Tutti i diritti riservati. Collana Saggistica, 29 Progetto grafco, impaginazione e cover design: Sebastiano Barcaroli
Illustrazione di copertina: Oscar Diodoro
Correzione bozze a cura della redazione
Stampato presso Rotomail Italia S.p.A. Vignate (MI) – MAGGIO 2026
Burno
è un marchio in esclusiva di Solone srl Via Aversana, 8 – 84025 Eboli (SA)
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La casa editrice e gli autori con questa opera intendono assolvere a una funzione di informazione.
A tal riguardo ogni illustrazione originale assolve al compito di omaggio all’importanza del flm, dell’attore, del personaggio o dell’oggetto ritratti.
illustrazioni di
a cura di SEBASTIANO BARCAROLI ✴ ANDREA FIAMMA
OSCAR DIODORO
✴ IL TUO SEGNO ZODIACALE RACCONTATO CON I FILM ✴
INTRODUZIONE
Il progetto Cinezodiaco nasce dall’idea che i film, come le stelle, abbiano un’influenza segreta su di noi. Non solo ci emozionano, ma parlano a parti diverse del nostro carattere. Ogni segno ha la sua energia, il suo ritmo, le sue emozioni dominanti: e proprio come i pianeti ne influenzano l’indole, certi film sembrano parlare direttamente a quel tipo di sguardo, amplificandone i desideri, le paure, i sogni. C’è chi cerca l’avventura e chi l’introspezione, chi ama perdersi nelle storie d’amore e chi si riconosce solo nei grandi conflitti morali. Cinezodiaco unisce allora due universi che, in fondo, parlano la stessa lingua: quella dei simboli. Come i pianeti, i film ruotano attorno ai nostri stati d’animo, illuminandoli da angolazioni sempre diverse. Ci sono film che risvegliano il coraggio di un Ariete o la nostalgia di un Pesci, commedie che bilanciano la razionalità di una Vergine o drammi che accendono la passione di uno Scorpione. Ogni titolo è scelto non solo per l’oroscopo, ma per l’anima di ogni segno: per quella vibrazione invisibile che lega i segni alle storie.
E dopotutto, non è un caso se nel cinema gli attori si chiamano stelle. Brillano nel buio come costellazioni, disegnano mappe di sentimenti e ci guidano, inconsapevoli, nel grande zodiaco del cinema. Cinezodiaco è questo: un viaggio nel firmamento dei film, per riscoprire – segno dopo segno – che ogni storia ci appartiene, basta solo guardarla sotto la giusta luce. Cinezodiaco è una mappa per orientarsi tra le emozioni, un atlante celeste di immagini in movimento – per scoprire, film dopo film, quanto il nostro cielo interiore assomigli a quello proiettato sul grande schermo.
STORIA DELL’ASTROLOGIA
Dalle stelle dei re alla psiche dell’uomo
L’astrologia è antica quanto lo sguardo umano rivolto al cielo. Prima ancora che nascesse la scienza, prima delle religioni organizzate, gli esseri umani hanno alzato gli occhi verso le stelle cercando un senso. La volta celeste, immensa e regolare, offriva un ordine in mezzo al caos. Le costellazioni divennero narrazioni, i pianeti divinità, e lentamente si formò un sistema simbolico in cui cielo e terra erano specchio l’uno dell’altra.
Prima del linguaggio, il cielo
Molto prima che l’uomo imparasse a scrivere, sapeva già guardare il cielo. Le prime civiltà sedentarie – tra il Neolitico e l’età del Bronzo – osservarono le stelle per motivi pratici: seminare al momento giusto, prevedere le inondazioni, calcolare i cicli di caccia e riproduzione degli animali. Ma ben presto quell’osservazione divenne qualcos’altro. Il cielo non era solo una mappa, ma un messaggio. La regolarità dei corpi celesti dava l’illusione di un ordine cosmico, e dove c’è ordine, l’uomo cerca significato.
Gli allineamenti architettonici di monumenti megalitici come Stonehenge o Nabta Playa ci dicono che già 6000 anni fa si collegavano gli astri al tempo e allo spazio sacro. La luce del solstizio, il sorgere delle Pleiadi, l’alternanza delle fasi lunari: tutto sembrava parte di una danza ordinata, che influenzava la vita sulla Terra. È in questo contesto che nasce la radice più profonda dell’astrologia: il bisogno di decifrare la realtà leggendo le stelle.
Babilonia: la scrittura degli dèi
È in Mesopotamia che l’astrologia diventa un sapere sistematico. I sacerdoti-astronomi babilonesi, attivi già nel secondo millennio avanti Cristo, iniziano a registrare eventi celesti su tavolette d’argilla: eclissi, congiunzioni planetarie, anomalie nel moto della Luna. Ma non si tratta solo di astronomia. A ogni evento veniva associato un possibile presagio. Le Enuma Anu Enlil, compilate tra il XVI e il x secolo a.C., sono enormi raccolte di segni e interpretazioni: se Marte sorge in un certo modo, allora morirà il re; se Giove è eclissato, una carestia colpirà la città.
Il cielo è visto come una tavola su cui gli dèi scrivono il futuro. Ma è un futuro collettivo: riguarda lo Stato, l’esercito, il sovrano. Nessuno chiede ancora cosa accadrà a un individuo. La lettura delle stelle è una prerogativa sacerdotale e politica, e la figura dell’astrologo è strettamente legata al potere.
La grande innovazione babilonese fu la divisione dello zodiaco in dodici segmenti di 30 gradi ciascuno, corrispondenti ai dodici segni zodiacali. Questo sistema, affiancato a tavole di calcolo sempre più precise, gettò le basi per tutto ciò che verrà.
Grecia ed Egitto: l’incontro tra destino e ragione
Quando Alessandro Magno conquista l’Egitto e la Persia nel IV secolo a.C., il sapere mesopotamico incontra quello greco. La nuova città di Alessandria diventa crocevia di astronomi, filosofi e matematici. In questo contesto nasce l’astrologia “ellenistica”, che porta due grandi rivoluzioni. La prima: si inizia a calcolare il tema natale, cioè una mappa personalizzata del cielo al momento della nascita di un individuo. La seconda: l’astrologia entra in dialogo con la filosofia.
I greci non si limitano a interpretare gli eventi: vogliono capire perché. Le dottrine stoiche e neoplatoniche offrono una cornice teorica all’astrologia: il cosmo è un organismo vivente, in cui ogni parte riflette il tutto. I pianeti diventano archetipi. Marte non è solo un corpo celeste: è principio di conflitto, di azione, di desiderio. Venere è armonia, attrazione, piacere. Il cielo non determina meccanicamente: influenza, predispone, riflette. Il testo che più di tutti codifica questo sistema è il Tetrabiblos di Claudio Tolomeo (II secolo d.C.), in cui l’astrologia viene presentata come una scienza razionale, basata sull’osservazione e sul calcolo. La fortuna del Tetrabiblos sarà tale che resterà il punto di riferimento per quasi 1500 anni.
Roma, Cristianesimo e mondo islamico
A Roma l’astrologia viene adottata con ambiguità. Alcuni imperatori ne fanno largo uso – Augusto fa coniare monete con il proprio segno zodiacale – altri la temono e la reprimono. Ma nel popolo, tra gli artigiani, nelle terme e nei mercati, l’oroscopo personale prende piede. È una forma di consolazione, ma anche di controllo. Con l’avvento del cristianesimo, l’astrologia diventa sospetta.
Se Dio è onnipotente e l’uomo ha libero arbitrio, come può il cielo dettare il destino? Alcuni Padri della Chiesa la condannano come stregoneria, ma la realtà è più sfumata. Nei monasteri si continuano a trascrivere testi astrologici, soprattutto per uso medico o agricolo. Nel frattempo, nel mondo islamico, l’astrologia conosce una nuova fioritura. I califfi abbasidi promuovono la traduzione delle opere greche e indiane. Baghdad diventa centro di studio avanzato, e figure come Albumasar, Al-Kindi, Al-Biruni sviluppano teorie raffinate che uniscono astrologia, medicina, matematica e teologia. Saranno proprio questi testi arabi, tradotti in latino a partire dal XII secolo, a reintrodurre l’astrologia nell’Europa medievale.
Il Medioevo e il
Rinascimento: astrologia come sapere integrato
Tra il XII e il XV secolo, l’astrologia torna a essere insegnata nelle università europee. Si studia accanto alla medicina e alla filosofia naturale. I medici calcolano i transiti planetari per stabilire il momento giusto per curare, operare, persino sanguinare un paziente.
Le grandi menti del tempo – Tommaso d’Aquino, Dante, Marsilio Ficino – considerano il cielo una parte del disegno divino, una fonte di simboli da interpretare, non da temere.
Nel Rinascimento, l’astrologia si fonde con l’umanesimo e la ricerca di armonia tra uomo e cosmo. I pittori raffigurano le allegorie zodiacali, gli architetti costruiscono templi secondo i principi dei segni. Ma è anche l’epoca in cui emergono le prime tensioni. Con Copernico, Galileo e Keplero, la rivoluzione scientifica impone nuovi criteri di verifica. Il cielo non è più un messaggio divino: è una macchina matematica. L’astrologia, pur ancora rispettata da molti, inizia lentamente a perdere prestigio.
L’età moderna:
dal
sospetto alla sopravvivenza
Nel XVII e XVIII secolo, l’astrologia esce dall’ambito scientifico e viene relegata ai margini. L’Illuminismo la considera una superstizione. I grandi sistemi di pensiero la escludono, e le accademie la ignorano. Eppure sopravvive. Nei contadini, negli almanacchi, nei calendari popolari, negli oroscopi stampati nelle fiere. La cultura colta se ne allontana, ma il pubblico non smette di crederci. È anche un’epoca di resistenza esoterica. Gli ambienti rosacrociani, massonici, occulti, continuano a studiare l’astrologia come sapere simbolico e iniziatico. Non si tratta più di prevedere il tempo, ma di decifrare l’anima.
Il Novecento: Jung, la psiche e la rinascita simbolica
All’inizio del Novecento, Carl Gustav Jung restituisce dignità all’astrologia. La considera uno strumento per comprendere l’inconscio, una lingua archetipica che parla in simboli, non in predizioni. Il tema natale diventa una mappa dell’interiorità. I pianeti non “agiscono” nel senso fisico, ma rappresentano forze psichiche, parti del sé.
Su questa scia nasce l’astrologia psicologica. In America e in Europa si diffonde un nuovo modo di intendere il cielo: non più come meccanismo causale, ma come specchio. Dane Rudhyar la collega all’astrologia evolutiva, Stephen Arroyo ne esplora il legame con gli elementi della personalità, Liz Greene la unisce alla psicologia junghiana.
L’astrologia torna a essere uno strumento di riflessione, crescita, autoconoscenza. L’oroscopo quotidiano si banalizza nei giornali, ma nel frattempo si sviluppa una comunità seria, fatta di studiosi, counselor, terapeuti che usano il simbolismo astrologico per aiutare a comprendere il proprio percorso.
Oggi: tra spiritualità, algoritmo e identità
Nel XXI secolo, l’astrologia ha ritrovato una sorprendente vitalità. Dopo decenni di marginalità, è riemersa nel dibattito culturale e nella quotidianità, soprattutto tra le nuove generazioni. Non è più soltanto un oroscopo settimanale, ma un linguaggio fluido per raccontare sé stessi, per riflettere sulle emozioni e sulle relazioni, per cercare connessioni in un mondo sempre più incerto. App, podcast, newsletter e profili social propongono contenuti astrologici che mescolano ironia e profondità, simbolismo e cultura pop.
L’oroscopo diventa un pretesto per parlare di ansia, desiderio, cambiamento. Il tema natale non è più un destino scritto, ma una mappa da esplorare.
Al tempo stesso, l’astrologia ha iniziato a dialogare con la psicologia contemporanea, con i linguaggi del femminismo, della spiritualità individuale, dell’inclusione. Alcuni la vedono come una forma di cura simbolica, una narrazione che permette di nominare conflitti interiori, di riconoscere dinamiche ripetitive, di guardarsi con maggiore compassione. Cresce anche l’interesse verso le radici storiche del sapere astrologico: scuole e comunità internazionali riscoprono le tecniche tradizionali ellenistiche e medievali, studiando gli antichi testi con rigore e passione. In questo senso, l’astrologia contemporanea è più stratificata che mai: popolare e specialistica, leggera e profonda.
Non pretende più di fornire risposte definitive, né di competere con la scienza. Ma continua a offrire un sistema di significati, un alfabeto emotivo, una forma di pensiero simbolico che attraversa le epoche. In un mondo dove i dati si moltiplicano ma il senso sfugge, l’astrologia non impone certezze: suggerisce letture. E forse è proprio per questo che, da millenni, l’uomo continua a guardare il cielo non solo con curiosità, ma con la segreta speranza di riconoscervi qualcosa di sé.
Storie d’amore e inganno, crisi di identità e voli della percezione. Un viaggio tra fiabe moderne, drammi morali, commedie romantiche e mondi distorti, che raccontano tutto ciò che la Bilancia cerca, teme o difende: bellezza, contraddizione, libertà, amore.
LA FORMA DELL’ACQUA
romantico/fantascienza, USA (2017), di Guillermo del Toro con Sally Hawkins, Richard Jenkins, Octavia Spencer
QUANTO È BILANCIA? ✴
Trama:
Baltimora, 1962. Elisa Esposito è muta, lavora come donna delle pulizie in un laboratorio governativo top secret, e vive in un piccolo appartamento sopra un cinema. I suoi unici amici sono Zelda, collega dalla parlantina instancabile, e Giles, anziano illustratore omosessuale in difficoltà economiche. Un giorno nel laboratorio viene portata una creatura anfibia sconosciuta, catturata in Sud America e tenuta prigioniera per essere studiata come possibile arma contro l’Unione Sovietica. Elisa scopre che l’essere può comprendere la musica, rispondere alla gentilezza e persino comunicare. Tra i due nasce un legame profondo, silenzioso, che sfocia presto in una relazione d’amore. Ma il tempo stringe: la creatura rischia di essere uccisa per essere sezionata. Elisa, con l’aiuto di pochi fidati alleati, organizza una fuga.
Il film:
La forma dell’acqua è uno di quei rari film in cui ogni scelta visiva, narrativa e musicale risponde a una logica profonda, poetica, coerente. Guillermo del Toro firma la sua opera più accessibile e premiata – Leone d’Oro a Venezia, quattro Oscar (tra cui Miglior film e Miglior regia) – ma non per questo la più semplice. Sotto l’aspetto di una fiaba romantica si cela un racconto stratificato sulla diversità, sull’empatia, sull’amore che sfugge ai codici dominanti. Il mostro, qui, non è il pericolo ma la possibilità. L’umano –
nella figura brutale di Strickland, interpretato da un feroce Michael Shannon – è colui che non tollera l’imprevisto, il non classificabile. È l’uomo che misura tutto in forza e possesso, che divide il mondo in utili e inutili. La creatura, invece, ha branchie, mani palmate, occhi che osservano con stupore. È un mistero vivente, ma capace di compassione, perfino di guarigione. Il vero salto narrativo del film è quello di mostrarci non un amore impossibile, ma un amore perfetto nella sua inadeguatezza.
Del Toro rielabora i miti del cinema classico (su tutti Il mostro della laguna nera) e li contamina con la sua estetica steampunk-deco. L’ambientazione è quella della Guerra Fredda, ma ogni dettaglio – dalla macchina color verde smeraldo alle piastrelle del laboratorio – è calibrato per creare un’atmosfera fuori dal tempo. Il colore dominante è il blu-verde, simbolo liquido che si ritrova nella pelle dell’anfibio, nell’uniforme dei militari, negli oggetti di scena. È la tonalità dell’acqua, del sogno, della metamorfosi.
La vera protagonista, però, è Elisa, interpretata da Sally Hawkins in stato di grazia. Il suo volto, i suoi gesti, la sua fisicità parlano più di mille battute. Elisa è muta, ma mai silenziosa: comunica desiderio, coraggio, rabbia, dolcezza con la sola forza del corpo. È un personaggio marginale che si prende il centro della scena, non perché urla, ma perché ascolta. Non perché combatte, ma perché ama. Non perché vince, ma perché protegge. In lei si concentrano tutte le tensioni del film: l’idea che l’umanità vera non coincida con il potere, ma con la capacità di sentire.
Giles, interpretato da Richard Jenkins, è un altro personaggio chiave: illustratore pubblicitario ormai fuori mercato, uomo omosessuale in una società che lo ha spinto ai margini, vive con malinconia e dignità. La sua amicizia con Elisa è fatta di silenzi condivisi, gesti piccoli, sostegno reciproco. In una scena fonda-
mentale, la creatura lo ferisce per paura, ma poi gli guarisce la ferita: una parabola sulla paura del diverso che può trasformarsi in cura, se accolta. L’amore tra Elisa e la creatura è anche fisico, carnale. In questo, Del Toro rompe ogni residuo tabù favolistico. La sessualità non è omessa, ma integrata con delicatezza e rispetto. L’unione tra i due è mostrata come naturale, necessaria, simbolica. La vasca da bagno diventa luogo d’incontro, rifugio e ponte tra i mondi. L’acqua, come dice lo stesso regista, è l’elemento che non ha forma, ma assume quella del recipiente. Così è l’amore: mutevole, libero, inclassificabile.
Il film parla anche del potere del linguaggio visivo: Elisa si esprime con il corpo, il cinema con le immagini. Non è un caso che molte scene siano costruite come coreografie, e che a un certo punto il film stesso si trasformi in musical: un omaggio alla Hollywood degli anni d’oro, ma anche un modo per raccontare l’estasi di un sentimento che non trova parole.
Del Toro dissemina citazioni e omaggi per cinefili attenti: il personaggio di Giles ricorda il regista James Whale, autore del Frankenstein del 1931 e omosessuale dichiarato in un’epoca che lo ha ostracizzato; la creatura richiama Abe Sapien, già presente nei Hellboy del regista; l’uso del colore, dei neon, delle luci, rievoca le atmosfere noir e i musical MGM. Ma non si tratta mai di esercizi di stile: tutto serve a rafforzare il messaggio. L’immaginario fantastico non è una fuga, è un modo per rendere più visibili le emozioni. In questo senso, La forma dell’acqua è un film profondamente politico. Senza proclami, racconta un mondo in cui chi è marginale – perché donna, muta, nero, omosessuale o alieno – ha la stessa dignità di chi comanda. Strickland, l’uomo che crede nel potere, nella supremazia e nel controllo, è colui che più di tutti perde. Elisa, che crede nell’ascolto, nella protezione e nell’empatia, è quella che salva.
Del Toro stesso ha definito il film “una lettera d’amore al cinema e agli esclusi”. E lo è davvero. Ma è anche una riflessione sul potere della gentilezza, su quanto sia rivoluzionario il gesto di prendersi cura. Elisa non vuole cambiare il mondo. Vuole solo che nessuno faccia del male a chi ama. E in questo, La forma dell’acqua ci dice qualcosa di profondamente umano.
Perché è adatto alla BILANCIA?
Perché mette al centro la connessione tra esseri diversi, l’ascolto profondo, l’armonia che nasce non dall’ordine ma dalla comprensione. È un film che lavora con le sfumature, che rifugge le opposizioni nette, che cerca una forma giusta per sentimenti senza forma.
La Bilancia riconosce sé stessa nel gesto di Elisa: creare legami dove altri vedono solo confini. In una società spaccata tra chi decide e chi obbedisce, il segno cerca il terzo spazio: quello della cura, dell’empatia, della bellezza che cambia tutto senza fare rumore.
COLAZIONE DA TIFFANY
commedia romantica, USA (1961), di Blake Edwards con Audrey Hepburn, George Peppard
QUANTO È BILANCIA?
Trama:
Holly Golightly è una giovane donna dall’identità sfuggente, che vive tra feste mondane e colazioni davanti alle vetrine di Tiffany. Quando un nuovo vicino di casa entra nella sua vita, si apre una partita sentimentale di cui non conoscerà facilmente il vincitore.
Il
film:
Alle prime luci dell’alba, Holly Golightly scende da un taxi sulla Quinta Strada. Il suo abito nero, i capelli raccolti, gli occhiali scuri: si avvicina con passo leggero alle vetrine di Tiffany, stringendo un sacchetto di carta e un caffè. È una delle scene più riconoscibili del cinema, ma anche la più ambigua: sotto l’eleganza c’è già la distanza, una malinconia che attraversa l’intero film. Quando Paul Varjak, scrittore in crisi, si trasferisce nell’appartamento accanto, inizia un rapporto fatto di seduzioni, silenzi e fragilità.
Tratto dal romanzo di Truman Capote, il film prende direzioni diverse rispetto al testo originale, accentuando il romanticismo e smussando i tratti più aspri della protagonista. Blake Edwards dirige con mano leggera, ma attenta alle ombre: la solitudine, la paura dell’intimità, il bisogno di un’identità stabile emergono con discrezione ma costanza. La sceneggiatura di George Axelrod gioca sul confine tra sofisticazione e artificio, rendendo Holly una figura affascinante ma sospesa.
Audrey Hepburn non fu la scelta voluta da Capote – che avrebbe preferito Marilyn Monroe – eppure l’attrice impone un’immagine destinata a diventare icona. Il tubino nero di Givenchy, la postura elegante, la voce sottile quando canta Moon River sintetizzano un’intera estetica. Eppure è nelle crepe, nei momenti meno composti, che il personaggio lascia il segno. Accanto a lei, George Peppard interpreta Paul con una tenerezza trattenuta, utile a bilanciare la sceneggiatura, a tratti troppo ripulita.
Il film ha conosciuto fortune alterne: amato dal pubblico, ma criticato dallo stesso Capote per la sua deriva edulcorata. Negli anni, inoltre, è stato oggetto di contestazioni per la rappresentazione razzista del personaggio di Yunioshi, affidato a Mickey Rooney in un ruolo caricato e caricaturale. Ma nonostante gli elementi datati, resta un’opera che resiste per la sua composizione visiva, la struttura relazionale, il tono sospeso tra fiaba urbana e malinconia esistenziale.
✴ ✴ ✴
Perché è adatto alla BILANCIA?
Holly è un personaggio in equilibrio instabile tra immagine e identità, tra desiderio di libertà e bisogno d’amore. Il film parla il linguaggio della Bilancia: eleganza di superficie, ma disordine emotivo sottostante. E ogni relazione, come ogni bilancia, oscilla prima di trovare la sua posizione.
CLOSER
drammatico/romantico, USA/UK (2004), di Mike Nichols con Natalie Portman, Jude Law, Julia Roberts, Clive Owen
QUANTO È BILANCIA?
Trama:
Due coppie si formano e si disgregano in un incrocio di tradimenti, attrazioni, ferite e verità non dette. In un gioco di specchi emotivi, quattro persone si osservano, si usano, si lasciano.
Il
film:
Tratto da una pièce teatrale di Patrick Marber, Closer è una radiografia spietata dei rapporti umani. Mike Nichols riduce lo spazio narrativo all’essenziale e lascia che siano le parole, gli sguardi e le pause a costruire la tensione. Non c’è mai calore gratuito: tutto è controllato, e proprio per questo più feroce. I dialoghi tagliano come lame affilate, il desiderio è continuamente rimandato, messo alla prova, rovesciato. Ogni personaggio rappresenta una forma diversa di negoziazione affettiva, e nessuno esce illeso.
Il film lavora sulle contrapposizioni: sincerità e manipolazione, intimità e distanza, bellezza e cinismo. Nichols non cerca la simpatia del pubblico, ma l’onestà della rappresentazione. La regia è elegante ma tesa, come se ogni scena fosse una stretta di mano seguita da uno schiaffo. Il minimalismo visivo e la recitazione calibrata dei quattro protagonisti lasciano emergere le crepe sotto le superfici: il bisogno disperato di connessione e la paura di perdere il controllo.
L’impianto teatrale resta evidente nella struttura in atti e negli
ambienti quasi astratti, ma Nichols trasforma il testo in cinema con rigore. Ogni inquadratura è pensata, ogni transizione è una ferita estetica che cerca di farsi equilibrio. Il risultato è un film che interroga lo spettatore senza concedergli vie d’uscita facili. Tutto resta sospeso, ma con lucidità assoluta.
Il film ha ricevuto un’accoglienza calorosa da parte della critica e della stagione dei premi. Ha ottenuto due candidature agli
Oscar: Miglior attore non protagonista per Clive Owen e Miglior attrice non protagonista per Natalie Portman, che ha vinto il Golden Globe nella stessa categoria. Anche Owen è stato premiato ai BAFTA .
Perché è adatto alla BILANCIA?
Closer è una lezione visiva sull’ambiguità dei rapporti: racconta l’equilibrio impossibile tra verità e desiderio. La Bilancia riconosce l’eleganza del conflitto e il bisogno di capirne i pesi.
FINCHÉ MORTI NON
CI SEPARI
commedia nera, USA (2019), di T. Gillett e M. Bettinelli-Olpin con Samara Weaving, Adam Brody
QUANTO È BILANCIA?
Trama:
Una sposa viene coinvolta in un’inquietante tradizione di famiglia la notte delle nozze: una caccia all’ultimo sangue. Ma gli assassini non sanno con chi hanno a che fare…
Il
film:
Dietro la facciata da horror game, il film è una feroce satira sulle convenzioni sociali, la famiglia e il matrimonio come contratto. Si muove con ritmo brillante, alternando tensione e humour nero, e riesce a sorprendere con un finale davvero, ma davvero inaspettato, pur restando dentro una struttura compatta e ben orchestrata.
La protagonista è l’unica lucida in un mondo di regole assurde: un gioco di ruoli dove l’equilibrio si rompe per finta... ma anche per davvero.
Perché è adatto alla BILANCIA?
Perché riflette in modo spietato e ironico sul concetto di patto, sull’idea di relazione come bilanciamento instabile. Una guerra travestita da cerimonia.
NOWHERE BOY
biografico, Regno Unito (2009), di Sam Taylor-Johnson con Aaron Taylor-Johnson, Kristin Scott Thomas
QUANTO È BILANCIA?
Trama:
Liverpool, anni Cinquanta. John Lennon cresce diviso tra la zia rigida che lo ha cresciuto e la madre assente ma affascinante, mentre inizia a scoprire la musica.
Il
film:
Il
film sceglie di non raccontare la leggenda, ma la frattura da cui nasce. La figura di John è ancora informe, spaccata tra affetto e rancore, ribellione e bisogno d’amore. Il tono è sommesso, quasi trattenuto, ma non privo di tensione: le scene familiari funzionano più dei passaggi musicali, e l’ambientazione inglese ha una cura visiva coerente con la sensibilità del film. Kristin Scott Thomas offre il contrappeso perfetto a una madre carismatica ma disfunzionale, creando un conflitto che non si risolve, ma si riflette.
Perché è adatto alla BILANCIA?
Perché è un film sull’identità costruita nel confronto, sull’ambivalenza dei legami, sull’origine del desiderio di armonia. E Lennon – nato il 9 ottobre 1940 – era Bilancia.
