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2022

ARTBOOK

2022

Organiser BrixenCultur Event Organisation Brixen Tourism In cooperation with Festung Franzensfeste/Forte di Fortezza, Kloster Neustift/Abbazia di Novacella, Gemeinde Brixen/ Comune di Bressanone, Gemeinde Vahrn/Comune di Varna, Ratschings/Racines, Stadtwerke Brixen/ ASM Bressanone, Autonome Provinz Bozen/Provincia Autonoma di Bolzano Idea & concept: Werner Zanotti Curators: Werner Zanotti, Stefanie Prieth, Nika Perne Production: Nika Perne, Simon Boccolari, Anton Gruber, Vera Profanter Partner projects: Philipp Seyr PR: Erica Kircheis Social Media: So.you for Brixen Tourism Marketing: Lorena Höllrigl, Andrea Klement, Claudia Oberhofer Ticketing: Philipp Seyr, Matthias Mair, Nora Mitterrutzner Technical Partner: Lang Medientechnik, Stadtwerke Brixen/ASM Bressanone, Graphics: Frei & Zeit Print: Athesia, Bozen/Bolzano Video production: Brandnamic Fotocredits: Brandnamic, Ivo Carrò, Matthias Gasser, GettyImages, Philipp Messner, Rami Saarikorpi, Santifaller Photography

ARTBOOK

WATER IS LIFE – LIGHT IS ART Brixen Water Light Festival 29.04.-22.05.2022 DE Kunst, Licht und Wasser und ein Kopf voller Träume und Gedanken. Frei sein und sich fallen lassen, dahin treiben auf der Wasseroberfläche, untertauchen und das Licht in sich tragen. Kritisch sein und verspielt, ein Wechselbad der Gefühle. Aufschreien und in sich verharren, Spaß haben am Leben, die Welt sehen. Und sie verstehen?

Das Brixen Water Light Festival © powered by Durst in Brixen, Franzensfeste, Ratschings und Neustift. Lokale und internationale Künstler*innen verwandeln die unterschiedlichen Wasserstandorte mit ihren kreativen Ideen und Installationen in ein Lichtermeer. Reflexionen über ökologische, wirtschaftliche und soziale Aspekte rund um das Thema Wasser stellen die Grundlage des künstlerischen Schaffens dar. Mehr als 20 Brunnen, der Zusammenfluss von Eisack und Rienz und weitere kulturhistorische Schätze werden mit Licht- und Kunstwerken neu interpretiert.

IT Arte, luce e acqua e una testa colma di sogni e pensieri. Essere liberi e lasciarsi cadere, galleggiare sulla superficie dell’acqua, immergersi e portare la luce dentro di sé. Essere critici e giocherelloni, montagne russe di emozioni. Gridare, restare immobili, divertirsi, vedere il mondo. E capirlo?

MISSION DE Wasser – unsere wertvollste Ressource.

Das Brixen Water Light Festival © powered by Durst versucht zu sensibilisieren und dies über die Landesgrenzen hinweg. Die Mission ist es ein respektvolles Bewusstsein mit der Natur und einen nachhaltigen Umgang mit der Ressource Wasser zu verbreiten, die kulturelle Verankerung mit der lokalen Tradition und der territorialen Geschichte zu stärken, sowie die Gäste im Hinblick auf ein bewusstes und umweltfreundliches Konsumverhalten zu sensibilisieren. Das Brixen Water Light Festival © powered by Durst ist als zertifiziertes „Green Event“ in Südtirol Schauplatz der Nachhaltigkeit. Im Fokus stehen die Verwendung von Energie aus erneuerbaren Quellen, umweltfreundlicher Produkte und digitaler Werbekampagnen. Schön, wenn auch Sie mithelfen, unser Festival zu einem ökologischen verträglicheren Event zu gestalten, z.B. durch Ihre umweltfreundliche Anreise. IT L’acqua – la nostra risorsa più preziosa.

Il Bressanone Water Light Festival © powered by Durst, cerca di sensibilizzare su questo tema oltre i confini regionali. La missione è quella di diffondere una consapevolezza rispettosa della natura e un uso sostenibile delle risorse idriche, per rafforzare il collegamento culturale con la tradizione locale e la storia territoriale, nonché per sensibilizzare gli ospiti e l’opinione pubblica ad un comportamento dei consumatori rispettoso nei confronti dell’ambiente.

Il Bressanone Water Light Festival © powered by Durst a Bressanone, Racines, Fortezza e Novacella. Artisti locali e internazionali trasformano i punti d’acqua di Bressanone e dintorni in luoghi luminosi e magici. Riflessioni su aspetti ecologici, economici e sociali legati all’acqua stanno alla base del ragionamento artistico. Più di 20 fontane, la confluenza tra Isarco e Rienza e altri tesori storico-culturali sono reinterpretati e trasformati in luoghi ricchi di luci ed opere d’arte.

Il Bressanone Water Light Festival © powered by Durst si può fregiare della certificazione “Green Event”. Il festival vuole essere a tutti gli effetti sinonimo di sostenibilità. La certificazione è stata ottenuta grazie al rispetto di parametri come l’utilizzo di energia da fonti rinnovabili, materiale stampato su carta ecologica certificata e campagne promozionali digitali. Un contributo all’aspetto ambientale del Water Light Festival © può arrivare anche da voi visitatori, ad esempio usando mezzi di trasporto sostenibili per venirci a trovare.

EN Art, light and water and a head full of dreams and thoughts. Being free and letting oneself fall, floating on the surface of the water, submerging, and carrying the light within. Being critical and playful, a rollercoaster of emotions. Screaming, standing still, having fun, seeing the world. And figure it out?

EN Water - our most precious resource.

The Brixen Water Light Festival © powered by Durst in Brixen, Franzensfeste/ Fortezza, Ratschings/Racines and Neustift/Novacella. Local and international artists will transform various water locations into a sea of light by showing their creative ideas and installations. Reflections on ecological, economic and social aspects around the theme of water form the basis of the artistic work. More than 20 fountains, the confluence of the Eisack and Rienz rivers and other cultural-historical treasures are reinterpreted and highlighted with various works of light and art.

The Brixen Water Light Festival © powered by Durst, aims to raise awareness of this issue beyond regional borders. The mission is to spread a respectful awareness of nature and sustainable use of water resources, to strengthen the cultural link with local tradition and history, and to raise awareness among guests and the public about environmentally friendly consumer behaviour. The Brixen Water Light Festival © powered by Durst stands as certified “Green Event” in South Tyrol as a venue for sustainability. The focus is on the use of energy from renewable sources, environmentally friendly products and digital advertising campaigns. It would be nice if you too could help to make our festival a more ecologically compatible event, e.g. by making your journey to us more environmentally friendly.

Brixen Bressanone Water Light Festival 2022 powered by Durst

PETER AERSCHMANN H2O

13 BEATRICE ALEMAGNA & EMMANUEL FELIU Storia Corta di una Goccia 17 REFIK ANADOL Bosphorus 21 BÅLL & BRAND The Ice Is Melting at the Pøules 25 STEFANO CAGOL The Global Warning – Il Tempo della Fusione Glaciale 29 ARNOLD MARIO DALL’O The Art of Love 33 LNLO BY HELEN EASTWOOD & LAURENT BRUN Wish Blow 37 SOPHIE GUYOT Maison Flux 41 DETLEF HARTUNGGEORG TRENZ Panta Rhei 45 KARI KOLA Images, Moments, Sounds of the River 53 BRIGITTE KOWANZ Delight 57 ALESSANDRO LUPI Dialogue, Fragments of Reality 63 VINCENZO MARSIGLIA Senses and Spaces 67 PHILIPP MESSNER Erosions 71 OCUBO Floating Stars 75 OLAB W A V E 79 PETRA POLLI The Right to Choose 83 KUNO PREY Unsichtbare Mauer 87 CLEMENS RUDOLPH (ANTRILOPE) Wasserhahn und Brausehenne 91 IVO SCHOOFS & PEPE HEIJNEN (KINETIC HUMOR) Inverse Frequency 95 KEITH SONNIER Expanded Willow Blatt 99 SPECTACULAIRES Baobab Trees, Colours of the Cathedral 105 ROMAIN TARDY The Source 109 LEONID TISHKOV Private Moon 113 JAMES TURRELL Circular Glass Series 117 MASSIMO UBERTI Battistero d’oro

PETER AERSCHMANN Switzerland

DE Peter Aerschmann, geboren 1969 in Fribourg in der Schweiz, arbeitet seit 1999 als Künstler auf den Gebieten Video und interaktive Installationen. Er studierte Informatik und Kunst in Basel und Bern. Seine Arbeiten werden seit 20 Jahren regelmäßig in Museen und Galerien gezeigt, zuletzt mit Einzelausstellungen im Museum Fribourg MAHF (2020), Kunstverein Mannheim (2019) und Kunstmuseum Appenzell (2018). IT Peter Aerschmann, nato nel 1969 a Friburgo (CH), lavora come artista nel campo del video e delle installazioni interattive dal 1999. Ha studiato informatica e arte a Basilea e Berna. Il suo lavoro è stato esposto regolarmente in musei e gallerie per 20 anni, più recentemente con mostre personali al Museum Fribourg MAHF (2020), Kunstverein Mannheim (2019) e Kunstmuseum Appenzell (2018). EN Born in 1969 in Fribourg, Switzerland, Peter Aerschmann’s career as a video and interactive installation artist began some thirty years later. Since graduating as an art and computer science student in Basel and Bern, his works have appeared in museums and art galleries over the past 20 years. His most recent solo exhibitions were at the Kunstmuseum Appenzell (2018), Kunstverein Mannheim (2019) and at the Museum Fribourg MAHF (2020).

H2O

Peter Aerschmann

BRIXEN BRESSANONE Hartwig-Platz / Piazza Hartwig

H2O 2022

DE Die Projektion „H2O“ zeigt ein komplexes Rohrsystem mit Wasser und allerlei bunten chemischen Reaktionen. Was im ersten Moment als große, lustige Simulation einer Chemie- Fabrik erscheint, verweist auf eines der größten Probleme unserer Zeit: Wasser wird immer knapper, wird zunehmend

privatisiert und kommerzialisiert. Gleichzeitig ist unser Trinkwasser mit diversen Giftstoffen verschmutzt, etwa mit Pestiziden aus der Landwirtschaft oder Chemikalien aus der Industrie. Die Gifte, die in der realen Welt oft unsichtbar bleiben, werden im Video zum zentralen Gestaltungselement.

IT La proiezione “H2O” mostra un complesso sistema di tubi con acqua e tutti i tipi di reazioni chimiche colorate. Quella che a prima vista sembra essere una grande e divertente simulazione di una fabbrica chimica si riferisce a uno dei maggiori problemi del nostro tempo: l’acqua sta diventando sempre più

scarsa, viene sempre più privatizzata e commercializzata. Allo stesso tempo, la nostra acqua potabile è inquinata da varie tossine, come i pesticidi dell’agricoltura o i prodotti chimici dell’industria. Le tossine, che spesso rimangono invisibili nel mondo reale, diventano un elemento centrale del design nel video.

EN The projection “H2O” shows a complex pipe system with water and all kinds of colourful chemical reactions. What at first appears to be a large, amusing simulation of a chemical factory points to one of the biggest problems of our time: water is becoming increasingly scarce and is being

privatised and commercialised. At the same time, our drinking water is polluted with various toxins, such as pesticides from agriculture or chemicals from industry. The toxins, which often remain invisible in the real world, become the central design element in the video.

BEATRICE ALEMAGNA & EMMANUEL FELIU France / Italy

Storia Corta di una Goccia

DE Feliu wurde 1972 in Frankreich geboren und arbeitet seit über zwanzig Jahren in der Videobranche als Videofilmer. Bis an die Anfänge zurück reicht seine Zusammenarbeit mit Beatrice Alemagna, deren Arbeiten hier beleuchtet werden. Sie leben gemeinsam mit ihren beiden Töchtern in Paris. Die „kurze Geschichte eines Tropfens“ [„Storia Corta di una Goccia“] ist eine Adaption des gleichnamigen Buches von Beatrice Alemagna, das in Originalsprache bei Donzelli erschienen ist.

Beatrice Alemagna wurde 1973 in Bologna (I) geboren. Die Helden und Heldinnen ihrer Kindheit waren Pippi Langstrumpf, Marcovaldo, Karlsson auf dem Dach, Silvester und Meffi. Mit acht Jahren beschloss sie, als Erwachsene „Malerin und Schriftstellerin“ zu werden, koste es, was es wolle. Heute macht sie genau dies. Sie publiziert Bücher, für Kinder, für Erwachsene, für alle. Sie malt, sie formt und modelliert, sie ist auf der Suche.

IT Feliu è nato nel 1972 in Francia. Lavora nell’industria video come videomaker da più di vent’anni e ha iniziato una collaborazione con Beatrice Alemagna intorno al suo lavoro fin dall’inizio della sua carriera. Ora vivono insieme a Parigi con le loro due figlie. “Storia Corta di una Goccia” è un adattamento dall’omonimo libro di Beatrice Alemagna, pubblicato in Italia da Donzelli.

Beatrice Alemagna è nata a Bologna nel 1973. Quando era bambina i suoi più grandi eroi erano Pippi Calzelunghe, Marcovaldo, Karlsson sul tetto, Silvestro e Meffi. A otto anni decide che a qualunque costo, una volta cresciuta, sarebbe diventata “pittrice e scrittrice di romanzi”. Oggi fa libri. Per bambini, per adulti, per chiunque voglia. Dipinge, scolpisce, cerca.

EN Feliu was born in 1972 in France. He’s been working in the video industry as a video-maker for more than twenty years and started a collaboration with Beatrice Alemagna around her work right from the beginning. They now live together in Paris with their two daughters. A “Short Story of a Drop” is an adaptation from the eponymous book of Beatrice Alemagna, published in Italia by Donzelli.

Beatrice Alemagna was born in Bologna, Italy, in 1973. When she was a child her biggest heros were Pippi Longstocking, Marcovaldo, Karlsson on the roof, Silvester and Meffi. At eight she decided that whatever the cost, once she would grow up she would become a “painter and writer of novels”. Nowadays she is making books. For children, for adults, for whoever wants. She paints, she sculpts, she searches.

Beatrice Alemagna & Emmanuel Feliu

BRIXEN BRESSANONE Stadtbibliothek / Biblioteca Civica

Storia Corta di una Goccia (Based on the book of the same name by Beatrice Alemagna, 2010) 2022

DE „Kurzgeschichte eines Tropfens“ erzählt anhand verschiedener Bildund Textpassagen die Geschichte eines Wassertropfens, von seiner Geburt bis zu seinem Tod. Die von der Autorin verwendete Sprache ist einfach und zeichnet sich durch kurze, prägnante Sätze aus. Die Bildsprache

ist bunt und besteht hauptsächlich aus geometrischen Formen. Wirklichkeit und Traum vereinen sich zu einer kurzen Geschichte zwischen Humor und Ernsthaftigkeit. Emmanuel Feliu hat die Bilder des Buches animiert und zum Leben erweckt.

IT “Storia corta di una goccia” racconta la storia di una goccia d’acqua dalla sua nascita alla sua morte, attraverso varie immagini e passaggi di testo. Il linguaggio utilizzato dall’autrice è semplice ed è caratterizzato da frasi brevi e

concise. Il linguaggio visivo è colorato e consiste principalmente in forme geometriche. Realtà e sogno si combinano in una breve storia tra umorismo e serietà. Emmanuel Feliu ha animato e dato vita alle immagini del libro.

EN “Short Story of a Drop” tells the story of a drop of water, from its birth to its death, through various image and text passages. The language used by the author is simple and characterised by short, concise sentences. The visual

language is colourful and consists mainly of geometric shapes. Reality and dream unite in a short story between humour and seriousness. Emmanuel Feliu has animated the images of the book and brought them to life.

REFIK ANADOL Turkey / USA

DE Geb. 1985, Istanbul, Türkei. Refik Anadol ist Medienkünstler, Regisseur und Pionier auf dem Gebiet der Ästhetik von Daten und künstlicher Intelligenz. Seine Arbeiten suchen und verorten Kreativität an der Schnittstelle zwischen Mensch und Maschine. Indem er die Daten, die uns umgeben, als primäres Material betrachtet, das er mithilfe eines neuronalen Netzwerks eines computerisierten Verstandes verwendet, malt Anadol mit einem denkenden Pinsel. Auf diese Weise bietet er uns eine radikale Visualisierung unserer digitalisierten Erinnerungen und erweitert so die Möglichkeiten sowohl der Architektur, als auch der Erzählweise und des Körpers in Bewegung. IT *1985, Istanbul, Turchia. Refik Anadol è un media artist, regista e pioniere dell’estetica dei dati e dell’intelligenza artificiale. Il suo lavoro localizza la creatività all’intersezione tra umani e macchine. Prendendo i dati che scorrono intorno a noi come materiale primario e la rete neurale di una mente computerizzata come collaboratore, Anadol dipinge con un pennello pensante, offrendoci visualizzazioni radicali dei nostri ricordi digitalizzati ed espandendo le possibilità dell’architettura, della narrativa e del corpo in movimento. EN b. 1985, Istanbul, Turkey Refik Anadol is a media artist, director and pioneer in the aesthetics of data and machine intelligence. His body of work locates creativity at the intersection of humans and machines. In taking the data that flows around us as the primary material and the neural network of a computerized mind as a collaborator, Anadol paints with a thinking brush, offering us radical visualizations of our digitized memories and expanding the possibilities of architecture, narrative, and the body in motion.

Bosphorus

Refik Anadol

BRIXEN BRESSANONE Brixen Tourismus / Bressanone Turismo

Bosphorus 2018

DE Die Beziehung zwischen Simulation, Realität und dem Streben nach Verständnis ist weitgehend reflexiv. In den Geschichten, die wir erzählen, und in den Welten, die wir bauen, konstruieren wir immer wieder Spiegel, die Meditationen über unsere Identität anbieten und gleichzeitig ein Teil der Natur selbst werden. Wie Philip K. Dick sagt: „Die Realität ist das, was nicht verschwindet, wenn man aufhört, an sie zu glauben. Eine Simulation ist das, was nicht aufhört, wenn die Geschichten verschwinden. Die Geschichten sind unserem menschlichen Wunsch nach einer Lösung gegenüber

verantwortlich, aber eine Simulation ist nur ihren eigenen Gesetzen und Initialisierungsbedingungen gegenüber verantwortlich. Eine Simulation hat keine Moral, keine Vorurteile und keine Bedeutung. Wie die Natur, so ist sie einfach.“ Der Bosphorus ist eine Datenskulptur, die von den Hochfrequenz-Radardatensammlungen des Marmarameeres inspiriert wurde, die vom staatlichen türkischen Wetterdienst in Abständen von 30 Minuten bereitgestellt werden. Die Datenerfassung der 30 Tage langen Meeresoberflächenaktivität wurde in ein poetisches Erlebnis verwandelt.

IT Il rapporto tra simulazione, realtà e ricerca della comprensione è in gran parte riflessivo. Nelle storie che raccontiamo e nei mondi che costruiamo, creiamo continuamente degli specchi che offrono meditazioni sulla nostra identità mentre diventano parte della natura stessa. Come dice Philip K. Dick: “La realtà è ciò che non scompare quando si smette di crederci. Una simulazione è quella che non si ferma quando le storie scompaiono. Le storie rispondono al nostro desiderio umano di soluzione,

ma una simulazione risponde solo alle sue leggi e condizioni iniziali. Una simulazione non ha nessuna morale, nessun pregiudizio e nessun significato. Come la natura, è semplice”. “Bosphorus” è una scultura di dati ispirata alle raccolte di dati radar ad alta frequenza del Mar di Marmara fornite dal Servizio meteorologico statale turco a intervalli di 30 minuti. La raccolta di dati di 30 giorni di attività sulla superficie del mare si è trasformata in un’esperienza poetica.

EN The relationship between simulation, reality and the pursuit of understanding is largely reflexive. In the stories we tell and the worlds we build, we continually construct mirrors that offer meditations on our identity while becoming a part of nature itself. As Philip K. Dick says: “Reality is what doesn’t disappear when you stop believing in it. A simulation is what doesn’t stop when the stories disappear. The stories are answerable to our human desire for a solution, but a

simulation is answerable only to its own laws and initialising conditions. A simulation has no morality, no prejudice and no meaning. Like nature, it is simple.” “Bosphorus” is a data sculpture inspired by high frequency radar data collections of Marmara Sea provided by Turkish State Meteorological Service in every 30 minutes intervals. The data collection of 30 days long sea surface activity is transformed into a poetic experience.

BÅLL & BRAND Denmark

DE Båll & Brand (bll&brnd) inszenieren hauptsächlich großflächige Klang- und Lichterlebnisse. Sie leben und arbeiten in Kopenhagen und experimentieren mit verschiedensten Materialien im Gestaltungsbereich des Lichts. Auf diese Weise haben sie bereits unverwechselbare Licht-Werke in Dänemark und außerhalb Dänemarks geschaffen, darunter Kunstwerke auf dem Berg Bjolfur (1.048m) in Island, im Königlich Dänischen Dom zu Roskilde, auf dem Copenhagen Light Festival und dem Amsterdam Light Festival. IT Båll & Brand (bll&brnd) lavorano principalmente alla creazione di esperienze di suono e luce di grande scala. Hanno sede a Copenaghen e sperimentano con vari materiali nel campo della luce, loro è la firma di varie importanti opere di luce in Danimarca e all’estero. Tra i siti ospitanti loro lavori si ricordano: Monte Bjolfur (1.048m) in Islanda, Cattedrale Reale Danese a Roskilde, Copenhagen Light Festival e Amsterdam Light Festival. EN Båll & Brand (bll&brnd) are mainly working with large scale sound and light experiences. They are based in Copenhagen and experiment with various materials in the field of light and have been behind several distinctive light-works in Denmark and abroad, including artwork at Mt Bjolfur (1.048m) in Iceland, the Royal Danish Cathedral in Roskilde, Copenhagen Light Festival and Amsterdam Light Festival.

The Ice Is Melting at the Pøules

BÅLL & BRAND

BRIXEN BRESSANONE Weißer Turm / Torre Bianca

The Ice Is Melting at the Pøules 2020

DE „The Ice is Melting at the Pøules“ ist Teil des Gesamtkunstprojektes wearemelting.art. Es besteht aus einer sich ständig verändernden, analogen und organischen Projektion. Diese wird sichtbar durch das Licht, das durch geschlossene, rotierende Glasscheiben scheint. Diese Scheiben enthalten echtes Schmelzwasser einer Eisschicht aus Grönland, blauen

Farbstoff von gefährdeten Kornblumen und Rohöl aus einem Ölfeld der USA. Die Unverträglichkeit der verwendeten Materialien steht metaphorisch für die Ölgewinnung und den damit zusammenhängenden Problemen hinsichtlich der globalen Erderwärmung. Die Arbeit „The Ice is Melting at the Pøules“ erzählt von den 13 Millionen Litern Eis, die jede Sekunde schmelzen.

IT “The Ice is Melting at the Pøules” fa parte del progetto artistico globale wearemelting.art. Consiste in una proiezione analogica e organica in continua evoluzione fatta dalla luce che penetra attraverso dischi di vetro rotanti e chiusi. Questi dischi contengono acqua di disgelo della calotta glaciale in Groenlandia, colorante blu da fiordalisi in via di estinzione e petrolio

greggio da un giacimento petrolifero negli Stati Uniti. L’incompatibilità dei materiali utilizzati rappresenta una metafora dell’estrazione del petrolio e dei problemi connessi con il riscaldamento globale. L’opera “The Ice is Melting at the Pøules” racconta degli oltre 13 milioni di litri di ghiaccio che si sciolgono ogni secondo.

EN “The Ice is Melting at the Pøules” is a fragment of an overall art project wearemelting.art. It consists of an ever changing analogue and organic projection made by light shining through rotating and enclosed glass discs. These discs contain actual meltwater from the ice sheet in Greenland, blue dye from endangered cornflowers and

crude oil from an actual oil field in USA. The incompatibility of the materials used stands metaphorically for oil production and the associated problems regarding global warming. The work “The Ice is Melting at the Pøules” tells the story of the more than 13 million litres of ice melting – each second.

STEFANO CAGOL Italy

DE Stefano Cagol studierte an der Akademie in Brera (I) und der Ryerson Universität in Toronto, Canada (mit PostdocStipendium der kanadischen Regierung). Er arbeitet in den Bereichen Konzept-, Umwelt- und Öko-Kunst sowie Land Art. Cagol wurde mit dem Italian Council, dem Visit der E.on Stiftung und dem Premio Terna ausgezeichnet und hat an den Biennalen von Venedig (2013, 2011), Curitiba (2019), OFF Cairo (2018), Manifesta (2018, 2016, 2008), Xinjiang (2014) und Singapur (2006) teilgenommen. Zudem nimmt er an der 59. Biennale von Venedig im Malaysischen Pavillon von Perak teil. IT Stefano Cagol ha studiato all’Accademia di Brera e Ryerson University di Toronto (postdoc fellowship Gov. Canada). Lavora nell’Arte Concettuale, Ambientale, Eco/Land Art. Vincitore di Italian Council, Visit di E.on Stiftung e Premio Terna, ha partecipato alle biennali di Venezia (2013, 2011), Curitiba (2019), OFF Cairo (2018), Manifesta (2018, 2016, 2008), Xinjiang (2014) e Singapore (2006). Partecipa alla 59. Biennale di Venezia al padiglione di Perak, Malesia. EN Stefano Cagol studied at Brera Academy in Milan and Ryerson University in Toronto (postdoc fellowship Canada Gov.). Works with Conceptual, Environmental, Eco/Land Art. Recipient of the Italian Council, Visit of E.on Stiftung and Terna Prize, he participated in the biennales of Venice (2013, 2011), Curitiba (2019), OFF Cairo (2018), Manifesta (2018, 2016, 2008), Xinjiang (2014) e Singapore (2006). Participates at the 59th Venice Biennale at Perak Pavilion, Malaysia.

The Global Warning

Stefano Cagol

BRIXEN BRESSANONE Adlerbrücke / Ponte Aquila

The Global Warning Il Tempo della Fusione Glaciale 2019–2022

DE Die Alpen erwärmen sich stärker als andere Gebiete der Erde. Diese Veränderung wirkt sich auf das Verschwinden der Gletscher, auf die Wasserverfügbarkeit und auf das Leben in den verschiedenen Höhenlagen aus. Die Gefahr liegt direkt vor unseren Augen, auch wenn wir sie nicht wahrnehmen wollen und erst dann über die Auswirkungen von Klima und Natur nachdenken, wenn sie sich auf zerstörerische Weise manifestieren. Der Künstler Stefano Cagol fordert uns auf, über das komplexe Mosaik von Ursachen und Wirkungen nachzudenken, welches das Bild des Klimawandels zeichnet und ein unaufhaltsames Signal der Gefahr

aussendet, das niemanden verschont. Seine Arbeit The Global Warning, entsteht durch ein bitteres Wortspiel der Begriffe „warming“ (Erwärmung) und „warning“ (Warnung). Die symbolische Lichtwirkung des Alarms wird durch eine Audioinstallation ergänzt, welche elektromagnetische Frequenzen der Sonne und der Gletscherschmelze in Tonsequenzen übersetzt und wiedergibt. „The Global Warning“ wurde im Sommer 2019 erarbeitet. In der Zeit aufgehoben, erhält sie nun eine zusätzliche Bedeutung: Die globale Warnung spornt uns an, eine bessere Zukunft zu schaffen.

IT Le Alpi si riscaldano più di altre parti del pianeta e questo cambiamento influisce sulla scomparsa dei ghiacciai, sulla disponibilità di acqua e sulla vita a diverse altitudini. Il pericolo è proprio davanti ai nostri occhi, anche se non vogliamo rendercene conto e pensiamo agli effetti del clima e della natura solo quando si manifestano in modo distruttivo. L’artista Stefano Cagol ci invita a riflettere sul complesso mosaico di cause ed effetti che rappresenta il quadro del cambiamento climatico propagando un inesorabile segnale di pericolo che non risparmia nessuno. Lo fa con la sua opera

luminosa e sonora “The Global Warning”, un amaro gioco di parole che gioca sulla vicinanza tra le parole inglesi warming (riscaldamento) e warning (avvertimento). L’effetto simbolico luminoso dell’allarme è sottolineato dal suono, che traduce le frequenze emesse dal calore del sole in onde sonore, introducendo i suoni causati dallo scioglimento di un ghiacciaio. “The Global Warning” è stato studiato nell’estate del 2019. Sospeso nel tempo, assume ora ulteriori significati: l’avvertimento globale si rafforza nello spronarci a costruire un futuro migliore.

EN The Alps are warming up more than other areas of the planet, and this change affects the disappearance of glaciers, water availability and life at high and low altitudes. The danger is right in front of our eyes, even if we do not want to realise it and we only think about the effects of climate and nature when they manifest themselves in a destructive way. The artist Stefano Cagol encourages us to reflect on the complex mosaic of causes and effects that make up the picture of climate changes, propagating an inexorable signal of danger that spares no one. He does this with his light and sound

artwork “The Global Warning”, a bitter word game that plays on the proximity between the English words warming and warning. The symbolic luminous effect of alarm is underlined by the sound, which translates the frequencies emitted by the heat of the sun into sound waves, introducing the sounds caused by the melting of a glacier. “The Global Warning” was studied in the summer of 2019. Suspended in time, it now takes on additional meanings: the global warning is reinforced in spurring us to build a better future.

ARNOLD MARIO DALL’O Supported by Christian Schwienbacher Italy DE Arnold Mario Dall‘O wurde 1960 in Lana, Italien, geboren. Er studierte Kunst an der Accademia di Belle Arti in Venedig bei Emilio Vedova. IT Arnold Mario Dall’O è nato nel 1960 a Lana (Bz). Ha studiato all’Accademia di Belle Arti di Venezia con Emilio Vedova. EN Arnold Mario Dall’O was born 1960 in Lana (Bz) in Italy. He studied art at the Accademia di Belle Arti in Venice by Emilio Vedova.

Ausstellungen (Auswahl, ab den 1980er-Jahren) / Mostre (selezione, dal 1980) / Exhibitions (selection, from 1980): Galerie Thaddaeus Ropac, Salisburgo (A); Galerie Albert Baumgarten, Friburgo (D); Paolo Maria Deanesi Gallery, Rovereto (I); Galleria Sergio Tossi, Firenze (I); Galleria Alessandro Casciaro, Bolzano (I); Galleria Museo, Bolzano (I); Museion – Museo d’arte moderna e contemporanea, Bolzano (I); Mart – Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, Rovereto (I); MAG – Museo Alto Garda, Riva (I); Galleria di Arte Contemporanea, Roma (I); Galleria Prisma, Bolzano (I); Manifesta 7, Parallel Event, Rovereto (I); Merano Arte, Kunst Meran (I); Österreichische Galerie Belvedere, Vienna (A); Galleria Civica di arte contemporanea, Trento (I); Biblioteca Classense, Sala del Mosaico, Ravenna (I); Museo storico-culturale della Provincia di Bolzano Castel Tirolo, Tirolo (I); Villa Streccius, Landau (D).

The Art of Love

Arnold Mario dall’O

BRIXEN BRESSANONE Großer Graben / Bastioni Maggiori

The Art of Love 2022

DE Zwei Sprinkler tanzen um die eigene Achse, spritzen Wasser, versinken im Nebelregen und beginnen das Spiel immer wieder von Neuem. Jede Viertelstunde erwachen die Sprinkler und beginnen das Liebesspiel dessen Ausgang ungewiss, jedoch voll von Leidenschaft ist. IT Due irrigatori danzano intorno al proprio asse, spruzzano acqua, sprofondano nella pioggia nebbiosa e iniziano il gioco ancora e ancora. Ogni quarto d’ora, gli irrigatori si svegliano e iniziano il loro gioco d’amore, il cui esito è incerto ma pieno di passione. EN Two sprinklers dance around their own axis, splash water, sink into the misty rain and start the game again and again. Every quarter of an hour, the sprinklers wake up and begin their love game, the outcome of which is uncertain but full of passion.

LNLO BY HELEN EASTWOOD & LAURENT BRUN France

DE LNLO (Helen Eastwood & Laurent Brun) erforscht als Elektronik.Design-Lab das interdisziplinäre künstlerische Feld, indem es an der Schnittstelle von Skulptur, Bild und digitaler Performance arbeitet. So entstehen großflächige Installationen unter Einsatz verschiedenster medialer Ausdrucksformen. Inspiriert, interaktiv, mysteriös, poetisch, spielerisch und stets erhellend, ziehen ihre multimedialen Installationen das Publikum in ihren Bann. IT LNLO (Helen Eastwood & Laurent Brun) esplorano un territorio artistico interdisciplinare, producendo lavori che intrecciano scultura, immagine e performance digitali, immaginando installazioni su larga scala usando vari mezzi espressivi. Animate, interattive, misteriose, giocose, poetiche, sempre illuminate, le loro realizzazioni multimediali affascinano e catturano, per un dato di tempo, l’occhio dello spettatore. EN LNLO (Helen Eastwood & Laurent Brun) explore a cross-disciplinary artistic territory, producing work at the intersection of sculpture, image and digital performances, imagining large scale installations using various medias. Animated, interactive, mysterious, playful, poetic, always enlightened, their multimedia realisations captivate and capture, for a given time, the eye and the viewer.

Wish Blow

LNLO by Helen Eastwood & Laurent Brun

BRIXEN BRESSANONE Rappanlagen / Giardini Rapp

Wish Blow 2018

DE Schließe die Augen, wünsch dir etwas. Und blase von ganzem Herzen! 15 wunderschöne farbige Kugeln schweben über dem Boden und verwandeln die Rappanlagen in ein Feld aus funkelnden Blasen, die aufleuchten, wenn du auf sie bläst. LNLO glaubt an die magischen Kräfte des positiven Denkens: sich etwas wünschen, einen Traum haben, ist schon eine halbe Wirklichkeit! Der Wunschblasen

symbolisiert die Kraft unserer Hoffnungen und Träume. Je länger du bläst, desto aufrichtiger und überzeugter sind deine Hoffnungen, desto weiter reist das Licht... und desto größer ist die Chance, dass dein Wunsch in Erfüllung geht!

IT Chiudete gli occhi, auguratevi qualcosa... e soffiate con tutto il cuore! 15 belle bolle colorate si librano sul suolo e trasformano i Giardini Rapp in un campo di bolle scintillanti che si accendono quando si soffia su di loro. LNLO crede nei poteri magici del pensiero positivo: desiderare qualcosa, avere un sogno, è già una mezza realtà! La bolla dei desideri simboleggia il potere delle nostre

speranze e dei nostri sogni. Più si soffia, più sincere e convinte sono le speranze, più la luce viaggia... e maggiore è la possibilità che il vostro desiderio si avveri!

EN Close your eyes, make a wish... and blow with all your heart! 15 beautiful coloured spheres float above the ground and transform the park Rappanlagen into a field of sparkling bubbles that light up when you blow on them. LNLO believes in the magic powers of positive thinking: to wish for something, to have a dream, is already half a reality! The wish bubble

symbolises the power of our hopes and dreams. The longer you blow, the more sincere and convinced are your hopes, the further the light travels... and the greater the chance that your wish will come true!

Sind deine Hoffnung und Willenskraft stark genug, um alle 15 Kugeln zu beleuchten?

La vostra speranza e la vostra forza di volontà sono abbastanza forti da illuminare tutte e 15 le bolle?

Are your hope and willpower strong enough to illuminate all 15 spheres?

SOPHIE GUYOT Switzerland

DE Sophie Guyot setzt sich immer wieder mit Umweltthemen auseinander, die sie als Metaphern für den allgemeinen Zustand der Menschheit betrachtet. Sie entwirft regelmäßig großflächige Umgebungen, die sich gestalterisch an der Natur und ihren vielfältigen Lebensräumen orientieren, wobei jedoch die Verwendung industriell gefertigter Materialien und der Einsatz künstlicher Beleuchtung zusätzliche semantische Koordinaten einführen. Ihre Projekte, die bisweilen monumentale Ausmaße annehmen, inszenieren auf diese Weise eine andere Wahrnehmung der Natur. IT Sophie Guyot affronta spesso temi ambientali, come se fossero metafore per lo stato in cui si trova l’umanità. Lei Immagina regolarmente enormi ambienti spaziali che riprende dalla natura e dai suoi habitat, ma il suo uso frequente di diversi materiali industriali e di illuminazione artificiale introduce diverse coordinate semantiche. I suoi progetti, spesso monumentalmente grandi, richiamano così una diversa percezione della natura. EN Sophie Guyot often addresses environmental themes, treated as metaphors for the general state of humanity. She regularly envisions huge spatial ambients that design-wise draw from nature and its habitats, but her frequent use of different industrial materials and artificial lighting introduces different semantic coordinates. Her projects, often monumentally big, thus recall a different perception of nature.

Maison Flux

Sophie Guyot

BRIXEN BRESSANONE Lido

Maison Flux 2012

DE Ein Haus, so wird die Einrichtung aussehen. Aber eine etwas andere Art von Haus: aus pflanzlichen lichtstreuenden Barrieren. Es ist organisch, schlängelt sich wie Bäume und Pflanzen und ist gleichzeitig urban und besteht aus industriellen und alltäglichen Elementen. Von verschiedenen Stellen der Installation gehen Geräusche aus. Geräusche wie Kiefergeräusche, nicht wahrnehmbare Atemzüge, Onomatopoesien, undefinierbares Gemurmel, so dass das Haus lebendig und mit Sprache ausgestattet erscheint.

Die so definierten Räume können als unwahrscheinliche Zimmer oder schützende und geheimnisvolle Zellen betrachtet werden, die das Publikum willkommen heißen und es mit ihrer beunruhigenden Fremdheit einhüllen. Auf halbem Weg zwischen einem Hotel und einer futuristischen Bahnhofshalle lädt der Ort zum Ausruhen, Flanieren, Träumen und Erleben unerwarteter Gefühle ein. Es ist eine Reflexion über den Lebensraum und das menschliche Biotop im Allgemeinen und gleichzeitig eine intensive und bezaubernde sensorische Erfahrung.

IT Una casa, ecco come sarà l’allestimento. Ma un tipo di casa leggermente diverso: fatta di barriere vegetali che diffondono la luce. È naturale, presenta dei meandri come gli alberi e le piante e allo stesso tempo è urbana ed è composta da elementi industriali e di uso quotidiano. Il suono viene emesso da vari punti dell’allestimento. Suoni come quelli delle mascelle, respiri impercettibili, onomatopee, mormorii indefinibili, facendo così apparire la casa viva e dotata di parola.

Gli spazi così definiti possono essere considerati come improbabili stanze o celle protettive e misteriose che accolgono il visitatore e lo avvolgono con la loro inquietante estraneità. A metà strada tra un hotel e una hall di una stazione futurista, il luogo è concepito per essere un invito a riposare, passeggiare, sognare e vivere emozioni inaspettate. È una riflessione sull’habitat e sul biotopo umano in generale e, allo stesso tempo, un’esperienza sensoriale intensa e incantevole.

EN A house, this is what the set-up will look like. But a slightly different kind of house: made of vegetal light-diffusing barriers. It is organic, meanders like trees and plants as well as urban at the same time and is made up of industrial and daily-used elements. Sound is emitted from various points of the set-up. Sounds such as those of jaws, imperceptible breaths, onomatopoeias, indefinable murmurs, thereby making the house appear alive and endowed with speech.

The spaces thus defined can be considered as improbable rooms or protective and mysterious cells that welcome the visitor and envelop them with their worrying strangeness. Midway between a hotel and a futurist station hall, the place is conceived to be an invitation for resting, strolling, dreaming and experiencing unexpected emotions. It is a reflection on habitat and human biotope in general and at the same time, an intense and enchanting sensorial experience.

DETLEF HARTUNG GEORG TRENZ Germany

DE Detlef Hartung (*1958) und Georg Trenz (*1962) leben in Köln und München und realisieren seit 1998 gemeinsame Lichtkunst-Projekte mit Licht, Raum und Sprache. Die Kooperation der beiden Künstler begann an der Akademie der Bildenden Künste in München. Ihre Arbeiten waren in Australien, Kanada, Afrika, Israel und auf zahlreichen internationalen Lichtkunstfestivals in Europa zu sehen. IT Detlef Hartung (*1958) e Georg Trenz (*1962) vivono a Colonia e Monaco e dal 1998 realizzano insieme progetti congiunti di light art con luce, spazio e linguaggio. La collaborazione tra i due artisti è iniziata all’Accademia di Belle Arti di Monaco. Le loro opere sono state esposte in Australia, Canada, Africa, Israele e in numerosi festival internazionali di light art in Europa. EN Detlef Hartung (*1958) and Georg Trenz (*1962) live in Cologne and Munich and have been realizing light art projects with light, space and language since 1998. The cooperation of the two artists began at the Academy of Fine Arts in Munich. Their works have been shown in Australia, Canada, Africa, Israel and at numerous international light art festivals in Europe.

Panta Rhei

Detlef HartungGeorg Trenz

BRIXEN BRESSANONE Erhardskirche / Chiesa di S. Erardo

Panta Rhei 2022

DE Nach Heraklits Flusslehre ist die primäre Welterfahrung ein fortwährender Stoff- und Formwechsel: „Wer in denselben Fluss steigt, dem fließt anderes und wieder anderes Wasser zu. Man kann nicht zwei Mal in denselben Fluss steigen.“ Die Flusslehre ist im Zusammenhang mit Heraklits Lehre von der Einheit aller Dinge zu

verstehen. Das Sein ist ein ewiges Werden und Wandeln. Als Metapher dafür steht das fließende Wasser. Mitten im Strom der Festivalbesucher umspülen Fluss-Wörter und -Zitate die Fassade von St. Erhard und verwandeln die statische Architektur mit typografischen Mitteln in ein bewegtes Zeichen.

IT Secondo la teoria del fiume di Eraclito, l’esperienza mondiale primaria è un continuo cambiamento di sostanza e forma: “Chi si muove nello stesso fiume, scorre sempre in acque diverse. Non si può entrare nello stesso fiume per due volte.” La dottrina del fiume deve essere compresa in relazione alla dottrina dell’unità di tutte le cose di

Eraclito. Essere è un eterno divenire e camminare. È la metafora di tutto ciò che scorre. In mezzo al flusso di frequentatori del Festival, parole fluviali e citazioni scorrono sulla facciata di Sant’Erardo e trasformano, con mezzi tipografici, l’architettura statica in un segno in movimento.

EN According to Heraclitus’ river doctrine, the primary experience of the world is a continuous metabolism and change of form: “Whoever climbs into the same river will always have different water flowing to him. You can’t go down the same river twice.” The river doctrine is to be understood in connection with Heraclitus’ teaching of the oneness of

all things. Being is an eternal becoming and changing. The flowing water is a metaphor for this. In the midst of the stream of festival visitors, river words and quotations wash around the façade of St. Erhard and transform the static architecture into a moving sign using typographic means.

KARI KOLA Finland

DE Kari Kola realisierte zwischen 2003 und 2021 Hunderte kleinerer Projekte in den Bereichen Tanz, Theater, Musik, Festivals, Ausstellungen, klassische Musikkonzerte, Opern, Außen- und Innenbeleuchtung usw. Er unterrichtete und hielt Vorträge über viele verschiedene Aspekte der Beleuchtung in Finnland und vielen anderen Ländern. Er arbeitete als technischer oder künstlerischer Leiter bei vielen Festivals und Veranstaltungen. IT Kari Kola ha realizzato centinaia di progetti minori tra il 2003 e il 2021 tra i quali danza, teatro, musica, festival, mostre, concerti di musica classica, opere, illuminazione esterna e interna ecc. Ha insegnato e tenuto conferenze su molti aspetti diversi dell’illuminazione in Finlandia e in molti altri paesi. Ha lavorato come direttore tecnico o artistico in molti festival ed eventi. EN Kari Kola made hundreds of smaller projects between 2003-2021 including dance, theatre, music, festivals, exhibitions, classical music concerts, operas, outdoor and indoor lighting etc. He has taught and held lectures on many different aspects of lighting in Finland and many other countries. He worked as technical or Artistic Director on many festivals and events.

Moments

Kari Kola

FRANZENSFESTE FORTEZZA Festung Franzensfeste / Forte di Fortezza

Images 2022

DE Die Festung Franzensfeste ist die größte historische Anlage Südtirols und liegt direkt an einem Fluss. Genau hier präsentiert der Künstler eine Installation. Sie dient dem Künstler als große Inspiration und als Verbindung zu dem Projekt „Sounds of the River“, das in der Stadt Brixen zu sehen ist. Die Installation basiert auf sehr langsam wechselnden Farben, die den gesamten Bereich verändern werden. Es werden verschiedene Schichten der Festung

verwendet, die einen starken Kontrast dazu bilden, wie die Festung bei Tag aussieht und wahrgenommen wird. Ein Ort, der die Inspiration des Künstlers mit seiner Geschichte als militärische Festung, die nicht mehr genutzt wurde und ihre Funktion änderte, um ein Ort für Kunst und Ausstellungen zu werden, entfachte. Das Ziel des Künstlers ist es daher, abstrakte, malerische Bilder zu schaffen, die die vielfältige Geschichte des Ortes widerspiegeln.

IT Il forte di Fortezza, il più grande complesso storico dell’Alto Adige, situato accanto a un fiume presso il quale l’artista presenta un’installazione, serve come una grande ispirazione per l’artista e una connessione con il progetto “Sounds of the River”, in mostra nella città di Bressanone. L’installazione si basa su colori che cambiano molto lentamente e che trasformano l’intera area. Saranno utilizzati diversi strati della fortezza, creando un forte

contrasto con l’aspetto e la percezione della fortezza durante il giorno. Un sito, che ha scatenato l’ispirazione dell’artista con la sua storia di fortezza militare mai utilizzata per tale fine e che ha cambiato la sua funzione per diventare sede per le arti e le mostre. Così l’obiettivo dell’artista è quello di creare immagini astratte, come se fossero dipinti, per riflettere la variegata storia del sito.

EN Franzensfeste Fortress, the largest historical complex in South Tyrol, located next to a river at which the artist presents an installation, serves as a great inspiration for the artist and a connection with the project “Sounds of the River”, on view at the city of Brixen. The installation is based on very slowly changing colours that will transform the whole area. Different layers of the fortress will be used, creating a strong

contrast with how the fortress looks like and is perceived during the day. A site, that sparked the inspiration of the artist with its history of being a military fortress which was not in use and that changed its function to become home for the arts and exhibitions, therefore the goal of the artist is to create abstract, painting-like images, to reflect the diverse history of the site.

Kari Kola

RATSCHINGS RACINES Gilfenklamm / Cascate di Stanghe

Moments 2022

DE Die Gilfenklamm ist ein faszinierendes Naturschauspiel aus Wasser, mehreren Brücken und hohen Kontrasten. Die Schlucht bietet uns nicht nur einen physischen, sondern auch einen imaginären Spaziergang. Der Ort hatte nicht nur eine starke visuelle Wirkung auf den Künstler, sondern bewirkte mit dem starken Rauschen der Wasserfälle auch, dass er sich in die Tiefen seines Geistes begab. Abends, bei

absoluter Dunkelheit, ist das Erlebnis der Schlucht und ihrer Klänge noch einzigartiger. Das Kunstwerk „Moments“ bietet mit seiner Installation ein sehr starkes visuelles Ambiente für diesen einzigartigen Ort. Die Kontraste mit den Farben und den Reflexionen des Wassers schaffen eine ungeahnte Erfahrung, an die wir uns noch lange erinnern werden.

IT Le cascate di Stanghe sono un affascinante spettacolo naturale di acqua, ponti multipli e alti contrasti. La gola non ci offre solo una passeggiata fisica, ma anche immaginaria. Il luogo non ha avuto solo un forte impatto visivo sull’artista, ma con il forte scroscio delle sue cascate ha anche fatto sì che entrasse nelle profondità della

sua mente. Di sera, nell’oscurità assoluta, l’esperienza delle cascate e dei suoi suoni è ancora più unica. L’opera “Moments” è un’installazione ad impatto visivo molto forte per questo sito unico. I contrasti con i colori e i riflessi dell’acqua creeranno un’esperienza inedita che ricorderemo a lungo.

EN Gilfenklamm gorge is an alluring natural spectacle of water, multiple bridges and high contrasts. The gorge does not only offer us a physical walk, but also an imaginary one. The location did not only have a strong visual impact on the artist, but with its strong roaring of the waterfalls also caused that he went into the depths of his mind.

During the evening, in absolute darkness, the experience of the gorge and its sounds is even more unique. The artwork “Moments” is an installation of very strong visual ambience for this unique site. Contrasts with colours and reflections from the water will create the unseen experience that we will remember for a long time.

Kari Kola

BRIXEN BRESSANONE Widmannbrücke / Ponte Widmann

Sounds of the River 2022

DE Kari Kola ist ein Künstler des Lichtes, der dank modernster Technik Gemälde erschafft. Das Bild, welches sich uns präsentiert spricht für sich und ist eine perfekte Symbiose zwischen der Natur und dem Licht. „Sounds of the River“ ist eine Installation, in der zwei Flüsse mit blauen Lichtstrahlen zu einem verschmolzen werden, der die Form einer imaginären, in der Luft

schwebenden Insel bildet. Der Künstler verwendet ein hohes Lichtelement in der Luft und schafft so ein Kunstwerk, das dem gesamten Gebiet, das als Ort des Zusammentreffens der beiden Flüsse gekennzeichnet ist, eine besondere Atmosphäre verleiht. Die Klanglandschaft wird mit Unterwassermikrofonen aus beiden Flüssen erzeugt.

IT Kari Kola è un’artista della luce che ha sostituito il pennello con la luce e crea quadri ineguagliabili grazie alla tecnologia moderna. Così, la tela è stata sostituita da aria, acqua, prati e foreste. Sounds of the River è un’installazione in cui due fiumi sono fusi in uno solo utilizzando fasci di luce blu, che creano una forma di isola immaginaria galleggiante nell’aria. Gli elementi

dell’acqua e dell’aria sono sempre presenti e interconnessi. L’artista usa elementi di luce proiettati nell’aria, creando un’opera d’arte atmosferica, che dà una grande suggestione in tutta l’area, segnata come luogo di incontro dei due fiumi. Il paesaggio sonoro dell’installazione è creato con l’assistenza di microfoni subacquei in entrambi i fiumi.

EN Kari Kola is an artist of light who has replaced the paintbrush with light and who creates paintings which are unparalleled thanks to modern technology. Thus, the canvas has long since been replaced by air, water, meadows and forests. Sounds of the river is an installation in which two rivers are fused into one using blue light beams, that create a shape of imaginary island floating in

the air. The elements of water and air are always present and interconnected. The artist uses high light element in the air, creating an atmospheric artwork, which gives a great ambience in the whole area, marked as a place where the two rivers are meeting. The soundscape of the installation is created with the assistance of underwater microphones, from both rivers.

BRIGITTE KOWANZ Austria

DE Brigitte Kowanz thematisierte in ihrer Arbeit die unterschiedlichen Erscheinungsformen des Lichts. Neben der Sprache diente ihr das Licht als künstlerisches Gestaltungsmedium, das in Behältnissen eingefangen, auf Flächen zerstreut oder in feste Formationen gezwungen wird und so stets neue Gestalt gewinnt. Licht wurde dabei zum Material und zur Metapher bei der Suche nach neuen Formen der Darstellung der sichtbaren Wirklichkeit. Brigitte Kowanz studierte von 1975 bis 1980 an der Universität für angewandte Kunst Wien und war dort von 1997 bis 2021 als Professorin tätig. Zum Abschluss ihrer 25-jährigen Lehrtätigkeit wurde sie mit dem Ehrenring der Universität für angewandte Kunst Wien ausgezeichnet. 2009 wurde ihr der Grosse Österreichische Staatspreis für Bildende Kunst verliehen und 2017 vertrat sie Österreich auf der 57. Biennale von Venedig (gemeinsam mit Erwin Wurm). IT Brigitte Kowanz ha tematizzato le diverse manifestazioni della luce nel suo lavoro. Oltre al linguaggio, la luce le è servita come mezzo di progettazione artistica, che viene catturata in contenitori, sparsa sulle superfici o costretta in formazioni fisse, assumendo così costantemente nuove forme. La luce divenne un materiale e una metafora nella ricerca di nuove forme di rappresentazione della realtà visibile. Brigitte Kowanz ha studiato all’Università di Arti Applicate di Vienna dal 1975 al 1980 e vi è stata docente dal 1997 al 2021. Alla fine dei suoi 25 anni di carriera di insegnamento, è stata premiata con l’Anello d’Onore dell’Università delle Arti Applicate di Vienna. Nel 2009 ha ricevuto il Gran Premio di Stato Austriaco per le Belle Arti e nel 2017 ha rappresentato l’Austria alla 57ª Biennale di Venezia (insieme a Erwin Wurm). EN Brigitte Kowanz thematised the different manifestations of light in her work. In addition to language, light served her as an artistic design medium that is captured in containers, dispersed on surfaces or forced into fixed formations, thus constantly taking on new shapes. Light became a material and a metaphor in the search for new forms of representing visible reality. Brigitte Kowanz studied at the University of Applied Arts Vienna from 1975 to 1980 and was a professor there from 1997 to 2021. At the end of her 25-year teaching career, she was awarded the Ring of Honour of the University of Applied Arts Vienna. In 2009 she was awarded the Grand Austrian State Prize for Fine Arts and in 2017 she represented Austria at the 57th Venice Biennale (together with Erwin Wurm).

Delight

Brigitte Kowanz

NEUSTIFT NOVACELLA Engelsburg / Castel S. Angelo

Delight 2008

DE Der Arbeit „Delight“ liegen zwei für Brigitte Kowanz zentrale künstlerische Gestaltungsmedien zugrunde: Licht in seinen unterschiedlichen Erscheinungsformen und Sprache. Dass es der Künstlerin dabei auch stets um den Wahrnehmungsprozess geht, zeigt der spielerische Umgang mit dem Begriff „Delight“, der durch die Darstellung vom Betrachter zugleich als „Light“ und „Delight“ gelesen werden kann. IT L’opera “Delight” si basa su due mezzi di progettazione artistica che sono centrali nel lavoro di Brigitte Kowanz: la luce nelle sue varie manifestazioni e il linguaggio. Che l’artista sia sempre interessata al processo di percezione è dimostrato dal suo uso giocoso del termine “Delight”, che può essere letto dallo spettatore come “Light” e “Delight” allo stesso tempo. EN The work “Delight” is based on two artistic design media that are central to Brigitte Kowanz’s work: light in its various manifestations and language. That the artist is always concerned with the process of perception is shown by her playful use of the term “Delight”, which can be read by the viewer as “Light” and “Delight” at the same time.

ALESSANDRO LUPI Italy

DE Alessandro Lupis künstlerische Recherche entwickelte sich im Lauf der Zeit stetig weiter, in intensiver Auseinandersetzung mit Materie, Licht und Schatten. Jede seiner Arbeiten ist eine Erfindung für sich und erforscht auf unterschiedlichste Weisen unsere Art, die Realität wahrzunehmen. Dabei geht der Künstler stets vom Raum aus und beginnt einen Dialog mit diesem. Seine Installationen sind einfühlsame, poetische und eindringliche Experimente, bei denen das Publikum dazu aufgefordert ist, mitzumachen, mitzureden und zu reflektieren. IT La ricerca di Alessandro Lupi si è sviluppata negli anni lavorando su una forte sperimentazione su materia, luce e ombra. Ogni opera è un’invenzione e indaga in modo diverso il nostro modo di percepire la realtà, cercando ogni volta di partire dallo spazio e di dialogare con esso. Le sue installazioni sono esperimenti percettivi, poetici e immersivi in cui il pubblico può partecipare, relazionarsi e riflettere. EN Alessandro Lupi’s research has developed over the years by working on a strong experimentation on matter, light and shadow. Each work is an invention and investigates in a different way the way we perceive reality, each time trying to start from space and dialoguing with it. His installations are perceptual, poetic and immersive experiments in which the public can participate, relate and reflect.

Fragments of Reality

Alessandro Lupi

BRIXEN BRESSANONE Hofburggraben / Fossato del Palazzo Vescovile

Dialogue 2022

DE „Dialogue“ ist eine ortsspezifische, fiktive Installation, die mit dem Wassergraben rund um die Hofburg spielt und gleichzeitig eine Illusion von neuen Räumen schafft. Drei dreidimensionale fluoreszierende Formen bewegen sich im Wasser und bilden somit immer neue Figuren, die sich auf der Wasseroberfläche spiegeln und miteinander in einen Dialog treten. Der Wassergraben wird zu einer neuen Raumdimension, die durch die rhythmischen Bewegungen der Formen

und durch einen künstlich geschaffenen Wellengang immer wieder neue Einsichten ermöglicht. Dialogue ist eine Arbeit, die auf die Subjektivität von Raum und Zeit verweist und darauf, dass alles miteinander verbunden ist. Die Wasseroberfläche wird hier zu einem Spiegel, der zwei Welten voneinander trennt, Bewusstsein und Unterbewusstsein verschmelzen hier zu einer Einheit, die nicht immer klar zu unterscheiden ist.

IT “Dialogue” è un’installazione fittizia, specifica per il luogo, che sfrutta il fossato intorno al Palazzo Vescovile, Hofburg e al contempo crea un’illusione di nuovi spazi. Tre forme tridimensionali fluorescenti si muovono nell’acqua e formano così figure sempre nuove che si riflettono sulla superficie dell’acqua ed entrano in dialogo tra loro. Il fossato d’acqua diventa una nuova dimensione spaziale, che permette costantemente nuove

intuizioni attraverso i movimenti ritmici delle forme e attraverso un moto ondoso creato artificialmente. Dialogue è un lavoro che si riferisce alla soggettività dello spazio e del tempo e al fatto che tutto è collegato. La superficie dell’acqua qui diventa uno specchio che separa due mondi, coscienza e subcoscienza si fondono qui in un’unità che non può essere sempre chiaramente distinta.

EN “Dialogue” is a site-specific, fictional installation that plays with the moat around the Hofburg while creating an illusion of new spaces. Three three-dimensional fluorescent shapes move in the water and thus form ever new figures, which are reflected on the water surface and enter a dialogue with each other. The moat becomes a new spatial dimension which, through the rhythmic movements of the forms

and an artificially created swell, provides ever new insights. Dialogue is a work that refers to the subjectivity of space and time and to the fact that everything is connected. The water surface here becomes a mirror that separates two worlds from each other, consciousness and subconscious merge into a unity that cannot always be clearly distinguished.

Alessandro Lupi

BRIXEN BRESSANONE Bahnhof / Stazione dei treni

Fragments of Reality 2022

DE „Fragments of Reality“ ist eine nachhaltige Installation, die ohne Strom funktioniert. Die Technik besteht aus kleinen Spiegeln, die vom Wind bewegt werden, um die Umgebung, das natürliche Licht am Tag und das künstliche Licht von Lampen oder Mondlicht in der Nacht zu reflektieren. Außerdem ändert sich diese Art von Arbeit jedes Mal, je nach Blickwinkel, Wind und

Tageszeit. Dieses Werk regt die Fantasie an und lässt verschiedene Interpretationen zu, indem es den Begriff der Wahrnehmung erforscht: das Sichtbare und das Unsichtbare, die Reflexion des Lichts und den Geist. Die Spiegelungen können als Vogelschwärme, Fischschulen oder Staub durch einen Lichtstrahl gelesen werden.

IT “Fragments of Reality” è un’installazione sostenibile che funziona senza energia elettrica. La tecnica consiste in piccoli specchi mossi dal vento per riflettere l’ambiente, la luce naturale durante il giorno e la luce artificiale delle lampade artificiali o la luce lunare di notte. Inoltre, questo tipo di lavoro cambia ogni volta a seconda del

punto di vista, del vento e del momento della giornata. Quest’opera stimola l’immaginazione e si presta a diverse interpretazioni esplorando la nozione di percezione: il visibile e l’invisibile, il riflesso della luce e la mente. Ecco che i riflessi possono essere letti come fossero stormi di uccelli, banchi di pesci o polvere attraverso un raggio di luce.

EN “Fragments of Reality” is a sustainable installation that works without electricity. The technique consists of small mirrors moved by the wind to reflect the environment, natural light during the day and artificial light from lamps or moonlight at night. Moreover, this type of work changes each time depending on the point of view, the

wind and the time of day. This work stimulates the imagination and lends itself to different interpretations by exploring the notion of perception: the visible and the invisible, the reflection of light and the mind. The reflections can be read as flocks of birds, schools of fish or dust through a ray of light.

VINCENZO MARSIGLIA Italy

DE Vincenzo Marsiglia ist ein Multimediakünstler, dessen Markenzeichen seit langem der vierzackige Stern ist. Das einfache grafische Symbol, ist als „Einheit von Marseille“ bekannt. Er setzt es in verschiedenen Techniken ein, um alle seine Möglichkeiten in interaktiven Werken der Bildhauerei, der Malerei und der digitalen Medien zu erproben. In seinen Werken wird dieses Symbol mit Stoff, Filz, Pailletten und Keramik kombiniert, in einem Spiel, dessen Rhythmus und Form an die Lehren der Meister des Abstraktionismus und Minimalismus erinnern. IT Artista multimediale che ha da tempo individuato il suo segno distintivo nella stella a quattro punte, un simbolo grafico semplice denominato “Unità Marsiglia”, che declina attraverso tecniche sempre diverse per sperimentare tutte le sue possibilità con opere interattive di scultura, pittura e mezzi digitali. Nelle sue opere questo simbolo si unisce al tessuto, al feltro, alle paillettes e alla ceramica, in un gioco il cui ritmo e la forma, rigorosi ed equilibrati, rimandano alla lezione dei maestri dell’astrattismo e del minimalismo. EN Vincenzo Marsiglia is a multimedia artist who has long identified his hallmark in the four-pointed star. The simple graphic symbol is known as the “Unity of Marseille”. He uses it in various techniques to experiment with all its possibilities in interactive works of sculpture, painting and digital media. In his works, this symbol is combined with fabric, felt, sequins and ceramics, in a game whose rhythm and form recall the teachings of the masters of abstractionism and minimalism.

Senses and Spaces

Vincenzo Marsiglia

FRANZENSFESTE FORTEZZA Festung Franzensfeste / Forte di Fortezza

Senses and Spaces 2022 An exhibition as part of the Brixen Water Light Festival © In collaboration with Boesso Art Gallery Fortress Franzensfeste

DE Vincenzo Marsiglia, der sich vorwiegend im Bereich der digitalen und interaktiven Kunst einen Namen in und außerhalb Italiens gemacht hat, ist im Rahmen des Water Light Festival Brixen 2022 mit der Ausstellung „Senses and Spaces“ in der Festung Franzensfeste zu Gast. Die Ausstellung umfasst aktuelle Werke des Künstlers, die er im Dialog mit den Räumlichkeiten der Festung neu adaptiert. Charakteristische Elemente im Werk des

Künstlers, wie der vierzackige Stern, dessen prägnante Geometrie und Form zu einem Markenzeichen von Marsiglia geworden sind, sowie die Interaktion mit dem Publikum ziehen sich durch alle Arbeiten der Kunstschau. Durch die Lichtspiele der Installationen wird die Grenze zwischen dem Innen- und Außenbereich aufgehoben, der Ausstellungsrundgang somit zu einem einzigartigen Wahrnehmungserlebnis.

IT Vincenzo Marsiglia, noto sia in Italia che all’estero principalmente nel campo dell’arte digitale e interattiva, è ospite al Bressanone Water Light Festival 2022 con la mostra “Senses and Spaces” in programma nel Forte di Fortezza. La mostra comprende opere attuali dell’artista, alcune site-specific, in un dialogo con gli spazi del forte. Filo conduttore di tutte le opere in

mostra sono gli elementi caratteristici dell’opera dell’artista, come la stella a quattro punte, la cui geometria e forma sono diventate il segno distintivo di Marsiglia, così come l’interazione con il pubblico. I giochi luminosi delle installazioni rimuovono il confine tra interno ed esterno, rendendo il tour espositivo un’esperienza unica di percezione.

EN Vincenzo Marsiglia, who has made a name for himself in and outside Italy, mainly in the field of digital and interactive art, will be a guest at the Brixen Water Light Festival 2020 with the exhibition “Senses and Spaces” in the fortress Franzensfeste. The exhibition includes current works by the artist, which he has adapted in dialogue with the fortress, some created especially for the site. Characteristic

elements in the artist’s work, such as the four-pointed star, whose concise geometry and form have become a trademark of Marsiglia, as well as the interaction with the public, run through all the works of the art exhibition. The play of light in the installations dissolves the boundary between inside and outside, making the exhibition tour a unique perceptual experience.

PHILIPP MESSNER Italy / Germany

DE *1975 in Bozen, lebt in München. Er studierte an der Akademie der Bildenden Künste in Wien sowie an der École nationale supérieure des Beaux-arts in Paris. In seinen Skulpturen, Performances und Medienarbeiten befasst sich Philipp Messner mit dem Begriff von Künstlichkeit, Eingriffen der Menschheit in die Natur und die Auswirkungen des Virtuellen auf den physischen Raum. Durch Verschiebungen und Umdeutungen des Materials fordert sein Werk unsere Sehgewohnheiten heraus und hinterfragt unsere Wahrnehmung. IT (*1975 a Bolzano) vive a Monaco. Ha studiato all’Accademia di Belle Arti di Vienna e all’École nationale supérieure des Beaux-arts di Parigi. Nelle sue sculture, performance e opere mediatiche, Philipp Messner si occupa del concetto di artificialità, degli interventi umanità nella natura e degli effetti del virtuale sullo spazio fisico. Attraverso spostamenti e reinterpretazioni del materiale, la sua opera sfida le nostre abitudini nel guardare e mette in discussione la nostra percezione. EN From Bolzano, South Tyrol (*1975), Messner currently lives in Munich. He attended the Academy of Fine Arts in Vienna, and the École Nationale Supérieure des Beaux-arts in Paris. His sculptures, performances and media-installations explore the concept of syntheticity, man’s interventions in nature, and the way virtual worlds operate in physical spaces. His shifting material reinterpretations challenge our ways of seeing, and question our sense of perception.

Erosions

Philipp Messner

BRIXEN BRESSANONE Stufels / Stufles

Erosions 2022

DE Wasser ist der Hauptbestandteil unseres Körpers, am stärksten empfinden wir das Bedürfnis nach Flüssigkeit im Mund an der Zunge. Sie ist die Schnittstelle zwischen dem Außen und dem Innen und nimmt somit auch eine Doppelfunktion als „Empfänger“ und „Absender“ von Flüssigkeit ein. Gegenwärtig kann man das Thema Wasser nicht mehr von Klimafragen trennen und trotz der Konsequenzen, die die Erderwärmung mit sich bringt, bleibt das Thema für die meisten von uns abstrakt. Die Vorstellung von Durst

kennt jeder und berührt den Menschen unmittelbar in seinem Überlebensinstinkt. Durst hat keine Außenwirkung, dieses Bedürfnis spielt sich im Inneren des Menschen ab und beeinflusst ihn physisch und psychisch. Philipp Messner inszeniert in seiner Arbeit die Zungen als eigenständige Wesen und macht diese somit zu Objekten der Reflektion: ein normalerweise nach innen gewandtem Raum wird nach außen gestülpt und an einem öffentlichen Platz zur Schau gestellt.

IT L’acqua è la componente principale del nostro corpo, e soprattutto noi sentiamo il bisogno di avere sempre l’acquolina in bocca, sulla lingua. E la lingua è l’interfaccia tra l’esterno e l’interno e quindi assume anche una doppia funzione di “ricevitore” e “mittente” del liquido. Attualmente, il tema riguardante l’acqua non può essere separato dalle questioni climatiche e, nonostante le conseguenze del riscaldamento globale, la questione rimane un qualcosa di astratto per la maggior parte di noi.

Tutti conoscono la sensazione della sete che tocca direttamente ogni uomo nel suo istinto di sopravvivenza. La sete non ha alcun effetto esterno, ma tale bisogno si sente solo all’interno dell’essere umano e lo influenza fisicamente e psicologicamente. Nel suo lavoro, Philipp Messner mette in scena le lingue come esseri indipendenti e quindi le trasforma in oggetti di riflessione: uno spazio normalmente interiore viene spinto verso l’esterno e visualizzato in un luogo pubblico.

EN Water is the main component of our body; we feel most strongly the need for liquid in the mouth on the tongue. It is the interface between the outside and the inside and consequently also has a double function as “receiver” and “sender” of liquid. At present, water cannot be separated from climate issues and despite the consequences of global warming, the issue remains abstract for most of us. The idea of thirst is familiar to everyone

and touches people directly in their survival instinct. Thirst has no external effect; this need takes place inside the person and influences him physically and psychologically. In his work, Philipp Messner stages the tongues as independent beings and thus turns them into objects of reflection: a space that is normally turned inwards is turned outwards and displayed in a public place.

OCUBO Portugal

DE OCUBO ist ein kreatives, hochqualifiziertes internationales Studio mit Sitz in Portugal. Das vom Künstlerpaar Carole Purnelle und Nuno Maya gegründete Unternehmen konzipiert Kunstevents unter Verwendung von Licht und Technologie. Dank ihrer Erfahrung und ihres Know-hows im Erzeugen eindringlicher Erlebnisse, realisieren sie bemerkenswerte Projekte und international anerkannte kulturelle Großveranstaltungen. Trotz ihrer Vielseitigkeit dreht sich ihre Arbeit um ein gemeinsames Thema: die Menschheit, deren Existenz tiefgreifend reflektiert wird: Globalisierung, Zeit, Raum... ein zentrales Anliegen dabei ist stets die Kommunikation mit dem Publikum. IT OCUBO è uno studio internazionale creativo e altamente qualificato con sede in Portogallo, fondato dagli artisti Carole Purnelle e Nuno Maya, che concepisce eventi artistici usando luce e tecnologie. La loro storia professionale e il loro know-how in esperienze immersive producono progetti efficaci e di notevole interesse, oltre ad acclamati eventi culturali su larga scala. Anche se variegato, il loro lavoro è guidato da un tema comune, ovvero dall’umanità che si riflette attraverso diverse preoccupazioni: globalizzazione, tempo e spazio, con un’attenzione irrinunciabile per la comunicazione con il pubblico. EN OCUBO is a creative and highly skilled international studio based in Portugal, founded by the artists Carole Purnelle and Nuno Maya, conceiving artistic events using light and technology. Their expertise and know how in immersive experiences they produce effective and remarkable projects and acclaimed large scale cultural events. Though versatile, their work is driven by a common theme Humanity reflected through diverse preoccupations: globalization, time, space… with a vital concern on the communication with the audience.

Floating Stars

Ocubo

BRIXEN BRESSANONE Großer Graben / Bastioni Maggiori

Floating Stars 2022

DE „Floating Stars“ ist eine partizipative Installation, die durch die Interaktion mit dem Publikum einem ständigen Wandel unterzogen ist. In einem Wasserbecken haben Besucher*innen die Möglichkeit Teelichter treiben zu lassen, welche Wünsche und Gedanken beinhalten. Die Wasseroberfläche und die Teelichter werden gefilmt und in Echtzeit auf die gegenüberliegende Hausfassade

projiziert. Die Arbeit verbindet analoge und digitale Techniken miteinander. Die Installation wird durch eine Komposition von Luís Cília umrahmt. Das Becken ist eine Metapher für den Himmel, die Lichter stehen für die Sterne. Wir alle sind Teil des Universums und als solche miteinander verbunden. Jeder soll sich am Projekt beteiligen und sich somit verbinden.v

IT “Floating Stars” è un’installazione partecipativa che, grazie all’interazione con il pubblico, è in continua evoluzione e crescita. In una vasca d’acqua, i visitatori hanno la possibilità di lasciar galleggiare piccole candele che contengono desideri o pensieri. La superficie dell’acqua e le luci delle candele vengono filmate e proiettate in tempo reale sulla facciata del palazzo di fronte. L’opera unisce tecniche analogiche

e digitali. L’installazione è arricchita da una composizione del musicista portoghese Lus Célia. La vasca è una metafora del cielo, le luci rappresentano le stelle. Siamo tutti parte dell’universo e come tali, connessi. L’installazione invita le persone a partecipare attivamente al progetto e quindi a connettersi tra loro, essendo ognuno parte di un tutto.

EN “Floating Stars” is a participatory installation that is subject to constant change through interaction with the audience, constantly changing and growing. In a water basin visitors have the possibility to let tea lights float, which carry wishes or thoughts. The water surface and the tea lights are filmed and projected in real time onto the opposite house facade. The work combines analogue and digital

techniques. The installation is complemented by a composition of the Portuguese musician Luís Cília. The basin is a metaphor for the sky, the lights represent the stars. We are all part of the universe and as such connected to each other. The installation encourages to participate in the project and thus to get in touch with the other, each is part of a whole. Can you stop the water from rising?

OLAB Portugal

DE OCUBO LAB (OLAB) ist ein Trabant des international erfolgreichen Kreativstudios OCUBO.

Es erforscht minutiös das Raum-Zeit-Kontinuum, in dem Bestreben, innovative Lösungen in den Bereichen Interaktivität, Licht und digitale Medienkunst-Installationen auf den Markt zu bringen. Es entwickelt hochgradig maßgeschneiderte Kunst-Installationen mit einem ortsspezifischen Ansatz. Ein zentrales Anliegen sämtlicher Arbeiten ist es, unseren ökologischen Fußabdruck auszutarieren. IT OCUBO LAB (OLAB) è un satellite dello studio creativo di fama internazionale OCUBO.

Analizza il continuum spazio-temporale, cercando di portare soluzioni innovative nei mercati che si occupano dell’interattività, della luce e delle installazioni artistiche digitali multimediali. OLAB realizza opere d’arte altamente personalizzate con un approccio site-specific e mira a bilanciare la nostra impronta ecologica. EN OCUBO LAB (OLAB) is a satellite of the internationally known creative studio OCUBO.

It scans the space-time continuum, looking forward to bring innovative solutions to the market in fields of interactivity, light and digital media art installations. It generates highly customised artworks with a site-specific approach as well as aiming to balance our ecological footprint.

WAVE

Olab

BRIXEN BRESSANONE Große Lauben / Portici Maggiori

WAVE 2022

DE Wasser – Acqua – Vida – Eau Wie wichtig ist Wasser in unserem Leben? Wie wichtig ist Wasser für unsere Welt? Diese existenziellen Fragen veranlassten die Künstler, die abstrakte Lichtskulptur „W A V E“ für die Großen Lauben zu schaffen. Durch ihre Mehrsprachigkeit gelingt es ihr die die transversale Beschäftigung mit dem Wasser für uns alle zu illustrieren. Es zeigt, wie Wasser fließt, universell, transparent und immer da.

Jeder wird in dieses Licht getaucht, so wie wir alle im Mutterleib waren. Alle sind gleich, und dann, gehen wir hinaus, verlassen die Straße und gehen in die Welt, werden neu geboren. Die Skulptur beeinflusst unsere Wahrnehmung auf die Welt und lässt den Blick auf den Berg durch seine Segmente zu. Lassen wir es rein. Lasst uns das mit allen teilen. Schützen wir es, wie es uns schützt.

IT Wasser – Acqua – Vida – Eau In che modo l’acqua è importante nella nostra vita? In che modo l’acqua è essenziale per il nostro mondo? Queste domande esistenziali portano gli artisti a creare la scultura “W A V E” di luce astratta, specialmente per i Portici Maggiori, multilingue per illustrare la preoccupazione trasversale che l’acqua dovrebbe essere per tutti noi. Mostra come l’acqua scorre, universale, trasparente e sempre presente.

Tutti sono immersi nella sua luce come lo siamo stati tutti nel grembo materno. Tutti uguali, tutti alla stessa maniera, e poi, usciamo, lasciamo la strada e andiamo nel mondo, nasciamo di nuovo. La scultura colpisce la nostra percezione del mondo, lasciando che la vista della montagna passi attraverso i suoi segmenti. Manteniamola pura. Condividiamola con tutti. Proteggiamola come lei protegge noi.

EN Wasser – Acqua – Vida – Eau How is Water important in our lives? How is Water essential for our world? Those existential questions lead the artists to create the abstract light “W A V E” sculpture, especially for Große Lauben street, multilingual to illustrate the transversal preoccupation Water should be for all of us. It shows how Water flows, universal, transparent and always there.

Everybody is bathed in its light as we all have been in the womb. All the same, all equals, and then, we are going out, exiting the street, and going into the world, born again. The sculpture affects our perception of the world letting the view of the mountain pass through its segments. Let’s keep it pure. Let’s share it with all. Let’s protect it as it protects us.

PETRA POLLI Italy / Germany

DE Petra Polli (*1976) ist bildende Künstlerin und lebt in Bozen und Leipzig. Zahlreiche Projekte, Preise, Stipendien, Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland. 2008-10 Studium an der Hochschule für Grafik und Buchkunst (HGB) Leipzig; 2002-07 Studium am Mozarteum Salzburg; 2001-08 Studium der Kommunikationswissenschaften an der Universität Salzburg. IT Petra Polli (*1976) è un’artista visiva e vive a Bolzano e Lipsia. Il suo curriculum comprende numerosi progetti, premi, borse di studio, mostre personali e collettive in patria e all’estero. Nel 2008-10 ha studiato all’Accademia di Arti Visive (HGB) di Lipsia; nel 2002-07 ha studiato al Mozarteum Salzburg; nel 2001-08 ha studiato scienze della comunicazione all’Università di Salisburgo. EN Petra Polli (*1976) is a visual artist based in Bolzano and Leipzig. She has been involved in numerous projects, including solo and group exhibitions at home and abroad, and won various scholarships and prizes. While studying communication sciences at the University of Salzburg between 200108, she also attended the Mozarteum in Salzburg in 2002 – 07. Between 2008 – 10, she studied at the Academy of Visual Arts (HGB) in Leipzig.

The Right to Choose

petra polli

BRIXEN BRESSANONE Innenhof Hofburg / Cortile interno del Palazzo Vescovile

The Right to Choose 2022

DE Die Installation besteht aus mehreren Baumwollbahnen, die wie Stoffe in Färbereien zum Trocknen aufgehängt sind. Auf diesen naturbelassenen Baumwollbahnen ist eine Videoprojektion zu sehen, die einen Fluss in der neuen Trendfarbe zeigt. Die Textilindustrie verschlingt große Mengen an Wasser und belastet die Umwelt. Vor allem bei der Textilveredelung ist die Wasserverschmutzung eine große Herausforderung. Giftige Gerbschlämme und Färbereirückstände aus der

Textilindustrie gelangen vielerorts ungefiltert in die Flüsse, so dass bereits an der Farbe der Flüsse die neue Trendfarbe der kommenden Saison erkennbar ist. Die Folge: Millionen Menschen haben kein sauberes Trinkwasser und sind von Krankheit gezeichnet. Seit Jahren bestimmen Schlagworte wie “Geiz ist geil” und “Fast Fashion” unser Kaufverhalten. Kollektionen ändern sich in kurzer Zeit und verführen uns mit niedrigen Preisen. Welchen Beitrag ist jeder Einzelne bereit zu leisten?

IT L’installazione è composta da diverse strisce di cotone, che sono appese come tessuti nelle tinture per l’essiccazione. Su queste strisce di cotone naturale si può vedere una proiezione video che mostra un fiume nel nuovo colore di tendenza. L’industria tessile divora grandi quantità di acqua e inquina l’ambiente. L’inquinamento idrico è una sfida importante, soprattutto nella finitura tessile. I fanghi di lavorazione tossici e i residui di tintura dell’industria tessile, in molti luoghi, finiscono

nei fiumi senza filtri, facendo sì che il nuovo colore di tendenza della stagione successiva possa già vedersi nel colore dei fiumi. Di conseguenza, milioni di persone non hanno acqua potabile pulita e sono colpite da malattie. Per anni, parole chiave come “L’avarizia è una figata” e “Fast Fashion” hanno determinato il nostro comportamento di acquisto. Le collezioni cambiano in breve tempo e ci seducono con prezzi bassi. Quale contributo è disposto a dare ogni individuo?

EN The installation consists of several cotton lanes, which are hung up for drying like fabrics in dye works. A video projection can be seen on these natural cotton sheets showing a river in the new trend colour. The textile industry devours large quantities of water and pollutes the environment. Water pollution is a major challenge, especially in textile refinement. Toxic tanning sludges and dyer’s residues from the textile industry enter the rivers

unfiltered in many places, so that the new trend colour of the coming season can already be seen in the colour of the rivers. The consequence: millions of people do not have clean drinking water and are plagued by disease. For years, catchwords like “ cheap is cool” and “fast fashion” have determined our buying behaviour. Collections change in a short time and tempt us with low prices. What contribution is each one of us prepared to make?

KUNO PREY Italy

DE Designer und Professor. Seit 1978 forscht er für die Industrie mit innovativen Materialien und Technologien. Er entwarf zahlreiche Produkte, durch die er internationale Anerkennung erhielt. 1993 wird er als Professor für Produktdesign an die Bauhaus-Universität Weimar berufen. 2002 gründet er die Fakultät für Design und Künste – Freie Universität Bozen wo er in der Forschung und Lehre tätig ist. IT Designer e Professore. Dal 1978 collabora con aziende disegnando prodotti acclamati a livello internazionale e insigniti di numerosi premi. I suoi progetti sono caratterizzati da una ricerca profonda sui materiali e sulle tecnologie. Nel 1993 contribuisce al lancio della Fakultät Gestaltung – Bauhaus-Universität Weimar e nel 2002 fonda la Facoltà di Design e Arti alla Libera Università di Bolzano. EN Designer and professor. Since 1978 he developed projects that earned him international acclaim. His highly successful products are characterized by a deep research on new materials and technologies. In 1993 he was appointed professor at the Bauhaus-Universität Weimar. In 2002 he founded the Faculty of Design and Art - Free University of Bozen/Bolzano where he is active in research and teaching.

Unsichtbare Mauer

Kuno Prey

BRIXEN BRESSANONE Kreuzgasse / Via Santa Croce

Unsichtbare Mauer 2022

DE Diese „Wand“ mit einem Gewicht von 6,4 Tonnen stellt die Ansammlung von Kunststoffabfällen von etwa 8 Tagen im Bezirk Brixen dar. Ein Großteil des weltweit produzierten Kunststoffs landet jedoch in Wasserläufen und im Meer, wo ihn die Wellenbewegung und Sonneneinstrahlung in immer kleinere Teile zerfallen lassen. In Form von Mikroplastik gelangt er schlussendlich in die Nahrungskette mit unvorhersehbaren Folgen für Mensch und Tier; Mikroplastik wurde inzwischen auch auf unseren Gletschern gefunden….

Diese „Wand“ ist in der freien Natur unsichtbar; nicht wahrnehmbar verändert sie unsere Existenz für immer. Kunststoff ist ein Material, mit dem unsere Gesellschaft leider noch nicht gelernt hat, verantwortungsvoll umzugehen. Geschirr, Verpackungen, Tüten, Strohhalme, Lebensmittelfolien und viele andere Plastikprodukte stehen für Fortschritt und Bequemlichkeit unserer Konsumgesellschaft; es reicht aber nicht aus, Plastik zu den Sammelstellen zu bringen; wir müssen seinen Konsum dringend reduzieren.

IT Questo “muro” del peso di 6,4 tonnellate rappresenta i rifiuti plastici raccolti nel distretto di Bressanone nell’arco di circa 8 giorni. Gran parte della plastica prodotta nel mondo finisce purtroppo nei corsi d’acqua e nel mare, dove il movimento delle onde e la luce solare la sbriciola in frammenti sempre più piccoli. In forma di microplastica entra nella catena alimentare con conseguenze imprevedibili per gli esseri umani e gli animali; le microplastiche sono state trovate anche sui nostri ghiacciai...

Purtroppo, questo “muro” che ci circonda è invisibile, impercettibile, subdolo e sta cambiando per sempre la nostra esistenza. La plastica è un materiale molto prezioso. Piatti, imballaggi, sacchetti, cannucce, pellicole per alimenti e molti altri prodotti di plastica rappresentano, nella nostra società consumistica, progresso e comodità. Ma non è sufficiente portare la plastica nei centri di raccolta, dobbiamo urgentemente limitarne l’uso e utilizzarla in modo responsabile.

EN This “wall” weighing 6.4 tonnes represents the accumulation of about 8 days’ plastic waste in the district of Brixen. However, a large part of the plastic produced worldwide ends up in watercourses and in the sea, where wave action and solar radiation cause it to break down into smaller and smaller pieces. In the form of microplastic, it eventually enters the food chain with unforeseeable consequences for humans and animals; microplastic has now also been found on our glaciers...

Unfortunately, this “wall” is invisible in the wild; imperceptible, it changes our existence forever. Plastic is a material that our society has unfortunately not yet learned to handle responsibly. Crockery, packaging, bags, straws, food wrappers and many other plastic products represent progress and convenience in our consumer society; but it is not enough to take plastic to the collection points; we urgently need to reduce its consumption.

CLEMENS RUDOLPH (ANTRILOPE) Germany

DE Clemens Rudolph (Antrilope) ist freischaffender Medienkünstler. Sein Weg führte ihn von der Straßenkunst über Videoproduktionen und -journalismus zur Computer- und Medienkunst. Er realisiert großflächige Illuminationen auf Gebäuden (u. a. Tosca und Rheingold, Theater Regensburg), erstellt interaktive Installationen (Social (Dis-)Dancing, int. Figurentheater Festival Nürnberg-Fürth) und Kunstwerke für den virtuellen Raum (VR/AR). www.antrilope.de IT Clemens Rudolph (Antrilope) è un artista mediatico freelance. Il suo percorso lo ha portato dalla street art alle produzioni video e video giornalismo alla computer e media art. Crea illuminazioni su larga scala su edifici (Tosca e Rheingold, Theater Regensburg, tra gli altri), installazioni interattive (Social (Dis-)Dancing, int. Figurentheater Festival Nürnberg-Fürth) e opere d’arte per lo spazio virtuale (VR/ AR). EN Clemens Rudolph (Antrilope) is a freelance media artist. His path led him from street art to video productions and video journalism to computer and media art. He creates largescale illuminations on buildings (e.g., Tosca and Rheingold, Theater Regensburg), interactive installations (Social (Dis-) Dancing, int. Figurentheater Festival Nürnberg-Fürth) and artworks for virtual space (VR/AR).

Wasserhahn und Brausehenne

Clemens Rudolph (Antrilope)

BRIXEN BRESSANONE Altenmarktgasse / Via Mercato Vecchio

Wasserhahn und Brausehenne 2022

DE Die Arbeit von Clemens Rudolph ist im Rahmen der Städtepartnerschaft zwischen Brixen und der Stadt Regensburg entstanden. Sie versteht sich als surreale, fantasievolle Reise hinter die Fassade des Gebäudes. Was anfangs als flacher Blick hinter die Kulissen anmutet, entpuppt sich bald schon als eine Fahrt in eine neue Welt.

Architektonische Elemente, einzelne Bauteile und Bestandteile der Hausmembrane werden durch das Wasser zum Leben erweckt und entwickeln neue Dynamiken, Formen und Funktionen. Das Wasser versteht sich hier als zentrales Element der Reise und Ursprung der Transformation.

IT Il lavoro di Clemens Rudolph è nato nell’ambito del gemellaggio tra Bressanone e la città di Ratisbona. Si vede come un viaggio surreale e fantastico dietro la facciata dell’edificio. Quello che inizialmente sembra essere uno sguardo superficiale dietro le quinte si rivela presto un viaggio in un nuovo

mondo. Elementi architettonici, componenti individuali e parti della membrana della casa prendono vita dall’acqua e sviluppano nuove dinamiche, forme e funzioni. L’acqua è intesa qui come l’elemento centrale del viaggio e l’origine della trasformazione.

EN Clemens Rudolph’s work was created within the framework of the town twinning between Brixen and the city of Regensburg. It sees itself as a surreal, imaginative journey behind the façade of the building. What initially appears to be a shallow look behind the scenes soon turns out to be a ride into

a new world. Architectural elements, individual components and parts of the house membrane are brought to life by the water and develop new dynamics, forms and functions. Water is understood here as the central element of the journey and the origin of transformation.

IVO SCHOOFS & PEPE HEIJNEN (KINETIC HUMOR) Netherlands

DE Die Arbeiten von Ivo Schoofs (1972) zelebrieren Bewegung in ihrer natürlichsten Form, sie widmen sich natürlichen und physikalischen Phänomenen wie Schwerkraft, Wärme, Licht, Reibung und Wunder. Sein Werk besticht durch groß angelegte audiovisuelle Installationen, die das Publikum die Urkraft der natürlichen Bewegung erleben lassen. IT L’opera di Ivo Schoofs (1972) è una celebrazione del movimento nella sua manifestazione più essenziale. Essa si basa su fenomeni naturali e fisici, gravità, calore, luce, attrito e meraviglia. Attraverso installazioni audiovisive su larga scala, l’opera offre allo spettatore un’esperienza per tornare alla base delle forze del movimento naturale. EN The work of Ivo Schoofs (1972), is a celebration of movement in its most natural occurrence; based on natural and physical phenomena, gravity, heat, light, friction and wonder. The work offers the spectator(s), through large-scale audiovisual installations, an experience to return to the base of the forces of natural movement.

Inverse Frequency

Ivo Schoofs & Pepe Heijnen (Kinetic Humor)

BRIXEN BRESSANONE Herrengarten / Giardino dei Signori

Inverse Frequency 2022

DE „Inverse Frequency“ ist eine interaktive Installation des niederländischen Künstlers Ivo Schoofs und lädt die Besucher*innen dazu ein, sich mit dem Thema des Klimawandels auseinanderzusetzen. Eine Kuppel aus Heliumballons erstreckt sich über den Herrengarten und findet ihren Mittelpunkt über dem Brunnen des Parks, wo ein großer blauer Ballon schwebt. Alle restlichen Ballons werden mit rotem Licht angestrahlt und stellen die vibrierenden Photonen der Sonne dar. Das aus der Fontäne des Brunnens laufende Wasser fällt spiralförmig in

das Wasserbecken. Das Wasser selbst wird mit stroboskopischem Licht knapp ober – bzw. unterhalb der Frequenz der Wassertropfen angestrahlt. Dies hat eine optische Täuschung zur Folge: Je nach Lichtfrequenz scheint das Wasser nach oben bzw. nach unten zu laufen. Die Steuerung der Lichtfrequenz erfolgt über einen Hebel neben dem Brunnen der von den Besucher*innen gesteuert werden kann. Du wirst selbst zum Entscheidungsträger*innen über die Zukunft des Klimawandels.

IT “Inverse Frequency” è un’installazione interattiva degli artisti olandesi Ivo Schoofs e Pepe Heijnen (Kinetic Humor) che invita i visitatori a confrontarsi con il tema del cambiamento climatico. Una cupola di palloncini blu si estende sul Giardino dei Signori e trova il suo centro sopra la fontana del parco e rappresenta l’innalzamento dell’acqua degli oceani. I quattro getti d’acqua che spruzzano nella fontana vibrano a una frequenza molto specifica. L’acqua stessa è illuminata con luce stroboscopica appena sopra o sotto la frequenza

delle gocce d’acqua. Questo si traduce in un’illusione ottica: a seconda della frequenza della luce, l’acqua sembra correre verso l’alto o verso il basso. O a un certo punto è addirittura ferma! La frequenza della luce è controllata da una ruota accanto alla fontana che può essere mossa dai visitatori. Essi stessi, dunque, diventano responsabili delle decisioni sul futuro del cambiamento climatico. Puoi fermare l’innalzamento dell’acqua?

EN “Inverse Frequency” is an interactive installation by Dutch artists Ivo Schoofs and Pepe Heijnen (Kinetic Humor) and invites visitors to explore the issue of climate change. A dome of blue balloons extends over the Herrengarten and finds its centre above the fountain of the garden and represent the water rise of the oceans. The four water jets spraying into the fountain are vibrating at a very specific frequency. The water itself is illuminated with stroboscopic light just above or below

the frequency of the water drops. This results in an optical illusion: depending on the light frequency, the water seems to run up or down. Or at some point it’s even standing still! The light frequency is controlled by a wheel next to the fountain which can be operated by the visitors. They become decision-makers themselves on the future of climate change. Can you stop the water from rising?

KEITH SONNIER USA

DE 1941 geboren in Mamou, Louisiana, US 2020 gestorben in Southampton, New York, US

Das Licht war seit 1968 das bevorzugte künstlerische Ausdrucksmittel von Keith Sonnier, der in den 1970er-Jahren ein wichtiger Wegbereiter der «neuen Skulptur» war. Die Neonröhre, die bis dahin vor allem der Werbe- und Alltagsästhetik angehörte, kombinierte Sonnier häufig mit Materialien wie Glas, Stoff, Latex oder Metall, um die sinnlichen und emotionalen Qualitäten dieser Werkstoffe zu erproben. Sonnier hat zudem zahlreiche «Kunst am Bau»-Projekte realisiert. Besondere Bedeutung kommt dabei seiner künstlerischen Gestaltung im neuen Flughafen München (1989-92) zu. IT 1941 nato a Mamou, Louisiana, US 2020 morto a Southampton, New York, US

Dal 1968, la luce è stato il mezzo di espressione artistica preferito da Keith Sonnier, che è stato un importante pioniere della “nuova scultura” negli anni ‘70. Il tubo al neon, che fino ad allora apparteneva principalmente alla pubblicità e all’estetica quotidiana, è stato spesso combinato da Sonnier con materiali come il vetro, il tessuto, il lattice o il metallo per testare le qualità sensuali ed emotive di questi materiali. Sonnier ha anche realizzato numerosi progetti “Arte nell’edilizia pubblica”. Il suo design artistico del nuovo aeroporto di Monaco (1989-92) è di particolare importanza. EN 1941 born in Mamou, Louisiana, US 2020 died in Southampton, New York, US

Since 1968, light has been the preferred means of artistic expression for Keith Sonnier, who was an important pioneer of the “new sculpture” in the 1970s. The neon tube, which until then had belonged mainly to the aesthetics of advertising and everyday life, was often combined by Sonnier with materials such as glass, fabric, latex or metal in order to test the sensual and emotional qualities of these materials. Sonnier has also realised numerous “Percent for Art” projects. His artistic design at the new Munich Airport (1989-92) is of particular importance.

Expanded Willow Blatt

Keith Sonnier

NEUSTIFT NOVACELLA Engelsburg / Castel S. Angelo

Expanded Willow Blatt 2000

DE Die „Expanded Willow Blatt“-Skulptur aus dem Jahr 2000 ist Teil der vielgestaltigen „Blatt“-Serie des Künstlers, die er in München entwickelt und dort auch erstmals präsentiert hat. Die Vorlagen für diese Serie stammen von Zeichnungen, welche Sonnier ausgehend von einheimischen Palmen in seinem Heimatstaat Louisiana angefertigt hatte. IT La scultura “Expanded Willow Blatt” del 2000 fa parte della poliedrica serie “Blatt” dell’artista, che ha sviluppato a Monaco e presentato lì per la prima volta. I modelli per questa serie provengono dai disegni che Sonnier ha fatto delle palme native del suo stato natale, la Louisiana. EN The “Expanded Willow Blatt” sculpture from 2000 is part of the artist’s multifaceted “Blatt” series, which he developed in Munich and presented there for the first time. The models for this series originate from drawings Sonnier made of native palm trees in his home state of Louisiana.

SPECTACULAIRES France

DE Benoît Quéro (geb. 1957) studierte in Rennes (Bretagne), wo er seine ersten künstlerischen Schritte wagte. Denkwürdige Begegnungen mit dem französischen lichtsetzenden Kamermann Henry Alekan sowie Lichtdesigner und Künstler François-Eric Valentin führten dazu, dass Benoît Quéro in dieser Branche Fuß fasste: Lichtsteuerung, Bühnenbild und Dekoration, Theater, Festspiele. 1986 gründet er mit einem Team von Lichtdesignern und technischen Leitern die Vereinigung „Spectaculaire“. Im Jahr 1987 wird der Verein in eine Kapitalgesellschaft umgewandelt: Spectaculaires ist geboren! IT Benoît Quéro (1957) studia e inizia a lavorare a Renne, in Bretagna. Grazie ai memorabili incontri con Henry Alekan, celebre direttore della fotografia francese, e François-Eric Valentin, lighting designer e artista, Benoît Quéro muove i primi passi nel settore del controllo delle luci, della scenografia e delle decorazioni, nei teatri e nei festival. Nel 1986 crea l’associazione “Spectaculaire” con un team di light designer e direttori tecnici. Nel 1987 l’associazione diventa una società a responsabilità limitata: Nasce Spectaculaires! EN Benoît Quéro (b. 1957) studies and started his work in Rennes (Brittany). Thanks to his memorable encounters with Henry Alekan, a French head operator, and François-Eric Valentin, a lighting designer and artist, Benoît Quéro got his first steps in the business in light control, sets and décor, theatre, festivals. In 1986, he creates the association “Spectaculaire” with a team of light designer and technical directors. In 1987, the association becomes a limited company: Spectaculaires is born!

Colours of the Cathedral

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Spectaculaires

BRIXEN BRESSANONE Säbener Tor / Porta Sabiona

Baobab Trees 2022 The compositions of the trees are inspired by the photos of Pascal Lemaître (Y Rocher foundation). Composition and original idea: Benoît Quero Creative team: Les Allumeurs d’Images

DE Baobabs sind monumentale und denkwürdige Bäume, die hauptsächlich auf dem afrikanischen Kontinent zu finden sind. Ihre Silhouette ist mit keiner anderen auf der Welt vergleichbar und ihre Haut ähnelt der von Elefanten. Affenbrotbäume sind wahre „Wassertürme“, die in Regionen mit großer Hitze überleben. Seit Jahrhunderten haben die Menschen gelernt,

mit ihnen zu leben. Als Kunstwerk im Rahmen des Festivals werden sie ihre Beziehung zum Wasser und zum Menschen bezeugen, indem sie direkt auf die Fassaden der Häuser projiziert werden. Wolken werden sich langsam zwischen den Affenbrotbäumen bewegen und Vögel werden von einem Baum zum anderen fliegen.

IT I baobab sono magnifici alberi monumentali che si trovano principalmente nel continente africano. Le loro forme sono incomparabili a qualsiasi altro sul pianeta e la loro corteccia a volte assomiglia alla pelle degli elefanti. Gli alberi di baobab sono vere e proprie “torri d’acqua”, destinate a sopravvivere nelle regioni di grande calore. Per

secoli, gli uomini hanno imparato a vivere con loro. Come opera d’arte al festival, essi testimonieranno il loro rapporto con l’acqua e con l’uomo, proiettandoli direttamente sulle facciate delle abitazioni. Le nuvole si muoveranno lentamente tra i baobab e gli uccelli voleranno da un albero all’altro.

EN Baobabs are monumental and memorable trees that can be found mainly in the African continent. Their silhouettes are incomparable to any other on the planet and their skin is sometimes resembling elephants’ skin. Baobab trees are real “water towers”, intended to survive in regions of high

heat. For centuries, men have learned living with them. As an artwork at the festival, they will testify to their relationship to water and humans by being projected directly onto the residential facades. Clouds will move slowly between the baobabs and birds flit from one tree to another.

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BRIXEN BRESSANONE Dom / Duomo

Colours of the Cathedral 2022 Composition and original idea: Werner Zanotti and Benoît Quero Creative team: Les Allumeurs d’images Sound creation: Orel

DE In der Geschichte werden Farben seit langem als Symbole verwendet, um Bedeutung zu vermitteln und Kunstwerke aufzuwerten. Der Brixner Dom wurde zunächst in gelben und später in blaugrauen Tönen bemalt, wie das in den letzten Jahren in den Archiven der Hofburg gefundene Gemälde beweist. Die Projektion auf dem Dom nimmt uns mit auf eine Reise durch die Farben der Kathedrale - Grautöne, Grüntöne und Blautöne, die an die Farben

des Wassers erinnern, welches die Stadt umgibt. Es handelt sich um eine allmähliche Entwicklung des Lichtzustands, vergleichbar mit einem langsamen und unaufhaltsamen Übergang vom Tag zur Nacht. Die Kathedrale lebt nicht für sich allein. Es ist auch der Mittelpunkt des Platzes, der ihren Namen trägt - deshalb wird der gesamte Platz beleuchtet, um die Erhabenheit des Ortes und seines Herzstücks, der Kathedrale, zum Ausdruck zu bringen.

IT Nella storia, i colori sono stati a lungo utilizzati come simboli per trasmettere significato e valorizzare le opere d’arte. Il duomo di Bressanone è stato prima dipinto in giallo e, più tardi, in toni grigio-azzurri, come dimostra il dipinto trovato negli archivi della Hofburg negli ultimi anni. La proiezione sul duomo ci porterà in un viaggio attraverso i colori della cattedrale – grigi, verdi e blu, che ricordano i colori dell’acqua che

circonda la città. È concepita come un’evoluzione graduale dello stato luminoso, paragonabile a un lento e inesorabile passaggio dal giorno alla notte. La cattedrale non vive per conto proprio. È anche il centro della piazza che porta il suo nome – è per questo che tutta la piazza sarà illuminata, per enfatizzare la grandezza del luogo e del suo centro, il Duomo.

EN In history, colours have long been used as symbols to convey meaning and enhance works of art. The Dome of Brixen has been first painted in yellow, and, later on, in blue-grey tones, as evidenced by the painting found in archives of Hofburg in the recent years. The projection on the dome will take us on a journey through the colours of the cathedral – greys, greens and blues, reminiscent of the colours of water

surrounding the city. It is seen as a gradual evolution of the luminous state comparable to a slow and inexorable shift from day to night. The cathedral does not live on its own. It is also the centre of the square which holds her name – that is why the whole square will be illuminated, to speak of the grandeur of the location and its centrepiece, the Dome.

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ROMAIN TARDY France

DE Romain Tardy ist seit 2008 als Bildender Künstler aktiv. Heute werden seine Arbeiten – poetische Sinneserfahrungen unter Verwendung von Licht, Videomapping, Gegenständen und Klang – auf der ganzen Welt gezeigt. Sie hinterfragen unser Verhältnis zur technologischen und digitalen Entwicklung und deren Auswirkungen auf die Gesellschaft. Obwohl seine Arbeiten einen direkten und unbestreitbaren Bezug zum Digitalen haben, ist der Künstler selbst der Ansicht, dass sie nicht notwendigerweise als digitale Kunst zu bezeichnen sind. „Mein Hauptaugenmerk liegt darauf, greifbare Offline-Kunstinstallationen zu schaffen. Der Bildschirm ist nicht die Grenze.“ IT Romain Tardy è attivo nel mondo dell’arte visiva sin dal 2008. Oggi i suoi lavori vengono esposti in tutto il mondo e il più delle volte sono concepiti come esperienze sensoriali poetiche che utilizzano luce, video mapping, oggetti fisici e suono. Le sue opere mettono in discussione il nostro rapporto con gli sviluppi tecnologici e digitali e le loro ripercussioni sulla società. Anche se presenta un legame diretto e innegabile con il digitale, Tardy ritiene che il suo lavoro non si qualifichi necessariamente come arte digitale: “Il mio obiettivo principale è creare installazioni artistiche tangibili offline. Lo schermo non è il limite.” EN Romain Tardy has been active in the visual art scene since 2008. Today his work is shown all over the world and most often conceived as poetic sensory experiences using light, video mapping, physical objects and sound. They question our relationship to technological and digital developments and their repercussions on society. While his work has a direct and undeniable link with the digital, he considers that his work does necessarily qualify as digital art. “My primary focus is to create tangible, offline art installations. The screen is not the limit.”

The Source

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Romain Tardy

BRIXEN BRESSANONE Alois Pupp Park / Parco Alois Pupp

The Source 2021/22 Romain Tardy, visual artist and creative director Antoine Bertin, sound artist Martin Pirson, artist assistant

DE „The Source“ ist eine immersive Licht- und Klanginstallation, bestehend aus zwei Teilen. Die erste Phase führte das Künstlerkollektiv zu den Wasserquellen, die die Altstadt von Brixen speisen. In verschiedenen Begehungen haben die Künstler Wasserläufe und Quellen gefilmt und verschiedene Tonaufnahmen eingefangen. Die Aufnahmen stellten dann die Grundlage für die eigentliche Arbeit dar. Wasserbewegungen, Lichtreflexionen und die

Geräusche des Wassers wurden in einem zweiten Moment analysiert und in Licht übersetzt. Das Resultat ist eine atmosphärische Licht- und Klangkomposition, die die räumliche Trennung zwischen Brunnen und Quelle aufhebt. Das Licht- und Klangmuster rund um den Brunnen nimmt das Publikum mit auf eine Reise, die an die wertvolle natürliche Ressource Wasser erinnert und ihren Ursprung in den Mittelpunkt des Werkes stellt.

IT “The Source” è un’installazione immersiva di luce e suono che consiste in due parti. La prima fase ha condotto il collettivo di artisti alle sorgenti d’acqua che alimentano il centro storico di Bressanone. Durante vari sopralluoghi, gli artisti hanno filmato corsi d’acqua e sorgenti e catturato varie registrazioni sonore. Le registrazioni hanno poi costituito la base per il lavoro vero e proprio. I

movimenti d’acqua, i riflessi luminosi e i suoni dell’acqua sono stati analizzati e tradotti in luce in un secondo momento. Il risultato è una composizione luminosa e sonora d’atmosfera, che elimina la separazione spaziale tra fontana e sorgente. Il gioco di luci e suoni attorno alla fontana accompagna il pubblico in un viaggio che ricorda la preziosa risorsa naturale dell’acqua e pone la sua origine al centro dell’opera.

EN “The Source” is an immersive light and sound installation consisting of two parts. The first phase took the artists’ collective to the water sources that feed the historic centre of Brixen. During various inspections, the artists filmed watercourses and springs and captured various sound recordings. The recordings then formed the basis for the actual work. Water movements, light

reflections and the sounds of the water were analysed in a second moment and translated into light. The result is an atmospheric light and sound composition that dissolves the spatial separation between fountain and spring. The pattern of light and sound around the fountain takes the audience on a journey that recalls the precious natural resource of water and places its origin at the heart of the work.

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LEONID TISHKOV World

DE Leonid Tishkov wurde 1953 im Uralgebirge (UdSSR) geboren, lebt in Moskau und arbeitet in Japan und Russland. Sein poetisch metaphysisches Oeuvre entsteht in einem vielfältigen und oft unkonventionellen medialen Spektrum, etwa in Form von Lichtinstallationen durch geöffnete Türen, in-situ Arbeiten, Videos, Fotografie, Arbeiten auf Papier, aber auch Texte. Tishkovs konzeptionelles Projekt Private Moon (2003 und aktuell) besteht aus einer Serie von Farbfotografien und Performances, wobei jede Fotografie ein kleines Gedicht für sich ist. IT Leonid Tishkov è nato nelle montagne degli Urali (URSS) nel 1953, vive a Mosca e lavora in Giappone e Russia. La sua opera poetica e metafisica si realizza attraverso una gamma di mezzi diversi e spesso non convenzionali, tra I quali installazioni luminose a porte aperte, lavori site specific, video, fotografia, lavori su carta e testi. Il progetto concettuale Private Moon di Tishkov (2003 e ora) consiste in performance e in una serie di fotografie a colori, nella quale ogni scatto è una piccola poesia a sé stante. EN Leonid Tishkov’s was born in Ural’s mountains (USSR) in 1953, live in Moscow, working in Japan and Russia. His poetic and metaphysical oeuvre is realised in a diverse and often unconventional range of media, including open-door light installation, site specific work, video, photography, works on paper and texts. Tishkov’s ‘Private Moon’ conceptual project (2003 and now) consists of performances and a series of color photographs, each photograph a little poem in its own right.

leonidtishkov.com / privatemoon.ru

Private Moon

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leonid tishkov

BRIXEN BRESSANONE Lido

Private Moon 2003–2022

DE „Private Moon“ ist eine mobile Lichtinstallation und ein visuelles Gedicht, das die Geschichte eines Mannes erzählt, der sich in den Mond verliebt und für den Rest seines Lebens bei ihm bleibt. Er kümmert sich im Traum um dieses himmlische Wesen und wird selbst zu einer mythologischen Gestalt, die die Grenze zwischen den beiden Welten überschreitet und in der realen Welt wie in einem Märchen lebt. Leonid Tishkov hat seinen Mond

seit 2003 auf eine Reise um die Welt mitgenommen, die ihn durch Russland, die USA, Neuseeland, Japan, Singapur, Taiwan, Österreich, Frankreich, Deutschland, China, die Ukraine, die Arktis und darüber hinaus geführt hat. Anfang dieses Jahres war „Private Moon“ in Leeuwarden (Niederlande) zu sehen, und nun wurde die Installation mit Unterstützung des Media Art Festivals Friesland nach Brixen verlegt.

IT “Private Moon” è un’installazione luminosa mobile e una poesia visiva che racconta la storia di un uomo che si innamorò della Luna e rimase con lei per il resto della sua vita. Immerso in un sogno, prendendosi cura di questa creatura celeste, l’uomo diventa un essere mitologico, attraversando il confine tra i due mondi, vivendo nel mondo reale come in una favola. Leonid Tishkov ha portato la sua Luna in un viaggio

intorno al mondo dal 2003, avendo viaggiato con l’artista attraverso Russia, Stati Uniti, Nuova Zelanda, Giappone, Singapore, Taiwan, Austria, Francia, Germania, Cina, Ucraina, l’Artico e oltre. All’inizio di quest’anno “Private Moon” era in mostra a Leeuwarden (Paesi Bassi) e ora l’installazione è stata spostata a Bressanone con il supporto del Media Art Festival Friesland.

EN “Private Moon” is a mobile light installation and a visual poem telling the story of a man who fell in love with the Moon and stayed with her for the rest of his life. Immersed in a dream, taking care of this heavenly creature, the man becomes a mythological being, crossing the borderline between the two worlds, living in the real world as if in a fairytale. Leonid Tishkov has taken his Moon on a journey around

the world since 2003, having traveled with the artist across Russia, the USA, New Zealand, Japan, Singapore, Taiwan, Austria, France, Germany, China, Ukraine, the Arctic and beyond. At the beginning of this year the “Private Moon” was shown in Leeuwarden (Netherlands), and now the installation has been moved to Brixen with the support of the Media Art Festival Friesland.

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JAMES TURRELL USA

DE *1943 Los Angeles, CA, US James Turrell, einer der renommiertesten Vertreter der internationalen Kunstszene, widmet sein gesamtes Schaffen der Auseinandersetzung mit den vielfältigen Erscheinungsformen des natürlichen und künstlichen Lichts. Turrell dringt in die Grenzbereiche der Wahrnehmung vor: Installationen und Environments machen das Licht als künstlerisches Medium erfahrbar. Die Räume sind nicht im herkömmlichen Sinne beleuchtet – sie sind vielmehr von Licht und Farbigkeit erfüllt. In diesen Lichträumen erscheint die Architektur entmaterialisiert – Fläche, Farbe und Raum treten in ein Wechselspiel, das den Betrachter eintauchen lässt in eine geheimnisvolle, malerische Welt. Die Zeitlosigkeit und Faszination seiner Arbeiten beruht vor allem darauf, dass es Turrell gelingt, ohne den Umweg über Symbolik oder bildliche Darstellung, Licht als eine Form der Realität unmittelbar sinnlich erlebbar zu machen. IT *1943 Los Angeles, CA, USA James Turrell, uno dei più rinomati rappresentanti della scena artistica internazionale, dedica tutta la sua opera all’esame delle molteplici manifestazioni della luce naturale e artificiale. Turrell penetra nelle zone di confine della percezione: le installazioni e l’ambiente rendono la luce percepibile come mezzo artistico. Gli ambienti non sono illuminati in senso convenzionale – sono piuttosto pieni di luce e di colori. In questi spazi di luce, l’architettura appare smaterializzata – superficie, colore e spazio entrano in un gioco che immerge lo spettatore in un mondo misterioso e pittoresco. Il fascino e il carattere senza tempo delle sue opere si basano soprattutto sul fatto che Turrell riesce a fare della luce una forma di realtà che può essere vissuta direttamente dai sensi, senza prendere una deviazione attraverso il simbolismo o la rappresentazione pittorica.

Circular Glass Series

EN *1943 Los Angeles, CA, US James Turrell, one of the most renowned representatives of the international art scene, dedicates his entire oeuvre to the examination of the manifold manifestations of natural and artificial light. Turrell penetrates the border areas of perception: Installations and environments make it possible to experience light as an artistic medium. The rooms are not illuminated in the conventional sense – they are rather filled with light and colourfulness. In these light spaces, architecture appears dematerialised – surface, colour and space enter into an interplay that immerses the viewer in a mysterious, picturesque world. The timelessness and fascination of his works is based above all on the fact that Turrell succeeds in making light a form of reality that can be experienced directly by the senses, without taking a diversion via symbolism or pictorial representation.

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James Turrell

NEUSTIFT NOVACELLA Engelsburg / Castel S. Angelo

Circular Glass Series 2020

DE Die spektakulären Werke der „Circular Glass“ Serie ermöglichen in einem alltäglichen architektonischen Umfeld eine visuelle und sensorische Erfahrung von Licht, wie sie bisher größeren Installationen des Künstlers vorbehalten war. Die Unikate dieser Serie sind verwandt mit der „Small Glass“-Serie aus dem Jahr 2016. Auch die „Circular Glasses“ werden mittels

modernster LED-Technologie individuell programmiert. Ihre physische Struktur bezieht sich auf Turrells „Shallow Space Constructions“ aus den späten 1960er- und frühen 1970er-Jahren. Mit dieser Reihe setzt der Künstler seine Erforschung technologischer Möglichkeiten in Verbindung mit sensorischen Praktiken fort und lädt zu einer meditativen Erfahrung ein.

IT Le opere spettacolari della serie “Circular Glass” consentono, in un ambiente architettonico quotidiano, un’esperienza visiva e sensoriale della luce, riservata in precedenza alle grandi installazioni dell’artista. I pezzi unici di questa serie sono riconducibili alla serie “Small Glass” del 2016, che ha attirato grande attenzione da parte di un vasto pubblico. Anche le “Circular

Glasses” vengono programmate individualmente con la più moderna tecnologia LED. La sua struttura fisica si riferisce alla “Shallow Space Constructions” della fine degli anni ’60 e dei primi anni ’70 di Turrell. Con questa serie l’artista prosegue la sua ricerca sulle possibilità tecnologiche legate alle pratiche sensoriali e invita gli spettatori a un’esperienza meditativa.

EN The spectacular works of the “Circular Glass Series” enable a visual and sensory experience of light in an everyday architectural setting that was previously reserved for larger installations by the artist. The unique pieces in this series are related to the “Small Glass” series from 2016, which attracted great attention from a wide audience. The “Circular Glasses” are also individually

programmed using the latest LED technology. Their physical structure refers to Turrell’s “Shallow Space Constructions” from the late 1960s and early 1970s. With this series, the artist continues his exploration of technological possibilities in conjunction with sensory practices, inviting the viewer to a meditative experience.

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MASSIMO UBERTI Italy

DE Massimo Uberti studierte an der Akademie der Schönen Künste in Brera (I). Er nahm an mehreren Licht-Festivals teil und sammelte zahlreiche Erfahrungen im Bereich der öffentlichen Kunst – sowohl in Italien als auch weltweit. Seine Ausstellungen waren in vielen Galerien und Museen zu sehen. Uberti realisierte eine permanente Installation in Amsterdam sowie – im Auftrag der UNESCO – in Verona. Seine Arbeit Today I Love You wurde auf der Expo 2020 in Dubai ausgestellt. IT Massimo Uberti ha studiato all’Accademia di Brera. Ha partecipato a diversi festival della luce e ha fatto molte esperienze di arte pubblica sia in Italia che nel mondo. Ha fatto mostre in gallerie e musei. Uberti ha lavorato ad un’installazione permanente ad Amsterdam e per conto dell’UNESCO ha lavorato nella città di Verona. L’opera Today I Love You sarà esposta durante l’Expo 2020 a Dubai. EN Massimo Uberti studied fine arts in Milan. He participated in several light festivals and did many experiences in public art in both Italy and worldwide. He has had exhibitions in galleries and museums. Uberti work on a permanent installation in Amsterdam, and on behalf of UNESCO he worked in the city of Verona. The artwork Today I Love You will be exhibited during the Expo 2020 in Dubai.

Battistero d’oro

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Massimo Uberti

BRIXEN BRESSANONE Hotel Elephant

Battistero d’oro 2020

DE Der italienische Künstler Massimo Uberti baut auf die unübliche siebeneckige Grundstruktur des Brunnens, ein oktogonales Gebäude, welches in seiner Form und Gestalt, an die typischen Taufkapellen, den sogenannten Baptisterien erinnert. Er setzt somit einen ausgleichenden Kontrapunkt zur unüblichen Struktur des Baus und verleiht dem bestehenden Brunnen eine neue Form und Funktion. Das filigrane Konstrukt besteht aus feinen, in Gold gefärbten Metallröhren. Fenster und Türen der Taufkapelle bestehen aus

gebogenen Neonröhren. Mit „Battistero d’Oro“ schlägt Uberti eine Brücke zu einer christlichen Tradition, welche vor allem in Italien sehr verbreitet war und den Taufkapellen große Wichtigkeit einräumte. Dem achteckigen Grundriss der Taufkapellen, liegt ein eschatologischer Gedanke zugrunde: Am ersten Tag der Woche (Sonntag) stand Christus von den Toten auf, und so wurde der ursprünglich erste Schöpfungstag als achter Tag und Tag der Neuschöpfung betrachtet.

IT L’artista italiano Massimo Uberti pone sull’insolita struttura a sette angoli della fontana un’opera ottagonale che nella sua forma ricorda le tipiche cappelle battesimali, i cosiddetti Battisteri. L’artista stabilisce così un bilanciamento sull’insolita struttura della fontana e le conferisce una nuova forma e funzione. La costruzione in filigrana è costituita da fini tubi metallici dorati. Le finestre e le porte della cappella battesimale sono costituite da tubi al neon ricurvi.

Con il “Battistero d’oro” Uberti costruisce un ponte verso una tradizione cristiana, particolarmente diffusa in Italia, e dà grande importanza alle cappelle battesimali. Le planimetrie ottagonali delle cappelle battesimali si basano su un pensiero escatologico: il primo giorno della settimana (domenica) Cristo è risorto dai morti, e quindi il primo giorno della creazione è stato considerato come l’ottavo giorno e quindi giorno della nuova creazione.

EN The Italian artist Massimo Uberti builds on the unusual heptagonal basic structure of the fountain, an octagonal building, which in its form and shape is evocative of the typical baptisteries. He sets a balancing counterpoint to the unusual structure of the building and gives the existing fountain a new form and function. The filigree construction consists of fine, gold-coloured metal tubes. Windows and doors of the baptistery consist of bent neon tubes.

With “Battistero d’oro” Uberti builds a bridge to a Christian tradition, which was particularly widespread in Italy and gave great importance to baptisteries. The octagonal floor plan of the baptisteries is based on an eschatological thought: on the first day of the week (Sunday) Christ rose from the dead, and so the original first day of creation was regarded as the eighth day and day of new creation.

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WATER LIGHT FESTIVAL Past editions

INTERNATIONAL DAY OF LIGHT

2017

2020

2018

2021

2019

Veranstalter / Organizzatori