Catártica: Diciembre '20

Diciembre 2020

Nยบ 1

Vol. 11

Portada: Dalí, S. (1955) La Última Cena, [Óleo sobre tela], Galería Nacional de Washington

κάθαρσις -Kathársis-

Catarsis muchas veces ha sido entendido como un proceso de purificación y liberación emocional, mental y espiritual. Se atribuye su origen en Grecia, en donde Aristóteles hace uso de la palabra para explicar la sensación de limpieza en el alma del público tras presenciar la tragedia griega. El método catártico entonces es justo aquél que se utiliza para la exaltación de una emoción y tras ella, la liberación. Es entonces que realmente podría ser interesante interpretar el arte como un método catártico pues, ¿quién no ha llorado, temblado, enojado por una obra? Catártica nace como un proyecto con intensiones de explorar, experimentar y descubrir, explotar al máximo la capacidad de sentir a través del arte.

Da Vinci, L., (1495-1498) La Última Cena, [Temple y óleo sobre yeso], Santa Maria delle Grazie, Milán, Italia

¿Quiénes somos y qué queremos?

Somos un conjunto de estudiantes de diferentes disciplinas con la ambición de hacer llegar el arte a quien lo necesite. Con la desesperación de hacernos entender y escuchar en este mundo en el que abunda el ruido, Catártica nos permite tener una voz desde letras entintadas, en donde el discurso a pesar de ser monólogo permite el diálogo en la comunidad de estudiantes y profesionales del campo y sobre todo alcanzar a todo aquél que desconozca, que quiera conocer y que esté dispuesto a leer voces con distintas opiniones. En pocas palabras, Catártica es nuestra herramienta para entender y comunicar nuestra relación sensible afectiva con nuestro mundo.

El El 2020 2020 como como una una pelĂ­cula: pelĂ­cula: Inherent Inherent

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Vice Vice

Comed Comed y y Bebed Bebed

8 8

Sin Sin dolor dolor no no te te haces haces feliz feliz

10 10

Transfiguración Transfiguración

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Andrea Andrea Ahuactzin Ahuactzin

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Sin Sin Título Título

17 17

Ojos Ojos color color azul azul café café

18 18

Más Más allá allá de de la la Última Última Cena Cena

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Entrevista Entrevista con con Coyo Coyo Licatzin Licatzin

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Lucero S.T. El El 2020 2020 como como una una película: película: Inherent Inherent Vice Vice

Inherent Vice: When a loss at sea occurs due to a combination of the inherent properties of a particular object and the prevailing weather conditions it is extremely difficult to identify the proximate cause of that loss.

Inherent Vice o Vicio Propio es un filme neo-noir dirigido por Paul Thomas Anderson y es una adaptación de la novela homónima de Thomas Pynchon.

Los acontecimientos suceden en Los Ángeles durante los años setenta, momento en que la drug culture y el movimiento hippie estaban en auge.

Aunque intentar describir la trama sería un fiasco, puedo decir que el filme sigue a Larry “Doc” Sportello (Joaquín Phoenix), un detective privado, devoto a la mariguana y afiliado al estilo de vida hippie que investiga los crímenes entrelazados con la desaparición de su ex novia Shasta (Katherine Waterston).

Cuando se estrenó en el 2014, la cinta fue recibida por críticas polarizadas.

Principalmente se le reprochaba la poca coherencia de la historia, sin embargo, desde mi punto de vista esa es la única recriminación válida ya que la puesta en escena, el vestuario, las actuaciones y la música son destacables.

Puedo entender que la cinta no sea fácil de procesar pues los géneros de comedia, suspenso, drama, parecen entrelazarse y nunca llegar a concretarse del todo, además de que el mismo PTA admite que los diálogos están compuestos por capas de información que se contradicen y luego se validan.

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Sin embargo, no denominaría a esta cinta como compleja o esnob, en realidad, recomendaría dejar de lado la mirada lógica y tener un acercamiento empático con las emociones que transmite el filme.

Durante la mayor parte de la cinta predomina la incertidumbre y curiosidad acerca de El Colmillo Dorado, organización criminal sobre la cual nadie habla en voz alta, pero todos conocen una teoría acerca de su origen o de lo que sucede adentro. Otra constante es la nostalgia que le provoca a Doc la desaparición de Shasta, quien a su vez le causa sentimientos encontrados. Sin olvidar la compasión que tiene por Coy, un informante de la policía que quiere regresar con su familia.

Todas esas emociones que la película presenta son cosas con las que nos podemos identificar y más aún si consideramos el año que vivimos. Las dinámicas sociales a las que estábamos acostumbrados fueron interrumpidas por la pandemia. En los medios todo era especulación y las teorías de conspiración inundaron el internet para intentar explicar los sucesos atípicos.

Las cifras de muertos e infectados confundían a la población y las declaraciones políticas no esclarecían mucho. Aunado a esto, la nostalgia por la ‘normalidad’ nos invadió mes con mes.

Mi insistencia en los paralelismos de Vicio Propio y el 2020 es porque si algo podemos aprender de este filme es que en ocasiones no tenemos que entender lo que está sucediendo, solo dejarnos llevar. Aceptar que no tenemos el control es lo que en ocasiones puede devolvernos la cordura y darnos un poco de paz.

Inherent Vice & Perils of the Seals. (2010). Obtenido de Steamship mutual: https://www.steamshipmutual.com/publications/Articles/ViceandPeril0210.html

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Dalí, S. (1955) La Última Cena (detalle), [Óleo sobre tela], Galería Nacional de Washington

Comed Comed y y Bebed Bebed

M. I. Flores Nachón Doce discípulos, doce tribus de Israel, doce hijos de Jacob, doce trabajos de penitencia para Hércules, doce dioses del Olimpo, doce signos del zodiaco, doce meses. Diciembre es doce de doce.

Se termina el año y este mes se vuelve un pretexto para unirnos, celebrar, despedir, y comulgar. Más allá de las significaciones religiosas del tema quiero glorificar la Última Cena. Considero que es un tema o, mejor dicho, un evento que permite unirnos en comunión, entendiéndolo como la unión de dos o más cosas con elementos en común- nos permite despedirnos de algo, marcar una pausa y reiniciar, es un punto y aparte.

La Última Cena es uno de los temas más tratados en la Historia del Arte Occidental, sin embargo, a mis ojos, destaca una obra de todas ellas. Salvador Dalí en 1955 describió La Última Cena como una “cosmogonía artística, filosófica, aritmética basada en la sublimación paranoica del número 12”, una frase que inicialmente parece decir nada, sin embargo lo dice todo. Su Última Cena está empapada de significados que desbordan lo religioso, lo matemático, lo filosófico y lo cosmogónico. A partir de la obra se hace una reflexión de la comunión como un momento -más allá de la tradición católica- de compartir sentimientos, emociones, tiempo y un mismo espacio de meditación.

Es por eso que Salvador Dalí, explota el número doce, explota el

trabajo de las transparencias y la simetría a manera de espejo.

Cristo se hace presente entre sus discípulos en meditación, a partir del pan y el vino sobre la mesa, con una mano en el pecho y otra señalando al cielo, a lo superior, al universo, al torso humano desnudo sin rostro, que a su vez hace una profunda referencia a las escrituras:

“Y añadió: No puedes ver mi rostro; porque nadie puede verme, y vivir.” Éxodo 33:20

Jesús es el eje central, eje de simetría a partir del cual todo se refleja de manera perfecta, es espejo. Sus discípulos son todos presentados iguales, en la misma posición y la misma actitud, inmersos en una profunda meditación, casi sin percatarse que Jesús está entre ellos, continuando la tradición que Él mismo les ha enseñado

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“Haced esto en conmemoración mía” Lucas 22:19.

Salvador Dalí representó a Jesús como una transparencia, sin llagas en su costado, heridas en su rostro, ni clavos en sus manos. Salvador Dalí pintó a Jesús en espíritu.

Inmerso en la sublimación paranoica del número doce, dentro del sólido platónico que representa la perfección del universo en su personificación humana, la esencia de la belleza. Un dodecaedro transparente dentro de una obra que en sí misma presenta las proporciones áureas. Un universo perfecto explicado a partir de la aritmética.

Más allá de la religiosidad del asunto, el alma de la obra reside en la búsqueda del universo espiritual, concentrado y presentado en el momento de la comunión de doce personas, doce almas que comulgan - que conectan, unen sus almas- , dentro de un espacio de doce caras. Una profunda interpretación de una obra que permite unir disciplinas en comunión, una de las más grandes obras de Salvador Dalí, que nos hacen incluso dudar de su locura.

En el mes número doce nosotros comulgamos. Diciembre del 2020 será distinto, será intensamente reflexivo, doloroso y solitario, sin embargo nosotros nos unimos en amor, en comunión, en similitud y simetría. Nos unimos en alma y espíritu y comulgamos con ilusión de que esta Última Cena del 2020 nos permita marcar un punto y aparte en las tragedias que se han vivido, comamos y bebamos para poder reiniciar con esperanza y confianza un nuevo año.

Aprovecho para dar un intenso agradecimiento a la Mtra. Lázara Guadalupe Ordaz Caballero, quien es mi bibliografía y fuente primordial para la escritura de este artículo.

Dalí, S. (1955) La Última Cena [óleo sobre lienzo], Galería Nacional de Arte, Washington, Estados Unidos.

SIN SIN DOLOR DOLOR NO NO TE TE HACES HACES FELIZ FELIZ Hay una gotera en el baño de mi casa. Lleva días así; lo bueno es que si no le prestas atención no gotea. Ojos que no ven, corazón que no siente.

Pensé que sería una buena metáfora para hablar de cómo me siento ahora que terminé con mi novia, porque cada que pienso en ella duele.

Cada que veo una foto suya, cada que voy al súper, cada que me acuesto solo por la noche viene a mi mente, y duele. Pero al final, no se parecen tanto. Una gotera se puede arreglar llamándole al plomero. Lo de Pao no lo cura nada, solo el tiempo, y eso quizá.

Creo que la herida está muy reciente y llevo un rato borrando párrafos porque no encuentro las palabras para decir lo que quiero. Estoy profundamente triste por esto. Hay que aprender a perder, ese es el chiste’ jugar, diría Franco. Y no porque el amor duela no nos vamos a enamorar, diría Juan Carlos. Pero me siento como sacando agua a media tormenta. Doni es de mis mejores amigos, vivíamos juntos, y por haberme ido tanto tiempo las tensiones con mi hermana se le hicieron insoportables, entonces se mudó. Y cuando regresé ya era muy tarde.

Perder duele. Duele menos cuando sabes que es un juego, cuando desde el principio contemplas la posibilidad y más que eso, vives y duermes con ella. Pero no por eso deja de doler. Nadie juega pensando que va a perder. Así somos, y así hay que hacer. Poner la esperanza en empresas que pueden y van a fracasar. Y cuando fracasen, poner la esperanza en otras empresas que también van a fracasar. Al final, también fracasamos en mantenernos vivos y lo sabemos. Nos guste o no, conocemos nuestro destino, y es la muerte.

Fernando Salas

TRANSFIGURACIÓN TRANSFIGURACIÓN TRANSFIGURACIÓN es un proyecto fotográfico que documenta mi tratamiento tras ser diagnosticada con cáncer. Fui un caso catalogado “silencioso”, que al no presentar síntoma alguno, se desarrolló hasta llegar a una etapa avanzada en mi cuello, bazo y mediastino.

Citlalli EB, Retrato, de la serie TRANSFIGURACIÓN.

El tratamiento incluyó cirugías, quimioterapias y radioterapias. Estos procesos, como efecto secundario, generaron consecuencias visibles en mi cuerpo que me convirtieron en la imagen del paciente de cáncer que se maneja en los medios masivos, pero que al igual que estas plataformas, no expusieron las implicaciones psicológicas que conlleva experimentar una enfermedad y tratamiento de esta dimensión.

El proyecto fotográfico nace como escapatoria al miedo y a la incertidumbre, como homenaje al ser que es paciente y a la empatía de los que lo rodean. Es un reconocimiento a la verdadera fragilidad del ser humano, un llamado de consciencia. Porque a la enfermedad no le importa tu edad, sexo, color de piel, estatus social, religión, estilo de vida, dónde te encuentres o cuáles sean tus planes. Ella no discrimina.

Se estructura de fotografía directa y puestas en escenas en formato de película instantánea y fotografía digital, teniendo como anclas principales el autorretrato, abstracciones e imágenes con la participación de mi hermana gemela. Presentando de esta manera el enfrentamiento de efecto reflejo entre el cuerpo sano y el cuerpo enfermo.

El cáncer, en sus diferentes variantes, tiene el tercer lugar como causa de muerte en México y la Sociedad Mexicana de Oncología (SMeO) considera que mucho de las elevadas cifras de muertes por esta enfermedad se deben a los diagnósticos tardíos. El 60% de los casos en México es detectado en etapas avanzadas.

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Citlalli EB, Nosotras , de la serie TRANSFIGURACIÓN.

Citlalli EB, Abuela 2 , de la serie TRANSFIGURACIÓN.

citlallii_eb

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Citlalli EB, Radioterapia, de la serie TRANSFIGURACIÓN.

ANDREA ANDREA AHUACTZIN AHUACTZIN S ST TA AT TE EM ME EN NT T

Mi práctica tiene un enfoque en la percepción sensorial a partir de la luz y el sonido en el área de video e instalación. Por lo que estoy interesada en las maneras que estos factores pueden crear distintas atmósferas en el espacio e influenciar la interacción y experiencia del espectador con la obra.

Dentro de mi proceso creativo es de suma importancia pensar de qué forma puedo lograr que el espectador se relacione con la pieza y que no se quede únicamente en algo contemplativo, ya que yo creo que cada interacción le da un nuevo significado a la misma pieza.

My perception, 1´00”, video color digital, 2020 Andrea Ahuactzin Pintos.

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Hago uso de estos dos elementos a partir de la observación de distintos procesos de nuestra vida cotidiana; para después hacer un análisis acerca de qué maneras puedo yo hacer más tangible esos procesos y buscar nuevas posibilidades dentro de los mismos. Unos ejemplos de procesos con los que trabajo son: la manipulación de la luz artificial, el sonido como algo que se origina a través de algo más, los cambios de la luz durante el día, el sonido como parte del lenguaje, entre otros.

andrea_ahuactzin@outlook.com

Andrea Ahuactzin Pintos “Soplo de luz” Escultura 1.20 m x 37 cm x 1 m 2020

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Instagram: atrapada_anda_andy

Andrea Ahuactzin Pintos “Traducción de ondas” Escultura 2m x1 m x 1m 2020

SIN SIN TÍTULO TÍTULO Y recordaré estas noches como el sol recuerda esconderse en cada crepúsculo, como la marea recuerda revolcarse fielmente ante la arena, como la luna recuerda taparse la blancura con seda negra.

Recordaré estas noches cuando tocas tu piano, bailando con mi sueño, y sonreiré al pensar que hoy, que ayer, a tus dedos pertenezco.

Viernes 17

OJOS OJOS COLOR COLOR AZUL AZUL CAFÉ CAFÉ

Y que la mirada grita e inyecta la esencia maleable e intacta lo que queda en presencia.

El azul se consume del mar en movimiento matices danzantes mi último aliento.

Metacognición sin sentido y sin razón un recuerdo vago grita el corazón.

Tus ojos cafés azul el color se siente el ayer ya no hay dolor.

Entonces es eso una luz a la deriva del inconsciente presi la mente la cultiva.

Sentimiento sin nombre realidad encontrada ojos color cobre realidad inmaculada.

Tez blanca cuerpo danzante letras olvidadas innato amante.

Un cigarro a medias desnudos en contacto piel a la miseria vuelo en el acto.

La vida es arte múltiples versis letras en amarte últimos besos.

Ana Barcena

Imagen1: P. Veronés. (1576) “Festín en casa de Leví”.

MÁS MÁS ALLÁ ALLÁ DE DE LA LA ÚLTIMA ÚLTIMA CENA CENA

Emma Patricia Zamudio Salas Cada año, diciembre se presenta ante nosotros como un ominoso recordatorio del fin de un ciclo (una vuelta más de la Tierra al Sol), una ocasión de celebración, a la que se le unen otras relacionadas a diferentes pensamientos religiosos, entre los que destaca el cristianismo con sus variantes alrededor del mundo.

El jolgorio del mes no se aleja del narrado en diferentes pasajes de esta religión con grandes cenas y festividades entre familiares y amigos, pues de ellos destaca la Última Cena. A diferencia de otros pasajes similares, tradicionalmente este es considerado solemne y triste por la religión y por sus numerosas representaciones en las artes. Si se piensa detenidamente, de las trece personas que participan solo una es consciente de que esa reunión es la última.

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Ahora los invitaré a recorrer algunas versiones de la Última Cena que podrían relacionarse a las fiestas decembrinas. Una de las representaciones más jubilosas pertenece a Paolo Veronés y es conocida hoy en día como “Festín en casa de Leví” (1576) [Imagen 1] cuyo título original “La última cena” fue cambiado para que el mismo pintor evitara problemas con la Inquisición, que consideraba irrespetuoso que una última cena fuera un evento tan alegre con más de 40 personas, bufones, perros y sirvientes. En pocas palabras una fiesta que desde otra perspectiva podría pasar hoy en día por la celebración de fin de año de una compañía, por ejemplo.

Claramente se comprende el descontento de la Inquisición.

Por tratarse de un cuadro más humano que divino, preocupado por celebrar la vida y no de representar un momento sagrado o premonitorio de muerte.

Otra más reciente y conocida es la fotografía de David La Chapelle “La última cena” (2003) [Imagen 2] basada en la obra de Leonardo Da Vinci del mismo nombre, la cual es la versión más conocida sobre el tema. En esta versión La Chapelle ubica a los personajes bíblicos en el siglo XXI mostrándolos como pandilleros y marginados de la “buena sociedad”.

Una interpretación bastante realista de los textos que lo sustentan. No obstante, ello puede resultar un golpe duro a aquellos cristianos devotos que en estas fechas realizan enormes y fastuosas cenas y que además excluyen a las personas que son diferentes.

Imagen 2: D. La Chapelle (2003) “La última cena”

Imagen 3: J. Chicago (1974-1979) “The dinner table”

La Última Cena también ha sido parodiada y resignificada como símbolo del patriarcado en obras como la instalación realizada por Judy Chicago “The dinner party” (1974-1979) [imagen 3] pieza considerada por muchos como clave en el arte feminista. En ella desaparecen las personas en sí representándolas con nombres.

Además de contener más de trece personas, quienes son únicamente mujeres cuyos nombres fueron seleccionados por la artista de entre las más conocidas en la historia. Esta obra en definitiva no busca ser una “Última Cena”, sino usarla como referencia y base sobre la cual desarrollar el tema del reconocimiento de estas mujeres. Solo imagínense a Safo sentada frente a Virginia Wolf y la reina Isabel I. Una cena a la cual sería interesante ser invitada, para bien o para mal.

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Otra referencia a “la Última Cena” se encuentra en la escena final del video promocional del Salón Erótico de Barcelona Apricots de 2016, realizado por Vimema Films. Recrea la última cena mientras explora la doble moral de las personas [Imagen 4]. En este caso el grupo de personas se encuentra congregado alrededor de la narradora que denuncia este asunto. Es la única que se mueve, el resto se mantiene inmóvil como estatuas mientras la cámara realiza un close-up hasta enfocar a la narradora, quien termina el mensaje del video. La subversión de la última cena, más allá de lo evidente se da al reunir personajes antagónicos unos junto a otros como si jugaran para el mismo equipo, además, no sólo invitan al espectador a unirseles, lo retan a hacerlo.

Imagen 4: Fotograma Salón Erótico de Barcelona Apricots 2016, Vimema Film.

Por último, me gustaría mencionar que no todas las últimas cenas tienen por qué ser acompañadas; en 2013 el fotógrafo Henry Hargreaves presentó en la Bienal de Venecia una serie titulada “No seconds” [Imagen 5], en la cual recreaba las últimas cenas de varios prisioneros condenados a muerte en el Estado de Texas, EUA. En este caso la cena es para uno, pero todo el equipo de justicia, la prisión, los guardias, familiares y el propio reo son conscientes de que esto es más bien un último deseo antes del fin.

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Imagen 5: H. Hargreaves (2012) “Timothy Mc Veigh” parte de la serie “No seconds”

Cada imagen tiene sus propias razones de ser y, a pesar de sus diferencias, coinciden en mostrarnos a personas conviviendo. En estas fechas en que nos reunimos o solíamos reunirnos en grandes grupos para celebrar lo que sea que creamos o no. Las palabras “Última Cena” van más allá de las normalmente asociadas al tema y a pesar de que en apariencia no se relacionan tanto con las fechas, lo están en la manera en que celebramos.

La Última Cena ofrece la posibilidad de plantearnos otras perspectivas de representación y hasta su reinterpretación de diferentes realidades. Existen muchas otras versiones que rompen más o menos con el original de manera plástica e ideológica, pero creo que si algo tenemos que recordar de este 2020 es que nunca sabemos cuándo una cena puede ser la última.

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Entrevista Entrevista con con

COYO COYO LICATZIN LICATZIN Carolina Gรณmez

Coyo Licatzin es una cantautora de Oaxaca, que Catártica ha tenido el placer de entrevistar para conocer la fuerza del mensaje en su música.

¡Muchas gracias por la oportunidad de esta entrevista!. Primero, nos gustaría comenzar con esta pregunta: ¿Cómo iniciaste en el mundo de la música?

Siempre me gustó mucho la música, desde muy muy pequeña. Mi familia siempre fue muy musical, mis papás cantan y creo que con ellos fue el primer contacto que tuve con la música. Conforme fui creciendo, me interesé en ello un poco más, aunque al principio no la vi realmente como una carrera posible, hasta que cumplí como 17 años, cuando tenía que pensar qué iba a estudiar como carrera. Pero, durante todo el tiempo anterior sí practique flauta transversal, estuve buscando estudiar un poquito, aprender a leer, aprender a escuchar, y tuve la fortuna de que un maestro de música de mi pueblo, a quien quiero mucho, que se llama Marcial, me brindó siete años de su vida enseñándome la flauta y pues ahí me fui enamorando un poquito.

Tuve el privilegio de que la música siempre estuviera muy presente. ¿Qué artistas te inspiran?

Tengo algunos covers que son con los que empecé, porque a hacer canciones tengo poco, como tres años, pero anteriormente, durante todo ese tiempo mis inspiraciones más grandes fueron: Mercedes Sosa, Silvio Rodriguez, también el bolero y la música regional de mi pueblo. Pero, me inspiraron mucho estos cantantes, sobre todo Mercedes por su historia, por esta peculiaridad de ser una cantante/músico muy posicionada, y clara socialmente (y políticamente), me encantaba la idea de que su arte tuviera una dirección tan clara de a dónde iba dirigida y a dónde venía. Entonces, desde pequeña me enamoró Mercedes.

Esta fuerza del arte que mencionas, se puede ver en tu nuevo video. Que por cierto, ¡muchas felicidades! Es un grandioso video, ¿podrías contarnos sobre el proceso de grabación?

Bueno, el proceso como tal de filmación fue bastante maravilloso, es la primera vez que yo participaba en una situación así, en la que yo tuviera que construir una idea y parte, compartir con gente tan talentosa, porque es muy lindo como la música une muchas venitas artísticas que crean cosas increíbles. Así que fue un proceso de dos meses muy intensos, de pensar un poco la idea; de conocer al equipo de trabajo que era bastante nuevo también, porque no tiene mucho que entré a trabajar a Casa Studio, y bueno, toda la experiencia fue muy hermosa. Me gustó mucho que durante el rodaje hubiera tanta participación de chicas, jamás había visto a tantas mujeres reunidas, con tanta energía así fuertísima, digo, no había tenido oportunidad de estar en lugar así, aparte de las marchas, pero en ese contexto era muy

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bello; pero, también pasó algo curioso con las personas que estaban cerca de ahí donde estábamos rodando, en una ocasión se acercó una señora a preguntar y hablar un poco también de su historia, y siento que cada vez fue tomando mucho más sentido el hecho de estar grabando lo que estábamos grabando, fue toda una experiencia muy bella.

Tu canción “Llueve sangre en la ciudad” salió hace 3 años, pero, ¿qué te impulsó a sacar el video en estos momentos?

Es una canción que grabé justamente hace 3 años, es una de las primeras composiciones que tengo. Ya he hablado en otros momento de eso, pero siempre se me hace muy importante remarcarlo, porque es una canción que en ese momento yo no pensaba que iba a tener el impacto que tuvo. Pero, también darme cuenta que tuvo un impacto tan grande con este

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tema, fue algo complicado, como un golpe de realidad, y en ese momento era tan grande el golpe de realidad que yo no me animé a visualizar mi trabajo como músico y compositora (bueno, ni siquiera me veía como compositora todavía), como ahora si puedo hacerlo. Y, una parte muy fuerte fue saber que el problema sigue ahí, y que cada persona puede hacer lo que puede hacer desde sus trincheras, yo definitivamente quiero que esto dentro de mi trinchera sea una prioridad, porque no nada más es una cuestión de empatía, sino de vivencia propia, así que claro que tiene que estar presente y ser parte de mi música. Y, gracias a la oportunidad que tuve de conocer a los chicos de Casa Studio, pude ir aclarando que pues quiero que este sea mi trabajo e ir nutriendo de más experiencias mi música, para poder conectar con la gente que me escucha. ¿Qué te gustaría “mover” o que piense la gente cuando escuche tus canciones?

¿Qué te gustaría “mover” o que piense la gente cuando escuche tus canciones?

Yo creo que esta canción, específicamente, es una canción para no olvidar, para no pasar de largo u omitir. Siento que una de las cosas más importantes que me hizo regresar a esto, fue que de pronto con la pandemia se olvidó un poco que veníamos de un movimiento fuerte. Teníamos mucha presión, mucha respuesta de los colectivos, pero llegó la pandemia y todos estos casos que fueron numerosos y súper tendencia, se vinieron abajo porque había esta prioridad de que estamos en una emergencia mundial, pero no quiere decir que no esté. Así que yo quiero que siempre que se hable de mi música se pueda recordar y regresar, por más normal y tranquilas que se vean las aguas, hay un problema todavía profundo que debemos seguir trabajando, a través del arte o de la educación, de donde sea que estemos parados y tengamos el privilegio de decir algo, entonces a eso quiero llegar a través de mi música. Pero, también con mi proyecto tengo otras cosas escritas, hablo de otros mensajes, también me gusta bastante escribir y me gusta mucho la poesía, yo quisiera que ese mensaje siempre estuviera presente, sin embargo, poder compartir también estas otras historias con canciones que hablan más de mi vida personal o son otros tonos. ¿Cómo crees que la música ayuda a trascender este mensaje que quieres dar?

Lo que pasa es que el arte sirve para que los seres humanos podamos experimentar con esto que todavía la ciencia no ha logrado saber, que es el espíritu, esta parte mística de lo que nos tiene aquí, de lo que nos da vida, así que el arte nos permite conectar con estas cuestiones intrínsecas que no vemos de manera cotidiana. Entonces, tiene completamente la capacidad de sensibilizar y de cambiar el panorama de cómo uno comprende la vida, y eso es lo que hace la música. El papel del arte es muy importante en la sociedad, para cualquier cultura, es muy importante poder conectar con cuestiones artísticas para que podamos de alguna manera empatizar y conocer el entorno en el que vivimos, eso nos hace ser más humanos.

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Mientras escuchábamos tu canción nos llamó mucho la atención un verso casi al final de la canción que dice: “El amor tiene que triunfar”. ¿Qué nos puedes decir al respecto?

Justo unas horas antes del estreno hice un “En vivo” y alguien me preguntó cuál era la frase que más me gustaba de la canción, y yo dije justamente ese verso. Porque siento que el amor es lo único que puede realmente trascender las problemáticas de los seres humanos como sociedad, suena a veces muy fantástico decirlo, pero realmente el acto de amar y comprender el amor es muy complicado, es una cosa grandísima. Yo siento que lo que vemos cotidianamente es una distorsión de lo que comprendemos como “amor”, pero en realidad entregarse a la idea de amar es lo que persiguen, en esencia, muchas religiones, mucha de nuestra espiritualidad está basado en eso, en poder comprendernos los seres humanos como entes que tienen que amarse, y todas las cosas que vengan después de eso serán también construidas a partir de lo que comprendamos qué es esto. Amar implica ceder mucho, comprender, sentir lo que el otro siente, digo, es maravilloso. No quiere decir que solo sea amar y ya, por justo el proceso es comprender cómo hacerlo y todo lo que está alrededor es valioso. ¿Te has encontrado con algunas críticas respecto al tema que tocas en esta canción?

Uff, muchísimas. Bueno, creo que la palabra “crítica” es muy grande para esos comentarios que encuentro, porque siento que una crítica implica un poco de justificación e información, a veces siento que muchos comentarios no tienen el peso de crítica, sobre todo el de los varones. Siento que en este tiempo uno de los errores más grandes ha sido que estamos bastante desinformados, de repente siento que ellos, y digo “ellos” refiriéndome al entorno, porque estas críticas” no solo han sido virtuales, también las he tenido de mi papá y mis amigos, pero, creo que lo que más les preocupa es sentir que es una cuestión de lucha entre el hombre y la mujer, les da miedo. Se adjudican el papel de los malos, sin comprender que esto es una cuestión sistemática, mucho más grande, el patriarcado no son ellos específicamente, como persona, como ente individual. Creo que eso es lo que los pone bastante a la defensiva, es una cuestión de desinformación muy grande, donde creo que el arte puede jugar un papel muy importante en ese sentido, de ahí un poco que yo quisiera decir en mi canción: “compañero varón y compañera mujer”, sí creo en esta dualidad. Pero, creo que este es un momento especial para nosotras, porque estamos cobrando

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valor y teniendo una presencia histórica en estos espacios que no eran nuestros, y muchos todavía no lo son, tenemos que ganarlos aún con más seguridad. Así que sí, muchos comentarios me han tocado, hace tres años me dieron muy fuerte, eran comentarios terribles que llegaban a mi Facebook personal, como que se salió un poco de mis manos, y la verdad no voy a negar que estuve tristísima, fueron los meses más horribles de mi vida, porque también llegaron comentarios tristes, de personas que al ver el alcance que tenía la canción me pedían que yo hiciera una canción dedicada a su hija. Es contrastante como había mucha gente diciéndome “críticas”, y otras personas estaban sufriendo viviendo el duelo más grande, que dentro de su desesperación lo único que pedían era la oportunidad de tener ese alcance para gritarle al mundo que tenían una hija desaparecida. Ahora ya puedo escuchar todo sin que duela, como que ya pasó el duelo de los comentarios, ahora los leo y puede entender de dónde vienen, de dónde viene el miedo, el coraje y la desesperación. ¿Tienes algún proyecto de álbum o EP en mente, para el futuro?

Sí, afortunadamente ya tengo un equipo que me está asesorando un poquito mejor, la verdad es que estoy muy feliz, me siento súper plena y sí, vienen más cosas programadas para el canal de YouTube y Spotify. No es exactamente un disco, pero vamos a estar subiendo canciones. Aunque, próximamente vamos a estar trabajando en la idea de hacer algo ya un poquito más conceptual, pero por el momento solo saldrán canciones, que para mi es muy importante que ya estén grabadas, no puedo esperar para hacer los arreglos y escucharlas. Me siento muy emocionada de poder compartirlo.

Por último, ¿te gustaría dar algún mensaje a aquellas artistas que se encuentran aún en el dilema de salir (o no) al mundo de la música?

Pues, lo único que yo pensé, que creo que fue una de las cosas que más me pesó para poder salir, para decir que sí quería trabajar en este proyecto pese a lo que fuera, fue que justamente el miedo siempre va a estar. Nosotros elegimos si nos paraliza, si lo volvemos nuestra musa, para poder seguir haciendo lo que nos gusta para poder hacer lo que nos gusta, entonces yo elijo que el miedo sea mi musa, porque paralizarse en este mundo tan cambiante que se está viniendo a cachitos es peligroso. No hay nada más que cargar con ese miedo, así que yo las invito a que lo usen de musa, que les inspire para seguir creando, no significa que se vayan, sino que lo tomen y lo vuelvan algo bonito, algo grande.

Agradecemos a Coyo Licatzin por esta entrevista. No olviden escucharla en su plataforma de streaming favorita.

@coyo_licatzin Coyo Licatzin

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Dirección de la revista María Inés Flores Nachón @mariainesfn maines_flores@live.com Diseño de la portada Antonella Guagnelli Cuspinera @antonella_gc antonella.guagnelli@gmail.com Edición y Correción de estilo Fernanda Loutfe Orozco @ferorozco ferlorozco@hotmail.com Diseño Editorial Junuen Caballero Soto @junuencaballero junuen.caballero@gmail.com Artil Maria José Diáz @mapi_md mapidiaz42@gmail.com El Séptimo Arte Lucero Solís Tellez @lust_tsul lucero.sol.tel@icloud.com Arts101 María Inés Flores Nachón @mariainesfn maines_flores@live.com Crónicas de Marte Luis Fernando Salas Ramírez @fersalasrz luis.salasrz@udlap.mx Catalogarte Katia Michelle Campos Mora @papacreativa katy_campos11@hotmail.com

Manejo de la revista en redes sociales Youtube Rossana Huerta Romero @Itsrossehro rossana.huertaro@udlap.mx Regina Gonzalez Galván @regina_gonzalezgal regina.gonzalezgn@udlap.mx Instagram Emma Patricia Zamudio Salas @emma.zamudio.92 emma.zamudioss@udlap.mx Spotify Diana Carolina Gomez Ortiz @dcgo98 diana.gomezoz@udlap.mx