Carcara #11

#11

FALL

2017

Cover Photo Cris Bierrenbach

“To photograph is to target the head, the eye and the heart at the same time.�

Henri Cartier-Bresson

EDITORIAL THE RELATION BETWEEN MALE AND FEMALE PHOTOGRAPHERS IS UNBALANCED What is the difference between male and female photographers?

Qualitatively, none. Good male and female photographers match in quality. In quantity, however, female photographers lose. They represent about 15%, in average, of the professionals that work with photography. And there is more: they take little part in photography history, as much in the world as in Brazil.

Sociologist Amelia Siegel Correa, in her work “As mulheres na historia da fotografia brasileira: alguns apontamentos”, comments: “Are women and their photography visible as they should, considering the quantity and influence they had? In the North American case, for instance, research suggests that, until recently, few works about photographers had been made.

According to Naomi Rosenblum, in her book ‘A history of women photographers’ (3rd ed., Abbeville Press Publishers, 2010), the selection of what should be remembered was made by men, and many times women were forgotten, diminished, in a process that obscured many important contributions and totally ignored those who weren’t famous.” (http://www.idaes.edu.ar/pdf_ papeles/8-6%20As%20Mulheres%20na%20historia%20da%20 fotografia.pdf) On Wikipedia, in the item Fotografos do Brasil, of a total of 166 professionals, 13% were women; in Colecao Joaquim Paiva, quoted in the book Colecionadores Privados de Fotografia no Brasil, of Fernando Tacca (1st edition: September, 2015), of 230 names, 23% are photographers.

Even Carcara magazine has been prioritizing male photographers.

In this issue, with the collaboration of curator Marcia Mello, who made a careful selection of female photographers, we start to correct this imbalance and an injustice. Among the chosen names is Menha Steimberg Polacov, wife of photographer Jacob Polacov. He is often quoted in Brazilian history of photography.

She hardly ever shows. We hope she starts to be remembered.

CARLO CIRENZA

THE RAWNESS OF AN INTRIGUING CONCEPTUALISM The photographer, individual that represents, portraits and documents reality, stops, digests and recomposes, considers time not as a decisive moment anymore, but as a continuous instant of reflection and memory construction.

Cris Bierrenbach crisbierrenbach.com/pessoal/instalacao/esquecidos-haiti/ Cris Bierrenbach transits from hyper-realism to surrealism and… vice versa… The result is a kind of an intriguing conceptualism.

A conceptual art. An esthetic with a high dose of rawness. We come closer to her works as ones who approach a puzzle. The image holds us, provokes us. And asks for a definition.

It is not satisfied by just being looked at with indifference.

Far from that. Indifference is a word that doesn’t apply to who stands before one of Cris Bierrenbach’s works. Her art, creative, original, striking, teaches and motivates us to discover the numerous senses and meanings of realities. Alongside with photojournalism, Cris Bierrenbach develops an artistic work that includes digital technologies, video, installation and research on photographic printing techniques from the XIX century, focusing on the production of daguerreotypes. She teaches in workshops, courses and lectures in cultural spaces, universities and companies. Amongst the awards she has received there are Premio Porto Seguro de Fotografia (2004); Premio Aquisicao Centro Cultural Sao Paulo (2009); Premio Fundacao Joaquim Nabuco, Recife (2011); Premio Marc Ferrez de Fotografia (2010) and Premio Arte Contemporanea (2010; both from Fundacao Nacional de Artes – Funarte). Her works are in the collections of Maison Européenne de la Photographie (Paris), Museu de Arte de Sao Paulo and Coleção Itaú de Fotografia. Site: http://crisbierrenbach.com/

Cris Bierrenbach

ODES TO PEOPLE, TO NATURE, TO LIFE Photography, breath of life, symbol, mantra, seed,/gift given to humanity, light turned into silver,/daily life reveals you. [...]

You make others smile, suffer, dream./You carry the power of limited./Bidimensional, four walls/no doors confine you to paper./There, the feeling of the world.

Ana Regina Nogueira As much as she is a photographer, Ana Regina Nogueira is a revealing guerrilla fighter. She reveals people’s particular universes, photos that send us to the whole world, to planet Earth and to its need of protection. Her precise and precious clicks invite us to understand and value life.

Mexico, United States, England, France, Greece, Italy and lots of Brazil. Exacerbated creativity, people, animals, panoramic, details. In everything, an ode to life.

Ana Regina Nogueira, a photographer since 1966, became a professional in 1972. She did social and anthropological documentation of homossexuality, social medicine, breastfeeding, religion, fishermen villages. In 2001 she moved from Rio de Janeiro to live in a farm in the city of Lavras, Minas Gerais, the state where she was born. But she didn’t abandon photography.

Her most expressive solo: Retrospective, at MAMAC castle, in Liège, Belgium, 2007. It is in the collections of Pirelli/MASP, MAM/RJ, Musée George Pompidou, Paris/FR. Photos, poems, prose. Her work, “Uma autobiografia em construcao”, wishes to capture the world with a look each time more loving and pacific.

Site: http://anareginanogueira.com.br/

Ana Regina Nogueira

MAGICAL IMAGES IN BLACK AND WHITE THAT QUESTION OUR LOOK All that Ana Vitoria Mussi sees and registers turns into art.

Expressionism, abstractionism, geometrism. Her magical look produces magical images. Her black and white refers to calligraphies, exciting pictograms. Each work captures our look. So we elucidate the puzzle. There is a need of introspection and focus before these bidimensional black and white spaces. Then we can feel its depth. It is not only metamedia. It is also a reflection so that we question what we see in our daily lives. Besides taking pictures, Ana Vitoria proposes philosophical images. She questions us. These black and whites refer to the intense colors of day by day. So we realise that we take much less care of reality than we should.

Ana Vitoria Mussi was born in Laguna (Santa Catarina), in 1943, and lives in Rio de Janeiro. She studied art, photography and silkscreen and worked as a photographic reporter. Four decades of Ana Vitoria Mussi’s work as a pioneer in the use of photography associated to video installations are compiled in the book that carries her name, organized by Marisa Florido Cesar. The publication covers four decades of Ana Vitoria’s works, with texts signed by Katia Maciel, Dionisio del Santo, Paulo Herkenhoff and Gloria Ferreira, among others. In the words of the critic Fernando Cocchiarale, Ana Vitoria Mussi “is probably the Brazilian artist who has been exploring, for the longest time, photography’s poetic possibilities beyond its usual and conventional use”.

Ana Vitória Mussi

A DIALECTIC TRIP FROM THE WHOLE TO DETAIL, WHERE WE ARE THE SYNTHESIS Claudia Jaguaribe goes to landscapes to reinvent nature.

She turns landscapes into scenarios. The scenarios invite us to come in. We are, at the same time, actors and audience.

We are in and out. It is thrilling: as soon as we come in, Claudia proposes deep cuts and, ahead, details! We are lost between panoramas that disaggregate and closes of unrealities that burst from the whole. We experiment, paradoxically, the passage of landscape to detail, in the process. These pictures of Claudia Jaguaribe are a trip, a dive. We enter them as we enter ourselves. Construction and deconstruction. Thesis and antithesis. Beautiful and sweeping, dialectically, they call us to reality and propose that, humanely, we are the synthesis.

Graduated in art history, fine arts and photography, her work is characterized by intense plastic research that uses different media: photography, video, internet, installations.

In photography, she works with numerous formats and means of production, from studio photos to documental ones.

Her work “Foto em Movimento” was awarded Premio Sergio Motta de Arte e Tecnologia (2003); in 2010, she received Premio Marc Ferrez de Fotografia, from Funarte, for the project “O seu caminho”. She collaborates with newspapers and magazines; published the book “EntreVistas”; and is part of “The World Atlas of Street Photography”, with Wim Wenders, Thomas Ruff, Joel Meyerowitz, Phillip-Lorca Di Corcia, Jeff Wall, Alex Webb and Cassio Vasconcellos. Site: http://www.claudiajaguaribe.com.br/

Cláudia Jaguaribe

IN AMAZONIA, HUMAN BEINGS AND NATURE ARE UNIVERSALIZED IN A HAPPY AND POETIC SYMBIOSIS Real universality respects singularities and even knows that it somehow contemplates them [...].

Danilo Santos de Miranda There is a kind of hypertrophy of realities in the plastic, dynamic and sensitive photos of Elza Lima. All of them overflow life. Her way of documenting people and their environment sends us to a vital allegory, to an incredible optimism. In Amazonia, human beings and nature in a poetic and happy symbiosis. Each photo, pregnant with plurality and singularity, seems to say: “despite painful urbanity out there, life is worthwhile here”. Elza Lima’s Amazonic photos are universal.

Elza Maria Sinimbu Lima was born in Belem, capital of Pará, one of the Brazilian states. She graduated in history.

She took the photography course coordinated by Miguel Chikaoka (1950) at Oficina Fotoativa, in 1984. She has been photographing since then. She has already exhibited her work in the United States (New York), Spain, France, Switzerland, Germany and Portugal.

Awards: photographer of the year, in 1990, given by Associacao dos Artistas do Para; Premio Jose Medeiros do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ, in 1991; Premio Marc Ferrez da Fundacao Nacional de Arte – Funarte, 1992.

She is titular photographer at Secretaria Executiva de Cultura do Para and develops a documentational work of cultural manifestations of the region known as Baixo Amazonas, in that state.Site: http://www.elzalima.com.br/

Elza Lima

POETRY THAT EMERGES IN IMAGINARY IMAGES PLASTICALLY CONCRETIZED What Jacqueline Hoofendy sees with her eyes is not enough.

Real doesn’t bear what goes inside her head. Then she looks inside herself, creates poems and projects them in the shape of imaginary images that are carefully concretized. These images don’t exist until Jacqueline Hoofendy’s brain reveals them. It is true that the beauty of these images is plastically given, but one needs to go beyond them to properly enjoy their depth. One has to bring psychoanalysis and surrealism together to make meanings emerge.

Jacqueline Hoofendy teaches conceptual self-portraits and photography: “My artistic origin is on the stage, I come from ballet and contemporary dance. My series came from the need of a counterflow in the tide of selfies. I encourage my students by proposing exercises related to what I call ‘Daily Life Narratives’. ‘Visual poetry’ is everywhere, to relate to it and create self-portraits is a very interesting way of exercising perception, sharpening the look [...]”

Jacqueline Hoofendy studied photography at Atelie da Imagem, Atelie Walter Firmo and Atelie Oriente, all in Rio de Janeiro, where she lives. She chose self-portrait as a mean of expression. In 2015, her works were exhibited at Foto em Pauta. She has coordinated workshops at Paraty em Foco, in 2016. She was invited to the theatrical project “El Devenir del Viento Maestro” (Cordoba/Argentina) 2016. Site: http:// imgrum.me/user/jacquelinehoofendy

Jacqueline Hoofendy

DELICATELY, THE FUGACITY AND THE WONDER OF LIFE “I decided to assume dust, blowing the fine beach sand over the scanner’s glass, with my own breath. The experience before the bird, of creating images with decomposing plants, using the dissolving vegetal organic matter itself, turned the opaque darkness into brightness in the dark night, as constellations in the cosmos, from my oneiric microcosmos. Even dead birds could be contemplated in air, placid, still, levitating.”

Karla Melanias Karla Melanias’ “Jardins em Suspenso” gravitates between birth and death. But between them there is life. Delicate and patiently, she collects leaves, birds and dead insects, builds nests, offers the dance of a music box ballerina. And presents them to us in a careful, finely elaborated esthetic. This artist uses photography, installation, video, scanography, ready made (not in Marcel Duchamp’s way) to communicate the fugacity and allure of life. The beautiful simplicity of her works, however, sends us to rebirth and there are, explicit or implicitly, mentions to Sandro Botticelli, from the birth of Venus, from the spring. Karla Melanias proposes rebirths.

Karla Melanias was born in Maceio, the capital of Alagoas, one of the states of Brazil’s Northeast region. Graduated in social communication, focused on journalism, she has a master’s degree in cultural anthropology. Karla is a photographer, anthropologist, journalist, researcher and curator. She took part in solo and collective exhibitions in Brazil, Portugal and Spain.

Blog: http://atelierkarlamelanias.blogspot.com.br/2010/04/ karla-melanias-artista-plastica.html

Karla Melanias

PEOPLE AND THEIR CIRCUMSTANCES AT “CAMPOS DE ALTITUDE” “I am myself and my circumstances.”

Ortega y Gasset We can also say “we are ourselves and our circumstances”.

Therefore I can taste these works from Kitty Paranagua. The world is within and outside each one of us. And Kitti Paranagua proves it categorically. The person, the near and faraway surroundings. The micro and macrocosmos of a reality that is used to being obscured by shady interests. But Kitty reveals us the truth with all intensity. Human beings, their homes, their cities. Then we can understand a little of their world and come closer to it.

Diogenes Moura, writer and photo curator, is overwhelming: “My God, such passion! We are like this, even before the finger in the trigger. [...] Here everybody has a name, a surname, desire, sex, anguish, voracity, a will to live, to eat. Campos de Altitude is the portrait of a woman before the portrait of the ‘world’ she lives in, in abyss. And a portrait will always be a verdict. Photography is existence. It is blood and hope over the sunset.”

Graduated in journalism at Pontificia Universidade Catolica do Rio de Janeiro and postgraduated in the course Photography: image, memory and communication at Universidade Candido Mendes - Rio de Janeiro. She started as a photographic reporter at Jornal do Brasil. She received an honourable mention at Festival Pictures Of the Year Latinoamérica 2013, with the photo essay Copacabana. Her site: http://www.kittyparanagua.com.br/

Kitty Paranaguá

CAREFUL COMPOSITIONS AND REFINED CHIAROSCURO It is necessary to reflect upon formal and informal when contemplating Menha Sheimberg Polacow’s photos. Her plastic artist look seeks to take the most of the characters and of the landscape through a careful composition and a refined chiaroscuro. She asks for a little more than one look. Maybe a light scouring, let the look slip through the photo. Menha S. Polacow was a pioneer of last century. If pioneers usually pay higher prices for being so, a pioneer is even more punished.

In this case, by for oblivion.

Her daughter, Ione Polacow, sent a statement to the magazine from which we extracted these excerpts: “Menha Sheimberg Polacov, my mother, was the daughter of Amalia Adler Sheimberg and Luis Sheimberg. She was born in Rio de Janeiro in April 4th, 1917, but was only registered in April 11th of the same year. With two and a half year she went to Recife, Pernambuco. She graduated in dentistry in Recife, in December 11th, 1938, and moved to Rio de Janeiro. She worked in this profession until I was born, in April 26th, 1943. Then we went to Sao Paulo.

In the second semester of 1943, daddy Jacob Polacow, who was a photographer, an agronomist and a chemist, and my mother associated to Foto, Cine Clube Bandeirantes, precursor in implementing artistic photography in Brazil. There, very amateurishly, she developed her work as a photographer.

She concluded that she should have studied art instead of dentistry or medicine. My mother, however, made art all her life. With daddy, we lived with art and dressed in art.

She passed away in July 27th, 2013, at 97.”

Menha Sheimberg Polacow

Foto: Jacob Polacow

PORTRAITS THAT TORMENT It is difficult to find such dense and disturbing portraits like these “Nicoletas” from Michelle Bastos. By hiding the images in black and white, it is possible to recreate the faces of these women that live dramatically. This almost abstract expressionism proposes a symbiosis with an image that asks to be decoded not necessarily with the eyes, but with emotion.

We close our eyes and… see. These portraits by Michelle Bastos torment us.

Michelle was born in 1978 in Brasilia. She graduated in scenic arts and political science, with an specialization in portraits and visual identity, and has a master’s degree in photography.

She presents her work: “This essay, called ‘Nicolettas’, the most popular first name in Romania, is a set of images of Romanian prostitutes’ faces in the streets of Madrid/Spain. They use this fake name for work. After understanding that traditional portrait wouldn’t be enough to reveal the complexity of the world of prostitution and its faces, I decided to fabricate a manual paper that enabled me to register the freshly made-up faces of sex workers by capturing their face’s oil through contact, canceling the environment and focusing on the skin’s representation.

Negatives came up with images that offer faces in the rawest and most neutral way, offering the viewer great subjectivity and possibilities of reading the universe of prostitution, reinforcing the subject and suggesting and multiplying space, which is created according to each one’s reading atmosphere.”

“Nicoletas” won first prize in National category at GOYAZES Festival de Fotografia Goiania 2017.

Michelle Bastos

THE BEAUTY OF A PHOTOJOURNALISM THAT REPORTS INJUSTICE AND MOBILIZES CONSCIENCES What force there is in Nair Benedicto’s photos! Her compositions are accusations. She preaches social justice, solidarity and recognition of the other; she values each moment of humanity even when she shows inhumanity. Feminist, militant, pioneer and photojournalism icon, she teaches us sensitivity and boldness through her camera. She documents the situation of Indians, the problem of landless workers and, above all, the position of women in Brazilian society. In the essay published here, her brides express much more than marriage.

Nair Benedicto was born in 1940, in the city of Sao Paulo.

She graduated in Radio and Television at Universidade de Sao Paulo (USP). Her works are at museums such as: MASP, SP; MAM, RJ; and Moma, NY. When she was a mother to three small children, she was arrested during Brazilian dictatorship period, in October 1969, with her husband, Jacques Breyton, that had taken part in the French resistance against nazism.

In a statement to Brasileiros magazine (http://brasileiros.com. br/2015/12/o-diario-de-nair/), she gets it off her chest: “I feel sick when I see people swaying flags on the streets and in social media claiming the return of the military.”

Nair Benedicto was involved in the creation of the first photography agencies in Brazil, with Juca Martins, Delfim Martins, Ricardo Malta, Stefania Bril, Marcos Santilli, Rubens Fernandes Junior and Fausto Chermont.

Reading the interview Nair Benedicto gave to Paulo Cesar Boni, in Discursos Fotográficos magazine/V. 9, N. 15 (2013) is indispensable. (http://www.uel.br/revistas/uel/index.php/ discursosfotograficos/article/view/16890/pdf_11) (https://www.facebook.com/nair.benedicto1)

Nair Benedicto

IN FRONT OF US, UNCONSCIOUS THAT MATERIALIZE For years I was afraid of my father. I used my mother as an intermediary to talk to him, to ask for something. It is curious that my father is a peaceful guy, likes animals, nature and is very religious. His work is what is violent. So I associated him with the uniform, the gun. I was afraid of my father in uniform.

Talita Virgínia de Lima piaui.folha.uol.com.br/materia/pai-policia/ There is something of premonition, of unconscious document, in each of Talita Virginia de Lima’s photos. She seems to document an unconscious that will materialize in the future.

At the same time, an exorcism of the pasts. The images are disturbing, esthetically dramatic. Painful memorial images projected in front of us. And there is a child there, Talita’s sister, but certainly Talita herself. Talita shows sparse anguishes: each photo is a chapter of an open novel we create, gathering all the images in the order we desire. An open novel because it is created by the spectator, a novel of one of the possible childhoods of Talita Virginia de Lima.

Talita spent her childhood in the outskirts of Sao Paulo. She studied photography at Senac - Servico Nacional do Comercio with a scholarship, did a postgraduate course in Spain and found her professional way. Her father, soldier Simplicio, retired as a policeman. He is the focus of this essay - Father policeman -, presented as the work for the completion of her university course.

Talita works at Museu da Imagem e do Som - MIS in Sao Paulo and at Estudio Tampa. (https://www.facebook.com/ talitavirginiadelima)

Talita Virgínia de Lima

SACRED THAT BECOMES PLASTICALLY PROFANE When did homo sapiens develop symbolic thinking? This question will never have an answer. It is assured, however, that symbolic thinking is the main feature of homo sapiens, and it is through it that we can contemplate people’s souls through representations. But we can only see the soul of a population through representations. What does the soul of a population represent? Where and how it is materialized? In music, arts, literature, but, mostly, in objects that relate to faith in what is transcendental.

Thais Medina searches signs and, through ritualistic objects, offers us a world of symbols. We are standing before a set of objects that lead us to feel the transcendence present in the soul of people. These striking allegories surely move our souls, transcendental or not.

Thais Medina (Brazil, 1978) has spent the last seventeen years researching and working in conceptual-photographic documentation about visual representation generated

by African-Brazilian religious practices, their creeds and superstitions. Her intention is to deconstruct these syncretic religious representations to understand the various influences that nourish them.

Thais has been developing and exhibiting her projects in Brazil, Spain, Portugal, England, Ireland, Georgia, Australia, Africa, Serbia, Lithuania and Japan. She currently divides her work between Latin America and Europe, searching inspiration and collaboration. Site: https://www.thaismedina.com/

Thais Medina

EDITORIAL A relação fotógrafos e fotógrafas está desequilibrada Qual diferença entre fotógrafos e fotógrafas? Qualitativamente, nenhuma. Bons fotógrafos e boas fotógrafas se equiparam no quesito qualidade. No quesito quantidade, entretanto, as fotógrafas perdem. Na média, elas representam cerca de 15% do total de profissionais que trabalham com fotografia. E mais: elas participam muito pouco da história da fotografia, tanto no mundo quanto no Brasil. A socióloga Amélia Siegel Corrêa, no seu trabalho “As mulheres na história da fotografia brasileira: alguns apontamentos” comenta: “As mulheres e suas fotografias foram visíveis como deveriam em relação a quantidade e a influencia que tiveram ? No caso norte-americano, por exemplo, as pesquisas sugerem que até pouco tempo, poucos trabalhos haviam sido realizados sobre fotógrafas. Segundo, Naomi Rosenblum, no seu livro ‘A history of women photographers’ ( 3ed. Abbeville Press Publishers, 2010) a seleção do que deveria ser lembrado era realizada por homens, e muitas vezes, as mulheres eram esquecidas, diminuídas, num processo que obscureceu contribuições importantes e ignorou totalmente aquelas que não tiveram fama.” (http://www.idaes.edu.ar/pdf_papeles/8-6%20As%20 Mulheres%20na%20historia%20da%20fotografia.pdf) Na Wikipidia, no item Fotógrafos do Brasil, de um total de 166 profissionais, há 13% do sexo feminino; na Coleção Joaquim Paiva, citada no livro Colecionadores Privados de Fotografia no Brasil, de Fernando Tacca (1ª edição: setembro de 2015), em 230 nomes, 23% são fotógrafas.

A própria revista Carcará tem privilegiado fotógrafos. Neste número, com a colaboração da curadora Márcia Mello, que fez uma cuidadosa seleção de fotógrafas, começamos a corrigir o desequilíbrio e uma injustiça. Entre os nomes escolhidos, está Menha Steimberg Polacov, esposa do fotógrafo Jacob Polacov.

Ele é frequentemente citado na história da fotografia brasileira.

Ela quase nunca aparece. Esperamos que passe a ser lembrada.

CARLO CIRENZA

CRIS BIERRENBACH A crueza de um conceitualismo intrigante O fotógrafo, sujeito que representa, retrata e documenta a realidade, para, digere e recompõe, considera o tempo não mais como um momento decisivo, mas como um instante contínuo de reflexão e construção da memória.

Cris Bierrenbach crisbierrenbach.com/pessoal/instalacao/esquecidos-haiti/ Cris Bierrenbach transita do hiper-realismo ao surrealismo e... vice-versa.. O resultado é uma espécie de conceitualismo intrigante. Uma arte conceitual. Uma estética com alta dose de crueza. Aproximamo-nos de seus trabalhos como quem se dirige a um quebra-cabeça. A imagem nos prende, nos provoca. E pede uma definição. Ela não se contenta em apenas ser olhada com indiferença. Longe disso. Indiferença é uma palavra que não se aplica a quem está diante dos trabalhos de Cris Bierrenbach. Sua arte, criativa, original, contundente, nos ensina e motiva a descobrir os múltiplos sentidos e significados das realidades.

Paralelamente ao fotojornalismo, Cris Bierrenbach desenvolve um trabalho artístico que inclui tecnologia digital, vídeo, instalação e pesquisa sobre técnicas de impressão fotográfica do século XIX, com ênfase na produção de daguerreótipos.

Ministra oficinas, cursos e palestras em espaços culturais, universidades e empresas. Dentre os prêmios recebidos, destacam-se: Prêmio Porto Seguro de Fotografia (2004); Prêmio Aquisição Centro Cultural São Paulo (2009); Prêmio Fundação Joaquim Nabuco, Recife (2011); Prêmio Marc Ferrez de Fotografia (2010) e Prêmio Arte Contemporânea (2010 ambos da Fundação Nacional de Artes – Funarte. Possui obras nas coleções da Maison Européenne de la Photographie (Paris), Museu de Arte de São Paulo,, Coleção Itaú de Fotografia. Site: http://crisbierrenbach.com/

ANA REGINA NOGUEIRA Odes às pessoas, à natureza, à vida Fotografia, sopro de vida, símbolo, mantra, semente, /presente entregue à humanidade, luz transmutada em prata, / o cotidiano te revela.[...]

Fazes sorrir, sofrer, sonhar./ Carregas o poder do limitado. / Bidimensional, quatro paredes / sem portas te encerram ao papel. / Ali, o sentimento do mundo.

Ana Regina Nogueira Tanto quanto fotógrafa, Ana Regina Nogueira é uma guerrilheira reveladora. Ela revela universos particulares de pessoas, fotos que nos remetem ao mundo inteiro, ao planeta Terra e à sua necessidade de proteção. Seus precisos e preciosos cliques nos convidam a compreender e valorizar a vida.

México, Estados Unidos, Inglaterra, França, Grécia, Itália e muito Brasil. Criatividade exacerbada, pessoas, animais, panorâmicas, detalhes. Em tudo, uma ode à vida.

Ana Regina Nogueira, fotógrafa desde 1966, profissionalizouse em 1972. Fez documentações socioantropológicas sobre: homossexualidade, medicina social, amamentação, religiões, vila de pescadores. Em 2001, mudou-se do Rio de Janeiro para uma fazenda na cidade de Lavras, Minas Gerais, estado onde nasceu. Mas não abandonou a fotografia.

Sua mais expressiva individual: Retrospective, no castelo MAMAC, Liège, Bélgica, 2007. Está nas coleções Pirelli/MASP, MAM/RJ, Musée George Pompidou, Paris/FR. Fotos, poemas, prosa. Sua obra, “Uma autobiografia em construção”, busca captar o mundo com um olhar cada vez mais amoroso e pacífico.

Site: http://anareginanogueira.com.br/

ANA VITÓRIA MUSSI Imagens mágicas em preto e branco que questionam nosso olhar Tudo que Ana Vitória Mussi vê e registra com sua máquina fotográfica vira arte. Expressionismo, abstracionismo, geometrismo. Seu olhar mágico produz imagens mágicas.

Seu preto e branco nos remete a caligrafias, pictogramas emocionantes. Cada trabalho captura nosso olhar. Então, elucidamos o enigma. Há uma necessidade de introspecção e concentração diante desses espaços bidimensionais pretos e brancos. Então, podemos sentir sua profundidade. Não é apenas uma metamídia. É também uma reflexão para que questionemos o que vemos em nosso dia-a-dia. Ana Vitória, além de fazer fotos, propõe imagens filosóficas. Ela nos questiona. Esses pretos e brancos nos remetem para o intenso colorido de nosso dia a dia. Então nos damos conta de que cuidamos muito menos da realidade do que deveríamos.

Ana Vitória Mussi nasceu em Laguna (SC), em 1943, e vive no Rio de Janeiro. Estudou arte, fotografia, serigrafia e trabalhou como repórter fotográfica. Quatro décadas de trabalhos de Ana Vitória Mussi, pioneira no uso da fotografia associada à videoinstalação estão reunidos no livro que leva seu nome, organizado por Marisa Flórido Cesar. A publicação compreende quatro décadas de trabalhos de Ana Vitória, com textos assinados Kátia Maciel, Dionísio del Santo, Paulo Herkenhoff, Glória Ferreira, entre outros. Nas palavras do crítico Fernando Cocchiarale, Ana Vitória Mussi “é provavelmente a artista brasileira que há mais tempo explora as possibilidades poéticas da fotografia para além dos limites de seu uso habitual e convencional”.

CLÁUDIA JAGUARIBE Um viagem dialética do todo ao detalhe, onde somos a síntese Cláudia Jaguaribe vai à paisagem para reinventar a natureza.

Transforma paisagens em cenários. Os cenários nos convidam para entrar. Somos, ao mesmo tempo, atores e plateia. Estamos dentro e fora. É emocionante: tão logo entramos, Cláudia nos propõe cortes profundos e, mais adiante, detalhes! Ficamos perdidos entre panorâmicas que se desagregam e closes de irrealidades que irrompem do todo. Experimentamos, paradoxalmente, a passagem da paisagem ao detalhe, processualmente. Estas fotos de Claudia Jaguaribe são uma viagem, um mergulho. Entramos nelas como entramos em nós mesmos. Construção e desconstrução. Tese e antítese. Belas e arrebatadoras, dialeticamente, elas nos chamam à realidade e nos propõem que, humanamente, sejamos a síntese.

Formada em história da arte, artes plásticas e fotografia, seu trabalho se caracteriza por uma intensa pesquisa plástica que utiliza diferentes mídias: fotografia, vídeo, internet, instalações.

Na fotografia, trabalha com variados formatos e meios de produção, desde a fotos em estúdio quanto documentais.

Seu trabalho “Foto em Movimento” recebeu o Prêmio Sérgio Motta de Arte e Tecnologia (2003); em 2010, recebeu o Prêmio Marc Ferrez de Fotografia, da Funarte, pelo projeto “O seu caminho”. Colaboradora de jornais e revistas; publicou o livro “EntreVistas”; integra o “The World Atlas of Street Photography”, ao lado de Wim Wenders, Thomas Ruff, Joel Meyerowitz, Phillip-Lorca Di Corcia, Jeff Wall, Alex Webb e Cássio Vasconcellos. Site: http://www.claudiajaguaribe.com.br/

ELZA LIMA Na Amazônia, ser humano e natureza universalizados numa poética e alegre simbiose A verdadeira universalidade respeita as singularidades e até mesmo sabe que as contempla de alguma forma [...] .

Danilo Santos de Miranda Há uma espécie de hipertrofia de realidades nas plásticas, dinâmicas e sensíveis fotos de Elza Lima. Todas transbordam vida. Sua maneira de documentar pessoas e seu ambiente nos remete para uma alegoria vital, para um incrível otimismo.

Na Amazônia, ser humano e natureza numa poética e alegre simbiose. Cada foto, prenhe de pluralidades e singularidades, parece dizer: “apesar das dolorosas urbanidades lá fora, aqui a vida vale a pena”. As fotos amazônicas de Elza Lima são universais.

Elza Maria Sinimbu Lima nasceu em Belém, capital do Estado brasileiro do Pará. Formou-se em história. Frequentou o curso de fotografia coordenado por Miguel Chikaoka (1950) na Oficina Fotoativa, em 1984. Fotografa desde essa época.

Já expôs nos Estados Unidos (Nova York), Espanha , França, Suíça, Alemanha, Portugal.

Prêmios: fotógrafa do ano, em 1990, concedido pela Associação dos Artistas do Pará; o Prêmio José Medeiros do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ, em 1991; Prêmio Marc Ferrez da Fundação Nacional de Arte – Funarte, 1992. É fotógrafa titular da Secretaria Executiva de Cultura do Pará e desenvolve trabalho de documentação das manifestações culturais na região conhecida como Baixo Amazonas, nesse Estado. (Site: http://www.elzalima.com.br/)

JACQUELINE HOOFENDY A poesia que emerge em imagens imaginárias plasticamente concretizadas O que Jacqueline Hoofendy vê com os olhos não é suficiente.

O real já não dá conta do que se passa na cabeça dela. Então, ela olha para dentro de si, cria poemas e os projeta em forma de imagens imaginárias cuidadosamente concretizadas.

Essas imagens não existem até que o cérebro de Jacqueline Hoofendy as descortine. É verdade que a beleza dessas imagens está plasticamente posta, mas é preciso ir além delas para curtir adequadamente sua profundidade. Há que juntar psicanálise e surrealismo para emergir significados.

Jacqueline Hoofendy leciona autorretrato conceitual e fotografia conceitual: “Minha origem artística está nos palcos, venho do Ballet e da Dança Contemporânea. Minhas séries surgiram da necessidade de um contra fluxo na maré dos ‘selfies’. Incentivo meus alunos propondo exercícios que estão relacionados com aquilo que chamo ‘Narrativas Cotidianas’.

A ‘poesia visual’ está em toda parte, relacionar-se com ela e criar autorretratos é uma maneira bastante interessante de exercitar a percepção, afiar o olhar [...]”

Jacqueline Hoofendy estudou fotografia no Ateliê da Imagem , Ateliê Walter Firmo e Ateliê Oriente, todos no Rio de Janeiro, onde mora. Escolheu o autorretrato como forma de expressão.

Em 2015 teve trabalhos exibidos no Foto em Pauta. Coordenou workshops no Paraty em Foco, em 2016. Foi convidada para o projeto teatral “El Devenir del Viento Maestro” (Córdoba / Argentina) 2016. Site: http://imgrum.me/user/ jacquelinehoofendy

KARLA MELANIAS Delicadamente, a fugacidade e o encanto da vida “Decidi assumir o pó, soprando sobre o vidro do scanner areia fina da praia, com minha própria respiração. A experiência anterior ao pássaro, de criar imagens com plantas em decomposição, utilizando a própria matéria orgânica vegetal se desfazendo, transformou a opaca escuridão em brilho na noite escura, como constelações no cosmo, a partir do meu microcosmo onírico. Até os pássaros mortos poderiam ser contemplados no ar, plácidos, imóveis, levitando.”

Karla Melanias Estes “Jardins em Suspenso” de Karla Melanias gravitam entre nascimento e morte. Mas entre nascimento e morte há vida.

Delicada e pacientemente, ela recolhe folhas, galhos, pássaros e insetos mortos, constrói ninhos, oferece a dança de uma bailarina de caixa de música. E apresenta-nos numa estética cuidadosa, finamente elaborada. Esta artista plástica utiliza fotografia, instalação, vídeo, escanografia, ready made (não à maneira de Marcel Duchamp), para comunicar a fugacidade e o encanto da vida. Porém, a bela simplicidade dos trabalhos nos remete a um renascimento e aqui, há explícita ou implicitamente, menções a Sandro Botticelli do Nascimento de Vênus, d’A primavera. Karla Melanias propõe renascimentos.

Karla Melanias nasceu em Maceió, capital de Alagoas, estado do Nordeste brasileiro. Graduada em Comunicação Social, com habilitação em Jornalismo, é Mestre em Antropologia Cultural.

Karla é fotógrafa, antropóloga, jornalista, pesquisadora e curadora. Participou de mostras individuais e coletivas no Brasil, Portugal e Espanha.

Blog: http://atelierkarlamelanias.blogspot.com.br/2010/04/ karla-melanias-artista-plastica.html

KITTY PARANAGUÁ As pessoas e suas circunstâncias nos “Campos de Altitude” “Eu sou eu e minhas circunstâncias.”

Ortega y Gasset Também podemos dizer “Nós somos nós e nossas circunstâncias”. Assim consigo degustar estes trabalhos de Kitty Paranaguá. O mundo é dentro e fora de cada um de nós. E Kitty Paranaguá nos prova categoricamente. A pessoa, seu entorno próximo, seu entorno distante. O micro e o macrocosmo de uma realidade que costuma ser obscurecida por interesses escusos. Mas Kitty nos revela a verdade com toda intensidade. O ser humano, sua casa, sua cidade. E então, podemos compreender um pouco seu mundo e chegar mais perto dele.

Diógenes Moura, escritor e curador de Fotografia, é contundente: “Meu Deus, quanta paixão! Somos assim, mesmo diante do dedo no gatilho. [...] Aqui todos têm nome, sobrenome, desejo, sexo, angústia, sofreguidão, vontade de viver, vontade de comer. Campos de Altitude é o retrato de uma mulher diante do retrato do “mundo” onde vive, em abismo. E um retrato será sempre um veredito. Fotografia é existência. É sangue e esperança sobre o pôr do sol. “ Formada em Jornalismo pela Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro e pós-graduada no curso Fotografia: imagem, memória e comunicação, pela Universidade Cândido Mendes – Rio de Janeiro. Começou como como repórter fotográfica no Jornal do Brasil. Recebeu menção honrosa no Festival Pictures Of the Year Latinoamérica 2013, com o ensaio Copacabana.

Seu site: http://www.kittyparanagua.com.br/

MENHA SHEIMBERG POLACOW Cuidadosas composições e requintado claro escuro Há que se refletir sobre o formal e o informal quando contemplamos as fotos de Menha Sheimberg Polacow.

Seu olhar de artista plástica procura tirar o máximo das personagens e das paisagens por meio de uma cuidadosa composição e de um requintado claro escuro. Ela pede um pouco mais do que um olhar. Talvez um leve esquadrinhar, deixar o olhar escorregar pela foto. Menha S. Polacow foi uma pioneira no século passado. E, se os pioneiros costumam pagar preços altos pelo pioneirismo, uma pioneira tende a ser mais penalizada. Neste caso, pelo esquecimento.

Sua filha, Ione Polacow, enviou um depoimento à revista do qual extraímos estes trechos: “Menha Sheimberg Polacov, minha mãe, era filha de Amália Adler Sheimberg e Luis Sheimberg . Nasceu no Rio de Janeiro em quatro de abril de 1917, mas foi registrada em 11 de abril do mesmo ano. Com dois anos e meio foi para Recife, Pernambuco.

Formou-se em Odontologia no Recife, em 11 de dezembro de 1938, e mudou-se para o Rio de Janeiro. Trabalhou na profissão até o meu nascimento, em 26 de abril de 1943. Então, fomos para São Paulo.

No segundo semestre de 1943, papai, o fotógrafo, engenheiro agrônomo e químico Jacob Polacow, e minha mãe se associaram ao Foto, Cine Clube Bandeirantes, precursor na implantação da fotografia artística no Brasil. Ali, bem amadora, ela desenvolveu seu trabalho como fotógrafa. Concluiu que, em vez de odontologia ou medicina, ela deveria ter feito artes.

No entanto, minha mãe fez arte a vida toda. Junto com papai, nós morávamos com arte, nós vestíamos com arte, nós vivíamos com arte.

Faleceu em 27 de julho de 2013, com 97 anos.”

MICHELLE BASTOS Retratos que atormentam É difícil encontrar retratos tão densos e inquietantes quanto estas “Nicolettas” de Michelle Bastos. Na ocultação das imagens em preto e branco, é possível recriar os rostos destas mulheres que vivem dramaticamente. Este expressionismo quase abstrato nos propõe uma simbiose com uma imagem que pede para ser decodificada não necessariamente com os olhos, mas com a emoção. Fechamos os olhos e... vemos. Estes retratos de Michelle Bastos nos atormentam. Michelle nasceu em 1978 em Brasília. É Bacharel em Artes Cênicas e Ciência Política, com especialização em retrato e identidade visual e mestrado em fotografia. Ela apresenta sua obra: “Este ensaio, intitulado “Nicolettas”, nome próprio feminino mais popular da Romênia, é um conjunto de imagens dos rostos de prostitutas romenas nas ruas de Madri/Espanha, que utilizam esse nome de guerra para o trabalho. Após compreender que o retrato tradicional não seria suficiente para revelar a complexidade do mundo da prostituição e suas faces, decidi fabricar um papel manual que tornou possível registrar o rosto recém-maquiado das trabalhadoras sexuais meio da captura do óleo da face por contato, anulando o ambiente e focando na representação da pele.

Surgiram negativos cuja imagem oferece rostos em sua leitura mais crua e neutra, oferecendo ao espectador grande subjetividade e possibilidades de leitura do universo da prostituição, reforçando o sujeito e sugerindo e multiplicando o espaço, que é criado de acordo com a atmosfera de leitura proposta por cada um.” “Nicolettas” obteve o primeiro lugar na categoria Nacional no GOYAZES Festival de Fotografia Goiânia 2017.

NAIR BENEDICTO A beleza de um fotojornalismo que denuncia injustiças e mobiliza consciências Que força têm as fotos de Nair Benedicto! Suas composições são libelos. Ela prega justiça social, solidariedade e reconhecimento do outro; valoriza cada momento da humanidade até quando mostra desumanidades.

Feminista, militante, pioneira e ícone do fotojornalismo, nos dá aulas de sensibilidade e ousadia por meio da câmara.

Documenta a situação indígena, o problema dos trabalhadores sem terra e, sobretudo, a posição da mulher na sociedade brasileira. No ensaio que publicamos, suas noivas expressam muito mais do que casamento.

Nair Benedicto nasceu em 1940, na cidade de São Paulo.

Formou-se em Rádio e Televisão na Universidade de São Paulo (USP). Tem obras nos museus: MASP, SP; MAM, RJ; e Moma, NY. Mãe de três filhos pequenos, foi presa pela ditadura brasileira em outubro de 1969, com o marido, Jacques Breyton, que participara da resistência francesa contra o nazismo.

Em depoimento à revista Brasileiros (http://brasileiros.com. br/2015/12/o-diario-de-nair/), ela desabafa: “Tenho nojo ao ver pessoas empunhando bandeiras nas ruas e nas redes sociais pela volta dos militares.”

Nair Benedicto participou da criação das primeiras agências de fotografia do Brasil, junto com Juca Martins, Delfim Martins, Ricardo Malta, Stefania Bril, Marcos Santilli, Rubens Fernandes Júnior, Fausto Chermont. É indispensável a leitura da entrevista que Nair Benedicto concedeu a Paulo César Boni, na revista Discursos Fotográficos / V. 9, N. 15 (2013) (http://www.uel.br/revistas/uel/index.php/ discursosfotograficos/article/view/16890/pdf_11) (https:// www.facebook.com/nair.benedicto1)

TALITA VIRGÍNIA DE LIMA À nossa frente, inconscientes que se materializam Durante anos, tive medo do meu pai. Usava minha mãe como intermediária para falar com ele, para pedir alguma coisa.

O curioso é que meu pai é um sujeito tranquilo, gosta de bicho, de natureza e é muito religioso. O trabalho dele é que é violento. Por isso, o associei à farda, à arma. Eu tinha medo do meu pai fardado.

Talita Virgínia de Lima http://piaui.folha.uol.com.br/materia/pai-policia/ Há algo de premonição, de documento do inconsciente, em cada foto de Talita Virgínia de Lima. Ela parece documentar um inconsciente que vai se materializar no futuro. Ao mesmo tempo, um exorcismo de passados. As imagens são perturbadoras, esteticamente dramáticas. Dolorosas imagens memoriais projetadas à nossa frente. E lá está uma criança, a irmã de Talita, mas, certamente, a própria Talita. Talita nos apresenta angústias esparsas: cada foto, um capítulo de um romance aberto que criamos, juntando todas as imagens na ordem que desejarmos. Um romance aberto porque criado pelo espectador, um romance de uma das possíveis infâncias de Talita Virgínia de Lima.

Talita passou a infância em bairros periféricos da cidade de São Paulo. Estudou fotografia no Senac – Serviço Nacional do Comércio com uma bolsa, fez pós-graduação na Espanha e encontrou seu caminho profissional. Seu pai, o soldado Simplício, se aposentou na polícia. Ele é a personagem deste ensaio – Pai polícia -, que foi apresentado como trabalho de conclusão de curso universitário.

Talita trabalha no Museu da Imagem e do Som - MIS em São Paulo e no Estúdio Tampa. (https://www.facebook.com/ talitavirginiadelima)

THAIS MEDINA Um sagrado que se torna plasticamente profano Quando o homo sapiens desenvolveu o pensamento simbólico?

Essa pergunta jamais terá resposta. É certo, porém, que o pensamento simbólico é a principal característica do homo sapiens, e é por meio dele que podemos contemplar a alma de um povo. Mas só podemos enxergar a alma de um povo por meio de representações.

Mas o que representa a alma de um povo? Onde e como ela se materializa? Na música, nas artes plásticas, na literatura, mas, na maior parte das vezes, nos objetos que se relacionam com a fé naquilo que é transcendental.

Thais Medina procura signos e, por meio de objetos rituais, nos oferece um mundo de símbolos. Estamos diante de um conjunto de objetos que nos levam a sentir a transcendência presente na alma das pessoas. Essas contundentes alegorias, seguramente, mexem com nossa alma, transcendental ou não.

Thaís Medina (Brasil, 1978) passou os últimos dezessete anos pesquisando e trabalhando em documentação conceitual-fotográfica sobre representações visuais geradas pelas práticas religiosas afro-brasileiras, seus credos e superstições. Sua intenção é desconstruir essas representações religiosas sincréticas para compreender as diversas influências que as nutrem.

Thaís vem desenvolvendo e exibindo seus projetos no Brasil, Espanha, Portugal, Inglaterra, Irlanda, Geórgia, Austrália, África, Sérvia, Lituânia e Japão. Atualmente, ela divide seu trabalho entre a América Latina e a Europa, buscando inspiração e colaborações. Site: https://www.thaismedina.com/

Credits Curator: Marcia Mello Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios e Amélia Siegel Corrêa Design: Marcelo Pallotta Art Director: Henrique Nunes Translation: Bruna Martins Fontes Acknowledgment: Amélia Siegel Corrêa, Marcia Mello, Paulo Marcos de Mendonça Lima, Christian Maldonado, Marcelo Greco e Schoeler Editions 1 - Suggestions, complaints and praise should be sent by email to: contact@carcaraphotoart.com 2 - Portfolios should be submitted in the following format: JPEG ( 30 x 45 cm ), 100 dpi by email to: contact@carcaraphotoart.com

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