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Septiembre 2011. Nº 8. Año 1

www.cinemascomics.com

La revista

ESPECIALES CRIATURAS DEL ESPACIO EXTERIOR… Y DEL INTERIOR (de la mente)

ENTREVISTAS

HARRISON FORD COLIN FARRELL STUART CONRAN

DARTH VADER, EL VIAJE DEL HÉROE PAUL W. S. ANDERSON

Estrenos

Cowboys & aliens La piel que habito Noche de miedo El árbol de la vida Arriety Los tres mosqueteros...

bre u c s e ¡D ro nuest o! rs concu CLÁSICOS DE LOS 80 NOCHE DE MIEDO

ESPECIAL SERIES JUEGO DE TRONOS

STUDIO GHIBLI ARRIETY


Dr. Ishiguro is ATR Fellow and Professor of Osaka University. The geminoid has been developed in ATR Hiroshi Ishiguro Laboratory.


cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego David Larrad Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Francisco Nieto Sánchez (www.cinedeaqui.es) Javier Calvo José Joaquín González (www.defanafan.com) Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Manuel Moros Pedro Pinos Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) Christian Arza (www.moonfilms.es) Enrique Abenia Gustavo Martín COMICS Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) Moratha (moratha.blogspot.com) PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics. A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

EDITORIAL

Ya estamos de nuevo con todos vosotros un mes más y espero que todos hayáis pasado unas vacaciones magníficas. Este mes destacamos el estreno comiquero de septiembre que no es otro que Cowboys and aliens, película dirigida por Jon Favreau (Iron man 1 y 2) y protagonizada por Daniel Craing, Harrison Ford y nuestra querida 13, Olivia Wilde, pero como no solo de adaptaciones de comics se vive, este mes volvemos con un montón de entrevistas, artículos y especiales. Comenzamos con el repaso. El pasado mes de agosto se celebró en Londres la primera Empire Presents Big Screen, un evento que pretende emular a la famosa Comic Con de San Diego, y ahí precisamente se encontraba nuestro colaborador Diego Sánchez de planta13.blogspot.com que no perdió detalle del evento y tuvo la oportunidad de entrevistar a Stuart Conran, profesional del maquillaje y FX que ha trabajado en películas como “Salvar al soldado Ryan” o “Zombies Party”. Aprovechando el lanzamiento en Blu-ray de la famosa saga creada por George Lucas, Star Wars, Gerard Fossas, butacapreferente.com, nos trae un interesante artículo que analiza la saga desde un punto de vista nunca visto anteriormente y Christian Arza de Moonfilms.com, nos hablará de la relación aliens y cine. Este mes también llega a nuestras pantallas el último estreno del Studio Ghibli y Francisco Nieto de cinedeaqui.es, nos habla de la película y nos trae la crítica del film; Sergio Reina, critico-de-cine-aficionado. blogspot.com, aprovechando el estreno de “Noche de Miedo”, nos habla del film original de los 80 en el que está basada la película y José Joaquín González de defanafan.com nos acercará a la figura del realizador Paul W. S. Anderson que este mes estrena su particular visión de la novela de Alejandro Dumas “Los tres mosqueteros”. Tampoco podemos olvidarnos de nuestros artistas, Diego Burdio nos trae una página que cuenta como invitados con Jason Momoa y Arnold Schwarzenegger, y Moratha en “Gordos con Mochila” no se perderán el estreno de “Cowboys and aliens”. Confiando en ser el mejor antídoto contra la depresión post vacacional, y haceros más llevaderos estos días horribles de vuelta a la rutina, aprovechamos para enviaros un fuerte abrazo y recordaros, una vez más que sin vosotros, queridos lectores, nada de esto sería posible. Carlos Gallego Director de Cinemascomics


Septiembre 2011 Número 8

36 comics 7│La Página de Diego Burdio

Entrevista: Harrison Ford

CRIATUR Y DEL IN

124│Gordos con Mochila Por Moratha

Actualidad 8│Primera imagen oficial de “Total Recal” 10│Nuevas imágenes del

rodaje de “The Avengers”

criticas

92

120

98│Super 8 99│ Conan el bárbaro 100│ Cowboys and aliens 101│Noche de miedo 102│Arriety y el mundo de los diminutos

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Paul W.S.Anderson Dirigiendo y adaptando a su aire

Especial series: Juego de Tronos

Clásico Noche www.cinemascomics.com


contenido estrenos 14 │ Cowboys and aliens 2 de septiembre 44 │ La piel que habito 2 de septiembre

38 62

Entrevista: Colin Farrell

RAS DEL ESPACIO EXTERIOR… NTERIOR (de la mente)

48│Noche de miedo 9 de septiembre 64│ El árbol de la vida 16 de septiembre 70│ Arriety y el mundo de los diminutos 16 de septiembre 76│ Los tres mosqueteros

108 Darth Vader, el viaje del héroe

30 de septiembre

que leer 126 │ Zona Cómic

os de los 80: de miedo www.cinemascomics.com

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104 Entrevista: Stuart Conran Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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Primera imagen


PRIMERA IMAGEN OFICIAL DEL REMAKE DE “TOTAL RECALL” Aunque ya se pudieron ver algunas imágenes del remake de “Total Recall” dirigida por Paul Verhoeben en 1990, en la pasada Comic Con de San Diego, aquí os traemos la primera imagen oficial del film. La nueva versión está dirigida por Len Wiseman (“Underworld”, “La jungla 4.0”) y el reparto está encabezado por Colin Farrell (“Alejandro Magno”, “Minority Report”), Kate Beckinsale (“Underworld”, “Van Helsing”) y Jessica Biel (“El equipo A”, “El ilusionista”). En palabras de su director el film será más fiel al relato corto de Philip K. Dick “Podemos recordarlo por usted al por mayor” (1966), de lo que era la versión de 1990.

En el año 2084 Douglas Quaid es un hombre corriente que trabaja como obrero de la construcción; un trabajador más que vive su vida atado a su trabajo en la Tierra junto a su esposa Lori. Está obsesionado por un sueño recurrente en el que pasea con una bella mujer en Marte. Como su esposa no desea ir de vacaciones al Planeta Rojo, ya que está plagado de terroristas, Quaid decide que si no puede ir en persona, lo hará en su imaginación, y decide visitar Memory Call (Rekall en la versión original) una compañía especializada en implantar falsos recuerdos. Cuando están intentando implantarle el recuerdo, los técnicos de Memory Call descubren que Quaid parece haber sido objeto de un proceso previo de implantación de falsos recuerdos.


“The Avengers” Imágenes del rodaje

Aquí os traemos una serie de nuevas imágenes del rodaje de “The Avengers”, en las que podemos ver a Capitán América (Chris Evans) corriendo junto a Ojo de Halcón (Jeremy Renner) y La viuda negra (Scarlett Johansson) ó al dios del Trueno “Thor” (Chris Hemsworth) junto a su malvado hermano “Loki” (Tom Hiddleston).


F FOR FAKE


Estreno

Cowboys & aliens

2 de septiembre

El supertaquillero director JON FAVREAU (Iron Man, Iron Man 2) dirige a DANIEL CRAIG (Casino Royale, Quantum of Solace) y a HARRISON FORD (la saga de Indiana Jones, la serie de La guerra de las galaxias) en una esperadísima película para el verano de 2011 que mezcla el western clásico con las películas de invasiones alienígenas de una manera atrevida y deslumbrantemente original: Cowboys and Aliens. Junto con un grupo cineastas de élite - STEVEN SPIELBERG (Tiburón, E.T.: El extraterrestre, Parque Jurásico), BRIAN GRAZER (8 Millas, Una mente maravillosa, American Gangster) y RON HOWARD (Apolo 13, Una mente

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maravillosa, El códigoDa Vinci), así como ALEX KURTZMAN (Star Trek, Transformers) y ROBERTO ORCI (Star Trek, Transformers)—, Favreau ha realizado un tipo de thriller de acción completamente nuevo que llevará a los espectadores hasta el Salvaje Oeste, en donde un vaquero solitario liderará una revuelta contra un terror que viene de fuera de nuestro planeta. 1875, Territorio de Nuevo México. Un extraño (Craig), sin recuerdos de su pasado llega dando tumbos a un pueblo del desierto. La única pista de su historia es un misterioso grillete que le rodea la muñeca. Lo que descubre es que la gente del pueblo no da la bien-

venida a los forasteros, y nadie hace un movimiento en sus calles a menos que la orden de hacerlo venga de la mano del coronel Dolarhydel (Ford). Es un pueblo que vive en el miedo. Pero Absolution está a punto de experimentar algo que apenas puede comprender, ya que el desolado pueblo es atacado por merodeadores desde el cielo. Descendiendo con estrépito a una velocidad impresionante y con unas luces cegadoras para abducir uno a uno a la gente indefensa, esos misteriosos visitantes desbordan todo lo que el pueblo haya conocido hasta ahora. Ahora, ese desconocido al que www.cinemascomics.com


rechazaron es su única esperanza para la salvación. A medida que este pistolero comienza lentamente a recordar quién es y dónde ha estado, se va dando cuenta de que tiene un secreto que podría darle al pueblo la oportunidad de luchar contra las fuerzas alienígenas. Con la ayuda de la esquiva viajera Ella (OLIVIA WILDE: TRON: Legacy, The Change-Up), reúne una tropa formada por antiguos adversarios: la gente del pueblo, Dolarhyde y sus muchachos, y los guerreros apaches, todos en peligro de ser aniquilados. Unidos contra un enemigo común, se preparan para un enfrentamiento épico por la supervivencia. Junto a Craig, Ford y Wilde, en www.cinemascomics.com

este thriller de acción están también SAM ROCKWELL (Iron Man 2) como Doc, el propietario del salón, y ANA DE LA REGUERA (De culo y cuesta abajo) como su mujer, María, ADAM BEACH (Banderas de nuestros padres) como Nat Colorado, la mano derecha de Dolarhyde, PAUL DANO (Pozos de ambición) como Percy, el cobarde hijo de Dolarhyde, CLANCY BROWN (Cadena perpetua) como Meacham, el franco predicador de Absolution, y KEITH CARRADINE (Nashville) como el sheriff John Taggart y NOAH RINGER (Airbender, el último guerrero) como su nieto, Emmett. El guión de Cowboys and Aliens es de Roberto Orci y Alex Kurtzman

con DAMON LINDELOF (Perdidos) y MARK FERGUS (Hijos de los hombres, Iron Man) y HAWK OSTBY (Hijos de los hombres, Iron Man), a partir de una historia para la pantalla de Fergus y Ostby con STEVE OEDEKERK. Se basa en “Cowboys & Aliens” de los estudios Platinum de SCOTT MITCHELL ROSENBERG (Men in Black). Grazer, Howard, Kurtzman, Orci y Rosenberg son los productores. El experto equipo técnico de Cowboys and Aliens está encabezado por el director de fotografía MATTHEW LIBATIQUE (Iron Man, Black Swan), el director artístico SCOTT CHAMBLISS (Star Trek, Salt), los editores DAN LEBENTAL (Iron Man, Elf) y JIM MAY (El EquiCinemascomics │Septiembre 2011 │

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que nadie hubiera hecho antes algo como esto”. Las ilustraciones para el cómic hicieron que el productor Ron Howard creyera en ello desde la primera vez que las vio. Lo resume así: “Era todo cuanto yo deseaba y más aún: la versión más genial del Oeste mezclada con unos alienígenas cabrones. Es el Oeste, con todas sus tensiones. Me pareció genial ver a unos personajes que habían estado disparándose unos a otros días antes, y que de repente se ven obligados a intentar sobrevivir juntos”.

Portada orginal del comic de Scott Mitchell Rosenberg

po A, G.I. Joe: The Rise of Cobra), la diseñadora de vestuario MARY ZOHPRES (Iron Man 2, Valor de ley) y el compositor HARRY GREGSON-WILLIAMS (Ciudad de ladrones, Imparable). Spielberg, Favreau, DENIS L. STEWART (Iron Man 2), BOBBY COHEN (Revolutionary Road, Memorias de una geisha), RANDY GREENBERG (Dylan Dog: Dead of Night, la inminente Meet the Haunteds) y RYAN KAVANAUGH (Sin límites, la inminente Immortals) son los productores ejecutivos.

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ACERCA DE LA PRODUCCIÓN Destino Manifiesto: Comienza el proyecto La promesa implícita en el título “Cowboys and Aliens” era tan tentadora que se adquirieron los derechos cinematográficos de la novela gráfica de Scott Mitchell Rosenberg, dueño de Platinum Studios, antes incluso de que se terminara el libro. Era muy sugerente, tal y como recuerda el productor ejecutivo Steven Spielberg: “Yo estaba extrañado de

La novela gráfica de Rosenberg narraba una terrorífica invasión ambientada en las misteriosas tierras del Oeste de Norteamérica a finales del siglo XIX. Repleta de pistoleros, forajidos y peleas en el saloon, el rudo entorno ofrecía un marco extraordinario para un ataque extraterrestre contra nuestro planeta. Habiendo terminado la Guerra Civil norteamericana tan sólo diez años antes, las innovaciones tecnológicas e industriales (desde la bombilla al telégrafo pasando por los ferrocarriles transcontinentales) compartían su influencia con una violenta expansión de ese joven país. No era raro que en esa época los ganaderos encontraran apaches chiricahua en el Territorio de Nuevo México, y dichos encuentros rara vez eran amistosos. Cuando esos clásicos antagonistas se dan cuenta de que tienen un enemigo común, sus interacciones pasan de la hostilidad a la cooperación. En los 14 años transcurridos desde que Rosenberg mostrara por primera vez lo que iba a ser su novela gráfica “Cowboys and Aliens”, han sido muchos los que se han enfrentado al rompecabezas de cómo mezclar esos dos géneros tan clásicos en una película. Mark Fergus y Hawk Ostby, guionistas de “Iron Man”, junto con el escritor Steve Oedekerk, famoso por su trabajo en “Como Dios”, elaboraron el argumento cinematowww.cinemascomics.com


“Encuentros en la tercera fase”. Steven Spielberg. 1977. gráfico que sería la base para el guión de “Cowboys and Aliens”. Además, Fergus y Ostby comparten títulos de crédito en el guión de la película. Ostby recuerda: “Nos metieron en Cowboys and Aliens justo cuando estaba terminándose el rodaje de Iron Man, y nos ofrecieron la oportunidad de crear un universo argumental entero partiendo desde cero. Ya había una novela gráfica, la cual admiramos muchísimo, pero en vez de en eso decidimos inspirarnos en la indeleble ilustración de la portada: un cowboy a caballo, perseguido por una nave espacial que flota sobre él”. A Fergus le encantó el hecho de que los habitantes del salvaje Oeste no tuvieran una mentalidad capaz de “procesar lo imposible”. Y afirma: “Esa imagen, por no mencionar el título, para nosotros lo decía todo. Si se mezcla el género del western clásico y las películas de invasiones alienígenas, los resultados en la gran pantalla pueden ser alucinantes”. www.cinemascomics.com

Por supuesto, sus compañeros guionistas habían tenido la misma reacción que tuvo Spielberg ante el material de base. Añade Fergus: “Mientras elaborábamos el primer borrador, nos preguntábamos: ‘¿Por qué nadie ha hecho esto antes? Estos dos géneros están hechos el uno para el otro’. Nos imaginábamos la épica grandeza de Centauros del desierto, de John Ford, mezclada con la magia de Encuentros en la tercera fase de Spielberg. Todos y cada uno de los personajes de la obra se corresponden con un arquetipo del western clásico, pero todos intentan también ser personajes únicos y extraordinarios por derecho propio”. El proyecto tendría que esperar hasta 2008 para empezar a funcionar a plena marcha. Spielberg, quien se había reunido antes con Howard y Brian Grazer de Imagine, metió en el proyecto a los guionistas y productores Alex Kurtzman y Roberto Orci para dejarlo listo para su pre-producción.

Junto con Damon Lindelof, reescribieron el guión para crear uno vibrante que cumpliera con las expectativas de Imagine, Spielberg y Rosenberg para el proyecto. Con los supertaquilleros éxitos de películas como “Transformers”, ”Misión: Imposible III” y la reinvención de “Star Trek” en su haber, Kurtzman y Orci habían demostrado más que sobradamente su excepcional valía como narradores a gran escala. Lo mismo podría decirse de Lindelof, con su experiencia como productor ejecutivo del fenómeno televisivo de “Perdidos”, y como productor de la película de “Star Trek” con guión de Kurtzman y Orci. Todos estaban deseando trabajar con ese grupo de influyentes cineastas a los que tanto habían admirado durante años. Al productor Grazer, ganador de un Óscar, le pareció que finalmente los astros se habían conjuntado para que el equipo hiciera ese Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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thriller de acción. “Ron y yo ya habíamos comentado que la cultura maya está impregnada de la posibilidad de una visita alienígena”, observa. “Nos pareció un punto de partida brillante, y nos preguntábamos: ?¿Por qué no podría haber sucedido en el Salvaje Oeste?’ Después de haber leído la historia de Scott, supimos que queríamos que la película no fuera paródica, sino más bien un entretenido relato de lo que sucede cuando chocan dos mundos muy diferentes. El equipo de guionistas captó perfectamente esa idea”. Spielberg reflexiona: “Lo que más respeto de Alex y Bob es que querían mantener auténtico este concepto. Han hecho que todo sea real desde el punto de vista de los personajes. Incluso aunque nunca llegaran los alienígenas en esta película, sigue habiendo una historia sensacional de personajes en conflicto en una guerra de rangos. Es la que comienza a aflorar a la superficie ya en las primeras escenas de Cowboys and Aliens. Si fueran sólo los cowboys, sería una historia de cowboys condenadamente buena. Y si fueran sólo los alienígenas, sería también por sí misma una historia de alienígenas bastante buena, pero cuando se combinan las dos...¡es maravilloso!” “Cuando escuchamos el título, inmediatamente nos evocó algunos de los títulos favoritos que nos encantaron cuando éramos pequeños”, afirma Orci. “Nos acordamos de películas que son de ciencia-ficción en distinto grado y que son sumamente emotivas y entrañables, como E.T., y también de películas sumamente repletas de acción, como Alien, el octavo pasajero. Por la parte de los cowboys, vimos buenas perspectivas en películas que nos habían inspirado, como Sin perdón, en donde hay gente que intenta pasar página de un pasado que ha vuelto para torturarles, o que tiene que enfrentarse a crímenes

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a los que intentan dejar atrás”.

de ciencia-ficción a la vez”.

El compañero de Orci en el guión y la producción se sentía igualmente atraído por el proyecto. Kurtzman recuerda: ”En un mundo en donde los estudios frecuentemente andan en busca de grandes títulos, no hay muchos que destaquen, y para nosotros éste sí que lo hacía. No sólo porque tenga gancho, sino porque ofrecía la posibilidad de mezclar los dos géneros de una manera que la gente no hubiera visto nunca. Eso nos hizo muchísima ilusión, y supimos que queríamos lanzarnos y hacer un western y una película

Los dos descubrieron que lo difícil iba a ser encontrar un equilibrio entre los mundos tan dispares del Oeste sin ley y los invasores alienígenas. Sin embargo, como dice Orci, no tardaron mucho en comprender la base racional para la larga gestación del proyecto. “Aunque escuchamos el título y dijimos: ‘¡Hagámosla!’, cuando nos pusimos a escribir nos dimos cuenta de que iba a ser mucho más difícil de lo que pensamos al principio. Sabíamos que tenía que parecer algo orgánico, y que tenía que entrelazarse de manera natural”. www.cinemascomics.com


Jon Favreau dando instrucciones a DAniel Craig durante el rodaje

El choque de géneros le ofrecía a los autores una rica gama de personajes y situaciones arquetípicos con los que jugar. Tomaron los elementos con los que están familiarizados los fans del western y los reinterpretaron bajo el prisma de una película de invasiones alienígenas. Kurtzman observa: “Se trataba de rendir homenaje a las formas de expresión concretas de cada género, para luego idear la manera de mezclarlos. En el western, todo el mundo reconoce la figura del hombre sin nombre. Llega al pueblo y todo el munwww.cinemascomics.com

do se pregunta quién será y qué querrá hacer. El toque de cienciaficción es que el hombre sin nombre lo es porque fue abducido por alienígenas y no recuerda quién es. Tiene que averiguar su identidad y enfrentarse cara a cara con su pasado... a la vez que se convierte en un héroe para la gente cuyos seres queridos han sido secuestrados por los alienígenas”. En julio de 2009, Kurtzman y Orci hicieron lo que para ellos (y para muchos otros cineastas de éxito de su generación) se estaba con-

virtiendo en una peregrinación anual, la visita a la Comic-Con de San Diego. Recién salido del apabullante éxito de la primera “Iron Man”, el director Jon Favreau era una de las estrellas de la convención. Además, su trabajo como director, guionista, productor y actor incluía proyectos de películas independientes como “Swingers” y comedias supertaquilleras como “Elfo”. Mientras que Favreau regresaba a San Diego para hablar de la secuela de la odisea de su superhéroe, Kurtzman y Orci estaban presentando las esperadísiCinemascomics │Septiembre 2011 │

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mas adaptaciones de “Star Trek” y “Transformers”, así como “Fringe”, una de sus nuevas y emocionantes producciones televisivas. Durante la convención, los tres se reunieron en una fiesta. “Oí hablar del proyecto en la época en que estaba haciendo Iron Man”, recuerda Favreau. “Pensé que parecía genial, así que cuando Alex y Bob me abordaron, leí el guión y firmé el contrato. Era un gran guión, uno verdaderamente absorbente”. Lo que el cineasta le aportaría al proyecto iba a ser un enfoque tonal perfecto del material. Quería tomarse en serio ambos géneros, y hacer que la historia resultara real tanto para la gente de Absolution como para los espectadores que fueran a ver la película.

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De vuelta en Los Ángeles, Favreau resumió sus ideas sobre Cowboys and Aliens en una reunión con Spielberg, Howard y Grazer, y los convenció a todos. “Mi idea era asumir los dos géneros”, explica el director, “y mediante la yuxtaposición de la forma clásica tanto del western como de las películas de invasiones alienígenas crear algo nuevo y emocionante. Creo que la gente está deseando ver algo así”. A sus productores les pareció que el enfoque único y apasionado de Favreau sobre la fusión de los géneros era justo lo que el proyecto necesitaba. Spielberg resume lo que pensaba de su director el equipo de productores: “Jon ha demostrado su ecléctico enfoque

en estilo y contenido basado en los tenas que elige. Lo que le hace tan sólido es que lo aborda todo mediante un enfoque del comportamiento. ‘¿Cómo se comportarían estos personajes? ¿Cómo puedo conseguir que quede más auténtico?’ Da igual las limitaciones que el género le imponga a un director, Jon toma esas limitaciones y las transforma en tremendas ventajas.... basándose en su sólido conocimiento de la interpretación y de la dirección de actores y en haber sido autor de grandes obras”. Para inspirar al equipo, Spielberg organizó una proyección de una nueva versión de “Centauros del desierto” de John Ford. Favreau estaba decidido a extraer los elewww.cinemascomics.com


mentos que hicieron triunfar a los westerns clásicos, y con Spielberg, Grazer y Howard tenía algo con lo que cuentan pocos cineastas. “El potente lenguaje visual de Steven es algo con lo que me crié, ha influido en mi trabajo”, explica Favreau. “Así que poder hablar con él en persona y que me ofreciera una lección magistral sobre el western, eso fue genial”. En sus productores, Favreau halló una fuente de conocimientos cinematográficos que siempre estaba a su disposición. “En ���� Hollywood������������������������� andas mayormente a tientas intentando seguir adelante por tus propios medios”, dice. “Así que es maravilloso poder hablar con alguien por quien sientes un profundo respeto. Tener como www.cinemascomics.com

mentores a Steven Spielberg, Ron Howard y Brian Grazer a estas alturas de mi carrera es un lujazo muy bienvenido”. Kurtzman y Orci concuerdan con las afirmaciones de su director. Resumen ambos: “Encargarnos de esta película desde su concepción hasta su estreno (y no sólo como guionistas, sino como productores con gente de la talla de Steven, Ron, Brian y Favreau) ha sido una de las grandes alegrías de nuestra carrera. Nuestra asociación ha sido algo que sólo podíamos imaginar en nuestros sueños más inalcanzables: compartir un proyecto con unos cineastas apasionados, que además resulta que son tus héroes”.

Para el escritor y productor Scott Mitchell Rosenberg, ha sido una gran experiencia ver cómo llegaba finalmente a la gran pantalla su querida obra. Comenta: “Creé esta obra en el año 1997, cuando Platinum era simplemente un letrero de papel pegado en una puerta. Desde que se contrató como director a Jon, éste captó perfectamente el sentimiento necesario para Cowboys and Aliens. Eso se puede ver en todo lo que ha hecho antes, y cuando te sientas a charlas con él, te das cuenta de que lo tiene”.

Bond se encuentra con Solo: El casting de Cowboys and Aliens

Mientras que Daniel Craig, la estrella de las películas de acción, Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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puede que no sea el primero que a uno se le viene a la cabeza cuando se escuchan las palabras “cowboy norteamericano”, Favreau, quien transformó a Robert Downey Jr. en un superhéroe en “Iron Man”, tiene un don para el casting. Vio algo a la vez familiar y emblemático en el británico que encajaba con el personaje de Jake Lonergan, el forastero solitario y amnésico que llega al antaño próspero pueblo de Absolution justo a tiempo para salvarlo de la aniquilación total. “Fue el primer miembro del reparto al que contratamos”, explica el director. “Hablando con él y mirándole, me di cuenta de que tiene una cualidad ruda y atractiva, al estilo de Steve McQueen”. Aparte de su rudo atractivo, Craig tiene el don de transmitir mucho con pocas palabras. “El lenguaje del western es la acción, no los diálogos”, dice Favreau. “Siempre suelo tener un repertorio de diálogos para utilizar en mis películas, pero aquí había que conseguir que la acción fuera el diálogo, ya sea un tiroteo o una pelea a puñetazos. Todo eso forma parte de la personalidad de Jake, y Daniel es capaz de llevarlo a cabo realmente bien. Dice mucho con sus acciones. Se ve cuándo se activan sus mecanismos y se enfrenta a todo”. Fan desde hace mucho tiempo de “Dos hombres y un destino”, así como de “Alien” y “���������� Blade Runner”, a Craig no le parecía que hubiera que esforzarse mucho para mezclar esos dos géneros. Admitiendo que “basó bastante su personaje en los silencios de Clint Eastwood”, Craig se preparó para el papel viendo todos los westerns que pudo. Dice el actor: “Vi muchos westerns de John Wayne, pero mis favoritos son los de los años setenta, películas como Pequeño gran hombre y los llamados westerns sucios, en donde hay un poco más de realidad”. Cuando llegó el momento de me-

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terse en el personaje, Craig comenta que le fue mucho más fácil convertirse en Jake Lonergan que en otros personajes que ha interpretado. Dice: “El cowboy simplemente sale. Estamos en un desierto, y llevo puestas unas perneras. Llevo una pistola al cinto, llevo puestos el sombrero y las botas de montar, y voy cabalgando en un caballo. Montaba a caballo todos los días y encima me pagaban por ello, así que estaba contento a más no poder”. ¿La situación es plausible? Craig piensa que los colonos del siglo XIX y los indios serían lo bastante duros como para enfrentarse a seres de otro mundo. Comenta el actor: “La idea es que la supervivencia deja huella. Esas gentes son muy duras. Son gente de la frontera, y hay tribus de indios de una estirpe muy dura, que han sobrevivido a los del mundo exterior y a todo lo que ha querido enviarles la madre naturaleza”. Uno de los últimos papeles en adjudicarse fue el del personaje de Harrison Ford, Woodrow Dolarhyde, el bien hechor de los ganaderos de Absolution... y él único hombre que impide que el pueblo en decadencia y sus habitantes caigan en la miseria económica. Un coronel de la Guerra Civil cuya amargura se hizo crónica después de la sangrienta batalla de Antietam, Dolarhyde es un tirano frío y brutal, y le da su merecido al hombre del que piensa que le robó su oro: Jake Lonergan. Como explica Orci: “Si no fuera por los alienígenas, él sería el malo de la película”. Aunque Spielberg y Ford tienen una larga relación de trabajo, no se daba por sentado que quisiera incorporarse al proyecto el hombre que está inextricablemente vinculado a Indiana Jones y Han Solo. Favreau comenta cómo consiguió encontrar una identidad diferente para el emblemático actor: “Para mi generación, es como John Wayne. Cuando los

espectadores se sientan en sus asientos, llevan consigo todo lo que han experimentado antes al ver una película. No se puede separar al actor de su obra. Recuerdo que vi a Harrison por primera vez como Bob Falfa en American Graffiti, y después por supuesto en La guerra de las galaxias y En busca del arca perdida. Tiene una cualidad pícara. Es siempre encantador pero impredecible, nunca se sabía qué era lo que iba a hacer. Hay en él una sensación de peligro que pensamos que encajaba con este papel”. Aunque inicialmente se sintió atraído por el proyecto, Ford también se sentía algo escéptico. Favreau recuerda: ”Empezó a interesarse después de que yo le enseñara algunas ilustraciones y le explicara que nuestro enfoque tenía un tono serio, que no íbamos a hacerlo como si fuera un chiste. Nuestro objetivo era yuxtaponer esas dos formas clásicas para crear algo nuevo y emocionante”. Según admite el mismo Ford, lo que despertó su primer interés por la película fue la parte de los cowboys de la historia. Dice: “Es interesante que aquella gente de 1875 del salvaje Oeste no tenían nuestra experiencia en viajes espaciales ni nuestros conocimientos interplanetarios. Cuando tiene lugar la invasión, no tienen ningún contexto para entender lo que está sucediendo. El único contexto posible para ellos es el que les da el párroco del pueblo. Los alienígenas serían probablemente unos demonios, y siguieron siendo unos demonios durante toda la película”. Gran amante de la historia, Ford cuenta un poco cómo se construyó su personaje: “El western depende de la realidad que cada hombre es para sí mismo. Estaban en el límite de la frontera y tenían que depender de sus propios recursos. Los voluntariosos y los fuertes prosperaban. Dolahyde www.cinemascomics.com


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que nadie la hubiera visto en el trailer de “TRON: Legacy”. En aquel momento, los realizadores no podían estar más seguros de su decisión. “Aparece sólo un instante”, dice Favreau, “pero su actitud y su aspecto (lo atractiva e interesante que resultaba) me hicieron tomar nota. Y no sólo yo, sino que los fans y un montón de gente se quedaron con aquella imagen del trailer y lo notaron. También tiene los pies en el suelo, es conmovedora y auténtica, y una persona muy amable y cálida. La dicotomía era interesante, y contenía todo lo que queríamos para Ella”. A la actriz le sedujo el enfoque diferente de los guionistas sobre un personaje que podría haber evolucionado fácilmente hacia la típica damisela en apuros. “Ella me resultó inmediatamente fascinante”, recuerda Wilde. “Leí el guión y me encantó. Pensé: ‘Tengo que interpretarla’. En los westerns, los personajes femeninos tienden a ser la mujer de la pradera o la vaquera, a menudo muy fuertes y estoicas pero generalmente sin formar parte de la banda, y rara vez tan importantes para la historia como lo es Ella. Tiene un vínculo con Jake y un cierto poder sobre él que nadie más tiene”.

es un viejo ranchero, el tipo más rico de la ciudad, y desprecia a los indios. Es un hombre duro que tiene un hijo que no es muy buena persona...por culpa de los privilegios que su padre ha ido acumulando para él. El resultado de su dominante personalidad se expresa a través de ese hijo, que es un chulito y un flojo”.

se abren y el terror comienza a caer sobre ellos, sólo ella sabe lo que quiere ese enemigo. Para el papel de Ella, los realizadores buscaron una actriz que encarnara tanto el misterio como la dureza que necesitaría la única mujer en una banda reclutada a la fuerza y formada por cowboys e indios.

Además de Jake Lonergan, el otro forastero de la película le aporta más misterio a los habitantes de Absolution y de las tierras circundantes. Ella parece la sombra de Jake mientras éste se mueve por el pueblo, pero cuando los cielos

Olivia Wilde, quien ha sido desde 2007 uno de los pilares de la célebre serie de televisión “House” y que ha venido realizando una carrera cinematográfica cuando no rodaba esa serie, fue contratada por la producción antes de

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Favreau no sólo se trajo consigo a algunos miembros clave del equipo técnico de “Iron Man 2”, sino también a algunas de las estrellas de esa película. El casting continuó con Sam Rockwell, quien interpretó a Justin Hammer, el impredecible competidor de Tony Stark en ese taquillazo mundial de 2010. En “Cowboys and Aliens”, Rockwell interpreta a Doc, el propietario del saloon que es como un pulpo en un garaje y que, junto a su esposa María, se ha mudado desde la ciudad al árido y desértico pueblo de Absolution para buscarse la vida. Cuando los alienígenas secuestran a María, Doc se une a la banda para intentar salvarla de los demonios... aunwww.cinemascomics.com


que no es en absoluto un animoso aventurero”. Para Rockwell, “Cowboys and Aliens” le recordaba sensaciones fascinantes de su infancia. “Me recuerda a las historias que contábamos cuando éramos unos chavales”, confiesa el actor. “Jugábamos con nuestros muñecos de cowboys, y entonces cogíamos nuestros dinosaurios, nuestros soldados y nuestros indios y los mezclábamos todos, y hacíamos nuestras películas imaginarias”. Adam Beach se incorporó para interpretar a Nat Colorado, el ranchero de origen indio muy devoto de su inflexible padre adoptivo, el coronel Dolarhyde. Segundo de a bordo del jefe de los ganaderos, Nat se encarga también de cuidar del insolente y engreído vástago del hombre más poderoso de Absolution. A Beach, un indio saulteaux canadiense, le gustó la idea de darle la vuelta a las tornas con este papel. “Nunca antes había interpretado a un cowboy”, dice el actor, criado en la reserva india Dog Creek First Nations Reserve del Lago Manitoba. “Siempre he sido el indio, lanzando flechas

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y tirando el hacha. Me encantó filmar desde esta otra perspectiva”. El papel de Percy Dolarhyde, taimado matón e hijo único del hombre más rico de la zona, fue para Paul Dano, quien había aparecido previamente como un atribulado predicador junto a Daniel DayLewis en “Pozos de ambición”. Dano explica su personaje: “Interpreto al hijo malcriado, borracho e insolente del mayor ganadero del pueblo. Mi personaje se siente con derecho a actuar como quiera, y así lo hace porque el pueblo no sería nada sin el dinero de su padre. Viendo muchos de los grandes westerns, te das cuenta de que hay muchos grandes papeles y muchos grandes actores de carácter. En esta película, me pareció que todo el mundo tenía la oportunidad de aportar algo”. Noah Ringer, quien interpretó al personaje homónimo de la película de M. Night Shyamalan “Airbender, el último guerrero”, consiguió el papel de Emmett Taggart, nieto del sheriff del pueblo. Cuando su abuelo es abducido, Emmet se une al grupo de cowboys en bus-

ca de sus parientes. El joven actor confiesa: “Emmett es el único chaval de la película, así que es el que expresa la emoción y hace que la sienta el público. Es muy fuerte por dentro, pero también es la persona más pequeña. Crece mucho durante este periplo”. No hubo ningún problema para incorporar al proyecto a un rico plantel de inconfundibles actores para todos los papeles de Cowboys and Aliens. En la década de 1870, muchos hombres tenían largas barbas, como signo de virilidad, mientras que las mujeres se dejaban el pelo largo y no se teñían las trenzas. “En la tradición del western clásico”, explica Orci, “no había papeles pequeños, porque cada personaje era como un alto en el camino de ese género. Sacamos a alguna gente de su retiro para que estuvieran en la película, y terminamos reuniendo un reparto impresionante”. Completando el reparto principal están RAOUL TRUJILLO, de “Sangre fresca”, como el jefe de los indios apache chiricahua , Cuchillo Negro, ABIGAIL SPENCER de Mad Men como Alice, el amor

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perdido de Jake, DAVID O’HARA de Los Tudor como Pat Dolan, antiguo miembro de la banda de Lonergan, y WALTON GOGGINS de La ley de Raylan y JULIO CESAR CEDILLO de Los tres entierros de Melquíades Estrada como los bandidos Hunt y Bronc, respectivamente. Y finalmente, ¿qué sería de un western sin algún guiño al propio Duque? BRENDAN WAYNE, nieto de John Wayne, se une al reparto como Lyle, el ayudante del sheriff. Cavernas y Armamento: Al director artístico Scott Chambliss le encargaron la tarea de mantener el equilibrio entre los dos mundos visualmente tan diferentes de “Cowboys and Aliens”, y lo logró con sus inconfundibles diseños. “Cuando uno oye el título”, dice Orci, “es fácil conjurar imágenes de tipos a caballo con fusiles Stetson huyendo al galope de unos platillos volantes. Pero el enfoque de Scott fue fundir esos dos mundos, haciendo referencias subliminales al Viejo Oeste en su diseño de los alienígenas y de su mundo”. Para mantener la integración de los dos géneros, toda la quincallería alienígena, como armas, vehículos, etc. (así como la torre alienígena y sus obras) tenía que estar hecha a la medida de la sensibilidad y la imaginación de la gente del siglo XIX. Favreau pidió una ambientación en los umbrales de la Revolución Industrial... una con ferrocarriles, barcos de vapor, telégrafos y máquinas con un montón de piezas en movimiento. Eso es el futuro, visto desde el punto de vista de finales de la época victoriana. Inspirándose en las esculturas del artista norteamericano Lee Bontecou y en las formas angulosas y abruptas de la arquitectura Brutalista, la quincallería alienígena está muy lejos de los aparatos de alta tecnología o las asépticas armaduras de gran parte de la

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imaginería de la ciencia-ficción. Cruda y siniestramente biológicas, las tecnologías de pesadilla de los alienígenas van desde las aeronaves alienígenas con forma de insecto de 10 alas (y que extienden sus largos tentáculos metálicos parecidos a látigos para capturar a sus presas) hasta las gigantescas mesas de vivisección, con sus enormes abrazaderas y su decrépita superficie parecida a una piel, con incrustaciones de la sangre de sus víctimas. Enterrados muy por debajo de la superficie de la Tierra están los seres queridos de Absolution, las víctimas de los alienígenas... y el auténtico motivo del ataque de los alienígenas. Los laberínticos túneles donde los alienígenas extraen el valioso recurso que han encontrado, y donde guardan como rehenes a sus especímenes humanos, se construyó con el nombre de “plató de la cueva”. Eso equivalía a una serie de espacios subterráneos que se correspondían con la remota zona debajo del desierto de Nuevo México en donde ha aterrizado la nave alienígena, y donde tiene lugar la batalla final. Después de pasar varios meses preparando las localizaciones en Nuevo México, Chambliss abandonó al grupo, que siguió filmando en ese estado, mientras que él regresaba a los estudios 6 y 27 del

complejo de Universal Studios. Allí, él y su equipo pasaron meses construyendo dos asombrosos entornos. Chambliss explica así ese plató de más de 6.000 metros cuadrados: “Queríamos que pareciera que la cueva está a varios kilómetros bajo tierra y que no se acaba nunca. Esos diminutos túneles desembocan en unos espacios enormes e imponentes, para luego volverse a cerrar en zonas donde hay que reptar y en donde los alienígenas les hacen cosas indecibles a sus cautivos humanos”. Además de la serie de túneles por donde corren Jake y Ella para liberar a los rehenes humanos y poner fin a la invasión alienígena, la caverna incluía la cueva donde los prisioneros son colgados como animales en el matadero... por no mencionar la sala de cirugía en donde los alienígenas llevan a cabo vivisecciones de los humanos. El director artístico encontró una manera innovadora de crear la ilusión de un vasto espacio subterráneo para el periplo que inician Jake y Ella tras penetrar en la torre alienígena. Chambliss y su equipo crearon un plató modular...un intrincado rompecabezas de rocas enormes y oscuras y de suelos con piezas intercambiables que se podían colocar en distintas configuraciones para acomodar a los actores y al equipo de filmación. Gigantescos “icebergs de www.cinemascomics.com


piedra” que medían hasta 5 metros de alto eran izados mediante un sistema de poleas o transportados cuando Favreau quería cambiar los platós. Bajo el plató de la caverna, en el estudio 27, Chambliss elaboró un ambiente muy diferente pero no menos terrorífico para una de las escenas anteriores de la película: el primer encuentro cara a cara con los alienígenas. Para centrar la escena, Jake, Dolarhyde, Ella, Doc, Meacham y el joven Emmett han partido en persecución de sus atacantes. Mientras cabalgan por las altiplanicies del desierto, ven algo raro a lo lejos: un barco de paletas vuelto cabeza abajo. Preocupante, ya que no hay ningún río en cientos de kilómetros. Algo ha cogido a ese barco fluvial y lo ha tirado en mitad del desierto como si fuera un juguete roto. Nuestros héroes buscan refugio contra una tormenta cuando se tropiezan con el barco volcado. A medida que Emmet deambula por la nave explorando los escombros, el espacio se va volviendo más amenazador. En ese lugar al

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revés, atraviesa un arco y entra en el casino principal. Sus mesas de juego y el piano yacen rotas por los suelos, mientras que las sillas cuelgan de las vigas y unas grandes rocas sobresalen del casco. En un rincón, una sombra acecha. Tras documentarse sobre los barcos fluviales de la época, los artistas conceptuales realizaron algunas ilustraciones para mostrar el aspecto que debería tener el buque intacto. Comenzando con modelos de poliuretano de un barco intacto, los artistas destrozaron el diseño para ver el aspecto que tendría el escenario si un barco hubiera volcado. “Es una combinación entre crear algo basado en un objeto real y que es, al mismo tiempo, una escultura muy abstracta”, dice Chambliss, “teniendo a la vez siempre en mente que necesitábamos conseguir que fuera un espacio dinámico y poco corriente para los actores”. Basándose en los modelos de los artistas, el equipo de Chambliss construyó el armazón del plató

del revés. Con sus ventanas rotas, superficies irregulares y paredes destrozadas, el barco fluvial incluía algunos trofeos de caza en las paredes, así como espejos rotos y lámparas de queroseno. Cuando llegó el momento de montar el escenario, comenzó la diversión. Dice riendo Chambliss: “Teníamos unos muebles preciosos, mesas de casino, sofisticados candelabros, sillas, pinturas enmarcadas... y entonces tuvimos que destrozarlo todo. Los miembros del equipo y yo nos divertimos mucho tirando cosas por ahí, pateando esto y destrozando lo de más allá, viendo dónde aterrizaban y decidiendo qué era lo que funcionaba”. RUSSELL BOBBITT, encargado de atrezzo de Iron Man y Star Trek, se unió al equipo con el reto de elaborar un mundo del siglo XIX con utillería, desde las armas hasta las botellas de whisky. Él y su equipo mezclaron los trabajos de documentación sobre la época con fantasías de su invención para crear una batería de elementos de atrezzo de tres mundos diferentes pero convergentes.

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Ella le dice a Dolarhyde y a Cuchillo Negro, el jefe apache chiricaua, que, independientemente de la historia sucedida entre los indios y los hombres blancos, tienen que unirse para luchar contra un enemigo común. Los chiricaua son una fuerza formidable que se une a una ya de por sí insólita alianza de cowboys, cuatreros y barones del ganado para luchar contra los alienígenas. Históricamente, esa tribu fue una de las últimas tribus indias resistentes que lucharon contra las incursiones en sus tierras. Su terca resistencia a la colonización blanca les llevó prácticamente a la extinción, dejando tras ellos pocos datos sobre su forma de vida.

de los indios y de lo que pensaban que debían representar los indios. Lo que está claro es que los apaches eran guerreros diestros y bien armados. Utilizaban sus arcos y sus flechas, hachas y escudos con una precisión increíble, y conseguían rifles y pistolas mediante tratos con los colonos europeos o robándoselos. Bobbitt y su equipo colaboraron estrechamente con los asesores técnicos apaches en el tema del armamento tradicional, desde letales garrotes y piedras talladas a lanzas, pasando por escudos hechos de varias capas de cuero crudo entretejidas alrededor de un armazón y luego puestos a secar hasta que se volvían duros como piedras.

Los pocos registros escritos o fotográficos de los chiricauas se crearon años después de la época en la que se desarrolla nuestra historia, y a menudo resultaban poco fiables. Los sujetos de las fotos tomadas casi en tiempo real tenían por lo general una pose muy elaborada creada por fotógrafos europeos, quienes cambiaban sus ropas y los objetos que portaban para que encajaran con la imagen que los blancos tenían

Bobbitt explica: ”Aprendimos las clases de plumas que hay que usar (pavo), la longitud que tienen que tener los arcos (nunca más de un metro ni menos de 75 centímetros), y todo, desde las lanzas hasta los carcaj, se hizo correctamente bajo la supervisión de nuestros asesores”.

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OLIVER ENJADY, asesor técnico apache, y asesores de los apaches mescaleros llegaron incluso a pin-

tar para el equipo de Favreau varios escudos utilizados durante la ceremonia de la danza guerrera. Recuerda Enjady: “”Les dije que los dibujos no eran apaches, y fueron y me trajeron un poco de pintura. Saqué a cuatro hombres del grupo, y pintamos los escudos que aparecen en la película”. Como Nuevo México está lleno de historia del antiguo Oeste, equipar a los cowboys y colonos de la película fue una labor mucho más fácil. La pequeña Biblia que lee Meacham después de que los alienígenas ataquen al pueblo es realmente un ejemplar antiguo de alrededor de 1860. Bobbitt y su equipo tuvieron la suerte de encontrar a un herrero local que utilizaba herramientas de aquella época (forjadas en un horno construido por el propio herrero) para fabricar las chapas del sheriff Taggart y sus ayudantes. Además, el equipo encontró a uno de los pocos fabricantes de daguerrotipos en activo para que creara la misteriosa fotografía de Alice que Jake descubre oculta en su sombrero. Aparte de su sombrero y su cabawww.cinemascomics.com


llo, la pistola de un cowboy es su más preciada posesión. El coronel Woodrow Dolarhyde es uno de los pocos hombres ricos de nuestra historia y su arma, un Colt Uberti del ejército de 1873, su ricamente adornada funda y sus cartucheras reflejan su historia y su posición social. THELL REED, un pistolero de westerns y uno de los mejores entrenadores en armamento de Hollywood, colaboró estrechamente con los actores en las semanas anteriores al rodaje. Reed no sólo les enseñó a manejar sus armas de época, sino que también les enseñó algunas de las florituras características del uso de las armas en los westerns. “Thell les enseñó a voltear el arma, a apretar correctamente el gatillo”, dice Bobbitt, “y les enseñó algunos movimientos alucinantes, como por ejemplo a poner de nuevo derecha el arma antes de volver a enfundarla en la cartuchera”. Mientras que el Colt con mango de nácar encajaba perfectamente con un coronel retirado y además acaudalado ganadero, Jake despierta al principio de la película sin pistola. Eso no está bien, así

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que les quita un arma a los tres hombres que caen sobre él en el desierto... y al final termina con un Colt Navy de 1851 que le quita a un chófer de diligencia muerto. Sin embargo, para Jake no es una pistola, sino la extraña pulsera de metal que lleva en una muñeca la que se convierte en su arma más característica (y más letal). El “detonador” es el nombre que el grupo le dio al grueso brazalete de metal que nuestro héroe encuentra en su muñeca cuando se despierta al principio de la historia. Durante el letal ataque de los alienígenas contra Absolution, la banda de metal se transforma, y Jake (y también todos los demás) se da cuenta de que tiene el arma más poderosa para protegerles frente al ataque alienígena. Crear esa pieza futurista sujeta al brazo de Jake les planteó a los realizadores un gran reto de diseño. “Queríamos un objeto que no hiciera que todo el mundo se parara a mirar cuando lo viera”, explica Bobbitt, “así que se diseñó para que pareciera algo que les pudiera resultar familiar, una especie de esposas, algo que podría haberse utilizado para apresarle”.

Al igual que muchos de los elementos alienígenas de la película, el detonador es una mezcla de documentación histórica e invención fantástica. Con su bruñida superficie de acero marrón y un mecanismo parecido al de un reloj, se hizo con la intención de que pareciera algo que se pudiera encontrar en el Oeste en 1875. Aunque algunos de los movimientos del arma han sido retocados con gráficos por ordenador, gran parte de ella (con sus luces y sus piezas en movimiento) es real. Se necesitaron duplicados de las armas, sobre todo de las viejas pistolas, para el rodaje, pero se crearon en total más de 30 detonadores para adaptarlos a distintos tipos de escenas, de acción y de meteorología.

Apaches chiricaua:

Aprendiendo de la historia Los indios norteamericanos descritos en la historia son los apaches chiricaua, quienes hacia 1886 contaban tan sólo con menos de tres docenas de hombres, mujeres y niños. Sin embargo, bajo el mando de Jerónimo, ese pequeño grupo opuso una de las más fieras resistencias a la continuas

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incursiones de los mejicanos y los estadounidenses en sus tierras. Los que no fueron asesinados fueron deportados a la fuerza de sus tierras, y realojados o encarcelados en la otra punta del país, donde muchos de ellos perecieron. Para “Cowboys and Aliens”, los realizadores querían que la representación de los indios norteamericanos fuera histórica y culturalmente lo más ajustada posible. Para conseguir información sobre los chiricaua, recurrieron a SCOTT RUSHFORTH, un erudito de la Universidad Estatal de Nuevo México, y a Oliver Enjady, un apache de la reserva de los apaches mescaleros. Los realizadores sabían que querían que sus interpretaciones fueran respetuosas y auténticas. Rushforth, que asesoró a los productores Grazer y Howard en Desapariciones, y Enjady fueron un recurso valiosísimo para la producción. Los asesores ofrecían su consejo para todo, desde las ceremonias tradicionales de los

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indios hasta los atuendos locales y los wikis, las chozas de paja que construían las mujeres chiricaua a base de matojos, hojas y ramitas. Se les consultaba acerca de todo, desde el guión hasta el plató, la utillería y el diseño del vestuario... hasta el tipo de caballo para los indios. Asesoraron sobre las sutilezas de la danza de la guerra y el canto de la canción en el wiki cuando Jake toma un remedio medicinal para recordar quién es y qué es lo que le ha pasado. Esa canción pertenece a los mescaleros, y está interpretada por ellos. Enjady era el enlace principal entre los mescaleros y la producción, y éste sentía que su responsabilidad hacia esa gente pasaba por asegurarse de que la representación cinematográfica que se hiciera de ellos fuera lo más exacta posible. De hecho, además de los mescaleros que trajo para que hicieran de extras o bailaran en la película, también se trajo a cuatro chamanes o líderes tribales. La ceremonia de la danza de la

guerra, con los actores y docenas de mescaleros cantando y bailando alrededor del fuego, se rodó en el transcurso de varias noches en el desierto de Nuevo México. Los mescaleros diseñaron la ceremonia, los bailes y las canciones. Aunque es una ceremonia sombría, tanto la música como el baile son muy vivaces. Rushforth y Enjady también dirigen Ndé Bizaa, el programa de la lengua apache-mescalero que trabaja para mantener vivos su lenguaje y su cultura. Raoul Trujillo, el actor contratado para interpretar al jefe Cuchillo Negro, es un apache de verdad, pero no hablaba ese idioma cuando comenzó la producción. Trujillo trabajó incansablemente con archivos digitales de sonido que habían creado Enjady y Rushforth para perfeccionar su dicción y su acento. Comenta Enjady: “Se ocupó realmente de hacerlo bien”. La ayuda de Enjady abarcaba todos los aspectos del personaje del jefe Cuchillo Negro. “Ayudó www.cinemascomics.com


a elaborar el personaje, y lo que tiene que encarnar el jefe”, comenta Trujillo. “Cada vez que yo iba a entrar en una escena, tenía en mi cabeza una lista de aspectos del personaje que Oliver me había dado, y que le vinculaban con la armonía, el equilibrio, la confianza y la benevolencia. Hice que eso impregnara mi cuerpo y mi interpretación”. “Me siento muy honrado de que lo que aportamos haya ayudado al proyecto”, dice Enjady. Él y Rushforth se sintieron muy complacidos cuando vieron cómo algunas de sus primeras sugerencias sobre ciertos cambios en el guión cobraban vida ante las cámaras. En pre-producción, Enjady y Rushforth mantuvieron conversaciones con los realizadores acerca de cómo debía interactuar Ella con los apaches cuando ella, Jake, Dolarhyde y los otros son hechos prisioneros por los indios. Sugirieron que, para mantenerse a tono con su carácter, ella revelase que hablaba apache, e incluso le dieron a los realizadores algunas frases que ella podría decir. “Creí que estaba olvidado”, dice

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Enjady sobre las conversaciones que habían mantenido meses antes, “y entonces, de repente, ella estaba diciendo todas las frases que pensábamos que tenía que decir”. Además de invitar a los mescaleros del sur de Nuevo México, la producción contrató indios procedentes de todo EEUU. Descubrieron que era bastante difícil conseguir gente capaz de montar un caballo a pelo a todo galope por el medio del desierto, y después de un largo proceso de casting, quedaron representadas muchas naciones indias de Norteamérica.

Nuevo México, 1875: Localizaciones y Rodaje

El lugar donde aterriza el ejército de hostiles invasores en Cowboys and Aliens es el Territorio de Nuevo México alrededor de 1875. La Guerra Civil norteamericana ha terminado hace poco, y en el Oeste del país tenían lugar sangrientas batallas al enfrentarse los navajos, los apaches y otros indios norteamericanos a la expansión de los colonos hacia sus tierras.

La tensión iba en aumento entre los colonos. La incertidumbre, el temor y la desconfianza reinaban en el país. Más que una simple localización, el Salvaje Oeste norteamericano es un paisaje emblemático, un vasto terreno que se ha convertido en una parte tan grande de la historia cinematográfica como la propia historia norteamericana. Lugares como Monument Valley, El Álamo o Dodge City están grabados en las mentes de los cinéfilos. Teniendo en mente el trasfondo histórico del Oeste, los realizadores buscaron una localización para hacer la suya, una que pudiera acogerlo todo, desde el primer enfrentamiento con los alienígenas en un pueblecito, hasta las largas persecuciones a toda velocidad a lomos de caballo. Encontraron eso y más en Nuevo México, el lugar ideal para que el director de fotografía Matthew Libatique filmara la idea de Favreau. El antaño pujante y vibrante pueblo de Absolution apenas es una sombra de lo que fue. Todas las

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oportunidades que atrajeron a la gente al Oeste se han esfumado, y la vida transcurre entre un saloon en donde pueden ahogar las penas y la cárcel, el último reducto frente a la anarquía total. Todas las escenas que tienen lugar en el polvoriento pueblo del Oeste fueron rodadas al suroeste de Santa Fe, en el rancho Bonanza Creek, un rancho ganadero en activo que abarca un par de miles de hectáreas. “Allí había las ruinas de un pueblo, y construimos Absolution sobre ellas”, dice Orci del plató de exteriores. De hecho, y como puede atestiguar el actor que interpreta al sheriff Taggart, los westerns han hecho de esa parte de Nuevo México su hogar desde hace años. Keith Carradine hizo una de sus primeras películas (un western llamado El gran duelo y protagonizado por Kirk Douglas y Johnny Cash) a un par de kilómetros de Bonanza Creek en 1970. Fue en el rancho Bonanza Creek en donde la productora rodó las

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primeras escenas de Cowboys and Aliens, incluido el ataque contra el pueblo. El equipo de Favreau trabajó por la noche y seis días a la semana para crear las escenas que luego proyectarían ante una multitud entusiasta en la ComicCon de julio de 2010 La producción estableció su cuartel general en Santa Fe, capital del estado, mientras que el equipo técnico y los actores estuvieron filmando durante tres meses a lo largo de miles de hectáreas de tierra al norte de Nuevo México. Aprovecharon el impresionante y variado paisaje, desde estrechos arroyos encajonados en cañones con peñascos de basalto de 100 metros de alto a cada lado, hasta grandes franjas de terreno abierto cubiertas de artemisa y otros arbustos del desierto. Con sus grandes extensiones de suaves dehesas en las afueras del desierto, el rancho San Cristóbal, a unos 50 kilómetros al sur de Santa Fe, fue donde se rodaron algunas de las escenas cla-

ves de la película. Allí, el equipo rodó el campamento de la banda donde Jake tiene una tensa reunión con su antigua partida, y el campamento apache donde Jake, Dolarhyde, Ella, Doc, Nat y Emmett son hechos prisioneros por los indios. Sus enormes espacios abiertos ofrecieron también el escenario para algunas partes de la persecución a toda velocidad entre nuestros héroes a caballo y las aeronaves alienígenas volando justo encima de ellos. Además de los impresionantes paisajes de San Cristóbal, el Pueblo Santa Clara, las orillas del Río Grande, el lago Abiquiu y las rojizas colinas de arenisca a lo largo del sendero de Kitchen Mesa en el Rancho Ghost, había localizaciones en Nuevo México que parecían hechas a medida para un western en donde atacan unos invasores alienígenas. Con sus extrañamente bellas formaciones rocosas, Plaza Blanca fue uno de esos lugares que ofrecieron el escenario ideal para el enfrentamiento final dela historia. www.cinemascomics.com


Plaza Blanca está en un pequeño valle dentro de una finca privada en las colinas de valle del Río Chama, al norte del estado. Durante miles de años, los elementos han venido tallando las colinas de arenisca blanca hasta convertirlas en unas agujas tremendas que se alzan a más de cien metros a ambos lados del arroyo. Es ahí donde nuestro héroe se tropieza con una extraña estructura de metal de unos 25 metros de altura, el hogar temporal de los seres extraterrestres a quienes han venido a aniquilar. Rodar en ese estrecho valle requirió una coordinación estricta para un grupo de más de 200 personas... sin mencionar los más de 50 trailers, camiones y caravanas. Además de ocultar todos los vehículos y equipamientos de la vista de las cámaras de Libatique, el director de fotografía, al equipo se le pidió que redactara un plan de evacuación detallado que sacase a todo el mundo de la zona en cuestión de minutos en caso de

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inundación repentina. El plan de contingencia no fue una labor inútil. Tan sólo unas semanas antes de que el equipo llegara a rodar a Plaza Blanca, el departamento de vegetación estuvo preparando la zona para introducir temporalmente árboles y arbustos autóctonos para decorar el arenoso valle. En unos pocos minutos, una tormenta se abalanzó sobre ellos. A los encargados de la vegetación les habían dicho que se subieran inmediatamente a las zonas altas en caso de tormenta. Fue una decisión inteligente, ya que en cuestión de 10 minutos el fondo del valle era literalmente un río rugiente, que se llevó consigo todos los decorados del equipo con un torrente de agua. Una vez que el equipo hubo terminado el rodaje en Nuevo México, volvieron todos a Los Ángeles. Allí continuó el trabajo en estudio en el plató de exteriores de Universal Studios, utilizando múltiples estudios para el mundo subterráneo de los alienígenas y para el plató del barco fluvial, así como

para las hectáreas de terreno que remedarían los territorios del Suroeste.

Los alienígenas se encuentran con los cowboys: El diseño de las criaturas

Incluso teniendo la más sofisticada tecnología de generación de imágenes por ordenador a su disposición, los pensamientos de los realizadores se volvían una y otra vez hacia las películas clásicas de invasiones alienígenas que habían visto en su infancia. La tecnología cinematográfica ha avanzado rápidamente en los 34 años transcurridos desde que Spielberg llevase a sus criaturas a la pantalla en Encuentros en la tercera fase, y las posibilidades para los cineastas han aumentado exponencialmente. Favreau se preguntaba si en ese proceso no se habría perdido parte de la dimensión subconsciente del género. “Hay una cierta intemporalidad en la forma en la

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que se presenta Encuentros en la tercera fase”, dice, “cierta cualidad desconocida de los alienígenas. Hemos tomado prestadas muchas descripciones clásicas de alienígenas, y se les ve a través de los ojos de nuestros protagonistas... se les ve fugazmente. Acuérdate de Predator, acuérdate de Alien: esa es la imagen que tenemos de los alienígenas. Son peligrosos, está claro, tienen una tecnología mucho más avanzada, y sin embargo tienen una brutalidad muy primitiva”. El deseo del equipo de crear suspense y terror se extendía tanto a la creación como a la revelación de los antagonistas de la película. “Queríamos jugar a los mismos juegos a los que jugábamos antes de que hubiera efectos generados por ordenador”, dice el director, “utilizar el miedo, las tinieblas y la imaginación cuando aparece el alienígena, hacer que se desarrollara de una forma que tuviera cierta elegancia”. Una vez más, recurrió a las pelí-

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culas de su juventud en busca de inspiración. “Buscábamos la estética, las sensaciones y el tono de películas de antes de los efectos digitales como Encuentros en la tercera fase, Predator, Alien. Esas películas jugaban con la mente, son películas donde hay una interacción entre los espectadores y el realizador, y eso precisamente forma parte del hecho de contar una buena historia de monstruos”.

rio se acerca y solamente se ve el agua que ondula. Así que la primera vez que nos encontramos con los alienígenas es dentro de unos parámetros nocturnos en ese pueblecito del Suroeste, y está a punto de haber una refriega. Están nuestros protagonistas, y lentamente, el horizonte comienza a iluminarse. Antes de que puedan reaccionar, los alienígenas están sobre ellos, destruyendo el pueblo y capturando a la gente”.

Dice Favreau de su inspiración: “Ha sido impresionante ponerse en la piel de Steven Spielberg y preguntarse: ‘¿Cómo se puede utilizar la tecnología actual para ofrecer la imaginería y las sensaciones que yo sentí con tanta fuerza cuando vi Encuentros en la tercera fase?’ Hay una fuerza sobrenatural e inefable que aparece. Y, aún con lo buenos que son los efectos especiales de Parque Jurásico, me acuerdo de aquel vaso de agua en el salpicadero del coche. Depende de cómo presentes el suceso, de cómo lo construyas cuando ese dinosau-

Para diseñar y construir a los alienígenas, la productora recurrió a SHANE MAHAN, director del Stan Winston Studio, y a su compañía, Legacy Effects. En menos de dos semanas, su equipo había dibujado 50 diseños para los realizadores. Además de crear un sucesor de algunas de las otras criaturas cinematográficas de Mahan, ya sea la Reina Alienígena o el Predator, el equipo se propuso crear una criatura que fuera única tanto en su diseño como en su mecanismo. “No es solamente algo que no se www.cinemascomics.com


Sobre el diseño, Mahan recuerda: “Steven dijo que la cara del alienígena debía tener personalidad, unos ojos, una boca y un entrecejo reconocibles, algo con lo que la gente se pudiera identificar”. Escondidas dentro de la cabeza multicanal de control remoto hay varias sorpresas. “A la hora de diseñar una criatura, hay que mantener la atención de los espectadores. Hay que incluir muchas revelaciones”. Al principio, el alienígena muestra curiosidad, buscando la cara de Emmett, examinándole de la misma manera en que uno examinaría a un insecto que se acaba de encontrar. Pero luego, en un instante, se transforma. Sus ojos sobresalen, y abre la boca para mostrar unas espantosas filas de dientes como agujas y una baba pastosa.

ha visto nunca”, explica Mahan, “sino que además intentamos construir algo que fuera innovador a nivel mecánico, y algo que la gente no se pueda ni imaginar”. Su alienígena (en parte insecto, en parte anfibio, en parte animal marino) era claramente diferente de sus predecesores. En lugar de crear simplemente un traje para que alguien se lo pusiera, Mahan creó un conjunto de equipos complejos y multifuncionales con piezas intercambiables. El resultado fue un impresionante monstruo de casi tres metros de altura con una cabeza manejada por control remoto, una cara completamente articulada y unos brazos horriblewww.cinemascomics.com

mente malformados que sobresalen de su torso durante algunos de sus encuentros más perturbadores con los humanos. “Es una de las obras orgánicas más sofisticadas a nivel técnico que he hecho en mucho tiempo”, dice Mahan. Cuando nuestros héroes buscan guarecerse de la lluviosa noche en el barco fluvial volcado que ha aparecido misteriosamente en el desierto, la curiosidad impulsa a Emmett a echar un vistazo. Vagabundea por un espacio cada vez más opresivo, oye algo y se queda quieto, y de repente, está frente a frente con un alienígena. Su horrible cabeza se inclina hasta que el monstruo y el humano se miran a los ojos.

Como explica Mahan, hay muchas ventajas en tener criaturas físicas con las que trabajar en lugar de basarse exclusivamente en seres que se añaden por ordenador. “Hay una ventaja psicológica en el hecho de ver algo que ha sido fotografiado realmente. Está chorreando, y hace unas cosas raras. La gente reacciona de verdad ante eso, y se puede sentir esa intimidad. Eso contribuye a darle credibilidad al trabajo digital que viene después”. Para complementar el trabajo del equipo de efectos visuales estaba Industrial Light & Magic, de Lucasfilm. Bajo la supervisión de ROGER GUYETT, supervisor de efectos especiales con diversos premios en su haber, este grupo se llevó la parte del león en cuanto a los efectos visuales y la animación del proyecto. Equipos de élite de The Embassy Visual Effects, Ghost FX, Fuel VFX, The Garage VFX y Shade FX crearon efectos visuales adicionales en Cowboys and Aliens. New Deal Studios y Kerner Optical fabricaron modelos y miniaturas y aportaron efectos especiales a la producción. Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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ENTREVISTA

HARRISON FORD JON ME CONVENCIÓ DE QUE HABIA UNA HISTORIA HUMANA QUE ERA TAN IMPORTANTE COMO CUALQUIERA DE LOS OTROS ELEMENTOS DE LA PELÍCULA ¿Cúal fue tu primera impresión del proyecto cuando escuchaste Cowboys and aliens? Bueno leí 30 páginas, y luego lo tire al extremo del cuarto y llamé a mi agente y le dije, “No lo entiendo. Quiero decir, que no hay nada para mí. ¿Por qué me pides que haga esto?”. Y él dijo, “Ten un poco de fe. Esta es la nueva forma en la que el mundo funciona. Eres una persona mayor. Es posible que no entiendas cómo funcionan las cosas. Lee, lee el resto del guión.” Así que leí el resto del guión. Y dije. “No lo entiendo. Aquí no hay nada para mí.” Y, luego dije, “¿Por qué no voy a ver a Jon Favreau?” Así que fui a verlo para hablar de la película, porque evidentemente esto es algo que no he hecho antes. Por mucho que haya sido parte de lo que llaman películas de ciencia ficción, siempre las habia abordado como si fueran un cuento de hadas. No había pensado realmente sobre las cosas de ciencia ficción. Así que Jon me convenció de que había una historia humana que era tan importante como cualquiera de los otros elementos de la película. Y fue esa oportunidad, y la oportunidad de trabajar con alguien que parecía ser inteligente, colaborador y tenía detalles sobre la oportunidad de narrar esta historia. www.cinemascomics.com

¿Qué es lo que más le interesó de Cowboys and aliens? Lo que más me interesaba sinceramente era la parte de la historia de los cowboys y afortunadamente es el componente principal. Sí son cowboys y aliens, pero cuando aparecen los extraterrestres y empieza la acción, vuelve a ser inteligentemente una película de vaqueros. Por eso resulta fresca. Lo interesante de esta gente, en el año 1875, en el antiguo Oeste, no tenían nuestra experiencia con viajes espaciales y entendimiento planetario. Cuando esto sucede, carecen de un contexto para entender lo que está pasando. El único contexto posible es el que les ofrece el predicador del pueblo. Son posiblemente, demonios, y siguen siendo demonios durante toda la película. Tiene sentido porque es una oportunidad de aprovechar la humanidad del western, su naturaleza elemental y su conexión e importancia en la cultura americana. Y añadirle intereses contemporáneos y la oportunidad de rodar un western con un estilo cinematográfico contemporáneo. ¿Conocías a Daniel Craing antes de trabajar con él en Cowboys and aliens? No conocía a Daniel. Conocía su trabajo y me impresionaba. Tan-

to como protagonista como en otros papeles que ha hecho y que son realmente impresionantes. Estaba encantado de tener esta oportunidad de trabajar con él y ha resultado ser una persona muy generosa en el trabajo. Extremadamente capaz, muy serio en su trabajo y muy divertido como amigo. ¿Qué tal es Jon Favreau como director? Jon es, sobre todo, un actor, así es como se hizo camino en la industria del cine y, como actor, es muy sensible y específico. Tiene un gran sentido de la historia que hace entender muy bien que cada elemento es una pieza de la historia en su conjunto. ¿Cómo ha sido interpretar su personaje? La oportunidad de interpretar a un personaje como Woodrow Dolarhyde, que no se disculpa por sus debilidades, es muy satisfactorio en este punto de mi carrera. Es un personaje muy bien articulado, con la posibilidad de ser aún más interesante a lo largo del proceso. Estos profesionales tenían la ambición de hacer que el personaje fuera más interesante de lo que ya me pareció en el guión. El personaje me enganchó, la oportunidad de interpretar a un personaje distinto de los que he hecho en el pasado. Cinemascomics │Agosto 2011 │ 33


CRIATURAS DEL ESPACIO EXTERIOR… Y DEL INTERIOR (de la mente) Por Christian Arza

Los alienígenas son un recurso que ha dado mucho juego en el cine y en la televisión, regalándonos criaturas excepcionales venidas del espacio exterior y del interior de la mente, muchas de ellas con intenciones poco amigables que se pueden adivinar sólo con ver su aspecto. En cambio, otros han llegado a nuestro planeta con objeto de conocer más a la raza humana, nuestras costumbres e incluso quedarse aquí a vivir. Parece ser que vivimos en un buen sitio, incluso con la enorme cantidad de planetas con que cuenta el universo. Aprovechando el inminente estreno de la película “Cowboys & Aliens” hacemos un pequeño homenaje a esas fantásticas criaturas surgidas de la imaginación de unos cuantos hombres y mujeres dispuestos a jugar con nuestros miedos y nuestros sentimientos, dándonos personajes inolvidables que se quedan grabados en nuestra retina y, a veces, en nuestro subconsciente. A la mente nos viene el genial Orson Welles y la adaptación de la obra “La guerra de los mundos” de H.G. Wells, una fábula que inspiró tensión y miedo en el año 1938. Su difusión en radio provocó que una gran parte de la población creyera que los extraterrestres habían llegado a la Tierra, y no precisamente en son de paz. En gran medida supuso la primera piedra www.cinemascomics.com

en este entramado de películas y series que han llegado posteriormente, y un magnífico ejemplo de cómo el ser humano tiene miedo a todo lo que le es desconocido; es decir, a todo lo que vaya más allá de uno mismo. Tenemos también la obra de Robert Wise “Ultimátum a la tierra”, estrenada en 1951, en donde el extraterrestre Klaatu era enviado a la Tierra para alertar a los humanos del peligro que suponemos para nuestro propio planeta. En contraposición de lo establecido, Klaatu era un ser benévolo que nos alertaba de lo que éramos capaces de hacer. Película con un Globo de Oro honorífico por promover el entendimiento internacional. Más tarde vendría la película “La guerra de los mundos”, de Byron Haskin en 1953, reinterpretación, esta vez visual, de la obra de Wells en donde se seguía manteniendo el espíritu de la original, con los alienígenas mitad araña mitad calamar invadiendo la Tierra para destruirla y colonizarla. Le seguirían en esa época las películas “Planeta Prohibido” (Fred M. Wilcox, 1956), en donde un joven Leslie Nielsen (sí, el mismo de Agárralo como puedas) lideraba una expedición enviada desde la Tierra al planeta Altair IV para descubrir lo que había ocurrido con una anterior, de la que solo quedan dos supervivientes, el

doctor Morbius y su hija Altaira, acompañados de su robot doméstico, Robby. El carismático robot llegó a robar protagonismo a los actores y se colaría en otras producciones a modo de guiño, como en “Gremlins” y “Star Wars: Episodio I”. Le seguirían “La invasión de los ladrones de cuerpos” (Don Siegel, 1956), donde se contaba en una invasión alienígena en la que esporas provenientes del espacio crean vainas para hacer copias idénticas de los seres humanos. Un recurso que se utilizó en más de una película, y que sirvió de inspiración para otras producciones posteriores.. En 1968 se estrenó una de las obras más aclamadas en la historia del cine: ”2001: Una odisea en el espacio”, el primer film de ciencia ficción “adulto” de la historia del cine que reinventó el género al alejarlo de los parámetros paranoides e ingenuos que lo habían caracterizado en la década de los cincuenta, que encumbró a su director Staley Kubrick como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos y que nos legó el imponente monolito, el enigmático motor de la evolución humana que escapa a todo intento de interpretación (¿objeto extraterrestre o divino?), parodiado en series como “Los Simpsons” o “Futurama”. Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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Imagen de Alien el 8º pasajero. (Ridley Scott, 1979).

Sin duda, llegamos a la época que marcaría un antes y un después en lo que se refiere a alienígenas en pantalla, los años 70. En 1977, el gran George Lucas inició su periplo galáctico con “Star Wars: Episodio IV”. Todo un universo para explorar y compartir desde los ojos de un muchacho humano, procedente de un planeta muy, muy lejano, que debe abandonar para convertirse en la nueva esperanza de un sistema corrompido y tiránico. El señor Lucas creó y desarrolló un trabajo titánico, al que aún le saca beneficios, todo sea dicho, para contarnos la eterna historia de la lucha entre el Bien y el Mal, desde el punto de vista humano pero con todo un sinfín de personajes alienígenas (Jabba, Chewbacca, los moradores de las arenas) y criaturas extrañas (esos burros blancos del planeta Hoth) que acompañan al joven Luke Skywalker en su viaje. Película de culto para muchos y sobrevalorada para otros, inventó el concepto de merchandising, otorgó protagonismo a los efectos especiales y convirtió rápidamente a sus personajes en iconos de la cultura popular occidental. Le seguiría Steven Spielberg, otro rey Midas de Hollywood, en 1977, con su “Encuentros en

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la tercera fase” en donde un enorme ovni hacía migas musicales con los seres humanos. Un tema, el ser de otro planeta, que Spielberg revisitaría en muchos de sus trabajos posteriores. En 1978, se estrenó “La invasión de los ultracuerpos” de Phillip Kaufman, el espléndido remake de la anteriormente citada “La invasión de los ladrones de cuerpos”. El final de los 70 nos trajo diferentes versiones de alienígenas, unos con malas intenciones y otros con buenas, como en el caso de “Superman” de Richard Donner, donde un alienígena de otro planeta, Kal-El, era enviado a la Tierra para salvarle de la destrucción de su planeta natal y que aquí se convertía en héroe mundial e icono de una sociedad que necesitaba una esperanza. La contrapartida vino de la mano de Ridley Scott con su “Alien, el octavo pasajero”, de 1979, donde la nave Nostromo, con la teniente Ripley (Sigourney Weaver) en ella, se las veía cara a cara, por decir algo, con un ente alienígena de lo más feo que ha podido verse en la gran pantalla, cuya imagen nos viene a la mente cada vez que se pronuncia o lee la palabra “alien” gracias a Scott. Hay que destacar también que

en 1979 la película “Star Trek” llegaba a las pantallas precedida por la mítica serie de televisión de los años 60, en la que la tripulación de la Enterprise, con el legendario capitán James Tiberius Kirk al frente, tienen que hacer frente a un ente nuboso, como los que vemos en la meteorología, que quiere destruir la Tierra. Esta película inició otra serie de secuelas, paralelas al fenómeno de Star Wars en fans y críticas. Los 80 reafirmaron el buen estado de salud del género mostrado en la década predecesora con títulos como “E.T. El extraterrestre” (Steven Spielberg, 1982), en la que se nos contó la lacrimógena historia de un alienígena atrapado en la Tierra al que un niño decide ayudar a volver a su planeta, enfrentándose a un gobierno que se propone destruir todo aquello que no entiende o que escapa a su control. A pesar de ser nominada a varios Oscars, entre ellos mejor director y mejor película, no llegó a ganar ninguno. También contó con el favor del público “Cocoon” (Ron Howard, 1985), en la que unos ancianos rejuvenecen como por arte de magia gracias a los extraterrestres (seguro que más de uno querría que le pasara esto). En “Dune” (David Lynch, 1984), un joven debe sobrevivir en un desierto poblado de gusanos de arena, entre otras cosas, mientras prepara una venganza para recuperar su lugar en el planeta Arrakis. En “Abyss” (James Cameron, 1989), un grupo de la armada investiga el choque de un submarino con un objeto no identificado. Durante la misión establecen contacto con un ente que les vigila y les observa sin que sepan sus intenciones. También pudimos ver la película cuya criatura compitió con el Alien de Ridley Scott, “Depredador” (John McTiernan, 1987), en la cual un joven Arnold Schwarzenegger se las veía con un monstruo maquiavélico en la selva que va matando a todo su escuadrón. Dicho sea de paso, eswww.cinemascomics.com


Imagen de Independence Day (Roland Emmerich, 1996)

tas criaturas, aliens y depredadores, se juntarían luego, años más tarde, en una franquicia propia: “Alien vs Predator”. En 1986 volvió la gran criatura, y la teniente Ripley, en “Aliens: El regreso” continuación de la primera, dirigida por James Cameron, que devolvió al xenomorfo a nuestras vidas y de paso dotó de forma a todo un universo de conocimiento que habíamos adquirido con la primera entrega. Ya se sabe que una vez presentado el personaje en la primera entrega, la segunda te da manga ancha para desarrollarlo. Llegamos a la época de la gran expansión del género. Los 90 fueron clave para la supervivencia y la proliferación de los alienígenas. Durante estos años muchas fueron las producciones que se llevaron a cabo y que fueron muy bien acogidas tanto por parte del público como de la crítica. En 1994, en “Stargate”, Roland Emmerich nos mostró una puerta estelar a otro mundo en el que los alienígenas parecían los humanos, al ir a un planeta que no es el suyo, donde descubren que el origen de la humanidad ha podido estar en otro sitio diferente a la Tierra. Ese argumento se exploraría en las diferentes versiones que se han realizado de la película, tanto en series de televisión “Stargate: SG1”, o “Stargate: Atlantis” como www.cinemascomics.com

en sucesivas continuaciones en forma de películas que han ido directamente a la estantería del vídeo club: “Stargate: El continuo” o “Stargate: El arca de la verdad”. “Species”, de Roger Donaldson, nos cautivó con la actriz Natasha Henstridge, convertida aquí en una alienígena con ganas de perpetuar su especie y que escoge nuestro planeta para nutrirse de hombres que la ayuden en tal tarea. Algo que no es complicado debido a su excepcional belleza, salvo cuando la da por mostrar su verdadera cara, momento en el que es demasiado tarde para decir: “No, gracias”. También contó con varias secuelas, eso sí, perdiendo protagonistas por el camino. En 1996, Emmerich continuó su periplo extraterrestre con “Independence Day”, película que encumbró al actor Will Smith a su estatus de estrella, y que desplegó toda una serie de efectos visuales que serían marca de la casa del propio director en las sucesivas películas que realizara. En esta ocasión, nos veríamos las caras con una flota de aliens tecnológicamente más avanzados que nosotros y con una capacidad destructiva enorme, (muestra de ello es la secuencia de la destrucción de la Casa Blanca), que me lleva a cuestionarme algo tan

simple como, ¿por qué siempre que nos invaden empiezan por América? Si hay invasión…primero en América, que destruyen edificios…primero en América, que hay supervivientes… primero en América, que saben como destruirlos… primero en América, eso sí, si hay que ayudar a destruir lo que queda, para eso está el resto del mundo. Aceptémoslo; somos como un Watson para ese Sherlock Holmes que es el continente Americano. Pero eso es otra historia... Seguimos. Paul Verhoeven en 1997 nos mostró en su “Starship Troopers” unas brigadas del espacio que luchaban en diversos planetas invadidos por una especie de arañas sacadas de la radiación y unos gusanos enormes que no paraba de soltar gases luminosos por la parte de atrás. Algo que no pasó desapercibido para nadie que no pudo evitar hacer chistes sobre ello; yo también los hice. Eso no frenó las secuelas que salieron tiempo después, eso sí, directamente en dvd. Finalmente llegó “Contact” de Robert Zemeckis, que nos contaba la historia de una científica, interpretada por la siempre estupenda Jodie Foster, intentando descifrar las señales extraterrestres procedentes de la estrella Vega. Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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Avatar. (James Cameron 2009)

La década del 2000, nos deparó todo un entramado de géneros, subgéneros, remakes de películas y especies extraterrestres con diferentes temáticas e intenciones. Desde “Misión a Marte” de Brian De Palma en el 2000, con una tripulación encargada de rescatar a la primera expedición a Marte que ha desaparecido a “Inteligencia Artificial” en el 2001, de Steven Spielberg, en el que el niño de “Sexto sentido” inicia un viaje “pinochesco” para convertirse en humano. También le cogió el pulso a estas historias M.Night Shyamalan que en 2002 dirigió “Señales”, film en la que se explicaban los extraños dibujos aparecidos en los campos de maíz y se mostraba a una familia encabezada por Mel Gibson, un cura retirado, que hacía frente a algo más inexplicable que su propia fe. Algo de otro mundo. Steven Spielberg volvió en 2005 con un remake debajo del brazo, “La guerra de los mundos”, en la que nuevamente se volvía a medir con los extraterrestres, esta vez, con la ayuda de Tom Cruise que quiere salvar a sus hijos de la inminente amenaza de los alienígenas con tentáculos.

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Otro remake, “Invasión”, de Oliver Hirschbiegel en 2007, recreaba de nuevo los hechos mostrados en la película “La invasión de los ladrones de cuerpos”, esta vez con Nicole Kidman y Daniel Craig haciendo frente al ataque de estas “esporas” que nos controlaban y nos minaban los sentimientos. De nuevo otro remake, “Ultimátum a la Tierra”, de Scott Derrickson en 2008, con Keanu Reeves como un rejuvenecido Klaatu, el humanoide haciendo labores pacifistas en nuestro planeta y alertándonos de su inminente destrucción debido a nuestra falta de control sobre el mismo. En “Señales del futuro”, de Alex Proyas, Nicolas Cage se metió en la piel de un astrofísico que prevé el fin de los días, y cuya única preocupación es salvar a su hijo de unos extraños seres parecidos a los humanos que le persiguen. En “Distrito 9”, de Neil Blomkamp o cómo hacer una buena película de extraterrestres, con un presupuesto limitado, se nos contó una historia de inmigración y exclusión con tintes fantásticos. Algo no tocado con anterioridad en este tipo de género y que desde luego merece la pena visionar.

En el 2009, llegaría la esperada “Avatar”, de James Cameron o cómo vendernos un Titanic en el espacio exterior pero con criaturas azules y sin barco. Si algo se puede decir es que el señor Cameron es un visionario. No sólo por darnos un espectáculo visual de fauna y flora alienígena, sino por dárnosla además en 3D para poder disfrutarla todavía más. La película, prevista como una trilogía, se ha convertido en la más taquillera de la Historia, lo cual no hace sino confirmar lo que ya sabemos: la ciencia ficción vende. Y el espectáculo más. Y en el 2010, llegó la película “Skyline”, o cómo meter la pata creando un tráiler espectacular en el que unos aliens vienen a la Tierra y nos succionan en sus naves para utilizarnos de pilas de energía. Esta nueva década, empezando por el 2011, no se va a quedar atrás y nos ha dado y seguirá dándonos excelentes películas en las que los extraterrestres estén bien presentes. Muestra de ello son las cintas que nos han llegado en www.cinemascomics.com


Imagen de Super 8 (J.J. Abrams 2011)

lo que va de año: “Invasión a la Tierra”, de Jonathan Liebesman, en donde Los Ángeles es el último reducto de unos soldados para detener una invasión alienígena; “Soy el número cuatro”, de D.J Caruso, en el que unos seres medio humanos persiguen a un pequeño grupo de extraterrestres, con diversos poderes, de apariencia humana y afincados en la Tierra para matarlos. En la gamberra “Paul”, de Greg Mottola, un alien un poco peculiar y muy divertido, se las hace pasar canutas a los protagonistas poniéndoles en situaciones inverosímiles y embarazosas. La excelente “Super 8”, de J.J Abrams, cruce entre E.T y Los Goonies (no en vano su productor es Steven Spielberg) que ha cautivado a público y crítica por igual, que cuenta la historia de unos chavales que hacen lo que pueden para sobrevivir al ataque de un extraterrestre en su pequeño pueblo mientras filman una película. El próximo estreno que nos llega a las pantallas, “Cowboys & Aliens” de John Favreau, cuenta con un www.cinemascomics.com

Daniel Craig desmemoriado y un Harrison Ford ejerciendo la ley en el Lejano Oeste unidos para detener a una amenaza que nunca habían visto: unos aliens con muy mala leche y ganas de pelea. Y nos quedan más, muchas más por ver: “Apollo 18” con un director español en Hollywood mostrándonos por qué no hemos vuelto a la luna, el remake de “La cosa”, de John Carpenter, donde nos contarán qué es lo que pasa cuando descubres algo en el hielo de la Antártida que lleva dormido miles de años y no es humano; y “Extraterrestre”, de Nacho Vigalondo, o cómo el cine patrio va a responder a la llamada de la ciencia ficción, son sólo algunos ejemplos de lo que nos deparará este año que llevamos. ¿El año que viene? De momento, sólo sabemos que Ridley Scott volverá al género que tantos éxitos le dio con “Prometheus”, que tendrá el universo alienígena que creo en 1979 de punto central y

que a partir de ahí desarrollará una historia que seguro será buena y esperemos que original. Veremos “John Carter de Marte”, las aventuras de un hombre transportado a Marte para luchar contra una raza marciana y seguro que llegarán muchas más. Al final, el ser humano es curioso por naturaleza y quién sabe la de cosas que quedan por imaginar y crear, la de mundos y criaturas que están guardados en la mente de miles de personas. La imaginación no tiene límites, y poco a poco, el cine tampoco. Quién sabe, igual un día de estos, cuando se demuestre que hay vida inteligente en otro planeta y tengamos contacto con ellos nos digamos a nosotros mismos, “Hey, te pareces mucho a un alienígena de una película que he visto”...Puede que sea mejor que el tópico “Vengo en son de paz”. Por lo menos, rompe más el hielo.

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Estreno


La piel que habito

2 de septiembre

Desde que su mujer sufriera quemaduras en todo el cuerpo en un accidente de coche, el Doctor Robert Ledgard, eminente cirujano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivarla en su propio laboratorio, una piel sensible a las caricias, pero una auténtica coraza contra todas las agresiones, tanto externas como internas, de las que es víctima nuestro mayor órgano. Para lograrlo ha utilizado las posibilidades que proporciona la terapia celular.

Notas del director

Además de años de estudio y experimentación, Robert necesitaba una cobaya humana, un cómplice y ningún escrúpulo. Los escrúpulos nunca fueron un problema, no formaban parte de su carácter. Marilia, la mujer que se ocupó de él desde el día que nació, es su cómplice más fiel, nunca le fallará. Y respecto a la cobaya humana…

“La piel que habito” narra la historia de esa venganza.

Al cabo del año desaparecen de sus casas decenas de jóvenes de ambos sexos, en muchos casos por voluntad propia. Uno de estos jóvenes acaba compartiendo con Robert y Marilia la espléndida mansión, El Cigarral. Y lo hace contra su voluntad…

Hay procesos irreversibles, caminos sin retorno, viajes sólo de ida. “La piel que habito” cuenta la historia de uno de estos procesos. La protagonista recorre involuntariamente uno de esos caminos, es obligada violentamente a emprender un viaje del que no puede regresar. Su kafkiana historia corresponde al dictado de una condena cuyo jurado está compuesto por una sola persona, su peor enemigo. El veredicto, por lo tanto, no es sino una forma de venganza extrema.

Las primeras imágenes de la película muestran una mansión rodeada de árboles, un lugar idílico. Se llama “El Cigarral” y está protegido por una muralla y una alta puerta con rejas. A través de una de las ventanas de la mansión, también enrejada, vislumbramos una figura femenina en movimiento. Una vez dentro de la habitación, la mujer parece estar desnuda mientras lleva a cabo unas complicadas posturas de yoga; en los planos cortos descubrimos que está totalmente cubierta por un body color carne, pegado al cuerpo como una segunda piel. En la


cocina, Marilia, el ama de llaves, le prepara el desayuno que después le envía en un torno que se abre directamente en el interior de la habitación. Desde el principio El Cigarral se muestra como una cárcel en medio de la naturaleza. Un lugar aislado e inaccesible a la mirada exterior. Las primeras acciones que nos muestran a Vera, la mujer cautiva concentrada en sus posturas de yoga, y a Marilia, su carcelera, resultan extrañamente cotidianas, exentas de tensión. Pero no siempre la vida en El Cigarral fue tan apacible.

identidad y su invulnerabilidad es otro de los temas de la película). De todos modos, es una pérdida terrible, algo atroz. Ésta es sólo una de tantas pérdidas que sitúan a Vera al borde de la muerte, por voluntad propia o en el quirófano, a manos del Dr. Robert. Pero ella es una superviviente nata y, después de muchas vicisitudes, decide que “debe aprender a vivir dentro de la piel que habita”, aunque sea una piel impuesta por el Dr. Robert. Una vez aceptada su segunda piel, Vera toma la segunda decisión más importante para sobrevivir: saber esperar.

En los seis años de reclusión obligada, Vera ha perdido, entre otros, el miembro más extenso del cuerpo humano, la propia piel. Literalmente se ha dejado la piel en el camino.

Elías Canetti, en sus notas sobre “El enemigo de la muerte” (un título que define muy bien la actitud de Vera frente a la vida) del “Libro de los muertos”, escribe: “… el ininterrumpido ir y venir del tigre ante los barrotes de su jaula para que no se le escape el único y brevísimo instante de la salvación”.

La piel es la frontera que nos separa de los demás, determina la raza a la que pertenecemos, refleja nuestras raíces, ya sean biológicas o geográficas. Muchas veces refleja los estados del alma, pero la piel no es el alma. Aunque Vera haya cambiado de piel, no ha perdido con ella su identidad. (La

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Curiosamente, ese breve instante al que alude Canetti le llega a Vera en forma de tigre, mejor dicho, de hombre disfrazado de tigre. Un día de carnaval, un

hombre disfrazado de tigre se las ingenia para llegar hasta la puerta cerrada de la habitación donde vive Vera cautiva. Este hecho rompe el impasse en el que viven los tres personajes que habitan en El Cigarral. Paradójicamente a los usos del Carnaval, éste es el momento en que los personajes se despojan de sus máscaras y la tragedia final proyecta su negra sombra sin que ninguno de ellos pueda hacer nada para evitarla. Una historia de estas características me hacía pensar en Luis Buñuel, Alfred Hitchcock, todos los Fritz Lang (desde el gótico al noir). Pensé también en la estética pop del terror de la Hammer, o en el más psicodélico y kitsch del giallo italiano (Dario Argento, Mario Bava, Umberto Lenzi…). El lirismo de Georges Franju en “Los ojos sin rostro” también me vino a la memoria. Después de valorar todas estas referencias me di cuenta de que ninguna de ellas se ajustaba a lo que yo necesitaba para “La piel que habito”. Así que decidí tomar mi propio camino y dejarme arrastrar por la inwww.cinemascomics.com


tuición, al fin y al cabo es lo que siempre he hecho. Sin la sombra de los maestros del género (entre otras razones porque no sé a qué género pertenece esta película) y renunciando a mi propia memoria cinematográfica; sólo sabía que la narración debía ser austera y sobria, exenta de retórica visual y nada gore, aunque en las elipsis que no vemos se haya derramado mucha sangre. www.cinemascomics.com

Me han acompañado en esta travesía José Luis Alcaine, el director de fotografía, al que no le expliqué lo que quería sino lo que no quería, y él ha sabido proporcionar a la foto la densidad, el brillo y la oscuridad que más le convenían. El músico Alberto Iglesias, el único artista que conozco sin ego, incansable, versátil, paciente, capaz de buscar en una dirección para después buscar en la dirección opuesta si yo no es-

taba satisfecho, siempre supeditado al dictado de la historia y de mi modo de sentirla. Y unos actores generosos y precisos, a pesar de la incomodidad evidente de algunas de sus escenas. Los nombro a todos: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, Roberto Álamo, Blanca Suárez, Eduard Fernández, Susi Sánchez, Bárbara Lennie y José Luis Gómez. Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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Estreno

Noche de Miedo 9 de septiembre

¿Qué ocurre cuando el mal merodea en el cuarto de al lado y nadie te cree? Cuando el adolescente Charley Brewster no encuentra a nadie que lo escuche –ni siquiera su madre o su novia- decide que ha llegado el momento de deshacerse por cuenta propia de la amenaza que aterroriza su pacífico vecindario del extraradio. Este verano, la terrorífica y divertida película de DreamWorks Pictures NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) les pondrá los pelos de punta. Charley (Anton Yelchin) es uno de los estudiantes más populares y

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novio de la chica más guapa del instituto. De hecho, se siente tan importante que ha comenzado a dejar de lado a su mejor amigo Ed (Christopher Mintz-Plasse). Pero las cosas se complican cuando Jerry (Colin Farrell) se muda al lado de su casa. Al principio, su nuevo vecino parece genial, pero con el paso del tiempo, algo en su comportamiento resulta raro. Desafortunadamente, nadie, ni siquiera la madre de Charley (Toni Collette), parece notarlo. Después de observar que en la casa de al lado pasan cosas extrañas, Charley llega a una ineludible conclusión: Jerry es un

vampiro que se sirve del vecindario para cazar sus presas. Ante la incredulidad de los demás, el protagonista acude al reconocido ilusionista de Las Vegas Peter Vincent (David Tennant) para que lo ayude y guíe antes de tomar el tema en sus propias manos y así deshacerse del monstruo. NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) está dirigida por Craig Gillespie y producida por Michael De Luca y Alison Rosenzweig; cuenta además con la producción ejecutiva de Ray Angelic, Josh Bratman, Michael Gaeta y Lloyd Miller. El guión es de Marti Noxon, basado en una historia de Tom Holland y www.cinemascomics.com


en el film original NOCHE DE MIEDO. Dada la actual fascinación sociocultural por los vampiros, el momento parecía perfecto para un hacer un remake de NOCHE DE MIEDO, el amado clásico de terror estrenado en 1985. Tal como señalan la productora Alison Rosenzweig y el productor ejecutivo Michael Gaeta –grandes fanáticos del horror, de las películas de vampiros y de ésta en particular-: “Hacía dos años que intentábamos conseguir los derechos de esta película. Cuando nos dimos cuenta de que estarían disponibles, ¡nos abalanzamos sobre ellos!”. El dúo www.cinemascomics.com

inmediatamente llevó el proyecto a Michael De Luca (Red social, El vengador), otro aficionado del género e ingenioso creador que reconoció muy rápidamente la relevancia del material. De Luca, Gaeta y Rosenzweig presentaron la idea en DreamWorks y, a partir de allí, las cosas empezaron a moverse muy rápido. “DreamWorks realmente respondió al concepto y también ellos eran fans del film original”, dice De Luca. De Luca es un reconocido productor que cuenta con una envidiable lista de éxitos cinematográficos y una reputación impecable. Con

entusiasmo, Rosenzweig comenta “Para mí, no hay mejor productor que Michael de Luca. Conoce el género mejor que nadie y tiene una increíble memoria fotográfica, especialmente para los detalles más imperceptibles. Tengo un enorme respeto por eso. Estamos muy orgullosos de que haya aceptado trabajar con nosotros y lo adoramos. No sólo es un productor extraordinario: también es una persona maravillosa”. Uno de los aspectos de la película que interpela directamente al equipo de producción tiene que ver con que NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) también cuenta Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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la historia de un hombre joven que se está convirtiendo en adulto. “El asunto del ciclo vital da lugar a una identificación necesaria”, dice el productor ejecutivo Gaeta. “El viaje de Charley, desde la adolescencia hasta la madurez e incluso el heroísmo, logra una resonancia en todos los espectadores, porque todos hemos pasado por ese proceso. No sólo vemos cómo un niño se transforma en un adulto, sino también cómo descubre quién es él y, sobre todo, quién desea ser”. “Charley era un geek pero se lo niega a sí mismo constantemente”, Rosenzweig concuerda con Gaeta. “Evita a sus viejos amigos e intenta incorporarse al grupo de los estudiantes populares. Charley se convertirá en un hombre cuando enfrente al vampiro e intente derrotarlo”. La adolescencia es una encrucijada. Es el momento en el que empezamos a definir quiénes somos realmente. “Charley está confundido, no sabe si las elecciones de sus amistades son correctas, está tratando de entender la relación con su madre, de entender un poco más todo”, dice Craig Gilles-

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pie (Lars y la chica real y “United States of Tara”). “Curiosamente, el vampiro lo ayudará a ver todo con más claridad y le mostrará qué es importante en la vida”. NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT): TÁCTICAS PARA ATEMORIZAR “El desafío con las películas de vampiros – porque ha habido una gran cantidad de películas de vampiros en la historia de Hollywood – está en poder agregar algo original, en añadir una marca distintiva a ese género que ha sido profundamente trabajado durante siglos”, señala el productor Michael De Luca. La respuesta, por supuesto, comienza con el guión. La idea de una buena historia siempre atrae a guionistas creativos capaces de usar su imaginación para darle vida a ese concepto. La productora Rosenzweig dice: “NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) es uno de esos títulos más populares entre la gente que ama el terror, por ello recibimos muchas llamadas de excelentes guionistas y agentes, buscando sumarse al proyecto”.

Entre todos estos escritores se encontraba la guionista Marti Noxon, mejor conocida por su enorme éxito como guionista y productora de la serie de televisión “Buffy la cazavampiros”, entre otros programas y largometrajes. De Luca recuerda: “El agente de Marti Noxon nos sugirió que ella era una excelente candidata para el puesto de guionista, y pensamos ‘muy bien, pero ella ya estuvo demasiado involucrada con el asunto de los vampiros en ‘Buffy’, así que probablemente no le interese nuestra propuesta’. Afortunadamente, nos equivocábamos. Marti se reunió con nosotros y entendió enseguida la historia que queríamos filmar”. Noxon comprende que, incluso en la vida real, hay situaciones que pueden pasar de ser profundamente oscuras a ser ligeras y divertidas. Ése era el concepto de NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) que los creadores, los productores y Marti Noxon estaban buscando. Como dice el productor ejecutivo Gaeta: “Creo que cuando el público vea el resultado de la imaginación de Marti encontrarán muchas cosas temibles y oscuras, www.cinemascomics.com


pero también cosas hermosas y maravillosas. Tiene una enorme capacidad y ha logrado dar con el tono de la historia, con la importancia de la relación entre los personajes. Le ha añadido al guión la profundidad emocional justa, es muy buena conductora de los elementos dramáticos. Fue muy divertido ver el trabajo que hizo con su interpretación de NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT)”. Los realizadores supieron desde el comienzo que deseaban mantener la historia básica y ese delicado balance entre comedia y terror que posee el film original. “Lo que más me gustó del guión es que contiene ciertos momentos horripilantes y otros muy humanos”, comenta el director. “No se trataba simplemente de una película lineal. Y Marti se las ingenió para balancear perfectamente el suspenso, el humor y el horror”. Pero dejando de lado el humor y los momentos emotivos, el elemento terrorífico de NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) no debe ser minimizado. Este vampiro no está compungido ni enfermo de

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amor: es un depredador insaciable e imparable, como el tiburón de Tiburón. Marti Noxon explica: “En un momento en el que los vampiros son parte central del interés de los espectadores de cine y TV, parte del impacto y del misterio que los rodeaba se ha ido. Hay un nuevo vampiro romántico que prevalece en la cultura en estos días. Nosotros nos alejamos de ese concepto. Creo que nos mantuvimos muy fieles al espíritu de la película original”, concluye. Colin Farrell añade: “No hay inclinaciones románticas. Este vampiro es un asesino. Tiene más de cuatrocientos años. Probablemente esté un poco aburrido, pero se alimenta. Simplemente se alimenta. Y sobrevive”. EL ELENCO: VAMPIROS, VÍCTIMAS Y HÉROES Con el éxito logrado como director del largometraje Lars y la chica real y de la serie original de Showtime “United States

of Tara”, no había duda de que Craig Gillespie aportaría su integridad como realizador a NOCHE DE MIEDO(FRIGHT NIGHT). Tras leer el guión creado por Noxon, Gillespie no podía dejar de pensar en la película. Estaba entusiasmado y listo para involucrarse por completo en el proyecto. “En ese momento no estaba buscando una película de vampiros para dirigir, pero el guión estaba tan bien escrito que me cautivó totalmente”, afirma. Colin Farrell (Última llamada, Triage, Camino a la libertad), quien interpreta el papel de Jerry, el vampiro, admite que al principio se sintió algo escéptico acerca de hacer una remake de este clásico debido a su enorme aprecio por la versión original. “Tenía 11 o 12 años de edad la primera vez que vi NOCHE DE MIEDO”, recuerda el actor. “No quisiera decir que es una película ‘sagrada’”, afirma con ironía, “pero en cierto sentido es perfecta en su propio estilo”. “Así que me sentí frustrado cuando leí el guión de Marti”, continúa, mientras guiña

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un ojo. “¡Era tan bueno que realmente alimentó mis ganas de sumarme al proyecto! Tal como la original, parecía seguir a la vez la línea del horror y la de la comedia con ese humor particular, en tono de burla”. El elenco en su totalidad parece salido de una hipotética lista de ‘actores soñados’, comenzando por Farrell, quien fue desde el primer momento la elección de los realizadores para interpretar a Jerry, el añejo vampiro. “Me entusiasmo mucho poder sumarlo al proyecto”, cuenta el director, acerca de contar con Farrell para interpretar el complejo rol protagónico. “No podía pensar en alguien más perfecto que él. Jerry tiene una personalidad increíblemente carismática pero, a la vez, hay algo siniestro en su aspecto. Para mí, Colin podía encarnar ambas cualidades a la perfección”. Colin Farrell, delirado por sus colmillos de vampiro, dice: “Cuando conocí a Craig estaba muy entusiasmado y tenía una idea muy clara de cómo quería contar esta

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historia. Quiero decir que no tuve que pensar mucho si quería formar parte del film. Fue una decisión realmente fácil”. Con grandes largometrajes en su haber, como Star Trek y Terminator – La salvación, Anton Yelchin fue elegido para el especial rol de Charley, el adolescente que confronta con la fuerza del mal corporizada en su vecino de al lado. Yelchin también era la primera elección de los realizadores para este papel, a causa de sus habilidades histriónicas para crear personajes ricos, de complejas y completas personalidades. Yelchin se entusiasmó con la convocatoria para interpretar a Charley. “Me gustaron las relaciones que hay en esta historia”, explica. “Charley versus Jerry; Charley y su novia, a quien debe proteger; Charley y el amigo a quien ha rechazado; todos son elementos muy interesantes. Con Craig Gillespie a la cabeza, llegamos a desarrollar todos los matices de esas relaciones”.

Otro de los vínculos de Charley en la historia es con su mamá, Jane. El papel fue para Toni Collette, quien ya había trabajado con el director en la serie “United States of Tara”. Reflexionando acerca de ello, la actriz señala: “Adoro trabajar con Craig Gillespie. Cuando me ofrecieron este film, pensé que si era otro director quien estaba al frente, no sé qué hubiese contestado. ¡Confío en él tan plenamente! Creo que hará la película aún más tenebrosa por su sentido de la realidad y su gran honestidad. Lamentablemente – agrega con nostalgia y humor- a mí nunca me ofrecen el papel del vampiro o de la chica seducida por uno de ellos”. La admiración mutua entre Collette y Gillespie es evidente. El director le rinde similar tributo a su amiga y colega: “Tenía muchas ganas de conseguir a Toni para este papel”, dice. “Tiene la maravillosa capacidad de fusionar el humor y la tragedia, algo que es difícil de lograr, y ella lo hace de un modo hermoso. Además, el fuerte lazo que se establece enwww.cinemascomics.com


tre Toni y Anton es insoslayable, eso facilitó mucho mi trabajo”. El papel de Peter Vincent, el mago e ilusionista de Las Vegas a quien Charley acude en busca de ayuda, fue para David Tennant (“Dr. Who”, Harry Potter y el cáliz de fuego), un muy formado actor británico cuya actuación en la serie “Dr. Who”, de la BBC, le valió el reconocimiento del público. “Nos encantó firmar a David Tennant para este rol”, asegura Gillespie. “Él no ha actuado mucho en Estados Unidos y ésta será una gran plataforma en su carrera. Tiene excelentes dotes como comediante y también posee formación dramática”. Tennant define la historia como una mezcla entre esas antiguas películas de monstruos y la sensibilidad del siglo XXI. “Los vampiros en el film son de esos bien tradicionales, capaces de cortarte la cabeza y de hacer que cualquiera salga huyendo despavorido al verlos. Me gusta eso”, dice. Acerca de Peter Vincent, Tennant comenta: “Este personaje es sencillamente delicioso. Está arriba del escenario, montando un espectáculo impresionante, que es ligeramente absurdo y que, al mismo tiempo, tiene sus raíces en el tipo de show de magia que uno podría encontrarse en Las Vegas. Y mientras está arriba del escenario su vida parece estrafalaria y expansiva, pero cuando se saca la peluca se convierte en personaje lastimero, pequeño y amargado. Es magnífico interpretar un personaje que se mueve entre esos dos límites y llega a realizar cosas extremas y extraordinarias”. Encontrar a la actriz perfecta para interpretar a Amy, la hermosa y popular novia del protagonista, tomó un tiempo. Después de buscar aquí y allá, los realizadores finalmente hallaron la perfecta mezcla de juventud, belleza y algo de inocencia con grandes habilidades actorales en la acwww.cinemascomics.com

triz británica Imogen Poots (Jane Eyre, Waking Madison). “Cuando leí el guión por primera vez me encantó esa real combinación de terror y humor”, afirma Poots. “No es simplemente un film de horror; tiene mucha personalidad. La relación entre Amy y Charley es muy dulce. La historia se desarrolla y, obviamente, ambos están implicados en esta aventura. Creo que se trata acerca de lo que aprenden uno del otro y de la situación en sí”, afirma. De Luca agrega: “Imogen le brin-

da un rostro fresco y una personalidad efervescente a la primera parte del film, donde las cosas son luminosas y amables antes de sumirse en la oscuridad absoluta. Pero de ningún modo es una damisela en apuros. En la segunda parte, lucha codo a codo con Charley. Hacen una pareja memorable”. Ed, quién después será conocido como Evil Ed, es el amigo de la infancia traicionado y segregado por Charley. El personaje es tan icónico para los fans de la película original que los realizadores sintieron que necesitaban una Cinemascomics │Septiembre 2011 │ 53


nueva versión, que rindiera tributo a su predecesor aunque sin imitarlo. Así, eligieron a Christopher Mintz-Plasse (Super Cool, Kick Ass: Un superhéroe sin súper poderes) para el papel. “Aunque sea la remake de una película tan popular, es novedosa y alucinante porque Craig, nuestro director, mantiene la vibración espeluznante, misteriosa y escalofriante de la versión original”, se entusiasma Mintz-Plasse. “Y Marti Noxon, la guionista, hizo un trabajo increíble. Logró llegar al fondo de las relaciones entre los personajes. A diferencia de otros films de vampiros, en donde hay más de cincuenta criaturas que pueden caminar a plena luz del día y brillar con ella en vez de prenderse fuego y desintegrarse, nuestro film tiene un único vampiro. Es muy sencillo: no tiene reflejo, las cruces lo destruyen, las estacas en el corazón y la luz del día lo desintegran. Es genial”. “Sabía que Christopher sería capaz de expresar todo el humor que contiene su papel”, apunta Gillespie. “Aunque lo que más me impresionó de él es la historia emotiva por la que está atravesando y cómo logra transmitirlo

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en la pantalla. Eso es lo que hace que el público quiera verlo a lo largo de toda la película”.

cinematográfica. Era el indicado para trabajar con Gillespie en NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT).

EL HORROR... DIRECTO Y PERSONAL

¿En qué consiste el trabajo de un estereógrafo en la creación de una experiencia 3D? Penner describe su trabajo: “Me encargo de controlar la profundidad del espacio 3D utilizado y dónde se colocará. Esto se logra utilizando una plataforma 3D que es una combinación de dos cámaras o dos sensores, y dos sets ópticos que trabajan simultáneamente y en sincronía registrando dos puntos diferentes a la vez, tal como el ojo humano”.

Los films 3D han alcanzado la madurez. Ya no se trata de simples artimañas visuales. Hoy, las distintas técnicas permiten que el público experimente las imágenes de un modo más sutil, a través de la incorporación de una capa dimensional. En NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT), los espectadores sentirán una inmersión absoluta en los momentos más terroríficos. “Las películas de terror son todas acerca del miedo y de cómo éste se construye”, afirma Michael De Luca, quien ha producido varias películas realizadas en 3D. “El uso de la tridimensión aquí ayuda a la audiencia a meterse en la escena y acompañar el miedo que sienten los personajes cuando llega algo terrorífico”. Una de las autoridades indiscutidas en el mundo de la tecnología 3D es Max Penner, que comenzó a trabajar con esta técnica hace 20 años. No sólo es un pionero, sino que es uno de los estereógrafos más reconocidos de la industria

En colaboración con el director, Penner utilizó su conocimiento para crear imaginarios 3D, que en ciertos casos resulta muy sutil pero sirve para reforzar los momentos más emotivos. “Los controles remotos estereográficos permiten modificar la geometría de la plataforma 3D y crear una experiencia dimensionalmente distinta”, explica. “Esto es nuevo, hace algunos años no teníamos esta posibilidad; pero los controles y la formación digital de imágenes permite crear ambientes más dinámicos, receptivos e inmediatos”. www.cinemascomics.com


Para NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT), Penner y Gillespie discutieron en profundidad el punto de vista que había que adoptar para el film. Gillespie apunta: “La tridimensión hace sentir que uno forma parte del universo que está mirando. Hemos logrado que el público viaje a través de ese espacio. No les recordamos constantemente que están viendo 3D, pero le damos otra profundidad a la escena”. “Estamos creando nuevas técnicas y modos de explorar el 3D que son realmente interesantes”, dice Peter, en la misma línea de pensamiento que el director. “En general, trabajo en colaboración con los directores y los directores de fotografía para expandir los límites de este horizonte creativo y técnico”. Christopher Mintz-Plasse agrega: “¡Esto es 3D real! No es uno de esos films en los que el efecto se transfiere luego de haber filmado en 2D. El 3D fluye por todos lados”. MAQUILLAJE SFX: AGREGANDOLE MIEDO A NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) El maquillaje de NOCHE DE MIEDO

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(FRIGHT NIGHT) es esencial para la experiencia. Gillespie no sólo buscaba que el maquillaje fuera abundante y maravilloso, sino que también quería guardar cierta relación con la película original. Los especialistas en maquillaje Howard Berger (Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario, Kill Bill) y Greg Nicotero (La ciudad del pecado, “The Walking Dead”), de KNB Effects Group, son héroes para los fanáticos del género gracias a sus maquillajes y efectos ganadores del premio Oscar®®. A ellos se les encomendó la misión de transformar a la versión seductora de Colin Farrell como Jerry en un vampiro salvaje y vicioso. NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) no hubiese podido estar en mejores manos. “Fue una oportunidad para que KNB reviviera un film que tanto Greg como yo hemos adorado desde siempre”, dice Berger. “Vimos el film cuando se estrenó, en los 80, y aún hoy la miramos con cariño. Nos enfrentamos a un gran desafío: debimos trabajar a partir de un film de culto y preservar la esencia que lo hizo tan enorme y, al mismo tiempo, actualizar la narración a partir de los efectos

visuales. Utilizamos una combinación de efectos de maquillaje reforzados con efectos digitales para ofrecerle al público algo que nunca hubiera visto en un cuento de vampiros. Es la fusión justa de las dos técnicas, un truco de magia moderno”. Según Berger y Nicotero, el trabajo consistió en lograr creaciones realistas, por ese motivo utilizaron materiales prostéticos de silicona transparente. Querían que las pieles de los vampiros tuvieran una calidad carnosa específica. “Necesitábamos ver más allá de las capas de piel de los vampiros, observar cómo la sangre negra circulaba por sus venas, de modo cada vez más veloz ante la emoción de la muerte”, explica Nicotero. “Craig Gillespie nos dio mucha libertad de acción, pero estuvo involucrado 100% en cada decisión que tomábamos”, agrega Berger. “Tiene un gran respeto por la versión original y quería mantener esa esencia viva, conservando una determinada línea estética que no se alejara demasiado del universo de los 80. Nos encanta trabajar con Craig. Disfrutamos de su energía y su forma de mi-

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rar las cosas. Es un gran narrador. Además, logró incorporar algo que muchos otros films del género no consiguen: una importante dosis de humanidad”. Berger y Nicotero descubrieron que muchas cosas debían ser diferentes a causa del proceso 3D. “El equipo de Paradise Effects nos facilitó la tarea”, dice Berger. “Debíamos tener mucho cuidado con la aplicación del maquillaje; en 3D-HD todo se muestra en sumo detalle, por eso debíamos arreglar manualmente, uno a uno, los pelos de las pelucas y las cejas. Pasamos horas peinando detenidamente las cejas de Colin y Christopher”. Para el personaje vampiro que interpreta Farrell, Jerry, Berger y Nicotero diseñaron seis etapas distintas de maquillaje con prostético: lentes de contacto, dentaduras, orejas, manos y máscaras completas. Berger dice: “Craig Gillespie nos dijo que él realmente quería algo grandioso. Así que fue una enorme diversión para nosotros”. Los realizadores deseaban que las trasformaciones de Jerry fuesen acordes a las situaciones que atravesaba. A medida que su ira

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aumenta, sus rasgos físicos son cada vez más demoníacos. Sutiles al principio, infernales al final. “Es maravilloso poder trabajar con Howard y Greg, que tienen una vasta experiencia en maquillaje cinematográfico”, dice Gillespie. “Ésta fue mi primera experiencia, de modo que su guía fue muy valiosa. En las primeras reuniones hablamos sobre los motivos que generaban las transformaciones en Jerry, y cómo la adrenalina afectaba su apariencia. Así que, inicialmente discutimos puntos de vista puramente filosóficos”. El dúo de maquilladores asegura que conseguir el maquillaje adecuado para Colin Farrell fue una tarea ardua. “No es fácil con un actor como Colin, porque de golpe te encuentras trabajando con uno de los seres humanos más apuestos del planeta y necesitas transformarlo en un asesino seductor y al mismo tiempo horrible”, asegura Nicotero. “Sabíamos que debíamos crear distintas etapas y que todas debían ser geniales, manteniendo el semblante de Colin. NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) es uno de los mejores films de horror y comedia

de la historia. Una de nuestras tareas más importantes consistía en convencer al público de que Colin era un personaje seguro y, al final, invertir esa situación y asustarlos espantosamente”. Farrell debió lucir las seis etapas diferentes de maquillajes de vampiro de Jerry. “Eso es algo bastante inusual entre los actores”, dice Berger, “Pero Colin es un soldado y creo que vivió todo el proceso como si fuese Noche de Brujas todos los días. Además de ser uno de los actores que más me gusta maquillar, es una gran persona”. Las distintas etapas que Jerry tuvo que atravesar fueron una experiencia que Farrell disfrutó mucho, especialmente por la maestría del equipo de maquillaje. Con evidente entusiasmo, el actor dice: “Hicieron un trabajo maravilloso. Son artistas muy talentosos, ganadores del Oscar®, y además, son muy divertidos. Las jornadas eran largas, pero todo fue increíble desde el principio”. “¡Trabajar con los actores de la película me produjo una enorme alegría!”, enfatiza Berger. “Colin Farrell es el mejor de los mejores. El último día fue muy triste, www.cinemascomics.com


no sabía cuándo lo iba a volver a ver, todos los días eran extraordinariamente divertidos con él. Christopher Mintz-Plasse es maravilloso y le dio vida al maquillaje de Evil Ed. Utilizó todos los elementos que le brindamos de un modo impecable, ¡es una estrella!”. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: CONQUISTANDO LAS VEGAS Uno de los principales objetivos de Craig Gillespie fue que el público sintiera la autenticidad de lo que estaba viendo. Por ejemplo, era muy importante que los espectadores realmente experimentaran la sensación de habitar una comunidad en las afueras del desierto de Las Vegas, o de visitar el terrorífico santuario privado de un vampiro. Este arduo trabajo creativo quedó a cargo del reconocido diseñador de producción Richard Bridgland Fitzgerald (El sicario de Dios, RocknRolla), que aceptó la oportunidad de crear un estilo imaginativo para NOCHE DE MIEDO (FRIGHT

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NIGHT) . Fitzgerald buscaba que su diseño de producción lograra el balance adecuado entre comedia y horror. “Queríamos que el diseño no se centrara exclusivamente ni en la comedia ni en el horror”, dice Fitzgerald. “Gran parte de la comedia de este film es muy sutil – lo que llamo ‘la comedia de la gente’ –, no tiene grandes pases cómicos. De modo que todo lo que creamos en el mundo periférico debía mimetizarse con el escenario general. Sin embargo, cuando fuimos hacia Las Vegas, e ingresamos en el escenario del ilusionista Peter Vincent, tuve mi oportunidad para ser descarado y mostrar el maravilloso espacio en el que ensaya sus espectáculos”. El director Gillespie dice: “Peter Vincent es el experto en vampiros del film. Es un mago en las Vegas que convive con toda la mitología de los vampiros, y es un personaje que se desprecia a sí mismo, auto-destructivo”. Fitzgerald imaginó a Peter Vin-

cent como un hombre que, quizás 15 años atrás, había sido un gran éxito en Las Vegas. Pero, lentamente, su carrera y también su vida han ido en declive, hasta quedar al borde del abismo. Solía tener una enorme cantidad de dinero, pero probablemente se lo gastó todo en la construcción de aquel magnífico penthouse. “Quise darle a su espacio un estilo retro”, dice Fitzgerald acerca de la especie de casa-museo en la que vive Vincent. “Creo que su espectáculo ha invadido hasta tal punto su vida real que su mismo hogar luce como una extensión del escenario”. Otro espacio que supuso un desafío para Fitzgerald y funcionó como catalizador de su imaginación y creatividad fue la guarida de Jerry, en el sótano de su hogar en los suburbios de Las Vegas. Ese espacio funciona como la cripta y el comedor del vampiro, pero también como el santuario privado en el que encierra a sus víctimas. Fitzgerald recuerda haber consultado a Gillespie y haberle

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sugerido que ése era el lugar que podía brindar alguna información sobre la historia de Jerry y mostrar lo viejo que es. “Decidí que la bóveda de Jerry debía tener un estilo medieval. Cuando duerme, durante el día, la pone sobre su cripta, y cada vez que se mueve la lleva consigo”. UTILERÍA: EL ARSENAL DE LOS CAZA VAMPIROS La versión original de NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) ocupa un lugar muy especial en las mentes y los corazones de los fanáticos de los films de terror en todo el mundo, por ese motivo, Gillespie y los demás realizadores quisieron rendirle tributo a aquel trabajo fundacional. Al material inicial se le agregaron ciertos elementos que los fanáticos no dejarán de notar y disfrutar. Uno de los homenajes a la versión original consiste en que la mandíbula de Jerry se disloca para mostrar líneas y líneas de dientes, similares a las de un tiburón. Gillespie dice una de las escenas

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incluida en su película, en la que Jerry muerde una manzana, fue “muy paradigmática en la versión original”. Luego agrega: “Habrá algunos elementos de la primera versión y muy probablemente aparezca alguno de los personajes de la mítica NOCHE DE MIEDO”. Las distintas armas que utilizan los héroes Charley y Amy a lo largo de la persecución de Jerry por el penthouse-museo de Peter Vincent fueron creadas por el diseñador de producción Fitzgerald y Ben Lowney, el maestro de la utilería. “Ben ha estado trabajando sobre los distintos tipos de estacas durante meses”, dice Fitzgerald con admiración. “Esculpió la estaca St. Michael en madera y hueso y le colocó una cobertura de metal en la parte superior. Tomamos algunas de nuestras ideas de los relicarios católicos, que son, francamente, obras de arte”. Ben Lowney, que es uno de los maestros utileros más solicitados de Hollywood, explica que la idea de trabajar en NOCHE DE MIEDO

(FRIGHT NIGHT) lo entusiasmó especialmente porque le ofrecía la posibilidad de incorporar su pasión personal por la escultura y la orfebrería para producir muchas de las piezas de utilería. Por ese motivo, el trabajo en el film le pareció tan fascinante como divertido. Lowney admite que la estaca de hueso fue su pieza preferida – pero también la más complicada –. “Lo peor de todo el proceso fue que después de cortar el hueso quedaba un olor tan nauseabundo que debía abandonar de inmediato el lugar en el que estaba trabajando”. Afortunadamente, Lowney sobrevivió la experiencia y logró darle un sentido aún más profundo a la pieza. Explica que agregó en la cobertura de metal una inscripción críptica en griego y latín antiguos. Lowney explica: “Me estoy guardando el significado de las palabras para mí mismo y, en cierto punto, esperando a que alguien disminuya la velocidad de la película y averigüe qué quieren

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decir las palabras que inscribí en la estaca”. Lowney también fue el responsable de crear el crucifijo que el personaje de David Tennant guarda en un armario y finalmente utiliza para alejar a Evil Ed. “Debía lucir antiguo y un poco erosionado, de modo que lo remojé en ácido durante una semana. Después de eso, lucía exactamente igual a las piezas romanas del British Museum”. Lowney también debió fabricar varios de los crucifijos de madera más importantes del film. El maestro utilero explica, “Aunque no lo crean, me resultó realmente difícil encontrar cruces de madera bonitas. Busqué por todos lados, pero ahora sólo fabrican cruces de plástico, elementos muy poco estéticos”. Cuando una estaca de madera, o un chorro de agua bendita, o una cruz de madera encendida no logran derrotar a un vampiro, muy probablemente tampoco tenga ningún sentido utilizar a un arma de fuego. Pero no necesitan explicarle nada www.cinemascomics.com

de esto a la novia de Charley, Amy. Para crear su revólver, Lowney utilizó un arma antigua, le agregó un mango perlado para darle más personalidad y lo convirtió en una perfecta réplica del arma que el General George S. Patton utilizó para luchar en la Segunda Guerra Mundial. Anton Yelchin agrega con perspicacia: “No puedes obtener una buena película de vampiros si no hay estacas y ataúdes, y creo que esta película logra mejorar las armas de lucha contra los vampiros sin perder el foco – desde pistolas que disparan estacas hasta elaborados crucifijos. Y es realmente genial. Es muy divertido jugar con todos esos aparatos”. DISEÑO DE VESTUARIO: EL VAMPIRO MEJOR VESTIDO Hace mucho tiempo que la diseñadora de vestuario Susan Matheson (Atracción peligrosa, Sólo para parejas) había decidido que, en cuanto se diera la oportunidad, ella trabajaría junto con Craig Gillespie, de modo que recibió con mucho entusiasmo y alegría la propuesta de formar parte del equipo de NOCHE DE MIEDO

(FRIGHT NIGHT) . Como explica la reconocida diseñadora, “Craig tiene un estilo muy particular y reconocible, y aunque simultáneamente me habían ofrecido otro trabajo, NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) era lo único que me interesaba”. La principal tarea de Matheson consistió en crear un look fresco para la nueva versión del film sin dejar de lado el estilo original de los personajes. Ella recuerda que fue muy importante tanto para Gillespie como para ella misma mantener el color crema del vestido de Amy en la segunda parte del film. “Fue un elemento icónico de la NOCHE DE MIEDO original”, asegura. “Inicialmente, el vestido debía ser una prenda que pudiese haber sido utilizada por una estudiante secundaria, pero hacia el final debía transformarse en una pieza onírica, atemporal. Hice muchos bocetos: el diseño y las proporciones debían ser perfectas”. Matheson comparte un gran secreto que deleitará a los cinéfilos. Si uno mira detenidamente el film, se dará cuenta de que el vestido de Amy se va transformando muy Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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sutilmente a lo largo de la película. “El escote se pronuncia y la falda se acorta”, señala Matheson. Pero la diversión de la diseñadora no se agotó con el vestuario del vampiro, también fue la encargada de diseñar el vestuario que utiliza David Tennant como Peter Vincent. El vestuario del ilusionista puede ser definido como “Fellini conoce Las Vegas”, e incluye un conjunto de cuero para Peter y unos vestidos negros góticos fabulosos para sus ninfas. “Ésa fue una de mis partes preferidas de todo el proceso de diseño”, asegura Matheson con entusiasmo. “David Tennant es delgado, por eso, para su espectáculo, quise crear una pieza que acentuara su porte sofisticado pero que al mismo tiempo fuese lo suficientemente dramático para su show en Las Vegas”. Con esa intención diseñó una clásica levita con un cuello de cuero muy pronunciado. “La parte

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trasera de la levita es exagerada y voluminosa, y se ondea ligeramente cada vez que Vincent camina por el escenario”, dice. “Decidí que el personaje debía llevar muchos anillos y pantalones de cuero de tiro bajo muy ceñidos, y botas. Si se agregan todos esos elementos a la brillante actuación de David, el personaje cobra vida”, se entusiasma. Mientras que Jerry habita un mundo subterráneo, en su casa suburbana, y desciende hasta el sótano para apresar a sus víctimas y guardar su cripta; Peter Vincent vive en las alturas de su penthouse, en el último piso de un hotel de Las Vegas. Matheson concluye: “Cuando está en su penthouse, utiliza una bata de seda con unos motivos muy femeninos, y después, en el final del film, luce un tapado de cuero con el que lucha contra el vampiro. Es una especie de revisionismo de los años ‘80, lo utiliza con vaqueros, una camiseta y unas zapatillas”.

NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) LLEGA A LA CIUDAD Cuando la oscuridad llegue a las salas, NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) –también disponible en 3D- morderá a toda una generación entera de fanáticos de los films de terror gracias a un creativo remake de una película de culto de los años 80. NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) es un viaje de entretenimiento y espeluznante diversión, que hará también reír a los espectadores. Tal como concluye el director, Craig Gillespie, “NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT) es una gran incorporación al canon de películas de vampiros. Algunas de las escenas serán difíciles de mirar, en el mejor sentido posible, pero también hay momentos cálidos y sinceros, además de puro humor”.

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ENTREVISTA

COLIN FARRELL

“Me gustaría hacer algo bien diferente, con algo de comedia, que sea divertido” COLIN FARRELL (Jerry) nació en Irlanda; su interpretación en la comedia negra In Bruges le valió un premio Globo de Oro®. La película sigue los pasos de una pareja de sicarios que, tras una complicada misión en Londres, debe esconderse en la ciudad de Brujas, Bélgica. Más recientemente protagonizó la comedia de New Line Cinema Cómo acabar con tu jefe . Actualmente se encuentra rodando el largometraje de Sony Pictures Total Recall para el director Len Wiseman. La película se está rodando en la ciudad de Toronto, y es también protagonizada por Kate Beckinsale, Jessica Biel y Bryan Cranston. Farrell recientemente finalizó el rodaje de la película de Peter Weir The Way Back, que protagonizó junto con Ed Harris y Jim Sturgess. La película narra la historia de un grupo de soldados que huyen de un gulag de Siberia en 1942. Además concluyó el rodaje de la película de William Monahan London Boulevard, basada en la novela de éxito editorial de Ken Bruen, sobre un criminal del sur de Londres, recién liberado de prisión, que intenta dejar atrás su vida pasada, cuidando a una solitaria joven actriz interpretada por Keira Knightley. Farrell recientemente interpretó la película del director irlandés Neil Jordan Ondine, que gira en torno a un pescador irlandés que descubre una mujer a la cual considera una sirena. Entre sus otros créditos cinematográficos se incluyen: Cuestión de Honor de Gavin O’Conner; El sueño de Cassandra de Woody Allen; Miami Vice; Alejandro Magno de Oliver Stone; El Nuevo Mundo de Terrence Malick; Pregúntale al Polvo, basada en la novela de John Fante; La www.cinemascomics.com

prueba, con Al Pacino; Una casa en el fin del mundo, basada en la novela de Michael Cunningham; y Última llamada y Tigerland de Joel Schumacher. Además Farrell intervino en las películas Minority Report, Daredevil, American Outlaws, S.W.A.T. e Intermission. Nacido y criado en Castleknock, en la República de Irlanda, Farrell es el hijo del ex jugador de fútbol Eamon Farrell, y sobrino de Tommy Farrell. Tanto Tommy como Eamon jugaron para el equipo irlandés Shamrock Rovers en la década de 1960. En los primeros años de su adolescencia, Farrell aspiraba seguir los pasos de su padre y de su tío. Pero pronto comenzó a interesarse por la actuación, e ingresó en la Gaiety School of Drama de Dublín. Antes de completar sus estudios, Farrell obtuvo un papel principal en la miniserie de Dierde Purcell Falling for a Dancer, un papel protagonista en la serie de la BBC “Ballykissangel” y quedó seleccionado para protagonizar la película The War Zone, que significó el debut de Tim Roth como director. Farrell actualmente reside en Dublín, Irlanda. Colin, ¿qué fue lo que más te atrajo del proyecto? Llevo tres o cuatro años seguidos realizando películas dramáticas e interpretando papeles dramáticos. De manera que, literalmente, le dije a mi agente: “Me gustaría hacer algo bien diferente, con algo de comedia, que sea divertido”. Entonces surgió este proyecto. Al principio tenía mis dudas porque

había visto la película original cuando tenía 11 o 12 años y me había fascinado. En particular, me había encantado la caracterización que Chris Sarandon hizo de Jerry, y sentía ese típico enamoramiento de niño hacia él; así que no estaba seguro de querer que me agradara el guión. Pensé: “Una nueva versión de NOCHE DE MIEDO (FRIGHT NIGHT). Puede ser una muy mala idea”. Pero entonces, el guión sencillamente me fascinó, y comprendí que ésta podía ser una versión muy divertida de la película original”. Claro que iba a depender mucho de quién la dirigiera, dado que eso determinaría que la película funcionase o no. Cuando me enteré de que Craig Gillespie estaba involucrado y nos sentamos a conversar, me di cuenta de que sería lo máximo poder interpretar un personaje que no posee sentimientos humanos como el miedo, el remordimiento, el arrepentimiento o la compasión. La guionista Marti Noxon diseñó el personaje de un modo muy particular. Deseaba que Jerry fuera un vampiro mucho más malvado, violento y cruel que los vampiros representados en la pantalla en los últimos años. ¿Intentaste conscientemente infundir cierto sentido del humor a tu papel, Colin? No, en ningún momento sentí presión por traer humor a la película. Creo que eso quedó reservado a David Tennant y Christopher Mintz-Plasse. La mayor parte del diálogo humorístico está reservado a sus dos personajes y esos muchachos definitivamente saben explotarlo. Yo era el terror y ellos el humor. Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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Estreno

El árbol de la vida

16 de septiembre

De la mano del director Terrence Malick (“MALAS TIERRAS”, “DÍAS DEL CIELO”, “LA DELGADA LÍNEA ROJA”, “EL NUEVO MUNDO”) nos llega una experiencia cinematográfica provocativa. Su quinta película, EL ÁRBOL DE LA VIDA, es un canto a la vida. Busca respuestas a las preguntas más inquietantes, personales y humanas; a través de un caleidoscopio de lo íntimo y lo cósmico, que va de las emociones más descarnadas de una familia de un pequeño pueblo de Texas a

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los límites infinitos del espacio y del tiempo, de la pérdida de inocencia de un niño a los encuentros transformadores de un hombre; y lo hace con sobrecogimiento, asombro y trascendencia. Una historia impresionista de una familia del medio-Oeste americano en los años cincuenta, que sigue el transcurso vital del hijo mayor, Jack, a través de la inocencia de la infancia hasta la desilusión de sus años de madurez,

en su intento de reconciliar la complicada relación con su padre (Brad Pitt). Jack (como adulto, interpretado por Sean Penn) se siente como un alma perdida en el mundo moderno, en busca de respuestas sobre el origen y significado de la vida, a la vez que cuestiona la existencia de la fe. A través de la imaginería singular de Malick, vemos cómo, al mismo tiempo naturaleza bruta y gracia espiritual construyen no sólo nuestras vidas como individuos y www.cinemascomics.com


familias, sino toda vida. River Road Entertainment presenta “EL ÁRBOL DE LA VIDA”, escrita y dirigida por Terrence Malick y protagonizada por Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain. Los productores son Sarah Green, Bill Pohland, Brad Pitt, Dede Gardner y Grant Hill. El productor ejecutivo es Donald Rosenfeld, el co-productor es Nicolas Gonda y los coproductores ejecutivos son Steve Schwartz y Paula Mae Schwartz. www.cinemascomics.com

El equipo artístico está formado por expertos artesanos del medio, que ya han colaborado con Malick en el pasado, incluyendo al director de fotografía, cuatro veces nominado a los Premios de la Academia, Emmanuel Lubezki ASC, AMC (“EL NUEVO MUNDO”, “HIJOS DE LOS HOMBRES”); la diseñadora de vestuario, nominada a los Premios de la Academia, Jacqueline West (“EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON”); el productor de diseño, nominado a los Premios

de la Academia, Jack Fisk (“POZOS DE AMBICIÓN”, “DÍAS DEL CIELO”) y un equipo de montaje que incluye a Hank Corwin ACE (“EL NUEVO MUNDO”), Jay Rabinowitz (“I’M NOT THERE”, “8 MILLAS”), el nominado a los Premios de la Academia Daniel Rezende (“CIUDAD DE DIOS”), el dos veces nominado a los Premios de la Academia Billy Weber (“LA DELGADA LÍNEA ROJA”, “DÍAS DEL CIELO”) y Mark Yoshikawa (“EL NUEVO MUNDO”). Alexandre Desplat, tres veces noCinemascomics │Septiembre 2011 │

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minado a los Premios de la Academia por “EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON”, “THE QUEEN (LA REINA)” y “EL DISCURSO DEL REY”, compuso la música original. LOS COMIENZOS Terrence Malick siempre ha creado películas que hacen reflexionar, intensamente visuales y emocionales, cada una es una experiencia distinta llena de misterio y profundidad. Su nueva película, “EL ÁRBOL DE LA VIDA”, puede que sea simultáneamente su obra más íntima y épica hasta

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el momento – una búsqueda que va de las torres corporativas urbanas al jardín trasero de una familia de Texas de los cincuenta y, a la vez, va del comienzo de la vida en la tierra al fin del universo conocido, en busca de lo verdadero, lo duradero, lo infinito. La historia se desarrolla de manera sinfónica, como una pieza musical dividida en movimientos, o las ramas de un árbol altísimo que traza la evolución de una única vida – la de Jack O’Brien, quien está intentando encajar una serie de preguntas persistentes sobre la ira de su padre, el amor de su

madre, la muerte de su hermano y sus propias luchas con la fe y el sentido de las cosas. Pero la historia de Jack discurre dentro de la enorme belleza y el ritmo recursivo del universo mismo. Sus luchas humanas pasan a formar parte de los poderes inmensos de creación y destrucción del cosmos, según comienza a sentir sus conexiones con el polvo de las estrellas, con las criaturas prehistóricas que en el pasado deambulaban por el mundo y con su destino final. Es una historia de amor profunda sobre cómo el amor emerge de la vida y la vida emerge del amor. EL ÁRBOL DE LA VIDA es un viaje de final abierto hacia un territorio inexplorado para una audiencia de cine contemporánea, una que sin duda impactará a cada persona de una manera única. Según Malick entra en semejante nebulosa, mundos llenos de imaginación como la memoria infantil, la historia prehumana y el reino de las estrellas centelleantes, la historia se desarrolla tanto a un nivel microscópico del corazón como a un nivel masivo, inabarcable, de eones y eones de tiempo, con ambos niveles en continuo movimiento. Sarah Green, que también produjo “EL NUEVO MUNDO”, estaba asombrada y emocionada en su encuentro inicial con el proyecto. “Terry me mostró una aproximación temprana y recuerdo haber pensado inmediatamente que esta película tenía que hacerse – y que yo haría todo lo posible para llevarla a cabo,” recuerda. Green dice, “El mismo título de la película sugiere tanto. El “árbol de la vida” es un concepto clave un muchas de las religiones mayoritarias y también en el darwinismo. Sugiere naturaleza, sugiere espíritu. Todo el mundo tiene una reacción a esas palabras.” “Terry tiene su propio lenguaje cinematográfico,” declara el prowww.cinemascomics.com


ductor Grant Hill, que ha trabajado con Malick en “LA DELGADA LÍNEA ROJA”. “En cierto sentido, nadie más habla el lenguaje cinematográfico que él ha inventado. Tiene el maravilloso don de ser capaz de hacerte sentir que realmente estás ahí, que conoces a sus personajes. Y con “EL ÁRBOL DE LA VIDA”, lleva ese lenguaje fílmico a un terreno nuevo, para llevar al público a un viaje original, a dar un salto de fe, y les permite traer parte de sus propias experiencias vitales al lienzo de la historia – una historia que es sobre una única familia pero, a la vez, también trata de la creación del cosmos.” El guión también pasó su propio proceso de evolución, desarrollándose de maneras nuevas en cada giro y, sin embargo, siempre permanece abierto a otras posibilidades como parte del proceso de Malick. Rápidamente atrajo a productores adicionales que habían estado en contacto con Malick, deseando trabajar con él en proyectos inminentes: Bill Pohlad www.cinemascomics.com

de River Roads y los socios de PLAN B, Brad Pitt y Dede Gardner. Pohlad dice sobre su reacción a este guión increíblemente inconvencional: “Era una pieza de escritura asombrosa, no tenía nada que ver con nada que haya leído antes. Básicamente era un poema. No sé qué esperaba cuando empecé a leerlo, pero me afectó a un nivel muy emocional. Era un guión increíble, poderoso, que equilibraba una intimidad profunda con una dimensión épica.” Pohlad continúa: “Hay una conexión poderosa entre lo universal y lo personal. La belleza de “EL ÁRBOL DE LA VIDA” es el entramado orgánico de esos dos aspectos.” Gardner, quien sostiene que el haber visto “DÍAS DEL CIELO” hace años le emocionó y le inspiró en su propia carrera en cine, añade “estaba sorprendida por lo mucho que me emocionó el guión y me aportó algo muy particular en mi interior, pero creo que distintas

personas sacarán cosas distintas de ella, y esa es la verdadera belleza de lo que hace Terry en “EL ÁRBOL E LA VIDA”. Sigue: “Para mí, esta historia de familia y lo que nos cuenta sobre el ego, la vergüenza, la humildad y la gracia se convierte en algo mucho más accesible porque está hecho de una manera tan hermosa, se inscribe en un contexto mayor, de un mundo sin tiempo, sin fronteras. Lo que resulta asombroso es ver cómo Terry puede crear estas capas inmensas de perspectiva – tan enormes en tamaño y alcance – en la película, sin nunca alterar la sensación de que ésta es una historia familiar increíblemente íntima y dolorosa.” Según la película discurre a lo largo del tiempo y del espacio, crea imágenes raramente vistas en el panteón de la historia del cine: imágenes del universo y de la tierra según se va formando tras un caos explosivo, cómo crece y evoluciona hasta llegar a las impreCinemascomics │Septiembre 2011 │

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sionantes estructuras de la vida. Malick consultó con una selección de científicos de todas partes del mundo para entender mejor todas las fuerzas en funcionamiento – la Física, la Astronomía y la Biología – en lo que estaba intentando capturar y, por primera vez en su carrera, trabajó de manera extendida con efectos visuales. Hizo esto en conjunción con el consumado equipo de Douglas Trumbell de “2001 UNA ODISEA DEL ESPACIO”, el afamado y veterano supervisor de efectos visuales Dan Glass (“MATRIX RELOADED”, “V DE VENDETTA”).

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“No creo que nunca haya visto ningún director intentar presentar el comienzo del universo de una manera tan auténtica en una película antes,” dice Gardner. “Creo que es mágica. Podría verla durante horas. Pero más allá de su belleza y maravilla, lo que es tan impresionante es la manera en que Terry entreteje todo ello en la película, dejándote ver que esta familia, el ego de este padre, estas luchas que Jack siente en su interior, son tan minúsculas y temporales en medio de todo.” Green resume: “Es una experiencia extraordinaria y una que el

público no ha tenido antes, particularmente la manera en que Terrence Malick trae la naturaleza a la pantalla, en toda su grandeza y gloria extrema.” A pesar de que un hilo de temas específicos se entretejen a lo largo de todas las películas de Malick – el contraste de inocencia y violencia, naturaleza y espíritu, cruda realidad y belleza trascendental – hay algo más que las une: no son tanto películas que uno ve, sino experiencias que uno habita.

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Estreno “Oriental Express”

Arriety y el mundo de los diminutos

16 de septiembre

Por Francisco Nieto

El 16 de septiembre llega a nuestras carteleras “Arriety y el mundo de los diminutos”, penúltimo trabajo en formato largometraje del Studio Ghibli, lo que supone un auténtico acontecimiento para los amantes del cine de animación en general y de las películas de este estudio en particular. La salida de una película de este Studio es siempre un acontecimiento en si mismo, y en este caso no es una excepción. Arrietty y el mundo de los diminutos cuenta la historia de una familia de pequeños seres, de apenas 10 cms. de longitud, que viven en una casita oculta bajo las tablas del suelo de una mansión campestre. Estos diminutos seres tienen la norma de no dejarse ver nunca por los

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humanos; sin embargo, su tranquila existencia cambia cuando la joven Arrietty, una audaz adolescente, es vista accidentalmente por un niño que se acaba de establecer en la casa debido a su delicada salud. Entre ambos surgirá una fuerte amistad, pero a la vez la existencia de estos seres se verá peligrosamente amenazada. Desde CineAsia hemos querido saber un poco más de todo lo que rodea a un estreno de estas características, y desde aquí deseamos que el estreno sea un verdadero éxito. Así, que todos al cine a ver Arriety, porque desde luego la propuesta no os va a defraudar en absoluto. El debut en la dirección de Hiro-

masa Yonebayashi. Con el inapelable logro de ser el director más joven de una película de la factoría Ghibli, pues tan sólo cuenta con treinta y ocho años de edad, Hiromashi Yonebayashi, también conocido como Maro, firmó su primer trabajo para Ghibli con La princesa Mononoke (Mononoke-hime, 1997), donde ocupó labores de “inbetweening”, o intercalado, que es el proceso de generar marcos intermedios entre dos imágenes para dar la apariencia de que la primera imagen se desarrolla sin dificultad dentro de la segunda imagen. Los “inbetweens” son los dibujos entre fotogramas que ayudan a crear la ilusión de mowww.cinemascomics.com


vimiento. Este mismo trabajo lo llevó a cabo en otros films posteriores como Jin Roh: The Wolf Brigade (Jin-Ro, 1999) y Mis vecinos los Yamada (Hohokekyo tonari no Yamada kun, 1999). Con la experiencia acumulada, sus siguientes trabajos fueron como “key animation” en films como El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001); el cortometraje Mei and the Kittenbus (Mei to Koneko basu, 2003) y El castillo ambulante (Hauru no ugoku shiro, 2004), para pasar luego a ayudante del director de animación Goro Miyazaki en Cuentos de Terramar (Gedo Senki, 2006). Después de este más que aceptable debut en la dirección con Arriety, su siguiente proyecto también lo va www.cinemascomics.com

a unir con el hijo del gran Hayao Miyazaki. Llevará por título From up on Poppy Hill (Kokuriko-zaka kara, 2011), algo así como Desde la colina de las amapolas, la historia de una adolescente que, tras perder a su padre y a su madre en sendos accidentes, descubrirá el amor al sentirse atraída por dos compañeros de clase, un reportero del diario de la escuela y el presidente del consejo estudiantil. La novela Arriety y el mundo de los diminutos está basada en la novela fantástica The Borrowers (algo así como Los que toman prestado), publicada en 1952 por la escritora

británica especializada en literatura infantil Mary Norton. No es la primera adaptación que el Studio Ghibli lleva a cabo tomando como base escritos de autores de lengua inglesa; El castillo ambulante es una adaptación libre de la novela del mismo título de Diana Wynne Jones y Cuentos de Terramar estaba basada en una mezcla entre el tercer libro de la serie Terramar, la costa más lejana, y el cuarto Tehanu, escritos por la norteamericana Ursula K. Le Guin. The Borrowers fue la primera de una saga de novelas a las que siguió The Borrowers Afield (1955); The Borrowers Afloat (1959); The Borrowers Aloft (1961) y The Borrowers Avenged (1982). Las andanzas de Pod, Homilia y su hija Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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adolescente Arriety, personas diminutas que viven en los sotanos de las casas tomando pequeños utensilios “prestados” para poder sobrevivir recibieron multitud de distinciones, destacando entre ellas la Medalla de Carnegie, galardón establecido en 1936 por The Library Association en 1936 y que se entrega anualmente al libro infantil/juvenil más destacado. En 2007, esta misma prestigiosa institución reconoció a The Borrowers como una de las novelas más importantes escritas para niños en los últimos 70 años. Al igual que ocurre en el film de Yonebayashi, el personaje de Arriety es el que mueve la mayor parte de la acción. Sus continuas y curiosas incursiones en el mundo de los seres humanos tienen como consecuencia efectos caóticos debido al egoísmo de éstos, lo que repercute en mudanzas constantes de lugar de residencia ante el temor de los padres porque algo malo vaya a ocurrir. En estos numerosos traslados será donde aparezcan nuevos y coloridos personajes que se irán añadiendo a las sucesivas novelas (en el film por ejemplo aparece Spiller el terrible, que vive a la intemperie. Por lo que respecta a la autora de

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la serie, Mary Norton era hija de un médico, y se crió en una casa de estilo georgiano de la Calle Mayor en Leighton Buzzard, lugar que le inspiró para escribir sus novelas. Comenzó a escribir mientras trabajaba para la Comisión de Compras británica en Nueva York durante la Segunda Guerra Mundial. Su primer libro fue The Magic Bed Knob (El botón de la caja mágica o Cómo convertirse en una bruja en diez lecciones fáciles, publicado en 1943. Esta novela junto a Bonfires and Broomsticks sirvió a Disney de base para su película La bruja novata (1971). Norton murió de un ataque al corazón en Devon, Inglaterra, el 29 de agosto de 1992. ¿Una compositora francesa para la banda sonora? Si hay algo que en especial brilla con luz propia entre las innumerables virtudes que atesoran las producciones del Studio Ghibli es el destacadísimo apartado musical con el que cuentan siempre sus encantadoras películas, un auténtico deleite para los sentidos de sus devotos aficionados. Si bien durante largos años hemos podido disfrutar de las obras

maestras creadas por el genial compositor Joe Hisaishi (con bandas sonoras absolutamente memorables como las de El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke o El castillo ambulante, entre muchas otras), en esta ocasión Ghibli se ha inclinado por darle un nuevo aire su nueva producción, apostando por un cambio radical de estilo en la figura de la talentosa artista francesa Cécile Corbel, gran admiradora del trabajo de Ghibli. Corbel, ni corta ni perezosa, envió a Ghibli su segundo disco como regalo en 2009. Al productor de la película le gustó tanto su estilo que se puso de inmediato en contacto con la artista y le encargó la partitura sonora completa del proyecto. Tanto los temas instrumentales como muy especialmente los vocales son una auténtica maravilla (con temas tan apasionantes y cautivadores como Goodbye My Friend); una banda sonora tan original como alejada del estilo habitual de Ghibli. Seguro que os sorprenderá muy gratamente. Algunas curiosidades -La BBC se encuentra actualmente preparando una nueva adaptación en imagen real para telewww.cinemascomics.com


visión interpretada por Stephen Fry, Victoria Wood y Christopher Eccleston. -Pero sin duda, la adaptación televisiva que nuestros usuarios recordarán con más cariño es la americana Los diminutos (The littles), emitida en la televisión de nuestro país de 1983 a 1986 (¿quién no recuerda su pegadiza cancioncilla de entrada?). La serie fue dirigida por el prestigioso animador francés Bernard Deyries, conocido por series tan populares como Ulises 31 o Las nuevas aventuras de He-Man. -En Japón, donde la película ya se estrenó el 17 de julio del año pasado, los encargados de poner las voces originales a los distintos personajes fueron Mirai Shida (Kabe) como Arriety; Tomokazu Miura (Outrage) como Pod y Shinobu Otake (Surely Someday) como Homily. www.cinemascomics.com

-Aunque todavía desconocemos quiénes serán los encargados de llevar a cabo el doblaje al castellano de la película en su estreno en EEUU, previsto para el 17 de febrero de 2012, los actores encargados serán Bridgit Mendler (Alvin y las ardillas 2) como Arriety; Will Arnett (Jonah Hex), como Pod y Amy Poehler (Saturday Night Live) como Homily. Mientras tanto, en Inglaterra se han confirmado en estos mismos roles a Saoirse Ronan (Expiación), Mark Strong (Sherlock Holmes) y Olivia Colman (Arma fatal). El film llegó a las carteleras inglesas el pasado 29 de julio de 2011. -En lo que llevamos de 2011, Arriety ya ha recibido numerosos galardones, entre ellos el Premio de la Academia Japonesa a la mejor película de animación y el Premio del Público en el Nippon Connection 2011.

-Hayao Miyazaki interviene en el film en funciones de guionista y productor, labor esta última que comparte con Toshio Suzuki. Con estos padrinos el éxito estaba asegurado. Precisamente fue Miyazaki quien comenzó la etapa de desarrollo de la película en 2008. Sus planes originales incluían una duración de ochenta minutos, y el título que se barajaba por entonces era “Chiisana Arriety” (La pequeña Arriety) -La historia tiene lugar en 2010 en Koganei, un vecindario situado al Oeste de Tokio. Koganei es justamente el lugar donde se encuentra ubicado el Studio Ghibli. -Siete millones y medio de personas vieron Arriety en Japón mientras se mantuvo en cartel, lo que supone el récord de todos los tiempos en este país para una película con un director debutante. Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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Estreno

30 de septiembre


Basada en la clásica novela de Alejandro Dumas, llega la aventura de acción para la gran pantalla de Los tres mosqueteros, concebida y rodada con la tecnología 3D más avanzada. Son conocidos como Athos, Porthos y Aramis, tres guerreros de élite que sirven al rey de Francia como sus mejores mosqueteros. Tras descubrir una malévola conspiración para derrocar al rey, los mosqueteros se cruzan con un joven que aspira a convertirse en héroe, D’Artagnan, y lo toman bajo su tutela. Juntos, los cuatro emprenden una peligrosa misión para frustrar el complot que amenaza no solo a la Corona de Francia, sino al futuro de la propia Europa. ACERCA DE LA PELÍCULA El rodaje de Los tres mosqueteros comenzó el 26 de agosto de 2010 en exteriores de Baviera, en Alemania. La película, producida para Constantin Film e Impact Pictures por Jeremy Bolt y Robert Kulzer, está dirigida y producida por Paul W.S. Anderson. Martin Moszkowicz, de Constantin Film, ejerce de productor ejecutivo. El filme, basado en la novela histórica de Alejandro Dumas, ha sido adaptado para la gran pantalla por Andrew Davies (El diario de Bridget Jones) y Alex Litvak (Predators). Otros miembros claves del equipo creativo incluyen al diseñador de producción Paul Austerberry (La Saga Crepúsculo: Eclipse), al diseñador de vestuario Pierre Yves Gayraud (El perfume: historia de un asesino) y al director de fotografía Glen MacPherson (Resident Evil: Ultratumba). El estelar reparto está encabezado por Logan Lerman (Percy Jackson y el ladrón del rayo), que interpreta al joven e idealista D’Artagnan, Matthew Macfadyen (Orgullo y prejuicio, Robin Hood), Ray Stevenson (“Roma”, El libro de Eli, Thor) y Luke Evans (Immortals, Furia de titanes) interpretan a los tres veteranos mosqueteros,

ya cansados de la guerra, Athos, Porthos y Aramis, respectivamente. El ganador del Oscar® Christoph Waltz (Malditos bastardos, The Green Hornet (El avispón verde)) interpreta al intrigante cardenal Richelieu, Milla Jovovich (Resident Evil, El quinto elemento) es la hermosa pero letal agente triple Milady de Winter, y Orlando Bloom (Piratas del Caribe, El Señor de los Anillos) interpreta al duque inglés de Buckingham.

opinión, Ever ha influido sin duda alguna en su intento de diversificarse y probar algo nuevo. Pero creo que todos opinábamos que esta era una oportunidad fantástica para que Paul mostrara un aspecto de su obra y de sus habilidades que va más allá de ser un mero director de cine de acción y demuestra que es realmente alguien que puede contar una historia de amor con humor y mucho espíritu”.

El reparto se completa con las estrellas en alza Juno Temple (Las hermanas Bolena, Diario de un escándalo) y Freddie Fox (St. Trinian’s 2: The Legend of Fritton’s Gold) como la reina Ana y el rey Luis, respectivamente. Gabriella Wilde (St. Trinian’s 2: The Legend of Fritton’s Gold) interpreta a la bella e ingeniosa Constance. James Corden (Los viajes de Gulliver), cómico británico y estrella de la televisión en su país, es Planchet, el criado del joven mosquetero. Mads Mikkelsen (Casino Royale, Furia de titanes) interpreta a la némesis de D’Artagnan, Rochefort, el implacable capitán de la guardia del cardenal.

La selección del reparto de cualquier película es siempre un elemento crucial para asegurar el éxito de la misma, pero el proceso adquiere una especial importancia cuando se trata de encarnar a personajes tan populares, que protagonizan una historia clásica y sobradamente conocida por todos.

UN NUEVO REPARTO PARA UN RELATO CLÁSICO Robert Kulzer y Jeremy Bolt se reúnen con el director y su socio en la producción Paul W.S. Anderson para crear Los tres mosqueteros. Como los propios personajes que dan nombre a la película, estos tres realizadores vuelven a trabajar juntos, esta vez para abordar una ficción histórica, algo muy distinto a lo que nos tienen acostumbrados en sus últimas colaboraciones. Según explica Kulzer: “Paul y yo hemos hecho muchas películas juntos, en general llenas de zombis, monstruos y fuerzas del mal. Sin embargo, creo que por fin estamos empezando a madurar, Paul se ha casado e incluso ha tenido una hija, Ever. Paul es un padre muy dedicado y, en mi

“Esta película supuso un gran desafío por lo que respecta al reparto, porque todos los actores tienen que ser graciosos, deben ser encantadores y también necesitan ser capaces de afrontar los respectivos problemas amorosos de cada uno de sus personajes. La historia también exige que muchos de ellos vuelen por los aires, luchen a espada, monten a caballo, en aeronaves, etc. De modo que cada actor tenía que ser capaz de exhibir un amplio espectro de habilidades y talentos”, observa Kulzer. Logan Lerman fue el primer actor en ser elegido para el papel protagonista de D’Artagnan. Lerman señala: “D’Artagnan es el personaje simbólico lleno de juventud y valores morales que sirve para reavivar la pasión de los mosqueteros y hacerlos salir de su retiro. Al principio de la película, cuando se marcha de su pueblo natal, es un chico ingenuo y algo gallito. Recibe una buena dosis de realidad cuando llega a la gran ciudad y se topa con gente de lo más inmoral”. Bolt aporta: “Decidimos mostrar a D’Artagnan tal como se representa en el libro, donde es un chico


de 17 o 18 años. Es muy listo y, no solo es físicamente un gran atleta y un gran espadachín, sino que también es sumamente inteligente y tiene don de gentes. Logan es un joven muy listo y sumamente entregado. Lo pusimos a trabajar con un excelente maestro de esgrima/coreógrafo y se ha convertido en un gran atleta. También tiene un aspecto muy simpático y nos parecía muy importante que nuestro D’Artagnan poseyera esa cualidad de ‘hombre de la calle’. Es un chico de pueblo de Gascuña; básicamente, es un don nadie que cambia el mundo”. Lerman estaba encantado por la oportunidad de trabajar con el director, Paul W.S. Anderson. Según señala: “Trabajar con Paul y su equipo ha sido una experiencia de mucha colaboración. Resulta agradable tener voz y voto en lo referente a tu personaje y poder realizar pequeños ajustes para poder sentirte cómodo con cada escena. Paul siempre se mostró muy accesible y receptivo a nuevas ideas”. También estaba igualmente en-

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cantado de poder trabajar con los actores que acabarían eligiendo para ser sus coprotagonistas, los tres mosqueteros. Pero el primer encuentro de su alter ego con ellos no sale precisamente como esperaba. “Cuando conoce a los tres mosqueteros, al momento se lleva una gran desilusión con ellos. Creía que serían tipos heroicos, pero en realidad no son más que borrachos aburridos y sin rumbo en la vida. D’Artagnan cambia sus vidas, se gana su respeto y los vuelve a juntar”. Elegir a los tres mosqueteros fue en realidad un proceso bastante sencillo, porque cada uno de los personajes se describe de forma muy clara y característica en la novela de Dumas; el misterioso Aramis, el inconmensurable Porthos y el melancólico Athos. “Tenía que existir un buen equilibrio entre estos actores, porque los mosqueteros son todos iguales, incluso cuentan aproximadamente con el mismo número de páginas cada uno en la novela. Matthew Macfadyen está sensacional en el papel de Athos, po-

see una cierta gracia y elegancia, con una inquietante violencia subyacente. Porthos se muestra lleno de pasión y exuberancia, te estrecha fuertemente entre sus brazos y está siempre con cerveza y vino, y Ray [Stevenson] aporta esa presencia física. Luke Evans como Aramis es sumamente apuesto, pero posee a la vez una cualidad oscura y misteriosa”, apunta Bolt. Matthew Macfadyen fue el elegido para interpretar al desconsolado pero desbordante de talento Athos. El productor Robert Kulzer señala sobre el actor: “Interpreta magníficamente el papel de Athos, con elegancia y dignidad, pero también con un trasfondo apenas contenido de violencia y brutalidad”. Macfadyen aprecia a su personaje y valora especialmente su profundidad: “Athos ha sido traicionado por su amada, Milady, que los vendió tanto a él como a sus amigos al duque de Buckingham. Como consecuencia, Athos se muestra muy malhumorado y poco comunicativo. Es un personaje bastanwww.cinemascomics.com


te oscuro, que bebe para ocultar su desengaño”. Pero, cuando D’Artagnan llega a París, Athos reconoce en él todos los ideales de su propia juventud. “Se encariña instintivamente con D’Artagnan porque creo que ve ecos de sí mismo en este joven, creo que todos los mosqueteros lo hacen. D’Artagnan está lleno de vida y exuberancia, cosa que no le pasa ya a Athos, que ya lo ha visto y hecho todo, está de capa caída. La relación que desarrolla con D’Artagnan se vuelve muy paternal, es una historia conmovedora”. A pesar de ser amigos íntimos, cada uno de los mosqueteros tiene una personalidad muy distinta. Luke Evans, elegido para interpretar a Aramis, y un gran fan de la historia desde niño, habla de los personajes de los mosqueteros y de las respectivas relaciones que establecen cada uno de ellos con el joven D’Artagnan en la película. “Todos tenemos nuestra propia relación con D’Artagnan. Mi personaje, Aramis, se convierte en una especie de hermano mayor para él. Ve a este joven mocoso que se cree invencible y que puede dominar el mundo y lo ve cometer sus errores. A Aramis le cae bien D’Artagnan y se preocupa por él de manera muy fraternal, aunque a veces la bravuconería juvenil de D’Artagnan le resulte algo crispante. Athos es la figura paterna, un padre perdidamente enamorado y desengañado, que se ve reflejado en D’Artagnan. Y luego tenemos a Porthos, que es como el tío de gran corazón, siempre despeinándolo y dándole palmadas en la espalda un poco más fuertes de lo debido. Todos tenemos nuestro lugar”. “Tras llegar a París y conocernos a los mosqueteros, D’Artagnan empieza a crecer como persona. Progresa mucho a lo largo de la película, es su rito de transición. Un jovencito que tiene sus miras puestas muy alto y recibe una lección. Se enamora locamente y se da cuenta de que tiene que tomar decisiones muy importantes, www.cinemascomics.com

así que madura muchísimo. Todos maduramos a lo largo de la película. D’Artagnan resucita el espíritu de camaradería, fraternidad y orgullo por quiénes somos. En definitiva, D’Artagnan se gana su lugar, trabaja duro para conseguirlo y, al final, se acaba convirtiendo en el cuarto mosquetero”. El productor Robert Kulzer considera a Luke Evans el candidato ideal para Aramis. “Es un tipo apuesto, pero también aporta un lado oscuro y misterioso a su papel”.

Evans explica: “Aramis fue antaño sacerdote y se le puede ver a menudo leyendo la Biblia o usando su rosario. Es un tipo fiel y un gran amigo, en los libros no traiciona nunca a nadie. Reza por todas y cada una de las personas a las que ha matado en combate. Como mosquetero, Aramis es un individuo muy tranquilo y, cuando lucha, es letal pero grácil y ágil. Es como un Batman del siglo XVII”. Ray Stevenson interpreta al inCinemascomics │Septiembre 2011 │

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conmensurable mosquetero Porthos. Sobre la labor de documentación que realizó durante la preproducción y cómo eso le ayudó a dar forma a su versión del personaje, Stevenson comenta: “En esta película teníamos cierta licencia creativa para idear cierta historia pasada de nuestros personajes. Porthos tiene un estilo de lucha diferente, tiene una forma particular de vestir y una actitud distinta ante la vida, pero en el fondo tiene cierto ADN que lo convierte en un mosquetero; ese algo indefinible que mantiene unidos a los mosqueteros. Fue muy divertido tener la oportunidad de jugar con esas ideas”. Como mosquetero, Stevenson tenía que tomar parte en muchas de las secuencias de lucha de la película, para las que se estuvo preparando con la campeona alemana de Europa y medalla de oro, Imke Duplitzer. Stevenson señala sobre su instructora: “Imke fue maravillosa y tuvimos mucha suerte al poder contar con ella. Al rodar escenas en 3D, la cámara lo abarca todo, de modo que todo lo que hagas durante una pelea

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tiene que estar muy medido. La disciplina de las secuencias de lucha cuando ruedas en 3D está a un nivel muy superior. No puedes olvidar que estás empuñando una gran pieza de metal que intentas clavarle a alguien, así que tienes que estar mucho más concentrado que si estuvieras filmando en las 2D normales”. Las estrellas internacionales de cine Orlando Bloom, Milla Jovovich y Christoph Waltz se incorporaron también al reparto. Según admite Bolt: “a Paul y a mí nos encanta subvertir las expectativas del espectador y hacer que un actor interprete un papel completamente distinto al tipo de personaje que se espera de él, así que aquí se puede ver a Orlando interpretando a un villano: el astuto y canalla duque de Buckingham. Esperas encontrarte al típico santurrón, pero te vas a encontrar a un tipo sumamente pícaro y ladino. Creo que somos los primeros en hacer algo así con Orlando”. Orlando Bloom es el taimado duque de Buckingham. “La historia

de los mosqueteros es muy famosa y ciertamente excepcional. Siento que toda mi carrera ha sido como una especie de viaje en el que he ido haciendo realidad todos los sueños de mi infancia, y esta película sin duda contribuye a ello. Una de las cosas que más me atrajo del proyecto fue que el personaje de Buckingham era un tipo de papel muy distinto para mí. Tengo ocasión de ser un bribón canalla. Buckingham no es el archienemigo, pero no deja de ser igualmente un verdadero granuja. En cuanto leí el guión, supe que iba a ser muy divertido y un gran espectáculo. Creo que siempre hay sitio en las salas de cine para una película que la gente pueda ir a ver y disfrutarla sin más. Se trata de una película para maravillarse y dejarse llevar. Además, estaba deseando trabajar con Paul Anderson tras oír las ideas que tenía para la película”. Bloom describe a su personaje en los siguientes términos: “El duque de Buckingham era el cortesano más rico durante el reinado de su majestad Jacobo I y se comporta www.cinemascomics.com


como un mocoso consentido. Es como un pavo real al que le gusta presumir y lucirse. Cuando Paul y yo estuvimos hablando del papel, me decía que pensara en las estrellas de rock más enrolladas de nuestros tiempos: David Bowie, Jim Morrison, Mick Jagger... Buckingham es como una estrella de rock. Esta no es la típica película de los mosqueteros que el público espera encontrarse, porque no se toma en serio a sí misma. Hay mucho humor, ingenio y desenfado en esta versión. Buckingham aparece, tiene unos momentos estupendos en los que arma un buen jaleo con todos los personajes clave y se vuelve a marchar. Ha sido muy divertido”. Milla Jovovich es una gran fan de las historias de Dumas desde que era niña. Sobre su atracción por el papel de larga tradición de Milady de Winter explica: “Para mí, Los tres mosqueteros es el clásico libro divertido y lleno de acción que no puedes dejar de leer una vez lo empiezas. Dumas era un escritor fantástico, cada capítulo te deja colgando, deseando saber qué va a pasar a continuación”.

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“Estuve involucrada desde el primer momento, cuando Paul [Anderson] empezó a trabajar con Andrew Davies para escribir el guión de la película. Milady es uno de mis personajes favoritos de la literatura histórica. Estaba encantada con el hecho de que Paul estuviera intentado probar algo distinto como realizador y que además yo pudiera tener la oportunidad de interpretar a un personaje tan representativo”. Jovovich habla sobre Milady como personaje y sobre cómo personifica las cualidades de la mujer fuerte e independiente actual: “Siempre he visto a Milady como una de las mujeres más modernas de la literatura. Está soltera, es increíblemente inteligente y capaz de entrar y salir de diferentes sociedades sin aparente esfuerzo. Hace falta ser una mujer muy fuerte y muy lista para poder moverse en un mundo de hombres, sobre todo en el siglo XVII, cuando a una mujer la podían encerrar en un convento o en un manicomio por mostrarse respondona con su marido. Ser una mujer lo bastante inteligente para manipular a esos hombres es

todo un logro”. Sobre el aspecto más oscuro de Milady, Jovovich señala: “Me siento muy orgullosa de interpretar este papel, para mí, no se trata simplemente de hacer de mala. Es cierto, no siempre juega según las reglas, pero es que ella no es una mujer normal. No es solo una cara bonita que se queda sentada, esperando que los hombres le hagan las cosas. No cabe duda de que miente, engaña y roba, ¡pero eso es lo que hacen también todos los hombres! La única diferencia es que ella es una mujer. Simpatizo mucho con ella. La tachan de malvada, pero yo respeto cómo vive su vida”. Bolt afirma: “Milla transmite una fuerza increíble, tiene una gran presencia. No podría imaginarla interpretando jamás a una persona corriente, y Milady de Winter no tiene nada de corriente. Es una agente triple, que trabaja encubierta bajo múltiples pseudónimos, una mujer muy adelantada a su tiempo. Milla sentía que podía aportar algo muy nuevo y distintivo a este personaje y se ha metido de lleno en el papel. Los

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fans de sus trabajos anteriores no se sentirán decepcionados”. Gracias a todo el trabajo realizado en la franquicia de Resident Evil, Jovovich se siente completamente cómoda haciendo escenas de acción. “Me encanta hacer mis propias escenas arriesgadas”, asegura. “Es una oportunidad que siempre aprovecho y algo que mis fans agradecen, así que siempre me gusta hacer yo misma todo lo que me sea posible”. “Tengo una gran secuencia de acción que pretendo hacer yo misma, en la que hay mucha esgrima, que me encanta, así que va a ser muy divertido. Tengo que enfrentarme a diez guardias mientras llevo puesto el traje comple-

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to de Milady. No creo que nadie haya hecho nunca una secuencia de acción con esta clase de vestido de enormes faldones, enaguas y corsés, así que va a suponer todo un reto. Está bien, porque Milady es un personaje innovador, siempre la primera en hacer algo, así que estoy encantada de que le toque a ella realizar la primera secuencia de acción de una mujer con corsé y un gran vestido; se lo merece”. Christoph Waltz interpreta al taimado y todopoderoso cardenal Richelieu. “Richelieu tiene el poder, tiene más poder que nadie en Francia. Simplemente, tiene que organizar el asunto para que todo vaya como la seda. No se trata de una cuestión existencial, sino

más bien de algo diplomático. Es un juego de poder”. Como tantos otros grandes actores, su manera de abordar el papel fue documentarse y saber apreciar la época en la que está ambientada la película. “Leí biografías y me documenté un poco sobre Richelieu; es importante hacer esa labor para poder inspirarse, pero, en última instancia, la interpretación que ofrezco no tiene nada que ver con el verdadero Richelieu. Es mi verdadero Richelieu”, reconoce Waltz. “Esta es una interpretación ficticia dramática“, prosigue. “Necesita estar al servicio de la intención dramática, y no al servicio de la Historia. Recurres a la docuwww.cinemascomics.com


dero maestro”, afirma Bolt. “No deberíamos subestimar la brillantez de la novela de Dumas. Es una obra maestra y los personajes son fenomenales, así que necesitábamos a actores que pudieran estar a la altura del material. Con Christoph, se han superado las expectativas. Creo que hemos tenido muchísima suerte de haber podido contar con él en la película”.

mentación porque es un buen lugar donde empezar pero, con frecuencia, al fantasear sobre ello, se te ocurren cosas infinitamente más valiosas con las que trabajar de las que obtendrás jamás al documentarte sobre hechos históricos. Además, contábamos con un asesor de etiqueta, un historiador y un teólogo que nos asesoraban en materia de etiqueta real histórica. Podrías pasarte año y medio estudiándola hasta ser perfecto, pero en realidad esta película no trata de eso. Es importante tener los conocimientos, pero también es importante saber dejar los hechos históricos en el lugar adecuado”. “Resulta fascinante ver trabajar a Christoph Waltz, es un verdawww.cinemascomics.com

Sobre su experiencia de trabajar con el director, Paul W.S. Anderson, Stevenson comenta: “Paul siente verdadero entusiasmo por este proyecto, una pura alegría por rodar cada parte de esta película, que resulta contagiosa. Es un director muy visual y su dominio a la hora de contar una historia en una película no tiene igual. No me sorprende lo más mínimo que haya decidido entrar en la escena 3D. Lo que me resulta interesante es cómo quedará esta historia tan clásica en un escenario 3D. Sabemos lo que el 3D puede aportar visualmente, pero ¿permite seguir una narración dramática en ese sentido, cuando no está movida por la acción? La acción es resultado de la narración, en lugar de suceder al revés. Creo que va a funcionar sumamente bien. Los espectadores van a necesitar masajes cuando salgan de la sala de cine, porque se sentirán como si hubieran estado metidos en las peleas con nosotros, es muy emocionante”. Macfadyen comenta: “Paul tiene un entusiasmo y una energía inagotables, y no lo digo en un sentido ridículo. Simplemente tiene una energía muy constante. Esa cualidad es tremendamente importante para un director porque, como mínimo, como actor, te apoyas en él para mantenerte animado”. LOCALIZACIONES Los tres mosqueteros se rodó en exteriores de Alemania, en algunos de los pueblos y ciudades más impresionantes de toda Baviera, y en el Studio Babelsberg, de Potsdam.

El rodaje se inició en exteriores de Bamberg, en un patio histórico situado en la Domplatz. Este lugar hace las veces del escenario elegido por D’Artagnan para batirse en duelo con Athos, Porthos y Aramis. Pero el duelo queda interrumpido por la llegada de Rochefort y la guardia del cardenal, que son posteriormente aplastados por los tres mosqueteros y su joven y nuevo amigo. Según opina Lerman, “para mí, arrancar con esa gran pelea es decididamente una forma interesante de empezar, pasando directamente a una gran escena de acción. Recuerdo que fui el primero de los cuatro que rodó su parte de la pelea. Estaba realmente de los nervios, por no decir más. Soy muy competitivo, así que quería demostrar de qué pasta estaba hecho, además de empezar a sacar de verdad provecho a todo el tiempo que pasamos de intensa preparación”. La Domplatz se transformó en la Calais del siglo XVII, donde nuestros héroes descubren que la ruta hacia Inglaterra está bloqueada. También se rodaron algunas escenas en Obere Brücke (puente superior) y bajo el ornamentado edificio que otrora fuera el ayuntamiento. El equipo trabajó toda la noche para filmar las escenas ambientadas fuera del apartamento de los mosqueteros, donde llega Rochefort acompañado de sus guardias para arrestarlos por la fuerza si se niegan a entregarse. El ayuntamiento se construyó a mediados del siglo XIV. Además de la imponente arquitectura y el interior de estilo rococó y barroco, los frescos son especialmente impresionantes por su plasticidad. “Personalmente, me encantó Bamberg”, recuerda Lerman, “Me dejó alucinado. Además, nos lo pasamos muy bien allí. Tanto el reparto como el equipo estábamos alojados en el mismo hotel de ese pueblecito, así que pasamos mucho tiempo juntos a diario, al terminar de trabajar, así como los fines de semana. Estrechamos muchos lazos”. Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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La siguiente parada de la gira fue Burghausen, para rodar tras las históricas murallas del castillo. Una zona que hacía las veces de Meung, donde D’Artagnan hace un alto en su viaje a París y recibe una lección sobre cómo funciona el mundo real de manos de Rochefort. Burghausen también fue el lugar elegido para hacer las veces del bullicioso mercado de París, en el que D’Artagnan persigue a Rochefort, pero se topa en su lugar con Athos, Porthos y Aramis. Burghausen cuenta con el complejo de castillos más amplio de Europa, que se extiende a lo largo de 1 km de longitud. El castillo, que data del siglo XII, está pintorescamente situado entre el río Salzach y el lago Wohrsee, en las estribaciones de los Alpes. “Cada localización tenía su propio carácter”, recuerda Stevenson. “La forma en que estaba decorado el plató de Burghausen [el mercado parisino] era increíble, no había un hueco libre, lo que se verá realzado gracias a las 3D. También rodamos en lugares como la Residenz y el Antiquariam de Múnich, donde nunca se

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había rodado antes”.

visual son cruciales para las 3D”.

A continuación, el equipo se desplazó hasta el extremo septentrional de Baviera para rodar el esplendor del Louvre en la Würzburg Residenz y sus jardines. Se reunían multitudes de gente a diario para intentar ver al reparto de Los tres mosqueteros, incluidos Christoph Waltz, Orlando Bloom y Milla Jovovich.

El palacio de Weißenstein, en Pommersfelden, fue la residencia palaciega que se utilizó para simular el interior del decorado del piso franco de Venecia. Aquí es donde la celebración de los mosqueteros se ve interrumpida por la llegada de Buckingham y la traición de Milady. La sala utilizada para el rodaje estaba intrincadamente decorada con conchas y espejos incrustados en las paredes, lo que dota a la sala de una cualidad casi acuática.

Jovovich comenta la importancia de rodar en exteriores reales, en ciudades y pueblos históricos de Baviera: “Las localizaciones reales son lo que dota a la película de autenticidad y grandiosidad. Podríamos haber elegido rodar en Francia, pero la campiña francesa está tan modernizada que no habríamos podido filmar esos planos generales de los castillos del mismo modo que nos permitía Baviera. Paul y el resto del equipo pudieron encontrar esos palacios y castillos históricos increíbles que nos permitían retroceder con la cámara y ofrecer un impresionante panorama. Es especialmente importante en esta película, porque la profundidad y el campo

El palacio, construido entre 1720 y 1780, es la antigua residencia de los obispos príncipes de Wurzburgo. Durante la 2ª Guerra Mundial, sufrió graves daños, pero se sometió a un amplio proceso de restauración y reabrió sus puertas en 1987. En la actualidad está incluido en la lista del Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO. Rodar en exteriores de Baviera fue un verdadero placer para Macfadyen, según sus propias palabras: “Parecía no tener fin, era una hermosa localización detrás www.cinemascomics.com


de otra, cada una más maravillosa y asombrosa que la anterior. Mi favorita fue el palacio del siglo XVII de Pommersfelden. Allí rodamos la escena del piso franco de Venecia, donde Milady traiciona a los tres mosqueteros. La sala en la que estábamos filmando era enorme y exquisita, con las paredes decoradas con conchas y pequeños espejos. El departamento artístico colocó bañeras llenas de agua fuera para que se reflejara el agua y creara un efecto de luz en el techo. Daba un efecto verdaderamente precioso. Me siento muy afortunado de haber tenido el privilegio de trabajar allí”. Después, el equipo de rodaje se estableció en Chiemsee y se veían obligados a coger todas las mañanas un taxi acuático hasta la isla donde se hallaba el palacio real de Herrenchiemsee. Este palacio es probablemente el más decadente de todos los que se usaron durante el rodaje en exteriores de Los tres mosqueteros. Fue obra del rey Luis II de Baviera, su intención era crear una copia

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del palacio de Versalles, pero Luis murió en 1886, antes de terminar la construcción. Sin embargo, todavía cuenta con un gran dormitorio que incluye una enorme cama de 3 metros, y la galería de espejos, que mide unos 100 metros de longitud y está decorada con más de 1.800 velas. Se utilizaron varias salas impresionantes y los famosos jardines franceses de Herrenchiemsee como localizaciones para la película. El lugar hizo las veces del Louvre francés, residencia del rey Luis y la reina Ana. De vuelta en Múnich, el equipo se preparó para su última localización en el gran salón de Schleißheim. Esta magnífica sala blanca sirvió como despacho del cardenal Richelieu, ya que reflejaba a la perfección el frío y duro corazón del personaje. En el día 33, tras seis semanas en exteriores, el equipo hizo las maletas y se trasladó a Berlín, para terminar el rodaje en el Studio

Babelsberg, de Potsdam. VESTUARIO Entre los numerosos aspectos en que esta película ofrece una nueva versión de la clásica historia, se encuentra una completa puesta al día del vestuario de todos los personajes de Los tres mosqueteros. Al diseñador de vestuario PierreYves Gayraud no le faltó trabajo a la hora de encontrar una forma nueva y diferente de vestir a personajes tan conocidos, a la vez que se mantenía fiel al vestuario de la época. Según explica Gayraud: “Cuando hablé por primera vez con Paul, me dijo que no quería que los trajes resultaran muy tradicionales, quería que tuvieran una actitud rockera, sobre todo para Milady y los mosqueteros. Sin embargo, a medida que fuimos avanzando, Paul se fue interesando cada vez más en buscar referencias históricas. Le gustaron, así que el resultado es una completa mezcla, no es exactamente del siglo XVII, pero tampoco van exactamente como estrellas de rock”.

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“El diseñador de vestuario hizo un trabajo asombroso”, lo alaba Stevenson. “Ha diseñado unos trajes realmente maravillosos, que encajan todos muy bien en este ambiente tan llamativo y extravagante. Ha logrado crear un vestuario que tiene el grado justo de teatralidad, va a ser una película de increíble riqueza visual para disfrutar en 3D”. Gayraud prosigue: “Utilizamos mucho color y, por supuesto, trabajar en 3D suponía que teníamos una excelente oportunidad de jugar con las texturas y darle a todo mucho volumen extra”. Al tener ya experiencia trabajando en el mundo de la moda, Jovovich disfrutó trabajando con Pierre-Yves Gayraud en los trajes del vestuario de Milady: “Me encanta la moda, siempre he sentido gran interés por ella. Trabajar en el vestuario de los personajes

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es muy importante, porque es el momento en el que tu personaje cobra realmente vida”. Gayraud observa: “La verdad es que la ropa del siglo XVII no era nada sexy, era bastante sosa y pesada, sobre todo la de las mujeres, así que sabíamos que no queríamos resultar demasiado tradicionales. Para los hombres era un poco más fácil lograr que lo tradicional resultara moderno, porque la silueta seguía siendo la misma; todavía seguían llevando básicamente botas, vaqueros y cazadoras de piloto. Las mujeres de la época eran muy estrictas y no especialmente glamurosas. Así que decidimos cambiar el volumen del corsé, y lo mezclamos con la silueta de Christian Dior de la década de 1950 al bajar el extremo superior de las faldas hasta justo debajo de las caderas”. “Guardo más recuerdos de pe-

queña de llevar disfraces que otra cosa, aunque nunca fui de reina. Esta es la primera vez”, comenta riendo Juno Temple, que interpreta a la reina Ana. “Esos trajes eran extraordinarios, te sientes maravillosamente con un corsé y una bonita falda, luciendo escote, clavículas y cuello, y con un porte muy regio”. Gabriella Wilde, que interpreta a Constance, dama de compañía de la reina Ana, se muestra de acuerdo: “Cuando te pones uno de estos vestidos, te sientes distinta al momento. Esa ropa te obliga a ir erguida y moverte de una determinada manera, sientes de verdad cómo debía de ser para estas mujeres. Aunque también tengo ocasión de vestirme de chico en esta película, así que fue divertido”, asegura. Dada la imagen estilizada que habían creado, Pierre-Yves Gayraud www.cinemascomics.com


y su equipo tuvieron que producir a mano más de 400 prendas de vestuario diferentes. Según explica: “Contamos con tres sitios distintos para crear el vestuario. Empezamos con un taller en París, donde hicimos nuestros prototipos y trabajamos en las siluetas que queríamos para los hombres y las mujeres. Cuando esa parte quedó definida, pasamos a Rumanía para empezar a producir el vestuario. Hasta la primera semana de agosto no llegamos a Múnich para que se pusieran a probárselos los actores que iban a llevarlos en la película. Fue un desafío tremendo conseguir cumplir con el calendario previsto. Estuvimos trabajando en ciertas prendas hasta el mismo momento en que las necesitaban para rodar una determinada escena”. Otro reto para Gayraud fue el elemento de acción de la película, que explica en los siguientes www.cinemascomics.com

términos: “Normalmente, usaría retales viejos de películas en las que he trabajado antes pero, en este caso, no era posible, por la cantidad de duplicados necesarios para cubrir las escenas de acción. En vez de eso, decidimos usar tejidos modernos y luego trabajar en ellos. Hicimos muchos bordados y añadimos estampados para hacerlos diferentes. A veces necesitábamos cinco o seis duplicados de un mismo vestido, así que habría sido prácticamente imposible encontrar materiales antiguos en semejantes cantidades”. Bloom habla sobre su original vestuario y cómo le ayudó a que el personaje cobrara vida: “Contamos con una excelente fase de ensayos y ya había estado trabajando en el dialecto, la voz, el movimiento y la presencia física de mi personaje... y entonces me dieron mi traje. ¡No te andas con tonterías cuando llevas un traje

como el del duque! Para una película así, es desde luego una gran ayuda, pero también fue algo con lo que tuve que aprender a sentirme cómodo. Esta ropa no es algo que lleves todos los días. Mis trajes no tienen nada de cómodos, pero tienen una pinta increíble”. “Este vestuario hace que se te salten los ojos y se te vuelen las pupilas”, afirma Freddie Fox. “A Luis le interesa la moda, pero no es un esclavo de la misma. Quiere tener el mejor aspecto posible, porque debe ser el centro de atención. Le interesa especialmente lucirse delante del duque de Buckingham, que tiende a ir un paso por delante de él en cuestiones de moda”. El productor Jeremy Bolt se hace eco de los elogios del reparto: “Pierre-Yves me ha demostrado cómo el vestuario puede resultar tan importante para una película Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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como una buena iluminación. La ropa es un tema recurrente en Los tres mosqueteros; al rey le interesa mucho la moda y Buckingham es como el icono de la moda del siglo XVII, así que lo pasamos muy bien con la idea de la moda a lo largo de la película”, señala. DISEÑO DE PRODUCCIÓN Paul Austerberry comenta sobre el aspecto y el ambiente de la película: “Es una versión moderna de una película de época. Se supone que está evidentemente ambientada en el siglo XVII, pero hemos incorporado un montón de elementos modernos; es estilizada, con líneas limpias y sencillas y una paleta de colores muy vivos. Es más como una película de época de cómic que un verdadero drama de época”. Prosigue hablando sobre el estilo del director y cómo influyó en las decisiones que había que tomar en cuanto al elemento del rodaje en exteriores de la película: “A Paul Anderson le encan-

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tan los planos generales. Eso es fantástico para el departamento artístico, porque siempre quiere mostrar todo el trabajo que hacemos. A Paul le gusta que las cosas queden muy simétricas, lo que lo dota todo de un aspecto muy estilizado. Todo lo que hacemos utiliza una lente de gran angular, normalmente una lente de 18 mm, y todo se ve más grande de lo que realmente es. Hemos ido a todos esos lugares asombrosos, que ya son enormes, y hemos usado una lente de gran angular, cercana al suelo, que permite captar todo el mundo. Es fantástico, porque puedes mostrar todo el ambiente que rodea a estos maravillosos decorados, y resulta más realista para los actores. Lo que hace Paul es algo sutil, pero consigue que lo tengas todo ahí, justo delante de ti”. Como diseñador de producción, Austerberry formó parte del equipo de localización de exteriores que se decidió por Baviera para la mayor parte del rodaje en escenarios reales de Los tres mosqueteros. “No estaba seguro de qué esperar de las localizaciones,

pero son fantásticas. Andábamos buscando lugares italianos y franceses y, naturalmente, Baviera posee mucha arquitectura de influencia italiana. Mucha gente quería por aquel entonces sus Schloßes [palacios] diseñados al estilo italiano, o tener parte de una gruta italiana construida en su terreno, así que logramos encontrar muchos edificios del estilo adecuado en el sur de Alemania”. Sin embargo, rodar en escenarios reales presentaba toda una serie de complicaciones, como Austerberry explica: “Para empezar, necesitábamos conseguir permisos para rodar en estos lugares protegidos. Algunos de los sitios en los que queríamos filmar estaban muy protegidos por su sociedad histórica, así que era difícil acceder a ellos. Cuando lo logramos, tuvimos que decorar cada escenario. Muchos de nuestros artículos eran objetos auténticos del siglo XVII de Francia. Por cada mueble que llevábamos a los edificios, teníamos que presentar un certificado que declarara que no tuviera un pasado cuestionable, para asegurar que no metiéramos www.cinemascomics.com


termitas en los Schloßes”. En cuanto al uso del color, Austerberry señala: “Hemos intentado forzar los límites del color y el estilo en todos los aspectos posibles. Por ejemplo, el despacho de Richelieu es una enorme sala de techos altos, completamente pintada de blanco, con detalles muy pequeños de negro y dorado. Es increíblemente fría y austera, lo que supone un marcado contraste con el rojo sangre de la sotana del cardenal y los uniformes de sus guardias, que van vestidos de rojo, con lustrosas armaduras negras”. Austerberry comenta sobre la creación de las aeronaves de la película: “Lo cierto es que los dirigibles no existieron hasta el siglo XVIII. No obstante, hay muchas ilustraciones del siglo XVII de aeronaves, y solían representarse como navíos normales que cuelgan bajo un enorme globo de aire. Supongo que, así, si amerizaban, podían mantenerse a flote. Llevamos esa idea al extremo y basamos nuestra aeronave en un galeón de la época, ligeramente modificado, y suspendido bajo un enorme globo. La visión que tenía Paul de estas aeronaves era que venían a ser como una Estrella de la muerte del siglo XVII, la primera vez que la viéramos cernirse sobre el Louvre en París tenía que parecer enorme. Nos tomamos grandes libertades con la gravedad y la física, lo que nos permite convertirlo en un vehículo impresionante”. Austerberry explica cómo trabajar en un plató 3D afecta a su trabajo como diseñador de producción: “Esta es mi primera película en 3D. No es radicalmente distinto, porque siempre me gusta ofrecer un primer plano, un plano medio y un fondo. Sin embargo, en 3D tengo que pensarlo un poco más. No puedo acercar demasiado las cosas a la cámara; tenemos que dejar espacio para el equipo extra en el plató, porque las cámaras son mucho más grandes y precisan a más personas trabajando en ellas. Esto fue especialmente cierto en el interior de la aeronawww.cinemascomics.com

ve, donde tuvimos que ampliar el plató para hacer hueco para que la cámara, el equipo técnico y los actores pudieran entrar todos en el casco del barco”. “También he tenido ocasión de jugar con las capas”, prosigue Austerberry. “Es especialmente impresionante cuando la cámara atraviesa las capas, y objetos que no sabías que estuvieran ahí de repente saltan en 3D. Ha sido muy divertido”. MOSQUETEROS EN 3D Para el equipo de realización, la decisión de rodar en 3D resultó muy sencilla: “Rodamos en 3D porque Paul no quiere rodar en ningún otro formato”, afirma Bolt. “Tras haber filmado Resident Evil: Ultratumba en 3D, es un completo converso. Para él, viene a ser equivalente a cuando se introdujo el sonido en el cine, a principios del siglo pasado. No puedo plantearle proyectos a Paul a menos que pueda rodarlos en 3D. Paul tiene un estilo sumamente visual, le encanta la sime-

tría, los objetos en primer plano, plano medio y de fondo. El 3D no funcionaría con un director mucho más interesado en la palabra escrita, es un medio que entraña un tremendo reto visual, y el director tiene que ser visualmente brillante para sacarle el máximo partido”. Aunque Paul W.S. Anderson ya es conocido por sus trabajos en 3D, se trataba de un nuevo medio para el joven Lerman, en su labor ante las cámaras. “No había estado nunca antes en un plató 3D, así que todo el mundo de la tecnología 3D me sonaba a chino cuando empezamos. Estaba entusiasmado por aprender cómo se hacían las películas en 3D. La verdad es que, como actor, yo diría que en ciertos aspectos es más sencillo, porque puedes ver una reproducción digital, de gran calidad y en 3D, es alucinante poder ver exactamente lo que se está rodando”. Jovovich, que ya tiene experiencia rodando en 3D, explica lo que el medio aportará a Los tres mosqueteros: “Creo que Paul va a alcanzar nuevas cotas con el 3D en Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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lealtad y amistad, espero que sea tan pertinente y relevante como sea posible”.

esta película. Nadie había filmado hasta ahora una obra histórica en 3D y sin embargo encaja perfectamente con la época. Cuando veas esos asombrosos castillos, paisajes, jardines y vestuario en 3D, será como meterse en un cuento. Los espectadores podrán ir al cine y meterse de lleno en un tiempo pasado, lleno de riqueza y belleza. Hasta ahora no se había visto nada así en 3D”. Lerman se muestra de acuerdo: “Mucha gente me ha preguntado por qué queríamos hacer una nueva versión de Los tres mosqueteros en 3D. Lo cierto es que hoy día disponemos de una tecnología verdaderamente impresionante y el 3D te transporta directamente a esa época de una manera que no lo había conseguido ninguna otra versión de Los tres mosqueteros hasta ahora. Te ves completamente inmerso, te pones las gafas y te sientes allí, en medio de la acción”. El productor Robert Kulzer agrega: “Creo que todas las grandes películas de aventuras se rodarán a partir de ahora en 3D. Todos teníamos la clara sensación tras Resident Evil: Ultratumba de necesitar encontrar el próximo gran espectáculo que pudiéramos rodar en 3D. Esta película es perfecta, porque tenemos esas obras de arquitectura increíblemente simétricas, esos hermosos edificios, castillos y parques, que se prestan perfectamente a la foto-

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grafía en 3D. Creo que aportará mucho valor al filme, no solo para los aficionados al cine de acción, sino también para los aficionados a los edificios históricos o de la belleza en general. Experimentarán estos lugares de una manera que no lo habían hecho nunca, a través de la magnífica fotografía en 3D”. LO QUE PUEDEN ESPERAR LOS ESPECTADORES Jeremy Bolt nos cuenta lo que podrán encontrarse los espectadores cuando Los tres mosqueteros en 3D llegue a las salas de cine: “Pueden esperar algo que no han visto nunca, las espadas se moverán más rápido de lo que han visto jamás en una película con espadas, el vestuario será más vistoso de lo que puedan imaginar, la acción parecerá más propia de una película de ciencia ficción, los escenarios serán impresionantes y la historia es inolvidable”.

Asumir el papel de Porthos resultó muy divertido para Stevenson: “Cuando iba al cine de niño, siempre había esta clase de aventuras épicas en la gran pantalla y encontrarte haciendo una de ellas en la vida real es como vivir un sueño. Hemos tenido que cabalgar a caballo y luchar con espadas, es una forma increíble de vivir tu vida y de ganarte la vida. Si vamos a trabajar todos juntos y queremos a entretener a la gente, hay que dejarse llevar por ese espíritu de aventura. Todo el mundo necesita sentirse encantado, a veces tienes que dejarte llevar en un inspirador viaje de emociones y aventuras, y esa es la esencia de Los tres mosqueteros”. Stevenson explica lo que le entusiasma de la versión de Los tres mosqueteros de Paul W.S. Anderson: “Espero que sirva para proporcionar una gran aventura a esta generación. Demostrarles que todavía hay sitio para la auténtica emoción y ese espíritu de salir y experimentar la vida y ponerte en marcha de buen corazón. Sería estupendo si esta película sirve para que al menos una persona diga: ‘Basta de videojuegos, voy a subir a la cima de esa montaña, voy a hacer una travesía en barco, voy a construir una escuela en esa selva tropical’. Todavía se pueden vivir aventuras, están todas ahí fuera, esperando”.

“No es que tengamos intención de ser unos mosqueteros diferentes”, señala Macfadyen, “sino más bien unos mosqueteros para una nueva generación. Contamos con un gran guión, unos maravillosos equipos técnico y artístico, escenarios extraordinarios, y creo que todos esos ingredientes nos permitirán crear de manera natural una versión diferente de lo que ya es de por sí una excelente historia sumamente divertida. Con sus temas universales de amor, www.cinemascomics.com


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Paul W.S. Anderson Dirigiendo y adaptando a su aire Por José Joaquín González


Amado por unos y despreciado por otros, Paul W.S. Anderson sigue siendo a día de hoy un claro ejemplo del estilo de cine que ha predominado desde que a principios de los 90 los videojuegos y el Séptimo Arte emprendieran su truculenta amistad con cintas tan ridículas como “Mario Bros” y “Street Fighter: La última batalla”. Y es que aunque los inicios de este tipo de adaptaciones no fueron aceptadas con agrado, el señor Paul W.S. Anderson puede presumir de, además de haber realizado una de las primeras adaptaciones de videojuegos al cine, convertirse en el primer director que sacó rentabilidad a un género (el de las adaptaciones de videojuegos) que desde entonces iría acumulando títulos con más o menos acierto. En este mes de septiembre Paul W.S. Anderson vuelve a la gran pantalla estrenando su particular adaptación del clásico de Alejandro Dumas “Los tres mosqueteros”, y aprovechando que su nombre sonará bastante en las

próximas semanas hemos decidido dedicarle un especial en el que repasaremos un poco de su vida y su filmografía. Británico de nacimiento, Paul Willian Scott Anderson (1965) comenzó su carrera en el mundo del cine y la televisión creando el guion para algunos episodios de la serie “El C.I.D.”, una curiosa propuesta inglesa protagonizada por Alfred Molina que, jugueteando con el nombre de uno de nuestros héroes patrios medievales, presentaba a un militar jubilado que se traslada a España con la misión de controlar a un grupo de gánsteres exiliados de Gran Bretaña. Gracias a este trabajo su nombre empezó a ganar relevancia en el mercado inglés y se le dio la oportunidad de dirigir su primera película: “Shopping: de tiendas”. Protagonizada por un joven y bastante novato Jude Law (“Sherlock Holmes”), “Shopping” (1994) nos contaba la historia de un grupo de ladrones que asaltaban tiendas empotrando sus coches contra los

escaparates. La cinta, que en nuestro país no es especialmente conocida, fue prohibida en algunas salas de cines de Inglaterra y supuso el paso previo a la consagración del Paul W.S. Anderson como realizador de cine comercial. Poco más tarde y gracias a la repercusión de su primera cinta, Paul era seleccionado para dirigir la adaptación al cine del videojuego “Mortal Kombat”, una franquicia que por entonces se consideraba la rival directa de “Street Fighter” y como tal también debería tener su versión cinematográfica. Christophert Lambert (que comenzaba a ver cómo su carrera entraba en un declive importante) fue elegido para liderar a un grupo de actores más o menos conocidos que tendrían que dar vida a este videojuego que se había hecho famoso principalmente por su violencia. La cinta, sin ser ninguna maravilla, captaba la esencia de un producto en boga por entonces y sorprendió con una recaudación de taquilla

Imagen de Mortal Kombat. 1995.

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Fotograma de “Horizonte Final” 1997, film protagonizado por Sam Neill (“Parque Jurásico”) y Laurence Fishburne (“Matrix”).

que permitiría a su director empezar a elegir los proyectos en los que quería trabajar. Lamentablemente para Paul, su primera elección, “Soldier”, una cinta protagonizada por Kurt Russell, tendría que esperar a que el actor estuviera libre, con lo cual y para no perder el tiempo, aceptó dirigir “Horizonte Final” (1997), un thriller de ciencia ficción escrito por Philip Eisner (“Las Crónicas Mutantes”) y protagonizado por Sam Neill (“Parque Jurásico”) y Laurence Fishburne (“Matrix”) en el que una nave de rescate deberá investigar la reaparición del “Event Horizont”, una nave científica desaparecida hace años, en una misión que desvelará los peligros de los viajes a través de agujeros negros. Aunque el film fue masacrado por la taquilla obtuvo unos réditos importantes en el mercado domestico, convirtiéndose con el tiempo en un producto de culto que conseguía cautivar a seguidores del genero. www.cinemascomics.com

Un año más tarde, y con la liberación de proyectos de Kurt Russell, Anderson emprendía la dirección del que sería su mayor fracaso, “Soldier” (1998), una película de la que no se pueden resaltar muchas virtudes y de la cual su guionista (David People, co-autor de guiones tan reseñables como los de “Doce monos”, “Sin perdón” o “Lady Halcón”) tuvo la poca vergüenza de decir que estaba ambientada en el mismo universo que “Blade Runner”. El argumento giraba en torno a Todd (Russell), un soldado que entrenado desde la infancia queda obsoleto por la aparición de una nueva generación de guerreros creados genéticamente en laboratorios. La cinta perdió más de cincuenta y tres millones de dólares y se convirtió en una lacra para Anderson y la sentencia de muerte para la carrera del guionista que ideó tal despropósito. Después de este tropiezo y con la confianza de los productores

por los suelos, Anderson volvió a la televisión con un guion propio para un telefilm británico titulado “Pulsión” (2000) en el que el realizador y guionista intentó alejarse por completo de la ciencia ficción (dos malas experiencias en ese terreno le harían aprender... ¿o no?) para contar una historia sobre un joven arquitecto (Andrew McCarthy, “Las crónicas de Spiderwick”) que se ve atormentado por siniestras e inquietantes visiones. Tras esta pausa en su carrera hollywoodiense, recibiría la oferta de dirigir y escribir su propia adaptación del videojuego “Resident Evil” (2002) con la cual además de recuperar la confianza de las productoras (la cinta costó 38 millones y recaudó más de 100) y volver a convertirse en un director agraciado por la fama, conocería a Milla Jovovich, protagonista absoluta de la saga y musa de este director, con la que comenzaría un romance que le llevaría a Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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Paul W. Anderson junto a su esposa la actriz Milla Jovovich en el rodaje de “Resident Evil: Ultraumba” 2010.

los altares en 2008. La adaptación de Resident Evil interpreta de forma bastante liberal los sucesos narrados en los videojuegos y estuvo rodeada de polémica ya que el guion original (Paul se encargó de reescribirlo) estaba escrito por George A. Romero (¿de verdad no sabes que es el creador del zombi moderno y director de “La noche de los muertos vivientes” y demás clásicos del cine Z?) y según los que tuvieron acceso a él, parece que además de ser mucho más interesante, era más fiel al espíritu del videojuego. En 2004 el protagonista de nuestro articulo volvería a dirigir una adaptación, aunque en este caso no se trataría de un videojuego sino de una más que solvente saga de comics de la compañía “Dark Horse” que se vio bastante humillada por el trabajo realizado en su traspaso al mundo del celuloide. Estamos hablando por supuesto de “Aliens vs Preda-

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tor” una mezcla que en el mundo del tebeo funcionó bastante bien pero que en cines solo contentó a sectores poco exigentes, siendo vapuleada por la crítica y los aficionados pero consiguiendo una recaudación mas que solvente (172 millones de dólares frente a los 60 que costó producirla). Curiosamente, (supongo que debido a compromisos adquiridos previamente) en 2006 Anderson volvería al mundo de los telefilmes para dirigir una producción de Touchstone Television protagonizada por Jason O`Mara (Albert Wesker en “Resident Evil: Extinción” y próximo protagonista de la serie “Terra Nova”, que cuenta con Steven Spielberg como productor) y de titulo “Drift”, cuya trama gira alrededor de un policía aquejado por el insomnio. Tras dicho telefilme, y con los productores bien satisfechos por el éxito de “Alien vs Predator”, em-

prendería la dirección de “Death Race” (“La Carrera de la Muerte”, 2008), un remake de la cinta que en 1975 protagonizara David Carradine (“Kung-Fu”) y Sylvester Stallone bajo el titulo “Death Race 2000”. En la nueva versión, protagonizada por Jason Statham, el argumento se repetía mostrándonos un futuro no muy lejano en el que las carreras a muerte entre reclusos se convertían en un macabro “reality” que hace furor entre la población de una sociedad con problemas de superpoblación reclusa. La recepción no fue del todo mala, y aunque recaudó prácticamente el doble de lo invertido hay quienes la tachan de haber perdido el humor negro que desprendía la original (cinta que en 1975 lucia como atracción el siguiente lema: “En el año 2000 atropellar conduciendo no es un crimen, es el deporte nacional”). Y poco a poco llegamos al año 2010, año en el que Anderson rewww.cinemascomics.com


Paul W. Anderson dando instrucciones a Luke Evans (Aramis) en su particular versión de “Los tres mosqueteros” de Alejandro Dumas

gresaría a la franquicia “Resident Evil” para dotarla de la tecnología de moda en el mercado cinematográfico: la filmación en 3D. Bajo una campaña publicitaria en la que aseguraban que la nueva entrega de las aventuras de Alice estaba grabada con el mismo sistema que la superventas “Avatar”, “Resident Evil: Ultratumba” lograba obtener la mayor recaudación de la franquicia (296 millones de dólares) originada a partir del mítico videojuego de Capcom, y del cual cada vez quedaban menos elementos reconocibles. Ahora en el año 2011, y tras once títulos plagados de altibajos, el autor vuelve a la carga con una versión que seguramente hará que Alejandro Dumas se retuerza en su tumba al ver en qué han convertido su novela “Los tres mosqueteros”. Y es que aunque aún no he visto más que el trailer y algunos clips (la cinta se estrena el 30 de septiembre en nueswww.cinemascomics.com

tro país), puedo asegurar que lo único que conserva esta cinta de la novela original son los nombres de los protagonistas. Sé que aún es pronto para juzgarla (y sinceramente no sería justo) pero ver a D’Artagnan, Porthos, Aramis y Athos sumidos en esta versión steampunk (ese universo plagado de avanzadas maquinas de vapor) no hace otra cosa más que pasarse por el forro una de las obras clásicas de la literatura universal del siglo XIX. La cinta está protagonizada por Milla Jovovich (¡cómo no!), quien se verá acompañada por actores tan populares como Logan Lerman (“Percy Jackson y el ladrón del rayo”), Juno Temple (“El caballero oscuro: La leyenda renace”), Christoph Waltz (“Malditos bastardos”), Ray Stevenson (“Thor”), Luke Evans (“Furia de Titanes”) y Orlando Bloom (“El Señor de los Anillos”) en esta, sin lugar a dudas, excesiva moderni-

zación del clásico que probablemente recibirá una buena acogida por parte del público, posibilitando de esa manera llevar a un nuevo nivel la próxima entrega de “Resident Evil”, titulada de momento como “Retribution”, y que de nuevo volverá a estar dirigida por este semi-exitoso director, que a través de estos años parece haberse especializado en adaptar historias ya conocidas, eso sí quitando y poniendo lo que a él le parece hasta el punto de que al final casi siempre nos encontramos con algo muy distinto a lo que esperábamos.

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criticas

Super 8

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Por David Larrad

Ciencia Ficción / Fantástico / EEUU / 2011 / 112 minutos / Paramount Pictures / Amblin Entertainment / Bad Robot / Relativity Media Director: J.J.Abrams. Actores: Joel Courtney, Riley Griffiths, Elle Fanning, Ryan Lee, Gabriel Basso, Zach Mills, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, David Gallagher, Glynn Turman, Amanda Michalka. Guión:J.J. Abrams. Música: Michael Giacchino.

“Super 8” es un homenaje a los films de nuestra infancia que tanto nos gustaron en su época, estamos hablando de “Los Goonies”, “E.T.” y demas productos de Amblin Entertaiment como “Gremlins” o “Regreso al Futuro”. Cine de aventuras con mayúsculas, con una historia entrañable, unos protagonistas desconocidos pero muy solventes y que si eligen bien sus próximos proyectos pueden tener mucho futuro en el mundillo de Hollywood. Además se le añade unos buenos efectos especiales y un par de escenas de acción de mucho mérito, como por ejemplo el choque del tren o la invasión del pueblo por parte del ejercito americano. “Super 8” trata sobre un grupo de jóvenes que quieren rodar un cortometraje sobre zombies, cuando

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están grabando en una estación, un tren pasa a toda mecha pero una camioneta se interpone en su camino y descarrila, los jóvenes lo presencian todo y la cámara sigue rodando. Empiezan a pasar cosas raras en el pueblo, los perros desaparecen, la luz viene y va, y los electrodomésticos son robados. El ejercito toma el pueblo, mientras la policía solo quiere comprender lo que pasa, los únicos que saben los sucedido son el grupo de jóvenes que están dispuestos a todo por desenmascarar la verdad. “Super 8” es una gran película que une una buena historia de el típico monstruo-alien que amenaza con el pueblo con unas subtramas que le da riqueza como la muerte de la madre de uno de los jóvenes y la relación que tiene este con su padre después de lo sucedido. Así que los protagonizas se hacen reales y puedes empatizar lo suficiente con ellos para

que te interese lo que les ocurre y las aventuras que viven. Puede que la película se haga en varios tramos un tanto lenta, pero eso lo ameniza con escenas de acción y el suspense de las incógnitas que van surgiendo, como que son las piezas metálicas o cual es el verdadero aspecto del monstruo, que solo veremos al final. El casting es muy acertado tanto por parte de los jóvenes como los adultos, ya que son buenos actores pero no súper estrellas que podrían acaparar la atención aquí el verdadero protagonista es la historia en si y no hay nadie que le haga sombra. Hay que tener una mención especial para la pareja protagonista Joel Courtney y Elle Fanning, que están fantásticos.

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Conan el bárbaro

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Por David Larrad

Comics / Fantástico / EEUU / 2011 / 112 minutos / Lionsgate Films / Nu Image Films / Paradox Entertainment Director: Marcus Nispel. Actores: Jason Momoa, Rachel Nichols, Stephen Lang, Rose Mcgowan, Ron Perlman, Bob Sapp, Leo Howard, Saïd Taghmaoui, Steve O’Donnell, Raad Rawi, Nonso Anozie, Milton Welsh. Guión: Thomas Dean Donnelly, Joshua Oppenheimer (Personaje: Robert E. Howard). Música: Tyler Bates.

“Conan: El Bárbaro” es de esas películas que vas a ver al cine para entretenerte, ver mucha acción y pasar un buen rato, pero el director Marcus Nispel y el guionista Dean Donnelly han hecho una mezcla chapucera de otros films, ya sabíamos que en cuanto a banda sonora jamás podrían alcanzar el nivel de “Conan el bárbaro” de John Milius, pero es que el resto tampoco esta ni a la altura de sus zapatos. Dos problemas fundamentales que hacen que la película no llega a ser atractiva; el primero es la historia, siendo el mundo creado por Robert E. Howard tan grande y basto, han cogido una parte que ya esta muy vista y resulta poco innovadora, por tanto culpa del guionista. Pero el segundo problema es de realización, la cámara está todo el rato en movimiento, pero como www.cinemascomics.com

si tuviera tembleque el que la maneja, las escenas de acción son demasiado rápidas y descontroladas, lo que hace que no puedes recrearte en ellas ni admirarlas, lo único bueno de todo esto es que la película tiene un ritmo de vértigo, van a una zona y luchan, acto seguido aparecen en otra zona y vuelven a luchar, para ir a otro lugar y que casualidad se ponen a luchar otra vez. Los decorados son un poco indignos de la época actual en la que vivimos, además de pasar por varios templos en ruinas, vamos que se supone que los habitantes, en especial los monjes de la ciudad donde vive Tamara no tienen cosas más importantes que hacer que adecentar el lugar donde viven, ya que todas las paredes están llenas de maleza seca y en ruinas. Algunos malos son de chiste como el que no tiene nariz o el que con-

trola al pulpo en la fortaleza, si se hubieran intentado hacer un poco más realistas los espectadores lo hubiéramos agradecido, pero en vez de eso te quedas diciendo venga cargártelo ya y pasa a la siguiente zona a luchar con el siguiente. Los actores básicamente hacen lo que pueden, eso si Jason Momoa es un autentico héroe de acción, con la espada no tiene rival, siempre y cuando no abra la boca, ya que al pésimo y forzado doblaje, no ayuda nada los diálogos que tiene. Rose McGowan esta sencillamente horrible, los únicos que se salvan podrían ser Ron Perlman, que suele ser un seguro de vida ya que suele estar siempre correcto y Stephen Lang ese actor que nos gustó tanto de Coronel en “Avatar” ahora también hace un papel parecido.

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Cowboys and aliens

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Por David Larrad

Ciencia Ficción / Comics / Western / EEUU / 2011 / 118 minutos / DreamWorks SKG / Imagine Entertainment / Kurtzman/ Orci / Platinum Studios / Universal Pictures Director: Jon Favreau. Actores: Daniel Craig, Olivia Wilde, Harrison Ford, Noah Ringer, Sam Rockwell, Paul Dano, Abigail Spencer, Keith Carradine, Ana de la Reguera, Clancy Brown, Walton Goggins. Guión: Alex Kurtzman, Roberto Orci, Damon Lindelof, Mark Fergus, Hawk Ostby (Cómic: Fred Van Lente, Andrew Foley) Música: Harry Gregson-Williams.

“Cowboys & Aliens” trata sobre un hombre que despierta en el desierto sin recordar nada de su pasado, lo único que sabe es que tiene un extraño brazalete en el brazo, después de un encontronazo con unos malechores llega a un pueblo donde tiene problemas con la ley, cuando están a punto de trasladarlo para que lo juzguen unas naves espaciales llegan y raptan a la gente, un grupo de cowboys se junta para ir a rescatarlos. Crítica: “Cowboys & Aliens” es una mezcla de géneros que son bastante diferentes entre ellos como es el western y la ciencia ficción, lo que en principio podría ser una buena idea enseguida ve-

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mos que el guión flojea un poco, ya que no acaban de cuajar ninguno de los dos géneros. Aunque es una adaptación de un comic, vemos que ni siquiera se lo habrán leído por que solo toman el nombre y la idea, ya que las diferencias son demasiadas, sobre todo en la parte de los aliens ya que no tienen nada que ver unos con los otros, mientras que en la novela gráfica hablaban, tenían un líder y unos ideales, lo que es la película tan solo atacan, matan y roban el oro. Se podría haber hecho que tuvieran mas personalidad y no que solo fueran unos monstruos aniquiladores.

cativa es el personaje de Olivia Wilde, en la película interpreta a Ella Swenson una joven con un misterioso pasado que no desvelaremos, pero su equivalente en el comic seria una mezcla entre el oficial técnico Kai y la intrépida Verity, es decir han cogido un alien renegado que se apiada de los humanos y una vaquera para hacer una mezcla en la película. Los efectos especiales están bastante bien hechos, eso si los efectos sonoros están cogidos de la base de datos de Star Wars ya que cuando las pequeñas naves atacan tienen el mismo audio que las naves de la saga de George Lucas.

La otra diferencia mas signifiwww.cinemascomics.com


Noche de Miedo

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Por Carlos Gallego

Terror / Comedia/ EEUU / 2011 / 106 minutos / DreamWorks SKG / Gaeta / Rosenzweig Films / Michael De Luca Productions / Reliance Big Entertainment Director: Craig Gillespie. Reparto: JAnton Yelchin, Colin Farrell, David Tennant, Imogen Poots, Toni Collette, Christopher MintzPlasse, Dave Franco. Guión: Marti Noxon (Remake: Tom Holland). Música: Ramin Djawadi

La cinta cuenta la historia de Charley Brewster (Anton Yelchin) uno de los estudiantes más populares y novio de la chica más guapa del instituto. De hecho, se siente tan importante que ha comenzado a dejar de lado a su mejor amigo Ed (Christopher Mintz-Plasse). Pero las cosas se complican cuando Jerry (Colin Farrell) se muda al lado de su casa. Al principio, su nuevo vecino parece genial, pero con el paso del tiempo, algo en su comportamiento resulta raro. Desafortunadamente, nadie, ni siquiera la madre de Charley (Toni Collette), parece notarlo. Después de observar que en la casa de al lado pasan cosas extrañas, Charley llega a una ineludible conclusión: Jerry es un vampiro que se sirve del vecindario para cazar sus presas. Ante www.cinemascomics.com

la incredulidad de los demás, el protagonista acude al reconocido ilusionista de Las Vegas Peter Vincent (David Tennant) para que lo ayude y guíe antes de tomar el tema en sus propias manos y así deshacerse del monstruo. Noche de Miedo. Realmente me he llevado una grata sorpresa con el film, parece que cuando ves una película que trata de un remake llegas condicionado con el recuerdo de la película original, pero finalmente me ha resultado entretenida de principio a fin, teniendo un buen equilibrio entre las escenas de acción y sangre con la de comedia, y actualizando muy bien a nuestros tiempos el título de los 80. Una buena peli de vampiros, lejos de la imagen de los vampiros que

tan de moda está ahora, como la saga crepúsculo o la serie “Crónicas Vampíricas”, con cantidades de sangre suficiente comop para contentar a los amantes del género y un vampiro interpretado por Colin Farrell que da mucho miedo toda la peli, realmente esta sorprendente, se nota que se lo paso en grande durante el rodaje, y que el mismo ha reconocido ser fan de la película de los 80, Jóvenes ocultos o Los viajeros de la noche. También destacar al resto del elenco desde Anton Yelchin (Star Trek) a David Tennant (Dr. Who) que resulta muy acertado y como no la aparición de Christopher Mintz-Plasse, que aunque repite el rol de Frikie de otras películas suyas siempre es un placer verlo en pantalla.

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Arriety y el mundo de los diminutos «««««

Por Francisco Nieto

Animación / Japón / 2010 / 94 minutos / Studio Ghibli / Dentsu Inc. / Hakuhodo DY Media Partners / Mitsubishi Corporation / NTV / TOHO Director: Hiromasa Yonebayashi. Voces V.O.: Mirai Shida, Shinobu Ohtake, Tatsuya Fujiwara, Kirin Kiki. Guión: Hayao Miyazaki (Novela: Mary Norton) Música: Cécile Corbel.

El Studio Ghibli sigue demostrando a golpe de calidad que hoy por hoy se encuentra a años luz de sus competidoras en cuanto a cine de animación se refiere. Seguramente sus proyectos no superarán el equipo humano y económico de estudios tan potentes como Píxar o Dreamworks, pero sus acabados son tan perfectos, tan incontestables, que sólo nos queda levantarnos del asiento y aplaudir por los buenos ratos que nos hacen pasar en el cine. Arriety y el mundo de los diminutos es el penúltimo trabajo de

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esta fábrica contínua de ilusiones que está a punto de estrenarse entre nosotros (el último, que aún tardará un tiempo en llegar a las plateas hispanas es Kokuriko-Zaka Kara, dirigido por Goro Miyazaki). Partimos de la base de dos personajes principales con discapacidades manifiestas que les colocan en oposición al mundo: Arriety es liliputiense, lo que la limita a la hora de descubrir lo que hay más allá de las cuatro paredes del sotano en el que habita junto a sus padres y Sho, que está aquejado de una grave dolencia cardíaca que le impide relacionarse con los

demás niños de su edad. Ambos se encontrarán y desarrollarán una efímera amistad que se verá truncada por los universos tan distantes a los que pertenecen. A partir de ahí el debutante Hiromasa Yonabayashi nos ofrece un auténtico regalo teñido en verde que se impregna en las pupilas del atónito espectador. Escenas como aquélla en la que la pequeña protagonista acompaña a su padre por primera vez en una peligrosa expedición con el objetivo de coger prestado un terrón de azúcar, o la divertida secuencia en la que Haru, la perversa cuidadora de Sho intenwww.cinemascomics.com


ta explicar la presencia de Los Borrower en la casa, valen por sí solas el precio de la entrada. Si Hayao Miyazaki se ha caracterizado siempre por significar una elegía a la gloria de la Naturaleza, el director de Arriety le añade un salpicón de suntuosos colores, brillantes, que nos recuerdan en ciertos momentos a Los Sueños de Akira Kurosawa o los cuadros de Renoir o Monet. Es innegable que Yonabayashi ha creado su propio estilo bajo la influencia de los maestros del Studio Ghibli, sabiendo incorporar a su narrativa el tributo sus maestros sin dejar de imponer su propia personalidad. Con él y con Goro, el hijo de Hayao Miyazaki, el futuro del Studio está más que garantizado, lo que presupone un auténtico alivio para todos los que somos acérrimos de estas pequeñas joyas de orfebrería. Otro acierto que cabe reseñar en este film es la intimista www.cinemascomics.com

y maravillosa banda sonora compuesta para la ocasión por Cecile Corbel, una música que nada tiene que envidiar a la compuesta por Joe Hisaishi para tantos y tan recordados clásicos de Miyazaki. Esta representante privilegiada del arpa compone una sucesión de melodías de arraigue celta que combinan perfectamente con la armonía y calma que impregna cada fotograma. La consonancia es tal que no tienes más remedio que dejarte arrastrar por la comunión de música e imágenes. En este aspecto hay que agradecerle a Hayao Miyazaki, que es quien firma el guión del film, que los diálogos se adapten con nitidez al sosiego y el silencio que impera en el conjunto. Se utilizan las frases precisas para crear una atmósfera emocional irrepetible, que tienen su punto culminante en toda la parte postrera, aquélla en la que las despedidas rezuman tristeza y

melancolía y se nos enseñan valores como puños. Aquí no se trata ni de acumular acción y aventura ni de recrear la estética desenfrenada de un videojuego. Se trata sólo de darnos una lección de buen cine, un cine enhebrado en pequeños detalles, en sutiles recuerdos de una infancia que se nos fue y que nunca volverá. Una auténtica obra maestra que el tiempo colocará donde merece, y un debut más que prometedor de un director del que esperamos con ferviente voracidad su próximo trabajo. Lo mejor: Sus apabullantes elecciones estéticas. Lo peor: Que pase desapercibida por culpa de un estreno limitado.

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ENTREVISTA

STUART CONRAN ¿HORDAS INFINITAS DE ZOMBIS? UNA GRAN EXPERIENCIA Por Diego Sánchez Cuando la mayoría de niños de su edad dormían y soñaban con ser vaqueros, él se deslizaba entre las sombras de la madrugada para ver vampiros, muertos vivientes y criaturas del más allá. El cine de terror de la Hammer fue su inspiración en una edad en la que la mayoría de niños daba patadas a una pelota en el jardín. Ahora, Stuart Conran puede decir que ha trabajado en la creación de algunos de los momentos más sangrientos y divertidos del cine reciente y junto a oscarizados directores como Peter Jackson y Steven Spielberg. ¿Cuando empezó tu interés por el maquillaje? Creo que fue cuando tenía unos siete años. Empecé con los más grandes, con los filmes de terror de la Hammer. Los domingos de madrugada me escabullía por las escaleras de mi casa y bajaba al salón para ver las películas a las dos de la mañana. Era un poco pequeño todavía y me asustaban muchísimo, pero al mismo tiempo me atraían tanto que no podía parar de verlas… Me llamaban mucho la atención los calores oscuros, la sangre y todo el mundo que rodeaba a esas criaturas… Eras un poco joven para ese tipo de cine, ¿no?

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Si, demasiado, también me inspiraron mucho las criaturas de Star Wars pero estaba enganchado al cine de la Hammer. ¿Tienes alguna película favorita de la compañía? Quizá El cerebro de Frankestein (Frankestein must be destroyed – 1969). Tiene todos los elementos del horror clásico. Es una buena historia, muy buenas interpretaciones y buenos maquillajes. Lo tiene todo. ¿Cómo te introduces en el mundo profesional del maquillaje? Empecé a trabajar en el teatro de la escuela, haciendo los primeros maquillajes a mis amigos. Un día me propusieron trabajar en un proyecto de película hecho por estudiantes y acepté. Después, el chico que me contactó para ese proyecto consiguió un hueco en Aliens, de James Cameron, y cuando terminó me llamó y me dijo que necesitaban alguien para el siguiente proyecto; que me había recomendado. Así que empecé con una especie de training. La película se convirtió en un clásico del género, Hellraiser, aunque realmente yo me dediqué a hacer cafés, ayudando a los de maquillaje con pequeños detalles casi todo el rodaje, al final, eso si, conseguí hacer algunos efectos en

aquel proyecto. Fue todo gracias a estar en el lugar oportuno en el momento adecuado. Y así llegas a trabajar con Peter Jackson en Braindead o Steven Spielberg en Salvar al soldado Ryan… Si… Los trabajos llegan de recomendación en recomendación. Llegas de un trabajo a otro y no te paras a pensar en lo que está pasando. A alguien de un proyecto le gusta tu trabajo y te recomienda para algo concreto en otro y al final, miras atrás, y te das cuenta de haber trabajado con Peter Jackson y Spielberg. Es entonces cuando te das cuenta de la evolución que has conseguido. ¿Cuáles son las diferencias entre esos dos proyectos? La diferencia principal entre ambos proyectos es la escala, aunque los dos eran producciones considerablemente grandes para mi. La diferencia estaba en que Braindead era el primer gran proyecto en el que trabajaba. Para mí era una gran producción en un país pequeño. Claro que Salvar al soldado Ryan tenia una escala enorme desde el principio y sabía que iba a ser algo muy, muy grande… Todos los trabajos son diferentes y depende más del número de personas con las que trabaje. Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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A veces son equipos de diez o más personas, como en Zombis Party (Shaun of the dead) y el filme de Spielberg, donde cada persona hacía un trabajo concreto y específico. Otras veces estoy yo sólo o con un par de compañeros y hacemos todos de todo.

y disfrutamos de ello. No paraban de venir. Eran hordas infinitas de zombis. Y nosotros queríamos más para maquillar. Son experiencias que dan más opción a divertirse y bromear, el trabajo en Las Horas era más estricto y serio, pero se aprende mucho de ello también.

¿Cómo definirías tu trabajo?

Ahora mismo , ¿en qué estas trabajando?

Bueno, nos es tan fácil como parece. Me encargo de todo lo que envuelve al cuerpo de un actor, todo lo que se le puede añadir o quitar para la película: nariz falsa, perder brazos, añadir alguno de más, o pequeñas partes del cuerpo, pequeños detalles. Y claro, también grandes efectos especiales de maquillaje. Hago partes del cuerpo, prótesis, efectos especiales… Mi trabajo es un cruce entre varios departamentos: maquillaje, efectos especiales e incluso efectos visuales….

Acabo de terminar Attack the block, Básicamente hemos trabajado en salpicaduras de sangre, cortes de navaja, heridas y demás. No es muy gore pero lo justo para dar un efecto realista sin ser desagradable. ¿Hay algún director con el que no hayas trabajado pero desearías hacerlo?

Soy un gran admirador de las películas de Michael Mann. Trabajar en una película de Michael Mann seria increíble. Hace películas impresionantes, es un director increíble y creo que sería fantástico trabajar con él. Y tras la entrevista, Stuart Conran se zambulló entre el público que asistía al Empire Presents Big Screen en el O2 de Londres, eligió a un aficionado de entre el público que le esperaba e hizo un zombi de él. Demostrando así en vivo cómo se crean las criaturas más aterradoras y de moda de los últimos años del cine de terror: los zombis, una obra de arte que lleva horas de trabajo y que muchas veces no se valora en su justa medida.

¿Cuanto se tarda en crear un zombie? Unos 45 min. En Zombis Party tardábamos una hora y media. Puedes hacerlo rápido si no requiere primeros planos, pero también tardar mucho y darle muchos detalles si vas a necesitar acercar la cámara al maquillaje y que se vea bien. ¿Cual es la diferencia entre hacer zombis o un trabajo “más serio”, como Las Horas? En esa película trabajé en prótesis. Modelamos y esculpimos diferentes añadidos y partes del cuerpo de los actores, como la nariz de Nicole Kidman. Es un trabajo relativamente pequeño, creo que éramos cuatro en total en el equipo. Por ejemplo en Zombis Party éramos diez personas haciendo todos de todo… ¿Como fue esa experiencia? ¿Es más divertido trabajar en una película con efectos gore? Fue muy divertida, la verdad. Todos éramos amantes de los zombis

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ESPECIAL STAR WARS

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Darth vader, el viaje del héroe Por Gerard Fossas

Qué decir de Star Wars que no se haya dicho ya? Hace más de 30 años que George Lucas sigue expandiendo y modificando el universo que dio a conocer en 1977 con La Guerra de las Galaxias – Episodio IV: Una Nueva Esperanza, su última película como director hasta que en la década de los 2000 volvió tras las cámaras para mostrarnos la parte del camino omitida de inicio, el que lleva a Anakin Skywalker a convertirse en el malvado Darth Vader. Una maniobra muy hábil, sin duda, tanto narrativa como comercial porque resulta muy diferente y más atractiva la conexión con el público conocer primero al villano como tal en vez de conocerlo como el héroe caído que es en realidad. Precisamente Anakin/Vader es el protagonista de mi artículo. Todos sabemos que George Lucas miró más al frente que a los lados para concebir Star Wars, juntó cosas que le gustaban como el western, el cine bélico, las novelas de caballería, los relatos épicos de Kurosawa, la space opera de Flash Gordon o la Trilogía del Imperio de Tolstoi; pero sin duda la obra

que le sirvió de Piedra Rosetta no es ninguno de estos referentes, sino un libro titulado “El héroe de las mil caras”, del mitólogo Joseph Campbell. Se trata de un estudio en el que Campbell unifica un sinfín de mitos, leyendas, cuentos y relatos para trazar una línea común en lo que se conoce como el “viaje del héroe” y profundizar un poco en el psicoanálisis del héroe. A continuación repasaremos la saga de Star Wars rehaciendo el camino de George Lucas y siguiendo los pasos del héroe principal, Anakin Skywalker/Darth Vader, en su tortuoso viaje hacia su destino y el cumplimiento de la profecía por la que traería el equilibrio a la Fuerza.

La partida El héroe de una historia siempre es un individuo especial, que por sus habilidades, su talento o sus ideas tiende a alejarse de la masa, de lo que podríamos llamar el “arquetipo”, y convertirse en un individuo solitario con la misión y el destino de combatir y triunfar sobre las limitaciones

históricas y sociales que someten al resto. El inicio de este viaje es lo que se conoce como fase de partida, en la que el héroe asume su condición, acepta la llamada y emprende el viaje. En este sentido es normal que el héroe tenga un trato divino, como si de un dios se tratara, ya que al desmarcarse del arquetipo y gozar de poderes especiales, es decir, el dibujarse como un ser extraordinario, resulta a la vez admirado y temido, y dependiendo de la influencia que el amor o el odio de los otros ejerzan sobre él, el héroe se verá empujado hacia el bien o hacia el mal. Anakin Skywalker, como tantos héroes, tiene un nacimiento simbólico, casi mesiánico (otro rasgo común en la mitología heroica), cuando es engendrado por la Fuerza en el vientre de su madre y con una situación inicial en sus primeros años de vida de extrema humildad. Su destino inmediato original es ser un esclavo para siempre, una situación contraria en la que no puede explotar todo su talento y su poder, pero también una situación de privilegio


que se forja con el tiempo y que le permite vivir tranquilo junto a su madre con un trabajo que no le disgusta. La llegada de Qui-Gon Jinn es la llamada del héroe, y esta llamada implica varias cosas además de una invitación a la aventura. En primer lugar, representa una primera prueba que se resuelve en un despertar del Yo del héroe, algo que ocurre en “La Amenaza Fantasma” cuando Anakin tiene que echar mano de sus habilidades innatas con la Fuerza para ganarse su propia libertad en la carrera de Pods para poder abandonar Tatooine y emprender el

camino hacia su destino. Ahora bien, la llamada del mensajero es una arma de doble filo ya que, por otro lado, la libertad implica abandonar el entorno seguro y un salto al vacío, ya que abrirse al mundo también es abrirse a la oscuridad y a los peligros que allí se esconden, unos peligros sobre los que el héroe tiene que triunfar para no convertirse en un villano.

El camino hacia el umbral “La Amenaza Fantasma” está centrada en su totalidad en la llamada del héroe y la respuesta de éste para comenzar su via-

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je. En “El Ataque de los Clones”, con Anakin adulto y su formación como Jedi iniciada, se produce la fase de la negación, cuando Anakin empieza a sufrir pesadillas cada vez más perturbadoras en las que ve a su madre sufriendo y al borde de la muerte. Entonces se encierra de nuevo entre las paredes de su infancia y tiene la tentación de volver al punto de partida empujado por un sentimiento de culpabilidad por el abandono de su madre. El elemento protector, personificado en su maestro Obi-Wan, que a su vez lo heredó del fallecido Qui-Gon, abandona su función sobre Anakin por centrarse en otra misión, de

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modo que el joven padawan queda expuesto a las consecuencias de sus propias decisiones y, debido a su inmadurez, se aproxima por primera vez al lado oscuro y atraviesa, simbólicamente, lo que Campbell identifica como el primer umbral. Este umbral, en “El Ataque de los Clones”, es la suma de tres fases distintas: La primera es la respuesta de Anakin a sus instintos más oscuros, cuando asesina despiadadamente a los que han secuestrado y matado a su madre. Esta explosión de violencia, en principio comprensible, supone un primer ataque visceral que

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difiere totalmente de la doctrina Jedi y descubre el placer de Anakin por mostrar su superioridad con un abuso de poder y por la venganza. La segunda fase es la decisión unilateral de rescatar a Obi-Wan cuando éste es apresado, a pesar de avisar también al Consejo Jedi para que manden refuerzos y, finalmente, la tercera fase del cruce del umbral es su aproximación libidinosa prohibida con Padme, con la que acaba casándose a escondidas.

El vientre ballena

de

la

Al cruzar el umbral el héroe no

obtiene ninguna victoria, sino que es engullido por lo desconocido y es expuesto a las consecuencias de sus acciones, y al final del “Ataque de los Clones” quedan al descubierto todas las debilidades del joven Skywalker: En un combate desigual contra el Conde Dooku, Anakin pierde la mano y evidencia su inexperiencia como guerrero, una mano que luego es sustituida por otra de mecánica y que simboliza un primer paso hacia la transformación en Darth Vader. Por otro lado, se entrega a sus deseos y contrae matrimonio con su amada, adviniendo una repetición del episodio ocurrido con la pérdida de su madre pero con

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unas consecuencias mucho más terribles. Además, es también al final del Episodio II cuando el Canciller Palpatine se aproxima tentadoramente a Anakin para potenciar su ego y conseguir que sus sentimientos negativos y su ímpetu lo lleven al lado oscuro de la fuerza y se convierta en su aliado más poderoso.

El fracaso del héroe: nace Darth vader

“La Venganza de los Sith”, Episodio III de Star Wars, narra el descenso de Anakin a los infiernos y su conversión final en Darth Vader. En su fase de iniciación, teóricamente como Jedi, Skywalker se aproxima cada vez más hacia al

lado oscuro y su camino de pruebas están orientadas, en realidad, hacia su nacimiento como Sith. De este modo, logra ganar al Conde Dooku, al que acaba asesinando sin titubear, y en su misión de espiar al Canciller Palpatine para el Consejo Jedi termina decantando la balanza de fidelidad hacia el primero. El clímax de la transformación se produce cuando el joven aprendiz irrumpe en un duelo entre Palpatine, ya descubierto como Darth Sidious, y Mace Windu y Anakin toma la decisión que decide el destino de la galaxia con el estómago, dejándose llevar por sus sentimientos. Elige el lado oscuro por la falsa promesa de alcanzar un poder que le servirá para proteger a Padme y evitar que se repita el episodio ocurrido

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con su madre, volviendo a caer en el error de retroceder hacia su pasado en vez de enfrentarse al futuro. De esta decisión surge Darth Vader y su prueba final, que cumple con mano de hierro, es asesinar a todos los jóvenes Jedis que están en formación.

La reconciliación con el padre: héroe vs. elegido Al final del Episodio III se produce el acontecimiento, para mí, más relevante de toda la saga de Star Wars porque se reedita luego en “El Imperio Contraataca”: El combate entre padre e hijo. En “La Venganza de los Sith” Obi-Wan (que ejerce como padre www.cinemascomics.com


simbólico, tal y como lo reconoce Anakin) y Anakin se enfrentan en un duelo fratricida que se resuelve con el maestro, el padre, en una posición de fuerza y con el aprendiz, el hijo, derrotado. Obi-Wan le alarga su mano para decirle que el combate está terminado, que se rinda y vuelva con él al lado positivo de la Fuerza. No obstante, Anakin, en un último acto de arrogancia, ataca sin pensarlo y es vencido, despedazado y quemado en un solo ataque de la espada de Obi-Wan, y será sobre este cuerpo mutilado y lleno de odio donde el Emperador creará el icono malvado de Darth Vader, un villano más máquina que hombre, que ha dejado su pasado humano y Jedi completamente atrás. www.cinemascomics.com

Si os fijáis bien, la situación es exactamente la misma en “El Imperio Contraataca”, cuando Luke ha perdido la mano, el arma y está en una posición de desventaja respecto a Darth Vader, que le confiesa que es su padre y le alarga la mano, como en su día lo hizo Obi-Wan, para ofrecerle clemencia y llevarlo, en esta ocasión, al lado oscuro. Luke, tomando exactamente la misma decisión suicida que su padre (en su caso un salto al vacío), emprende el camino opuesto al de su padre y en vez de terminar derrotado y quemado por las llamas, sobrevive envuelto en un simbólico y revelador cielo azul, con sus amigos acudiendo a su rescate. Aquí se produce la distinción en-

tre dos conceptos distintos para Campbell, el de héroe y el de elegido, ambos un triángulo de trayectorias con el vértice común en el punto conocido como “gracia última”. El elegido, al igual que el héroe, atesora habilidades especiales y emprende el mismo viaje del héroe, pero allí donde el héroe fracasa y gira hacia la oscuridad, el elegido no repite los mismos errores y sale vencedor. Luke sigue un camino calcado al de Anakin cuando es joven y abandona Tatooine para ser entrenado por Obi-Wan primero y por Yoda después, a pesar de las reticencias de este último, que teme que Luke pueda seguir los pasos de su padre. Luke Skywalker cae en su particular vientre de la ballena Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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cuando se introduce impetuosamente en el bosque embrujado de Dagobah y se encuentra con sus propios miedos y lucha contra su yo oscuro enfundado en el traje de Darth Vader sin haber completado su formación por la misma razón que Anakin: tiene visiones de sus seres queridos en peligro y quiere acudir apresuradamente a salvarlos.

Apoteosis y palingenesia La palingenesia es la teoría del nacimiento. Aplicándola en el discurso narrativo del viaje de héroe, la palingenesia nos dice que cada nuevo cambio es una trampa, pues el cambio implica

el nacimiento de algo nuevo que, según futuras decisiones, se convertirá en bueno o malo. En una de las etapas finales de la fase de iniciación, la apoteosis, encontramos un punto de inflexión catártico en el desarrollo de la historia de Star Wars. El final de “La Venganza de los Sith” es el relato de un doble nacimiento que George Lucas nos cuenta de manera simultánea para acentuar la poética del momento de relevo generacional. Anakin Skywalker muere y renace en Darth Vader, mitad hombre y mitad máquina, consumido por el odio y oculto tras una máscara impersonal completamente negra. Este primer nacimiento contrasta con el

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de Luke y Leia, nacidos del vientre de Padme justo antes de que ella también muera por el dolor de haber perdido a Anakin. Ambos nacimientos son la catarsis de una nueva historia, una en la cual, como hemos comentado, el elegido toma el relevo del héroe y debe completar el viaje que el primero había iniciado. La palingenesia se produce en su máxima esplendor con dos nacimientos y dos trayectorias que discurrirán en paralelo pero destinadas a encontrarse. El fin de la República y el nacimiento del Imperio, la era de los Jedis termina para dar paso a la de los Sith y surge el villano más terrible en el mismo instante en que nace una www.cinemascomics.com


nueva esperanza en Luke y Leia, fruto precisamente del último acto bueno de Anakin antes de ser engullido por el lado oscuro.

El regreso Llegamos finalmente al último tramo del viaje del héroe, el que se da en el Episodio VI: “El Retorno del Jedi”. El título de por sí ya resulta revelador si entendemos que no se refiere a Luke Skywalker sino a Anakin, que en su duelo final con Luke se reencuentra con su lado humano y sale de la oscuridad para completar su viaje y su misión. En este caso, el elegido y el héwww.cinemascomics.com

roe completan sus trayectos a la par, enfrentándose entre sí para terminar uniéndose y derrocar el mal. El combate final entre Jedis y Sith en la nueva Estrella de la Muerte está concebido por el Emperador para arrastrar a Luke hacia el lado oscuro y convertirlo en su aliado, de la misma forma que hizo antes con Anakin, e incluso está dispuesto a pagar el precio de perder a Darth Vader (una situación parecida al sacrificio del Conde Dooku) para conseguirlo. Sin embargo, las intenciones de Luke son muy distintas. Luke protagoniza la fase de “rescata del mundo exterior” que describe Campbell, siendo el elemento externo que acude al rescate del

héroe y lo ayuda en su huida de las garras del mal. Skywalker hijo vence a su padre y luego planta cara al Emperador, esquivando el destino que Darth Sidious ha preparado para él. Entonces, el Emperador estalla y ataca a Luke con su fuerza oscura con la intención de matarlo si no se une a él. En este punto, Darth Vader revive la misma situación que en el combate entre Mace Windu y el propio Darth Sidious y, de nuevo, tiene la oportunidad de inclinar la balanza y decidir con sus actos el destino del universo. En este punto se produce el “cruce del umbral de regreso”, pues es el instante en el que el héroe está en posesión de los dos munCinemascomics │Septiembre 2011 │

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dos, del bien y del mal, completa su viaje saliendo de la oscuridad y alzándose como vencedor. Darth Vader vuelve a ser Anakin y cumple la profecía le señalaba como salvador de la galaxia lanzando al vacío al Emperador, acabando con el último Sith y recuperando el equilibrio en la Fuerza, aunque esto implica su propia muerte. Al final de “El Retorno del Jedi”, Luke ha cumplido también su misión y se reconcilia con su pasado, con su padre y con su legado (fotografiado en este simbólico encuentro generacional entre Yoda, Obi-Wan, Anakin y el propio Luke), mientras que la nueva esperanza, esta palingenesia que esta vez parece que desemboca en algo positivo, es la unión definitiva entre Han Solo y la Princesa Leia, la hermana de Luke que también tiene sangre Jedi corriendo por sus venas.

Tragedia y comedia En este último punto me gustaría remarcar un punto muy interesante sobre el que reflexiona Joseph Campbell en su libro, y se trata de la ambivalencia entre comedia y tragedia o, dicho de otro modo, del final feliz o del final trágico. Tradicionalmente la tragedia ha sido mucho más prestigiosa que

la comedia porque refleja de un modo más fidedigno la cruda realidad de la vida. La muerte en la tragedia representa el éxtasis redentor, un sacrificio final del héroe que paga sus errores con su vida pero que a la vez completa su viaje culminado con una victoria. El final no evoca a un positivismo directo debido a su trágica resolución, aunque siguiendo con la teoría de la palingenesia, la muerte del héroe y la derrota del mal son la llave que abre la puerta a un futuro esperanzador sin cicatrices del pasado. No obstante el final de Star Wars, a pesar de la muerte del héroe, Anakin Skywalker, no es trágico. ¿Por qué? Evidentemente la saga de Star Wars no es una comedia, pero sí que incorpora un final manifiestamente feliz y esperanzador. El hecho de que sea así resta épica al final del tortuoso viaje del protagonista, pero otorga un énfasis perdurable al conjunto del relato que va más allá de la muerte del protagonista. La incorporación del elegido, su supervivencia y su continuidad como estandarte de la nueva esperanza le dan otra magnitud a la historia y hace que el mito de Star Wars perdure y supere la figura de su icono principal, que no es otro que Darth Vader.

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En el fondo el viaje del héroe es una travesía interior en la que tiene que vencer su propia oscuridad y, una vez derrotada, ya puede encontrar la paz en la muerte. Éste es el viaje de Anakin y lo completa con éxito, pero el cambio de roles con la irrupción de Darth Vader y Luke a medio camino cambia la orientación del espectador y nos coloca en el trayecto del segundo hasta el desenlace. El equilibrio en la Fuerza y la paz en la galaxia a efectos prácticos los consigue Anakin, pero la vigencia de la esperanza, la que da título al Episodio IV, es la que abandera Luke y es la que nosotros seguimos hasta el final positivo, el que trasciende sobre el héroe y da lugar al mito.

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Cine de los 80


Buen momento para recuperar este clásico, convertido ya en una peli de culto, de la cual se ha realizado su pertinente remake, cuya crítica podréis leer también en las páginas de esta nuestra/vuestra revista. Su director es Tom Holland, que se propuso revitalizar el terror vampírico de una forma clásica, con un aire de serie B, e introduciendo unas gotas de humor bien dosificadas. Noche de miedo, tiene como protagonistas a William Ragsdale, Chris Sarandon y Roddy McDowall. William es Charlie, un adolescente enamorado de las películas de terror y fiel seguidor de Noche de Miedo, un programa de televisión donde se proyectan películas del género protagonizadas casi todas ellas por el presentador, Peter Vincent (Rody McDoWall). Charlie lleva una vida muy tranquila hasta que se convence de que su nuevo vecino, Jerry Dandridge, es un vampiro y el responsable de una serie de asesinatos ocurridos en la ciudad, cuyas víctimas aparecen desangradas. Ante la incredulidad de los que le rodean y de la misma policía, Charlie recurrirá a Peter Vincent para salvar a su amada de los mortales colmillos de Jerry. La película es puro cine de los años 80, que tanto me gusta. Desde su banda sonora hasta su argumento y, por supuesto, el desarrollo de los personajes. Pero es que además, es un claro homenaje a las películas clásicas de los 50 y 60, y sobre todo a las de la resucitada Hammer. Partiendo del nombre del personaje de Rody McDowall, Peter Vincent, que claramente es una mezcla de Peter Cushing, y Vincent Price. Además ,Rody le pilló muy bien el punto al personaje, dotándolo de todo lo que estos dos actores daban a sus personajes en las clásicas película de terror, hasta los clichés www.cinemascomics.com

más típicos de los vampiros: agua bendita, cruces, estacas de madera, … La acción y la tensión no decaen en ningún momento, y el guión (trabajo también realizado por su director Tom Holland) aunque se trate de una película dirigida a un público adolescente, interviene en gran manera en ello. Las escenas se suceden una tras otra con gran sentido, y entre ellas tenemos alguna memorable, como en la que cuando Charlie, acaba de enterarse de que un vampiro no puede entrar en una casa si no es invitado (y por lo tanto respira más tranquilo), al llegar a casa, se encuentra que su madre acaba de hacer pasar a su vecino a casa, para darle la bienvenida al vecidario. O cualquiera en la que intervienen los efectos especiales de Richard Edlund, que merecen una mención especial pues están maravillosamente creados, dando lo que tiene que dar, miedo, y además a la vieja usanza, con mucho látex, maquillaje y cosas asquerosas y pegajosas. Está claro que para el futuro del género vampírico, estos efectos de maquillaje tuvieron mucha influencia. Pensando me vienen a la cabeza Abierto hasta el amanecer (Robert Rodríguez), donde claramente se le da un buen homenaje a Edlund, dotando a los vampiros que allí salen con el mismo aspecto que el de la película que estamos hablando, o la segunda parte de Blade (Guillermo del toro), donde también está clara la influencia.

gay. Además, es el protagonista del cartel de la película, pues el rostro que se ve en las nubes es el suyo tras la transformación. La película, tuvo más éxito del esperado, llegando a convertirse en una película de culto, a la altura de, por ejemplo, de Un hombre lobo americano en Londres, a cuyo lado podría compartir la estantería de un buen cinéfilo, aunque, desgraciadamente, no hayan tenido un mismo trato. Este éxito le permitió que se rodara una segunda parte, esta vez, dirigida por Tommy Lee Wallace, que también tuvo gran repercusión, aunque no llegó a los niveles de la primera parte. Si se hace su pertinente remake, aquí me tendréis hablando de ella. Realmente, no se trata de una película de una calidad excepcional, pues ni el presupuesto ni el conjunto de la película daban para ello. Pero sí la suficiente, para que pueda haber permanecido en las retinas de mucha gente tras más de 25 años, y que además se haya pensado en un remake (aunque no le hacía ninguna falta esto ultimo). Espero su vuelta a la escena con otros actores, director y ambientación hayan merecido la pena, pues es difícil superar a una película de culto que además cuenta con tantos seguidores.

Por Sergio Reina

En cuanto a curiosidades en la película, la que más puede llamar la atención es la del actor secundario Stephen Geoffreys, que tuvo un bache en su carrera (sí así se le puede llamar), ya que poco tiempo después de aparecer en esta película como el amigo loco de Charlie, paso a interpretar cine X Cinemascomics │Septiembre 2011 │

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Especial series

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EN MEDIO DEL

“JUEGO DE TRONOS” Por Javier Calvo Hace años, El Señor de los Anillos (Peter Jackson, 2001, 2002 y 2003) se convirtió en el referente cinematográfico de la fantasía medieval. Basada en una obra magna de la literatura, generó una legión de aficionados –y de dinero- y estableció un referente mental a la hora de pensar en enanos, elfos y guerreros. Ahora, también con el respaldo de una saga literaria, llega un posible equivalente en la pantalla pequeña. O quizá no tanto, si tenemos en cuenta que “Juego de Tronos” ofrece, más que una serie de ficción, una película por semana.

En esa indefinida pero recurrente época histórica que nos ha tocado vivir, el posmodernismo, una de las máximas principales en la creación artística es la revisión de viejos lenguajes. Por eso, Juego de Tronos no podía quedarse en ofrecer una mera historia de fantasía épica medieval. La explotación de los lugares comunes de este género ha tenido grandes representantes a lo largo de la historia audiovisual, aunque casi circunscritos con exclusividad al mundo del cine (¿quién no recuerda al pre-V Marc Singer en la ochenterísima El señor de las bestias como modelo ideal de guerrero épico?). En televisión, el terreno perfecto para los espadachines y dragones había sido la animación, con notables productos tan conocidos como Dragones y Mazmorras (1983) o la adaptación de Conan el Bárbaro (1982, transmutada en español como Conan “el Aventurero”). Si obviamos los dibujos animados, sin embargo, no podemos hablar de una explotación seriada de tan popular universo imaginario. Juego de Tronos parte de la saga literaria Canción de hielo y fuego, creada por el novelista (y guionista) George R.R. Martin a mediados de los 90. Compuesta por cinwww.cinemascomics.com

co tomos -el último de los cuales, A dance with dragons, todavía no se ha publicado en nuestro idioma-, la historia ha acumulado un enorme éxito de público, gracias en parte a su particular revisión de los códigos de la fantasía medieval. Frente a una estereotípica lucha del Bien contra el Mal, que suele estar representada por la figura de un héroe en su viaje contra el destino oscuro, Canción de hielo y fuego proponía un elenco coral de reyes, soldados y diplomáticos en sus luchas internas por el control del codiciado Trono de Hierro al que hace referencia el título. Unas directrices que Juego de Tronos (nombre, también, del primer tomo de la saga) ha heredado y plasmado en imágenes. La serie utiliza un registro más adulto que el que suele encuadrar a las clásicas historias de aventura medieval, y se decanta por una sucesión de intrigas políticas y palaciegas propias, más bien, de un thriller de espionaje. De este modo, se acerca más a la lección de historia que al género de acción, si bien es ésta un elemento muy presente en sus capítulos. Es, de hecho, un producto que sorprende por la madurez que reside tras sus imágenes de fantasía, que podrían confundirse con

las propias de una historia adolescente. Juego de Tronos aborda temas como la gestión política, el adulterio, la traición, la táctica, el incesto o la homosexualidad. Al desaparecer el confrontamiento maniqueo entre las dos vertientes de la moralidad, Bien vs. Mal, cada personaje puede esconder multitud de registros e intereses que se entrecruzan paralelamente con líneas de argumento más fantásticas. En Poniente, el continente ficticio donde se desarrolla la trama, existen misterios

Portada de Canción de hielo y fuego. (George R.R. Martin) Cinemascomics │Agosto 2011 │

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puesto que HBO es una televisión de pago: la plataforma tenía que ofrecer un producto apetecible y sustancioso que justificara el abono mensual de sus clientes. Por otro lado, el favorable abrazo de los expertos otorgaba un toque de distinción extra al consumo de sus series, por lo que se establecía un elevado nivel cualitativo de programación que debía ser mantenido en sus sucesivas creaciones. En Juego de Tronos, como hemos visto, el uso de temas adultos, entre los que abundan la violencia y el erotismo, son una constante para desarrollar una historia que debe resultar creíble para un público al que se considera –sin ser lo habitual- “inteligente”. Por otro lado, los ideólogos que se encuentran detrás del concepto de la serie son David Benioff, autor del texto de filmes como Troya, y D.B. Weiss, guionista experimentado en el género fantástico y con importantes trabajos en el campo de los videojuegos.

Sean Bean (Boromir del El señor de los anillos) es Eddard Stark señor de invernalia y Mano del Rey.

de carácter mágico que también interesan a sus habitantes. Calidad como marca Puede afirmarse que Juego de Tronos es un producto representativo de la línea empresarial que su productora, HBO, abandera desde hace ya tiempo. Basada en la idea de la calidad como identidad de marca, la cadena pretende desmarcarse del resto de canales mediante la cuidada factura de sus ficciones en todos los niveles. Aunque la idea de calidad televisiva se encuentra todavía a

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debate, existen factores que pueden acercar los programas hacia este limbo indefinido, y lo cierto es que la crítica mundial les ha dado la razón. Entre los argumentos que esgrimen los estudiosos de la calidad, se encuentra la idea de utilizar componentes narrativos arriesgados y poco frecuentes en la programación, como la violencia o el sexo, y de dar vía libre al componente autoral de las series. Desde los orígenes de la cadena, este aspecto resultó muy conveniente a la hora de captar suscriptores,

Para Juego de Tronos, además, HBO realizó desde el principio una fuerte apuesta con el presupuesto de producción, uno de los más elevados para una serie de ficción, y necesario si se quería construir con veracidad el vasto mundo de los reinos de Poniente. Al igual que en otras series de la cadena como Roma o Boardwalk Empire, aquí se extremó el cuidado en la dirección artística hasta tal punto que el capítulo piloto, de más de una hora de duración, parecía una película en sí misma. Por eso, es posible que experiencias como Juego de Tronos desdibujen de una vez las barreras de género entre películas y series, y se otorgue a ambos formatos la misma importancia, como fruto que son de la creación audiovisual. El mundo de Poniente Juego de Tronos sigue las andanzas de varias familias nobiliarias en su lucha por el control del Trono de Hierro. En este contexto, el www.cinemascomics.com


En Juego de Tronos abundan la violencia y el erotismo.

protagonista es un efectivo Sean Bean (Boromir en El Señor de los Anillos) como líder de la región de Invernalia y de la casa Stark, que debe aceptar el cargo de Mano del Rey por petición del propio monarca, Robert Baratheon (Mark Addy, el gordito de Full Monty), ante el misterioso asesinato de su predecesor en ese puesto. Así, de paso, el cabecilla de los Stark puede investigar los extraños sucesos que se están dando en la corte y que amenazan la existencia del mismo rey. Una corte, para más inri, que en un principio ocupaba el clan de los Targaryen, pero cuyo lugar usurpó Baratheon en un pasado reciente. Abiertas todavía las heridas, los exiliados tratan de forjar una alianza que pueda hacer frente a los traidores con la colaboración del bárbaro pueblo de los dothraki. Los diferentes clanes de Juego de Tronos responden de alguna manera a los modelos de personaje habituales en la fantasía medieval. Los Targaryen recuerdan en gran medida –sin serlo- al pueblo élfico, de formas armoniosas www.cinemascomics.com

y estilizadas maneras, pero con una gran capacidad de maquinación. En el extremo opuesto, los dothraki se asemejan a los bárbaros, de enorme fuerza bruta y deudores de la violencia guerrera vikinga, y su posición como arma de presión es el contrapunto perfecto que necesita el clan exiliado para recuperar su poder. En un término medio se encuentra la línea más “humana” de otras familias nobles como los Stark o los Lannister, provenientes de una raza genérica que equilibra su capacidad de ataque con la táctica política. En cualquier paso, la construcción de los personajes resulta suficientemente intrincada como para conformar una segunda parte de Hamlet. Caracteres como Tyrion Lannister, el hermano enano de la reina, tan aficionado a las prostitutas como al alcohol, o la frágil Daenerys Targaryen, moneda de cambio en un pacto político que obvia sus sentimientos pero la fuerza a evolucionar, resultan tan magnéticos como interesantes. Más allá de la ambientación (atención a los vastos paisajes de

Poniente, rodados en localizaciones de Malta o Irlanda), el componente fantástico se encuentra dosificado para centrar el argumento en el interés de los juegos de poder. La magia y los dragones aparecen, sí, pero de forma minoritaria, de modo que, para buscar referentes directos, habría que acercarse más a El Silmarillion que a El Señor de los Anillos, si asumimos a Tolkien como una inevitable presencia en toda trama medieval. Todo ello ha conformado un sólido producto que renovó para una segunda temporada con sólo haber emitido el piloto de la primera. En abril del 2012 Juego de Tronos volverá a la pantalla, tras haber dejado un sabor de boca sobresaliente en crítica y público. Si la recesión económica lo permite, la ingente labor de producción y argumento que abandera retornará para demostrar una vez más por qué HBO está ocupando el estrellato en el mundo de la ficción audiovisual, sin importar el género del que hablemos. La pantalla pequeña nunca fue tan grande.

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BATMAN: CIUDAD ROTA Contiene Batman Broken City USA Guión: Brian Azzarello Dibujo: Eduardo Risso Formato: Libro rústica, 144 págs. a color. PVP: 14,95 € Editorial Planeta DeAgostini El equipo creativo responsable de la edición del año con 100 Balas, afronta ante sí el reto de hacer una historia del Caballero Oscuro. En este volumen, la serie negra en estado puro llega a Gotham gracias a Brian Azzarello y Eduardo Risso, con una clásica historia de “¿Quién es el asesino?” en el que implican a la gran mayoría de villanos de Batman. Una oportunidad única para ver el enfoque de Azzarello y Risso sobre personajes clásicos de DC Comics.

12 DE SEPTIEMBRE LA AMÉRICA DE DESPUÉS Edición original: 12 SEPTEMBRE l’Amérique d’après BEL Guión: Varios autores Dibujo: Art Spiegelman, Joe Sacco, Muñoz, Sampayo Formato: Libro cartoné, 208 págs. a color. PVP: 20 € Editorial Planeta DeAgostini Basado en los hechos del lamentable episodio del 11 de Septiembre de 2001. El día después visto a través de los ojos de grandes autores reconocidos del sector como Art Spiegelman (Maus), Joe Sacco (Palestina, Gorazde, Notas al pie de Gaza) o Muñoz y Sampayo (Alack Sinner), entre otros. Con una portada de Enki Bilal (Fin de siglo), este libro aparece con motivo del décimo aniversario de los terribles atentados contra EEUU.

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NEMESIS Guión: Mark Millar Dibujo: Steve McNiven Edición original: Contiene Nemesis 1-4 USA Formato: Libro en tapa dura. 120 páginas. PVP: Por determinar Editorial Panini

¿El viejo Logan? Poquita cosa. ¿Civil War? No tuvo importancia. ¿Kick Ass? Fue un mero calentamiento. Ahora llega la más atrevida obra de Mark Millar y Steve McNiven. ¿Qué pasaría si el enmascarado más inteligente y poderoso del mundo fuera un auténtico villano? Te presentamos a Némesis. Ha pasado los últimos tiempos aplastando a todo jefe de policía de Asia, y ahora ha vuelto la mirada hacia Washington. Y si quieres que te diga la verdad, los polis no tienen ni una sola oportunidad contra él. No puedes perderte el cómic del que todo el mundo hablará.

100 % CULT. LA JUNGLA DE CRISTAL: AÑO UNO Guión: Howard Chaykin Dibujo: Stephen Thompson Contiene Die Hard: Year One 1-4 USA Precio: 19,95 € Formato: Libro en tapa dura. 192 páginas. Editorial Panini El mayor héroe americano de acción aterriza en el arte secuencial por primera vez desde su nacimiento. Cada historia tiene su comienzo: también para John McClane. La acción se sitúa diez años antes de los acontecimientos de la primera entrega de La jungla de cristal. John no es más que un policía de Nueva York que trabaja en las calles durante los fastos del segundo centenario de la fundación de Estados Unidos. Y es entonces cuando las cosas se complican…

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Cinemascomics: La revista. Nº 8  

Cinemascomics: La revista, es una publciación de cine gratuita, especializada en adaptaciones de comics a la gran pantalla, cine fantástico,...

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