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Diciembre '21

No. 2

Vol. 12

Buymeacoffee.com/catartica

21 de las 39 obras expuestas por Malévich en la exposición 0,10. 1915

Dicen las malas lenguas que los finales son nuevos comienzos. En Catártica nos gusta pensar en ello, por eso la portada del último mes del 2021 enmarca el trabajo de dos artistas: Adrienne Antonson (1982) y Kazimir Malévich (1879 – 1935) quienes, en sus propios términos, abordan la temática del cambio y los ciclos en su trabajo. De hábito nocturno y vestida con colores opacos, la gran polilla que se encuentra como elemento central del diseño remite a una larga tradición de leyendas y creencias populares que le han dado una reputación de muerte. Augurio de pérdida, símbolo de mala suerte e incluso mera manifestación del mal, las polillas tienen una injusta reputación que sus primas las mariposas no cargan, a pesar de que ambas se encargan de la importante tarea de polinizar y ser parte del ciclo de la vida. Adrienne Antonson se inclina a esta última premisa y decide centrarse en la recuperación de materiales para generar objetos. Utilizando fibras naturales, en especial el cabello humano, Antonson produce ropa e insectos a partir de los cuales discute sobre la dualidad entre vida/muerte y lo bello/desagradable, mientras recuerda el importante uso del cabello para hacer joyería u objetos de luto durante la época victoriana. Como diría el sociólogo alemán Norbert Elias (1897 – 1990), por la naturaleza de los objetos, “el cuerpo sigue estando presente en el recuerdo de las intimidades.” A manera de fondo, la parte negra del famoso Cuadrado negro sobre fondo blanco, del pintor Kazimir Malévich, acentúa la reputación de las polillas y al mismo tiempo nos recuerda la liberación plástica que proponía Malévich con el suprematismo. En este, se pretendía representar el todo (cuadro negro) y la nada (fondo blanco), en pocas palabras, lo que no se puede representar, un mundo basado en la abstracción geométrica que reproduce un universo sin objetos. Para ello, el artista debía de liberarse de su realidad, cambiar su perspectiva y generar nuevas maneras de ver el arte que quería producir, nuevos contrastes, nuevas armonías y otra paleta de color. De esta manera es como Catártica quiere terminar y empezar el año, así que sigan leyendo y esperen el cambio.

Adrienne Antonson, (2008), A moth made from human hair and glue Kazimir Malévich, (1915), cuadrado negro sobre fondo blanco, Galeria Tretiakov, Moscú, Rusia. Enciclopedia de Historia, Suprematismo, https://enciclopediadehistoria.com/ Halsey Institute of Contemporary Art, (2008) mend: love, life, loss group-exhibition https://halsey.cofc.edu/main-exhibitions/mendlove-life-loss-group-exhibition/

CICLOS A.G.C

La Grafémica Marciana Omar Khalid

El Óraculo de Varsovia Ernesto Ocaña

Poemas de Invierno Victor Rivera

Diseñando la atemporalidad Bruno Sánchez

No todo es... Rossanna Huerta Inconsciente

25 28

Moons A 70 días de las puertas a la eternidad 30 M.I. Flores Nachón duelo en soledad Nat.cisa

Lo que callan los ojos Arturo González Lara

LA GRAFÉMICA

MARCIANA

Omar Khalid 5

“Retrato con lenguaje marciano II” Omar Khalid óleo sobre adera 60x60 cm 2020

"La Piedra" óleo sobre tela 30x48 pulgadas 2019

Desde 2014 mi trabajo se enfoca en el estudio y exploración de las emociones humanas a partir de una visión extraterrestre. Parto de la idea de que para comprender algo en su totalidad es necesario alejarse y analizarlo desde afuera. Comencé a desarrollar personajes marcianos de apariencia semi-humana, llamados Visitantes, capaces de vivir en nuestro planeta, con la única intención de experimentar la vida en la Tierra. Poco a poco, estos seres marcianos van entendiendo la vida humana, pero a partir de las emociones que nosotros solemos denominar como negativas. Los Visitantes, desde su mirada neutral y

ajena, no conciben la dualidad bueno-malo o negativo-positivo, ya que para ellos cualquier conocimiento adquirido en nuestro planeta es un generador de experiencia, por lo tanto ponen a prueba su capacidad de sentir y de pensar, llevándolas al límite. Juego con la retórica visual para crear imágenes, escenas o situaciones complejas, donde los Visitantes nos muestran entre metáforas, difíciles de comprender, algunas respuestas a nuestras interrogantes existenciales. Sumado a esto, los Visitantes intentan transmitirnos ese

"Retrato con lenguaje marciano I" Omar khalid óleo sobre madera 16x16 pulgadas 2020

Instagram: omarkhalid_artist

ese conocimiento que han obtenido en su estancia en la Tierra, también de manera escrita, como una bitácora de sus expediciones y lo que aquí han obtenido; principalmente análisis sobre el dolor, la tristeza, la muerte y el fracaso. Las piezas “Retrato con lenguaje marciano I y II”, son una serie de exploraciones grafémicas como parte de mi investigación llamada Estéticas Marcianas, estas exploraciones no tienen traducción, ya que pretenden ser escritas sobre las emociones que aún no somos capaces de comprender o descifrar.

EL ORÁCULO DE VARSOVIA Ernesto Ocaña Observa tus sueños y pesadillas, observa las estructuras imposibles que puede erigir la arquitectura de tu mente. Para sentirnos carentes de talento e incapaces de cualquier creatividad no hace falta observar a Picasso o a Magritte, sino pensar profundamente al abrir los ojos en los diseños que habitan nuestra mente al dormir. Yo lucho, día con día por traducir esos mundos a la palabra o al papel, me esfuerzo romper la torpeza de mis manos y la niebla de mi mente; porque ansío que otros sean testigo de lo que veo en el lienzo de mis párpados, pero me es imposible, soy sólo un humano. Creemos que somos nuestra mente, cuando en realidad somos un aspecto de esta que ha logrado conciencia. Al dormir, nos vemos rodeados por todo lo que formamos, y las neuronas que recorren desde los pies hasta el intestino, el corazón y la punta de la nariz, comienzan a soñar una realidad que nos aplasta. En pesadillas toman venganza por no formar parte de nuestro ego, crean realidades confusas y dominan casi la mitad de nuestra vida, nos recuerdan todo aquello que se fue y nos muestran noche con noche cada una de las cosas que no existen. Pero sobre todo torturan nuestra imaginación activa y nuestro intelecto, nos muestran maravillas que apenas podemos recordar, mucho menos reproducir.

Zdzislaw Beksinski era sin embargo un hombre peculiar, quizá un emisario de los sueños. Durante décadas, pintó ventanas a un mundo que todos reconocemos, pero que por primera vez observamos dentro de la realidad compartida. No pinta sueños ni pesadillas, así como todo, el mundo nocturno no es negro ni blanco, es un espectro repleto de posibilidades perennes. Es un arte como pocos, de una rama olvidada, sin discursos teóricos o siquiera títulos, simplemente una imagen imposible de ignorar, aterradoramente existente.

El de Beksinski es un arte poco conocido, y a la vez infame, es un cuerpo de trabajo que figura constantemente en la cultura popular, pero que el arte como disciplina ignora. Quizá es de lo más cercano que tenemos a la visión clásica y romántica del arte, a esa versión mítica que nunca existió, dónde el arte sólo es, independiente de cualquier contexto. Es arte para todos, sin barrera cultural o socioeconómica, pero además es arte que todos necesitan ver, sentir y por lo menos una vez, llorar. Siento el enorme pesar de mi débil creación, y al verla junto con estos portales oníricos, incluso me pesa más, me duele más. Pero también me permite descansar, porque es justo lo que añoraba, ver esa realidad postestructura, esa realidad sin sentido y poderla recordar y conversar con mi otredad.

En los cruciformes de su arte, encuentro divinidad palpable, en sus creaturas grotescas encuentro sensualidad insólita, en sus paisajes absurdos busco encontrar futuros improbables, en su persona no encuentro nada más que al arte sin artista. Lamentablemente Beksinski murió en 2005, en la era de un Internet distinto, antes de entender la magnitud de su producción en la generalidad del mundo. Fue asesinado, no por llevar la vida hedonista, depravada y peligrosa que asumimos del título de artista, fue asesinado por ser una persona normal con sensibilidades normales, su nombre retumba en mi mente solamente porque lo relaciono con su producción.

Los cuadros de Beksinski son arte, no estoy seguro el que tanto provienen de un artista. Lo que me consta es que provienen de un hombre polaco, sin entrenamiento formal en las artes, que elaboraba sus propios óleos, que fue descrito como callado y tímido; pero algo cálido y con gran sentido del humor, que no disfrutaba mucho de visitar museos o ir al cine, y no tenía una explicación simple para su obra. Provienen de un hombre tan atípicamente artístico, pero tan tradicionalmente humano que no puedo evitar matarlo tierna, fácil y respetuosamente por segunda y última vez.

Hubiera podido irme mañana siendo carne de mi sombra espejo de mi ausencia trazo de mi dedo en la ventana hubiera podido ahorrar un poco abrir las cortinas reconocer el invierno saberme otro o el mismo en otro tiempo

hubiera podido

¡tanto hubiera podido!

si hubiera

tal vez la esperanza tal vez mañana

Victor Rivera 13

Es la zarpa de un tigre rasgando el corazón no de quien falta sino de quien sobra es un alcázar de arena derruido por el soplo de un viento inesperado puñal vengativo ignominia primera desborde contenido y profundo

silencio

es un segundo abandono tormento incorpóreo un réquiem mudo que taladra al hipotálamo y reverbera ya en el sueño ya en la vigilia

Tendríamos que haber sabido el final para no encariñarnos haberlo marcado en el calendario desde el principio y esperarlo en silencio haber escrito en una carta nos quedan cinco primaveras juntos y abrazar el invierno

haría falta: acomodar el corazón en las maletas y tenderle la cama a quienes vendrán después a ocuparla atrancar la puerta

no mirar las ventanas en el transporte y esquivar las preguntas fulminantes de quien no sabe nada encontrar el consuelo en uno mismo reconciliarse y soltar el plural

«El diseño es simple, por eso es tan complicado»

Paul Rand. Lo simple y austero evocan a la atemporalidad, esta conclusión se desglosa del principio más famoso del funcionalismo y modernismo del siglo XX: La forma sigue a la función. Esta regla se rige principalmente por las necesidades a cumplir que dictaminan el diseño y por la amplitud dada para experimentar con el diseño sin perder el objetivo, es decir, si el diseño es universal, simple, pragmático y autero, este transmite una formalidad estética y una funcionalidad tangible en su complemento que, de manera discreta y repentina, gana el juicio del tiempo evocando a la atemporalidad. Lo simple se complica al implantarle significados sobrantes o redundantes a la idea, en el diseño generalmente queda implícito la meta de la atracción visual sobre los otros sentidos que, similar a la lingüística, debe respetar una sintaxis lógica y concisa lo

propósito ideal. Lo austero deja de ser cuando su valor adquirido depende de ornamentación y esta a su vez funge únicamente el propósito superfluo de cumplir con los cánones de estilo adoptados por y para el momento presente, corriendo el riesgo de estancarse en la remembranza del pasado, marcado por el estilo o diseño que, crédulamente, esperaba superar el juicio popular del momento de manera llamativa y unánime, sin prestarle la importancia suficiente a su añejamiento. He ahí que la forma eclipsa a la función por medio de una ostentosidad innecesaria con el fin de aludir una grandiosidad inmerecida mediante la mera estética de lo material con tal de compensar una carencia que nunca faltó. Se pierde todo el sentido de la función y, a largo plazo, también de la forma al quedar marcado con los caprichos del pasado. Aquello que cruza los umbrales de la atemporalidad lo hace de la manera más discreta e indudable posible. La belleza no pide llamar la atención y lo funcional no requiere instructivo. Las artes visuales no siempre son funcionales, pero así como las artes corporales marcan el ritmo de una generación, lo visual da pauta al estilo de la sociedad que se le presenta. La forma y la función eventualmente se rebasan entre sí, anteponiendose con los modismos de la época, por lo que al lograr un equilibrio que priorice ambas partes sin restarle equidad complementaria es, comúnmente, digno de reconocer. El arte es filosófico, político y educativo, pero no es política ni filosofía ni educación, el arte no será muchas cosas, pero algo que sí es con certeza es que es útil, en especial para aquellos que lo saben expropiar más allá del lienzo o del taller hacía lo ajeno y popular. El arte incluso llega a ser

Poster de Kandinsky para la Bauhaus

usado como una herramienta para decorar la fachada de un progreso idílico con el fin justificar la sumisión de las masas bajo la bandera del orden, como se comprueba en cada retrato, umbral, moldura, fachada y esquina ornamentada de museos, iglesias, ayuntamientos o cualquier edificio que históricamente haya sido sede de poder influyente, desde la base arquitectónica y su amplitud estructural hasta la decoración minuciosa y pomposidad banal que alude a la auto glorificación de un poderío frágil o volátil casi siempre refiriéndose al idilio de lo divino pero muy rara vez con los pies en la tierra. Así pues tanto el arte como los cánones de diseño fueron planteados por y para la gente de poder con el fin de, indirectamente, implantar a la población un estilo social de vida que influiría su comportamiento y reafirmaría el status quo que segregaría a la población mayoritaria de la minoría más influyente, lo cual se puede observar y confirmar en la homogeneización de la arquitectura urbana napoleónica en Europa o la imposición del sistema de haciendas y creencias en las colonias españolas en Latinoamérica así como las influencias francesas en México durante el porfiriato. El diseño era arte, el arte era exclusivo y lo exclusivo era para el poder, por lo tanto, el diseño evocaba al poder, por más cotidiano y banal que fuese el propósito, el punto era ser “de buen ver”. La función era expresar un efecto impositivo en una controlada lucha de clases por medio de la sobrevaloración estética de la cotidianidad exhibida en bandejas de plata a la población general como la fachada de una meta inalcanzable. Mientras más grande sea el castillo, más lujoso el palacio y más grandiosa la catedral, más amplia era la desconexión entre regidores y regidos, entre influyentes e influenciados, entre la conformidad humana y la subsistencia subyugada; es decir, mientras más evidente sea la concentración de lujos y riquezas, menos democrática y más cínica es una sociedad o una nación, desde una historicidad todavía palpable. Si bien el arte ha sido considerado un lujo, el diseño en cambio empezó a ser visto como una necesidad para mantenerse a sí misma por medio de lo que expresa, principalmente a partir de la segunda revolución industrial (1870 – 1914) y la explosión comercial de las primeras grandes empresas privadas que llevó a aludir al público ya no por medio de una grandiosidad fanfarrona a la cuál temer o venerar, sino por lo alcanzable e integral que transmita la misma idea subliminal pero con un diferente mensaje más apacible a la vista.

Poster de Kandinsky para la Bauhaus

A principios del siglo XX, se daba apertura a la funcionalidad pragmática de la, aún latente, arquitectura monumentalista, que ya hacía guiños de desenfocarse de las reglas tradicionales del arte y diseño y a su vez enfocándose al vacío del futuro el cual incitaba proyectos de menos contemplación y más universalidad. El expresionismo en la pintura fue el punto de inflexión, en sí inspirado por el fauvismo, para dirigir los estilos de diseño a un lenguaje más subjetivo y al mismo tiempo más susceptible a la interpretación, nivelando el valor del espectador con el del autor en el margen de apreciar la literalidad que se muestra sino analizar el efecto personal que motiva. El Art nouveau se externalizó más allá del arte convencional hasta lo que ya luego sería formalizado como el diseño industrial, diseño gráfico, así como elementos de la arquitectura, bajo la conciencia de que “el futuro ya comenzó”, todo en fomento del progreso por medio de un diseño pensado, artístico y participativo. Ya era necesario reemplazar las doctrinas anteriores para renovar las normas a partir de su ruptura con el pasado y la apuesta al futuro desde el mismo presente. Se requería de una tragedia, como lo fue la primera guerra mundial (1914 – 1918), para evidenciar aquellos criterios obsoletos y reinventar el estilo de vida, pensamiento y percepción de una sociedad cada vez más libre y dignificada, era necesario la liberalización del futuro. Era momento de democratizar el diseño como arte funcional. La Bauhaus aunó los principios funcionalistas con las ideas establecidas del Art nouveau y la evolución del expresionismo, así como la adopción del suprematismo; y eventualmente el constructivismo ruso, para reformar la modernidad del modo, diseño y estilo de vida en la sociedad fracturada alemana de la posguerra. Los ideales de la escuela giraban en torno al principio básico del funcionalismo: la forma sigue la función. Esto en pro de que la funcionalidad contribuya en la lucha por un futuro armonioso para una sociedad cada vez más igualitaria, con una total amplitud creativa y con ayuda de las aplicaciones de la industria para lograr la innovación moderna respondiendo a las necesidades del presente de manera discretamente vistosa a cualquier tiempo. Fue una concentración de ideas frescas y nuevas llevadas a la práctica, lo cual tomaba tiempo y enfrentaba resistencia, pero gradualmente ese objetivo se fue materializando junto con el auge económico y social que representaron los años 20’s, sumando la pauta de reinvención del propósito social de una comunidad en constante progreso. Sin embargo, lo que llevó al abrupto fin de la Bauhaus fue el choque de la brutalidad ideológica de una visión del progreso.

El ascenso del régimen nazi quedó marcado por la censura, prohibición y exilio de todo lo considerado dañino para la “supremacía germana” y remplazado por la remembranza de las ideas y mitos glorificados del imperio alemán girando en torno a un solo mostacho en todo ámbito posible en lo cultural, en la vida cotidiana y más allá. La cultura había caído en un estado de homogeneización monumentalista semejante a lo que recién se había dejado atrás, fue un retroceso con técnicas modernas, pero con ideas arcaicas que antagonizaban las ideas de la funcionalidad universal y de armonía social. Obviamente la gran mayoría de estos principios ya no eran bienvenidos y la posibilidad de adaptarse significaría ser servidor de un régimen sin apertura de una verdadera libertad, todos los contribuyentes del pensamiento moderno tuvieron que emigrar con sus ideas. El régimen ganó por un momento, pero el paso natural del progreso eventualmente regresaría como la norma tácita y global a seguir. La arquitectura fue el máximo exponente y mejor ejemplo de la aplicación del funcionalismo/racionalismo y de ahí emerge el diseño industrial inspirado en la obra, esto con el fin de lograr una armonía entre el servir al sujeto y al entorno, esto denotando una sobria ecuanimidad con el avance social de la noción del individuo como parte de un colectivo que depende de la calidad de su entorno. La segunda guerra mundial (1939 – 1945) hizo notar la gran importancia que causa el efecto de las artes y medios

visuales en la motivación de las masas haciendo alusión a sus valores como individuos y como nación de manera simplificada, afable y fácil de reconocer sin mayor detalle a profundidad, sobre todo en el diseño gráfico. Como un elemento imprescindible del lenguaje visual, la estética finalmente iba acorde con la modernidad que se pretendía alcanzar a pesar de que el modernismo considerado “abstracto” no era la norma intrínseca general aunque, al final de cuentas, esa era la idea, democratizar el diseño como arte funcional.

Sillón F51, de Walter Gropius.

Los auges, boomes y milagros económicos que fueron dándose a mediados del siglo XX en diversos países, requerían promover la alusión al progreso y al futuro, ya no con base en el idilio de lo divino sino en la posibilidad de un porvenir tangible, por lo que la forma y función, gráficamente, llegó a ser una sola entidad definida aludiendo la ligereza que debe cargar el psique humano, al pragmatismo que requiere la colectividad y al progresismo constante hacia el futuro que, conjuntamente, se ha convertido en el incentivo que le da razón a nuestra realidad. A partir de los 50’s y 60's es cuando el diseño logra renacer, siendo negocio redituable y un arte respetado dentro de la propiedad cultural común.

La función del diseño gráfico, visto desde una perspectiva meramente artística, no es necesariamente mostrar lo que se ve o se dice, sino plantear la idea de un concepto que se pretende comunicar sin forzar a relacionarlo con algo en específico, aunque así se intencione, se es flexible. Un ejemplo sería uno de los mejores pioneros y puntos de referencia del diseño gráfico moderno para la reparación moral de Alemania en la posguerra y uno de mis diseñadores favoritos, Otl Aicher y el trabajo hecho en el diseño de identidad que lideró para los JJOO de Múnich ’72.

En la actualidad, el desequilibrio que demerita el papel del diseño ya no es entre la forma y la función, sino entre el capital y la intención, como en todo arte contemporáneo que se ve en la precaria decisión de permanecer auténtico y buscar un equilibrio o fusionarse directamente en la nube del imaginario colectivo con tal de ganar notoriedad y ganancias fáciles pero a costa de devaluar la obra e incluso el gremio, ante servidores de una sociedad que ya logró prosperar hacia una cierta dignificación universal que cumple sus estándares autoestablecidos pero que ha perdido el aprecio de la funcionalidad pragmática, sobria y apacible sin intención alguna más que evocar a lo que ya damos por sentado hoy. Por lo que cabe recordar que lo simple y austero evoca a la atemporalidad.

NO TODO ES...

RENACIMIENTO ITALIANO Rossanna Huerta

A decir verdad, este mes de “No todo es…” se ha vuelto un ataque contra mí misma, por mi amor al arte italiano, ya que realmente soy fan del dramatismo y de la composición de sus esculturas y estructuras arquitectónicas. Pero el objetivo de esta columna no soy yo — aunque me gustaría— sino que ustedes descubran un nuevo artista cada mes. Siento que principalmente he hablado de puros artistas de las Vanguardias Artísticas, ya me estoy volviendo redundante, por lo que me dedique a curar a alguien de otra época. Este será el caso del pintor flamenco, Pieter Brueghel, el Viejo. Empecemos con una pequeña historia sobre nuestro adorado artista del mes: en primera, no tenemos tanta información sobre él pero, según Karel van Mander, Brueghel nace en una pequeña aldea cerca de Breda. Comenzó su aprendizaje en Amberes en el taller de Pieter Coecke de Alets. Viajó a Francia e Italia —grandes lugares en donde se desarrollaron las corrientes más características del renacimiento y del barroco—, donde no mostró interés alguno por la arquitectura y escultura antigua, sino que se interesó por los paisajes de las montañas de los Alpes y los Apeninos. Varios expertos en el arte flamenco comentan que estéticamente no se aprecia ninguna evolución notoria a través de los cuadros fechados, por lo que han preferido catalogar su obra según el núcleo temático de cada pieza. Algo que se ha vuelto bastante notorio en el arte de Brueghel es que, entre 1557 y 1563, sus motivos se vuelcan hacía los asuntos caprichosos y diabólicos al estilo del Bosco (Díaz, s.f.). Y de aquí hemos sacado nuestra obra del mes: “El Triunfo de la Muerte”.

Esta pieza fue producida entre 1562 y 1563 —un poco antes de la Guerra de los Ochenta Años entre lo que conocemos como Países Bajos y Flandes—; consideremos que la imagen de La Muerte se ha vuelto algo inseparable de la vida de la Edad Media, tanto así que se volvió parte fundamental del pensamiento del individuo promedio hasta el punto de considerar la muerte como la razón de la existencia. La obra de Brueghel es lo que llamamos una obra moral y muestra el triunfo de La Muerte sobre el mundo terrenal, observamos un gran ejército de esqueletos arrasando la Tierra con diversas escenas de destrucción casi superpuestas unas con las otras, a mi me recuerda al caos al estilo del Bosco (Afonso, 2019). Vamos a analizarla poco a poco. En un primer plano —prácticamente en el centro del cuadro—, observamos a La Muerte dirigiendo a sus legiones sobre un caballo rojizo, va destruyendo todo lo que va a su paso en el Mundo.

La estructura cuadrada del lado medial derecho es un enorme ataúd y observamos como todos los participantes del Apocalipsis van guiando a las personas a su destino final. Todo estrato social está incluido en la composición, al Rey lo vemos sufriendo en la esquina inferior derecha, la nobleza sufriendo y el pueblo… sin esperanza. Algunos intentan luchar contra su funesto destino, otros se abandonan a su suerte. Les daré un dato curioso aquí, incluso la composición está organizada por estratos sociales de la baja Edad Media — rey/clero/pueblo— pero con tanto caos, es posible que no sea tan visible al ojo inexperto (Haindl, 2011). Matías Díaz nos comenta lo siguiente:

Brueghel, P. (1562-63) De triomf van de dood, [óleo sobre tela] Museo Nacional del Prado

Pieter Brueghel dio la espalda a la confianza del hombre en el universo heroico y optimista que le tocó vivir, para recordarnos sus miserias. No sólo revive el espectáculo del medievo más sombrío evocando visiones del Bosco, sino que, provoca una crítica social, un espolón de la Contrarreforma que estaba por venir y un avance de una sociedad donde todas las clases sociales y los hombres son iguales ante Dios y su destino (s.f.) Afonso, S. (2019) El Triunfo de la Muerte. Historia del arte!. https://historia-arte.com/obras/el-triunfo-de-la-muerte Díaz, M. (s.f.) Brueghel el Viejo, Pieter. Museo Nacional del Prado. https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/bruegel-el-viejo-pieter/7db5ac82-26fd-4d5d-93b3-a13b48e848d1 Díaz, M. (s.d.) Triunfo de la muerte [Pieter Brueghel el Viejo]. Enciclopedia: Museo Nacional del Prado. https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/triunfo-de-la-muerte-el-pieter-bruegel-el-viejo/5a1ea2bfa269-44be-8466-95e5ae34396e

Los pecados capitales los encontramos representados aquí mismo: Lado inferior izquierdo: La Codicia y la Avaricia representadas por los barriles con oro que están junto al emperador y al cardenal, no importa todo el dinero que tengas, nadie escapa a la muerte

Lado inferior derecho La Gula, la Pereza y la Lujuria simbolizadas por los jugadores y amantes que se encuentran en la mesa que, a pesar de la tragedia que se avecina, siguen disfrutando de los placeres

La pintura reproduce un tema habitual en la literatura del medioevo como es la danza de la Muerte —consejo del mes, escuchen Danse Macabre de Camille Saint-Saëns—, es el fin, el mundo está consumiendo en un glorioso caos del cual nadie se escapa, es una imagen casi asfixiante una vez que te encuentras frente a ella. Nos damos cuenta de nuevo de nuestra gran mortalidad, aquí no nos muestra el gran juez que nos va a salvar de la perdición del Infierno —que tanto nos han prometido en las misas—, la Muerte vendrá por cada uno de nosotros.

ETNEICSNOCNI

El final que queremos y deseamos es complicado. Lo piensas, escribes y vuelves a pensar. Nos vemos sentenciados por él. Pensar en nuestro final nos acerca más a él. Cuando comenzamos a desear, a analizar, intentamos responder preguntas que no tienen solución, pero son necesarias. La falta de respuesta nos entretiene, la curiosidad mueve y motiva al ser humano. Creemos saber lo que el otro piensa, lo que es y nos asombramos cuando descubrimos que no es así. Mostramos al mundo lo mejor de nosotros para ser aceptados, lo que creemos es lo mejor de nosotros sin importar si es bien recibido y apegado a lo moral o lo que sabemos que nos traerá la mayor cantidad de beneficios. Al ser conscientes, al crear la mentira de nuestra identidad intentamos dejar atrás y callar los pensamientos, que aparecen rápidamente sin aviso, y que luego de un momento ya no recordamos, pensamientos que constantemente nos recuerdan que en sociedad no somos nada más que una farsa.

¿Existe la finitud cuando los pensamientos no acaban, no mueren? Cuando los pensamientos viven ¿viven hasta que nosotros dejamos de hacerlo? Al final nuestros pensamientos son lo que somos. Los pensamientos no son falsos, son la realidad y la respuesta de nuestras preguntas y de la humanidad, son las preguntas antes de la percepción, narrativas, y la verdadera tortura de los seres humanos. Somos conscientes de que pensamos pero no qué pensamos, una infinidad rápida e inoportuna de nuestra mente. Los pensamientos son incómodos, intrusivos, inoportunos y no paran, ni siquiera por un segundo, nos atormentan si son negativos, nos motivan si son positivos. Los pensamientos son lo único infinito que tenemos ya que están a pesar de todo y son finitos ya que cuando fallecemos dejan de existir.

MOONS Floral collages by: Daiva Sauke

A 70 DÍAS DE LAS PUERTAS A LA ETERNIDAD 30

La verdadera oscuridad tiene al amor como rostro. La primera muerte, sucede en el corazón. Kurvitz, R.,et al. (2019), Disco Elysium El haber crecido en la fe católica me ha permitido no tenerle miedo al final, al contrario, ansío por el sueño que me permita alcanzar la eternidad. No un punto, una pared o una barrera; algo más como unas puertas. Supongo que habrá quienes estemos muertos antes de realmente estarlo, la primera muerte sucede en el corazón, la segunda… no lo sé. Vincent van Gogh (1853 - 1890) es de los pocos nombres que presiento que no tengo que reseñar para que la gente lo reconozca. Sus obras han sido, posterior a su muerte, un legado que ha provocado más de un primer acercamiento artístico. Si bien, sus pinturas son realmente sensibles y amistosas, indudablemente agradables, tengo una que en lo especial, consigue conmoverme de una forma indescriptible, la primera vez que vi Anciano en Pena, también conocido como En las puertas de la eternidad (1890), mi corazón se hizo chiquito. En general, la historia de Van Gogh me estruja. Hablar de él me resulta similar a hablar de un ser mitológico, una leyenda como el Juanote de Xalapa. Vincent van Gogh es mucho nombre, mucha obra y mucha historia, la cual reconozco que es de dominio público, por lo que no intentaré narrar sino comprenderla desde mis ojos. Los últimos 70 días de Vincent son objeto de estudio y protagonista de miles de productos culturales, provocadores de emociones. Yo he sido víctima de ellas, he odiado a Paul Gauguin y he llorado por la mente de Vincent. Sin afán de saltarme su vida, me centraré en su muerte; Arlés como primera parada hacia las puertas de la eternidad. Su llegada a Arlés está datada a inicios de 1888, dos años antes de su muerte. El lugar terminó por convertirse en un personaje más dentro de sus obras. Él mismo decía que no era necesaria ninguna fuente de inspiración más que el solo hecho de abrir los ojos. No echemos culpas a los lugares, entendamos a Van Gogh como un ser humano cuyos diagnósticos, aunque tal vez atinados, fueron mal tratados.

La leyenda en la que se ha convertido su vida, narra las varias conclusiones de su estancia “sana” en Arlés, la cual termina con el incidente de la oreja La oreja de Van Gogh, que ha sido una cosa y que ha sido la otra. Se habla de un regalo a una mujer, del altercado con Paul Gauguin, una automutilación o una mutilación que fue rematada a manos propias, se habla de una pequeñita parte de la oreja perdida, y del completo aparato auditivo. De una forma u otra, la oreja de Van Gogh ya no formaba parte de su cuerpo para el momento en el que él mismo decidió internarse en el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, lugar que le permitió la vista para su obra más conocida: La Noche Estrellada (1889). A través de las cartas de Vincent, dedicadas a su hermano Theo, es posible detectar su decaimiento mental y emocional: ataques de terror y alucinaciones le apresaban en su propia mente. ¿Qué puedo decir de estos dos meses? las cosas no están yendo bien en absoluto, estoy más triste y aburrido de lo que podría describirte, y ya no sé en qué punto estoy ... Mientras, sin embargo, todavía hice algunos lienzos pequeños de memoria que verás más tarde, recuerdos del norte [souvenirs du nord] ... tan melancólico me siento. Carta de Vincent a su hermano Theo, datada a finales de abril de 1890.

Si bien existen varias teorías que explican el uso de los colores en sus obras durante su estadía en el sanatorio como una relación directa a su estado mental, me parece atrevido aventurarme a asegurar algo. Considero que desde un inicio las obras de Van Gogh estaban marcadas por una fuerte sensibilidad, que intentó durante un largo tiempo adaptar hacia la estética que era consumida en el momento. También creo imposible mencionar que no vendió nada, porque no fue así, o que su obra no tuvo defensa alguna ante la crítica pues colegas del siglo hicieron compañía a algunas de sus obras expuestas en el Salón de los Independientes durante 1889. La obra de Vincent es un recorrido visual a través de una constante experimentación en búsqueda de sí mismo. En la prisión de su mente él descansaba su pincel en un lienzo para desatar la desesperación de no encontrarse.

Los últimos 70 días de Van Gogh son tan leyenda como su vida entera. Sabemos en qué acaba la historia, pero me parece igual de aventurero asegurar la razón. Posterior a su estadía en el Sanatorio, decide salir; se traslada al último lugar en el que estará Auverssur- Oise, una pequeña localidad cerca de París. Se hablan de cerca dehasta 69 cuadros firmados en sus últimos días, un pleito entre Raíces de Árbol (1890) y Campo con Trigo y Cuervos (1890) para decidir cuál de las dos fue la obra final. Nuevamente hay una serie de comentarios que narran su muerte entre dos vertientes: un disparo de origen desconocido el 27 de julio de 1890 o un disparo a mano propia. Los últimos 70 días de Van Gogh sucedieron en una profunda depresión, un completo mal entendimiento de su propio ser. Su obra a lo largo de su vida fue motivo de una importante exclusión, pleitos entre colegas artistas, críticas sobre lo “feo” escondido en su pincel, agresiones por parte de los pueblerinos que le veían pintar de forma “grotesca” en sus estudios de campo, entre muchas otras formas de demostración de odio; o temor. Su obra, a lo largo de la historia, ha sido el vehículo que lo ha llevado hasta las puertas de la eternidad. Los últimos 70 días de Vincent Van Gogh fueron el principio de su largo reconocimiento

Van Gogh, V. (1890). Campo con Trigo y Cuervos, [óleo sobre tela]

Quisiera hablar ahora brevemente de mi obra favorita; Anciano en pena / En las puertas de la eternidad (1890), si bien se habla de una serie de litografías, estudios y dibujos en distintas técnicas y periodos, este anciano en pena descansa sus codos sobre sus muslos. La primera vez que vi detenidamente esta obra, fue en un libro viejo de Historia del Arte en la biblioteca de mi abuela, que también era admiradora de Vincent. No lloré porque apenas entendía la historia del hombre y del nombre. Gracias a los muchos productos culturales pude acercarme lentamente a su leyenda.

Durante la clase que tuvimos sobre él, con la profesora Lázara Guadalupe, lloré, porque por primera vez pude ver una pena detrás de los pesados codos del anciano. Tal vez ahora entiendo que el anciano ya estaba muerto antes de estarlo, cerca de la puerta pero aún no cruzada, escondido, atemorizado, preocupado, pero entregado. La belleza reside no sólo en el sentimiento que descansa en sus pesados codos sobre sus rodillas, pero también en la cálida luz que espera a recibirlo, una eterna luz que jamás cesa.

Van Gogh, V. (1890). Anciano en Pena/ En las puertas a la eternidad, [óleo sobre tela]

Vincent Van Gogh cruzó unas puertas de las cuales nunca regresó. Vivió muertoVivióo muerto, pero muerto vive. Me duele el entender que las condiciones en las que se desarrolló su historia no fueron óptimas para una persona que sufría de las enfermedades que él sufrió. Vincent tuvo su primera muerte, mucho antes que la segunda, sin embargo, compartimos algo, él, durante algún momento decidió hacerse de la vida pastoral, protestante, además de extenderse de manera espiritual posterior a ello. Quiero pensar que compartimos el no temor a la muerte. Ni a la primera, ni a la segunda, compartimos el sentir, el temor, el cansancio. Compartimos el rostro escondido entre las manos y los codos sobre las rodillas, el temor pero también la esperanza de cruzar unas puertas que nos llevan a un destino sin final.

Me parece que un pintor tiene el deber de tratar de poner una idea en su trabajo. Estaba tratando de decir esto en esta impresión, pero no puedo decirlo tan bellamente, tan llamativamente como la realidad, de la cual esto es solo un reflejo tenue visto desde un espejo oscuro, que me parece una de las evidencias más fuertes de la existencia de 'algo en lo alto' en lo que Millet creía, es decir, en la existencia de un Dios y una eternidad, es la cualidad indescriptiblemente conmovedora que puede haber en un anciano así, sin que él sea consciente tal vez, mientras se sienta silenciosamente en la esquina del hogar. Al mismo tiempo, algo precioso, algo noble, que no puede ser destinado a los gusanos ... Esto está lejos de toda teología — simplemente, la cabeza de un granjero en el umbral de la eternidad.

Van Gogh, Vicent (1992). Cartas a Théo. Barcelona, Editorial Labor

d a d el o s n e ol e u d

intenté buscar imágenes, palabras, fotos donde pudiera ver reflejado este dolor. no encontré ninguna. nada. y es que nada más que las que se reproducen en mi mente podrían explicar el dolor de esta pérdida. las palabras se quedan guardadas a la fuerza, porque ya no las escuchará quien debía . los sentimientos que te consumen por saber cuánto tiempo, porque no hay manera de acelerar el proceso de duelo. la fuerza para seguir después de hacer las paces con la ausencia, tu ausencia. si te pienso, ocupas la mitad de mi vida, de mis recuerdos. la primera vez que te vi es una estampa hermosa que se reproduce constantemente detrás de mis ojos. eras muy inquieto, te nos escapaste y metiste debajo de unas peceras. de fondo el ruido del gigante abarrotado y la luz blanca intensa no hacían que se sintiera como una veterinaria. no tengo una estampa de cuando te fuiste, es más, me lo dijeron un mes después y sólo porque regresaría a casa y no te iba a encontrar. no sé si debo de estar agradecida de que no te vi partir. creo que me atormentaría. aunque sí hubiera querido verte una vez más, tener ese último recuerdo tuyo por más horrendo que fuera, porque me contaron cómo pasó todo y es peor no haber estado ahí para ti cuando tu pelaje, ese cortito y fino y todo cafecito, dejó de subir y bajar.

el final, ¿qué pasa con lo que se acaba? ¿con la vida que termina y todo lo que queda? es triste ver cómo todo sigue su paso no se detiene es como si fuese un suceso cualquiera pero no lo es, al menos no para mí. me costó pensarte sin llorar. ayer visité el pedacito de pasto donde descansas, ahí donde te gustaba acostarte. tu hijo te extraña, creo que más de lo que yo lo hago. creo que también lo estás llamando, ¿verdad? porque se enfermó. lo estás llamando y lo entiendo, porque no estamos acostumbrados a la ausencia de alguien que conocemos desde que nacimos. la muerte, ¿qué es la muerte? ¿tú dónde estás? ¿tienes alguna forma de ver este mundo o vernos desde donde estás? ¿o ya no estás en ningún lado? la finitud de una vida, en un momento acaba todo pero no para las demás personas alrededor, ellas siguen, seguimos. no creo que sea injusto pero sí es horrible. a la muerte no le he tenido nunca miedo, al duelo sí porque se siente eterno, lo siento eterno. ¿cómo procesar una pérdida en soledad? ¿a dónde van les muertes?

Nat.cisa

Lo que callan los ojos Arturo González Lara Cuántas veces, amor, te amé sin verte y tal vez sin recuerdo, sin reconocer tu mirada, sin mirarte, centaura , en regiones contrarias, en un mediodía quemante Pablo Neruda

Quise quitarme los ojos cuando te vi con otro, quedarme ciego y despojarme de este infierno. No soportaba el hecho de admirar tu belleza de pies a cabeza; mirando con fuerza y tomando con firmeza con tanta pureza la mano de otro tonto, así que decidí arrancarme los ojos

Existía un hombre muy pequeño que no tenía gremio vagando sin rumbo por su propio infierno. Desolado, deseaba que alguien le diera un buen argumento de su áspero sentimiento que lo dejaba sediento y sufriendo. No entendía qué es lo que sentía en esa fría manía por descubrir más de lo que le afligía. Encerrado en su propia jaula de deseos, solo miraba al hombre de la arpa tocar esa mañana. Quieres ser como el hombre pequeño quieres triunfar en la música, escribir tus propias melodías y tocarlas con gran alegría, pero no te atreves hombre pequeño eres tu propio infierno, creando con tus locuras un mundo donde tu eres la víctima, el mártir, el hombre desolado incomprendido. Te llenas de temor a cualquier actividad creativa y tachas de enfermos mentales a todos los que quieren usar su imaginación como un niño. Hombre pequeño, en lugar de tener sabiduría prefieres una pistola que te de con violencia hombría; matas tu deseo de ser un gran artista por que te da miedo quedar expuesto a las etiquetas que la sociedad te a enseñado. Hombre pequeño, hoy te digo no construyas tu casa sobre la arena movediza si no sobre la roca, no escuches a tus vecinos si no escúchate a ti mismo y no prostituyas tu alma trabajando en algo que no amas. Tu hombre pequeño, eres el comienzo y el fin de tu propio universo, en un mundo desolado tú puedes empezar a hacer el cambio, ni el ultimo día de vida es tarde para empezar de nuevo y quizás hoy no seas un sabio, pero mañana puedes empezar a serlo. Hombre pequeño desde aquí te doy un consejo sueña y atrévete y da al mundo lo mejor de ti mismo, vive tu vida y no vivas por los demás, toma esa arpa y empieza a tocar.

Creí ya al verte olvidado hasta que te soñé ayer. Vi tus ojos, tus rizos, tu sonrisa y tu forma de ser. Desperté con el vació de tu ausencia, ese que había llenado manteniéndome ocupado, quise decirte que te extraño, pero tengo miedo a que me vuelvas a rechazar como aquella vez, así que te escribí un verso el cual sé que nunca vas a poder leer

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