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VISION


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Palabra de Editor Amigas y amigos visionarios,

Número 19 2015 Consejo Editorial

Concluye el 2015, Año Internacional de la Luz. Y la luz, o su ausencia en forma de oscuridad, penumbras y sombras, es la esencia de las artes visuales. Dedicamos este último número del año a algunas de las manifestaciones artísticas actuales que juegan y se recrean con las posibilidades de manipulación de los rayos luminosos y recordamos también el pasado con las sombras chinescas. Más allá de la física, la óptica, la teoría del color o la psicología de la percepción, la luz como fenómeno natural y como materia expresiva es objeto de una indagacion permanente desde el pensamiento y la creación artística. De Guatemala nos llega el talento de Luis González Palma, el primer Visionario de este país centroamericano. De México recibimos a Alex Lazard, que muestra su particular dominio del grabado sobre linóleo, metal y madera. Los desenfoques fotográficos de la española Sofía Santaclara inciden en el cuestionamiento de la luz y la sombra en el blanco y negro de sus imágenes. Nuestro artista invitado es en esta ocasión el hispano-norteamericano Rico Solinas, con su propuesta de pinturas de edificios que albergan pinturas, tautología del arte dentro del arte y a la vez filoso cuestionamiento sobre los museos como mausoleos que remite a Malraux.

Director General / Editor Christian Fernández Alonso Directora Editorial Mamen de Zulueta Corresponsal - Nueva York Joaquín Carter Corresponsal - Londres Patricia de la Cuadra Corresponsal - Buenos Aires Diego Moscato Corresponsal - Barcelona Luciano Benites Directora de Relaciones Públicas Enid de la Parra Asesor de Contenidos Enrique Torrijos Publicidad Marcos Fernandez publimarcos@gmail.com Portada: Ben Rose. Light Art. 2015.

Las nuevas tecnologías revelan campos experimentales novedosos, como los revelados algoritmos de Google Deep Dream que permiten transformar las imágenes en sueños, alucinaciones o pesadillas. Y el arte urbano, cada vez más presente, se refresca con el grafiti satírico de Banksy. Para concluir, otra luz, la de la Navidad y el comienzo del Año Nuevo, es la que todo el equipo de VISION deseamos que brille en sus hogares. Nuestros mejores deseos en estas fechas.

Editor CHF

VISION

©

Espacio de Artes Visuales

Publicación bimestral online editada por VISION Iberoamericana, S.L. www.chfvision.com ISSN (en trámite) Copyright 2015© VISION Iberoamericana, S.L. Todos los derechos reservados.

Colaboran en este número: José Antonio Asensio Maria José Salgado Salvador Torres

Queda prohibida la reproducción total o parcial y por cualquier medio manual, mecánico o electrónico sin el consentimiento escrito del editor. Copyright: todas las imágenes son propiedad de sus respectivos autores. Todos los textos, imágenes y demás contenidos son responsabilidad exclusiva de sus autores. La publicidad gratuita se incluye como cortesía y sin costo ni compromiso alguno para el anunciante. Toda publicidad pagada es responsabilidad exclusiva de sus respectivos anunciantes. Tanto CHF VISION como su editor declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y/o legitimidad de los contenidos.


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INCONTENIBLE

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Editorial Hágase la luz

Selfies Muerte del autorretrato

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Videoarte Video Mapping: Terastografías y Videoproyecciones

Arte Urbano Banksy

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Arte Luz Un recorrido luminoso por la Historia del Arte

Deep Dream Arte Lisérgico

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Visionarios Luis González Palma Sofía Santaclara Alex Lazard

Pasado Perfecto Sombras Chinescas

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140 Artista Invitado Rico Solinas

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HÁGASE LA LUZ

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on su naturaleza volátil y como forma primitiva del mundo material, en religiones antiguas se identificaba a la deidad con la luz, como el Baal semítico, el Ra egipcio o el Ahura Mazda iranio. Para Plotino, la belleza provenía de la presencia de una luz incorpórea. Era la metáfora del Sol, era el fuego, único, el que adquiría belleza en sí mismo. En la Edad Media, en el seno de la filosofía escolástica, surgió la “estética de la luz”, símbolo de una dinividad reflejada en las catedrales góticas cuyas vidrieras y ventanales inundaban el espacio interior, indefinido, sin límites y en plena armonía. Y donde los manuscritos eran iluminados con miniaturas de colores vivos y puros como el oro y la plata, sin matices ni claroscuros.

a veces alumbrado abusivo y revelador, aliado de todo lo hermoso.

Grossesteste habló del carácter matemático de la belleza identificándola con la luz metafísica, de ese Splendor que producen los reflejos en los materiales contra los que choca, del encuentro entre dos luces que es el color.

Luz es difusión de fuerza creativa. Y al aplicarla en la obra de arte, se configura como estética, como elemento expresivo de ella. Posee la proporción más perfecta ya que es uniforme e interiormente concorde. En escultura la sombra es el medio por el que los cuerpos revelan sus formas; pensada para ser iluminada por el Sol, terminó como un medio en sí mismo. Son así las esculturas de Francois Morellet, ensambladas en tubos de neón o lo juegos de artificio y luz de Brigitte Kowanz.

Porque la luz en el arte es el fulgor que ilumina, impasibilidad porque nada puede alterarla, penetrabilidad porque atraviesa los cuerpos sin corromperlos. Y al hacerse surge una tercera dimensión: el artista ha de componer con una luz que defina el volumen, la forma y el tamaño de los objetos y donde las sombras crearán los vacíos, los “negros”.

En la fotografía, capturará la presencia de la luz en el tiempo. Suavizará los contrastes sin deshacer las formas, revelará lo inapreciable porque etimológicamente es eso: escribir con luz. En pintura permitirá la visión del contorno, la textura y el color de los objetos y su ubicación en el espacio, así la belleza no se encuentra en la forma sino en su resplandor.

Como origen del movimiento, la luz las hará girar; las animará y acentuará el relieve; atrapará el color; definirá la armonía, los claroscuros y el contraste. Porque sólo a plena radiación de luz se puede contemplar el enigma de la sombra, la imprecisión de su color, su modulación. Esa oscuridad que en el arte es serenidad inalterable,

Y toda luz será una ocasión viviente para manifestar la fuerza de las oposiciones diametrales, de las formas desmesuradas y de todos los actos misteriosos de la creación artística. - VISION


VISION Editorial


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Sounds and Lights of Unity. Bruselas. 2015,

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Video


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Mapping

VĂ­deo


Catedral de Sidney. 2015.

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a noche de la ciudad se engalana de luces y colores. Los edificios se transforman en gigantescas pantallas animadas. La multitud asistente deja escapar gritos de asombro. Las fachadas cuentan la historia de lo que sucedió tras de ellas o juegan a desmoronarse y reconstruirse nuevamente. Todo ello sucede cada vez con más frecuencia en las grandes ciudades y edificios emblemáticos de las capitales del mundo gracias a las nuevas técnicas de proyeccion videográfica denominadas genéricamente videomapping. Desde principios de los años 90, pasando por aperturas y clausuras de juegos olímpicos y eventos deportivos internacionales, las espectaculares proyecciones conmemorativas del Bicentenario de la Independencia de México en el Distrito Federal en 2012, hasta llegar a las últimas creaciones en Sidney y Berlín en 2015, la tecnología ha ido perfeccionándose para ofrecer a los artistas mayor flexibilidad y posibilidades expresivas. Es el caso de Cristopher Cichoki , quien tomando estos conceptos los ha trasladado al ámbito de lo abstracto con realizaciones como Infrastructural Mapping, su proyecto en la residencia de artistas en Powder Mountain, donde Cichoki proyecta hipnotizantes colores que parpadean en una serie de esculturas simples hechas a partir de tubos de PVC y árboles secos.


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En toda su enorme diversidad de posibilidades, las proyecciones constituyen una particular manera de hacer rica y diversa que utilizan una gran cantidad de artistas para lanzar mensajes de carácter social o reivindicativo, tal como hace Krzystof Wodiczko (artista por demás polémico y a la vez profesor del Centro de Estudios Visuales Avanzados MIT) con las proyecciones de indigentes sobre edificios o monumentos significativos de la cultura norteamericana. Es un cuestionamiento desde el arte sobre la monumentalidad de la arquitectura que esconde tras sus muros la desigualdad e inhumanidad. Estas terastografías (término acuñado en el 2010 por Christian Fernández para designar las imágenes gigantescas) son posibles gracias a proyectores de enorme potencia -del orden de 38,000 lúmenes- capaces incluso de proyectar fotografías y videos sobre las nubes.

Es un cuestionamiento desde el arte sobre la monumentalidad de la arquitectura que esconde tras sus muros la desigualdad e inhumanidad. Por el momento, el precio del equipo necesario para un videomapping constituye una severa limitante para el acceso del artista urbano común, por lo que todavía está en manos de grandes empresas como la norteamericana


Krzystof Wodiczko. 多Cuantos?. Madrid. 1991.

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Quince Imaging, la británica Seeper, creadora de piezas como “Battle of Branchage” o la compañía alemana urbanscreen.com ganadora en 2010 de un León de Plata en el acreditado Festival publicitario de Cannes que trabaja con el concepto de Lumentektur (videomapping 3D). Iberoamérica no está, ni mucho menos a la zaga: en Guadalajara, México, Madnull ofrece servicios de diseño e implementación de este tipo de proyectos, al igual que en Chile lo hace la productora Pi-Proyección de ideas y la empresa Rotor Studio en España. Existen ya comunidades online que aglutinan a atistas, teóricos y estudiantes curiosos por esta disciplina, como Projection Mapping Central, cuyo sito web projection-mapping.org funciona como punto de encuentro de más de un centenar de empresas y miles de visitantes.

Sarah Rice. Activistas en San Francisco, 2012.


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Wayne Garrett y Caitlind Brown Cloud. 2014. Sounds and Lights of Unity. Bruselas. 2015,


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JR. Asamblea Nacional de ParĂ­s. 2015.


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El sonido cobra particular importancia como parte del show, creando en los espectadores la sensación de “estar dentro” de las megaproyecciones. Algunas incluyen incluso pirotecnia, con lo que se logra una inmersión sensorial total. La adaptación de los contenidos a la superficie de proyección es otro de los elementos indispensables para la credibilidad del proyecto, lo cual exige la colaboración estrecha de diseñadores, aquitectos, videoartistas y, desde luego, la participación institucional para la gestión de permisos, seguridad y financiamiento, ya que los edificios públicos son, por lo general, los preferidos para ser transformados en pantallas.


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VISION Pero casi cualquier superficie es susceptible de serlo, como la fronda de los árboles u otros objetos sólidos, líquidos (como en las megaproyecciones láser sobre muros de agua) e incluso gaseosos como humo, nitrógeno o como apuntábamos antes, niebla y nubes densas y bajas. En definitiva, estamos ante un nuevo medio con nuevos recursos tecnológicos y nuevas ideas que revolucionan la concepción del vídeo, la fotografía y la cinematografía, cautivando a masas de espectadores y conquistando espacios insospechados para la exhibición del arte.

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Clement Briend. 2015.


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VEN A MÍ, LUZ ORGULLOSA, LUZ SALVAJE, QUEMA HONDO. - LASZLO MOHOLY-NAGY


VISION Arte Luz

Kimimasa Mayama. Light in Dark. 2013.


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lo largo de los siglos la luz ha sido un elemento necesario, un referente de vida y bienestar. La luz ha representado la posición positiva ante la oscuridad o el oscurantismo. En aquellas personas vistas como iluminadas, la luz es considerada como atributo de sabiduría y los ha convertido en poseedores de la verdad. La luz que todo lo ilumina ha sido también considerada un aspecto divino de la vida, utilizada por las distintas religiones y civilizaciones, convirtiéndose en objeto de culto, estudio y observación por muchas de estas. Un importantísimo referente que ha significado la creación de magnífcas obras de arte que desde el mundo antiguo a la actualidad han hecho de ella un elemento divino o transcendental. En el panorama artístico contemporáneo y sobre todo en aquellas intervenciones que se expresan en el espacio tridimensional, las lecturas e interpretaciones son múltiples, al igual que múltiples son las maneras de trabajar y las formas de utilizar la luz como lenguaje y material plástico. Es por ello que merece la pena hacer un repaso de las posibilidades artísticas que la luz ha tenido y tiene en el arte actual para entender todas las apreciaciones que, respecto al arte, se pueden observar en una realidad cada vez más interesante y rica en posibilidades plásticas, artísticas y tecnológicas. Los principios del arte y la luz se remontan a los "órganos de pintura luminosa" del siglo XVIII, cuya invención se atribuye al matemático francés Louis-Bertrand Castel, oponente ideológico de Newton y fiel defensor de las ideas de Descartes, quien obtuvo gran prestigio con su invención que producía un espectáculo lumínico. También en el siglo XVIII destacaron las experiencias del teatro de


Makoto Tojiki. No Shadow. 2012.

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VISION sombras chinescas, (a las que dedicamos nuestra sección “Pasado Perfecto”) las cuales dieron argumentos a los escenógrafos Adolphe Appia y Edward Gordon Craig para desarrollar, al amparo del reciente descubrimiento de la luz eléctrica, una nueva concepción de la escenografía donde la liluminación cobraba particular importancia. Pero fue en los inicios del siglo XX cuando se empezaron a desarrollar invenciones como el “Clavilux", también denominado "Lumia", instrumento creado por el danés Thomas Silfred para realizar espectáculos de luz y ballet. En el cine también aparecen manifestaciones relacionadas con las artes plásticas y la luz de la mano de artistas como Marcel Duchamp, Viking Eggeling, Bernand Léger, Len Lye, Man Ray y Hans Richter con sus películas abstractas, precedidos por Léopold Survage, quien había creado unos flms con ritmos coloreados. Podríamos decir que el inicio del Arte Luz o la aplicación de la luz eléctrica al arte contemporáneo, se desarrolló con el Arte

Lucas Zimmerman. 2015.


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Cinético, cuyos principios se remontan a 1920 y que han seguido evolucionando a lo largo del siglo XX, alcanzando su máximo esplendor en los años 50. En esos principios, merece la pena destacar a László Moholy Nagy, pintor y fotógrafo húngaro y profesor de la prestigiosa escuela alemana Bauhaus. Aparte de ser un consumado fotógrafo, Moholy Nagy revolucionó el mundo de la escultura con su “Modulador-luz- espacio" (1922), obra realizada con elementos contemporáneos como el plexiglás y otros materiales que reflejaban luces y colores proyectados desde bombillas en un juego de movimiento a través de un pequeño motor, produciendo también música electrostática. Otro gran iniciador del arte cinético fue el artista checo Zdenek Pesanek.


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Krisztian Birinyi. TranvĂ­a de Budapest. 2014.


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En 1967 se realiza una exposición en el Museo de Arte Moderno de París, con el nombre de Lumière et Mouvement, constituyendo una de las primeras y más importantes muestras de arte y luz. Yaacov Agam y Roy Ascott consiguen conectar con el espectador en un plano físico y mental haciendo un llamamiento a la acción derivada de ambos estadios. En Estados Unidos se realizó en el Magic Theater de Kansas City otra gran exposición de arte cinético paralelamente también a iniciativas como la fiesta cibernética con sonido y luz realizada por el grupo Dvizjenie

Bruce Munro. Instalación en el Museo Holburne, Bath. 2014.


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en la antigua Unión Soviética como espectáculo en honor al cincuenta aniversario de la Revolución Rusa. Mario Merz trabaja con neones de luz con los que representa en muchas ocasiones la sucesión numérica Fibonacci. Ésta constituye en sí la idea del infinito, idea que le ha servido para crear una buena cantidad de obras con luz a lo largo de todos estos años, hasta nuestros días, convirtiéndose en uno de los referentes más importantes. La esposa de Mario Merz, Marisa Merz y otros artistas italianos como Gilberto Zorio o Pier Paolo Calzolari, fueron también del grupo Póvera y trabajaron con luz en sus piezas escultóricas.


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Peter Solness. Waterscape #2, Reservoir No. 2, Centennial Park NSW. 2013


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Es lógico que un elemento tan contemporáneo y extendido en la sociedad del bienestar como es la luz eléctrica, constituyese el principal referente creativo para algunos de los artistas del Minimal Art, como es el caso de Dan Flavin o Stephen Antonakos, que construyeron su mundo artístico a partir de luminarias tan industriales como el fluorescente o el neón respectivamente para crear un lenguaje particular que marcaría un antes y un después en el tratamiento de la luz como objeto de arte. Algunos artistas del Land Art conectaron con la idea de Arte Luz, sobre todo por lo que concierne a la utilización de la luz natural o su observación; éste es el caso de James Turrell y su intervención en el cráter Roden en Arizona. Michael Heizer, Eugenio Bermejo o Walter de María son algunos de los artistas de Land Art que también trabajan con luz en sus intervenciones. Entre los artistas conceptuales que han trabajado o trabajan con la luz, destacan Helmut Smits, Makoto Tojiki, Eugenia Balcells, Eugeni Bonet, etc. Más recientemente, en la hibridación que caracteriza la transición de siglo y de milenio, destaca el artista de origen polaco pero que trabaja en Estados Unidos, Krzysztof Wodiczko con sus proyecciones de carácter social o de reivindicación política. Por otra parte, Barbara Kruger, Jenny Holzer o Jana Sterbak son ejemplos de mujeres artistas que utilizan la luz para realizar su trabajo reivindicativo a través del arte. Los múltiples tratamientos de la luz han generado también una gran diversidad de poéticas creativas en el panorama artístico actual, dando lugar a un creciente interés de un público ávido de nuevas experiencias plásticas, por esta nueva reinvención del arte que respira de una intensa modernidad, tanto en el tratamiento como en el discurso conceptual de base. Extractado parcialmente y adaptado de ASENSIO, J.A. Una revisión de la luz como nuevo factor creador en la escultura. Desde 1950 hasta nuestros días. Universidad de Barcelona, 2013.


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Luis Gonzรก

La mirada co


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ález Palma

como poder Fotografías de la serie MÖBIUS. 2013-2014.


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uis González Palma (Ciudad de Guatemala, Guatemala, 1957) vive y trabaja en Córdoba, Argentina.

Entre sus exposiciones personales se pueden mencionar: The Art Institute of Chicago (USA); The Lannan Foundation, Santa Fe, (USA); The Australian Centre for Photography, Australia; Palacio de Bellas Artes de México; The Royal Festival Hall en Londres; Palazzo Ducale di Genova, Italia; Museos MACRO y Castagnino de Rosario, Argentina; y su participación en festivales de fotografía como Photofest en Houston, Bratislava en Slovakia, Les Rencontres de Arles en Francia, PHotoEspaña en Madrid, Singapur, Bogotá; San Pablo y Caracas, entre otros. Su trabajo esta incluido en varias colecciones públicas y privadas incluyendo The Art Institute of Chicago, The Daros Fundation en Zurich, Suiza, La Maison European de la Photographie en Paris, The Houston Museum of fine Arts en USA, la Fundation pour l’Art Contermporain en Paris, Francia; la Fondazione Volume! en Roma, Italia; La Biblioteca Luis Angel Arango en Bogotá, Colombia; The Fogg Museum en Harvard University, y The Minneapolis Institute of Art, Minneapolis, USA; Kiyosato Museum of Photographic Arts, Japan. Recibió el Gran Premio PHotoEspaña “Baume et Mercier” en 1999 y colaboró con la puesta en escena de la producción de la Opera “The Death and the Maiden” en la Opera de Malmö, en Suecia, en el año 2008.


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EL CUERPO VISIBLE Y EL OBJETO SON VEHÍCULOS PARA ENTRAR EN UN MUNDO SECRETO PERO BRILLANTE, ABIERTAMENTE PRESENTADO AUNQUE ENCAPSULADO.


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COMO LO QUE NO SE VE CUANDO SE MIRA; COMO LO QUE NO SE DICE CUANDO SE HABLA, COMO TODOS ESOS SILENCIOS CONTENIDOS EN UNA SINFONÍA.


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Ciudad. 2015.


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Alex Lazard


Autoretrato. 2015.

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lex García Lazard (México, Distrito Federal, 1986). Formado artísticamente en la Universidad Instituto Allende de San Miguel de Allende, Guanajuato, México; la Universidad de Barcelona y el Angel Academy of Classic Art en Florencia, Italia. Ha sido alumno de Gilberto Aceves Navarro y de Javier Cabrera. Según expresa este joven grabador, el arte se compone de los sentimientos que no se han podido traducir a ningún idioma. Su propósito esta en hacer cimbrar en cada persona alguna connotación personal por encima del artista. Para Lazard, el grabado en un arte de paciencia. La intención de sus trabajos es fusionar lo visceral de la pintura con lo artesanal de la Gráfica, lográndolo magistralmente con dominio de las diferentes técnicas y superficies como madera, metal y linóleo.

Estoy influenciado principalmente por la corriente de La Ruptura, y me inspiro en temas emocionales y reflejando la idiosincrasia plástica Mexicana. La disciplina sobresale en su manera de trabajarlas, fijando en cada pedazo de materia una intención genuina al ser plasmada. Alex Lazard ha expuesto en el MDA Graphic Design Center (Ciudad de México, 2012); la galería Integral (México, 2012); la embajada de México en Madrid (España, 2010) y el deportivo Israelita, (Ciudad de México, 2009). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas como: Galería Aguafuerte (Ciudad de México, 2013); grupo WhiteSpider (Ciudad de México, 2012); espacio Transitorio (México, 2012) y The American School Foundation ArtFair (México, 2012).


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Amor perdido en redes. 2015.


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Sombras amarillas. 2015.

Razon y pasion. 2015.


Mi sombra y yo. 2015.

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Manu. 2015.


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Mi interés es llevar un dialecto propio y dejarlo a la interpretación en su estado más vulnerable, la sensibilidad emocional.

Centinelas. 2015.


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ofía Santaclara (Oviedo, España, 197o). De formación audiovisual autodidacta, ha dedicado media vida a la danza y. en sus propias palabras, encuentra en la fotografía una forma preciosa de vestir, de disfrazar y maquillar la realidad. Sus “Cuartos de Maravillas” fotográficos emulan a aquellos que en el s. XVII guardaban curiosidades, rarezas y hallazgos extraordinarios. Innovadora artista del autorretrato, el enfoque cede su lugar al movimiento. La persistencia retiniana de la luz multiplica los instantes y sugiere historias inconclusas que animan a ser leídas, contempladas, durante un tiempo mucho más largo que el del breve instante de la obturación. Entre sus más recientes exposiciones individuales se incluyen: “Astígmata”, Palacio Quintanar de Segovia. Septiembre 2015. “Cuarto de maravillas”, Espacio Foto, Madrid. Abril 2013. ”Taxidermia para principiantes”, “Fragmentos”, Universidad de Avilés. Mayo 2012. De sus exposiciones colectivas destacan, entre otras: “Yo, la peor de todas (Nan Golding, paradigma)”, Mondo Galería. Abril 2015. “Woman to Woman”, Galería Cero, Madrid. Marzo 2015. “La sutil decadencia”, CMAE, Avilés. Julio 2014. Y “Jóvenes Valores del Arte Contemporáneo” Galería Van Dyck. Julio 2014.


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Cuando hago autorretratos, estoy convencid duplicado, por dos canales diferentes pero en l


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da de que a la imagen le envío energía por la misma dirección, hacia el mismo objetivo.


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La fotografĂ­a por el propio placer de Rendirse a ese tenso juego de enseĂąar


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fotografiar, tambiĂŠn para narrar. sin mostrar, evocar, sugerir, incitar.


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AgrĂŠganos en tus redes favoritas: http://goo.gl/u2h8z

http://goo.gl/7sZhc

http://goo.gl/Xl4ib http://goo.gl/HJvfI http://goo.gl/MqTyq

http://goo.gl/DPjMP

http://goo.gl/MiROR

http://goo.gl/mjVGP


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Rico


VISION Artista Invitado

Solin

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Guggenheim, Bilbao. 1998.


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ico Solinas (Oakland, California, Estados Unidos, 1954). Pintor, profesor de dibujo y acuarela. Mรกster en Bellas Artes por el San Francisco Art Institute y graduado en arte por la Universidad de California en Santa Bรกrbara. Entre sus exposiciones destacan: Paintings of Buildings that have Paintings Inside: 13 Art Museums, Gallery Paule Anglim (2013), ASU Art Museum, Arizona (2011); No Food No Drink No


VISION Sticky Lollies, Stattbad, Berlin (2010); Tools As Art, Hillyer Art Space, Washington D.C. (2009); Katonah Museum of Art, New York (2007); Woodson Art Musem, Wausau, Winsconsin (2004); De Cordova Museum (2003) Cutting Edge: Paintings, Saws, and Scketchbooks, Concourse Gallery, Bank of America Center, San Francisco, California (1999); National Building Museum, Washington D.C.(1997) y Hello Again en el Oakland Museum, de California.

Soumaya, Ciudad de Mexico. 2012.


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EL USO DE HERRAMIENTAS COMO LIENZO ES UNA ACTIVIDAD ARRAIGADA EN LA TRADICIÓN DE LA PINTURA FOLK NORTEAMERICANA. PERO EN LUGAR DE REPRESENTAR ESCENAS DE FAUNA O IMÁGENES AGRÍCOLAS, SOLINAS EXTRAE SUS TEMAS DE LA CONTEMPORANEIDAD.

San Mateo, Pisa. 2015.


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ESTAS PINTURAS DE EDIFICIOS QUE CONTIENEN OBRAS DE ARTE REFLEJAN NUESTRA ÉPOCA, DONDE LOS MECANISMOS QUE OFRECEN CONTENIDO ARTÍSTICO SE HAN CONVERTIDO EN MÁS IMPORTANTES QUE EL CONTENIDO EN SÍ.

El Prado, Madrid. 1998.


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ESTAS INUSUALES SUPERFICIES PICTÓRICAS TRANSMITEN LA CONFIANZA Y CONVICCIÓN DE LO INSTRUMENTAL, LOGRANDO UN EFECTO DE TOTAL SOBRIEDAD ARTÍSTICA.

MOMA , San Francisco. 1998.


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LA HOJAS DENTADAS DE LOS SERRUCHOS SIMBOLIZAN LA AGRESIÓN, LA DECONSTRUCCIÓN LÚDICA DEL EDIFICIO VISTO COMO TEMPLO QUE ESTÁ EN LA BASE DE TODA PRÁCTICA MUSEOLÓGICA.


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MACBA, Barcelona. 2006.


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SOLINAS HACE UN SUTIL JUEGO DE PALABRAS ENTRE EL PASADO DEL VERBO VER Y LA PALABRA SERRUCHO (SAW, EN INGLÉS) Y LAS TRASLADA A SU PROPIA RETÓRICA VISUAL.

The New Museum, NY. 2008. Cortesía de Anglim Gilbert Gallery, San Francisco.


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Selfies: Muerte del


VISION Tendencias

autorretrato


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esde Rembrandt a Frida Kahlo, desde Hyppolite Bayard a John Coplans, el propósito del autorretrato ha sido preservar la memoria de uno mismo en la perdida batalla contra el curso del tiempo. Lograr detenerlo y hacerlo perdurar, así sea por un instante. Lograr en los otros la reflexión silenciosa sobre el propio yo, lo que el artista dice ser ante lo que los demás percibirán de él. Para fotógrafos como García-Alix, el autorretrato es una búsqueda consciente de uno mismo a través de la cámara “Siempre encuentro una imagen que habla de mí. Una imagen donde me reconozco”. Frente la mayoría de quienes se alinean como artistas del pincel, el cincel o el objetivo, el selfie es un ejercicio hecho con un artificio ajeno y extraño, un teléfono móvil. Una intrusión en el ámbito íntimo y cerrado del artista frente a su propia imagen. La propagación del “síndrome selfie” ha llamado la atención de los que ven en ello un solipsismo. El selfie es signo de la actual adoración a la individualidad, del culto al yo y de un desaforado narcisismo. El selfie es complaciente, inmediato y paradójicamente, impersonal, a lo que contribuye


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Lucian Freud. Autorretrato con ojo morado. C. 1978.


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MIENTRAS EL AUTORRETRATO REQUIERE INTENCIÓN, DETERMINACIÓN, EL SELFIE ES EL AZAR EN CONCORDANCIA CON LA RESTANTE INCOHERENCIA DEL MUNDO. - VICENTE VERDÚ

Steven Saillant. Yo soy el lienzo. 2015


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su difusión indiscriminada. Ni siquiera se pregunta qué aspecto del gesto, la emoción o la personalidad retratar: la cámara decide todo. Incluso la palabra selfie tiene connotaciones peculiares: una contracción de self-portrait, del autorretrato que pintores, escultores, fotógrafos y cineastas han hecho durante siglos no sólo como género, sino como visión del artista de sí mismo a través del filtro de su arte. De ser una práctica minoritaria y casi exclusivamente artística, heredada de la pintura, el selfie ha pasado a generalizarse como forma de presentación y representación personal. Joan Fontcuberta apostilla que “No hay un elemento de tal naturaleza simbólica para la construcción del yo como el espejo”. Los selfies, pues, podrían funcionar como una especie de espejos de doble sentido: el de la propia imagen reflejada y el de la colectividad que reacciona a esas fotos a través de likes, retweets, comentarios... Twitter funciona como el megáfono social: el egocentrismo digital y la banalización de la intimidad están en la base de las aplicaciones más exitosas de internet. Para la curadora de arte Alicia Eler, el autorretrato es una imagen adolescente, en el sentido de que es producida por alguien “que reconoce la identidad y el ser propio que está siempre en el proceso de convertirse en”. Bajo el hashtag #me o #selfie, que suele acompañar a estos pseudo-autorretratos se calcula que circulan más de 240 mil millones de fotografías, 36 millones de fotos tagueadas (o etiquetadas) con la palabra “selfie”, 96 millones con “yo”. Para sociólogos y psiquiatras la gente exhibe solo lo que desea mostrar, construyéndose una identidad que se pone a disposición del resto para recibir retroalimentación y ser validada.


Jan Fabre. Do We Feel With Our Brain and Think With Our Heart. 2012. Foto: Lieven Herreman.

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VISION Un selfie es autofotografiarse mediante un Smartphone o, incluso, una cámara web mientras bebemos mojitos o nos compramos unas entradas a un concierto considerándolo como algo extraordinario. Al sujetar la cámara uno mismo, predomina un tipo de encuadre, similar a lo que anteriormente se denominó ego-shot (foto realizada por uno mismo con la cámara digital). Por este motivo, el selfie expresa una narrativa personal en forma de imagen (aunque también combinada con textos e interacciones) y se inscribe en la cultura visual contemporánea a partir de las prácticas facilitadas por las redes sociales y las prácticas de la fotografía digital.


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El sitio web Best Computer Science Schools detalla mediante una infografía que esta tendencia de las redes sociales convierte a los sujetos en narcisistas persiguiendo la admiración de sus atributos físicos e intelectuales, lo cual puede conllevar problemas psicológicos como depresión, trastornos obsesivo–compulsivos y dismorfofobia. La palabra “selfie” define no solamente a estas autofotos; también a aquellos sujetos obsesionados con publicarlas y compartirlas, necesidad basada, indican expertos, en moda social caracterizada por la idea de que sólo existe lo que está en los medios. Al respecto, un estudio de las universidades de Birmingham, Edimburgo y Heriot-Watt, en Reino Unido, indica que el selfie

Vivian Maier. Autorretrato. 1955.


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VISION aleja a las personas acostumbradas al trato “cara a cara” (vida “analógica”), para quienes la exposición pública debilita el vínculo afectivo que existe en la vida real. Los expertos aclaran que para los “nativos digitales” (aquellos nacidos a partir de 1980), la presencia física no es fundamental para las relaciones humanas de modo que publicar selfies puede ser contraproducente si no reciben la retroalimentación esperada, dañando así la autoestima. Pese a ello, investigadores advierten que nos acercamos a la “Web 3.0”, donde los usuarios se convierten en consumidores de lo que producen (prosumers), de ahí la creciente moda de publicar íntimos estados emocionales. Algunas investigaciones se abordan desde una perspectiva cuantitativa, creando datasets o grandes corpus de datos que recogen este tipo de imágenes, catalogándolas por sus aspectos formales; por ejemplo, colores predominantes o uso de filtros. Otra de las contribuciones más destacadas en el tema es la de Lev Manovich, quien ha dirigido Selfiecity (2014), un proyecto que mezcla técnicas de cultural analytics, que incluyen una parte de análisis big data y una caracterización formal realizada manualmente. En este proyecto se analiza una gran cantidad de fotografías (120.000 selfies) publicadas en la plataforma Instagram, localizadas en cuatro ciudades: Berlín, Moscú, Sao Paulo y Nueva York. El análisis realizado ofrece datos de tipo sociodemográfico, como la predominancia de fotografías de mujeres. Además, se centra en algunas características formales que definen dichas fotografías como retratos (la inclinación de la cabeza o la presencia, o no, de una sonrisa en la imagen). Selfie es, en definitiva, la pasión por consumirse a uno mismo y que los demás envidien vivir lo fotografiado de la misma manera.

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Banksy Siseel Tolaas. 2014.


VISION Arte Urbano


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B

anksy, el gurú del Street Art, se preparó para ser carnicero y se inició en el grafiti en los ochenta, en lo que se denominó el boom del aerosol. Su identidad es el gran secreto del arte británico: “La invisibilidad es una especie de superpoder”. En los noventa se hizo famoso por su arte urbano con piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, así como por su enfrentamiento con el grafitero «jefe» Robbo, cuyo grafiti del canal de Cadmen fue «redecorado» sucesivas veces por Banksy. El estado de coma del primero hizo que Bansky terminara rindiéndole un emotivo homenaje. Además de decorar muros y fachadas de edificios con sus imágenes anticapitalistas y de protesta contra las injusticias sociales, este genio del spray & stencil ha conseguido que algunas de sus obras se hayan expuesto en museos como el MOMA o la Tate Modern Gallery, colgándolas él mismo de forma clandestina. Según Gareth Williams “lo más increíble del ‘fenómeno Banksy’ no es su ascenso meteórico, ni las importantes sumas que se pagan ya por sus obras, sino el hecho de que el mismo establishment al que satiriza, le haya acogido entusiasmado”.


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Artista polémico por excelencia, ha sido criticado por la pura hipocresía de quien rechaza el capitalismo mientras trabaja para grandes empresas como Puma o la MTV. En su libro Wall and street narra sus comienzos en la pintura callejera, usando espray aplicado directamente sobre la pared. Pero esta técnica arriesgada, ya que se trataba de un arte ilegal, le obligó a utilizar plantillas de cartón creadas por él mismo que rociaba con un espray para coches y que le daban la rapidez que necesitaba en la realización de los murales “Una pared es un arma muy grande. Es una de las cosas más desagradables con las que puedes golpear a alguien”. De ahí su mural Maid in London, en el cual una criada guarda la basura detrás del muro: lo que no gusta se esconde.


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“EL MODO MÁS RÁPIDO DE CARGARSE LAS IDEAS DE UN HOMBRE ES CONVIRTIÉNDOLO EN UN ICONO DE MODA” Banksy comenzó pintando ratas que llenaron las calles de Bristol, Influido, entre otros, por la banda de punk Crass, y por el movimiento Ad Jammmers, basado en deformar imágenes publicitarias y transformar así el mensaje original de las mismas. Pero si alguien ha sido el auténtico maestro de Banksy, ha sido Blek le Rat, un grafitero parisino de quien tomó la técnica de la plantilla y el aerosol como medio de expresar sus críticas y sus denuncias: “Cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes” Lazarides confiesa haber ayudado a organizar los famosos stunts (actos-atentado) que consistían en colarse en los museos más famosos y colocar sus obras de forma clandestina, como sucedió en el Museo de Historia Natural de Londres donde colocó una rata disecada y pegada a un cartel. En el MOMA de Nueva York incluyó el retrato de una mujer de época que llevaba una máscara anti-gas: “El arte no será ni la belleza ni la novedad, el arte será la eficacia y la perturbación” En el año 2000, decide organizar una exposición individual. Lo hace en un barco-restaurante, el Severnshed, consiguiendo así diferenciarse de otros artistas callejeros.


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VISION Entre sus éxitos destaca la exposición en 2009 titulada Banksy Versus Bristol Museum, para la cual cerró el centro durante tres días en los que el artista pudo montar en secreto su exposición: “este es el primer espectáculo que monto en el que el dinero de los contribuyentes se utiliza para colgar mis obras en vez de para borrarlas”. En el 2010 decidió ponerse detrás de la cámara para rodar, según él, “una película desastrosa sobre arte callejero”. Sin embargo, Exit Through the Gift Shop (alusión irónica a esos carteles en los museos que nos obligan a atravesar la tienda de regalos antes de marcharnos) ha sido calificada como una hábil sátira sobre las celebrities, el consumismo y el mundo del arte. Para un artista antisistema y anticapitalista es irónico que sus obras estén tan cotizadas, pero Banksy decidió abrir un puesto callejero en Central Park con lienzos originales firmados por él, vendidos a unos 60 dólares cada uno. Sólo se vendieron ocho de esos lienzos. Su última genialidad, en este 2015, ha sido Dismaland, Bemusement Park (el parque de la confusión) un parque temático “para anarquistas principantes” donde la tristeza y el aburrimiento constituyen su peculiar oferta contracultural.

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VISION Imagen Digital

Deep Dream

Arte LisĂŠrgico


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oogle ha pasado los últimos años investigando cómo enseñar a los ordenadores la forma de ver, entender y apreciar nuestro mundo. Un objetivo ambicioso que el gigante de las búsquedas espera lograr permitiendo a ciertos programas clasificar imágenes con sólo “mirarlas”. Y aquí es donde se originan las profundas ideas oníricas de Google que se han traducido en Deep Dream. En términos sencillos, este conjunto de algoritmos de reconocimiento visual hace posible que un software de inteligencia artificial identifique el contenido de las imágenes a partir de la inmensa base de datos que se almacena diariamente en Google. Dado que la mayoría de las fotos que suben los usuarios a las redes sociales son de sus mascotas y objetos personales (perros, gatos, bicicletas...) el software intenta buscar ahí primero las coincidencias. A continuación, el programa inicia la transformación de la imagen hasta que puede encontrar algo similar a lo que ya sabe y así crea extraños artefactos visuales de transformación de la imagen “soñada” por el software. Una profusión de ojos, rostros perrunos y animales quiméricos modifica entonces la fotografía con resultados que recuerdan no pocas veces al trabajo pictórico que desarrollara Jheronimus Bosch en Holanda en el siglo XV. Un Bosco reinterpretado en fractales y extraños


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collages en los que se mezclan hiperrealismo y abstracción. Una cierta locura aún inclasificable. El resultado es, si no fascinante, al menos intrigante para el ojo del artista ávido de nuevos recursos expresivos. El reto es controlar el resultado final desde la intención artística limitando la intervención del azar y consolidar una propuesta consistente y una voz propia. Tal vez falte aún un tiempo para eso. Para algunos espectadores, las imágenes son abiertamente desagradables y les evocan pesadillas, alucinaciones o experiencias visuales similares al abuso de sustancias ilegales. Para otros muchos, esta nueva mirada máquinahombre despierta una enorme curiosidad y el deseo de experimentar personalmente con estas imprevisibles transformaciones. Para ello están ya disponibles algunos sitios web como deepdreamgenerator.com que permiten convertir las fotos personales en productos de Deep Dream, aunque la experiencia no permita pasar del mero entretenimiento. Como sucede hoy en dia con cualquier tipo de innovación, esta se convierte casi inmediatamente en viral y ya han florecido las comunidades de aficionados a Deep Dream en las redes sociales, con galerías, concursos y, hay que decirlo, ocasionalmente con notables creaciones artísticas.

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Cat Gillon. Instalaci贸n en el metro de


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No s贸lo la geometr铆a o nuestro f铆sico sino la concepci贸n total de lo que hay dentro de nosotros se basa en el sentido del tacto. - Bertrand Russell


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Oficio de


VISION Pasado Perfecto

Tinieblas


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E

l arte de las sombras chinescas se remonta a los albores de la civilización. Las culturas primitivas atribuyen a la sombra del hombre una vida e identidad sólo parcialmente supeditadas a quien la proyecta. Precisamente de esta creencia deriva el más antiguo y elemental de los espectáculos, el cual se fundamenta en la habilidad gestual de las manos, y la modificación estudiada de su postura. Origen incluso de reflexiones filosóficas como la conocida Alegoría de la Caverna de Platón sobre el conocimiento del mundo sensible (a través de los sentidos) y el mundo inteligible (alcanzable mediante el uso exclusivo de la razón), la sombra representa lo desconocido, lo oculto, lo inasible. El origen del teatro de sombras chinescas se remonta a hace más de 5,000 años, en Indonesia, aunque otros autores se inclinan por situarlos más tarde, en los tiempos de la dinastía Han en China, donde actualmente sigue gozando de gran popularidad. El teatro de sombras gozó de gran popularidad ya en la dinastía Tang y comenzó su apogeo en la dinastía Song (960-1279 d.C.), época en la que las festividades se celebraban con representaciones de teatros de sombras. En la dinastía Ming (13681644), sólo en la ciudad de Beijing, existían más de 40 ó 50 compañías de teatro de sombras.


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Mu単eca china para proyectar sombras


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Pierre-Auguste Renoir. Baile en el Moulin de la Galette. 1877.


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En un principio, las marionetas se hacían generalmente con papel o madera; más tarde, empezó a utilizarse para su elaboración la piel o pellejo de asno y vaca, que resultaba más resistente que el papel y más ligero que la madera. De hecho, el nombre en chino de este espectáculo significa “sombras de piel”. Sea como fuere, el desarrollo del arte de sombras chinescas debe mucho a la acumulación y perfeccionamiento de experiencias de los artistas folklóricos durante varias generaciones. Pero, a la vez que un espectáculo peculiar, el arte de las sombras chinescas es también un arte integrador, un compendio cultural de muchas ramas artísticas como el teatro, los títeres y la transmisión de la tradición oral. De hecho, encontramos ejemplos de teatro de sombras y marionetas articuladas para proyección en casi todas las culturas, como la hindú, las figuras del Wayang kulit javanés en Indonesia y, más tarde, el Karagöz turco y su hermano griego, el Karaguiosi, por citar sólo algunos. En Europa, donde Marco Polo, y más tarde los misioneros jesuitas habían traído noticia de las sombras chinescas, se hicieron muy populares a partir del siglo XVIII, arraigando especialmente en Francia gracias al éxito del teatro de sombras de Dominique Séraphin en la corte de Versalles. Con el tiempo, las ombres chinoises fueron modificándose según el gusto local y embelleciéndose, convirtiéndose en las ombres françaises o sombras francesas. De entretenimiento improvisado e infalible para niños a elaboradas producciones con guiones, escenarios, personajes y locutores, son consideradas con pleno derecho como el primer antecedente de la cinematografía.

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Mano, mano que me permites ser paloma y también gusano. Mano que puede ser liebre, conejo o gallo. Amiga del alfabeto. Araña que sube y baja ¡Araña en la mano! Mano, mano Juego de sombras. Juego de enanos. - Almudena Orellana


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Tim Noble y Sue Webster. Shadowplay.


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7 al 10 de abril 2016 Santiago, Chile En su 5ª versión, FAXXI se reafirma como una plataforma válida para los artistas chilenos, potenciando el mercado de adquisición y coleccionismo nacional. FAXXI funciona a través de una convocatoria abierta a todos los artistas nacionales que serán seleccionados por un comité de especialistas en arte contemporáneo. http://www.faxxi.cl/

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Manifiesto sobre la estética japonesa de Junichiro Tanizaki, escrito en 1933. En él se argumenta que en Occidente la belleza siempre ha estado ligada a la luz, a lo brillante y a lo blanco, y que lo oscuro, lo opaco y lo negro siempre han tenido una connotación negativa. Tanizaki explora la relación entre la sombra, lo tenue y el contraluz en la cerámica japonesa, los tokonomas, la construcción de las viviendas, de las lámparas, de la tinta china y del vestuario del Nō, entre otros aspectos, y cómo la semipenumbra enaltece la belleza de los diseños japoneses. Editorial Siruela. 1994. ISBN 8478442588.

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En el próximo número Cinematografía. Desde los hermanos Lumière a las gafas de visión en 3D y las pantallas Imax, el Séptimo Arte continúa cautivando. Más allá de las producciones comerciales hollywoodienses, una nueva generación de creadores experimenta con un lenguaje propio y nuevos recursos de grabación, postproducción y sorprendentes efectos especiales. Estamos preparando un número verdaderamente de cine.

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