Academia Cervantina / XLVI Festival Internacional Cervantino

MĂşsica

Academia Cervantina El futuro. Concierto de clausura Pierre-AndrĂŠ Valade, director invitado

Jueves 25 19:00 horas Auditorio General de la Universidad Guanajuato

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Academia Cervantina Pierre-André Valade, director invitado

PROGRAMA Luciano Berio (1925-2003) O King Para mezzosoprano y cinco instrumentos Michael Jarrell (1958) Assonance VI, para ensamble Itzam Zapata (1989) Psychogenic aria* Para ensamble, electrónica y voz Intermedio Maurice Ravel (1875-1937) Trois poèmes de Stéphane Mallarmé Para ensamble y soprano I. Soupir, dedicado a Igor Stravinsky II. Placet futile, dedicado a Florent Schmitt III. Surgi de la croupe et du bond, dedicado

a Erik Satie

Toshio Hosokawa (1955) A song from far away Para seis instrumentos Philippe Hurel (1955) Figures libres Para octeto * Estreno mundial

Duración: 60 minutos

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Academia Cervantina Pierre-André Valade, director invitado Itzel Viridiana Conde Aceves, violín Norma Viridiana Hernández Villa, violín Azul Ximenaw Morales Ley, viola Henry Williams Arévalo López, viola Óscar René Mayoral Landavazo, violonchelo Belén Ruiz Guerrero, violonchelo Marco Aurelio Núñez, flauta Marcos Nicolás Sosa, flauta Daniel Rivera Orozco, oboe Diana Amaro, oboe Carolina Michelle Montero González, clarinete Erick de la Paz Sachiña, clarinete bajo Andrea Sorrenti, percusión Bryan Fernando Flores García, percusión Diego Sánchez Villa, piano Sahed Alberto Suástegui Córdova, piano Fernanda Michelle Allande Guzmán, soprano Mariel Reyes Gil *, mezzosoprano Colaboración técnica: Francisco Colasanto y Daniel López Coordinación: Rodrigo Sigal * Miembro del Estudio de la Ópera de Bellas Artes

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Cualquiera que conozca la magnífica producción musical de Luciano Berio (1925-2003) podrá afirmar que el compositor nativo de Oneglia fue un creador particularmente comprometido con la creación de obras para la voz humana, en numerosas y diversas combinaciones. Entre las obras vocales más destacadas de Berio cabría mencionar Altra voce, Circles, Coro, Folk songs, Laborintus II, O King, Opera, Sinfonía, A-Ronne, Cries of London y Sequenza III. El 4 de abril de 1968, en la ciudad de Memphis, Tennessee, fue arteramente asesinado el pastor Martin Luther King Jr., un acto que silenció la voz más importante y elocuente del movimiento de los derechos civiles en los Estados Unidos. Luciano Berio, atento y comprometido con los asuntos y los personajes importantes de su tiempo, compuso ese mismo año su pieza O King, para mezzosoprano y cinco instrumentos. El texto de la pieza está formado íntegramente con distintas enunciaciones del nombre de King. El compositor creó dos versiones de la partitura. La primera, para voz, flauta, clarinete, violín, violoncello y piano. La segunda es para ocho voces amplificadas y orquesta. En esta nueva forma, O King se convirtió en el segundo movimiento de una de las obras más importantes de Berio, la Sinfonía.

Originario de Ginebra, donde nació en 1958, Michaël Jarrell hizo sus estudios en Suiza, los Estados Unidos y Alemania. Fue compositor residente de la Orquesta de Lyon y profesor en la Universidad de Viena. También fue compositor residente del Festival de Lucerna, y en el año 2000, el Festival Musica Nova de Helsinki le fue dedicado. Al año siguiente el Festival de Salzburgo le encargó un concierto para piano, y fue nombrado Caballero de las Artes y las Letras. En el 2004 es nombrado profe-

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sor de composición en el Conservatorio de Ginebra.

En 1983, Jarrell compuso Assonance, para clarinete solo. Desde entonces, ha añadido a su catálogo una serie de obras numeradas, con el mismo título, para diversas dotaciones instrumentales. Assonance VI data del año 2001 y es para octeto. El título de la serie hace una referencia tangencial a la poesía francesa antigua, en la que, como afirma Jarrell, no hay rima, sino asonancia. Assonance VI fue estrenada en el Festival Ars Musica de Bruselas el 20 de marzo de 1991 por el Ensamble Contrechamps dirigido por Giorgio Bernasconi. La partitura está dedicada a Peter Oswald.

Compositor y guitarrista mexicano, Itzam Zapata (1989) realiza sus estudios en la Escuela Superior de Música y, más tarde, en la Academia Sibelius de Helsinki, bajo la tutela de Lauri Kilpiö. En esa institución hace su maestría en composición; también ha sido alumno de Tristan Murail, máximo exponente de la música espectralista. México, Cuba, Finlandia, Suecia, Inglaterra, Canadá, son algunos de los países a los que Itzam Zapata y su música han sido convocados. Es beneficiario de diversas becas otorgadas por México y por Finlandia; en el país nórdico es miembro de las asociaciones Suomen Säveltäjät (Compositores de Finlandia) Korvat Auki (‘Oídos abiertos’) y Aurinko (‘Sol’): Música Latinoamericana.

El ideal musical de Itzam Zapata es sintetizar toda la música que ama, así como buscar su propia libertad de estilo. Su ecléctico estilo musical puede incluir libremente canto gregoriano, microtonalidad, melodías románticas y texturas post seriales.

La decisión de buscar un eclecticismo imaginativo en la música ha resonado con audiencias alrededor del mundo.

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Gracias a los numerosos premios internacionales que ha obtenido, la música de Zapata ha sido interpretada por diversos ensambles de varios países, incluyendo el Talea Ensemble, VOCES8, Avanti!, Contemporaneous, Uusinta, la Orquesta Sinfónica de Kuopio, Defunensemble, la Orquesta de Cámara de Ostrobothnia, Flex Ensemble y la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, entre otros. En la edición 2018 del Festival Internacional Cervantino se estrena su obra Psychogenic aria, creada como un proyecto de residencia dentro del programa Prácticas de Vuelo del CMMAS, el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras.

Maurice Ravel (1875-1937) tuvo un singular aprecio por la poesía de Stéphane Mallarmé. Decía el compositor: “Mallarmé exorcizó nuestro idioma, como buen mago que es. Ha logrado liberar de su prisión a los pensamientos alados, a los ensueños inconscientes.” Se dice que, al concebir la composición de sus Tres poemas de Stéphane Mallarmé, Ravel se hallaba bajo la influencia de Arnold Schoenberg (1874-1951) e Igor Stravinski (1882-1971), hecho que bien puede ser confirmado por la audi-

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ción de este breve ciclo. Compuestos en 1913, los Tres poemas de Stéphane Mallarmé, de Maurice Ravel, fueron estrenados el 14 de enero de 1914 en un concierto auspiciado por la Sociedad Musical Independiente, con la soprano Jane Bathori y un ensamble dirigido por Désiré-Emile Inghelbrecht. El ensamble consta de piccolo, flauta, clarinete, clarinete bajo, piano y cuarteto de cuerdas. Dato de indudable interés: también en 1913, Claude Debussy (1862-1918) compuso sus propios Tres poemas de Stéphane Mallarmé… y eligió dos de los poemas musicalizados por Ravel. Comentó Debussy sobre esta singular coincidencia: “Se trata de un fenómeno de autosugestión digno de ser comunicado a la Academia de Medicina.”

Sin duda, la vida y la carrera de Toshio Hosokawa (1955) están marcadas por el singular hecho de que nació en la ciudad de Hiroshima. Al paso de los años, Tokio, Berlín, Darmstadt y Friburgo habrían de ser las ciudades sede de su educación musical. Isang Yun, Klaus Huber y Brian Ferneyhough se cuentan entre sus tutores más destacados. La combinación de su origen y sus estudios ha dado como resultado una obra singular, sólidamente anclada en los preceptos de la música nueva de occidente y, a la vez, con una notable cercanía a las músicas nacionales de su patria, particularmente los sonidos de la añeja música cortesana llamada gagaku. En el año 2001, Hosokawa compone su obra A Song from Far Away, que a pesar de su título es una composición puramente instrumental, para flauta, clarinete, percusión, violín, viola y violoncello. Es interesante saber que Hosokawa designó a esta pieza con el subtítulo de In Nomine, en referencia a cierto tipo de composición polifónica (casi siempre instrumental) que estuvo muy en boga en Inglaterra durante el Renacimiento.

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En un diálogo que sostuvo con Damien Pousset, el compositor francés Philippe Hurel (1955) hizo estos comentarios sobre su obra titulada Figures libres: De manera general, amo los títulos de doble sentido. Paradójicamente, cuando uno piensa “figuras libres” uno piensa en la restricción. Porque la noción de la libertad evoca de inmediato su antítesis. Lo que he querido expresar en este título es que ciertas figuras características se escapan de las restricciones arcadas al inicio. La idea de que es posible para un artista o para un deportista –la referencia es manifiesta- encontrar, al interior de un discurso formalizado o de una red de restricciones, su propio espacio de libertad. En la obra, esto se traduce en la aparición de numerosos solos instrumentales aparentemente ajenos al contexto, cuando en realidad todos surgen del mismo material. La apariencia de libertad es aquí sobre todo gestual, de un carácter “deportivo” evidente, en el sentido del virtuosismo y de la participación física. Pero el título es de hecho muy paradójico porque las figuras libres son muy escasas en la partitura. Es, sin duda, la pieza más “temática” que he compuesto: un motivo, caracterizado por su envolvente, especie de figura impuesta, es retomado en los tres movimientos de la obra y sujeto a numerosas variaciones. Ya que la previsibilidad del discurso es muy grande, estas figuras libres terminan por destruirla. Se puede decir que la figura impuesta organiza la pieza cuando las figuras libres la perturban creando articulaciones menos previsibles.

Figures libres fue escrita por Hurel en 20002001, por encargo de Luigi Polla y Barbara Polla, para el Ensamble Recherche, y la partitura está dedicada a la hija de ambos, Rachel Isadora.

Juan Arturo Brennan

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Psychogenic aria. Comentario del compositor Los trastornos psicogénicos son trastornos reales, con dolores reales provenientes de causas psicológicas, estas aflicciones demuestran la inmensa fuerza de la mente y funcionan como paralelo para mi imaginario musical: la paradoja de la música que no existe pero está presente.

En esta pieza la música crea su forma a partir de gestos y de líneas imaginarias, la voz canta fragmentos de textos sacros –el Ave Maria y la secuencia Victimae paschali laudes–, textos que sirven como plataforma para dar a la música imaginaria libertad de existir; la electrónica y el amplio uso de microtonos ayuda a consagrar un mundo acústico imaginario. La obra fue compuesta en el marco del programa Prácticas del Vuelo 2018 del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras.

Pierre-Andre Valade Director principal de la Athelas Sinfonietta de Copenhague desde septiembre de 2009, Pierre-André Valade fue cofundador del Ensemble Court Circuit y su director musical de 1991 hasta enero de 2008.

En 2013 fue designado director principal invitado del Ensamble Orquestal Contemporáneo, con sede en León, y desde 2014 es compositor residente del Ensamble Meitar de Tel Aviv.

Muy conocido y admirado por sus interpretaciones del repertorio de los siglos xx y xxi, el director francés recibe invitaciones periódicas de los principales festivales y orquestas de Europa, Estados Unidos, Canadá, Australia, Nueva Zelanda y Japón.

De sus muchas grabaciones, Les Espaces Acoustiques de Grisey ha sido especialmente reconocida y

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ganó el Diapasón de Oro del año 1999, así como el Grand Prix de l’Académie Charles Cros.

Sus grabaciones más recientes incluyen obras de Hugues Dufourt y Theseus Game, de Harrison Birtwistle, para la Deutsche Grammophon. Cabe destacar el concierto ofrecido en agosto de 2008 con la Orquesta Filarmónica de Tokio, reconocido como uno de los tres mejores conciertos del año en Japón.

Como director de orquesta destaca su debut con la Orquesta La Scala de Milán y la colaboración con la Orquesta Filarmónica de Radio Francia en la temporada 2014 / 2015. En 2013 dirigió varios conciertos en homenaje a Witold Lutosławski, entre ellos el ofrecido por la Orquesta Nacional de la Radio Polaca, y que fue elegido para la grabación de un álbum para conmemorar el centenario del nacimiento del compositor polaco.

Entre otros de sus múltiples reconocimientos, en enero de 2001 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por parte del Ministerio de Cultura francés.

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Itzam Zapata El ideal musical de Itzam Zapata es sintetizar toda la música que ama, así como buscar su propia libertad de estilo. Su ecléctico estilo musical puede incluir libremente canto gregoriano, microtonalidad, melodías románticas y texturas post seriales.

La decisión de buscar un eclecticismo imaginativo en la música ha resonado con audiencias alrededor del mundo, ya que Itzam ha ganado numerosas competencias, incluyendo el primer premio en el Frank Robert Abell Young Composer Competition por su obra Piñatas, Glitter and Stilettos, el Flex Ensemble Commissioning Competition, el Coup de cœur du public por su obra The Poetry of Negation en el Forum 2014, en Montreal, Canadá, y el premio al Sonic Landscape en el segundo IFCM Composition Competition por su obra coral On Desire, entre otros certámenes competencias.

Sus composiciones han sido interpretadas por ensambles como Talea Ensemble, Voces8, Avanti!, Contemporaneous, Uusinta, Kuopio Symphony Or-

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chestra, Defunensemble, The Ostrobothnia Chamber Orchestra, Flex Ensemble y la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, entre otros.

Itzam Zapata tiene una maestría en composición de la Academia Sibelius en Helsinki, donde estudió con Lauri Kilpiö; también estudió con Tristan Mural en el Mozarteum en Salzburgo y ha participado en clases magistrales con Hans Abrahamsen, Sergej Newski, Giovanni Verrando y Jukka Tiensuu.

Academia Cervantina La creación del Ensamble de Alumnos de la Academia Cervantina obedece a una iniciativa conjunta del Festival Internacional Cervantino, la Universidad de Guanajuato y el gobierno del estado de Guanajuato para formar instrumentistas especializados en la ejecución de obras de música contemporánea.

Previa convocatoria anual, los 18 intérpretes son seleccionados por un panel de expertos y son invitados a residir en Guanajuato durante 10 días, donde asisten a clases magistrales, talleres intensivos y ensayos coordinados por destacados compositores e intérpretes de la escena musical contemporánea, para luego ofrecer un concierto dirigido por un reconocido conductor.

Este año toca a los integrantes del Ensamble Meitar fungir como asesores de los alumnos de la Academia Cervantina, y son los siguientes: Hagar Shahal (flauta), Antje Thierbach (oboe), Gilad Harel (clarinete), Tomer Yariv (percusiones), Amit Dolberg (piano), Marco Fusi (violín), Moshe Aharonov (viola) y Yoni Gotlibovich (violonchelo); por otro lado, la tutora para voz será la soprano francesa Isabel Soccoja, mientras las clases magistrales serán impartidas por el flautista franco-italiano Mario Caroli.

María Cristina García Cepeda Secretaria de Cultura Marcela Diez Martínez Directora General de Promoción y Festivales Culturales

Diego Sinhué Rodríguez Vallejo Gobernador Constitucional del Estado de Guanajuato Alejandro Navarro Presidente Municipal de Guanajuato Dirección General del Instituto Estatal de la Cultura de Guanajuato

Luis Felipe Guerrero Agripino Rector General de la Universidad de Guanajuato

© XLVI Festival Internacional Cervantino

www.festivalcervantino.gob.mx @cervantino

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Este es el quinto año consecutivo en que tiene lugar esta iniciativa para jóvenes intérpretes –menores de 30 años–, y en esta ocasión el ensamble de alumnos tendrá como director invitado al maestro francés Pierre-André Valade –actual director del Ensamble Meitar de Israel–, quien se encargará de dirigir obras de Luciano Berio, Michel Jarrell, Mauricie Ravel, Toshio Hosokawa y Philippe Hurel, además de presentar el estreno mundial de Psychogenic aria, pieza comisionada al compositor mexicano Itzam Zapata como parte del programa Prácticas de Vuelo del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS).