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LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI

De lo macarra a lo comercial

EL CINE Y LAS OBSESIONES DE

DENIS VILLENEUVE JUnARED L ETO: Peter Pan de ojos azules ADELANTO ESTRENOS ABRIL LA PELÍCULA DESTACADA:

NOe

ENTREVISTAS: VE U E N E L L I V S I N DE SARAH GADON maestros del COMIC

GARTH ENNIS, L’ENFANT TERRIBLE HACER CINE: DEL GUIÓN A LA PANTALLA

: e r b o s todo CLÁSICOS DE LOS 80 Robocop 1987 vs Robocop 2014

Especial series

La evolución de la seriefilia

CINE DE CULTO

Quentin Dupieux: Wrong www.cinemascomics.com


ENTERTAINMENT

CMC

CINEMASCOMICS:la revista

EDITA: NEW BABYLON S.L. c/ Lugo nº66, 3. 50007 Zaragoza ISSN 2254-8343 DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Y MAQUETACIÓN Carlos Gallego RESPONSABLE David Larrad REDACTOR JEFE Enrique Abenia REDACCIÓN Carlos Gallego David Larrad Enrique León Alberto Gutiérrez Beatriz Planas Aitor López María Ciércoles Neli Coma Patricia Torres Eduardo Quintana Enrique Abenia Gustavo Martín Sergio Reina CÓMICS Diego Burdio: diegoburdio.blogspot.com Moratha: moratha.blogspot.com PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 publicidad@cinemascomics.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics.

EDITORIAL Hola a todos y bienvenidos a este primer número de ‘CMC: ENTERTAINMENT’, revista digital que en una época de ‘remakes’ y relanzamientos no deja de ser un ‘reboot’ de ‘Cinemascomics: La revista’, publicación que dejamos de editar en febrero de 2012 por motivos de tiempo y obligaciones laborales que no nos permitían mantener la periodicidad mensual. Queremos agradeceros vuestra confianza y por ello adquirimos el compromiso de ser puntuales en nuestra cita de cada mes. En ‘CMC: ENTERTAINMENT’ procuramos mejorar para no ser otra revista de cine y cómics en PDF de las que ya hay en el mercado, nuestro objetivo es ser vuestra revista digital de referencia, con la que disfrutéis de unos contenidos escritos con pasión por un equipo que también participa en la web que originó este sueño. En definitiva, pretendemos que viváis la experiencia multimedia de ‘CMC: ENTERTAINMENT’. Este mes dedicamos un especial al estreno destacado de marzo, ‘300: El origen de un imperio’. Muchos de vosotros pensareis que dónde está el Capi. Tranquilos, ya que el Capitán América tendrá un completo especial en el número de abril, donde os contaremos todos los secretos acerca de la producción de la nueva película de Marvel. En estas páginas dedicamos a su vez un especial a ‘Enemy’, película del director canadiense Denis Villeneuve, quien presentó la obra en el pasado Festival de San Sebastián junto a la actriz Sarah Gadon. Nuestro colaborador Aitor López pudo entrevistarles. En la sección de cine de culto, Patricia Torres analiza ‘Wrong’, de Quentin Dupieux, un habitual de Sitges, y Sergio Reina escribe ‘Robocop 1987 vs. 2014’, artículo donde compara las dos versiones del popular personaje de ciencia ficción. Por su parte, Enrique León, guionista del largometraje ‘Justi & CIA’, de próximo estreno, publica el primero de una serie de artículos en los que desvela el proceso necesario para llevar a cabo una película, con el guión como elemento fundamental. Además, avanza los estrenos que llegan a la cartelera en abril y se detiene en la esperada ‘Noé’, propuesta bíblica protagonizada por Russell Crowe y dirigida por Darren Aronofsky. Todavía hay más, mucho más, en ‘CMC: ENTERTAINMENT’. María Ciércoles repasa la trayectoria cinematográfica de Jared Leto, flamante ganador del Óscar al mejor actor secundario por ‘Dallas Buyers Club’; Neli Coma analiza la evolución de la seriefilia y Beatriz Planas, una de nuestras últimas incorporaciones, escribe sobre ‘Las brujas de Zugarramurdi’, una de las triunfadoras de los Goya. El mundo del cómic está representado en este número con las páginas de Diego Burdio y Antonio Morata y con un detallado artículo en torno a la obra de Garth Ennis a cargo de Alberto Gutiérrez. Esperamos que os gusten los contenidos y que disfrutéis del relanzamiento tanto como nosotros. Para cualquier sugerencia podéis poneros en contacto con el equipo a través de nuestra página de Facebook.

Carlos Gallego Director de Cinemascomics

A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

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Número 1 | MARZO 2014

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12 Actualidad 8│ Primeras imágenes de ‘The Flash’

ESPECIAL 300: EL ORIGEN DE UN IMPERIO

ENTREV DENIS V

“NUESTR SOMOS

10│ Primeras imágenes de ‘Sin City 2’

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criticas 66│300: El origen de un imperio 68│Las aventuras de Peabody y Sherman 70│El poder del dinero 72│¿Qué nos queda? 74│Monuments Men 76│La Bella y la Bestia

ENTREVISTA: SARAH GADON

78│Robocop

84 ROBOCOP 1987 VS ROBOCOP 2014 4

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65 JARED LETO

Un Peter Pan de ojos azules

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ÁLEX DE LA IGLESIA DE LO MACARRA A LO COMERCI


contenido estrenos

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12 │ 300: EL ORIGEN DE UN IMPERIO 7 de marzo 27 │ LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN 7 de marzo

VISTA: VILLENEUVE

PELÍCULA DE ABRIL

NOÉ

RO MAYOR ENEMIGO NOSOTROS MISMOS”

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IAL

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WRONG

42 │ BYZANTIUM 21 de marzo

56│ TODOS LOS ESTRENOS DE MARZO

82 LA EVOLUCIÓN DE LA SERIEFILIA

40 │ NON-STOP 21 de marzo

44 │ ENEMY 25 de marzo

CINE DE CULTO:

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38 │ LA BELLA Y LA BESTIA 14 de marzo

110│ TODOS LOS ESTRENOS DE ABRIL

que leer 96 │El lobo de Wall Street 106 │ Zona Cómic

DEL GUIÓN A LA PANTALLA GARTH ENNIS ‘L’ENFANT TERRIBLE’

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s e n e g a m i s era

prim

PRIMERA IMAGEN OFICIAL DE LA NUEVA VERSIÓN PARA TELEVISIÓN DE ‘THE FLASH’ Como muchos sabéis hace muy poco se anuncio una nueva serie del famoso superhéroe de DC’ Comics ‘The Flash’ producida por CW, la presentación de Barry Allen se hizo en la exitosa serie de televisión también basada en un personaje de DC’ ‘ARROW’. Pues bien vía comicbookmovie.com nos llega ya la primera imagen de Grant Gustin como THE FLASH. La serie está protagonizada por Grant Gustin, Tom Cavanagh, Jesse L. Martin, Candice Patton, Danielle Panabaker, Rick Cosnett, y John Wesley Shipp, la serie de ’The Flash’ está dirigida por David Nutter y escrita por el guionista de cómics Geoff Johns. CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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Jessica Alba vuelve a interpretar a Nancy Callahan en ‘Sin City: Una dama por la que matar’

Sin City 2 UNA DAMA POR LA QUE MATAR La secuela de Sin City está en marcha y ya podemos ver nuevas imágenes de los protagonistas Mickey Rourke, Jessica Alba y la nueva incorporación Joseph Gordon-Levitt. En las oscuras y peligrosas calles de la Ciudad del Pecado, hay un hombre en busca de venganza. Dwight (Josh Brolin) planea un ajuste de cuentas con la misteriosa Ava Lord, la letal mujer que le traicionó. Al mismo tiempo, Nancy trata de superar la muerte de Hartigan, quien se suicidó (Bruce Willis), y Johnny emprende una peligrosa misión: acabar con el

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mayor villano de Sin City. En su aventura, conocerá a la joven Marcy, una stripper interpretada por Julia Garner. Basada en la segunda parte de la novela gráfica de Sin City (A Dame to Kill For), está nueva entrega está dirigida por Robert Rodriguez y Frank Miller, que también se han encargado del guión. En el reparto destacan Josh Brolin, Eva Green, Mickey Rourke, Rosario Dawson, Joseph Gordon-Levitt, Jessica Alba, Ray Liotta, Juno Temple, Jeremy Piven, Michael Madsen, Jamie Chung, Jaime King, Dennis Haysbert, Crystal McCahill y Julia Garner.


En las imágenes podemos ver a Mickey Rourke que vuelve a interpetrar el papel de Marv de la primera entrega y a Joseph Gordon-Levitt que da vida a Johnny. CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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7 de marzo


300: El Origen de un Imperio, narrado en el imponente estilo visual de la exitosa 300, es la nueva entrega de la épica saga, y lleva la acción a un nuevo campo de batalla: el mar. La historia enfrenta al general griego Temístocles con las grandiosas fuerzas invasivas de Persia, dominadas por Jerjes, un mortal convertido en dios, y guiadas por Artemisia, vengativa comandante de la armada persa. Sabiendo que la única esperanza de derrotar a la arrolladora armada persa será unir toda Grecia, finalmente Temístocles dirige el ataque que cambiará el curso de la guerra. Warner Bros. Pictures y Legendary Pictures presentan la producción de Cruel and Unusual Films/Mark Canton/Gianni Nunnari 300: el Origen de un Imperio. La aventura de acción está protagonizada por Sullivan Stapleton (Gangster Squad - Brigada de Élite) como Temístocles y Eva Green (Sombras Tenebrosas, Casino Royale) como Artemisia. Retomando sus papeles de 300, Lena Headey interpreta a la reina espartana Gorgo, David Wenham interpreta a Dilios, Andrew Tiernan repite como Ephialtes, Andrew Pleavin protagoniza a Daxos y Rodrigo Santoro vuelve con el papel del rey-dios persa Jerjes. El reparto principal también incluye a Hans Matheson en el papel del amigo más cercano y consejero de Temístocles, Aeskylos; a Callan Mulvey y Jack O’Connell en el papel de los soldados Escilias y Calisto, padre e hijo en la película, y a Igal Naor interpretando al rey persa Darius. La película está dirigida por Noam Murro a partir del guion de Zack Snyder y Kurt Johnstad y está basada en la novela gráfica Jerjes, de Frank Miller.


En marzo de 2007, la película 300 llegó a la cartelera mundial fascinando a los cinéfilos con su representación llena de acción del rey espartano Leónidas y sus 300 camaradas, que a pesar de estar en gran desventaja en cuanto a número, se llevaron la victoria de manera heroica frente a las fuerzas invasoras persas, gobernadas por el rey y dios Jerjes. Los productores, dirigidos por el guionista y director de 300, Zack Synder, han resucitado esta leyenda utilizando técnicas de rodaje vanguardistas, mientras que los platós y los fondos pertenecen en su totalidad al mundo virtual. Inspirada en la obra del novelista gráfico Frank Miller, 300 se convirtió en un exitazo en taquilla, con su asombrosa imagen que elevó el listón del género y sus inolvidables gritos de guerra, que pasaron a formar parte del léxico de la cultura pop. El éxito de la

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película generó debates acerca de una secuela, pero, como indica Snyder, había un claro obstáculo. “Al final de la película, casi todos los personajes principales estaban muertos, así que pensé que ya se había acabado la historia”. No podía haber una secuela en el sentido tradicional, pero eso no significaba que no hubiera más historias que contar. Snyder, productor y coautor del guion de 300: el Origen de un Imperio recuerda que Frank Miller se puso en contacto con él para decirle que estaba trabajando en una idea acerca de un general ateniense llamado Temístocles que dirigía a la armada griega contra la armada persa, capitaneada por la impresionante Artemisia. “Cuando me dijo que tenía lugar durante los tres días de la batalla de las Termópilas, en la que Leónidas se enfrentó a los persas en las Puertas Calientes y además con un resultado igual

de significativo, pensé: ¡qué interesante!. Después me envió un resumen y algunos dibujos y pensé: Vale, entonces vamos a hacerlo realidad”. “Lo que Frank había elaborado nos permitió volver a visitar el mismo tiempo y lugar, y además introducir nuevos personajes igual de inspiradores y divertidos y darles mucha profundidad”, dice la productora Deborah Snyder. “Queríamos subir el listón de la primera película con algo entretenido que ofreciera un nuevo nivel de drama, y, claro, un nivel de acción formidable”. Noam Murro, director de la película, nos cuenta: “La idea era crear una segunda trama dentro de la estructura de la primera película, por lo tanto temáticamente está en un contexto histórico similar, así que se cruza con 300 y, al mismo tiempo, tiene una perspectiva


Goldmann, quien también ayudó a llevar la primera película a la gran pantalla. Todos ellos coindicen en que la historia les ofrecía la oportunidad de ver el conflicto que se desplegó en aquella época en Grecia en un sentido más amplio. A través de la representación de batallas épicas, la acción cambia de la tierra al mar, donde los griegos vuelven a enfrentarse a retos grandiosos. Gianni Nunnari indica que “la nueva entrega recoge la historia de 300, pero la batalla de las Termópilas solo fue una en una guerra que duró muchos años, así que aún había mucho que explorar en las historias reales y mitológicas de aquellos tiempos”. Según Goldmann, “eso ha sido lo más emocionante, pues Zack y Kurt crearon un guion que complementa a la primera película, pero se desarrolla en un campo de batalla totalmente distinto. Y ya no son espartanos, no son soldados profesionales que viven para la guerra, sino hombres libres que deben tomar la decisión de luchar, y posiblemente morir, por aquello en lo que creen”. diferente que interesante”.

es

igual

de

Synder volvió a colaborar con Kurt Johnstad, su compañero y coautor de 300 en la creación de un guion para una nueva película en la que, según Kurt: “No hay necesidad de haber visto la primera para seguir la segunda, pues podría existir por separado y sigue caminos paralelos que, de vez en cuando, se entrelazan. No había que centrarse solo en Esparta, sino que pudimos ampliar la perspectiva e involucrar a las otras ciudades estado de Grecia, concretamente Atenas, que está en una situación límite en cuanto a la democracia”. Además de a los Snyders y Johnstad, la película también reúne a los productores Gianni Nunnari y Mark Canton, quienes ya desarrollaron y trabajaron inicialmente en la primera parte de 300 y al productor Bernie

Canton opina que “el concepto espartano de una ‘muerte hermosa’ era emocionante, pero no era una filosofía común, la de un hombre cualquiera: un panadero, alfarero o poeta; gente que no ve el mundo de la misma manera necesariamente, pero que está unida por una causa común. Creo que ese es el tema principal que hace de esta una historia tan fuerte”. Noam Murro, premiado director de anuncios televisivos, fue elegido para tomar el mando en la secuela de 300 tras presentar al equipo de productores sus ideas para la película. Zack Snyder recuerda que “Noam cogió la historia y nos la devolvió de una manera que cautivaba y emocionaba; yo estaba muy interesado en el trabajo de Noam y creí que le daría un toque fresco al mundo de 300, y así fue”.

Canton añade: “Noam no solo es considerado como un reputado director, sino que también entiende de historia, música y sonido y tiene mucha técnica, así que fue como una transición natural”. “Sabía que sería un reto hacer una película que respetara a la primera pero que se sostuviera por sí sola, y Noam hizo frente a ese desafío,” dice Goldmann. “Además es un gran colaborador que se rodeó del mejor equipo de profesionales, recibió sus aportaciones y les dio tiempo y espacio para que dieran lo mejor de sí, lo que creo que mejoró su visión”. Los griegos deben luchar bajo el liderazgo de un hombre, Temístocles, soldado por una parte y también político, quien usa ambas habilidades para conseguir un mismo objetivo. Sullivan Stapleton, quien interpreta al general ateniense, menciona: “Mientras que Leónidas rige en Esparta de una manera militar y muy autoritaria, Temístocles tiene que trabajar en sus dotes como orador para congregar a toda Grecia y conseguir que luche unida. Sabe que, aún así, no podrán igualarse a los persas, pero Temístocles ama su país y cree en esta nueva idea de democracia. El guion me otorgó el conocimiento de lo que estaba en juego entonces”. Noam Murro asevera que Artemisia, la excelente rival de Temístocles, está motivada también, no por algo tan idealista como la democracia, sino que su crueldad nace de la venganza, y que ambos creen firmemente en sus objetivos, por diferentes que sean, y eso hace que se desarrolle una dinámica interesante. Por su parte, Eva Green, la actriz que interpreta a esta imponente pero despiadada guerrera dice: “Pude investigar un poco sobre Artemisia porque el personaje existió en la realidad, aunque en la película es un poco diferente, CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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Rodrigo Santoro, Jerjes, antes de convertirse en el rey-dios que conocimos en ‘300’ de 2007 pues el hecho de que una mujer estuviera al mando hace tanto tiempo era algo insólito, así que tenía que demostrar una fuerza excepcional”. Zack Snyder comenta que “fue divertido preparar las circunstancias que propiciaran disputas entre ellos en este mundo mitológico y novelado; es como si se tratara de una máquina que está en movimiento continuo y se alimentara a sí misma constantemente”. Kurt Johnstad dice: “Algo de lo que Zack y yo siempre hemos sido conscientes, y creo que Frank eleva mucho el listón en esta película también, es que es una historia de hace miles de años, pero que no debería sonar como si fuera de aquella época, pues el diálogo tiene una calidad moderna y agresiva, no solo en los personajes masculinos, sino que los femeninos tienen mucha actitud y eso choca en cuanto a lo que una novela gráfica se refiere. Es un lujo trabajar con las partes que crea Frank, porque escribe cosas interesantes, oscuras y modernas que puedes desarrollar hacia atrás o hacia adelante en el tiempo, y es algo

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que sigue trascendiendo, porque es auténtico”. En 300: el Origen de un Imperio, se revela cómo Jerjes se convirtió en rey-dios, una metamorfosis en la que tanto Temístocles como Artemisia tuvieron mucho que ver. Rodrigo Santoro, quien vuelve a interpretar al sumamente sofisticado dirigente persa, opina que “en la primera película, no se sabía de dónde salía Jerjes, así que ver su transformación le da más magnitud a su personaje, lo que te hace comprender el porqué del poder que hay tras su trono”. Lena Headey retoma el papel de la Reina espartana Gorgo, que ahora es tanto dirigente como espectadora, y en palabras de Deborah Snyder, “Gorgo es la narradora, es su voz la que nos guía durante la película, pues es un personaje femenino muy fuerte y le da un toque diferente a la historia, ya que hace que conectemos el pasado y el presente”. Al igual que en la primera película, los platós y entornos de 300: el Origen de un Imperio se concibieron de una manera

virtual, lo que significa que en el escenario, todos, desde los actores al resto del equipo, tenían que imaginar lo que el público vería después: el hecho de que las batallas se darían en las agitadas cubiertas de barcos, y no en tierra firme. En palabras de Gianni Nunnari, “en general, puede resultar muy difícil trabajar en el agua, pero imagínate crear una gran masa de agua en la pantalla y después montar grandes escenas de lucha en ella; se necesitaron nuevas tecnologías grandiosas para hacer esta película”. Zack Snyder comenta: “Queríamos definir la imagen para que fuera congruente con el lenguaje visual de 300, pero no exactamente igual, y empezamos preguntándonos si se podría dar en el mismo reino y a la vez ser completamente independiente; creo que las respuestas que surgieron fueron geniales”. Noam Murro nos cuenta: “Desde el principio, Zack declaró que la película tiene una estética que surge de la primera parte pero con un alcance más amplio y dijo: ‘Ampliad los horizontes,


encontrad otra manera’. Fue muy comprensivo con los esfuerzos que todos hicieron en ese aspecto a lo largo de la producción”.

CASTING La guerra está estallando en

Grecia, y la única pregunta es si las ciudades-estado independientes se unirán a tiempo para defender sus fronteras del rey-dios persa Jerjes y su inmensa armada. El rey espartano Leónidas ya está en marcha con sus 300 mejores hombres para encontrarse con el enemigo en lo que solo podría describirse como una misión

suicida; pero Atenas no es Esparta. Según Noam Murro: “Temístocles no es un rey, debe seguir unas reglas diferentes, y los atenienses tienen la libertad de elegir si van a la guerra o si intentan negociar la paz, por lo tanto Temístocles debe ganarse los corazones del pueblo y trabajar a muchos niveles, psicológicos y políticos,

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para conseguir su apoyo, y eso se le da muy bien”. Sullivan Stapleton describe a su personaje como “un soldado muy orgulloso y extremadamente patriótico. La idea de que los persas quieran tomar sus tierras y esclavizar a su gente es suficiente como para impulsarle a luchar a muerte para defender Grecia, pero antes de que pueda convertirse en soldado tiene que ser un líder para demostrar su talento como gobernante y como estratega”. Según Zack Snyder, La armada

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persa está dirigida por Artemisia, una mujer que no necesita la diplomacia, astuta y sanguinaria, a la que no le sirven excusas y que no acepta una derrota, pues el fracaso se paga con consecuencias muy graves. Desde el principio, los directores solo tenían a una actriz en mente para el papel. Mark Canton nos confirma: “Eva Green fue el único nombre del que hablamos, y tenía todo lo que soñábamos y más. La Artemisia que interpreta Eva es un mil % mujer y otro mil % despiadada guerrera naval, y

resulta brillante como ambas”. “Es peligrosa, hermosa, sexy, conspiradora, tiene una espada y sabe cómo usarla, así que es muy simple: no te metas con ella”, comenta Noam Murro entre risas. “Para Eva, consistía en crear a una mujer sin remordimientos cuando se trata de sus objetivos o su crueldad a la hora de conseguirlos”. De hecho, Eva, acogió el lado oscuro de su personaje con especial interés. “Me encanta interpretar a personajes


malvados, pero especialmente a los que son complejos y tienen una razón para comportarse así, es mucho más interesante”. Aunque nació en Grecia, Artemisia fue traicionada cuando era niña por sus propios compatriotas, que aún siendo muy crueles, sembraron sin saberlo las semillas de la muerte y la destrucción en su propia tierra. Según Eva, “eso explica por qué alberga tanto odio por Grecia en su interior. Lo que me gusta de Artemisia es que es muy valiente y de armas tomar, su trágico defecto es su obsesión y su necesidad de venganza”.

A pesar de ser enemigos mortales, Temístocles y Artemisia llegan a desarrollar una admiración mutua. Stapleton da fe de ello: “Son dos soldados que respetan las estrategias del otro; si se hubieran conocido en otras circunstancias, puede que no intentaran matarse el uno al otro, pero están claramente en bandos opuestos, y así es como tiene que ser”. Green, por su parte, opina que “Temístocles resulta ser un adversario feroz y muy ingenioso y Artemisa al final le admira y hará lo que sea por ponerle

de su lado, pero aunque quiere dominarle, las cosas no salen según lo planeado y Artemisia vuelve a los planes de batalla que están por llegar, más segura de querer derrotarle”. Tiene la intención de destruir a los griegos, pero le falta el valor para desatar la guerra sobre ellos por su cuenta, sin embargo, con la muerte de Darius, el rey de Persia, a manos de Temístocles, puede atisbar una oportunidad... y se agarra a ella con fuerza. Interpretando las palabras de Darius en su lecho de muerte, que advertía de que “solo los dioses CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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pueden derrotar a los griegos” para su propio beneficio, convence a su hijo y heredero, Jerjes, de que este debe convertirse en reydios. En palabras del director, “siempre pensé que la relación entre Artemisia y Jerjes es uno de los aspectos más interesantes de esta película. ¿Le está manipulando ella o hay manipulación por ambas partes? ¿Artemisa le está utilizando para vengarse de los griegos o es Jerjes quien la utiliza para conseguir el poder por ser un brillante capitán y así poder cumplir sus ambiciones? Es importante no hacer que se le vea como alguien que no sabe lo que hace, es retorcido y malvado, pero no es tonto”. Rodrigo Santoro, quien ya interpretó al rey-dios Jerjes en todo su esplendor en 300 menciona que “lo bueno de El Origen de un Imperio es que podremos ver a Jerjes cuando era joven y comprender como se transformó a sí mismo en un personaje increíble, y, en mi opinión, fue un acto de valentía por parte de Jerjes porque tenía que encomendarse a morir antes de que pudiera experimentar su propio renacimiento”. Según Goldmann, “con la actuación de Rodrigo podemos sentir el poder de Jerjes en su forma divina, pero también hay momentos previos en los que se puede entrever el hombre que fue, y creo que eso le da más profundidad al personaje, y Rodrigo hizo un trabajo estupendo manifestando esa dualidad”. “La historia del origen de Jerjes salió de una de las ideas de Frank Miller,” según nos cuenta Zack Snyder. “Creo que lo divertido de contarlas es sacar la mitología de la realidad, cosa que ha sucedido en las fogatas de los campamentos desde el principio de los tiempos”. En 300: el Origen de un Imperio,

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la historia la relata Gorgos, la Reina de Esparta y mujer del rey Leónidas, quien toma las riendas de la narrativa de David Wenham, que interpreta a Dilios. Gorgos aparece en esta película cuando Temístocles llega para suplicar a los espartanos que se alíen con los atenienses y con las otras ciudadesestado para que puedan ser una nación unida. Los espartanos han nacido y se han criado para la guerra; sin embargo, Gorgo no le da a Temístocles la respuesta que esperaba. De nuevo en el papel de Gorgo, Lena Headey explica: “Los espartanos fueron educados para luchar, pero solo por Esparta, así que ella les dice que Esparta no tiene intención de aliarse con ellos, no sacrificarán sus vidas por los objetivos de otros y no comparten el sueño de una Grecia unida que tiene Temístocles”. Deborah Snyder opina que fue maravilloso que Lena interpretara de nuevo a la Reina Gorgo; “es esencial en el reparto y su papel es muy emotivo porque, cuando la ves por primera vez, ya sabemos el destino de Leónidas y, cuando vuelve a Esparta, acaba de sufrir la gran pérdida de 300 de sus mejores hombres, incluido su marido, el rey. Ahora se enfrenta a la gran responsabilidad de gobernar Esparta y tiene que preocuparse de su protección por encima de todo, pero algo que le dice Temístocles, y el hecho de querer vengar la muerte de Leónidas, son factores más motivadores para ella”. Al contrario que los espartanos, los camaradas atenienses de Temístocles no son soldados profesionales, por ejemplo, el mejor amigo y consejero de este, Aeskylos, es filósofo y poeta. Hans Matheson, el actor que interpreta a Aeskylos, comenta: “Eso me hizo poner en duda qué sería lo que le forzaría a ir a luchar. Todo giraba alrededor de la idea que había de la democracia en aquellos tiempos, es decir, el sacrificio de

los beneficios culturales y el gran potencial de la humanidad para explorar la ciencia, el drama, la religión... Y Aeskylos tenía que defender su país, y con él, las posibilidades que les llegaban, y también tenía que apoyar a su amigo cómo pudiera”. En palabras de Murro: “Hans busca el conocimiento profundamente y comprender la motivación que existe detrás de todo lo que hace, y eso es parte de quién es en la película. Aeskylos no está hecho para la lucha, pero sabe que tiene que luchar, es un amigo verdadero y defensor de Temístocles”. El daño que la guerra inflige a padres e hijos se personifica a través de dos guerreros más que luchan de parte de Temístocles: Escilias y su hijo Calisto, interpretados por Callan Mulvey y Jack O’Connell respectivamente. Escilias está decidido a arriesgar


su vida, incluso aventurándose a espiar tras líneas enemigas, y piensa que su hijo no está preparado para ser un soldado, mientras que Calisto está impaciente por ponerse a prueba en el campo de batalla. Callan Mulvey opina que “Escilias está preparado para sacrificarlo todo por proteger lo que más ama, quiere muchísimo a su hijo y se resiste a reconocer que este se ha convertido en un hombre. Escilias no quiere que Calisto deje de ser un niño y tiene que afrontar la posibilidad de que pueda perderle”. Irónicamente, es el propio ejemplo de Escilias el que inspira a su hijo para luchar. Jack O’Connell afirma que su personaje admira a su padre como un héroe de guerra y eso dio pie a muchas de las aspiraciones de Calisto. Quiere aprovechar la primera oportunidad para conseguir respeto, y al principio

de la película es un niño, pero la dura realidad de la guerra le hace crecer muy rápido. Noam Murro cree que ambos actores son adecuados para los papeles de familia. “Callan es muy maduro, sin embargo Jack es todo energía juvenil. Se comportaban como padre e hijo en el plató, había una verdadera conexión entre ellos que sirvió a la película de una manera temática”. Otros dos actores de la película anterior también vuelven figurar en el reparto de la nueva: Andrew Tiernan vuelve a estar irreconocible interpretando al traidor Ephialtes y Andrew Pleavin en la piel del soldado espartano Daxos.

ENTRENAMIENTO “Artemisia fue alimentada, vestida y entrenada por los mejores guerreros del Imperio

Persa hasta que se convirtió en alguien sin igual”. Sin lugar a dudas, el físico escultural de los espartanos fue uno de los elementos visuales más comentados de 300; los directores sabían que era vital que el elenco estuviera en plena forma para la nueva película, pero esta vez había algo distinto. Según Zack Synder, los griegos libres no son iguales que los espartanos; son menos salvajes, así que lo lógico era que los entrenadores trabajaran de manera más individualizada con cada actor esta vez. La tarea de poner en forma al reparto volvió a recaer en el entrenador Mark Twight y su equipo y los actores tuvieron que someterse a un estricto régimen que incluía dieta y ejercicio. Mark Twight nos cuenta que “el entrenamiento era personalizado, pero las reglas eran similares para todos. Una vez tuvimos CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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Noam Murro dando instrucciones a Sullivan Stapleton durante el rodaje de 300: El origen de un imperio

fijado un objetivo para cada actor, dijimos, ‘Vale, hay que llegar hasta aquí; ¿Qué vamos a hacer para que lo consigas?’ Nos adaptamos a cada uno de ellos y ajustamos el entrenamiento sobre la marcha sin olvidarnos del objetivo definitivo”. Mark Murro comenta lo siguiente: “Si actúas en la película 300 tienes que aceptar una serie de normas básicas, y una de ellas consiste en realizar un entrenamiento físico para estar en forma. El entrenador, Mark, es muy sensato, así que mejor que estés preparado para involucrarte porque es tan motivador y tiene tanta fuerza que puedes estar seguro de que conseguirá ponerte en la forma física que necesites”. Mark Twight dice que uno de los mayores obstáculos que tuvo que superar fue el de que los actores no estaban juntos en un campo de entrenamiento en las semanas previas al rodaje, como estaban en la primera película. “Esta vez fue más complicado porque todos

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estaban en distintos lugares, y no contamos con la competitividad que se produce cuando todos entrenan en grupo. Por ejemplo, Sullivan Stapleton estaba, a todos los efectos, en la otra punta del mundo, así que tuvimos muy poco tiempo para prepararle cuando llegó”. Puede que la tarea más desmoralizadora fuera la de los actores que, siete años después de rodar 300, tenían que aparecer en la pantalla como si no hubiera pasado el tiempo. En concreto, Rodrigo Santoro tenía que estar a la altura del nivel de un dios para representar a Jerjes, y según opina el actor, “el proceso fue tan intenso como la primera vez; horas y horas en el gimnasio y semanas sin poder comer helado ni chocolate, pero ese es el precio que hay que pagar para ser un rey-dios”, dice con una sonrisa. Andrew Pleavin experimentó lo que Mark Twight define como “la mayor transformación posible

en el menor tiempo, pues tenía un reto de cuatro semanas de increíble presión para recuperar la silueta que tenía antes”. Pleavin recuerda: “Cuando llegué, estaba por encima de la media, pero según los patrones de Mark Twight, estaba en muy mala forma, así que me agradó mucho lo que conseguimos en tan poco tiempo. Es un privilegio que alguien del calibre de Mark pueda orientarte, y estoy muy agradecido de haberlo experimentado dos veces en mi carrera”. El programa de entrenamiento exhaustivo no era exclusivo para los hombres, y Mark no tiene más que grandes elogios para Eva Green y Lena Headey. “Lena tiene la actitud y la cualidad física y puede resultar imponente y elegante a la vez, aprendió rápido y estaba entusiasmada por todo el proceso.” “Eva ya estaba preparada y más que dispuesta, fue una sorpresa


trabajar con ella; me encantó verla actuar en la coreografía de combate y cómo ejecutaba a la perfección algunos movimientos complicados con dos espadas. Era explosiva cuando emergía de una postura baja, y yo pensé ‘Aquí está el resultado de nuestro trabajo’. Me sentí orgulloso de ella”. Por su parte, Eva recuerda: “No soy una persona muy coordinada, al principio me daba un poco de miedo y Mark me decía: ‘No pienses, hazlo’. Luchar con dos espadas fue un reto mayúsculo, pero el gran trabajo que hice me ayudó mucho. Los dobles de cuerpo son los mejores, me parecían impresionantes; me lo pasé genial, era como si estuviera viviendo un sueño”. Sullivan Stapleton comparte su entusiasmo y añade: “El entrenamiento con las espadas fue muy divertido, nunca había hecho nada igual y siempre es gratificante aprender algo nuevo, sobre todo cuando trabajas con los mejores. Empezamos haciendo los movimientos con bastones y fuimos escalando hasta llegar a las espadas. Había mucho que asimilar, así que trabajamos en ello todo lo que pudimos, dando

sentido a todas las batallas poco a poco, estuvieron todos fantásticos”. Damon Caro, otro de los alumnos de 300, se encargó de la coordinación de los dobles y de la dirección de segunda unidad en 300: el Origen de un Imperio. “Damon fue coordinador de dobles y coreógrafo en la primera película, ¿quién mejor para dirigir la segunda unidad en esta? Hemos tenido un equipo increíble entre la gente que preparaba a los dobles y la que los dirigía”, dice Gianni Nunnari. Para la coreografía de las escenas de lucha, Damon Caro era consciente del contraste entre los avanzados métodos de guerra de los espartanos y los de los atenienses. “Teníamos que ajustar el estilo para que no fuera tan profesional y quedara genial igualmente”, dice Damon. “Quitando a algunos de los personajes principales, teníamos que tratar con gente normal, la clase obrera que tuvo que dejar su trabajo y su hogar para ir a luchar, pero una gran excepción fue Temístocles. Como capitán y veterano de muchas batallas, Temístocles tenía que estar más pulido, pero con los persas utilizamos las mis-

mas técnicas que antes porque sigue siendo el ejército de Jerjes, aunque ahora el escenario sea el mar”.

DIGNO DEL MAR “Hoy el último de los barcos griegos será destruido. No tengáis piedad de ellos... Hoy bailaremos sobre las espaldas de griegos muertos. Hoy repartiremos sumisión. Hoy quiero sentir la garganta de Temístocles debajo de mis botas”. Aunque el primer frente de batalla había cambiado de Termópilas al mar Egeo, los directores querían que el estilo visual de esta película se correspondiera con el de 300. Noam Murro y su director de fotografía, Simon Duggan, usaron el patrón de la película anterior como una referencia para enmarcar el rodaje de una manera que también reflejara el material de la novela gráfica y también pudieron planificar las escenas usando previsualización, en la que secuencias enteras se organizaban en un formato animado básico. Dada la gran producción de efectos especiales, el escena-

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rio de previsualización era clave para todos los departamentos. Richard Hollander, el supervisor de efectos especiales, nos dice: “Teníamos que crear todo un mundo, y la previsualización nos permitía determinar cómo íbamos a grabar los diversos ángulos en acción, revisarlos, y si fuera necesario, cambiarlos, retroceder y volver a grabar las veces que fuera necesario”. Según Noam Murro: “Lo diseñamos de tal manera que cada batalla era diferente, pero todas enlazaban con la idea de que los griegos son los que conocen el entorno, el agua en este caso. Por eso Temís-

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tocles es un estratega tan bueno, porque sabe que si solo tienen en cuenta el número, están acabados, y por eso tiene que poner algo más sobre la mesa. Cada encuentro fue concebido para ofrecer otro aspecto de cómo usa sus tácticas y su conocimiento contra las fuerzas arrolladoras”. Hollander trabajó de cerca con el equipo de efectos especiales en Scanline, la empresa responsable de la representación del agua, en movimiento constante ya fuera en forma de olas suaves, bajo los remos de un barco o rompiendo contra las rocas o los cascos. Bryan Hirota, el supervisor de

efectos especiales en Scanline, revela que el objetivo era hacer que el agua fuera creíble, pero no del todo natural. “Nuestra meta era elaborar que ofreciera algo al mundo súper estilizado de la película, por eso no queríamos que el agua fuera demasiado realista, queríamos asegurarnos de que el entorno se comportara de una manera fantástica, y una vez estuvo establecido el aspecto, hubo mucho trabajo de simulación avanzada y cómputo para ponerlo en marcha, fue un reto muy grande”. Aunque Scanline creó todos los medios principales de agua, algu-


nas escenas en las que los actores tenían que estar sumergidos se consiguieron en tanques ubicados en los estudios Warner Bros. Leavesden, Londres. Otro fluido vital que fue estilizado especialmente para la película fue la abundante cantidad de sangre que se producía en las batallas. En palabras de Hollander, “Al igual que en la primera película, queríamos que fuera algo extremo, así que añadimos casi toda la sangre en un proceso de posproducción, y tuvimos que hacerlo coincidir con cada puñetazo, corte y tajo en mitad del caos, así que añádir la pulverización de

sangre fue un proceso más meticuloso de lo que te imaginas”. En una escala mayor, los efectos visuales tuvieron mucho que ver en cada escena de la película, ya que la mayor parte de platós y fondos fueron creados o desarrollados de manera digital. El equipo de efectos visuales también controló el tiempo, generando los efectos atmosféricos que ayudaban a dar ambiente en cada escena. Los platós físicos, incluidos segmentos de los trirremes madera de los griegos y los ques de guerra negros de

los de bulos

persas, fueron construidos en escenarios de filmación en el estudio Nu Boyana, en las afueras de Sofía, Bulgaria. Sin embargo, se necesitaron imágenes procesadas por ordenador para completar la construcción de flotas de guerra y para hacer que las embarcaciones estuvieran en buen estado para navegar, en un sentido digital. Cada escenario, ya fuera en el interior o en el exterior, estaba rodeado de croma azul o verde, que posteriormente se convertiría en vistas de la antigua Grecia y Persia, desde Atenas a Esparta y desde el mar Egeo al palacio del rey-dios Jerjes. CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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7 de marzo

El Sr. Peabody, el perro más exitoso del mundo, y su travieso hijo Sherman, van a utilizar su máquina del tiempo –el Vueltatrás– para embarcarse en la aventura más escandalosa que se haya visto jamás. Sin embargo, en un desafortunado accidente, Sherman le muestra la máquina a su amiga Penny para impresionarla y acaban creando un agujero en el universo, provocando el caos en los acontecimientos más importantes de la historia. Antes de que el pasado, el presente y el futuro queden alterados, el Sr. Peabody acude al rescate mientras tiene que hacer frente al mayor desafío de siempre: ser padre. Juntos dejarán su huella en la historia. LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN es una comedia de aventuras que combina ciencia ficción, viaje en el tiempo, personajes excéntricos y un diálogo inteligente, unidos por la extraña relación de nuestros

héroes: un perro y su hijo humano. LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN es al fin y al cabo la historia de la relación entre un padre y su hijo. “El Sr. Peabody adoptó a Sherman y lo crió lo mejor que pudo”, explica el director de la película, Rob Minkoff, autor de otros éxitos como la película de animación El rey león y la película de carne y hueso/animación Stuart Little. “Como en cualquier familia, las cosas se complican; así que los dos tienen que crecer y aprender de las experiencias para conseguir ser una familia más unida”. Hasta un genio mundial como el Sr. Peabody tiene mucho que aprender sobre la paternidad. “El Sr. Peabody tiene que admitir que no siempre puede comprender a su hijo”, añade el productor Alex Schwartz. “Peabody descubre que dejar de controlar es uno de los mayores desafíos a los que se tiene que enfrentar un padre”.

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No hay duda de que algunos de los métodos que utiliza el Sr. Peabody para educar a su hijo son poco tradicionales, como viajar con Sherman a través del tiempo en una serie de increíbles aventuras. El viaje en el tiempo es un tema absorbente, de una dimensión fascinante, que deriva en historias llenas de aventuras. Los personajes contemporáneos de la película interactúan con personajes famosos de la historia, una dinámica que provoca situaciones ridículas e infinidad de choques culturales.

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Pero para viajar a través del tiempo hay que seguir unas reglas, como no encontrarte contigo mismo y tener el mínimo impacto posible en el pasado. La puerta de entrada del Sr. Peabody y Sherman a las infinitas capas de la historia es un artilugio asombroso llamado el Vueltatrás, la inigualable creación del inventor más importante del mundo: el Sr. Peabody. El sagaz canino construyó el aparato para que Sherman pudiera vivir la historia de cerca y en persona.

El Vueltatrás es mucho más que un vehículo, es un personaje por derecho propio, que se convierte en un jugador esencial en las aventuras de Peabody y Sherman a través del tiempo.

DE TAL PALO, TAL ASTILLA Rob Minkoff afirma que el Sr. Peabody y Sherman son un equipo clásico de película, “al igual que lo eran Laurel y Hardy (el Gordo y el Flaco), Batman y Robin o Sherlock Holmes y Watson”. Son


unas sociedades emocionantes, pero el Sr. Peabody no es el típico perro de raza beagle; es un titán de los negocios, inventor, científico, ganador del premio nobel, medallista olímpico y genio… que resulta ser un perro. Peabody posee la brillantez de Einstein, el ingenio de Oscar Wilde, la valentía de Indiana Jones, las habilidades deductivas de Sherlock Holmes, la clase de James Bond y la destreza culinaria de Mario Batali. El único desafío que le queda a Peabody es su hijo adoptivo Sherman. Peabody

se desvive por Sherman, del que aprende algo que hasta un genio tiene que descubrir: cómo ser un buen padre. Ty Burrell, que pone la voz original a Peabody, le añade matices adicionales a este personaje ya de por sí completo. Sin embargo, el director Minkoff no estaba seguro de la elección de la estrella de la serie Modern Family. “Ty es famoso por su papel del padre sobrecargado Phil Dunphy en Modern Family y no es precisamente el más listo de los personajes. Pero cuando unimos

su representación al personaje de Peabody, realmente encerraba la personalidad de Peabody. Si te paras a pensarlo, el Sr. Peabody y Sherman eran la Modern family original”, bromea Minkoff. “¿Qué hay más moderno que tener un padre perro?”. El productor Alex Schwartz (Viaje al centro de la Tierra) apunta que Burrell “le da humanidad y calidez al personaje de Peabody, así como muchísimo humor y una cadencia vocal única”. CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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La verdad es que el trabajo le venía a Burrell como anillo al dedo. Después de todo, tiene que interpretar un personaje al que él mismo describe como “alguien perfecto, un personaje muy interesante de interpretar porque yo soy imperfecto. Peabody no comete casi ningún error; sólo como padre, al igual que todos los demás. Es capaz de resolver cualquier situación o problema, excepto si se trata de Sherman”. Burrell se preparó el papel viendo los cortos de televisión en los que se basa la película. “Gracias a ello pude encontrar la manera de hablar para la película”, explica. “Peabody habla con mucha precisión, marcando mucho cada sílaba”. La voz del hijo del Sr. Peabody la pone el joven actor Max Charles

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(¡Vaya vecinos!, de ABC-TV; The Amazing Spider-Man), quien, según Alex Schwartz, da una voz de niño auténtica a Sherman. “Max es muy gracioso, tiene una cadencia perfecta y una voz adorable que suena como si estuviera chupando caramelos”. Además, “Max actúa con emoción, profundidad, corazón y humor, algo que no es fácil encontrar entre los actores jóvenes”, añade Minkoff. El Sherman de Charles es abierto, entusiasta y extremadamente curioso. Crecer con su padre adoptivo, el genio creador de la máquina del tiempo, el Sr. Peabody, hace que Sherman tenga la oportunidad de vivir incontables aventuras. Como cualquier niño, Sherman tiene inclinación a los problemas, y muchas veces se ve

superado por ellos, pero al final acaba solucionando todos los líos en los que se mete. “Sherman es un niño genuino”, afirma Minkoff. “A veces es algo inocente, pero es un excelente pupilo del Sr. Sherman, ya que una de las cosas que hacen es viajar en el tiempo a través de la historia. Peabody tiene la oportunidad de enseñarle a Sherman algunos de los eventos más importantes de la historia”. “Sherman es un niño de la cabeza a los pies”, reafirma Schwartz. “Es inteligente y aprende con rapidez pero, al mismo tiempo, no siempre piensa las cosas antes de hacerlas y da el salto antes de mirar”. Como cualquier padre sabrá, ese tipo de “salto” puede suponer un


daño. Para Sherman, romper las reglas del viaje en el tiempo tiene unas consecuencias importantes. Según Max Charles, Sherman es “un niño normal que hace cosas poco normales, como viajar en el tiempo”. Sherman aprende muchísimo del Sr. Peabody, pero ese aprendizaje es mutuo. “Peabody también aprende muchas cosas de Sherman, como ser un poco menos estricto y tener más confianza en él”, reflexiona Charles. “Peabody se da cuenta de que las imperfecciones de Sherman son las que le hacen tan maravilloso y que merece la pena intentar ser un poco más vulnerable”, añade Burrell.

NUEVOS AMIGOS

Aparte de Peabody, la persona

más importante para Sherman es su compañera de clase Penny Peterson. Penny supone una doble amenaza: es guapa y lista. Penny reina en su colegio hasta que aparece Sherman, que es aún más “cerebrito” que ella. Pero su carisma natural y su naturaleza intrépida, así como su compresión y lealtad, la llevan a una amistad con Sherman que resiste al paso del tiempo. “Al principio, Penny y Sherman no se llevan bien”, explica Schwartz. “Pero poco después se ve que Penny es más de lo que aparenta. Cuando pone a un lado los celos que tiene de Sherman, empieza a darse cuenta de que es un chico interesante. Lo bueno de Penny es que la vemos crecer en el transcurso de la película”. El dinamismo del personaje, su inteligencia y valentía hicieron que fuera complicado encontrar a la candidata adecuada, hasta que apareció Ariel Winter, que desempeña el papel de Alex Dunphy, la hija adolescente del personaje de Ty Burrell, Phil Dunphy en Modern Family. Minkoff, que en un principio no sabía de la conexión entre Winter y Burrell, dice que ha sido “una gran coincidencia que los dos hayan terminado trabajando juntos en LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN. Ariel le da muchísima energía al papel. Penny es una chica aguda e irónica, y aunque es más joven (que la actriz), brinda al personaje de naturalidad y compresión”. Penny, Sherman y el Sr. Peabody comparten varios catastróficos viajes a través del tiempo, pero la primera expedición con el Vueltatrás es un viaje padrehijo a la Revolución Francesa y un encuentro con la reina de ese país que pierde la cabeza – literalmente– durante esa época. Sherman y Peabody chocan con el levantamiento de campesinos que cambiaría Francia para siempre, y Peabody termina con su cuello

en una guillotina. Sin embargo, a diferencia de la reina, tiene la habilidad de escapar de la cuchilla gracias a unos brillantes movimientos estratégicos y a su pericia con la espada. “Nos entusiasmaba la idea de abrir la película con una secuencia de acción”, confiesa Schwartz. Para convertir a Peabody en un maestro espadachín, los directores contaron con la ayuda de expertos de la espada y la batalla, que enseñaron a los animadores cómo se sostiene un arma, se ataca y se mantiene el equilibrio. Pero incluso con esa aventura de acción y llena de peligros y de una carrera a través del sistema de alcantarillado de París, lo mejor para el dúo (y Penny) estaba aún por llegar. En un paseíto que hacen Sherman y Penny por su cuenta, acaban llegando al antiguo Egipto, donde Penny acaba prometida con el faraón de nueve años de edad Tutankamón. Poco despúes, Peabody, Sherman y Penny le hacen una visita al antiguo amigo de Peabody y polímata original Leonardo Da Vinci, con la divertidísima representación del nominado al Óscar Stanley Tucci. Nuestro trío va a encontrar al artista/ científico/ingeniero/inventor/ investigador/etc. sumido en una crisis creativa, desesperado porque no puede hacer que la Mona Lisa (voz original de Lake Bell) sonría para su retrato. Después de sonsacarle su enigmática sonrisa, Peabody descubre que Sherman y Penny se han vuelto a fugar con el Vueltatrás; esta vez a mucho antes: hasta la época de la máquina voladora de Leonardo Da Vinci. Más tarde, llegan a la antigua Troya, donde los troyanos aprendieron a tener cuidado con los griegos –y con Sherman– si les hacen regalos, especialmente si CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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son caballos de madera gigantes que esconden en su interior un ejército de curtidos guerreros con ganas de diversión. Sherman se ve dentro del famoso caballo de Troya, donde rápidamente se hace amigo de Agamenón, el comandante en jefe del ejército griego durante la guerra de Troya. Este último es uno de los personajes favoritos de Minkoff. De su voz se encarga Patrick Warbuton, de quien Minkoff dice que es “uno de los actores más graciosos que puedes encontrar”. La secuencia del caballo de Troya es una mezcla de hechos históricos y de mucha diversión y fantasía. Pero ésos no son los únicos personajes famosos con los que se encuentran nuestros intrépidos viajeros del tiempo; también conocen a Van Gogh, Einstein (con la voz del legendario cómico Mel Brooks), Lincoln y Shakespeare. Por supuesto, para visitar a estas súper celebridades, nada mejor que el siempre estiloso y cómodo Vueltatrás. El aparato es una esfera roja resplandeciente que flota sobre la tierra, con un interior de alta tecnología del siglo XXI en forma de huevo con asientos

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que planean alrededor del panel de control, pantallas táctiles flotantes y un globo terráqueo holográfico que funciona como el sistema GPS de la máquina. Aunque el Vueltatrás es un producto de ultimísima tecnología, a veces, los chasquidos, zumbidos y chirridos que emanan de su ordenador le hacen a uno pensar si tiene sus propias opiniones. Entre los complementos de alta tecnología del Vueltatrás se incluyen unos mandos de control de energía y unos asientos retractables que aparecen mágicamente. Es una maravilla tecnológica tan avanzada que hasta sus creadores –los directores de LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN– dudan a veces de para qué sirven algunos controles. Por ejemplo, el “fundibulador sincrónico”, que es una especie de artefacto de arranque, según Minkoff; o el “hemidemisemiquavatron”, cuya función oficial, y un tanto misteriosa es que “hace exactamente lo que dice su nombre”.

LOS PETERSON, LA SRA. GRUNION Y EL DIRECTOR PURDY Mientras Peabody, Sherman y Penny viajan por el espacio tiempo continuo, los padres de Penny, Paul y Patty, se encuentran en el moderno apartamento de Peabody. No tienen ni idea de lo que su hija y sus nuevos amigos se traen entre manos, ya que Peabody se aseguró de que el tiempo se parara para la despistada pareja. (Peabody había invitado a los Peterson a cenar para suavizar las cosas tras el incidente de los niños en el colegio). La situación es perfecta para el Sr. Peabody: el trabajo y los hobbies de Paul le mantienen siempre ajeno de cualquier responsabilidad en casa, algo que exaspera a Patty. Además, no suele ser muy amable con los extraños, especialmente con el Sr. Peabody. Pero la perspicacia y las irresistibles habilidades del Sr. Peabody como anfitrión hacen que Paul baje la guardia y se una a la fiesta.


Stephen Colbert, el presentador ganador de un Emmy por el aclamado programa de entretenimiento The Colbert Report, representa a Paul; mientras que Leslie Mann (Rio, Lío embarazoso) pone voz a Patty Peterson. Para Colbert, ponerle la voz a Paul fue enriquecedor por varios motivos; nada tiene que ver que según el actor “Paul Peterson es el verdadero héroe de la película. Creo que es el amor que siente por su hija lo que precipita el argumento entero, ya que si no estuviera tan enfadado por la pelea entre Sherman y Penny, no habría película”. El actor admite que todo el asunto de los viajes en el tiempo le atraía particularmente, y le hacía soñar con sus propios viajes a través del tiempo. “Si tuviera una máquina del tiempo iría al pasado, inventaría la cremallera y haría una gran fortuna”, bromea. Colbert confiesa que trabajar en LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN le ha traído recuerdos felices de sus incursiones clandestinas para ver los cortos

de televisión Mr. Peabody and Sherman cuando era niño. “Lo ponían en la televisión después de mi hora de acostarme; recuerdo que me colaba en el salón y me escondía entre mis hermanos, tumbado con una almohada encima para que mis padres no pudieran verme”. Al director Rob Minkoff le entusiasmó la idea de trabajar con Colbert y con la actriz de comedia Leslie Mann, que pone la voz de la media naranja de Paul, su mujer Patty. “Leslie tiene un gran carisma y una actitud inesperada en su voz”, afirma. Mientras Paul y Patty se divierten en la casa de Peabody, ajenos al hecho de que su hija ha roto y trata de reparar el espacio tiempo continuo, la villana de la película, la Sra. Grunion traza un plan de consecuencias aún peores. La señora Grunion trabaja para la oficina de protección del menor, y su ladrido es tan peligroso como su mordisco. Aunque ella insiste que sólo trabaja por el bienestar de los más pequeños, en realidad es una burócrata obsesionada con las leyes que cree que la mayoría

de los padres, especialmente Peabody, no tienen la suficiente autoridad para criar a sus hijos. Su estrecha mente se ve inflamada cuando se entera de que a Peabody, ¡un perro!, le han permitido adoptar a Sherman. “La Sra. Grunion cree que un perro, independientemente de su coeficiente intelectual, no es un padre apropiado para un niño. Cree que está haciendo lo correcto al intentar separar a Sherman de Peabody, que es sin duda alguna la peor de las fechorías”, explica Alex Schwartz. “A la Sra. Grunion no le gusta Peabody”, añade Rob Minkoff. “No le gustan sus principios y, sobre todo, no le gusta el hecho de que un perro adopte a un niño”. El personaje lleva la voz de Allison Janney, múltiple ganadora del Emmy por su trabajo como secretaria de prensa de la Casa Blanca C.J. Cregg en la exitosa serie de televisión El ala oeste de la Casa Blanca. Janney quiso aprovechar la oportunidad de hacer su primer personaje villano. “La Sra. Grunion es deliciosamente

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malvada”, explica. “Es una persona imponente y rígida y no tolera las bromas. Como cualquier gran villano, es alguien a quien te encantará odiar”. Para Minkoff significó mucho el compromiso total de Janney con los aspectos menos atractivos de Grunion. “Allison puede darle un giro malvado a cualquier momento”, apunta. “Realmente se mete en la piel de este desagradable personaje”.

ANIMACIÓN, DISEÑO Y ORÍGENES

Los actores y sus actuaciones son elementos críticos para dar forma a los personajes y sus relaciones, pero Minkoff y Schwartz también ofrecen mucho apoyo al equipo de animación. “Hacen un increíble trabajo que les convierte en actores con ordenadores”, afirma el director. “Son verdaderos artistas”, continúa. “Cogen los personajes en tres dimensiones y los transforman para que cobren

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vida. Se meten en la cabeza, el corazón y el alma de los personajes para llegar a entender quiénes son y cómo se tienen que comportar”. Schwartz reafirma esta idea, asegurando que los animadores “son todos actores; es una de las cosas más bonitas de la película. Se enamoran de los personajes y los hacen reales”. El equipo de animación se aseguró de que Peabody, como cualquier súper genio, fuera un bípedo que caminara con una confianza suprema. Se guardaron momentos cuadrúpedos –típicos de un perro– para los casos en los que Peabody tiene que responder de una forma más instintiva, menos intelectual ante algunas situaciones. Según Jason Schleifer, uno de los mayores desafíos para el equipo de animación fue el hocico de Peabody. “Si Peabody mira directamente a la cámara y sonríe, no podrías verlo porque todos los rincones de su boca están envueltos alrededor de su

hocico. Pasamos mucho tiempo girándole mínimamente para que se pudieran ver las comisuras de su boca cuando sonriera. Lo pasamos muy bien y, a la vez, fue muy complicado diseñar su gestos faciales para que pareciera amable y atractivo”. “Peabody es un personaje muy controlador; siempre tiene una respuesta y un plan para cualquier situación. No importa lo que se le venga encima, nunca le pilla desprevenido. Fue divertido pensar en los métodos más eficientes que podía tener para responder a las diferentes situaciones”, explica Schleifer En cuanto a Sherman, Schleifer y su equipo se aseguraron de que parecía y se sentía como un niño. “Estuve mirando a mis propios hijos para ver cómo respondían ante ciertas situaciones y descubrí algunas cosas de niños bastante interesantes que podrían hacer que Sherman pareciera auténtico y le diera solidez a la historia, con sus aventuras y su transformación personal”.


Uno de los mayores desafíos fue crear la desproporcionada cabeza –gigante la llamaba Schleifer– de Sherman, que le da al personaje un aire más divertido y atractivo. Sin embargo, el más mínimo movimiento de cabeza ya suponía un problema. “La cabeza es tan grande y se apoya sobre un cuello tan pequeño, que para cada movimiento teníamos que incluir el cuerpo entero, si no parecía que la cabeza se le iba a desprender”, explica. Tanto el padre como el hijo llevan unas prominentes gafas. Los animadores tuvieron que maniobrar con mucho cuidado para asegurarse que las cejas de los personajes expresaran las emociones y expresiones correspondientes. “Las gafas les cubren las cejas, por lo que si no hiciéramos nada, no se vería ningún cambio en la expresión”, explica Schleifer. “Así pues, cuando Peabody y Sherman tenían que expresar emoción, teníamos que hacer que sus cejas sobresalieran por encima

de la cabeza; y cuando las cosas se ponían serias, hacíamos que bajaran hasta tapar los ojos”. LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN está basada en los queridos personajes que aparecían en las series animadas de televisión de finales de 1950 y principios de 1960 Rocky and His Friend y The Bullwinkle Show, producidas por Jay Ward. Estos mismos personajes, aparecieron en los segmentos de Peabody’s Improbable History creados por Ted Key. Bill Scott era el encargado de poner la voz a Peabody y Walter Tetley (un adulto) la de Sherman. Se produjeron 98 cortos de una duración de cuatro minutos y medio aproximadamente cada uno. La película actual renueva el clásico equipo padre-hijo para la audiencia de hoy en día con un equipo de animación de última generación y tecnología 3D, pero mantiene el encanto de los personajes originales. “Nuestra película le rinde un bonito

homenaje a los cortos originales, desde el Vueltatrás hasta los asombrosos juegos de palabras de Peabody, que se repiten en toda la película. El ADN del original impregna la película actual”, asegura Alex Schwartz. La hija de Jay Ward, Tiffany, es la heredera del legado de su padre, e incluso trabajó estrechamente con los directores para asegurarse de que LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN eran fieles a la visión de Jay. “El resultado es justo lo que esperaba”, afirma. “La película, al igual que los cortos de Jay, nunca emplea un lenguaje infantil para los niños”, asegura Tiffany Ward, productora ejecutiva de la película. “Se ha hecho igualmente para adultos. Es un sueño hecho realidad para mí y para mi familia que se haya hecho esta película 50 años después de que lo hiciera mi padre, y que haya sido producida por DreamWorks Animation en 3D para el cine. Es increíble. Jay se habría sentido muy orgulloso. Y CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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para mí personalmente, es algo muy emotivo, ya que para mí, mi padre era Peabody: un verdadero genio”. A su vez, Minkoff le está muy agradecido a Tiffany por sus ideas y su apoyo. “Tiffany ha sido una verdadera triunfadora para la película y para mí personalmente. Ha sido una colaboración maravillosa”. Algunos de los directores y actores recuerdan con mucho cariño y admiración la serie original. Stephen Colbert ya mencionó sus travesuras de cómo se colaba en el salón para ver los cortos. Y Rob Minkoff también recuerda que solía ver la serie y que le encantaban los personajes.

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“Me siento muy afortunado por haber tenido la oportunidad de llevarlos a la gran pantalla y en nuestra sociedad actual”. En un guiño a los cortos de televisión originales, Minkoff y el diseñador de producción David James adoptaron un diseño de mediados del siglo XX. “Consideramos importante que pareciera que la película es de esa época y, a la vez, que fuera nueva”, explica el director. Ese diseño estético queda reflejado en el ático de Peabody, según Tiffany, hasta tal punto que verlo por primera vez fue una experiencia escalofriante. “Es prácticamente igual que la casa de mi padre: las sillas Eames, las

lámparas de arco, las obras de arte y las estanterías. Me recorrió un escalofrío por la espalda”. En las secuencias de los viajes en el tiempo, siempre estaba presente el arte de cada periodo histórico. “En la Italia renacentista, por ejemplo, podemos ver una paleta típica de las pinturas renacentistas”, apunta Minkoff. “En la Francia del siglo XVIII, utilizamos un diseño que recuerda a la corte de María Antonieta; aunque nos tomamos algunas libertades con el sistema de alcantarillado parisino, que hicimos mucho más luminoso que el original”. Cuando la producción de LAS AVENTURAS DE PEABODY Y


SHERMAN se acercaba al final, el afamado compositor Danny Elfman empezó a escribir la banda sonora, que se grabó en los estudios AIR, una antigua iglesia que el legendario productor de los Beatles George Martin transformó en un estudio de grabación. Minkoff afirma que Elfman era la elección perfecta porque “le encanta lo poco convencional; supo entender lo rara que era la relación entre Peabody y Sherman y utilizó eso para hacer su música. Es una capa más que se suma a la historia”. “La banda sonora es extravagante, imaginativa y divertida y se convierte en una voz más de la película”, añade Schwartz.

Por su parte, Elfman confiesa que le encanta escribir para películas de animación, porque le permite “tocar todos los aspectos, musicalmente hablando, desde lo más grande hasta los más pequeño e idiosincrático, de un momento escandaloso hasta algo muy emotivo. A mí me encantan los extremos cuando escribo, así que éste es el tipo de banda sonora que me gusta componer. Otro aspecto a destacar es el acertado título de la canción final Way Back When, de la banda Grizfolk. La banda no sabía nada del Vueltatrás, así que fue una feliz coincidencia que el título de la canción y el nombre de la máquina del tiempo en inglés (WABAC) fueran tan parecidos.

Pero la intención de los temas de la película era transmitir la historia del Sr. Peabody y Sherman y los recuerdos de todas las experiencias compartidas”. Además, hay un paréntesis muy emotivo en el que Peabody se acuerda de cuando adoptó a Sherman con la balada de John Lennon Beautiful Boy.

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LA BELLA Y LA BESTIA 14 DE MARZO “La bella y la bestia” adapta el cuento inmortal escrito por Madame de Villeneuve. Publicado de forma anónima en 1740 bajo el título de “La Jeune Amériquaine et les contes marins”, la narración retrata a Bella, una joven risueña y sensible que se enamora de la Bestia, una criatura horrenda que busca el amor y la redención. En 1757 apareció una versión abreviada para niños que fue empleada en primer lugar por Jean Cocteau y, posteriormente, por Walt Disney para sus célebres adaptaciones. Eclipsada por la popularidad de las otras versiones, la historia original de Madame de Villeneuve no había sido llevada a la gran pantalla. ¡Hasta ahora! “La bella y la bestia” narra la historia de una familia en crisis, arruinada y despojada de todas

sus pertenencias. Superado el susto del primer encuentro, conocer a esta Bestia mítica brinda a los personajes la oportunidad de salir adelante. Me gusta pensar en la película como una metáfora de la situación actual. Los cuentos de hadas nos permiten presentar un conjunto de valores que no pierden vigencia con el paso del tiempo. “La bella y la bestia” habla, entre otras cosas, del poder de los sueños y del amor y de cómo utilizarlos para vencer al materialismo y la corrupción, unos temas que siguen estando a la orden del día en la actualidad. Ha llegado el momento de rendir homenaje a la historia de Madame de Villeneuve. Este es un cuento muy contemporáneo, en el que el romanticismo de esta historia de amor encierra también un importante mensaje sobre la esperanza.

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NON-STOP

(SIN ESCALAS)

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La estrella de acción de fama internacional Liam Neeson (Venganza, Sin identidad) es el oficial del ejército americano Bill Marks en Non-Stop, un thriller de suspense que tiene lugar a más de 12000 metros de altura. Durante un vuelo transatlántico de Nueva York a Londres, Marks recibe una serie de mensajes de texto anónimos exigiendo que haga que la aerolínea transfiera 150 millones de dólares a una cuenta extranjera. Hasta que no consiga el dinero, matarán a un pasajero cada 20 minutos. Luchando con sus demonios personales ha agotado toda la pasión que sentía por su heroica profesión. Ha llegado a ver su importante misión como un trabajo rutinario en el cielo. Sin embargo, un día cualquiera se convierte en una crisis de alto riesgo cuando, al comienzo de un vuelo transatlántico rutinario, el mundo de Marks da un vuelco. Con tan solo un par de personas en las que puede confiar – incluyendo la pasajera Jen Summers (la ganadora de un Globo de Oro Julianne Moore, Los Juegos del hambre: Sinsajo – Parte 1 y 2) – el habilidoso oficial debe usar cada uno de los recursos de su entrenamiento para descubrir al asesino viajando a bordo del avión. Lo que pasa a continuación es un juego del ratón y el gato trepidante con las vidas de cientos de pasajeros pendiendo de un hilo.

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Este thriller de suspense reúne a Neeson con el director de ‘Sin identidad’ Jaume ColletSerra y Joel Silver (Sin identidad, la serie Matrix, Jungla de cristal), que produce la película junto a Andrew Rona (Sin identidad, Project X, The Gunman) y Alex Heineman (Project X). Los cineastas construyen ‘Non-Stop’ a partir de una historia de John W. Richardson y Chris Roach y un guión de Richardson y Roch junto a Ryan Engle (Rampage). Neeson y Moore comparten protagonismo con Michelle Dockery (Downton Abbey) y la nominada al Premio de la Academia y ganadora del Screen Actors Guild Award Lupita Nyong’o (12 años de esclavitud) como Nancy y Gwen respectivamente, las principales auxiliares de vuelo en el vuelo 10 de British Aqualantic; Nate Parker (El fraude) como Zack, Scoot Mcnairy (12 años de esclavitud) como Tom, Corey Stoll (El legado de Bourne) como Austin y Omar Metwally (Expediente Anwar) como el doctor Nasir, estando todos los pasajeros bajo la sospecha de Marks. Linus Roache (Batman Begins) interpreta a David, el piloto del avión, y Jason Butler Harner (El intercambio) a Kyle, su copiloto; SHEA WHIGHAM (La gran estafa americana) es el agente Marenick, el contacto de seguridad de Marks en tierra; y Anson Mount (Infierno sobre ruedas) como Jack, el segundo oficial de seguridad en el 767.(Watchmen) y Jeff Wadlow (Kick Ass 2 – Con un par).


En la imagen Liam Neeson con Jaume Collet -Serra CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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BYZANTIUM 21 DE MARZO

Eleanor y Clara, dos mujeres misteriosas, abandonan de noche el escenario de un crimen violento y llegan a un resort costero hundido. Intentarán buscar refugio a lo largo de la costa. Clara, siempre práctica, venderá su cuerpo para conseguir dinero. Pronto conocerá al tímido y solitario Noel, quien les dará un techo sobre sus cabezas en su desastrado hotel, Byzantium. Festival de Sitges 2013. Sección Oficial. Del ganador del Oscar Neil Jordan, quien dos décadas después de “Entrevista con el vampiro” vuelve al género.

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Una historia a caballo entre dos épocas que lleva la firma ineludible de un maestro del subgénero: romántica, gótica, seductora y entretenida. Una delicia. Título original: Byzantium Director: Neil Jordan Guión: Neil Jordan Intérpretes:Saoirse Ronan, Gemma Arterton, Sam Riley


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ENEMY 25 DE MARZO

Adam (Jake Gyllenhaal) es un inestable profesor universitario que de pronto descubre la existencia de Anthony, un actor que es físicamente igual que él. Consumido por el deseo de conocer a su doble, Adam sigue la pista de Anthony y ambos se ven abocados a un obsesivo enfrentamiento que tendrá inesperadas consecuencias no sólo para ambos, sino también para sus respectivas parejas: Mary (Mélanie Laurent) y Helen (Sarah Gadon).

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EL CINE Y LAS OBSESIONES DE DENIS VILLENEUVE Por Aitor López

Creador de fábulas, constructor de agobiantes atmósferas. Existen muchos puntos en común entre las películas de Denis Villeneuve, pero si hay que elegir uno ese sería la conexión con el espectador. Si cobrara un dólar por cada vez que le han preguntado por el significado de una de sus películas, Denis sería tan opulentamente acaudalado como los burgueses de su cortometraje ‘Next Floor’ (2008). Y es que para el realizador canadiense nada es más importante que la singular interpretación de cada espectador. Durante el pasado Festival de San Sebastián, donde tuvimos la oportunidad de charlar con él, no paró de repetir en rueda de prensa: “Por favor, que nadie vuelva a preguntarme por la araña”. No soltó prenda. Ni una sola pista acerca del significado de ‘Enemy’ (2013), una de sus películas más personales. No tuvo total libertad a la hora de abordar ‘Prisioneros’ (2013), su primer filme producido en Estados Unidos, pero incluso este oscuro ‘thriller’ tiene ciertos aspectos propios, ciertas características inherentes al cine de Denis Villeneuve.

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VILLENEUVE Y LA MATERNIDAD FREUDIANA Llévatelo de antemano, en cualquier película de Denis Villeneuve se va a hablar de la maternidad como fracaso, sueño frustrado o anhelo freudiano. En todas ellas, desde ‘Maelström’ (2000) a ‘Prisioneros’, la figura materna emerge como protagonista de sus filmes. La historia de ‘Maelström’ nace de un aborto al ritmo de ‘Good Morning Starshine’ mientras vemos cómo el universo de Marie, la paciente, se viene abajo desde este traumático instante, hundiéndose en la embriaguez y el sexo vacuo con hombres sin rostro. Llega Villeneuve a mofarse de sí mismo cuando una cáustica Marie visita a su psicóloga: “Ya lo sé, todo está relacionado con el sexo”. Con esta afirmación, Marie realiza un psicoanálisis precipitado del filme, porque salvando las apariencias, ‘Maelström’ versa en realidad del ciclo de expiación y renacimiento. El inicio lynchiano del filme, presentado por un pez parlante a punto de morir, no deja lugar a dudas de por dónde

se moverá Villeneuve, entre la ironía, el surrealismo y el drama social. Sin saberlo, Villeneuve estaba construyendo los cimientos para ‘Enemy’ con esta imperfecta y cinta de autor. ‘Polytechnique’ (2009), su siguiente largo, narra los sucesos acaecidos en la Escuela Politécnica de Montreal en diciembre de 1989, cuando Marc Lépine, armado con un rifle semiautomático, mató a catorce mujeres e hirió a otras tantas antes de suicidarse ¿El motivo de aquel atroz suceso? Marc odiaba a las feministas, aparentes culpables de su rutina. Villeneuve se centra en una de las estudiantes, Valérie, quien intenta entrar en un mundo laboral instaurado y gobernado por hombres. Para entrar en este doblegarse ante el yugo laboral, renunciando a la maternidad, algo doloroso y antinatural para el director canadiense. El filme puede, y debe, recordar a los sucesos de Columbine en EE. UU., cuando dos jóvenes asesinaron a sangre fría a 13 de sus compañeros y profesores. Gus Van Sant llevó a la gran pantalla esta historia en Elephant (2003), filme en el que


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Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal en un fotograma de ‘Prisioneros’

claramente se fijó Villeneuve. Ambos juegan con la subjetividad de la cámara, poniendo en primer plano la mente del asesino, ambas se cuecen a fuego lento, resultando tediosas para los espectadores más impacientes, y destacan por su corta duración, no mayor de los 85 minutos de metraje. A diferencia de ‘Elephant’, el acierto de Villeneuve con ‘Polytechnique’ es no imponer una visión, su visión. Todo lo contrario, desea que el espectador pueda interactuar con el filme, llegando por sí mismo a sus propias conclusiones. ¿Nace el odio de Marc hacia el sexo femenino de la hostilidad con su madre o de la misoginia de la sociedad canadiense?

EL CAMINO DE LA HEROÍNA Podemos encontrar respuesta a estos interrogantes en ‘Incendies’ (2010), su siguiente trabajo, que

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vuelve a integrarse contextualmente en una sociedad donde las mujeres son tratadas con insultante inferioridad. ‘Incendies’ (2010) puede parecer un filme político, de candente y morbosa actualidad por inscribirse contextualmente en el conflicto Palestino-Israelí, pero rascando la superficie nos encontramos con una atroz relectura del clásico de Sófocles ‘Edipo Rey’: dos hermanos gemelos viajan al Líbano para encontrarse con su padre, al que daban por muerto, y su hermano, de cuya existencia desconocían, para descubrir la dolorosa verdad que su madre ha escondido a lo largo de toda su vida y que ahora, en su lecho de muerte, está dispuesta a desenterrar. Vuelve a aparecer Freud en cada fotograma del filme como ya va siendo costumbre en el trabajo de Villeneuve, con una de las más perversas y oscuras reinterpretaciones del famoso complejo de

Edipo que se han llevado a la gran pantalla. No obstante, todo ese maquillaje psicoanalítico enmascara la fuerza de sus protagonistas femeninos. Nawal y Jeanne. Madre e hija, auténticos motores de la trama que cargan consigo el lastre de los demás protagonistas masculinos, ninguneados secundarios a pesar de lo que pueda parecer a primera vista. No pudo ser al 100% fiel a sí mismo con ‘Prisioneros’ (2013) al tratarse este de su primer trabajo producido en la meca del cine. Gajes del oficio. Más aun cuando trabajar en Hollywood te asegura dirigir a dos superestrellas (Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal) y llegar a un público mucho más amplio. A pesar de ello, vemos en este oscuro ‘thriller’ aspectos de los que hemos estado hablando propios de su cine: el laberinto emocional del protagonista, su viraje hacia la oscuridad y la apa-


Jake Gyllenhaal en un fotograma de ‘Enemy’

rición de un personaje maternal y sobreprotector que dinamita con sus acciones la trama del filme. Melissa Leo interpreta a Holly Jones, un personaje que bien podría ser confundido con la ya famosa araña de ‘Enemy’ por su maternidad desmedida. De esta obsesión nacerá el personaje más inquietante al que Paul Dano ha dado vida: Alex Jones, el chico con síndrome de Asperger y marioneta de su compulsiva madrastra. Parece un pequeño monstruo creado por el doctor Frankenstein, algo inocente y frágil convertido en un eficaz títere del mal, entrenado para secuestrar a otras criaturas que tendrán su mismo y fatal destino. Volvió Villeneuve a tratar el tema de la maternidad como síntoma traumático de la sociedad en ‘Enemy’ (2013), donde el útero se conforma como recoveco de la intimidad perdida para el hombre,

en este caso Jake Gyllenhall, y cobijo último de seguridad. Detestada por unos, alabada por otros, ‘Enemy’ configura toda su estructura en torno al psicoanálisis, punto de inflexión de la película y único sustento argumental para entender la estructura narrativa del filme. ‘Enemy’ es una adaptación libre de ‘El hombre duplicado’, de José Saramago: Adam, profesor de literatura, descubre al ver una película a un actor secundario que es idéntico físicamente a sí mismo. A partir de entonces iniciará la ofuscada búsqueda de su supuesto doble. Teniendo en cuenta lo poco amigo que es Villeneuve de los ‘spoilers’ y de las interpretaciones de los críticos cinematográficos, solo diremos que la fuerza de la película emerge de la colisión emocional de ambos cuando se encuentran, mostrándose cada uno como polos opuestos de una misma dualidad.

Analíticamente, en realidad poco importan las tribulaciones del supuesto protagonista, y digo supuesto porque en realidad la fuerza de la historia emana de las dos protagonistas, Mélanie Laurent y Sarah Gadon, quienes interpretan a las parejas sentimentales de los dos dobles y que, como en ‘Incendies’, son las encargadas de dinamitar las emociones y sucesos derivados de la mente colapsada de Jake Gyllenhaal.

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ENTREVISTA

DENIS VILLENEUVE “NUESTRO MAYOR ENEMIGO SOMOS NOSOTROS MISMOS” Por Aitor López ‘Enemy’, adaptación de una novela de José Saramago, es uno de los estrenos destacados de marzo. Su director, el canadiense Denis Villeneuve, presentó el filme en el Festival de San Sebastián de 2013, donde ‘Cinemascomics’ tuvo ocasión de entrevistarle. ‘Enemy’ está inspirada en la novela ‘El hombre duplicado’, de José Saramago. ¿Qué fue lo que más le llamó la atención de la obra? En la película puedes ver que hay dos hombres idénticos como en el libro, pero a la vez muy diferentes entre sí. Eso es lo que amo del libro. En la novela hay dos hombres y uno de ellos es la monstruosidad. Los dos hombres están mirándose el uno al otro sin saber lo que está pasando, sin estar seguros de si son parte del mismo yo. Es un hombre duplicado, son una misma cosa y a la vez son dos. Escribí el guión con mucho cuidado para ser fiel a la idea de Saramago de dos caracteres contrapuestos que configuran juntos la mentalidad de un solo ser que, aunque no lo desea, debe dejar a un lado sus intereses personales y volver junto a su esposa. ¿Por qué cambiar el título de la obra a ‘Enemy’? Ante todo, no quería hacer una mera copia de la obra de Saramago y por ello me pareció necesario cambiar el nombre de la película, para diferenciarlo de la novela. El título tiene un gran significado dentro de sí mismo porque en muchas ocasiones buscamos elementos externos para excusarnos, enemigos imaginarios. Lo que desconocemos muchas veces es que nuestro mayor enemigo somos noso-

tros mismos. ¿Qué importancia tiene para Denis Villeneuve la interpretación del espectador de cine?

más a sus personajes, que los asimilen. Hacerles perder el control con la realidad, que tomaran su relación con el personaje como una amistad.

¡Muchísima! Pienso que es muy importante la idea de que la última palabra en una película sea la del espectador. Ante todo debe importarnos la interpretación de cada uno. ‘Enemy’ es una película en la que he trabajado muy duro. Tuve mucho cuidado en cómo plantear el guión, ya que la historia de Saramago era algo personal, algo que formaba parte de mí. El libro me impactó mucho, el no saber quién era en realidad Adam y qué era lo que estaba sucediendo. Esa sensación, ese ‘electroshock’ que sentía mientras leía el libro, era lo que pretendía plasmar con la película. De hecho, tras hacer la película sigo sin saber lo que significa, es algo que provoca dentro de mí algo que no sé describir… es una incertidumbre que quiero que el espectador tenga con mis películas.

La música en su filmografía, como por ejemplo en ‘Incendies’, es un elemento esencial. ¿Cree que la música puede cambiar la esencia de una película? ¿Puede pasar esto con sus obras?

¿Cómo fue dirigir a Jake Gyllenhaal? ¿Trabajaron de manera especial al interpretar a dos personajes tan diferentes al mismo tiempo? Cuando conozco a un actor que va a trabajar conmigo, realizo con él una especie de prueba de laboratorio. Hay que compartir, actuar y dirigir. En películas anteriores me limitaba a correr por todos lados dando órdenes: “¡Tú ahí! ¡Rápido! ¡Más rápido!”. Pero después de ‘Enemy’ prefiero dar mayores referencias sobre los personajes que tienen que interpretar. Eso es crear una relación especial con ellos para así tratar de convencer a los actores de que se interesen y conozcan más y

Estoy totalmente de acuerdo, mis películas serían totalmente diferentes con otra banda sonora. La parte de la música es un elemento esencial en el cine. Se configura como una parte importantísima de mis películas, como algo primordial para intensificar las reacciones de los espectadores respecto a puntuales comportamientos de los personajes. En ‘Enemy’ estuvimos buscando una música específica para crear el clímax perfecto. Tengo entendido que hubo problemas con los compositores. Primero quisimos trabajar con otros músicos con los que ya habíamos colaborado durante un año pero por incompatibilidad de horarios no fue posible. Empezó una larga búsqueda hasta encontrar a dos chicos americanos de Nueva York con los que quisimos trabajar desde el primer momento. Sin embargo, tuvimos muchísimos problemas debido a sus pasaportes. Después de mucho trabajo, consiguieron un permiso laboral en Europa y acabó siendo perfecto. Trabajar con ellos ha sido simplemente maravilloso. Adoro su música. Le da carácter a la película. CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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ENTREVISTA

SARAH GADON “EN ‘ENEMY’ LAS MUJERES LLEVAN EL PESO DE LA HISTORIA” Por Aitor López

El nombre de Sarah Gadon no es muy conocido fuera de sus fronteras, pero en Canadá es toda una celebridad. Puede que esta fama le venga por ser la musa de la familia Cronenberg, padre e hijo, o por ser una de las futuras estrellas de Hollywood. En Canadá, su país natal, prácticamente ya lo ha hecho todo y parece ser que se le queda pequeño, que ya va siendo hora de cruzar la frontera hacia su vecino del sur. Ya lo hizo en 2002, pero eso fue en televisión y como trampolín para proyectos futuros mayores. Ni quiere, ni puede acordarse ya de su colaboración en Disney Channel en la aberrante ‘Cadete Kelly’ (2002) junto a Hilary Duff. A diferencia de la actriz texana, Sarah puede presumir de haber catapultado su carrera hacia un cine de mayor calidad, llegando a trabajar con tres de los mejores realizadores canadienses: David Cronenberg, Brandon Cronenberg y Denis Villeneuve. Empezó por la puerta pequeña, con un pequeño papel en

‘Un método peligroso’ (2011), dando vida a la esposa del psicoanalista Carl Jung, y acabó por convertirse en la musa de la familia Cronenberg gracias a sus papeles en ‘Cosmópolis’ (2012) y ‘Antiviral’ (2012). En el pasado Festival de San Sebastián pudimos charlar con la actriz sobre su papel en ‘Enemy’ (2013), su futura carrera en Hollywood y el pequeño papel que tendrá en ‘The Amazing Spiderman 2: El poder de Electro’ (2014). En los anteriores trabajos de Denis Villeneuve el protagonismo recae directamente sobre personajes femeninos. A pesar de que en ‘Enemy’ Jake Gyllenhaal parece el claro protagonista, ¿cree que su personaje tiene más importancia de la que parece a primera vista? Estoy totalmente de acuerdo. Creo que en ‘Enemy’ son las mujeres las que llevan de alguna forma el peso de la historia. Helen, mi personaje, es

de alguna forma el detonante. Creo que el público entenderá que los demás personajes giran en torno al mío por simbolizar precisamente esa protección maternal que emana. Creo que todas las acciones que realizan los demás personajes son a causa de la influencia que origina Helen. Denis Villeneuve no ha querido dar ningún tipo de información acerca del simbolismo de la araña que aparece en la película. ¿Por qué cree que es tan meticuloso en este sentido? Creo que para Denis es muy importante la opinión del público. No quiere dar muchas explicaciones de su trabajo porque la película lo que busca es eso, las propias interpretaciones del espectador. Si se parara a explicar por qué las cosas son de una determinada manera o de otra iría en contra de lo que Denis ha querido hacer con esa película. Por eso mismo Denis quiso CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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Denis Villeneuve junto a Sarah Gadon en la pasada edición del Festival de cine de San Sebastián

dejar abierto el final, para que cada uno pudiera acabar la película a su manera. ¿Cree que el público está acostumbrado a que se lo pongan muy fácil en ese sentido? Me parece curioso el hecho de que antes de empezar a rodar me advirtieran de que no era un filme para un público muy amplio ya que es una película hecha para hacerte pensar. Es algo muy triste que no podamos mostrar este tipo de contenidos porque el público esté acostumbrado a que le den las respuestas y que cuando no se las dan intenta buscarlas por otra parte. ¿Y cuál sería su interpretación de la película? Sin desvelar nada, creo que la araña simboliza la maternidad. Creo que los espectadores estarán de acuerdo conmigo porque es un animal estrechamente ligado a la madre, a la protección.

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Después de trabajar con dos de los mejores directores de su país como David y Brandon Cronenberg, ¿con qué director estadounidense le gustaría trabajar? Buf, hay tantos que sería imposible nombrar solo a uno de ellos. Estoy muy contenta de lo que he hecho hasta ahora y creo que no hay que obsesionarse con ello, es algo que irá surgiendo gracias al trabajo diario. A la hora de trabajar con los Cronenberg, ¿qué diferencias ve en el método de trabajo de uno y de otro? Evidentemente hay una gran diferencia ya que David tiene una trayectoria mucho más dilatada que la de su hijo Brandon, eso se nota. Sin embargo, ambos tienen una manera muy similar de acercarse a sus películas, las cuales tienen una esencia parecida. Son los dos muy meticulosos a la hora de acercarse a un proyecto y están muy próximos a las historias que

cuentan. Les gusta trabajar mucho con los actores y ensayar antes. Creo que Brandon ha heredado cosas muy buenas de su padre y desde luego me encantaría volver a trabajar con ambos. Sabemos que tiene un pequeño papel en ‘The Amazing Spiderman 2’ y nos gustaría que contase cómo va a ser su personaje. Lo siento, ¡no puedo contar nada! Es un papel muy pequeñito y lo único que os puedo decir es que es un personaje muy al estilo de David Cronenberg. Estoy segura de que os gustará mucho.


ESTRENOS 7 DE MARZO GUILLAUME Y LOS CHICOS, ¡A LA MESA! Título original: Les garçons et Guillaume, à table Año: 2013 Duración: 85 min. País: Francia Director: Guillaume Gallienne Guión: Guillaume Gallienne Reparto: Françoise Fabian, Guillaume Gallienne, Yves Jacques, André Marcon, Diane Kruger, Nanou Garcia, Yvon Back, Pierre Derenne y Catherine Salviat. Productora: Gaumont, LGM Films, Rectangle Productions, Banque Postale Image 4, Canal+ y Ciné. Género: Comedia. Sinopsis: Biografía del artista y cineasta Guillaume Gallienne, centrándose sobretodo en la relación que tenía con su madre.

JOVEN Y BONITA Título original: Jeune et jolie (Young & Beautiful) Año: 2013 Duración: 95 min. País: Francia Director: François Ozon Guión: François Ozon Reparto: Marine Vacth, Géraldine Pailhas, Frédéric Pierrot, Charlotte Rampling, Johan Leysen, Fantin Ravat, Nathalie Richard, Laurent Delbecque, Akéla Sari y Lucas Prisor. Productora: Mandarin Films. Género: Drama. Sinopsis: El la historia de una joven de 17 años llamada Isabel, que a pesar de ser de una familia rica decide embarcarse en el mundo de las prostitución, llevando una doble vida.

OH BOY Título original: Oh Boy Año: 2012 Duración: 83 min. País: Alemania Director: Jan Ole Gerster Guión: Jan Ole Gerster Reparto: Tom Schilling, Marc Hosemann, Friederike Kempter, Justus von Dohnányi, Michael Gwisdek, Katharina Schüttler, Arnd Klawitter, Martin Brambach, Andreas Schröders, Ulrich Noethen, Frederick Lau y Steffen C. Jürgens Productora: Schiwago Film, Chromosom Filmproduktion, Hessischer Rundfunk (HR), ARTE. Género: Comedia. Sinopsis: Niko, un joven universitario deja sus estudios para vivir la vida y explorar el mundo a su manera.


ESTRENOS 14 DE MARZO DALLAS BUYERS CLUB Título original: Dallas Buyers Club Año: 2013 Duración: 117 min. País: Estados Unidos Director: Jean-Marc Vallée Guión: Craig Borten, Melisa Wallack Reparto: Matthew McConaughey, Jennifer Garner, Jared Leto, Steve Zahn, Dallas Roberts, Denis O’Hare, Griffin Dunne, Kevin Rankin, Lawrence Turner y Jonathan Vane. Productora: Focus Features, Truth Entertainment, Voltage Pictures, R² Films, Evolution Independent. Género: Drama. Sinopsis: Basada en la vida del cowboy tejano Ron Woodroof, al que le diagnosticaron SIDA y estuvo luchando contra la enfermedad con el único medicamento que se conocía en su época AZT.

OCHO APELLIDOS VASCOS Título original: Ocho apellidos vascos Año: 2014 Duración: 83 min. País: España Director: Emilio Martínez-Lázaro Guión: Borja Cobeaga, Diego San José Reparto: Clara Lago, Dani Rovira, Carmen Machi, Karra Elejalde, Alfonso Sánchez, Alberto López Productora: Lazonafilms, Kowalski Films, Telecinco Cinema Género: Comedia. Sinopsis: Rafa (Dani Rovira) es un joven andaluz de lo más ligón, lo tiene todo y lo consigue fácil, pero un día se cruza en su camino Amaia (Clara Lago), una joven vasca que se le resiste, así que decide ir a un pueblo del País Vasco para conquistarla.


ESTRENOS 14 DE MARZO NO SE ACEPTAN DEVOLUCIONES Título original: No se aceptan devoluciones Año: 2013 Duración: 115 min. País: México Director: Eugenio Dérbez Guión: Guillermo Ríos, Leticia López Margalli, Eugenio Dérbez Reparto: Eugenio Dérbez, Loreto Peralta, Jessica Lindsey, Daniel Raymont, Alessandra Rosaldo, Hugo Stiglitz, Sammy Pérez, Arcelia Ramírez, Agustín Bernal, Karla Souza, Margarita Wynne, Arap Bethke, Roger Cudney, Ari Brickman, Jeannine Derbez, Jesús Ochoa, Franklin Ruehl, Julian Sedgwick, Laura Krystine, Jake Koenig, Richie Mestre, Melissa Temme, Sebastian Mitre, Ivan Salazar y Magda Brueggeman. Productora: Alebrije Cine y Video, Fulano, Mengano y Asociados Género: Comedia. Sinopsis: Valetín es un despreocupado soltero, mujeriego y egoísta que tiene que hacerse cargo de una pequeña niña, así que emprenderá un largo viaje hasta Los Ángeles.

UNA VIDA EN TRES DÍAS Título original: Labor Day Año: 2013 Duración: 111 min. País: Estados Unidos Director: Jason Reitman Guión: Jason Reitman Reparto: Kate Winslet, Josh Brolin, Gattlin Griffith, Tobey Maguire, James Van Der Beek, Clark Gregg y Maika Monroe. Productora: Paramount Pictures, Indian Paintbrush, Mr. Mudd, Right of Way Films Género: Romance. Sinopsis: Adele es una mujer recién divorciada, su hijo intenta ser el hombre de la casa a pesar de sus 13 años, cuando conocen a un misterioso hombre, este resulta que ser un fugitivo que provocará que ese fin de semana del “Labor Day” de 1987 les marque para siempre.

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ESTRENOS 14 DE MARZO FRANCES HA Título original: Frances Ha Año: 2012 Duración: 86 min. País: Estados Unidos Director: Greta Gerwig Guión: Noah Baumbach, Greta Gerwig Reparto: Greta Gerwig, Mickey Sumner, Adam Driver, Michael Esper, Grace Gummer, Charlotte d’Amboise, Michael Zegen, Patrick Heusinger y Justine Lupe. Productora: Scott Rudin Productions, RT Features, Pine District. Género: Comedia. Sinopsis: Una joven de 27 años llamada Frances persigue su sueño de ser bailarina, con su amiga Sophie vive la vida con alegría, ambición, lealtad y optimismo.

LA BELLA Y LA BESTIA Título original: La bella y la bestia Año: 2014 Duración: 112 min. País: Francia Director: Christophe Gans Guión: Christophe Gans, Sandra Vo-Anh Reparto: Léa Seydoux, Vincent Cassel, André Dussollier, Eduardo Noriega, Audrey Lamy, Myriam Charleins, Sara Giraudeau, Jonathan Demurger, Yvonne Catterfeld y Dejan Bucin. Productora: Eskwad, Pathé, Studio Babelsberg Género: Romance. Sinopsis: Una nueva versión del cuento de amor atemporal de La Bella y la Bestia.

PELO MALO Título original: Pelo malo Año: 2013 Duración: 93 min. País: Venezuela Director: Mariana Rondón Guión: Mariana Rondón Reparto: Samuel Lange Zambrano, Samantha Castillo, Beto Benites, Nelly Ramos y María Emilia Sulbarán. Productora: Artefactos S.F, Hanfgarn & Ufer Film und TV Produktion, Imagen Latina, La Sociedad Post, Sudaca Films Género: Drama. Sinopsis: Junior es un niño de 9 años que quiere es salir bien en la foto del colegio para que su madre se sienta orgullosa de él. El único inconveniente su “pelo malo” que quiere alisar. www.cinemascomics.com

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ESTRENOS 21 DE MARZO EL GRAN HOTEL BUDAPEST Título original: The Grand Budapest Hotel Año: 2014 Duración: 100 min. País: Estados Unidos Director: Wes Anderson Guión: Wes Anderson Reparto: Ralph Fiennes, Tony Revolori, Saoirse Ronan, Bill Murray, Jude Law, Willem Dafoe, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Edward Norton, Jeff Goldblum, Adrien Brody, F. Murray Abraham, Mathieu Amalric, Owen Wilson, Jason Schwartzman, Tom Wilkinson, Léa Seydoux y Bob Balaban Productora: FoxSearchlight, Scott Rudin Productions, American Paintbrush. Género: Comedia. Sinopsis: La historia se desarrolla en la primera mitad del siglo XX, un veterano conserje de un hotel entabla amistad con un joven recién llegado, donde podrán ser testigos de la desaparición de un cuadro y la lucha de los miembros de una familia por una inmensa fortuna.

NON-STOP Título original: Non-Stop Año: 2014 Duración: 106 min. País: Estados Unidos Director: Jaume Collet-Serra Guión: Christopher Roach, John W. Richardson y Ryan Engle Reparto: Liam Neeson, Julianne Moore, Michelle Dockery, Anson Mount, Scoot McNairy, Bar Paly, Lupita Nyong’o, Corey Stoll, Scoot McNairy, Linus Roache y Jon Abrahams Productora: Silver Pictures, StudioCanal Género: Acción. Sinopsis: Un agente del servicio aéreo deberá enfrentarse a un juego donde los pasajeros serán las victimas.

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ESTRENOS 21 DE MARZO BYZANTIUM Título original: Byzantium Año: 2012 Duración: 118 min. País: Reino Unido Director: Neil Jordan Guión: Moira Buffini Reparto: Saoirse Ronan, Gemma Arterton, Sam Riley, Jonny Lee Miller, Caleb Landry Jones, Tom Hollander, Daniel Mays, Thure Lindhardt, Warren Brown, Glenn Doherty y Gabriela Marcinkova Productora: WestEnd Films, Demarest Films, Lipsync Productions, Number 9 Films Género: Terror. Sinopsis: Dos misteriosas y enigmáticas mujeres Eleanor y Clara, abandonan n sangriento escenario de un crimen, intentan encontrar refugio en diferentes lugares de la costa hasta que llegan al Byzantium regentado por el solitario Noel.

JIMMY P. Título original: Jimmy P. Año: 2013 Duración: 120 min. País: Francia Director: Arnaud Desplechin Guión: Arnaud Desplechin, Julie Peyr, Kent Jones (Novela: George Devereux) Reparto: Benicio Del Toro, Mathieu Amalric, Gina McKee, Larry Pine, Joseph Cross, Elya Baskin, Gary Farmer, Michelle Thrush, Misty Upham, Jennifer Podemski, Michael Greyeyes y A Martínez. Productora: Le Pacte. Género: Drama. Sinopsis: Un indio americano veterano de la Segunda Guerra Mundial, sufre un trastorno sicológico que tan solo el psicólogo Georges Devereux podrá solucionar.

LA HERMANDAD Título original: La hermandad Año: 2013 Duración: 93 min. País: España Director: Julio Martí Guión: Julio Martí Reparto: Lydia Bosch, Manuel Tallafé, Alejandro Jornet, Borga Elgea, José Luis de Madariaga, José S. Isbert y Joan Vidal. Productora: Green Star Films. Género: Terror. Sinopsis: Una famosa escritora de terror sufre un accidente y son los monjes benedictinos de un monasterio los que se encargan de cuidarla, pronto la escritora sentirá curiosidad sobre los curas y la Hermandad. www.cinemascomics.com

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ESTRENOS 28 DE MARZO

CAPITÁN AMÉRICA: EL SOLDADO DE INVIERNO Título original: Captain America: The Winter Soldier Año: 2014 Duración: 128 min. País: Estados Unidos Director: Anthony Russo y Joe Russo Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely (Cómic: Joe Simon, Jack Kirby) Reparto: Chris Evans, Emily VanCamp, Anthony Mackie, Sebastian Stan, Robert Redford, Scarlett Johansson, Toby Jones, Frank Grillo, Samuel L. Jackson, Hayley Atwell, Cobie Smulders, Georges St-Pierre y Maximiliano Hernández. Productora: Marvel Studios, Disney Género: Acción. Sinopsis: Después de los acontecimientos de New York, el Capitán América intenta acostumbrarse a la vida normal en Washington, pero la muerte de un amigo suyo de S.H.I.E.L.D., hará que comience a investigar lo que se convertirá en una gran conspiración, teniendo que enfrentarse al Soldado de Invierno. Pero contará con el apoyo de La Viuda Negra y el Halcón. 50 │

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ESTRENOS 28 DE MARZO ENEMIGO Título original: Enemy Año: 2013 Duración: 90 min. País: Canadá Director: Denis Villeneuve Guión: Javier Gullón (Novela: José Saramago) Reparto: Jake Gyllenhaal, Mélanie Laurent, Isabella Rossellini, Sarah Gadon, Jane Moffat, Tim Post, Laurie Murdoch y Darryl Dinn. Productora: Rhombus Media, Roxbury Pictures, Mecanismo Films. Género: Thriller. Sinopsis: Basada en la novela “El hombre duplicado” de José Saramago, un profesor descubre Queen actor de una película es igual que él, lo que provoca que quera averiguar quien es este misterioso individuo.

EL HIJO DEL OTRO Título original: Le fils de l’autre Año: 2012 Duración: 105 min. País: Francia Director: Lorraine Levy Guión: Noam Fitoussi, Nathalie Saugeon y Lorraine Lévy (Historia: Noam Fitoussi) Reparto: Emmanuelle Devos, Pascal Elbé, Jules Sitruk, Mehdi Dehbi, Areen Omari, Khalifa Natour, Mahmood Shalabi, Bruno Podalydès, Marie Wisselmann y Diana Zriek Productora: Rapsodie Production Cité Films, Solo Films, France 3 Cinéma, Madeleine Films Género: Drama. Sinopsis: Un joven israelí que quiere ser soldado, descubre que fue cambiado al nacer con otro niño de una familia palestina, haciendo que todo su mundo y sus valores den un vuelco.

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ESTRENOS 28 DE MARZO 2 FRANCOS, 40 PESETAS Título original: 2 francos, 40 pesetas Año: 2013 Duración: 93 min. País: España Director: Carlos Iglesias Guión: Carlos Iglesias Reparto: Carlos Iglesias, Javier Gutiérrez, Nieve de Medina y Isabel Blanco. Productora: Gonafilm Género: Drama. Sinopsis: En 1974 una familia regresa a España desde Suiza y tendrá que hacer frente a la realidad que es el cambio de estilos de vida de ambos países.

IDA Título original: Ida Año: 2013 Duración: 90 min. País: Polonia Director: Pawel Pawlikowski Guión: Pawel Pawlikowski, Rebecca Lenkiewicz Reparto: Agata Kulesza, Agata Trzebuchowska, Joanna Kulig y Dawid Ogrodnik. Productora: Opus Film, Phoenix Film. Género: Drama. Sinopsis: Anna es una joven que quiere ser monja pero descubre un terrible secreto de su familia que remonta desde la época nazi.

NO LLORES, VUELA Título original: No llores, vuela Año: 2014 Duración: 112 min. País: España Director: Claudia Llosa Guión: Claudia Llosa Reparto: Jennifer Connelly, Mélanie Laurent, Cillian Murphy, William Shimell, Zen McGrath, Nancy Drake, Winta McGrath y Erika Marxx. Productora: Wanda Vision, Arcadia, TVE, CANAL+ y TV3. Género: Drama. Sinopsis: Un terrible accidente del pasado hace que una madre y su hijo se separen y vivan vidas por su cuenta, tiempo después una periodista está dispuesta a volver a juntarles haciendo que se planteen el significado de sus vidas.

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Jared Leto

Un Peter Pan de ojos azules Por María Ciércoles www.cinemascomics.com

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Robert Downey Jr., y encarnó sendos papeles secundarios en “El club de la lucha” y en “Inocencia interrumpida”. A continuación, en el año 2000, participó en “American Psycho”, uno de los primeros trabajos donde destacó Christian Bale, y protagonizó la inquietante “Réquiem por un sueño”, dirigida por Darren Aronofsky y con unas interpretaciones no menos inquietantes de Jennifer Connelly, Ellen Burstyn y Marlon Wayans. Entonces también apareció en “Sunset Strip”, con Simon Baker al frente.

He incluido la referencia a Peter Pan en el título de este artículo porque para mí Jared Leto es un hombre que nunca envejece, van pasando los años y cada vez su ‘look’ es más juvenil y posee uno de los físicos más atractivos del celuloide. Se dio a conocer por la película de terror “Leyenda Urbana” y, sobre todo, por la maravillosa “Réquiem por un sueño”. En los últimos años ha hecho papeles más secundarios y se ha centrado en su etapa como cantante en el grupo “30 Seconds To Mars” junto a su hermano Shannon y con Tomo Milicevic. Ahora, a sus 42 años, se ha consagrado como intérprete con su papel en ‘Dallas Buyers Club’, por el que ha ganado el Óscar al mejor secundario. En sus primeros años de carrera participó en numerosas series hasta que fue uno de los protagonistas

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de “Es mi vida” (1994-1995), cuya protagonista era una joven Claire Danes. En 1995 tuvo un pequeño papel en “Donde reside el amor”, encabezada por Winona Ryder, Anne Bancroft y Ellen Burstyn, entre otros. Después, en 1996, rodó “El año que murió Elvis” junto a Catherine O´Hara, Christina Ricci y Gabriel Byrne y, en 1997, el drama deportivo “Prefontaine”. Ese mismo año formó parte del reparto de “Secuestro”, con Dennis Quaid y Danny Glover. En 1998 protagonizó “Basil”, junto a Claire Forlani y Christian Slater, además de la citada “Leyenda Urbana”, con los ascendentes Alicia Witt, Rebecca Gayheart y Joshua Jackson, así como tuvo un pequeño papel en “La delgada línea roja”. Al año siguiente, Leto estrenó “Black and White”, protagonizada por

Ya en 2002 rodó “Highway” junto a Selma Blair y Jake Gyllenhaal y se embarcó como secundario en “La habitación del pánico”, de David Fincher y protagonizada por Jodie Foster y una jovencísima Kristen Stewart. En 2004 apareció hermosísimo y muy afeminado en “Alejandro Magno”, de Oliver Stone, en la que figuró en un espectacular reparto compuesto por Colin Farrell (con un rubio horroroso), Angelina Jolie (más guapa que nunca), Val Kilmer, Rosario Dawson, Anthony Hopkins y Jonathan Rhys-Meyers. La obra obtuvo seis nominaciones a los Razzie, incluyendo peor película y por las interpretaciones de Kilmer, Farrell y Jolie. Por su parte, en 2005 apostó por “El señor de la guerra”, rodada en compañía de Nicolas Cage y Ethan Hawke, y en 2006 recibió buenas críticas por su actuación en “Corazones solitarios”, con John Travolta, James Gandolfini y Salma Hayek. En 2007 fue el protagonista indiscutible de “El asesinato de John Lennon (Chapter 27)”, que pasó desapercibida a pesar de su presencia y la de Lindsay Lohan. Es una pena que esta película pasara sin pena ni gloria porque la he visto y menuda interpretación se marca Jared. Además de hacer una gran interpretación, para este papel tuvo que engordar 30 kilos


Cameron Diaz, Scarlett Johansson, Lindsay Lohan, Lydia Hearst, Lauren Hastings, Nina Senicar e Isabel Lucas. Por si fuera poco, también se le vinculó con la ex de Adam Levine (Anne Vyalitsyna) y con Katarina Dann. Su última pareja conocida ha sido Anastasia Krivosheeva. En los mentideros de Hollywood se dice que se le ha visto en varios restaurantes en situación acaramelada con la actriz Lupita Nyong’o, ganadora de un Óscar por “12 años de esclavitud”.

y al ver el filme se puede intentar comprender la mente enferma de Chapman. Sin ser un peliculón, la recomiendo. Asimismo, en 2009 filmó “Las vidas posibles de Mr. Nobody”, en la que también aparecieron Sarah Polley, Diane Kruger, Rhys Ifans y Juno Temple, entre otros.

demasiado corto, pero lo poco que sale brilla con luz propia. Matt también esta bárbaro y ambos tuvieron que demacrarse y adelgazar para sus roles. Ojala Leto se lleve el Óscar, de momento ya tiene el Critic´s Choice Awards, el premio del Sindicato de Actores y el Globo de Oro.

El año pasado fue provechoso para Leto gracias a su trabajo secundario en el peliculón “Dallas Buyers Club”, protagonizado por Matthew McConaghey y Jennifer Garner. Su papel se me hizo

En cuanto a su vida sentimental, esta es un no parar… ¡Leto está hecho un seductor! Se le ha relacionado con una larga lista: Soleil Moon Frye, Kristi McDaniel, Paris Hilton, Britney Spears,

Leto, que en su día fue modelo de la firma Hugo Boss, ha colaborado en campañas solidarias (por ejemplo su grupo de música recaudó dinero para las víctimas del terremoto de Haití y realizó donaciones para los afectados por el ‘tsunami’ de Japón) y es un firme defensor de los derechos del colectivo homosexual. Por último, como curiosidad, cabe señalar que Leto estuvo dos meses sin mantener relaciones sexuales con la que entonces era su pareja, Cameron Diaz, para preparar el papel de “Réquiem por un sueño”.

Jared Leto en ‘Dallas Buyers Club’

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criticas

300: El origen de un imperio

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Por Carlos Gallego Acción / EEUU / 2014 / 102 minutos / Atmosphere Entertainment MM / Cruel & Unusual Films / Hollywood Gang Productions / Legendary Pictures / Warner Bros. Pictures. Director: Noam Murro. Actores: Sullivan Stapleton, Rodrigo Santoro, Eva Green, Lena Headey, Jack O’Connell, Andrew Tiernan, Callan Mulvey, Andrew Pleavin, Yigal Naor, Ashraf Barhom, Vincent Walsh, Steven Cree, Trayan Milenov-Troy, Andrei Claude, Peter Ferdinando, Mark Killeen. Guión: Zack Snyder, Kurt Johnstad. Música: Junkie XL.

‘300: El origen de un imperio’ está basada en la última novela gráfica del dibujante y guionista Frank Miller (Sin City, El regreso del caballero oscuro), Xerxes, y narrada con el mismo estilo visual de su predecesora “300″, esta nueva entrega de la saga épica lleva la acción al campo de batalla (esta vez, en el mar) y nos narra de una forma muy libre

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la historia que enfrentaron a los griegos con los persas, contando lo acontecimientos ocurridos antes, durante y después de ‘300’, mostrando la muerte del rey Dario de Persia a manos de Temístocles (Sullivan Stapleton “Gangster Squad: Brigada de Élite”) y como la sed de venganza de su hijo Xerxes (Rodrigo Santoro) le lleva a convertirse en el autoproclamado

dios rey desencadenando su furia con el pueblo griego con la ayuda de su leal comandante Artemisia (Eva Green). La película está dirigida por Noam Murro a partir de un guión de Zack Snyder y Kurt Johnstad.

Si la primera película de Snyder nos mostraba a los 300 valientes Espartanos


enfrentándose al ejército persa en las Termopilas, esta entrega lo hace en el mar, mostrando unas increíbles batallas navales que ya quisiera para si la franquicia de “Piratas del Caribe”. La cinta quizás no sea tan épica como su antecesora pero lo suple con creces en las escenas de batalla, y los fans de ‘300’ disfrutaran sin duda de fantásticos enfrentamientos de espada con mucha, mucha, sangre. En cuanto al aspecto visual del film mantiene el estilo de ‘300’ pero se echan de menos más planos comiqueros y esa textura de tinta aguada de las viñetas de la novela gráfica.

En cuanto a las interpretaciones, están todos increíbles desde Stapleton, pasando por Santoro, a la reina Gorgo interpretada de nuevo por Lena Headey (Juego de Tronos), pero si hay que destacar una interpretación entre todas ellas, sin duda el trabajo realizado por Eva Green como la malvada Artemisia es excepcional, atentos a la escena hot entre Temístocles y Artemisia, no tiene precio. Se nota que la actriz disfruto con el papel y se sentía como pez en el agua.

fin, con un final abierto que te dejará con ganas de dos horas más de película y puro espectáculo.

En definitiva una película entretenida de principio a CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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Las Aventuras de Peabody y Sherman

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Por Eduardo Quintana Animación / EEUU / 2014 / 92 minutos / Dreamworks Animation. Director: Rob Minkoff. Guión: Ted Key, Craig Wright. Música: Danny Elfman.

Rob Minkoff (El Rey León, Stuart Little), dirige la adaptación a la gran pantalla los personajes creados por Jay Ward, conocido el show como “La Improbable Historia de Peabody”. Esta producción de Dreamworks Animation está distribuida por Twenty Century Fox, y cuenta la vida de un perro llamado Peabody, que resulta ser no sólo el perro más inteligente del mundo, sino que también posee varios

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doctorados y título de física. Sus conocimientos le llevarán a viajar en el espacio y en el tiempo con una máquina que él mismo ha creado, y que utiliza para enseñarle la Historia de la Humanidad al niño al que adoptó cuando era un bebé, llamado Sherman. Pero todo el equilibrio del espacio-tiempo está en peligro cuando Sherman usa la máquina sin permiso de Peabody para impresionar a la chica que le gusta, poniendo

en serio peligro el futuro de toda la Humanidad cuando pasado y futuro choquen de forma impredecible. Esta espectacular aventura puede resultar enrevesada en sus primeros compases, pero una vez el espectador se ubica y empieza a cogerle cariño a los protagonistas, consigue disfrutar de esta mágica e improbable aventura llena de homenajes a los grandes personajes de la Historia de la humanidad, reflejándolos desde un


nuevo y chocante punto de vista repleto de diversión y parodia de los rasgos más representativos de figuras tan icónicas como Leonardo da Vinci, Maria Antonieta, Tutankamón o el Rey Agamenón. De esta forma, acompañamos a Peabody y Sherman en su viaje al Antiguo Egipto, a la Revolución Francesa, a la conquista de Troya o al Renacimiento Italiano, donde sólo la inteligencia de Peabody podrá arreglar los líos en los que se mete el inocente de Sherman en su intento por impresionar a Penny, una inteligente niña que tendrá engañados a sus padres, pero no a Peabody. Bajo la siempre interesante mú-

sica del compositor Danny Elfman (Spiderman 2), descubrimos una aventura emocionante y divertida, una auténtica aventura de un padre y un hijo que deberán aceptarse y respetarse mutuamente, que nos regalará momentos hilarantes en sus encuentro con tan relevantes personajes históricos. Las aventuras de Peabody y Sherman nos ofrece una historia llena de colorido y emoción, con una espectacular animación realizada por ordenador que encantará a los más pequeños, mientras que los adultos disfrutarán de las referencias y reinterpretaciones de los famosos personajes que interactúan con los intrépidos prota-

gonistas. A pesar de su flojo comienzo, la historia no parará de crecer, regalándonos momentos hilarantes e inesperados. Acude al cine a verla si: Quieres disfrutar de una refrescante comedia repleta de gags y chistes paródicos de grandes figuras de la Humanidad, mientras los más pequeños se ríen de las payasadas de su protagonistas. No te molestes en verla si: No te gustan las películas de animación, o si te marea tanto viaje en el espacio-tiempo.

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El poder del dinero

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Por Enrique Abenia Thriller / Espionaje / EEUU / 2014 / 106 minutos / Coproducción EEUU-Francia; Relativity Media / Gaumont / Demarest Films / EMJAG Productions Director: Robert Luketic. Actores: Liam Hemsworth, Amber Heard, Harrison Ford, Gary Oldman, Embeth Davidtz, Josh Holloway, Richard Dreyfuss, Julian McMahon, Lucas Till, Angela Sarafyan. Guión: Barry Levy (Novela: Joseph Finder). Música: Varios.

La ambición conlleva riesgos en función del camino elegido, un aspecto retratado con insistencia en el cine. La competencia feroz, los robos y el espionaje industrial articulan ‘El poder del dinero’, ‘thriller’ que sustituye a los tiburones financieros de Wall Street por las empresas tecnológicas. Los tiempos cambian, el capita-

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lismo y su falta de escrúpulos, no. La amoralidad del mundo de los negocios y su oscura seducción ya se han plasmado mejor en la pantalla, y ahí reside el principal problema de la película, en su acusado déficit de carisma. La propuesta entretiene, si bien deja frío al espectador con recorrido y parece destinada a mo-

verse entre la indiferencia.miliar. Los pequeños se quedarán con las peripecias de los corsarios y el colorido del conjunto, mientras que los adultos apreciarán mejor la ironía detrás de algunos chistes y guiños. La descripción del protagonista se guía por la rutina. Adam, criado en un entorno humilde, ansía el


éxito profesional, pero es despedido tras presentar un proyecto, hecho que agrava sus dificultades económicas debido a que tiene que pagar el tratamiento médico de su padre enfermo. Acusado de fraude por su exjefe a raíz de que abusara de los gastos de empresa, para olvidar el asunto este le exige que consiga información secreta de la compañía de su eterno rival. ‘El poder del dinero’, adaptación de una novela de Joseph Finden, se desarrolla sin sorpresas y apenas transmite la tensión buscada, de forma que se produce un progresivo desapego respecto a la trama. Los vacíos del guión se manifiestan en ciertas licencias del relato y en frases que

remarcan lo que ocurre a pesar de su carácter evidente, síntoma de torpeza narrativa. El trabajo de Robert Luketic, director de comedias que regresa al ‘thriller’ después de ‘21 Black Jack’, resulta plano e impersonal, como reflejan por ejemplo las transiciones con planos aéreos de los edificios financieros. El filme se entona en el clímax, no exento de lectura moral en torno al proceso experimentado por Adam. ‘El poder del dinero’ podría haber explotado mejor la aterradora idea, diluida en la trama, de que los avances tecnológicos implican la falta de privacidad del usuario.

Liam Hemsworth, con menos cualidades interpretativas que su hermano Chris, está correcto, aunque su personaje requería más matices. La presencia de Gary Oldman y Harrison Ford, ya sea en papeles funcionales, anima el conjunto. Entre los secundarios figuran el veterano Richard Dreyfuss y Josh Holloway. Lo mejor: la solvencia de Gary Oldman y Harrison Ford. Lo peor: la indiferencia que deja en el espectador.

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Que nos queda?

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Por Gustavo Martín

Drama / Alemania / 2014 / 85 minutos /23/5 Filmproduktion GmbH / Südwestrundfunk (SWR) / Westdeutscher Rundfunk (WDR). Director: Hans-Christian Schmid. Actores: Lars Eidinger, Corinna Harfouch, Sebastian Zimmler, Ernst Stötzner, Picco von Groote, Egon Merten, Birge Schade, Jörg Malchow, Angelika Richter, Eva Meckbach, Gerhard Hermann. Guión: Hans-Christian Schmid. Música: The Notwist.

Desde Alemania nos llega la película del género drama “¿Qué nos queda?” bajo la dirección de Hans-Christian Schmid, que ha dirigido películas como “Requiem” o “Crazy”. El guión es de Bernd Lange, que ha ya trabajado en otras ocasiones con Hans-Christian Schmid. Cuenta con los actores Lars Eidinger, Egon Merten, Eva Meckbach, Ernst Stotzner, Corinna Harfouch, y Sebastian Zimmler. Se estrena en España el día 28 de Febrero de 2014. Marko es un treintañero que acaba de publicar su primer libro. Reside en Berlín desde sus días de Universidad, alejado del estilo de vida de sus padres. Su relación con ellos se limita a visitarlos una o dos veces al año, principalmente para darles la oportunidad de pasar unos días con su nieto. Sus esperanzas de pasar un tranquilo fin de semana con su familia se desvanecen cuando su madre,

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que ha sido mentalmente inestable desde que Marko era un niño, les comunica que ha dejado el tratamiento que comenzó a tomar años atrás, lo que desencadenará reacciones contrapuestas entre ellos. Secretos hasta entonces escondidos saldrán a la luz alterando el equilibrio de la familia. Tras reunirse la familia en casa de los padres, se van introduciendo los personajes en un ambiente ideal de una familia perfecta. Poco a poco se va profundizando psicológicamente en cada personaje mostrando los secretos que ocultan en lo más profundo de sí mismos. El ambiente ideal comienza a mostrarse como una ficción en la que cada personaje actúa para contentar a los demás, pero estos secretos comienzan a aflorar y vislumbrarse la auténtica realidad, con complicaciones reales tanto sentimentales como económicas. Aunque parece que la madre al dejar el tratamiento

es la única candidata a caer en problemas psicológicos, es ella la que intenta estar más lúcida para poder ver la realidad tal como es, mientras que el resto que parecen estar sanos se ocultan de la realidad. Casi toda la trama transcurre en el chalet de campo donde viven los padres, con pocas escenas exteriores. Parece más bien un guión para una obra de teatro más que para una película. Quizás si el drama se hubiese centrado en el protagonista y en su madre se podría haber sacado mejor partido, pero según avanza la historia todos los personajes van mostrando sus secretos y problemas más ocultos con lo que se sobrecarga demasiado el drama. En general es una interesante película para ver, centrada en la psicología de los personajes más que en una línea de argumento que tenga inicio y fin.


Monuments men

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Por Gustavo Martín

Bélico / Drama / 2014 / 118 minutos /20th Century Fox / Columbia Pictures / Smoke House / Studio Babelsberg. Director: George Clooney. Actores: George Clooney, Matt Damon, Bill Murray, John Goodman, Cate Blanchett, Bob Balaban, Jean Dujardin, Hugh Bonneville, Dimitri Leonidas Guión: George Clooney, Grant Heslov (Novela: Robert Edsel). Música: Alexandre Desplat.

George Clooney regresa como director además de cómo guionista, productor y protagonista con una historia basada en hechos reales ambientada en la segunda guerra mundial. La película que es del género drama ha sido escrita por George Clooney y Grant Heslov basándose en la novela de Robert M. Edsel y Bret Witter. Cuenta con actores de lujo como son George Clooney (Frank Stokes), Matt Damon (James Granger), Bill Murray (Richard Campbell), John Goodman (Walter Garfield), y Cate Blanchett (Claire Simone). La distribuidora es 20th Century Fox y la fecha de estreno en España es el día 21 de Febrero de 2014. Basada en hechos reales, la película cuenta la historia de un grupo selecto de historiadores, directores de museos y expertos en arte, tanto británicos como norteamericanos, que a finales de la Segunda Guerra Mundial se les encomienda la importante y peligrosa misión de adentrarse en Alemania para recuperar las obras de arte sustraídas por el ejército nazi y devolverlas a sus legítimos propietarios.

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La historia que ha elegido George Clooney es bastante interesante, ya que está basada en hechos reales y en la Europa convulsa de la segunda guerra mundial, rindiendo homenaje a un grupo de personas que se jugaron la vida para preservar la cultura occidental, que había sido robada por los nazis, en forma de obas de arte, para un hipotético museo de Hitler en su pueblo natal. Con un grupo de actuales y viejas glorias del cine se nos ofrece una obra amena con toques humor y de drama, que entretiene, pero que no llega a las elevadas cotas que se esperaba de ella. Se echa en falta escenas de acción o de la cruda guerra que se está librando, porque los protagonistas se mueven un poco separados de esta realidad, y solamente de forma casual entran en contacto con la crueldad de la guerra. Bill Murray (Cazafantasmas), John Goodman (Los picapiedra) son genios de la comedia pero no son creíbles en papeles dramáticos. Hacen un gran papel, pero están desaprovechados. Hubiera sido

mejor dar un enfoque de comedia más que de drama para obtener mejores resultados. El halo de dramatismo que se intenta mostrar no convence, parte por las pequeñas escenas divertidas que lo anulan, y parte a que parece que el argumento se ha resumido demasiado y hacía falta más tiempo para contar esta historia. El grupo se divide y se siguen varias historias paralelas a la vez. Una de ellas transcurre en Paris con Matt Damon y Cate Blanchett, que interpretan a 2 estirados personajes con gran sentido de la moral y el deber. Cate Blanchett interpreta un gran papel aunque parece que en todas las películas actúa bajo el mismo patrón de mujer estirada y algo sosa. George Clooney se reserva el papel de protagonista dando los grandes discursos motivadores, y dirigiendo al grupo. En resumen es una película interesante que intenta ser dramática aunque no lo consigue, y que entretiene por los grandes actores que participan en ella, y por un buen argumento.


la bella y la bestia

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Por Gustavo Martín

Fantástico / Francia / 2012/ 112 minutos /Eskwad / Pathé / Studio Babelsberg. Director: Hans-Christian Schmid. Actores: Léa Seydoux, Vincent Cassel, André Dussollier, Eduardo Noriega, Audrey Lamy, Myriam Charleins, Sara Giraudeau, Jonathan Demurger, Yvonne Catterfeld, Dejan Bucin. Guión: Christophe Gans, Sandra Vo-Anh. Música: Pierre Adenot.

Christophe Gans se ha hecho esperar para volver a dirigir una película tras “Silent Hill (2006)” y “El pacto de los lobos (2001)”. En esta ocasión ha elegido adaptar el cuento tradicional francés “La bella y la bestia”, cuya primera versión publicada fue obra de la escritora francesa Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve, en 1740. El mismo ha adaptado el guión junto a Sandra Vo-Anh. Protagonizan esta película francesa Léa Seydoux (Bella), Vincent Cassel (La bestia), André Dussollier (El comerciante), y Eduardo Noriega (Perducas). Un comerciante se extravía en una tormenta de nieve, con una lista en la que sus hijas han apuntado los regalos que quieren recibir a su regreso. Tras caer desvanecido se despierta en un extraño castillo donde puede comer y beber hasta saciarse, además de encontrar todos los regalos que figuran en la lista, excepto una rosa,

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que ha pedido la hija menor. Tras partir del castillo se encuentra un gran árbol con un magnifico rosal. Al arrancar una rosa, una bestia aparece encolerizada y le exige que a cambio de la rosa tiene que dar su vida, otorgándole un día de gracia para despedirse de su familia. Al contar esta historia la hija menor, al sentirse culpable, se escapa decidiendo ir en su lugar. Comienza aquí la historia romántica de la bella y la bestia, en el que a modo de flash back, se va conociendo el origen de la maldición por la que la bestia habita este escondido y misterioso castillo. Con unos escenarios y fotografía inmejorables se nos introduce en este mundo de cuento de hadas en el que no deja de sorprendernos el detalle y lo bien elaboradas que están las escenas, que atraen más por su belleza de composición, que por el argumento en sí. Pero lo que en

un principio atrae e impresiona, transcurrida la mitad de la película, comienza a hacerse algo pesado, por la lentitud y falta de acción. Aparte, la relación entre la bella y la bestia se reduce al mínimo, porque se dedica mucho tiempo a otras historias, quedandoreducido sus encuentros, y no parece suficiente para que surja cualquier tipo de romance. Para sacarnos de esta caída al aburrimiento, por suerte, aparece Eduardo Noriega que con una gran actuación en el papel de Villano, con un aspecto desalineado, y con un comportamiento distinto al resto de idealizados personajes, rompe la monotonía y trae algo de acción. Aún así no hay grandes sobresaltos ni demasiadas ocasiones de drama o suspense. En resumen es una obra de gran belleza, aunque un poco aburrida, pero es una muy buena adaptación de este cuento de hadas.


ROBOCOP

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Por Eduardo Quintana Ciencia ficción. Acción / EEUU / 2014 / 118 minutos / MGM / Columbia Pictures / Strike Entertainment. Director: José Padilha. Actores: Joel Kinnaman, Gary Oldman, Michael Keaton, Abbie Cornish, Samuel L. Jackson, Jackie Earle Haley, Michael K. Williams, Jay Baruchel, Jennifer Ehle, Marianne Jean-Baptiste. Guión: Joshua Zetumer, James Vanderbilt, Nick Schenk. Música: Pedro Bromfmande la Riva.

La historia vuelve a centrarse en el policía de la Detroit de 2028, Alex Murphy, que debido a su lucha contra la corrupción dentro del departamento de Policía, será fatalmente herido. Debido a ese accidente, la empresa Omnicorp ve la forma de introducir sus robots dentro del territorio estadounidense, hasta entonces vedado debido a

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una Ley antirobots. Pero Robocop no se dejará controlar, sino que decidirá investigar su propio intento de asesinato y detener a los culpables. Segunda película de acción, violencia desmedida e irónica de Paul Verhoeven que Columbia Pictures vuelve a rehacer, y la segunda vez que el experimento les sale mal. Al igual que ocurriera

con Desafío total hace dos años, a este remake le falta el carisma y las escenas míticas que conseguía transmitir la película del director holandés. Pero como el hombre es el único animal que tropieza dos veces (o tres) con la misma piedra, y en Hollywood las buenas idea escasean tanto como en España trabajo, ya se está preparando el remake de otro clásico de culto de Verhoeven, siendo la nueva


“víctima” Starship Troopers. Pero centrándonos en este remake en concreto, hay que reconocer que las comparaciones son odiosas, y que han intentado hacer un remake más diferente e intentando copiar lo menos posible a la cinta original. José Padilha rueda con mucho oficio, pero el guión que se nos ofrece se aleja de la acción más gamberra, de la violencia gratuita y de las escenas de acción que nos prometieron en el tráiler. De esta forma, nos encontramos con un drama de ciencia-ficción con ínfulas de thriller y con pequeñas dosis de acción. Efectos especiales no le faltan, pero no ofrece ninguna secuencia que vaya a pasar a la posteridad. Los

errores no sólo están en el guión, sino también en un protagonista soso y poco carismático que se ve empequeñecido por los grandes secundarios por los que se ve rodeado. El hecho de que esté más tiempo sin casco y que la película se centre más en los dramas y temores familiares del policía, le quita bastante gracia a la película. Menos mal que están ahí ese trío maravilloso de actores, como son Samuel L. Jackson, Gary Oldman y Michael Keaton, para darle algo de vida a la película; regalándonos los tres, en especial Samuel L. Jackson, los mejores momentos del film. En resumen, se convierte en

una película sólo apta para incondicionales, o para aquellos que se entretienen con cualquier película de acción. Ir con las expectativas altas puede resultar un error fatídico. Nota: 4 Lo mejor: Samuel L. Jackson, como ese presentador que tan hábilmente consigue tergiversar las noticias en su favor. Lo peor: La cinta de acción y violencia que se suponía que sería se ha convertido en un producto para casi todos los públicos con un par de escenas de acción, entretenidas, pero nada espectaculares. CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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CINE DE CULTO

Por PATRICIA TORRES

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Dos años después de la brutal y estúpida Rubber, el bizarro director y músico francés Quentin Dupieux estrenó Wrong, una comedia absurda que conquistó tanto a la crítica como al exigente público ‘gafapasta’. Tras la popularidad que alcanzó el filme del neumático asesino, no iba a ser fácil para Dupieux demostrar que no fue solo un golpe de suerte. Supongo que es la prueba de fuego que debe encarar todo cineasta después de un éxito, hacer otra igual o mejor. Con Wrong, el francés supera con creces cualquier expectativa sobre sus nuevas obras, afirmándose así como un buen director de cine y un profesional del sinsentido. La película consiguió alzarse entre las candidatas del Festival de Sitges de 2012 y el Festival de Sundance del mismo año. Wrong presenta la historia de Dolph Stringer, un hombre insulso y aparentemente normal a quien le han secuestrado al perro. La angustiosa búsqueda del perro es el hilo conductor de la película, el aspecto que permite al espectador permanecer cuerdo y ajeno a todas las situaciones extrañas que protagonizan el resto de personajes. Desde un principio, el espectador se da cuenta de que algo no va bien. Hay algo raro. Vemos que hechos banales (como hablar con el vecino, llamar a una pizzería…) no suceden como

deberían suceder. Que hay algo en la forma de hacerlo, en la reacción de los personajes, que está mal. Toda esta paranoia va envuelta en una atmósfera angustiosa que dramatiza todos los acontecimientos por ridículos que sean. ¿Y qué tiene esto de comedia? Porque es tan absurdo que es divertido. Realmente, nos reímos a costa del sufrimiento y la incomodidad que experimentan los personajes por cosas insignificantes o que directamente no tienen ningún sentido. El guión en las películas de Dupieux es algo totalmente secundario. Él mismo comenta en una entrevista que a la hora de hacer películas se basa fundamentalmente en ideas visuales. Personalmente creo que películas como Rubber o Wrong no es que no necesiten guión, es que no pueden. De una forma u otra, Quentin pretende reflejar lo surrealista que puede llegar a

ser la vida misma. Por supuesto, la vida no tiene guión, y este entorpecería cualquier película que quisiera reflejarla. Recomiendo totalmente este filme, incluso lo pondría en la categoría de esos que debes ver alguna vez en tu vida. No se hace en absoluto pesado, además estéticamente (no hay contrastes fuertes y se utilizan colores pastel) tiene un carácter naíf que lo hace más ligero. Wrong es un ejemplo de la actual vuelta a lo irracional que se está produciendo en el mundo audiovisual. La gente vuelve a demandar lo absurdo. He intentado justificarlo con la situación política y económica en la que nos encontramos, que es irracional como ella sola, pero creo que este cansancio tiene que ver más con nosotros mismos que con lo que nos rodea. Quizá creamos haberlo visto todo ya. Supongo que es hora de volver a romper moldes.

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CINE DE LOS 80

ROBOCOP 1987 vs ROBOCOP 2014 Por Sergio Reina

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Estrenado ya el reinició de la franquicia Robocop, remake homónimo de la estrenada en 1987 por Paul Verhoeven. Nos parece más que oportuno, enfrentar ambas versiones, esperando ser objetivos (aunque tengo que reconocer, que mi imparcialidad puede quedar en entredicho, pues soy un gran fan de la película original). Virtudes y defectos, tienen ambas versiones, eso está claro, y por supuesto, cada una de ellas, tiene puntos a favor muy fuertes. Lo primero, los directores. Paul Verhoeven, inició su periplo por Hollywood con esta película, al igual que lo ha hecho José Padilha. El primero, Holandes de nacimiento, y el segundo brasileño. Ambos, venían de disfrutar de gran éxito en sus países, incluso traspasando sus fronteras. Punto

a favor de Padilha, es que ha contado con un presupuesto de cerca de 130 millones de dólares, mientras que Verhoeven, contó con unos exiguos 13 millones, donde cerca de 600.000 fueron a parar a la creación del traje que llevo con orgullo Peter Weller. Cierto es que Verhoeven lo tenía fácil, pues solo tenía que remontar un pequeño presupuesto para decir que la película fue un éxito, algo que hizo con creces, pues multiplico por diez la recaudación, llegando a más de 130 millones de dólares. A fecha de cuando se están escribiendo estas palabras, Padilha, en su estreno, no ha conseguido hacerse con el primer puesto del Box Office americano, quedando en un tercer puesto, y poniéndose difícil el poder recrear un éxito como el que supuso la cinta original.

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Pasando a la recreación de un futuro cercano, podemos decir, que de nuevo, vuelve a ganar la cinta de 1987. Aunque parezca increíble, la película de Verhoeven, vista hoy en día, se torna completamente actual. Sus efectos especiales, no han envejecido nada mal, y ese mundo de un futuro distópico, esta mucho mejor recreado que el de la cinta de Padilha, pues tan solo podemos apreciar los avances tecnológicos que lleva el propio Robocop, ya que el resto, es un mundo excesivamente similar al actual. Me podréis decir, que también el mundo recreado en el film de 1987 es similar al de la época, pero por lo menos, se dejaba entrever ciertos cachivaches y novedosos productos a través de los anuncios insertados a lo largo del film, además de algún que otro gadget que se deja ver. Con la película de Padilha, tan solo tenemos claro que el exterior de EEUU, está plagado de robots, y que la tecnología punta esta en China (algo que sin duda acabara pasando). En lo que sí que gana la cinta de 2014 por goleada, es en

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lo referente a todo lo visual. La fotografía es limpia, los efectos especiales, están acordes con lo que se está haciendo hoy en día, es decir, una excelencia en el manejo de la CGI. Y además, mucho más creíble que en otras cintas, pues lo que se está tratando informáticamente, son engendros mecánicos, que no necesitan aportar alma al personaje, y por lo tanto, no crean esa distancia que produce la imagen artificial recreada por CGI, cuando se está mostrando a personajes de carne y hueso. PG-13 frente a PG-18. Sin duda, aquí esta una de las claves por las que podemos decir, que el Robocop del holandés, gana sin lugar a dudas. En el año 87, Verhoeven tuvo total libertad al dirigir la película, lo que le permitió llenarla de carga y crítica social, política y económica, además de incluir multitud de escenas con fuerte carga violenta, que relejaban un mundo muy duro, en el que Robocop, era más que necesario. Padilha, ha tenido todo trabas para llevar a buen puerto

el encargo que se le encomendó. Completamente controlado por la productora, ha tenido que hacer virguerías para poder colar su sello personal, y poder hacer una película diferente al original en la medida que ha podido, con cierto homenaje, pero muy comedido en todo en lo que Verhoeven mostró en pantalla. Las escenas violentas, están completamente edulcoradas para poder alcanzar un ratio de edades menor, y poder llevar a las salas a los adolescentes. Así, por ejemplo, la muerte de Murphy, en la peli del 87, es del todo gore, y aquí se queda en una explosión, que además no deja ver muy bien los daños que se le han podido infligir al cuerpo de Murphy. La familia de Alex Murphy también difiere. La del año 87, es un objetivo, algo que Robocop tiene olvidado, que le han borrado de la memoria, pero que se obstina en salir a la superficie, y supone una desazón en la mente robótica de Murphy. Tiene flashbacks, se acuerda a retazos de su mujer y su hijo, y le llena de frustración. En


la del año 2014, a pesar de estar algo más desarrollada, es más distante. A Murphy, en su nuevo aspecto de Robocop, no le han borrado la memoria, se acuerda y añora a los suyos, y son estos los que se empeñan en seguir a su lado a pesar de su nuevo aspecto. Es una familia florero, una excusa para inquietar a un Robocop con menos carisma, y del que cual Bestia de cuento de niños quiere alejarse. El actor bajo el metal. Peter Weller o Joel Kinnaman. Pues ambos. El primero, no es que sea un gran actor, pero se tomó su tiempo en aprender mimo, y dotar de unos movimientos muy realistas a su Robocop, y por supuesto ser uno de los mentones más recordados a lo largo de la historia del cine, pues prácticamente en toda la película, es lo que se ve del Robocop. Kinnaman es un Robocop más humano. Tiene la mayoría de las veces la cara descubierta, y quizá esto juega en su contra, pues no consigue el carisma que Weller sí tenía. Joel, no lo hace mal, y no es un mal Robocop,

quizá sea culpa de guión que no le deja avanzar más de lo que lo hace. Los malos, vuelven a ser las grandes corporaciones. Aunque con grandes diferencias. La primera OCP, es una compañía ávida de hacerse con el control del gobierno de Detroit, pasando por los organismo públicos, y de seguridad, como es la policía. Todo para un fin, destruir el viejo Detroit, y construir uno nuevo, que le de grandes beneficios, y que le permita tener controlados a políticos, policías, jueces, criminales, carteles de droga, y todo lo que se le ponga por medio. La OCP del 2014, es también codiciosa, pero a nivel más global. No se conforma con una ciudad, sino que lo que quiere es poder vender sus productos, a todo el país, y a otros gobiernos, y es por esto que Robocop, tiene que funcionar. Debe ser un producto de resultados excelentes para poder colocarlo en el resto de las ciudades americanas.

para Verhoeven para no solo hacer crítica social y política, sino que servía también como alivio de humor. En la de Padilha, es todo lo contrario, se convierte en opinión a través de Samuel L. Jackson, y es más una crítica a los medios que a otra cosa. Habrá gente a la que le gusten los speech que se marca el señor Jackson, pero a mi me parece que sobran, y que incluso molestan. No es que sea un mal trabajo de Samuel L. pero sí que no venía muy a cuento, o bien no está bien integrado. Todas estas diferencias, en realidad no son ni buenas ni malas, son simplemente diferencias creadas para a pesar de intentar mantener el espíritu de la original, tener su propia identidad. Y esta es la gran baza que juega la película, por lo menos es algo distinto, aunque le falte toda la épica que sí supo imprimir con su sello el señor Verhoeven, el cual y gracias a su mujer, rescató el guión de la basura, pues para él solo era una peliculilla de un policía Cyborg. Menos mal que su esposa, sí leyó el guión hasta el final, y pudo convencer a su marido, de que en esas hojas, había muchas más miga de la que él se creía. Con todo esto, no quiero decir que la nueva versión, sea mala (ya he reconocido mi parcialidad al principio del artículo), sino que está jugando en otra liga. Mientras que la original, empezó como una película pequeña, pero que gracias a muchos factores que he ido desgranando se convirtió en referente, y éxito de público, critica y taquilla, la nueva, es un blockbuster, con el que Padilha, se las ha ingeniado para no caer en la burda película de acción futurista, pero que aún con todo, esta unos pocos peldaños por debajo de la de 1987. Espero recuperéis la versión de Verhoeven, y que le deis una oportunidad a la de Padilha. Son diferentes, pero ambas son recomendables. A la nueva, no le exijas tanto como a la primera, y quizá esto haga que sea un buen entretenimiento palomitero.

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Para celebrar el estreno en cine de la nueva producción de Dreamworks animatio, ‘Las aventuras de Peabody y Sherman’ película que lleva a la gran pantalla y en 3D los personajes creados por Jay Ward, conocido el show como “La Improbable Historia de Peabody”, sorteamos entre nuestros lectores 5 sets de actividades de la película para los más peques de la casa. Para participar tan solo tenéis que seguir tres sencillos pasos: - Ser seguidor de cinemascomics en Facebook, Twitter o Google+ - Enviar un e-mail a concursoscinemascomics@gmail.com antes del 20 de marzo contándonos que fecha del pasado te gustaría conocer y por qué. - Publicar en twitter la siguiente frase “Quiero el ser de actividades de #LasAventurasdePeabodyySherman que regala @cinemascomics” El Sr. Peabody, el perro más exitoso del mundo, y su travieso hijo

Sherman, van a utilizar su máquina del tiempo –el Vueltatrás– para embarcarse en la aventura más escandalosa que se haya visto jamás. Sin embargo, en un desafortunado accidente, Sherman le muestra la máquina a su amiga Penny para impresionarla y acaban creando un agujero en el universo, provocando el caos en los acontecimientos más importantes de la historia. Antes de que el pasado, el presente y el futuro queden alterados, el Sr. Peabody acude al rescate mientras tiene que hacer frente al mayor desafío de siempre: ser padre. Juntos dejarán su huella en la historia. LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN es una comedia de aventuras que combina ciencia ficción, viaje en el tiempo, personajes excéntricos y un diálogo inteligente, unidos por la extraña relación de nuestros héroes: un perro y su hijo humano. Para saber más de la película hazte fan en facebook.com/PeabodyShermanES


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Lanzamiento DVD/Blu-ray

ÁLEX DE LA IGLESIA DE LO MACARRA A LO COMERCIAL Por Beatriz Planas

Comedia / Fantástico /Terror /112 minutos Coproducción España-Francia; Enrique Cerezo P.C. / La Ferme! Productions. Director: Álex de la Iglesia. Actores: Hugo Silva, Mario Casas, Jaime Ordóñez, Carmen Maura, Terele Pávez, Pepón Nieto, Secun de la Rosa, Carolina Bang, Carlos Areces, Gabriel Delgado, Macarena Gómez, Enrique Villén, María Barranco, Javier Botet, Manuel Tallafé, Santiago Segura, Alexandra Jiménez, Javier Manrique. Guion: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría. Música: Joan Valenta. Puntuación: Dos estrellas LO PEOR: Le falta complejidad y depuración. Le sobra efectismo. LO MEJOR: Reside un cierto volver a la esencia de De la Iglesia. CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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Si la Venus de Willendorf, incluida en el filme como Gran Madre de las brujas, se desploma cuando su rostro se descubre, la película lo hace con ella en el mismo tramo de la cinta, incluso antes. Y es que lo último de Álex de la Iglesia podría resumirse como una sucesión de gags facilones incluidos en un relato flojo en el que se expone a los personajes a una cadena de situaciones excéntricas, que no terminan de funcionar en su conjunto, provistas de ciertos destellos de crítica o simple alusión hacia la actualidad. Así pues, más que a píldora alucinógena, Las brujas de Zugarramurdi saben a placebo vendido bajo la marca “De la Iglesia”. Una vez más, este director vasco al que Almodóvar apadrinó en su primer largometraje, Acción Mutante (De la Iglesia, 1992), y que llegó a ser considerado de cuasi culto por sus primeros filmes, sucumbe a las expectativas de un

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“público palomitero” (entendido en el peor de los sentidos) y se centra en arrancar la carcajada a un nicho de mercado demasiado condescendiente para con sus ídolos, en cuanto a su director y a su “star system” actoral televisivo se refiere. No en balde dicho producto cinematográfico consiguió, en su primer fin de semana en taquilla, situarse entre las tres películas más vistas de la cartelera del país y remontar las bajas cifras de recaudación del cine español en general. Galardonada con ocho premios Goya, entre los que consta a la mejor actriz de reparto para Terele Pávez y el de mejores efectos especiales. Es evidente que Las brujas de Zugarramurdi tiende puentes con esa parte de la obra del director vasco más visceral y macarra que tanto enganchó en su momento. Pero, a pesar de que existe cierta esencia autoral en cuanto a tono y a recurrencia de temas, De la Iglesia no consigue superarse a sí

mismo ni en resultado ni en originalidad respecto a sus primeros filmes. Sin ningún transcendental ascender de los infiernos, el argumento del filme se centra en la llegada del “elegido” -ser andrógino que devolverá el poder a las mujeresal pueblo navarro de Zugarramurdi, donde históricamente, según la leyenda, se dio el mayor caso de brujería de España, puesto que se trataba de un lugar infestado de brujas. “El elegido”, encarnado en el hijo del ladrón protagonista (Hugo Silva), aparece en la aldea vasco-navarra rodeado de un jugoso séquito de hombres que hacen las delicias de las brujas. El grupo de varones a quien sin saberlo esperan con entusiasmo, topan con la tasca regentada por estas sorgiñas (bruja en euskera) en su huida en taxi hacia Francia tras haber robado en un establecimiento de Compro Oro en plena Puerta del Sol.


Esta no es la primera vez que Álex de la Iglesia confecciona un entramado narrativo en el que se relaciona lo demoníaco, llámese Anticristo, Gran madre o Maligno, con un contexto y unos personajes dominados por la miseria moral, la mezquindad y la falta de escrúpulos. Ingredientes que a su vez y desde el arranque del filme van asociados a monumentos, edificios o construcciones emblemáticas de España. Así, Las brujas de Zugarramurdi parte de una secuencia en la plaza de la Puerta del Sol con la estatua del Oso y el madroño como elemento localizador donde la cámara hace un recorrido por la multitud cartografiando en esa muestra madrileña la variedad de población española y la frenética pulsión de una ciudad donde el que no corre vuela. Entre este maremágnum se encuentran los protagonistas, mimos disfrazados de dibujos animados que bien podría ser un reflejo de una España

infantilizada. El siguiente escenario, en el que se produce el robo, es uno de los negocios más viejos y más profusos en tiempo de crisis, la venta de oro. Álex de la Iglesia vincula, al igual que lo hizo en El día de la Bestia (1995), su visión apocalíptica con ciertos elementos icónicos del capitalismo más despiadado como son las Torres Kio, donde tras mucho indagar el cura Ángel y su fiel acompañante ‘heavy’ José María encuentran el punto en el que aparecerá el Anticristo. De forma similar, en la película que nos ocupa se presenta esta dicotomía entre el oro, un material puro que se ha revalorizado con la crisis y el orden demoníaco que buscan instaurar las brujas. Lo impuro en este caso gana la batalla. De la Iglesia juega con los opuestos de la forma al fondo. El uso desaforado del género trastoca la forma, y la comedia con tintes de terror y fantasía es otra de las confrontaciones del

director presente en sus películas fetiche, como en Acción Mutante, El día de la bestia o La comunidad. Es pues un rasgo inconfundible en el cine de De la Iglesia esa confrontación entre opuestos tanto en sus personajes, payasos tristes con ametralladoras, curas que machacan al prójimo, brujas que se enamoran; como en sus localizaciones en donde preexiste cierta confrontación histórica, como es el caso de Madrid y Vascongadas. En esta última película añade también la confrontación entre lo masculino y lo femenino unido por el quid de la película, el ser andrógino, el niño, representante de un futuro que como se reivindica el feminismo será transgénero o no será. Algo de lo que no cabe duda es que a De la Iglesia le preocupa esa España atrasada en la que parece convivir lo peor de lo viejo y lo peor de lo nuevo.

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E D N Ó I C U L O V LA E A I L I F E I R E LA S POR NELI COMA

Cuando la televisión llegó por primera vez a los hogares españoles, reunía a familia y vecinos alrededor de ella para ver los partidos de la selección o la película de la semana. Hoy, aunque de diferente manera, sigue siendo un punto de encuentro y de sociabilización. Blogueros, críticos, guionistas o directores, todos conectados virtualmente con un único nexo de unión, las series.

televisión se entendió como una actividad privada y comercial, financiada por la publicidad, alejándose del espíritu cultural que la caracterizaba en Europa. Las llamadas ‘networks’ componían esta industria, emitiendo a lo largo de todo el territorio estadounidense. La NBC, la CBS y la ACB nacieron en los años 50, en los 80 se unió FOX y recientemente, en 2006, The CW.

Todo empezó en Londres, cuando los estudios de la BBC empezaron sus emisiones en 1929. A Estados Unidos no llegaron hasta los años 40, pero fue allí donde se desarrolló rápidamente el furor televisivo, convirtiéndose en lo que hoy día es uno de los mercados más rentables del mundo. Desde el primer momento, en EE. UU. la

La primera serie que causó un gran revuelo en USA fue “I Love Lucy” emitida durante la década de los 50 por la CBS, una ‘sitcom’ sobre la vida cotidiana de un matrimonio. Fueron este tipo de productos los que predominaron durante años, comedias de tono familiar para todos los públicos, ligeras y fáciles de digerir.

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Con la entrada del cable nacieron series más arriesgadas, ya que estaban fuera de la normativa que regula los contenidos televisivos, pudiendo mostrar más violencia, sexo y protagonistas de dudosa moral, algo que no tendría cabida en las cadenas en abierto. HBO, mostrando en su eslogan toda una declaración de intenciones (“It’s not TV, it`s HBO”), quiso diferenciarse de las generalistas. Tenía que hacerlo, tenía que mostrar algo diferente. Y así crearon “Oz”, “Los soprano”, “The wire” o “A dos metros bajo tierra” demostrando que otra ficción era posible. Guiones con visión globalista, concebidos más como macrorrelatos televisivos que como historias episódicas. Ficciones que no subestimaban la inteligencia del espectador, que creían que hacerle esperar


y pensar no iba a echarlos atrás sino a atraparlos más todavía. Pero todavía faltaba el último impulso al mercado, la televisión seguía siendo un medio unilateral, donde el único ‘feedback’ por parte del espectador eran los datos de audiencia. Y llegó Internet, y su uso doméstico y universal. Si tuviera que decir cuándo empezó la seriefilia tal y como la entendemos hoy día, diría que todo empezó con “Lost”. Como dice Paula Hernández: “Lost nos desvirgó a todos”. El tráfico de datos que generó en las redes a través de foros en los que se discutía cada mínimo detalle de cada capítulo, las ansias con las que se esperaba cada nueva emisión… “Lost” creó una adicción más que una afición. Y así fuimos

naciendo todos, y así también se entendió que los espectadores posiblemente tenían más poder del que deberían. Alargando la serie por encima de lo que debería o creyéndose los dueños de ella, como si su final hubiera sido mejor que el que fue. La ficción ha evolucionado, los medios han evolucionado y nuestros hábitos de consumo también. Nacen así plataformas de contenidos como Netflix, que recientemente se ha lanzado a la producción de series propias. Revolucionando tanto la forma de adquisición de las mismas (comprando temporadas completas sin producir el piloto) como la forma de emisión, sacando a la luz toda la

temporada de una sola vez. Si los espectadores consumen en modo maratón, cuando y como ellos quieren, ya hay quien se lo ofrece así directamente. Y ha funcionado bien. La televisión siempre se había considerado la hermana pequeña del cine, pero hoy ya se miran cara a cara, de tú a tú. Reputados actores y directores cada vez apuestan más por la pequeña pantalla, una gran industria generadora de historias y de personajes que nos acompañan durante años. Las series de televisión están siendo una auténtica revolución, y han venido para quedarse. Que así sea.

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QUÉ LEER Ésta es la historia de Jordan Belfort, llamado ?El lobo de Wall Street? por sus multimillonarios negocios en el mercado de inversión estadounidense y por su extravagante vida, marcada por los excesos propios de una estrella del rock: sexo, drogas y, en su caso, varios cientos de millones de dólares ganados de modo fraudulento con la compra y venta de acciones a través de Stratton Oakmont, una firma de su propiedad que marcó un antes y un después en la historia de Wall Street. Si durante el día su ejército de traders le permitía ganar miles de dólares, durante la noche los gastaba con el mismo frenesí en restaurantes de moda, drogas de todo tipo, prostitutas de lujo y viajes alrededor del mundo y con frecuentes paradas en los bancos suizos. En esta asombrosa e hilarante autobiografía, Belfort narra la vorágine de codicia, poder y excesos que lo llevó a convertirse una leyenda de Wall Street, desde la tormentosa relación con su mujer, con quien compartía una mansión que incluía dos niños y veintidós personas a su servicio, hasta el desenfrenado hedonismo de su vida laboral, donde el consumo de drogas y el sexo entre compañeros de trabajo durante el horario de oficina no sólo estaban permitidos sino que formaban parte de la cultura corporativa. Ésta es la increíble historia de un hombre común que comenzó vendiendo helados a los dieciséis años y terminó por ganando cientos de millones de dólares hasta que, tras años evitándolo, todo el peso de la justicia cayó sobre sus espaldas.

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EL LOBO DE WALL STREET Autor: Jordan Belfort Nº Edición:3ª Año de edición:2013 ISBN: 9788415678045 624 Páginas


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A lo largo de varios números de la revista digital que tenéis frente a vosotros iremos profundizando en la creación de todo aquello que envuelve a una película, para que cualquier inquieto lector pueda experimentar por sí mismo el placer de coger las riendas de algo que quizá quería probar a hacer pero no tenía claro cómo. Hablaremos desde el guión hasta el estreno de un cortometraje y un largometraje, dos formatos que aunque la columna vertebral siga siendo la misma, varían ostensiblemente en muchos otros apartados. Comenzaremos sin más dilación con este primer artículo, dedicado, como serán también los venideros, en la materia prima, lo que hará que nuestro cortometraje merezca la pena o se quede en simple artificio. El apartado más económico de todos y el más universal, pues es algo que todo el mundo puede hacer, y además, sin ningún tipo de presupuesto. EL GUIÓN Papel y bolígrafo será lo único que os hará falta en esta primera etapa. No me digáis que no es barato. Lo demás es cuestión de trabajo e imaginación. Y

sobre todo, trabajo. El guión de largometraje y el de cortometraje son totalmente diferentes como ya hemos dicho hablando de todos los apartados de una producción en general, si bien tienen algunos puntos en común, como que tanto uno como otro son la base de cualquier obra cinematográfica. Quizá no es algo que la gente valore como es debido, pues como todo el mundo sabe escribir y leer, todo el mundo puede opinar, y por tanto, y al contrario que en la mayoría de departamentos que conforman una producción, aquí todo el mundo cree que puede meter mano y con ello mejorarlo. Sin embargo, no se suele tener en cuenta que un buen guión es algo muy complicado y que es como la construcción de una casa, a la que si tras hacerla sólida empezamos a quitar y poner cosas, es posible que, sin darnos cuenta, se desmorone. Así pues, tened en cuenta que el oficio de guionista, además de estar infravalorado, es muy complicado. Pero si aun así tienes claro que quieres intentarlo y divertirte con ello, aquí te lo explicaremos muy brevemente en varias publicaciones digitales. No nos dedicaremos por tanto a

profundizar, pues ya hay libros (y muy buenos) para ello, sino que intentaré haceros participes del gusanillo de la escritura, con nociones básicas de la profesión con las que os podáis poner a escribir sin ningún tipo de problema. Con lo primero que vamos a comenzar hoy es con lo básico, con aquello que hará que tu guión esté más cerca de hacerse realidad, la primera piedra de la casa. Y es que si quieres hacer una casa lo primero que has de tener es LA IDEA de construir una casa y LA MENTALIDAD de llevarla a cabo y aunque esto de lo que vamos a hablar sirve tanto para el cortometraje como para el largometraje, en esta primera fase, nos centraremos en el GUIÓN DE CORTOMETRAJE. Las ideas fluyen en todo momento y todos los días. Hace años llevaba una pequeña libreta en el bolsillo de mi abrigo y un pequeño bolígrafo en la que iba apuntando todo aquello que veía por la calle que me resultaba gracioso o diferente. Y la verdad es que si hacéis este experimento, no sabéis la de cosas y más cosas que vais a apuntar. Cuando digo que CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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tenéis que tener mentalidad para llevarlo a cabo, es que tenéis que pensar como guionistas y observar como guionistas. Observando como tal es cuando os daréis cuenta de que el mundo que tenemos ahí fuera nos puede aportar cientos de buenas ideas, y no solo para una película basada en la actualidad, sino para una película de terror, de ciencia ficción o animación. TODO está ahí, esperando a que lo apuntes en tu recién estrenada libreta de ideas. Os pondré solo un ejemplo: recuerdo muy bien una de las primeras veces que apuntaba algo y que me enterneció tanto que fue la base para un cortometraje que hice posteriormente. Una pareja de ancianos caminaba por la calle con paso lento, con el cansancio plomizo de quienes han vivido muchos años y han pasado penas en ellos. Ambos pasaban posiblemente de los 80 años, y nadie les acompañaba, no hacía falta. De repente el hombre miró a la mujer y puso la mano por delante para que ella dejase de caminar. La miró disconforme mientras buscaba algo entre sus bolsillos. Ella, sujetándose en su bastón, parecía esperar sin importarle el porqué. Fue entonces cuando el anciano sacó un peine fino de los de siempre y con él atusó el cabello de su mujer. Con delicadeza y ternura. Tras unas cuantas pasadas el hombre la volvió a mirar y sonriendo, volvió a meterse el peine en el bolsillo para continuar su paseo del brazo. Anécdotas como esta ocurren todos los días por la calle. Haced vuestro primer ejercicio sin miedo. Tenemos tiempo por delante para que salga una buena idea, así que no os apresuréis en querer ver la película en pantalla. Apuntad pues todo aquello que veáis estos días y que es sin duda distinto a lo habitual o aquello que a vuestro criterio puede dar pie a una buena historia. Apuntad todo lo que observéis con ojos de

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guionista. Después sentaros una tarde en casa y repasad todas las ideas. Algunas solo las recordaréis al volverlas a leer pero habrá alguna otra que no podréis quitárosla de la cabeza. Quedaros con esas y de esas elegid una que merezca la pena tener su propio cortometraje. Y recordad que una primera idea no tiene por qué ser la mejor, pero que habrá una en concreto antes o después con la que conectaréis, ya sea sentimentalmente o de alguna otra manera, que os haga creer que esa sí que merece la pena desarrollarla.

Imaginaros que la idea para el cortometraje con la que vamos a trabajar es una idea sencilla a desarrollar: el chico que se enamora de su suegra cuando bailan en la boda. Tendremos por tanto dos opciones: o bien centrarnos en los personajes de chico-chica-suegra y ver hasta dónde podemos llegar con ellos desarrollándolos, o bien desarrollando la trama con la que vamos a trabajar después. Sea como fuere, estas dos vertientes serán explicadas de manera clara y simplificada en la siguiente edición.

Una idea no tiene por qué ser enrevesada pero sí que tiene (siempre hablamos de la regla, no de la excepción) que ser distinta a lo común, y sobre todo, debe de existir un conflicto (de este término hablaremos más adelante). Es decir, un guión de chico se enamora de chica es muy soso. Pero chico se enamora de la suegra de su chica, tiene más gracia. Pese a no ser tampoco original, sí que existe un conflicto en la trama. Pero si hacemos que chico se enamora de la suegra el día de su boda, cuando se ponen a bailar tras el baile nupcial y se agarran por primera vez, es original y tiene más gracia. Tu mente comenzará a hacerse preguntas que querrás responder y eso está más cerca de ser una idea que merece la pena desarrollar. Y ante todo, ese es el punto de todo buen guionista: divertiros y sorprenderos a vosotros mismos, pues es la primera regla de todo buen guionista que se precie. Divertiros con lo que estáis haciendo. Una vez que la idea esté clara, deberemos desarrollarla. Todavía falta mucho camino por recorrer para llegar a tener un guión sólido, pero qué duda cabe que el camino lo acabas de iniciar. Evidentemente, hay varias formas de tejer la tela pero yo os mostraré las dos que suelo utilizar: por personajes o por trama.

Hasta entonces, espero que os divirtáis observando, leyendo mucho y escribiendo más.


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GARTH ENNIS ‘L’ENFANT TERRIBLE’ Por Alberto Gutiérrez

Polémico, original, atrevido, rebelde, transgresor... Muchos son los adjetivos calificativos que ha recibido el protagonista de este artículo a través de los años. Casi no hace falta ni presentación. Os hablamos del pelirrojo guionista irlandés Garth Ennis. Lleva más de veinte años en la industria de los cómics y se ha convertido en un verdadero referente para muchos guionistas noveles. Su particular forma de ver el mundo, apoyada en su santísima trinidad (hiperviolencia, sexo y religión), ha causado tanto horror como asombro y no deja indiferente a nadie. Sus historias suelen ser oscuras, ácidas, repletas de humor negro y de extrema violencia, acompañadas por múltiples palabras malsonantes. Sus personajes suelen ser controvertidos, incorrectos, complicados y son causa de fascinación. Con Ennis no existe término medio. O lo amas o lo odias. Viendo los grandes éxitos y aciertos en su carrera, nos atrevemos a decir que provoca más amores que odios. La calidad y el talento sobresalen en todas sus historias. Pero vayamos ya a conocer la vida y las obras del genial guionista irlandés. Garth Ennis nació el 16 de enero de 1970 en Holywood, Irlanda del Norte. Ávido lector de cómics desde pequeño, comenzó a escribir historias desde temprana edad. Empezó su carrera como guionista en el año 1989 con la serie Troubled Souls dentro de la colección Crisis. Esta serie contaba la historia de un joven y apolítico pro-

testante que, por casualidad, se ve envuelto en los conflictos de Irlanda y el IRA. Siguió trabajando para la colección Crisis creando una nueva serie llamada True Faith. La historia era una sátira religiosa (ya comenzaba a tocar este tema tan recurrente en toda su carrera) inspirada en sus tiempos jóvenes en la escuela. True Faith fue editada en formato de novela gráfica el año 1990, pero las protestas de distintos colectivos y organizaciones religiosas obligaron a retirarla del mercado (volvería a ser publicada por Vértigo en 1997). Tras estos trabajos, Ennis empezó a escribir el guión para otra nueva serie en Crisis llamada 2000 AD. El protagonista de esta serie era el mismísimo y legendario Juez Dredd. Creó varias historias para este personaje: Muzak Killer, Emerald Isle (un homenaje a su tierra natal), Time Flies y la gran Judgment Day. En 1991 aterrizó en la industria americana, bajo el sello de DC, con la serie Hellblazer. Estuvo escribiendo esta serie hasta 1994 y realizó 7 historias: Miedo y odio, En el arroyo/Perversión/Amor sucio, Confe-

sión, Tierra del corazón/Momento de gloria, Heartland, Llamas de condena y Un cínico a las puertas del infierno. Aquí coincidió por primera vez con el dibujante Steve Dillon, su fiel compañero en muchos y exitosos trabajos posteriores. Entre 1993 y 1995 Ennis y el también irlandés John McCrea (de hecho fueron al mismo colegio y Ennis compartió clase con el hermano pequeño de McCrea) se juntaron para escribir otra serie para DC, Demon. La serie trataba de las aventuras de un poderoso y


culto (míticos son sus versos, prosas y sonetos con los que se comunicaba con los demás demonios y víctimas) demonio que se dedica a perseguir a otros demonios escapados del Infierno. En 1995, de nuevo junto a Steve Dillon, crea la serie definitiva, la serie de todas las series. Hablamos, claro está, de Predicador. La serie nos cuenta la historia de Jesse Custer, un predicador en el pequeño pueblo tejano de Annville. Este es poseído accidentalmente por una criatura sobrenatural llamada “Génesis” (producto de la prohibida unión entre un ángel y un demonio). Al estar hecho de divinidad y maldad pura podría tener suficiente poder como para rivalizar con el mismo Dios. Así que, Custer, unido a “Génesis”, se convierte en el ser más poderoso de la creación. Custer emprende un viaje por todos los Estados Unidos, acompañado por su antigua novia Tulip y el

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alcohólico vampiro irlandés Cassidy, tratando de encontrar al mismísimo Dios, el cual abandonó su lugar en el Cielo en el momento en que “Génesis” nació. Durante su viaje se enfrentaran a variopintos y peligrosos enemigos (como la propia “familia” de Custer compuesta por su horrible y demente abuela cajún, su fornido guardaespaldas Jody y el “amante de los animales” T. C.) y se encontrarán con geniales personajes secundarios (como Caraculo o el Santo de los Asesinos). La serie estuvo compuesta por 75 números en total, con 66 números regulares (que formaron las historias Rumbo a Texas, Hasta el fin del mundo, Cruzados, Grita la sangre, grita Erin, Camino al sur, Guerra al sol, Salvación, Y llegó el infierno y Álamo), una serie limitada de cuatro números sobre el Santo de los Asesinos (El Santo de los Asesinos) y cinco números especiales dedicados a Cassidy,

Caraculo, Starr, Jody y T. C. y Tulip y Jesse en su juventud (Cassidy, sangre y whiskey, La historia de Ya-sabes-quién, En lo alto de la silla, Los muchachotes y Guerra privada). La serie duró hasta el año 2000 y logró numerosas nominaciones y premios, entre los que destacan el Premio Eissner al mejor guión de una serie en el año 1998 y el Premio Eagle al mejor cómic en color en 1999. También hay que resaltar las fabulosas portadas que creó Glenn Fabry para la colección. En 1997 escribe una minihistoria en la serie Witchblade junto al dibujante Brandon Peterson. La serie es de género fantástico y poblada por espadachines y alienígenas deslenguados. En 1998, con Kilian Plunkett a los lápices, escribe la serie El soldado desconocido, una nueva versión del clásico personaje de DC Cómics. En 2001, tras acabar Predicador, crea la serie Solo un peregrino, junto a Carlos Ezquerra en los lápices que trata


de un futuro apocalíptico en el que todos los mares y océanos del mundo se han secado y en el que la supervivencia hace que se llegue a tomar locas y desesperadas alianzas. Ese mismo año, de nuevo junto a John McCrea, toma la serie de Hitman y la convierte en todo un éxito. Hitman es protagonizada por el asesino a sueldo Tommy Monaghan, que tras un encuentro con unos mágicos seres, logra unos poderes que hacen que sea el asesino a suelo más letal del mundo (aunque Lobo tendría muchas cosas que decir al respecto...). La serie es divertida, adictiva y, como en todas sus obras, incluye personajes secundarios inolvidables (como el entrañable Pack de seis). Escribió dos historias largas entre 2001 y 2002 (Furia en Arkham y Uno de los nuestros). Ese mismo año 2001 retoma y relanza la serie de Punisher, que había bajado mucho en ventas e interés por parte de los aficionados. De nuevo junto a Dillon en los dibujos, están en la colección hasta el 2004. En todo ese tiempo escriben y producen varias historias (Punisher: hermandad, Punisher, queridos vecinos o Punisher, el fin). En el año 2002 escribe la serie Max: Furia. Colabora con Ennis el dibujante Darrick Robertson y juntos ofrecen una versión mas adulta y controvertida del exlíder de SHIELD, Nick Furia. También

ese año, y otra vez con Carlos Ezquerra, realizan Las aventuras de la brigada de fusileros, una desternillante historia de una brigada de soldados ingleses en la Segunda Guerra Mundial. Tiempo después tuvo su secuela, Las aventuras de la brigada de fusileros: Operación cojón. No era la primera vez que Ennis se metía de lleno en el mundo de las guerras. Un poco antes, a mediados de 2001, se había juntado con varios y reputados dibujantes (David Lloyd, Dave Gibbons, Carlos Ezquerra y Chris Weston, entre otros) y crearon la serie War Stories, basada en experiencias de la Segunda Guerra Mundial. En el año 2003 no deja su gusto por las historias bélicas y crea junto al dibujante Chris Weston la serie El As enemigo: guerra en el cielo. La serie trata la historia de un aviador en tiempos de guerra. A finales de ese mismo año, escribe la historia Thor: Vikingos junto al genial dibujante Glenn Fabry. Nos cuentan la historia de unos guerreros zombis vikingos malditos que llegan al Nueva York del siglo XXI y que sumergen la ciudad en una orgía de saqueos y asesinatos. Thor, el Dios del Trueno, intenta pararlos y, para sorpresa de todos, es brutalmente derrotado. Solo el Doctor Extraño será capaz de ayudarle. Ese mismo año publica

Diosa junto al dibujante Phil Winslade. La historia trata de una persecución por parte de la CIA hacia Rosie, una ecologista que ha desarrollado poderes divinos que incluso le han permitido separar Escocia de Inglaterra. En su desesperada huida se dirige, junto a tres variopintos amigos, hacia el Polo Norte. Llegamos al año 2004 y, otra vez con John McCrea, crea la serie Dicks que trata de las andanzas de Ivor y Dougie, dos colgados de Belfast, que deciden convertirse en unos detectives privados llamados DICKS. Ennis ha declarado alguna que otra vez que le encantan estos personajes y que esta historia es de sus obras favoritas. Ese mismo año escribe El jardín del Edén, una secuela de Solo un peregrino, dibujada de nuevo por Carlos Ezquerra. También escribe Bloddy Mary. Y el dibujante que le acompaña es... ¡sopresa, Carlos Ezquerra! Nos cuentan la historia de Mary Malone, una aguerrida militar americana de un siglo XXI en el que los aliados vuelven a enfrentarse a la Europa fascista en la III Guerra Mundial (o II Guerra Fría). Entre 2005 y 2007 realiza dos historias largas de Ghost Rider. La primera es Ghost Rider: Autopista al infierno y es dibujada por Clayton Crain. La segunda es Ghost Rider: Reguero de lágrimas

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y es dibujada con maestría por el propio Clayton Crain. También en 2005 escribe la serie 303, junto al dibujante Jacen Burrows. Trata sobre un tipo muy duro que encabeza un grupo de las fuerzas especiales Rusas que investiga un accidente de un avión en Afganistán. Colabora también en una historia en la serie The Authority, escribiendo The Authority: Kev, junto al dibujante Glenn Fabry. En los últimos años ha escrito Chronicles of Wormwood, serie dibujada por Jacen Burrows que trata sobre el Anticristo, que vive en Nueva York, se gana la vida produciendo películas para televisión y que su mejor amigo es Jesús, un ‘rastafari’ bastante empanado que lleva siglos sin hacer ni un solo milagro. También escribió Streets of glory, junto a Mike Wolfer. La historia nos cuenta los últimos días del Oeste americano. El salvaje Oeste ha llegado a su fin, pero a alguien se le ha olvidado comentárselo al protagonista de la historia, Joseph R. Duna. Después escribió Jennifer Blood, con la colaboración de Adriano Batista a los lápices, una historia sobre una madre y ama de casa durante el día y que se convierte en una implacable justiciera por las noches. Desde el año 2007 hasta el 2013 publica otra de sus mejores obras: The Boys. Una historia dibujada por Darick Robertson y que trata sobre un mundo contemporáneo donde los superhéroes existen. Sin embargo, la mayoría de estos superhéroes están corrompidos por su estatus de celebridades y suelen mostrar una conducta temeraria y despreciativa hacia la gente normal. Por esta razón, un equipo de la CIA con superpoderes, llamados “The Boys”, se ocupa de motorizar y controlar (usando el chantaje, la intimidación y la violencia) a la comunidad superheroica. La ultraviolencia y el sexo llenan esta fantástica y divertida historia. Toda una crítica a los cómics de superhéroes en general. En 2010 crea, junto al dibujante Jacen Burrows, la serie Crossed,

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una especie de versión comprimida y extrema de Los Muertos Vivientes de Robert Kirkman. Un futuro apocalíptico en el que una plaga hace que hombres, mujeres y niños caigan víctimas de una extraña infección que los transforma en unas salvajes bestias llamadas Los Cruzados (por la “cruz” que la plaga marca a fuego en sus caras). Un pequeño grupo de supervivientes avanza a través de una América desierta.

el control, deben atravesar el desierto perseguidos por una especie de muertos vivientes que descuartizan a quien se encuentran a su camino. Lo próximo que publicará Ennis, para la editorial Avatar, será Caliban, una historia de terror en el espacio que comienza cuando un carguero encuentra vida alienígena por primera vez y con eso comenzará una pesadilla para la tripulación de la nave espacial.

La última de sus obras publicadas es Stitched (de hecho, aún se está publicando). Dibujada por Mike Wolfer, la trama urdida por Ennis sigue a un grupo de militares que, tras un accidente en el que su helicóptero pierde

Hasta aquí el especial dedicado a Garth Ennis. Esperamos que os haya gustado acompañarnos en este apasionante viaje por la perversa mente del gran escritor irlandés.


COMICS

100% MARVEL. V+X: LOS VENGADORES + LA PATRULLA-X 2 Contiene A+ X 6-12USA Autores: Chris Yost, Mike Costa, Nathan Edmondson y Chris Hastings Libro con solapas. 160 páginas. PVP: 14,50 € Editorial Panini Marvel Now! continúa emparejando a Los Vengadores con La Patrulla-X, dando lugar a los más insospechados equipos que se te puedan ocurrir. Acompáñanos en el encuentro entre la Cosa y Gambito, Thor y El Hombre de Hierro, Capitán América y Lobezno y Masacre y Ojo de Halcón. Que lo tengas claro: ¡V más X es igual a infinitas posibilidades!

MARVEL GOLD. CAPITÁN AMÉRICA: DE MONSTRUOS Y HOMBRES Contiene Captain America 275-283 USA Autores: J. M. DeMatteis y Mike Zeck Libro con solapas. 216 páginas. PVP: 19,95 € Editorial Panini

Los muertos conspiran contra los vivos en el tercer volumen del cómic creado por el genial Joe Hill, el autor de Fantasmas e hijo de Stephen King. Dogde continúa con su búsqueda sin descanso de la llave que abre la puerta negra. Para luchar contra todas las fuerzas que tratan de detenerle, ha invocado un verdadero ejército. Mientras tanto, los chicos de la familia Locke deben luchar una batalla desesperada, en un mundo donde la noche misma se ha convertido en el enemigo.

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JUEGO DE TRONOS Nº 03 Contiene A Game of Thrones # 13-18 Autores Daniel Abraham y Tommy Patterson Tapa dura sin cubierta. PVP: 14,95 € Editorial Planeta de Agostini Comics

Tercera entrega de la adaptación oficial de la brillante novela Juego de Tronos. George R. R. Martin se une al aclamado novelista Daniel Abraham y al dibujante Tommy Patterson para insuflar nueva vida a la obra maestra de la fantasía heróica Canción de hielo y fuego como nunca se había visto antes: en una novela gráfica a todo color, dando una visión única sobre el mundo ideado por Martin. Este volumen sigue la adaptación de Juego de tronos, la primera parte de la saga bestseller en todo el mundo, que será recogida en cuatro entregas.

THE BLACK BEETLE: SIN SALIDA Nº 01 Contiene LBlack Bleetle The Night Shift #0, Black Beetle: No Way Out # 1-4Guión de Joe Hill Autor Francesco Francavilla Libro sin solapas. PVP: 18,95 € Editorial Planeta de Agostini Comics

Es 1941. Los gánsteres lo controlan todo mientras se llenan los bolsillos con chanchullos en clubs nocturnos, contrabando de armas, prostitución y drogas. Policías corruptos engordan gracias a los sobornos de la mafia. Y un detective con ojos de insecto, conocido solamente como Black Beetle, patrulla desde los tejados. Cuando dos jefes del hampa local celebran un encuentro para alcanzar una tregua, una misteriosa explosión reduce el edificio a cenizas y acaba de golpe con la mayor parte del crimen organizado de Colt City. Black Beetle se encargará del caso. CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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ESTRENOS DE ABRIL 2014

4 de Abril

Miel (2013)

Valeria Golino Jasmine Trinca, Carlo Cecchi, Libero De Rienzo, Vinicio Marchioni, Barbara Ronchi, Roberto De Francesco, Valeria Bilello,Elena Callegari, Eastynn Chadwick

El desconocido del lago (2013)

Alain Guiraudie Pierre Deladonchamps, Christophe Paou, Patrick D’Assumçao, Jérôme Chappatte, Mathieu Vervisch, Gilbert Traina, Emmanuel Daumas

3 días para matar (2014)

McG Kevin Costner, Amber Heard, Hailee Steinfeld, Connie Nielsen, Richard Sammel, Eriq Ebouaney, Tómas Lemarquis, Big John,Rupert Wynne-James, Peter J. Chaffey

Frances Ha (2012)

Noah Baumbach Greta Gerwig, Mickey Sumner, Adam Driver, Michael Esper, Grace Gummer, Charlotte d’Amboise, Michael Zegen, Patrick Heusinger, Justine Lupe

Need For Speed (2014)

Scott Waugh Aaron Paul, Dominic Cooper, Scott Mescudi, Dakota Johnson, Rami Malek, Nick Chinlund, Ramon Rodriguez, Kid Cudi, Han Soto, Carmela Zumbado

16 de Abril Río 2 (2014)

Carlos Saldanha Animación

11 de Abril Divergente (2014)

El tour de los Muppets (2014)

James Bobin The Muppets, Ricky Gervais, Ty Burrell, Tina Fey, Tom Hiddleston, Christoph Waltz, Ray Liotta, Salma Hayek, Frank Langella,Jemaine Clement

Neil Burger Shailene Woodley, Theo James, Kate Winslet, Tony Goldwyn, Ray Stevenson, Maggie Q, Mekhi Phifer, Jai Courtney, Miles Teller, Zoë Kravitz

El poder del Tai Chi (2013)

Keanu Reeves Keanu Reeves, Jeremy Marinas, Karen Mok, Iko Uwais, Brahim Achabbakhe, Tiger Hu Chen

Kamikaze (2014)

Álex Pina Álex García, Verónica Echegui, Leticia Dolera, Carmen Machi, Héctor Alterio, Ivan Massagué, Eduardo Blanco, Ajay Jethi

Noé (2014)

Darren Aronofsky Russell Crowe, Jennifer Connelly, Emma Watson, Anthony Hopkins, Ray Winstone, Saoirse Ronan, Logan Lerman, Marton Csokas, Dakota Goyo, Douglas Booth

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Mejor otro día (2014)

Pascal Chaumeil Aaron Paul, Imogen Poots, Pierce Brosnan, Toni Collette, Rosamund Pike, Sam Neill, Tuppence Middleton, Joe Cole, Diana Kent, Mohammed Ali

The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro (2014)

Marc Webb Andrew Garfield, Emma Stone, Jamie Foxx, Dane DeHaan, Paul Giamatti, Sally Field, Embeth Davidtz, Colm Feore, Denis Leary, Marton Csokas


Tren de noche a Lisboa (2013)

Yo les doy un año (2013)

Dan Mazer Rose Byrne, Anna Faris, Rafe Spall, Simon Baker, Minnie Driver, Stephen Merchant, Jason Flemyng, Olivia Colman

Bille August Jeremy Irons, Jack Huston, Christopher Lee, Mélanie Laurent, Charlotte Rampling, Lena Olin, Tom Courtenay, Bruno Ganz,August Diehl, Martina Gedeck

30 de Abril Aprendiz de gigoló (2013)

25 de Abril

John Turturro John Turturro, Woody Allen, Sharon Stone, Sofía Vergara, Vanessa Paradis, Liev Schreiber, Max Casella, Bob Balaban, Michael Badalucco

Carmina y amén. (2014)

Pompeya (2014)

Paul W.S. Anderson Kit Harington, Emily Browning, Jared Harris, Kiefer Sutherland, Carrie-Anne Moss, Paz Vega, Jessica Lucas, Sasha Roiz,Currie Graham, Joe Pingue

Paco León Carmina Barrios, María León, Paco Casaus, Yolanda Ramos, Estefanía de los Santos, Manolo Solo

No se aceptan devoluciones (2013)

Eugenio Dérbez Eugenio Dérbez, Loreto Peralta, Jessica Lindsey, Daniel Raymont, Alessandra Rosaldo, Hugo Stiglitz, Sammy Pérez, Arcelia Ramírez, Agustín Bernal, Karla Souza

El heredero del diablo (2014)

Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett Zach Gilford, Allison Miller, Robert Belushi, Kurt Krause, Steffie Grote, Sam Anderson, Sloane Coe, Joseph Fischer, Griff Furst,Catherine Kresge

Gabrielle (2013)

Louise Archambault Gabrielle Marion-Rivard, Alexandre Landry, Mélissa Désormeaux-Poulin, VincentGuillaume Otis, Benoît Gouin, Sébastien Ricard, Isabelle Vincent, Marie Gignac, Véronique Beaudet, Robert Charlebois

La vida inesperada (2013)

Jorge Torregrossa Javier Cámara, Raul Arévalo, Carmen Ruiz, Tammy Blanchard, Sarah Sokolovic

Viajo sola (2013)

Maria Sole Tognazzi Margherita Buy, Stefano Accorsi, Fabrizia Sacchi, Gianmarco Tognazzi, Alessia Barela, Lesley Manville

Yo, Frankenstein (2014)

Stuart Beattie Aaron Eckhart, Bill Nighy, Yvonne Strahovski, Jai Courtney, Miranda Otto, Kevin Grevioux, Steve Mouzakis, Aden Young, Deniz Akdeniz, Virginie Le Brun CMC ENTERTAINMENT │ MARZO 2014 │

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LA PELÍCULA DESTACADA DE ABRIL

NOÉ

POR ENRIQUE LEÓN

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Noé (2014), de Darren Aronofsky. Con Russell Crowe, Jennifer Connelly, Emma Watson, Anthony Hopkins, Ray Winstone, Saoirse Ronan, Logan Lerman, Marton Csokas, Dakota Goyo, Douglas Booth Entre todas las películas que nos llegarán el próximo mes, quizá destaque por encima de todas, teniendo en cuenta el nombre de nuestra revista, el regreso a las pantallas de uno de los directores más interesantes del panorama actual, como es el director estadounidense Darren Aronofsky, capaz de ser encumbrado por obras como “Réquiem por un sueño”, “El luchador” o “Cisne negro” y de llevarse varapalos de proporción bíblica como en “La fuente de la vida”. Y de ello vamos a hablar, pues el director ha optado por llevar a la pantalla su particular visión de los hechos del episodio bíblico del arca de Noé, con su próxima película que se titula de la misma manera que el protagonista, “Noé (Noah)”, y que cuenta con la particularidad de estar basada en una novela gráfica ideada por él mismo. Pero vayamos por partes. Aronofsky había confesado hacía ya tiempo su interés por llevar a la gran pantalla la historia de Noé, con lo que soñaba desde que tenía 13 años. Debido a innumerables problemas para conseguir la financiación necesaria decidió que ese guión que tenía en mente no se podía quedar tan solo ahí, en el cajón de los proyectos fallidos, por lo que Aronofsky y el artista Niko Henrichon decidieron que merecía la pena extrapolarlo a otro formato, como es el cómic. Así pues, junto a uno de sus productores, Ari Handel, se pusieron manos a la obra para crear la guionización a tal formato de “Noé” (Ari Handel había sido también el encargado en su día de escribir el guión de “La fuente de la vida”).

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La novela gráfica llegó a buen puerto, al menos su primer volumen, el cual salió a la venta el año pasado, pero antes de continuar con el proyecto varias productoras como New Regency mostraron interés en cofinanciar la película, a lo que se unieron Summit y dos grandes como Fox y Paramount. De esta forma, el proyecto “comiquero” y su segundo volumen fueron dejados de lado por el propio Darren, el cual se volcó de lleno en la producción cinematográfica, sin duda alguna el gran sueño del director nacido en Brooklyn. La visión del director diferirá de la

mostrada en las páginas sagradas, aunque la trama principal evidentemente continuará ahí, pues la película tratará sobre Noé, que tras recibir unas visiones certeras del advenimiento del Apocalipsis con el que se limpiará de pecados y pecadores la Tierra, será el máximo responsable en la creación de una enorme arca, ordenada por Dios, para salvar así a los justos de la inundación que cubrirá toda la superficie terrestre. Con un presupuesto final que ronda los 130 millones, un montaje reducido por el propio


Aronofsky que va (a priori) de los 150 minutos iniciales a los 130 aproximadamente y con un reparto encabezado por el oscarizado Russell Crowe como Noé y secundado por actores de la talla de Jennifer Connelly, Anthony Hopkins, Emma Watson o Ray Winstone, la película promete épica y aventura a partes iguales. No obstante, el propio director ha dado su propia visión, comentando que el filme tendrá un fuerte componente medioambiental en detrimento de lo religioso, algo que sin duda causará polémica en ciertos sectores, ya que se muestra a Noé humanizado a través incluso de sus defectos y sus vicios. Para más inri, su fecha de estreno, como no podía ser de otra forma, encajará perfectamente en la Semana Santa, con lo que una parte de recaudación ya la tendrá más que asegurada tan solo por estrenarse en la mejor época del año para este tipo de producción. Y es que por mucha o poca polémica previa que pueda tener,

esto hará que más de uno se acerque a las salas a comprobarlo con sus propios ojos. En el apartado digital, la película cuenta con el trabajo de la industria Light & Magic, con la que Darren está más que satisfecho, asegurando que será todo un espectáculo visual, pues todos y cada uno de los animales que aparecen en la película están creados de la nada, además de estar modificados parcialmente a lo que nosotros conocemos, ya que el director, que rodó en Islandia, declinó contar con animales salvajes, por los problemas y cuidados que estos conllevan. Con todo y con eso, “Noé” no deja de ser para muchos aficionados al cine la nueva película de Aronofsky, una nueva oportunidad de sorprenderse con una historia conocida y una versión moderna del arca de Noé que será su primera incursión en el “blockbuster” americano, ya que hasta el momento siempre había contado con presupuestos ajustados.

Ya puede verse el tráiler con el que nos quieren acercan a nuestros cines más cercanos y varios carteles publicitarios. La maquinaria está en marcha y tan solo queda un mes para saber si el “Noé” que Darren Aronofsky soñaba desde su infancia es una de las películas del año, como lo fueron sus últimos trabajos, o si por el contrario se repite la mala experiencia que tuvo con “La fuente de la vida”, película que, dicho sea de paso, es la más mística hasta la fecha realizada por el ya no tan joven realizador.

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Profile for Carlos Gallego

Cmc entertainment nº1  

Hola a todos y bienvenidos a este primer número de ‘CMC: ENTERTAINMENT’, revista digital que en una época de ‘remakes’ y relanzamientos no d...

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Hola a todos y bienvenidos a este primer número de ‘CMC: ENTERTAINMENT’, revista digital que en una época de ‘remakes’ y relanzamientos no d...