Vision 20 2016

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VISION

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Palabra de Editor

Número 20 2016

Amigas y amigos visionarios, Prometimos un número, como dice la expresión popular, “de cine”. Es a ustedes, nuestros lectores, a quienes corresponde determinar si lo hemos conseguido.

Mi tardíamente admirado profesor, el doctor Jorge Uscatescu, afirmaba que el cine es la única forma de comunicación capaz realmente de manipular la mente humana y transformarnos, de forma voluntaria, en otras personas. Una bella alienación aceptada que la nueva tecnología de vídeo 4K, que casi traspasa la pantalla para tocar la realidad, ayudará sin duda a conseguir.

Los tres Visionarios de esta edición exploran el arte actual desde diferentes disciplinas. La escultura de Miquel Aparici recupera elementos de desecho para dotarlos de una nueva existencia como animales reencarnados. En coincidencia con su próxima exposición Technicolor, Ruben Torras presenta su trabajo de intervención fotográfica: Los Iconoclastas. Carlos Godot y su serie de anaglifos Cabaret Bergman trascienden el plano y nos sumergen en la tercera dimensión (las gafas no vienen incluídas, pero seguro que encuentras un par por casa).

El artista invitado es en esta ocasión el británico Tom Beddard, quien nos introduce con su revolucionaria escultura fractal en interminables universos estético-matemáticos.

Consejo Editorial Director General / Editor Christian Fernández Alonso Directora Editorial Mamen de Zulueta Corresponsal - Nueva York Joaquín Carter Corresponsal - Londres Patricia de la Cuadra Corresponsal - Buenos Aires Diego Moscato Corresponsal - Barcelona Luciano Benites Directora de Relaciones Públicas Enid de la Parra Asesor de Contenidos Enrique Torrijos Publicidad Marcos Fernandez publimarcos@gmail.com Portada: Cámara Mitchell. 1932.

De la mano del crítico Javier H. Estrada nos acercaremos a la obra del irreverente Júlio Bressane, referente por antonomasia del nuevo cine independiente brasileño. Y de Brasil viajaremos hasta la India para hablar del colorista fenómeno Bollywood.

Echamos la vista atrás y hace 20 números que iniciamos VISION. Seguimos con la misma ilusión y cada vez con mayor energía e incorporando nuevos talentos hispanoamericanos a nuestro, vuestro, espacio de artes visuales.

Editor CHF

VISION

©

Espacio de Artes Visuales

Publicación bimestral online editada por VISION Iberoamericana, S.L. www.chfvision.com ISSN (en trámite) Copyright 2016© VISION Iberoamericana, S.L. Todos los derechos reservados.

Colaboran en este número: Nuria Cubas Manu Da Costa Javier H. Estrada Alex Santafé Fernando Vílchez

Queda prohibida la reproducción total o parcial y por cualquier medio manual, mecánico o electrónico sin el consentimiento escrito del editor. Copyright: todas las imágenes son propiedad de sus respectivos autores. Todos los textos, imágenes y demás contenidos son responsabilidad exclusiva de sus autores. La publicidad gratuita se incluye como cortesía y sin costo ni compromiso alguno para el anunciante. Toda publicidad pagada es responsabilidad exclusiva de sus respectivos anunciantes. Tanto CHF VISION como su editor declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y/o legitimidad de los contenidos.

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INCONTENIBLE

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Editorial El Arte del Engaño

Júlio Bressane Excentricidad Brasileña

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4K Por Definición

Esto es Bollywood

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Diseño de Vestuario

26 Visionarios Miquel Aparici Carlos Godot Ruben Torras

Pasado Perfecto Carteles para el Recuerdo

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128 Artista Invitado Tom Beddard

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VISION Editorial

EL ARTE DEL ENGAÑO

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nos obreros salen de la fábrica francesa de Lyon mientras un barco abandona el puerto ante la llegada de un tren y se ve la demolición de un muro. Los decorados son naturales, la posición de la cámara, fija. No hay actores y se nota una evidente ausencia de montaje.

El ilusionista George Méliès asiste a la proyección del documental.

Por la noche, en el teatro “Robert Houdin” de París, recrea sus trucos de magia en decorados fantásticos diseñados por él. Decide rodearse de linternas mágicas, una cámara cronofotográfica, praxinoscopios y discos estroboscópicos para poder aplicar la técnica teatral ante la cámara.

Méliès se convierte en el padre de los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada.

Reinventa así el espectáculo cinematográfico mediante trucos como las sombras chinescas, la sopreimpresion, los fundidos encadenados, los fondos negros y los efectos pirotécnicos. Es su particular Viaje a través de lo imposible (1904).

Si Georges Méliès atasca un rollo con su cámara y logra que un autobús se convierta en un “coche fúnebre”, Willis Obrien coloca a los animales en escena junto a los actores utilizando composiciones de planos en El mundo perdido. O utiliza la proyección trasera, pinturas y animación con movimiento a cuadros.

En Metrópolis, Fritz Lang incorpora miniaturas en una maqueta para crear una ciudad a vista de pájaro; Ray Harryhausen filma El séptimo viaje de Simbad, con criaturas míticas de dimensión humana y George Lucas reunirá a la famosa tripulación de La Guerra de las Galaxias para dar comienzo a la era digital, utilizando ordenadores para crear nuevos y mejores efectos especiales.

La primera proyección pública de cine digital en Europa se realizó en París en el 2000, utilizando MEMS - DLP (Procesado digital de luz).

En sus comienzos el cine ofrecía fotogramas alterados atificialmente, pero el uso del Matte Painting permitió el disfrute de panorámico en el cine de forma artificial. Al principio se dibujaban sobre lienzos o cristales y se integraban en el plano a rodar. Al Matte Painting le seguirá el Chroma Key, que permite a los realizadores rodar en un estudio usando un fondo de color uniforme (verde o azul intenso), eliminar dichos colores posteriormente y añadir el escenario deseado.

Otra técnica más moderna es la denominada CGI. Y de todo esto surge la pregunta sobre qué es un espectador sino una persona producida por el espectáculo y que no está interesada en reflexionar sobre la falsedad del mundo. Un consumidor del engaño. La verdad atrapada en el espectáculo y lo aparente instalado en lo real.

Ambos proceden de imágenes. Es la construcción social de la ficción, un desvío consciente de lo real. Puede que la recuperación de la experiencia dependa de volver a concebir el cine como arte y el arte como medio, como habilidad (artis) para, en palabras de Ezequiel Litvinoff, odificar nuestra concepción de lo real.

Méliès, en sus últimos años de vida de empleado en una pequeña tienda de juguetes de la estación de Montparnasse, colocaba los artefactos en las estanterías, con tiempo para elaborar en su mente, un nuevo engaño.

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UHD 4K Por Definición

UNA INMERSIÓN CINEMATOGRÁFICA ENVOLVENTE, REALISTA Y TOTALMENTE CREÍBLE.

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in entrar en complejos tecnicismos, la tecnología 4k cuadruplica el nivel de detalle de la resolución Full HD. Una imagen 4K proyectada en una pantalla de cine contiene 4096 × 2160 pixels. Esto equivale a 8 megapixels (millones de pixels)... o cuatro veces el número de pixels del televisor Full HD doméstico (1920 x 1080 pixels).

Claudio Miranda filmando en 4k. 2015.

En el lenguaje técnico del cine, la resolución del vídeo depende en primera instancia del aspecto de ratio del tipo de cinta que se usa, la cual generalmente se escanea para preparar el digital intermedio previo a la post-producción.

En cinematografía es común hacer referencia a “nK”, donde la “n” se traduce a una resolución determinada dependiendo del formato de la cinta.

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Es previsible que en unos años más 4K se convierta en la norma tal como lo es hoy el Full HD, un fenómeno similar a lo que sucedió cuando migramos de la definición estándar a la alta definición.

Pese a que la tecnología está ya disponible, la mayoría de canales de televisión sigue produciendo y transmitiendo en definición estándar y HD. En lo que respecta a los usuarios como consumidores de contenido audiovisual, todavía siguen utilizando aparatos que no permiten la recepción de HD, por lo que será preciso esperar a una renovación amplia del parque de televisores instalado.

Existen ya salas de cine pioneras en 4K, como la sala Dolby Cinema, inaugurada en el centro comercial La Maquinista de Barcelona, que incorpora el sistema Dolby Visión con proyectores 4K, imágenes construidas con láser e innovadores efectos de tercera dimensión.

SE APLICAN LOS RESULTADOS DE LAS ÚLTIMAS INVESTIGACIONES SOBRE LA PERCEPCIÓN DEL OJO HUMANO. El sistema de proyección 4K duplica la calidad del 2K de las salas de cine habituales con un incremento en el número de fotogramas por segundo, pasando de los 24 fps del cine antiguo a 48 fps, lo que se traduce directamente en que el movimiento se perciba de forma más fluida, especialmente en escenas de acción.

Como valor añadido, este nuevo sistema de imagen permite que el negro sea realmente negro y el blanco, más blanco. Además cuenta con una pantalla de cine vibratoria que compensa el efecto flicker. Integra también un nuevo mecanismo para simular la tercera dimensión en el que se aplican los resultados de las últimas investigaciones sobre percepción del ojo humano que se llevan a cabo en su propio centro de investigación.

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Las películas producidas para este nuevo sistema no sólo constituyen un significativo avance en la imagen sino también en el audio.

El sofisticado sistema de sonido contribuye a que el espectador obtenga una experiencia de inmersión total en la película. Hay un total de 64 entradas de audio independientes que pueden llegar a emitir 128 objetos de sonido simultáneos, distribuidos en altavoces independientes debidamente ocultos en toda la sala para recrear ambientes y escenarios con el máximo realismo.

El Royal Albert Hall de Londres fue el escenario del estreno mundial en 4K de Spectre, la última película de la saga Bond. El film se exhibió mediante un sistema de proyección dual formado por dos proyectores SRX-R320 suministrados por Sony Digital Cinema 4K. El mercado acostumbra a ser sumamente receptivo a cualquier nuevo avance audiovisual: Youtube acepta la resolución 4k desde el año 2010 y Canal+ lanzó la primera retransmisión vía satélite en 4K hace más de dos años.

Posteriormente creó Canal+ 4K para dar cabida a contenidos en este formato. Incluso al día de hoy ya existen smartphones de última generación que permiten grabar pequeños clips de vídeo en 4K. Y, por supuesto, están ya disponibles cámaras profesionales más especializadas con las que poder grabar documentales o eventos para cine y televisión.

En el mundo de la fotografía, cámaras SLR profesionales híbridas como la Canon EOS 1D Mark II ofrecen calidad de vídeo 4K. Para los amantes de la pintura, TVE ha producido con esta técnica el vídeo La Pasión del Prado, disponible en DVD y Blue Ray, que visualizado en una pantalla 4k ofrece una contemplación de las obras de esta pinacoteca con un nivel de detalle nunca antes visto.

El interés para los creadores, investigadores y profesionales es creciente. En Sevilla se celebró recientemente el “4K World Summit” donde se revisó el estado del arte de esta nueva

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JR. Asamblea Nacional de ParĂ­s. 2015.

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tecnología y se vislumbraron las tendencias más inmediatas para el nuevo gran mercado que se abre. Se prevé que 4k sea una de las tecnologías protagonistas del 13 Forum Europeo Digital que tendrá lugar el próximo mes de junio en la ciudad italiana de Lucca.

No podían faltar las comunidades online para intercambiar experiencias como 4kspain y otras auspiciadas por las empresas desarrolladoras como Avid community. Y cómo no, el mundo de los videojuegos recibe igualmente con los brazos abiertos esta impactante resolución. ¿Estamos ante una nueva revolución digital?

Muchos así lo piensan, mientras que no faltan quienes se adelantan a los tiempos mencionando la posibilidad de un inminente 5K. A pesar de los problemas, como ocurre con cualquier tecnología nueva que necesita un periodo de maduración, esta resolución va a permitir a la producción audiovisual dar un salto a un nivel superior y generar productos comerciales y artísticos como nunca antes se habían imaginado.

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de

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Diseño vestuario

Diseño

Milena Canonero. Oscar al mejor diseño de vestuario por El Gran Hotel Budapest. 2014.

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ras bastidores, entre bocetos, agujas y costuras, los diseñadores de vestuario -costume designers en la jerga cinematográfica- son profesionales clave para la credibilidad de cualquier película.

Un territorio en el que los británicos, con 28 premios de la Academia, destacan incluso sobre los italianos, que hasta la fecha han conquistado 12 estatuillas.

El Diseño de Vestuario agrupa todas las actividades del vestir para la concepción creadora de un proyecto fílmico a partir de objetos, modas, prendas y accesorios. Los diseñadores tratan de completar la personalidad de un personaje, y para ello despliegan mútiples recursos, como el estudio de la evolución del color, el cambio de estatus social, o el periodo histórico.

Pueden falsear o mejorar el cuerpo, dentro de los límites de la visión del director. El diseñador de vestuario debe asegurarse de que las prendas permitan el movimiento del actor tal como lo requiera el guión. Por su parte, los actores deben ejecutar su papel sin dañar las prendas.

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Milena Canonero. Indumentaria de Alex DeLarge en Clockwork Orange. 1971.

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NADA TAN PELIGROSO COMO SER DEMASIADO MODERNO. CORRE UNO EL RIESGO DE QUEDARSE SÚBITAMENTE ANTICUADO. - Oscar Wilde Las prendas deben ser resistentes y lavables especialmente para sesiones prolongadas o escenas que simulan el tiempo real (lo que significa que la mayoría de los trajes no van a cambiar entre escenas) pero cuyo rodaje puede extenderse a través de varias semanas La prenda es uno de los principales factores de humanización en su dimensión cultural, social y económica, donde se expresa la forma de ser, de vivir, sentir, ver e interpretar el mundo o entorno. Por lo tanto, el Diseño de Vestuario debe contemplar al personaje en su característica antropológica, física, espiritual y social y tomar en consideración sus manifestaciones culturales, económicas y políticas; estudiar la persona en su acción de vestir. El hombre se viste a sí mismo, viste el cuerpo y viste el espacio que le rodea.

Jenny Beavan. Oscar al mejor diseño de vestuario para Mad Max: Fury Road. 2016.

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Robert Edmond Jones. 1920.

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El ser humano, sus emociones, las historias... en esencia son siempre las mismas. Lo que va variando y marca el carácter de las diferentes épocas son los nuevas estéticas. El director marca al figurinista en qué clave se van a abordar el guión, los personajes, la escenografía, el vestuario: el aspecto visual ha de conformar un todo armonioso.

Boceto de Edith Head.. 1975.

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A partir del pensamiento de la rusa Alexandra Exter (1884-1949), creadora de la teoría plástica del traje escénico, el vestuario es entendido en nuestros días como la segunda piel del actor, con la capacidad de funcionar a modo de decorado móvil. Pero es preciso tener en cuenta también los clichés específicos de cada género: no funciona igual el vestuario de un mismo personaje tomado

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de un mismo texto si se aborda en clave de comedia o si se decide hacerlo en clave dramática.

La realidad o el verismo histórico no son el fin último en el cine y las artes escénicas, sino que constituyen una base sobre la que construir una ficción plausible a ojos del espectador que sume expresividad y carácter a los personajes.

Para conseguir transmitir visualmente esos rasgos a través de la indumentaria es de gran importancia el uso de detalles y complementos como símbolos de su psicología.

El vestuario evoluciona con ellos y con el guión hasta convertirse en un subtexto y al igual que los efectos especiales, el vestuario funciona cuando se integra con el resto de elementos de la puesta en escena sin hacerse notorio ni destacar sobre el resto.

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Frederic Amat. KI. 2010.

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VISION Visionarios

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Miquel

Rinoceronte. 2014.

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Aparici

FotografĂ­as de Manu Da Costa

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iquel Aparici Banegas (Barcelona, España, 1963). Estudió en la Escuela Massana de Barcelona e inició su trayectoria profesional como diseñador gráfico, una labor que durante unos años compaginó con la redacción de guiones para cómics y televisión.

Posteriormente se incorporó a la revista El Jueves como director de arte, donde actualmente trabaja. Su faceta artística surgió de forma espontánea, tras un viaje a Formentera, en que quedó fascinado por la belleza natural de la isla y su fauna.

A finales de los 90 inició su carrera profesional como artista con una original colección de pinturas de animales elaboradas con café y azúcar que expuso en la galería 3ArtBcn, ubicada en el casco antiguo de Barcelona. Del papel pasó a convertir sus dibujos en seres en tres dimensiones y a crear esculturas utilizando todo tipo de utensilios de antiguos oficios artesanos y objetos en desuso de madera y metal, que el autor combina de forma creativa utilizando diferentes tipos de técnicas.

Boby. 2013.

Ha realizado exposiciones colectivas e individuales en Alemania, España, Austria, Dinamarca y Estados Unidos. Entre las más recientes destacan: Galería Víctor Lope en Barcelona; Galería Veintinueve, Mallorca (2016); Clínica Teknon, Galeria Tekhnart, Barcelona (2015) y L’Illa Diagonal y Espai D., también en Barcelona (2014).

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Guepardo. 2015.

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EL CUERPO VISIBLE Y EL OBJETO SON VEHÍCULOS PARA ENTRAR EN UN MUNDO SECRETO PERO BRILLANTE, ABIERTAMENTE PRESENTADO AUNQUE ENCAPSULADO.

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Gorila. 2011.

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Loro Rojo. 2010.

Gato. 2011.

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…MI VIDA ES COMO UNA SERENDIPIA, CADA UNA DE LAS INESPERADA O POR CASUALIDAD.

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PIEZAS SUELE APARECER EN MI CAMINO DE FORMA

Ballena. 2014.

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Pรกjaro. 2015.

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MIENTRAS CREO NO SOY CONSCIENTE DEL ENTORNO PORQUE ME SUMERJO EN MI PROPIO MUNDO.

Dinosaurio. Detalle. . 2013.

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Guepardo. Detalle. 2015.

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Oveja. 2013.

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Ruben

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Torras

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uben Torras Llorca (Barcelona, España, 1978). Licenciado en Bellas

Artes con especialidad en pintura por la Universidad de Barcelona, cursó el máster “Creación Artística: realismos y entornos” de esa misma universidad.

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en España, Suiza y Bélgica. Entre las más recientes destacan: “Technicolor”, actualmente en la galería Victor Lope de Barcelona (2016); “Bi-Polar”, en la galería mallorquina Pep Labrés Arte Contemporáneo y “The Explorers” en la galería My Name’s Lolita Art de Madrid (2015); ”Copy & Paste” en la gallería Dok en Baden, Suiza y ”Arqueologies”, en la galería Atelier de Barcelona (2014).

Ha realizado dos residencias artísticas en Espai d’Arts, Roca Umbert F.A. de Granollers (2014) y Oslo Graphic (2013).

Cuenta en su haber con los premios INCUBARTE 6, el premio de pintura HumetSaula y el X premio de Pintura Guastavino 08.

Es miembro del colectivo Pole Noise, Interactive and Multimedia Arts.

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Los recursos del artista son los de una sociedad llena de memoria gráfica. La imagen como concepto, sin distinguir procedimientos o técnicas.

- Alex Santafé

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Un viaje de retorno hacia lo conocido, lo

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olvidado, lo cercano y a la vez desconocido.

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Carlos

Acero quirĂşrgico. 2016.

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Godot

Atroz costumbre. 2016.

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arlos Godot (Sevilla, España, 1968). Cursó el Graduado en Creación de Proyectos Multimedia de la Universidad Abierta de Cataluña. Ha realizado estudios de Realidad Aumentada en Forem y de Realización de Audiovisuales con UnaMultivisión.

Fotógrafo y diseñador freelance desde 1996, en la actualidad es Director de Fotografía y Diseño de ARTS (Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla).

Ha realizado diversas exposiciones como Cabaret Bergman, Casa del Libro (2016) [mostramos aquí algunas piezas de esta reciente serie]. Subasta de Arte - Palacio del Pumarejo, Sevilla (2014). Room art fair (2013). Su obra se encuentra en diferentes colecciones privadas y galerías como Fundación DeArte y Estampa (2012), Palacio Ducal de Medinaceli, Soria (2011) o Cenizas e Interferencias en la Galería Rubec (2008).

Ha desarrollado multitud de proyectos de arquitectura virtual y animación 3D para videoInstalaciones y diseño integral corporativo de espacios expositivos y de interpretación.

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La muerte sobre un caballo pรกlido. 2016.

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Diarios indios. 2016.

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SueĂąos de clase media en verano. 2016.

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¿En qué casa?. 2016.

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Primera nevada. 2016.

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Las obras de la serie Cabaret Bergman son escenarios, pequeños teatros. Esta teatralización de la vida es la que nos lleva a su título. Bergman nos mostraba su reflejo en Fanny y Alexander

(Así como en su libro Las mejores intenciones), un niño construyendo su mundo dentro de pequeños escenarios en los que se representaba la vida, su vida, quizá como forma de controlarla,

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A Maryann Burk y Raymond Carver. 2016.

de jugar a Dios. Esta obra es el punto de partida de un proyecto mรกs extenso entre la literatura, la imagen y el cine.

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VISION Artista Invitado

Tom Beddard Fractales FabergĂŠ

Tom Beddard Light in Dark. 2013.

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om Beddard, también conocido por el preudónimo suBblue, es en sí mismo un artista fractal: desarrollador de software, investigador de la tecnología láser y un claro innovador en el ámbito de la escultura.

Este físico inglés radicado en Escocia nos soprende con su intrigante serie de formas geométricas a las que se refiere como Fractales Fabergé. Inspiradas en los clásicos huevos decorados, las creaciones de Beddard muestran brillantes y complejos patrones de diseño, que logra a partir de algoritmos y renderizado digital para generar estos fascinantes modelos tridimensionales.

Beddard explica: “Los fractales en 3D se generan mediante fórmulas iterativas: la salida de una forma se convierte en iteración para la próxima entrada. Las diferentes fórmulas son eficaces para cambiar la escala, rotar la figura o modificar el espacio. Son verdaderos fractales que hacen posible revelar más y más detalles cuanto más cerca de la superficie se viaja.”

El aspecto fascinante de sus obras consiste en la multiplicidad de combinaciones de parámetros que se pueden crear. El resultado son estas resonancias estructurales de extraordinario detalle y belleza, que a veces aparentan formas naturales, orgánicas, y otras veces de pura perfección geométrica. Aunque en ocasiones el resultado final podría concluir en un sistema caótico susceptible de desaparecer por completo con la más mínima perturbación.

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Fractal Fabergé 01 2016.

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Mi proceso creativo consiste en desarrollar herramientas de software que me permitan explorar procesos generativos de manera interactiva.

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Apollonian Artefacts 2016.

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Siento fascinación por la estética del detalle y la complejidad que puede emanar de simples procesos matemáticos.

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Fractal Fabergé 02 2016.

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Son verdaderos fractales que hacen posible revelar mรกs y mรกs detalles cuanto mรกs cerca de la superficie se viaja.

Bruce Munro. Instalaciรณn en el Museo Holburne, Bath. 2014.

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Fractal Fabergé 03 2016.

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Fractal FabergĂŠ 04 2016.

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Júlio B

Júlio Bressane. Garoto. 2015.

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Bressane Excentricidad brasileĂąa

Júlio Bressane. lustración de Ana Cubas. 2015.

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Por Javier H. Estrada

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ás que ningún otro país latinoamericano, Brasil experimentó el impacto de los nuevos cines que sacudieron el panorama fílmico desde finales de los años 50.

El cinema novo de los Glauber Rocha, Nelson Pereira dos Santos y Joaquim Pedro de Andrade se convirtió en punta de lanza de esa renovación llegada de la periferia, un movimiento que se autodenominaba tercermundista en su denuncia del imperialismo y del colonialismo que habían dominado históricamente la región. Sus integrantes mezclaron el espíritu rupturista de la nouvelle vague con discursos de fuerte carga política, revisando la realidad social y el pasado del país.

El cinema novo fue considerado una vanguardia indómita fuera de sus fronteras, pero dentro algunos reclamaban un paso más.

Así surgió el cinema marginal, movimiento de resistencia que denunció el aburguesamiento del cinema novo, y que desarrolló su actividad en los márgenes del underground. Se trataba de una revolución tras la revolución, un salto incondicional y extremo hacia la libertad del cine. Entre sus representantes se encontraban Rogério Sganzerla, Ozualdo Candeias y también Júlio Bressane, un adolescente de Río de Janeiro dispuesto a dinamitar los moldes establecidos.

Nacido en 1946, Bressane debutó en la dirección con Cara a cara (1967), film realizado sin apenas presupuesto que anticipaba la osadía y el carácter iconoclasta de su filmografía

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Matou a família e foi ao cinema. 1969.

DE A Í G R E N AE L Y A I B A N Á T LA R S E A I ENC C S E L O. O N D A L P LA A A CAD N E S E T PRESEN

VISION posterior. Poco después llegó Matou a Familia e Foi ao Cinema (1969), su primera gran obra, película revolucionaria y provocadora que se erigió en uno de los exponentes más vigorosos del cinema marginal. Se trata de una delirante colección de historias criminales en la que se aprecia la influencia tanto del cine negro como de la comedia musical americana. Bressane, que por entonces tenía apenas 23 años, rodó la película en tan solo 12 días. La rabia y la energía de la adolescencia están presentes en cada plano. Solo un genio podía filmar una obra tan corrosiva a una edad tan temprana.

Una de las señas de identidad de su cine es el interés por figuras esenciales de la Historia.

Sermões – A História de Antônio Vieira (1989) se centraba en Antônio Vieira, una de las figuras más veneradas de la América lusófona. Diplomático, misionero y escritor originario de Portugal, Vieira fue un defensor incansable de los derechos de los indígenas en el Brasil del siglo XVII. Como consecuencia fue perseguido y condenado por la Inquisición Portuguesa. Bressane evita las estrategias del biopic convencional. Su semblanza de Vieira se construye mediante reconstrucciones de pasajes de su vida y también de asociaciones con imágenes de archivo y de otras películas.

Como ejemplo, el sufrimiento del misionero a manos de la Inquisición se intercala con escenas de La pasión de Juana de Arco de Dreyer.

Otro paso decisivo en la construcción de ese cine dedicado a la revisión del mito y la Historia fue Dias de Nietzsche em Turim (2001), insólito retrato del pensador alemán en su etapa de mayor frenesí creativo. Más que indagar en el Nietzsche filósofo, Bressane se dedica a desnudar –psicológica y literalmente– al Nietzsche hombre.

El cineasta compone una estética heterogénea en la que se mezclan texturas esmeradas con otras pretendidamente amateurs, color y blanco y negro, estatismo y movimientos enardecidos.

Esa explosión formal sirve como reflejo de una creatividad inmensa y volátil. Los estímulos e ideas reflejados por Bressane van siempre dirigidas al encuentro con el delirio de Nietzsche y su percepción de lo sublime.

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Cima absoluta de las particulares biografías de figuras célebres compuestas por Bressane, Cleópatra (2007) es también el retrato más sugestivo y complejo que el cine ha plasmado sobre la última reina del antiguo Egipto. El personaje interpretado por Alessandra Negrini está a medio camino entre diosa terrenal y médium. Su capacidad visionaria le advierte de la caída inminente de su imperio, aunque el destino parece marcado. En su intento desesperado por salvar a su pueblo, ella brinda todo su imperio de los sentidos a Julio César y Marco Antonio. Como hizo Pasolini en Salò (1975), Bressane recrea un mundo que se sostiene sobre el abismo, evidenciando su decadencia basculando entre lo grotesco y lo glorioso. A través de una puesta

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en escena magistral y de empleo apoteósico del color, esta Cleopatra a la brasileña (en la que suenan la samba de Noel Rosa, Felicidade; y el clásico de Dalva de Oliveira, Há um Deus) ofrece una penetrante reflexión sobre la implacable ceguera del poder.

Otra vertiente cardinal del cine de Bressane es su reinvención de la pieza de cámara. Sus películas suelen ambientarse en espacios cerrados donde los personajes dan rienda suelta a sus emociones. Educação sentimental (2013) muestra a una mujer madura redescubriendo la pasión y el amor con un joven. En A erva do rato (2008) una pareja intenta crear un mundo completamente independiente pero su hogar se ve acechado por presencias externas. El film está basado en dos relatos cortos del célebre escritor brasileño Machado de Assis.

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Garoto (2015), último film de Bressane hasta la fecha, bebe también de la literatura, en este caso del cuento de Jorge Luis Borges, El asesino desinteresado Bill Harrigan. De nuevo encontramos una relación inestable y exaltada, a ratos diabólica e histérica. Dos jóvenes viven su historia de amor en un territorio fantástico, alejado del ruido y de los otros. Cuando el chico comete un asesinato, la relación se resquebraja.

Pero nunca hay que subestimar el poder de los lazos sentimentales.

ENCONTRAMOS UNA RELACIÓN INESTABLE Y EXALTADA, A RATOS DIABÓLICA E HISTÉRICA. Como escuchamos en la película, el misterio del amor es más grande que el de la muerte.

Garoto forma parte del proyecto Tela Brilhadora, compuesto también por O prefeito de Bruno Safadi, O espelho de Rodrigo Lima y Origem do mundo de Moa Batsow. Todos ellos son fieles colaboradores y admiradores de Bressane.

Otra demostración de su rol como referente primordial para la nueva generación de directores independientes brasileños.

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Esto es Bo

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Cine

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oreografía pop, vestimenta tradicional hindú, empalagosas historias de amor y galanes en guiones policiacos de desaforada acción. Mezclemos todo eso con la estructura fílmica de un musical y el plagio descarado de producciones norteamericanas y comenzaremos a entender el fenómeno Bollywood.

Un fenómeno cinematográfico que se ha convertido en una próspera industria con un valor de más de $2,000 millones de dólares, lo que la sitúa como una de las más poderosas en el mundo.

Además, está demostrando ser exportable a muchos otros paises. A algunos lectores no les serán desconocidos títulos como Kites, La vida de Pi o Mi nombre es Khan.

El ocurrente juego de palabras entre Bombay y Hollywood fue inventado por el historiador del cine Amit Khanna y la periodista Bevinda Collaco en los 70 y ha perdurado hasta hoy al punto de ser un vocablo reconocido en el Oxford English Dictionary.

Las producciones de Bombay, sumadas a las filmaciones en lenguas como maratí, tamil, telugu, bengalí, canarés (kannada) y malayalam, constituyen el núcleo de la industria fílmica de la India. Bollywood es una pieza fundamental de la cultura popular hindú y del resto del subcontinente Indio.

Actores como Shah Rukh Khan y bellas actrices como Kajol Mukherjee Priyanka Chopra se han convertido en auténticas celebridades internacionales.

La actriz Priyanka Chopra.

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VISION El problema del plagio, tan perseguido por la industria cultural norteamericana y europea, es percibido de modo muy distinto por los empresarios y directores hindúes. Vikram Bhatt, director de clones de películas como Raaz (Lo que la verdad esconde), Kasoor (Al filo de la sospecha) y muchos otros títulos abiertamente paralelos a conocidas películas de Hollywood, dice: “Nunca olvidaré lo que dijo Mahesh Bhatt. Si sabes ocultar la fuente, eres un genio”.

Y para reafirmar esta idea, continúa: “No hay tal cosa como la originalidad en el ámbito creativo: Mozart copiaba canciones de su archirrival Salieri; Martin Scorsese hizo una nueva versión de J. Thompson Lee de El cabo del miedo y la banda sonora de Spielberg para En busca del arca perdida está prácticamente copiada de un composición de Tchaikovsky. Cuando comienzas a crear una obra, miras a tu alrededor en busca de inspiración -un personaje de la vida real, un sonido, una melodía o algo que se mueve, algo que se desea replicar. Si el mercado hindú comienza a invertir en los escritores, más gente va a verlo como una opción de carrera y van a surgir ideas frescas.”

SI SABES OCULTAR LA FUENTE, ERES UN GENIO “Hasta que eso ocurra, prefiero confiar en el proceso de ingeniería inversa y hacer el remake de una película en lugar de hacer algo indígena.

Económicamente, estaría más seguro sabiendo que una determinada obra ya ha funcionado bien en la taquilla.”

Shahrukh-Khan

El plagio es endémico en toda la India. Los programas de televisión más populares son adaptaciones de los programas americanos. Si en el siglo pasado lo británico era signo de distinción y estilo, ahora el público lo que más desea son

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“PREFIERO CONFIAR EN EL PROCESO DE INGENIERÍA INVERSA Y HACER EL REMAKE DE UNA PELÍCULA EN LUGAR DE HACER ALGO INDÍGENA.” -VIKRAM BHATT

las películas, los automóviles, los refrescos de dieta y la moda estadounidense. El estilo de vida norteamericano se está implantando progresivamente en esa rica y complejísima cultura milenaria simplificando y uniformando gustos y aspiraciones. El cine ofrece modelos a seguir que son rápidamente incorporados.

Fenómenos como la globalización e incluso la migración han despertado el interés de los países occidentales por descubrir la esencia de otras sociedades que hasta hace un tiempo eran consideradas “lejanas”.

El cine ha sido siempre una importante herramienta para conectar a los pueblos... y también para mejorar sus ingresos: en la clasificación de los actores mejor pagados del mundo destacan tres ciudadanos indios. El ranking de la Revista Forbes, encabezado por Robert Downey Jr. (US$80 millones), Jackie Chan (US$50 millones) y Vin Diesel 47 (US$47 millones) ubica a Amitabh Bachchan, de 72 años, en la séptima posición (US$33,5 millones).

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Desde la mítica Harishandra, dirigida por Dadasaheb Phalke en 1913, pasando por las películas de crítica social del director Raj Kapoor (1924-1988) hasta recientes éxitos de taquilla como Dhoom o Chennai Express, Bollywood es ya una referencia insoslayable cuando se habla del séptimo arte.

- VISION Referencias: BANERJEE, Kanchana. Cloning Hollywood. The Hindu. www.thehindu.com The World's Highest-Paid actors 2015. Forbes magazine. www.forbes.com/actors/#280f63c82740

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Carteles el recu

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para uerdo

Pasado Perfecto

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S

on parte inseparable de la historia del cine y, por ende, de nuestra historia personal.

Joyas del diseño gráfico transformadas en codiciados objetos de colección cinéfila.

En su compilacón de ensayos Cine y Publicidad Francisco Perales Bazos señala con acierto que “es impensable hablar de cine sin hacerlo de publicidad. Si bien es cierto que la publicidad se ha servido de las cualidades y características del medio fílmico, también es cierto que, con el paso del tiempo, ha adquirido un lenguaje tan propio y original que ha llevado a inspirar al propio cine.”

Y añade: “Ante esto, nos encontramos con una especie de hibridación dominante, una especie de fusión de disciplinas”. El surgimiento de nuevos medios obliga a desarrollar nuevas estrategias que comparten tanto características publicitarias como cinematográficas. El cartel habla con un lenguaje propio destinado a convencer, a seducir y a perdurar en la memoria, aunque sea por el breve lapso previo al estreno y hasta que lo reemplace una nueva película.

Y es que el cartel es arte efímero en la acepción más radical de la palabra. Y lo es no porque se imprima en papel corriente o se fije con engrudo en la pared, sino porque su naturaleza es coyuntural, obra de circunstancias, y transcurrido el momento para el que fue creado pierde su sentido originario. Tal vez sea precisamente entonces cuando se transforma en arte. Cuando perdida su intención inicial pasa a construir memoria.

Cartel para la versión francesa de Freaks. 1932.

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Decía David Alfaro Siqueiros que la única experiencia formal directa, inmediata, que ha tocado el problema del arte de representación realista en el exterior es el arte comercial destinado a la calle, el arte destinado a las multitudes y a las multitudes en movimiento. Un arte materialmente destinado a vivir bajo el sol o bajo la lluvia.

Arte o publicidad, o ambas, es patente que los grandes carteles de la historia del cine son obras de verdaderos artistas. El constructivismo soviético, el expresionismo alemán, el cubismo en los carteles franceses, todos los grandes movimientos artísticos del siglo XX han tenido eco y hasta protagonismo en el cartel cinematográfico, algunos de ellos con auténticas obras maestras.

Pero más allá de su evidente dimensión artística, impulsora de iconografías y tipografías propias, el cartel de cine, con su gran formato, colorido y los nombres impresos de las grandes estrellas, es parte integral de una cultura visual de la que todos, en mayor o menor medida, participamos.

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Tim Noble y Sue Webster. Shadowplay.

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20 de mayo al 5 de junio 2016 Madrid, España IIIª edición del conocido Festival de intervenciones artísticas en los exteriores de los comercios de Lavapiés. 60 artistas realizarán en directo sus creaciones artísticas en las calles de Lavapiés. Vecinos y visitantes podrán disfrutar del arte sobre fachadas, escaparates y otros espacios exteriores del popular barrio madrileño. http://www.lavapiés.com/CALLE/ 2 al 11 de junio 2016 Madrid, España FILMADRID Festival Internacional de Cine nace con la determinación de descubrir senderos inéditos y novedosos dentro del paisaje cinematográfico contemporáneo, promoviendo y exhibiendo un cine de marcado carácter autoral. http://www.filmadrid.com/

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