Catártica : Junio '20

¿ Q u é

e s

?

κάθαρσις -Kathársis-

Catarsis muchas veces ha sido entendido como un proceso de purificación y liberación emocional, mental y espiritual. Se atribuye su origen en Grecia, en donde Aristóteles hace uso de la palabra para explicar la sensación de limpieza en el alma del público tras presenciar la tragedia griega. El método catártico entonces es justo aquél que se utiliza para la exaltación de una emoción y tras ella, la liberación. Es entonces que realmente podría ser interesante interpretar el arte como un método catártico pues, ¿quién no ha llorado, temblado, enojado por una obra? Catártica nace como un proyecto con intensiones de explorar, experimentar y descubrir, explotar al máximo la capacidad de sentir a través del arte.

¿Quiénes somos y qué queremos?

Somos un conjunto de estudiantes de diferentes disciplinas con la ambición de hacer llegar el arte a quien lo necesite. Con la desesperación de hacernos entender y escuchar en este mundo en el que abunda el ruido, Catártica nos permite tener una voz desde letras entintadas, en donde el discurso a pesar de ser monólogo permite el diálogo en la comunidad de estudiantes y profesionales del campo y sobre todo alcanzar a todo aquél que desconozca, que quiera conocer y que esté dispuesto a leer voces con distintas opiniones. En pocas palabras, Catártica es nuestra herramienta para entender y comunicar nuestra relación sensible afectiva con nuestro mundo.

Hujar, P. (1969) Orgasmic Man . [Fotografía]

Así es la gente

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Lluna Trencada

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¿Qué pasará con el cine?

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Midsommar (2019)

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Artivismo

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Paternidad Iluminada

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Vivimos en lugares, pero no 20 tenemos casa

Movimientos de Territorializaciรณn

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Paradojas y Cotidianidad

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Mes del orgullo

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Poster Power: Protest Art from

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South Africa

El perfume: historia de un asesino

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María José Díaz

Así es la gente Normalmente te enseñan que la gente se divide en dos clases: gorda y flaca, rica y pobre, inteligente y tonta, fea y bonita, de color y blanca. ¿Realmente es así?

Cuando uno es niño ve la vida con más color, de forma lenta, armoniosa.

Irreal. Conforme crecemos conocemos las etiquetas, creamos nuevos estereotipos basados en los de alguien más, en los de una revista, en los que vemos en la televisión o en los que escuchamos de gente mayor y “sabia”.

Nuestras mentiras se vuelven una Rayuela

Mentimos en lo que somos, en lo que comemos, vestimos, hablamos.

Somos una maldita mentira y fingimos ser reales.

Un cuerpo perfecto debe ser delgado, pero no tanto porque es enfermo. La mujer debe ser sexy pero no mucho porque puede ser vulgar, el hombre es un macho alfa pero no demasiado porque llega a ser machista. Los niños deben jugar y tener cosas lindas, pero no tantas porque se hacen berrinches. Vivimos en un maldito límite. Nosotros.

Hace unas semanas pasó algo atroz (una atrocidad más), George Floyd fue asesinado por un policía. Gente de todo el mundo se volteó a ver esa escena de crimen ignorando los problemas de su comunidad, alzando banderas, cantando himnos, destrozando, llorando ¿Amando?

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¡Mentira!

Quieren hablar de racismo e injusticia, pero creen que ser moreno es sinónimo de feo, le dicen “prieto” al compañero con tez diferente a la blanca. Se enorgullecen por tener a una mujer de raíces indígenas en casa, pero le prohíben comer de un plato de porcelana; le dicen “indios” a las personas incultas. Paradójicamente todos quieren ser whitexican, un arquetipo más de alguien adinerado y privilegiado; al mismo tiempo se burlan de ellos y los tachan de tontos, mamones, presumidos. ¡Qué bueno que no somos racistas!

Junio es el mes del orgullo gay y como los inmorales que somos les aplaudiremos, cargaremos su bandera, nos pondremos felices porque tenemos un conocido que salió del closet, publicaremos sus escritos y bailaremos sus canciones... después los humillaremos. Volveremos a jugar al dios que juzga, les prohibiremos el matrimonio, la libre expresión, los tachamos de pecadores y los llevaremos al psicólogo. Buscaremos una supuesta cura para sanarlos, los insultamos con: “ay que puto eres”, “te gusta la tortilla”, “tú no eres hombre para opinar”. Sin embargo, por alguna extraña razón si un hombre ve a dos mujeres besándose se excita, goza de ese momento y después el acoso de las fantasías derrumban el momento. Seguimos siendo un aparato sexual, cargado de morbo. ¿Desde cuándo la piel se convirtió en la lujuria de alguien más?

Los hombres quieren ver senos… sin leche, de lo contrario es algo grotesco.

La naturaleza es asquerosa, pero ver como penetran a una mujer por dos de sus orificios es excitante. El sexo es una delicia, pero solo para los hombres. Si una mujer tiene más de una pareja le dicen puta, si un hombre se acuesta con más de una mujer le dicen “fuckboy”. Y no me hagan hablar sobre el derecho del aborto ¿Por qué protestan? si cuando la mujer le dice a su pareja que está embarazada, él dice que “irá por cigarros”.

Que buenos hombres, que buenas mujeres… ¡que buenas personas!

Hoy hay una maldita contingencia y a la gente solo le preocupa cuánto papel de baño tiene para limpiar la mierda de su falsedad. Se enojan con las personas que venden en la calle, pero no se dan cuenta que no todos tienen Netflix y mascarillas de Miniso, no tienen para un cubrebocas ni mucho menos para alimento. No fuera una imagen en Instagram o un hilo en Twitter para darles su “corazón”. ¿Dónde quedaron las pequeñas virtudes del individuo?

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Tenemos sed de poder. Gritamos ser justos y buenos, pero no conocemos su significado. El miedo a ser libres es tan grande que somos nuestra propia jaula, mutilamos nuestra esencia para ser parte de una sociedad. Seguimos modas absurdas, algunos comen carne, otros plantas con sabor a tocino, pero no somos diferentes; fingimos saber de vinos, aprendemos idiomas extranjeros y negamos nuestras raíces. Queremos una habitación propia, pero ¿A qué costo?

¿Habrá luz de agosto o seguiremos siendo pequeñas marionetas?

Así es la gente: irracional y llena de “peros”

Libros Rayuela - Julio Cortázar El acoso de las fantasías - Zižek Las pequeñas virtudes - Natalia Ginzburg El miedo a la libertad - Erich Fromm Una habitación propia - Virginia Woolf Luz de agosto - William Faulkner

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L l u n a

T r e n c a d a

María José Díaz Pasos en el techo. Cadenas que van y vienen. Un bebé que llora. Un grito de dolor y súplicas. Intentas dormir, ya no te atormentan esos sonidos. Cierras los ojos.

“La luna roja trae muchas maldiciones, por eso debes de cubrir tu ombligo con un listón rojo.” Te dijo tu madre la mañana siguiente. Crees que exagera, desde que murió tu hermano se ha vuelto más supersticiosa.

“Además, qué casualidad que caiga en día de muertos. A mí se me hace que Satanás ya lo tenía planeado.” La ignoras, piensas que solo es una señora con menopausia que extraña mucho a su hijo. Le deseas un bonito día, cuelgas.

En el trabajo están poniendo la ofrenda, dedican a todos los feminicidios. Crees que es una tontería, los muertos no vienen del más allá, por eso están muertos. Te encierras en la oficina. Transcribes unas cosas, después de un rato ves el reloj, son las 7:00pm.

Tomas tus cosas y te vas a casa.

Huele a carne podrida, otra vez el refrigerador se averió. No le das importancia, vas al baño. Te desvistes, tienes una pequeña roncha roja en tu estómago. Pica, te rascas y empieza a crecer. La picazón crece, la piel va tomando un tono rojizo. La garganta te duele como si tuvieras cristales, las manos te pesan. Tienes calor, mucho calor. El sudor te corre por la frente.

Sientes un desgarre. De tu ombligo comienzan a salir gusanos, larvas y hormigas. Trepan por el estómago. Las pequeñas patas te erizan los vellos.

Pican, arden ¡queman! Caminas unos pasos hacia atrás, pegas con la pared.

Una mano te toma del cuello. Sus delgados dedos te aprietan. Sientes que tu garganta se oprime. Quieres respirar, pero no puedes. La mano te azota una y otra vez a la pared. La sangre brota de tu frente. Los insectos no paran de salir. Comienzas a llorar, súplicas que pare, pides ayuda.

Escuchas una cadena, el llanto de un bebé, las súplicas de una mujer.

Al día siguiente, alguien teclea en tu habitación.

Ahora es azul, detestas ese color. Una mujer cocina y un niño juega.

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¿Qué

con

pasará

el

Lucero S.T.

cine?

En el contexto actual donde todas las instituciones, los valores ético-morales, las costumbres y tradiciones son cuestionadas, todo apunta a que hay mucho que contar. Si bien el cine es el medio óptimo para ello, no podemos negar que las dinámicas de producción, distribución y exhibición están cambiando en todo el mundo. En esta ocasión, tuve la oportunidad de entrevistar a Sergio Huidobro para desahogar un par de dudas sobre los cambios que tendrá el cine en las circunstancias que nos rodean.

Pero antes de comenzar, Sergio, cuéntanos sobre tu formación y el surgimiento de tu interés por el cine.

Mi formación profesional es doble, soy comunicólogo y al graduarme, cursé la Maestría en Estudios Latinoamericanos, ambas en la UNAM, la primera en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales y, después, en el Centro de Investigación para América Latina y el Caribe (CIALC). Esa es la formación académica, y de forma personal me fui formando en las artes visuales a lo largo de los años, decantándome de forma definitiva por las audiovisuales, el videoarte y el cine a través del oficio periodístico desde 2009 y, de una forma más íntima, a partir de una retrospectiva dedicada a Bill Viola en el Grand Palais de París, en donde me encontraba haciendo una estancia de idioma. Ya en ese momento había empezado a escribir e investigar en torno a la imagen, pero esa tarde ahí ayudó a materializar y volver sólidas ideas y proyectos que apenas eran intuiciones.

El interés por lo audiovisual ha sido bicéfalo, pues abarca tanto el proceso creativo de los artistas -y aquí entra el cine, pero también otras disciplinas- como la investigación del cine como industria cultural. La escritura de crítica ha sido el puente que comunica a una con la otra.

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Pasando al tema principal; es indudable que estamos atravesando una crisis económica en todos los ámbitos, lo cual me hace pensar en la producción cinematográfica. ¿Sobrevivirán solo los más fuertes? ¿El pez más grande se comerá al chico? ¿Consideras que será poco saludable para la industria cinematográfica que no haya balance entre las producciones comerciales y las independientes?

Es un proceso tan nuevo, anómalo e imprevisto que deja abierta las dos posibilidades. En efecto, la lógica del capital y las formas de reproducción del capitalismo hacen pensar que, como en cualquier enfermedad, los órganos con menos defensas son los primeros afectados. En este caso, los organismos independientes o sin estructura corporativa —cineastas, salas, distribuidoras, casas de producción, festivales, etc.— son quienes enfrentan las mayores amenazas. Pero, por el otro lado, veo también una explosión de formas innovadoras en las que esos organismos han ampliado sus audiencias y encontrado formas de sobrevivencia saludables, como el streaming, los contenidos de paga, la programación de ciclos, estrenos o conversatorios en línea… en fin, un montón de iniciativas que tienen ventajas grandes, como el alcance geográfico y demográfico entre la población, a diferencia de las salas arthouse o los festivales. Así que hay pros y contras, cuyos efectos se verán dimensionados una vez que volvamos a algún tipo de normalidad.

Como cientos de establecimientos, las salas de cine se vieron afectadas por ser lugares con posibilidad de conglomerar multitudes, lo que se traduce en puntos de riesgo ante la pandemia. Sin embargo, ante las condiciones actuales, las plataformas digitales permitieron que los productos audiovisuales continuaran consumiéndose. ¿Piensas que los servicios de streaming amenazan la distribución y el consumo tradicional de las películas o esta modificación beneficiará a largo plazo a distribuidores y consumidores?

Creo que me adelanté a esta respuesta en la anterior. Creo que van a complementar y redefinir la experiencia en salas, sin que éstas enfrenten riesgos, al menos no las corporativas, de gran plusvalía. Estos cambios, creo, tendrán que acompañarse de una intensa labor de formación de audiencias y diversificación de públicos. Ahí, el internet puede ser un gran aliado por su alcance demográfico. Aunque también es probable que, con la entrada en vigor del nuevo TLCAN, el cine producido en México enfrente una vez más la competencia agresiva y desleal a la que, tristemente, ya está acostumbrado.

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En la reciente publicación del Anuario Estadístico de Cine Mexicano 2019 se aprecia que la producción del género documental ha crecido a partir del 2014, y en el 2019 representó el 34% de la producción nacional. ¿Crees que las circunstancias que nos rodean alentarán a los cineastas mexicanos a mostrar la crudeza de nuestro entorno?

Hay otro dato interesante en el Anuario y es que la cantidad de espectadores que acostumbra a ver documental en el circuito comercial —fuera de festivales, proyecciones no lucrativas, Filminlatino, etc.— es pequeñísima, casi inexistente. El documental, el género más potente, sólido y estimulante del cine hecho en México, sobre todo el documental dirigido por mujeres, desde hace varios años, sigue dependiendo de mecanismos estatales y convocatorias para seguir produciéndose: una cuerda floja constante. Siendo cínicos, podríamos pensar que ese porcentaje se debe a que su producción es menos cara que la de la ficción, pero ese hecho no basta para explicar que se produzcan tantas obras mayores, tan diversas entre sí, en un lapso tan corto. Es una época de oro para el documental y sí, seguramente en el corto plazo habrá miradas potentes sobre nuestro entorno actual. Precisamente por ello, es una tarea urgente seguir visibilizando estas películas y haciendo crecer sus audiencias lo más rápido posible.

De parte del equipo de Catártica agradecemos la colaboración de Sergio. Sus respuestas incitan a iniciar una conversación más amplia para entender y seguir cuestionando las dinámicas de producción, distribución y exhibición de cine.

@sergiohuidobro

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Midsommar

Alejandro Cañedo (2019)

El director estadounidense Ari Aster presentó su segundo filme de horror y thriller psicológico el pasado 2019, y nos sorprendió con su película Hereditary (2018), ahora nos lleva hacia una nueva pesadilla en medio del campo en plena luz del día, en una nueva trama llena de simbolismo y referencias de la cultura nórdica que nos llevan hacia un mundo completamente distinto en el que nos adentraremos.

Pastor, P. (27 de julio de 2019). Midsommar, final explicado. Fotogramas. Recuperado de: https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a28504406/midsommar-final-explicado/

La historia se centra en la estudiante de psicología Dani (Florence Pugh), quien después de pasar una terrible tragedia familiar, viaja junto a su novio Christian y un grupo de amigos a un festival ubicado en una comuna en Suecia, donde cada 90 años realizan cultos tradicionales para festejar el solsticio de verano, sin embargo, la experiencia de los jóvenes se tornará en su verdadera pesadilla.

La innovación del director Aster recae en llevar el horror a la luz del día, cuando comúnmente se ve en la noche, quería presentarnos desde otra perspectiva que nuestros peores temores los podemos encontrar a la luz del día. Además, llevándonos a una comuna llamada Hårga donde los habitantes trabajan colectivamente en sus tareas hogareñas, el campo y su culto basado en tradiciones nórdicas y que se toman en cuenta, en especial el solsticio de verano, cuando realizan una fiesta de nueve días y en cómo los estudiantes norteamericanos comparten con dicha comunidad sus sentimientos, y en cómo contrasta la sociedad del pueblo con citadinos extranjeros.

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Una de las cosas que se destacan son las tradiciones del pueblo Hårga, las cuales están inspiradas en festividades suecas como los bailes, la música y la colocación de las flores en cada lugar para amenizar el ambiente, así como las vestimentas blancas que combinan flores y runas en bordados de tela, y la escritura rúnica que se utiliza con motivos sagrados para honrar a dioses o simbolizar a una persona por sus atributos. Sin embargo, la realidad de estas tradiciones podría sonar austera, pero a medida que avanzamos en la película nos presenta rituales, sacrificios humanos y consumo de drogas alucinógenas que los protagonistas experimentan, así llevándonos con imágenes perturbadoras y situaciones angustiantes.

Díaz Reyes, C. (25 de septiembre de 2019). La crítica: “Midsommar”. El Blog en Llamas. Recuperado de: https://blogenllamas.wordpress.com/2019/09/25/la-critica-midsommar/

La protagonista Dani, interpretada por la actriz británica Florence Pugh, nos lleva a explorar a través de sus expresiones, un tanto melancólicas y depresivas, la pérdida familiar y el consumo de alucinógenos. A medida que se aleja del grupo de amigos para sentirse como parte de la comuna, busca realmente lo que quiere y siente a través de sus pesadillas y su participación en rituales de baile, descubriendo ella misma su lugar.

Así, la película Midsommar es una obra de horror psicológico moderno que además de la fusión de las culturas, juega con el temor psicológico y las situaciones que puedan suceder en un lugar apartado, ubicado en medio de la naturaleza y rituales con fines humanos. El director Ari Aster nos ha llevado a una tierra donde la cultura y los rituales tiene su lado oscuro para impactarnos con dicho filme.

Después de verla durante casi tres horas, la película se me hizo muy interesante, por el suspenso que te hace sentir por dentro, los momentos perturbadores que te simulan una pesadilla, el efecto de ver a los protagonistas consumir drogas alucinógenas para reforzar el temor y las acciones de los habitantes con sus sacrificios y la falta de salida alguna. Todo lo anterior, son aspectos que me sorprendieron completamente y, aunque fue un poco perturbador en algunas escenas, la disfruté mucho y me dio la oportunidad para investigar más acerca de las culturas nórdicas.

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Es una obra cinematográfica que combina el horror con los elementos tradicionales de una comuna en medio del bosque y a la luz del día alejados de la ciudad donde pueden suceder actos no comunes con fines humanos para honrar a la naturaleza. Esta película vale la pena verla por su historia, ambiente, vestuario, personajes y banda sonora, así como para valorar tanto la naturaleza como las tradiciones humanas, sin mencionar las más sanguinarias. Por otro lado, mi razón de verla fue por iniciativa propia, aunque también me la habían comentado amigos cercanos por lo mencionado anteriormente. En general, cumplió mis expectativas, en este caso les recomiendo a las personas interesadas en el cine de arte o de suspenso psicológico que vean este filme contemporáneo con el cual quedarán impresionados.

Bibliografía Análisis de Midsommar de Ari Aster: Explicación final con spoilers (5 de agosto de 2019).

La Claqueta Metálica.

Recuperado de: http://laclaquetametalica.com/analisis-de-midsommar-de-ari-aster-explicaciondel-final-con-spoilers/ Pastor, P. (27 de julio de 2019). Midsommar, final explicado. Fotogramas.

Recuperado de: https://www.fotogramas.es/noticiascine/a28504406/midsommar-final-explicado/

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Douglas, E. (1970), Portada de Black Panther Party.

[Grabado]

Artivismo

M. I . Flores Nachón No cabe duda alguna de que el mundo está en una crisis que va más allá de la situación de salud. Las injusticias sociales inundan nuestros oídos y encienden nuestro corazón.

El arte nunca se ha quedado atrás en cuestiones incendiadas, más bien ha sido una herramienta que muchas veces grita por las voces que se han quedado calladas. Nos hemos tomado ya el tiempo de explicar que el arte, más allá de su envoltura visual, es un dulce con relleno, tiene algo que decir y justo ésta reflexión tomará el rumbo hacía la expresión artística cuyo discurso va en protesta.

Presento entonces a tres artistas cuyas obras toman distintos discursos, sin embargo, todos en pro al grito que la sociedad necesita para sacudirse.

Emory Douglas. Su obra centrada en los movimientos Black Arts Movement, Black Lives Matter, Black Power e inicialmente Black Panther Party está empapada de peticiones que no deberían ni siquiera ser consideradas peticiones sino derechos humanos. Desde cosas tan básicas como el derecho a vivienda digna hasta algo bestial como -lo que hoy mismo se sigue peleando- el fin inmediato de la brutalidad policiaca en contra de la comunidad, Douglas diseñó una serie de grabados, carteles, collages que permitieran la transmisión de su discurso, y que no solo fueran vistas a partir de su trabajo técnico como artista, sino realmente como una cadena que derivará en la propagación del fuego para el fin de las injusticias. La obra de Douglas no es un llamado violento, no es una obra que consiga incomodar al primer vistazo porque suficientemente incomodo debería ser soportar las muertes de personas inocentes, juzgadas, ignoradas, maltratadas por siglos por diferencias meramente físicas. Al contrario, su obra promueve una revolución que derive en la paz en una sociedad que ha estado dividida, jerarquizada a partir de colores como si eso realmente importara.

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Ahora bien, México no es exactamente un país en donde reine la justicia social y los artistas lo saben bien. Cerrucha, artivista feminista, decidió tomar el espacio público para hacer llegar un mensaje claro: la violencia de género es real.

Trinchera es entonces la unión de mujeres, niñas y bebés, unidas a lo largo de 100 metros en la línea del metro de la Ciudad de México, que a pesar de la situación de guerra misógina que se vive día a día, sostienen sus manos en apoyo una de la otra. ¿Qué mejor manera de protestar en contra de la violencia de género, sino es en el espacio público? El espacio público en México es para la mujer una brecha total de inseguridad y es así como Cerrucha decidió transformarlo

para

que

toda

mujer

en

esa

situación

pueda

sentirse

acompañada de la Trinchera, y el violentador se de cuenta de que no estamos solas.

“El arte evoca muchos de los sentidos y puede hacerte cambiar” - Cerrucha

Cerrucha, (2020) Trinchera, [Fotografías]

Por último, quiero mencionar a Abel Quezada, cuya carrera pareciera no haberse centrado en el activismo como tal sino en la crítica social. Sin embargo, el 3 de octubre de 1968 tanto él como todo México se quedó sin palabras. Hace 50 años fue que Quezada usó su espacio de publicación en Excélsior para hacer una pregunta que sigue sin poder ser contestada ¿Por qué? Un lienzo en negro fue necesario para hacernos entender el luto que cruzaba el país, que sigue cruzando y que si no cambia, seguirá cruzando. ¿Por qué es que se sigue respondiendo con violencia cuando queremos hacernos escuchar? ¿Por qué es que la sangre sigue derramada en esa plaza y muchas otras? ¿Por qué es que la injusticia sigue siendo un tema diario? ¿Por qué a pesar de nuestros gritos seguimos

siendo

tremendamente

ignorados?

Es

impresionante

la

atemporalidad de las preguntas.

El artivismo ha sido una respuesta ante los oídos sordos. Ha sido la respuesta ante los “esas no son formas”. El artivismo toma el espacio público para sacudir todo lo que no ha sido acomodado.

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17 Quezada, Abel (1968) ¿Por qué?, [Impresión].

P a t e r n i d a d

I l u m i n a d a

M. I . Flores Nachón

De la Tour, G. (1642) San José, Carpintero. [Óleo sobre tela] Museo del Louvre

La figura paterna ha sido fuertemente representada en la Historia del Arte.

Desde hace siglos no nos extraña ver la figura de Dios Padre como un hombre barbudo, viejo y fuerte, y por otro lado, tampoco es de otro mundo ver a San José, con una aureola sobre su cabeza padre en carne para el Nazareno. Sin embargo, Georges de La Tour en 1642 pintó una obra que ante mis ojos destaca, sobre las demás del tema.

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Detalle

San José, Carpintero es un punto y a parte por el tratamiento tan suave y tierno del tema. Es de las pocas veces que he visto una relación Jesús-José tan natural y real. San José, inclinado sobre una viga de madera -haciendo honor al gremio del cual él es patrón- está acompañado del niño Jesús, quien por primera vez en mucho tiempo, vemos sin su halo de santidad. Esta obra, no pretende recalcar la divinidad de sus protagonistas, sino que resalta el amor de un padre a su hijo. Aún sin las etiquetas de su santidad, sin nombres y sin indicación alguna de su identidad, la paciencia con la que el padre ve a su hijo, con mirada de viejo maestro, mientras que el niño atento – a pesar de ser el salvador del mundodemuestra y mantiene el carácter inocente y expectante de un infante recuerdan que bien podría tratarse de la imagen de cualquiera de nosotros en una fotografía enmarcada en la sala de nuestra casa, pero no, son San José y Jesucristo.

Detalle

Georges de La Tour no solo destaca por la ternura del tema, sino que la técnica y el tratamiento de la luz en la obra remarcan la madurez del artista. Por si fuera poco, la expresión amorosa de ambos personajes, la imagen es bañada por una luz tenue que emana de la vela que el niño presenta en sus pequeñas manos. Se trata de una pintura tenebrista, influenciada fuertemente por su contemporáneo Caravaggio, pero en este caso, la fuente de luz explícita a nuestros ojos es también un recordatorio de que no es una pareja común. La luz provoca que los dedos del niño se vean casi traslucidos, filtrandose y rebotando en su rostro y en su rodilla, de forma natural. Así mismo remarca las arrugas en la frente de José, que más allá de mostrar su edad, son evidencia de su consternación al trabajar una viga de madera que prefigura la misma cruz que el niño deberá cargar en su espalda de forma inevitable, la vela recalca su amor y su temor, su paternidad iluminada.

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Vivimos

en

lugares,

pero

no

tenemos

casa.

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Fernando Salas Somos casas, en todo caso. Somos el hogar de otras personas y el hogar de nosotros mismos.

Somos patios y ríos y avenidas, para otros somos callejones sin salida y peor que resquicios bajo puentes sucios.

Somos y luego nos mudamos, es decir, nos cambiamos de lugar. Tan fácil como levantarse de una baldosa para pararse en otra, tan fácil , pero hay que llevarse tantas cosas y las mudanzas a mil pesos.

Somos los que hacemos agujeros a las paredes y las pintamos y los que ponemos plantas en el suelo y muebles en los lugares que antes estaban vacíos y ahora están llenos.

Somos esto y no plantas, pero siempre hemos querido echar raíces, sentar cabeza, saber de dónde somos y a dónde vamos, por qué vinimos y etcétera.

Vivimos encerrados en nosotros mismos, rodeados y rondados por pensamientos noche y día y la siguiente noche y el siguiente día.

Lo único que somos es lo que no; es el espacio que queda entre nuestros cuerpos, es el eterno futuro y oscuro pasado, pero nunca el presente; nunca existimos, siempre nos estamos mudando.

M o v i m i e n t o s

d e

T e r r i t o r i a l i z a c i ó n

Jen M. P. Mi trabajo como artista se enfoca en la crítica socio política del siglo XX y XIX. Tomo problemas culturales y experimento tanto en la forma como con lo matérico para un resultado en su mayoría bidimensional. En el último año me he enfocado a experimentar con pigmentos, fotografías y los medios digitales.

Para mí la manera de transmitir o experimentar con mis obras es a partir de ilustraciones tanto digitales como gráficas, mucho de mi interés en esta ilustración recae en lo lineal minimalista, y siempre con la idea de que mi producción tiene un contenido que no se desprende del mismo contexto sociocultural.

Una versión de Loish 2020 Pintura digital 188 KB

@jenmp_art

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Año nuevo 2020 Estilógrafo sobre papel algodón 20.3 x 13 cm

De la serie Publicidad años 50´s Pigmento sobre óleo sobre fotografía 8 x 6 in 2019

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Paradojas

y

Perla R. Basulto

Cotidianidad

Mantarrayas 2016 AcrĂ­lico sobre cartĂłn 35cm x20cm

Perla R Basulto es una artista chiapaneca nacida en 1998. Su trabajo gira en torno a reflexiones tanto de temas de la naturaleza como de la vida cotidiana.

Desde 2016 se ha interesado en las paradojas del comportamiento animal y la fragilidad de lo cotidiano. Prefiere usar el acrĂ­lico como medio por su inmediatez y la calidad del color que puede aportar ya que el color es un eje importante en las reflexiones que se dan en estas pinturas.

@perlishtrish

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Ballena 2017 acrílico sobre tela 90cm x 30cm

Pez 2019 Acrílico sobre tela 50cm x 35cm

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M e s

d e l

O r g u l l o

Antonella Guagnelli El 28 de junio se conmemora el Día Internacional del Orgullo #LGBT+, recordando los disturbios de 1969 en el pub Stonewall de Nueva York. La marcha, el 28 de junio en el barrio de Greenwich Village, pretendía abrir diálogo y alzar la voz en contra de las varias injusticias y redadas policiales violentas a un bar gay en Stonewall.

A pesar de que ya había movimientos a favor, las marchas que se desataron a partir de la resistencia en Stonewall fueron un hito para la lucha por los derechos LGBT+. Lo que se podrá ver algunos años después en la Marcha Nacional en Washington por los Derechos de las Lesbianas y los Homosexuales el 14 de octubre de 1979, evento que reunió a unas 75.000 personas afines a la causa que pretendían señalar la importancia de discutir los derechos LGBT+ como un asunto importante a nivel nacional.

Entre los objetivos de las marchas y el mes del orgullo está la inclusión, el derecho al matrimonio homosexual, a la adopción, a la educación sexual y la despenalización de la homosexualidad, que todavía se condena en diversos países del mundo, pero también, actualmente son un grito multicolor de alegría que celebra el amor, la aceptación y la diversidad.

Primera marcha Lgbt+ en CDMX Foto: Movimientos e Instituciones LAOMS

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Finalmente, me parece importante tener en cuenta que todavía sigue la lucha y que a pesar del paso del tiempo muchos grupos siguen siendo ignorados o violentados, por lo que actualmente es nuestro deber ser abiertos e incluyentes en cada ámbito tanto social como político y artístico, para así poder formar una sociedad realmente igualitaria, somos humanos, personas, entes en la misma tierra, que con respeto podemos llegar a entendernos y amarnos.

Recomendaciones Lectura: Elogio de la homosexualidad, de Luis Alegre Queer: A Graphic History, de Meg-John Barker Revista queer: Sassify Canciones: Same Love, Macklemore & Ryan Lewis feat. Mary Lambert Ted Talks: Queer Art Is Not Just For Queer People! | Jason Kattenhorn | TEDxBanbury I've lived as a man & a woman - here's what I learned | Paula Stone Williams | TEDxMileHigh Series: Sense 8 RuPaul's Drag Race

Marcha del orgullo gay 2019 Foto: Ulises Ruiz/ Getty Images

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Poster Power: Protest

Art from South Africa

Mane Cárdenas “El arte debe enseñarle a la gente, de la forma más vivida e imaginativa posible, cómo tomar el control de su propia experiencia y de sus observaciones, cómo ligarlas con la lucha por la libertad y por una sociedad justa, libre de raza, clase y explotación” Dikobe Ben Martins El arte puede servir como un medio de protesta que visibiliza y denuncia las problemáticas a las que se enfrenta una comunidad específica. En este sentido, la exposición Poster Power: Protest Art from South Africa nos regresa a las décadas de los años 80s y de los años 90s en Sudáfrica a través de carteles producidos por artistas sudafricanos durante ese periodo; quienes alzan la voz exponiendo las situaciones hostiles a las que se enfrentaba la comunidad negra en ese contexto.

Habría que decir también, que es indispensable insertar la producción artística que integra la exposición dentro de las condiciones sociopolíticas-económicasculturales en las que fue desarrollada. La mayor parte de las piezas remiten a los años 80s, época en la que la población sudafricana vivió consecuencias estrechamente ligadas a la implementación del Apartheid en el año 1948, un sistema de segregación racial. Lo cual ponía en desventaja a la población que no compartía el mismo tono de piel que el de los gobernantes, ya que se les imponían limitaciones como la prohibición del voto, la nula libertad de expresión y la restricción de educación. Como consecuencia de ésta última, muchos artistas negros no pudieron ampliar su formación artística ni atender instalaciones educativas, ya que estaban reservadas para los estudiantes blancos de ese momento.

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Adecuándose a estas restricciones se desarrollaron organizaciones que pretendían cubrir la necesidad de un espacio utilizado para las artes, en las que los artistas pudiesen continuar su formación en las artes plásticas. Una de éstas fue Community Arts Project (CAP), la cual jugó un rol muy importante en el desarrollo de la vida cultural de Ciudad del Cabo, estaba abierta al público y proveía a los artistas con acceso a entrenamiento y recursos que pudiesen enriquecer su producción artística. Así mismo, contrario a las leyes impuestas por el Apartheid, buscaba articular una red de comunicación e intercambio cultural incluyentes entre artistas.

La inconformidad por las situaciones que envolvían a la comunidad sudafricana alentó a la población que se oponía al sistema del Apartheid a tomar un carácter activo ante las desigualdades e imposiciones que abrumaban a los grupos no blancos. En el año 1982 se celebró la Conferencia de Cultura y Resistencia en el que un gran número de artistas y activistas se reunieron con el objetivo de formar una coalición de resistencia cultural frente al Apartheid, lo que supuso un punto de quiebre para la producción artística sudafricana ya que a partir de esto el arte adoptó una nueva identidad: como un reflejo de su compromiso y participación en las preocupaciones políticas y sociales de sus comunidades.

La idea de la cultura como una forma de resistencia durante la lucha de liberación se transmitió a través de las temáticas que trabajaban, mediante técnicas y materiales que les fueran accesibles. En este sentido, se desarrolló una gran producción de carteles, ya que se estableció un taller responsable de la elaboración de éstos así como de playeras y pancartas a gran escala sobre eventos políticos. Así pues, los carteles son una manifestación visual a través de la cual se derrochan una serie de vertientes contextuales que permiten explicar un periodo histórico en Sudáfrica, producción desarrollada por los mismos habitantes, quienes de primera mano ofrecen su perspectiva ante estas problemáticas, partiendo de un discurso de discriminación y abuso de poder.

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CAP, (1986) Calling All Artists , [Impresión de serigrafia en cartel]

(1994), Vote For A Better Education, [Cartel de litografía offset] Ministry of Foreign Affairs at Esquire Press

La exposición concluye con los inicios de la década de los 90s, un periodo determinante para la historia de Sudáfrica, ya que el país transita de una época de represión a un estilo de vida aparentemente democrático. Con la liberación de los prisioneros políticos, Nelson Mandela consigue postularse a la presidencia del país, en las elecciones que se llevaron a cabo en el año 1994. A partir de ésta comienza la inmersión de la mayor parte de la población a la vida política sin discriminación de “raza” ya que fue la primera elección en la que todos los sudafricanos tuvieron el derecho a votar. El triunfo de Mandela supuso un cambio total en la vida sudafricana, porque estableció la Comisión de la Verdad y la Reconciliación en 1995 para enmendar las fracturas que el antiguo gobierno había generado, así mismo, deroga las leyes del sistema Apartheid, con lo cual el nuevo presidente electo confirma al fin la libertad de la población sudafricana, o eso se esperaba.

Sin embargo, la actual situación de Sudáfrica muestra lo contrario, ya que arrastra algunos aspectos del Apartheid, así lo menciona el antiguo presidente Thabo Mbeki quien comenta que “existe una terrible pobreza, y el legado del Apartheid esta visible en todas partes”[1] a través de las actitudes y prácticas racistas que continúan estructurando y moldeando la ciudadanía del país. La base discursiva que se plantea en la exposición continúa vigente e incita a que el espectador reflexione sobre los acontecimientos que parten de un discurso excluyente, de abuso de poder y de lucha por la reivindicación de los derechos de los grupos excluidos ante un sistema de supremacía blanco, utilizando el arte como herramienta de disputa ante estas problemáticas.

CAP, (1991), Rumour and Suspicion, [Impresion de serigrafia en cartel]

[1] Mbeki, T., 2019, p. 177 Daniels, M. and van Vrede, K., (2020). Poster Power: Protest Art From South Africa Mayo 10, 2020. Google Arts & Culture.

Sitio Web: https://artsandculture.google.com/exhibit/poster-power-protest-art-from-south-africa/jQJSzONaafokKg? hl=en Lochner, E. (2011) The Democratisation of Art: Cap as an Alternative Art space in South Africa. Rhodes University: Ruth Sambo.

South African History Online. (2019). South African History Online. Mayo 13, 2020. Sitio Web: https://www.sahistory.org.za/ Tshishonga, N. (2019). The Legacy of Apartheid on Democracy and Citizenship in Post-Apartheid South Africa: An Inclusionary and Exclusionary binary? AFFRIKA: Journal of Politics, Economics & Society.

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El perfume: historia de un asesino.

Gabriela Cobos Martínez En extremo conocida es la novela El perfume en cuyo protagonista, JeanBaptiste Grenouille, coerce el derecho a la vida de varias mujeres con el fin de crear su propio aroma, su perfume, su esencia. Tan única como poderosa, esta sustancia es “el número de oro” en la obra de Süskind, ya que plantea una ilusión de amor por un fétido aroma imperceptible pero perenne a todo lo existente llamado el perfume. Recordando los tres pasos al Superhombre de Nietzsche: el camello, el niño y finalmente la bestia, la evolución del protagonista se vuelve destacable en la búsqueda de la evolución.

El camino a la bestia comienza a el aparentemente neonato Grenouille culpable de mandar al patíbulo a su madre causándole muerte segura producto de su primer bramido, siempre en peligro por una capacidad olfativa tan grande como única, pese a los demás notar su falta de fragancia sobreviviendo en un orfanato al ser visto únicamente como un número más, finalmente vendido como esclavo, soportando toda clase de demagogia con ductilidad, cual noble camello soporta bajo su joroba todo el peso social.

El nihilista león nace del hedonismo, al niño le es indiferente que deba hacer o a quien deba herir para conseguir su cometido,busca su placer por sobre todo lo demás tal como el protagonista en su búsqueda del aroma humano.

Bajo la noción que todos a su alrededor caen embriagados por ese tufo, ese asquerosamente penetrante aroma Jean-Baptiste se deshaciéndose de la joroba llegando el Superhombre.

Y supo de repente que jamás encontraría satisfacción en el amor, sino en odiar y ser odiado.

Sin embargo, el odio que sentía por los hombres no encontraba ningún eco en éstos. Cuanto más los aborrecía en este instante, tanto más le idolatraban ellos, porque lo único que percibían de él era su aura usurpada, su máscara fragante, su perfume robado, que de echo servía para inspirar adoración pag. 221 Es así como el protagonista renace del aroma de su perfume, se vuelve consciente de su ser, de su creación, de su entorno y hasta de por qué existe, ha subido un escalón más en la cadena evolutiva y lo sabe.

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