Catártica: Junio'23

CARTA EDITORIAL Lo inimaginable, lo impensable ha sido imaginado y pensado. Lo más profundo de nuestros sueños pintan el desencuentro con lo que no queremos pensar, pero hemos pensado. En la intimidad de nuestras pesadillas nos encontramos atrapados, entre lo privado y lo público, el deseo latente y el contro vigentel.

Habrá sueños que será mejor que permanezcan en su calidad de sueños. Habrá pesadillas que se escapan de las cobijas y se enredan entre los cabellos detrás de nuestras nucas.

M.I. Flores Nachón

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Arte y Psicoanálisis: La Pintura Muda AGC y M.I. Flores Nachón

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Suprema Indiferencia Daniel Pérez Ríos

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La intimidad en las pesadillas: Parte I M.I. Flores Nachón

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Cánones y duelos imposibles: Spiderman Across the Spiderverse M.I. Flores Nachón

Arte y psiqué La pintura muda La obra de arte se puede discutir como un campo de visibilidad con un discurso escrito, implícitamente.

Para ello tomaremos teorías establecidas por S. Freud en Lo Inconsciente (1915) y J. Ranciere en El Inconsciente Estético (2006). Ambos autores del psicoanálisis de la historia moderna, definen la práctica y el concepto de Lo/El Inconsciente.

El psicoanálisis puede entenderse como una herramienta que reestructura la psiqué del humano en dos polos, uno llamado el Consciente, lo que Ranciere llamará pensamiento que sí piensa, en donde ocurren las cuestiones relevantes a lo permitido y a lo aceptado, por lo que se considera ligado a la subjetividad pública.

Mientras que el Inconsciente es aquel en el que ocurren cuestiones ajenas a la normatividad, el deseo que se encuentra en represión por su no aceptación según la plataforma epistemológica en la que estemos basados. Dicha reestructuración y estudio de ella a partir del psicoanálisis permitirá entender los padecimientos producidos a partir de la represión de los deseos del Inconsciente. (Ranciere, 2006) Por otro lado, Sigmund Freud, explica la represión del deseo no implica la eliminación, sino que ese pensamiento se transporta a un apartado de nuestra psiqué en donde se manifestará únicamente en momentos donde lo Inconsciente tome poder sobre el cuerpo, como lo son los sueños o los lapsus brutus. (Freud, 1915) “Lo inconsciente comprende por un lado, actos latentes y temporalmente inconscientes, que, fuera de esto, en nada se diferencian de los conscientes, y, por otro, procesos tales como los reprimidos, que si llegaran a ser conscientes presentarían notables diferencias con los demás de este género” (Freud, 1915: 2064)

Ahora bien, sería incluso interesante mencionar la fórmula latina por Simónides de Ceos, Ut Pictura Poesis en donde se habla de la Pintura como Poesía, entendiendo la pintura como una pintura muda y la poesía como una pintura que habla, ambas como vehículos de discurso que se encuentran envueltos en una codificación visual. Sin embargo, Simónides de Ceos plantea un discurso sin especificar su origen dentro de la psiqué, y aunque al igual que Ranciere, encuentra sobre el silencio de la pintura un discurso codificado, la intención de Ranciere es buscar el origen de la manifestación del no-pensamiento en el pensamiento.

Lo mudo, según J. Ranciere, es el contenido que no se entiende, y por lo tanto no nos habla, no nos puede comunicar lo que verdaderamente pretende expresar, por consiguiente, lo mudo de la obra de arte es, igualmente, lo que no se entiende de la misma, pero no hay que olvidar que todo habla, y no por que no se comprenda significa que no exista, el conocimiento no se da per-se, llega cuando se busca, se ve y se comprende.

Como Ranciere explica, la hipótesis de la existencia de un Inconsciente Estético permite entender lo que las prácticas artísticas prueban, como manifestación de los deseos reprimidos que puedan encontrarse en el polo inconsciente del productor. Él entiende la materia artística, la estética -tomando el término como la transformación del régimen del pensamiento del al arte.- como: “(...) testimonios de la existencia de cierta relación entre el pensamiento y el no pensamiento, de cierto modo de presencia de pensamiento en la materialidad sensible, de lo involuntario en el pensamiento consciente y del sentido en lo insignificante”.

(Ranciere, 2006: 21)

Por lo tanto, la producción artística puede ser entendida como un proceso de sublimación, en el que la obra es resultado de una manifestación o transformación de un pensamiento del inconsciente en imagen. El replanteamiento de la imagen, por lo tanto, ha logrado impactar la manera en la que se percibe la obra de arte. En primer lugar, cuando el psicoanálisis afirma que más allá del lenguaje, la imagen y el cuerpo también pueden ser medios de comunicación, se abre una nueva puerta al entendimiento del objeto artístico, pues este posicionamiento claramente expresa el trabajo psíquico de codificación y decodificación que cada individuo tiene al presentarse con un encuentro estético.

Así pues, uno de los eventos que comienzan por literalmente aceptar o afirmar la relación entre la decibilidad y la visibilidad es surgimiento del futurismo o el cubismo, vanguardias que en ellas incluyen texto e imagen fusionados. Dando un paso más, también podemos referirnos al surgimiento del surrealismo, que tiene una relación estrecha con el estudio de la psique, pues mezcla lo psiquiátrico con la producción artística, al intentar salir del principio de realidad y trabajar la obra desde el inconsciente. Ejemplo de ello, el artista frances Robert Desnos (1900 - 1945) que realizaba dibujos durante periodos de sueño hipnótico.

En conclusión, si bien entendemos la producción artística como un vehículo de discurso que refleja la plataforma epistemológica en la que la sociedad está sembrada, sería necesario tomar la mano del psicoanálisis para entender qué elementos de las obras, si no es que la construcción de la imagen en sí, remiten al pensamiento inconsciente del productor, siendo un discurso mudo, sin necesidad del lenguaje verbal para comunicar contenidos, en espera de ser vistas para ser interpretadas.

La Suprema Indiferencia Daniel Pérez Ríos

En esta exhibición, Daniel Pérez Ríos profundiza en las consecuencias de la relación entre las máquinas y los seres humanos. A través de técnicas como el dibujo en carboncillo, la pintura, la instalación e incluso el performance, revela el lado humano de la producción tecnológica. En sus obras, Daniel crea objetos que no solo nos hablan, sino que también escuchan, estableciendo una conversación horizontal con la entidad casi celestial llamada Máquina. Estas máquinas, mientras recopilan nuestros

datos y secretos más oscuros, nos perciben simplemente como una serie de números y caracteres. La muestra en su totalidad existe en un espacio liminal en el cual estamos inmersos, queramos o no.

Con su enfoque, Daniel le devuelve la inteligencia a lo artificial y nos invita a reflexionar críticamente sobre nuestras trayectorias actuales y futuras, así como a considerar las posibles implicaciones de nuestras decisiones.

Mediante una variedad de medios, que van desde lo tradicional hasta lo interactivo, la exhibición nos impulsa a contemplar el profundo impacto de la tecnología en nuestras vidas y la relación compleja y multifacética entre las máquinas y los seres humanos.

Explorando temas como la sobreproducción, la influencia tecnológica y la interacción entre los humanos y las máquinas, Daniel nos lleva a examinar nuestro papel en un mundo cada vez más impulsado por la tecnología. Su obra de arte, llena de provocaciones y reflexiones, sirve como catalizador para la reflexión crítica y nos insta a cuestionar las consecuencias de nuestros avances tecnológicos.

¿Quién soy?

Monterrey, México, 1987 Artista, músico y programador, nacido en Monterrey, México. Estudió artes visuales y nuevos medios en CEDIM (Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey), enfocando sus estudios en arte digital. Al terminar su licenciatura Daniel colaboró con programadores locales para comenzar el HackerSpace Monterrey, también fue parte del colectivo "La Compañía" en donde con otros artistas desarrollaron exhibiciones y residencias en Nuevo León, México.

Al terminar su licenciatura Daniel colaboró con programadores locales para comenzar el HackerSpace Monterrey, también fue parte del colectivo "La Compañía" en donde con otros artistas desarrollaron exhibiciones y residencias en Nuevo León, México.

Daniel comenzó como profesor de diversas universidades en Monterrey, impartiendo cursos de arte, sonido y tecnología.

Fundó el proyecto Laboratorio Indisciplinario, una propuesta independiente y alternativa de educación en arte contemporáneo.

Como artista ha participado en diversos festivales de arte como Zona Maco, Bienal Femsa, Bienal de Venecia, FAMA, Bonus y Material Art Fair. Cuenta con 9 exposiciones individuales y más de 30 exhibiciones grupales.

Actualmente vive y Monterrey, Nuevo León.

Contacto: @daniel.perezrios www.danieel.com daniel_perezrios@hotmail.com

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La intimidad en las pesadillas Cartas sobre la muerte

Parte I : Promesa de eternidad, duelo y lugar de muerte M.I. Flores Nachón Sobre la carta: ¿La proliferación audiovisual de los rostros y voces de las personas en la tercera era de Brea apunta más hacia la promesa de eternización, hacia un recordatorio de nuestra finitud o hacia ninguna de ellas? ¿Qué implicaciones tienen para ese binomio los planteamientos psicoanalíticos alrededor del duelo y la muerte, como la segunda muerte? Finalmente, ¿cómo la concepción del fantasma/espectro en Derrida problematiza esa misma polaridad?

Estimadx L: ¡Hola de nuevo!

Me tardé en leer y ver el contenido de esta semana. Pero acá estoy, intentando dar una participación. Siendo totalmente sincera, me sentí oxidada leyendo, en algunas partes perdida, en otras encontrada. Es curioso porque entonces me dejo caer en un espiral en búsqueda de entender y me parece que será un ejercicio divertido.

Cerrando el anterior paréntesis, quiero platicarte que lo leído resonó en muchas maneras dentro de mi. Recordándome algunos textos que leí durante la licenciatura, sobre todo el caso de Brea. Así que, empezando por ahí quiero compartir lo que pude absorber. Me gusta entender la imagen como lo dice Brea en estos primeros párrafos de su obra, muy similar y de cierta forma paralela a lo que en algún momento leí en Arthur Danto, incluso Hegel. La toma de consciencia de la finitud, entendida como muerte, en la imagen. En la Historia del Arte se habla de los giros de la manifestación artística, primero teniéndose el giro ritual-cultual, antrológico, romántico-toma de consciencia de la finitud, y el conceptual.

Sobre ello, cuando el ser humano se da cuenta de que va a morir, busca entonces tomarse de cualquier cornisa para no resbalar en lo que se piensa como una eternidad sin respuesta. Es entonces que se conecta con un sistema de pensamiento del mundo y un espíritu del tiempo. Y la imagen, como lo explica Brea, se vuelve una máquina del tiempo que nos permite viajar a un sistema de pensamiento y un espíritu del tiempo.

Es poético.

Aquí también es en donde rescato los fantasmas de Derrida. A través de productos culturales nos podemos conectar con seres productores de imágenes, con propósitos de producción y manifestación específicos. Les permitimos permear en nuestra mente a partir de su conducto de permanencia, lo que dejan. Su obra, su imagen, su discurso.

Por último y de forma muy personal, me sentí en un total desacuerdo con Freud. ¿Que acaso no vivió un duelo irremplazable? Me pongo a pensar en las muertes que he experimentado, y retomando la frase con la que me impresenté, hay varias muertes en la vida. He muerto varias veces en vida, muchas de ellas han ocurrido en ritos de muerte seca, muchas otras han sucedido en muertes que se declaran a si mismas. Rompimientos, alejamientos, dolencias, pérdidas y mutilaciones propias. Irreparable, inolvidables. Si, superables, posible de vivir posterior a experimentarlas, pero nunca irremplazables.

Atentamente María

Angela Deane, Ghosts Dancing, 2013, acrylic and gouache on found photograph, 15x10cm.

Fotogramas: McMullen, Ken (1983) Ghost Dance

Estimadx L: ¡Hola!

Nuevamente escribiendo el último día, pero creo que inconscientemente practico el aplazamiento de las cosas. Reflexionando un poco después de las lecturas y película, perdiendo las ideas e intentando retomarlas sin olvidar nada, llego a lo siguiente.

Creo que en cualquier producción artística existe el aplazamiento y la inmortalización, como lo decía en mi anterior carta. A pesar de que en el campo de la cinematografía exista el valor de lo “efímero” al experimentarse, es un producto que permanece y la permanencia es, como ya lo hablamos la semana pasada, es una fenómeno que se busca, casi inherente del ser humano, en búsqueda de no perderse en el tiempo y el espacio posterior a su existencia.

Entiendo que, el cine, como cualquier otro producto, persiste más allá del tiempo de consumo. Si bien la película puede durar dos horas, permanece. Ya producida, lista para el re consumo, con la posibilidad de verse por cada par de ojos, y así, cada par de ojos revive.

Cuando era más joven, me gustaba escribirle cartas a los muchachos de los que me enamoraba, por el solo hecho de permanecer viva en un momento en el que mi corazón fue feliz. Creo que la producción artística que proviene del duelo y de la pérdida es una forma de -rumear- y re consumir la pérdida hasta entenderla y de alguna forma mantenerla presente. Ojalá haya tenido sentido mi tren de pensamiento.

Es curiosísimo la forma de actuar de cada polo cultural ante la muerte. Y uso el término curiosísimo forma divertida, no morbosa. Pero me resulta tan interesante el cómo nos relacionamos con la muerte a partir de nuestros contextos culturales. Hace poco tuve la oportunidad de visitar varios sitios prehispánicos, y justamente se habla con tal morbo sobre los ritos de sacrificio, y me parecen un súper ejemplo para hablar de la concepción de la vida y la muerte en un polo cultural que se ha transformado. Inicialmente el México prehispánico tenía un lugar de colocación de la muerte en la vida, con una importancia ritual, sagrada totalmente diferente a la práctica del México actual, mayormente guiado por una hegemonía católica y blanca. En una carta anterior, nos comparte sobre cómo el tomar de la muerte en vida, es tomar de la vida en sí misma. La forma en la que cada polo cultural participe con la muerte, será casi a manera de espejo de la participación de la vida.Pienso tal vez en el millón de películas dramáticas sobre la muerte. La decisión de Sophie es probablemente una de ellas.

Te saludo con gusto Bonito sábado.

María

Cánones y duelos imposibles:

Spiderman una obra maestra del desarrollo estético y moral de un personaje.

M.I. Flores Nachón Posibles spoilers en el presente texto.

Después de un largo descanso de la experiencia completa de ir al cine, decidí ir a ver Spiderman: Across the Universe. No había ni siquiera tomado el tiempo para ver la primera de la saga, sin embargo tenía una gran esperanza en la segunda por los excelentes comentarios que escuché sobre la primera. Fui en blanco, y salí coloreada. Por supuesto que al salir de la sala del cine, corrí a mi televisión a ver la primera película. Volteé a ver a mi acompañante y coincidí con él cuando dijo que la segunda superó a la primera.

Spiderman: Across the Universe plantea la secuela de Miles Morales y su equipo de spider-gente. Iniciando la película con Gwen Stacy tomando el control de la pantalla y llevándonos completamente en su universo interno, planteandonos por primera vez lo adolorida que estaba con su realidad, con la muerte de su Peter Parker y el abandono que tenía hacia ella misma.La soledad que empieza adentro. Después brincamos a la existencia del súper equipo de súper spider-gente; Gwen nunca más estará sola. Aunque ya conocíamos de la existencia de los distintos Spideruniversos gracias a la primera película, Across the Universe lo pone en práctica, y nos demuestra la infinita cantidad de posibilidades existentes sobre un mismo ser. Podríamos tal vez hacer un análisis profundo sobre la filosofía ontológica y la eterna pregunta

del ¿qué somos? Si somos tantos, ¿quién soy en la marea de gente?

Pero Across the Universe no plantea esas crisis existenciales, ya que nos permite disfrutar de la unicidad de cada spiderpersona. Siendo lo mismo, no soy el mismo. Sin embargo, sí hay una crisis existencial planteada en la película: para ser, debo vivir el canon.

En este caso, el horror de ver a mi padre morir. Miles Morales se enfrenta a la cruda realidad de la expectativa, debe suceder esto para que tú seas.

Suena casi egoísta, el esperar y exigir que un personaje sufra para poder experimentar su crecimiento pleno, y a partir del amor inmenso que desarrollamos por Miles, como espectadores, no queremos que sufra, y estamos de acuerdo con su negación.

Spiderman: Across the Universe es una película que plantea varios procesos de duelo en uno mismo. El duelo infinito de Gwen Stacy de haberse perdido en sí misma en la búsqueda del ser, el duelo cerrado de Peter B. Parker por haberse encontrado, el duelo imposible de Miguel O’hara por haberse destruido a sí mismo en búsqueda de su felicidad construida en un sueño, el duelo en vida de La Mancha por haber muerto para todos, menos para el mismo, y finalmente el duelo anticipado de Miles Morales por sufrir la muerte de su padre antes de que suceda.

Por último pero no menos importante, quisiera hablar de los recursos del lenguaje cinematográfico en los cuales, la película desafía los esquemas tradicionales de la narrativa, alcanzando varios clímax en su duración, e incluso terminando en uno de ellos, manteniendo al espectador al borde del asiento en cada momento. Así mismo, la banda sonora de la misma, se acerca no solo a la susceptibilidad, sino que a la sensibilidad, acariciando suavemente mientras cada escena se desarrolla, tenemos nuevamente presente el motivo sonoro del profundo amor que Miles tiene a sus padres y viceversa, en la pieza Mi Amor, del compositor Daniel Pemberton, que disfruto mientras escribo la presente reseña. Destacó que el elemento más importante de la película es su diseño visual y dirección artística. Estamos dentro de un cómic, viviendo cada vida con un estilo artístico distinto, desde la acuarela, hasta el arte urbano, lo punk, lo Hindi, lo caricaturesco y lo futurista. Los artistas responsables de la animación de la película desarrollaron inigualablemente a cada personaje, con cada universo externo e interno- de tal forma que vivimos cada segundo cómo si fuera único.

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