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Abril 2011. Nº 3. Año 1

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La revista JAPÓN EL PAÍS DONDE NACIÓ EL MANGA

Estrenos

Invasión a la Tierra Codigo Fuente Caperucita Roja Hop Thor...

Especial

THOR

ENTREVISTAS

ESPECIAL SERIES

JAKE GYLLENHAAL

MISFITS

SO R U C ¡CON S DEL DIO : R O H T O! N E U R T

SCREAM

PELÍCULAS DE SUPERHÉROES: LO MEJOR Y PEOR DEL GÉNERO

STANLEY KUBRICK PHILIP K. DICK

¿JUGAMOS AL CINE DE TERROR? 12 AÑOS SIN EL GENIO

Y EL CINE


cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego Manuel Moros David Larrad Pedro Pinos Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Úrsula Karivdis Javier Calvo José Joaquín González (unblogdefanafan.com) Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) TIRA CÓMICA Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com)

EDITORIAL ¡Hola, amigos de Cinemascomics! Aquí estamos de nuevo con nuestra cita mensual, aunque llegamos un poco más tarde de lo deseado. Este mes viene cargado de buenos estrenos que harán las delicias de los amantes del terror, la ciencia ficción, la animación y sobre todo de los comics, porque el próximo 29 de abril se estrena THOR, adaptación del famoso personaje de Marvel creado por Stan Lee y Jack Kirby inspirado en el Dios Nórdico del Trueno, que llega de la mano del director Kenneth Branagh y que protagoniza Chris Hemsworth, actor al que muchos de vosotros recordaréis por dar vida a George Kirk en Star Trek de J.J. Abrams. Además, en este número encontraréis una interesante entrevista al protagonista de Codigo Fuente, Jake Gyllenhall (Donnie Darko) realizada en su pasada visita a Madrid. Y por supuesto, los magnífico artículos de nuestros colaboradores habituales. Gerard Fossas de butacapreferente.com, nos trae un especial Scream donde hace un repaso a la saga creada en 1996 por el maestro del terror Wes Craven; Pedro Pinos nos acercará a la figura de Philip K. Dick y su influencia en el cine de ciencia ficción; Sergio Reina de critico-de-cine-aficionado.blogspot.com recordará a Stanley Kubrick cuando se cumplen doce años de su muerte; Javier Calvo en la sección series nos habla de Misfists y José Joaquín González de unblogdefanafan.com analizará lo peor y lo mejor del cine de Superhéroes. Tampoco falta la sugerencia literaria de Ursula Karivdis.

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Y por supuesto no dejéis de participar en nuestros concursos y si lo deseás enviar vuestras sugerencias por correo o a través de nuestra página de Facebook .

Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com

Y recordar siempre que tan necesarios somos en este proyecto nosotros que lo hacemos con toda nuestra ilusión como vosotros que nos seguís mes a mes así que una vez más ¡gracias!

Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics. A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

Carlos Gallego Director de Cinemascomics


Abril 2011 Número 3

La tira de diego burdio. pag 7

Entrevista: Jacke Gyllenhaal

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Actualidad 18│El Hobbit

Comienza la producción en Nueva Zelanda

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20│ Men In Black III

Primera imagen del rodaje con Will Smith y Josh Brolin

26│Red Lights

Primera imagen oficial

criticas 98│Invasión a la Tierra 99│ Sucker Punch 100│ Piraña 3D 101│Furia Ciega 3D

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JAPÓN EL PAÍS DONDE NACIÓ EL MANGA

SCREAM ¿Jugam

112 1 Stanley Kubrick. Doce años sin el genio

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contenido 8

estrenos 26│ Invasión a la Tierra 1 de abril 34│ Furia Ciega 3D 8 de abril 40│ Soy el número cuatro 8 de abril 48│ RIO 8 de abril

Un Dios entre mortales: El Poderoso THOR

54│ Código Fuente 15 de abril 62│ Caperucita Roja ¿A quién tienes miedo? 15 de abril 70│ HOP 15 de abril

104

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M4 mos al cine de terror?

Philip K. Dick : Lágrimas en la lluvia ácida

118

84│ THOR 29 de abril

que leer 132│ Qué leer 134│ Zona Cómic

124 Misfits

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78│ SCREAM 4 20 de abril

Películas de Superhéroes : Lo mejor y lo peor del género Cinemascomics │ Abril 2011 │

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Un dios entre mortales:

Por Manuel Moros


Los estudiosos del tema afirman que los superhéroes no son sino la versión contemporánea de los héroes mitológicos, desarrollada en un país casi sin pasado como Estados Unidos al que oleadas sucesivas de inmigración habían llevado hombres y mujeres procedentes de muy diferentes lugares, un auténtico mosaico de pueblos que necesitaban un ideal común. Probablemente, fue Chris Claremont, el clásico guionista de los X-Men de los 80, el primero en darse cuenta: “Los superhéroes quizás son la mitología de Estados Unidos, cuyos héroes (David Crokett, Buffalo Bill y Custer, por ejemplo) y gestas más antiguas no tienen más de 200 o 300 años”. Claremont también señaló que los superhéroes parecían actuar como un factor de cohesión social en Estados Unidos, “país en el que cada 20 años parece producirse una nueva oleada de inmigración”. Más recientemente, también el gran Guillermo del Toro se expresó en este sentido: “El superhéroe representa al Aquiles o el Héctor de nuestros días”. La diferencia sería que mientras la mitología posee una estructura cerrada e irreversible, los comics de superhéroes, como producto de consumo de masas, surgirían al amparo de la técnica novelesca, con una narrativa en la que el interés del lector se basaría en lo imprevisible y en la que la creatividad de la trama sería el principal atractivo de la historia. Los acontecimientos no han acontecido antes de la narración, sino que se espera que sucedan durante esta. Esta nueva dimensión tiene el precio de la devaluación del valor mítico del personaje, ya que mientras que el mitológico debe encarnar una ley universal en la medida que debe ser en alguna medida previsible, el personaje novelesco debe ser tan corriente y deben acontecerle hechos imprevisibles como a cualquiera de los lectores. Como dice Umberto Eco en su Apocalípticos e integrawww.cinemascomics.com

dos, los superhéroes de cómic son “un nuevo tipo de mito que deja de lado la tradición oral para valerse de las ediciones mensuales, correspondiendo estas con la combinación de drama, suspense y aventuras necesaria para que sus héroes o antihéroes transiten peripecias y el lector se entregue una y otra vez a las desventuras de sus personajes predilectos”. Dada la estrecha relación entre los antiguos mitos y el género, no resulta en absoluto sorprendente que los nuevos Homeros, los creadores de los primeros superhéroes, recurrieran a los clásicos para inspirarse. Qué duda cabe de que el Superman de Siegel y Shuster debe mucho a los antiguos mitos de Sansón y Hércules, y la deuda es mucho mayor en el caso de Wonder Woman, la primera superheroína de la historia creada por William Moulton Marston en 1941 e inspirada directamente en los mitos griegos. Diana pertenece al pueblo de las Amazonas y es hija de Hipólita, que le dio forma a partir del barro de la isla de Temiscira y de su propia sangre.

Un nuevo tipo de mito que deja de lado la tradición oral para valerse de las ediciones mensuales, correspondiendo estas con la combinación de drama, suspense y aventuras necesaria para que sus héroes o antihéroes transiten peripecias y el lector se entregue una y otra vez a las desventuras de sus personajes predilectos Umberto Eco Atenea, hija de Zeus, la hizo hermosa como Afrodita y sabia como ella misma, rápida como Mercurio y fuerte como Hércules. Entre sus enemigos se encontrarían Ares, dios de la guerra; Hades, dios del

tenebroso mundo de los Infiernos o Circe, la hechicera hija de Helio, dios del Sol. El Capitán Marvel de la DC recibió sus poderes del mago Shazam, entregados por seis personajes mitológicos por el bien de la Humanidad: la sabiduría de Salomón, la fuerza de Hércules, la energía de Atlas, el poder de Zeus, el valor de Aquiles y la velocidad de Mercurio. El mito de la Atlántida fue empleado para crear a Namor y Aquaman; el Hawkman original, Carter Hall, decía ser la reencarnación contemporánea del príncipe egipcio Khufu y su mujer, Shiera Sanders Hall, Hawkgirl, la del amor de Khufu, la princesa Chay-Ara, y los poderes de El Caballero Luna procedían del dios egipcio de la Luna, Khonsu. Alpha Flight, el supergrupo canadiense, tomó muchos elementos de la mitología de los esquimales inuit. Uno de sus integrantes era la semidiosa Ave Nevada, capaz de transformarse en cualquier criatura nativa del Ártico y Walter Langkowski podía convertirse a voluntad en el mítico Sasquatch, el equivalente del Helado Norte al Yeti tibetano, muy parecido gráficamente al también legendario Wendigo, el monstruo devorador de hombres frente al cual debutó un agente llamado Arma X, al que después el mundo conocería como Lobezno. Aztek, miembro de la Liga de la Justicia, fue criado por una sociedad secreta para servir al dios azteca Quetzalcoatl. La simbiosis entre los antiguos mitos y los nuevos superhéroes alcanzó su máxima expresión en 1962, cuando incluso un dios fue llevado al papel. Aquel fue un año clave en La Casa de las Ideas. Los lectores se abalanzaban cada mes a los quioscos para no quedarse sin su ejemplar de Los 4 Fantásticos o Hulk, y las oficinas de Marvel se llenaban de cartas pidiendo nuevas colecciones. Entonces, Stan Lee se preguntó qué podía hacer para superar a los personajes ya creados. Tenía un ser de fuerza descomunal, un joven que podía Cinemascomics │ Abril 2011 │

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volar envuelto en llamas, una mujer que se podía hacer invisible a voluntad, un brillante científico que podía estirarse y un monstruo bonachón recubierto de piedras. Lee siempre hizo alarde de un infinito desparpajo, dando soluciones directas para cuestiones directas, así que pensó algo tan sencillo como inesperado: hacer un cómic sobre un dios. Pero era consciente de las repercusiones que podría traer, y de que sería necesario plantear el asunto de tal forma que no pudiera ofender a ninguna corriente religiosa de los Estados Unidos. Como era un buen conocedor de la mitología nórdica, más desconocida que la griega, la romana o la egipcia, pero igual de rica en leyendas y personajes fabulosos, Lee pensó que tal vez sería una buena idea enriquecer el Universo Marvel con aquellos Gigantes de Hielo, dioses con cascos alados y hermosas valquirias. Los pueblos de habla germánica ocuparon en principio la región de Europa comprendida entre el Rin, el Danubio y el Vístula, agrupados en diversas tribus lideradas por reyes y jefes guerreros. Con el declive del poder de Roma se expandieron y se asentaron en el sur de Noruega y Suecia y el sur y este de Inglaterra. El cristianismo llegó pronto a la Inglaterra anglosajona y al continente europeo, pero la antigua religión se conservó en Dinamarca, Suecia, Noruega e Islandia, donde no se estableció hasta el siglo XI, en las postrimerías de la época vikinga, llevando con él la escritura latina. Hasta entonces, los mitos de estos pueblos se habían transmitido oralmente, porque las runas no se prestaban a la escritura de textos largos. Sin embargo, habría que esperar hasta el siglo XIII y la escritura de los Edda por Snorri Sturluson para tener una amplia transcripción de la mitología nórdica. Esta refleja un profundo interés por la creación del mundo y su destrucción. En un principio había

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Imagen de ODIN

un gran abismo, Ginnungagap, el Vacío Absoluto, lleno de energía latente. De la unión de chispas de fuego y capas de hielo nació el gigante primordial, Ymir, el ancestro de todas las criaturas del Universo. Audhumumla, la primera vaca, al lamer las saladas piedras de granito dio vida a Bure, el antepasado de los dioses, cuyos tres nietos, Odín, Vili y Ve, mataron a Ymir y formaron la tierra con su cuerpo, el mar con su sangre y el cielo con su cráneo. Cuando los tres dioses dieron forma, aliento y entendimiento a dos árboles situados a orillas del mar crearon al primer hombre y la primera mujer. Los Aesir (dioses del cielo) y los Vanir (dioses de la tierra) moran en Asgard, situada en los cielos, donde construyeron hermosos palacios de doradas cúpulas. La Tierra, Midgard, es representada como un círculo de tierra rodeado por el océano, en cuyas profundidades yace la monstruosa serpiente Jorgumand. En el centro hay un magnífico árbol, el Fresno del Mundo, Yggdrasil, por debajo

de cuyas raíces se extiende Jotunheim, el país de los gigantes, y existe también un reino de los muertos, Niflheim, gobernado por la monstruosa Hel. También se habla de mundos poblados por elfos blancos (Alfheim) y oscuros (Svartalfheim) y por enanos (Nidavellir) como el rey Alberich, guardián de grandes tesoros como el Anillo de los Nibelungos, raza de enanos a la que pertenecía. El puente de acceso a Asgard, Bifrost, es el Arco Iris, que une el cielo y la Tierra, custodiado por Heimdall, que avisa de cualquier posible invasión de los gigantes que codician sus tesoros soplando su cuerno de caza, Giallarhorn. Odín es el padre de los dioses y señor de Asgard, estrechamente relacionado con los héroes y reyes muertos en combate, a los que convocaba a su Palacio de los Muertos, el Valhalla, donde pasaban el tiempo entre fiestas y combates, atendidos por hermosas diosas guerreras, las Valquirias. Odín apoyaba a los jóvenes príncipes prometedores y les daba espadas mágicas y otros rewww.cinemascomics.com


galos en señal de su predilección, pero también los destruía implacablemente cuando llegaba el momento. También era el dios de la magia y la adivinación. Llegó a permanecer ahorcardo durante nueve días en Yggdrasil para conocer los símbolos rúnicos empleados para predecir el futuro, y dio un ojo para obtener el conocimiento bebiendo de la fuente de la sabiduría custodiada por el gigante Mimir. Iba siempre acompañado de animales que frecuentan los campos de batalla, lobos y cuervos, y dos de estas aves, Huggin (pensamiento) y Muninn (memoria), le llevaban noticias de las batallas del mundo entero. Además, él mismo poseía la capacidad de cambiar de forma y enviar su espíritu convertido en ave u otro animal. El hijo mayor de Odín era Thor, el pelirrojo, el Dios del Trueno ante cuyo tránsito por los cielos temblaban rocas y montañas. Destacaba también por sus ojos fieros, su tremenda fuerza y su temible cólera. Su posesión más preciada era el martillo Mjöllnir, forjado por los enanos Brokk y Eitri. Cuando lo lanzaba producía los truenos y los relámpagos, y siempre volvía a sus manos como un boomerang. También lo utilizaba como arma contra sus enemigos, los gigantes. El culto a Thor fue muy popular en Islandia, y el más difícil de erradicar por el cristianismo. Existían diversos rituales asociados con él como, por ejemplo, colocar un martillo en el regazo de las novias durante las bodas, alzarlo sobre los recién nacidos o llevarlo en forma de amuleto de plata. Una figura muy importante dentro de esta mitología es Loki, un gigante pero también dios, pues Odín le tomó como hijo adoptivo después de matar a su padre, Laufey, rey de los Gigantes Helados, en una batalla contra Asgard. Loki es un embustero, un ladrón y un difamador, y siempre está tramando malvados planes para hacerse con las riquezas de Asgard y consumar su venganza. Con la www.cinemascomics.com

giganta Angrboda engendró tres espantosas criaturas: la serpiente Jorgumand, el lobo Fenris y la diosa Hel. Los Aesir, atemorizados, los enviaron a lugares donde no pudieran hacer daño a los dioses ni a los hombres y, así, Jorgumand fue arrojada al océano que rodea a Midgard; el enorme lobo fue encadenado y Hel fue enviada como soberana a Niflheim. Loki jugaría un papel crucial en el Ragnarok, la batalla final entre los dioses y las fuerzas de la oscuridad. La profecía decía que todo comenzaría con la muerte de Balder, uno de los hijos de Odín. Para protegerlo, su madre, Frigg, hizo jurar a todos los seres creados, incluso a los árboles y las plantas y a todos los objetos de metal,

madera y piedra, que nunca le harían daño. Los dioses se divertían arrojándole armas sabiendo que no le ocurriría nada. Pero Loki descubrió que Frigg no había tomado juramento al muérdago, pues le consideraba demasiado insignificante, así que fabricó con él un dardo y se lo dio al dios ciego Hother, que permitió que Loki guiara su mano para dar en el blanco. Balder murió y, como castigo, Loki fue atado a tres rocas mientras tres serpientes vertían continuamente veneno sobre su cara. Pronto, el mal se adueñó de Midgard, que quedó cubierta de hielo, con los hombres convertidos en bestias salvajes. La giganta Angrboda alimentó más a los lobos que perseguían los carros Cinemascomics │ Abril 2011 │

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del Sol y la Luna, hasta que al final cayeron en sus fauces y todo quedó sumido en la oscuridad. Las ataduras mágicas cayeron y Loki quedó libre para encabezar el ataque de los gigantes y los monstruos contra Asgard. En el transcurso de la batalla, Loki y Heimdall lucharon y se mataron entre sí, y el lobo Fenris devoró a Odín. Thor mató a Jorgumand, pero su veneno también acabó con él. Finalmente, el gigante Surtur arrasó con su fuego todos los mundos. Fue el Crepúsculo de los Dioses. Pero no todo estaba perdido. Unos cuantos dioses habían sobrevivido. El hermano de Odín, Vili; los hijos de Odín, Vidar y Vali; los hijos de Thor, Modi y Magni, que heredarán Mjöllnir, y finalmente Honir. Baldur y su hermano Hod, quienes murieron antes del Ragnarok, emergerán del infierno y se sentarán en los aposentos de Odín, en el viejo Valhalla. Al reunirse en Idavoll, los dioses supervivientes se sentarán juntos, discutirán su conocimiento oculto y charlarán sobre las muchas y terribles cosas que han sucedido. Ninguna de las diosas es mencionada en las varias versiones de las consecuencias de Ragnarok, pero se asume que Frigg, Freya y otras diosas sobrevivieron la catástrofe. Una pareja humana que se había refugiado bajo Yggdrasil repobló los cielos y la tierra y un Sol, nuevo y más brillante volvió a recorrer el cielo. Sus nombres fueron Lif y Lifthrasir, y juntos adorarían el nuevo panteón de dioses, gobernado por Baldur. Desde luego, Lee tenía material donde escoger a su nuevo superhéroe, y tramas tampoco le faltaban. Eligió a Thor porque pensó que su martillo podía ser un arma tan efectiva como el escudo del Capitán América y porque, además, podía volar aferrado a él. Lee quería alguien “que pudiera

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volar y hacer el viaje del cielo a la Tierra sin tener que hacer cola para pasar el control de seguridad de ningún aeropuerto. Hulk simulaba el vuelo con saltos en el aire; la Antorcha Humana lo hacía prendiéndose; Spidey tenía sus redes e iba descolgándose por ellas como Tarzán. No tengo ni idea de cómo lo hace Superman. Yo no quería decir simplemente: “Ahí va nuestro héroe, otra vez volando”. Quería que fuera algo más creíble. Y entonces me di cuenta de que podía resolver ambos proble-

mas ¡de un martillazo!”. Lee introdujo algunos cambios. Hizo a Thor rubio en lugar de pelirrojo y aceptó la genial idea de su hermano Larry de que su martillo estuviera hecho de Uru, un metal indestructible y, como el adamantium, inexistente. Pero no todo estaba resuelto. Quedaba por solucionar el problema de que no sería fácil que el lector corriente sintiera alguna afinidad con un melenudo con capa, mallas azules y un caso con alas que resultara ser un dios nórdico. Como en el mundo de los superhéroes siempre había funcionado el recurso de la identi-

dad secreta, decidió darle una a su dios. Sería el frágil, tullido y débil doctor Donald Blake; la antítesis del inmortal, invencible y poderoso Thor. Pero, ¿cómo hacer que un tipo como Blake fuera un dios vivito y coleando? El mundo lo supo cuando el personaje hizo su primera aparición en el número 83 de Journey into Mistery, publicado el 5 de junio de 1962. Durante un viaje a Noruega, el doctor se vio atrapado en la invasión de los Hombres de Piedra de Saturno, perdió su bastón y buscó refugio en el interior de una cueva. Allí descubrió un bastón de madera que, al golpear contra una piedra, le hizo convertirse en el Dios del Trueno. También el bastón se convirtió en el martillo Mjöllnir, un arma con la inscripción: “Quien sostenga este martillo, si lo merece, poseerá el poder de Thor”. Al recuperar su martillo, Thor estaba siguiendo los planes de Odín, que lo había enviado a la Tierra como castigo por su soberbia y bravuconería, pues le gustaba mucho beber y siempre andaba metido en peleas en Asgard. Odín sabía lo que su hijo necesitaba, así que lo confinó dentro del envoltorio carnal de Blake donde, despojado de sus recuerdos, estudió medicina y se convirtió en un afamado cirujano, pues como le dijo su padre, “te ocuparás de los enfermos y los afligidos. Caminarás entre los débiles y les proporcionarás fuerza...¡Aprenderás esa lección! ¡La lección de la humildad!”. Con Mjöllnir, Thor puede volar, convocar a todos los elementos de la tormenta, pasar de una personalidad (la humana) a otra (la asgardiana), convirtiéndose él mismo en el bastón de Blake y abrir portales interdimensionales, lo que le permite viajar entre estos dos mundos e incluso viajar en el tiempo. Además de poseer un arma tan formidable, Thor es inmune a las enfermedades terrestres, muy resistente a las heridas convencionales, que curan a gran velocidad y capaz de www.cinemascomics.com


levantar 100 toneladas gracias a su descomunal fuerza. En el número 85 se decidió la incorporación de otros dioses asgardianos, y así llegaron al papel Loki, Odín, Heimdall y Balder. El nuevo personaje de Marvel comenzó su andadura con cierto éxito, pero sin demasiada brillantez. Lee no pareció darse cuenta de su potencial en un principio y, demasiado ocupado con las otras colecciones, dejaba que otros, como su hermano Lang Lieber y Rober Bernstein, escribieran los guiones. En estas primeras historias, el rubio asgardiano se enfrentó con supervillanos de todo tipo y condición e incluso con algún dictador comunista. Además, Jack Kirby abandonó la colección en el número 85, y Thor cayó en manos de otros diwww.cinemascomics.com

bujantes de menor talento como Joe Sinott, Don Heck y Al Hartley. Todo cambió un año después, cuando Lee y Kirby decidieron unir a los personajes estrella de Marvel para crear Los Vengadores y se reencontraron con Thor. De hecho, Los Vengadores nunca se hubieran creado si no hubiera sido por el Dios del Trueno, pues su primer enfrentamiento fue contra Loki, en el número 1 de esta colección, publicado en septiembre de 1963. En aquel momento decidieron retomar a Thor, aunando sus talentos para el número 97 de Journal into Mistery, aparecido en octubre, donde Lee comenzó a incluir Tales of Asgard, historias cortas centradas en el aspecto mitológico del personaje donde dio a conocer la totalidad de los personajes de Asgard y episodios de la infancia y la juventud del Dios del Trueno y su envidioso hermanastro, Loki. Además, introdujo a personajes

d e su propia inven-

ción, como los carismáticos Tres Guerreros, Fandral el Elegante, Hogun el Furioso y Volstagg el Voluminoso, que ayudaron a Thor en numerosas ocasiones. De repente, los diálogos normales desaparecieron y, en su lugar, Lee escribió frases épicas y grandilocuentes, más propias de los dioses del tipo “¡Os emplazo a deteneros...o a hacer frente a la justa ira de Thor!”, que serían en adelante su sello personal. Además, evolucionaría hacia la creación de grandes personajes de naturaleza cósmica, primero en Thor y después en Los 4 Fantásticos (Los Inhumanos, Galactus, Estela Plateada...) y en series como Los Eternos, Los Celestiales o Los Nuevos Dioses. Es decir, que gracias a un personaje en principio modesto, Lee entró en su etapa más gloriosa. En el número 126, Journal into Mistery fue retitulado como El Poderoso Thor. Lee y Kirby seguirían colaborando en la colección hasta el número 179, publicado en agosto de 1970. Después, el personaje ha pasado por las manos de grandes guionistas como Jerry Conway o Roy Thomas y magníficos dibujantes como Neal Adams, John Buscema o Walt Simonson. Luchando tanto contra todo tipo de supervillanos en nuestro planeta como contra poderosas entidades celestiales en Asgard u otros planos del espacio-tiempo, Thor se ha convertido en la serie más longeva de Marvel, llegando en 2009 a su número 600. Y con el próximo estreno de su película, parece que va a tener cuerda para rato...¿será por aquello de la inmortalidad de los dioses?

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JAPÓN EL PAÍS DONDE NACIÓ EL MANGA

Por David Larrad 14 │

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Cuando la naturaleza ruge y muestra su inmenso poder, el mundo tiembla. Los humanos no somos capaces de contener su furia, por mucha tecnología o avances que tengamos. De vez en cuando, la Tierra nos recuerda lo insignificantes que somos y lo poco que podemos hacer frente a su violencia en forma de terremotos, tsunamis o erupciones volcánicas. El día 11 de marzo, Japón sufrió uno de los mayores desastres naturales de su historia, con un terremoto brutal que duró 2 minutos de magnitud 9,0 grados en la escala Ritcher (el máximo es 10), seguido de un tsunami de olas de más de 10 metros de altura que asoló las costas del país. Las cifras son espeluznantes y siguen subiendo. A los 13.000 muertos se les unen los más de 15.000 desaparecidos. Pero lo peor son las secuelas que le quedaran al Japón. Las costas de la parte norte han sido totalmente destrozadas, además de lo dañadas que han quedado las cen-

trales nucleares, que no soportaron el duro golpe que la Naturaleza, y muchas han tenido que parar su actividad dejando las ciudades casi sin electricidad. Tepco, la compañía encargada de la gestión de las centrales de Fukishima ha comenzado con la reparación y limpieza de las plantas, liberando al mar miles de toneladas de agua radiactiva que afectarán gravemente a la flora y la fauna de la zona. Pero si un país es capaz de salir de esta situación y reinventarse, sin duda es Japón. El mundo entero ha quedado sorprendido al ver las imágenes difundidas de la organización, civismo y coordinación del pueblo nipón. La jefatura de policía ha informado de que apenas se han registrado saqueos en tiendas, y los comercios no han alzado los precios. En otros países, cuando la devastación hace su aparición se ven miles de cuerpos en las calles y reina el caos, y si la ayuda internacional falla o tarda las victimas se multiplican exponencialmente. En cambio, en

Japón parece que han controlado la situación y no muestran imágenes de cadáveres, ya que eso se consideraría una deshonra, así que han llorado a sus muertos en silencio y los han incinerado como les dicta su costumbre. Japón no es la primera vez que hace frente a un desastre semejante, y es que la Segunda Guerra Mundial fue un punto de inflexión para una nación antaño cerrada que se creía superior y que tenía un sistema feudalista arcaico. Las dos bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki que causaron su rendición incondicional hundieron al país en un pesimismo total, así que por la falta de recursos de la dura post-guerra, se empezó a popularizar una forma barata de entretenimiento, uniendo dos conceptos muy diferentes: el arte tradicional japonés que data del siglo XI y los primeros comics occidentales. Así nació el manga, historias en blanco y negro de un estilo cinematográfico que descomponía los movimientos en va-

Astro Boy. Personaje creado por Osamu Tezuka en 1952 www.cinemascomics.com

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Imagen de Osamu Tezuka

rias viñetas y se combinaban con efectos sonoros, lo que las dotaba de un mayor dinamismo. Se empezó a dividir el manga en dos formatos diferentes, uno destinado al público infantil, y otro para el publico más adulto denominado “Gekiga”, que utilizaba un estilo más realista donde reinaba la violencia, el sexo, el terror, los samuráis, los ninjas y el erotismo. La parte que más destacaba sin duda de los personajes eran los ojos, es ahí donde se resaltaba la mayor viveza y expresividad de los dibujos, algo que hoy por hoy todavía perdura. Por desgracia los autores estaban muy mal pagados debido a la difícil situación que atravesaba el país, pero tenían una libertad total a la hora de dibujar, así que empezaron a consagrarse nuevos artistas y a sentar las bases del manga que conocemos. Si algo hizo que se popularizara el manga en aquella época difícil fue que había historias para todos los gustos y para todo tipo de clases sociales, desde niños a estudiantes o profesionales más adultos. Osamu Tezuka: Manga no kamisama (Dios del manga)

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Un joven médico apasionado con las películas americanas de Disney y Fleischer, responsables respectivamente de Mickey Mouse y Betty Boop, comenzó un movimiento artístico que todavía perdura y que ha creado una industria muy potente alrededor, siendo considerado el padre del manga. Y es que los dibujantes y animadores japoneses actuales tienen como referencia a Osamu Tezuka. Su técnica mas característica y pionera fue exagerar los ojos, algo que copió de los dibujos americanos y que sin ninguna duda hace que los personajes tengan más expresividad y viveza. Pasó su infancia dibujando, y una adolescencia muy marcada por la Segunda Guerra Mundial, por lo que sus temas favoritos eran entusiastas y bondadosos. Se dio a conocer a los 20 años con “La nueva isla del Tesoro” pero fue en los años 50 cuando triunfó con sus historias con mensajes humanitarios y optimistas, uno de los más destacados fue “Astro Boy”, la historia de un robot creado a imagen y semejanza del hijo de su creador, el Dr. Tenma. Otros personajes famosos son Janguru Taitei (“Kimba”) y Ribbon No Kishi (“La princesa caballe-

ro”). Como anécdota os contaremos que el personaje de “Kimba” fue copiado vilmente por Disney para hacer a “Simba” de su “Rey Leon”. De hecho, incluso las historias se asemejan, lo que provocó un gran enfado entre los seguidores de Tezuka, aunque seguro que ellos no se acordaron que en sus orígenes fue Osamu quien copió a Disney. Osamu Tezuka falleció en 1989, después de dibujar 700 mangas que contenían más de 150.000 páginas y unas 60 películas en 35 años. A su muerte fue nombrado como “el dios del manga”, debido a su gran impacto en el país, ya que fue un claro ejemplo de la evolución de Japón después de la Segunda Guerra Mundial y el impacto de las bombas atómicas sobre las dos ciudades japonesas. Articulo dedicado a las víctimas de los terremotos que ha sufrido Japón y muy especialmente a los 180 empleados de la central de Fukushima, que siguen haciendo trabajos de reparación para que los daños sean menores, dando su vida en ello ya que el nivel de radiación a la que están expuestos es de 400 veces superior a la normal permitida.

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F for Fake


COMIENZA LA PRODUCCIÓN EN NUEVA ZELANDA DE “EL HOBBIT”, LA ADAPTACIÓN ÉPICA AL CINE EN DOS LARGOMETRAJES DE PETER JACKSON DEL CLÁSICO DE SIEMPRE DE J.R.R. TOLKIEN “En un agujero en el suelo, vivía un Hobbit…” Tras muchos retrasos, accidentes, y multitud de problemas, ¡por fin! ha comenzado en Wellington, Nueva Zelanda, la producción de “El Hobbit”, la adaptación al cine en dos largometrajes de Peter Jackson de la celebérrima obra maestra de J.R.R. Tolkien. “El Hobbit” está ambientada en la Tierra Media 60 años antes de “El señor de los anillos”, también de Tolkien, y que Jackson y su equipo llevó a la gran pantalla en la exitosa trilogía que culminó con la oscarizada “El señor de los anillos: El retorno del rey”. Las dos cintas, con guión de Fran Walsh, Philippa Boyens, Guillermo del Toro y Peter Jackson, se rodarán consecutivamente en 3D digital utilizando las últimas tecnologías de cámara y sonido estéreo. El rodaje tendrá lugar en los Stone Street Studios, Wellington, con localizaciones adicionales por todo el país.

“El Hobbit” cuenta la historia del personaje que da título a la obra, Bilbo Bolsón, que libra una búsqueda épica para reclamar el perdido reino de los Enanos de Erebor, que fue hace mucho tiempo conquistado por el dragón Smaug. De pronto, se une a él el mago Gandlaf el Gris, y Bilbo termina formando parte de una compañía compuesta por trece enanos y liderada por el legendario guerrero Thorin Oakensheild. Su viaje les llevará a lo salvaje a través de peligrosas tierras repletas de goblins y orcos, mortíferos wargos y arañas gigantes, hombres de forma cambiante y hechiceros. Aunque su objetivo final está al Este en las tierras baldías de la Montaña Solitaria, primero deben escapar de los túneles de los goblins, donde Bilbo conoce a una criatura que cambiará su vida para siempre… Gollum. Allí, a solas con Gollum, en la orilla de un lago subterráneo, un incrédulo Bilbo Bolsón no sólo descubre una astucia y un valor que le sorprenden incluso a él, sino que también se hace con el “tesoro” de Gollum, un anillo

con propiedades increíbles y muy útiles... Un sencillo anillo de oro íntimamente ligado al destino de toda la Tierra Media de una forma que Bilbo ni se imagina. Martin Freeman protagoniza la cinta en el papel de Bilbo Baggins y Ian McKellen vuelve a dar vida a Gandalf el Gris. Los enanos son interpretados por Richard Armitage (Thorin Oakenshield), Ken Stott (Balin), Graham McTavish (Dwalin), William Kircher (Bifur) James Nesbitt (Bofur), Stephen Hunter (Bombur), Rob Kazinsky (Fili), Aidan Turner (Kili), Peter Hambleton (Gloin), John Callen (Oin), Jed Brophy (Nori), Mark Hadlow (Dori) y Adam Brown (Ori). De nuevo en los papeles que ya encararon en la trilogía de “El señor de los anillos” encontramos a Cate Blanchett como Galadriel, Andy Serkis en el papel de Gollum e Elijah Wood como Frodo. Jeffrey Thomas y Mike Mizrahi también forman parte del reparto y dan vida a los reyes de los Enanos Thror y Thrain, respectivamente. Además, se esperan más anuncios acerca de los miembros del elenco.


Primeras imágenes

The Daily Mail ha publicado las primeras imágenes del set de rodaje de Men in Black III, en las que pueden observarse a Will Smith y al actor Josh Brolin que dará vida a un jovén agente “K”, personaje que interpreta en anteriores entregas Tommy Lee Jones. En está nueva entrega el Agente J (Smith) deberá viajar atrás en el tiempo hasta la década de los 60, donde deberá proteger a quien en el futuro será su mentor, y desbaratar los planes del malvado Boris (Jemaine Clement) que desea acabar con su vida e iniciar una serie de acontecimientos que provocarían el fin del mundo.

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MEN IN BLACK III 25 de Mayo de 2012

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Primeras imagen

Robert de Niro en Red Lights de Rodrigo Cortés “RED LIGHTS”, que explorará los mecanismos de percepción del cerebro humano y las fronteras difusas entre creencias y ciencia, cuenta en su reparto con actores de la talla de ROBERT DE NIRO, SIGOURNEY WEAVER y CILLIAN MURPHY, que dan vida, respectivamente, al más célebre psíquico de todos los tiempos, y a dos científicos que diseccionan el mundo de los fenómenos metapsíquicos. En el reparto también figuran actores como ELIZABETH OLSEN, TOBY JONES, JOELY RICHARDSON y LEONARDO SBARAGLIA.

Tras diez intensas semanas de preproducción en localizaciones de Barcelona y Toronto (Canadá), el 14 de febrero comienza el rodaje de “RED LIGHTS”, el tercer largometraje del director Rodrigo Cortés, y su primera película después del éxito de “BURIED (ENTERRADO)”, cuya edición en DVD y Blu-Ray sale a la venta el próximo 15 de febrero.

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“RED LIGHTS”, escrita y dirigida por RODRIGO CORTÉS, es una producción de Versus Entertainment en Asociación con Cindy Cowan Entertainment y Televisió de Catalunya con la colaboración de Antena 3 TV, con la ayuda del ICIC y el ICAA.

sos fenómenos metapsíquicos con la intención de demostrar su origen fraudulento. Simon Silver (Robert De Niro), legendario psíquico, tal vez el dotado más célebre de todos los tiempos, reaparece después de treinta años de enigmática ausencia para convertirse en el mayor desafío mundial para la Ciencia ortodoxa y los escépticos profesionales. Tom comienza a desarrollar una densa obsesión por Silver, cuyo magnetismo se refuerza de forma peligrosa con cada nueva manifestación de oscuros fenómenos inexplicables…

SINOPSIS: Dos investigadores de fraudes paranormales, la veterana doctora Margaret Matheson (Sigourney Weaver) y su joven ayudante Tom Buckley (Cillian Murphy), estudian los más diverwww.cinemascomics.com


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II Certamen e d o d n u g e “S Chomón” de s e j a r t e m o t r Co con Efectos . s e l a i c e p s E

La Asoziazión Cultural Bente d’Abiento, convoca en colaboración con otras entidades públicas y privadas, su II Certamen “Segundo de Chomón” de Cortometrajes con Efectos Especiales. En esta edición, contamos con la colaboración del Festival de Cine de Zaragoza, por lo que, las dos obras seleccionadas por el jurado, se clasificarán directamente para la fase final de concurso del Festival de Cine de Zaragoza del 2011, siempre y cuando cumplan los requisitos que se especifiquen en las bases del mismo.

BASES PRIMERA: La participación en el Certamen de Cortometrajes está abierta a todas aquellas personas físicas, que presenten uno o varios cortometrajes de temática libre en los que se hayan utilizado efectos especiales. No se admitirán ni videoclips ni trailers. SEGUNDA: Las obras se presentarán a concurso en formato en DVDVídeo, PAL, o preferiblemente PAL Widescreen en cualquiera de los siguientes formatos: wmv, avi o mpg. Independientemente del formato de producción, su duración máxima será de 20 minutos. Cada obra deberá presentarse en un soporte DVD independiente. TERCERA: La fecha límite de recepción de las obras será el 30 de mayo del 2011 bajo la referencia y dirección siguiente: II Certamen de Cortometrajes “Segundo de Chomón” Talleres V. Longares C/ Luis Antonio Oro Guiral (antiguo Teniente Catalán) 14 50.005 Zaragoza CUARTA: Las obras deberán ser enviadas en sobre cerrado y el disco DVD etiquetado con el título de la obra y su duración, junto con la correspondiente ficha de inscripción (que será facilitada


por la organización electrónica a quien así lo solicite a la dirección de correo electrónico del certamen) donde se recogerán todos los datos personales del autor o autores (apellidos y nombre, dirección, teléfono, etc.) y a la que se acompañará fotocopia del DNI o de Residente. El correo de la organización es certamensegundodechomon@gmail.com QUINTA: La participación en este concurso implicará la cesión dentro del ámbito del Certamen de los derechos de difusión de las imágenes enviadas, y en ningún caso se devolverán las obras recibidas, que quedarán depositadas en el archivo de la organización. SEXTA: Sólo concursarán cortometrajes y guiones que utilicen el idioma castellano en los diálogos o en los subtítulos. SEPTIMA: No podrán concursar cortometrajes que ya lo hicieron en la primera edición de este certamen. OCTAVA: El Jurado estará compuesto por figuras relevantes de la cultura y el cine, así como por un representante de la organización, siendo su veredicto inapelable. El Jurado elegirá entre los trabajos seleccionados tres premios finales: •Cortometraje aragonés con los mejores efectos especiales: 400 euros y la clasificación directa para el Festival de Cine de Zaragoza, si cumple los requisitos del mismo. •Cortometraje internacional con los mejores efectos especiales: 400 euros y la clasificación directa para el Festival de Cine de Zaragoza, si cumple los requisitos del mismo. •Premio especial del público al mejor cortometraje con efectos especiales: 200 euros. Los premios se declararán desier-

tos si a juicio del Jurado los trabajos no presentan un mínimo de calidad. NOVENA: El comité de selección, formado por miembros de nuestra Asociación, designara los trabajos que finalmente pasarán a la fase final de concurso. La proyección de dichos cortometrajes, fallo del jurado y entrega de premios tendrá lugar el mismo día de la proyección de los cortos después de la proyección de los mismos. Nuestra Asociación avisará a los participantes de la fase final de concurso, comunicándoles fecha, hora y lugar, unos días antes de dicho acto. DÉCIMA: En caso de que los autores de las obras sean menores de edad, deberán acompañar correspondiente ficha de inscripción, la declaración responsable que se acompaña relativa a participación de menores firmada por la/s persona/s que ejerzan su patria potestad o tutela, en la que deberá constar nombre y apellido de la/s persona/s que ejerza/n la patria potestad o tutela sobre el menor, teléfono, domicilio a efecto de notificaciones, correo electrónico, fotocopia legitimada del DNI, y declaración de aceptación del contenido de las presentes bases, así como de que la obra presentada a concurso es original y que no infringe ningún derecho de terceros. La organización facilitará los documentos a quien los solicite a través del correo electrónico del certamen. UNDÉCIMA: Los participantes eximen a la Asoziazión Cultural Bente d’Abiento y sus colaboradores en este Certamen de cualquier responsabilidad derivada del plagio o cualquier otra trasgresión de la legislación vigente por parte de los participantes. DUODÉCIMA: La organización resolverá a su entender cualquier eventualidad no especificada en estas bases, reservándose expre-

samente el derecho a modificar el contenido de las mismas, con el fin de facilitar el mayor éxito del Certamen y de contribuir a la difusión del espíritu del certamen. Las bases del Certamen y sus posibles modificaciones serán publicadas de forma permanente en la Página Web del Certamen, que es la siguiente: http://certamensegundodechomon.wordpress.com/ DECIMOTERCERA: La participación en este Certamen implica la plena conformidad y aceptación de estas bases.


Estrenos

Invasión a la Tierra 1 de Abril

Por años se han observado y documentado OVNIS en distintos puntos del planeta: Buenos Aires, Seúl, Francia, Alemania, China. Pero en 2011, los espectáculos visuales se convierten en una aterradora realidad cuando fuerzas desconocidas invaden la tierra. La población mundial presencia la caída de las grandes ciudades del mundo e inesperadamente Los Ángeles se convierte en un campo de batalla: la última resistencia de la raza humana. El Segundo Sargento de los Marines (Aaron

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Eckhart) y su nuevo pelotón serán los encargados de responder a la amenaza y juntos se enfrentarán a un enemigo nuevo y desconocido. Columbia Pictures presenta, en colaboración con Relativity Media, una producción de Original Film: Invasión a la tierra. La película está protagonizada por Aaron Eckhart, Michelle Rodríguez, Ramón Rodríguez, Bridget Moynahan, Ne-Yo, y Michael Peña. Dirigida por Jonathan Liebesman.

Producida por Neal H. Moritz y Ori Marmur. Escrita por Chris Bertolini. Los productores ejecutivos son Jeffrey Chernov y David Greenblatt. El director de fotografía es Lukas Ettlin. El director de producción es Peter Wenham. El editor es Christian Wagner. El supervisor de efectos visuales es Everett Burrell. La diseñadora de vestuario es Sanja Milković Hays. La música es de Brian Tyler. Los créditos no son definitivos.

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ACERCA DE LA PELÍCULA En Invasión a la tierra fuerzas desconocidas atacan el planeta tierra. La población mundial presencia como caen una tras otra las grandes ciudades. Los Ángeles representa la última resistencia de la humanidad en una batalla que nadie pudo imaginar. Se han observado OVNIS en distintas ciudades del mundo: Buenos Aires en 1965, Seúl en 1983, Francia, Alemania, China, pero www.cinemascomics.com

en todas ellas el relato oficial encubrió y desestimó aquellos sucesos inexplicables. Por ejemplo, la noche del 24 al 25 de febrero de 1942, cuando América vivía un estado de alerta tras el bombardeo de Pearl Harbor, los habitantes de Los Ángeles se despertaron con el sonido de las sirenas de una incursión aérea. La brigada costera de artillería número 37 disparó balas antiaéreas contra naves que volaban por encima de Santa Mónica, algunas volaban lentamente y se estimó que otras volaban a 320

kilometros por hora. Las balas no causaron ningún daño a las naves, tan solo a la ciudad. Aunque no se llevó a cabo ninguna investigación oficial ni se dieron conclusiones explicando exactamente qué sobrevoló la ciudad de Los Ángeles esa noche: globos meteorológicos o lo que fuera, se ha sugerido incluso que existen documentos gubernamentales restringidos que manifiestan una discrepancia entre expertos militares. “Me encanta el hecho de que el suceso real sirve para anclar la pelícuCinemascomics │ Abril 2011 │

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la,” explica el productor Ori Marmur. “En la película, decidimos que todas las previas apariciones de OVNIS, incluyendo la de aquella noche, eran misiones de reconocimiento… preparaban el terreno para la invasión de fuerzas desconocidas.” “Invasión a la tierra es precisamente la clase de película que me encantaría ver en el cine, y la que soñaba dirigir” asegura Jonathan Liebesman, quien dirige esta historia que sigue a un pequeño grupo de personas que casualmente se verán obligados a encarar a un enemigo inimaginable. El guionista Chris Bertolini asegura que cuando se le ocurrió por vez primera la idea de la que nacería Invasión a la tierra, buscó unir sus dos clases preferidas de historias. “Quería unir la historia en la que hay seres de otros mundos en la tierra, con una historia acerca de personas, en la que ves

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la batalla desde el punto de visto de los que están sobre el terreno,” recuerda. “Me atrajo la idea de que la historia siguiera a un pequeño grupo de personas y que los espectadores lo experi-

Invasión a la tierra es precisamente la clase de película que me encantaría ver en el cine, y la que soñaba dirigir” Jonathan Liebesman mentaran todo a la misma vez.” El primero en leer el guión especulativo de Bertolini fue el productor Neal H. Moritz, quien cuenta con amplia experiencia en películas de acción y rápidamente supo reconocer el potencial de la historia. “Para mí el factor diferenciante de este guión era el punto de vista de un pequeño grupo de personas en una invasión alienígena. Me encanta lo

específico que es” explica Moritz. “Es una visión privilegiada de un grupo de hombres y mujeres, todos ellos atravesando distintas luchas en sus vidas, que están ahí fuera intentando proteger su país contra una fuerza invasora alienígena.” Liebesman recibió el encargo de dirigir la película tras grabar un corto que mostró la visión que tenía para el filme. Liebesman se echó a las calles de Los Ángeles armado con una cámara de video, y después estudió por su cuenta para aprender a insertar alienígenas en sus planos con distintos programas informáticos. “Jonathan había dirigido la precuela de La matanza de Texas, que me había gustado, pero no por ello necesariamente era la apuesta evidente para Invasión a la tierra. Pero cuando vi su corto pensé: ‘Vaya, esto es lo que todo director debería hacer,’” recuerda Moritz. “Se lo enseñé al estudio y www.cinemascomics.com


estaban tan impresionados como yo. Cualquier persona que ponga tanto empeño y esfuerzo en una película sin ni siquiera tener el trabajo, es alguien con quien queremos contar.” Aaron Eckhart encabeza el reparto como el Sargento Nantz, un Marine de carrera que en palabras del actor está “bastante quemado.” Está a punto de jubilarse cuando le presionan a que vuelva al servicio. “Está liderando a un puñado de Marines jóvenes en la lucha contra alienígenas en Los Ángeles. Lo hace a su pesar, pero esa es precisamente la clase de héroe que me encanta ver.” Michelle Rodríguez interpreta a Elena Santos, que se convierte en una aliada clave de Nantz y el pelotón. “Ella observa toda la movida en el radar,” explica la actriz. Y una vez que el pelotón inicia la batalla contra estas fuerzas desconocidas, “ella es una de las primeras sobre el terreno, siguiéndoles la pista y descubriendo sus características.” El reparto lo completan Ramón Rodríguez, Bridget Moynahan, Ne-Yo, el cantante de R&B ganador del Emmy, y Michael Peña. Everett Burrell es el supervisor de efectos visuales. Explica que era esencial que los adversarios

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de los Marines no solo igualaran la fortaleza de los Marines como fuerza combatiente, sino que además imitaran su forma de luchar. “Nuestros Marines visten de camuflaje; pues los alienígenas también se van a camuflar” explica Burrell. Al diseñarlos en tonos grises, marrones, y amarillos: “se mezclarían en el entorno urbano” aumentando la sensación de que los Marines están siendo atacados por enemigos desconocidos. “Me crié con la ciencia ficción y el terror, así que tener la oportunidad de hacer explosionar la ciudad de Los Ángeles con alienígenas alucinantes es un sueño cumplido” continua Burrell. “Nuestra meta para los alienígenas era crear algo nuevo: Jonathan no quería repetir el alienígena de ninguna otra película, pero su apariencia debía ser realista. Así que nos inspiramos mucho en la naturaleza: National Geographic, videos en Internet, insectos extraños y vida marina, extraños aparatos robóticos. Todo ello formó parte de la imagen de los alienígenas.”

dad, aunque confiesa que Invasión a la tierra es “la película más física que he hecho. Los actores hicieron gran parte de sus escenas especiales, básicamente estaban en guerra en el set.” Ne-Yo hace hincapié en este punto. “Principalmente soy cantante de R&B, así que digamos que no hay escenas peligrosas en mi vida normal. Pero ahí me tenían colgado en un arnés y tenía que caer unos 9 metros al capó de un coche. Y bueno, eso es algo que nunca he hecho antes y probablemente no vuelva a hacer. Pero… fue divertido.”

ADENTRANDO A LOS ESPECTADORES EN LA BATALLA

“Realmente queremos que todos y cada uno de los espectadores sientan que son uno de nuestros Marines, en nuestro batallón, que experimenten lo que es luchar contra una fuerza que nadie jamás pensó que enfrentaría,” dice Liebesman. “Éste escenario es completamente diferente al que esperaban y para el cual no están preparados y realmente queríamos que los espectadores se preocupen por nuestra gente: nuestros Marines y nuestros civiles, a medida que les acompañan en su misión.”

Para el productor Neal H. Moritz las películas físicas y de mucha adrenalina no suponen una nove-

La intención de Liebesman era mantener esa intensidad a lo largo de la película. Explica el pro-

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ductor Ori Marmur: “Invasión a la tierra tiene la acción y la grandeza de una gran película, pero también crudeza y realismo. Contamos con un extraordinario director de fotografía, Lukas Ettlin, quien ha organizado un grupo de cámaras que son realmente increíbles. Están encima de camiones de la basura, debajo de coches, grabando a través de ventanas rotas, a escasos centímetros de explosiones captadas desde cada ángulo. Hemos utilizado helicópteros, e incorporado planos debajo del agua, encima, detrás, encima, y debajo de llamas de fuego.” Según Bridget Moynahan los operarios de cámara son “fantásticos” y se maravilla que estén “en

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pleno estado físico, capaz de hacer las pericias que hacen. Captan momentos de gran crudeza.” Y esta atrevida fotografía está al servicio de la emoción de la película, en palabras de Eckhart: “si los espectadores no se creen que estamos a punto de morir cada segundo de la película, no hemos hecho bien nuestro trabajo.” CREANDO LOS EFECTOS VISUALES Los efectos visuales en Invasión a la tierra dieron lugar a ciertos retos para el supervisor Everett Burrell, ya que era imprescindible y prioritario contar la película como la había imaginado Liebesman: desde la perspectiva de los Marines (de ahí que hiciera se-

cuencias con cámara en mano) y lo cierto es que puede ser difícil incorporar efectos en este tipo de planos. “Liebesman fue muy directo con nosotros: ‘no quiero lloriqueos,’ nos dijo” recuerda Burrell entre risas. En Invasión a la tierra la Ciudad de Los Ángeles es arrasada por fuerzas desconocidas… y por Everett Burrell. Preparándose para lo peor, Burrell voló en helicóptero desde San Diego hasta Los Ángeles, haciendo fotos con una cámara digital del terreno, planos amplios que servirían de fondo para la película y una herramienta para él. “Una vez que Jonathan escogió los planos que le gustaban, podíamos añadir humo, fuego y destrozo urbano,” explica www.cinemascomics.com


Burrell. Pero crear la destrucción sólo fue el comienzo: Burrell y su equipo también fueron responsables por crear a los destructores. Liebesman colaboró con un equipo de artistas para crear las alienígenas de Invasión a la tierra y dar vida a su visión. “Aunque tenía una idea muy clara de la imagen que quería para los alienígenas, la colaboración entre artistas conceptuales y nuestro equipo de post-producción aseguró que los alienígenas serían criaturas mucho más complejas y fascinantes de lo que yo jamás hubiera podido imaginar,” explica el director. “Siempre es difícil dar con el diseño porque las posibilidades son infinitas,” dice Burrell. Claro www.cinemascomics.com

que, al diseñar una alienígena, ni siquiera el cielo es el límite: todo es posible. ¿Dónde empezar? ¿Y cómo se sabe cuando has terminado? “Estudiamos muchos conceptos diferentes con Jonathan para dar con el alienígena, con lo que él había imaginado. Principalmente porque el hecho es que buscábamos algo muy diferente. Queríamos que el nuestro fuera muy diferente, que no tuviera nada que ver con lo que se ha visto hasta ahora. La animación por ordenador nos permitió ajustar la imagen a lo largo de la producción, hasta que estuviera completamente satisfecho con el resultado.” Moritz asiente: “Pasamos por una etapa de desarrollo alienígena

muy completo. En la pre-producción, estudiamos muchos y muy diferentes diseños de alienígenas. Evidentemente no queríamos duplicar nada que se hubiera hecho antes en otras películas, pero también queríamos que nuestros alienígenas fueran creíbles y tuvieran sentido en nuestra historia: por qué llegaron, qué buscaban, cómo se defendían, y qué cualidades hacían de ellos un enemigo superior y más fuerte que nuestras fuerzas armadas. Jonathan llegó con un alienígena muy chulo, único y espeluznante, y cuando por fin conseguimos el diseño, trajimos un alienígena enorme a tamaño real para enseñarlo en el estudio, y experimentamos esa gran sensación de saber que lo habíamos conseguido. Cinemascomics │ Abril 2011 │

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Todos estaban entusiasmados.” El CGI puede hacer muchas cosas pero a veces la mejor forma de conseguir un efecto es con un atrezo. Eso es precisamente lo que sucede en Invasión a la tierra en la escena de la autopsia del alienígena, en la que los Marines ven de cerca de qué están hechos y descubren cómo frenarlos. “Mi especialidad son los efectos de criaturas con maquillaje” explica Burrell. “Nuestro alienígena a tamaño real es la mejor forma de lograr el efecto cuando éste requiere interactuar de cerca con los actores.” “Jonathan estuvo muy implicado con los efectos de criaturas: la imagen del alienígena, cuál quería que fuera la reacción de

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éste, y cuál sería el tacto” dice el encargado del departamento de efectos visuales de alienígenas y criaturas, Joel Harlow, responsable del equipo que creó los efectos físicos de las criaturas. Incluso cuando terminaban un diseño Liebesman participaba escogiendo las partes que estarían hechas de silicona, piel, hueso o metal. Al final lo que está claro es que el alienígena físico que utilizan para la autopsia impone bastante. “El alienígena de la autopsia mide unos 2,4 metros y le sale un tentáculo de 6 metros de la pierna. Cuando lo arrastran, deja un rastro de sangre y porquería. Lo meten en la comisaría, lo cortan, y practican la autopsia. Cada vez que el reparto interactúa física-

mente con uno de estos alienígenas, es con algo que hemos construido nosotros.” El diseño de la nave espacial de los alienígenas comenzó casualmente y por accidente. “Jonathan estaba jugando con los efectos visuales y por error se desprendió una parte de la nave,” dice Burrell. Les gustó la idea, y al final, el OVNI se convirtió en una nave compuesta por nueve partes más pequeñas: “como una pizza cortada en porciones,” explica Burrell. “Destruirán el mundo en treinta minutos o menos o te devolvemos el dinero.”

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Furia Ciega 8 de abril

Un padre vengativo en un Dodge Charger turbo del 69 persigue al líder de una secta satánica que asesinó brutalmente a su hija y secuestró a su bebé en la más reciente película de Patrick Lussier y Todd Farmer, el equipo responsable del gran éxito San Valentín Sangriento 3-D. Furia ciega, un salpicado de sangre viaje por carretera hacia el infierno, que lleva a la gran pantalla coches, asesinos, pistolas de gran tamaño y

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un humor irónico en impactante y apabullante 3-D. John Milton (Nicolas Cage), un delincuente prófugo, abandonó a su única hija cuando era una adolescente. Ahora removerá el cielo y la tierra para rescatar a su pequeña nieta del intento de una secta sanguinaria de sacrificarla durante la próxima luna llena. Con solo tres días para encontrar-

los, consigue la ayuda de Piper (Amber Heard), una atractiva camarera con un coche veloz y un fantástico gancho de derecha, para encontrar al peligroso cuasimesías Jonah King (Billy Burke) y a sus seguidores que rinden culto al diablo. A medida que avanza el tiempo, Milton y Piper dejan un sendero de muerte desde Colorado hasta Louisiana, eludiendo a despiadawww.cinemascomics.com


dos asesinos, indignados agentes de policía y un misterioso y mortal personaje conocido sólo como El Contable (William Fichtner). Impulsado por una furia casi sobrehumana, Milton se enfrenta a King y su ejército de acólitos en su última oportunidad de redención. Furia ciega está interpretada por Nicolas Cage, ganador de los Premios de la Academia (Leawww.cinemascomics.com

ving Las Vegas, La búsqueda [National Treasure]), Amber Heard (Pineapple Express), William Fichtner (Crash, Black Hawk derribado), Billy Burke (La saga crepúsculo), David Morse (Disturbia) y Tom Atkins (San Valentín sangriento 3D). Patrick Lussier (San Valentín sangriento 3-D) es el director de un guión original que coescribió junto a Todd Farmer (San Valentín sangriento 3-D). El director de fotografía es Brian Pearson

(I Am Legend). Los montadores son Devin C. Lussier (El príncipe de Persia: Las arenas del tiempo) y Patrick Lussier. El diseñador de producción es Nathan Amondson (Tekken). La diseñadora de vestuario es Mary E. McLeod (Resident Evil: Apocalipsis). La música original es de Michael Wandmacher (Piranha). Los productores son René Besson (The Mechanic), Michael De Luca Cinemascomics │Abril 2011 │

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(El motorista fantasma, Brothers) y Avi Lerner (The Expendables, Brooklyn’s Finest). Los productores ejecutivos son Boaz Davidson (The Expendables), Danny Dimbort (Stone), Adam Fields (Donnie Darko), Joe Gatta (Solitary Man), Diego Martinez (Teniente corrupto [The Bad Lieutenant: Port of Call—New Orleans]) y Trevor Short (The Mechanic). SOBRE LA PRODUCCIÓN El director Patrick Lussier y el guionista Todd Farmer comenzaron a hablar sobre su segundo proyecto juntos incluso antes de que su primera colaboración, San Valentín sangriento 3-D, se convirtiera en un gran éxito. La experiencia de realizar la película de terror, que recaudó más de 100 millones de dólares en todo el mundo, les animó a profundizar aún más en el pujante formato 3-D y ver hasta dónde les permi-

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tiría llegar la tecnología en desarrollo. Cuando las conversaciones se centraron en las películas de acción cargadas de adrenalina que a ambos les gustaban desde siempre, nació la idea de Furia ciega. “Todd y yo estábamos devanándonos los sesos sobre lo que queríamos hacer a continuación”, dice Lussier. “Empezamos hablando del ambiente de las películas de acción hechas desde aproximadamente 1967 hasta mediados de los años 70, el tipo de películas protagonizadas por Steve McQueen y Charles Bronson. Todas ellas tenían magníficas persecuciones en coche que eran metal sobre metal. Entonces no podían utilizar imágenes generadas por ordenador, por lo que sabías que eran tipos en coche corriendo todo lo rápido que era humanamente posible. Decidimos que eso era lo que queríamos captar, pero en 3-D”.

Farmer y Lussier habían escrito cada uno películas de terror de éxito. Si bien ninguno de los dos tenía experiencia en el género de acción hasta ahora, ambos eran fans desde hacía tiempo. “Cuando me trasladé a Los Angeles para escribir, me veía escribiendo películas de acción”, dice Farmer. “Quería escribir el tipo de películas con las que había crecido, pero ya no se hacen con frecuencia. Una de las cosas más interesantes de esas películas es que el héroe no era siempre un chico bueno. Hoy en día, el héroe tiene que ser superlimpio, pero nadie es realmente superlimpio en mi libro. Cuando el héroe es un tipo malo, es divertido de escribir. Nos permitía crear papeles que hicieran reflexionar a los actores”. Se dieron cuenta de que añadiendo 3-D a una película de carretera estilo años 70 podrían hacer funcionar el factor de emoción y hacer meterse a los espectadores www.cinemascomics.com


completamente en el mundo volátil y violento que iban a crear. “Es una película de acción, es una ‘road movie’, una vuelta a las películas de los años 70”, dice Lussier. “Nunca antes se ha hecho en 3-D. Ponemos a los espectadores detrás del volante con Nic Cage. Van a estar en el coche alejando de ellos la basura con Amber Heard y Billy Burke”.

único. Con Furia ciega, queríamos hacer ambas cosas”.

Llevando la tecnología y la técnica hasta cierto nivel era un reto que Lussier y Farmer aceptaron con gusto. “La idea era que nos basaríamos en lo que habíamos aprendido con anterioridad, porque éste no es nuestro primer rodeo”, dice Farmer. “Algunas películas en 3-D son simplemente efectistas, y otras son absorbentes. Puede que San Valentín sangriento haya sido más bien efectista, pero la tecnología ha avanzado tanto que las películas que se han hecho desde entonces son más una mirada a un mundo

Pero pronto Lussier y Farmer estaban jugando con una idea que transformaba la historia de un drama prosaico en una búsqueda espiritual de recompensa. El perseguidor de Milton, un enigmático personaje al que llaman El Contable, se estaba convirtiendo en una fuerza ponderosa e inusual. “Al final, el personaje de El Contable cambió la procedencia de Milton”, dice Lussier. “Queríamos dar a ese personaje algunas cualidades sobrenaturales, lo que nos llevó a la idea de que el personaje de Nic tenía que ser de… otro sitio”.

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Los realizadores comenzaron con la idea de que su antihéroe, John Milton, era un hombre malo que había escapado de la prisión para salvar a su hija. “Es sólo un hombre corriente en una misión de venganza y va a llevarla a cabo”, dice Farmer.

“Como habíamos discutido la idea, pensamos, ¿si no era una prisión de donde había escapado?” dice Farmer. “¿Y si era el Infierno? ¡Piensa en el aspecto visual!” Con el guión en la mano, se reunieron con una serie de productores a los que les intrigaba la idea, entre ellos Michael De Luca. Entre los trabajos de De Luca, uno de los productores más prolíficos de Hollywood, figuran El motorista fantasma, 21, la elogiada Brothers y Priest, Moneyball y Fright Night, de próximo estreno. “Le pedimos a Mike De Luca sus notas”, dice Farmer. “No tenía ninguna. Simplemente dijo, vamos a rodarla. Nunca antes habíamos oído eso, jamás”. De Luca dice, “Cuando leí este guión, sabía que teníamos que hacerlo. Era una película que quería hacer. Además, estaba bastante seguro de que a Nicolas Cinemascomics │ Abril 2011 │

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Cage también le iba a encantar el guión, porque sé lo mucho que le gustan los coches”. Los realizadores tenían la mirada puesta en el actor galardonado con los Premios de la Academia para el papel de John Milton. “Desde el momento en que De Luca y yo empezamos a discutir Furia ciega con Nic, sabíamos que habíamos encontrado a un colega con una pasión por la película a la altura de la nuestra”, dice Lussier. “Era el héroe perfecto para nuestra película”. Cage ha reconocido desde hace tiempo su interés en lo paranormal y ya ha abordado temas sobrenaturales en películas como El motorista fantasma, Knowing y El aprendiz de brujo. “Pero este guión me dejó asombrado”, dice Cage. “No se parecía en absoluto a nada que hubiese leído antes. Me hizo sentirme bastante incómodo, lo cual hizo que me sintiera interesado en hacerlo”. “Furia ciega está llena de adrenalina, intensidad y comedia”, añade “Me encanta que haya un toque humorístico debido a los extremos a los que llega la película. No pide disculpas en absoluto por su actitud perturbadora. Espero que la gente no pueda evitar reírse en algunas de estas escenas. Es sin duda una película para el público de medianoche y yo disfruto haciendo películas para los espectadores de medianoche”. En Furia ciega, John Milton emprende un viaje por carretera a través del país en un coche trucado y potente conducido por una hermosa joven. “Es un viaje de venganza y redención, y Milton es un misterio envuelto dentro de un enigma”, dice Farmer. “Ideamos esto para que nunca se sepa del todo qué le sucede. Acaba uniéndose a esa bella joven que www.cinemascomics.com

le recuerda a su hija. Pero no se trata de un revolcón sexual a través de la nación. En el fondo es una historia de padre-hija—una historia padre-hija con muchas escenas de acción duras, sangre, desnudos, sexo y todo lo demás”. Los co-guionistas crearon un cuarteto de personajes improbables para dar impulso a su historia. “Lo que es inusual aquí es que todos los personajes son en cierta medida malos”, dice Lussier. “El villano principal, Jonah King, interpretado por Billy Burke, es totalmente malvado y muy divertido. Piper, que se une a Milton en su odisea, es irreverente, proclive a la violencia y sexy. El Contable, interpretado por William Fichtner, pisa los talones a Milton, tratando de darle caza sin tener en cuenta cual es la misión de Milton. Su tarea es llevar a Milton de vuelta al Infierno. Sólo necesita recuperarlo, para hacer cuadrar las cuentas”. “Y no quepa la menor duda, Milton es un hombre muy malo”, dice Lussier. “Es un hombre malo que intenta hacer algo noble, pero sigue siendo un tipo malo. Se ha merecido ir al Infierno. La gente que dirige esa burocracia concreta hará cualquier cosa para que vuelva, y no les importa en absoluto lo que esté haciendo, ni por qué lo está haciendo”. Milton y El Contable se parecen en muchos aspectos, una clásica yuxtaposición de cazador y cazado. “Son, hasta cierto punto, la misma persona”, dice Farmer. “A ambos les guía un objetivo. Milton va a recuperar al bebé. No importa quien se interponga en su camino, a quien tenga que utilizar, maltratar, destrozar, matar. Va a recuperar al bebé. Y El Contable va a atrapar a Milton, no importa lo que sea necesario para llevar a cabo esa tarea. Y

curiosamente, hacia el final de la película, ambos se dan cuenta de que para que tengan éxito, tienen que ayudar al otro”. En el proceso, causan estragos en una carrera contrarreloj por seis estados. “La naturaleza humana tiene realmente un lado oscuro y que da miedo”, dice Farmer. “Como he dicho, ésta es una película en la que todo el mundo es malo, incluso el héroe. Pero son los grados de maldad lo que hicieron que nos resultara tan divertida de escribir y a los actores interpretar. En el fondo, es una historia de redención, pero todos los personajes están comprometidos cuando se inicia”. “Nuestro público es cualquiera que le guste la acción, que le encanten las carreras emocionantes o que quiera ver protagonistas femeninas con fuerza”, continúa. “Amber Heard, como Piper, no tiene miedo a disparar una pistola o destruir a un tipo con sus puños. Hará lo que tengaiene que hacer para hacer lo que tiene que hacer”. Lussier y Farmer coinciden en que escriben películas para sií mismos y que ésta es una película que quieren ver. “La escribimos para que fuera una montaña rusa”, dice el director. “Es increíblemente violenta, es tensa y trata de unos personajes brutales, pero, lo que es más importante, es divertida. Siéntense, colóquense la barra de seguridad y pasen un magnífico rato”.

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Soy el número 4 8 de Abril

Llega “I Am Number Four” (Soy el número cuatro) de DreamWorks Pictures, dirigida por D.J. Caruso y protagonizada por Alex Pettyfer, Timothy Olyphant, Teresa Palmer, Dianna Agron, Callan McAuliffe y Kevin Durand. Michael Bay es el productor y David Valdes, Chris Bender y J.C. Spink son los productores ejecutivos. La adaptación para el cine es obra de Alfred Gough & Miles Millar y Marti Noxon basado en el libro de Pittacus Lore, en la lista de best sellers del New York Times. “Soy el Número Cuatro” es un thriller de suspense sobre un joven extraordinario llamado John Smith (Alex Pettyfer), un fugitivo que huye de los implacables enemigos enviados para destruirle. Se ve obligado a cambiar su identidad y a mudarse de ciudad con su guardián Henri (Timothy Olyphant), así que John siempre es el chico nuevo sin vínculos con su pasado. Por fin, John logra convertir a la pequeña ciudad de Ohio en su hogar. Allí vivirá

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acontecimientos que cambiarán su vida para siempre. Conocerá a su primer amor (Dianna Agron), descubrirá sus nuevos poderes y entrará en contacto con los que comparten su increíble destino.

obligado a afrontar o a rechazar. Ese es el verdadero drama de la película. Este adolescente acaba encontrando lo que busca, pero no puede tener porque primero tiene que salvar el mundo”.

Cuando “Soy el Número Cuatro” llegue a las salas de cine el 18 de febrero de 2011, el público podrá disfrutará de una película repleta de suspense, con personajes conmovedores y creíbles que pueblan el entorno familiar de un instituto pero que se ven envueltos en una despiadada persecución.

Al mismo tiempo, John es el típico adolescente que intenta rebasar los límites, poniendo a prueba a su guardián Henri, sin comprender totalmente cuáles son las consecuencias de sus actos. Es un drama real en el que hay muchas cosas en juego.

Los elementos dramáticos de la película cautivan la atención del espectador desde la primera escena. John Smith, el protagonista, lucha entre quién creía que era y quién realmente es, dos polos totalmente opuestos. Y tendrá que decidir si acepta su destino y los sacrificios que conlleva. En su papel de productor Michael Bay afirma: “El Número Cuatro tiene un destino que será verá

El suspense y sus personajes no permitirán a los espectadores apartar los ojos de la pantalla. El director D.J. Caruso lo explica así: “Cuanto más realista sea el personaje, cuando lo colocas en situaciones extremas de suspense, ese suspense se hace más terrorífico y más real porque te identificas totalmente con el personaje”. Caruso se dio cuenta que combinar el drama de acción real que www.cinemascomics.com


viven los personajes en “Soy el Número Cuatro” con sus poderes extraterrestres y seguir pareciendo “real” era una experiencia apasionante y un reto para él como realizador. “Lo que más me gustó es que el argumento dramático siguiera siendo tan increíblemente real. De esa forma cuando el elemento fantástico entra en acción, te relacionas con él a una escala real”, afirma el director. EL DIRECTOR ACEPTA EL RETO El director D. J. Caruso (“Eagle Eye” [La conspiración del pánico], “Disturbia” [Paranoia]) mantiene una larga relación con Steven Spielberg y DreamWorks, así que le fascinó la idea de ponerse al mando de “Soy el Número Cuatro”. “Mi colaboración con DreamWorks empezó cuando estaba dirigiendo una serie de televisión llamada ‘High Incident’”, explica Caruso. Y añade: “Años después volvimos a formar equipo en ‘Disturbia’ (Paranoia), y volvimos a

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trabajar juntos en ‘Eagle Eye’ (La conspiración del pánico), que fue otra colaboración muy fructífera. Me siento miembro de la familia DreamWorks, y se ha convertido en mi hogar en tanto que realizador”. “Soy el Número Cuatro” es la cinta de efectos especiales más importante que haya dirigido Caruso en toda su carrera. La experiencia de Michael Bay como director de megahits como “Transformers” y “Armageddon” ha sido una ayuda incalculable para él. “Michael ha sido de gran ayuda en lo que se refiere a lo que tiene que ocurrir en el plató cuando te enfrentas a un personaje creado por ordenador”, afirma Caruso. El productor Michael Bay también tiene palabras de admiración para su productor: “D.J. tiene un gran talento para comprender la realidad de las vidas de estos personajes jóvenes. No es fácil hacer que un niño alienígena con superpoderes parezca un héroe de acción real con el que público

pueda identificarse”. Caruso se sintió cautivado inmediatamente por la historia de “Soy el Número Cuatro”, sobre todo por el personaje de John Smith que interpreta Alex Pettyfer. “Cuando DreamWorks me envió el guión”, afirma Caruso, “me sentí irremediablemente atraído por este adolescente desarraigado que no para de mudarse, que no logra echar raíces, y que intenta averiguar quién es. Al mismo tiempo, tiene un destino escondido. Así que me pareció una historia apasionante”. A Bay le atrajo el argumento tan original de la historia. “Siempre me han atraído historias sobre gente normal que tiene que enfrentarse a situaciones extraordinarias. El Número Cuatro es un personaje casi totalmente opuesto a alguien extraordinario. Lo único que quiere es llevar una vida normal”, añade. Caruso reconoce que le interesan los personajes que atraviesan pewww.cinemascomics.com


riodos oscuros. “La oscuridad les permite ver dónde está la luz, y al final acaban encontrando algo bueno. Lo que me gusta es explorar la idea de que en la vida tienes que vivir malas experiencias para crecer como persona y para saber quién eres. Y aunque el tema sea muy diferente, esto también ocurre en la película”. “La primera vez que vi el manuscrito del libro, supe que se podía hacer una gran película. Era una visión nueva de un concepto clásico, con una fantástica combinación de realismo y acción”.- Michael Bay, productor EL REPARTO Y LOS PERSONAJES En “Soy el Número Cuatro”, los realizadores querían un reparto que realzase la energía y la intensidad de unos personajes muy bien dibujados. La primera misión era encontrar un actor para el papel de John Smith, es decir el Número Cuatro. Caruso sabía que tenía que

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encontrar a alguien con mucha personalidad que además tuviera sensibilidad suficiente para encarnar al personaje. “Los poderes extraordinarios de John lo convierten en alguien totalmente diferente al resto de los chicos del colegio. Y eso le convierte en un inadaptado”, afirma Caruso.

pecial. “Creo que Alex tiene un don muy especial”, dice Caruso. “Es un hombre atractivo, dinámico e interesante, pero también rezuma una gran vulnerabilidad, una cualidad que encaja totalmente con el personaje. Creo que el público se va a enamorar de él”.

“Hay muchos adolescentes que pueden identificarse con él, sobre todos los que acaban de mudarse a una nueva ciudad a esa edad”, añade. “Intentar integrarse en un instituto es difícil para cualquiera. Su personaje tiene un aspecto universal con el que pueden identificarse los espectadores, a pesar de que es sobrehumano. Pero sus sentimientos son los que experimentaría un adolescente normal”.

El productor Michael Bay dice de Pettyfer: “Hace tiempo que llevo o observando a Alex. Tiene muchísimo carisma y una presencia física indudable. Como Número Cuatro, aporta una mezcla de fuera y vulnerabilidad que no poseen muchos actores”.

Los realizadores tardaron muchas semanas en encontrar al actor con la presencia física y la actitud para encarnar a John Smith. Cuando Alex Pettyfer hizo su primera lectura, D. J. Caruso supo que estaba ante alguien muy es-

A Alex Pettyfer le encantó la idea de encarnar a John Smith, y por dos razones. La primera era las ganas que tenía Pettyfer de trabajar con D.J. Caruso. “D.J. es increíble”, explica. “Acepté esta película porque creo que tiene una visión única. Aporta algo diferente. Transporta la ciencia ficción a un mundo y la hace real”, dice Pettyfer.

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busca su sitio en el mundo”. Caruso escogió a la actriz Dianna Agron para encarnar a Sarah, un personaje fundamental. Pero la verdad es que no la descubrió viendo la serie de televisión “Glee” ganadora de un Premio Emmy®. “No suelo ver la televisión”, comenta Caruso. “Se presentó bastante tarde y me dejó anonadado. Es una persona muy dinámica, inteligente y posee una gran belleza. Pensé que haría buena pareja con Alex porque son personalidades muy diferentes”. A Dianna Agron le sedujo inmediatamente el guión. “Lo que me gusta es que los chicos son bastante maduros y sabios para la edad que tienen”, afirma Agron. “Puede que no sean los típicos chicos enrollados, o los que hacen todas esas actividades típicas de los adolescentes. Pero tienen un gran corazón y mucha sensibilidad, y se embarcan juntos en un asombroso periplo”. “Además, también me gustó mucho el personaje de Sarah”, añade Agron. “Se parece mucho a cuando yo iba al colegio. Me gusta la fotografía y me aficioné mucho cuando estuve en el instituto. Hice fotos para el anuario”.

Sarah también es una inadaptada a pesar de ser muy guapa y de que durante un tiempo fue popular. Pero tomó algunas decisiones que le despojaron de esa popularidad en el instituto. Así que Sarah no es una chica integrada en su entorno, lo mismo que le ocurre a John. Y juntos van a descubrir lo que les une. D.J. Caruso La segunda fue la historia y el papel. “Es un argumento muy atractivo”, afirma Pettyfer. “John

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Smith está en un momento de su vida en el que tiene que escoger. Su dilema es que quiere ser un chico normal pero el destino que le ha tocado le convierte también en un guerrero. Al principio rechaza su destino al estilo de James Dean en ‘Rebelde sin causa’. Tiene ese tipo de temperamento que puede explotar en cualquier momento.

En la película, Sarah se siente inmediatamente atraída por John. “John no es un chico como los demás, y desarrollan una conexión muy intensa desde el principio”, explica Agron. “A medida que avanza la historia su relación se vuelve cada vez más profunda. Es una relación tremendamente romántica. Es la historia del primer amor, cuando no tienes miedo a nada porque todavía no te han roto quinientas veces el corazón”.

“John intenta averiguar quién es y que quiere hacer con su vida”, continúa diciendo Pettyfer. “Hay muchos chicos que van a identificarse con lo que le pasa en la película. Es un inadaptado que

Caruso buscaba a alguien muy especial para interpretar el papel del Número Seis. Necesitaba una actriz que pudiera hacer frente al intenso trabajo de especialista que exigía el personaje. Tras www.cinemascomics.com


una larga búsqueda, encontró a la actriz Teresa Palmer (“Bedtime Stories” [Más allá de los sueños], “Grudge 2” [La Maldición 2] “Sorcerer’s Apprentice” [El Aprendiz de brujo]). “El Número Seis es un personaje muy intenso, oscuro y misterioso”, dice Caruso. “Teresa tiene esa confianza en su físico que exigía el personaje. Tiene una energía contagiosa que me cautivó cuando se presentó al casting” Al hablar de su personaje, Palmer afirma: “El Número Seis es tan intimidante como encantadora, lo que le convierte en un verdadero peligro. Está acostumbrada a sobrevivir sola, y eso le convierte en un personaje enigmático y misterioso. El Número Seis tiene dotes de guerrera. Su precisión y sus reflejos son tremendos y esas cualidades la convierten en una guerrera temible en cualquier batalla”. Palmer afirma que el Número Seis es un personaje complejo a la hora de interpretarlo. “Lleva toda www.cinemascomics.com

la vida preparándose para luchar y tiene un gran dominio de las artes marciales y de la lucha con espadas, pero también es bastante extravagante. Es un personaje muy interesante y no tiene nada que ver con lo que había hecho hasta ahora”, dice Palmer. “Me presenté al casting sin ocultar mi acento australiano”, recuerda Palmer. “Creo que al principio no les gustó pero después hablamos y empezó a tener sentido. Hubiera sido demasiado peligroso enviar a los nueve niños a Estados Unidos. La idea de que les hubieran enviado a países diferentes era mucho más interesante. Así que es lógico que tuvieran acentos diferentes”. Caruso escogió a Timothy Olyphant (“Justified”, “Live Free or Die Hard” [Duro de matar]) para interpretar a Henri, el guardián de Henri. “Timothy es una persona tremendamente dinámica, con un ritmo interpretativo asombroso”, afirma Caruso. “Ha sido maravilloso ver lo que ha he-

cho con el personaje de Henri y también verle trabajar con Alex. No es una relación normal entre padre e hijo. Se parece más a un hermano mayor o a un tío que no sabe cómo comportarse con un chico”. “Mi personaje evoluciona a lo largo de la película”, explica Olyphant. “Al principio, Henri es el guardián del planeta Lorien. Su papel consiste en proteger a este niño especial mientras crece en el planeta Tierra. A medida que avanza la historia, las dotes únicas de John empiezan a cobrar forma y cada vez son más poderosas. Henri le ayuda a comprender cuál es su destino”. Olyphant añade: “En la relación entre John y Henri hay una tensión fantástica. Henri quiere a John pero a veces le gustaría estrangularlo. Henri es un personaje que es a la vez muy exigente a la vez que algo peligroso. Pero lo cierto es que le preocupa muchísimo el chico”. Además de gustarle mucho el perCinemascomics │ Abril 2011 │

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sonaje de Henri, Olyphant también disfrutó de la experiencia de trabajar con el director D.J. Caruso. “D.J. es un tipo con mucha clase y un gran director”, afirma. “Nuestras conversaciones eran fantásticas y la verdad es que conectamos desde el principio. Le transmití lo que mi instinto me decía del personaje y él respondió de forma muy positiva”. Callan McAuliffe estaba a punto de subirse a un avión para volver a su casa en Australia después de terminar el rodaje de “Flipped” de Robert Reiner en el que interpreta al protagonista. Entonces recibió una llamada para pasar una prueba para el papel de Sam. “Sam tiene el alma malherida”, explica el director D.J. Caruso. “Callan supo manejar muy bien sus emociones. Es un actor natural, divertido y atractivo a la vez”. “Sam es un friki, pero no es nada aburrido. Es el típico chico al que acosan en el colegio”, afir-

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ma McAuliffe al hablar sobre su personaje. “La gente siempre le ha llamado ‘Spaceman’. Se burlan todo el tiempo de él debido a su pasión por los alienígenas. Ha heredado la afición de su padre que se pasaba la vida estudiando ‘encuentros en la tercera fase’ y él mismo se considera un ‘astronautologista’”. McAuliffe añade: “¡Cuando Sam descubre que John es un alienígena, se pone loco de contento! Está convencido que los alienígenas han abducido a su padre y alberga la esperanza de poder encontrarle gracias a John”. Kevin Durand interpreta el papel del Comandante mogadoriano. “Kevin aportó una visión poco ortodoxa y convirtió al Comandante en un personaje peligroso pero atractivo”, dice Caruso. “Tiene la capacidad de cambiar la dinámica y ritmo de una escena y de esa forma pone el listón muy alto a todo el mundo”. “Conocí a D.J. en su oficina”, re-

cuerda Durand. “En cuanto nos dimos la mano, supe que iba a ser una gran experiencia. Es una persona muy entusiasta y le gusta trabajar en equipo. Dentro de la estructura del guión y del personaje, me dio libertad y la oportunidad de crear momentos que sólo surgen de la espontaneidad. Y eso es genial. Es fantástico trabajar con alguien que tiene tanta confianza en su reparto”. Durand explica su papel de comandante del Ejército mogadoriano: “Hemos acabado con la mayoría de los habitantes del planeta Lorien, pero nueve niños han logrado escapar con sus guardianes y viajar a la tierra. Y mi misión es encontrarlos. Tengo que asesinarlos uno a uno, una tarea nada agradable”. “Al Comandante le encanta este planeta”, afirma Durand. “Creo que lo que le pirra de verdad son los juguetes. En la Tierra, la gente disfruta de muchos lujos, navega por Internet, va al cine, www.cinemascomics.com


de compras, a comer... todas esas cosas maravillosas. Le encanta la comida basura�.


Estrenos

RIO

8 de Abril

Los creadores de la exitosa serie de LA EDAD DEL HIELO traen ahora a la pantalla RÍO, una cómica aventura en 3D sobre una expedición al lado salvaje de la vida. Blu es un guacamayo domesticado que nunca aprendió a volar, y que disfruta de una cómoda vida al lado de su propietaria y amiga, Linda, en la pequeña ciudad de Moose Lake (Minnesota). Blu y Linda creen que él es el último de su especie, pero cuando se enteran de la existencia de otro guacamayo que vive en Río de Janeiro, dirigen sus pasos hacia tan lejana y exótica tierra al encuentro de Perla, la homóloga femenina de Blu. No mucho después de su llegada, Blu y Perla son secuestrados por un grupo de torpes contrabandistas de animales. Blu

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huye con la ayuda de la avispada Perla y la de un grupo de bromistas y zalameros pájaros de ciudad. Ahora, al lado de sus nuevos amigos, Blu tendrá que encontrar el valor para aprender a volar, dar esquinazo a los secuestradores que les pisan los talones y regresar junto a Linda, la mejor amiga que jamás haya tenido un pájaro. RÍO, producida por Blue Sky Studios y Twentieth Century Fox, es la película de animación más grande y más ambiciosa de ambos estudios. Es ambiciosa y grandiosa, y rebosa carácter, color, música, emoción y diversión. El argumento se desarrolla en medio de una selva de rico colorido, un paraíso playero, una metrópoli tan enorme como descontrolada, y la

celebración en que culminan todas las celebraciones, más conocida como el Carnaval. RÍO es más que un mero punto en el mapa; es un lugar mágico, un estado de ánimo y una actitud. EL CAMINO HACIA RÍO RÍO es producto de la imaginación del realizador Carlos Saldanha, que fue codirector o director de los grandes éxitos de animación “La Edad del Hielo”, “Robots”, “La Edad del Hielo: El Deshielo” y “La Edad del Hielo: El Origen de los Dinosaurios”. Después de haber dado fin a su trabajo en la segunda película de “La Edad del Hielo”, y durante la preproducción de la “La Edad del Hielo: El Origen de los Dinosaurios”, a Saldanha se le ocurrió la idea www.cinemascomics.com


que acabaría floreciendo en RÍO. Él quería escribirle una carta de amor a su ciudad natal de Río sirviéndose de un relato sobre un pájaro patoso y domesticadísimo que emprende la aventura de su vida en tan maravilloso mundo. “Me he pasado años trabajando en las películas de “La Edad del Hielo” y disfruté horrores en ese mundo, conviviendo con tan maravillosos personajes”, explica Saldanha. “Para mí, RÍO es una odisea todavía más personal”. A lo que el productor, John C. Donkin, añade: “La pasión de Carlos por el proyecto y por llevarnos al mundo que había visualizado era contagiosa. Esa pasión fue el comienzo de todo cuanto aparece en la pantalla”. Para hacer realidad completa el ámbito y toda la extensión de este www.cinemascomics.com

mágico mundo y de sus personajes rebosantes de vitalidad, Saldanha reunió a un elenco vocal estelar encabezado por los candidatos al Oscar® Anne Hathaway y Jesse Eisenberg, y completado por el ganador del Oscar y del Grammy® Jamie Foxx; por el aclamado artista musical will.i.am; por el actor y músico Jemaine Clement; por la actriz cómica Leslie Mann, y por el actor y presentador de programas de entrevistas George López. Además, Saldanha y sus equipos de Blue Sky Studios crearon herramientas de animación y 3D de tecnología punta para dar vida a una experiencia envolvente. Los realizadores recubrieron además la acción (y a los espectadores) de una combinación de

sonidos brasileños y música contemporánea norteamericana. La banda sonora cuenta con un elenco de estrellas musicales encabezado por will.i.am (de Black Eyed Peas), Jamie Foxx, Bebel Gilberto, Taio Cruz, Ester Dean, Siedah Garrett, Jemaine Clement, y el afamado percusionista brasileño Carlinhos Brown, junto con el compositor cinematográfico John Powell, todos los cuales actúan bajo la dirección de la leyenda musical brasileña y productor musical ejecutivo de RÍO, Sergio Mendes. DIOS LOS CRÍA… El héroe de RÍO es Blu, un guacamayo domesticado al máximo, el último macho de su especie, que Cinemascomics │ Abril 2011 │

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nunca aprendió a volar. “La odisea emocional, cómica y física de Blu constituye el núcleo y el cogollo de la película”, afirma Saldanha. “Es un pez fuera del agua”. Jesse Eisenberg, reciente candidato al Oscar al Mejor Actor por “La Red Social”, presta su voz a Blu.

que, en realidad, tiene más de ser humano que de ave. Sabe hacer el desayuno, cepillarse los dientes, hacer el café de la mañana y ser el despertador de Linda. Lo que no puede hacer es aquello que los pájaros hacen como nadie… volar.

La odisea de Blu comienza en la selva brasileña, un ambiente algo menos domesticado, donde, siendo un polluelo, experimenta las alegres melodías musicales de centenares de pájaros que vuelan y desciende en picado a su alrededor. Los sonidos inspiran al jovencísimo Blu a realizar su primer intento de vuelo, que acaba abruptamente cuando él y otros varios pájaros son capturados por contrabandistas.

“Blu lleva una vida protegida”, observa Jesse Eisenberg. “Es muy inteligente, lo lee todo y es muy analítico. Mas nada de eso le ayuda a volar”. En efecto, Blu piensa que puede utilizar su formidable fuerza mental para emprender el vuelo, pero se estrella en cada intento. “Blu tiene una lista de comprobación, un montón de libros sobre la ciencia de la aeronáutica y una pila de ecuaciones matemáticas avanzadas en las que ha cuadrado ángulos de vectores, ajustándolos, naturalmente, al cortante del viento”, abunda Eisenberg. “Pero no funciona porque no hay libro capaz de desvelar el arte de volar para un pájaro”. Estos secretos sólo le serán revelados en Río y sólo a través del ritmo del corazón de Blu y del redescubrimiento de sus raíces.

La siguiente vez que vemos a Blu, está viviendo cómodamente en una pequeña ciudad de Minnesota con su dueña y amiga del alma Linda, doblada por Leslie Mann (“Lío Embarazoso”). Años atrás, Linda había adoptado a Blu, que había sido transportado por los contrabandistas a este glacial mundo. Ahora, Blu y Linda son inseparables. En la abrigada comodidad y familiaridad del hogar y la librería de Linda, Blu se desarrolla; se vuelve tan domesticado

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Pese a sus frustraciones debidas a su incapacidad de volar, Blu y Linda están contentos. Leslie Mann dice que “ellos llevan juntos una

vida sencilla en Minnesota. Linda es muy casera, Blu es su amigo del alma y los dos son muy felices”. Pero sus vidas dan un vuelco con la llegada de Tulio (doblado por Rodrigo Santoro), un científico excéntrico que ha recorrido medio mundo -desde Río a los EE. UU.- con las noticias de que Blu es el último macho de su especie, y de que Tulio quiere que Blu vaya a Río para conocer a la última guacamaya, cuyo nombre es Perla. “A Tulio le encantan las aves; tiene una estrecha relación con ellas”, asegura Santoro. “Y quiere que los guacamayos no se extingan. De modo que se esfuerza al máximo para convencer a Linda y a Blu para que emprendan el largo viaje a Río”. Linda y Blu no tienen tantos deseos de desarraigarse de su feliz hogar. “No son del tipo de los que ‘hacen la maleta y se van a Brasil a la voz de “ya”’, asegura Mann. “Más bien son de los que prefieren ‘echar a andar calle abajo para tomarse unos gofres’. Blu y Linda no salen mucho y desplazarse a una tierra lejana les da miedo a ambos”. Tras intensa deliberación, Linda y Blu toman la fatídica decisión de viajar a Río, donde Blu conocewww.cinemascomics.com


rá a su semejante, Perla. Pero la primera “cita” de Blu y Perla dista mucho de ser un flechazo. Los presuntos tortolitos no pueden ser más distintos: Blu está domesticado y se siente feliz pasando el tiempo en una jaula; mientras que Perla es ferozmente independiente y odia la idea de verse confinada en un ambiente limitado. “Se niega a que le impongan cualesquiera limitaciones”, explica Anne Hathaway, que dobla a Perla. “Le gusta salirse con la suya. Ser la última de su especie ha convertido a Perla en una superviviente y quiere seguir así. Blu representa muchas cosas de las que Perla abomina. En cierto sentido, considera a Blue, con su vida domesticada y su incapacidad de volar, un vendido y le juzga con severidad”. “Puede que Perla tenga también algunos ‘problemas’ de relación”, prosigue Hathaway. “Necesita aprender a confiar. Parte de su rechazo inicial de Blu se debe a que Perla desea evitar sufrir. En el fondo, es vulnerable”. La reacción inicial de Blu ante Perla es, asegura Jesse Eisenberg,

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una mezcla de intimidación y encantamiento. Pero a medida que va conociendo a Perla, se siente embelesado porque ella es todo lo que él no es. Perla tiene un espíritu libre, sin pelos en la lengua y es heroica. Blu tiene mucho de pez fuera del agua (¿de pájaro sin cielo?) aun antes de su inestable cita con Perla. Al llegar a Río y experimentar la sobrecarga sensorial de sus colores, sonidos y alrededores, Blu está completamente fuera de su zona de comodidad de Minnesota. El enjaulado Blu -recuérdese que ese recinto es para él su hogarhace sus primeros amigos en Río: Nico, un canario, al que dobla Jamie Foxx, y Pedro, un cardenal al que presta su voz Will.i.am. Encontrarse con unos pájaros de tan altos vuelos intensifica el shock cultural de Blu, pero también se siente intrigado por las exuberantes personalidades del diminuto dúo, y Nico y Pedro sienten la misma curiosidad por Blu. “A Nico le encantan la vida y la música”, dice Foxx. “Es un pequeño que piensa a lo grande. Nico y Pedro aportan el lado salvaje de la nueva vida de Blu en Río, por lo

que no hacen más que preguntarse: ‘¿Por qué está este tío en una jaula?’” A Foxx le agradó de forma especial la oportunidad de colaborar por primera vez con su amigo de toda la vida, will.i.am. “Fue algo grande conectar con Will y verle ponerse a trabajar como músico y como actor”. Las colaboraciones dramáticas y musicales de ambos intérpretes constituyen algunos de los numerosos momentos destacados de la película, incluida una gran escena ambientada en un club brasileño, donde Nico y Pedro electrizan al público con un enfervorizador número titulado “Hot Wings (I Wanna Party)”, del que es coautor el solista de The Black Eyed Peas. “A mi personaje, Pedro, le gusta mezclar la samba, el hip-hop y el electro, y crear un nuevo revoltillo selvático de ritmos techno y clásicos”, explica will.i.am. Según el productor Bruce Anderson, la dinámica Nico-Pedro fue una de las numerosas y felices sorpresas de la película. “Cualquiera puede sentir una maravillosa energía cómica y musical

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cuando Jamie y Will grababan juntos”, asegura. Blu tiene la suerte de tener a Nico y Pedro de su lado; en realidad, necesitará todos los amigos que pueda conseguir en Río porque él y Perla son secuestrados por unos contrabandistas cuyo plan es vender aves raras y sacar una pasta gansa. El sicario en jefe de los contrabandistas es una cacatúa australiana llamada Nigel, doblada por Jemaine Clement, miembro del conjunto de “The Flight of the Conchords”. “Un argumento sólo es tan bueno como malo sea su villano”, dice Saldanha, “y creemos que Nigel es de lo peor que se despacha”. Saldanha y los guionistas dieron a Nigel unos antecedentes argumentales tan intrigantes como inesperados para lograr que su cacatúa destacara realmente. “Nigel es una antigua estrella de serial televisivo que sigue dolido por haber perdido un papel, años atrás, ante un pájaro mucho más joven y ‘lindo’”, explica Saldanha. “Nigel es muy dramático, muy seco y de lo más divertido”. A lo que Clement añade: “Nigel está amargado. Hubo un tiempo en que fue un ave de éxito y muy bien parecida. Pero su aspecto físico cambió para reflejar su malignidad interior. Y créanme cuando les digo que Ni-

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gel no es un buen tipo. No pierde ocasión de hacer cualquier maldad. ¡Hasta come pollo! ¿Qué clase de pajarraco hay que ser para comer pollo?” Los realizadores reconocen al actor y cantante el mérito de dotar a Nigel de tantos y tan inesperados matices. Clement no se limita a doblar al personaje, sino que también fue autor y es intérprete de un divertido número musical que presenta a Nigel. A Saldanha y a los guionistas se les ocurrió una idea y un marco para la canción “Pretty Bird”, pero la canción y el personaje adquirieron auténtica vida cuando Clement y los compositores se encerraron en una habitación y les dieron cuerpo. “Jemaine era el verdadero dueño y señor de Nigel”, afirma el productor Bruce Anderson. “Le añadió a la voz del personaje todo un repertorio de estupendas aliteraciones, además de consistencia, personalidad y actitud”. Pero los equipos técnico y de diseño de RÍO también realizaron aportaciones cruciales, dotando al malo de la película de una apariencia raída que muestra el paso de los años y la experiencia adquirida, incluidos remiendos allí donde le faltan plumas, y un penacho diferenciado y expresivo.

A pesar de todo el esfuerzo de Nigel, Blu y Perla huyen milagrosamente de sus captores. Nigel decide que necesita ayuda para recobrar a los guacamayos huidos. La ladina cacatúa pergeña una granujada de primera, reclutando a un equipo de monos, una tribu de simios entrenados en el arte marcial brasileño de la caporeira, y que harán cualquier cosa que Nigel desee. (Puede ser de lo más persuasivo). Saldanaha compara a los monos con las “ardillas que recorren el Parque Central de Nueva York. Aunque aquéllos tienen un gran dominio de las artes marciales e incluso cantan y bailan”. Blu y Perla, huyendo de Nigel y de sus monos, prosiguen su loca aventura a través y por encima de Río. Lo bueno es que cuentan con una ventaja de apenas una garra sobre los contrabandistas. Lo malo es que antes de que Blu y Perla huyeran, Nigel había encadenado a tan dispareja pareja. El forzoso vínculo que los une dista mucho de ser ideal pero, dadas las circunstancias, Blue, el ave incapaz de despegar, y Perla, su compañera de altos vuelos, tienen que hallar de algún modo una forma de colaboración para no caer en las garras de Nigel. www.cinemascomics.com


Entra en escena Rafael, un servicial tucán que ha decidido tomar a Blu bajo su protección. Antiguo Rey del Carnaval, Rafael sigue siendo un pájaro de mundo; conoce a todos en Río, incluido el dueño de un garaje llamado Luis que podría ayudar a Blu y a Perla a librarse de sus cadenas. George López, que da voz a Rafael, llama al tucán “la voz de Río. Tiene una exuberante personalidad, pero se ha autodomesticado: ¡está casado y tiene 17 hijos! Por tanto, se ha vuelto ligeramente hogareño. Pero su corazón sigue latiendo al ritmo del Carnaval”. Rafael quiere que Blu sienta que el verdadero corazón de un guacamayo late en su interior porque, asegura, ésa es la única forma de que Blu llegue a volar. “Rafael le dice a Blu que el volar nace del ritmo del corazón”, explica López. “Blu tiene que conectar su corazón con su mente, y sólo entonces se elevará verdaderamente y descubrirá al héroe que lleva dentro”. Además, el amigo de Rafael, Luis, está justo al otro www.cinemascomics.com

lado de la ciudad y por aire se llega mucho más rápido. Por desgracia, eso no ocurrirá: Blu continúa sin sentir el latido interior y, después de algunos intentos fallidos (y dolorosos) de echar a volar, Blu y Perla se dirigen lentamente al garaje. En el camino, vuelven a librarse por los pelos de los contrabandistas, de Nigel y de los monos; Blu experimenta una importante analepsia; y el idilio acaba floreciendo. Con gran sorpresa de Blu y Perla, Luis no es un amigo de finas plumas, sino un bulldog que, a diferencia de la mayoría de los miembros de su especie, resiste la tentación de cazar pájaros. Es un excelente compadre de Rafael y está deseoso de agradar al tucán y a cualquiera de los amigos de éste. Además de su amistoso comportamiento, Luis se distingue por su afición a llevar una cesta de fruta por sombrero, y por su incesante babeo: el chucho es un baboso de talla mundial. “Durante meses, sufrí de un complejo después de haber visto unas

secuencias de Luis con su sombrero de frutas,” dice, entre risas, Tracy Morgan, la estrella de “30 Rock”, que presta su voz al personaje. Y Morgan ni siquiera entra en el incesante babeo que cae como un hilito, gotea y pende de la boca de Luis. (Para los equipos de investigación y desarrollo de Blue Sky Studios, el resbaladizo pringue fue algo serio que exigió tiempo y atención considerables, y una representación de alta tecnología para darle vida). Al fina de su odisea, Blu, Perla, sus nuevos amigos y Linda (que lleva buscando a su compañero perdido desde que fueron separados por los contrabandistas), se reúnen en una secuencia ambientada durante la espectacular celebración del carnaval. Música, color, perspectiva, desfiles, carrozas, pájaros que vuelan en picado y 50.000 extras humanos que llenan a rebosar un estadio, todo ello crea un final épico de un cuento sobre un mundo donde las celebraciones nunca acaban… y donde la aventura alza el vuelo. Cinemascomics │ Abril 2011 │

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Código fuente 15 de Abril

Un piloto de helicóptero reclutado para una operación militar de alto secreto se ve embarcado en una clase de misión que jamás podría haber imaginado en Código Fuente, un inteligente ‘thriller’ de acción vertiginosa que pone en entredicho todo lo que creemos saber sobre el tiempo y el espacio. Llena de sorprendentes giros y apasionante suspense, Código Fuente está dirigida por Duncan Jones (Moon). El capitán Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) despierta en un tren de cercanías a toda velocidad sin la más mínima idea de cómo ha llegado allí. Sentado frente a él se halla Christina (Michelle Mo-

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naghan), una mujer a la que no conoce, aunque ella cree claramente conocerlo. Tras refugiarse en los aseos, se sorprende al ver en el espejo el reflejo de otro hombre, además de tarjetas de identificación en su cartera que pertenecen a un profesor de escuela llamado Sean Fentress. De pronto, una gran explosión hace pedazos el tren. Casi al instante, Colter se ve transportado a una unidad de aislamiento de alta tecnología, donde una mujer con uniforme militar llamada Goodwin (Vera Farmiga) exige que le rinda cuentas sobre todo lo que ha visto. Colter se encontraba en una misión de máxi-

ma prioridad para identificar a un terrorista que había destruido pocas horas antes un tren y que tiene previsto matar a miles de personas con una explosión mucho más potente en pleno centro de Chicago. Un programa de alto secreto, de nombre clave ‘Código Fuente’, permite a Colter existir brevemente como Sean en la realidad paralela en la que el tren de cercanías está a punto de estallar. Cada vez que regresa al tren, Colter dispone únicamente de ocho minutos para descubrir la identidad del terrorista. Va reuniendo poco a poco nuevas pistas, pero no acierta a dar con su presa. Cuanto más datos descubre, más se convence de que puede evitar www.cinemascomics.com


que se llegue a producir la mortal explosión... a menos que se le agote antes el tiempo. Código Fuente está dirigida por Duncan Jones (Moon) a partir de un guión de Ben Ripley (Species III (Especie mortal III)). Está protagonizada por Jake Gyllenhaal (Brothers (Hermanos), Brokeback Mountain (En terreno vedado)), Michelle Monaghan (La conspiración del pánico, Adiós, pequeña, adiós), Vera Farmiga (Up in the Air, Infiltrados (The Departed)) y Jeffrey Wright (Quantum of Solace, Syriana). Sus productores son Mark Gordon (Crepúsculo, Planes de boda), Philippe Rousselet (El señor de la guerra) y Jordan Wynn. El director de fotografía www.cinemascomics.com

es Don Burgess (Forrest Gump). El diseño de producción corre a cargo de Barry Chusid (2012). El montaje es obra de Paul Hirsch (Misión imposible). El diseño de vestuario es de Renée April. Los coproductores son Stuart Fenegan (Moon) y Tracy Underwood (La flor del mal). Los productores ejecutivos son Jeb Brody (Pequeña Miss Sunshine), Fabrice Gianfermi (El señor de la guerra) y Hawk Koch (Rastro oculto).

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN Con su intrincada trama, su ingenio visual y sus irresistibles inter-

pretaciones, Código Fuente lleva a los espectadores a una de las últimas fronteras, un mundo que ha fascinado a los científicos y escritores de ficción desde hace siglos: el viaje en el tiempo. El guionista Ben Ripley abordó al productor Mark Gordon, entre cuyos créditos figuran 2012 y Salvar al soldado Ryan, con una idea sobre un hombre que descubre una manera de retroceder en el tiempo por breves períodos. “Ben acudió a nosotros con una idea estupenda para una película”, recuerda Gordon. “A lo largo de un período de entre seis meses y un año, continuamos trabajando el guión con él. Lo que esperas Cinemascomics │Abril 2011 │55


accidente en un laboratorio de investigación en alguna parte, para después hacerse cargo de ella el Departamento de Defensa. La verdad es que no saben muy bien qué hacer con ella. Aún está en fase experimental. El hecho de que no tenga más que ocho minutos para cumplir su misión lo dota de cierto apremio, porque hay un límite a la información que es capaz de reunir”. El guionista está dispuesto a contemplar la posibilidad de que el viaje en el tiempo sea una realidad algún día. “La mayor parte de las veces, cuando los científicos hablan de viajar en el tiempo, se refieren al viaje al futuro”, comenta. “Quizá sea posible ralentizar tu reloj si viajas a velocidades cercanas a la de la luz, lo que te permitiría desplazarte al futuro. El viaje en el tiempo al pasado es mucho más problemático, no sabemos muy bien cómo podríamos hacerlo funcionar. Según la física, el pasado es inalterable. Lo que sí propone es la idea de un universo paralelo, una copia de la realidad, idéntica a la nuestra. Código Fuente se refiere a la capacidad de acceder a otra realidad durante un período de ocho minutos”.

encontrar en un colaborador es alguien con las ideas muy claras, pero que al mismo tiempo sea capaz de escuchar y tomar en consideración otros puntos de vista, y así es Ben. Es firme en sus convicciones y no duda en defenderlas”. A medida que fue evolucionando el guión, llamó la atención de Philippe Rousselet, consejero delegado de Vendôme Pictures. “Nos encantó el guión”, afirma Rousselet. “Es raro encontrar una historia original que a la vez resulte comercial. Es un ‘thriller’ inteligente y sofisticado, sin dejar de ser muy entretenido. El público va descubriendo nuevos datos al

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mismo tiempo que los personajes, lo que lo hace muy divertido. No todos los días tiene uno oportunidad de leer un guión así”. La idea de Ripley es una historia no lineal con un giro de ciencia ficción. “Me fascinan las películas que son capaces de contar una historia de una manera no tradicional”, explica. “Se me ocurrió que los primeros experimentos con viajes en el tiempo no serían exageradamente ambiciosos. No retrocederíamos cientos de años, sino tan solo unas horas o minutos. Cabe imaginar que esta tecnología pudiera surgir casi por

Tras desarrollar el guión con Ripley, Gordon se lo envió al actor Jake Gyllenhaal, que aceptó interpretar al capitán Colter Stevens. “Jake y yo hicimos juntos El día de mañana”, explica Gordon. “Nos mantuvimos en contacto y andábamos buscando otra película que pudiéramos hacer juntos. Se mostró entusiasmado con este guión y aportó un montón de valiosas ideas. Jake fue una pieza muy importante para lograr que este proyecto saliera adelante”. Casi toda la acción de la película transcurre a bordo de un tren que se dirige a Chicago, lleno de pasajeros que realizan ese trayecto a diario entre su casa y el trabajo. Pero, para uno de esos www.cinemascomics.com


Duncan Jones junto a Jake Gyllenhaal y Michelle Monagham en un momento del rodaje

pasajeros, no se trata ni mucho menos de otro día cualquiera. Colter Stevens, un piloto de helicópteros Black Hawk del Ejército de Tierra de Estados Unidos, se halla allí cumpliendo una increíble misión. “Se encuentra en un tren una mañana sin saber dónde está ni cómo llegó allí”, explica Gyllenhaal. “Frente a él está sentada una mujer, Christina, que se comporta como si lo conociera. Él se siente bastante desorientado. Entonces, en el reflejo de una ventana, puede ver su rostro... solo que no es su rostro”. En cuestión de minutos, Colter acabará descubriendo que ha sido transportado al tren desde el futuro, unas cuantas horas más tarde. “Ni siquiera los personajes de la película conocen bien la tecnología de Código Fuente”, aclara Ripley. “¿Qué sucede con el mundo de Código Fuente cuando lo abandonamos? No lo sabemos. ¿Existía ya antes de que accediéramos a él, o lo creamos nosotros? No lo sabemos”. www.cinemascomics.com

Gyllenhaal, que también protagonizó el clásico de culto de viajes temporales Donnie Darko, se sintió intrigado por la premisa argumental, así como por el reto inherente que conllevaba como actor la particular situación de su personaje. “Me fascina el concepto del tiempo, así que me encantaba explorar ese tema”, señala el actor. “Tenía mucho que asimilar, sobre todo en preproducción, a fin de comprender a Colter. Su evolución general como personaje está sujeta a esos ocho minutos que no deja de revivir una y otra vez”. Tras apuntarse al proyecto como protagonista principal, Gyllenhaal sugirió a los productores que hablaran con el director Duncan Jones, cuya primera película, Moon, causó una gran impresión al actor. “Moon me resultó impresionante desde el primer fotograma hasta el último”, asegura. “Mientras la veía, me quedó clarísimo que Duncan domina con soltura el len-

guaje cinematográfico. Su forma de narrar es tan ágil que quise inmediatamente trabajar con él”. Gordon siguió la recomendación de Gyllenhaal, vio Moon y se reunió con Duncan Jones. “Fue capaz de usar un solo espacio y un solo actor maravillosamente en Moon”, observa Gordon. “Aunque buena parte de nuestra película se desarrolla en uno o dos vagones de tren, no da sensación de claustrofobia. Parece que realmente están pasando muchas cosas”. La capacidad de Jones de crear un mundo original y totalmente creíble para Moon fue un factor que pesó mucho a la hora de decidirse por él, según explica Rousselet. “Duncan aportó al proyecto su particular mundo visual. Es un estupendo realizador y un magnífico narrador, que es precisamente lo que Código Fuente necesitaba. Duncan siente tanta pasión por el aspecto visual como por los actoCinemascomics │ Abril 2011 │

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res y la narración. En ese sentido, es un cineasta completo”. En el primer trabajo de Jones pueden apreciarse paralelismos muy claros a las ideas exploradas en Código Fuente sobre el tiempo, la identidad y la humanidad. “Duncan parece interesado en alterar un poco la realidad”, opina Gyllenhaal. “Al mismo tiempo, sabe llegar al meollo de lo que está en el inconsciente. En ambas películas, alguien empieza totalmente perdido y tiene que tratar de orientarse en esa situación nada familiar. Intentan descubrir qué están haciendo y por qué están allí”. A pesar de la atención y de los reconocimientos que le llovieron por su anterior trabajo, Jones no se mostraba inicialmente demasiado interesado en dirigir otra cinta de ciencia ficción. “Pero me encantaba el guión. Era sólido y vertiginoso. También soy un gran fan de Jake Gyllenhaal. No quería dejar pasar la oportunidad de trabajar con él”.

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Después de asegurar la participación del director, Gyllenhaal y él se pusieron a discutir conceptos para la película. Cada uno tenía muy buenas ideas de hacia dónde se dirigía la historia. “Desarrollamos una relación de excelente colaboración”, recuerda Jones. “Incorporamos mucho más humor del que había inicialmente sobre el papel, algo de lo que me alegro. La historia de amor cobró fuerza y se hizo más conmovedora, más incluso de lo que yo mismo percibí mientras la rodábamos”. Por tentador que pudiera resultar para Jones ahondar en los amplios datos científicos disponibles, optó por concentrarse mejor en la narración. “Si me hubiera enredado demasiado en ese aspecto de la historia, habría entorpecido el desarrollo de la misma”, explica. “Tengo unos conocimientos razonables de filosofía y ciencia, así que me resultó bastante fácil asimilar los conceptos que se sugerían. Entendí cuáles eran las reglas y cómo había que contar la historia ciñéndose a ellas, y no

me permití quedarme estancado en eso”. En su lugar, decidió concentrarse en aclarar la narración de la historia, a medida que se iba desarrollando con cada código fuente. “El aspecto de tratar de resolver el rompecabezas me resultaba sumamente interesante”, observa Jones. “Por ejemplo, el número de escenarios es muy reducido, y son todos cerrados, de un modo u otro. ¿Cómo les damos carácter a cada uno de ellos, de manera que, cuando regresamos a ellos, se pueden percibir los cambios que hayan podido producirse, aunque sean muy sutiles? Parte del reto fue idear esa evolución. Muchas cosas fueron quedando más claras a medida que avanzó el rodaje”. “Lo maravilloso del guión es que constantemente se está explorando algo nuevo”, agrega Jones. “Colter llega a cada nueva repetición, o ‘código fuente’, como lo llamamos en la película, con más información. Cada vez aporta www.cinemascomics.com


algo nuevo a la situación. El reto para nosotros era cómo mantener la frescura a cada nuevo código fuente para ofrecer al público algo que lo mantenga interesado”. Código Fuente es un excelente ejemplo de una nueva ola de narrativa de ciencia ficción, en opinión del director. “La mezcla de elementos de humor y ciencia ficción lo convierte en algo diferente y atractivo. El público no necesita verse enredado en la lógica o en la ciencia de todo el asunto. Se limita a dejarse llevar y disfrutar con la experiencia”.

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Pero, para los espectadores que gustan de resolver rompecabezas, la película ofrece mucho sobre lo que pensar. “Si la mitad del público sale contenta con la historia de amor y la acción, y la otra mitad queda intrigada con el final y disfruta tratando de entenderlo todo, quedaré muy satisfecho”, asegura Jones. “Creo que hay suficiente para mantener interesado a todo el mundo”. Según Gordon, hay otro elemento con el que el público puede disfrutar. “Lo especial de la película es que tiene acción a raudales y a la vez es un ‘thriller’ maravilloso”, asegura el productor. “Es

todo lo que cabe esperar de una película, por lo que respecta a puro entretenimiento. Pero, al terminar, cuando baja el telón, por decirlo así, me gustaría que la gente, al salir del cine, hubiera disfrutado con las fuertes emociones, pero también pensara en lo valiosa que es la vida. Ya sean ocho minutos o toda una vida, es algo que se debe saborear. Todos tenemos días malos, pero la vida es espléndida y hermosa. Puede sonar un poco falso, pero creo que, cuando sales de la película, sientes un mayor aprecio por la vida, porque el personaje de Jake tiene una segunda oportunidad de vivir”. Cinemascomics │Abril 2011 │

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Gabriele Amorth.

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ENTREVISTA

JAKE GYLENHAAL EL PROTAGONISTA DEL FILM DE CULTO “DONNIE DARKO” NOS HABLA DE “CÓDIGO FUENTE” EN SU RECIENTE VISITA A MADRID ¿Qué es lo que te atrajo más cuando leíste el guión? Desde la primera página el guión es increíblemente cautivador, como en la película, en cuanto lees el guión te sumerges en él. Eres consciente de que te está gustando, pero no sabes qué es lo que va a pasar. A medida que me introducía en el guión, pensaba una respuesta para cada pregunta que me hacía y después la respuesta resultaba ser completamente diferente a lo que yo pensaba. Hay muchas cosas ocultas, a menudo lees el guión en un género como este, en una película así, y hay bucles y aspectos que cautivan tu mente. Piensas que lo vas a descubrir todo antes de que suceda. Es como un tren fuera de control, nunca sabes qué es lo siguiente que va a pasar, crees que lo puedes adivinar y te das cuenta de que estabas equivocado. El guión fue algo así. ¿Es más difícil interpretar un papel como este en el que tienes que introducirte en varias personas? He disfrutado haciendo esta película porque no soy un simple personaje en la pantalla, también participo en la forma en que se cuenta la historia. Dependiendo www.cinemascomics.com

de cómo mi personaje responde a la situación, la historia cambia por completo. Es extraño, pero la película tiene algo en común con los videojuegos. Podía controlar cómo la gente respondería a lo que yo hacía. Incluso si un día improvisaba algo, el resto de personas en el tren tenía que hacer lo mismo una y otra vez, pero si les empujaba, entonces algo cambiaba. Es un concepto muy interesante. Creo que es difícil interpretar a alguien que no eres tú mismo, en general fue difícil mantener la mente clara. ¿Es necesario ser muy observador para ser un buen actor? Sin duda. Al menos en la forma en que yo lo hago, aunque creo que otros lo hacen de forma distinta. Sí, ser capaz de de observar tus comportamientos, poder observar a la gente, cómo se comportan y por qué lo hacen, la psicología de sus motivos, para mí es fascinante y lo disfruto de veras. Me divierte mimetizarme, disfruto al entender por qué la gente hace lo que hace, es fascinante. En esta película mi personaje está buscando constantemente, auscultando los comportamientos de la gente para ver quién es quién, y le resulta casi imposible. Piensa que sabe quién es el terrorista y

no es esa persona. En cada giro se equivoca, es algo increíblemente desorientador. ¿Crees que algo así podría pasar en realidad? Quizás dentro de muchos años. Es una idea que tiene sentido científica y conceptualmente. El hecho de que hay impulsos naturales en el cerebro que puedan usarse en un banco de memoria que vaya al pasado tiene sentido y es lógico. Ese efecto llegaría a ser posible y tendríamos algo como esto, piensa en las posibilidades que tendría la gente. ¿Si pudieras saltar al cuerpo de otra persona, quién sería? Creo que sería fascinante saber cómo sería entrevistarme a mí mismo. Puede que saltara a tu cuerpo. Tú puedes saltar al mío y podemos tener una interesante entrevista, o quizás tendríamos la misma entrevista que acabamos de hacer.

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Caperucita ROja

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De la directora Catherine Hardwicke (Crepúsculo, Trece), llega el thriller de fantasía Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?). Amanda Seyfried (Cartas a Julieta, Mamma Mia!) lidera el elenco de grandes actores que aparecen en la película: Gary Oldman (El caballero oscuro, saga Harry Potter), Billy Burke (saga Crepúsculo), Shiloh Fernandez (Skateland), Max Irons (El retrato de Dorian Gray), la nominada al Óscar® Virginia Madsen (Entre copas), Lukas Haas (Origen) y la ganadora de un Óscar® Juie Christie (Lejos de ella, Darling). Durante décadas, los habitantes del pueblo de Daggerhorn han mantenido un complicado pacto con el hombre lobo. Sacrifican a un animal una vez al mes para saciar el apetito de la bestia que les atemoriza cada luna llena. Pero bajo una luna de color rojo sangre, el lobo se lleva la vida de un ser humano, aumentando así el precio del pacto. La víctima es la hermana mayor de Valerie (Seyfried), una hermosa joven que acaba de descubrir que sus padres (Burke y Madsen) van a casarla con Henry (Irons), www.cinemascomics.com

el heredero de la familia más rica del pueblo. Pero ella está enamorada de Peter (Fernandez), el humilde leñador al que ha amado toda su vida. Para evitar que los separen, la pareja decide fugarse, pero, en un terrible instante, el lobo trastoca sus planes.

producción de la película corre a cargo de Appian Way, por parte de Jennifer Davisson Killoran (La huérfana), Leonardo DiCaprio y Julie Yorn (Imparable) con Jim Rowe, Michael Ireland y Catherine Hardwicke como productores ejecutivos.

Sedientos de venganza, los vecinos del pueblo acuden al Padre Solomon, un cazador de hombres lobo, para que termine con la bestia de una vez por todas, Pero la llegada de Solomon solo revoluciona aún más al pueblo cuando les advierte a todos que el lobo adquiere forma humana durante el día y que podría ser cualquiera de ellos. Todos son sospechosos. El pánico se apodera del pueblo cuando el número de víctimas comienza a aumentar con cada luna roja y la paz que reinaba entre los habitantes se transforma en discordia. Además, Valerie descubre que tiene un vínculo único con el lobo que los atrae y los une de forma inexorable, lo que la convierte en sospechosa y a la vez en cebo. El guión de Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) es de David Leslie Johnson (La huérfana). La

El equipo creativo de detrás de las cámaras lo forman la directora de fotografía Mandy Walker (Australia), el diseñador de producción dos veces nominado al Óscar® Tom Sanders (Salvar al soldado Ryan, Drácula), los editores Nancy Richardson (Crepúsculo) y Julia Wong (X-Men 3: La decisión final), la diseñadora de vestuario Cindy Evans (Una pareja de tres, Thirteen) y el director de efectos especiales Jeffery A. Okun (Ultimátum a la Tierra). La música es de Brian Reitzell (Lost in Translation) y Alex Heffes (El rito). Warner Bros. Pictures presenta una producción de Appian Way dirigida por Catherine Hardwicke: Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) La película será distribuida por Warner Bros. Pictures, empresa de Warner Bros. Enterteinement. Cinemascomics │Marzo 2011 │

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SOBRE LA PRODUCCIÓN CUENTO ANTIGUO. SANGRE NUEVA. Al escuchar el título Caperucita roja, el público contemporáneo probablemente piense en una niña con capa roja dirigiéndose a casa de su abuela. Pero, en realidad, el cuento original era una historia con moraleja sobre el peligro y la decepción ideada para asustar a jóvenes mentes impresionables. La directora Catherine Hardwicke nos explica que las raíces más siniestras del cuento son las que se prestan por si solas a convertirse en un thriller de fantasía. “Casi todos nosotros crecimos con una versión light de Caperucita roja, pero el cuento original tiene algunos elementos más oscuros que lo hacen mucho más intrigante. La idea de la niña que se adentra sola en el bosque y el lobo que la acecha y luego habla con ella... encierra mucho misterio y atrapa nuestra imaginación a muchos niveles. Cuando somos niños, el cuento puede parecernos otra

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cosa, pero si volvemos a escucharlo de adolescentes o adultos, respondemos a él de una forma completamente distinta”. La productora Jennifer Davisson Killoran comenta: “Es un cuento emblemático y aunque hayamos oído varias versiones, hay cosas que son universales: la capa roja, el lobo, la mentira y el miedo. Es muy simple y a la vez muy aterrador. Nos gustó la idea de coger este legendario cuento y adaptarlo para un público moderno”. El mensaje implícito de la fábula de Caperucita roja es: no hables con extraños. Pero ¿y si el lobo resulta ser alguien que conoces... alguien en quien confías... alguien a quien amas? Killoran indica: “El cuento juega con nuestro miedo a que alguien cercano a nosotros no sea en realidad quien aparenta ser. Para mí, el lobo feroz representa la ansiedad de no saber de verdad con quién estás tratando”. El cuento clásico ha cambiado un poco, el depredador de la pelícu-

la es un hombre lobo que tiene apariencia humana hasta que la luna llena desvela su verdadera naturaleza. Sobre esta premisa, el guionista David Leslie Johnson concibió un misterioso asesinato del que todos son sospechosos y la terrorífica paranoia que provoca y afecta a una comunidad entera. Killoran confirma: “Casi todos los personajes tienen un momento donde pierdes la fe en ellos. Lo hicimos así a conciencia para que cualquiera pudiera ser el lobo”. “Creo que David hizo un trabajo maravilloso”, afirma Hardwicke. “Profundizó en los orígenes de la leyenda para conseguir su esencia. Luego añadió su propio toque personal y creativo a la mezcla y enriqueció mucho el cuento”. Johnson declara: “Investigué mucho sobre cómo había cambiado la fábula de generación en generación, en distintas épocas y lugares. Mucho antes de hacer eso, la película estaba envuelta en un hermoso lacito y se presentaba como un cuento de hadas que www.cinemascomics.com


contenía algunos detalles gráficos bastante desagradables y cuyo final no era muy apropiado. Me gustó la idea de ampliar los orígenes del cuento para crear más peligro, suspense y aventura”. También hay una historia de amor. El presonaje principal, Valerie, se encuentra entre dos apuestos pretendientes: Peter, el amor de su infancia, y Henry, el hombre que sus padres han elegido para que sea su esposo. Las dudas sobre la identidad del hombre lobo hacen que su decisión no sea solo cuestión de amor, sino de vida o muerte. Cuando las cosas se complican, tiene un encuentro con el lobo y descubre, para su sorpresa, que tienen un vínculo único y muy personal. Amanda Seyfried interpreta el papel de Valerie, cuya característica capa roja da nombre al cuento. “El triángulo amoroso lo hace más interesante porque Valerie no sabe en quién confiar”, comenta la actriz. “Ella ama a Peter, pero de pronto comienza a ver ciertos detalles en él que le hacen dudar. ¿Podría el amor de su vida ser un

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hombre lobo? Además, su relación con Henry se vuelve más estrecha y ve lo buen hombre que es, pero también comienzan a surgirle dudas sobre él. Tiene que averiguar si lo que quiere es lo mismo que lo que necesita”. La combinación de amor adolescente, suspense y leyenda antigua atrajo inmediatamente a Hardwicke, quien recuerda: “En cuanto leí el guión, me entusiasmé mucho porque transcurría en un mundo de fantasía pero tenía un lado oscuro. Se trataba de un thriller con giros inesperados además de una irresistible historia de amor, que también me sorprendió en varias ocasiones. Me enganchó mucho a medida que la cosa se complicaba y cada vez se revelaban más secretos y mentiras”. Para los productores, elegir a Catherine Hardwicke para dirigir Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?) fue fácil. Killoran asegura: “Catherine ha demostrado que tiene un don para llegar al público más joven de una forma que muy pocos pueden. Se ve muy

claro en todas sus películas; nunca son condescendientes o estereotípicas. Tiene una forma muy sincera de transmitir cómo se comunican los adolescentes, cómo piensan y cómo ven el mundo”. No obstante, todas las generaciones representadas en el reparto disfrutaron trabajando con Hardwicke, desde los talentos emergentes hasta los más veteranos de la pantalla. La ganadora de un Óscar® Julie Christie admite: “Catherine fue una completa revelación para mí. Tiene una fantástica vitalidad juvenil y está llena de alegría, pero también es una persona muy comprometida con su trabajo y que tiene mucho talento para hacer bien lo que tiene que hacer. Trabajar con ella fue una experiencia extremadamente positiva para mí”. “Cuando vi sus películas, tuve curiosidad por trabajar con Catherine”, dice Gary Oldman. “Eso fue una de las cosas que me impulsaron a participar en el proyecto. Y cuando la conocí, me encantó su entusiasmo”.

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Billy Burke, el único miembro del reparto que ya había trabajado con Hardwicke en Crepúsculo, comenta: “Catherine ocupa un lugar especial en mi corazón. Nunca he conocido a alguien con el nivel de energía que ella tiene, y es contagioso. De alguna forma da energía a todos los que están en el plató compartiendo su sentido de la determinación”. Seyfried está de acuerdo. “Uno quiere a un director que dé a la película ese entusiasmo y emoción. A ella le encanta hacer películas y tiene muchísima imaginación. Cuando estábamos en preproducción, me enseñó dibujos, fotos y vídeos que había montado, que me ayudaron mucho a entender las diferentes facetas de mi personaje. Es sinceramente la directora más creativa con la que he trabajado”.

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¿CÓMO DEJAR FUERA LO QUE YA ESTÁ DENTRO? Hardwicke dice que pensó inmediatamente en Amanda Seyfried en el casting para el papel de Valerie. “Desde el primer momento en que vi a Amanda, supe que era especial”, afirma la directora. “Tenía todo lo que necesitábamos para su personaje, especialmente porque Valerie no es la clásica damisela en apuros. Amanda es dura, sexy, divertida y vulnerable, lo tiene todo. Y su aspecto físico es como sacado de un cuento de hadas. Es como etérea y tiene unos ojos asombrosos a los que uno no se puede resistir”. A su vez, Seyfried dice que la nueva versión de un cuento antiguo es lo que le atrajo a hacer la película. “No conozco a nadie que no haya leído Caperucita roja en su infancia, así que me gustó eso de

coger un cuento que todos hemos oído y divertirme un poco con él. El thriller parecía emocionante y el escenario medieval le daba un toque gótico y añadía romanticismo”. Valerie se encuentra en la cima del triángulo amoroso de la película y a la vez está directamente vinculada al misterio del hombre lobo. Cuando parece que la bestia es alguien cercano a ella, Valerie tiene razones para dudar de todos los que la rodean. “En el transcurso de la historia, ella intenta averiguar quién puede ser, basándose en las señales que recibe”, explica Seyfried. “Es aterrador para ella porque, en distintas ocasiones, tiene razones para sospechar de todo el mundo”. Hardwicke añade: “La paranoia comienza a aparecer cuando Valerie empieza a ver pequeños www.cinemascomics.com


destalles que no había notado antes, y ahora significan algo distinto. Toda su vida ha visto a su familia y a sus amigos de una forma y de pronto las cosas cambian, y la sombra de la duda se cierne sobre ella”.

to, la ciudad, el océano... todo, siempre y cuando puedan estar juntos. Pero antes de que puedan escapar ocurre una tragedia: se enteran de que el hombre lobo ha asesinado a Lucie, la hermana de Valerie”.

No pasa mucho tiempo antes de que esa sombra caiga sobre los dos diferentes jovencitos que se disputan el corazón de Valerie, Peter y Herny, interpretados por los noveles Shiloh Fernandez y Max Irons respectivamente.

También averiguamos que Lucie había estado enamorada de Henry, pero que él solo tenía ojos para Valerie. Irons comenta: “Henry es el herrero del pueblo y el hijo de la familia más adinerada. No entiende cómo Valerie puede estar enamorada de Peter, porque cree sinceramente que él es la mejor elección por la vida que puede ofrecerle”.

Fernandez relata: “Peter es leñador y el novio de Valerie. Mantienen su relación en secreto porque él es un pobre huérfano y le consideran un extraño. Al principio de la película, descubre que la han prometido con Henry, así que Peter pide a Valerie que se fuguen juntos. Quiere enseñarle el mundo que ella nunca ha viswww.cinemascomics.com

“Es el típico dilema amoroso: ¿elijo la opción segura, que en este caso, también resulta ser increíblemente guapo o al que parece algo peligroso pero es sexy y atrevido? Creo que cualquier jo-

vencita soñaría con estar en esta situación, especialmente si los chicos son Shiloh y Max”, se ríe Hardwicke. “Shiloh tiene mucho carisma y hubo una química fantástica entre él y Amanda”, continúa la directora. “También le dio algo de misterio a su personaje y nos lleva a preguntarnos qué es lo que esconde bajo esa fachada”. Killoran añade: “Max tiene esa maravillosa presencia intrigante. Lo que me encantó de su actuación es que todo lo que hace viene de un hogar poderoso y noble, pero te deja entrever que Henry también podría tener un lado oscuro. Cuando hicimos el casting para estos papeles, quisimos hacerlo de tal manera que la decisión de Valerie no fuera obvia; tenía que ser una elección difícil entre dos hombres tan maravilloCinemascomics │Abril 2011 │

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sos como diferentes, que ambos valieran la pena”. Viniendo de perspectivas diferentes, los padres de Valerie, Suzette y Cesaire, tienen puntos de vista que entran en conflicto sobre si será Peter o Henry quien pueda hacer feliz a su hija a largo plazo. Virginia Madsen, que interpreta a Suzette, cuenta: “Suzette cree que la única forma de que su hija tenga una vida mejor es casarla con el chico rico, Henry, que también resulta ser muy bueno. Piensa que Valerie merece algo mejor que el pobre leñador, el chico malo. Eso es solo pasión y nunca durará. Después del asesinato de su hija mayor, Lucie, amenaza con revelar secretos que la hacen ser más protectora con la hija que le queda. Al final, Suzette no quiere que Valerie termine como ella, casada con un leñador, que además es un borracho”. En el papel de Cesaire, Billy Burke admite que su personaje “es un hombre al que le gusta empinar el codo, pero su hija le quiere y le perdona sus errores. Quizá

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su atracción por Peter se debe en parte al viejo cliché de que a las chicas tienden a gustarles los hombres que les recuerdan a sus propios padres. Cesaire es también leñador, así que a él le gusta Peter y le considera un buen pretendiente para su hija. Eso es solo parte del abismo que se ha abierto entre él y su mujer durante los años, debido probablemente a su problema con la bebida. Pero Cesaire no ve que eso haga daño a nadie, ni a sí mismo”.

de ninguna manera una vieja demacrada y arrugada. Es muy bohemia, lleva largas trenzas, vive fuera del pueblo, en las profundidades del bosque, y la rodea una atmósfera de misterio.”

El miembro de la familia al que Valerie se siente más unida es su abuela. “Comparten un vínculo muy grande”, confirma Seyfried. “Siempre han conectado a un nivel más allá del que Valerie tiene con sus padres. Valerie siempre ha admirado lo independiente que es su abuela”.

“Es una inconformista”, dice Christie del ecléctico estilo de vida de su personaje. “Es artista y herbolaria y tiene algo de curandera. Es muy sabia y comprensiva y ha sido como una protectora para Valerie, que siempre ha podido confiar a su abuela sus secretos más íntimos”.

En Caperucita roja (¿A quién tienes miedo?), la abuela, interpretada por Julie Christie, no se parece en nada a la del cuento clásico. Hardwicke subraya, “una de las primeras cosas que dije fue que nuestra abuela no sería

Después de que el lobo atacara a su propia familia, Valerie corre a casa de su abuela, a pesar de que los hombres del pueblo, sedientos de venganza, se unen para seguir el rastro de la bestia y matarla. Aunque el lobo se lleva a muchos

“Nos emocionamos mucho cuando conseguimos a Julie Christie para el papel”, continúa. “Es tan increíble y bella, que me dejó sin aliento. Y Julie agradeció que su personaje no fuera una abuela anciana y estirada”.

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Lukas Haas, que interpreta al Padre Auguste, comenta: “Siente verdadera admiración por el Padre Solomon. Creo que en realidad el Padre Auguste solo quiere hacer lo correcto, pero el hecho de que el lobo haya matado de nuevo puede haberle servido también de excusa para llamar a su ídolo. Puede que su predilección por su héroe le haya nublado el juicio, pero Auguste pronto comienza a darse cuenta de quién es la persona que de verdad supone un peligro para su pueblo”.

totalmente convencido de la honradez de su misión. Cree de verdad que es la espada de Dios... y tiene un don para la moda”, dice el actor, inexpresivo. “Pensé que me divertiría hacer el papel. También sentí curiosidad por el oscuro matiz que se le daba al ya oscuro cuento. Cuando somos pequeños, los cuentos como Caperucita roja son probablemente la primera vez que somos conscientes del miedo. ¿Qué nos aguarda en el bosque? En las manos de Catherine Hardwicke, lo vemos a través de un prisma diferente”. “Trabajar con Gary Oldman era un sueño hecho realidad”, afirma Hardwicke. “Nunca deja de sorprenderme. No solo es un actor intrépido, es generoso, servicial y tremendamente divertido. A todos los miembros el equipo del plató les encantaban Gary y Julie”.

Gary Oldman interpreta el papel del ferviente Padre Solomon, a quien describe como ”un hombre poseído, aunque no le considero un villano. Más bien, ha visto el fondo del abismo y ahora está

El Padre Solomon llega cuando el pueblo está a punto de celebrar la muerte del lobo, pero Solomon les sermonea diciéndoles que el terror aún no ha terminado. “Su ‘víctima’, les informa, es solo un

por delante, los hombres vuelven creyendo que han vencido a la bestia. Mientras tanto, el cura del pueblo, el Padre Auguste, con la intención de hacer lo mejor por los suyos, llama al afamado cazador de hombres lobo Padre Solomon para que venga a Daggerhorn.

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lobo gris común, mientras que el hombre lobo sigue más vivo que nunca. Después, les informa de la cruda realidad: la criatura que se transforma en humano durante el día, vive entre ellos. Solo bajo la luna llena uno de sus vecinos de confianza adquiere la forma del lobo. Y lo que es peor, no es una luna llena normal, sino un fenómeno cósmico que ocurre solo una vez cada trece años, cuando Marte y la luna se alinean, una luna color rojo sangre. Cuando la luna roja brilla en el cielo nocturno, el leve mordisco del hombre lobo transforma a la víctima de presa a depredador, de humano a hombre lobo. Durante los tres siguientes días, las almas de todos los habitantes del pueblo correrán peligro”.

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Estrenos

HOP

15 de Abril

De la mano de los creadores de Gru, mi villano favorito, llega HOP, una nueva comedia que mezcla la animación digital de última generación con acción real. Después del anterior éxito mundial, producto de la asociación entre Universal Pictures e Illumination Entertainment, esta nueva película cuenta la historia de Hop (al que presta su voz RUSSELL BRAND, Gru, mi villano favorito y Todo sobre mi desmadre), el hijo adolescente del Conejo de Pascua. Frente a la costa de América del Sur se encuentra la isla de Rapa Nui, también conocida como isla de Pascua, hogar de las enormes cabezas debajo de las que se encuentra la más maravillosa fábrica de caramelos del mundo. Durante 365 días al año, el Conejo de Pascua reina sobre un equipo de conejos y polluelos dedicados a llenar de caramelos las cestitas que se entregarán por todo el

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mundo el Domingo de Pascua. Pero el día antes de ser nombrado legítimo sucesor de su padre, Hop se fuga a Hollywood con la esperanza de hacer realidad su sueño: convertirse en el batería de un grupo. Al llegar, conoce a Fred (JAMES MARSDEN, X-Men, Encantada, la historia de Giselle), al que acaban de despedir y que está decidido a hacerse con el control de su vida. Cuando sus queridos padres le echan de casa, casi atropella a Hop, que finge estar herido. Fred se sorprende cuando oye hablar a Hop y acepta cobijarle hasta que se reponga. De vuelta a la isla de Pascua, la mano derecha del Conejo de Pascua, un polluelo gordinflón que responde al nombre de Carlos, aprovecha la desaparición del primogénito para tramar un golpe. Fred y Hop son los únicos capaces de salvar la tan esperada fiesta, por lo que deberán librar una batalla épica en la isla de Pascua.

Además de James Marsden y Russell Brand, el reparto incluye a estrellas del calibre de KALEY CUOCO (la serie “Big Bang”), HUGH LAURIE (la serie “House”), HANK AZARIA (Los Simpson, la película), GARY COLE (Pasado de vueltas), ELIZABETH PERKINS (la serie “Weeds”) y CHELSEA HANDLER (“Chelsea Lately”). Dirige la película TIM HILL, realizador del gran éxito Alvin y las ardillas. Los productores son CHRIS MELEDANDRI (Gru, mi villano favorito, Ice Age: la edad del hielo, Robots, Ice Age: el deshielo, Horton), fundador de Illumination Entertainment, y MICHELE IMPERATO STABILE (Alvin y las ardillas). Una historia de CINCO PAUL y KEN DAURIO (Gru, mi villano favorito, Horton) con guión de Cinco Paul y Ken Daurio, y BRIAN LYNCH (el próximo estreno Puss in Boots).

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ACERCA DEL RODAJE Un brinco hacia la acción: Empieza el rodaje. El productor Chris Meledandri fundó Illumination Entertainment, una productora dedicada al cine de entretenimiento para toda la familia, con Universal Pictures en 2007. Entonces aún faltaban tres años para conseguir los sensacionales resultados con su primera película de animación digital en 3D, Gru, mi villano favorito. La comedia se convirtió inmediatamente en un éxito mundial con una recaudación total de 540 millones de dólares. No pudo desbancar del primer puesto a Toy Story 3 en Estados Unidos, y se convirtió en el sexto estreno de mayor éxito distribuido por Universal internacionalmente. Ahora ocupa el décimo puesto en la lista de películas animadas más taquilleras de la historia del cine. www.cinemascomics.com

Antes de fundar Illumination, Chris Meledandri estuvo tres años en Fox, donde supervisó el departamento de animación así como el lanzamiento de la taquillera franquicia Ice Age. “Tenemos la increíble suerte, tanto si trabajamos exclusivamente con animación, como si combinamos acción real con animación, de poder describir, diseñar y animar a personajes generosos, entrañables y, espero, imperecederos”, dice el productor. Chris Meledandri encargó a los guionistas Cinco Paul y Ken Daurio (con los que había trabajado en Horton y Gru, mi villano favorito) que desarrollaran la idea basada en un concepto de JOHN COHEN, uno de los directores de Illumination. Junto con Brian Lynch, los guionistas crearon la fantástica historia de Hop, el hijo adolescente del

Conejo de Pascua, que no tiene el menor interés en seguir el camino de su padre. En la pequeña isla de Rapa Nui, también conocida como isla de Pascua, Hop ha sido educado para ocupar el puesto de su padre cuando llegue el momento. Pero sueña con tocar la batería en una banda y ver mundo, lejos de la pequeña isla. A miles de kilómetros de allí vive Fred O’Hare, un hombre de treinta años que, a pesar de su talento, cambia de trabajo constantemente, incapaz de encontrar algo que encaje con él. Pero conocer a un invitado tan inesperado acaba siendo exactamente el pequeño empujón que necesitaba para encaminar su vida. Chris Meledandri presenta a Hop: “El día antes de heredar el puesto de su padre, Hop, que tiene unos 17 años en edad humana, decide que no está hecho para eso. InCinemascomics │ Abril 2011 │

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tenta decírselo a su progenitor, pero este no le escucha. Hop se fuga, dejando tirado al Conejo de Pascua, y se va a Los Ángeles a tocar la batería. Allí, acaba convirtiéndose en el peor compañero de piso imaginable del pobre Fred. Sin embargo, ambos son personajes que se debaten entre la adolescencia y la edad adulta”. Para que los personajes tuvieran un mundo atractivo en el que desenvolverse, los guionistas crearon un trasfondo muy imaginativo para el Conejo de Pascua y sus semejantes, donde se explica todo acerca del Domingo de Pascua. John Cohen dice: “Nunca se había llevado a la pantalla el mundo del

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Conejo de Pascua. Al responder a preguntas como ‘¿De dónde salen tantos caramelos? ¿Quién pinta los huevos de Pascua? ¿Cómo va el Conejo de Pascua de un lado a otro?’, los guionistas y el equipo de diseño han creado un mundo y una nueva mitología ubicada en la isla de Pascua. Es una fantástica y maravillosa fábrica controlada por conejos y polluelos donde se fabrican los caramelos 365 días al año, 24 horas al día, para el Domingo de Pascua”. Chris Meledandri, a la hora de escoger a un director para el segundo proyecto con su productora, se inclinó por Tim Hill, con el que había trabajado previamente

durante su época en 20th Century Fox Animation. El productor dice: “La experiencia con Tim fue muy buena durante Alvin y las ardillas. Tenía muchas ganas de volver a trabajar con él”. La productora Michele Imperato Stabile añade: “Demostró tener cualidades asombrosas para dirigir una comedia como Alvin y las ardillas. Se siente igual de cómodo dirigiendo a personajes humanos o animales. Tiene un profundo conocimiento de los retos y matices que implica la mezcla de acción real con animación digital de última generación. Los que hemos tenido la suerte de trabajar con él, hemos aprendido algo www.cinemascomics.com


En la madriguera del conejo: El mundo de Pascua HOP transcurre en dos lugares muy diferentes, Los Ángeles, donde Fred se pasa el día soñando, y el fantástico mundo de la fábrica de caramelos instalada en la isla de Pascua. Para crear el mundo de Pascua, los cineastas reclutaron a un equipo a cargo del diseñador de producción RICHARD HOLLAND, con el que Tim Hill había trabajado en Alvin y las ardillas. La fábrica de caramelos que dirige el Conejo de Pascua es un mundo nunca visto hasta ahora. La enorme fábrica produce chicles de todos los colores; cascadas de brillantes gominolas forman auténticos ríos, y los almacenes del Conejo de Pascua tienen algo para todos los gustos. Los conejos y los polluelos trabajan codo con codo para producir cantidades ingentes de chuches y controlar la calidad de las tinajas llenas de chocolate con leche en el maravilloso mundo de Pascua. Como es sabido, el Domingo de Pascua se celebra de manera diferente en muchos países. En algunos, concretamente en Estados Unidos, los niños, nada más despertarse, buscan los caramelos y chocolatinas que les ha dejado el Conejo de Pascua durante la noche. cada día”. Tim Hill aceptó el encargo sobre todo porque comparte con Illumination la idea de “no hacer una película solo para niños”. Explica: “Nunca hago una película para niños. Para que funcione, la sensibilidad y el tono deben ser los de una comedia para cualquier público. En cuanto al nivel cómico, el humor debe ser mucho más sofisticado que en las típicas películas para niños”. Además del humor que encontró en el guión, Tim Hill estaba convencido de que el público agradecería que, por primera vez, los cineastas llevaran a la pantalla una www.cinemascomics.com

fiesta tan importante. Dice: “Nadie ha hecho una película acerca del Conejo de Pascua. Creo que los espectadores responderán a un personaje tan bien animado. Es adorable, y tiene mucho genio”. Sigue diciendo: “Creo que HOP puede funcionar en cualquier época del año con cualquier público. Hemos creado un personaje basado en una época concreta del año, asociado a un mito, pero funciona en cualquier mes. HOP es universal porque la historia es universal”.

La víspera del Domingo de Pascua, todas estas decadentes delicias se cargan a bordo de un gran trineo en forma de huevo tirado por unos polluelos. El famoso trineo de Santa Claus tirado por renos se inspiró en este. Solo el Conejo de Pascua conoce el camino por el oscuro y potente vórtice de las madrigueras para recorrer el mundo en 24 horas. Chris Meledandri habla del aspecto del mundo de Pascua: “Cuando alguien se acerca a una de las gigantescas cabezas de la isla de Pascua, la boca se abre y aparece un ascensor que baja a la magnífica fábrica de caramelos. El equipo ha diseñado un ambiente imaginativo que encantará al público Cinemascomics │Abril 2011 │

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de todas las edades: una fábrica llena de chocolate, moldes con forma de conejos y montones de cestitas de Pascua. Y todo está en manos de unos divertidísimos polluelos y adorables conejos”. Michele Imperato Stabile explica cómo ha sido posible para el equipo conseguir un mundo tan detallado: “Tim y los animadores han creado con sumo cuidado y sistemáticamente a todos los personajes. Se han esforzado para que la ropa y el pelo parezcan reales, pero un poco exagerados. Los conejos y los polluelos son algo más grandes de lo normal para que sus expresiones se vean mejor”. La animación digital se mezcla con la acción real Como es lógico en una comedia de animación digital con acción real, los personajes de animación deben interactuar con los actores, además de vivir en su mundo. En el caso de HOP, este requisito implicaba crear un conejo que pareciera igual de real cuando estuviera con sus semejantes en la isla de Pascua o molestando a todos en el mundo de Fred. La creación del conejo animado se encargó a la empresa de efectos

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visuales Rhythm and Hues (R&H). Fue necesario un auténtico ejército de animadores dirigidos por el realizador Tim Hill y el supervisor de efectos visuales RAYMOND CHEN para conseguir que el personaje encajara impecablemente en la película. El diseño de Hop Los personajes emblemáticos de la película, Hop, el Conejo de Pascua, Carlos y Phil fueron diseñados por el artista PETER DeSÈVE, ganador de un Emmy y nominado a un Annie, cuya relación con Chris Meledandri remonta a cuando trabajaron juntos en las entregas de Ice Age, para las que diseñó la incomparable ardilla prehistórica con los dientes de sable conocida como Scrat. El productor dice: “Peter tiene un toque único a la hora de crear personajes intemporales. Nuestro héroe debía ser irrespetuoso, divertido, joven, atrevido y, al mismo tiempo, un personaje clásico. Peter dio en el clavo con el diseño de Hop, del Conejo de Pascua y de los dos polluelos principales”. Para dar vida a Hop, Peter DeSève y los animadores empezaron a

concebir el personaje a partir de la interpretación vocal de Russell Brand. Grabaron al actor mientras interpretaba a Hop, y los diseñadores se sirvieron de sus expresiones faciales, movimientos y excentricidades varias como puntos de referencia. El objetivo era crear un personaje que fuera un auténtico conejo, pero que también actuara como un adolescente decidido a comerse el mundo. Cuando no estaba ocupado con el storyboard o el diseño de nuestro joven protagonista, el supervisor de animación CHRIS BAILEY (que colabora por tercera vez con Tim Hill) pasaba muchas horas encajando la interpretación de Russell Brand con las típicas expresiones corporales y gestos de un adolescente. A continuación, los animadores se grabaron a sí mismos actuando y leyendo los diálogos para obtener otras características físicas para animar a Hop. Durante este proceso también incorporaron características animales específicas al personaje, tales como mover la nariz estilo conejo, o el rápido movimiento de una pata trasera cuando se rasca. Durante un tiempo, las salas de R&H se asemejaron a una granja www.cinemascomics.com


por la cantidad de conejos y polluelos que rodeaban a los animadores. Decenas de cámaras rodaban a los animalitos para obtener todos los movimientos necesarios. Se puso especial atención en el pelo. Por ejemplo, cuando alguien cogía a Hop o cuando saltaba encima de un actor, su pelo debía cambiar, aplastarse ligeramente. Se estudiaron numerosas texturas flexibles y diferentes colores hasta que Tim Hill y el resto del equipo quedaron satisfechos con el aspecto ideal de cada personaje. Raymond Chen lo explica: “Hop es un personaje original con una larga historia. No procede de otro medio. Ha sido genial ver a los diseñadores y a los animadores aportar ideas en cuanto a cómo debía ser, cómo debía comportarse. Buscamos el equilibrio entre Russell Brand y un conejo de verdad, y ese equilibrio cambia en cada escena. Hay casos en que seguíamos la grabación visual y de audio para ver cuántos gestos de Russell Brand incorporábamos a la escena. En otros, intentamos usar la actitud de un auténtico conejo”. Los diseñadores se basaron en

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storyboards muy detallados de cada escena. Para crear el personaje digital de Hop, empezaron con un modelo en una actitud neutra. Raymond Chen dice: “A continuación añadimos un “rig” en el modelo para conseguir expresiones faciales y movimiento en las extremidades. También hay que tener en cuenta la ropa, lleva una camiseta y una camisa de franela. Tuvimos sumo cuidado en que su ropa se moviera como la ropa de verdad”. Hop interactúa en el plató Durante el rodaje, Chris Bailey hizo de doble de luces del conejo siempre que Hop aparecía en una escena. Armado con un conejo de peluche de 55 centímetros, que era el tamaño del auténtico Hop, sirvió de referencia durante los ensayos. Trabajó con los actores, el director Tim Hill, el director de fotografía PETER LYONS COLLISTER y miembros clave del equipo técnico para conseguir una puesta en escena fluida. “Peluchín”, así acabaron llamando a Chris Bailey y a su peluche,

sirvió de referencia visual para los actores, permitiéndoles saber dónde debían mirar en las escenas con el conejo. También permitió a los animadores ver cómo funcionaría la iluminación del plató para Hop. A pesar de que el animal de peluche solo se parecía remotamente a Hop, el equipo de R&H se hizo una idea de la cantidad de luz que reflejaría un lado de su cara o sus hombros cuando se daba la vuelta. “El peluche fue muy útil para los actores durante los ensayos. Les ayudó a ver cómo sería la escena después de que se introdujera a Hop”, explica Chris Bailey. “Cuando se rodaba una escena, retirábamos el peluche. Pero también fue de gran utilidad para el equipo de cámara durante los ensayos”. Siempre que Hop estaba en los brazos de alguien o encaramado a un hombro durante una escena, el actor o la actriz usaba un saquito lleno de bolitas para que tuviera algo con lo que actuar. También permitía a los diseñadores y animadores saber dónde estaba Hop. Para que la interacción digital

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resultara perfecta, el equipo de animación tuvo que “rastrear” a cada uno de los actores que trabajaba con Hop. Crearon un modelo completo de todos los actores para conseguir sus imágenes en el mundo digital y obtener un doble digital. Después de equiparar los movimientos, los diseñadores disponían de un modelo tridimensional donde colocar a Hop. La preparación de los fondos Una vez terminado el trabajo con Peluchín y el saquito de bolas, los artistas de R&H empezaron con los fondos. Escanearon el negativo de los planos para que cada fotograma existiera en un mundo virtual. Posteriormente, una cámara ayudó a crear un complicado universo digital idéntico al real. Un equipo de pintores se dedicó a borrar la famosa bolsa de los brazos y hombros de los actores. Una vez listas las placas, se unieron a la correspondiente secuencia de animación, según el proceso de “compositing”, con el resultado de que Hop parecía ser parte de

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la secuencia.

en cada momento.

A continuación, varios animadores se ocuparon de los múltiples aspectos de la toma. MARK RODAHL, el cosupervisor de efectos visuales, dice: “Primero se preparan los fondos para la toma, luego nos ocupamos de la animación y lo integramos. Siempre se usa el fondo como referencia, incluso en la animación. Usamos un decorado de fondo para asegurarnos de que todo encaja en la animación”.

Una vez terminado este proceso, el equipo de animación creó un diseño aproximado de las expresiones faciales y movimientos que Hop intercambiaría con el otro actor, para conseguir una idea de la interpretación de Hop en la escena.

El “blocking” y la animación La animación comprende pasos múltiples de previsualización, pero en un híbrido que comprende animación y acción real, la posvisualización (también llamada “blocking”) es lo más habitual. Empezando con una toma donde un actor actuaba con el “saco Hop”, el equipo de R&H integraba a un doble muy rudimentario de Hop para tener una idea aproximada de sus movimientos. Se “bloqueaba” cada toma para que Tim Hill supiera dónde estaba Hop

Utilizando el doble digital del actor que había actuado con Hop, los animadores encargados de la secuencia “mueven” las manos del actor para que aparte, empuje o tire de Hop. Era otra referencia necesaria para construir la personalidad de Hop y todas sus expresiones faciales, y para encajar sus movimientos con el actor de carne y hueso. Cualquier escena de Hop con otros actores ofrecía una multitud de retos. Los animadores debían asegurarse de que la camisa a cuadros de Hop se moviera de forma natural cuando Sam le cogía en brazos; o que su pelo se moviera y aplastara. En el siempre cambiante mundo www.cinemascomics.com


de esta comedia, las secuencias de animación diferían a menudo de las contenidas en el storyboard. Chris Bailey dice: “A la hora de montar una película siempre hay sorpresas; una escena es más dramática o más divertida de lo que se esperaba. Una vez montada la escena, nos reuníamos y hablábamos de cómo debía ser la actuación de Hop, lo que debía comunicar al público. Pasaba la información a los animadores de R&H para que se ocuparan de cada toma”. Cuando el equipo estaba convencido de que habían obtenido lo que querían, empezaba la animación final. En esa etapa, los magos de R&H ajustaban el movimiento de un dedo, una mejilla. Una vez aprobada esta fase, pasaban a ocuparse del pelo y de la luz. El humor empieza con el guión, pero algunos de los mejores chistes son obra de los animadores. Tim Hill, Chris Meledandri y Michele Imperato Stabile estaban de acuerdo en que era de suma importancia que los animadores www.cinemascomics.com

no creyesen que solo debían ejecutar la toma y mover al personaje adecuadamente. Siempre se les pidió que “actuaran” con el personaje. Si una toma no convencía del todo al equipo, surgían las mismas preguntas: “¿Qué más podría hacer Hop? ¿Puede reaccionar ante Fred siendo más gracioso?” Hablando de sus compañeros, Chris Bailey dice: “Son auténticos artistas. Es importante subrayar que son los creadores los que hacen graciosos a los personajes. Estos son creíbles gracias al artista que crea el pelo, los ilumina y hace la ambientación”. La iluminación de HOP A la hora de iluminar las escenas con Hop, se recurrió a una extraña bola cromada. El primer supervisor de animación ANDY ARNETT explica para qué servía: “Era la referencia para los iluminadores cuando llegó el momento de iluminar digitalmente a Hop e integrarlo completamente en el plano. Estudiaron las imágenes

reflejadas en fotos de la esfera cromada, que mostraban de dónde procedían las fuentes de luz, así como los colores y texturas de todo lo que había en la habitación y qué podía reflejar la luz sobre Hop. Eso les permitió realizar una iluminación para el personaje de animación que encajaba a la perfección con la iluminación del plató. Al unir ambas filmaciones, parece realmente que Hop está con los actores”. Cada vez que se terminaba de rodar una escena clave, R&H colocaba una cámara en el centro del plató y realizaba una foto de 360 grados para hacer un mapa del decorado. “Conseguíamos una imagen con una elevada gama dinámica”, explica Mark Rodahl. “Así podíamos saber cuáles eran las luces más bajas y las más altas del decorado. La cámara estaba montada en un sistema para fotografiar 360 grados. A continuación, el ordenador realizaba un mapa de la iluminación mediante esas fotografías para que Hop encajara a la perfección en cada escena”. Cinemascomics │ Abril 2011 │

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Estrenos


20 de Abril

¿JUGAMOS AL CINE DE TERROR? Por Gerard Fossas El próximo 20 de abril se estrena en los cines de España Scream 4, la continuación de la saga que devolvió el cine de terror al primer plano comercial en la segunda mitad de los años 90. Once años después de Scream 3, Wes Craven y Kevin Williamson recuperan su franquicia estrella para volver la vista atrás y analizar a través de los asesinatos de Ghostface el cine de terror de la primera década post-Scream. Neve Campbell, Courteney Cox y David Arquette repiten como indispensable trío protagonista, aunque estarán acompañados de una nueva generación de actores que aportarán la frescura de haber crecido y madurado viendo la nueva ola de cine de terror contemporáneo, como Hayden Panettiere (Héroes), Emma Roberts (Blow, Hotel para perros), Anna Paquin (X-Men, True Blood), Kristen Bell (Burlesque) o Adam Brody (OC, Entre mujeres). “Nueva década, nuevas reglas” es el titular que encabeza los pósters de la nueva entrega de Scream,

pero ¿cuáles son estas nuevas reglas? ¿Qué ha dado de sí el cine de terror de la última década? Y, por lo tanto, ¿qué podemos esperar de Scream 4 aparte de un desfile de acuchillamientos? En las próximas líneas analizaremos el porqué del éxito de la saga Scream y jugaremos a encontrar respuesta a estos interrogantes sobre la esperadísima cuarta entrega. El cine de terror moderno El cine de terror moderno vivió su apogeo a finales de los 70 y principios de los 80, gracias sobre todo al rotundo éxito de Halloween (John Carpenter, 1978) y Viernes 13 (Sean Cunningham, 1980). Ambas películas fueron artífices de la reorientación de un género tradicionalmente dirigido a un público minoritario y adulto, pero que a partir de entonces se convirtió en un foco de atención para el mainstream adolescente, unos jóvenes que encontraron en el miedo seguro que proporcionaba el cine de terror una forma de escapismo, una diversión jocosa y un tipo de cine estrechamente

vinculado a la cultura popular con el que podían identificarse. El carácter crítico del slasher se empapaba de los miedos reales de la sociedad en el contexto de la Guerra Fría y la convulsión social, en una época en la que las noticias en torno a asesinatos, secuestros y violaciones estaban a la orden del día. El cine de terror era, de alguna forma, un asalto al costumbrismo conservador que yacía impávido ante los peligros existentes, vendiendo una falsa seguridad que autoengañaba a unos e incomodaba a otros. Por esto, ver a Michael Myers, a Jason o a Freddy Kruegger como dioses castigadores, asesinando los jóvenes inconscientes refugiados en el sexo y/o las drogas, a directores de escuela estrechos de miras, tiñendo de sangre las casitas blancas con jardín y destripando a los seguidores de lo políticamente correcto, era una moraleja de que el ser humano sin inquietudes ni espíritu combativo era el verdadero enemigo.


Sobreexplotación y decadencia La alta rentabilidad del género de terror, por sus bajos costes de producción y el éxito casi asegurado, junto con avances técnicos como la irrupción del vídeo doméstico (que abría un mercado de películas para el videoclub) propició una sobreexplotación desmesurada del cine de terror y serie B. A finales de los 80 y principios de los 90 las secuelas de clásicos salían de debajo de las piedras, completamente alejadas del producto original: Jason había resucitado ya 20 veces, a Freddy se le habían encogido las garras y Michael Myers ya ni siquiera iba tras su hermana. En las nuevas películas abundaba la producción descuidada, los títulos absurdos y el autismo interpretativo. Con el fin de la era Reagan y la Guerra Fría, EEUU vivía en una paz social en la que el cine de terror no encontraba su sentido ni su lugar.

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Scream, el cine de terror posmoderno La llegada de la posmodernidad dispuso un nuevo lecho donde el cine de terror se podía asentar. La reformulación de los géneros, muchas veces a través del humor y recursos como el metalingüismo, la citación de referentes, el homenaje, la parodia o el pastiche abrían un mundo de posibilidades nuevo en el que se podía crear algo nuevo a partir de lo que ya existía. Por primera vez, los creadores (productores, guionistas, directores, etc.) tomaron consciencia de la existencia de un público que había mamado cine y al que no se le podía sorprender si no se le ofrecía algo nuevo que tuviera en cuenta en cuenta sus experiencias previas. Wes Craven, un gran conocedor del cine de terror y un tipo inteligente, supo jugar a este nuevo juego. Tantos años de explotación y repetición generaron unas reglas no escritas, conocidas por

creadores y público, que se repetían en las películas de terror. “¿Por qué bajas al sótano si sabes que el asesino está ahí?” es algo que todos pensamos cuando vemos una película de terror, de la misma forma que todos sabemos que el que dice “vuelvo enseguida” acabará colgado de la pared con un cuchillo en el cuello. La grandeza de Scream es la autoconsciencia con la que está planteada. El director sabe que hace una película de terror, el público sabe que ve una película de terror y los personajes saben que están en una película de terror y conocen las reglas y, aún así, mueren. Kevin Williamson, guionista del filme, juega con los tópicos del género sabiendo que todos los conocemos y condiciona la capacidad sorpresiva de la película a la previsibilidad aparente que esto implica. Craven y Williamson plantean una película de terror slasher estructuralmente formal pero rompienwww.cinemascomics.com


do o respetando las reglas intrínsecas a su antojo, generando el miedo (y la risa) gracias a la demolición de los principios establecidos a lo largo de los últimos 30 años para, de esta forma, sorprender de nuevo al espectador con algo, paradójicamente, tan familiar como genuino. Un juego metacinematográfico y transcinematográfico En el fondo, la saga Scream se basa en jugar al cine de terror, y cada una de las películas que hasta el momento forman la trilogía aborda un tema específico en torno a éste. La primera parte es un trivial cinematográfico del cine de terror moderno en el que los personajes que conocen los referentes básicos (Halloween, Viernes 13 y Pesadilla en Elm Street sobre todo, aunque se llegan a citar de una u otra forma hasta 16 títulos distintos) y las reglas del cine de terror, pueden llegar a sobrevivir. Además de las citaciones y otro tipo de homenajes, como el hecho significativo de que cada

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asesinato está inspirado en muertes de slashers anteriores, hay que subrayar el hecho significativo que Sidney (Neve Campbell) sobrevive a pesar de pasarse el filme rompiendo todas las reglas posibles, lo que supone una ruptura con los rudimentos del slasher convencional y una irrupción a un nuevo universo metalingüístico en el que realidad y ficción se miran de frente y toman consciencia la una de la otra. Scream 2 aborda esta cuestión desde la primera secuencia, en la que una pareja es asesinada por Ghostface durante el estreno de Stab (la película basada en los hechos ocurridos en la primera parte). La imagen de la chica, Maureen, muriendo desangrada a la vista de todos encima del escenario con la película (en la que Ghostface está blandiendo su cuchillo) proyectándose sobre su cuerpo, es la metáfora visual perfecta para una segunda parte en la que la ambigüedad cobra fuerza y la trascendencia transcinematográfica del filme llega a

tocar el cielo. Scream 2 es una de esas secuelas que superan a su predecesora (un debate que se produce en una clase de cine durante la película) porque va más allá del sentido homenaje y propone un discurso marcadamente irónico sobre la forma cómo el cine de terror afecta a la sociedad. Scream 2 está llena de referencias a la cultura basura y la cultura popular, devuelve los golpes que históricamente ha recibido el cine de terror (por hacer apología de la violencia, por corromper la juventud, por machismo u otras memeces varias) con audacia y, además, juega a ser una secuela elaboradamente torpe y paródica que constantemente hace equilibrios con la sorpresa y la más estricta continuidad (dos formas básicas de secuela), hasta el punto de que todos podrían ser los asesinos porque todos dan muestras evidentes de ello. El cierre de la trilogía quizá sea el más desafortunado de los tres

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títulos, aunque las intenciones que demuestra son loables. El tema central de Scream 3 es la fusión total entre ficción y realidad, coincidiendo los hechos de Scream 3 con los de Stab 3, cuyo guión es la hoja de ruta que sigue el asesino “real” para elegir a sus víctimas. Paralelamente, Kevin

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preocupa de hacer malabarismos con los tópicos y termina siendo una tercera parte al uso, con todo lo que esto implica. Nueva década, nuevas reglas Evidentemente, el cine de terror de hoy en día no es el mis-

Sinopsis:

Sinopsis:

Hace un año que fue asesinada la madre de Sidney -Neve Campbell-, una atractiva joven. Ahora vuelve a atravesar una situación angustiosa, ya que mientras un terrible psicópata aterroriza el barrio, su padre está siempre ausente y su novio está a punto de cortar con ella.

Sidney Presscott, dos años después de los asesinatos de Woodsboro, California, vive feliz con sus amigos en el Campus de la Universidad de Windsor. El curso toca ya a su fin. Pero el día en que se estrena una película basada en la novela de la periodista Gala Weathers sobre los crímenes de Woodsboro, alguien es asesinado en el cine del campus.

SCREAM (Vigila quién llama) 1996 Dirección: Wess Craven Intérpretes: Neve Campbell, David Arquette, Courteney Cox, Matthew Lillard, Rose McGowan, Drew Barrymore, Skeet Ulrich, Liev Schreiber, Jamie Kennedy, W. Earl Brown, David Booth

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Williamson y Wes Craven aprovechan para moverse por los entresijos de la industria hollywoodiense y criticar sus cloacas, esta vez con moderación y poca creatividad (¡cómo se nota que tienen que comer!), dos adjetivos aplicables a la película entera que, en esta ocasión, ni siquiera se

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SCRAM 2 1997 Dirección: Wess Craven Intérpretes: Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Sarah Michelle Gellar, Jada Pinkett, Jamie Kennedy, Luke Wilson, Jerry O’Connell, Liev Schreiber, Laurie Metcalf, Elise Neal, Heather Graham.

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mo que dejó Scream once años atrás, aunque en parte es mérito de esta franquicia que algunos taquillazos sean películas de terror. De todas formas, ¿qué ha marcado el cine de terror de la última década? La respuesta es muy fácil: el remake. Hace años que se nos bombardea con remakes de películas de terror clásicas, que por una parte es una forma de redescubrir estas historias que a veces son difíciles de encontrar, pero que por otra suelen acabar siendo repeticiones insípidas. El propio Wes Craven ha producido remakes de sus propios filmes, como Las colinas tienen ojos o La última casa a la izquierda, así que seguro que en Scream 4 el remake, o dicho de otra forma, el concepto de volver a los orígenes y empezar de nuevo, tendrá un protagonismo muy destacado. En términos menos conceptuales, el cine de terror que lleva triunfando desde varios años es el “found footage” o películas encontradas. El proyecto de la bruja de Blair, REC, Paranormal Activity o Monstruoso han sido grandes éxitos en los últimos años por su alta rentabilidad de producción

SCREAM 3 2000 Dirección: Wess Craven Intérpretes: Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Patrick Dempsey, Jenny McCarthy, Parker Posey, Deon Richmond, Scott Foley, Lance Henriksen, Matt Keeslar, Emily Mortimer, Patrick Warburton, Liev Schreiber, Carrie Fisher. www.cinemascomics.com

y por el alto realismo que vende el formato. En Scream 4 hay una parte del filme que utiliza cámaras subjetivas de un modo narrativo, posiblemente en homenaje a este modelo de cine que se ha puesto tan de moda. Tampoco sería de extrañar que hubiera algún guiño a Saw, la saga de terror más exitosa y con más estrenos en salas comerciales de la historia. Además, está el hecho de que Scream 4 abre una nueva trilogía, de modo que llegará hasta las 6 entregas (a una de Saw) si no se quedan sin ideas y el público acompaña, de modo que una mención u homenaje (quizá en forma de asesinato) a Jigsaw no sería de extrañar, como tampoco lo sería (aunque ya es más complicado) que Scream 4 se empapara un poco del cine de terror europeo u oriental, sobre todo este segundo con unos códigos muy definidos, que en los últimos años ha demostrado más nivel que el norteamericano. De todos modos lo más importante es, sin duda, saber cuáles son estas “nuevas reglas” del cine de terror. En este sentido, diez años son muy pocos para el asentamiento de nuevas reglas, así que

parte de la gracia del filme seguramente será más el hecho de averiguarlas que el de enumerarlas y cumplirlas (o no), tal y como ocurría en la primera trilogía. Wes Craven ha comentado sobre esta carencia de normas establecidas, “¿cómo se puede luchar contra un asesino sin hoja de ruta? Tenemos que averiguar en qué punto estamos”. Sea como sea, tendremos que esperar hasta el 20 de abril para ver qué nuevos derroteros toma la saga con este esperadísimo reencuentro de todos sus artífices. Todas las hipótesis son humo, ya que el guión de la película está cerrado bajo llave y las filtraciones han sido mínimas, de modo que tendremos que confiar en que el tándem Craven & Williamson nos ofrezca algo parecido a Scream 2, un producto de auténtico cine-ensayo oculto tras la fachada de la ficción rudimentaria que caracteriza la secuela de un género prácticamente mecánico. La única cosa que parece segura es que se va a mantener la tradición de empezar la película con el asesinato de una pareja y, a partir de ahí..¡ a jugar con el cine de terror!

Sinopsis:

Sinopsis:

Después de los terroríficos acontecimientos que tuvieron lugar en la localidad de Woodsboro, Sidney vive alejada del mundo en una pequeña casa en las montañas, en la que intenta olvidar el pasado. Ahora, trabaja dando apoyo moral a mujeres con problemas vía teléfono, hasta que recibe una misteriosa llamada que le informa de los asesinatos que está ocurriendo alrededor del set de rodaje “Puñaladas 3”, película que narra los hechos de los que ella fue protagonista.

Sidney Prescott ha logrado olvidar los asesinatos cometidos en Woodsboro. Diez años después, convertida en una escritora de éxito, vuelve a su pueblo natal con motivo de la gira de promoción de su nuevo libro. Pero su regreso irá acompañado de una nueva ola de crímenes perpetrados por un viejo conocido: Ghostface. SCREAM 4 Dirección: Wess Craven Int��rpretes: Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Emma Roberts, Marley Shelton, Hayden Panettiere, Adam Brody, Mary McDonnell, Anthony Anderson, Rory Culkin, Kristen Bell, Anna Paquin. Cinemascomics │ Abril 2011 │

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Estrenos


29 de Abril La épica aventura de “Thor” traslada el Universo Marvel desde la Tierra en el presente hasta el reino místico de Asgard. En el centro de la historia está el Poderoso Thor, un poderoso pero arrogante guerrero cuyos imprudentes actos reavivan una antigua guerra. Como consecuencia, Thor es castigado a ser enviado a la Tierra, donde se ve obligado a vivir entre humanos. Cuando el villano más peligroso de su mundo envía a las fuerzas más oscuras de Asgard, Thor aprende lo que hace falta para ser un verdadero héroe. “Thor” es el relato del periplo mítico de un hombre: de petulante príncipe heredero al trono, a humilde superhéroe que se gana el derecho a ser un líder. Paramount Pictures y Marvel Entertainment presentan Una Producción Marvel Studios de Una Película de Kenneth Branagh: “Thor”, protagonizada por Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Stellan Skarsgård, Colm Feore, Ray Stevenson, Idris Elba, Kat Dennings, con Rene Russo y Anthony Hopkins como Odin. La película está dirigida por Kenneth Branagh. El guión es de Ashley Edward Miller & Zack Stentz y Don Payne, con un argumento de J. Michael Straczynski y Mark Protosevich. Está producida por Kevin Feige. Los productores ejecutivos son Alan Fine, Stan

Lee, David Maisel, Patricia Whitcher, Louis D’Esposito. El director de fotografía es Haris Zambarloukos, BSC. El director artístico es Bo Welch. El montaje es de Paul Rubell, A.C.E. El diseño de vestuario es de Alexandra Byrne. Los coproductores son Craig Kyle y Victoria Alonso. El supervisor musical es Dave Jordan; la música es de Patrick Doyle. UN FORMIDABLE RUIDO DE TRUENO En 1962, los ahora legendarios Stan Lee y Jack Kirby presentaron El Poderoso Thor a los lectores de Marvel Comics, dando comienzo a una nueva era de acción y aventuras con su enfoque del dios vikingo del martillo. A pesar de los nombres poco familiares, la historia se basaba en conflictos familiares y universales que han provocado dramas entre los hombres desde el principio de los tiempos: un hijo impaciente por demostrarle su valía a su padre, un hermano letalmente resentido, y una mujer que ayuda a un hombre a ver el mundo con nuevos ojos. Sangre real, mortíferas venganzas, el orgullo y la posterior caída. En resumen, en cualquier mundo, son historias que merecen ser contadas. Miembro fundador del grupo de superhéroes conocido como “Los Vengadores”, Thor surgió de la misma pluma de Marvel Comics


que previamente había dado vida a Iron Man, los Cuatro Fantásticos, X-Men y Spiderman. Kevin Feige, productor de la película “Thor” y co-presidente de Marvel Studios, recuerda: “Stan Lee cuenta que, después de que Jack Kirby y él hubieron creado a los otros héroes, pensaron: ‘Hagamos un dios, ¡y luego derribemos a ese dios!’ Y en una decisión inteligente, buscó en la mitología noruega, porque mucha gente estaba familiarizada con las mitologías griega y romana, pero no tanto con la noruega. Cuando uno lee esas historias, es de lo mejor de Marvel Comics, porque se trata de gente que es muy humana, a pesar de sus poderes, a pesar de poder convocar a la tormenta, el trueno y el rayo. Hay temas familiares, con los dos hermanos, Thor y Loki, peleándose. Es un drama familiar, y tienen tantos defectos como nosotros, o cualquiera de los héroes de Marvel. Eso es lo que hace que sea tan fácil identificarse con los personajes de Marvel”.

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“En el cine, hemos explorado a muchos de los héroes de Marvel con base en este mundo”, continúa Feige. “Pero por algo se le llama el universo Marvel. Es un lugar enorme, y con “Thor” nos vamos a un nivel cósmico”. Fue el desmesurado Thor el que también sedujo al director Kenneth Branagh cuando era un niño en el Belfast de los años sesenta. “En Irlanda del Norte llueve mucho y casi siempre está nublado”, recuerda Branagh. “El color de las portadas de los tebeos de Marvel resaltaba en las estanterías, y El poderoso Thor era el que siempre me atraía”. “Me gustaban sus cualidades primordiales: la conexión con algo antiguo, sus caracteres que recordaban a Stonehenge, y simplemente la fuerza bruta del personaje. Es el primero en cumplir ese cliché de nunca pedirle a nadie que haga algo que uno mismo no haría. De hecho, casi todo el tiempo tienes que intentar impedirle que haga algo que nunca se te ocurriría”.

Además, es esa naturaleza muy decidida y obstinada la que resulta ser el punto flaco del carácter de Thor, la que realmente se interpone entre él y el trono que desea más que ninguna otra cosa. Un cuerpo admirable y el éxito en la batalla no bastan para preparar a un príncipe para gobernar a su pueblo: los accesos de rabia, las decisiones imprudentes, los actos apresurados, todo eso son cosas que resultarán ser fatales para un rey. Son también los rasgos que pueden causar y de hecho causan la autodestrucción de un ser humano, incluso sin el peso de una corona sobre la balanza. “Lo genial de la conexión de Marvel con la mitología noruega es su comprensión de que la dimensión humana que hay en el centro de los relatos épicos es el cemento que lo une todo”, observa Branagh, que algo sabe sobre cuentos míticos, habiéndose labrado una reputación interpretando (como actor, director teatral y cineasta) historias de Shakespeare repletas de intrigas familiares. “Hay una euforia, una especie visceral de www.cinemascomics.com


gozo indirecto al ver a esos personajes pasar por las mismas cosas que nosotros”. El productor Feige corrobora: “Cuando los personajes reaccionan ante las situaciones del mismo modo que lo haríamos nosotros, cuando se ven inmersos en situaciones abrumadoras y no pueden arreglárselas fácilmente, cuando tienen que superar tribulaciones y penalidades como las que nosotros superamos todo el tiempo, entonces eso es real, es algo con lo que uno se puede identificar. Así que da igual que seas un multimillonario fabricante de armas o el hijo de Odín, si tienes que enfrentarte a esos temas o problemas (incluso si tienes defectos dentro de tu personalidad), eso te convierte, esencialmente, en uno de los nuestros. Stan y Jack hicieron muchas cosas divertidas en los primeros cómics de Thor (a los que luego dio vida Walt Simonson) con las que J. Michael Straczynski ha hecho un magnífico trabajo en los cómics recientes. Ha tomado los mitos y los ha traído a casa. Puede que hayas oído hablar de Thor, Loki, Odín… lo que no sabías es que son reales. Y que si pudieras conseguir un transporte intergaláctico y atravesar unas cuantas dimensiones y otros pliegues espaciales, te encontrarías con ellos. Ese es el

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concepto que ha sido desarrollado y aplicado a esta adaptación”. J. Michael Straczynski, un premiado guionista (la película varias veces nominada al Óscar de 2008 “El intercambio”) y escritor de los cómics de Thor desde julio de 2007 hasta noviembre de 2009, se sintió encantado de que eligieran a Branagh para dirigir el debut cinematográfico del héroe. “Con su formación clásica y su habilidad para el lenguaje, Ken tiene la capacidad de hacerlo majestuoso y accesible a la vez. Es capaz de hacer descender a esos dioses hasta donde una persona pueda entenderlos”. Feige se extiende sobre por qué fue Branagh el favorito de Marvel. Observa el productor: “Como bien han subrayado personas mucho más inteligentes que yo, los cómics son la mitología actual, y Ken Branagh es alguien capaz de adaptar la literatura como nadie. Es, en el fondo, un narrador muy dotado, y eso es lo que queríamos, alguien que pudiera contar la historia. Hace siglos, esas historias se contaban alrededor de la hoguera, y hoy es bastante parecido, sólo que el fuego es la luz del proyector”. No hace falta decir que los cómics fueron la principal fuente de ma-

terial para todos los implicados en el proyecto, pero a medida que el proyecto se iba transformando y pasando de la página en cuatricomía a la pantalla cinematográfica, otras obras literarias se convirtieron también en referentes para los cineastas, el equipo de Thor y los actores. A quienes participaron en la pre-producción (y más tarde, cuando a los actores se les encargó la tarea de dar vida a los personajes de Marvel) se les proporcionaron materiales de referencia sobre los vikingos y la mitología noruega junto con un montón de cómics, y varias novelas incluidas por si acaso ( Siddhartha de Hermann Hesse, por ejemplo). Chris Hemsworth, el fornido australiano que obtuvo el papel de Thor, explica: “Era como una clase en el colegio: me daban libros sobre gente que se encontraba a sí misma y entonces asumía la realidad de su existencia. Ken sabía que estaban relacionados con la historia que íbamos a contar”. Entonces, ¿será un caso típico de ese mecanismo literario que en las clases de la universidad llaman ‘ironía’ el que Thor en realidad se encuentre a sí mismo... al perderse? “Thor es casi invulnerable”, apunta el guionista Ashley Edward Mi-

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ller. “Es sobrenaturalmente fuerte, puede volar y está provisto de un gran martillo con el que controla las tormentas. Al ser príncipe y un chico importante, nunca ha oído la palabra ‘no’, y se le ha permitido siempre hacer prácticamente todo lo que ha querido”. Ahora bien, en el punto en el que en otras historias al héroe le pica una araña o le atraviesa un rayo gamma, Thor es despojado de todas las cualidades y pertenencias que le hacen ser quien él cree que es. Y encima, le destierran a un lugar extraño. Eso le convierte en un príncipe destronado que ahora es un paria, y así, es uno de los nuestros”. Bueno, uno de nosotros si tuviéramos el físico y el aspecto de... un dios, andando por el desierto de Nuevo México... el mismo desierto en el que cierta investigadora, Jane Foster, está efectuando un trabajo de campo sobre unos fenómenos inexplicables en el cielo nocturno. “Jane está muy concentrada en su investigación”, dice Natalie Portman, quien interpreta a la esotérica científica. “Probablemente ha llegado el límite de la astrofísica, porque

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cree en cosas que a la mayoría de sus colegas le podrían parecer chaladuras. Su llegada parece demostrar cosas que ella supone que son verdad”. “Al principio, Jane cree que Thor es un tema para estudiar”, continúa la actriz. “Aparte de su propio equipo de investigación, ella es la único testigo del extraordinario suceso que han observado sobre las llanuras de Nuevo México, así que él es importante para su trabajo. Lentamente, comienza a sentirse identificada con él y, bueno, sus emociones comienzan a sacar lo mejor de ella, pero luego se enfrenta al desafío omnipresente para todo científico o académico inmerso en una investigación: ser objetivo”. De forma muy parecida a su personaje, quien llega a apreciar el tiempo que pasa en esa tierra extraña, Hemsworth disfrutó con los intercambios más pequeños y no heroicos que ayudan a transformar al joven príncipe. “Thor está llena de grandes momentos, con muchísima acción y pirotecnia, pero algunas de mis secuencias favoritas son entre Thor y

Jane: conversaciones normales, cotidianas. Rodamos esas escenas en Nuevo México, con un hermoso fondo de montañas. Eso sí, tuvimos que espera a que la nieve se fundiera, pero creó un bello entorno. Esas fueron las escenas en las que aprovechamos toda la investigación del personaje, los libros sobre observar la existencia y encontrar la tuya. Y poder interpretarlo con Natalie... bueno, un sueño para mí”. Sin embargo, esa no es la actitud de Thor cuando aterriza (primero con una explosión, y luego con un golpe en el todo-terreno a toda velocidad de Jane) en la Tierra. Pero vivir entre humanos, que le parecía irrelevante desde su majestuosa posición en Asgard, es una revelación para Thor. Por supuesto, nadie sabe quién es él, de hecho, Jane y su equipo piensan que es un nómada del desierto un poco raro (y quizás alguien sin techo). “Thor aprende a través de Jane Foster lo mucho de lo que son capaces los humanos”, dice el guionista Zack Stentz. “Es una de las mejores facetas de la naturaleza www.cinemascomics.com


humana: cuando nos encontramos contra la pared y toda esperanza está perdida, en esos momentos, es cuando encontramos la medida de lo que somos, esos pueden ser nuestros grandes momentos. Ahí es cuando Thor se transforma, ese es su periplo. Está a punto de abandonar, porque ya no es el que solía ser. Pero entonces, descubre lo que puede llegar a ser”. Hemsworth coincide, y comenta: “Todo trata acerca de que Thor aprenda humildad. Al principio aparece como un joven arrogante con un montón de poder a su disposición. Cuando se enfrenta a su padre, es castigado siendo desterrado a la Tierra para aprender una lección, en igualdad de condiciones con el resto de los terrícolas, o sea, como un mortal”. “Ken dijo ya desde el principio que se trataba de una historia sobre padres e hijos”, continúa Hemsworth. “El escenario es una historia sobre dioses, pero en el fondo, trata acerca de los seres humanos”. Por muy místicos que sean, los personajes de “Thor” tenían que

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ser interpretados por seres humanos (o sea, simples mortales). Pero haría falta un puñado de actores con talento (que cumplieran una serie de criterios bien definidos en cuanto a todo, desde la estatura hasta el físico) para dar vida a los habitantes de los tres mundos que contiene el relato de Marvel sobre el dios del trueno y su familia, sus compañeros guerreros y sus mortales enemigos. “Chris Hemsworth parece un superhéroe”, dice Stan Lee, productor ejecutivo y creador de Marvel. “Sin maquillaje ni vestuario, es un tipo realmente fuerte, animoso y emocional. Vestido de Thor, parece como si poseyera la madurez y la sabiduría necesaria para soportar el peso del mundo sobre sus hombros”. El veterano coordinador de especialistas Andy Armstrong coincide: “Chris es auténtico. Pertenece a esa extraordinaria categoría en la que todas las mujeres le encuentran muy atractivo, y sin embargo también todos los tipos se identifican con él. Cuando le vi trabajar, hice que gran parte

de la acción fuera más pesada y con más contacto. Es tan duro y acelerado como cualquier especialista, una versión moderna de alguna estrella del cine de los años cincuenta como Robert Mitchum”. Como se demostraría con los escenarios y los trajes, 50 años de sesiones de cómics habían producido multitud de interpretaciones del icónico personaje. “Ha sido dibujado con más músculos de los que podría tener un ser humano”, dice el productor Kevin Feige. “Pero sabíamos desde el principio que no queríamos contratar a ni a un culturista ni un luchador”. “Decidimos buscar al actor que encajara mejor en el papel, ya fuera conocido o no, porque el personaje tiene, de por sí, un gran tirón”, continúa. “Probamos a decenas y decenas de personas, e hicimos pruebas de cámara con cuatro o cinco. Al final no hubo dudas, era Chris. Tiene una gran presencia, tiene humor, y puede decir esa frases tan grandiosas de una manera que uno se las cree. Uno se preocupa por él, y eso es

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lo que hace que contemplar a alguien sea atractivo”. El tamaño también importaba. “Hay otros personajes (Volstagg, y los Gigantes de Hielo) que son más grandes que Thor, pero él es una figura imponente sin ninguna manipulación, y eso es un punto a su favor“, concluye Feige. Branagh recuerda los primeros días del proceso de casting. “Esperamos y miramos y buscamos durante mucho tiempo, hasta que presentimos que teníamos exactamente a la persona adecuada. Chris es muy impresionante, con un físico que daba la sensación de poder soportar el intenso entrenamiento físico al que le íbamos a someter. Tiene una inteligencia interpretativa muy especial, y la capacidad de aprovechar su lado primario. En su prueba de cámara, contó una historia acerca de una de las hazañas de Thor con tal entusiasmo, gracia, fuerza y sentido del peligro, que enseguida supimos que él era nuestro Thor”. Branagh se sintió también complacido de poder contratar a Tom

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Hiddleston como Loki, el hermano de Thor. Tras haber actuado con Hiddleston en teatro, en una obra en la radio y en la premiada serie de TV “Wallander”, conocía muy bien el registro de Hiddleston. “Necesitábamos a alguien con muchísima versatilidad y una absoluta falta de temor a ser las muchas clases de personalidades diferentes en las que se convierte Loki. Tom también hace una pareja maravillosa con Chris. Ambos son grandotes, se sienten como hermanos, con el tipo apropiado de cualidades opuestas y complementarias”. Una vez que Thor cae a la tierra, aterriza justo en el camino de Jane Foster, que es igual de guapa que de inteligente. Dice Feige: “Queríamos que Jane, el primer amor más famoso de Thor, formara parte de esta historia sobre su origen. En el cómic original, es una enfermera, pero queríamos actualizarla, y la hicimos una doctora que, estando en la universidad, se empezó a interesar más por la astrofísica que por la anatomía. Pero estaba claro que necesitábamos a alguien con belleza, que pudiera también dar

la talla para ser la novia de un superhéroe, y que tenía que ser también completamente creíble como una mujer claramente inteligente y fuerte. Así que al principio, cuando estábamos confeccionando listas de gente para las audiciones, la describíamos una y otra vez como teniendo las cualidades de Natalie Portman. Así que, en un momento dado, algún genio fue y dijo: ‘Vale, ¿y por qué no se lo pedimos a ella?’” Al parecer, el proyecto tenía muchos puntos de interés para la recién oscarizada actriz, pues no sólo era fan del género y del universo de los cómics de Marvel, sino que estaba sumamente interesada en trabajar con el director Kenneth Branagh. Hubo varias reuniones entre la actriz y el director, en donde se enfatizó que Jane no iba a ser ‘el tipo de damisela en apuros atada a las vías del tren’, sino de hecho un factor clave para motivar a Thor en su transformación a lo largo de toda la película. A Portman la mandaron a casa con un montón de libros de ciencia y biografías (“que ella probablemente leyó aquella noche”, bromea Feige) y regresó www.cinemascomics.com


con el personaje de Jane Foster, lista para rodar y dispuesta a sumergirse en los desmesurados acontecimientos. Por supuesto, la clave para Portman estaba en el intensa concentración con que se afinaban los personajes por entre el impresionante paisaje de los platós de acción. Dice: “Creo que el liderazgo de Ken ha hecho que este proyecto sea muy, muy especial. He trabajado en varias producciones a gran escala, y esta es la primera vez que realmente he sentido tal nivel de intensidad y concentración en la interpretación por parte de un director. Me parece extraordinario poner tanto énfasis en la interpretación, la historia y los detalles, y creo que todo eso hace que los grandes y excitantes momentos de acción sean más reales y, en cierto modo, más entretenidos”. Portman acaba de interpretar el que quizás haya sido uno de los papeles más difíciles de su carrera como adulta (el de la bailarina al filo tanto de la grandeza como de la locura en la película de Darren Aronofsky “Cisne negro”), y no tenía mucha intención de embarcarse directamente en otro

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proyecto, y sobre todo en uno de una escala tan grande como “Thor”. Explica la actriz: “Pasé un año entrenándome, y trabajando con Darren, de puntillas, todos los días. Había estado durmiendo unas cuatro o cinco horas cada noche, y estaba sencillamente agotada. Probablemente me hubiera apuntado mejor a alguna especie de cura de reposo, pero trabajar con Ken era una oportunidad demasiado buena como para dejarla escapar. Y me alegro mucho de haber firmado”. En el papel del mentor de Jane, el profesor Andrews, a Portman se le unió un compañero de reparto de un proyecto anterior, la película del período oscuro de Milos Forman “Los fantasmas de Goya”. Stellan Skarsgård (quien interpretó a Goya) admite: “No es un papel muy grande, pero el proyecto me resultaba atractivo por varias razones: poder rodar en Nuevo México, trabajar de nuevo con Natalie, con quien tuve una experiencia fantástica en “Los fantasmas de Goya”, participar en una historia tan grande y desmesurada, y todo ello bajo la dirección de Ken. Aparte de cualquier gran peso psicológico de mi personaje o de enormes cantidades de tiem-

po en la pantalla, esas razones eran estupendas para firmar. Y por encima de todo, resultó muy divertido”. En el papel de la irónica y observadora becaria que trabaja junto a Jane y Andrews, Kat Dennings pudo aprovechar su temprana relación con los cómics de Thor. Explica Dennings: “Tengo un hermano mayor que era un gran coleccionista de cómics. De pequeña, yo miraba a hurtadillas su colección y sus muñecos articulados, y tengo que decir que Thor siempre me atrajo. Siempre me gustó la mitología, y Thor es el dios del trueno de la mitología noruega, y era un personaje tan vívido que me parecía que estaba impreso en la conciencia de los niños, y ciertamente en la mía. Así que, como puedes imaginar, conseguir un papel en la película de “Thor” es para mí un sueño hecho realidad. Y siempre es estupendo poder trabajar con amigas como Natalie”. Con la leyenda de la interpretación Sir Anthony Hopkins en el papel de Odín, el rey en decadencia y padre de Thor, subió el listón para los jóvenes actores, sobre todo para Hemsworth, y

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más concretamente en la escena en la escena fundamental en la que Thor es expulsado a la Tierra. Recuerda Chris: “La película llevaba un mes de rodaje y yo me estaba empezando a sentir bien, como que ya tenía controlado al personaje. Así que llegó el día de la gran confrontación entre padre e hijo. Es algo muy colérico, con ambos gritándonos el uno al otro. Entonces Ken se acerca a Anthony y le dice: ‘Deja que te afecte. Altérate. Te desafío. Y Anthony se queda callado un segundo y luego responde: ‘Vale, buena idea’. Así que yo me preguntaba: ‘Madre mía, ¿qué es lo que va a hacer ahora?’” “Y empezamos la escena de nuevo”, continúa Hemsworth, “y yo hago mi entrada. Entro, hago mi parte, y él se queda callado. Sus ojos empiezan a encenderse. Es el padre herido y desilusionado porque su hijo le ha faltado al respeto, y ha deshonrado a la familia, al reino y a todos sus principios. Y uno se da cuenta de que le está rompiendo el corazón”. “Cuando dijeron ‘¡corten!’, la gente estaba llorando. Luego el equipo empezó a aplaudir y recuerdo que pensé: ‘Eso ha sido impresionante... y yo no hago falta. Más me valdría tirar el martillo y marcharme’. Pero esos son los momentos para los que uno vive en este trabajo”, concluye Hemsworth. “Esa noche, llamé a mis padres en Australia para contárselo y que se hicieran una idea de lo que les esperaba”. Tom Hiddleston (en el papel del Loki, el hermano de Thor), también forma parte de la escena del destierro. Hiddleston coincide con su compañero de reparto y observa: “Algo sucedió en aquella toma. Fue como si cambiara el aire de la habitación. A mitad de la toma, empecé a llorar, lo que no importaba porque, afortunadamente, la cámara no me estaba enfocando. Pero todo el mundo presente en la sala lo estaba sintiendo. Después, me fui hacia él y le dije: ‘Tony, tengo que decirte

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que eso ha sido una de las cosas más extraordinarias que he visto como actor’. Y él me dijo: ‘Qué bueno es ese Branagh, ¿no?’” La humildad de un gran rey, algo que también pueden poseer los grandes actores. Hopkins admite que puede que no fuera muy fan de los cómics de Thor (“Yo leía El Capitán Marvel, y aquellos cómics de posguerra”), pero sí lo era de

todo tu empeño en algo, puedes hacer prácticamente cualquier cosa. Y él lo pone todo de su parte, así es su personalidad. Creo que trabajar en esta película ha sido uno de los mejores momentos de mi vida. ¡De hecho, me gustaría haber tenido más cosas que hacer en ella!”

su director. “Mi agente me llamó y me dijo que si quería interpretar a Odín, así que me reuní con Ken, con quien ya había coincidido antes varias veces. Es un personaje muy atractivo, un hombre brillante. Un gran actor y un gran director. Es uno de esos tipos imparables que piensan que si pones

de Odín, fue contratada la calmosa y serena Rene Russo, y al igual que el resto de los miembros del reparto de “Thor”, la actriz tenía su propia mezcla de razones para participar. Russo sonríe: “Bueno, en realidad llevaba casi tres años sin hacer nada, y entonces me llegó este proyecto. Se me ha dicho

En el papel de Frigga, la esposa

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que yo soy ‘una actriz contemporánea’, con lo que quiera que eso signifique, así que interpretar a esa reina, con un acento, junto a Anthony, con quien tenía la mayoría de mis escenas... bueno, pensé que iba a ser un poco difícil, pero también pensé que iba a ser genial. Al final pensé: ‘Vale, soy una reina, y estoy trabajando con Kenneth Branagh, ¿no es eso

siendo cada una de ellas una versión diferente de lo que podría hacerse con la misma escena. Me decía: ‘Intenta esto y sonríe todo el rato. Vale, ahora hazlo con crueldad’. Es como forjar metal. Él seguía trabajando hasta que funcionaba lo mejor posible”. El veterano Hopkins se sentía tan lleno de energía como los actores que interpretaban a sus hijos.

genial?’ Era un reto, pero fue divertido. ¡Eso es para mí un gran día en el trabajo!” Hemsworth también se quita el sombrero ante el director: “Te impulsa en todas y cada una de las direcciones que podría tomar tu personaje. Seis o siete tomas,

“Ken Branagh me devolvió mis cualidades”, admite. “Sinceramente, estaba pensando retirarme y dejar la profesión, pero trabajar con Ken y con estos jóvenes actores ha sido una inyección de nueva energía en mi vida”. Aunque todos los del reparto es-

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taban en trance por poder trabajar con el venerable Hopkins, uno de los miembros del reparto lo consideraba en realidad un impedimento para crear a su personaje: el actor canadiense Colm Feore, contratado para el papel de Laufey, el rey de los Gigantes de Hielo. Feore bromea: “Cuando me dieron el papel, yo seguía intentado averiguar quién era mi personaje... ¿quién era en realidad ese tipo? Y luego, cuando Ken contrató a Tony, le dije que me lo había chafado, porque para entonces ya había decidido que iba a interpretar a Laufey como lo haría Anthony Hopkins. Así que, ¿qué iba a hacer ahora? Ken dijo: ‘Bueno, supongo que podemos filmarte primero’. Así que revisé mi actuación, y se hizo más al estilo de Tony Hopkins, pasado por el filtro de Max von Sydow, ¡y con un poco de Paul Scofield por si acaso!” Sin inmutarse por los amables cumplidos, el propio Hopkins participó en algunas pequeñas bromas por su cuenta. “A veces llamaba a Ken ‘Gobernador’”, recuerda Hopkins. “Uno le ve andando por plató y es muy autoritario, pero no de una manera pomposa. Tiene un gran sentido del humor, una gran compasión, mucha energía y una visión filosófica de la vida. Hace falta mucho valor para hacer una película tan grande como esta, y eso es lo que él tiene. Y no sólo valor, sino talento y tenacidad, y eso es enriquecedor”. Entre los reyes, el reconocimiento del valor es un signo tácito de sumo respeto. En su esencia, la historia de “Thor” trata de la relación de un padre, Odín, con su hijo y heredero al trono, Thor, y acerca de ganarse el respeto y de respetar. BIENVENIDOS A LA TIERRA ENCANTADA Como bien saben los fans de Thor (y como los espectadores pronto sabrán), los dioses viajan de un reino a otro mediante un porCinemascomics │ Abril 2011 │

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tal celestial (o, como lo llamaría Jane Foster, “un agujero de gusano”). Son lanzados desde el Observatorio de Heimdall en el borde de Asgard, con una explosión de energía. Es así como Thor y su pequeño grupo de guerreros se trasladan a Jotunheim (buscando venganza), y cómo Thor termina en Nuevo México (pagando las consecuencias). Como escritor de los cómics de El Poderoso Thor durante dos años, J. Michael Straczynski fue el primero en meter al superhéroe en la Tierra Encantada. “Hubo un tiempo en la mitología griega y romana en que los dioses y los humanos caminaban juntos”, afirma Straczynski. Formaban parte mutuamente de su vida cotidiana. Así que la idea de anclar a Thor en Nuevo México parecía algo natural para redondear al personaje. Es inmensamente gratificante ver crecer ese desarrollo y cómo esta película ha dado vida a esa idea”. La montaña vino a Mahoma con la creación de los platós, tanto de Asgard como de Jotunheim, en estudio (y mediante ordenador), pero los realizadores viajaron

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hasta Nuevo México para filmar localizaciones durante unas seis semanas a principios de la primavera de 2010 para rodar las escenas de la Tierra. Cualquiera que conozca el clima de ese estado sabe también que llamar ‘primavera’ a marzo y abril de ninguna manera va a traer un clima favorable al rodaje en exteriores. Los actores y el equipo se encontraron habitualmente con nieve, granizo y fuertes vientos, pero la experiencia únicamente pareció aumentar la ‘magia’ comunal en el plató. Para Branagh, la naturaleza del estado y su gente le añadieron una plus de atractivo a la película. Dice medio en broma: “Estamos en una parte del mundo donde la gente mira de verdad al cielo. Si eres de otro mundo, y te gustaría tener la posibilidad de que te den la bienvenida al llegar a la Tierra, es un buen sitio para aterrizar”. A Welch también el gustó esa idea. “Decidimos ya desde el principio que, puesto que los reinos celestiales están causando perturbaciones en el cielo, queríamos una

localización en Asgard que ofreciera planos con ingentes cantidades de cielo. Eso sugería algún desierto, así que un pueblecito en el desierto con un gran cielo se convirtió en el concepto”. El guión de “Thor” sugería también otra serie más de circunstancias que se grabaron en la mente de Welch. Lo describe así: “La confrontación final entre Thor y el Destructor a mí me parecía como el duelo de un western. Eso me llevó al rancho de Tom Ford donde se rodaron películas como Silverado’, ‘Wyatt Earp’ y ‘El tren de las 3:10’. nuestro duelo es un enfoque actualizado de un tiroteo clásico que tiene lugar en la calle principal de un pueblo del Salvaje Oeste”. El pueblo ficticio que se convertiría en Puente Antiguo está localizado en el rancho de 10.000 hectáreas en las afueras de Galisteo, Nuevo México, a unos 45 kilómetros al sur de Santa Fe. (En la finca de Ford ya existía un anticuado pueblo del Oeste, al que Welch y su equipo sometieron a profundos cambios). Aunque en los primeros desarrowww.cinemascomics.com


llos del guión se jugaba con la idea de meter a Thor en el salvaje Oeste de la década de 1850, se decidió que el gancho de la historia dependía de identificarse no sólo con los personajes, sino también con el entorno en el que se encuentran. Según Welch: “En lugar de filmarlo como un pueblo de la época de 1850, decidimos hacerlo real. Queríamos que pareciera un personaje, que se pudiera sentir empatía por sus habitantes cuando el Destructor empieza a destrozarlo”. Zambarloukos describe el estilo resultante de Puente Antiguo como “norteamericano al estilo de Edward Hopper, que a Ken, a Bo y a mí nos encantaba. Siempre intentábamos tener una algodonosa nube en el cielo azul, y diversas capas en nuestros paisajes, con algo construido por el hombre en primer plano, y una naturaleza perfecta de fondo”. Welch también quería evocar algo de Asgard en Puente Antiguo. “El Observatorio de Heimdall es la entrada a Asgard, a través del Puente del Arco Iris, hasta un palacio central flanqueado por edificios”, explica. “En Puente Anti-

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guo, tenemos una calle que sale del desierto, flanqueada por edificios, y que conduce hasta una vieja tienda de coches usados. Smith Motors, de una forma un tanto extraña, recuerda la forma del palacio de Asgard... pero es mucho una versión mucho más modesta, y un poco desgarradora”. Después de haber diseñado los fantasiosos entornos de Asgard, Jotunheim, el Observatorio de Heimdall y el Puente del Arco Iris, a Welch le pareció que trabajar en Puente Antiguo era “como unas vacaciones. No obstante, tenía que encajarlo con el resto de la película, entrelazarlo con el resto de los reinos”. Los que estén familiarizados con lugares que se supone que son la pista de aterrizaje de seres de otro mundo, reconocerán que todo aparato (y piloto), con independencia del planeta de donde proceda, necesita algún sitio para aterrizar. Así que Welch y su equipo diseñaron una pista de aterrizaje: se creó una plantilla (inspirada en las antiguas runas y dibujos célticos). Una vez que se hubo aplicado dicha plantilla

a la finca de unos 7 metros de lado (se esparcieron rocas de lava sobre las líneas marcadas por la plantilla), un espacio circular del desierto se transformó en un lugar adecuado para un aterrizaje procedente de Asgard. Richard Bloom, ayudante del director artístico, era el encargado de aplicar la plantilla. Él y su ayudante Megg Fleck solían llegar a la localización bastante antes del amanecer, mientras la gente del equipo preparaba el lugar. “Siempre entrábamos dentro del círculo llevando puestas unas zapatillas sin huellas, para intentar mantear el diseño inmaculado”. EL DIOS/HOMBRE QUE CAYÓ A LA TIERRA... LUCHANDO TODO EL CAMINO La fotografía principal de Thor comenzó el 11 de enero de 2010 en Manhattan Beach con una enorme secuencia de lucha entre los de Asgard y los Gigantes de Hielo. Thor demuestra lo mortíferos que pueden ser él y su martillo, lo que le dio a Hemsworth la ocasión de demostrar lo que había conseguido en cuatro meses de entrenamiento.

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“Tienes muchísima adrenalina dentro de ti al principio de cada toma, y creo que hacerla salir físicamente es el mejor remedio para eso”, dice Hemsworth (quien superó todas las expectativas en su entrenamiento y tuvo que reducir algo de masa muscular en las dos semanas anteriores al comienzo del rodaje). “Correr por ahí con esas ropas grandes y pesadas, sudando, peleando, hiriéndonos a nosotros mismos, es algo que te quita las telarañas”. Hemsworth y Andy Armstrong se inspiraron en Mike Tyson al determinar el estilo de lucha de Thor cuando está blandiendo a Mjolnir. La decisión fue una gran imagen para el joven actor: “He boxeado mucho a lo largo de los años, y aquello tenía sentido para mí. Decidimos que sería así como lucharía Thor: muchos hombros y caderas, grandes movimientos, una postura firme, con los pies bien asentados en la tierra”. Mjolnir es un complemento majestuoso, armado con las portentosas palabras de Odín: “Quien porte este martillo, controlará el rayo de la tormenta”. Según el encargado de utilería, Russell Bobbitt, se manejaron casi 200 dibujos (con distintas formas),

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y se tardó casi 14 semanas en conseguir el diseño que fue finalmente aprobado. Como con otros elementos del diseño de “Thor”, el objetivo era crear algo que quedase bien en el mundo actual, pero que tuviera el aroma del trabajo original de Stan Lee y Jack Kirby. (Aunque, para decir la verdad, no era la pesada arma de metal que aparentaba ser: Mjolnir fue fabricado con resina maciza, con una armadura interior para que encajase el mango de aluminio, que estaba envuelto en cuero repujado. A Bobbitt le encargaron también que creara las armas características para Sif, los Tres Guerreros, Heimdall, Loki y, por supuesto, Odín. Se fabricaron versiones de goma más ligeras de esas armas para las escenas con especialistas. La versión heroica de Gungnir, la lanza que cambia de forma de Odín, se hizo de latón macizo, labrada con dibujos que incluían una representación de Yygsadril, el viejo árbol que reúne a los nueve reinos, y en su forma final, pesaba más de 13 kilos. “Anthony Hopkins llevó los 13 kilos de peso de Gungnir todos los días del rodaje”, dice Bobbitt.

“Un par de veces le di una más ligera, cuando me parecía que podría quererla, pero siempre me la devolvía y me decía: ‘Russell, dame la auténtica’, No se le dice que no a Odín”. Cuando Mjolnir cae a la Tierra, crea un cráter gigante en las afueras de Puente Antiguo. Los agentes de S.H.I.E.L.D. rodean la zona con una barrera de túneles tubulares, donde Thor libra otra reñida batalla, esta vez a puñetazo limpio. Hemsworth recuerda: “Andy y el tipo de los especialistas dijeron: ‘Vale, tú llegas, le tiras un puñetazo, una patada’. Y yo les dije: ‘¿No lo ensayamos?’ Y ellos dijeron: ‘No, vamos a rodarlo ya’. La idea era hacer que pareciera brusco y real y confuso, no una pelea de kung fu coreografiada. Fue endiabladamente divertido”. Bastante menos divertido es el grandioso enfrentamiento entre Thor y el Destructor, que se desarrolla en las calles ahora en ruinas de Puente Antiguo. “Cuando estábamos hablando de esa lucha, nos poníamos como niños frenéticos”, dice Hemsworth. “Era un estupendo remate para todas las secuencias de acción, y muy bien equilibrado entre el

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poder, una armadura vacía ocupada por la persona que le controla en ese momento. Realiza una aparición grandiosa y potente en nuestra película, ¡pero tendréis que verla para saber lo que pasa!” De hecho, hay muchos elementos sorprendentes en “Thor”, el mayor de los cuales es un reparto que incluye a oscarizados y veteranos actores y una pléyade de jóvenes promesas. La lista de miembros del equipo técnico es un catálogo completo de laureados artesanos cinematográficos.¿Y al frente de todo ello? Un hombre al que se ha llamado más de una vez “el próximo Laurence Oliver”.

tipo más duro y el tipo más malvado”. Vic Armstrong, director de segunda unidad, y su equipo habían hecho saltar por los aires la mayor parte del pueblo en los días anteriores, y las anteriormente limpias calles aparecían sembradas de ardientes brasas y cristales rotos. Un Destructor estacionario de tres metros de altura estaba agachado en el medio de la calle, y sus movimientos serían articulados en post-producción por el equipo de efectos visuales de Wes Sewell. En el plató, Branagh y el primer ayudante de dirección Luc Etienne narraban vívidamenwww.cinemascomics.com

te el caos para Hemsworth y sus compañeros guerreros de Asgard, mientras intentaban por turnos neutralizar a su implacable enemigo. El Destructor estuvo al servicio de Odín durante muchos años, para frustrar cualquier amenaza a la frágil paz existente. Pero llegados a este punto de la historia, está bastante claro que alguien le está controlando a él y a su invencible armamento.

Ver un proyecto de tanto nivel y tan alto octanaje dirigido por uno de los mejores interpretes de la que es posiblemente la mejor pluma de la literatura inglesa (o sea. Shakespeare, amigo) puede que sorprenda a los fans del género. Y sin embargo, posiblemente la persona más sorprendida por ello sea el propio Branagh. Kenneth Branagh concluye: “Creo que me sorprendí un poco a mí mismo cuando acepté. Por una parte, nunca me imaginé a mí mismo haciendo una película de superhéroes. Pero al mismo tiempo, cuando pensaba en las partes que constituyen esta historia, veía que tenía todo lo que me encanta. Tiene varias batallas grandiosas y tiene un héroe que es un joven arrogante y obstinado, que tiene que enfrentarse a su pasado y solucionar una relación complicada con su padre. Hay muchos europeos salvajes acuchillándose a muerte en diversos momentos, y en realidad, a mí me recordaba mucho a “Enrique V”. Me dije a mí mismo: ‘Ya he pasado antes por esto...’ Así que se podría decir que yo empecé en películas bélicas de acción y aventuras, solo que en ellas la gente hablaba raro”.

“El nombre lo dice todo”, afirma Branagh encogiéndose de hombros. “Es un aparato desalmado, violento, destructivo y de gran Cinemascomics │ Abril 2011 │

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criticas

Invasión a la Tierra

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Por Carlos Gallego

Ciencia Ficción. Belico / EEUU / 2011 / 116 minutos / Columbia Pictures / Original Film Director: Jonathan Liebesman. Actores: Aaron Eckhart, Michelle Rodriguez, Bridget Moynahan, Michael Peña, Ne-Yo, Ramon Rodriguez, Taylor Handley, Cory Hardrict, Jadin Gould, Bryce Cass, Joey King. Guión: Scott Silver, Christopher Bertolini. Música: Brian Tyler.

Pocas expectativas tenía con Invasión a la Tierra, ya otros títulos esperados de este año como Skyline de la misma temática me habían decepcionado, pero me he llevado una grata sorpresa. Realmente es entretenida y cumple con lo que te venden en los trailers, el film mezcla dos cintas ya conocidas por todos “Independence Day. (Roland Emmerich. 1996)” y “Black Hawk Derribado. (Ridley Scott. 2001)”, pareciéndose más a esta última, de hecho aquellos que la hayan visto encontraran algún que otro guiño. Rodada gran parte de la película cámara en mano, le da aún mayor realismo a las escenas de acción. Y aunque todo hace parecer lo contrario, sin abusar en exceso

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de los efectos especiales, encontrándose estos bien integrados. El argumento es simple, pero efectivo, para que te vas a complicar. Nos atacan los aliens y un grupo de marines tienen que llegar a recuperar a un grupo de civiles y escoltarles a un lugar seguro. Aquí no hay virus de la gripe, ni virus informáticos milagrosos que acaban con la amenaza invasora, aunque como no, también tienen que tener algún punto débil sino adiós película. Los actores están correctos y llegan a convencer, sobre todo la actuación de Aaron Eckhart en el papel de duro sargento de los marines. Destacar la banda sonora de Brian Tyler compositor de más de 50 películas que recientemente fue nominado

al “Compositor Cinematográfico del Año” por International Film Music Critics Association. Entre sus trabajos se encuentran “La conspiración del pánico”, “A todo gas”, “Un ciudadano ejemplar” o “The Expendables” entre otras. Si hay que sacar algún pero es al diseño de los alienigenas, un tanto flojos pero se disculpan, ya que en pocas ocasiones se ven de cerca. En definitiva un buena película bélica que enfrenta a marines con aliens, entretenida y para ver con un buen paquete de palomitas en el cine y dejándonos como en 300 con un nuevo grito de guerra. Retirada ¡Y un cuerno! . www.cinemascomics.com


Sucker Punch

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Por Carlos Gallego

Fantástico / EEUU/ 2011 / 109 minutos / Warner Bros Pictures Director: Zack Snyder. Actores: Emily Browning, Vanessa Hudgens, Abbie Cornish, Jena Malone, Jamie Chung, Carla Gugino, Jon Hamm, Scott Glenn, Oscar Isaac, Danny Bristol, Vicky Lambert. Guión: Zack Snyder, Steve Shibuya. Música: Tyler Bates, Marius De Vries.

“Sucker Punch”, supone la primera obra personal del realizador, en la que ha tenido total libertad creativa en el proyecto. Un film en el que no huye de su particular estilo fílmico, con planos en los que maneja los tiempos ralentizándolos y acelerándolos a su antojo, escenarios imposibles, unos magníficos efectos especiales y una música que ha sido elegida con gran acierto. Dicho esto cabe esperar una película a la altura de anteriores trabajos. Nada más lejos de la realidad. Tras unos espectaculares minutos iniciales al más puro estilo videoclipero, y que recuerdan a films como “Up”, en el que sobran las palabras y las imágenes tienen una gran fuerza narrativa, www.cinemascomics.com

la historia termina por diluirse en el momento en el que Babydoll (Emily Browning) es ingresada en el manicomio y nos sumerge en su mente. Asistimos desde este momento a una historia llena de inconexiones, en la que ha intentado hacer algo parecido a “Origen”, dividiendo la película en tres niveles de realidad, y en la que se echa de menos alguna imagen que una la realidad con el mundo de fantasía, haciendo que más bien parezca un videojuego con sus fases que una película. En este sentido creo que Snyder ha ido a lo fácil y se ha escudado en toda la pirotecnia visual sin desarrollar la historia y la relación de sus personajes. Realmente, “Sucker Punch” bien enfocada habría dado para mucho. Podría-

mos haber disfrutado de un film tipo “Shutter Island” si Snyder hubiera huido de tanto efectismo y desarrollado y exprimido las dotes interpretativas de sus protagonistas. O tal vez podríamos haber visto una versión moderna de “Alicia en el país de las maravillas” o de “El mago de OZ” si hubiera situado toda la acción en el mundo imaginario. En definitiva, un film en el que si vas pensando en ver tan solo chicas sexys pegando tiros y enfrentándose a robots, zombis y dragones, disfrutarás como el que más.

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Piraña 3D

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Por David Larrad

Terror / EEUU / 2010 / 89 minutos / The Weinstein Company Director: Alexandre Aja. Actores: Elisabeth Shue, Adam Scott, Ving Rhames, Richard Dreyfuss, Eli Roth, Jerry O’Connell, Ricardo Chavira, Dina Meyer, Steven R. McQueen, Jessica Szohr, Kelly Brook, Riley Steele, Paul Scheer, Brooklynn Proulx. Guión: Alexandre Aja, Josh Stolberg, Pete Goldfinger, Grégory Levasseur .Música: Mark Isham.

La intención de copiar el estilo de “Tiburón”, se queda solo en un vano intento, aunque tiene varios homenajes a este film como por ejemplo el cartel que son muy parecidos y la escena inicial donde vemos a Richard Dreyfuss, protagonista de “Tiburón” pescando apaciblemente en el lago aunque en “Piraña 3D” se lo zampan en un instante, una ironía sobrevivir a un squalo para que luego se te coma un banco de pirañas. El film se centra básicamente en el sexo, ya que es una zona vacacional donde los jóvenes se demelenan, sirve para que estén mostrando todo el rato bellas mujeres ligeras de ropa. De hecho el personaje de Jerry O’Connell tiene una pagina web pornográfica donde muestra a chicas desnu-

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das en zonas públicas. Así que en esta película para atraer al público adolescente revolucionado de hormonas se ha usado la fórmula de sexo, alcohol y sangre. Lo más difícil de creer es la parte del científico, ya que con solo un vistazo sabe todo lo relacionado con las pirañas prehistóricas y su origen, ya que así se dan todas las explicaciones para que la película avance a buen ritmo y puedan centrarse en las escenas de sangre. Sobre todo cuando las pirañas alcanzan la zona más popular de los bañistas, el festín es espectacular, dejando un rastro se trozos humanos inmenso. Lo que también sirve como crítica a las autoridades de los lugares de fiesta populares de Estados Unidos ya que los policías son muy per-

misivos y cuando les toca actuar se ven incapacitados para alejar a los jóvenes borrachos del agua. El 3D está bastante bien logrado, así que si alguien es fan de este sistema de visionado podrá disfrutarlo en esta película, sobretodo en las escenas acuáticas de las pirañas, ya que al estar hechas por ordenador las 3 dimensiones están más logradas que en otros films. En definitiva, solo apta para aquellos que les gusten las películas del genero de terror que cambien los sustos por la sangre y el gore, bien rodeado de chicas guapas enseñando las tetas todo el rato.

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Furia Ciega 3D

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Por Carlos Gallego

Fantástico / USA / 2010 / 104 minutos / Summit Entertainment Director: Patrick Lussier. Reparto :Nicolas Cage, Amber Heard, William Fichtner, Billy Burke, David Morse, Katy Mixon, Christa Campbell, Charlotte Ross, Nick Gomez. Guión: Todd Farmer, Patrick Lussier. Música: Michael Wandmacher.

Furia Ciega 3D (Drive Angry), Patrick Lussier y Todd Farmer vuelven a embarcarse en un nuevo film en 3D, con aires de cine de serie B, en el que ocultan las carencias de un buen guión con persecuciones de coches, unas chicas espectaculares enseñando cacho y escenas de acción llenas de sangre y casquería, y que de no saber quien la ha dirigido bien podría pasar por una cinta de Robert Rodriguez (Machete) o Tarantino (Death Proff). La cinta pues, no es para tomársela muy en serio y si te gusta este género te divierte y llega a ser entretenida. En cuanto a los protagonistas, Nicolas Cage vuelve a regalarnos una interpretación vacía con su www.cinemascomics.com

típica cara de tío duro a la que nos tiene ya tan acostumbrados, es una pena que estemos perdiendo a un gran actor que debido a sus problemas financieros parece no importarle aceptar cualquier papel. Su compañera de reparto tampoco lo hace mejor, pero cumple su cometido como chica de armas tomar y lucir palmito. Me gustaría destacar la interpretación de William Fichtner en su papel de “El contable”, el actor se nota que se lo debió de pasar en grande en el rodaje, aunque su personaje recuerda demasiado al del agente Smith de Matrix, de hecho en la versión española han utilizado al mismo actor de doblaje.

lar, merece la pena verla en este formato ya que sus directores han utilizado algunos recursos que en la versión 2D es posible que no se aprecien. De los efectos especiales mejor ni hablamos. En definitiva cinta que no aporta nada nuevo al género, llena de momentos surrealistas, con un guión para olvidar en el que dejan muchas cosas en el aire por explicar y que mejor no desvelo por si todavía alguno piensa en ver la película.

En cuanto al 3D sin ser espectacuCinemascomics │Abril 2011 │

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¡Gran Concurso Cinemascomics!

Sorteamos 1 juego de PS3 y 1 de Xbox de “Thor: Dios del Trueno” Para participar ta solo debes responder a la siguiente pregunta a concursoscinemascomics@gmail.com, e indicar en el asunto concurso THOR y la plataforma para la que quieres el juego. ¿Quienes fueron los creadores del famoso personaje de Marvel THOR? y en que año hizo su primera aparición .

Experimenta la espectacular, épica y original aventura de Thor en su primer juego en solitario mientras lucha a través de numerosos mundos de la mitología nórdica para vencer a monstruosos enemigos que cobran vida desde las páginas de los cómics. Blande el legendario martillo de Thor, Mjölnir, para luchar contra una gran número de enemigos mientras controlas los poderes elementales de la tormenta, los rayos, los truenos y el viento, para pulverizar a tus adversarios. Enfréntate a enemigos legendarios como Ulik, Ymir y Surtur en batallas que se extienden por reinos que van desde primitivos mundos de fuego y hielo a extraordinarios planetas habitados por gigantes de hielo, trols y otros seres monstruosos. Cada versión del videojuego ha siendo desarrollada para aprovechar al máximo la tecnología de cada plataforma. Las versiones de Playstation®3 y Xbox 360® tendrán acción cinematográfica en tercera persona con una variedad de combos melees, lanzamientos de martillo, poderes para cambiar las mareas y un sistema de mejoras para potenciar los poderes de Thor a raíz que el jugador va progresando. La misma historia principal estará disponible en las versiones para PSP™, Wii™ y NintendoDS™ pero presentados en un estilo cómic, que permitirá a los fans disfrutar de un contenido nuevo dentro del mismo universo.


PHILIP K. DICK: LÁGRIMAS EN LA LLUVIA ÁCIDA Por Pedro Pinos

Las actuales negociaciones sobre la compra de los derechos del mítico filme Blade Runner (Ridley Scott, 1982) por parte de la productora Alcon Entertainment con la intención de rodar precuelas y secuelas del original, así como el estreno de Destino Oculto (The adjustment Bureau, George Nolfi, 2011) han vuelto a colocar en la palestra al maestro de la Ciencia-Ficción Philip K. Dick (Chicago, 1928–Santa Ana, California, 1982), autor de los relatos inspiradores de dichos largometrajes. En 1982, el versátil director Ridley Scott se encargó de dar el pistoletazo de salida al presentar su obra maestra Blade Runner, basada en la novela corta de P.K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (Do Androids Dream of Electric Sheeps?, 1968) Nadie duda de que la obra de Dick es fascinante por el modo en que juega con nuestras dudas respecwww.cinemascomics.com

to a la verdadera naturaleza de la realidad. Toda su literatura gira en torno a una premisa: la imposibilidad de confirmar con rotundidad que el mundo que nos rodea es tal como lo perciben nuestros sentidos. Dicho de otro modo; lo que creemos real puede ser una gigantesca falacia, pues nada ni nadie poseen la certeza de su existencia verdadera. Más allá de la confirmación de lo real, la relatividad de lo real o la percepción distorsionada del mundo exterior que nuestros sentidos podrían ofrecernos, los principios metafísicos sobre los que se asienta la obra de Philip Kindred Dick merecen la atención de cualquier ser humano interesado en los porqués de nuestra existencia. Llegados a este punto, resulta imprescindible recordar la terrible adicción de Dick a las anfetaminas y su contumaz experimentación con la droga alucinógena por excelencia, o sea el LSD, cuya Cinemascomics │Marzo 2011 │

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Philip K. Dick junto a Ridley Scott durante el rodaje de Blade Runner.

uso defendió hasta la extenuación como impagable método para transgredir el débil hilo de conexión establecido por nuestros sentidos con ese mundo exterior de dudosa veracidad. Según el afamado escritor de ciencia ficción y divulgador científico australiano Damián Broderick, la efectividad de Philip K. Dick se fundamenta en su hipnótica prosa, la cual nos habla desde su experiencia propia. La conclusión es que Dick nos conmueve porque su obra nos llega con la misma sinceridad que la confidencia de un amigo íntimo. Al estudiar la bibliografía completa de Philip K. Dick no puede olvidarse que los directores y guionistas han preferido llevar a la pantalla sus relatos cortos -donde bullían ingeniosas ideas-, moldeándolos a su gusto para introducir variantes de su propia cosecha y forjar así un argumento a su antojo, ora con el fin de facilitar su rodaje y/o su comprensión, ora para adaptarlos a los gustos del público en general. Las

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grandes novelas del escritor como Ubik, Tiempo de Marte o El hombre en el castillo han sido soslayadas por parte del Séptimo Arte, pues resultan demasiado extrañas y complejas para trasladarlas al cine con garantías. No cabe ninguna duda de que el éxito de las adaptaciones fílmicas de Dick se ha sustentado en los argumentos policiales y de misterio que alojan los relatos entre sus líneas, a lo que deben sumarse las acciones violentas y trepidantes con Una alegre y suave oleada eléctrica silbada por el despertador automático del órgano de ánimos que tenía junto a la cama despertó a Rick Deckard. Sorprendido –siempre le sorprendía encontrarse despierto sin aviso previo- emergió de la cama, se puso en pie con su pijama multicolor, y se desperezó. En el lecho, su esposa Iran abrió sus ojos grises nada alegres, parpadeó, gimió y volvió a cerrarlos. ¿SUEÑAN LOS ANDROIDES CON OVEJAS ELÉCTRICAS? -PHILIP K. DICK-

las que los directores han presentado sus largometrajes. Ridley Scott nunca leyó el libro ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, pero quedó encantado con el guión que le presentó Hampton Fancher. Sin embargo prefirió cambiar el título de la novela por uno más atractivo para el público, pues Scott sostenía que una película debe estar encabezada por algo menos engorroso y más impactante (recordemos que Ridley Scott provenía del mundo de la publicidad); así que finalmente se optó por el título de una novela futurista llamada The Blade Runner, escrita por un médico llamado Alan E. Nourse en 1974, en la que se traficaba con material quirúrgico debido a su escasez. Curiosamente, el escritor de la generación beat William Burroughs re-escribió dicha historia con el título Blade Runner (A Movie) en 1979. Los derechos del título de estas novelas fueron adquiridos antes del rodaje de la inmortal película. La mejor definición acerca del guión de Blade Runner puede enwww.cinemascomics.com


Harrison Ford como Rick Deckard en Blade Runner (1982).

contrarse en las palabras del propio Dick, quien no llegó a ver la película completa ni pudo asistir a su estreno, pues la muerte le sorprendió unos meses antes: “Critiqué duramente el primer guión de Hampton Fancher; me mostré tan franco que el estudio sabe que mi presente actitud no es para hacerles publicidad (…) He visto solo una secuencia de efectos especiales hecha por Douglas Trumbull para los noticiarios televisivos, y he comprobado que era mi propio mundo interior, perfectamente reconstruido. Después de verla escribí a la cadena de televisión, que a su vez envió mi carta a “The Ladd Company” (productora del filme), y estos me remitieron una copia del guión modificado. Lo leí sin saber que habían contratado a un nuevo guionista (David Peoples). ¡No llegaba a creer lo que estaba leyendo! Todo era sensacional. Se trataba del guión de Fancher, pero había sido milagrosamente transformado, rehecho de una forma fundamental… Después de leer el guión he vuelto a revisar mi novela; los dos se complementan tan bien que a cualquiera que haya leído el libro le gustará el www.cinemascomics.com

filme, y a cualquiera que vea el filme, le gustará el libro”. La conclusión resulta clara; a pesar de las notables diferencias en cuanto al argumento del original literario y su adaptación al celuloide, una misma idea es complementada por ambas, y podría declararse sin ambages que son las dos caras de la misma moneda. La lentitud de Blade Runner se sustenta en la necesidad del espectador para comprender y asimilar los profundos postulados filosóficos planteados en ella. La novela, a pesar de no ser muy extensa, es densa y compleja, y hace especial hincapié en lo relativas que resultan las diferencias entre los humanos y las máquinas o replicantes. El “universo sucio” de Blade Runner, su opresiva oscuridad, la atmósfera sombría y asfixiante, los personajes siniestros y poliédricos y las pausas constantes en el desarrollo de los acontecimientos del filme son el contrapunto idóneo a las acciones rutilantes, los grandiosos efectos especiales o la pomposidad de luces y sonidos a los que nos tiene acostumbrado el cine de ciencia-ficción vacío de contenidos.

El director holandés Paul Verhoeven captó con acierto el espíritu del cuento Podemos hacerlo por usted al por mayor (We can remember it for you wholesale, 1966), convirtiendo su largometraje Desafío Total (Total Recall, 1990) en un clásico de primer orden. En la película se introdujeron una serie de cambios con respecto al relato original, lo que no le hizo perder el estilo característico de las narraciones de Dick; especialmente allí donde la extrañeza, la frialdad, las dobles intenciones y el absurdo imperaban por doquier. El final incierto, en el que se deja la puerta abierta para la interpretación personal del espectador, y que bien podría asemejarse a una matruska que encierra a otras tantas de su misma clase (cada cual más amenazante y desconcertante), concuerda por completo con la enfermiza obsesión de Dick por una realidad inconsistente, en la que no sabemos qué es verdad y qué es mentira. Confessions d´un Barjo fue dirigida en Francia en 1992 por Jérôme Boivin, quien se atrevió con Confesiones de un artista de mierda (Confessions of a Crap Artist) oriCinemascomics │ Abril 2011 │

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Arnold schwarzenegger en Desafío Total (Total Recall). Paul Verhoeven. 1989

ginalmente escrita en 1959, y que fue la única novela sin temática de ciencia-ficción publicada en vida por Philip K. Dick. El filme se ajustó con éxito a la novela, que bien podría ser catalogada de costumbrista, y que esconde referencias a la ciencia-ficción en las obsesiones que presenta su neurótico protagonista por el coleccionismo de revistas sobre biología, astronomía, matemáticas o geología; las teorías científicas refutadas (como la que afirmaba que la Tierra es hueca), axiomas físicos descabellados, Ovnis, telepatía y percepciones extra-sensoriales. Philip K. Dick plasmó en esta novela numerosos elementos de su vida cotidiana, lo cual resulta sumamente interesante para sus biógrafos. Lo cierto es que en sus trabajos de ciencia ficción hacía lo mismo, con la salvedad de que éstos pasaban por el crisol de la parafernalia fantástica, cósmica y mecánica. El cuento La Segunda Variedad (Second Variety, 1953) propone la Tercera Guerra Mundial como

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telón de fondo para sacar a la luz unos extraños cyborgs combatientes que utilizan las grandes potencias para economizar vidas humanas. Sin embargo esos droides son capaces de crear variedades de sí mismos con mayor poder destructivo, aunque con apariencia más frágil e inocente. El filme Asesinos Cibernéticos (Screamers, Christian Duguay 1996) reorganiza por completo la trama del cuento para hacerla políticamente correcta, evitando el enfrentamiento EE.UU-Unión Soviética para transformarlo en una guerra interplanetaria. La pretensión de convertir la película en algo abiertamente digerible para el público en general hizo que los guionistas introdujeran en los robots la capacidad de desarrollar sentimientos de amor. El filme resultó deslavazado, inconexo y carente de fuerza, y puede ser considerado un auténtico fracaso en lo referente a la descripción del universo Dick. Infiltrado (Impostor, Gary Fleder, 2001) trató de adaptarse con el

mayor rigor al relato de Dick, lo cual suponía un reto harto complicado, pues Impostor (1953) consta tan solo de quince páginas. Lastrada por la convenciones del cine comercial, pero magnificada por el tono nihilista y oscuro tan del gusto de Dick, el balance final resultó positivo a la hora de contraponer los aspectos artísticos con los pecuniarios. Minority Report (Steven Spielberg, 2002) respeta en líneas generales al cuento El informe de la minoría (The Minority Report, 1956), pero lo modifica al gusto de sus creadores para lograr un mayor impacto visual, plegándose así a los gustos populares. Sin embargo el espíritu del autor literario aparece en cada uno de los rincones del filme, pues las paradojas respecto a la realidad son tan patentes como la distorsión generada por los sentidos o las falsas apariencias. Sin ambages, puede ser considera la segunda mejor película del universo Dick junto a Desafío Total. Teniendo en cuenta que Blade Runner ha www.cinemascomics.com


sido aclamada como la mejor representación fílmica del Universo Dick y la quintaesencia de la Ciencia-Ficción, Minority Report comparte con ella la característica fundamental de complementar idealmente el relato literario. La Paga (Paycheck) fue escrito por Dick en 1952 y publicado al año siguiente, y llevado a la pantalla grande en 2003 por John Woo, quien se limitó a esbozar un pretencioso thriller de acción con más referencias a Con la muerte en los talones (North by Northwest, Alfred Hitchcock, 1959) que al verdadero espíritu de Dick. Los toques intelectuales que su director pretendió insuflar en la cinta resultaron fallidos y superfluos, del mismo modo que monótono y aburrido el resultado final. Parafraseando a Roger Ebert del Chicago Sun-Times: “Comienza con una idea interesante de Philip K. Dick; el argumento explota en lo referente a acción, pero realmente nunca desarrolla el potencial intelectual de la obra”. Utilizando el método del rotosco-

piado (transformar las imágenes reales en dibujos), Richard Linklater firmó en 2006 Una mirada a la oscuridad (A Scanner Darkly), inspirándose en el cuento homónimo de 1977 del señor Dick (antes pretendido por el ex-Monty Python Terry Gilliam), y en el que se refleja con crudeza el mundo del abuso de drogas y la cultura hippie. El título hace referencia a las Cartas del apóstol san Pablo en el Nuevo Testamento cuando reconoce que no hacía otra cosa que mirar por un espejo oscuro hasta que llegó su conversión a la fe verdadera. La singular fotografía empleada en este largometraje supuso un gran acierto a la hora de plasmar tanto los laberintos de la mente de Dick como los estragos producidos en ella por las drogas. Se atinó magníficamente con el tratamiento de la imagen, pues se otorgó a la cinta una plasticidad sumamente descriptiva amén de potenciar el dramatismo que la historia requería. Sin embargo, el desarrollo general naufragó en parte por la falta de auténtica in-

tensidad en algunos momentos, así como por el excesivo hincapié que se hizo en unos enmarañados diálogos, un tanto innecesarios y difíciles de seguir por el espectador. Con la crítica dividida en lo referente a su valía, cabe reconocerle el mérito de haber logrado adaptar en imágenes una novela bizarra y enigmática, aunque la confusión imperante en gran parte del metraje cercena las buenas intenciones de su autor. El hombre dorado (The Golden man) fue publicado en 1954. Su protagonista es incapaz de realizar abstracciones, pero puede predecir el futuro más inmediato, si bien su capacidad de premonición se difumina cuanto más lejos pretende llegar. Pero si cuajado de reflexiones antropológicas y referencias evolutivas se encuentra el relato, su representación fílmica resulta prescindible y de baja calidad. Next fue dirigida por Lee Tamahori y estrenada en 2007. La puesta en escena hizo aguas por todos sitios desde el

Ben Affleck junto a Aaron Eckhart en Paycheck (2003.) John Woo. www.cinemascomics.com

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colocásemos entre dos espejos contrapuestos, o fuésemos capaces de viajar en un suspiro desde el núcleo de cada una de nuestras células a todos y cada uno de los confines del universo. John Clute (4) estaba convencido de que Philip K. Dick fue el autor de Ciencia Ficción más divertido de su tiempo, y quizá el más terrorífico. Sus temores eran los nuestros, y los describía de una forma en que nosotros no habríamos podido hacerlo.

Matt Damon. Destino Oculto (The adjustment Bureau). George Nolfi. 2011

principio, presentando un guión tan rancio como inconsistente. Las interpretaciones y los diálogos no se desmarcaron de los despropósitos iniciales, dejando un largometraje vacuo y ramplón, cuyo tufo a telefilme apesta desde el primer fotograma. Destino Oculto (The Adjustment Bureau) está basada en el relato de 1954 Equipo de Ajuste (Adjustment Team), donde el destino de los humanos es “ajustado” por entidades superiores de acuerdo a ulteriores e inescrutables propósitos. Nuevamente la idea original de Dick era enmascarada en pos del cine comercial, dejando relegadas las intrigas existenciales y ontológicas, para dar paso a una empalagosa historia de amor. El filme no asume en ningún momento las posibilidades de la premisa “pre-determinista” ideada por Dick, dejando descansar todo su peso en fútiles divagaciones místicas, donde se pretende entrelazar lo divino con lo humano para dejar de este modo sus debilidades al descubierto aún más flagrantemente. Desde que Harlan Ellison (1) afirmara que la Ciencia Ficción había empezado con el pasaje bíblico del Carro de Elías, nadie puede dudar de que tanto la religión como el género fantástico (literario y cinematográfico) han recorrido el mismo camino a lo

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largo de muchos siglos. Nuestra cultura se sustenta en la esencia de ambas, y tras ellas no se esconde otra cosa que la búsqueda compulsiva del sentido de nuestra existencia… George Turner (2) le dio la razón a Philip K. Dick afirmando que “una de las grandes verdades de la ficción imaginativa es que algunos de los efectos más asombrosos se obtienen mediante la revelación de lo extraño que se halla contenido en las cosas familiares...” En su obra The view from the Edge: A Workshop of Science Fiction Stories with Vonda McIntyre and Christopher Priest (3) postuló que “la mayor parte de la Ciencia Ficción realmente memorable ha basado su éxito no en la fantasía desaforada, sino en la leve distorsión, el sutil re-alineamiento, o la rotunda alteración de nuestras apacibles escenas cotidianas”. Dick fue un hombre agobiado por la posible irrealidad de lo perceptible, acosado y destrozado por las anfetaminas y el LSD, apremiado por la necesidad de escribir para exorcizar todos sus temores y angustias, pero capaz de convertir milagrosamente sus escritos en joyas literarias. No cabe duda de que accedió a reinos de la imaginación a los que ningún otro escritor de ciencia ficción llegó, y que desentrañó el interior de nuestro ser de manera extraña y sorprendente, del mismo modo que si nos

Damien Broderick resumió la obra y la experiencia vital de Dick con esta acertada definición: “Philip K. Dick fue un inteligente autodidacta que construyó un sistema explicativo para sí mismo y para su propia realidad a partir de Kant, el gnosticismo, el psicoanálisis existencial y una mezcla de teorías sobre la mente y la realidad propias de la cultura del ácido…” No sé por qué me salvó la vida.Quizás en esos últimos momentos amaba la vida más de lo que la había amado nunca. No sólo su vida; la vida de todos. Mi vida. Todo lo que él quería eran las mismas respuestas que todos buscamos: de dónde vengo, adónde voy, cuánto tiempo me queda… Todo lo que yo podía hacer era sentarme allí y verlo morir… DECKARD -BLADE RUNNER(1) Harlan Ellison (1934- ) Prolífico escritor estadounidense de novelas y relatos cortos de terror, fantasía y ciencia-ficción. (2) George Turner (1916-1997) Escritor y crítico Australiano, que en los últimos años de su vida se dedicó a la Ciencia-Ficción (3) Melbourne, Norstrilia Press, 1977, pag 7. (4) John Clute (1940- ) Critico literario canadiense especializado en la Ciencia-Ficción.

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STANLEY KUBRICK: DOCE AÑOS SIN EL GENIO

Por Sergio Reina Recientemente se ha inaugurado en Paris una exposición dedicada a la vida y trabajos del maestro del cine Stanley Kubrick. En esta exposición, su viuda Christiane Kubrick, ha cedido un montón de documentación y objetos personales de su marido, lo que ha permitido a la filmoteca francesa realizar una exposición no solo con la documentación y los objetos, sino también con recreaciones en 3D de muchas situaciones de la vida del director dentro de sus películas. La exposición permanecerá hasta el 31 de Julio en La Cinémathèque française de Paris, así que aún tenemos tiempo de visitarla. Qué mejor ocasión para poder rendir homenaje desde Cinemascomics a este director. Una persona muy celosa de su intimidad y de la que, por lo tanto, se sabe muy poco de su vida privada y de cómo se comportaba realmente fuera del mundo del cine. Aunque si es verdad la frase: “por sus obras los conocerás”, podemos intuir que era una persona integra, muy inteligente y con un gran sentido crítico, lo que es sinónimo de Genio. Y como tal, no podían faltar sus rarezas y manías: un tipo perfeccionista al mínimo detalle y con gran carácter. Desde luego, lo que nos ha legado son un puñado de películas que se pueden considerar todas verdaderas lecciones de cine. Este perfeccionismo, innato en él, nos ha dejado tan solo doce películas y algún proyecto inacawww.cinemascomics.com

bado, que habría sido muy interesante ver como al final resolvía. Pasemos pues, a hacer un repaso a su vida y obra. Nacido en 1928 en el Bronx (Nueva York), desarrolló desde una temprana edad una gran pasión por la fotografía, el ajedrez y el Jazz. Con el ajedrez demostró desde bien pronto su inteligencia, lo que le permitió jugar partidas por dinero. Un regalo de su padre le marcó su futuro profesional para siempre: una cámara fotográfica, de la que se hizo un gran aficionado y que le permitió descubrir el arte del enfoque y el encuadre. Esta gran afición le llevó a convertirse a los 17 años en fotógrafo profesional para la revista Look, donde llegó a conseguir fama mundial por la calidad de sus fotografías. Gracias a este trabajo, viajó por toda América, lo que le dio la oportunidad de ampliar sus conocimientos, asistiendo incluso como oyente a clases de la universidad. En estos viajes, se convirtió en un devorador de películas, sin perderse ninguna de las que se proyectaban en el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva Cork), de donde sacó muchas de las referencias para sus películas. Fue un antiguo compañero de estudios, el que le animó a iniciarse en el cine, cuando Stanley le dijo que era capaz de dirigir un corto que tan solo costara 1.500 dólares, en lugar de los 40.000 que solían

costar este tipo de producciones por aquel entonces. En 1951 rodaría su primer corto, Days of the Fight, que le costó 3.900 gracias a que se encargó de todos los elementos técnicos del film: fue el guionista, productor, realizador, montador y director de fotografía. Tras este corto rodó Flying Padre que le permitió sacarse la licencia de piloto de aviones, a pesar de que (y aquí viene la primera de sus excentricidades), le tenía pánico a volar, lo que en el futuro fue clave para que se trasladara a vivir a la campiña inglesa. El último de sus cortos antes de meterse de lleno en el largo fue The Sealers, donde por primera vez recurrió al color, y que le permitió desvincularse de su trabajo como fotógrafo. Su primer largometraje fue Fear and Desire (1953), una película sobre un pelotón de soldados que no tuvo demasiado éxito. Además, tras su rodaje se separó de su primera esposa. No obstante, lejos de desanimarse, rodó El beso del asesino (Killer´s Kiss, 1955), una película de suspense que giraba en torno a un boxeador y donde conoció a su segunda esposa. Kubrick no se sentía muy orgulloso de esta etapa de su carrera, por lo que es difícil poder ver estas películas hoy en día. Tras estas dos películas rodó la primera de sus grandes: Atraco Perfecto (The Killing, 1956). La Cinemascomics │Abril 2011 │

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Imagen de 2001: una odisea del espacio (2001: an Space Odyssey) 1968.

película estaba rodada de una manera que no se había hecho hasta entonces, contando la historia de un atraco a un hipódromo mediante una serie de flashbacks. Esta innovación atrajo las miradas de Hollywood, entre las cuales se encontraba la de Kirk Douglas, con el que firmó un contrato para cinco películas. La primera de ellas sería Senderos de Gloria (Paths of Glory, 1957). En ella, Douglas era el coronel Dax, que defendía a sus soldados acusados de cobardía. La película era un duro alegato antibelicista, lo que hizo reaccionar a la censura en muchos países (entre los que se encontraba España). Douglas, cobró unos abultados emolumentos, lo que provocó que la película se rodara en Alemania para abaratar costes. Ello le permitió a Kubrick ver las ventajas de rodar fuera de Hollywood, que sería otro de los elementos determinantes para establecerse en Europa. También en el rodaje de esta película, conoció a su tercera y última esposa Susane Christiane (tras el matrimonio, Christiane Kubrick), que es la mecenas de esta gran exposición de su marido en Paris. Douglas empezó a rodar Espartaco (Spartacus, 1960) a las ordenes

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de Anthony Mann, pero las diferencias con este director hicieron que fuera despedido, y Douglas recurrió a Kubrick para terminar la película. A Kubrick no le gustaba el aire de superproducción de la película y que no tuviera el control de la historia escrita por el guionista Dalton Trumbo, pero aceptó el trabajo como favor personal hacia Douglas. Kubrick consideraba esta película como el mayor error de su carrera, por lo que posteriormente no consentiría nunca perder el control de la realización de ninguna de sus obras. Tras esta decepción, logró rescindir el contrato que le unía a Douglas por otras tres películas más, y decidió instalarse en Gran Bretaña para poder hacer sus películas completamente desvinculado de Hollywood. Así rodó su nueva película: Lolita (1962), con la que llegó el escándalo, pues la historia giraba en torno a Humbert Humbert, un hombre de mediana edad que estaba tan encandilado de una jovencita de 14 años, que llegaba a casarse con su madre para poder llegar a ella. Por supuesto, las escenas algo subidas de tono, así como el argumento de la película, eran demasiado para la época,

lo que le provocó graves encontronazos con la censura y varias enemistades con grupos conservadores, como La Legión Católica de la Decencia. 1964 fue el año de Teléfono rojo: ¿volamos hacia Moscú? Otro terreno pantanoso en el que se metía Kubrick, pues nunca se había hablado en tono de comedia de un tema tan importante como la guerra nuclear. La película, en un principio, tenía tintes serios, pero conforme su director iba investigando sobre el tema, vio lo esperpéntico que resultaba todo, y decidió convertirlo en comedia. Peter Sellers llevó todo el peso de la película, en la que llegó a interpretar hasta tres personajes. Kubrick entró en contacto con el escritor de ciencia-ficción Arthur C. Clarke y decidieron adaptar uno de sus relatos cortos: El centinela. Así es como nacería la gran película de culto 2001:Una odisea en el espacio (2001: A Space Odyssey, 1968). Cómo no, el director se adelantaba a su época y construyó una película en la que se encargó personalmente de los efectos especiales (que le dieron el único Oscar de su carrera), con innovadoras técnicas, y rodanwww.cinemascomics.com


Jack Nicholson en El Resplandor (The Shining, 1980)

do incluso un paseo lunar un año antes de que el hombre llegara a nuestro satélite. La película no solo hablaba del futuro, sino que abarcaba toda la historia de la Humanidad, pues hacía un recorrido desde los primates que éramos (quién no recuerda la escena del mono lanzado el hueso al aire) hasta 4 millones de años después. Clarke, harto de las manías del director y del enfoque que le estaba dando, acabo por renunciar al resultado final de la película. Para la recreación del futuro, Kubrick se sirvió del asesoramiento de la NASA y de las empresas punteras en informática e innovación, como era el caso de IBM. Esta empresa, al ver que en la película salía un malvado ordenador, pidió que no se la relacionara con el trabajo para que no le afectara la publicidad negativa que pudiera generar, lo que llevó a Kubrick a llamar al ordenador HAL 9000, que si os fijáis, son las siguientes www.cinemascomics.com

letras del abecedario de IBM. Sus proyectos cada vez se espaciaban más en el tiempo, pues su perfeccionismo le hacía documentarse exhaustivamente y pensarse mucho el enfoque de sus películas. Su siguiente film lo rodó en 1971, y de nuevo sería polémico, en esta ocasión por la violencia que reflejaba. Se trataba de La naranja mecánica (A Clorckwork Orange), donde de nuevo usó las últimas técnicas, incluso para elaborar su banda sonora, incluyendo temas que iban desde los grandes clásicos a las músicas sintetizadas que empezaban a sonar por aquella época. La polémica llegó al extremo de que surgieron grupos de jóvenes que se dedicaban a cometer delitos ataviados como si fueran los protagonistas de la película. De nuevo, Kubrick fue incomprendido, pues aunque la película rezuma violencia por todas partes, esta no es gratuita sino un vehículo para posicionarse

en contra de ella. En 1975 filmó Barry Lindon, que supuso su incursión en el cine de época. Las técnicas de la NASA le permitieron rodar escenas con muy baja luminosidad, como la luz natural, e incluso otras en las que tan solo se utilizaron velas como elementos luminosos. Otra vez, se adelantaba con la técnica. El hecho de que la NASA accediera a prestarle una lente Zeiss que valía millones de dólares, única en el mundo, para dotar a Barry Lindon de una atmósfera única dio alas a los defensores de la teoría de la conspiración para reafirmarse en que, en realidad, el hombre nunca había llegado a la Luna, sino que el alunizaje fue simulado por la NASA para satisfacer la promesa hecha por Kennedy de poner un hombre en el satélite y devolverlo sano y salvo a la Tierra antes del final de la década, no perder prestigio ante sus rivales soviéticos y evitar que el gobierno le reCinemascomics │ Abril 2011 │

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Nicole Kidman y Tom Cruise en

cortarse el presupuesto si perdían la carrera espacial. Todo habría sido un enorme montaje rodado por Kubrick en el plató de 2001, y el préstamo de la lente, un pago por sus servicios a cambio de que mantuviera la boca cerrada. Esta fantástica leyenda urbana fue lo que inspiró a William Karel su divertidísima Opération Lune (2002), donde con la complicidad de su viuda y del hermano de esta y productor de Barry Lindon, Jan Harlan, y la intervención de “testigos históricos” como Henry Kissinger o Donald Rumsfeld, se aportaban todas las pruebas del gigantesco fraude. El carácter de falso documental solo es revelado al final, cuando se ofrecen las tomas falsas del rodaje. Después de Barry Lindon, Kubrick tardó cinco años en retomar su trabajo, y lo hizo con El resplandor (The Shining, 1980), basado en la novela de Stephen King, donde demostró su talento en la dirección de actores al presentarnos el magistral descenso a los infiernos de la locura del Jack Torrance interpretado por Jack Nicholson, el escritor en pleno bloqueo creativo que en un apartado hotel y llevado por las misteriosas fuerzas que allí habitan, intenta acabar con su mujer y su hijo a golpes de hacha. En esta pelícu-

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la se utilizaría por primera vez la Steady Cam, en aquella época aún sin patentar, y que permitía estabilizar la cámara para rodar escenas con mucho movimiento reflejando un punto de vista subjetivo, como las persecuciones de Jack a lo largo del hotel. Qué sería del cine actual sin este magnífico invento. A pesar de ser una de las únicas películas de Kubrick que no fue nominada a ningún Oscar, El resplandor es junto a El exorcista la película de terror más estudiada de la historia, ya sea desde un punto de vista técnico como desde una perspectiva estrictamente conceptual. Hasta 1987, no rodó la que sería su penúltima película, La chaqueta metálica (Full Metal Jacket), con dos partes bien diferenciadas, donde mientras en la primera se crítica lo absurdo de la formación exagerada en el ejercito, en la segunda se hace con la guerra en sí misma. Hubo que esperar 12 años para ver su última película Eyes Wide Shut (1999), con la pareja del momento en la vida real, Tom Cruise y Nicole Kidman, como protagonistas. Una película que giraba en torno al sexo, y que de nuevo sufrió la censura en EEUU de ciertas escenas en las que aparecían

Eyes Wide Shut (1999)

los genitales de los actores en las orgías. El perfeccionismo de Kubrick hizo que el rodaje de la película se alargara hasta casi tres años, haciendo repetir a la pareja protagonista varias escenas tras meses después de su rodaje. En el montaje final del film, Kubrick sufrió un ataque cardiaco del que no logró sobrevivir. Obras singulares todas ellas, en las que su director buscaba realmente contar cosas y hacer reaccionar a su público, en las que nada era superfluo y todo estaba justificado siempre y cuando fueras capaz de ver el mensaje real que su director exprimía en sus películas: antibelicista, antiviolencia, sexo,… En la trastienda quedaron varios proyectos, entre los que destacó Inteligencia Artificial (2001), que su gran amigo en vida, Steven Spielberg, realizó a modo de homenaje tras su muerte. Bajo mi punto de vista, una muy acertada obra, aunque me queda la incógnita de que habría llegado a conseguir Kubrick, que no la realizó pues la posponía constantemente para poder hacerla cuando la técnica se lo permitiera de una manera perfecta. Así era Kubrick.

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Especial series

Eres (super) escoria, muchacho Por Javier Calvo


Imagínense lo peorcito de la sociedad encumbrado como guardián de la civilización. ¿Dejarían su seguridad física en manos de un charlatán obsesivo del sexo, una joven barriobajera o un geek informático y pirómano? Antes de responder, vean Misfits y disfruten del caos: los superhéroes nunca dieron tanto miedo.


Misfits viene a recordar que no sólo en USA se fabrican series potentes. Aunque Inglaterra ya ofrecía desde hace tiempo notables productos de ficción como Skins (cuyo remake americano es ya una –innecesaria- realidad) o Shameless, Misfits ha colocado a los anglosajones en el ojo del huracán. Su enorme popularidad ha sido producto, más que nunca, de la red de redes: en España ni siquiera ha llegado a emitirse, pero muchos aficionados patrios la conocen ya como el nuevo boom de las teleseries, y todo gracias a Internet. Misfits es una creación del guionista Howard Overman para E4, un canal de pago inglés cuyo público objetivo se enmarca en el inquieto segmento que va entre los 15 y 35 años, lo que da una idea de qué tipo de programación vamos a encontrar en él: productos audaces y rompedores, dispuestos para una audiencia que ya es experta en el consumo del formato serie. De ahí el atractivo concepto del que nace la historia: durante una misteriosa tormenta, un grupo de jóvenes delincuentes que prestan servicio social a la comunidad como pago a sus delitos es alcanzado por un rayo, tras lo cual descubren que han adquirido

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superpoderes. O más bien, ciertas “habilidades especiales”, por cuanto algunas de ellas resultan ser de lo más curiosas. A partir de ahí, estos mozalbetes deberán lidiar con los peligros que esta nueva situación les ocasiona, además de los problemas diarios derivados de sus revueltas teen particulares. Este punto de partida posee una paradójica contradicción: se atribuyen dones propios de súperpersonas muy cercanas a los dioses –los superhéroes siempre han sido actualizaciones del Olimpo y de sus divinos moradores- a individuos que, socialmente, resultan todo lo contrario. Los protagonistas de Misfits son antihéroes rechazados por su entorno, y cumplen condena por desviarse de la ley a su antojo. Son delitos menores (peleas, posesión de drogas, incendios provocados –ejem-) pero efectuados con desidia. Son personas sin aspiraciones vitales, sin intereses; una suerte de generación ni-ni enfundada en el halo de la supercapacidad. Puesto que sus protagonistas son adolescentes, la serie tiene ese punto de producto hormonal cachondo, con líos de cama, de tri-

pas y de corazón. Pero además, Misfits se acerca peligrosamente a lo que podría ser un retrato generacional momentáneo, una estampa certera de toda esa sucesión de juventudes actuales que encuentran una cierta lógica en la rebeldía pasiva, en la apatía y el tedio vital hacia los tiempos que transcurren. Chavales que, si no encuentran en la vida una motivación clara, no les queda otra que refugiarse en la fantasía de la aventura e imaginarse personas de otro mundo. El mensaje, aun así, es positivo. Los integrantes del grupo protagonista descubren que, más allá de la emoción que les brinda sus nuevas vidas, la salvación se encuentra en los lazos que acaban tendiéndose entre ellos, en sus relaciones y el apoyo a su amistad común. Sólo así, los parias pueden llegar a ser grandes. Realismo mágico y lactoquinesis No es que Misfits introduzca en el género fantástico una lucha de clases, pero el hecho de que sus protagonistas sean delincuentes juveniles, muchachos de barrio, hace que la historia se centre en un ambiente más proletario, de clase media-baja, un entorno www.cinemascomics.com


urbano y poco acomodado. Overman no es Ken Loach (gracias a Dios), pero otorga un protagonismo a este sector que raras veces se observa fuera del cine social. Sin embargo, lejos de centrarse en sus miserias, éstas sirven de referencia para desarrollar una historia poco habitual de ciencia ficción. De hecho, la serie está ambientada en el ficticio vecindario de Wertham, un barrio periférico de Londres que, en realidad, podría ser cualquier suburbio de cualquier ciudad. Los exteriores son fríos, deshumanizados, poblados de bloques de viviendas inertes. Por tanto, es un espacio neutro, no identificable, reconocible en nuestro propio entorno. Aun así, la serie maneja un divertido equilibrio entre lo fantástico y lo hiperrealista. Esto la distancia del concepto de serie de superhéroes; aquí se habla, más bien, de chicos con poderes, gente de la calle que un día, fortuitamente, recibe un don. De este modo, se expresa de una forma naturalizada cuáles serían las dudas básicas, los temores y los deseos principales de estos jóvenes al usar unos poderes que, además, apenas pueden controlar.

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Pero las circunstancias cambian en sus vidas, y he aquí donde entra la acción. Como ya se apuntó antes, el origen del misterio que ahora poseen es una enorme tormenta que asola el barrio de Wertham en un momento dado. Este aspecto todavía no se ha aclarado –nadie sabe de dónde vino ni qué la causó- y mantiene la línea de suspense presente en las dos temporadas emitidas hasta ahora (la tercera va en camino). Lo curioso de este planteamiento es que esa tormenta no afecta a unos pocos elegidos, sino que enseguida descubrimos que el reparto de dones se ha hecho extensivo a casi todo el vecindario. Esta partición tan democrática de la sobrenaturalidad permite que en cada capítulo aparezcan nuevos personajes con nuevos superpoderes, individuos que acaban enfrentados con los protagonistas, a modo de villanos (así ocurre en el primer capítulo) o simplemente intervienen en sus vidas con una función específica, como buenos secundarios. Esta situación origina que cada capítulo pueda tener una subtrama propia y contemplarse como una unidad dramática cerrada, con su principio y su fin, además de mantener

el hilo conductor de fondo. Pero sobre todo, lo que ocasiona es que en cada capítulo los guionistas deban estrujarse el cerebro para hallar nuevos poderes con los que sorprender al público. Digamos que si el grupo protagonista se otorga los más básicos o conocidos dentro del imaginario fantástico ligado al superhéroe – invisibilidad, teletransporte, modificación del tiempo, etc.-, los secundarios muestran un abanico de súper-posibilidades que, en algunos casos, roza el extremo de lo surrealista. Que un chaval pueda mover, a su voluntad, las partículas de la leche –y consecuentemente, “controlar” con su mente cualquier producto lácteo- y además se le busque un nombre científico para ello –lactoquinesis- debería actuar ya como una sólida declaración de principios. Misfits recrea situaciones que trastocan por completo la seriedad con la que se trata comúnmente el tema de los superhéroes. Algunos fascinantes, otros ridículos, otros inquietantes, la lotería fantástica de dones a la que sus protagonistas se ven sometidos desarrolla momentos de auténtico delirio. Personajes que observan el mundo como si vi-

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vieran dentro de un videojuego, animales de zoo capaces de convertirse en humanos por un día, cambios de forma, sugestiones mentales o súper-tatuajes (ahá) son algunos de los ejemplos que pueblan los seis capítulos de cada temporada. De ahí que, en su naturalidad, los superhéroes ya no sean individuos intocables, imperecederos, sino personajes de lo más normal, e incluso a veces, despreciables. Ya no visten mallas ajustadas de alegres colorines, sino un mono de trabajo naranja que los identifica como ejecutores de un servicio social en compensación por los daños causados. Y por fin, han dejado de ser un modelo de comportamiento: ahora, los superhéroes se emborrachan, fuman y se masturban. Y nos lo cuentan. He aquí, precisamente, el último punto de la serie a destacar: el soberbio magnetismo de sus personajes principales. Cállate, Nathan Misfits es, sin lugar a dudas, una serie de personajes. El programa adquiere gran parte de su riqueza por el tratamiento que los protagonistas reciben en la historia, y por lo atractivos que resultan para un guión. El quinteto protagonista está formado por tres chicos y dos chicas de -extremadamente- opuesto carácter, pero como decíamos, en su variedad encontrarán un punto de apoyo común. Sus poderes están unidos, de alguna manera, a sus propias personalidades. Nathan (Robert Shehaan) es el punto cómico del grupo. Charlatán (muy charlatán) y engreído, se trata de uno de esos personajes tan apreciado como odiado, puesto que su insoportable verborrea se dedica a poner en ridículo constante a los que se encuentran a su alrededor. Hasta su propia madre lo echa de casa, por ser su convivencia insoportable en el hogar. Por eso, malvive en secreto en el centro comunitario donde sus compañeros y él ejercen su www.cinemascomics.com

labor de reeducación social. Su poder es desvelado como el gran secreto de la primera temporada; para evitar spoilers, apuntaremos simplemente que no podía tratarse de algo más conveniente para su anárquico narcisismo. La contrapartida narrativa de Nathan es Simon (Iwan Rheon), un tímido geek de la informática que estuvo interno en un centro mental tras incendiar la casa de un supuesto amigo. Objetivo constante de las burlas de Nathan, la personalidad asocial y apocada de Simon esconde muchas sorpresas; en ocasiones, el joven se desvelará como el verdadero cerebro del equipo. Su poder es, por supuesto, la invisibilidad, algo que le permite mantenerse escondido de las relaciones humanas. Kelly (Lauren Socha) es uno de esos personajes que te plantean la duda de si la actriz que lo encarna está actuando realmente bien o su personalidad es también así en la vida real. Kelly es el compendio de todos los rasgos estereotípicos asociados a la chica de barrio, la Belén Esteban british hardcore. Violenta y agresiva, se trata en realidad del personaje más bondadoso, a pesar de su acento barriobajero y sus maneras de extrarradio. Siempre le preocupa lo que los demás opinen de ella; es su valor de protección ante un mundo agreste y salvaje, sin esperanzas. Paradójicamente, recibe el poder de escuchar los pensamientos ajenos. La otra fémina es Alisha (Antonia Thomas), cuyo aspecto no delata una procedencia más elevada que la de Kelly, pero si en aquélla se resaltaba la violencia desatada de la juventud, Alisha encarna la sexualidad sin tapujos, el germen del acné. Pegada con insistencia a su teléfono móvil, es el vivo retrato de la despreocupación teen, y sus únicos intereses se mantienen acordes con esta época: las fiestas, el alcohol y los chicos. Sobre todo, los chicos. Por eso, Alisha tiene la capacidad de revolucionar las feromonas: todo aquel (o aquella) que la toque siente un

deseo irreprimible de hacerle el amor de un modo gráficamente perverso. El último componente es Curtis (Nathan Stewart-Jarrett), el chico ejemplar. Estrella del deporte y modelo de comportamiento, arruinó su carrera al meterse en líos de drogas. Se trata de la voz de la coherencia, aunque falla en liderazgo; por eso no controla bien su poder: la capacidad de manipular el tiempo y viajar hacia el pasado o el futuro a voluntad. Algo muy apropiado para solventar los grandes errores pretéritos, y un camino perfecto para introducir en la trama de la serie la complejidad de dos planos temporales paralelos en continua relación. Todos ellos, en grupo, forman un perfecto núcleo de equilibrios cómicos y dramáticos, y su convivencia acaba siendo una supervivencia conjunta. Es a través de sus ojos como el espectador observa el particular mundo de Misfits, un producto que adolece de una cierta anarquía narrativa pero que está generando millones de fans en todo el mundo. Gran parte de esta afición se debe, muy seguramente, a sus marmóreos personajes: una Liga Justiciera desorientada, perdida en la transición a la vida adulta y la adquisición de nuevas responsabilidades para las que ni mucho menos se encuentran preparados. ¿Puede entenderse Misfits como una parodia de “Los 4 Fantásticos” o “X-Men”? Digamos que no del todo. El programa ganó un Bafta a la Mejor Serie Dramática en 2010, aunque la acotación de “drama” pueda parecer en exceso restrictiva. Aun así, a pesar de su libertinaje, Misfits mantiene una propia lógica incoherente; por eso resulta tan divertida, tan anormalmente cabal. Al fin y al cabo, quizá todos seamos escoria.

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PELÍCULAS DE SUPERHÉROES: LO MEJOR Y PEOR DEL GÉNERO

Por Jose Joaquin Gonzalez Haro

Películas de Superhéroes: lo mejor y peor del genero Este mes, aprovechando el estreno de Thor y el pistoletazo de salida para que cada mes de los que viene veamos un nuevo título adaptado de los comics (en camino están Green Lantern, X-Men: Primera Clase, El Capitán América, Priest “aka” El Sicario de Dios y Cowboys vs Aliens) me ha parecido correcto traeros un decálogo de las que posiblemente sean las mejores películas de superhéroes que se han hecho hasta el momento, en contrapartida con las peores cintas del mismo género. Como el número de títulos es muy amplio (entre secuelas, precuelas y reboots hay la tira de cintas) he acortado la lista para mostraros el “Top 6 de las mejores y peores películas de superhéroes de la his-

toria” de forma que tengamos seis títulos de calidad y otros seis títulos para tirar salvajemente a la basura. ¿Que por qué una lista de doce? Pues no lo sé... supongo que diez se quedaban cortos y doce cuadraba mejor con el calendario por eso de los doce meses. Yo que sé… En fin, empezaremos con los primeros 6 títulos que corresponden a las peores películas de la historia (por lo menos hasta el día de hoy). Vamos allá. Top 6 de las peores películas de Superhéroes Ciertamente, en esta categoría podemos encontrar una larga lista (mucho más que de cintas buenas) de títulos que han hecho que los aficionados al cómic se rasguen las vestiduras tras pasar por


las salas de cine, pero puestos a elegir seis hemos tenido que ser un poco selectivos. Entre los títulos descartados se encuentran abominaciones como las terceras entregas de X-Men y Spiderman, que tras dejar un sabor de boca bastante agradable, sorprendieron al público con sendos bodrios que consiguieron que las productoras decidieran incluso reiniciar las franquicias. También hemos descartado cintas como Daredevil y Elektra, ya que aunque forman parte de la hornada de héroes del siglo XXI, sufrieron en sus carnes los desmanes de algún grupo de ejecutivos avariciosos que hicieron que ambos proyectos se adelantaran en el tiempo, provocando que fueran verdaderos desastres. Por último, en la lista de candidatos hemos tenido también las entregas números tres y cuatro de Superman (aquella del Hombre Nuclear) que junto a la primera versión del Castigador (la protagonizada por Dolph Lundgren) se han quedado a las puertas de pertenecer a este ranking, que si

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hubiera sido de quince títulos en vez de seis, las habría incluido sin contemplaciones. Seguramente habrá mas títulos en esta línea, pero finalmente los elegidos son los siguientes: El Capitán América (1990 - Albert Pyun) Esta cinta, merecedora de encabezar nuestro ranking, vino a convertirse en uno de los primeros fiascos que Marvel produjo y vino a desvirtuar a un héroe que es todo un icono en el mundo de los comics, tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. A pesar de que el film trasladaba de manera relativamente fiel el origen de tan patriótico héroe, toda la cinta desprendía un aroma a serie B que no se merecía un personaje como este, y que bien podrían haberse ahorrado en pos de encontrar una época mejor para trasladar al cine un cómic que como sabéis, en breve volve-

remos a ver adaptado al cine. Para recordar: El traje que lucia Matt Salinger era completamente fiel al original, y hay que admitir que para la época en la que se hizo, podía haber resultado aún más cutre. Para olvidar: Las escenas de acción y sobre todo al actor (Scott Paulin) encargado de encarnar a Cráneo Rojo con esa horrenda mascara. Batman y Robin (1997 - Joel Schumacher) Tras la desastrosa “Batman: Forever”, el director Joel Schumacher (Jóvenes Ocultos) volvía a dirigir una nueva entrega de las aventuras de Batman en la que está considerada sin lugar a dudas la peor entrega de todas las cintas del protector de Gotham que se hicieron en los 90 (para mi gusto, la única que se salva es la primera de Burton, y es gracias Jack Nicholson).

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Ni siquiera un casting encabezado por George Clooney, y que incluía a actores tan conocidos como Arnold Schwarzenegger, Chris O’Donnell, Uma Thurman y Alicia Silverstone lograron remontar una estupidez de película que no tenía por donde cogerse. Para recordar: Uma Thurman y Alicia Silverstone lucían bastante sexys en sus papeles de Hiedra Venenosa y Batgirl, aunque ni por esas merece la pena verla. Para olvidar: Casi todo, pero sobre todo lo ridículo que quedaba Arnold Schwarzenegger como Mr. Freeze (¿es que no vieron en ningún tebeo que este personaje está escuchimizado y que no tiene nada que ver con el físico de un culturista?) El Motorista Fantasma (2007 - Mark Steven Johnson) A los señores de la Marvel no tuvo que disgustarle mucho el trabajo que Mark Steven J. hizo para Daredevil, ya que cuatro años después le otorgaron la oportunidad de repetir en la dirección de los antihéroes del universo creado por Stan Lee. En esta ocasión la cinta volvería a contar con un actor bastante famoso (un Nicholas Cage obsesionado por los superhéroes) y de nuevo se estrellaría en taquilla y sobre todo en el corazón de los fans.

Para olvidar: La trama y sobre todo los lamentables villanos.

Estela Plateada (Silver Surfer en inglés) fue imposible de subsanar.

Los 4 Fantásticos y Silver Surfer (2007 - Tim Story)

La cinta resulta tan cutre como ver a Los Cuatro Fantásticos en helicópteros del ejército en vez de en su Fantastic Car y el guión hizo que la saga se viera interrumpida antes de poder mostrarnos una historia en condiciones.

A pesar de lo que muchos puedan decir, la primera entrega de los Cuatro Fantásticos en cines (dirigida también por Tim Story) consiguió trasladar de manera excelente los poderes y características de algunos de los personajes más conocidos de la Marvel, haciendo muy creíbles tanto a la Cosa, a la Antorcha Humana, a Mr. Fantástico y a Sue Richards. Lamentablemente, en vez de enmendar ciertas licencias argumentales que se habían tomado en la primera entrega, con esta secuela no hicieron otra cosa que ahondar en una herida que con un personaje tan querido e importante como es

Para recordar: Tanto los 4F como el surfista de plata están clavados, y hay que admitir que las dos películas tienen muy buenos efectos especiales. Para olvidar: A mi especialmente me dolió no ver el Fantastic Car, pero si a eso le sumas un guión absurdo y la poca vista al desaprovechar la oportunidad de mostrar a Galactus, la cinta es totalmente olvidable.

La cinta, que ciertamente fue capaz de trasladar de manera realmente espectacular al personaje, flojeaba de manera brutal en lo que a guión se refiere, y en breve se volverá a grabar una nueva entrega protagonizada nuevamente por Nicholas Cage, en la que intentaran hacer borrón y cuenta nueva. Para recordar: La motocicleta y la calavera ardiente del Motorista Fantasma hacen justicia al personaje.

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The Spirit (2008 - Frank Miller) El Spirit de Will Eisner esta considerada como una de las obras cumbre de los comics, y no se merecía el tratamiento que sufrió por parte de Frank Miller en esta desastrosa película que quiso aprovechar los réditos de la más que acertada Sin City. Con una estética copiada de la película co-dirigida con Robert Rodríguez, esta adaptación de “The Spirit” cuenta con la mayor cantidad de frases absurdas y personajes sin sentido del cine de superhéroes.

inicialmente incluían a Tormenta, Magneto y Lobezno, y que tras la experiencia con el personaje interpretado por Hugh Jackman se quedó en un proyecto mas que descartado. La cinta que no es más que una excusa para mostrar mutantes a diestro y siniestro es muy del gusto de los amante del cine de acción a secas. O lo que es lo mismo, abundan las peleas, la sangre y las explosiones en una cinta sin pies ni cabeza, todas dirigidas para un publico poco exigente. Para recordar: Hugh Jackman

luce aun más bestia que en las anteriores entregas de X-Men, y la aparición de Gámbito tiene su punto. Para olvidar: ¿Qué leches pintaba ahí el negro de los Black Eyed Peas? Top 6 de las mejores películas de Superhéroes Al igual que con la categoría que acabamos de ver, el ranking de mejores películas ha tenido muchos candidatos, ya que aunque hay muchas decepciones en este género, también hemos tenido al-

Una verdadera lastima que espero enmienden alguna vez dándole a dicho personaje una película como se merece. Para recordar: Eva Mendes y Scarlett Johansson alegran la vista. Para olvidar: Absolutamente todo. Sin lugar a dudas el peor papel de Samuel L. Jackson con diferencia. X-Men Origenes: Lobezno (2009 - Gavin Hood) Por si no hubiéramos tenido suficiente con la horrenda The Last Stand, la Fox se propuso explotar a sus mutantes de manera independiente en tres película que

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gunas alegrías. Entre las que se han caído de la lista encontramos títulos como Constantine, cinta que junto a la primera Hellboy (la segunda más que una adaptación es una película de Guillermo del Toro usando los personajes de Mike Mignola) me alegraron los años 2004 y 2005 haciéndo que me interesara profundamente por dos personajes que hasta entonces no conocía nada más que por el nombre. Watchmen también estaba inicialmente en la lista, pero debido a que no resultó atractiva para el público mayoritario, he decido quitarla del ranking al igual que 300 (que aunque está basada en un cómic y sus personajes son míticos, no llegan al nivel de superhéroes). Las dos ultimas en salir de este top seis han sido Kick Ass y The Incredible Hulk (la de Edward Norton). La primera es una cinta excelente, pero debido a que se concibió en paralelo al cómic, no me parecía justo que compitiera junto a los demás títulos, y la segunda, aunque mejoraba de forma increíble la entrega de Ang Lee y formaba parte de la nueva hornada de cine Marvel no está por encima de las 6 elegidas. Finalmente estas han sido las elegidas: Superman (1978 - Richard Donner) Sin lugar a dudas, el Superman de Richard Donner es aún a pesar de sus más de treinta años uno de los mejores exponentes del cine de superhéroes. Hecha con el respeto con el que se deberían hacer todas las películas de superhéroes, este Superman luce todos los aspectos del hombre acero en una cinta que aun con el tiempo consigue atarme delante de la televisión.

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Con un reparto encabezado por Christopher Reeve, Marlon Brando, Gene Hackman y Margot Kidder, la cinta forma parte del la historia del cine y estoy seguro que no será superada por la versión de Snyder (ojala me equivoque y por lo menos supere al Superman de Singer) Para recordar: La mirada de Christopher Reeve, las escenas de vuelo que aun a día de hoy molan y la escena de como Superman recoge al helicóptero del Planet. Para olvidar: Algún personajillo tonto, pero que daban el contrapunto cómico. Blade (1998 - Stephen Norrington) Seguro que solo con leer el nombre en el ranking algunos ya se estarán sacando los ojos, pero hay que admitir que además de ser una cinta entretenida, el film consiguió recaudar suficiente como para que la Marvel se decidiera a emprender proyectos como los X-Men y Spiderman, que hasta el momento habían sido inviables y que tras una mirada al vampirico personaje vieron la oportunidad de dar el salto a la gran pantalla. Para recordar: La escena inicial

de la discoteca con la sangre cayendo. Me resultó muy original. Para olvidar: La película se convirtió en un icono “cani”, debido a sus toques vampiros con toques pastilleros. X-Men 2 (2003 - Bryan Singer) Cuando vi la primera parte de los X-Men de Bryan Singer disfruté bastante al ver a unos héroes tan particulares en pantalla, pero no fue hasta la segunda entrega que el producto me convenció completamente. Tanto el equilibrio de personajes como la forma de contar sucesos tan importantes del universo Marvel me parecieron estupendos y sinceramente, creo que la mayoría estarán de acuerdo conmigo en que de las tres entregas es la mejor (mejor que la primera y por descontado mejor que la tercera). Para recordar: el principio con ese Rondador Nocturno que intenta matar al presidente es tan genial como el plan de fuga de Magneto. Para olvidar: Sigo pensando que a pesar de que Ian McKellen es un gran actor, no fue la elección acertada.

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Spiderman 2 (2004 - Sam Raimi) El caso de Spiderman es similar al de X-Men. Tras ver la primera entrega de esta saga dirigida por Sam Raimi me di cuenta de que Spiderman raramente podría ser mostrado de otra forma a la que se nos mostró, y que tras quitarse de encima el peso del origen, Spiderman 2 se convertía en un titulo con más peso. Si a eso le añades que Alfred Molina interpreta a un Dr. Otto Octavius totalmente acorde con los comics y que con sus tentáculos se lo hace pasar canutas a Peter Parker nos queda una historia que podríamos haber leído sin ningún problema en formato cómic. Para recordar: Las batallas de Spidey y Octopus son brutales, y el final es digno de un héroe de la talla del Hombre Araña. Para olvidar: Para mi gusto no sobra nada, pero aun así siempre tendremos clavada la espinita de los lanza redes orgánicos. Batman Begins y el Caballero Oscuro (2005 y 2008 - Christopher Nolan)

buenos. Para recordar: Creo que todo es digno de que se establezca en nuestro cerebro de forma permanente, pero el papel de Heath Ledger como el Joker causó furor al igual que la explicación de que hay individuos que no tienen ningún tipo de justificación para extender el caos. Para olvidar: Qué difícilmente podremos ver a un Joker como este (y eso que el Nicholson también era genial). Iron Man (2008 - Jon Favreau) Con la cinta de Jon Favreau seguro que hay opiniones para todos los gustos, pero ignorando si te gusta mas el tipo de armadura o el actor que interpreta a Tony Stark, hay que reconocer que siendo uno de los primeros films bajo la tutela de Marvel Studios se nota muchísimo el trabajo realizado.

los orígenes y el entorno creo que nadie se sintió defraudado con la adaptación. Para recordar: Robert Downey Junior sabe dotar de teatralidad a su personaje, y esas escenas donde vemos a la armadura acoplándose al cuerpo de Tony Stark son inolvidables. Para olvidar: Quizás el villano de la primera parte, y el tema de las armaduras de la segunda entrega.

Y así, tras este repaso a doce títulos llegamos al final de este especial que comenzamos por motivos del estreno de Thor y que nos ha hecho tener muy presentes y frescos tanto fiascos como éxitos del mundo de las adaptaciones. Ahora solo nos cabe una duda ¿en qué apartado ubicaremos los nuevos estrenos? ¿fiascos o éxitos? En breve lo sabremos…

En Iron Man (la segunda incluida) vemos al personaje con rasgo del Universo Ultimate, y si bien se toman ciertas licencias en cuanto a

Aquí sé que diréis que he hecho trampa, pero es que aunque el Caballero Oscuro sea una cinta superior a Batman Begins, ambas se complementan a la perfección. La primera relanzó al cruzado de Gotham a la fama, dándole un aspecto acorde a nuestros días y un aspecto muy realista. Sin embargo, en la segunda (como debe ser) el director al no tener que explicar el origen del personaje tiene mucho mas tiempo para contar una historia tan tremendamente genial como la que protagoniza el Joker. Mucho tendrá que trabajar Christopher Nolan en su nuevo Batman si quiere mejorar estos productos, pero sinceramente me conformo con que sean iguales de www.cinemascomics.com

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QUÉ LEER Por Úrsula Karivdis En estos tiempos de crisis, pánico, dictaduras, hambre, cambios climáticos y restricciones en los que todos tememos y olemos el estallido de la III Guerra Mundial, hay que estar prevenidos. Por eso la recomendación de este mes es Guerra mundial Z: Una historia oral de la guerra zombi (Editorial Almuzara, 2008). El autor, Max Brooks, hijo de Mel Brooks, saltó a la fama con su primera obra Zombi-Guía de supervivencia (Editorial Berenice, 2008). Un libro clave para sobrevivir a las hordas de no muertos que podrían estar acechándote en este preciso momento sin que lo supieras. Zombi-Guía de supervivencia ofrece una protección completa gracias a consejos comprobados para salvaguardarte a ti y a tus seres queridos de los muertos vivientes. Está dividido en siete capítulos sin contar el índice. En ellos Brooks nos enseña el funcionamiento de los organismos zombies, cómo se transmite la zombificación a partir del contagio del virus Solanum, se nos dan trucos para cazarlos, elegir las armas adecuadas y las técnicas de combate para aniquilarlos, y se nos dice qué hacer frente a los ataques de los zombis mientras se viaja en busca de los refugios idóneos. El sexto capítulo analiza la supervivencia en un escenario de juicio final. Dice que con un brote de Clase 4 se libraría una batalla por la supervivencia de la Humanidad y, por último, en el capítulo siete el autor realiza una lista documentada sobre encuentros con zombis a lo largo de la Historia. Decir para los amantes de cómics que también tienen la versión gráfica del libro desde octubre de 2010, publicado por la editorial Ramdon House Mondadori. Guerra mundial Z se presenta como un conjunto de entrevistas a los supervivientes, agrupadas en capítulos presentados cronológicamente, cada uno relativo a una gran época del conflicto, desde la aparición del llamado “paciente cero” hasta el fin de la guerra una década después. Brooks deja hablar libremente y sin ningún tipo de censuras

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GUERRA MUNDIAL Z De Max Brooks Editorial ALMUZARA

ISBN: 9788496968813 Nº Edición:3ª Año de edición:2009 464 páginas │ 18,00 euros

a los protagonistas en los distintos capítulos del libro, aunque en ocasiones ayuda a conducir el relato con preguntas o peticiones de aclaración. Es una lectura fluida en la que además se aborda el asunto desde múltiples puntos de vista: la de los supervivientes a pie de calle que relatan las atrocidades que vivieron, la de los que trabajaron www.cinemascomics.com


en la solución que permitió aguantar lo peor de la invasión y mantener a los seres humanos en el mapa, mercenarios, amas de casa, soldados, políticos, gente normal y por supuesto también la de los chupópteros que como siempre buscaron la manera de hacer negocio a costa del caos que había a su alrededor. La obra se estructura en 8 grandes partes: Alarmas, Culpa, El Gran Pánico, Cambiando la marea, Frente de guerra en EEUU, Alrededor del mundo y por encima, Guerra Total y Despedidas. En ellas conoceremos a personajes tan peculiares como Kwang Jing-Shu, un médico chino que atendió una urgencia sin saber que se encontraba frente al llamado “paciente cero”; Stanley MacDonald, militar canadiense retirado en Meteora, Grecia, veterano de casi todas las campañas a lo largo y ancho de su nativa Canadá, que cuenta cómo su primer encuentro con los muertos vivientes fue en una guerra muy diferente, cuando el Tercer Batallón Canadiense de Infantería Ligera de la Princesa Patricia fue desplegado en una operación contra el tráfico de drogas en Kirguiztánç; Groover Carlson, antiguo Jefe de Gabinete (Chief of Staff) de la Casa Blanca, que trabaja como recolector de combustible de excrementos de animales en una planta de bioconversión experimental; Mary Jo Miller, diseñadora de Troya, primera alcaldesa y arquitecta creadora de la “nueva comunidad” fortificada a prueba de muertos vivientes; Sharon, una muchacha traumatizada que se expresa como una niña relatando el asedio de los rabiosos a la iglesia donde se esconde; Roy Elliot, director de cine, cuenta cómo sus películas aumentaron la moral de la población y disminuyeron las muertes por ADS (Síndrome de Desesperación Apocalíptica) además de decir algo tan terrorífico como que mucha gente se dormía para no despertar jamás; el padre Sergei Ryzhkov, que cuenta cómo al asumir los sacerdotes la ingrata tarea de rematar a los combatientes infectados, Rusia acabó convirtiéndose en el Sagrado Imperio Ruso o Darnell Hackworth, de Ainsworth, Nebraska, que habla del uso de perros en unidades especializadas .

Para los amantes del cine zombi saber que la productora de Brad Pitt, Plan B, prepara una película basada en el libro junto con Paramount Pictures. Marc Foster, director del films como Tránsito, Más extraño que la ficción, Cometas en el cielo o la última de Bond, Quantum of Solace, será su director. En un principio la idea se realizó a partir de un guión de J. Michael Straczynski, autor del libreto del film de Clint Eastwood El Intercambio. Sin embargo su borrador no acabó de convencer a los productores y por ello, en 2009, fue contratado un nuevo guionista, Matthew Michael Carnahan. En 2010, Variety confirmó que el último guión se encuentra solo a la espera de la luz verde por parte del estudio. Recientemente se ha confirmado que Brad Pitt será el protagonista de la adaptación cinematográfica de esta novela de éxito internacional. Según Brooks, los estudios estarían planeando un estreno para el verano de 2012. Además, confirma también la adquisición de los derechos de Zombi-Guía de supervivencia y su novela gráfica por parte de la misma Paramount, que parece haberse adueñado de los productos basados en zombis más potenciales de los últimos años. ¡Espero que el mundo no levante las armas antes de que la vea!

En el fondo, creo que es una novela política en la que Brooks utiliza a los zombies para hablar de nosotros, de nuestras frágiles sociedades sustentadas en protocolos que nos dan una falsa sensación de seguridad pero cuyos cimientos pueden caer con facilidad. Así que ya lo saben, si quieren salvar sus vidas en este mundo de caos que nos envuelve, este es su libro. www.cinemascomics.com

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LA ILÍADA Guión: Roy Thomas Dibujo: Miguel Ángel Sepúlveda Edición original: The Iliad TPB USA Formato: 200 págs. PVP: 15,00 € Editorial Panini Las piedras angulares de la literatura universal, adaptadas al cómic como sólo sabría hacerlo La Casa de las Ideas. En este primer tomo, el mundo antiguo asiste al cataclísmico choque de dos ejércitos: el griego y el romano. Helena, la mujer más bella del mundo, ha escapado a Troya junto al príncipe Paris. Los griegos quieren recuperarla al precio que sea. Así arranca la saga que define a todas las sagas, un relato de dioses y hombres, heroísmo y traición. Desde los labios de Homero a las páginas de un cómic.

VISIONARIOS MARVEL: STAN LEE Guión: Stan Lee Dibujo: Jack Kirby, Steve Ditko, Gene Colan, Fred Kida, Al Avison, Ron Frenz, Wally Wood, Marie Severin, John Buscema, Barry Windsor-Smith, Nick Dragotta y Kevin Maguire Formato: 224 págs. PVP: 19,95 € Editorial Panini ¡Un monumental y cuidado volumen dedicado al hombre que concibió el Universo Marvel y mejor lo representa! Este libro examina a fondo la figura de Stan Lee, al tiempo que ofrece las historias fundamentales escritas por el más decisivo autor de la historia del cómic. Desde el primer relato escrito para Marvel hasta sus trabajos más recientes, pasando por las aventuras que marcaron época o aquéllas que se encuentran entre sus favoritas. Además, una enorme cantidad de material extra y artículos realizados por Raimon Fonseca, el estudioso de La Casa de las Ideas que mejor conoce la inigualable obra de Stan Lee.

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ICONS DE JIM LEE Guión/Dibujo: Jim Lee/Paul Levitz Edición original: Icons: The DC and Wildstorm Art of Jim Lee HC USA Formato: Libro cartoné, 296 págs. color. PVP: 40 € Editorial Planeta de Agostini Jim Lee es uno de los dibujantes más populares y exitosos del cómic moderno, y su trabajo es admirado por los fans de todo el mundo gracias a su estilo hiperdinámico y su enfoque innovador con los personajes y el diseño de vestuario. Este libro revela el impacto que ha tenido Lee en el universo de DC Comics, incluyendo a personajes estrella como Batman, Superman, Wonder Woman y Green Lantern, junto a su legión de héroes de Wildstorm. Desde bocetos a storyboards, pasando por versiones a lápiz hasta la imagen fi nal coloreada, este libro muestra todos los pasos del proceso creativo de Jim Lee, y cubre toda su carrera en DC, con comentarios exclusivos del dibujante en persona. También revela la diversidad de medios en los que aparece el dibujo de Lee, que va más allá del cómic, y que abarca las figuras, el merchandising, las películas y el reino digital. También presenta una historia original de la Legión de Superhéroes, escrita por Paul Levitz e ilustrada por Jim Lee.

LOS MUERTOS VIVIENTES EDICIÓN DE LUJO Nº01 Guión/Dibujo:Robert Kirkman/Charlie Adlard Edición original: The Walking Dead # 1-24, The Covers, HC y Absolute USA Precio: 40 € Editorial Planeta de Agostini Una epidemia de proporciones apocalípticas ha barrido la Tierra haciendo que los muertos se levanten y se alimenten de los vivos. En una historia de zombies sin fin, un grupo de supervivientes intentan marcar la diferencia y, sobre todo, seguir existiendo. Este es el argumento central de la exitosa colección creada por Robert Kirkman. El autor nos ofrece un relato que nos hace reflexionar sobre el mundo en el que vivimos y en qué lo estamos convirtiendo. En el apartado gráfi co cuenta con la inestimable ayuda de Tony Moore y Charlie Adlard.

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Cinemascomics: La revista nº3. Abril