Catártica : Febrero '22

Feb. 22

No. 3

Vol. 2

Buymeacoffee.com/catartica

Dr. Lakra Antonella Guagnelli

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No todo es...

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Rossanna Huerta Tativille

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Bruno Sánchez Leche de Yak con Miel

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Alberto Antonio Cervantes del Castillo Pausa Visual : Fotografías

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Arturo González Santificadxs

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M.I. Flores Nachón Te quiero como he querido a mi casa

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Victor Rivera Los Muebles Asolados

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Carolina Gómez Cuéntamelo todo

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Fernando Salas Fantástica contemplación de lo efímero Mariel Alessandra

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Catártica es un espacio para hablar del arte fuera del discurso oficial, aquel que escapa definiciones, y al mismo tiempo un lugar para que la ficción, el ensayo y la poesía puedan deambular desnudos, poniendo de frente al escritor y al público. ¿Te gustaría tener un poquito de Catártica en tu día a día?

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DR. LAKRA

Antonella Guagnelli

“Hay más realidad en una imagen que en una palabra “ -Joseph Campbell, El poder del mito Nacido en ciudad de México pero adoptado por Oaxaca, Jerónimo López Ramírez, mejor conocido por el pseudónimo Dr.Lakra, es un artista que se distingue por salir de la norma, ser irreverente, provocador y creativo de profesión. Su habilidad para imponer tinta sobre casi cualquier base hace que su trabajo sea reconocible y capaz de potencializar objetos cotidianos para ser portadores de nuevos discursos. Gran parte de sus intervenciones se llevan a cabo sobre artículos populares, como posters, revistas eróticas, carteles, libros y postales que provienen de sus propias colecciones. Además de papel, también interviene objetos, como él bebe de juguete que ahora se presenta en la portada y que resalta otra de las técnicas utilizadas del artista, el tatuaje.

A partir de sus piezas, el Dr.Lakra muestra al espectador su interés por la antropología y etnografía de tradiciones culturales, tabúes, mitos y rituales tanto de sus alrededores como de otros grupos culturales. De esta manera logra incorporar elementos de la historia del arte e iconografía religiosa con alusiones a la cultura popular. Como cereza en el pastel, mezcla todos estos ingredientes con un sentido del humor ácido, que cuestiona lo correcto y lo incorrecto, lo bello y lo feo, y la que podríamos llamar cultura con mayúscula con el folclore.

La relación tan explicita que el artista tiene con el tatuaje sobrepasa la técnica, pues muestra parte de la historia del tatuaje al representar diseños nativos y triviales, pero también tradicionales (old school), ornamentales, neo japoneses, incluyendo concepciones actuales del tatuaje mexicano, como la representación de la virgen de Guadalupe. Así pues, de la misma manera que Dr.Lakra pretende alterar la ideología dominante con sus piezas, este mes, los escritores de Catártica nos centramos en la disrupción, la rebeldía y el cambio.

Dr.Lakra, (2005), Sin título (bebe tatuado), Tatuaje con tinta sobre bebe de plástico *Recomendación: Boletín de En MARCO voluntarios, http://proyectos.marco.org.mx/educacion/BoletinVoljunio.pdf

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año

12,

número

138,

junio

2011,

NO TODO ES...

¿PROPAGANDA?

Rossanna Huerta

Desde hace ya varios años he tenido una fascinación por las culturas asiáticas que ha llevado a ser considerada la niña rara de la escuela. No me molestó, realmente tenía convicciones fuertes y me permitió experimentar lo poco o mucho que me proporcionaba el internet. Desde China, Mongolia, India, Japón hasta Corea del Sur, países muy únicos en su forma de ser y de expresarse en el arte, más que nada por qué en estos países no estaba la idea del arte tal y como la conocemos actualmente, es un término que se introdujo a finales del siglo XIX para caracterizar las expresiones cultuales. No obstante, algo que nunca se me hubiera ocurrido estudiar es el arte de Corea del Norte. De por si durante mis estudios de arte casi no se analizó al arte no-hegemónico pero aún así, ni siquiera pasa por la cabeza de uno que pueda existir arte fuera de las imágenes de propaganda que todos conocemos: Pero como soy una persona curiosa e impulsiva decidí hacer de las mejores compras que he hecho en mi poco tiempo de historiadora, un libro sobre el arte del día a día de la República Popular Democrática de Corea del Norte. No pienso ser la abogada del diablo y argumentar que el arte es superior ni tampoco que estoy apoyando al régimen, solamente deseo que esta pequeña columna se vuelva en una ventana para ustedes para observar otra cara que ni yo conocía.

Empezando con lo primero, cualquier persona que conozca un poco de historia del arte mexicano a inicios del siglo XX sabrá sobre la importancia del arte durante la Dictadura y sobretodo después de la Revolución, esto se debe a que el arte ES un instrumento de estado utilizado para comunicar, expresar y difundir los ideales del régimen político/cultural/económico —sí, eso incluye los garabatos del arte contemporáneo—.

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Utilizo este ejemplo por que es una manera simple de explicar lo mismo que sucede en el arte norcoreano, Koen De Ceuster nos explica la importancia del arte en la dictadura de Kim Jong Un, ya que, desde muy temprana edad se va seleccionando y educando a los jóvenes y niños que demuestren destrezas en las artes. Tal y como menciona: “No es oprimir cualquier expresión de individualidad y subjetividad, sólo es encauzar la expresividad artística de los jóvenes a los parámetros indicados por el régimen” (De Ceuster, 2019, p.9).

Pero, ¿qué tanta manipulación social se puede encontrar en una imagen de la vida cotidiana de un norcoreano? Me llegué a preguntar esto una vez que empecé a leer y observar algunas imágenes de mi nueva adquisición literaria. De Ceuster nos explica que al igual que toda estructura social y artística, en Corea del Norte las temáticas del arte se dividen en diferentes categorías que se van jerarquizando según la importancia que éstas tienen para el régimen político, en primer lugar y con mayor importancia: el arte que enaltece al estado, la cual documenta la vida y los desafíos que afronta el Gran Líder, la historia del partido político norcoreano y el desarrollo de la nación con el fin último de llegar al paraíso del obrero. Seguido por el arte que enaltece el territorio y por último las escenas de la vida cotidiana —también conocidas como pinturas de flor y aves—. Estas últimas categorías son las que más me han maravillado, a mi parecer son imágenes que te dan una sensación de calidez única casi como si fueran un hogar pero en un sentido casi etéreo y fantástico.

Al fin y al cabo buscan evocar la belleza de la nación a través de su estética única de Sumi-e —es una técnica de dibujo monocromático en tinta negra— con detalles que solo el artista más experimentado podría realizar. Tienen una sensibilidad única, tal y como mencionaba, siento que algunas escenas de paisaje te abrazan en sí y te sientes acogido por el aire que revuelve la imagen.

La única forma de terminar todo este murmullo de ideas y pasiones es recordando que al final del día, las sensaciones y emociones que evocan estas imágenes cumplieron su propósito, sí generaron un vínculo psicológico con el espectador para generar algún sentimiento de pertenencia o en mi caso de querer estar en ese lugar. Al final del día la gran parte de las imágenes creadas tienen como fin glorificar, destacar, y generar un sentimiento de lo nacional. Lo que sucede con estas imágenes más suaves es que la propaganda no se expresa de manera explícita por lo que es mucho más complicado identificar que son ligaduras de un estado ideológico (Clark, 2001). Una vez sabiendo esto, sólo nos queda comprender de dónde vienen éstas imágenes con tonos ligeros de ideología y cuestionarnos qué tanto de lo que conocemos del arte es realmente propaganda.

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Bruno Sánchez

TATIVILLE

EL PERFECTO PARIS IMPERFECTO Trato de omitir el afán de sonar como un partisano de la contemporaneidad, pero es un hecho que el siglo XX es sumamente interesante de estudiar, es directamente lo más trascendental a nuestra actualidad y es fascinante observarlo en el panorama completo de la historia de la humanidad. Si el rumbo en el que ha andado la civilización humana fuera una montaña rusa, el siglo XX sería la escalada más alta, pronunciada y sufrible para llegar a la cúspide de todos los avances que logran por fin la unilateralidad de sus propósitos intencionados. La accesibilidad de conocimiento del mundo y el papel que nosotros jugamos en él fue clave para gozar el aprovechamiento del mundo con uno mismo como nunca, reformalizando reglas e ideales, que varían y chocan entre sí y otras, pero siempre en pro de la dignificación de la sociedad.

Avanzando hasta mediados de siglo todo lo relacionado con principios de la época era ya catalogados como vestigios, visualizados únicamente como la remembranza de una antigüedad que el tiempo al fin había logrado superar. O al menos en las aspiraciones más idílicas para compensar las aún pendientes deudas éticas y sociales con la modernidad, los avances tecnológicos y la evolución de los movimientos artísticos, no impulsando como su par los principales objetivos de equidad.

En la década de lo 60’s, la veracidad de la reconstrucción global después de la guerra había sobrepasado la destrucción de la guerra misma y los grandes conglomerados de las grandes potencias continúan enfocándose únicamente hacia adelante en la especie de pax bipolar que caracterizó la guerra fría en occidente. Fue tan abrupto el cambio de paradigmas de la sociedad que hasta la interpretación del pasado se transformó en algo cada vez más ajeno a las necesidades y gustos de las personas y su estilo de vida, aquel cambio evolutivo fue súbito pero progresivo a un ritmo constante para tratar de no provocar un sentimiento de pérdida a la gente dentro de su propio contexto social al estar en su casa y andar por la ciudad.

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La seriedad aplicada a este progreso era principalmente perfeccionar una competencia para lustrar una fachada de un progreso latente y vistoso, aunque no equitativo, y omitiendo uno de los factores que definen las causas y consecuencias del cómo vivimos como sociedad en general, es decir, las estupideces que la gente siempre hará y cabe dejar espacio para esa naturalidad, la “estupidez” humana.

Fue bajo ese contexto que el comediante y actor francés Jaques Tati continuó mofándose de su tiempo ante la aparente falta de simplismo humano en la ciudad moderna racionalista, cuidad con el objetivo de servir únicamente basándose en la presunta perfección de la gente que, a su vez y naturalmente, se dejan desenvolver paulatinamente su lado humano de la inocente ingenuidad simple e incoherente

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que el ambiente urbano moderno omite. En 1967 estrenó la que es considerada su mejor obra más profunda y ambiciosa que como tal ascendería; tarde pero muy merecido, a considerarse una de las mejores películas de la historia además de ser material de estudio de calidad para cineastas, arquitectos, urbanistas y hasta psicólogos: ‘Playtime’.

La trama de ‘Playtime’ es la carencia de trama como tal, no hay una historia formal que siga la película, sino que su todo es la historia y el protagonista. ‘Playtime’ muestra dos personajes que están de visita en un París monocromático, moderno e hiper racionalista, denominado fuera de cámara como ‘Tativille’, a honor de Tati. Por un lado Mr. Hulot, un desorientado francés que debe ponerse en contacto con un funcionario y por otro, Bárbara, una joven turista estadounidense que está de visita en París con un grupo de mujeres; aunque ellos 2 serían por conveniencia los personajes principales, la verdad es que rara vez se enfocan en su protagonismo ya que, como tal, esta realista ciudad alternativa es el protagoniza compuesto por múltiples personajes y subtramas escondidas en inocentes errores y simples chistes que podrían asemejarse a un live action del trabajo de caricaturista argentino Joaquín Lavado “Quino”.

De ahí en un mismo plano general que encuadra todo el contexto de ‘Playtime’ abundan tantos lados como avenidas en esta ciudad “ficticia”.

Hay pocas relaciones entre las caras conocidas que habitan el París de Tati y no hay más que ligeros diálogos que no dicen más allá de lo necesario pues, como su nombre lo implica, la película es un juego.

Filmada totalmente en un plano amplio sin enfocarse específicamente en los elementos, utilería o personajes que presentan el momento mientras la vida de ‘Tativille’ ocurre alrededor, detrás y en frente de este.

Mientras unos personajes tratan de entablar una conversación,

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a su derecha hay unas turistas entrometidas, detrás un técnico al que le da choques una lámpara y al frente una señora que confunde a su bebe con una bolsa; lo anterior demuestra la intención de Tati: ser un mero observador de la realidad y del todo que la conforma para así, desde el punto de referencia del todo, entender al individuo.

Para Tati, ‘Tativille’ de Playtime es una democracia participativa de sutiles y simples chistes en que la personalidad de la gente con respecto a una arquitectura carente de humanidad y manteniendo la arrastrada idea de que existe una jerarquía entre los de arriba y los de abajo. Al final, todos ganan cuando se sigue interactuando entre sí, cuando se supera sale mal y cuando se permite que todas las personas sean relevantes, es la esencia de ‘Tativille’.

Otra notoriedad es que al momento de su filmación, es que a pesar de no contar con celebridades conocidas o incluso actores formales, ‘Playtime’ fue la película francesa más cara hasta el momento pero Tati supo excusar su elevado costo con una perspectiva más que lógica “El costo de construir Tativille no fue mayor de lo que hubiera costado contratar a Elizabeth Taylor o Sophia Loren”. (David Bellos, 2012, "Jaques Tati", Random House Ed.) Y eso deriva de que para recrear ese París hipermoderno, tenían que construirlo de verdad, o bueno, solo lo necesario.

En un campo abierto en las afueras de París se construyó, o planificó más bien, el París de Tati, coloquialmente conocida como ‘Tativille’, la cual consistía en su mayoría de maquetas a escala esencialmente idénticas para simular la multiplicidad de la urbe encajonada hecha, literalmente, con cajas. Los reflejos de los monumentos tradicionales perdidos fuera de su tiempo son fotografías de estas a mediana escala, incluso algunos vehículos y personas que aparecen están en realidad hechas igualmente de cartón.

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Lo único auténtico fueron 2 pequeñas estructuras de vidrio y acero simulando rascacielos y prácticamente, también el resto de la ciudad conforme avanzan Mr Hulot y la cámara, cada uno por su lado.

El sueño húmedo y racionalista de Le Corbusier fue finalmente ejemplificado a cierto nivel con la concepción y diseño de Tati y el arquitecto Eugene Roman, ‘Tativille’ tomó clara referencias inspiradas en la arquitectura y el urbanismo modernos de la época de apogeo del racionalismo: Le Corbusier, Mies van der Rohe, Frank Lloyd Wright, etc. Tati insiste en esta idea del abuso de la uniformidad ilustrándolo con varias bromas, por ejemplo: en una agencia de viajes todos los carteles publicitarios aparentemente promueven paraísos exóticos, pero muestran como mayor atributo la figura del mismo edificio que abunda ahí mismo y, al parecer, en todos lados. La risa deriva su autenticidad de un absurdo fundamental, por lo que no pasa desapercibido la mirada cómica pero afectuosa como meros observadores de esa realidad ilustrada hacia una modernidad que es inevitable y que parece insensible, a la que cedemos manteniendo las remanencias de nuestro sentido del humor e instinto de idiotez por momentos en los que se pueda destacar su verdadera esencia.

Las personas se adaptan al entorno que se les presenta, pero con un guiño inconsciente y escéptico se va indicando qué, planeado o no, la “imperfección” natural volverá a recuperar las plazas a un nivel de humanidad como plantea armónicamente Tati en el final de su gran obra, ya siendo los edificios los que se adapten de cajoneras a lo que somos nosotros.

En la cocina de la abuela se encontraba Bárjamo, su madre lo puso a rebanar el pastel y la gelatina para sus invitados ubicados en la sala. La abuela entró para colocarle una gelatina rectangular de color naranja, después sacó del refrigerador un pastel de chocolate, irresistible por sus adornos y su cubierta de chocolates desbordándose, lo colocó al lado de la gelatina. Bárjamo quería probar esa delicia.

–¡Tú te sirves al último, empieza a cortar! –le gritó su madre desde el otro cuarto.

Sin más remedio, sacó los platos de la estantería y partió dos pedazos de pastel y luego de gelatina, cada pieza en un plato. Se las entregó a su abuela, y ella salió de la cocina.

Bárjamo regresó a su labor, pero notó algo distinto: la gelatina creció un poco de longitud y derramó un líquido rojo espeso, parecido a la sangre.

–¡Apúrate! –le gritó su madre. Él ignoró los acontecimientos y partió otras rebanadas. Hizó la misma actividad y se los dio a su abuela, volvió la mirada y ahora la gelatina había crecido más, era ya más larga que el pastel, y salía más líquido. La abuela regresó, esperando recibir otros pasteles. Bárjamo continuó cortando. Habían pasado 5 rondas y la gelatina era el triple de largo que antes, y cuando partió otro pedazo de gelatina, escuchó del otro lado de la cocina un grito.

–¡Cuidado!

Un trío de jóvenes en una cueva, con reflectores apuntaban al centro, iluminaban a un oso muerto con la panza abierta completamente, mostrando su interior. Un joven grababa con una cámara, otro, al lado de la cámara, observaba mientras el último estaba arrodillado junto a piezas grandes de rompecabezas, que formaban un órgano del oso.

–Sabes que, si matamos al pato, alteraremos la historia, así que ¡Nada de errores! –dijo el joven parado.

-No es un pato, es un oso, ¿qué no ves que no tiene plumas?

Además, intenta armar un rompecabezas en el interior de un oso… –replicó el joven arrodillado.

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–Para eso estamos grabando, queremos que los espectadores te ayuden a armar –le respondió.

Bárjamo los vio en su televisor, el cual apareció de la nada, a su lado.

–Creo que esa pieza va en el hígado y no en el pulmón –dijo Bárjamo al televisor.

–¡Ves! –contesta el joven parado desde el televisor.

La gelatina ya tocaba ambos extremos de la pared, medía unos 5 metros y el líquido sanguíneo llegó a inundar la cocina hasta la cintura de Bárjamo. Aún seguía cortando rebanadas, y su abuela pasaba los platos a la otra habitación, pero más lento por el líquido.

–¡Bárjamo, apaga el televisor, te distrae! –gritó su madre sin aparecer. La abuela entró a la cocina.

–Yo me encargo cariño –dijo la abuela.

La abuela se acercó al televisor, lo desenchufó, lo cargó y con todas sus fuerzas lo lanzó a la ventana de la cocina, dejando un enorme hoyo.

–Listo. No más distracciones –comentó.

Bárjamo continuó cortando. Al pastel sólo le faltaba unas 4 rebanadas, mientras que de la gelatina parecía apenas haber cortado unas cuantas con esa longitud.

Entregó otros 2 platos.

–¡Ya corta tus rebanadas, son todos! –le gritó su madre.

Bárjamo, con tanto entusiasmo, tomó el último gran pedazo de pastel, y algo de la gran gelatina. Llevó su plato en sus mano, y caminó con cuidado en el líquido sanguíneo. Antes de poder salir del cuarto, su madre gritó tan fuerte que capaz los vecinos la escucharon: –¡Allá van los trastes!

Una gran ola del líquido con trastes sucios y pedazos de pastel y gelatina bailaban la gran ola, terminó revolcando a Bárjamo, quien perdió sus rebanadas entre las sobras.

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La cocina estaba casi por completo inundada, pero por un agujero se salía el líquido.

Bárjamo salió del agua con un gran suspiro, la abuela nadó con rapidez en el líquido espeso hacia la puerta para el jardín exterior y con fuerza la abrió. Toda el agua de sobras salió rápidamente como una cascada explosiva, arrastrando todo a su paso, mientras que ella se agarraba fuertemente a la puerta. Bárjamo salió con la cascada disparado y cayó al suelo empapado y bañado de restos del postre. Todo el líquido se fue, dejando los restos en el suelo. La abuela estaba ya seca, con una toalla en su mano, volteó a ver la cocina, que estaba reluciente, como si fuera nueva.

–Listo –dijo la abuela, se acercó a Bárjamo y le entregó su toalla.

–Sécate – dijo para luego adentrarse a la cocina.

Bárjamo se levantó del suelo, secándose con la toalla. Vio todo el jardín exterior mojado y con restos de postre por doquier, junto con un sofá verde intacto del líquido sanguíneo.

Notó que en el respaldo había un parche con una etiqueta que decía: “Con este parche en tu casa, no habrá ningún roedor que se adentre a su hogar.” El parche sacaba chorritos de agua por sus lados.

Después, Bárjamo seco por completo, vio un pequeño ratón al frente de sus pies. Le aterraban los ratones, pero con este pequeñín no sentía temor, sino indiferencia. Le abrió paso, y el roedor se adentró a la casa.

–¡Madre! ¡Un ratón se metió a la casa! –le gritó al interior de la casa. Su madre gritó con fervor.

–¡Eso es imposible!

Bárjamo dejó la toalla en el sofá y salió de su casa sin importarle. Al salir, se encontró en un camino muy largo con pastos en los costados, con vacas y toros sin estorbar; incluyendo personas con disfraces y máscaras de los mismos animales vagando. Bárjamo tocaba a las vacas y toros al pasar, y cada vez que las acariciaba sentía una paz y olvidaba todo lo que sucedía. Se acercó a una vaca con manchas café y le acarició su cabeza.

–Cada vez que siento a uno de ustedes, me lleno de mucho amor –le dijo.

Se le acercó a un toro, se acostó como un perrito de casa y le rascó el lomo, y en reacción el toro sacó su lengua. Bárjamo le rascó la panza con mucho entusiasmo. Un grupo de humanos disfrazados de vacas y toros se le acercaron y le otorgaron un tipo de juguete para bebés, de los que al tocar un botón brillan o dan el sonido de un animal. Bárjamo lo tomó, agradeciéndoles, y éstos se fueron sin respuesta.

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Siguió su camino, cada vez había menos vacas animales y humanas, y el camino se tornó oscuro, tanto que ya no podía ver sus pasos al andar. En la inmensa oscuridad escuchó un silbido de serpiente.

El cuarto se iluminó de antorchas en las paredes, Bárjamo se encontró en un cuarto con agua lleno de serpientes y cobras nadando. Sus pies estaban en una isla de piso sólido, un paso más y entró al agua de las serpientes. La máquina empezó a brillar y de los costados, salió un estuche con aros de colores, y el botón de una serpiente con collares brilló.

Bárjamo entendió lo que debía de hacer.

Puso un pie en el agua, y las cobras salieron del agua, mostrando sus largos cuellos y sus fauces. No se movían, solo lo veían atentamente, Bárjamo les lanzó varios anillos, y cada vez que atinaba, los aros brillaban. Eran como 10 cobras, y al ponerles a todas los anillos, era el turno de las serpientes, las cuales eran más diferentes porque no paraban de nadar y no salían del agua como las cobras. Lanzó unos anillos tratando de atinar, pero ningún resultado. Después de lanzar varios anillos sin éxito alguno, tomó todos los que tenía y los lanzó sin razón al agua. La máquina brilló el botón del costado. Bárjamo lo presionó y los anillos se fueron directo hacia la máquina. Solo uno llegó a Bárjamo, y en eso, todo el cuarto se iluminó de varios colores, resultó que todas las serpientes y cobras tenían al menos un collar de un color. Al estar iluminado el cuarto, una puerta detrás se abrió.

Se mostró una gran torre de piedras, con un pilar griego en el centro, al tope una estatua de un yak y varias puertas de piedra cerradas. La máquina iluminó el botón de la oveja, Bárjamo lo presionó, sonó el sonido de una oveja y frente de él, apareció una cuerda de lana rosa en el suelo mostrando el camino. Lo que no sabía era que detrás de él había un yak de plastilina moviéndose al estilo stop-motion de los años 30 's, incluso con los mismos movimientos de esos años.

Siguieron ambos la cuerda y los guió dando una vuelta completa a la columna, donde ahora las puertas se tornaban de paja, y la cuerda se dirigía a una abierta, donde había una gran oscuridad. Bárjamo se acercó a la puerta y observó que la cuerda estaba cortada.

No sabía si bajar, estaba aterrado del abismo, no podía ver si había fin. Indeciso se quedó pensando. El yak detrás de él, se dio la vuelta, arrastró sus patas traseras para prepararse, y con una patada empujó a Bárjamo al vacío. Gritó cayendo, soltando su máquina.

Bárjamo cayó sobre una cama acolchonada de paja. La máquina sobre su estómago, sacándole el aire, presionando un botón, con el cual salió de la máquina un cartón mediano con la silueta de una llama. Empezó a brillar de colores rosados y se notó en el interior una llama en 2D, azul su pelaje, con manchas amarillas, ojos enormes y dibujados al estilo animé, con una voz chillona y alegre.

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–Debes de agradecerme, y yo te agradezco por haberme llamado –le dijo. Su voz era muy chillona, tanto que lastimaba.

–Te lo agradezco –le respondió.

–Yo te agradezco que me agradezcas.

Bárjamo se quedó confundido.

–Yo te agradezco que me agradezcas mi agradecimiento.

– Yo te agradezco todos tus agradecimientos.

–Yo te agradezco por haber terminado tu fase –le dijo la llama seriamente y al decirlo se abrió una puerta iluminando el cuarto con luz exterior; guardando el pedazo de cartón, y las luces rosadas apagándose. Bérjamo, se talló los ojos por tantos colores rosados en su cara. Se levantó con la máquina dirigiéndose a la puerta.

Salió de allí y se encontró en un pasillo a la derecha, con ventanas horizontales rayadas en las paredes; a la izquierda salones llenos de personas sentadas en sillas viendo una pared como si fuera un cine.

Notó un cartel de SE BUSCA hecho a dibujo al frente de él, se acercó a verlo y descubrió que era él. De pronto una campana sonó, y empezaron a salir de las puertas varias personas con esmoquin, hombres y mujeres hasta niños y niñas. Caminando todos en un sentido, hacia adelante.

Bárjamo, para no estorbar, se puso junto a una ventana, y dejó pasar a la multitud de traje.

Sin pasar un segundo, sintió que alguien le agarraba de la nuca, con una gran fuerza hasta ver a una pareja en las escaleras. Era un policía quien lo mantenía agarrado en su nuca.

–¿Han visto a este joven? –le preguntó a la pareja con esmoquin y agarrando a Bárjamo por la nuca. La pareja observaba detalladamente su rostro.

–No, no creo –dijo la chica.

–En absoluto –dijo el chico.

–Mucho gusto –Bárjamo les saludó.

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–Oh gracias por su tiempo, que tengan un buen día –el policía le soltó la nuca. Bajó con la multitud y la pareja detrás de él.

Bárjamo se sobó su nuca. Bajó con la multitud.

La máquina empezó a brillar en sus brazos y un niño al lado de él presionó un botón rojo.

La máquina brilló de colores rojos, la policía notó los colores. Corrieron hacia él. Bárjamo corrió, empujando a los que se encontraban frente a él. En eso la máquina dejó de brillar y en sus bocinas salió la voz de su madre.

–¡No corras en los pasillos! –Bárjamo se asustó, su voz se escuchaba en todo el pasillo. La multitud parecía no escucharla.

–¿Madre? –contestó desconcertado al techo, sin saber de dónde provenía su voz.

–¡Camina erguido!

–Pero mamá, me están persiguien… – interrumpió su madre–. ¡Nada de excusas, Bárjamo, ahora camina!

Bárjamo hizo caso y dejó de correr, caminando rápidamente.

–¡Espalda recta, pies hacia el frente, mirada hacia el frente!

Bárjamo hacía lo que pedía, los policías estaban a unos pasos de él. Bárjamo estaba nervioso por los pasos fuertes que daban. Con toda prisa los policías pararon al lado de él, incluso uno lo empujó por accidente y se disculpó con él. Ellos siguieron avanzando.

Bárjamo caminó tranquilamente, limpiando su frente del sudor y en la máquina sonó una pequeña melodía. Bárjamo vio su máquina y la voz de su madre apareció.

–Si corres por los pasillos te vas a caer y a lastimar como lo hizo el oso Sr. Toot. –brilló un botón de un oso peluche llorando con sus manos en su rodilla. La máquina dejó de sonar la melodía, y él llegó al final del pasillo.

Estaba en un estadio como el de las olimpiadas y era todo un festival, con globos, desfiles, música de trompetas, cañones disparando confeti, y las personas en trajes sentadas en las gradas, celebrando y gritando. Eran caballos de distintas especies con varios adornos extravagantes, como si fueran modelos, cada caballo con uno o dos personas acompañándolos, caminando en la ruta de los corredores.

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Bárjamo admiraba los caballos que pasaban frente a sus ojos, pero notó algo en el centro del estadio. Una mujer joven de pelo castaño con una estola, una corona de 7 picos y una antorcha en sus manos, posando en Y, enfrente de ella un fotógrafo, preparando su cámara. La máquina brilló en el botón azul, Bárjamo lo notó y vio que brillaban unas letras blancas en el botón: “Suerte para tontos”. Por curiosidad, decidió presionarlo. Nada ocurrió a su alrededor, y entonces dio su primer paso, y se tropezó con la cuerda de lana rosa tirada en el suelo, pero eso no lo detuvo, siguió cayendo como si se cayera de una escalera o de un trampolín. Caía con saltos, y cada vez que se topaba con el piso, soltaba un sonido de dolor, rebotando hacia otro punto del piso. Esos rebotes lo llevaban a las gradas, subiendo. Casi al llegar al tope, su rebote cayó en la boca de un cañón. Haciendo que disparara, sacándolo por los aires. En el aire toda su ropa se fue, quedando desnudo por completo, al empezar a caer en curva le llegó una estola, vistiéndolo, una corona se le colocó en la cabeza y una antorcha en su mano. Él gritó en la caída.

El fotógrafo estaba listo para tomar la foto con la modelo, al momento de tomar la foto, Bárjamo cayó sobre la modelo, posando con la antorcha alzada en su mano derecha, sosteniendo la máquina en su izquierda con rostro estupefacto.

Salió en todos los periódicos, con el título: “La Estatua de la Libertad”.

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PAUSA VISUAL Arturo González

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m.i. flores nachón Existen muchos amores dignos de celebrarse. Considero que algunos nos son infundidos pero inevitables, y de alguna manera son los más puros. Sin afán alguno de predicar mi fe en un espacio libre, quisiera dedicar un análisis a escenas en las cuales rescato no solo el concepto de la familia como el inevitable e inescapable árbol en el que nuestras ramas han crecido y cuyas raíces por abajo nos sostienen, pero también los cambios y momentos de vuelo dentro de los esquemas familiares. Una separación basada en el amor.

Como en muchas ocasiones lo he hecho, hablaré de un tema común en la historia del arte, con protagonistas reconocidos, partiendo desde un punto de vista ajeno al usual.

Conocemos a la Sagrada Familia por ser la representación de una familia aceptada socialmente como perfecta, pero también por tratarse de los rostros que son ejemplo del amor y la bondad en un grupo social específico que forma parte de un conjunto de creencias específicas. El amor filial que me parece, es traducible a todos los idiomas, en todas circunstancias religiosas, en cada polo cultural, un lazo invisible que une eternamente destinos que en ocasiones terminan por ser distintos.

Bien conocida la historia de Jesús de Nazaret, y aún más reconocido su rostro moldeado hacia un mensaje evangélico bien ensayado, casi perdiendo la noción de su verdadera existencia y su humanidad, que se ve escondida detrás de ropajes provenientes de las mejores cortes reales, rasgos adaptados para un proceso de conversión religiosa y coronación por sus icónicos halos dorados. Lo mismo sucediendo con María y José. Si bien, han sido sujetos y musos de numerosas escenas y representaciones artísticas, disfruto hablar de tres en específico, las cuales mencionaremos a manera de cronología histórica y analizaremos de forma detallada para entender la importancia y revolución en ellas.

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De la Tour, G. (C. 1640) San José Carpintero, [Óleo sobre lienzo]

La Virgen de las Rocas (c.1483-1486) una obra atribuida en 2005 a la autoría de Leonardo Da Vinci.

En ella se presenta una escena de La Virgen María, acompañada de probablemente quien sea reconocido como el Árcangel Uriel, quien fue asignado para la protección de San Juan Bautista, que a su vez acompaña al Niño Jesús. El título de la obra, así como la escena en sí son ajenas a cualquier pasaje bíblico.

La Virgen se encuentra en una ambientación rocosa, con un tratamiento que asemeja al reconocido y famoso sfumatto utilizado por Leonardo, situación que permitió la atribución. Cuenta la historia que se trata de un cuadro por encargo, parte de un tríptico destinado para el altar de la Cofraternidad de la Inmaculada Concepción, en la Iglesia de San Francesco Grande en Milán. La obra no fue aceptada, puesto que rompía con lo que estaba estipulado en la solicitud inicial, y más aún, si prestamos atención notaremos detalles que no dejarán de brincar a la vista una vez que se identifican.

La Virgen de las Rocas, debía presentar una escena sacra, que fuera de fácil reconocimiento, a lo que Leonardo respondió con un momento en el que se plasma más que nada, un cuadro de juventud y amor.

Una madre cuidando de dos niños, sin nombres ni atributos que puedan definir su destino, un niño tan importante como el de a lado, y un ángel con alas apenas perceptibles. Nadie en la escena porta la aureola dorada que usualmente les corona por encima de los personajes perecederos. Son seres humanos, con vidas humanas. San Juan Bautista es incluso representado más cercano a La Virgen, siendo señalado por el ángel y con cierto protagonismo mayor que el que se le otorgó al Niño Jesús. La inaceptable interpretación de la familia terminó por solucionarse con una segunda versión del mismo cuadro en la que los personajes portan su halo, y el protagonismo es totalmente absorbido por la Virgen María.

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Da Vinci, L. (c.1483-1486) La Virgen de las Rocas, [Óleo sobre tabla]

Más adelante en la historia, Georges de La Tour nuevamente incursionó en el rompimiento de los íconos sacros cuando en c. 1640, pintó San José Carpintero. En una escena solemne, acariciados por la luz tenue de una vela, que ilumina la frente llena de lineas que se alargan y se extienden en un hombre agotado, entregado a la premonición de un destino compartido.

Nuevamente ninguno de los personajes usualmente santificados, presenta vestimenta digna de el Rey de los cielos o un halo que les corone. Más allá de ello, vemos una cálida historia, entre la mirada atenta del niño que pretende entender y aprender la profesión de su padre, quien con ojos inundados de ternura y paciencia, trabaja sobre la madera que formará parte de la cruz, que cargará el cuerpo del niño amoroso.

Por último, La Sagrada Familia del Pajarito, autoría de Bartolomé Esteban Murillo, producida alrededor de 1650, es un cuadro que define el barroco español, por representar a los tres pilares de la familia en cuestión, de forma tan natural, divertida y ajena a la tradición cristiana/católica, que podría incluso pasar por desapercibido la identidad de los mismos. El Niño Jesús es representado jugando como cualquier niño de cuatro años lo haría, sosteniendo en sus manos un pajarito, mientras su madre tierna se encuentra hilando y su padre atento a la escena, jugando con el bebé.

Bartolomé Murillo, experto en representar la sacralidad con tierna cotidianeidad, nos permite recordar que son nombres de hombres que existieron. Que no solo se ha tratado del Rey de los Cielos pero de un hombre que vivió y creció como un niño hasta entregarse a si mismo a la adultez y el destino que se le impuso.

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Murillo, B. (c. 1650) La Sagrada Familia del Pajarito, [Óleo sobre lienzo]

Los tres cuadros me resultan inperdibles pues no solo nos demuestran un amor interminable, sino que nos hablan de las ramas que crecen hasta alcanzar las alas del pájaro que se echará en vuelo. Jesús representado como un ser humano, que se habrá entregado por un concepto de salvación, pero ante todo, el concepto de amor que fue existente en su vida. Hablando de un momento familiar, de un esquema de amor filial traducible, como lo mencionaba antes, a cualquier instancia, Leonardo, Georges, Bartolomé, interpretan de manera tierna, suprema en el tratamiento y la técnina de la obra, el concepto, ententiendo el corazón roto de una familia que acepta un destino impuesto que termina por volverlos eternos.

Victor rivera

ASAC IM A ODIREUQ EH OMOC OREIUQ ET

Te quiero como he querido a mi casa con la intimidad de su alcoba con lo eterno de su jardín con el misterio que oculta una alhaja en la vitrina y la añoranza de una foto en el desván te quiero como uno se aferra a la cuna como se amarra uno al balcón Así con el corazón de mi casa que es la cocina te he querido y te quiero Y te pienso por las tardes en el fregadero cuando todos se levantan y la mesa se queda sola y sucia cuando las voces encuentran sus rincones y leer se vuelve imposible Pensarás qué ridículo si te digo que en el baño nacen las ideas y la fantasía para aquellos que nos asusta quién sabe qué pero algo de allá afuera o tal vez de adentro porque también nos da miedo quedarnos encerrados volvernos locos, dijeran algunos sentirnos muebles vernos polvo sabernos olvido Por eso limpio las ventanas cada que no llegas para verte de lejos cuando atravieses la calle y hago que no escucho cuando metes la llave en la chapa y pretende no quererte aunque sí te quiero como he querido a mi casa

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LOS MUEBLES ASOLADOS Carolina Gómez

Los Muebles Asolados es una banda de Pop Rock originaria de Monterrey, N.L., integrada por César (Guitarrista), Edgar (Teclado), Omar (Voz y compositor) y Rodolfo (Bajo). ¿Nos pueden platicar un poco sobre ustedes? ¿Cómo llegaron a ser lo que son?

Omar: Mira, la mayoría de los miembros venimos ya de proyectos que teníamos antes, pero que terminaron. El bajista y yo teníamos una banda, decidimos terminarla y tuve la idea de empezar esta banda con los mismos integrantes de la banda anterior. Les dije “tengo ganas de sacar estas canciones, tengo ya estas composiciones”... yo, en la banda anterior no componía, era bajista y ya les enseñé estas composiciones y que tenía la idea de sacar este nuevo proyecto un poquito más fresco, porque antes hacíamos como rock un poquito pesadón, no tan digerible. Y llegué con esta idea un poquito más fresca, para los chavos y pues les gustó, les dije que si me querían ayudar chido, sino pues no pasaba nada. Pero todos se montaron, al principio la idea era más como mi proyecto solista y ellos me ayudaron, pero siento que con el paso del tiempo todos se encariñaron con el proyecto igual que yo.

Al final, todos fueron parte de la banda, creo que tenemos un buen flujo creativo, somos una banda que empezamos justo el día que dijeron “no salgan de sus casas” por la pandemia [...]. Gracias al internet, así como estamos teniendo esta entrevista por videollamada, empezamos a hacer música por videollamada. [...]

Edgar: Estaba muy curioso eso, ahora que lo pienso, en retrospectiva, sí era muy parecido a trabajar en una oficina, como en homeoffice. Omar llegaba con la composición, la pasaba al grupo de WhatsApp y cada quién le metía su parte. De hecho, Rodolfo el bajista hacía como un arreglo base para que los demás pudieran trabajar encima de él, sí era un proceso muy de oficina porque un mismo audio se iba convirtiendo en más y más, hasta que ya era la versión final y ahora sí la íbamos a grabar. [...]

Omar: La idea principal de la banda ha sido hacer con lo que se tenga a la mano, de hecho, hay un par de canciones que no se usó ningún micrófono, grabé tal cual con el celular y ya.

Es más el corazón de la banda, no el equipo. [...] ¿Cómo es su proceso de grabación en El Nido Records?

Edgar: Creo que nos acostumbramos un poco a como trabajábamos en la pandemia, entonces no ha cambiado demasiado en el sentido de que Omar llega con una composición, o yo llego con una composición y luego Rodolfo o el que sea que esté disponible, arma una canción base, con eso quiero decir que es la pura voz de Omar, o a lo mejor la guitarra acústica. Y luego, Rodolfo y la persona que trabaja en eso, añade batería y bajo, que es lo necesario para echar a andar una canción completa. Luego, rolan ese audio al grupo de WhatsApp, metemos nuestra parte, teclados y guitarras, que son menos esenciales, no como batería y bajo que son el beat, y ya que tenemos ese demo, comúnmente venimos aquí al estudio a grabar esas ideas con mejor equipo. [...] Se presenta una idea en ese momento y en 10 minutos si gustó o no gustó, se cambió o se quedó, ya continuamos con algo más. Entonces el estudio más que cambiar todo el proceso, nos ahorró mucho tiempo, somos más eficientes a la hora de grabar.

Omar: Casi siempre que llegamos aquí al estudio sabemos ya qué es lo que vamos a grabar, ya muy ensayados para no perder tiempo. Sí ayuda mucho hacer lo de los demos y todo eso, ahorita que ya podemos venir al estudio hacemos un demo base y luego en el estudio hacemos correcciones pero ya para grabar la toma que va a quedar, la toma que se va a quedar. Siento que somos una banda autosuficiente, entre nosotros hacemos todo, el arreglo, el demo, nos editamos, nos masterizamos, todo ese cotorreo. A parte de que nos ahorra bastante dinero, queda más a nuestro gusto. [...]

Hemos visto que en sus canciones, vídeos, fotografías, tienen un estilo muy retro ¿es la imagen que le han querido dar a la banda?

Omar: Para ser sincero es algo que no lo pensamos, yo así tengo años vistiéndome, ellos también tienen años vistiendo así. Desde el principio hemos buscado ser lo más transparentes posibles, no tenemos como un styling, cada quien se viste como se sienta cómodo.

Edgar: Pero sí tenemos que dar crédito que en los últimos dos videos sí nos apoyó Alehtse Vargas, un saludo, muy talentosa. Pero creo que nunca hemos llegado al punto de ponernos algo que en nuestra vida cotidiana no nos pondríamos. Por ejemplo, en el último video que salió, el de “Lo Tienes

Todo" Alehtse sí nos ayudó en línea a hacer un moodboard de

Pinterest, con ideas de outfits, ya cada quien se fue ajustando con “esto me gusta a mí” o “esto definitivamente no me lo pondría”. Y luego tuvimos un proceso de ir a mercadear, a buscar la ropa que nos íbamos a poner que era más económica, y esa ropa que usamos para el video ya se hizo el guardarropas del diario, de hecho, la chaqueta que uso en el video la traigo en la mochila, al rato me la voy a poner. De hecho, creo que de ahí va la autenticidad, aunque nos han ayudado a combinar todo, como un organismo dentro del video, son cosas que legítimamente nos gustan.

Omar: Esa imagen no es pensada en lo absoluto, así somos nosotros, o sea, nada más así se dan las cosas. [...] ¿De dónde viene el nombre de la banda?

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Omar: El nombre de la banda salió porque… cuando yo empecé a escribir canciones, te digo que en la banda anterior yo nada más tocaba el bajo, componía pero más como temas musicales y cosas así, pero cuando empecé a escribir letras, cuando ya me animé, le perdí el miedo, la primer canción la escribí en un trabajo que tenía y normalmente cuando termino de escribir, le pongo arriba para que proyecto es. Entonces, le tengo que poner un nombre, todavía no sabía que iba a ser una banda, pero la escribí sobre un mueble que estaba así todo feo que estaban a punto de tirar, así que dije…. “un mueble, los muebles asolados” y ya, nada más quedó. [...] La neta como que no me lo pensé mucho, solo quería que tuviera “los” o “las” y que estuviera algo largo.

Sus canciones transmiten muchos sentimientos, algunos como melancolía y nostalgia, lo podemos ver en “Carta de Despedida” o en “Tiempo y Lugar”. Así que para ustedes qué es más importante: ¿dejar el mensaje y el sentimiento correcto en la canción, o una buena producción del sonido?

Omar: Yo creo que depende mucho de la canción, pero en la música que hacemos nosotros, yo creo que no importa tanto la complejidad o la técnica con la que estamos tocando, si es primero el mensaje y que la música acompañe lo que estamos diciendo. Si es una canción triste ¿qué sonidos deberíamos de poner?, pues un piano y cosas así. Si tratamos de dejar un mensaje, principalmente por nuestro proceso creativo, primero llego yo con una composición y luego ya hacemos arreglos, así que desde el principio sabemos ya cuál es el mensaje de la canción.

Después de eso ya pensamos que tiene que sonar a esto, en Los Muebles Asolados es primero el mensaje y luego el resto.

Edgar: Yo creo que sí tiene que ver mucho con lo que dice Omar, de llegar ya con la composición, porque igual nuestro proceso ya casi está escrito en piedra para nosotros, no para todas las bandas y compositores es lo mismo, sí he conocido a gente que empieza a componer la música primero, luego la letra y después trata de descifrar por qué escribió eso y le da su significado.

Y aquí es en reversa, es bastante importante ese núcleo emocional que tiene que tener una canción, porque sí nos frenamos en muchas cosas y nos empujamos para poder llegar a ese cometido. A pesar de que nuestra música es rock y está más del lado pop, en el sentido de la simplicidad, pero en un sentido positivo,

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cuando algo es simple está chido, como músicos queremos ser más complejos, pero también siempre tratamos de tener como prioridad “esto no necesita la canción”, a lo mejor es divertido para ti tocarlo, pero tratamos de pensar cómo se va a transmitir a la audiencia este mensaje. [...] Que le impida al escucha distraerse del mensaje que tiene la canción, lo que nosotros intentamos que ellos sientan. [...] ¿Cómo fue el proceso de hacer el álbum compilatorio?

Edgar: Pues yo creo que puede ser muy fuera de lo común, pero no lo hicimos pensando en un álbum como tal, porque un artista que se dedica a sacar puros álbumes, que ya está en su pico de la carrera, sí lleva años y piensa “primero voy a componer todas las canciones, luego hacemos todos los arreglos y ya que esté completo vamos al estudio a grabarlo”, es un proceso larguísimo y cada quien tiene su método. Pero nosotros como no teníamos los recurso para grabar un disco, bueno, ni los recursos ni el interés la verdad, de meternos al estudio y hacer todo ese proceso larguísimo de estar en cero y que pasen dos años y apenas puedan las personas empezar a escuchar lo que estás haciendo, no nos

latía. Entonces, fuimos sacando sencillo por sencillo, está en orden cronológico en Spotify y YouTube, y ya al final llegamos a la conclusión de que queremos cerrar como una etapa de nuestra musicalidad, y queremos también ofrecerle a la gente que nos escucha un material en el que tengan todo en un solo lugar. [...]

Omar: Yo lo siento más como terminar una primera temporada de la banda, digo, hace dos años que empezamos con esta banda y ya se le tenía que poner un fin, no digo que ya se va a terminar la banda, pero sí lo siento como un primer cierre de temporada. No me gustaría que vieran esto como un primer disco de Los Muebles Asolados, bueno, sí es un disco, un álbum, pero es un compilado por eso no tiene un nombre de un álbum. Es nuestro catálogo para demostrar “esto hicimos de este año a este año”. [...]

¿La segunda temporada la podremos escuchar este 2022?

Omar: Yo creo que no, hasta el 2023. Siempre sacar un material requiere de mucho tiempo, mucha organización y sobre todo disponibilidad de los integrantes.

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Creo que vamos a encontrar la manera de que salga adelante, además hacemos esto de puro corazón, o sea, no crean que estoy aquí porque quiero ser millonario y quiero hacerme famoso, en serio es de puro corazón, todos venimos haciendo música desde chiquitos. Y, más que nada es la convivencia, a mi me gusta mucho, estos batos son mis mejores amigos, a mi me gusta estar así rockeando y voltear a verlos. [...] Este año no quiere decir que no vamos a hacer nada, al contrario, vamos a estar trabajando bastante para lograr que en el 2023 salga “la siguiente temporada” si así lo quieres ver. Pero lo próximo en salir no van a ser puros sencillos, obviamente habrán porque un disco requiere que haya un sencillo, pero será un álbum, no un compilado. [...]

Estamos ansiosas por escucharlo, esperamos que para el 2023 volvamos a tener una entrevista con ustedes.

Omar: Y esperamos este año ir a todas sus ciudades… Ya saquenme de aquí.

No olviden seguirlos en sus redes sociales y plataformas de streaming Instagram: @losmueblesasolados Puedes escuchar la entrevista completa en nuestro canal de YouTube y podcast de Spotify.

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Fernando Salas

Besarte en el amanecer en Huatulco traerte a Huatulco proponerte venir a Huatulco proponer vernos hablar tanto confesar que me gustas hablar poco contestarte historias comprarte la tesis comprarte el mar de Cholula y sus alrededores escucharte en la radio ubicarte no tener idea de ti.

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Esta es la historia con Paola Medina hasta el día que se fue de Huatulco por primera vez.

Estoy enamorado y rendido a esa idea. Estoy cansado, también, después de cuatro días en la playa después de tantas horas en la cama después de tantos paseos tantos atardeceres tantas europeas topless tanta risa tanta magia tanto del sueño que sueña que ya no sé qué es cierto y que no.

Estoy enamorado de Paola Medina. Por fin, tras meses puedo escribir eso, enseñar eso, decir eso. ¿Tendrá consecuencias? Seguramente. Esa es la idea. Estoy enamorado de Paola Medina y vino a verme a Huatulco. Nada perdida. Pero antes de todo eso hay más.

Estoy enamorado desde hace meses (¿ya más de doce?) y a Doni le consta. A worship, a cult, a crush, call it what you want. Un aura, una energía, un algo. Una luz para mi barco, una señal para mi intuición, un deseo activo. El de vez en cuando y luego el cada siempre.

Declararse, Pao, deberíamos casarnos algún día. ¿Algún día? ¿Qué vas a hacer mañana?

Pistas de un jugueteo eterno, de un entendimiento sin antecedente: un lenguaje común. ¿Puede la conversación ser más grande que el amor? Repito, ¿puede esta conversación estar (tantito) más allá del mismísimo amor? Si todo tiene nombre, ¿cómo se llama esto?

Hola Paola todos los días. Hola Paola. Hoy qué. Hoy qué nos vamos a inventar hoy cómo te voy a entretener dos horas al teléfono hoy cómo te voy a chamuyar hoy hasta qué hora tienes porque quiero hasta el último minuto y uno más de tu voz y una palabra más de tu boca y una risa más.

Señor, yo no soy digno de que entres a mi casa pero una palabra tuya bastará para sanar mi alma.

Pero una palabra tuya. Pero otra, pero es que son horas de notas de voz. Son horas de notas de voz son horas al teléfono: son horas jugando ping pong. Ping, pong. Ping, pong. Ping, pong, ping pong ping pong ping pong ping pong a qué hora se ping cae la pelota pong ping a qué hora ping uno se deja de pong reír como desquiciado ping pong ping, pong, ping, pong.

Son horas de tu voz. Y ahora quiero tu voz cómo me llevo tu voz ¿cómo se lleva uno la voz?

Volver a tu chat volver a tu ya, largo, largo chat, imagínate mira vamos a hacer el ejercicio, voy a contar cuánto tardo en llegar del primer al último mensaje de tu chat. Un minuto diez segundos. Mira no suena a tanto pero la cosa es. El diez de julio del año pasado. El treinta y uno de julio del año pasado. ¿Qué? Como agua se ha ido el tiempo.

Apenas llegaste a Huatulco y hoy te llevé al aeropuerto es que no puede ser.

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Y luego un muy casualmente bueno pues, hay que vernos. Un muy casualmente sacar cita.

Que también pudo no haber pasado. Que ahora no entiendo por qué no veo por qué pero bien pudo no haber pasado. Un muy casualmente llegar a un muy casualmente hay que vernos. Ping pong. Lugar, fecha, por qué, que si cruzar el país por ti, que la tristeza de dejarte pero que puedo pagarla pero es que ay sí me gustas qué vamos a hacer. Una conversación larga otra vez, el tema importante, el tema.

Y luego qué crees dice don Guillermo que si vienes a Huatulco te puedes quedar acá, ¿quieres? Ya muy bien oye y si nos vamos a San Agustinillo tres noches es una playa de por acá no quiero estar en el hotel que mira se llama Luna Sirena que sí Luna Sirena y si lo pagas de una vez que sí que ya lo pagué que cómo crees qué locura mejor de una vez ahorita que estoy loco ahorita que estoy loco por ti pero eso no lo vamos a decir.

Mesura. Cómo ha cabido tanta mesura en tanto desmadre.

Qué mesurados, qué por las ramas. Que sí mucho te quiero mucho de bajada pero con los frenos. ¿Pero con los frenos? Dónde quedaron los frenos, dónde quedó la cabeza yo ya perdí la cabeza yo ya perdí la cabeza desde hace meses de hecho cada nota de voz era un día perdido más en la búsqueda de mi pobre cabeza de mi pobrecita cabeza de mi pobrecito corazón de mi tan cuidado corazón.

Luego Oaxaca luego russian always russian pa’rriba pa’bajo pa’rriba pa’bajo cinco días cuatro días tres días ¿dos días? ¿un día? ¿mañana? Un insomnio. Un insomnio, una hora de sueño, un baño a las cuatro y media de la mañana un ramo de flores sentarse en la estación ver venir un autobús emocionarse ver a todo mundo bajarse, ver otro autobús, emocionarse, ver a todo mundo bajarse, pararse al final del pasillo verte.

Ver a Paola Medina, recargarse en la pared con el ramo ahí, ver a Paola Medina en su confusión en su esperar la maleta en su dónde está este wey, ver a Paola Medina y que te viera. abrazarte.

Abrazar fuerte a Paola Medina reírse con Paola Medina por fin reírse con Paola Medina acompañar a Paola Medina, abrir la llave. Hablar. Conversar. A lo que te truje chencha.

Conversar. ¿Una conversación? LA conversación inagotable, con principio sin final, con apenas comas con apenas puntos. La conversación de WhatsApp ahora aquí, en vivo, a todo color a las 5:30 de la mañana.

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Subir escalones con Paola Medina conversar bajar escalones con Paola Medina divertirse caminar por la arena con Paola Medina ver las luces del amanecer. Sentarse en una piedra y darse cuenta. Como estúpidos darse cuenta. ¿Darse cuenta de qué? De estar amarrados a media hoguera de ver la vitrina de la abuela llena de vajilla invaluable perder la vertical en cámara lenta de cerrar los ojos y pisar el acelerador. Ver el amanecer; los pájaros volando para ese par de tontos, las olas mojando las piedras, los rayos de sol aquí, dónde más.

besarte.

Besarte en el amanecer en Huatulco traerte a Huatulco proponerte venir a Huatulco proponer vernos hablar tanto confesar que me gustas hablar poco contestarte historias comprarte la tesis comprarte el mar de cholula y sus alrededores escucharte en la radio ubicarte no tener idea de ti.

Besarte en el amanecer, saber de la debacle, ser feliz. Infinitamente feliz antes de las siete de la mañana. Acostarme a tu lado antes de las ocho de la mañana. Presentarte a todo mundo antes de las diez de la mañana. Acostarme otra vez a tu lado hasta las tres de la tarde. Verte a los ojos, recorrerte las manos los brazos el cuello recorrerte la sonrisa besarte los ojos y entender, nada. No, entender, nada. No ? comprender ? la ? realidad ? como tal ? no ? comprender ? nada. Tener hambre ir a comer conversar regresar ir a la bocana, sentarme contigo en la cabañita. ¿Sentarme contigo en la cabañita? Escuchar el silencio del mar; reconocer el silencio del mar, reconocer el amor por ti el tanto amor por ti. Qué baje dios y lo viera.

Presentarte a Don Guillermo y que se portara el más amable. Su colección de arte, la casa impresionante, que hayan nacido con 1 día (y varios años) de diferencia. El puto acantilado, ver el acantilado, la punta más salida de Huatulco, la banca que se había ido por el risco, lo natural de todo.

Y luego San Agustinillo. La más fina / nice t-shirt. Gracias. Cómo quema la arena, cómo arde el corazón. Carlos.

Todo gratis, todo gay, todo argentino, todo empanizado.

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Luna Sirena. Y de ahí hasta hoy todo un sueño. Fin de la historia.

Ya en serio. Tanto contigo Paola, tanto contigo. ¿Nadar juntos en el mar? Increíble. ¿Comer juntos? Por qué me parecen magia cosas tan normales, no entiendo. Casa Corazón.

Tienes una casa en mi casa, corazón. Es que de qué hablamos, de qué hablamos tanto tiempo de qué hablamos. Qué pasa en un sueño, a dónde se va todo lo que hace un momento estaba ahí y cuando despiertas se va haciendo brumoso.

Es, literalmente surreal. Perseguir ballenas; oficialmente ya no las quiero matar. Perseguir ballenas, perseguir delfines. ¿Nadar con delfines? ¿Escuchar delfines en el mar? Dios mío.

Interrumpir la privacidad de dos tortugas que tienen un orgasmo cada treinta segundos, la hembra aletea y el macho cabecea cada vez. Y luego sobrevive un hijo de tantos pero da lo mismo. Cuatro horas de hacer el amor. Quién fuera una tortuga.

tocarte.

Hay tantas cosas que no puedo contar acá, tanto a la imaginación, tanto para adentro. La privacidad y la intimidad son buenas amigas. Yo que sé, pero es que tanto, Paola. Tanto.

Tan lejos ha llegado este lenguaje común, que me parece ya que las palabras son una excusa para dos corazones que llevan un rato buscándose. Yo busco tus manos, siempre. Y ahora solo tengo tu voz, otra vez. Te tengo en fotos y en recuerdos, eso sí es nuevo y es una fortuna, una bendición. De todas formas da igual, tus gestos se me irán borrando, haciendo copia de una copia y yo estaré sediento de ti como ya lo estoy ahora.

Pero es que me da igual. Yo ya no puedo más, de verdad. Soy un río desbordado soy marea alta soy caerse por el acantilado y no mirar atrás.

Me cuestionas, me estremeces, que me arrastres o me eleves Lo importante es lo que hagas de mí, de mí…

Te digo amor

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me quemaste hasta los cimientos y me di cuenta que no me hacía falta nada de todo eso el amor es una cosa de cuidado una cosa de andarse con cuidado una cosa de cuidarte una cosa de cuidarse las espaldas de hacerse cariñitos en la espalda una cosa de cuidarte voy a cuidarte, cosa me dejaste en cenizas y todas volaron tiznaron la vida de otros el amor hace eso te hace polvo te hace aire todavía no me decido si contigo, por ti o para ti empecemos contigo? Sí, siempre, todo por ti? Ahí está la cosa si te digo por ti es cierto? escribo por ti? por la idea de ti, sí por el amor a ti, sí pero es amor a ti y no por ti, creo pero no creas que no yo por ti cruzaría los cielos desvelaría la luna arriesgaría la vida sería o me inventaría

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si tú me lo pidieras yo me cambiaría el nombre y sería otro solo por compromiso poético y para ti. para ti sí la cosa es simple para ti? sí sí hay si puedo sí tengo sí quiero sí lo había pensado sí lo creo sí entonces quedamos que no sé si por ti y está muy bien eso no estoy completamente loco está muy bien eso estoy enamorado incendiado estoy flotando estoy que no me creo nada que no se me acaban las palabras los besos la vida el tiempo para quererte el tiempo para pensarte para acordarme de cómo eres cómo te sientes pero no estoy completamente loco te imaginas? un beso tuyo o dos o los que hayan sido fueron abrir la llave abrir con la llave fueron abrir y tirar la llave comerse la llave yo para ti tengo palabras a borbotones yo por ti pondría las manos en el fuego en el texto en ti las manos en ti yo contigo yo contigo no sé qué haría.

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Mariel Alessandra

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Mi trabajo es una constante experimentación en distintos medios, una amalgama de lo tradicional con lo digital. Utilizo la tecnología como una herramienta para atraer al espectador y generar la posibilidad de involucrarse con lo que ve. Las técnicas de arte tradicional y los nuevos medios se encuentran en el camino. Pienso en mi trabajo como una exploración de la belleza de lo efímero a través de la representación de los pequeños momentos que experimentan mis personajes en entornos fuera de este mundo.

Mis proyectos tienen mucha influencia de la filosofía japonesa; me he inspirado en esa sensibilidad y apreciación por la naturaleza y su curso. Específicamente me baso en el Mono no Aware, trato de convertirlo en una experiencia estética que se traduce como una sensación ambivalente y valora la cotidianidad aun sabiendo que tendrá fin.

Encontrar la belleza en formas inesperadas, en los pequeños momentos, en la ausencia, en los espacios, en el paso natural del tiempo sobre las cosas. Una belleza que quizá nos genera nostalgia porque no volverá, pero a la vez, es lo que nos permite apreciarlo con más ímpetu. Y es un poco como la vida misma: aceptar que todo esto que experimentamos cesará.

Explorando y apreciando estos instantes es como también me he ido encontrando a mí misma. Es por ello que no me interesa hablar sobre el destino de mis personajes, ni sobre un posible propósito; me interesa, más bien, representar estos momentos en distintos formatos, la oportunidad de reimaginar mi realidad y cambiar mi perspectiva con ayuda de fantásticos seres que contemplan y se fascinan ante eventos fugaces.

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