Vision 22 2017

Visionarios: Alberto Bustos Lita Cabellut Dionisio González Enrique Ježik

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Palabra de Editor

Número 22 2017

Amigas y amigos visionarios, El universo de las ideas -expresadas en cualquiera de los amplios caminos del arte- es el eje gravitatorio del arte conceptual, al que dedicamos este número de otoño.

Hacemos nuestra propia tautología apropiándonos durante algunas páginas del arte-apropiación que, como tendencia estética, cuestiona la autoría y propiedad del producto artístico.

Los que sí se expresan con total propiedad son nuestros Visionarios: en esta edición nos acompañan el talento de Lita Cabellut, catalana radicada en Amsterdam con proyección mundial, y la cerámica orgánica y naturista del vallisoletano Alberto Bustos. También la propuesta de “arquitectura para la resistencia” de Dionisio González, que nos hará viajar desde su Gijón natal a paisajes tan remotos como las calles de Busan en Corea o las playas de Dauphine Island en Alabama. Y desde México, donde reside desde hace más de dos décadas, nos inunda la energía creativo-destructiva del argentino Enrique Ježik.

Nuestro artista invitado, Will Kurtz, reta a los conceptos escultóricos tradicionales con un trabajo que rompe papeles para crear instantáneas vivientes de la sociedad norteamericana.

Consejo Editorial Director General / Editor Christian Fernández Alonso Directora Editorial Mamen de Zulueta Corresponsal - Nueva York Joaquín Carter Corresponsal - Londres Patricia de la Cuadra Corresponsal - Buenos Aires Diego Moscato Corresponsal - Barcelona Luciano Benites Directora de Relaciones Públicas Enid de la Parra Asesor de Contenidos Enrique Torrijos Publicidad publicidad@chfvision.com Portada: Natalia Evelyn Bencicova.

Como demuestra el trabajo de Alberto Bustos, el arte cerámico ha trascendido el caduco encasillamiento de “artesanía” para convertirse en un arte mayor que permite abrir novedosas y sorprendentes vías expresivas. Reflexionamos brevemente sobre ellas con la obra de artistas internacionales del calibre de Aneta Regel, Russell Wrankle o Akiyama Yô.

Y, a modo de conclusión, rendimos homenaje a todas las grandes mujeres del arte a través de creadoras que siguen ejerciendo una enorme influencia en los artistas actuales en la pintura, la danza, la escultura, el performance o la instalación.

Colaboran en este número: Román Caudet Elisa Montero Javier Navarro Teresa Romero CHF

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Espacio de Artes Visuales

Publicación bimestral online editada por VISION Iberoamericana, S.L. www.chfvision.com

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Editorial La idea tras de la idea

Artista Invitado Will Kurtz

INCONTENIBLE

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Arte conceptual No lo entiendo No me gusta No es arte

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Arte Cerámico Nacido del barro

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Apropiación indebida Reconquistar el espacio

28 Pasado Perfecto Decanas del Arte Contemporáneo

134 Visionarios Alberto Bustos Lita Cabellut Dionisio González Enrique Ježik

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VISION Editorial

LA IDEA TRAS DE LA IDEA

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n hombre pasea por una sala donde los cuadros cuelgan invisibles sobre las paredes, según las indicaciones del autor. Los muebles están envueltos en bolsas de plástico y en el centro, una silla plegable de madera, una fotografía de la silla y una ampliación fotográfica de la definición de “silla” extraída del diccionario. Sobre el suelo, un poste de teléfono. Sobre una mesa, notas, bocetos y diálogos sin acabar. La rueda de una bicicleta sujeta por la horquilla invertida está apoyada sobre un taburete.

El hombre no debe mostrar indiferencia visual porque esto afectará a cada objeto. Sabe que su juicio puede ser imprevisible ante tanta dislocación espacial, tanto extrañamiento temporal… Ante la trasgresión, no hay goce inmediato, el hombre explora, cuestiona. Busca la reflexión. Localiza asociaciones del mundo que conoce. Se instala en él. Puede que no sea más que una experiencia estética. O que el artista haya creado una obra de arte, él mismo. Única y constante.

De este hombre depende que haya obra o no. De su actitud imaginaria, de su acción física y mental.

El hombre se acelera. Debe completar la obra, acudir a la lógica, incluso a la filosofía y eliminar cualquier percepción en favor de la idea. Es así que debe negar el valor plástico de los objetos e intentar diferenciar entre lo que representa y lo que está representado. Sabe que el artista le ha dado la idea, no visualizable, inexplicable. Algo ajeno a lo habitual donde ha despojado el objeto de su sentido instrumental. Ha acometido la obra como una investigación semiótica. La ejecución

ha sido una cuestión superficial. De la sorpresa y la provocación surge una novedosa manera de observar, de transfigurar los objetos.

Se cuestiona si el arte necesita necesariamente ser manifestado en una forma visual. Que no haya visto algo no significa que no exista.

Necesita localizar la forma abstracta. Alcanzar un fundamento. No desviar ese dato experiencial a territorios alejados de la idea primigenia del autor, conectar de manera sonora, lumínica, física con él.

El hombre recuerda a Kant: un juicio de gusto en lo que se refiere a un objeto de fin interno determinado sería puro solo cuanto el que juzga no tiene concepto alguno de ese fin o hiciera en su juicio abstracción de él. ¿Dónde encontrar la identidad de todo lo que acaba de ver? Ser el ideólogo justo de la obra de otro autor ¿Hay una silla o tres?

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VISION Movimientos

Arte Conceptual NO LO ENTIENDO, NO ME GUSTA, NO ES ARTE

Andy Warhol. Bananas. 1967.

Maurizio Cattelan. Kaputt - Sans titre. 2007.

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n el arte conceptual es la idea. El arte con corrosivo, pone ĂŠnfasi de las obras, relegando en material o sensible.

Junto a este reduccionismo obras de arte conceptual un de arte como una actividad experiencial.

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la verdadera obra de arte nceptual es un arte crítico y is en lo mental, en la ideación n importancia su realización

o de lo manual, existe en las na hipervaloración del trabajo reflexiva, tanto mental como

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Los artistas conceptuales abogan por un decidido rechazo de los aspectos mercantiles del consumo de arte y, al mismo tiempo, muchos de ellos intentaban imbricar su actividad artística en un contexto más amplio de preocupaciones sociales, ecológicas e intelectuales, por oposición a la producción de objetos diseñados según criterios utilitaristas y funcionales al establishment cultural.

Desde el fin del Informalismo y con los inicios del Pop se da un progresivo fenómeno de desmaterialización del objeto artístico, en donde la obra física se convierte en mero residuo documental de la verdadera obra de arte: la experiencia misma, la idea, el concepto que subyace al objeto, en una suerte de desmaterialización del objeto artístico.

El hecho de que, en el Arte Conceptual, la visualidad ya no fuera indispensable para que una obra de arte fuera arte, puso en crisis el discurso de la crítica, hasta ese momento hegemónico, y supuso el punto de ruptura entre modernismo y posmodernismo.

En un sentido historiográfico el Arte Conceptual es ese movimiento que aparece a finales de los años sesenta y setenta con manifestaciones muy diversas y fronteras no del todo definidas.

La idea principal que subyace en todas ellas es que la “verdadera” obra de arte no es el objeto físico producido por el artista sino que consiste en “conceptos” e “ideas” (con un fuerte componente heredado de los “ready made” de Marcel Duchamp). Objetos matemáticos, objetos naturales, objetos salvajes, objetos encontrados, objetos irracionales, objetos ready-made, objetos interpretados, objetos incorporados, objetos móviles.

A finales de los sesenta –con la irrupción del Arte Conceptual– cambiaron además las relaciones de la crítica respecto de la obra de arte. Uno de los elementos clave en este periodo fue el acercamiento de roles de críticos y artistas, muchos de los cuales empezaron a teorizar y analizar sus propios trabajos, elaborando algunos

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Ivan Puig. Kaputt - Sans titre. 2007.

UO D I S E RO R E M LA : N E E T E R T DE A VIER A N R UE O B C Q O E O A S T R CEP ADE ÍSICA N D F O R A E C R V L B ...LA O NTAL DE LA LA IDEA, E A, ME M U S C I O M D CIA N E I O...

R T E E P J X B E AL O E C A SUBY

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Giorgio Cravero. 2017.

VISION de los textos esenciales sobre Arte Conceptual.

Por su lado, los críticos se adentraron con mayor profundidad en el hecho expositivo, elevando la exposición a un nivel singularmente creativo y de tesis, relegando la escritura a un segundo plano.

Todos estos tipos ofrecen el carácter común de su inutilidad práctica, de su aspecto turbador y extraño, de la arbitrariedad, contradicción y heterogeneidad de los elementos que lo constituyen.

De este modo la característica fundamental del Arte Conceptual radica en la abolición de la distancia entre el artista y el crítico, es decir, la tendencia de los artistas a escribir y reflexionar sobre arte, bien fuera sobre la propia experiencia, con un cuestionamiento implícito de la praxis, bien sobre el arte en general o aspectos concretos del arte de los compañeros.

El conceptualismo aparece asociado con la investigación discursiva que adopta al lenguaje como soporte. No todas las ideas tienen por qué materializarse: por cada obra de arte que se materializa hay muchas variaciones que no se materializan. La potencialidad expresiva de las obras nunca realizadas devela una ausencia, la precariedad del mundo. En el arte conceptual la idea o concepto primará siempre sobre la realización material de la obra.

- VISION Adaptado y extractado parcialmente de: -VÁSQUEZ, M. Arte conceptual y posconceptual. http://dx.doi.org/10.5209/rev_NOMA.2013.v37.n1.42567

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Hans-Peter Feldmann. Instalaciรณn en el Guggenheim. 2011.

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VISION Tendencias

Apropiaciรณn indebida

Thomas Robson. 2015.

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l apropiacionismo es un movimiento artístico que se basa en la utilización de elementos tomados de una o varias obras preexistentes para la creación de una nueva obra (pintura, escultura, poesía). Estos elementos pueden ser imágenes, formas o estilos de la historia del arte o de la cultura popular, o bien materiales o técnicas obtenidas de un contexto no artístico.

Desde la década de 1980, el término también se refiere más específicamente al hecho de citar la obra de otro artista para crear una nueva obra. La obra puede alterar o no la obra original.

Como cualquier otro movimiento artístico, el apropiacionismo tiene sus causas en el momento histórico. La intención del arte apropiacionista, influenciado por las teorías posmodernas, se sumaba a las líneas de resistencia a las formas de poder. Así pues, a través del desplazamiento y la sustitución, desmitifica y evidencia los contenidos de los sistemas de conocimiento (museos e instituciones) y de la tradición histórica. El objetivo del que nace, entonces, es el de terminar con la relación tradicional y distanciada bajo la que se apoya todo un sistema ideológico basado en el pasado, no sólo a nivel estético, sino también a nivel ético y político.

Así la apropiación cuestiona varios puntos: la genialidad, la autoría, la creación, la perennidad y la originalidad. No obstante, la sociedad de consumo sigue cultivando fuertemente el peso político y económico que implica la noción de “obra de arte”, tratando de no perder la influencia

El Intruso, Equipo Crรณnica. 1969.

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Banksy. Mona Lisa with Bazooka Rocket. 2011.

de la figura del autor y del “aura tradicional” o “lo auténtico”, basándose en la tradición humanista histórica donde el sujeto/artista es el genio creador.

Walter Benjamin, filósofo cuyas teorías influenciaron el cambio ideológico-artístico de las nociones antes mencionadas que llevaron al arte de apropiación, habla del “aura” de la obra o, como él lo define: “la manifestación irrepetible de una lejanía por cercana que pueda estar, la cual es producida y administrada por las instituciones del mundo capitalista”. Es decir, la esencia de un objeto surge y tiene importancia al ser manipulada por las instituciones, las cuales afirman que esta se basa en la relación autor-obra, donde la genialidad del artista es la que otorga

el valor. Sin embargo, según Benjamin, el “aura” no radica en la presencia física del autor que la produce, la obra la posee en sí misma, sin hacerla depender de la relación entre obra y autor”. Será a través del adueñamiento de los objetos en la más próxima de las cercanías, mediante la imagen o la reproducción, que se conseguirá eliminar el valor aurático de la obra.

Hablará así Roland Barthes de la muerte del autor: “La obra anula al autor una vez que pasa a manos del público (…) La obra tiene entidad propia y no depende del autor, sino de la interpretación que da de esta el espectador”. Esto conlleva, entonces, la necesidad de un nuevo público.

No sólo esto, también se pone en duda el

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concepto de originalidad, concepto que se ha asimilado siempre al adjetivo “novedoso”. Como describe C.R. Hausmann en su escrito “Figurative Lenguaje in Art History” el término creatividad se refiere a la “condición de hacer algo que sea novedoso (…) crear es introducir algo nuevo que pueda ser cognitivamente significante e irreductible.”

Pero en una sociedad donde predomina la hegemonía de la reproductibilidad, se defiende que esta definición pierde todo sentido.

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VISION Visionarios

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Lita

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Cabellut

Studio Impression Army of Poets. 2017

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Bernard. 2017.

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L

ita Cabellut (Sariñena, España, 1961). Su primer contacto con los maestros del arte español tuvo lugar en el Museo del Prado.

Las obras de Velázquez, Goya y Frans Hals ejercerían una profunda influencia en la artista.

Prolífica retratista contemporánea, la joven Cabellut se inspiró en los omnipresentes frescos de su ciudad. Tras cuatro cursos de formación artística clásica, con solo diecisiete años tuvo su primera exposición celebrada en el Ayuntamiento de Masnou, Barcelona. A los diecinueve dejó España para estudiar en la Rietveld Academie de Ámsterdam, permaneciendo después en Holanda, donde en la actualidad vive y trabaja.

Ha realizado numerosas exposiciones en España, Alemania, Francia, Países Bajos, Italia, Suecia, Estados Unidos, Líbano, Dubai, China, Corea del Sur, India y Japón.

Su obra se expuesto en museos como el Museo de Arte Contemporáneo de A Coruña; Pivot Centre for Art + Culture, Seattle; Museum Jan van der Togt, Amstelveen; Lalit Kala Akademi, Nueva Delhi; Museu Europeu d’Art Modern, Barcelona; Hälsinglands Museum, Hudiksvall; Mac’S Museo Arte Contemporanea, Catania; o el CSMVS (antiguo Prince of Wales Museum) en Bombay.

Igualmente en destacadas galerías de arte como Opera Gallery en sus diferentes sedes en todo el mundo; Galerie Günther Zulauf de Karlsruhe; Metropolitan Gallery, Hamburgo; Galerie 238, Ámsterdam; Galerie Terminus, Múnich o la Bill Lowe Gallery en Atlanta, entre otras muchas.

Además de sus retratos de gran formato al óleo, ha desarrollado también una técnica totalmente personal de instalación y “fotografía híbrida” en la que confiere una dimensión tridimensional a los elementos de sus obras.

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“EL ARTE ES MUCHO MÁS QUE LA MATERIA. EL ARTE ES UNA TREMENDA EMPATÍA POR EL MUNDO, POR LA VIDA. ESO ES REALMENTE ARTE, PORQUE TIENE MUCHO DE ÉTICA, DE FUNDAMENTALISMOS.”

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The Centre of Love. 2017.

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Sophie. 2017.

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The Night. 2017.

I almost found you. 2017.

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The Wave of Memories. 2017.

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Dargan. 2017.

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Between you and me. 2017.

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Noelle.2017.

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Lisa.2017.

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Dionisio Gonzรกlez

Dauphin 10 (fragmento). 2014.

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ionisio González (Gijón, España, 1965) es profesor Titular en la Universidad de Sevilla donde imparte el Master “De la Idea Artística a las Políticas de lo Social”.

Su trabajo artístico se ha podido contemplar también en la 54 Bienalle di Venezia; la X Bienalle di Architectura di Venezia. BIACS; Bienal Internacional de Arte Contemporáneo, Sevilla; Busan Biennale, Corea del Sur; Biennale de Miami; Bienal de Le Havre y la Kwang Ju Biennale Art Fair de Corea del Sur.

Tiene múltiples premios como el Premio Pilar Juncosa y Sotheby’s; Fundació Pilar i Joan Miró; Su obra se encuentra en museos y coleccioel mecenazgo de la Fundación María Cristina Manes como el MNCARS; Museo Nacional Centro de saveu Peterson; el Premio al fotógrafo Europeo Arte Reina Sofía, Madrid; Colección ING, ÁmsterArendt Award o el Premio Nacional de Grabado. dam; Museum of Contemporary Photography, Chicago; The Centre National d’art et de culture Su obra ha sido expuesta en las más reconociGeorges-Pompidou of Paris, Francia; The Margodas instituciones y museos del mundo como el lies Collection, Miami: Caldic Collection, RótterMuseum of Contemporary Art, Cleveland; Museo dam; Colección Neuflize Vie, Paris o el Williams de Arte Contemporaneo de Bourdeaux, MNCARS; College Museum of Art de Williamstown, E.E.U.U. Museo Centro de arte Reina Sofía, Madrid; Museum of Contemporary Photography, Chicago; Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO); Folkwang Museum, Essen; Museo de Arte de Sao Paulo (MASP); Museum of Contemporary Art (MOCCA), Toronto; el Museo de arte Contemporaneo KIASMA de Helsinki o el Kunstverein de Heilderberg, entre otros.

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Dauphin 11 (fragmento). 2014.

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Los nuevos patrones urbanĂ­sticos estĂĄn definidos repulsiĂłn. Un caso concreto y contentivo es la ciud nuestra conciencia en materia sensorial, induce a u

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Busan 3. 2011.

casi diacríticamente en un campo de atracción y dad de Busan, precisamente porque la elevación de una correspondiente indiferencia a descender.

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Busan, no la Busan metropolitana e hiperdesarrolla extraña conjugación de barrera tectónica, casi geod más periurbano que periferizado.

Busan 4. 2011.

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ada, sino la Busan suburbial es una dĂŠsica, es un anfiteatro, por tanto,

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Dauphin 2. 2014.

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Dauphin 1. 2014.

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ÂżSon estas estructuras espacios habitables antiguo paisaje ahora olvidado?

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Trans_Acciones 03. 2015.

contemporรกneos o ruinas de un

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Trans_Acciones 06. 2015.

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Trans_Acciones 13. 2015

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Alberto

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Bustos

Lid. .2017.

Los mejores momentos B22 2016.

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A

lberto Bustos (Valladolid, España, 1972). Cursos, libros, charlas con

otros ceramistas, y sobre todo infinitas pruebas, han sido la base de su formación autodidacta.

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en toda España, Alemania y Túnez.

Primer premio del XIII Concurso Nacional de Artesanía De Burgos; finalista en la 6ª Bienal Internacional de Cerámica Ciudad de Talavera (2013); Primer Premio NACE de Cerámica Actual en la 5ª Feria Nacional de Cerámica y Alfarería de Navarrete y XIX y del Concurso Internacional de Cerámica Ciudad de Valladolid (2012); finalista en la V Bienal Internacional de Cerámica de Marratxi y Primer Accésit en el XV Premio Ibérico de Artesanía Creativa del Gobierno de Extremadura; Primer Premio del Concurso Internacional Cerámica L’Alcora y finalista del Ceramics of Europe-Westerwaldprize (2014).

Alberto es miembro de la IAC International Academy of Ceramics.

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“A través de “natuRareza” me sumerjo en la psique vegetal para descubrir los sentimientos atormentados fruto de la degradación del Medio Natural que los humanos provocamos de manera habitual.“

Apnea 1. 2017.

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“Quizás mi atracción fetal por la Naturaleza me la tierra, con nuestra

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empujó contra el suelo para estar fusionado con a verdadera esencia.�

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“En el aspecto técnico, modelo principalmente con porcelana y gres. Por medio de la técnica de lanzamiento realizo filamentos planos y cuadrados que pigmento y esmalto en crudo.“

Wild Fragility. 2017.

Geometric Dream. 2017.

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Bucle. 2017

Los mejores momentos D05

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Broto en blanco 1. 2017.

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R_evoluciรณn 2. 2017.

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Ježik Dispersas las fuerzas se debilitan. 2016.

Instalación. Galería Jesús Gallardo, León. Foto: Tania Candiani..

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Lines of Division. 2011.

Instalaciรณn. Rubin Center for Visual Arts. El Paso, EEUU. Foto: E.J.

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nrique Ježik (Córdoba, Argentina, 1961).

Reside en México desde 1990. Su obra explora las diferentes manifestaciones que puede tomar la violencia, ya sea de forma organizada y masiva –como en el caso de las guerras– hasta en sus expresiones urbanas o mediante los pequeños mecanismos de control cotidiano como los sistemas de vigilancia.

Ha participado en las bienales de Mercosur (2003), Alytus (2005); Sao Paulo (2010), Ljubljana (2011) y Jafre (2017).

En 2013 ganó el premio arteBA-Petrobras, en Buenos Aires, Argentina.

Algunas de las instituciones que han mostrado su trabajo son: Museo Universitario Arte Contemporáneo, Ex Teresa Arte Actual, Museo Carrillo Gil, Museo de Arte Moderno, Museo del Chopo, Centro Cultural Tlatelolco (Ciudad de México); Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti, Museo Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires, Argentina); MeetFactory (Praga, República Checa); Le Confort Moderne (Poitiers, Francia); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España); Sala Parpalló (Valencia, España); Haus der Kulturen der Welt (Berlín, Alemania); Musée des Beaux Arts (Montreal, Canadá); L’Oeil de Poisson (Quebec, Canadá); M’ARS Gallery (Moscú, Rusia) y WhiteBox (New York, EEUU), entre otras.

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Desmonte. 2012.

Acciรณn. Fundaciรณn Alumnos47. Foto: Tania Candiani.

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Esgrima. 2001. Acciรณn, instalaciรณn. Ex Teresa Arte Actual. Foto: Miguel Morales.

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What Comes from Outside is Reinforced from Within. 2008.

MeetFactory. Praga, RepĂşblica Checa. Foto: Viktor Vejvoda.

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“SU OBRA PUEDE INCLUIRSE DENTRO DE LAS ESTÉTICAS DE LA VIOLENCIA, UNA VERSIÓN LETAL DEL OBJETO Y SU PLASTICIDAD” -Francisco Reyes Palma

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Mapa trazado con herramientas de destazar. 2013.

Acciรณn. Foto: Leo Luna.

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Declaraciรณn formada por 37 esculturas. 2014.

Instalaciรณn. Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti, Buenos Aires. Foto: Jose Luis Landet.

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Déclaration formée par 49 sculptures. 2015.

Instalación en espacio público. Fortaleza de Belfort, Francia. Foto: Aurélie Goetz.

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La fiesta de las balas. 2011.

Instalaciรณn.Museo Universitario Arte Contemporรกneo. Foto: Tania Candiani.

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VISION Artista invitado

Will Kurtz

Dancing girls. 2011.

Tina. 2014.

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ill Kurtz (Michigan, Estados Unidos, 1957). Se formó en la

Michigan State University y a los cincuenta años realizó el máster en Bellas Artes de la New York Academy of Art, comenzando una tardía pero imparable carrera artística.

Es profesor de escultura de esta última institución así como de la Lyme Academy de Connecticut y de la Penn State University en Pennsylvania.

Ha expuesto individualmente en varias ocasiones en la Kim Foster Gallery y la Mike Weiss Gallery de Nueva York y ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Estados Unidos, Canadá, Alemania y Holanda.

Su trabajo ha sido recogido por numerosas publicaciones como Hi-Fructose (2017), Bored Panda, Art Net y FOx 5 (2016), White Hot Magazine o el Wall Street International (2015).

Varias de sus esculturas se encuentran, entre otras, en las colecciones del Cornell Museum of Art de Florida, la Tullman Collection de Chicago, la Eileen S. Kaminsky Family Foundation de New Jersey o la Wijnand Donkers de Dusseldorf.

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Coming Together. 2013.

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“Mi trabajo consiste en encontrar honestidad, la sinceridad y la crudeza de los seres humanos. Prefiero tener una fea verdad que una hermosa mentira.�

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Dogs. 2013.

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Bag Lady. 2011.

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“Selecciono

y creo personajes poco comunes que tienen una cualidad emotiva distinta.�

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Cops. 2013.

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Agréganos en tus redes favoritas: http://goo.gl/u2h8z

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http://goo.gl/MiROR

http://goo.gl/mjVGP

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Russell Wrankle.Conjuring the Buzzard. 2017

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Nacido

VISION Arte Cerรกmico

del barro

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L

a cerámica es un material que nació con el hombre y en la actualidad artistas, alfareros y ceramistas la esculpen, modelan, pintan y cuecen hasta generar piezas de innegable valor estético. La interpretación personal sobre este material transforma al artista cerámico en un alquimista capaz de dar forma y vida a la materia: agua, tierra, fuego y aire, recreándola en un proceso mágico.

Históricamente, la cerámica ha sido sin duda uno de los elementos trascendentales de la dimensión antropológica, ya que ha servido como documento y testimonio de las diferentes sociedades históricas. La cerámica ha sido y es una de las huellas más relevantes para poder entender el pasado, las formas de trabajo, la cultura, o incluso la sexualidad, en el desarrollo histórico.

Aneta Regel. Beautiful Lands. 2017.

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Fujikasa Satoko. Sen: Rotation. 2015.

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VISION Paradójicamente, no ha conseguido destacar sobre otras formas visuales como obra de arte, ya que en muchas ocasiones se ha relegado a elemento de artesanía ornamental. Con la normativización de las Bellas Artes, la cerámica quedó todavía más relegada dentro del mundo artístico, cayendo en el olvido como un arte menor.

El arte contemporáneo ha intentado cambiar algunas consideraciones en torno a la cerámica, viendo que era posible captar su carácter simbólico, su poder expresivo y la capacidad creativa del artista que realiza las piezas. Es decir, el arte contemporáneo ha intentado perfilar la dimensión estética intrínseca de la cerámica.

No serán muchos los artistas dedicados a trabajar la cerámica en el mundo contemporáneo, quizás por su difícil manejo y los múltiples conocimientos que se deben tener a la hora de concebir la obra y llevarla a cabo, puesto que las cocciones, los esmaltes usados o la temperatura adoptadas, condicionan que la obra llegue a buen puerto o no. Entre los nombres más importantes, encontramos a Picasso o a Miró, aunque estos estuvieron más atentos a plasmar en este soporte sus ideas artísticas que a trabajar el material directamente como una escultura.

La cerámica artística actual se concibe ya no como un soporte decorativo, sino como una obra completa en la que todos los elementos parten de un diseño previo ideado por el artista. Ya no se podrá hablar de cerámica, sino de escultura cerámica.

Durante los últimos años se ha producido un aumento considerable de artistas que se dedican a trabajar con la cerámica y que nos muestran cómo la exploración estética y artística en la cerámica puede llevarnos a tomar muy diferentes vías de expresión, desde la mínima expresión hasta la crítica social.

Sin embargo, no se puede hablar todavía de una opinión homogénea en torno al tema dentro del mundo del arte. Son muchas las voces que no la

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Johnson Shing

Johnson Cheung-Shing. Splash of Wonder. 2012.

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Cheung-

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Akiyama Yô. Zone II. 1991.

aceptan como una forma de expresión artística.

Es necesario crear una conciencia colectiva en torno al tema, para poder apreciar el trabajo de los ceramistas y encajar sus obras dentro del rico panorama artístico actual.

La creación del ceramista es un proceso largo y dedicado dentro del cual las aptitudes personales del autor definen la creación como única a través de un lenguaje artístico personal.

El mercado artístico actual, algo cerrado a nuevos materiales, va dejando atrás prejuicios obsoletos y valorando a los ceramistas y a

sus obras, reafirmando la cerámica artística como un medio mas de expresión que forma ya parte indiscutible del arte contemporáneo y vanguardista de nuestros tiempos. El arte al igual que el lenguaje siguen siendo y serán medios de expresión y comunicación.

Una nueva hornada de alfareros, pintores o escultores con espíritu de artista enriquecen el material cerámico haciéndole llegar al público en forma de piezas escultóricas, murales modelados y obra abstracta. Como en todo arte, el aspecto técnico de la cerámica requiere de una formación, de un conocimiento profundo de la materia y la

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Ronit Baranga. Necklace. 2010.

práctica del oficio. La cerámica contemporánea evoluciona con la Humanidad, con las nuevas tecnologías y con las inquietudes artísticas de quien la trabaja. Surge una nueva era para la historia de la cerámica, un recuerdo constante y agradecido a todas las civilizaciones y edades del hombre que hicieron de la cerámica aquello que es hoy en día.

Pero nada de ello es suficiente si el artista no lo pone al servicio de la verdadera razón del arte: la construcción de la metáfora.

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Referencias Extractado parcialmente y adaptado de: - HERRERO, J. La nueva cerámica en el arte con temporáneo. 2014.

- LUNA, M. Ceramica y arte contemporaneo: una dura trayectoria en proceso de consagracion.

- NAVARRO, A. Cerámica artística, creación. 2013.

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EL ARTE CERÁMICO ES UNA ALQUIMIA QUE CONJUGA LOS CUATRO ELEMENTOS PARA OFRECER SENSACIONES NUEVAS.

Tessa Eastman. Cloud Bundles. 2017.

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Presente en todo el mundo de habla hispana: * España * México * Colombia * Argentina * Cuba * Perú * Venezuela * Chile * Guatemala * Ecuador * Bolivia * Rep. Dominicana * Honduras * El Salvador * Paraguay * Nicaragua * Costa Rica * Puerto Rico * Urugay * Belice * Estados Unidos * Canadá * Filipinas * Brasil

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Decanas

Paper Dance. Janine Antoni en colaboraciรณn con Anna Halprin. 2013.

VISION Pasado Perfecto

del Arte

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N

o caen en la femenina tentación de quitarse años. Pueden presumirlos con orgullo y pleno derecho: son algunas de las mujeres más influyentes en el arte, que ha dejado sentir durante décadas su energía creadora.

Se enfrentaron al doble prejuicio de ser mujer y ser artista pero fueron imparables, imprevisibles, auténticas insurgentes contra lo establecido abriendo espacios en un mundo de egos masculinos. Hoy, septuagenarias o centenarias, siguen siendo referente obligado del arte actual.

Es el caso de la norteamericana Carolee Schneemann, que a sus setenta y ocho años continúa siendo conocida por su discurso sobre el cuerpo, la sexualidad y la problemática de género.

Pero a diferencia de gran parte del colectivo artístico feminista, el trabajo de Schneemann gira en torno a la expresión sexual y la liberación, en vez de referirse a la persecución o represión de la mujer.

Otro de los grande nombres en nuestra selección de decanas es Sheila Hicks, de ochenta y tres, con sus famosas instalaciones con material textil.

Sus trabajos, entre la escultura y la performance, son una suma de fibras, líneas y color; algunos la describen como “la artista que construye con el color y piensa con la línea.”

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Carolee Schneemann

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Sheila Hicks

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No podían faltar en este homenaje la figura de Alice Neel: fallecida a los ochenta y cuatro, seguía dedicada aún a su carrera pictórica y es considerada por la crítica como un icono de los años setenta y ochenta. Ni la de Carmen Herrera, cubana universal, cuya tardía llegada a la fama no resta mérito a sus ciento dos años de talento.

El excepcional trabajo de Herrera sólo ha sido reconocido a nivel internacional recientemente.

Tras seis décadas dedicándose a la pintura, vendió su primera obra en 2004, cuando contaba ochenta y nueve años de edad. La Tate Modern de Londres y el Hirshhorn Museum de Washington han adquirido recientemente varias piezas suyas.

Alice Neel

VISION Sus obras tienen una precisión casi espiritual con reminiscencias de la pintura de Barnett Newman. Desde un personal estilo expresionistaabstracto, sus pinturas marcan importantes hitos en la evolución del movimiento minimalista geométrico.

obras más reconocidas están esas habitaciones infinitas, formadas a partir de múltiples luces y objetos brillantes.

En el ámbito de las artes escénicas, Anna Halprin, creadora de la danza performativa postmoderna y gurú de varias generaciones, sigue siendo una iconoclasta rompedora de tabúes que, a sus noventa y seis años, ha protagonizado tanto rupturas como cambios de dirección del arte, renovando de arriba abajo los modos de representación habituales en la danza.

Aunque la longevidad artística no es sólo patrimonio de las Américas. En Japón, la incombustible Yayoy Kusama continúa a sus ochenta y ocho años innovando en el ámbito de la escultura y la instalación. Esta artista fascinante ha expuesto en los principales museos contemporáneos del mundo, como la Tate, el Grandes mujeres, en fin, que trascienden Pompidou, el Whitney Museum o el Reina Sofía. nacionalidades y fronteras para emocionar, Kusama es una de las precursoras del Pop Art conmover e inspirar a otras que deseen seguirlas. y del Arte Conceptual basado en las figuras repetitivas, surrealistas y psicodélicas. Entre sus - VISION Carmen Herrera.

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Yayoy Kusama

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“LOS LUNARES VIENEN VOLANDO Y CAEN EN MI VESTIDO, EN EL SUELO, POR LA CASA, POR EL TECHO. Y YO LOS PINTO.” -Yayoi Kusama

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VISION Recomendado 9 al 12 de noviembre 2017 París, Francia FINE ARTS PARIS, que combina dibujo, pintura y escultura, reunirá alrededor de treinta galerías de renombre, francesas e internacionales, y presentará stands multidisciplinarios de pinturas, dibujos y esculturas desde el siglo XVI hasta la actualidad. http://www.finearts-paris.com/

4 al 6 de diciembre 2017 Miami, FLA, EEUU La quinta edición de Miami River Art Fair, feria internacional de arte contemporáneo, tendrá lugar en el Downtown Miami Convention Center dentro del Centro Internacional James L. Knight. http://miamiriverartfair.com/

7 al 10 de diciembre 2017 Miami, FLA, EEUU La exposición paralela SATELLITE se creó en 2015 como una oportunidad para expositores jóvenes, espacios dirigidos por artistas y organizaciones sin fines de lucro para exhibir sus trabajos durante la Semana de Arte de Miami. http://satellite-show.com/

30 noviembre - 3 diciembre 2017 Luxemburgo LUXARTFAIR está transformando el esquema de las ferias comerciales tradicionales de arte cotemporáneo devolviendo el lado cordial, cálido y humano a sus eventos culturales. http://www.luxartfair.com/index.php/en/

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Christo and Jeanne-Claude: The Floating Piers (Va) por Jonathan William Henery.

Las impresionantes fotografías de esta instalación se acompañan de los bocetos, las maquetas, la documentación y los diseños de Christo, que dan las claves de todo el proceso de creación de esta gran obra de arte sobre el agua.

ISBN 978-3-8365-4783-3 Edición plurilingüe: inglés, italiano

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DVD (2016). Después del éxito internacional y de la aclamación crítica de Breath Made Visible, Journey in Sensuality-Anna Halprin and Rodin aporta una nueva visión del influyente trabajo artístico de Anna Halprin, utilizando las esculturas de Auguste Rodin como contenedor de bailes visualmente deslumbrantes en las playas y en los bosques de California.

También estamos en Calaméo: http://goo.gl/0K3mG7

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