost Writer, 2010) llevó a Polanski a la época actual nuevamente para narrar la intrincada historia de un “negro literario” (ghost writer en inglés), alguien que escribe para otros sin que aparezca su nombre, y de quienes cobrará una sustanciosa suma de dinero por el trabajo. Basado en una novela de Robert Harris, traslada al protagonista a un desolado escenario –muy del gusto de Roman Polnaski- donde debe trasladar al papel las memorias de un ex–primer ministro británico acusado de crímenes de guerra en Irak. Un tanto previsible en su resultado, y plana en sus planteamientos, las dosis de intriga no defraudarán a los fans de Polanski ni a los seguidores del thriller en general; y servirán sin ningún género de dudas para introducir a los más jóvenes en el universo del director exiliado de sí mismo, donde a buen seguro encontrarán tanto goce como referencias culturales. Roman Polanski competirá por el León de Oro en la próxima edición

del festival de cine de Venecia con “Carnage”, una adaptación de la obra de Yasmina Reza, “Le Dieu du Carnage” -que en español podría traducirse como El dios de la masacre- una extraña historia de absurdos en la que dos matrimonios tratan de abordar civilizadamente la pelea entre sus dos hijos pequeños. La misoginia, la homofobia, los prejuicios raciales y los reproches en general aparecerán conforme avanza la historia. El gusto por las construcciones circulares de Roman Polanski, demostrado en la práctica totalidad de sus filmes que el final se desarrolla en la misma localización donde comenzó todo, por supuesto después de haber sucedido un buen puñado de terribles vicisitudes, podía hacernos pensar que su grandiosa filmografía se cerraría con “El Pianista”; sin embargo, nombrar a Polanski es lo mismo que decir cine con mayúsculas. No es descabellado creer que la escritura y el rodaje son el mejor antídoto para exorcizar sus fantasmas, de lo cual deduciremos inexorablemente que Roman Polanski morirá dirigiendo.

Fotograma de “Carnage” 2011. Film que cuenta con un reparto de lujo entre los que se encuentran Jodie Foster (El silencio de los corderos), Christoph Waltz (Malditos Bastardos), Kate Winslet (El lector) y John C. Reilly (Las Horas). www.cinemascomics.com

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Cine de los 80


Qué mejor momento para recordar esta saga que ahora, cuando es inminente el estreno de su remake (o nueva adaptación de los comics, según cómo se mire). La película esta basada en el personaje creado por el escritor Robert Ervin Howard allá por los años 30, quien llegó a obsesionarse tanto con su personaje que decía que incluso se le aparecía en sueños y le amenazaba con el hacha para que escribiera sus aventuras. Posteriormente, y ya en los años 60, Frank Frazetta, lo adaptó a los comics de la Marvel, pasando a ser el Conan musculoso y violento que ha llegado hasta nuestros días. Los comics fueron un éxito instantáneo, lo que hizo que ya en los años 70 comenzara a hablarse de su adaptación a la gran pantalla. Eduard Pressman fue el primero que lo intentó. Tras conocer a Arnold Schwarzenegger, le propuso el papel, que aceptó sin titubeos a pesar de no conocer mucho los comics. Tras un primer guión, escrito a dos manos por Ed Summer y Roy Thomas, que resultaba excesivamente violento y que por lo tanto no podían colocar en ningún estudio, la historia llegó a manos de Oliver Stone, que era un enamorado de los comics de Conan. Su guión era diferente, y gustó a Dino de Laurentis, que se decidió a producirla. Tras una serie de diferentes directores, la película cayó en manos de John Millius, el cual reescribió en gran parte el guión de Stone, suavizándolo mucho, y pasando de la primigenia idea de Oliver de convertirla en una serie de películas, en la que por lo menos debían de llegar 6 entregas. Así pues, y tras numerosos pro-

blemas, el rodaje estuvo a punto de iniciarse en Yugoslavia, pero la idea fue desechada por la inestabilidad política del territorio, trasladándose todo el set de rodaje hasta nuestro país. Un retraso de algo menos de seis meses, que hizo que por fin se empezara el rodaje en el año 81. El rodaje dejó un montón de curiosidades, que están muy bien recogidas en la Wikipedia y páginas similares, por lo que no merece la pena que me detenga mucho en ellas, salvo por la de que el rodaje fue momentáneamente parado por la Guardia Civil, al producirse el intento de golpe de Estado de Tejero el 23-F. En cuanto a la sinopsis, es bien conocida: en un mundo lleno de espada y brujería, Conan, un niño cimerio (Jorge Sanz), es testigo de cómo se queda huérfano a manos de Thulsa Doom (James Earl Jones). Esclavizado durante toda su infancia y adolescencia, no olvida aquel momento y arde en deseos de venganza. En la edad adulta se convierte en un luchador, un gladiador, que adquiere una gran fama y logra al fin su libertad. En cuanto se ve libre, no tiene otro objetivo que vengar la muerte de sus padres. En su camino se cruzaran Subotai, Valeria, y Akiro que harán la comparsa perfecta para sus fines. La película se aleja de la historia contada por los comics, donde se presenta a un Conan más sesudo, pero igual de salvaje, lo que le supuso que tuviera algunos detractores entre los que seguían la historia de los comics. Pero aun con todo, al película tuvo un gran éxito allá donde se proyectaba y catapultó la carrera de Arnold. Dos años después de este gran éxito se estreno su secuela, “Conan el Destructor”, esta vez dirigida

por Richard Fleischer, y que no tuvo tanto éxito como la primera entrega, sobre todo debido a que el tono del primer film se había suavizado en exceso y la película había tomado unos derroteros demasiados comerciales. Aun con todo, la película se deja ver bastante bien, y merece la pena por seguir las andanzas de Conan. Los dos films, terminan con la escena de Conan ya viejo y siendo rey, pero como bien dicen, “esa es otra historia”, que aún tengo la esperanza de ver algún día, y con Schwarzenegger de protagonista. En el año 1986 se estreno “El guerrero rojo” (Red Sonja), cinta protagonizada por Brigitte Nielsen, y en la que Conan tenía un papel muy principal, pero al no conseguir los derechos, su nombre fue cambiado por el de Kalidor. Esta también fue dirigida por Flesicher y, lamentablemente, obtuvo resultados similares a “Conan el Destructor”. Y ahora en el año 2011, Conan vuelve, esta vez con Momoa de protagonista. Reconozco que no tenía mucha fe en la adaptación, pero tras ver el gran papel que ha hecho Momoa en “Juego de Tronos” como Khal Drogo, y la escena con un joven Conan de protagonista, he cambiado mucho de opinión, y estoy desando de ver un buen trabajo.

Por Sergio Reina


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QUÉ LEER Por José Joaquín González “El Libro del Cementerio” fantasía made in Gaiman para todos los públicos Afirmar que Neil Gaiman es uno de los autores fantásticos que mas ha aportado a la cultura popular en los últimos veinte años no es ninguna tontería. Este autor, que fue descubierto por el publico mayoritario al ver adaptadas al cine obras tan divertidas y originales como “Stardust” o “Coraline” (tiene mas adaptaciones pero estas son las mas conocidas), ostenta a día de hoy mas de treinta premios de lo mas diversos, y el ultimo galardón que ha recibido es su tercer premio Hugo. Dicho premio le fue otorgado en 2009 en base a la obra que hoy os recomiendo, una novela deliciosa que en España hemos recibido en dos ediciones distintas a cargo de Roca Editorial. Hago hincapié en el tema de las ediciones ya que “El Libro del Cementerio” cuenta con un montón de ilustraciones que originalmente fueron creadas por Dave Mckean y que curiosamente en España no estuvieron disponibles inicialmente, ya que la primera edición del libro contó con los lápices de Chris Riddell para acompañar una edición mas infantil del libro (no en vano la versión que cuenta con los dibujos de Mckean, se encuentra como la edición adulta de “El Libro del Cementerio”) Pero curiosidades aparte ¿de que trata esta novela? “El libro del Cementerio” cuenta la fatídica historia de una familia que es asesinada durante una fría noche dejando huérfano y como único superviviente a un bebe que tras escapar fortuitamente de la mano ejecutora de sus familiares encontrara asilo en un cementerio cementerio cercano a su antigua residencia. Allí será adoptado por los Owens, una familia de fantasmas que nunca pudo tener hijos en vida, y que bautizara al pequeño como Nadie Owens. Aunque el niño está a salvo de momento, el he-

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El Libro del Cementerio De Neil Gaiman ROCA EDITORIAL DE LIBROS ISBN: 9788499180304 Nº Edición: 1ª Año de edición:2009 304 páginas │ 17,00 euros

cho de vivir entre tumbas y fantasmas se muestra difícil para un chico humano (y vivo) por lo que Silas (un no-muerto habitual de la zona) tendrá que acepta la difícil tarea de tutelar al pequeño Nadie. Con Silas como tutor, y con todos los fantasmas/ www.cinemascomics.com


Ilustración realizada por Dave McKean

habitantes del cementerio como familia, el pequeño Owen ira aprendiendo las normas y costumbres que rigen la vida (o la no-vida) en el cementerio que se ha convertido en su hogar. A medida que crece aprenderá a leer las lapidas de los inquilinos más antiguos del lugar, e irá descubriendo ciertas habilidades que le han sido otorgadas junto a la ciudadanía del cementerio. Tal y como dice el autor en el apartado de agradecimientos, esta novela bebe muchísimo de ese clásico que es “El libro de la selva” de Rudyard Kipling, y ciertamente podemos hacer muchísimos paralelismos entre ambos. Sin rodeos podemos afirmar que Nadie Owens es un potencial Mowgli que en vez de ser criado en la selva por lobos, ha sido adoptado por fantasmas en un siniestro cementerio. Si el chico lobo tenia como mentor a una pantera que le enseña las normas de la selva, en la obra de Gaiman encontramos a Silas, un nomuerto que se encargara de la educación del pequeño huérfano y lo protegerá del asesino de sus padres, que en esta ocasión no es un tigre llamado Shere Khan, sino un frío psicópata de nombre Jack, que al igual que su homologo felino no cejara en su empeño de acabar lo que empezó. Aunque la obra adolece de ciertos toques infanwww.cinemascomics.com

tiles, puede ser disfrutada por lectores de todas las edades y estoy seguro que aunque los mas pequeños alucinaran con las originales aventuras de un niño en el cementerio, serán los lectores mas adultos quienes saquen todo el jugo a esta novela que rebosa originalidad y fantasía por todos su poros. Por poner alguna pega, y es solo por ser puntilloso, “El libro del Cementerio” resulta una novela que se hace corta, y el final, aunque digno de una novela infantil puede parecer demasiado descafeinado para el publico que ha encontrado con Gaiman historias tan curiosas como “Neverwhere”, “American Gods” o la saga “Sandman”, un ejercicio excepcional de adaptación de la mitología clásica a un entorno contemporáneo. Os la recomiendo encarecidamente tanto si queréis iniciaros en la obra de este autor, como si buscáis una lectura rápida con la que pasar las escasas tardes de verano que nos quedan. Además si estáis buscando un libro para los más pequeños de la casa, con esta novela encontrareis un gran aliado alejado de las lecturas convencionales a las que los colegios tienen normalmente acostumbrados a los pequeños lectores. Cinemascomics │Agosto 2011 │

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Concurso de “CAPITÁN AMÉRICA” ¿Quieres conseguir uno de los tres ejemplares de Marvel Deluxe. Capitán América 1 que sorteamos? Para participar tan solo debes responder a la siguiente pregunta antes del 1 de septiembre: ¿Quién es el actor que da vida a Capitán América en la película? Envía tu respuesta a concursoscinemascomics@gmail.com indicando en el asunto “concurso comic Capitán América”

MARVEL DELUXE. CAPITÁN AMÉRICA 1 Otro Tiempo Contiene Captain America v5, 1-7 USA Guión de Ed Brubaker Dibujo: Steve Epting Llega a Marvel Deluxe la mejor etapa que jamás haya conocido el Centinela de la Libertad, la desarrollada por los ganadores del Premio Eisner Ed Brubaker y Steve Epting. Ante la preocupación de S.H.I.E.L.D. por el estado de ánimo y el errático y violento comportamiento del Capitán América en las últimas semanas, a Steve Rogers no le queda otro remedio que verse sometido a evaluaciones periódicas supervisadas por Sharon Carter (Agente 13). El desmembramiento de Los Vengadores, el fallecimiento de algunos de sus viejos camaradas, y la fuga de Cráneo Rojo amenzanan con quebrar su cordura, y el aislamiento autoimpuesto en un edificio aparentemente abandonado situado en Nueva York, no hace sino sumirlo en sus recuerdos. De este modo, Rogers vive un continuo estado de agitación, propiciado en buena medida por los dramáticos acontencimientos que han sacudido su vida, así como por los extraños sueños que lo retrotraen

a la II Guerra Mundial.¿Qué papel jugarán Cráneo Rojo y el misterioso General Lukin en esta trama?. Todo empieza la noche en el que el Capi es despertado por agentes de SHIELD que necesitan su ayuda. Han encontrado un cadáver cuya existencia abre las puertas de la manipulación y el terror como Steve Rogers nunca hubiera imaginado. ¿Quieres leer desde el principio la epopeya que estremeció los cimientos del noveno arte? ¡Ahora puedes!

Libro en tapa dura. 176 páginas. PVP: 16,95 € Más información de las novedades de Panini comics en www.paninicomics.es


STAR WARS: PURGA Contiene Star Wars: Purge USA Guión: John Ostrander Dibujo: Doug Wheatley Formato: Libro rústica, 80 págs. a color. PVP: 14,95 € Editorial Planeta DeAgostini Después de la orden 66, pocos Jedi se atreven a aventurarse fuera de las sombra -rumores del oscuro y terrible Darth Vader casando incluso desde el despertar de cada día. Pero, algunos Jedi encuentran esta vida de miedo insoportable. Por lo que, una pequeña banda de Jedi se ha puesto de acuerdo para reunirse y discutir qué se debe hacer para oponerse al imperio y a sus Señores Sith. Sin embargo, el imperio está siempre observando, y el mismo Vader está impaciente por enfrentar a cualquier Jedi que pudiera acercarlo al lugar donde se encuentra su traidor, Obi-Wan Kenobi. ¡Prepárese para la acción de Jedi contra Sith no vista desde la era de la vieja república en esta especial entrega que sigue a la venganza de los Sith!

STAR WARS: EL PODER DE LA FUERZA II Edición original: Star Wars - The Force Unleashed 2 USA Guión: Haden Blackman Dibujo: Omar Francia Formato: Libro rústica, 88 págs. a color. PVP: 12,95 € Editorial Planeta DeAgostini

El final de la historia del popular juego. La galaxia está el borde de una guerra civil. Pero antes de que esto puede pasar, el Emperador y su aprendiz, Darth Vader, tiene otro plan ya en juego. El autor del juego original, Haden Blackman, vuelve con una nueva historia de traición, engaño, y la manipulación del poder devastador de la Fuerza. Omar Francia, de Star Wars: Legado está detrás del proyecto proporcionando el arte para esta novela gráfi ca original basada en el juego de LucasArts!

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NEONOMICON de ALAN MOORE Guión: Alan Moore Dibujo:ames Jacen Burrows Edición original: Contiene The Courtyard y Neonomicon USA Formato: Libro en tapa dura. 160 páginas. PVP: 18 € Editorial Panini Un relato de horror psicológico a cargo del más aclamado escritor de la industria del cómic. Alan Moore presenta a Aldo Sax, un agente del FBI que tiene una impecable hoja de servicios. Sus legendarias habilidades serán puestas a prueba en el que puede ser el caso más confuso de su carrera. Una serie de desmembramientos apuntan al más inesperado de los sospechosos. Las pistas conducen hasta un lugar… ¿Qué es, en realidad, El Patio?

WORLD OF WARCRAFT: THRALL EL CREPÚSCULO DE LOS ASPECTOS Autor: Christie Golden Contiene World of Warcraft: Thrall: Twilight of the Aspects USA Precio: 17,95 € Formato: Novela. 352 páginas. Editorial Panini ¿Al fin llega la esperada continuación de World of Warcraft: Arthas! Hace más de diez mil años, el demente Alamuerte traicionó a los Vuelos de Dragón, menguando así sus fuerzas y quebrantando su unidad. Ahora, el ataque más reciente a Azeroth, el llamado Cataclismo, ha dejado el mundo sumido en el caos. En La Vorágine, el corazón de la inestabilidad que asola Azeroth, Thrall, el antiguo jefe de guerra de la Horda, junto con otros consumados chamanes lo arriesgará todo para impedir que el mundo se haga añicos. Pero, ¿sus titánicos esfuerzos serán suficientes?

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Cinemascomics: La revista. Nº 7