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VISION


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Palabra de Editor Amigas y amigos visionarios,

Número 16 2014 Consejo Editorial

¿Es real la realidad? con este cuestionamiento titulaba el célebre comunicólogo Paul Watzlawick una de las obras que convertí desde hace tiempo en libro de cabecera. Afirmaba el también psicólogo de la Escuela de Paloalto que “la manera más peligrosa de engañarse a sí mismo es creer que existe una sola realidad”. De hecho, existen innumerables versiones de la realidad y pueden llegar a ser muy opuestas entre sí. De la más novedosa de ellas, la Realidad Aumentada, nos ocupamos a fondo en este especial. Para los artistas, que necesitamos en gran medida un profundo conocimiento de la mente humana, el objetivo final tal vez sea el de explorar y presentar al espectador otras versiones de su realidad. Así lo hace el hiperrealismo, proponiendo una visión tan perfecta e indiferenciable de lo que creemos ver y conocer que transforma lo trivial y cotidiano en arte. Al tomar conciencia de esa nueva realidad construida a través del cincel y los pinceles, el individuo cuestiona si su propio entorno y existencia son, en el fondo, reales.

Director General / Editor Christian Fernández Alonso Directora Editorial Mamen de Zulueta Editor Corresponsal - Nueva York Joaquín Carter Editor Corresponsal - Buenos Aires Diego Moscato Editor Corresponsal - Barcelona Luciano Benites Editora Corresponsal - S. Sebastián Julia Otxoa Directora de Relaciones Públicas Enid de la Parra Publicidad Marcos Fernandez publimarcos@gmail.com Portada: Maggiolino VW. Giuseppe Bartolini.

Más allá del innegable virtuosismo técnico, capaz a veces de confundirnos con esas versiones de lo percibido, nuestra tríada de Visionarios de este mes, Magda Torres, Fernando O’Connor y Roberto Alberto, sugieren un reposo para la mirada e invitan a la reflexión pausada. Por el contrario, escultores como Hart, Penny o Stipl retan el mismo concepto de humanidad con sus seres alternativos. Estamos convencidos de que este número les provocará hiperreacciones, hiperemociones e hipersentimientos. Colaboran en este número:

Editor

CHF VISION © Espacio de Artes Visuales

Publicación bimestral online editada por VISION Iberoamericana, S.L. www.chfvision.com ISSN (en trámite) Copyright 2014© VISION Iberoamericana, S.L. Todos los derechos reservados.

Maggie Bollaert Josué Ramos Francisco Ricardo Rüdi

Queda prohibida la reproducción total o parcial y por cualquier medio manual, mecánico o electrónico sin el consentimiento escrito del editor Todas las imágenes son propiedad de sus respectivos autores y están sujetas al correspondiente copyright. Todos los textos, imágenes y demás contenidos son responsabilidad exclusiva de sus autores. La publicidad simulada se incluye como cortesía y sin costo ni compromiso alguno para el anunciante. Toda publicidad pagada es responsabilidad exclusiva de sus respectivos anunciantes. Tanto CHF VISION como su editor declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y/o legitimidad de los contenidos.


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INCONTENIBLE

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Editorial Langostino Mantis

Hiper Escultura Estética del simulacro

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A Fondo ¿Es real la realidad?

Steampunk Futuros que fueron. Pasados que serán.

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Arte Aumentado Realidad Mezclada

Dibujo Fotorrealista Realidad Alternativa

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Visionarios Magda Torres Fernando O’Connor Roberto Alberto

Pasado Perfecto Fantasías Metálicas

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LANGOSTINO MANTIS

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over independientemente cada uno de los ojos, captar radiaciones con frecuencias imperceptibles para el hombre como el infrarrojo y el ultravioleta, ondas eléctricas o luz polarizada. Detectar animales transparentes invisibles a la vista humana. Y eso es porque existe una ley interna en el langostino mantis: lo ve todo. Colores que no conocemos. Él en sí es un juego de luz. Con movimientos sacádicos que suponen la estetización exacerbada de la pasión por los detalles y que le serán útiles para la supervivencia. Su hábitat es el acceso a la fantasmagoría de lo real. Utiliza el momento del engaño como medio para provocar el distanciamiento seductor con su presa.


VISION Editorial

No hay en su estructura confusión con lo real sino un simulacro consciente del juego y del artificio. Todo en él es inverosímil. Una representación radical del ser vivo: las luces fluorescentes de sus articulaciones, el contraste perfectamente entonado de sus colores, vivos y ácidos y miméticos. Esa exactitud meticulosa en los detalles de su densidad ósea. El impacto que ejerce un objeto vivo tan real y esa fotografía pintada sobre él. La irrealidad del efecto espacial cuando está paralizado, en plano detalle o a gran escala, eliminando el entorno que lo rodea. Propinando golpes como pinceladas violentas. No, esto no trata de estomatópodos. De nuevo alguien ha modificado la realidad o la ha transformado haciéndola más real. Más vida que la propia realidad. Más hiper. Más mantis. - VISION


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David Kessler . Surface Shimmer. 2014.

多Es real


VISION A fondo

la realidad?


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a contribución del hiperrealismo al arte actual es más que un simple retorno a la figuración. Estos artistas examinan y responden a la realidad de formas muy especificas, adoptando la cámara como herramienta y respondiendo a posibilidades que esta ofrece para captar un instante en el tiempo y la magia de ese momento en particular. Mantiene un impactante diálogo con la realidad de los tiempos en que vivimos. La temática de estos artistas es variada. Sus motivos son por lo general paisajes urbanos en donde podemos ver que la ciudad moderna con sus excentricidades y exuberancias, atrae a algunos artistas. Otros le dan la espalda al bullicio de la ciudad y vuelven a la tranquilidad de la naturaleza.


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Tom Martin. Contemplation. 2012.


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Craig Wylie. EW (hood). 2014.


VISION Otros artistas representan en sus naturalezas muertas los objetos de la vida cotidiana; la naturaleza muerta del consumismo, la belleza efímera de los embalajes contemporáneos, los logos de las grandes empresas alimenticias. Todos ellos llevados a grandes escalas donde la imagen se vuelve surreal. Lo que define al hiperrealismo de hoy es la contemporaneidad de los temas representados, como se puede apreciar en los chocolates de Cynthia Poole en “Triple-X Mints”, en los tatuajes de Andrew Tift en “Yakusa” donde todos ellos reflejan excepcionalmente bien la contemporaneidad de los temas a través de la realidad social.

Cynthia Poole. Triple-X Mints . 2012.

Existen numerosas superposiciones y también algunos enfoques únicos. Algunos artistas se centran obsesivamente en la temática escogida, otros son muy narrativos. Algunas imágenes son de ensueño, incluso surrealistas, y otras tienen una claridad cristalina que resulta abrumadora.


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Para los artistas hiperrealistas la cámara fotográfica, al igual que el pincel, se convierte en una herramienta más para pintar. El único valor que tiene ésta es que congela un momento en el tiempo. Estos artistas toman la foto como punto de partida para ir más allá de lo que las fotos les brindan. La gran revolución llegó con la cámara digital, ya que pueden tomar 300 fotos de un mismo tema y hacer un rompecabezas hasta lograr la composición ideal que quieren pintar. También ha permitido al artista jugar con las distorsiones, los “fuera de foco” y las luces., abriéndole así una multitud de posibilidades. En la naturaleza muerta juega un rol muy importante la monumentalidad, puesto que ésta conlleva una percepción surrealista de la obra. La imposibilidad de una manzana monumental o de otro objeto nos sobrecoge, jugando así con la sorpresa y el asombro que hace que nuestras emociones afloren y vibren nuestros sentidos. No tendrían el mismo impacto las latas de Coca-Cola de Pedro Campos en “Hot Day” si éstas midieran cuarenta centímetros en vez del metro y medio que suelen medir sus cuadros. En definitiva la monumentalidad de los objetos en el hiperrealismo nos acerca al surrealismo. El manejo de los reflejos constituye una técnica que el artista hiperrealista ha sabido depurar hasta la perfección. Es habital su uso en los paisajes urbanos y naturalezas muertas, como lo vemos en “Covent Garden, London” de Christian Marsh y “Minerva” de Francois Chartier. Estos reflejos rompen con todos nuestros esquemas visuales de lo que es lógico o no, incluso con nuestra mera apreciación de lo visual.

Pedro Campos. Hot Day. 2008.


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Paul Cadden. Drawing from Detroit. 2013.


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Otra de las temáticas es la figura humana, donde se aprecia la evolución del retrato y cómo lo entienden los artistas en el siglo XXI, dejando atrás las majas recostadas en una cheslón para presentarnos un retrato social, tal como podemos ver en “L(phase)” de Craig Wylie, “Urban Chic” de Simon Hennessey o “Drawing from Detroit” de Paul Cadden.


Craig Wylie. L(phase). 2014.

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VISION El hiperrealismo define una técnica de pintado. Cuando nos referimos a él, hablamos de exactitud. No hay pincelada o texturas visuales entre la imagen o el observador. Una imagen directa y precisa se nos presenta sin la imposición de la personalidad del artista. Puede inferirse que el hiperrealismo no tiene más mérito que una fotografía, en donde no hay lugar para la creatividad. Pero esta afirmación no es cierta, ya que la creatividad reside en la composición y ésta nace directamente de la imaginación del artista. La calidez y el toque humano están siempre presentes en la pintura, mientras que en ocasiones pueden estar ausentes en la fotografía.

Keng Lye. Alive without breath. 2014.


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2008. green eyes. , ir a h d n lo y. B n Hennesse

Simo

Christian

ondon. t Garden, L n e v o C . h Mars

2014.


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El hiperrealismo es directo y no elitista. Cualquiera puede entender de qué trata una obra y no necesita de ningún texto que explique lo que se ve a simple vista. Plasma la realidad en que vivimos con una exactitud infinita. Es, en definitiva, puro misterio de la realidad más vivida. - Maggie Bollaert

Maggie Bollaert nació en Buenos Aires, Argentina. Se mudó a Londres en el año 1990. Es, junto con Colin Pettit, fundadora y directora de Plus One Gallery en Londres, bien conocida por especializarse en el Hiperrealismo y Realismo. Ha publicado la serie de monografías “Cynthia Poole” y “Pedro Campos”. Anteriormente publicó “Exactitude, Hyperrealist Art Today” (con Times and Hudson), “Carl Laubin” (con Philip Wilson Publishers), “John Salt, The Complete Works 1969-2006” (con Philip Wilson Publishers) e “Hiperrealisme AUVI” (Museu del Tabac, Andorra).

Tom Martin. Made With Tomato. 2011.


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VISION Nuevas TecnologĂ­as

[AR]te

Aumentado


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La realidad aumentada es una nueva forma de arte, pero es anti-arte. Es primitiva, lo cual amplifica su potencia viral. Manifiesto Arte AR

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a Realidad Aumentada (AR por sus siglas en inglés) es una tecnnología relativamente novedosa que, si bien tiene numerosos puntos de contacto con la realidad Virtual es, en su alcance, diferente, ofreciendo posibilidades de aplicación hasta hace poco sólo imaginadas por autores de ciencia ficción. Mientras que en la Realidad Virtual el entorno o “mundo” real no es una parte constructiva de la misma, en la Realidad Aumentada -al menos idealmente- ambos mundos se comunican y se integran hasta tal extremo que el ojo humano no es capaz de diferenciar el uno del otro, o el otro sin el uno. Tal vez llegue un momento en que la mente tampoco sea capaz de distinguirlos.


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En definitiva, la Realidad Aumentada forma parte de un concepto más amplio, el de Mixed Reality (MR), esto es, una realidad mezclada compuesta por mundos reales y entornos virtuales. Una sencilla explicación de cómo funciona la MR es la superposición de capas de elementos virtuales como texto, imágenes, video y animaciones 3D sobre un fondo del mundo real que observamos a través de una pantalla. Hace apenas tres años se comenzaron a discutir las posibles conexión entre arte y realidad aumentada en el Congreso Internacional sobre realidad Mezclada y Aumentada (ISMAR) en


Museo de Mataró. 2014.

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Hugh Turvey. 2014

Basilea, Suiza. Más de 40 ponencias discutieron sobre la posibilidad de entender la MR como arte, crear obras artísticas con AR o aprovechar esta tecnología para contemplar el arte de manera diferente. Los medios técnicos son siempre necesarios para la comunicación visual de las ideas, de expresión o de desarrollo de obras de arte (Pearson, 1988). Algunos espacios culturales ya lo están haciendo, como el Museo de Mataró, donde puede ya extendenderse el contenido artístico a una experiencia multimedia sobre plataformas y dispositivos de AR.


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Bastan un simple smartphone, una tablet o unas gafas preparadas para aplicaciones AR para introducirse en otras realidades alternativas. Autores como Helen Papagiannis (2011) han destacado el vasto campo que la MR abre para la creación artística, si bien hace la observación de que estas herramientas no han sido desarrolladas por artistas, sino puestas al servicio de la humanidad en su conjunto por la comunidad científica. La histórica rivalidad entre arte y ciencia vuelve a surgir en pleno siglo XXI, pero muy pronto será ignorada por el espectador, a quien lejos de feudos y competencias interesa solamente la vivencia artística. Y no se nos hará extraña la figura del artista-investigador o de su contraparte investigador-artista. No cabe duda de que la personalidad creadora es en todos los ámbitos el mayor incentivo para la exploración y la innovación. Por el momento, la sorpresa que causa la no pocas veces psicodélica novedad de esta experiencia inicial, puede parecer suficiente, pero no falta mucho para que el público exija verdadero arte aumentado. Conceptos como “mundos añadidos”, “realidad mediada” o “interacción intuitiva” en incluso el “yo aumentado” se introducirán como moneda de cambio en nuestro lenguaje común sin apenas percatarnos. Incluso ya está disponible en línea el manifiesto del Arte AR http://www.manifestar.info/ Más que la inclusión de lo imaginario en lo real, o viceversa, la MR hará posible la creación de visualidades imposibles de producirse de otro modo. - VISION

Lukeville, AZ. 2014.


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Referencias: - GRAU, O. Virtual Art: Illusion to Inmersion. 2004 - PAPAGIANNIS, H. The Role of the Artist in Evolving AR as a New Medium. Arts, Media and Humanities (ISMAR-AMH) Balisea, Suiza. pp 61-65 - PEARSON, J. The Computer: Liberator or Jailer of the Creative Spirit. leonardo. Supplemental Issue, Electronic Art 1 (1988) pp. 73-80.


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Walt Disney. Prince of Persia. 2010.

El teléfo son test Efímeros


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ono m贸vil y los futuros dispositivos de visualizaci贸n tigos materiales de estos Objetos Dimensionales s, Post-escult贸ricos y Arquitecturas Inventivas.


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Zarko Baseski. Macedonian. 2014.


VISION Visionarios


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Magda Torres

H2O. 2013.


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agda Torres Gurza (Distrito federal, México. 1974). Desde pequeña queda cautivada en la esencia que guarda la pintura, en ese juego de tonalidades y luz reflejadas en los colores y, apoyada por su madre, también pintora, se convierte en una forma de expresar la vida. A causa de un fuerte accidente a los 18 años, que amenazó con la pérdida de la visión, decide entregarse de lleno a la labor de pintar. Así inicia sus estudios en el Instituto Regional de Bellas Artes en el que obtiene la Mención Honorífica 1993, mismo año en el que realiza su primera exposición. Entre 2002 y 2013 recibe múltiples reconocimientos como artista y maestra, por parte de Bellas Artes, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y el Museo Casa Estudio de David Alfaro Siqueiros. En 2013 crea el proyecto altruista Artistas al Cubo y participa igualmente en Encorazona2, en apoyo a niños con deficiencias visuales.

El espíritu del aire. 2014.


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La espiral del tiempo. 2013.


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Luz en cadena. 2012.


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Seven spot ladybird. 2013.


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Viento azul. 2013.


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Reflejo de viento. 2014.


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Fernando


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O’Connor Jasmine. 2011.


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ernando O’Connor (Buenos Aires, Argentina, 1966). Comenzó a pintar finalizando la década del 80, pasando períodos muy cortos por la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y por la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Sin embargo, su verdadera formación la desarrolló en Estímulo de Bellas Artes dibujando modelo vivo. Comenzó a exponer regularmente durante los años 90. Su estética tuvo desde un principio una clara inclinación hacia la figura humana y hacia un realismo con raíces expresionistas. Por aquellos años sus exposiciones se realizaron en Argentina y Canadá. Durante los primeros años del 2000, sus trabajos fueron cargándose de materia y la pincelada cobró una importancia central en la construcción de la forma; sin embargo, paralelamente a esta estética de raíz expresionista, Fernando O’Connor fue experimentando con pinturas de carácter realista que le permitieron llegar a un hiperrealismo basado en construcciones de gran porte y formas puras. Alrededor del año 2005 empezó a exponer en Plus One Gallery en Londres, donde pudo mostrar su trabajo más hiperrealista. Sus últimas exposiciones dan cuenta de una consolidación en el ensamble del expresionismo contemporáneo con el hiperrealismo.

Blue Glasses. 2011.


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Rose. 2011.


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Red Apples. 2011.


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Catch. 2011.


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Lemons. 2012.


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Tangerines. 2012.


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Glass and Pear. 2012.


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Roberto Alberto

Hotel. 2011.


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Downtown. 2013.


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oberto Alberto (Sevilla, España. 1973) desarrolla su actividad profesional desde hace más de 15 años.

Ha expuesto su trabajo por toda España, además de en Pittsburg, Frankfurt, París y Nueva York, y ha obtenido varios premios, entre los que destacan el Cartel de Fiestas de Primavera de Sevilla de 2002 y su selección por la revista Artis Spectrum de Nueva York como artista emergente destacado ese mismo año. Desde 2004 colabora asiduamente con el Departamento de Lenguas Modernas de la Slippery Rock University de Pensilvania (EEUU), en la que ha sido becado dos veces como “Artist in residence”.

Motel. 2013.


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Café. 2011.


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(My) early sunday morning. 2013.


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Old Japan #4. 2014


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Liquor sign.2011.


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New York. 2013.


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Beer. 2011.


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AgrĂŠganos en tus redes favoritas: http://goo.gl/u2h8z

http://goo.gl/7sZhc

http://goo.gl/Xl4ib http://goo.gl/HJvfI http://goo.gl/MqTyq

http://goo.gl/DPjMP

http://goo.gl/MiROR

http://goo.gl/mjVGP

www.iwc.com


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VISION Artista Invitada

Alyssa Monks

Misunderstood. 2014.


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A

lyssa Monks (Ridgewood, Nueva Jersey, Estados Unidos, 1977). Estudió pintura en la Escuela Lorenzo de Medici en Florencia y obtuvo el MFA de la Academia de Arte de la Escuela Superior de Arte Figurativo de Nueva York en 2001. Completó una residencia artística en el Fullerton College en 2006 y ha participado como conferencista en diversas universidades e instituciones internacionales. Ha sido profesora de pintura en la Academia de Arte de Nueva York, así como en la Universidad Estatal de Montclair y el Lyme College Academy of Fine Arts. Su obra ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, como “Intimacy” en el Museo Kunst en Ahlen, Alemania y “Reconfiguración del cuerpo en el arte americano, 1820-2009” en el Museo Nacional de la Academia de Bellas Artes de Nueva York. Sus pinturas se encuentran en colecciones públicas y privadas, incluido el Savannah College of Arts de la Asociación de Arte de Somerset y las colecciones de Howard Tullman, Danielle Steele y Eric Fischl. Alyssa ha obtenido por tres ocasiones la Beca para Pintura de la Fundación Elizabeth Greenshields y es miembro de la Academia de la Junta de Síndicos de Arte de Nueva York. Está representada actualmente por David Klein Gallery en Birmingham, Michigan. Actualmente Alyssa vive y pinta en Brooklyn, Nueva York.


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Liquid. 2006.


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Smirk. 2009.


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“Uso filtros como el vidrio, el vinilo, el agua y el vapor, que falsean el cuerpo en los espacios pintados�


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Evolve. 2012.


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“Tengo mi versión contemporánea de las mujeres tomando un baño: en mis temas la mayoría se están presionando contra una “ventana” de vidrio, lo que distorsiona su propio cuerpo, conscientes de la mirada masculina”

Soft. 2009..


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Squid (detalle)2011..


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EstĂŠtica del

Luke Hart. Disarticulated Disarticulation. 2007


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Simulacro

Hiper Escultura


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a simulación como categoría analítica de la sensibilidad estética surgió con el desarrollo de las tecnologías de reproducción audiovisual. Walter Benjamin, precursor de esta línea de estudio, presenta el simulacro como fuente de una nueva forma de experiencia, que establece la primacía de la sensibilidad sobre la dimensión intelectual a nivel del concepto estético del gusto. La reproducción exacta que lleva a cabo el hiperrealismo y su progresiva socialización recurren a una relación más humana con el verdadero significado del arte, tal como la planteaba Adorno. Los teóricos del simulacro están en la línea de desarrollo de esta reflexión, que está sometiendo a una amplia revisión las categorías estéticas disponibles por medio del pensamiento crítico contemporáneo. Para ellos, el progreso de la técnica de reproducción significa la superación de la fase de representación de la realidad, posibilitando la generación y difusión de mensajes y señales que tienden a la hiperrealidad. Las nuevas tecnologías están creando un cortocircuito en la relación de los sistemas

Duane Hanson. Man With Camera. 1991.


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semióticos con la realidad, reduplicando por procedimientos de análisis, ensamblaje y simulaciones de fabricación una nueva síntesis de la realidad. La simulación nos permite vivir experiencias próximas a experiencias de vida. En palabras de Jean Baudrillard: "Hoy es toda la realidad cotidiana, política, social, histórica, económica, etc., que ya incorpora la dimensión simulada de hiperrealismo: 'Revivir en todas partes una alucinación estética de la realidad" (Baudrillard, 1976: 114) Pero como afima Avelina Lésper, en oposicón frontal a la expresión hiperrealista: “Por exacta que sea una escultura, por mucho que tenga una propuesta verídica, nunca es una realidad. La pose, la actitud, la textura, la síntesis de las formas que el escultor elige es una propuesta imaginaria que se une al artificio de su aislamiento en un entorno al que va a definir y controlar con su presencia.” En el momento en que los partidarios de la neofiguración pictórica definen los caracteres de la tendencia con espontánea oposición frente al expresionismo, e incluso frente a la abstracción, se produce un acoplamiento en el campo de la escultura. Las artes visuales están perdiendo poder de convencer ante la imagen omipresente, en la que ahora todos somos expertos. Las masas se han convertido en los nuevos protagonistas de la acción social, creando una demanda de su propia representación estética. Las fotografías se multiplican exponencialmente teniendo como

“Por exacta que sea una escultura, por mucho que tenga una propuesta verídica, nunca es una realidad.”


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Evan Penny. Old Self, Variation #1. 2010.


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Richard Stipl. Block Sabbath II. 2005.


VISION tema la vida cotidiana y los rostros anónimos de la multitud, en la misma proporción que el número de aficionados supera el número de especialistas y artistas de la fotografía. El arte narrativo está en declive ante el soporte de la información y su valor colectivista. La fotografía, la radio, el cine y la televisión no sólo están jugando con el sonido, la palabra y la imagen de masas, sino generando nuevos tipos de palabras, sonidos e imágenes que, debido a su carácter masivo y a su inmersión en la vida cotidiana, ya no son objeto de culto, sino que forman parte de la vida de las masas. El concepto de choque resume la experiencia de esta nueva estética. La sobre-excitación de los sentidos que ofrecen las diversas esferas de la vida del hombre. La representación de una cosa no sustituye a la cosa en sí. El simulacro es el resultado de la sustitución de las cosas para su reproducción; es un artificio tecnológico que, por lo tanto, tiende a darnos una hiperrealidad. En todas partes, el hiperrealismo se está convirtiendo en una estética de masas. La materialización de las propuestas de esta vanguardia artística podemos encontrarla, por ejemplo, en los museos de cera: los visitantes pueden ser testigos de ruinas históricas y restos materiales restaurados a la perfección. Una perfección de la que carece el original, llegando al punto de que un mensaje les advierta de que el original está ahora en ruinas, casi invisible, incapaz de darle la emoción que está recibiendo en cera en tres dimensiones, más real y más viva que el original ". (Eco, 1986: 18)


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La representación de una cosa no sustituye a la cosa en sí. El simulacro es el resultado de la sustitución de las cosas para su reproducción; es un artificio tecnológico que, por lo tanto, tiende a darnos una hiper-realidad.


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Franck Bruneau, del Museo de Cera Grévin de París, trabajando en la cabeza de Mick Jagger. 2014.


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El proceso actual de ascenso en el mercado del arte de estos simulacros debe relativizarse para que podamos verdaderamente comprender, sin ignorar los peligros, la revolución que se está produciendo en la experiencia estética contemporánea. La escultura, que se presenta como absoluta ratificación de la realidad, se vale de múltiples recursos de elaboración (poliéster, fibra de vidrio) añadiendo como parte de la reproducción el ropaje real (vestidos) y otros accesorios (lentes, carteras, cámaras, cigarros). No se vacila en ponerle al desnudo, por ejemplo, el vello púbico, otorgándosele a todas las representaciones humanas el tamaño natural. La escultura hiperrealista es un calco inquietante y perturbador. Se tiene la sensación de estar ante una congelación de todo lo real, perpetuado en obra de arte.

Extractado parcialmente y adaptado de Francisco Ricardo Rüdi Ger A Estética do Simulacro. INTERCOM - Revista Brasilerira de Comunicacao, S. Paulo. Vol. XVI, n11, pág. 6075, jan 1993. Referencias: - ADORNO, T. Teorìa Estética. São Paulo, Martins Fontes, 1982. - BAUDRILLARD, J. Cultura X Simulacro. Barcelona, Kairós, 1982 - BENJAMIN, W. "La obra de arte en el tiempo de sus técnicas de reproducción" (1936) - ECO, U. Travels in Hiperreality. Londres, Picador, 1986.


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Tony Matelli. Sonรกmbulo. 2014.


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Marc Sijan. 2014.


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VISION Tendencias

Steampunk

Futuros que fueron Pasados que serรกn


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A

pesar de que el steampunk nació en 1987 como subgénero literario, hoy en día se ha convertido en todo un movimiento cultural con presencia en cine, música, moda, arte… Podríamos marcar una fecha en torno al año 2010 como el momento en el que el boom del steampunk tuvo lugar. Después de años de altibajos hay varios factores que podrían explicar por qué es ahora cuando el steampunk decide tomar presencia mundial. En cambio, parémonos a pensar en por qué el steampunk nos fascina tanto. Imagina a un aficionado al steampunk, de cualquier disciplina que se te ocurra, y acércate a preguntarle cómo lo conoció. Es poco probable que te diga que fue a través de la literatura. De hecho, quizá aun ahora siga sin acercarse a las obras que se suelen tomar como referentes. En cambio, muy seguramente te dirá que es algo que siempre

Si nos paramos a pensar, no hemos cambiado tanto entre el siglo XIX y el XXI.


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le gustó, aunque no hace mucho que descubrió que existía el término “steampunk” para definirlo. Sean cuales sean los antecedentes de esa persona, puede que tome sus referentes de medios audiovisuales como el cine, la fotografía, la moda o la música; porque la parte más estética y llamativa, esa que entra por los ojos con tan grande impacto, es una de las primeras armas que usa este retrofuturismo para atrapar a su público. Quizá Internet y las redes sociales tengan mucho que ver en su expansión en este sentido. Pero seguro que también te dice que de pequeño le encantaba abrir sus juguetes —o los relojes y pequeños electrodomésticos de casa— para ver cómo funcionaban. Antes de la llegada de este siglo XXI, en el que todo es tan efímero, abstracto y virtual, en el que todo vive en una nube, era más sencillo. Era más sencillo incluso arreglar por uno mismo lo que se estropeaba en casa, en lugar de tener que tirarlo para comprar un ejemplar idéntico, pero nuevo. Sin embargo, desde que hardware y software están reñidos y decidieron ser entidades separadas, esto es casi imposible. Abrirlo, entender su funcionamiento, encontrar el fallo y volver a cerrarlo. Hoy en día, ¿quién se plantea

El steampunk nos trae de vuelta ese romanticismo que hoy en día se está perdiendo.


VISION


Š2013-2014 TwoHornsUnited

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VISION abrir un Smartphone o un televisor moderno para ver cómo funciona? ¿Quién es capaz, siquiera, de abrir un iPhone? Las tecnologías extinguidas y obsoletas del steampunk, en cambio, nos retrotraen a esos momentos en los que éramos capaces de entender el funcionamiento de máquinas que nos parecían de lo más complejas de montar pero, a la vez, más sencillas de entender. El steampunk nos trae de vuelta ese romanticismo que hoy en día se está perdiendo. Y quizá sea causante —o se aproveche— del movimiento “do it yourself” (“hazlo tú mismo”), como una manifestación de esa parte “punk” del steampunk, en contra de la obsolescencia programada y a favor del retorno al trabajo manual y artesanal que se comenzó a perder precisamente a partir de las primeras revoluciones industriales. La historia del siglo XIX, por otro lado, sirve también en el steampunk como forma de reflexión. Y si en algo es experta la ciencia ficción es en tomar una época diferente a la nuestra — sea en el siglo XXIII o en el XIX— para hacernos reflexionar sobre nuestro propio entorno. Si nos paramos a pensar, no hemos cambiado tanto


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entre el siglo XIX y el XXI. Nuestros problemas, en base, siguen siendo los mismos: explotación, esclavitud, racismo, machismo, crisis económica… Y aquí es, en mi opinión, donde radican la base y el futuro de la literatura retrofuturista; sin pasar por alto el hecho de que una gran parte del peso del steampunk se carga sobre su faceta más aventurera: exóticos viajes, exploración de territorios inexplorados, nuevas ciencias… Y si a todo esto añadimos que el steampunk es una burbuja que congela el tiempo en una pequeña esfera, maleable y en constante movimiento, entenderemos en qué radican el encanto y el romanticismo del steampunk. No es solo un movimiento que se dedica a mirar atrás para tomar lo que hemos hecho bien y corregir lo que hemos hecho mal. El propósito de mirar atrás siempre debe ser aprender de él y saber de dónde venimos sin dejar de echar un ojo al futuro. Solo así podremos especular con el futuro que podría haber sido, lo que ahora podría ser y los pasados que nunca fueron.

Josué Ramos

Ferrol Noviembre, 2014

...el steampunk es una burbuja que congela el tiempo en una pequeña esfera... Josué Ramos (Ferrol, España, 1987) escribe desde los 16 años. Ha sido seleccionado para antologías como “Monstruos de la Razón I” o “Fabricantes de Sueños 2009”. Es autor de la novela de ciencia ficción “La última conspiración”, publicada por la editorial Atlantis. Actualmente es redactor en la revista retrofuturista “El Investigador” y colabora con diversas iniciativas para promover la literatura steampunk.


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Anna Gowthorpe.Whitby Goth Weekend. 2014.


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Paul Cadden. Orange Salt Flats. 2014.

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VISION Técnica

Dibujo Fotorrealista ¿Híper, súper o fotorrealismo?

E

l término “fotorrealismo” indica que se trata de un lenguaje que se codifica a partir de la fotografía y de los instrumentos que determinan la toma fotográfica (la cámara) y su proyección (aparatos de diapositivas, cañones de imagen, etc.) El recurso al soporte fotográfico no significa necesariamente rechazo del modelo vivo: la diferencia es de procedimiento, ya que de todas maneras se trata de un lenguaje figurativo que agranda, exagera y objetiviza con fría exactitud los temas y sujetos expresivos. Se nos presenta una “hiperobjetividad“ en la que los objetivos del mundo y el mundo mismo están ahí, tal cual aparece a los sentidos del espectador. Estos objetivos significan por sí mismos.


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VISION El realismo fotográfico se asocia a la objetividad descriptiva del Pop Art, al que se considera progenitor inmediato de este movimiento que pronto irá tomando forma como reacción ante la tradición figurativa frente a todo el conjunto de planteamientos neobjetuales, conceptuales, dadaístas, etc. A partir de la 5ta. Documenta, celebrada en 1972 y cuya sede es Kassel, Alemania, donde se celebra la cuatrienal más difundida y polémica del arte contemporáneo o de la transvanguardia, el lema “Más verdadero que lo real” se convierte en el slogan de los fotorrealistas. El retorno al realismo, pero basado en la servidumbre a la fotografía, a la vez transformada en un lenguaje visual tradicional, reinstaura los valores de la pintura académica.

Juan Francisco Casas. Dibujo con bolígrafo BIC. 2014.


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Franco Clun. Ray Bradbury. 2013.

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VISION Simón Marchan Fiz, Catedrático de Estética y Teoría de las Artes en la Facultad de Filosofía (U.N.E.D., Madrid) opina que esta reinstauración, indudablemente contravanguardista más que de vanguardia, hace pensar a los que añoran y creen que la historia del arte contemporáneo ha pasado en vano y que, al final, ellos tenían razón en su “volver a sus fuentes” del arte eterno y verdadero. La utilización de la fotografía como ayuda inicial en la creación de una obra pictórica no tiene nada de nuevo. Pintores del siglo XIX lo hicieron abierta o disimuladamente. En el arte actual el mejor y más significantivo exponente lo constituye quizás el pintor inglés Francis Bacon, quien no dudó en utilizar desde una toma de la película de Serguei Eisenstein El acorazado Potemkin hasta fotos de diarios y revistas. Sin embargo, el espectacular dominio técnico de muchos dibujantes actuales los ha llevado a crear una representación hiperreal que va más allá incluso de lo estrictamente fotográfico, capaz a su vez de conducir al espectador a un mundo de sensaciones y emociones radicalmente nuevas.

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Litir Olivera. Retrato de José Mujica. 2014


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La imagen fotogrรกfica es punto de partida y aparente resultado final, pero no es el objetivo; el dibujante fotorrealista no aspira a competir con ella. Sus obras parecen reproducir la realidad pero, de hecho, se trata de una nueva realidad visual.

Dirk Dzimirsky. Drawn Face VI. 2009.


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Emmanuele Descanio trabajando en Este es mi Padre. 2013.


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FantasĂ­as

Wolverine Express. 1947.


VISION Pasado Perfecto

metรกlicas


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A

unque los juguetes -como objeto y como concepto- han existido desde siempre, es a partir de la Revolución Industrial cuando comenzaron a adquirir un lugar de importancia como pieza artística. De su primer uso original para entretener o educar a los niños, el paso del tiempo los ha convertido en objetos para ser admirados por las siguientes generaciones. Cada pieza representa una mirada única hacia el diseño y función inspirada por la máquina que reproduce, en general, obras de ingeniería de grandes proporciones: barcos, aviones, trenes o automóviles miniaturizados a escala en tamaño e ingenuidad. No faltan tampoco artilugios que sólo sirven a la imaginación y el juego, sin pretensión ni posibilidad de paralelo en la vida real. Su concepción inicial como objetos desechables ha incrementado su rareza y valor, mayor en proporción a su originalidad y estado de conservación. Ya en los años 30 comenzaron a surgir los coleccionistas profesionales y hoy en día los juguetes clásicos son apreciados por un amplio público internacional por su valor histórico, cultural y artístico. Ya sea por la emoción de la búsqueda, sus peculiaridades artísticas, el diseño y precisión de muchos de ellos, su significado histórico o emocional y un entorno de camaradería en el mundo del coleccionismo de juguetes, estas pequeñas obras de arte merecen un espacio dedicado.

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El niño que no juega no es niño, pero el hombre que no juega perdió para siempre al niño que vivía en él y que le hará mucha falta. -Pablo Neruda

Atom Roket 7. Japón. Circa 1950.


Bombo. Unique Art MFG Co. Inc. Newark, N.J. Circa 1924.

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Robby Robot con cabeza de Masuyada R-35. Ha Ha Toy. 1941.


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Julio García Castresana. Banda del Regimiento de Regulares del Ejército Español en Melilla. Circa 1950.


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Cuando el niño destroza su juguete, parece que anda buscándole el alma. -Víctor Hugo


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Hasta el 12 de enero 2015 Venecia, Italia Exposición internacional de fotografía, pintura, videoarte, instalación, escultura y performance. Se presenta también Identidades Híbridas, video experimental y el festival de arte performance. La exposición, comisariada por Luca Curci, bajo el patrocinio de la ciudad y la provincia de Venecia, se llevará a cabo en el prestigioso Palazzo Flangini. http://www.itsliquid.com/

22 al 25 de enero 2015 Singapur Singapur tendrá arte manando por todos sus poros durante el mes de enero de 2015, cuando acogerá a la feria más grande y prestigiosa de arte en la ciudad. La quinta edición de Art Stage regresa con obras procedentes de toda Asia. La feria contará con al menos 135 galerías de 29 países, donde el 70 por ciento son de la región de Asia Pacífico, y el 34 por ciento tienen su sede en Singapur. El director de la feria, Lorenzo Rudolf, dice: “Somos el lugar donde se puede ver arte fresco joven que no se ve en ninguna otra parte.” http://www.artstagesingapore.com/


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Museo del Palacio de Bellas Artes www.museobellasartes.artte.com

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