césar meneghetti this_placements

\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ \\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ \\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ \\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ \\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ \\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ \\\\\\\cĂŠsar_meneghetti //////this_placement(s) /////////////////////// /////////////////////// /////////////////////// /////////////////////// /////////////////////// /////////////////////// ///////////////////////

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_césar meneghetti _this_placement(s):::::::::::::::::::::::::::::::::::::::: _seleção de obras audiovisuais e novas investigações/////////////2001-2012 _selection of audiovisual works and new research////////////////2001-2012 _selezione di opere audiovisive e nuove ricerche/////////////////2001-2012 _01

_índice dos trabalhos/indice dei lavori/works summary

_02_03

_this_placement(s) intro

_06_15

_this_placement(s)_entre os hemisférios

_antonio arevalo_cl

_16_23

_I\0_ eu é um outro \ io è un altro

_cristina cannelli_it

_24_27

_I\0_ I is an other \ je est un autre

_mike watson_uk

_30_45

_K_lab - interacting on the reality interface

_simonetta lux_it

_46_53

_this_orient

_francesca gallo_it

_54_57

_les tierra’s di nadie

_bruno di marino_it

_58_61

_venice (requiem)

_elisa byington_br

_62_63

_o túnel / the tunnel / il tunnel / le tunnel / el tunel _iila pavilion

_64_67

_romevideo

_lucrezia cippitelli_be/it

_68_73

_montage / sem terra / cachorro louco / ltdn

_solange farkas_br

_74_75

_liberdade, criatividade e insubordinação

_elisabetta pandimiglio_it

_76_77

_cv césar meneghetti

_78

_cv dos autores dos textos \ text authors’ cvs

_79

_créditos \ credits \ crediti

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_this_placement(s)\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ Esta publicação tem como objetivo traçar uma linha cronológica dos últimos anos de produção audiovisual de César Meneghetti até a obra THIS_PLACEMENTS (2011-2012), uma videoinstalação composta por quatro vídeos dispostos em uma sequência de projeção contínua, como se fosse um único travelling cinematográfico. A montagem das quatro projeções simboliza quatro realidades e três lugares geográficos que tinham sido objeto de pesquisa do artista em trabalhos anteriores: África (Niamey, Níger), Ásia (Hanói, Vietnam), Europa (Veneza, Itália) e América (Recife, Brasil). Essas quatro cidades são vistas simultaneamente a partir da metáfora da janela e de um percurso imaginário, onde se estabelece um diálogo virtual entre culturas e realidades diversas através da arte e da liberdade de interpretação que ela permite.

Ao fazer uma fusão pouco visível entre áreas geográficas do ocidente e do oriente, se coloca em discussão conceitos pertinentes ao audiovisual como a veracidade e a realidade, produzindo uma operaçãode subversão à ordem do real.

A série THIS_PLACEMENTS (no singular e no plural) indaga a percepção de uma paisagem inexistente, o conceito de _this_placement(s)\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ This volume aims to draw a timeline charting the recent production of César Meneghetti up until the work THIS_PLACEMENTS (2011-2012), a video installation that consists of four videos arranged in a sequence of continuous projection, as if it were a single moving shot. The assembly of the four projections, covering four different realities also symbolize some of the geographical locations of his previous research: Africa (Niamey, Niger), Asia (Hanoi, Vietnam), Europe (Venice, Italy) and America (Recife, Brazil). The four locations are viewed simultaneously both from the metaphor of the window and an imaginary route which establishes a virtual dialogue between different cultures through art and the free interpretation of different realities.

In undertaking a rarely seen fusion between East and West a discussion is opened up which pertais to audio-visual concepts like truth and reality, producing a subversive operation of the real.

The series THIS_PLACEMENTS (singular and plural) enquires into the perception of a landscape that does not exist, and _this_placement(s)\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ Questo volume propone di tracciare una linea temporale degli ultimi anni della produzione di César Meneghetti fino ad arrivare al lavoro THIS_PLACEMENTS (2011-2012), una video installazione composta da quattro video disposti in una sequenza di proiezione continua, come se fosse un’unica carrellata cinematografica. Il montaggio delle quattro realtà, proiettate fianco a fianco raffigura tre delle aree geografiche oggetto di una ricerca precedente: Africa (Niamey, Niger), Asia (Hanoi, Vietnam), Europa (Venezia, Italia) e America (Recife, Brasile). Le quattro città del mondo viste simultaneamente sono la metafora di un percorso immaginario, dove si instaura un dialogo virtuale tra le diverse culture attraverso l’arte e la libera interpretazione di realtà diverse.

Fondendo in maniera poco visibile le aree geografiche di est e di ovest, si mettono in discussione alcuni concetti concernenti l’audiovisivo come la verità e la realtà, producendo così una sovversione dell’ordine del reale.

La serie THIS_PLACEMENTS (nel singolare e nel plurale) s’interroga sulla percezione di un paesaggio che non esiste, e sul

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\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ deslocamento, de tempo e de espaço. Assim, cria uma nova realidade virtual - antropogeográfica e especular - que coloca em jogo o conceito de globalização.

Unindo Recife (gravação de imagens site specific) às demais três cidades presentes neste trabalho, essa série de trabalhos coloca lado a lado a questão de redes interligadas e a metáfora de um percurso imaginário único, onde espaços transitáveis não podem ser descritos nem traçados em nenhum mapa, porque não pertencem a nenhum sistema.

Ocidente e oriente adquirem aqui uma nova dimensão e aglomerados urbanos, pessoas, detalhes se sobrepõem e se rarefazem até se tornarem puro fluxo.

O projeto de THIS_PLACEMENTS foi contemplado pela Funarte no Prêmio Funarte de Arte Contemporânea 2011 - Galeria Nordeste de Artes Visuais Recife e MinC – Ministério da Cultura.

\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ the concept of the displacement of time and space, thus creating a new virtual anthropo-geographic specular reality in contradiction to globalization. The work unites the Brazilian city of Recife (site specific recorded images) and the other three cities where the artist made earlier works and conducted research. They place side by side the question of the interconnection of networks and the possibility of making a metaphor for a unique imaginary excursion to transposable spaces that cannot be described or drawn on any map, because they do not belong to any system.

East and West here acquire a new dimension and urban areas, people, details overlap or fade in layers until they become pure flow.

THIS_PLACEMENTS project was awarded by Funarte the Prêmio Funarte de Arte Contemporânea 2011 - Galeria Nordeste de Artes Visuais Recife an MinC – Brazilian Ministry of Culture.

\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ concetto di dislocamento, nel tempo e nello spazio, creando così una nuova realtà virtuale antropogeografica speculare o in opposizione alla globalizzazione. L’opera unisce la città brasiliana di Recife (registrazione in site specific) alle altre tre città del mondo in cui l’artista ha lavorato in precedenza, le mette fianco a fianco ponendo così la questione delle reti interconnesse, creando una metafora di un viaggio immaginario in un luogo non percorribile, dove gli spazi non possono essere descritti o disegnati in nessuna mappa, perché non appartenenti a nessun sistema.

Oriente e Occidente qui acquistano una nuova dimensione e le aree urbane, la gente, i dettagli e le sovrapposizioni si rarefanno fino a diventare puro flusso.

Al progetto THIS_PLACEMENTS è stato assegnato dalla Funarte il Prêmio Funarte de Arte Contemporânea 2011 - Galeria Nordeste de Artes Visuais Recife e MinC – Ministero della Cultura del Brasile.

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this_placements::::////////////////////////////////////////2011-2012 prêmio funarte arte contemporânea 2011\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\::::instalação galeria_nordeste_de_artes_visuais/recife+estação_ cabo_ branco /joão_pessoa///brasil

this_placements (2011-2012) prêmio funarte de arte contemporânea 2011, desdobramento funarte-NE / MinC na estação cabo branco, joão pessoa.

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this_placements (2011-2012) Prêmio FUNARTE de Arte Contemporânea 2011, Galeria Nordeste de Artes Visuais, Sala Nordeste, Recife.

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nnn

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projeto this_placements (2011) Prêmio FUNARTE de Arte Contemporânea 2011 . Recife, Veneza, NIamey e Hong Kong + áreas de interesse no trabalho de Meneghetti.

this_placements (2012) prêmio funarte de arte contemporânea 2011, desdobramento funarte-NE / MinC na estação cabo branco, joão pessoa.

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this_placements (2011) Prêmio FUNARTE de Arte Contemporânea 2011, Galeria Nordeste de Artes Visuais, Recife.

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entre os hemisférios norte e sul between north and south hemispheres tra gli emisferi nord e sud Partindo de conceitos do audiovisual e da fotografia para fazer uma fusão pouco visível entre áreas geográficas de vários continentes do mundo a vídeo instalação THIS_PLACEMENTS reflete momentos políticos e sociais não favoráveis à formalismos, produzindo um deslocamento de pensamento e de linguagem, onde os conceitos de uma gramática cinematográfica se misturam com a realidade, com o turismo globalizado, com metáforas de um não-lugar, expressões digitais e humanas da imagem. César Meneghetti busca assim, fazer justiça ao homem comum, inconsciente do processo que faz parte, e coloca em luz uma conduta ético-moral e espiritual. Aquilo que aparece evidente é também o prazer pela poesia da imagem e da narrativa; e também a sua extrema facilidade em manipular fluxos de imagem buscando sempre - não como um formalista – um novo e consistente modo de narrar, a linguagem mais adequada para cada obra.

A tática e o uso subversivo da mídia, as modernas estratégias de controle e as novas formas de nomadismo na contemporaneidade são alguns dos temas recorrentes de César Meneghetti, que não concebe o trabalho como síntese, a obra única, mas sim a relatividade de conceitos, a multiplicidade de interpretações, o conjunto, a constelação de obras.

As imagens reais são reelaboradas digitalmente, as sobreposições, rarefações, são levadas às extremas consequências até se tornarem puro .014

fluxo de imagem, colocando em único eixo, ângulo visual e objeto observado, sugestão e realidade, memória e presente, norte e sul do planeta, prefiguração, simultaneidade absoluta no espaço/tempo. Um espelho da globalização.

Criando uma fusão pouco visível entre as diversas áreas geográficas, Meneghetti coloca em discussão conceitos pertinentes ao audiovisual, como a veracidade e a realidade, e produz assim uma subversão do tradicional funcionamento do real, o pensamento e a linguagem, explicita ou implicitamente político. A sua obra indaga também na sobre a percepção de uma paisagem onde não existe o conceito de deslocar tempo/espaço.

O observador pode criar assim uma nova realidade, a seu gosto, uma nova realidade virtual e antropogeográfica, um dialogo entre diversas culturas através da arte.

_antonio arevalo (cl) Starting from audio-visual and photographic media for the purpose of recreating a “fusion” among geographical areas of various continents, the video-installation THIS_PLACEMENTS reflects political and social moments not favourable to formalism and produces the shifting of thought and language, so that concepts of cinematographic grammar mix with reality, globalized tourism, metaphors of non-place, digital and human expressions of an image.

César Meneghetti tries to do justice to the common human being, unaware of the process of which he is part and sheds light on an ethical-moral and spiritual conduct. But what appears obvious is also his love for a poetry of images and storytelling as well as an extreme easiness in manipulating flows of images always trying, without ever becoming formalist, a new and substantial way of narrating, a language suited to every medium.

Tactics and subversive use of media, modern strategies of control, new forms of nomadism in our contemporary times are recurrent themes for César Meneghetti, who does not conceive of the synthesized work, the single work, but rather favours the relativity of concepts, the multiplicity of interpretation; a combination or constellation of works.

The real images are digitally modified - superimpositions and rarefactions are taken to the extreme, until they become a pure image stream, placing

the visual angle and the object observed, suggestion and reality, memory and present, North and South of the planet, prefiguration, absolute simultaneity in Space-Time, into a single axis. A mirror of globalization.

By creating a barely visible fusion among different geographical areas, Meneghetti calls upon relevant concepts within the audio-visual sector - like verity and reality - and produces a subversion of the ordinary functioning of reality, thought and image language, which is explicitly or implicitly political.

His work also investigates the perception of a landscape where the concept of time/space displacement does not exist. In so doing, the observer can create a new reality, to his liking, a new virtual and anthropogeographic reality, a dialog among different cultures through art.

Partendo dall’audiovisivo e dalla fotografia al fine di ricreare una “fusione” tra aree geografiche di vari continenti, l’istallazione video THIS_ PLACEMENTS riflette momenti politici e sociali non favorevoli ai formalismi e produce spostamenti di pensiero e di linguaggio, cosicché concetti di grammatica cinematografica si mescolano con realtà, turismo globalizzato, metafore di un nonluogo, espressioni digitali e umane dell’immagine. César Meneghetti cerca di rendere giustizia all’uomo comune inconsapevole del processo di cui fa parte e mette in luce una condotta etico-morale e spirituale. Ma quello che appare evidente è anche il piacere per la poesia delle immagini e della narrativa così come l’estrema facilità nel manipolare i flussi d’immagini cercando sempre, mai da formalista, un nuovo e consistente modo di raccontare, un linguaggio adatto per ogni lavoro.

La tattica e l’uso sovversivo dei media, le moderne strategie di controllo, le nuove forme di nomadismo della contemporaneità sono temi ricorrenti in César Meneghetti che non concepisce il lavoro sintetizzato, l’opera unica, ma privilegia la relatività dei concetti, la molteplicità d’interpretazione, il congiunto, la costellazione di opere.

Le immagini reali sono rielaborate digitalmente, le sovrapposizioni e rarefazioni sono portate alle estreme conseguenze fino a diventare puro flusso d’immagine e porre in un unico asse, l’angolo visuale e l’oggetto osservato, suggestione e realtà, memoria e presente, nord e sud del pianeta, prefigurazione, simultaneità assoluta nello spazio- tempo. Uno specchio della globalizzazione.

Creando una fusione poco visibile tra diverse aree geografiche, Meneghetti chiama in causa concetti rilevanti per il settore audiovisivo, come la verità e la realtà e produce una sovversione dell’ordinario funzionamento del reale, il pensiero e il linguaggio delle immagini, esplicitamente o implicitamente politico.

La sua opera indaga anche sulla percezione di un paesaggio, dove non esiste il concetto di spostamento tempo/spazio.

L’osservatore può creare così una nuova realtà, a suo piacimento, una nuova realtà virtuale e antropogeografia, un dialogo tra diverse culture attraverso l’arte.

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I\0_ io_è un altro \ I\0_ eu é um outro \ I\0_ I is an other \ I\0_ je suis an autre I\0_ yo eres un otro \ I\0_ ich ist ein anderer::::::::::\\\\\\\\\\\\\\\\\20\10-2013 crossmedia::::mlac_rome \ biennale_sessions_54. venice_biennale\\\\\\italia

I\O_ projeto relacional, pesquisa de sujeito hipercontemporâneo: percursos, narrações, mapeamento, documentação, inclusão social, fotografia, vídeo e instalacão.

I\O_ eu é um outro (verifica #1, Mostra MLAC, 2010). Prêmio Brasil Arte Contemporânea 2010 - Fundação Bienal de São Paulo, MinC - Ministério da Cultura.

I\O_ eu é um outro (2010): workshops e encontros nos laboratórios de arte da comunidade de santo egídio, periferia de Roma.

I\O_ (2011): gravação de vídeos para as obras da verifica #1: francesca scagnoli e césar meneghetti.

I\O_ (2011): workshop foto&vídeo: antonio sanna, daniela parisini, maurizio valentini, miralem pavani, roberto mizzon com federica palazzolo, simona rampa e andrea di giuseppe.

I\O_ (2011): encontros e workshops: annamaria cordone, francesca scagnoli, giorgia lanino, luca piermattei, simonetta lux, aniello bosco e césar meneghetti.

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I\O_ eu é um outro (2012), documentação, registração de performances para obras da verifica #4: Aniello Bosco, Francesca Gessi, Rosa Generoso com a coreógrafa

I\O_ (2010): encontro, gravação e sessão fotográfica para a obra “luvstory/pat &vinz”: vincenzo camelia e patrizia nasini.

I\O_ (2012): sessão fotográfica e gravação para a verifica #4 di I\O: m aria, césar, francesca chimenti, cristina. diego proietti, marco mancinelli e barbara mari.

I\O_ (2012): workshop de movimento e gravação de vídeos para verifica #4 em albano e anagni. participaram cerca 200 pessoas dos 9 laboratórios de arte de Santo Egidio.

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_meneghetti e os ateliers de arte da comunidade de santo egidio _meneghetti and the art labs of santo egidio community _meneghetti e i laboratori d’arte della comunita’ di sant’egidio No Começo, a história dos colaboradores da comunidade de Sant’Egidio – que hoje em dia reúne centenas de pessoas deficientes mentais em Roma e outras cidades – conta o encontro com pessoas provenientes de condições de marginalidade, para não dizer de exclusão e institucionalização.

Portanto, existe uma relação que se impõe e vence o medo da diversidade, da fraqueza e da dor do outro.

Os Amigos (este o nome que acabou sendo escolhido no decorrer deste percurso), sofriam de um preconceito que acabava lhes fechando as portas para uma expressão mais livre de si, o que já era difícil por causa dos limites da deficiência neurológica, física, social. Ao criar condições que favorecessem a inclusão e o fortalecimento, decidiu-se criar a “escola de pintura”: o objetivo não era unicamente o de preencher uma carência educativa e cultural, o que envolvia a maioria deles, mas sobretudo gerar um espaço de relações e comunicação capaz de estimular, primariamente mediante a pintura, este mundo de sentimentos, pensamentos, capacidades, aspirações que, do contrário, restariam prisioneiros da deficiência.

Em 2010, depois do encontro com César Meneghetti, tem início o I/O _ IO E’ UM OUTRO, com curadoria de Simonetta Lux e Alessandro Zuccari. A interpretação da frase de Rimbaud é, sem dúvidas, subjetiva e arbitrária (mas Rimbaud já deve estar acostumado com as mais várias interpretações desta frase, interpretada por muitos e de muitas formas). Mas pode ser útil ao tentar definir a história dos laboratórios experimentais e este processo com César Meneghetti ajuda a entender .022

de onde partimos e que direção estamos tomando.

Rimbaud disse: “Eu é outro. A madeira vira violino”. E mais, com relação à obra de arte “eu a olho, eu a escuto”. Esta última asserção que se refere à obra de arte praticamente fora do controle do artista, pois vive uma vida e um caminho em si, me parece útil na interpretação deste processo iniciado por Meneghetti com os laboratórios experimentais de Os Amigos, assim como a história e a própria marca dos laboratórios experimentais: de fato o projeto, que segundo o statement do artista foi concebido como um processo aberto, causou desde sua primeira fase um deslocamento da fronteira da “normalidade” e, graças à intensa relação do artista com um grupo de deficientes, provocou uma transformação nas pessoas envolvidas.

Portanto, não apenas um método de ensino vertical, embora também o tenha sido, mas eu diria sobretudo um método que se revela mediante a arte, graças ao qual quem se encontra limitado pela definição de deficiente mental, demonstra ser outro com relação ao que estamos acostumados em defini-los: de “madeira” a “violino, na possibilidade enfim atingida do encontro e da redescoberta de si, como homens e mulheres que pensam, valem e criam.

Mas finalmente, é um procedimento envolvedor que transforma todos: artista, curador, deficientes ou não, vídeo-makers, assistentes… E a “madeira” que vira “violino” acaba se parecendo com os próprios atores da ação, numa descoberta recíproca da beleza e do interesse presentes no outro.

_cristina cannelli (it)

At the beginning of the history of the art laboratories of the Sant’Egidio community – which today gathers hundreds of people with mental disabilities in Rome and other towns – there was an encounter with some people that lived a condition of marginality, if not exclusion and institutionalization. A relationship was established through the overcoming of the fear of diversity, weakness and other people’s misery. The “Amici” (Friends, the name chosen at a certain point of our path) lived under the burden of a prejudice that prevented them from freely expressing themselves, something that was already made difficult by their neurological, physical and social handicaps.

While other actions of inclusion and defence were set in motion, we also decided to create some “painting schools”: the objective was not only to fill up an educational gap, which was in any case a major concern, but above all to create a place for relation and communication in order to let – primarily through painting – that world of feeling, thoughts, abilities, aspirations, otherwise trapped by the handicap, emerge.

In 2010 we met César Meneghetti and the I/O _ IO E’ UN ALTRO (project) started, cured by Simonetta Lux and Alessandro Zuccari. The interpretation of Rimbaud’s sentence is undoubtedly subjective and arbitrary (but Rimbaud is certainly used to the most various interpretations of his sentence, explained in so many different ways). Nonetheless it helps us define the history of experimental laboratories and this process in progress with César Meneghetti, it helps us explain where

we started and in what direction we are moving.

Rimbaud says: “I is another. Wood becomes a violin”. And again, referring to the artwork “I watch it, I listen to it”.

It seems to me that this last assertion referring to the artwork that, no longer completely controlled by the artist, comes to its own life and goes on its own journey, can help us define this process started

by Meneghetti with the experimental laboratories Gli Amici as well as the history and the very imprint of the experimental labs: Actually the project, conceived in the artist’s statement like an open process, has led almost immediately, from the very first stage, to the shifting of the boundary of “normality” and, through an intense relation between the artist and a group of people with disabilities, has started to transform the subjects involved.

So, there has not just been a vertical teaching progress; I would say there has mostly been a process that gave life to a revelation, obtained through art, by virtue of which those who are enclosed/shut up in the definition of being mentally disabled are something different compared to how we are accustomed to consider them: from “wood” to “violins” thanks to the possibility, at last given, of an encounter and a rediscovery of ourselves as men and women that think, have a value and can create.

But in the end, this is a process that involves and transforms everybody: the artist, the curators, the video-makers, and the assistants... And the “wood” becoming a “violin” seems to be the true subject of the action, in a reciprocal discovery of beauty and of an interest present in the other.

All’inizio della storia dei laboratori d’arte della Comunità di Sant’Egidio - che oggi riuniscono centinaia di persone con disabilità mentale a Roma e in altre città - c’è l’incontro con alcune persone che vivevano una condizione di marginalità se non di esclusione e istituzionalizzazione. C’è dunque una relazione che si instaura superando la paura della diversità, della debolezza, del dolore altrui.

Gli Amici (è questo il nome scelto ad un certo punto di questo percorso) vivevano sotto il peso di un pregiudizio che chiudeva le porte alla libera espressione di sé, resa già difficile da handicap neurologici, fisici, sociali.

Mentre si mettevano in moto altre azioni di inclusione e difesa si decise di creare anche delle “scuole di pittura”: l’obiettivo non era solo quello di colmare una carenza educativa e culturale , che pure riguardava molti di loro, ma soprattutto di creare un luogo di relazione e comunicazione anche per far emergere, primariamente attraverso la pittura, quel mondo di sentimenti, pensieri, capacità, aspirazioni altrimenti imprigionati dall’handicap.

Nel 2010 avviene l’incontro con César Meneghetti e ha inizio I/O_ IO E’ UN ALTRO a cura di Simonetta Lux e Alessandro Zuccari. L’interpretazione della frase di Rimbaud è senza dubbio soggettiva ed arbitraria (ma Rimbaud si sarà abituato alle interpretazioni più diverse di questa sua frase, interpretata da tanti in tanti modi diversi). Ma aiuta a definire la storia dei laboratori sperimentali e questo processo in corso con César Meneghetti, aiuta, cioè, a spiegare da dove siamo partiti e in quale direzione ci stiamo muovendo.

Rimbaud dice: “Io è un altro. Il legno

diventa violino”. Ed ancora, riferendosi all’opera d’arte “io la guardo, la ascolto”.

Quest’ultima asserzione riferita all’opera d’arte che, non più controllata del tutto dall’artista, prende una vita e una strada propria, mi sembra possa aiutarci a definire questo processo avviato da Meneghetti con i laboratori sperimentali de Gli Amici ma anche la storia e l’impronta stessa dei laboratori sperimentali: il progetto, infatti, che nello statement dell’artista è stato concepito come un processo aperto, ha condotto quasi immediatamente nelle prime fasi a spostare il confine della “normalità” e, attraverso una relazione intensa tra l’artista ed un gruppo di persone con disabilità, ha iniziato a trasformare i soggetti coinvolti.

Non solo dunque un processo d’insegnamento, verticale, che pure c’è stato; ma direi soprattutto un processo che ha dato vita ad una rivelazione, ottenuta attraverso l’arte, per cui coloro che vengono racchiusi/ rinchiusi nella definizione di disabili mentali, sono altro rispetto a come si è abituati a considerarli: da “legno” a “violini” nella possibilità finalmente data dell’incontro e della riscoperta di sé come uomini e donne che pensano, che valgono, che creano.

Ma alla fine è un processo che coinvolge e trasforma tutti: artista, curatori, abili/ disabili, video-makers, assistenti... E il “legno” che diventa “violino” sembrano infine essere i soggetti stessi dell’azione, nel reciproco scoprire la bellezza e l’interesse presente nell’altro.

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I\O_ eu é um outro. Mostra I/O _ IO E’ UN ALTRO verifica #01 (2010) MLAC - Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, Roma.

Prêmio Brasil Arte Contempornea 201o - Fundação Bienal de São Paulo, MinC - Ministério da Cultura.

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a habilidade de expressar o proprio eu the ability to express one’s self l’abilità di esprimere il proprio io ‘Eu é um outro’ é a resposta do ítalobrasileiro César Meneghetti às dificuldades que se apresentam a um artista que pretende lidar com a comunidade de uma forma mais ampla. Desde Março de 2010, Meneghetti tem trabalhado com a comunidade de Santo Egídio em Roma, no contexto de um projeto in progress, no qual artistas trabalham com portadores de deficiências físicas e mentais.

Além dos óbvios benefícios resultantes de uma interação como essa, há também uma série de questões referentes à apropriação de obras de arte realizadas com ou incluindo pessoas socialmente “desavantajadas”, sejam elas deficientes físicos, mentais, homeless, imigrantes ou pertencentes a quaisquer minorias que se possa imaginar. O problema é que facilmente se pode pensar que o artista em geral, explora a comunidade com a qual trabalha, transformando-a num instrumento para proveito próprio.

Essa perspectiva é talvez o resultado inevitável de um processo de democratização que teve suas origens na obra de Marcel Duchamp (1887-1968) e Joseph Beuys (1921-1986), os quais argumentaram respectivamente que tudo pode potencialmente ser arte e que ‘todos somos artistas’. Um resultado disto é, naturalmente, que as ferramentas dos artistas que permitem a autoexploração e capacitação (empowerment), são disponibilizadas à todos. Entretanto, o problema permanece em torno de quem designa e canaliza a experiência artística.

A problemática referente à afirmação de Beuys “somos todos artistas” se convenciona na aparente necessidade de ser sempre o artista em particular, que está fazendo esta mesma afirmação. Ao passo que se fôssemos todos realmente artistas, qualquer um seria capaz de declarar essa verdade. Aqui surgem dois problemas, o primeiro, diversas pessoas simplesmente não querem ou não conseguem - devido ao baixo nível educacional - se envolver no discurso artístico. Segundo, se nós humanos .026

fossemos realmente todos artistas, não haveria arte para ser discutida, ou ao menos ser um artista não seria nada além do que ser um humano, e portanto a afirmação “somos todos artistas” se tornaria banal. A solução para esses problemas, sem dúvida reside na ilegitimização (dis-empowerment) do artista e na total democratização do termo “arte”, numa tal medida que esse conceito em si mesmo, seria passível de auto-exploração. Nesse contexto, o discurso artístico enquanto sendo iniciado pelo artista por necessidade, estaria aberto à interpretação de todos, numa intensidade tamanha que o papel privilegiado do próprio artista, enquanto tal, seria cancelado.

Logicamente um tal processo envolve contradições inerentes que não são facilmente superadas, já que isso exigiria um certo nível de conhecimento do discurso artístico contemporâneo da parte dos participantes. Por enquanto não há outra opção a não ser deixar o artista assumir o controle de modo que esse discurso possa ser transmitido. Entretanto, o nível em que o artista subverte o seu controle do discurso artístico e permite a participantes não-especialistas liderar pode variar enormemente. Ao lidar com comunidades marginalizadas, particularmente quando discurso, movimento físico e pensamento podem ser comprometidos (como no caso de deficientes), ceder o controle artístico aos outros transforma-se numa questão complexa, porém uma componente essencial da compreensão de como o artista pode tratar com a comunidade em geral. Ao trabalhar com pessoas que provavelmente não apreenderão o discurso artístico contemporâneo da mesma maneira que os praticantes de arte contemporânea o fazem e que não comunicariam os seus sentimentos sobre esse discurso facilmente, o artista é forçado a seguir os seus novos colaboradores. E é nesse sentido que César Meneghetti diz “Eu é um outro”: dado que

_mike watson (uk) nós todos somos radicalmente diferentes do outro que enxergamos. Nós somos todos o ‘outro’.

Central ao projeto “Eu é um outro” tem sido a filmagem de cada indivíduo participante, convidado a dizer o que quer, mas também como pode. Dado que uma série de deficiências pode desnaturar o discurso, mesmo no que se refere à população dos aparentemente “capazes” (able), dos “nãodeficientes” (non-disabled).

Discurso, escritura, atividade criativa são todas formas vitais de comunicação que nos fazem humanos e que, discutivelmente, nos fazem “artistas”. Entretanto, essas formas devem ser constantemente aprendidas, experimentadas e superadas. Mas é finalmente como todos nós comunicamos de formas diferentes que é importante como todos nós somos, acima de tudo, indivíduos dentro de um espaço comum. Ao longo das obras em vídeo “videocabina #3”, colaboração à fotografia de Beatriz Franco e à montagem de Yael Leibel, “kalòs>aghatòs”, “ex- sistentia”, “assai mi duole ancora”, 2011, “luvstory” (instalação audio), “reperti” (documentação de percurso), da série fotográfica “I\O”, junto a Gli Amici (2012), a nova série (“sette”, “in-visibilità”, “passaggi”, 2012, com direção de movimento de Cristina Elias) e do documentário (notas sobre I/O_ EU É UM OUTRO, 2010-2012 dirigido por Altera Studio) incluídos em ‘Eu é um outro’, vê-se indivíduos ganharem coragem para comunicar. Não se trata da documentação da incapacidade de um grupo de pessoas por um artista capaz. Trata-se da documentação de uma habilidade: a habilidade de expressar o próprio Eu.

‘I is an other’ is Brazilian-Italian artist César Meneghetti’s response to the difficulties always presented to the artist who seeks to work with the wider community. Since March 2010 Meneghetti has worked with the Community of Santo Egidio in Rome, as part of an ongoing programme in which artists work with physically and mentally disabled people. Aside from the enormous benefits one can obviously imagine coming out of such interactions, there are of course a number of questions raised regarding the appropriateness of art projects carried out with and amongst disadvantaged people, whether they be disabled, homeless, mentally ill, prisoners, immigrants, or from any other of minority population you could care to imagine. The problem is it can all too easily appear that the artist - in general exploits the community they work with, making of it a subject for their own gain.

This perception is perhaps the inevitable outcome of a democratizing process that has its roots in the work of Marcel Duchamp (1887-1968) and Joseph Beuys (1921-1986), who argued respectively that anything can potentially be art and that ‘we are all artists’. One outcome of this is naturally that the tools of the artist, which enable self-exploration and empowerment, are made available to all. However, the problem remains one over who is designating and channeling the artistic experience. The problem with Beuys’s proclamation that ‘we are all artists’ was Beuys’s seeming need to always be the particular artist making that same proclamation: Whereas if we were truly all artists anyone would be able to declare this truth. Two problems arise here, firstly many people simply do not want or are not able – due to lack of education – to be involved in artistic

discourse. Secondly, if we humans are indeed all artists, there would be no art to speak of, or at least, being an artist would be no more novel than being a human, and the statement ‘we are all artists’ would therefore become banal. The solution to these problems arguably resides in a dis-empowerment of the artist and a total democratization of the term ‘art’, to the extent that the term itself would be secondary to selfexploration. In this way artistic discourse whilst by necessity being initiated by the artist, would be open to interpretation by all, to such an extent that the privileged role of the artist as such would be effaced.

Naturally such a process involves inherent contradictions that cannot be easily overcome. For one, it would require a degree of knowledge of contemporary artistic discourse on the part of participants. For now there is no choice but to let the artist take control, so that this discourse can be transmitted. Yet the degree to which the artist subverts their control of artistic discourse and lets non-specialist participants lead can vary greatly. When dealing with marginalized communities, particularly where speech, physical movement and thought can be impaired (as with the disabled community) giving artistic control over to others becomes a complex issue, but an essential component in understanding how the artist may better deal with the wider community in general. For in working with people who may not grasp the contemporary art discourse in the same way that contemporary art practitioners do, and who may not be able to easily communicate their feelings about that discourse, the artist is forced to follow his new collaborators. It is in this sense that César Meneghetti says

“I is an other”, for we are all radically different to the other that we perceive.

We are all the “other”.

Central to the project ‘I is an other’ has been the filming of each individual participant, invited to say what they want, but also what they can. For a range of disabilities can impair speech, even for the apparently ‘able’, nondisabled population. Speech, writing, creative activity are all-vital forms of communication which make us human, and which arguably make us ‘artists’.

Yet these forms must constantly be learned, tried out and overcome. But it is ultimately how we all communicate differently which is of importance, how we are all, above everything, individuals within a shared space. Throughout the video works (videocabina #3, photographic colaboration by Beatriz Franco and editing by Yael Leibel, “kalòs>aghatòs”, “ex-sistentia”, “assai mi duole ancora”, 2011, “luvstory” (audio instalation), “reperti” (documentation), “I\O”, photographic serie with Gli Amici (2012), the new series (sette, in- visibilità e passaggi 2012, moviment direction by Cristina Elias) and the documentary film (notes on I/O_ EU É UM OUTRO, 20102012 directed by Altera Studio), which follow the creative process during ‘I is an other’ one sees individuals gain the confidence to communicate. This is not the documentation of the disability of a group of people by an able artist. It is the documentation of an ability: the ability to express one’s self.

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I/O_ IO E’ UN ALTRO è la risposta dell’italobrasiliano César Meneghetti alle difficoltà con cui si confronta un artista che intende lavorare con la comunità intesa in senso ampio. Dal marzo 2010, Meneghetti ha operato con i laboratori d’arte della Comunità di Sant’Egidio a Roma, nel contesto di un progetto in progress all’interno del quale alcuni artisti hanno intrapreso una collaborazione con disabili fisici e mentali. Al di là del vantaggio che può nascere da un’interazione di questo tipo, rimangono tuttavia aperte una serie di questioni riferibili all’attribuzione di opere d’arte realizzate con o includendo persone socialmente “svantaggiate”, siano esse disabili fisici, mentali, senza fissa dimora, immigrati, o appartenenti a qualsiasi altra “minoranza”. Si potrebbe con facilità immaginare che l’artista in generale esplori la comunità con la quale lavora, trasformandola in uno strumento a suo profitto.

Questa prospettiva è talvolta il risultato inevitabile di un processo di democratizzazione che ha le sue origini nell’opera di Marcel Duchamp (18871968) e Joseph Beyus (1921-1986), i quali sostennero che tutto può potenzialmente essere arte e che ‘tutti siamo artisti’.

Questo presuppone naturalmente che gli strumenti degli artisti che consentono l’auto-esplorazione e la legittimazione (empowerment) siano a disposizione di tutti. Rimane comunque aperto il problema su chi è che progetta e dirige l’azione artistica. L’asserzione di Beyus, ‘tutti siamo artisti’, pone un problema poiché è l’artista stesso che lo afferma. Il problema è che se fossimo tutti realmente artisti, chiunque potrebbe essere in grado di dichiarare questa verità. Qui sorgono due problemi, il primo è che molta gente non vuole o non è in grado .028

– per mancanza di strumenti culturali – di essere coinvolta nel discorso artistico.

Il secondo è che se tutti gli esseri umani fossero realmente artisti, non esisterebbe arte da discutere; o essere artista non vorrebbe dire altro che esistere quale essere umano e l’affermazione ‘siamo tutti artisti’ diventerebbe un assunto banale. La soluzione di questi problemi è senza dubbio nella delegittimazione (disemporwerment) dell’artista e nella totale democratizzazione del termine “arte”, cosicché questo concetto di per sé potrebbe essere passibile di auto-esplorazione.

In questo contesto, il discorso artistico iniziato per necessità dall’artista sarebbe aperto all’interpretazione di tutti, con tanta intensità da cancellare il ruolo privilegiato dell’artista in quanto tale.

Naturalmente un simile processo comporta in sé contraddizioni non facilmente superabili.

Innanzitutto richiederebbe ai partecipanti un certo grado di conoscenza del discorso artistico contemporaneo. Per ora non c’è altra scelta se non lasciare che sia l’artista a prendere il controllo perché questo discorso possa essere trasmesso. E il grado con il quale l’artista sovverte il proprio controllo sull’azione artistica e permette ai partecipanti non specialisti di condurla può variare enormemente.

Quando l’artista lavora con comunità marginali, e in particolare quando parola, movimenti fisici e pensiero possono essere compromessi (come nel caso di un gruppo di persone con disabilità), cedere il controllo artistico ad altri diventa un discorso complesso, ma è una prova essenziale di come l’artista possa confrontarsi meglio con la più larga e generale comunità. Lavorando con persone che non afferrano il discorso artistico contemporaneo nello stesso

modo in cui lo gestiscono i professionisti dell’arte contemporanea e che forse non facilmente riescono a comunicare il loro pensiero su di esso, l’artista è costretto a seguire i suoi nuovi collaboratori. E’ in questo senso che César Meneghetti dice I/O_ IO E’ UN ALTRO perché siamo tutti radicalmente diversi dall’altro che percepiamo. Noi siamo tutti “l’altro”.

Centrale nel progetto ‘Io è un altro’ è stata la ripresa filmata di ogni singolo partecipante chiamato a parlare come vuole e come può. Varie disabilità possono compromettere l’espressione verbale, anche per chi è apparentemente ‘capace’, per chi è ‘non disabile’. Parola, scrittura, attività creativa sono tutte forme vitali di comunicazione che ci fanno umani e che ci fanno, in maniera discutibile, “artisti”. E queste forme devono essere continuamente imparate, provate e superate. E in fondo noi tutti comunichiamo in modi diversi e tutti rilevanti – e tutti noi siamo alla fine individui in uno spazio comune.

Attraverso le opere video (“videocabina #3”, con la collaborazione alla fotografia di Beatriz Franco e al montaggio di Yael Leibel, “kalos > aghatos”, “exsistentia”, “assai mi duole ancora”, 2011, “luvstory” (istallazione audio), reperti (documentazione di percorso), le serie fotografiche “I\O” insieme a gli “Amici” (2012), le nuove serie (sette, in-visibilità e passaggi 2012, direzione di movimento di Cristina Elias) ed il film documentario (Note su I/O_ IO E’ UN ALTRO per la regia di Altera Studio) incluse in ‘IO È UN ALTRO’ si vedono persone che acquisiscono coraggio nel comunicare. Non si tratta di una documentazione sulla disabilità di un gruppo di persone realizzata da un abile artista. E’ la documentazione di un’abilità: l’abilità di esprimere il proprio Io.

I\O_ eu é um outro (2011) apresentação do projeto multidisciplinar relacional - verifica #3 (14 de outubro 2011) ASAC – auditorio dell’archivio storico di arte contemporanea biennale sessions - 54° biennale di venezia: alberta basaglia, beppe sebaste, paolo rosa, marta fattori, elisabetta cristallini, alessandro zuccari, simonetta lux e césar meneghetti.

I\O_ eu é um outro - verifica #2 (1,2 e 3 de junho 2011). inauguração da bienal de veneza: sara abou, cristina cannelli, maurizio valentini, alessandro zuccari, daniela parisini, maria carosio, simonetta lux, césar meneghetti, francesca scagnoli, beatriz franco, laura palmieri, eleonora carbone e davide lemma.

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k_lab-interacting_on_the_reality_interface:::::::///////////2007-2009 keita + niamey + rome \ niger \ west africa\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ crossmedia:::mlac_museo_laboratorio_d’arte_contemporanea\\\\\italia\niger

K5_STILL_01 (femmes), K_lab - interacting on the reality interface, um projeto de césar meneghetti em colaboração com enrico blasi (it), sam cole (uk) e matthew mountford (uk) curadoria de simonetta lux e domenico scudero (it) mostra inaugurada ao MLAC museo laboratorio di arte contemporanea di roma (2008).

K_lab - interacting on the reality interface (2007-9). fotogramas do vídeo e instalação K5_STILL_01 (femmes, single channel video rear projection, 15’,hd, italy/niger, 2008). um vídeo de césar meneghetti em colaboração com enrico blasi, sam cole e matthew mountford.

.032 30.

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K_lab - interacting on the reality interface (2007-9). fotogramas do vídeo e instalação audiovisual K7_ (2 channel projection, hd X 2, italy/niger 2008) um vídeo de césar meneghetti, som original re-mixado e arranjado por matthew mountford.

.034 40.

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K_lab - interacting on the reality interface (2007-9). fotogramas do vídeo e instalação K6_01 e na última fila fotogramas dos vídeos K1_01/02/03/04 (videocabina #2). um vídeo de césar meneghetti em colaboração com enrico blasi, sam cole e matthew mountford.

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K_lab - interacting on the reality interface (2007-9) no MLAC. fotogramas do vídeo e instalação audiovisual K_6 (01001011_01, 01001011_02, 01001011_03, 15’, 5’, e 10’ respectivamente. video for flat monitor, 2 black wooden boxes , 1000 coloured cards, hd, italy/niger 2008). um vídeo de césar meneghetti, soundscapes de matthew mountford.

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K_lab - interacting on the reality interface (2007-9) no MLAC. instalação audiovisual K7_ (2 channel projection, hd X 2, italy/niger 2008) .

MLAC vídeo instalação K_3 e K_04 (ZM on JR Zara Moussa on Jean Rouch), 2 channel video loop para 2 projetores, italy/niger, 2008).

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K_lab - interacting on the reality interface (2007-9). imagens da viagem na vale de keita e fotogramas do vídeo e instalação K_3 de 1 a 12 (le dernière clapper | o último claquete, 2 channel video loop (12 videos de 86” cada) 2 monitores SD, italy/niger, 2007), uma homenagem a jean rouch, que viveu, trabalhou e morreu no niger.

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césar meneghetti, a poética da con-di-visão os atravessamentos psicoculturais na época da dissolução global simonetta lux (it) A composição dos traços é a maneira em que César Meneghetti nos oferece sua arte, colocando em jogo seu ser nomádico e nos colocando em jogo, instituindo uma obra de arte onde as personagens em questão (o autor e o público) interferem com a realidade interpretando a mesma e imaginificamente recriando-a.

Graças à excelência do artifício (direção, roteiro, fotografia, montagem, disposição de traços materiais ou imateriais recodificados como escultura ou instalações pluri-mídias), sendo artista e diretor sui generis, Meneghetti consegue ressaltar em suas obras, assim como nos vídeos como filmes, pedaços e restos destas experiências que se complicam no estudo da linguagem onde não faltarão ligações incanceláveis com as histórias docu-fílmicas.

Lembrando que Meneghetti foi diretor de cinema, antes de ser pintor e artista multi medial complexo e completo como é hoje.

Em seus filmes, César Meneghetti, brasileiro arraigado em Roma por amor, por escolha cultural e por origem, há sempre uma duplicidade: sua temática brota das raízes longínquas de sua origem – ele nasceu e estudou no Brasil – e alcançou a universalização das questões que, surgiram desta condição nomádica ou emigrante que lhe são comuns assim como à maioria das pessoas deste mundo globalizado.

A condição, os afetos, as problemáticas interceptadas e vividas ao longo deste percurso no mundo, desde o Brasil até a Itália, à Africa, ele abarca na arte, ressela interconexões transnacionais que transforma em linguagem, obra, arte: uma forma rara de comunicar e .040

compartilhar que só a arte permite.

Por esta razão César Meneghetti recebeu reconhecimentos internacionais.

Ele é um sujeito homem/artista hipercontemporâneo – definição de uma condição ética e cultural, onde observei (2007: Arte hipercontemporânea. Um certo olhar. Protocolos ulteriores) a extraordinária arte dos artistas dos últimos vinte anos, os quais obraram durante estes anos com a consciência de poder reconsiderar o próprio papel de artista e da arte em si no sentido de uma ação crítica do mundo globalizado, e de se livrar da poética pós modernista tão fugaz.

K_Lab, interacting on a reality interface representa uma obra exemplar neste contexto. (2008 MLAC, Museu Laboratório de Arte Contemporânea, Sapienza Universidade de Roma, curada por Simonetta Lux e Domenico Scudero).

César fez a direção e a montagem desta instalação complexa e pluri medial.

O projeto acontece graças à uma iniciativa do Ministério das Relações Exteriores Italiano com objetivo de reprimir a desertificação do Keita (Niger, Africa) e fazer renascer, com um desenvolvimento compatível, o núcleo social dessa imensa região da Nigéria.

O projeto científico foi extraordinário, e os resultados inesperados. Mas ao receber um pedido para instalar uma base de monitoração, o Ministério interrompeu a cooperação pelo fato de que a continuidade da operação tomaria tempo demais.

Era preciso demonstrar resultados excelentes, como de fato eram, documentados em longos dossiers e relações técnico-científicas que provavam toda a qualidade da iniciativa.

Com efeito, a desertificação que vinha acabando com o país desde 1984, foi interrompida depois da plantação de 100 mil árvores e a instauração de um sistema de irrigação – com a ajuda e competência técnica (mesmo se antiquada) da população local (isto acabou criando uma pequena sociedade espontânea que conseguiu ampliar o projeto construindo estradas, escolas e poços artesianos).

Ao artista César Meneghetti cabia o papel de dar, com a sua arte, o sentido dessa iniciativa, materializando o imaterial e complexo sentido do procedimento cooperativo, com uma linguagem, assegurada pela palavra e a exibição de montanhas de dados estatísticos e fórmulas técnico-científicas: imagens, vídeo, entrevistas, esculturas, indícios encontrados in situ. Os moradores eram orientados por técnicos italianos residentes em Niger.

A este ponto, se juntam a eles César Meneghetti, pai do projeto artístico, o fotógrafo Enrico Blasi, Sam Cole (e Matthew Mountford, sound designer que se une à equipe num segundo momento para efetuar a sonorização da exposição final e os vídeos).

Com direção e orientação de César Meneghetti, Enrico Blasi fotografa os rostos dos moradores desse vale árido, fixando-os como estátuas trabalhando, “presenças incansáveis – escreve Eleonora Carbone – que se protegem reciprocamente”.

São escritas por Meneghetti as entrevistas feitas às pessoas multiétnicas tão características desse país.

Sam Cole, documentarista, realiza as filmagens que Meneghetti amolda para transformar com a fineza de sua arte e

do documento (que sempre contrastou a sua originalidade) projetando em telas que aparecem divididas pelas cores e atmosferas que os territórios africanos transmitem, manipulando as cenas de Cole: os Kscapes que focalizam a vida cotidiana dos cultivadores ao trabalho.

Meneghetti compõe em dois estilos, arte/documento, a parte mais complexa da obra, ele alcança uma unidade semântica incindível: numa arte e numa experiência expositiva única. A exposição que ele realiza na unidade artística complexa, está na articulação da obra, e ao mesmo tempo as projeções, esculturas, instalações áudio/vídeo, vídeo-cabinas fotográficas, parte da obra, são obras individuais.

A vídeo-cabina neste contexto representa uma das invenções ou procedimentos originais de Meneghetti: é material (coloca dentro de um cubo preto, extraindo de sua realidade e colocando em outra, o indivíduo, a pessoa, entrevistada e convidada a nos “falar”) e imaterial também: as entrevistas são projetadas, 10 quadros negros numa parede, tamanho natural, dentro dos quais os nigerinos nos falam de sua visão sobre deus, o amor, a vida, o futuro, o dinheiro: nos devolvendo e universalizando a vida e as concessões desse lugar longínquo. Montagem sincera, simples e linear, mas em si, uma verdade surpreendente: o real fora de seu ambiente e atualizado, partilhável enfim.

Uma espécie de análise social, capaz de comunicar nas linguagens mais variadas da arte, desde a vídeo-arte ate a abstração. Uma escultura, um cubo de madeira virado para baixo como um caixote, posto ao lado de um monitor/ plasma com o loop do vídeo chamado K_6 010010011 passando.

Lá dentro estão espalhados embaralhados, parecendo ‘caídos’ ou ‘jogados’, papeizinhos quadrados que o público pode pegar e olhar, com notícias

geográficas, econômicas e sociais do Niger.

Uma noção ativada aos soluços, flashes, efêmera, jogada, tal como a nossa atual da rede internacional, só que traz consigo o gesto físico de recolher, ler, portanto de entrar sensualmente no ato de conhecimento e aprovação. O vídeo abstrato ali ao lado, quando nos abaixamos, é um vídeo abstrato que nos traz cores e climas de um lugar quente e longe, “ do ritmo denso, com a cor de laranja e o vermelho se alternando nessa moldura luminosa e em movimento” (Carbone).

Contudo, foi a outra técnica do artista, a montagem, que me fez descobrir sua complexa grandiosidade que, claro, significa literalmente montagem fílmica, mas não deixa de ser montagem de rastros, abstração do real em resíduos luminosos nas cenas de vídeo, eficazes ao determinar o despertar e em associar nossa percepção sensível; também é a montagem de objetos, instalações sui generis. Enfim, um procedimento que reinventa as técnicas desvendando os acontecimentos sensuais embora inconscientes de si, mas também de nós que entramos no procedimento.

Os rastros que o artista encontra realmente, quando percorre o território do Niger na ocasião do seu projeto, são reais no seu inconsciente cultural que o fazem percorrer exatamente aquela estrada no Níger, onde o grande maestro do cinema francês, Jean Rouch, mítico na formação como diretor de César, morreu num acidente de carro.

Neste ponto geográfico, numa parte da instalação, Meneghetti arma um lugar de projeção estendida, onde se cruzam as últimas tomadas de Jean Rouch realizadas neste exato lugar do Niger, e a filmagem de César, de seu percurso, bem ali nesta estrada.

Nosso mergulho dentro da obra de César Meneghetti e seu complexo sistema de sinais, culmina graças a escolha musical,

fruto de um acordo entre César e o sound designer inglês, Matthew Mountford, que reelabora seis sounds populares do Niger: Hausa, Djerma, Songhai, Tuareg, Gulu e Kountougi, numa mistura moderna e repetitiva de ritmos tribais longínquos e atuais ao mesmo tempo e contextualizados no estado atual de coisas entre Europa e África, entre vidas que se cruzam mesmo sendo tão diferentes.

Meneghetti, um autor hiper contemporâneo na medida que acrescenta sua asserção com uma nova poética da arte, além do pós moderno, cinco pontos cardeais: colocar em jogo a si próprio e sua autobiografia cultural; tematizar escolhendo num ato crítico a sua mediação no real; colocar o outro em jogo, o público geral e absoluto, provocando a sua percepção direta e sensível; reinventando e renomeando técnicas e procedimentos da arte e dos artistas ‘livres’ dos procedimentos de comunicação e informação globalizados que Meneghetti todavia extrai do mais comum e correto uso efêmero e ‘cosmético’; oferecer e recriar na mesma obra construída e instalada, e em todas as partes, todos aqueles elementos de “contexto”, ou seja, tudo aquilo que o criador da mensagem percebeu em si e sentiu como parte de sua intenção comunicativa num gesto de repartir.

Com este último ponto cardeal da arte, a obra de arte de um hipercontemporâneo – como Meneghetti – se constroem infinitamente junto ao outro que não assiste passivamente, mas vive a realidade, a realidade da arte mais verdadeira que o real na medida que é ‘comunicada’.

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césar meneghetti, the poetics of con-di-vision psicocultural crossings in the age of global dissolution simonetta lux (it) Track composition is the way César Meneghetti offers us his art, bringing his nomadic subject and us into the game, establishing a work of art in which the subjects involved (the author and the other, the audience) interfere with reality, interpreting and recreating it in a highly imaginative way.

Thanks to the excellence of the artifice (direction, screenplay, photography, video editing, arrangement of material or immaterial tracks recodified in sculpture or multimedia installations), being the one-of-a-kind artist that he is, Meneghetti is capable of letting fragments and remainders of those experiences - turned into language research and anyhow bound to contain ineffaceable ties with his docu-film tales - reflow into his works, both videos and films.

Actually, before being the complex and complete painter and multimedia artist that he is today, Meneghetti was a film director. In the movies of César Meneghetti, a Brazilian who settled in Rome for the sake of love, a cultural choice and his origins, there is always a double register: a theme that ranges from his faraway roots – his birth and studies in Brazil – to a universalization of the questions that emerge insofar they as are intercepted, so to say, by the nomadic or immigrant condition that he shares with most people in this globalized world.

In his art, Meneghetti challenges the condition, the affective relations and the problems that he intercepts on his journey around the world, from Brazil to Italy, Asia, Africa. He finds fresh transnational interconnections and turns them into a language, a work of art: a unique way of communicating and sharing that only art can reveal. .042

For this reason César Meneghetti has obtained international recognition. He is a hypercontemporary subject/man/ artist – a definition of an ethical and cultural condition in which I introduced (2007: Arte ipercontemporanea. Un certo loro sguardo… Ulteriori protocolli) the extraordinary art of certain artists who, during the last two decades, have acted on the feeling that it was possible to reconsider their own role as artists and the role of art itself, in terms of a critical action on a globalized world, so coming out of the ephemeral postmodernist poetics.

In this sense, K_Lab, interacting on a reality interface is an exemplary work (2008, MLAC, Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, Sapienza University of Rome, curated by Simonetta Lux and Domenico Scudero). César was the director and editor of this complex multimedia installation. The project came to life within the framework of an operation carried out by the Italian Ministry of Foreign Affairs aiming at blocking desertification in Keita (Niger, Africa) in view of allowing – by means of a sustainable development - the rebirth of a social nucleus in that vast Nigerian area. The scientific project was extraordinary, with unexpected results. Nonetheless, at a certain point, the Ministry – following the request to install a monitoring station, broke off cooperation: the continuity operation was too long. It was necessary to spread the excellent results with big dossiers and technical-scientific reports in order to document the high quality of the operation. And actually desertification, which afflicted the country since 1984, was stopped by planting 25 millions

trees and implementing irrigation with the help of local labour and technical competencies – despite their being outdated (a small independent society was created that was able to extend the project by building new roads, schools and wells). Artist César Meneghetti’s duty is to convey, through his art, the idea of such an action, materializing the immaterial and complex sense of the cooperative process, through a language not just made of words or the exhibition of tons of statistics and technicalscientific formulas: images, videos, interviews, sculptures, tracks found during his journey. The inhabitants were directed by Italian technicians resident in Niger. They were joined by César Meneghetti, the author of the artistic project, together with photographer and producer Enrico Blasi and video reporter Sam Cole (plus sound designer Matthew Mountford who joined the team later on to soundproof the final exhibition and the videos).

Meneghetti wrote the interview drafts for some people representing the multiethnicity that marks that country, Enrico Blasi took pictures of the faces of the inhabitants of that arid valley, fixing them as if they were statues at work, “indefatigable presences – as Eleonora Carbone wrote – supporting each other”.

Video reporter Sam Cole took a documentary approach (he is not an artist), shooting the everyday life of the inhabitants engaged in farming.

Meneghetti’s conception embarked then on the double aim of art and document (something that has always distinguished his original art). Two genres, art/ document: Meneghetti engages in the most complex work, involving arranging

these genres into an indissoluble semantic unity, into a single art and a single expository experience.

The exhibition that Meneghetti organizes as a complex artistic unity is per se an artwork in its articulated structure and - at the same time - the projections, sculptures, audio/video installations and video booths which compose it, are individual artworks as well.

The video booth (videocabina, work K_01), in this context, is one of Meneghetti’s inventions or original procedures: it is both material (a black cube in which he puts, abstracting him or her from their own place of origin, the subject, the person interviewed, who is asked to “talk to us”) and immaterial: the interviews are projected, 10 black panels on the wall from which some Nigeriens talk about their vision of god, love, life, future, money: giving back to us and universalizing the life and conceptions of that distant place. A sincere, simple linear edit with an obvious truth: reality liberated from space and time and thus shareable. In short, a sort of a social investigation that reveals itself in different art languages, from video art to abstraction. A sculpture, a wooden cube turned upside down like a container, is placed on the floor next to a plasma display showing a looping video (title of the work K_06 – 010010011).

Inside the container, as if they had fallen or had been thrown at random, are some rectangular notes that the audience can pick up and have a look at, on which some geographical, economic and social information about Niger are written.

A knowledge that activates intermittently, in flashes, ephemeral, like our present knowledge coming from an international network but bringing with it a physical gesture of picking and reading, hence sensually entering the process of knowledge and denotation.

The video that we see next to us is an abstract video which brings to light

colours and atmospheres of that warm and distant place, “at a fast pace, with red and orange that alternate in this vivid picture on the move” (E. Carbone).

But what allowed me to discover this artist’s complex grandness was his other procedure: the MONTAGE series, whose title literally means film editing but is also the assembly of tracks, the abstraction of reality in bright frames of videos already shot but still able to determine an awakening and the association with our sensible perception; and it is also an assembly of objects, a unique installation. In short, a process of technique reinvention in view of revealing sensual events as well as the unconscious of ourselves and of “ourselves others” who are involved in the process.

Among the tracks that the artist actually found for his project while travelling across Niger, there is one that is real but also belongs to his cultural unconscious, since he goes along that very road in Niger where his great French ‘master’ and director Jean Rouch, who inspired the Nouvelle Vogue and who was a myth in César’s formation as film director, died in a car accident.

In this work, named K_03 (le dernière clapper) and K_04 (ZM on JR), Meneghetti creates a place of extended projection where the projection of the last shooting of Jean Rouch in Niger and César’s shooting during his journey on that same road intertwine.

Our full immersion in the double projection of César Meneghetti’s K_07 work with its complex system of signs, is completed by the musical choice (agreed upon with César) of the English sound designer and DJ Matthew Mountford, who re-elaborated five Nigerien popular sounds, Hausa, Djerma-songhai, Tuareg, Gulu and Kountougi towards a modern and repetitive electronic mix that evokes faraway - but yet made topical and contextualized for the present - tribal rhythms, between Europe and Africa,

between different lives (that are) now intertwined.

Meneghetti, a hypercontemporary author, includes five cardinal points in his assertion of a new art poetics, beyond modernism: 1) he puts in play his self and his cultural autobiography; 2) thematizing by choosing his intervention into reality with a critical act; 3) putting the other, the general and absolute audience into play by bringing into action their direct and sensible perception; 4) reinventing and renaming art techniques and procedures as well as other infinite media – including photographic, videographic and cinematographic media – today made available to the artist, which, even though liberated in the globalized communication and information processes are nonetheless freed by Meneghetti from their current most common ephemeral and cosmetic use; 5) offering and recreating in an artwork built and installed, in every part of it, all those “context” elements, i.e. everything that is known to the creator of the message and is part of his communicative intention: offering them in order to share them.

With this last cardinal point of art, the artwork of a hypercontemporary artist such as Meneghetti – makes itself infinitely, together with the ‘other ’who does not assist passively but lives reality, the most true reality of art, which is reality in so far as it is communicated.

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césar meneghetti, la poetica della con-di-visione gli attraversamenti psicoculturali nell’epoca della dissoluzione globale simonetta lux (it) La composizione delle tracce è il modo in cui César Meneghetti ci offre la sua arte, mettendo in gioco il suo soggetto nomadico e mettendo noi in gioco, istituendo un’opera d’arte in cui i soggetti in questione (l’autore e l’altro, il pubblico) interferiscono con la realtà interpretandola e immaginificamente ricreandola.

Grazie all’eccellenza dell’artificio (regia, sceneggiatura, fotografia, montaggio, disposizione di tracce materiali o immateriali ricodificate in scultura o in installazioni plurimediali), da artista o regista sui generis quale è, Meneghetti può far rifluire, nelle sue opere da artista, sia video sia filmiche, lacerti e resti di quelle esperienze, che vengono problematizzate come ricerche di linguaggio e che comunque conterranno legami incancellabili con i suoi racconti docu-filmici.

Perché Meneghetti è stato, prima che pittore e artista multimediale complesso e completo come è oggi, regista.

Nei suoi film César Meneghetti, brasiliano trapiantato a Roma per amore, per scelta culturale e per origine, c’è sempre un doppio registro: una tematica che va alle sue lontane radici d’origine- la nascita e gli studi in Brasile-, ad una universalizzazione delle questioni fatte emergere in quanto intercettate per così dire dalla condizione nomadica od emigrante che egli condivide con la maggior parte degli uomini di questo mondo globalizzato. La condizione, gli affetti, le problematiche che intercetta e vive nel suo percorso nel mondo, dal Brasile, all’Italia, all’Asia, all’Africa, egli le impugna nell’arte, trova inedite .044

interconnessioni transnazionali e ne fa linguaggio, opera, arte: un modo unico di comunicare e condividere, che solo l’arte può svelare.

Per questo César Meneghetti ha ottenuto riconoscimenti internazionali.

Egli è un soggetto uomo/artista ipercontemporaneo – definizione di una condizione etica e culturale in cui ho immesso (2007: Arte ipercontemporanea. Un certo loro sguardo… Ulteriori protocolli) la straordinaria arte di alcuni artisti che hanno operato nell’ultimo ventennio col senso della possibilità di riconsiderare il proprio ruolo di artisti e dell’arte stessa nel senso di una azione critica sul mondo globalizzato, e di uscire dall’effimera poetica postmodernista.

K_Lab, interacting on a reality interface è un’opera esemplare in questo senso.

(2008, MLAC, Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, Sapienza Università di Roma, a cura di Simonetta Lux e Domenico Scudero). Di César è la regia e la messa in opera (montaggio) di questa complessa installazione plurimediale.

Il progetto nasce nell’ambito di un’operazione realizzata dal Ministero degli Affari Esteri italiano con lo scopo di bloccare la desertificazione a Keita (Niger, Africa) per far rinascere con uno sviluppo compatibile il nucleo sociale di quella estesa zona della Nigeria. Il progetto scientifico era straordinario, con risultati inattesi: ad un certo punto tuttavia il Ministero, alla richiesta di impiantare una stazione di monitoraggio, interrompe la cooperazione: troppo lunga la operazione di continuità.

Occorreva comunicare l’eccellenza

dei risultati, che erano stati davvero tali, con dossier grandissimi e racconti tecnici scientifici che documentavano la qualità dell’operazione. In fatti la desertificazione che affliggeva il paese dal 1984 fu interrotta piantando 25 milioni di alberi ed attuando una irrigazione – con l’opera e le competenze tecniche - anche se antiche - della popolazione locale (nasce infatti una piccola società autonoma la quale ha potuto ampliare il progetto costruendo nuove strade, scuole e pozzi).

L’artista César Meneghetti è chiamato a dare, attraverso la sua arte, l’idea di questa azione, materializzando l’immateriale e complesso senso del processo cooperativo, con un linguaggio che non fosse la sola parola e la sola esibizione di quintali di statistiche e formule tecnico scientifiche: immagini, video, interviste, sculture, tracce incontrate nel viaggio in situ.

Gli abitanti erano guidati da tecnici italiani residenti stabilmente in Niger.

Lì li raggiungono César Meneghetti, ideatore del progetto artistico, insieme al fotografo e produttore Enrico Blasi, il videoreporter Sam Cole (e il sound designer Matthew Mountford che si aggiungerà all’equipe più tardi, per insonorizzare la esposizione finale ed i video).

Meneghetti scrive la trama d’interviste che fa a persone rappresentative della multi etnicità che caratterizza quel paese, Enrico Blasi scatta degli stessi volti degli abitanti dell’arida valle fermandoli quasi fossero statue al lavoro, “infaticabili presenze ha scritto Eleonora Carbone - che vicendevolmente si sostengono”. Il videoreporter Sam Cole mantiene un

approccio documentaristico (non è un artista) riprendono la vita quotidiana degli abitanti impegnati nella coltivazione. L’ideazione di Meneghetti intraprenderà poi il doppio fine dell’arte e del documento (che sempre ha connotato la sua originale arte). I due generi arte/documento, Meneghetti intraprende il lavoro più complesso, articolarli in un’unità semantica inscindibile: in un’arte ed in una unica esperienza espositiva.

L’esposizione che Meneghetti realizza come un’unità artistica complessa, è nella sua articolazione opera, e nello stesso tempo le proiezioni, sculture, installazioni audio/video, video-cabine, fotografie che la compongono restano esse stesse individuali opere.

La videocabina (opera K_01) è in questo contesto una delle invenzioni o procedure originali di Meneghetti: è materiale (cubo nero entro il quale colloca, spaesandolo e dando nuova realtà, il soggetto la persona intervistata, chiamata a “parlarci”) ed immateriale nello stesso tempo: le interviste vengono proiettate, 10 riquadri neri sulla parete, in formato naturale, dai quali i nigerini ci parlano della loro visione di dio, dell’amore, della vita, del futuro, del denaro: restituendoci e universalizzando la vita e le concezioni di quel luogo lontano.

Montaggio sincero, semplice e lineare, ma di per sé di una verità eclatante: il reale spaesato e attualizzato, condivisibile così ormai. Insomma una specie di indagine sociale, che però si svela in linguaggi dell’arte diversi, dalla video arte all’astrazione.

Una scultura, un cubo di legno rovesciato a terra come un contenitore, è collocato accanto a terra vicino ad monitor/ plasma con il loop del video che scorre (opera dal titolo K_06 - 010010011).

Nel contenitore sono gettate alla rinfusa, come caduti o lanciati dei bigliettini rettangolari che il pubblico

può prendere e visionare, sui quali sono state scritte notizie geografiche, economiche e sociali del Niger. Una conoscenza che si attiva a tratti, a flash, effimera, gettata, com’è quella nostra attuale di rete internazionale, ma che porta con sé il gesto fisico di raccogliere, leggere, dunque entrare sensualmente nel processo di conoscenza e di denotazione. Il video astratto lì accanto, mentre ci chiniamo, è un video astratto che porta alla luce colori e atmosfere del luogo caldo e lontano, “con ritmo serrato, con l’arancione e il rosso che si alternano in questo vivido quadro in movimento” (E. Carbone). E’ l’altra procedura, che mi aveva fatto scoprire la grandezza complessa di questo artista: la serie MONTAGE: che è insieme sì letteralmente il montaggio filmico, ma è anche il montaggio di tracce, la astrazione del reale in residui luminosi video girati ma efficaci a determinare il risveglio e l’associazione alla nostra percezione sensibile; ed è anche montaggio di oggetti, installazione sui generis. Insomma un processo di reinvenzione delle tecniche, per lo svelamento degli avvenimenti sensuali ma anche inconsci di sé e di noi stessi altri, che entriamo nel processo.

E tra le tracce che l’artista realmente trova, quando percorre il territorio del Niger, per il suo progetto, è quella reale e del suo inconscio culturale di stare a percorrere proprio quella strada nel Niger dove per un incidente automobilistico era morto il grande maestro e cineasta francese Jean Rouch, precursore del cinema verité, ispiratore della Nouvelle Vague e mitico nella formazione da regista di César.

In quest’opera intitolata K_03 (le dernière clapper) e K_04 (ZM on JR) Meneghetti crea un luogo di proiezione estesa, nella quale s’intrecciano la proiezione dell’ultimo girato di Jean Rouch lì nel Niger ed il girato di César del suo percorso lì sulla quella stessa

strada.

La nostra full immersion nella doppia proiezione dell’opera K_07 di César Meneghetti e del suo complesso sistema di segni si completa con la scelta musicale (concordata con César) del sound designer e DJ inglese Matthew Mountford il quale rielabora cinque sound popolari nigerini, Hausa, Djermasonghai, Tuareg, Gulu e Kountougi per un mix elettronico moderno e ripetitivo dai ritmi tribali lontani ma attualizzati e contestualizzati allo stato attuale delle cose, tra Europa ed Africa, tra vite diverse ma ormai intrecciate.

Meneghetti, autore ipercontemporaneo, lo è giacché mette nella sua affermazione di una nuova poetica dell’arte, al di là del postmoderno, cinque punti cardinali: mettere in gioco se stesso e la sua autobiografia culturale; tematizzare scegliendo con atto critico il suo intervento nel reale; mettere in gioco l’altro, il pubblico generale ed assoluto, attivandone la percezione diretta e sensibile; reinventare e rinominare tecniche e procedure dell’arte e degli altri infiniti media – tra cui quello fotografico videografico, cinematografico - oggi a disposizione dell’artista, che liberate nei processi di comunicazione ed informazione globalizzati vengono tuttavia da Meneghetti sottratti al più comune corrente uso effimero e cosmetico; offrire e ricreare nell’opera stessa costruita e installata, e in ogni sua parte, tutti quegli elementi di “contesto” , cioè tutto quello che il creatore del messaggio ha noto in sé e fa parte della sua intenzione comunicativa: dandoli da condividere.

Con quest’ultimo punto cardinale dell’arte, l’opera d’arte di un ipercontemporaneo – com’è Meneghetti - si fa infinitamente insieme all’altro che non assiste passivo, ma vive la realtà, la realtà dell’arte più vera, del reale perché comunicato. .045

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this_orient V. 1.0 + V.2.0\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\2006-2011 hanoi + hong kong \ china \ vietnam \ asia\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ mixed_media::::aofc58_gallery_roma + acbeu_gallery_salvador///////italia/brasil

this_orient, HK_04, HK series I (fotografia digital colorida impressa em papel metalizado, 30 x 22,5 cm, 2011).

this_orient, HK_01, HK series I (fotografia digital colorida impressa em papel metalizado, 30 x 22,5 cm, 2011).

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this_orient, seleção de fotos das sÊries VN e HK (35 fotografias coloridas, impressas em papel metalizado profissional montadas em supporte neutro, 30 x 22,5 cm, 2011).

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this_orient, video instalações com os vídeos this_orient 01, 02, 03, 04, 05, 06 e 07 (video digital sd pal, cor, duração variável, 2010/2011) galeria ACBEU, salvador.

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this_orient, video instalação com os vídeos this_orient 01, 02, 03 e 04 (video digital sd pal, cor, 6’, 2010) galeria AOFC58, roma.

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_em direção da regeneração da visão _towards the regeneration of vision _verso una rigenerazione della visione A obra de César Meneghetti é como uma constelação condensada em volta do tema central da fronteira, no sentido da separação e da passagem de uma condição para uma outra, e cujo splitscreen mostra a alegoria. A linha – que na tela separa a parte a cores daquela em preto e branco, por exemplo, ou que divide a cena naturalística daquela com efeitos digitais, ou mais, exalta inserções cromáticas aplicadas simulando uma colagem – é permeável, e manifesta uma livre movimentação das imagens de uma metade para outra.

Mais próximo de uma fronteira do que de um fronte, poderíamos dizer que o artista ítalo-brasileiro usando uma imagem, provavelmente importante pra ele, emprega sinais do passado recente e age confortavelmente nos meandros da técnica, linguagem e funções profissionais diversas, de forma que filme, vídeo e fotografia se revezam.

O split-screen (tela dividida), solução estilística que Meneghetti reitera, é a metáfora da dicotomia entre o abandono do naturalismo e atração pela eloquência imediata da realidade.

O autor captura esta realidade com sua máquina fotográfica e sua câmera, para depois usá-la para explorar os contextos sociais ou viver as lembranças com a mesma “atenção distraída” que facilita a absorção das atmosferas e dos lugares, de ultrapassar as desconfianças para entrar em contato com os outros, na procura do que se esconde sob a superfície: tensões e paradoxos, oximoros e analogias, relitos de um mundo contrito no silêncio pelas condições históricas ou culturais.

A distinção de gêneros não deixa de revelar uma inquietude similar seja nos trabalhos de documentário como nos .052

criativos. Mais do que dupla inspiração, trata-se sobretudo de duas faces da mesma folha, como mostra This Orient (2010), obra composta por quatro vídeos, fruto da primeira fase de Meneghetti no Extremo Oriente. A paisagem urbana e natural, rostos e sons são transfigurados pelos efeitos digitais – sobreposições, câmera lenta, solarizações, estímulos induzidos ou casuais, pixelizações e filtros – que alteram os cenários originais além do limite do reconhecimento, numa solução abstrata.

Por exemplo, os fios elétricos que vemos contra o céu, aqui parecem grades de uma jaula, ali dobras de uma cortina, mais pra lá uma selva de películas movidas pelo vento dos eletrônicos: um véu aparente, uma barreira para ser superada, ou pra nos proteger, uma rede comunicativa onde o tempo escorre entre as malhas.

Os ritmos lentos e o sonoro aconchegante de William Bassinsk ou Messias Bandeira e os soundscapes de Matthew Mountford, ressaltam o aspecto meditativo destes quadros eletrônicos, seguindo um esquema de repetição diferente, e o resultado é quase hipnótico. Um convite pra ir mais fundo e também resistir ao fascínio da exploração extensiva formulada sobretudo no último vídeo da série onde, não é por acaso que a pressão do real fica mais palpável.

Desta vez, César Meneghetti parece capturado por uma melodia interior, como sugado numa regeneração da visão e das imagens: enganando as adulações aparentes do título que na verdade esconde uma assonância reveladora.

_francesca

gallo

(it)

The work of César Meneghetti looks like a constellation, focused around the central theme of borders, defined as the separation and transition from one condition to another, and which the split-screen turns to trope. The line - which divides the colour and black and white screen area, for example, or divides the realistic shots from their digital elaboration, and even the chromatic inserts applied, simulates a collage - it is permeable, so that images pass freely from one half to the other.

More like a frontier that no one front, one might say, with perhaps an image dear to the Italic-Brazilian artist and filmmaker who moves to ease between techniques, languages and different professional roles, that in his search for the film, video and photography seems to pass its testimony. The stylistic solution reiterated by Meneghetti becomes a metaphor for the dichotomy that permeates his work including the abandonment of naturalism and the attraction of the immediate force of reality. The author captures it in stills or in moving images, which are used to explore the social environment or to live memories with the same “distracted attention” that allows him to absorb the atmosphere of places, to go beyond mistrust, to get in touch with people in search of what lies beneath surface tensions and paradoxes, oxymoron and analogies, the wrecks of a world reduced to silence by historical, social or cultural factors.

Despite the distinctions of gender, in fact, a common concern across both his

films and documentaries, or his artistic pieces. East and west, two inspirations that became the same side of the same coin. The first stay in the Far East of Meneghetti is the origin of THIS_ORIENT (2010), a series of four videos produced specifically for this solo exhibition, where the urban or natural landscape, faces, sounds are transformed into abstract digital elements - overlaps, slowdowns, sunburns, induced noise or random pixilation - that propel the original scenarios beyond the limits of detectability, to feel abstract. The moving image of wires against the sky are transformed here into the bars of a cage, folded tents or a forest of film strips blown by the wind of electrons: the eye veil, barrier beyond this shelter, a network communication between the mesh. However, time slips away. The slow rhythms, and enveloping sounds (soundscapes by Matthew Mountford and Messias), conveying a meditative aspect to this altarpiece mail that, in different forms of repetition, hypnotic touches come to reality: an invitation to send in depth, therefore, and to avoid the fascination of exploring extensively.

Meneghetti, this time seems to have been captured by an interior melody, like a vortex that transports him to a regeneration of vision, toward pure images.

Il lavoro di César Meneghetti assomiglia a una costellazione addensata attorno al tema centrale del confine, inteso come separazione e passaggio da una condizione ad un’altra, e di cui lo splitscreen si fa tropo. La linea – che sullo schermo separa la zona a colori da quella in bianco e nero, ad esempio, o che divide la ripresa naturalistica da quella con gli effetti digitali, o ancora delinea inserti cromatici applicati simulando il collage – è permeabile, cosicché le immagini trascorrono liberamente dall’una all’altra metà. Più simile a una frontiera che non un fronte, si potrebbe dire , con un’immagine forse cara all’artista italo-brasiliano che, sovente, si concentra sulle tracce del passato recente e si muove a suo agio fra tecniche, linguaggi e ruoli professionali differenti, tanto che nella sua ricerca film, video e fotografia sembrano passarsi il testimone.

Lo split-screen (schermo diviso), soluzione stilistica reiterata da Meneghetti, diventa metafora anche della dicotomia fra l’abbandono del naturalismo e l’attrazione per l’immediata eloquenza della realtà.

L’autore cattura quest’ultima con la macchina fotografica e la telecamera, di cui si serve per esplorare contesti sociali o far vivere i ricordi con la stessa «distratta attenzione» che gli permette di assorbire le atmosfere dei luoghi, di oltrepassare le diffidenze per entrare in contatto con gli altri, alla ricerca di ciò che si nasconde sotto la superficie: tensioni e paradossi, ossimori e analogie, relitti di un mondo ridotto al silenzio da condizioni storiche, sociali o culturali.

Nonostante le distinzioni dei generi, infatti, una medesima inquietudine attraversa sia i lavori documentari,

sia quelli creativi. Più che di duplice ispirazione, si tratta piuttosto delle due facce del medesimo foglio, come mostra This Orient (2010) , opera costituita da quattro video, nati dal primo soggiorno di Meneghetti in Estremo Oriente. Il paesaggio urbano e quello naturale, i volti come i suoni sono trasfigurati dagli effetti digitali – sovrapposizioni, rallentamenti, solarizzazioni, disturbi indotti o casuali, pixellizzazioni e filtri – che sospingono gli scenari originali oltre i limiti della riconoscibilità, verso esiti astratti.

I fili elettrici sullo sfondo del cielo, ad esempio, si fanno qui sbarre di una gabbia, là pieghe di tenda, più oltre selva di pellicole mosse dal vento degli elettroni: velo allo sguardo, barriera oltre la quale spingersi o dietro la quale trincerarsi, rete comunicativa tra le cui maglie, tuttavia, scivola via il tempo.

I ritmi lenti e il sonoro avvolgente di William Bassinsky o Messias Bandeira (con i soundscapes di Matthew Mountford) sottolineano l’aspetto meditativo del polittico elettronico che, nella forma della ripetizione differente , sfiora esiti ipnotici. Un invito a inoltrarsi in profondità, dunque, e a sottrarsi al fascino dell’esplorazione estensiva formulato soprattutto nell’ultimo video della serie in cui, non a caso, anche la pressione del reale si fa più palpabile.

Questa volta César Meneghetti sembra essere stato catturato da una melodia interiore, come da un vortice che lo ha condotto verso una rigenerazione della visione, verso pure immagini: eludendo così le apparenti lusinghe del titolo sotto cui si cela invece un’assonanza rivelatrice.

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les_terra’s_di_nadie \\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\2007-2010 são_paulo\santiago\locarno\washington\milano\los_angeles\roma\genebra bogotá\clermont-ferrand\monterrey\athens\new_york\cairo\sharjah\cerveira

les terra’s di nadie (vídeo digital sd pal, cor, 7’, 2007-2010). versão instalação a 2 canais, MIS - museu da imagem e do som, sp. a cura de bruno de marino e daniela bousso. acima les terra’s di nadie versão monocanal, videoguerrilha 2010, rua augusta -sp. a cura de miguel petchkovsky morais timeframe project / visualfarm.

o discuro político se faz arte the political discourse into art il discorso politico si fa arte O uso criativo da mídia-vídeo é, em muitos casos, o instrumento ideal para contar a tragédia com poesia, uma poesia das imagens, mas também – como no caso do trabalho de Meneghetti – das palavras, segundo uma mistura extremamente gráfica que produz uma trama formidável de vestígios. Les terra’s di nadie, numa base de imagens de repertório (foundfootage), aciona uma paginação visiva e conceitual, muito potente. O artista acertou na ideia de separar o campo em duas porções em momentos diferentes do filme, uma divisão bi-cromática efetuada com uma linha na tela, uma fronteira nítida. Provavelmente uma metáfora do limite entre democracia e ditadura, entre liberdade e reclusão, entre o bem e o mal, entre uma vida normal e uma existência violentada, destituída de qualquer direito.

As imagens em preto e branco, sejam elas televisivas ou trechos de cinejornal, mesmo tendo conteúdo e mostrando soldados, armas, cenas de repressão e de violência, tornam-se, na estética experimental de Meneghetti, uma massa pura, reproduzida por intermitências contínuas e interferências; uma massa que ainda guarda elementos figurativos mas não deixa de ser um fundo abstrato sobre o qual sucessivamente o artista incorpora texto, palavra, frases, pensamentos, fragmentos de emoções.

Em Les terra’s di nadie temos um poema político, uma oração, uma lição, uma confissão, um depoimento, .056

uma denúncia. A história de toda e qualquer ditadura, do passado como do presente e, infelizmente, do futuro.

Uma narração sincrética e sincrônica surpreendente que recebe sua força do poder latejante da imagem que nos acena.

Desde a introdução estroboscópica, onde as sombras dos corpos descrevem um inferno ofuscante e interminável, até o epílogo onde só se vê um avião militar planando sobre os prédios da cidade, veloz e fantasmático, como a violência do poder. Quase invisível como as vítimas de um golpe que desaparecem no nada.

Brasil, Chile, Argentina, estas são as ditaduras fisicamente mais próximas do artista de São Paulo, mas a mistura de línguas que, além do português e do espanhol, se abrem para o italiano, o inglês e o francês, transforma este criativo vídeo em uma alegoria universal. Em Les terra’s di nadie, a política vira arte, porque a arte quase sempre é o único modo de expressar uma visão política e sobretudo, o único instrumento capaz de encenar o horror, ou melhor, o irrepresentável.

_bruno di marino (it) The creative use of video as a medium is, in many cases, the best tool to narrate tragedy poetically, a poetry of images but also – as is in the case of Meneghetti’s work – of words, following a strongly graphic mix that generates a formidable plot of signs.

Les terra’s di nadie, based on repertoire images (found-footage) introduces a very powerful visual as well as conceptual layout. Very successful is the splitting of the shot in two portions in various moments of the movie, at times a bichromatic partition that traces a line on the screen, a sharp border. This is probably a metaphor of the limit between democracy and dictatorship, between good and evil, between a normal life and an existence violated, deprived of any rights. The black-and-white images, either TV movies or newsreel clips, despite their content showing soldiers, arms, scenes of repression and violence, in Meneghetti’s experimental aesthetics, become a mere texture, generated by continuous intermittences and interferences; a texture that maintains figurative elements but is anyway an abstract background on which the artist inserts a text, some words, sentences, thoughts, fragments of emotions.

Les terra’s di nadie is a political poem, prayer, warning, confession, testimony and denunciation. It is the tale of all possible dictatorships, both of the past and the present, and unfortunately of the future. A

bewildering, syncretic and synchronic narration whose strength lies in the pulsating power of the image that becomes a sign. From the insertion of stroboscopic effects, where shadows of bodies describe a blinding and endless hell, to the epilogue in which we only see a military aircraft circling over the town buildings, fast and elusive, like the violence of power.

Almost invisible, like the victims of a coup that vanish into thin air. Brazil, Chile, Argentina are the dictatorships that are geographically closest to the artist, but the language mix that, apart from Portuguese and Spanish, extends to Italian and French, makes this creative video a universal allegory.

In Les terra’s di nadie the political discourse becomes art, because art is nearly always the only way to express a political vision and, above all, the only tool able to stage horror, in other words, the unperformable.

L’uso creativo del medium video è, in molti casi, lo strumento migliore per raccontare la tragedia con poesia, una poesia delle immagini, ma anche – come nel caso del lavoro di Meneghetti – delle parole, secondo una mescolanza fortemente grafica, che genera una formidabile trama di segni. Les terra’s di nadie, su una base d’immagini di repertorio (foundfootage), innesta un’impaginazione visiva, ma anche concettuale, molto potente. Molto riuscita è la suddivisione dell’inquadratura in due porzioni in diversi momenti del film, una partizione anche bicromatica, che traccia sullo schermo una linea, un confine netto. E’ probabilmente la metafora del limite tra democrazia e dittatura, tra libertà e prigionia, tra bene e male, tra una vita normale e un’esistenza violata, privata di qualsiasi diritto. Le immagini in bianco e nero, siano esse filmati televisivi o spezzoni di cinegiornali, per quanto abbiano un contenuto e mostrino soldati, armi, scene di repressione e di violenza, diventano nell’estetica sperimentale di Meneghetti una pura texture, generata da continue intermittenze e interferenze; una texture che conserva ancora elementi figurativi ma che è comunque un fondo astratto su cui poi l’artista inserisce un testo, delle parole, frasi, pensieri, frammenti di emozioni.

Les terra’s di nadie è un poema politico, una preghiera, un monito, una confessione, una testimonianza, una denuncia. E’ il racconto di tutte le dittature possibili, del passato come del presente e, purtroppo del futuro. Una frastornante narrazione sincretica e sincronica che ha la sua forza in questo potere pulsante dell’immagine che si fa segno. Dall’introduzione stroboscopica,

dove le ombre di corpi ci descrivono un inferno accecante e interminabile, all’epilogo in cui vediamo solo un aereo militare volteggiare sui palazzi della città, rapido e inafferrabile, come la violenza del potere. Quasi invisibile come le vittime di un golpe che scompaiono nel nulla. Il Brasile, il Cile, l’Argentina, queste sono le dittature geograficamente più vicine all’artista di San Paolo, ma il mix di lingue che, oltre al portoghese e allo spagnolo, si allarga all’italiano, all’inglese e al francese, rende questo video creativo un’allegoria universale. In Les terra’s di nadie il discorso politico si fa arte perché l’arte, quasi sempre, è l’unico modo per esprimere una visione politica e, soprattutto, il solo strumento capace di mettere in scena l’orrore, ovvero l’irrappresentabile.

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venice(requiem)\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\2009-2010 veneza \ roma \ sĂŁo_paulo \ amsterdam \ milano \ atenas \ la_paz \ girona berlin \ shanghai \ pesaro \ bruxelas\\\\\\\\\\\istituto_italo-latinoamericano

venice (requiem), vídeo single channel, digital hd, cor, 5’, 2010. mostra road to contemporary art, IILA - instituto italo-latinoamericano, palazzo santa croce e macro future, roma.

venice requiem venice requiem venice requiem

As imagens à flor d’água se multiplicam e subdividem em busca de uma ordem narrativa para o drama. O vaporetto, a igreja paladiana e a torre campanária de São Jorge são fragmentos da paisagem registrados por um olhar prestes a submergir. Na superfície, ondas lentas e espumas velozes, separadas em faixas horizontais, correm em ritmos diferentes. Os sons metálicos evocam ondas, motores, lembram o bronze dos sinos. Mas são apenas fragmentos, ruídos. O olho se abisma nas águas que circundam tudo; o território liquido que une, afasta, envolve, alimenta e ameaça devorar o sonho da cidade erguida sobre as águas.

Requiem é uma prece pelo repouso eterno. É a primeira palavra da liturgia cristã pelo descanso dos mortos.

Requiemaeternam. O fim da vida.

Irma Arestizábal se foi de repente, menos de um mês antes da inauguração da Bienal de Veneza. Com ela, o sentido do que havia pedido a Cesar Meneghetti que realizasse: uma leitura pessoal da Representação Latinoamericana sob sua curadoria; exposição que não viu montada. A curadora argentina tinha em programa outras iniciativas nas quais havia envolvido o artista brasileiro - tão italiano por formação e vivência - habituado à heterogeneidade de linguagens; militante da transposição de fronteiras culturais.

Na superfície da tela quadriculada, milimetrada, César parece querer organizar as idéias, compor uma imagem irremediavelmente perdida, que não .060

mais se recompõe, como os ruídos que as pontuam. O antigo recurso da subdivisão tem a memória das sinoples, base para os afrescos desde a arte romana, referencia presente para o artista que faz cinema, vídeo, trabalha com as chamadas crossed-media, mas começou como pintor.

César registra em impressões velozes centenas de fragmentos, fotogramas, manchas de cor, pontilhismo feito de pixels, fractais, e incertas geometrias, que se sucedem em uma ziguezagueante linha do tempo das artes que passam; eterno retorno na historia da cidade lagunar, mãe de todas as bienais de arte.

Os reflexos da luz, as silhuetas liquidas, não se sabe se são projeções ou aparições prestes a desaparecer dentro d’água. Os vultos humanos não chegam a se materializar. As imagens registradas pela câmera são desnaturadas pelo artista que busca transformá-las em signo eloquente, capaz de apontar algo além, ainda que apenas uma breve visão criada pelo movimento das águas nas cordas que afundam nos canais: promessa de algo que não é visível.

_elisa byington (br) The images on the water veil multiply and subdivide in search of a narrative order for a drama. The steamer, the Palladian church and the bell tower of San Giorgio Maggiore are fragments of the landscape registered by an eye that is about to plunge.

On the surface, slow waves and swift foams split into horizontal stripes, running at different paces.

Metallic sounds evoke waves, engines, reminding us of bronze bells. But they are just fragments, noises. Our gaze sinks into waters that surround everything: a liquid territory that unites, keeps at a distance, wraps, feeds and threatens to devour the dream of a town built on water.

Requiem is a prayer for eternal rest. It is the first word of the Christian liturgy for the peace of the dead. Requiem aeternam. The end of life.

Irma Arestizábal passed away suddenly, less than one month before the inauguration of the Venice Biennale.

With her, the sense of the project she had asked César Meneghetti to fulfil also got lost: a personal interpretation of the Latin-American Pavilion under his curatorship; an exhibit she never saw completed. The Argentine curator had also planned other initiatives involving the Brazilian artist – so Italian in terms of education and experience – used to the heterogeneity of languages; a militant in the transposition of cultural barriers.

On the surface of a squared, graph screen it seems like César wants

to organize his ideas, compose an irremediably lost image that will never again be possible to recompose. The ancient resource of subdivision retains the memory of sinoples, the basis for frescoes since the Roman art, an immanent reference for an artist who makes cinema and video, working with so-called mixed media but who started with painting.

With quick impressions, César registers hundreds of fragments, photograms, splashes of colour, has recourse to a pointillism made of pixels, fractals and uncertain geometries which follow one another in a zigzag line of time, of arts passing by; an eternal return to the history of the lagoon town, the mother of all biennial exhibitions.

The reflections of light, the liquid outlines, it is not clear if they are projections or apparitions that are about to disappear in the water. The human faces cannot take shape. The images recorded by the camcorder are altered by the artist who tries to turn them into an eloquent sign, capable of indicating something transcendent; be it just a brief vision created by the movement of water around the ropes that sink in the channels: the promise of something that is not visible.

Le immagini sul velo dell’acqua si moltiplicano e si suddividono in cerca di un ordine narrativo per il dramma.

Il vaporetto, la chiesa palladiana e il campanile di San Giorgio Maggiore sono frammenti del paesaggio registrati da un occhio che sta per immergersi. In superficie, onde lente e schiume veloci, separate in fasce orizzontali, corrono a ritmi differenti. I suoni metallici evocano onde, motori, ricordano campane di bronzo. Ma sono solo frammenti, rumori.

Il nostro sguardo sprofonda nelle acque che tutto circondano; il territorio liquido che unisce, allontana, avvolge, alimenta e minaccia di divorare il sogno della città costruita sull’acqua.

Requiem è una preghiera per l’eterno riposo. E’ la prima parola della liturgia cristiana per la pace, per il riposo dei morti.

Requiem Aeternum. La fine della vita.

Irma Arestizábal se n’é andata all’improvviso, meno di un mese prima dell’inaugurazione della Biennale di Venezia. Con lei, si smarrì il senso del progetto che aveva chiesto a César Meneghetti di realizzare: una lettura personale del Padiglione latinoamericano sotto la sua curatela; esposizione che non vide mai montata.

La curatrice argentina aveva in programma altre iniziative nelle quali aveva coinvolto l’artista brasiliano - così italiano per formazione ed esperienza abituato alla eterogeneità dei linguaggi; militante nella trasposizione delle frontiere culturali.

Sulla superficie dello schermo a quadretti, millimetrato, César sembra voler organizzare le idee, comporre un’immagine irrimediabilmente perduta, mai più ricomponibile. L’antica risorsa della suddivisione conserva la memoria delle sinopie, base per

gli affreschi sin dall’arte romana, riferimento immanente per l’artista che fa cinema, video, lavorando con i cosiddetti crossed-media, ma che ebbe suoi inizi nella pittura.

Cesar registra in impressioni veloci centinaia di frammenti, fotogrammi, macchie di colore, pointillisme fatto di pixels, frattali, e incerte geometrie, che si succedono in una zigzagante linea del tempo delle arti che passano; eterno ritorno nella storia della città lagunare, madre di tutte le biennali d’arte.

I riflessi di luce, le sagome liquide, non s’intende se sono proiezioni o apparizioni, in procinto di scomparire in acqua. I volti umani non arrivano a materializzarsi. Le immagini registrate dalla telecamera vengono snaturate dall’artista che cerca di trasformarle in un segno eloquente, capace di indicare qualcosa aldilà; anche soltanto una breve visione creata dal movimento delle acque sulle cime che affondano nei canali: la promessa di qualcosa che non è visibile.

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o túnel (vídeo digital sd pal, cor, 2’, 2005). 51 Bienal de Veneza, evento especial isola della poesia - tramonto latinoamericano, palazzo franchetti, pavilhão iila, a cura de Antonio Arévalo

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o_tĂşnel \ the_tunnel \ il_tunnel \ el_tunel \ le_tunnel \\\\\\\\\\\\\2005 venezia\clermont-ferrand\monterrey\roma\paris\miami\teheran\berlin sĂŁo_paulo\fortaleza\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\special _event_ 51.venice_biennale

romevideo, 2 channel video instalation, digital sd, cor, 15’, 2003. recyclart, gare le chapelle, bruxelas. vídeos com e. pandimiglio, curadoria de laurence jennard.

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romevideo\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\2003 bruxelas \ roma \ sĂŁo_paulo \\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ prĂŞmio_melhor_obra_digital::::recyclart_arcipelago_\\\\\\\\belgium\italy

romevideo - amanhã, um outro hoje que se transforma romevideo - tomorrow, another today that transforms itself romevideo - domani, è un altro oggi si trasforma Romevideo é uma instalação audiovisual em projeção colateral, que César Meneghetti realizou junto com Elisabetta Pandimiglio a pedido do media center de Bruxelles Recyclart.

Dois fluxos paralelos de imagens escorrem lado a lado, sem diálogo direto nem linear, formando a percepção de uma cidade fragmentada, complexa e desmedida, vista com os olhos de um observador externo. Um olhar que capta, focaliza e tenta compreender.

Os dois vídeos, passam num fluxo contínuo, apresentando uma ‘flânerie’ visual sem solução de continuidade e entregando uma Roma avulsa, quase distraída. Tudo escoa: o asfalto noturno e regado pela chuva (aquela chuva de novembro que só um romano mesmo reconhece), filas de lampiões em série nas avenidas arborizadas, marginais, mal iluminadas, de uma cidade que não tem muito a ver com os cartões postais que turista compra.

Imagens muitas vezes especialmente sintetizadas e modificadas, acompanhadas por uma trilha original composta por Meneghetti, restituindo uma Roma irreconhecível mas que de repente, não mais que de repente, evidencia seus aspectos emblemáticos: o altar da pátria, o Coliseu, as estátuas dos anjos da Ponte Sant’Angelo, céus quase dourados do crepúsculo, os muros Aurelianos, Porta San Paolo.

Imagens vindas de um passado histórico, imagens de cartão postal, retratando uma Roma aparentemente imutável, silenciosa, observando ela mesma o decorrer da história: exatamente como os prédios e as construções abusivas que permanecerão para sempre eternamente. “O tempo presente .066

_lucrezia cippitelli (be/it)

projeta o futuro como uma repetição de si mesmo”. “Amanhã é um outro hoje”. Enquanto essas frases passam numa das telas e em todas as línguas, o espectador compreende que Roma é exatamente isto: o espelho de uma atitude imutável nos séculos, um olho que observa (como aquele que aparece no vídeo) e que imutavelmente continua observando, enquanto a história continua seu curso, como se este curso fosse independente de quem vive o presente.

Mas, ao pôr do sol, uma série de manifestações se une aos céus, aos pedestres casuais, às paisagens de cidade violentada pelas construtoras. É o ano de 2003 e simultaneamente o resto do mundo, mesmo a capital do Papa e do Coliseu, se mobiliza em massa para contestar a guerra tecnocrática dos interesses de poucos contra a população civil do Iraque. Nesta segunda parte do vídeo, as imagens das praças, do conflito, das massas, da polícia que assalta e das contestações, viram um ícone da cidade do presente, real, que se mobiliza, que pede mudanças que influenciem a história, como ressaltam os próprios autores. E Roma parece de vez, menos imóvel, menos imagem. A história estigmatizada dos monumentos imóveis se transforma numa história construída pelo presente, pelo homem que a constrói hoje. E este amanhã que é um outro hoje, se transforma: não mais a lembrança de um passado a ser observado, mas um presente para agir.

Romevideo is a two-channel audiovisual installation, which César Meneghetti, in cooperation with Elisabetta Pandimiglio commissioned by the Brussels Recyclart Art’s Centre.

Two screens of parallel images run side by side, without ever dialoguing in a direct and linear way, generating the perception of a fragmented, complex, immense town, seen through the eyes of an outside observer. A gaze that perceives, focuses and tries to understand. The two videos running continuously, proposing an uninterrupted visual flaneurie and return to a Rome that appears extraneous, nearly absent-minded.

Everything flows: the asphalt at night, wet because of rain (November rain, something that only a true Roman knows), strings of street lamps that follow one another in big tree-lined, marginal, poorly lit streets in a town that has little to do with the postcards sold to tourists.

Images sometimes synthetized and modified, accompanied by the original soundtrack composed by Meneghetti, recall a Rome that is at times unrecognizable but every now and then reveals suddenly its distinguishing signs: the Altar of the Fatherland, the Coliseum, the statues of the angels of Sant’Angelo Bridge, the almost golden skies at twilight, the Aurelian Walls, St. Paul’s Gate.

Images of a historical past, images of a picture-postcard view Rome that seems immutable, silent, as if it were watching its own history unrolling: just like the houses and the unauthorized buildings that will stay in the future as an eternal reminder. “Present time

projects the future as a repetition of itself”. “Tomorrow is another today”.

While these sentences follow one another on one of the screen in all languages, the spectator realizes that Rome is exactly this: the mirror of an unchangeable attitude over the centuries, an eye that observes (like the one that appears in the two videos) and that remains immutably an observer, while history will take its course as if it were independent from those who live the present.

But then sequences of demonstrations join the images of skies at twilight, the random passers-by, the landscapes of a town violated by the “palazzinari”, the property speculators. It is the year 2003 and even the capital city of the Pope and the Coliseum holds huge demonstrations, simultaneously with the rest of the world, to contest a technocratic war fought for the interests of few people against the civilian population in Iraq. In this second part of the video, the images of the crowds, the conflict, the masses, the police assaults and the protests become the icons of a town of the present time, a town that is real, protests, asks for change and which will influence history.

And Rome seems suddenly less immovable, less like a picture. And the history stigmatized by immovable monuments becomes history built by the present, by the people who build it today. And tomorrow, which is another today, transforms itself: it is no longer the memory from a past to be observed but a present to be acted.

Romevideo è una installazione audiovisiva a due canali, che César Meneghetti in duo con Elisabetta Pandimiglio ha realizzato su commissione del media center di Bruxelles Recyclart. Due flussi di immagini paralleli scorrono affiancati, senza dialogare in modo diretto e lineare, generando la percezione di una città frammentata, complessa, smisurata, vista con gli occhi di un osservatore esterno. Uno sguardo che percepisce, mette a fuoco e tenta di comprendere.

I due video, che scorrono a flusso continuo, propongono una flaneurie visuale senza soluzione di continuità e restituiscono una Roma che appare estranea, quasi distratta. Tutto scorre: l’asfalto notturno inumidito dalla pioggia (quella di novembre che solo un vero romano riconosce), sfilze di lampioni che si susseguono negli stradoni alberati, marginali, mali illuminati di una città che poco ha a che fare con le cartoline vendute ai turisti.

Immagini talvolta sintetizzate e modificate, accompagnate dal suono originale composto da Meneghetti, restituiscono una Roma a tratti irriconoscibile ma che all’improvviso, di tanto in tanto, mostra i suoi caratteri distintivi: l’altare della patria, il Colosseo, le statue degli angeli di Ponte Sant’Angelo, i cieli quasi dorati del crepuscolo, le Mura Aureliane, Porta San Paolo. Immagini di un passato storico, immagini da cartolina di una Roma che sembra immutabile, silenziosa, se stessa a guardare lo svolgimento della storia: proprio come le palazzine e gli abusi edilizi che rimarranno a eterna memoria. “Il tempo presente proietta il futuro come ripetizione di se stesso”.

“Domani è un altro oggi”. Mentre queste frasi si susseguono su uno degli schermi in tutte le lingue, lo spettatore si rende conto che Roma è proprio questo: lo specchio di un’attitudine immutabile nei secoli, un occhio che osserva (come quello che appare nei due video) e che immutabilmente rimane osservatore, mentre la storia farà il suo corso, come se questo corso fosse indipendente da chi vive il presente.

Ma poi ai cieli al crepuscolo, ai passanti casuali, ai paesaggi della città violentata dai palazzinari si uniscono sequenze di manifestazioni. Siamo nel 2003 e contemporaneamente al resto del mondo, anche la capitale del Papa e del Colosseo si mobilita massivamente per contestare la guerra tecnocratica degli interessi dei pochi contro la popolazione civile in Iraq. In questa seconda parte del video le immagini delle piazze, del conflitto, delle masse, della polizia che assalta e delle proteste diventano le icone di una città del presente, reale, che si mobilita, che chiede cambi, che influenzerà la storia, come sottolineano gli stessi autori.

E Roma sembra all’improvviso meno immobile, meno immagine. E la storia stigmatizzata dai monumenti immobili diventa la storia costruita dal presente, dall’uomo che la costruisce oggi. E quel domani che è un altro oggi si trasforma: non più ricordo di un passato da osservare, ma un presente da agire.

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ltdn, 2 channel video instalation, digital sd, cor, 7’, 2010. bienal de sharjah 2011 e bienal de cerveira 2011, programa de vídeos com curadoria de solange farkas.

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_montage, sem terra, cachorro louco e ltdn\\\\\\\\\\\\\\\\\2001-2011 videobrasil::s達o paulo\locarno\berlin\hongkong\tokyo\telaviv\weimar\london havana\milano\friesland\amsterdam\madrid\paris\biarritz\sharjah\cerveira

_imagens que jorram _images that flow _immagini che scorrono De um lado, o homem sem terra, que navega ao largo dos países, sem pertencer a nenhum; de outro, o não-lugar, a terra que deserda sua prole, abandonando-a à própria sorte. O não pertencimento como condição humana inescapável, e a injustiça social que cumpre expor, explicitar, apontar, atacar. De naturezas diversas e efeitos concorrentes, essas duas instâncias de percepção de mundo estão na essência da obra de César Meneghetti. Política no que a motiva e move, a busca da dimensão estética dos temas aos quais se volta é seu método particular de aprofundamento, e a composição primorosa de narrativas visuais e rítmicas sua forma de poesia.

Um recorte exemplar das motivações, fundamentos e interesses que sustentam a pesquisa de Meneghetti é o que podemos descrever a partir de suas participações no Videobrasil, Festival que, ao que ele mesmo refere, marca sua “volta” simbólica ao país de origem – do qual se afastou muito cedo para viver e estudar cinema na Itália –, agora comprometido com um projeto artístico próprio.

Selecionada para o 13º Festival, em 2001, Sem terra, do mesmo ano, é a primeira dessas participações. O trabalho obsessivo de edição, que se multiplica em possibilidades na passagem do cinema para o meio eletrônico, já desponta como diferencial do artista. Não voltado para (e perdido em) si mesmo, mas a serviço de compor uma narrativa a um tempo sutil e densa: a história do homem que nasce no mar e passa a vida procurando terra e mulher às quais pertencer. O navio, lugar movente e precário, dá corpo à sensação pujante de deslocamento.

A vida veloz e furiosa dos motoboys paulistanos é o objeto de Cachorro louco (2003), que participa do Festival seguinte.

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Se a palavra acha na obra um lugar que não perderia mais, o poder de articular um fluxo cada vez mais contundente de sons e imagens – para, por meio dele, criar representação à altura de uma realidade social não menos violenta – se reafirma e se aprimora. Na tela que pulsa, divide-se e se reordena em ritmo intenso, texturas, luzes, falas e ruídos se orquestram numa reflexão consistente e aflita sobre a vida vivida sempre por um fio.

No 16º Festival, Meneghetti mostra parte de Montagens (2001), quatro séries de quatro vídeos cada nos quais experimenta com a ideia de erigir, por meio da linguagem audiovisual e das próprias memórias, um lugar virtual onde realidades diversas, geográficas e existenciais, se amalgamem: Norte e Sul, primeiro e terceiro mundo, tecnológico e primitivo. Exibida como videoinstalação, a série marca o momento em que a poética das imagens sobrepostas, coladas e liquidificadas na mesma narrativa musical se expande e ganha o espaço para além da tela.

EmLesTerra’s di Nadie (2007-2010), incluída na curadoria que criei para a 16ª Bienal de Cerveira, em Portugal (2011), o artista avança na exploração da tridimensionalidade, mas sem perder o foco político jamais. A instalação em dois canais contrapõe representações visuais dos golpes militares que deram início às ditaduras chilena e brasileira, respectivamente em 1973 e 1964.

Versos do poema que dá título à obra do chileno Antonio Arévalo, traduzidos em cinco línguas, envolvem as imagens que jorram nas telas, para lembrar com repúdio a veemência do poder exercido brutalmente.

_solange farkas (br) On the one hand the landless human being sailing offshore, belonging to nobody; on the other the non-place, the land that disinherits his progeny and abandons it to his fate. The non-belonging as the inevitable human condition and the social injustice that we need to expose, to make explicit, to show, to attack.

Of a different nature and concurrent effects, these two modes of perception of the world are the very essence of César Meneghetti’s work. Political in what motivates and moves it, research into the aesthetic dimension of the themes it addresses is his particular method of in depth study, as much as the impeccable composition of visual and rhythmic storytelling is his poetry.

We can trace an exemplary cutting of motivations, foundations and interests that support Meneghetti’s research starting from his participations in Videobrasil, a Festival that, according to the artist, marks the symbolic “comeback” to his country of origin – which he left very early to live in Italy and attend film school there – now committed to a personal artistic project.

Sem terra (Landless), selected for the 13th Festival in 2001 and performed in cooperation with Elisabetta Pandimiglio, is the first of these participations. The obsessive editing, whose possibilities multiply in the passing of cinema to the electronic medium, appears as the distinguishing mark of the artist. Not addressed to (rather lost in) himself, but in the service of a storytelling composition that is at the same time thin and dense: the story of a man that is born at sea and spends his life in search of a land and a woman to which to belong. The ship, a mobile and precarious place, gives body to the pressing sensation of shifting.

The fast and furious life of the motoboys from São Paulo is the subject of Cachorro Louco (Crazy Dog, 2003) that was displayed

at the following Festival. If within the work the word finds a place that it is not bound to lose anymore, the power to articulate a flow ever more striking with sounds and images - in view of creating a representation that lives up to a no less violent social reality – reaffirms itself.

On a pulsating painting, an intense rhythm divides and reorder itself, impasto, lights, voices and hummings are orchestrated in a substantial and afflicted reflection about a life always lived to its limits. In the 16th Festival, Meneghetti showed a part of the series Montage (1999-2007), four series’ made of four videos, where each one experiments with the intention of erecting, through some audio-visual language and its memories, a virtual place where different geographical and existential realities mix together: North and South, first and third world, technological and primitive.

Presented as a video-installation, the series links the moment in which the poetics of superimposed images, glued and liquefied within the same musical storytelling, expands and gains a space beyond painting.

In ltdn - Les Terra’s di Nadie (2007-2010), part of the work I made as the curator of the 16th Biennial of Cerveira, Portugal (2011) and the 10th Sharjah Biennial, Arab Emirates (2011) and the artist progresses in exploring the tri-dimensional but without ever losing his political purpose. The twochannel installation opposes the visual representations of the military Coups d’état that caused the Chilean and Brazilian dictatorships, respectively in 1973 and 1964.

The verses of the poems that give the title to the work of the Chilean Antonio Arévalo, translated in five languages, envelope the images which flow upon the painting’s surface with the purpose of reminding and repudiating the vehemence of brutally wielded power.

Da una parte, l’uomo senza terra che naviga al largo dei paesi, e non appartiene a nessuno; dall’altra, il nonluogo, la terra che disereda la sua prole e l’abbandona alla sua sorte. La nonappartenenza come condizione umana inevitabile, e l’ingiustizia sociale che bisogna esporre, esplicitare, indicare, attaccare. Di natura diversa ed effetti concorrenti, queste due esigenze di percezione del mondo sono l’essenza stessa dell’opera di César Meneghetti.

Politica in ciò che la motiva e muove, la ricerca della dimensione estetica dei temi cui si rivolge è il suo metodo particolare di approfondimento, e la composizione impeccabile di narrative visuali e ritmiche la sua forma di poesia.

Un ritaglio esemplare delle motivazioni, fondamenti e interessi che reggono la ricerca di Meneghetti è quel che possiamo tracciare a partire delle sue partecipazioni nel Videobrasil, Festival che, secondo ciò che lui stesso riferisce, segna il suo “ritorno” simbolico al paese di origine – dal quale si allontanò molto presto per vivere e studiare cinema in Italia – ora impegnato in un progetto artistico personale. Selezionato per il 13º Festival, nel 2001, Sem terra, di questo stesso anno, e realizzato insieme ad Elisabetta Pandimiglio è la prima di queste partecipazioni. Il lavoro ossessivo di edizione, che si moltiplica in possibilità nel passaggio del cinema al mezzo elettronico, già appare come marca (direi cifra o caratteristica.

Non usare marca, è improprio e mi fa pensare a qualcosa di commerciale, cosa che non sei) dell’artista. Non rivolto a (piuttosto perso in) se stesso, ma al servizio della composizione di una narrativa allo stesso tempo sottile e densa: la storia di un uomo che nasce in mezzo al mare e passa la vita alla ricerca di una terra e di una donna a cui appartenere. La nave, luogo mobile e precario, dà corpo alla sensazione pressante di spostamento. La vita

veloce e furiosa dei motoboys di São Paulo è l’oggetto di Cachorro Louco (Cane Rabbioso, 2003), che partecipa al Festival successivo. Se la parola trova nell’opera un luogo che non perderebbe più, il potere di articolare un flusso sempre più pungente di suoni e immagini – per poi, grazie ad esso, creare una rappresentazione all’altezza di una realtà sociale non meno violenta – si riafferma e migliora. Sulla tela che pulsa, si divide e si riordina in ritmo intenso, impasti, luci, voci e ronzii sono orchestrati in una riflessione consistente e afflitta sulla vita vissuta sempre ai limiti. Nel 16º Festival, Meneghetti mostra una parte della serie Montage (1999-2007), quattro serie di quattro video, dove in ognuno sperimenta con intenzione di erigere, attraverso del linguaggio audiovisuale e delle sue memorie, un posto virtuale dove realtà diverse, geografiche e esistenziali, si amalgamano: Nord e Sud, primo e terzo mondo, tecnologico e primitivo.

Presentata come video installazione, la serie segna il momento dove la poetica delle immagini sovrapposte, incollate e liquefatte nella stessa narrativa musicale, si espande e guadagna uno spazio oltre la tela.

In Les Terra’s di Nadie (2007-2010), parte del lavoro che ho fatto come curatrice della 16ª Biennale di Cerveira, in Portogallo (2011), l’artista progredisce nell’esplorazione della tridimensionalità, ma senza perdere lo scopo politico mai. L’installazione a due canali contrappone le rappresentazioni visuali dei coup d’etat militari che causarono le dittature cilene e brasiliane, rispettivamente nel 1973 e nel 1964. I versi dei poemi che danno il titolo all’opera del cileno Antonio Arévalo, tradotti in cinque lingue, avvolgono le immagini che fluiscono sulla tela, per ricordare con ripudio, la veemenza del potere esercitato brutalmente. .071

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montage (1999-2007), digital sd, cor, 13. videobrasil (2001) e mostra made in brasil - trĂŞs decadas do vĂ­deo brasileiro (2003).

cachorro louco (2002), digital sd, cor, 6’ e sem terra / senza terra (2001), digital, sd, cor. 14’ em concurso no 14. e 13. videobrasil.

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_liberdade, creatividade e insubordinação

_elisabetta pandimiglio (it)

(BR) Pintor, cineasta, compositor, artista em constante movimento e evolução, sempre atento aos acontecimentos atuais, embora não se deixe tentar pelo caminho mais fácil, da lógica convencional de mercado, da moda. A pesquisa e experimentação que caracteriza a sua obra, há mais de duas décadas, dão corpo e forma a uma inquietude interior, jamais placada, as vezes expressa com generosa contundência, lançando mão a tudo aquilo que lhe permita suplantar os limites exíguos da racionalidade.

O que impressiona – em obras tão diferentes e variados gênero e formato – é a extraordinária identificabilidade do olhar visionário: de seus quadros mais figurativos, onde a disposição dos corpos e a dosagem requintada das cores narram complexas relações interpessoais, muito mais do que qualquer legenda ou estrutura narrativa elaborada; a seus vídeos experimentais mais abstratos onde o fluxo de imagem eletrônica em fotogramas hipnóticos escorrem arranhando sem hesitação o olhar e sem conceder o tempo de interpretação que restringiria a profunda verdade da sugestão emotiva; no cinema e documentário - onde a relação entre os protagonistas e o diretor, se transformam num encontro de almas que vivem uma condição humana e existencial limítrofe; à serialização de obras como MONTAGE (1992-2006) onde combinações inusitadas de realidades _freedon, creativity and insubordination ///////////////////////////////// A painter, filmaker, composer, artist, in perpetual movement and evolution, always in step with the times, keeping a watchful eye over recent events and nevertheless never being moved by easy success, conventions, market logic, fashion.

The research and experimentation that have been going through Meneghetti’s more than twenty-year’s of work give body and shape to an inner restless, at times expressed with a generous impudence, resorting to anything capable of overcoming the narrow limits of rationality.

What strikes one when looking at such works, so different and various in kind and form, is the extraordinary recognisability of a visionary look. The big figurative and non-figurative paintings, through the arrangement of the bodies, the reinvention of space and a refined use of colour, tell us about complex interpersonal relations, much more than any detailed caption or elaborate narrative structure. Hypnoticphotograms run through experimental videos, resolutely scratching lightly your gaze without allowing for the time for an interpretation that would bridle the profound truth of emotional suggestion.

In his documentary movies, the relation between the characters and the author becomes the meeting point of souls that live a similar existential condition.

Serial works like MONTAGE (1992-2006) take shape out of unusual combinations of realities belonging to distant spheres, _libertà, creatività e sregolatezza ////////////////////////////////////// Pittore, cineasta, compositore, artista, in perenne movimento ed evoluzione, sempre al passo con i tempi, attento all’attualità pur non piegandosi mai al facile, al convenzionale, alla logica di mercato, alla moda.

La ricerca e la sperimentazione che attraversano il suo lavoro ultraventennale, danno corpo e forma a un’inquietudine interiore mai placata, a volte espressa con generosa spudoratezza facendo ricorso a tutto quello che permette di superare i limiti angusti del razionale.

A colpire, in opere tanto diverse e di così vario genere e formato, è la straordinaria riconoscibilità dello sguardo visionario.

Le grandi tele, figurative e non, attraverso la disposizione dei corpi, la reinvenzione dello spazio e il raffinato dosaggio di colore, raccontano complesse relazioni interpersonali, molto più di qualsiasi dettagliata didascalia o elaborata struttura narrativa. Fotogrammi ipnotici corrono nei video sperimentali graffiando decisi lo sguardo senza concedergli quel tempo di interpretazione che imbriglierebbe la profonda verità della suggestione emotiva. Nel suo cinema documentario, la relazione tra protagonisti e autore diventa incontro di anime che vivono una condizione esistenziale limitrofa. I lavori seriali come

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////////////////////////////////////////////////////////////////////////// fragmentadas, pertencentes à esferas distantes entre elas, se agregam harmonicamente consolidando-se e reorganizando-se em outras inúmeras realidades inéditas.

Um trabalho que não é uma síntese, mas uma multiplicidade de obras ou melhor um diálogo entre as obras como acontece em THIS_PLACEMENTS (2011) - prêmio Funarte de arte contemporânea - onde quatro realidades, de quatro investigações em quatro trabalhos anteriores, quatro tempo e espaço diferentes se adicionam, criando uma quinta dimensão, um quinto continente e um hipotético ponto de chegada. Arte que não utiliza expedientes ou artifícios, mas que emerge do íntimo, de uma condição humana e cultural, da profunda exigência de expressar um nomadismo emotivo e cultural, provavelmente estimulado, para não dizer originado, pelo espaçar biográfica e mentalmente entre hemisférios Sul e Norte do mundo, sem nunca decidir onde instalar-se ou encontrar uma dependência/pertencimento. Arte como busca, descoberta, reelaboração, transfiguração, invenção, mas também compromisso, presença, militância. Arte que, densa de vida vivida, encarna-se com liberdade e desvaire em formas híbridas e inéditas, fiéis à sua interioridade que foge das regras, ainda mais impostas por outros.

////////////////////////////////////////////////////////////////////////// which harmonically aggregate and consolidate themselves by rearranging into as many fresh realities.

César Meneghetti’s work moves between uniqueness and multiplicity and implies a subliminal dialogue among works.

In THIS_PLACEMENTS (2011 – FUNARTE award for contemporary art) four different realities, four pieces of research, four previous works realised in different spaces and times, sum up the creation a fifth dimension, a fifth continent, a hypothetical point of the arrival of a perennial becoming.

A work that does not make use of expedients and artifices but rather emerges from the inmost depths, from the profound need of expressing an emotional and cultural nomadism maybe spurred, if not originated, by a biographical and mental sweeping between the Southern and Northern hemispheres, without ever deciding where to settle and to belong.

An art as research, transfiguration, invention but also as commitment, presence, militancy.

An art which, dense with life experience embodies itself recklessly in new hybrid forms, complying with an interiority that is hardly able to give itself any rules, especially if they are imposed from the outside.

////////////////////////////////////////////////////////////////////////// MONTAGE (1992-2006) prendono forma da accostamenti inusitati di realtà appartenenti a sfere lontane, che si aggregano armonicamente e si consolidano riorganizzandosi in altrettante inedite realtà. Un lavoro, quello di César Meneghetti che si muove tra unicità e molteplicità e mantiene sotteso un subliminale dialogo tra opere. In THIS_PLACEMENTS (2011 – premio FUNARTE per arte contemporanea ) quattro diverse realtà, quattro ricerche, quattro lavori precedenti, maturati in tempi e spazi diversi si sommano creando una quinta dimensione, un quinto continente, un ipotetico punto di arrivo, probabilmente anche questo in perenne divenire.

Opera che non utilizza espedienti e artifici, ma emerge dall’intimo, da una condizione umana e mentale, dalla profonda esigenza di esprimere un nomadismo emotivo e culturale forse stimolato, se non originato, dallo spaziare biograficamente e mentalmente tra emisferi Sud e Nord del mondo, senza mai decidere dove assestarsi e individuare un’appartenenza.

Arte come ricerca, trasfigurazione, invenzione, ma anche impegno, presenza, militanza.

Arte che, densa di vissuto, s’incarna con libera sregolatezza in forme ibride inedite, assecondando un’interiorità che fatica a darsi regole, ancor più se imposte dall’esterno. .075

césar

meneghetti::

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CÉSAR MENEGHETTI (São Paulo, 1964) Contemporary Art, Mixed Media, Cinema/Documentary Comunicação Visual – FAAP, São Paulo (BR) Fine Arts, London Metropolitan University (UK) Centro Sperimentale di Cinematografia, Roma (IT)

Exibiu seu trabalho em mais de 40 países, tendo participado nas bienais de arte de Veneza (2005 e 2011), Adriática (2006), La Paz (2007), Bruxelas (2007), Sharjah (2011) e Cerveira (2011), na mostra internacional Tio Ilar, Atenas (2011 e 2012) e feito exposições em museus como MIS Museu da Imagem e do Som de São Paulo (2010), Macro - Museu de Arte Contemporânea em Roma (1996, 2005 e 2011) e MLAC Museu Laboratório de Arte Contemporânea de Roma (2006, 2008 and 2011). Ganhou diversos prêmios como o FUNARTE de Arte Contemporânea 2011, o Prêmio Brasil Arte Contemporânea da Fundação Bienal de São Paulo (2010), o de melhor vídeo na IV Bienal Inter-Americana de Vídeo Arte de Washington (2009), da crítica cinematográfica Italiana (Nastro d’Argento - 1996 e 2004) e Petrobrás Cultural (2002 e 2006). Com os seus filmes e vídeos, participou em festivais internacionais como o de Locarno (1998 e 2002), São Paulo (Videobrasil 2001, 2003 e 2007 e Mostra Internacional de São Paulo 2008), FIC Brasília (2005) Festival do Rio de Janeiro (2010), Havana (2003) e Veneza 69 (Giornata degli Autori, 2012). Em 2007, com K_lab (mixed media, Níger, 2008), iniciou uma nova fase na sua carreira na qual realoca a sua experiência nas artes visuais, cinema e mixed media à area de arte relacional. Atualmente, vive e trabalha entre São Paulo e Roma, onde há três anos desenvolve o projeto Io é un Altro (mixed media/arte relacional) com 120 membros da Comunidade di Sant’Egidio.

Has already exhibited his works in more than 40 countries, having participated in several art biennials such as Venice (2005 e 2011), Adriatic (2006), La Paz (2007), Brussels (2007), Sharjah (2011) and Cerveira (2011), in the international exhibition Tio Ilar, Atenas (2011 e 2012) and in individual and collective exhibitions in various museums such as MIS – Museum for Image and Sound, São Paulo (2010), Macro – Museum for Contemporary Art in Rome (1996, 2005 and 2011) e MLAC Museum Laboratory for Contemporary Art in Rome (2006, 2008 and 2011). He has been awarded several art prizes such as FUNARTE of Contemporary Art (Brasil, 2011), Prêmio Brasil Contemporary Art of the Biennial of Sao Paulo Foundation (2010), best video in the IV Washington Inter- American Biennial of .076

Video Art (2009), of the Italian Cinema Critics Board (Nastro d’Argento - 1996 and 2004) and Petrobrás Cultural (Brasil, 2002 and 2006). His film and video works have already been shown in different international festivals like Locarno (1998 and 2002), Sao Paulo (Videobrasil 2001, 2003 and 2007 and Mostra Internacional de São Paulo 2008), FIC Brasília (2005), Rio de Janeiro Film Festival (2010), Havana (2003) and Venice (Giornata degli Autori, 2012). With K_lab (mixed media, Niger, 2008), he started a new phase of his career, reallocating his experience in visual arts, cinema and mixed media to the area of relational art. Currently, he lives and works between Sao Paulo and Rome, where for the last three years he has been developing the project IO É UN ALTRO (mixed media/relational art) with 120 members of the Comunidade di Sant’Egidio.

Ha esposto i suoi lavori in più di 40 paesi, avendo partecipato alla Biennale di Venezia (2005-2005), Adriatica (2006), La Paz (2007), Bruxelles (2007), Sharjah (2011) e Cerveira (2011), nella mostra internazionale Tio Ilar, Atene (2011 e 2012) e a mostre individuali e collettive in vari musei: MIS Museu da Imagem e do Som de São Paulo (2010), Macro - Museu de Arte Contemporânea di Roma (1996, 2005 e 2011) e MLAC Museo Laboratorio de Arte Contemporanea a Roma (2006, 2008 e 2011). Ha avuto diversi riconoscimenti: Premio FUNARTE de Arte Contemporânea 2011, Prêmio Brasil Arte Contemporânea da Fundação Bienal de São Paulo (2010), premio per il miglior video nella IV Biennale Inter-Americana di Video Arte a Washington (2009), Nastro d’Argento 1996 e 2004 (SNCCI) e Premio Petrobrás Cultural, Brasile (2002 e 2006). I suoi lavori in film e video sono stati presentati in diversi festival internazionali: Locarno (1998 e 2002), São Paulo (Videobrasil 2001, 2003 e 2007 e Mostra Internacional de São Paulo 2008), FIC Brasília (2005) Festival di Rio de Janeiro (2010), Festival di Nuevo Cinema di Havana (2003) e Venezia 69 (Giornata degli Autori, 2012). Nel 2007, con K_lab (mixed media, Niger, 2008), ha iniziato una nuova fase della sua carriera, allargando la sua ricerca nelle arti visive, cinema e mixed media all’arte relazionale.

Attualmente, vive e lavora tra San Paolo e Roma, dove negli ultimi tre anni ha lavorato al progetto Io é un Altro (mixed media/arte relazionale) con quasi 200 membri della Comunità di Sant’Egidio.

+ info www.cesarmeneghetti.net

///////////////exposições / exhibitions / esibizioni 2012_ FLUX+DISPLACEMENT+TIME selection of artworks

by César Meneghetti. 48th Mostra Internazionale del Nuovo Cinema, Pesaro. Curator Antonio Pezzuto.

THIS_PLACEMENTS v.2 (solo), Estação Ciência, Cultura e Arte, João Pessoa.

TIO ILAR, Athens. Curator Panayotis Malamis.

N-MINUTES, Shanghai. Curator Miguel Petchkovsky.

2011_ THIS_PLACEMENTS v.1 (solo), Galeria FUNARTE de Artes Visuais do Nordeste, Sala Nordeste, Recife.

THIS_ORIENT v.2 (solo), Galeria ACBEU, Salvador.

16° BIENAL DE CERVEIRA, Cerveira. Film program selected by Solange Farkas.

SHARJAH BIENNAL 10 PLOT FOR A BIENNIAL, Sharjah, Emirados Árabes. Cured by Solange Farkas.

I\O_EU É UM OUTRO v.01 (solo), MLAC Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, Rome. Curators Simonetta Lux e Domenico Scudero.

TIO ILAR, Athens. Curator Panayotis Malamis.

2010_ LTDN - LES TERRA’S DI NADIE v.2 (solo), 2 channel installation, MIS Museu da Imagem e do Som, São Paulo. Curator Bruno di Marino and Daniela Bousso.

VIDEOGUERRILHA/TIMEFRAME, urban spaces intervention, São Paulo. Curator Miguel Petchkovsky.

(VENICE) REQUIEM - The Road to Contemporary Art, MACRO FUTURE and IILA - Instituto Italo-Latinoamericano.

THIS_ORIENT v.1 (solo), ACF58 Gallery, Rome.

Curator Francesca Gallo.

2009_ K_LAB | REMIX, Galeria 36A, Bellaria Doc Festival Special Event, Bellaria-Igea Marina.

VIDEOCABINE #1 & #2, Spazio per Nuove Visioni, Nuovo Cinema Aquila, Tekfestival, Rome.

IV INTER-AMERICAN BIENNIAL OF VIDEO ART – Washington DC. Curator Felix Angel.

2008_ K_LAB | INTERACTING ON THE REALITY INTERFACE, Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, Rome. In collaboration with Enrico Blasi, Sam Cole e Matthew Mountford. Curators Simonetta Lux and Domenico Scudero.

2007_ PLAY FORWARD, selection of art videos, 60th Locarno International Film Festival, Locarno. Curator Bruno di Marino.

SIART – INTERNATIONAL ART BIENNIAL, Heterotopia, La Paz, Bolivia. Curator Ramiro Garavito.

I BRAZILIAN ART BIENNIAL, Brussels.

MADE IN ITALY, Video d’autore – genio e sregolatezza.

Filmstudio. Curator Bruno Di Marino.

\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\www.cesarmeneghetti.net ART BUS - ARCO, Madrid. Curators Antonio Arévalo, Frédéric Maufras and Raúl Martínez.

2006_ GIVE ME TWO TIMES – Art videos and new research – MLAC Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, Rome. Curator Giorgia Calò.

IV BIENNALE ADRIATICA DI ARTI NUOVE – San Benedetto del Tronto. Curators Luigi Maria Perotti, Antonio Arévalo.

DIVA - Digital & Vídeo Art Fair International Contemporary Art Fair, Paris.

2005_ 51. BIENNALE DI VENEZIA, Isola della poesia, Notte dei Poeti, Tramonto latinoamericano, Palazzo Franchetti, San Marco, Venice. Curators Antonio Arévalo and Achille Bonito Oliva.

MONTAGE 10, MACRO FUTURE, Museo di Arte Contemporanea, Rome.

2000_2004_ MADE IN BRASIL, Three decades of Brazilian video.

Instituto Cultural Itaú. Curator Arlindo Machado.

ROMEVIDEO (solo), Recyclart, Gare Le Chapelle, Brussels, with Elisabetta Pandimiglio. Curator Laurence Jennard.

14° VIDEOBRASIL, São Paulo. Curator Solange Farkas.

MONTAGE (solo), El Aleph Video Gallery, Rome.

BACK UP FESTIVAL, DYNAMIC NETWORK OF INTERNATIONAL CREATORS, Bauhaus, Weimar, Salvador. Curator Miriam Visaczki.

TOKYO VIDEOART CENTER - AMERICAN & ITALIAN PROFILE. Curator Katsuyuki Hattori.

VIDEOZONE, I ISRAEL ELECTRONIC ART BIENNAL, Tel Aviv. Curator Sergio Eldelztein.

TRANSMEDIALE 01 (DIY). Surviving in a digital world, Berlin. Curator Andreas Broeckmann.

MICROWAVE International Media Art Festival, Hong Kong. Curator Elaine NG. 13° VIDEOBRASIL, São Paulo. Curator Solange Farkas. MIXED artist’s video selection. Galeria Neon, Bologna. Curators Daria Filardo, Gino Gianuzzi.

1989_1999_ I BIENNALE D’ARTE ELETTRONICA, Palazzo dele Esposizioni and S. Marta al Collegio Romano Church.

Curator Marco Maria Gazzano. CALDO/FREDDO video art, Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma. Curators Silvana Bonfili and Alessandra Gianfranceschi. PONTOS DE FUGA (solo), Cândido Portinari Gallery. L’ARTE A ROMA, I Edition Contemporary Arts Exhibition. Curator Patrizia Lazoi.

ZONE(IN)VISIBILITÀ (solo), Assenzio Cultural Centre, Rome. Curator Pino Giampà.

VISIBILITÀ ZERO, Authors’ video showcase, MACRO, Curator Valentina Valentini.

OUT-POST VENICE, world artists for Sarajevo, Venice.

Curators Emma Davis, Aurora Fonda and Clive Salls.

ELECTRONIC ART CAFE / ARTISTI IN PEDANA, Palazzo delle Esposizioni, Roma. Curator Achille Bonito Oliva

and Umberto Scrocca.

O PENSAMENTO BRASILEIRO (solo), Cândido Portinari Gallery, with Lee Swain. Curator Frederico de Moraes.

ELECTRONIE D’ARTE ED ALTRE SCRITTURE, Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci, Prato. Curator Caterina D’Avinio.

NO LIMITE DO TEMPO (solo), Cândido Portinari Gallery, Roma. Curator Alessandro Masi.

SKIES (solo), Fulhan Road Arts Center, London. ////filmes e vídeos / films and videos / film e video 2012_ I\O_VERIFICA #4 (15 videos, HD, Italy) SVOLTE / TURNING POINTS (6’, HD, Italy) with E.Pandimiglio and Fabio Rosi.

DIARIO DE UM ADEUS (5’, HD, Brazil) 2011_ THIS_PLACEMENTS (4 videos, Brazil) THIS ORIENT V.2 (5 videos, SD, Brazil/Italy/Vietnam) I\O_VERIFICA #1 (5 videos, HD, Italy) 2010_ THE RIMET TROPHY (52’, HD documentary, Italy, Argentina, UK, Brazil) with L. Garzella, F. Macelloni.

THIS ORIENT V.1 (4 videos, SD, Brazil/Italy/Vietnam) LTDN, LES TERRA’S DI NADIE V.2 (7’, Brazil/Chile/ Italy) 2009_ L’INCONTRO (72’, HD, documentary, Italy) with E.Pandimiglio.

NOVUS MUNDUS (20’, documentary, Italy) (VENICE) REQUIEM, 5’, Italy)

2003_ ROMEVIDEO (2 X12’, SD, Belgium/Italy) MONTAGE N. 11 (5’, SD, Brazil/Italy) 2002_ ZAPPATERRA, MEMOIRS OF MARGHERITA IANNELLI (26’, SD, documentary, Italy) Sacher Diary with E.Pandimiglio.

MONTAGE N.9 (5’, SD, Brazil/Argentina) CACHORRO LOUCO (6’, SD, documentary, Brazil) 2001_ SENZA TERRA / LANDLESS (15’, SD, Italy/Brazil) and A SUD DEL SUD (7’, SD, Italy/Brazil) with E.Pandimiglio.

MONTAGE 5-8 (15’, Betacam SP, Italy/Brazil) 1999_ MONTAGE 1-4 (10’, Betacam SP, Italy/Brazil) 1998_ ZONA(IN)VISIBILITA’ #2 (5’, Betacam SP, Italy) 1997_ LIMITROFE (4’, video loop, Italy) INTERFERENZE (88’, 35mm, Italy) with E.Pandimiglio.

1996_ PUNTI DE VISTA (10’, 16mm, Italy) with E.Pandimiglio.

ZONA(IN)VISIBILITA’ (55’, video, Italy) 1995_ LIMITE(S) (115’, video, Italy/Brazil) 1994_ MERCURE - VIDEO POSE (19’, video+performance, Italy) with Antonio Trimani, ensemble Microcosmos.

2008_ K_lab series (22 videos, HD, Italy/Niger)

1993_ SCARABOX (3’, 35mm, experimental film, Italy)

2007_ LES TERRA’S DI NADIE (5’, SD, Italy/Brazil) TERRORISTA (30’, SD, documentary, Brazil)

1992_ VIDEO MUSAK 1-3 (10’, video, UK/Italy)

2006_ TACCONE, FUGA IN SALITA (32’, SD, documentary, Italy). with E.Pandimiglio.

2005_ COMIZI & QUANT’ALTRO (78’, SD, documentary, Italy) CONTRAMÃO_CONTROMANO (15’, SD, Brazil/Italy) with E.Pandimiglio.

MONTAGE N. 10 (5’, SD, Brazil/Italy) O TUNEL / THE TUNNEL (2’, SD, Brazil/Italy) ATTACK (2’ X3, SD, Italy) 2004_ SOGNI DI CUOIO (72’ 35mm, documentary, Italy) and MOTOBOY (64’, SD, documentary, Brazil/Italy) with E.Pandimiglio.

1990_ TWONINEEIGHTFOUR 2984 (15’, 16mm, UK) 1989_ VIDEO SKETCH N.5, (2’, U-matic video, UK) 1988_ VIDEO SKETCH N.1-4 (7’, video, UK) 1987_ O NERVO OTICO (3’, video, Brazil) 1986_ SIMULTÂNEA (11’, super-8, Brazil)

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_cv author’s texts cvs\\\autores dos textos\\\cv autori dei testi\\\\\\ ANTONIO ARÉVALO is a poet, translator, project developer, consultant and independent art curator. His artistic and literary work takes place between Rome and Santiago de Chile, ranging from art to theater to poetry. HE has been Commissioner of Chile for the 49th edition of the Biennale di Venezia 2001 (Honorable Mention by the International Jury), curator of the Biennale Adriatica Arti Nuove 2006, curator of the Chilean Pavilion at the 53rd and 54th editions of the Biennale di Venezia (2009 and 2011).

BRUNO DI MARINO is an essayist, curator, and theorist of the moving image and audiovisual experimentation. Author of several books, he edited several collective works and published numerous essays, translated in Europe and Japan. Some of his books include: “Interferenze dello sguardo, La sperimentazione audiovisiva tra analogico e digitale”(2002), “Studio Azzurro - tracce, sguardi e altri pensieri” (2007), “Pose in movimento - Fotografia e cinema” (2009) and “Film oggetto design - La messa in scena delle cose” (2011).

CRISTINA CANNELLI, art historian, works at the Culture Department of the City of Rome and for the last 10 years has been coordinating the nine art laboratories of the Community of Sant’Egidio. She is also one of the authors of the book “Con l’arte da disabile a persona. Mostrare, svelare, costruire, liberare pensiero, intelligenza, sentimento” with Simonetta Lux, Alessandro Zuccari and Antonella Antezza (2007), and the volume “noi, l’Italia” / “us, Italy” (2011) with Antonella Antezza and Simonetta Lux. The latter was written for the exhibition at the Quirinale Palace held on behalf of the 150th anniversary of the Unification of Italy and made by Anton Roca and the artists of art laboratories. Since 2010 she coordinates Meneghetti’s project I/O_I IS AN OTHER. ELISA BYINGTON is an art historian and independent curator based in Rome and Rio de Janeiro. She has written on classical and contemporary art in catalogues and specialized magazines. She has been curating contemporary art shows in private galleries in Brazil and Italy besides some very significant historical exhibitions such as “Giorgio Vasari e a Invenção do Artista Moderno”(2011) at Biblioteca Nacional, Rio de Janeiro. Among her books: “Galleria Borghese – Os tesouros do cardeal” (2000), “Palazzo Pamphilj” (2001), “O Projeto do Renascimento” (2009), “Giorgio Vasari e a Invenção do Artista Moderno”(2011). .078

ELISABETTA PANDIMIGLIO, author, writer and film director. She has written and directed several films awarded worldwide, such as Punti di Vista, Interferenze, Cercando Eva, Senza Terra, Zappaterra, Romevideo, Sogni di Cuoio, Motoboy, Comizi & quant’altro, Taccone, L’incontro, Mille Giorni di Vito, Più come un artista, some of them with César Meneghetti. She is the winner of two Nastri d’Argento (Italian Cinema Journalists Association Award) and one of the founders of Telefono Rosa having published investigations, essays, stories on the female condition and on social issues. She wrote the books “Ilia di Notte” (2001) and “O camoscio e il borraccino” (2010). Her latest films were screened at Venice-Days – 66th, 67th, 68th and 69th Venice International Film Festival.

FRANCESCA GALLO, art historian and curator, is a researcher in theHistory of Contemporary Art at “La Sapienza” University of Rome. She deals with the relationship between art, criticism and new technologies, from a historical/contemporary perspective and the investigation of new media art in Italy and abroad, from the seventies to the present. Her published writings include: “Les immatèriaux. Un percorso di Jean-François Lyotard nell’arte contemporanea”(2008) and “Il dinamismo dell’immaginazione.

Tra estetica del positivismo, simbolismo e avanguardie: Paul Souriau e gli artisti” (2009) and a contribution in “Arte Contemporanea e tecniche” (2007).

LUCREZIA CIPPITELLI is Professor of Aesthetics at the Academy of Fine Arts of Aquila and founder of Addis Contemporary. She has an MA in Contemporary Art from the University of Addis Ababa and is visiting Scholar at the Institute for Comparative Modernities, Cornell University. She deals with procedural art, the aesthetics of digital media arts and the theory of the Global South. She wrote the volumes “Connecting Havana” (2011), Tania Bruguera (2010), Alamar Express Lab (2007).

She currently works on the projects KAL Art Lab Khartoum (Sudan/Holland); Addis Contemporary Festival and Scenographies Urbaines (Senegal/Colombia).

MIKE WATSON is an art theorist and essayist.

He has a PhD in Philosophical Aesthetics from Goldsmiths College and is curator in Residence at Nomas Foundation, Rome. He is currently writing “Joan of Art: Towards a Conceptual Militancy” for Zero Books. He collaborates with Frieze magazine, Art Review and Cura magazine.

SIMONETTA LUX is an essayist, art critic, art historian and professor of contemporary art history at the University of Rome “La Sapienza”, founder and director of the MLAC - Museum Laboratory Of Contemporary Art of Rome since 1986, and later the International Cluster of Contemporary Art Museums and the Italian Society for Industrial Archaeology.

She directs the collections “artisticaMENTE” and “Luxflux proto-type contemporary art”. Interpreter some of the greatest contemporary artists, she is interested in multidisciplinarity and trespassing between the arts. She has written since 1968 a vast amount of books, essays on theory and on the history of art, architecture and design including: “Arte ipercontemporanea. Un certo loro sguardo. Ulteriori protocolli dell’arte contemporanea”(2007), “MLAC index (2012)” and many others. Currently she curates Meneghetti’s project I/O_I IS AN OTHER. SOLANGE OLIVEIRA FARKAS is an international curator and the president of Associação Cultural Videobrasil, which has become a reference for artistic production from the geopolitical South of the world. In a career that spans twenty-five years, she has been at the helm of exhibitions such as the Pan-African Contemporary Art Exhibition (Salvador, 2005); Suspensão e Fluidez (ARCO, Madrid, 2007); Sophie Calle – Take Care of Yourself (São Paulo & Salvador, 2009); and Joseph Beuys – We Are The Revolution (São Paulo & Salvador, 2010).

Throughout 2011, she was curator of the tenth edition of the Sharjah Biennial (United Arab Emirates), the 16th Cerveira Biennial (Portugal), and the 6th Israel Videozone, and chief-curator of the 17th International Contemporary Art Festival SESC_Videobrasil, which featured Olafur Eliasson’s first solo exhibition in Brazil. She was also the director and curator-in-chief of the Museum of Modern Art of Bahia from 2007 to 2010.

_créditos \ credits \ crediti \\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ Presidenta da República Dilma Vana Rousseff Ministra de Estado da Cultura Ana de Hollanda Fundação Nacional de Artes - Presidente Antonio Grassi Diretora Executiva Myriam Lewin Diretor do Centro de Artes Visuais Francisco de Assis Chaves Bastos (Xico Chaves) Coordenadora do Centro de Artes Visuais Andréa Luiza Paes Coordenador do Prêmio Funarte de Arte Contemporânea 2011 / NE Ivan Pascarelli Coordenadora de Comunicação Camilla Pereira Representante da Funarte Nordeste Reinaldo Freire (Naldinho Freire) Agradecimentos Fábio Henrique Lima de Almeida Representante Regional do MinC/Nordeste obra this_placements Caroline Oliveira – produção Jairo Dornelas – expografia Marianne Goes Lucia França Beatriz Franco Valquiria Farias Maria Manuela Ribeiro Batista Bruno Monteiro João Vieira Jr. Beth da Matta Ayrson Heráclito Beto Santos Silvestre Filho Ricardo Libório Rafael Marchetti Raquel Rosalen Lea Van Steen Raquel Kogan Sala Nordeste – Recife Rec Produtores - Recife Estação Cabo Branco de Cultura – João Pessoa Coletivo Branco do Olho - Recife Galeria B3 - Recife obra I\O Gli Amici da Comunidade de Sant’Egidio - Roma Simonetta Lux - curadora Alessandro Zuccari – projeto científico Antonella Antezza – comitê científico Cristina Cannelli - comitê científico Domenico Scudero – co-curador V#1 Cristina Elias – direção de movimento V#4 Ivan Giordano – direção do documentário do percurso Beatriz Franco – colaboração à fotografia V#1 Davide Lemma – diretor de produção vídeo Yael Leibel – montagem e edição Filippo Sbrana – assessoria de imprensa Eleonora Carbone Giorgia Calò

Alessandra Troncone Enrico Blasi Simona Rampa Giorgia Lanino Federica Palazzuolo Sara Abou El Khair Maria Carosio Veronica Fadda Altera Studio Fondazione Biennale di Venezia BAC - Fundação Bienal de São Paulo obra K_lab Simonetta Lux - curadora Domenico Scudero - curador Enrico Blasi - fotografia e série kn (naked off) Sam Cole - fotografia vídeo e video k2 Matthew Mountford - soundscapes k Giorgia Calò – assessoria de imprensa Tiziana Petrangeli – co-montagem vídeos Ozu Officine Zone Umane MAE - Cooperazione Italiana CNR - Ibimet Bellaria Film Festival / Galleria 36A MLAC obra this_orient Francesca Gallo – curadora Irene Ranzato e Bruno Lisi – Galeria AOFC58 Isabela Lemos – Galeria ACBEU Nana Pôssa – assessoria de imprensa Matthew Mounford - soundscapes v.1 Messias Bandeira – soundscapes v.2 Joãozito Pereira e Lanussi Pasquale Blade – expografia v.2 Sam Cole Mario Sasso Enzo Rosato Marco Maria Gazzano Dario Evola Galeria AOFC58 - Roma Galeria ACBEU - Salvador o artista agradece Embaixador José Viegas Filho Ministro Conselheiro Tarcísio Costa Conselheiro Marco Antônio Nakata George Torquato Firmeza Joaquim P. Oliveira Penna C. da Silva Simonetta Lux Solange Farkas Elisabetta Pandimiglio Antonio Arévalo Sagredo Elisa Byington Cristina Cannelli Mike Watson Bruno di Marino Lucrezia Cippitelli Francesca Gallo Panayotis Malamis Daniela Bousso Miguel Petchkovsky Morais Antonio Pezzuto Anna Mantovani Silvia Moraes Willem DIas Naldinho Freire Maíra Brandão Caroline Von Teufenstein Claudio Bernabucci Michele Malfetta Paolo W. Tamburella

Francesca Matarazzo Gianluca Arcopinto Daniele Mazzocca Flaminia Mantegazza Paolo Carlucci Achille Bonito Oliva Umberto Scrocca Alessandra Bonanni Irma Arestizábal in memoriam Coletivo Casa da Lapa - São Paulo Videoguerrilha e Visualfarm - São Paulo Mares Produções - Rio de Janeiro MIS - Museu da Imagem e do som - São Paulo Associação Cultural Videobrasil - São Paulo IILA - Istituto Italo-Latinoamericano - Roma Recyclart - Centre d’Arts Multidisciplinaire - Bruxelas Design César Meneghetti Layout Xenia Vargova Consultoria gráfica Alessandro Romio e Lee Swain Créditos Fotográficos César Meneghetti Ivan Giordano Beatriz Franco Emiliano Ivo Dan Rec Davide Lemma Eleonora Carbone Enrico Blasi Caroline Oliveira Karin Ali Traduções e revisão dos textos Daniela Machado de Freitas Michael Watson Simona Rampa Eloi Stein Anna Cecilia Leal da Costa Elias Apoio Tio Ilar - Atenas MLAC - Museo Laboratorio di Arte Contemporanea Patrocínio Embaixada do Brasil – Roma Realização Este projeto foi contemplado pela Funarte no Prêmio Funarte de Arte Contemporânea 2011 Galeria Nordeste de Artes Visuais Recife MinC – Ministério da Cultura Impresso pela Editora Gangemi, Roma – 2012

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_apoio/support

_patrocínio/sponsorship

_realização/completion

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este projeto foi contemplado pela funarte no prêmio funarte de arte contemporânea 2011 – galeria nordeste de artes visuais recife distribuição gratuita, proibida a venda isbn 0123456789100-000 www.gangemi.