Kunst+Material Ausgabe November-Dezember 2026

Kunst+Material Das Magazin von boesner

November/Dezember 2026 Schutzgebühr 7,– EUR/CHF | ISSN 1868-7946

Idee, Malerei, Gestaltung, Fotografie: Ina Riepe

2 | Grußwort

Grußwort | 3

Raum für Neues Liebe Leserin, lieber Leser, sehr spannend! Das war mein erster Gedanke, als ich vor gut drei Jahren von der geplanten Neuausrichtung der Zeitschrift Kunst+Material hörte. Die beliebte boesner-Publikation sollte eine neue Schwerpunktlegung erhalten. Neben den bewährten Rubriken sollten inspirierende Bildstrecken mit vielen Fotos und Informationen zu Materialthemen und künstlerischer Arbeit aufgenommen werden. Das alles in einem neuen, größeren Format mit mehr Seiten und einem frischen Layout. Gerne bin ich als Herausgeber der Zeitschrift zum Redaktionsteam dazugestoßen. In vielen intensiven Sitzungen und mit großem Engagement wurde das neue Konzept aus der Taufe gehoben, und das neue Design war auch bald entwickelt. Dass Sie, liebe Leserinnen und Leser, heute schon die 22. Ausgabe der neuen Kunst+Material in den Händen halten, ist einem vielfältigen Zusammenwirken zu verdanken: Autorinnen und Autoren schreiben spannende Texte über das aktuelle und historische Kunstgeschehen, Künstlerinnen und Künstler lassen uns in ihre Ateliers schauen und Beiträge zu praxisnahen Materialinspirationen werden eigens für jede neue Ausgabe gefertigt. Die Klammer bildet ein kleines, aber professionelles Team mit seinem Fachwissen in Redaktion und Gestaltung. Allen Beteiligten sei an dieser Stelle herzlich gedankt! Der größte Dank gilt aber Ihnen als treue Leserinnen und Leser der Kunst+Material. Mit großer Neugier und nachhaltigem Interesse halten Sie unsere Zeitschrift lebendig. Sie sind unser Ansporn, jede Ausgabe noch ein bisschen besser zu machen! Mehr als 14 Jahre durfte ich als Geschäftsführer der boesner Holding mit meinem Team für Sie und unsere boesner-Geschäfte neue Produkte entwickeln, innovative Materialien finden und die Werbung kreativ ausrichten. Diese Aufgabe findet nun ihr Ende und für mich schließt sich ein Kreis. Die zukünftige freie Zeit werde ich wieder für meine eigene künstlerische Arbeit nutzen. Vielleicht sehen wir uns in einem der boesner-Geschäfte beim Abholen der nächsten Ausgabe der Kunst+Material? Herzlichst

Jörg Vester Herausgeber der Kunst+Material und Geschäftsführer der boesner Holding

Foto: Kevin Bertelt.

Judit Reigl, Eclatement (Detail), 1955 © Fonds de dotation Judit Reigl/VG Bild-Kunst, Bonn 2026/27

Judit Reigl Couleur vivante

15.11.2026– 11.4.2027 Wiesbaden

Editorial | 5

Jenseits des Fassbaren Liebe Leserin, lieber Leser, das Jahr neigt sich allmählich seinem Ende zu, und viele dürften mit gemischten Gefühlen auf die vergangenen Monate schauen. Umbrüche und Krisen in wechselhaften Zeiten bescheren Unbehagen – Flexibilität in Denken und Handeln scheint daher mehr denn je gefragt. Dabei helfen Auszeiten, Momente der Achtsamkeit und die Konzentration auf das, was darüber hinaus von Bedeutung ist. Die Kunst kann hier willkommene Unterstützung bieten: In ihrer Betrachtung stellt sich eine gewisse innere Ruhe ein, und das Schaffen selbst vermag im Flow, hierbei neue Perspektiven jenseits unserer Zeit und ihrer Ansprüche aufzuzeigen. Diese Ausgabe von Kunst+Material legt Ihnen für kontemplative Betrachtungen die Arbeiten von Jaimun Kim ans Herz, die fernöstliches Denken und zeitgenössische Formen in einem sensiblen Gleichgewicht halten. Der in Korea geborene Künstler nennt seine Arbeiten „Raku-Malerei“: Seine Bildtafeln aus Ton werden mit Glasuren, Metalloxiden und Pigmenten bearbeitet und zweifach gebrannt. Zufall, Unvorhergesehenes und bewusste Komposition treten in einen „harmonischen Dialog mit dem Zufall“. In diesen Prozessen werden für Jaimun Kim Zeiten und Räume offenbar, die gleichsam unsichtbar in der Natur existieren. Auf der Oberfläche entstehen durch den Einsatz von Steinen, Sägemehl und Holz organische Formen und Anmutungen von Landschaft, die an ostasiatische Tuschmalerei erinnern und nur mit dem Medium Raku zu erreichen sind. Viele Facetten des Daseins spiegeln sich im Leben von Johann Joachim Winckelmann: Der Gelehrte war im 18. Jahrhundert das, was man heute einen Tastemaker nennen würde. Winckelmann wies der griechischen Skulptur eine „edle Einfalt, und eine stille Größe“ zu, und seine Gedanken zu ihrer Nachahmung bestimmten für Jahrzehnte den gängigen Geschmack. Für das Sonderthema hat Dieter Begemann den Weg und das Wirken des Gelehrten von seinem Geburtsort Stendal über seine herausragende Position als Aufseher über die Altertümer Roms bis hin zu seinem dramatischen Ende in einem Hotel in Triest verfolgt. In Herbst und Winter verlagert sich der Alltag wieder mehr nach innen, und beim Blick auf die eigenen vier Wände wird mitunter der Wunsch nach Veränderung offenbar. Ina Riepe widmet ihr Inspirationsund ihr Technikthema dieser Ausgabe der Wandmalerei auf Gips, für die man nur ein wenig Zeit und ein paar Zutaten braucht. Susanna Partsch schaut auf ein Thema, das gar nicht so weiblich ist wie gern angenommen: Sie blickt auf das Motiv des Strickens in der Kunst und fördert dabei Erstaunliches zutage. Natürlich lesen Sie auch in dieser Ausgabe wieder über Ausstellungen, die uns sehenswert und spannend erscheinen. Und traditionell dürfen in der letzten Ausgabe des Jahres Hinweise auf interessante Bücher nicht fehlen, die für das eigene Leservergnügen sorgen und sich gleichermaßen gut auf dem Gabentisch machen. In diesem Sinne: Einen besinnlichen Jahresausklang wünscht

Dr. Sabine Burbaum-Machert

6 | Inhalt

8

42

66

Inhalt | 7

Porträt 8–19

Labor

Erinnerung an die Natur Der Keramikkünstler Jaimun Kim

20

66–69

Ein sinnliches Fest der Farbe Simon Hantaï im Museum Frieder Burda

70–71

Chronisten des Menschseins Picasso und Bacon in der Albertina

Voller Strahlkraft Wandmalerei auf Gips

72–75

Mut zum Aufbruch Judit Reigl im Museum Reinhard Ernst

Persönlich

76–79

Materialpolitik Silbersee: Im Kippmoment des Wassers Annett Stenzels fotografische Installationen

Meister der Farbe und des Lichts Meisterwerke von Correggio in der Gemäldegalerie Alte Meister Dresden

80–86

Termine

Hintergrund

88–89

Kurz notiert

Er brachte die Antike in Mode Die erstaunliche Karriere des Johann Joachim Winckelmann

Inspiration 32–39

40–41

42–45

32 | 46

Spinnen, Weben, Sticken – aber Stricken? Darstellungen des Strickens in der Bildenden Kunst

Schicht für Schicht

Bücher 52–61 87

76

Im Gespräch 90–93

Mit Kreativität und Nachhaltigkeit Der neue Firmensitz von Royal Talens in Apeldoorn

94

Marcel fragt Jaimun

96

Vorschau, Impressum

Technik 46–51

Leuchtkraft trifft Aquarell

Ausstellungen

Thema 20–31

62–63

Bücher, Buchtipps Kunst+Material im Abonnement

Titel: Jaimun Kim, Himalaya (Ausschnitt), 2022, 37 x 60 cm, Foto: Jaimun Kim.

8 | Porträt | Jaimun Kim

Erinnerung an die Natur Der Keramikkünstler Jaimun Kim

„Auf Tonplatten zeichne ich Formen und Erinnerungen, die aus Naturbeobachtungen hervorgehen, in einer leichten, skizzenhaften Weise. Dabei treten pflanzliche und organische Formen, Landschaftsstrukturen und menschliche Figuren hervor. Es handelt sich jedoch nicht um eine realistische Darstellung der Natur, sondern um die Wiedergabe von Eindrücken und Erinnerungen, die aus der Naturerfahrung entstehen. Diese Bilder erscheinen frei als Linien oder Flächen auf den Tonplatten, wobei durch Variationen der Glasurkonzentration und die Steuerung der Pinselbewegung feine Farbunterschiede entstehen.“ Jaimun Kim

Der 1962 in Seoul geborene Künstler Jaimun Kim bezeichnet seine in den letzten fünf Jahren entstandenen keramischen Arbeiten als „Raku-Malerei“: Sein Material Ton wird nicht, wie üblich, zu dreidimensionalen Objekten geformt, sondern als zweidimensionale, flächige Form wie eine Bildtafel eingesetzt, die anstelle von Farben und Malmaterialien mit Glasuren, keramischen Pigmenten und Metalloxiden bearbeitet und anschließend einem zweifachen Brennprozess unterzogen wird. Es entstehen einzigartige malerische Effekte, Bildwelten, die sich zwischen abstrakter Formlosigkeit und assoziativ erfahrbarer Landschaftsdarstellung bewegen. Durch die variable Verwendung weißer Glasuren und die Wirkung von Rauch und Asche im Brennprozess entstehen pflanzliche, organische Formen und Anmutungen von Landschaft, die an ostasiatische Tuschmalerei erinnern. Dabei betont Jaimun Kim das Prozessuale, Unabgeschlossene und nicht gänzlich Steuerbare seines künstlerischen Vorgehens, das sowohl in Jahr-

zehnten erworbene Erfahrung als auch Offenheit gegenüber dem zufällig Entstehenden erfordert. Die Verwurzelung im Weltbild dualistischer ostasiatischer Philosophie, die im Ausgleich widerstrebender Kräfte und in der „Geisteshaltung des Weges“ den Prozess über das fertige Ergebnis stellt, wird in der Betrachtung seiner Kunst wie auch in der Begegnung mit dem Menschen direkt erfahrbar: Beide sind durch ein dynamisches Gleichgewicht von Emotion und Intellekt charakterisiert. Im Jahr 2015 findet Jaimun Kim in der Kleinstadt Enniger im Kreis Warendorf im Münsterland ein Domizil, das ihm und seiner Frau Euisun Yi – sie arbeitet als Schmuckdesignerin – die Verwirklichung ihrer vielfältigen künstlerischen Unternehmungen ermöglicht. Hier, im Gebäude des ehemaligen kaiserlichen Postamtes mit seinem parkähnlichen Garten, entstehen großzügige Keramikwerkstätten, die über die eigene

[1] Jaimun Kim, ViVi Kunstverein Dorsten, Ausstellung „Erinnerung an die Natur“, 2026, Foto: Wolfgang Schäfer.

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künstlerische Tätigkeit auch Lehr- und Kursangebote ermöglichen, Workshops und die alljährliche Sommerakademie, für die sich zahlreiche Kunstinteressierte für eine Woche in Enniger einfinden. Seit 2016 präsentiert das „Haus der Kunst Enniger“ mehrmals im Jahr Ausstellungen mit regionalen, nationalen und internationalen Künstlerinnen und Künstlern. Stipendiaten finden hier ein temporäres Zuhause, vor allem für den koreanisch-deutschen Kulturaustausch ist Enniger zu einer wichtigen Adresse geworden. Gemeinsam mit einem Förderkreis hat Jaimun Kim einen lebendigen Kunstort geschaffen, der in die Region und weit darüber hinaus ausstrahlt. Sein „Haus der Kunst“ hat sich nach Meinung des Künstlers ein wenig

[2] Frühlingsnacht des Himalaya II, 2024, Raku auf Tonplatte, 40 x 60 x 3 cm.

von dem Spirit seines Vorgängers bewahrt: Wulf Becker-Glauch, der im Haus Kannen, Alexianer Krankenhaus in Münster, als Nervenarzt gearbeitet hat. Er ermöglichte seinen Patienten, ihre Leiden durch künstlerisches Gestalten zu lindern, und gilt heute als Vorreiter und Pionier der humanistischen Kunsttherapie. Sein Haus in Enniger, in dem er fünfundzwanzig Jahre lang wohnte, beherbergte eine Vielzahl von Bildern seiner Tante, der berühmten Worpsweder Malerin Paula Modersohn-Becker. Doch Wulf Becker-Glauch förderte auch sehr engagiert junge Künstler – dieser Tradition fühlt sich Jaimun Kim eng verbunden und sie stand Pate bei der Gründung des Freundeskreises Haus Enniger.

Porträt | Jaimun Kim | 11

Im Zeitraum von 1982 bis 1989 studiert Jaimun Kim an der für ihre Kunstfakultät bekannten Hongik Universität in Seoul. Ausgehend von traditionellen keramischen Formen und Techniken werden hier Verbindungen zu zeitgenössischer Kunst gefördert, das Studium ist sehr modern ausgerichtet und öffnet sich neuen Ausdrucksformen wie zum Beispiel Installationen. Starke Impulse erhält Jaimun Kim von dem Erneuerer der koreanischen Keramik, Professor Shin Sang-ho, für den Tradition ein Konzept ist, das es in der Gegenwart neu zu interpretieren und zu praktizieren gilt. Die traditionelle Keramik dient ihm vor allem als technische Grundlage, um die Materialität des Tons zu verstehen, und dann als Sprungbrett für formale Experimente. Shin Sang-ho

prägte den Begriff „Dojo“ – Keramikskulptur – für Arbeiten, welche der keramischen Tradition den Weg in die zeitgenössische Kunst öffnen. Nach dem Studium betreibt Jaimun Kim in Seoul für zwei Jahre ein Keramikgeschäft, bevor er 1990 nach Deutschland übersiedelt. Er will seine Kenntnisse durch ein Studium bei Klaus Schultze, Professor für Keramik an der Akademie der Bildenden Künste in München, vertiefen. Schultze, als Keramiker und Bildhauer bekannt für seine großformatigen Skulpturen im öffentlichen Raum, steht kurz vor der Emeritierung, sodass Jaimun Kim sich neu orientieren muss. 1993 beginnt er sein Studium an der Kunstakademie Münster bei Professor Joachim Bandau, dessen Meisterschüler er 1998 wird. Bandaus Installationen,

[3] Himalaya II, 2024, Raku auf Tonplatte 24 x 30 x 3 cm.

12 | Porträt | Jaimun Kim

seine Verwendung neuer, ungewöhnlicher Materialien und seine Zeichnungen und Tuschearbeiten geben Kim Motivation und Impuls für eigene installative Arbeiten, für die er während des Studiums häufig den Werkstoff Holz verwendet. In seiner Examensarbeit, der raumgreifenden Installation TonFabrik, die Jaimun Kim 1999 an der Akademie in Münster präsentiert, setzt er seine Erfahrungen mit dem Material Ton, aber auch mit den Dimensionen von Zeit und Raum um, die auch Jahre später noch seine großen installativen Arbeiten charakterisieren werden. Fünf begehbare Häuser aus ungebrannten Ziegeln, die traditionelle Hausformen in Korea aufgreifen, sind auf Holzpaletten im Ausstellungsraum verteilt. Sie sind aus nassen Tonziegeln gebaut, die während der Ausstellung bedingt durch den Trocknungsprozess Farbe und Materialität verändern. Sie haben etwas Archaisches und gleichzeitig Fragiles, der Prozess

[4] Ton-Fabrik, 1999, Tonziegel, 5-teilig, je 180 x 120 x 80 cm.

ihrer Herstellung wie auch ihres Verfalls wird gleichermaßen erfahrbar. Ton-Fabrik ist ein starkes Statement, mit dem der Akademie-Absolvent Tradition und Zeitgenossenschaft, fernöstliches Denken mit aktuellen westlichen Ausdrucksformen verbindet: „Der Arbeitsprozess ist auch in der fertigen Skulptur immer noch nachvollziehbar und erlebbar. Manchmal habe ich schon eine genaue Vorstellung und Erwartung, wie das fertige Objekt aussehen soll. Manchmal ist gerade der Arbeitsprozess, die Entstehung der Arbeit der wichtigere Teil. Oft genug ist es aber auch eine Balance zwischen Vorstellung des fertigen Objektes und dynamischer Entwicklung der Herstellung, die das Werk ausmacht“, merkt Kim rückblickend zu seiner Installation Ton-Fabrik an. Nach dem Abschluss des Studiums lebt und arbeitet Jaimun Kim für einige Zeit in Düsseldorf. 2004 richtet er sich im Atelierhaus „Speicher II“ am Hafen in Münster ein, wo sich in den nächsten

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Jahren zahlreiche Kontakte und Ausstellungsmöglichkeiten ergeben. Neben keramischen Arbeiten, die die Grundlage seiner künstlerischen Tätigkeit darstellen, entstehen zahlreiche Installationen, oft im Außenraum und mit vergänglichen Materialien inszeniert: Tongefäße, nur unzureichend gebrannt, werden über einen längeren Zeitraum auf einer Wiese der Witterung ausgesetzt und dem Verfall preisgegeben und am Ende wieder vergraben. Oder ein tonnenschwerer Tonklumpen wird mit den bloßen Füßen bearbeitet und zu einer riesigen Blume geformt – der Prozess der Vorbereitung des Materials Ton für den Brennvorgang als temporäre Kunstaktion, aber auch als sinnliches Anschauungsmodell für die Fragilität und Vergänglichkeit des Lebens.

„Die im Raku-Brand entstehenden Reaktionen zwischen Glasur, natürlichen Materialien und Umgebungsbedingungen wie Temperatur und Sauerstoffzufuhr führen zu unvorhersehbaren, vielschichtigen Ergebnissen.“ E. Neumann

Zeichnungen, als kleine Naturstudien konzipiert oder als großformatige Tusche-Arbeiten, bilden einen weiteren, von der Keramik unabhängigen Arbeitskomplex. In diesen Arbeiten auf Papier finden sich narrative Elemente ebenso wie ein meditativer Umgang mit Farbe und Form, der Malprozess selbst bleibt für den Betrachter immer sinnlich nachvollziehbar: „Ohne Vorzeichnungen, in direktem Wirken auf der Fläche entstehen bildhafte Ergebnisse voller Poesie. In gleicher Weise sind Jaimun Kims großflächige, die Wand füllende Tuschearbeiten zu erleben. Hier sind auf riesigen Papierformaten einfache Formen, ein großer Kreis, eine umfangreiche, kompakte florale Form aufgebracht, die in lichter Farbigkeit (…) Präsenz zeigen“, beschreibt der Bildhauer Ekkehard Neumann, der den Künstler seit vielen Jahren begleitet und das Haus der Kunst Enniger engagiert unterstützt, den eigenständigen Charakter dieser zeichnerischen Werke. Königin und König, 2017 entstanden, zeigt zwei figurativ anmutende Formen, deren grüne und rote Farbflächen vielfältige Modulationen aufweisen. Pinselduktus und der jeweilige Grad der Verdünnung des Farbmaterials Tusche strukturieren die großformatigen Umrissformen, verleihen ihnen Lebendigkeit und verweisen auf ihre Entstehung durch die Hand des Künstlers. Gleichzeitig zeigen sich wie zufällig sich ergebende Farbverläufe, ähnlich den Glasuren der gebrannten Raku-Tafeln, gesteuert durch die Erfahrung des Künstlers, der sich einlassen muss auf das unter seiner Hand Entstehende. Erdenschwer und federleicht, 2018, stellt zwei organische Großformen einander gegenüber: In erdigen Brauntönen scheint ein Stamm oder Ast – die knotige Struktur lässt an Bambus denken – sich in die Höhe zu recken, wobei die sensibel aufgetragenen Farben und Strukturen Festigkeit und Kraft suggerieren. Daneben in zart modulierten Blautönen ein durch die Zugabe von viel Wasser sehr transparentes Formgebilde, dessen zellenartige Binnenformen Schweben und Leichtigkeit nahelegen. Beide Formen sind auf eine weiße Fläche gestellt, in ihrer Ortlosigkeit entledigen sie sich aller

[5] Jaimun Kim bei der Arbeit, Foto: Seokwoo Chung.

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Abbildhaftigkeit, sind eher Meditationstafeln denn Studien nach der Natur. Blätter, Stamm und Wurzel, eine sechsteilige, 2019 entstandene Tuschearbeit, lehnt sich dagegen enger an Naturvorbilder an. Hier sind die organischen Formen bildfüllend dargestellt, wie Ausschnitte aus einem größeren Zusammenhang, Wachstum und Lebenskraft symbolisierend. Neben diesen sehr großformatigen Arbeiten finden sich im zeichnerischen Werk Jaimun Kims zahlreiche skizzenartige Tusche-Studien, die figurative, architektonische und an der Natur orientierte Szenen präsentieren. Sie entstehen aus der Erinnerung an die Natur, erzählen mehr von deren imaginativer Inspiration, als dass sie das Naturvorbild zu imitieren oder abzubilden versuchen.

Seit einigen Jahren widmet sich der Künstler vorrangig seiner keramischen Produktion, die er als „Raku-Malerei“ bezeichnet. Hier fließt seine jahrzehntelange Erfahrung mit keramischen Techniken ebenso ein wie seine Experimentierfreude und Offenheit für Neues. Die Frau des Künstlers, Euisun Yi, wohl die beste Kennerin seiner Kunst, betont die Bedeutung von Erfahrung und einer von Ruhe und Demut geprägten Haltung für die Entstehung der Raku-Objekte: „Der Arbeitsprozess der Rakumalerei ähnelt in vielerlei Hinsicht demjenigen der ostasiatischen Malerei. Um ein zufriedenstellendes Ergebnis zu erzielen, bedarf es eines endlosen Übungs- und Wiederholungsprozesses, durch den die Technik verfeinert wird, bevor sie schließlich in einem einzigen,

[6] Königin und König, 2017, Tusche auf Papier, 2-teilig, je 320 x 110 cm. [7] Erdenschwer und federleicht, 2018, Tusche auf Papier, 2-teilig, je 320 x 110 cm.

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konzentrierten Tempo vollendet werden kann. Dies entspricht dem Raku-Prozess, bei dem der Künstler durch wiederholte Versuche und Tests – abhängig von Faktoren wie der Konzentration der Glasur, der Auftragstechnik, der Größe und Menge des Sägemehls sowie den klimatischen Bedingungen – und durch die Schnelligkeit des Herausnehmens nach dem Brand das endgültige Werk entstehen lässt.“ Raku-Keramik ist eine spezielle Brenntechnik und ein Stil der Töpferkunst, der im 16. Jahrhundert in Korea und Japan entstand. Das japanische Wort „Raku“ bedeutet „Genuss“ oder „Freude“. Für Jaimun Kim beginnt der Arbeitsprozess mit der sorgfältigen

Herstellung der meist 40 x 60 cm großen und 3 cm starken Tonplatten, die dann einem längeren und immer wieder kontrollierten Trocknungsprozess unterzogen werden. Danach erfolgt der erste Brennvorgang, Schrühbrand genannt, bei dem die Tonplatten noch ohne Glasur mehrere Stunden bis zu einer Temperatur von 960° C gebrannt werden. Nach dem Abkühlen sind sie fest und gleichzeitig porös genug, um das Auftragen von Glasuren zu ermöglichen. Die Glasuren stellt der Künstler selbst her, Kim verwendet meist weiße Glasuren. Dann folgt der zweite Brennprozess im Raku-Ofen, der Glasurbrand dauert drei Stunden bis ca. 920 °C. Die glühende Platte entnimmt der Künstler mithilfe von Zangen und legt sie dann in einen mit Sägespänen aus

[8] Blätter, Sturm und Wurzel, 2019, Tusche auf Papier, 6-teilig, 150 x 120 cm.

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Eichen- oder Buchenholz gefüllten Behälter, die sogenannte Reduktionskammer. Auf der Oberfläche der Tonplatte kommt es durch Rauch und Sauerstoffentzug zu einer reduzierenden Atmosphäre, die für die erwünschten Effekte verantwortlich ist: Die so entstehenden chemischen Reaktionen erzeugen einzigartige Farbverläufe und Craquelé-Effekte – feine Haarrisse in der Glasur, die der Oberfläche ein charakteristisches Aussehen verleihen. Es bilden sich Risse, Rauch und Ruß lagern sich ein, zeichnerische und malerische Eigenschaften entstehen. In diesem Prozess, bei dem viele verschiedene Faktoren Einfluss haben, sind die Resultate durch den Künstler nur zu einem bestimmten Grad vorhersehbar und steuerbar.

das Freilassen größerer Bildbereiche und durch den Einsatz und die Menge von Sägespänen, wenn die glühende Platte aus dem Ofen kommt oder wenn sie nach einigen Minuten schon ein wenig abgekühlt ist. Oft lässt eine waagerechte Linie einen Horizont assoziieren, wodurch sich eine landschaftliche Anmutung ergibt. Jaimun Kim kann diesen Effekt durch eine Wachsschicht erzielen, welche die Glasur abhält und eine gerade Horizontlinie entstehen lässt. Jenseits der Grenze II, 2024 entstanden, zeigt eine andere Möglichkeit, durch Abdecken beim Glasurauftrag eine sehr grafische Wirkung zu erzeugen. Der Künstler hat ein im Garten gefundenes Bündel von kleinen Holzteilen auf die Tonplatte gelegt und verhindert an dieser Stelle die flächendeckend aufgetragene Glasur, die nach dem Brand als reines Weiß erscheint, während die abgedeckten Bildpartien durch die Rauchablagerung tiefschwarz werden. Wie in einer Tuschkalligrafie bleiben die schwarzen Formen vor der weißen Bildfläche stehen. Das Craquelé an den Rändern, ein innerbildlicher Rahmen, wird durch das Hinzugeben von Holzspänen erzeugt, die nur auf die Ränder der Tafel geworfen werden. Auch in Jenseits der Morgendämmerung, 2023, finden wir die angedeutete Horizontlinie, die an eine Wasserfläche, an eine Meereslandschaft denken lässt, vor welcher sich eine seltsam ungreifbare goldfarbene Erscheinung auftut, ein Farbakzent, den Kim durch den Zusatz von Eisenoxyd in der Glasur provoziert. „In dieser Arbeit habe ich ganz bewusst mit der Farbe Gold gearbeitet. Es ist die Spur eines zarten Lichts – wie das Verglimmen der Morgendämmerung, die ich irgendwann einmal erblickt habe, oder vielleicht auch nur eine Fata Morgana.

Im Februar 2022 zeigt Jaimun Kim seine Rakumalerei zum ersten Mal in der Ausstellung KOREA³ im Künstlerverein Malkasten in Düsseldorf. Eine vielbeachtete Ausstellung, zeigt sie doch die wachsende Bedeutung der koreanischen Kunstszene in NordrheinWestfalen. Seither sind die Raku-Tontafeln ein fester Bestandteil seines künstlerischen Repertoires, denn in ihnen vereint sich die Erfahrung des Keramikers mit einem bildnerischen Potenzial, das einzigartige malerische Eigenschaften und Farbwirkungen hervorbringt. Im Gespräch erläutert der Künstler bereitwillig seine Konzepte und Gedanken, die den Raku-Bildtafeln zugrunde liegen. In Anlehnung an ostasiatische Tuschemalerei reduziert er die Farbwirkung zumeist auf Schwarz und Weiß, Tonabstufungen ergeben sich durch Variationen in der Glasurkonzentration, Steuerung der Pinselbewegung beim Auftrag der Glasur, durch

[9] Jenseits der Morgendämmerung, 2023, Raku auf Tontafel, 40 x 60 x 3 cm. [10] Die Schwelle des Wassers, 2026, Raku auf Tontafel, 40 x 60 x 3 cm.

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In der Natur gibt es Zeiten und Räume, die unweigerlich existieren, auch wenn sie sich unserem Blick entziehen. Genauso verhält es sich mit uns Menschen. Das innere Selbst, das wir so mühsam hinter unserer sichtbaren Fassade verbergen, bricht oft in den unbeabsichtigten Momenten hervor. Da wir Menschen Teil der Natur sind, atmet auch in unserem Inneren etwas, das ‚jenseits der Zeit, hinter all den Räumen‘ liegt. Für mich verkörpert dieses Gold jenes verborgene Innere, ein unsichtbares Fragment der Natur“ – in seinem Kommentar zu Jenseits der Morgendämmerung lässt Jaimun Kim den Betrachter teilhaben an der Vielschichtigkeit und an der metaphysischen Tiefe seiner künstlerischen Konzeption. Im Mai 2026 zeigt Jaimun Kim eine Auswahl seiner neuesten Raku-Malereien und zwei Wandinstallationen mit Tonobjekten im ViVi-Kunstverein in Dorsten. Auf beeindruckende Weise belegen diese neuen Arbeiten die Experimentierfreude und Meisterschaft des Künstlers, in der Auseinandersetzung mit den elementaren Kräften der Natur – Erde, Feuer, Luft und Wasser – auf den begrenzten Bildflächen seiner Tontafeln einen schier unbegrenzten Kosmos von Natur- und Landschaftsformen hervorzubringen. Im Prozess des Platzierens von Steinen, von Holz und Sägemehl und durch das Aufsprühen von Glasuren auf die glühenden Tonplatten lässt er assoziative Bildwelten entstehen, die Zufall, Unvorhergesehenes und Komposition, geplante Bildwirkung auf eine Weise vereinen, die nur mit dem Medium Raku zu erreichen ist. Jaimun Kim nennt dies einen „harmonischen Dialog mit dem Zufall“. Sein Werk Die Schwelle des Wassers, 2026, ist aus einem solchen gesteuerten Dialog mit letztlich nie vollständig kontrollierbaren Prozessen hervorgegangen. Der Künstler beschreibt das in vielfachen Abstufungen von Schwarz, Grau und Weiß angelegte Bildgeschehen als eine sumpfige Waldlandschaft: „Die vollkommen reglose, transparente Wasseroberfläche spiegelt die Gestalt der dicht stehenden Bäume und des Waldes wider und erweitert so die reale Welt bis unter den Spiegel des Wassers. Doch dieses klare Wasser ist kein erstarrter Stillstand. Es erweckt zwar den Anschein vollkommener Ruhe, fließt jedoch unter der Oberfläche

Natur ist für Jaimun Kim niemals etwas Stillstehendes, Festes, endgültig Geformtes, sondern immer ein Prozess …

[11] Jenseits der Grenze II, 2024, Raku auf Tontafel, 60 x 40 x 3 cm.

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unsichtbar und unablässig irgendwohin.“ Natur ist für Jaimun Kim niemals etwas Stillstehendes, Festes, endgültig Geformtes, sondern immer ein Prozess und so sind seine Landschaftsassoziationen auch offene und poetische Sehangebote für uns Betrachter, sinnliche Modelle für ein Verständnis von Natur und Leben. Die Wandarbeit Stille von unerschütterlicher Tiefe besteht aus ca. 270 im Raku-Verfahren gebrannten Tonblumen, die über die gesamte Wandfläche verteilt sind. Es sind verwelkte Blumen dargestellt, eine jede individuell gestaltet und platziert. Die Bedeutung eines Vanitas-Stilllebens liegt nahe, doch Jaimun Kims Intention ist eine andere: „Verwelkte Blumen und trockene Blätter stehen gewöhnlich für Vergänglichkeit oder Auflösung. Ich empfand darin jedoch eine wesentliche Stille und eine verdichtete

Lebendigkeit, die selbst nach dem Vergehen der Zeit bestehen bleiben. Gerade in den verwelkenden Formen spürte ich eine innere Festigkeit und tiefe Ruhe – diesen Eindruck wollte ich ausdrücken.“ Der Keramik-Künstler Jaimun Kim bringt sich mit seinen unverwechselbaren Werken in den zeitgenössischen Kunstdiskurs ein, auf eine eher stille und zurückhaltende Weise, die umso nachhaltiger wirkt. Die Begegnung mit ihm in seinem „Haus der Kunst Enniger“ hinterlässt den Eindruck eines in sich ruhenden Menschen und eines künstlerischen Schaffens, das fernöstliches Denken mit zeitgenössischen westlichen Ausdrucksformen in einem sensiblen Gleichgewicht hält.#

[12] Stille von unerschütterlicher Tiefe, 2026, Wandinstallation mit Tonobjekten, ca. 200 x 500 cm, Foto: Wolfgang Schäfer.

Sepp Hiekisch-Picard

Porträt | Jaimun Kim | 19

Jaimun Kim

2021

„Im Garten gelandet“, Haus der Kunst Enniger e.V., Ennigerloh „Neue Blicke“, Historischer Bahnhof, Neubeckum

1962

geboren in Seoul, Südkorea

1982–89

Studium der Keramik an der Hongik Universität in Seoul / Korea

„Visionen 2021. Kunst trifft Schaufenster“, Havixbeck 2022

„Korea³“, Künstlerverein Malkasten e.V., Düsseldorf

1993

Studium an der Kunstakademie Münster bei Prof. Joachim Bandau

„Zukunft zu Kunst“, Museum Abtei Liesborn, Wadersloh-Liesborn

1998

Meisterschüler von Prof. Joachim Bandau

„Blickpunkte“, Haus Kump, Münster

2000

Akademiebrief

seit 2010 Mitglied im Westdeutschen Künstlerbund e.V.

2023

„Blickfelder", Westdeutscher Künstlerbund e.V., Museum Goch

seit 2016

Mitglied im Kreiskunstverein Beckum-Warendorf e.V.

„Kunst für Vier“, Vier-Jahreszeiten-Park, Oelde

2016

Gründung des Freundeskreises Haus der Kunst Enniger e.V.

„Beyond – Darüber hinaus“, 11. Windkunstfestival, Wolfhagen

Mitglied in der Arbeitsgemeinschaft Angewandte Kunst Münster e.V.

„Blickpunkte“, Haus Kump, Münster

seit 2017

„Winterausstellung“, Stadtmuseum Beckum, Beckum

2024 „5. Siegburger Keramikpreis“, Stadtmuseum, Siegburg „Kunst am Rand“, Open-Air-Ausstellung, Münster-Kinderhaus „Hier und Jetzt“, Gustav-Lübcke-Museum, Hamm

Einzelausstellungen (Auswahl) 1996

„Opfergabe“, Performance, Rishikesh, Indien

2000 „Durchsichten“, Galerie Annelie Brusten, Wuppertal

„Blickpunkte“, Haus Kump, Münster 2025

„Keramik 5 Positionen“, Haus der Kunst Enniger, Ennigerloh

2009 „Ton Fall“, Installation, Robert Koepke Haus, Schwalenberg 2011

„Quelle“, Galerie Januar, Bochum

2018

„Erinnerungen der Natur“, L.B. Bohle, Ennigerloh

2026

„Erinnerungen der Natur“, no cube, Münster

„Linien“, Haus der Kunst Enniger, Ennigerloh „Kleinklein“, Westdeutscher Künstlerbund e.V., „Märkisches Museum, Witten „Erde Wasser Feuer Luft“; Haus der Kunst Enniger, Ennigerloh „Winterausstellung“, Stadtmuseum Beckum, Beckum

„Erinnerungen an die Natur“, Kunstverein Virtuell-Visuell e.V., Dorsten

„Von Herzen“, HDZ Oeynhausen, Oeynhausen 2026

„Treffen in Enniger“, Haus der Kunst Enniger, Ennigerloh „Die Grosse“ Kunstausstellung NRW, Kunstpalast, Düsseldorf

Ausstellungsbeteiligungen seit 2019 2019

„Grenzen“; Museum Abtei Liesborn, Wadersloh-Liesborn „Sicht Weiten“; Osthaus Museum, Hagen „Lichtecht“, Dr. Carl Dörken Galerie, Herdecke „Blickpunkte“, Haus Kump, Münster

2020 „Erdenschwer & Federleicht“, Galerie Münsterland e.V., Emsdetten

Kontakt Hauptstr. 66, 59320 Ennigerloh-Enniger tigermun29@hotmail.com

„Lehrstücke“, Schloss Brake, Lemgo

www.jaimun-kim.com

„Transparenz und Dichte“; Flottmann Hallen, Herne

hausderkunst-enniger.com

20 | Thema | J. J. Winckelmann

Er brachte die Antike in Mode Die erstaunliche Karriere des Johann Joachim Winckelmann

„Der einzige Weg für uns, groß, ja, wenn es möglich ist, unnachahmlich zu werden, ist die Nachahmung der Alten.“ 1

Wer Griechenland sagte, meinte Winckelmann, wer Winckelmann sagte, meinte Griechenland: im späten 18. Jahrhundert und noch weit ins folgende hinein. Eine solche Bedeutung freilich war dem Sohn eines Schusters, wie man so sagt, keineswegs an der Wiege gesungen worden: Eine europaweit gefragte und vielzitierte Autorität in Kunst- und, noch erstaunlicher, in allgemeineren Geschmacksfragen – weit hinaus über sein so jähes wie schreckliches Ende.

Der Schulmeister Aber der Reihe nach: Am 9. Dezember 1717 wird Johann Joachim Winckelmann im altmärkischen Stendal geboren, in sehr bescheidenen Verhältnissen mit entsprechend geringen Bildungsmöglichkeiten. Es gelingt dem jungen Mann jedoch, der Ausbildung in der väterlichen Werkstatt zu entrinnen und durch Protektion

Zugang zur Lateinschule und zur höheren Bildung überhaupt zu bekommen. Der Weg aus der kleinen Stadt in den Elbauen ist mühsam. Winckelmann besitzt brennendem Ehrgeiz, die Abhängigkeit von Förderern ist niederdrückend. Aber ein wenig versnobt ist er schon: Dem Stendaler Rat, mit seinen biederen Handwerkren und Kaufleuten, trägt er die Bitte um Unterstützung in stilechtem Latein vor … Für mittellose junge Leute ist der einzig gangbare Weg zur universitären Bildung das Studium der Theologie (der preußische Staat versorgt sich so mit Nachwuchs für das Predigeramt). Nach zwei Jahren bricht Winkelmann ab, diverse Hauslehrerstellen folgen, schließlich eine Stippvisite im Fach Medizin. Eine gewisse Konsolidierung bedeutet die Tätigkeit als Konrektor einer Lateinschule in Seehausen an der Elbe. Auch hier macht sich der junge Pädagoge unbeliebt; während der Sonntagspredigt pflegt er unter den Bank Homer zu lesen. Und zwar im Original: Tatsächlich scheint Winckelmann nicht unbedingt ein besonders

[1] Anton von Maron (1731–1808), Porträt Johann Joachim Winckelmann, Öl auf Leinwand, 1768, Schloss Weimar, Klassik Stiftung Weimar, Museen, Inv.-Nr.: G 70, Foto: Alexander Burzik.

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guter Lateiner gewesen zu sein, besitzt dafür aber herausragendes Verständnis des Griechischen, was sich noch, später in Rom, als Vorteil erweisen wird. Er vertieft sich im Selbststudium in die attischen Tragiker und Geschichtsschreiber, vor allem aber in Ilias und Odyssee als Quintessenz von Dichtung schlechthin. Die langen Jahre in vielfach wechselnden Orten und Okkupationen – Vorgesetzte kritisieren ihn als störrisch und unstet – erlebt Winckelmann als Sklaverei. Demütigend allein schon, „nach schulmeisterlicher Art in schwarze Lappen gehüllt“ herumzulaufen.2 Trotz knapper Kasse kauft er, gelegentlich eines Ausflugs nach Leipzig, einen ordentlichen Anzug, um auch „unter feinen Leuten“3 sich sehen lassen zu können. Trost sind nur die in Eigenregie betriebenen, so ausgreifenden wie unsystematischen philosophischen, historischen und altsprachlichen Studien. Hinzu kommen erste Exkurse in praktischer Archäologie, wenn er mit seinen Schülern die steinzeitlichen Megalithgräber der Umgebung

untersucht. Wo wir gerade bei den erfreulichen Gefühlen sind: Lebenslang für Winckelmann von größter Wichtigkeit sind Freundschaften. Das können solche zu Studienkollegen oder Büchernarren gleich ihm selbst sein, später zu Künstlern und Kunstsammlern. Wir begegnen in Briefen – Winckelmann ist ein exzessiver Briefschreiber – einer emotionalen Emphase, die uns heute befremdlich erscheint, die aber seine Persönlichkeit in einem zentralen Punkte beleuchtet. Und die sich später, transformiert, auch in seinen Schriften zur Kunst wiederfindet. „Die leidenschaftliche Erfüllung liebevoller Pflichten, die Wonne der Unzertrennlichkeit, die Hingebung eines für den anderen, die ausgesprochene Bestimmung für das ganze Leben, die notwendige Begleitung in den Tod setzen uns bei Verbindung zweier Jünglinge in Erstaunen, ja, man fühlt sich beschämt, wenn uns Dichter, Geschichtsschreiber, Philosophen, Redner mit Fabeln, Ereignissen,

[2] Winckelmann-Museum, Stendal, Foto: Alamy / imageBROKER / Michael Nitzschk.

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Gefühlen, Gesinnungen solchen Inhalts und Gehaltes überhäufen. Zu einer Freundschaft dieser Art fühlte Winckelmann sich geboren, derselben nicht allein fähig, sondern auch im höchsten Grade bedürftig. Er empfand sein eigenes Selbst nur unter der Form der Freundschaft, er erkannte sich nur unter dem Bilde des durch einen Dritten zu vollendenden Ganzen.“ Diese ihrerseits einfühlende und empathische Beschreibung findet sich in einer der wichtigsten zeitgenössischen Quellen zu Winckelmann, Goethes Winckelmann und sein Jahrhundert (1805).4 Der Weimarer Dichter lässt in seinen Skizzen zu einer Beschreibung Winckelmanns schon die griechische Antike anklingen, zu der auch der pädagogische Eros gehöre, welcher den Lehrer mit dem Schüler verbinde. Goethe geht allerdings nicht weiter ein auf eine denkbare direkte, homoerotische Dimension – des jüngeren Winckelmann oder des reifen römischen.

Eine Idee keimt langsam: Könnte er nicht für ein breiteres Publikum, bürgerliche Kunstfreunde beispielsweise, über Kunst schreiben – und so ein freier Autor werden? „Unterdessen ist mir ein Strahl von Hoffnung aufgegangen … Mein gutes Glück hat mir einen zuverlässigen Weg gezeiget, einen mir gleich anfänglich anständigen und allmählich reichlichen Unterhalt zu verschaffen … Es gründet sich dieses Glück auf gar kein Engagement, auf gar keine Arbeit, die nicht nach meinem Geschmack ist, sondern ich finde es auf einem Wege (…), auf welchem mir Freiheit und Freundschaft die Hände reichen“ 5 Diese Briefstelle (an einen Freund vom Januar 1755) findet sich in der bedeutendsten und ergiebigsten Publikation zu Winckelmann: des rheinländischen Philosophen und Kunsthistorikers Carl Justi dreibändiger Biografie Winckelmann und seine Zeitgenossen (1866–72). Der Umfang von 1.500 Seiten mag erst einmal abschrecken, aber wir haben hier ein wunderbares Beispiel für eine deutsche Gelehrtenprosa, die profunde Sachkenntnis mit literarischer Qualität, gar Sprachschönheit, verbindet.

Neugeburt in Dresden Zurück zur Biografie unseres Helden: Eine Wende in der schulmeisterlichen Misere zeichnet sich schließlich 1748 ab durch den Kontakt zum Reichsgrafen von Bünau, dessen Bibliothek im Schloss Nöthnitz bei Dresden zu den umfangreichsten (über 42.000 Bände) im Lande gehört. Der Diplomat und Historiker macht Winckelmann zu seinem Bibliothekar, zu dessen Obliegenheiten Vorarbeiten zu Bünaus geplantem (aber nie vollendeten) Werk zur deutschen Reichsgeschichte gehören. Der Bibliothekar kann, trotz der „über dem Leben der Heiligen verlorenen Tage“, in freien Stunden private Studien treiben. Winckelmann, vom Preußen zum Sachsen geworden, verklärt rückwirkend diese Zeit (bis 1754), tatsächlich aber setzt sie ihn doch endlich auf die Spur zu seinem eigentlichen (damals vielleicht noch unbewussten) Ziel. Bünaus Kontakte sind nützlich und ermöglichen Winckelmann den freien Zugang zur Königlichen Galerie in Dresden mit ihren mehr als 4.500 Werken, darunter Hauptstücke der italienischen Schule wie Raffaels just erworbene Sixtinische Madonna. Und dazu reichlich Antikes, Originale wie Abgüsse. Bei diesen Besuchen schult Winckelmann den Blick und entwickelt ein sicheres Gespür für bildende Kunst.

[3] Rittergut Schloß Nöthnitz, Gemeinde Bannewitz, Foto: Wikimedia Commons / Jörg Blobelt.

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Oeser (1717–1799). Die gleichaltrigen Männer wohnen in Dresden zeitweilig zusammen und es ist der Maler, Radierer und Bildhauer, der im engen Austausch – Winckelmanns Talent für Freundschaft bewährt sich hier einmal mehr – dem Büchermenschen die Welt der bildenden Kunst eröffnet, der technische Verfahren und ästhetische Konzepte vermittelt. Dass Oeser wirklich ein herausragender Lehrer gewesen sein muss, ist auch bei einem späteren Schüler zu sehen: Johann Wolfgang von Goethe!

Der Enthusiasmus erweist sich zwar als voreilig, aber in der Bünau’schen Bibliothek begegnet Winckelmann dem päpstlichen Nuntius am sächsischen Hof: Dieser Alberto Archinto macht sich erbötig, Winckelmann eine Stelle als Bibliothekar zu verschaffen – in Rom! Ein Projekt, das auch König August III. zu fördern verspricht. Winckelmann ist begeistert, trotz der dafür nötigen Konversion zum Katholizismus ... Noch in Dresden aber zündet er einen wirklichen Knaller: 1755 wird seine erste Schrift veröffentlicht, die Gedanken über die Nachahmung der Griechischen Wercke in der Malerey und Bildhauerkunst. Eine schmale Broschüre, gerade einmal 50 Seiten und in kaum 50 Exemplaren im Eigenverlag gedruckt. Die Wirkung ist dennoch enorm, der Autor wird zu einer Berühmtheit. Zu nennen ist hier noch ein wichtiger Name: Bei der überraschenden Metamorphose Winckelmanns vom Bibliothekar zur Kunstautorität nicht zu unterschätzen, ist der Einfluss von Adam Friedrich

Zurück zu Winckelmanns Gedanken über die Nachahmung. Der Autor trifft den Leser mit thesenhaft knappen, gelegentlich verblüffenden Formulierungen: Der eingangs zitierte, leicht absurd scheinende Satz, dass man nur durch Nachahmung unnachahmlich werden könne, findet sich gleich auf der zweiten Seite. Zwei eigentlich nicht zusammengehörige Momente sind eng verknüpft, das historisch deskriptive und das normative. Die besonderen Qualitäten der griechischen Kunst – und das heißt im Grunde ausschließlich der Plastik, denn Werke der Malerei sind kaum auf uns gekommen – verdankten sich den geografischen und klimatischen Faktoren, dem „sanften und reinen Himmel“, die einen durchgängig schönen Menschentypus hervorgebracht hätten, welcher „unter einem Nordischen Himmel“ schlechterdings nicht anzutreffen sei. Mehr noch: die freiheitlich-republikanische Gesellschaftsordnung habe im antiken Griechenland eine Blüte der Künste hervorgebracht, welche die aus anderen Zeiten und Zonen herrührenden Einflüsse, die „Erfindungen fremder Völcker“, erst zur Vollendung gebracht habe. Aber noch weiter, denn „Kenner (…) der Griechischen Werke finden in ihren Meister-Stücken nicht allein die schönste Natur, sondern noch mehr als Natur; das ist, gewisse Idealische Schönheiten derselben. Es handle sich um Übersteigerungen „von Bildern bloß im Verstande entworffen“.6 Winckelmann findet hymnisch preisende Worte, wenn er „Die Menschlichkeit der Griechen (…) in ihrer blühenden Freiheit“ 7 preist, die ihre Entsprechung in idealschönen Menschen bildern gefunden habe.

[4] J. J. Winckelmann, Titelblatt „Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Kunst“, 1755, Universitätsbibliothek Heidelberg, https://digi.ub.uni-heidelberg.de/diglit/winckelmann1756/0001/image,info.

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Aber was ist jetzt mit der Nachahmung? Dass sich bestimmte Kunstformen aus gewissen gesellschaftlichen, klimatischen etc. Bedingungen erklären ließen, ist ja nicht so schwer nachzuvollziehen. Dass diese Werke dann allerdings für Künstler unter ganz anderen Bedingungen Vorbildcharakter haben sollten, aber schon! Und überhaupt: Per Nachahmung zur Originalität, wie soll das gehen? Vielleicht lässt sich das Paradox auflösen, schaut man weniger auf die Resultate der Arbeit der antiken Künstler, sondern eher auf die zugrunde liegende Haltung und die eingesetzten Verfahren. Als Beispiele figurieren im zweiten Teil der Schrift die größten neuzeitlichen Künstler, Raffael vor allem, auch Michelangelo oder Poussin. Antike oder Moderne, immer kulminiert die Schönheit, das ist Winckelmanns feste Überzeugung, im Umriss der Gestalt, in dem, was die Kunstterminologie „den Contour“ nennt:

– erinnern wir uns, Winckelmann ist bei der Arbeit an dieser Schrift noch in Dresden und kennt das antike Meisterwerk nur aus Kopien und Stichen – entwickelt er schließlich den theoretischen (Doppel-)Begriff, den man bis heute mit seinem Namen verbindet. „Eine edle Einfalt, und eine stille Größe, sowohl in der Stellung als im Ausdruck“, konstatiert Winckelmann als besonderes Merkmal der griechischen Skulptur 8. Der von den Schlangen erwürgte Priester schreie keineswegs lauthals, sondern lasse im Antlitz nur stillen Schmerz spüren. Am Laokoon entzündet sich dann leidenschaftliche Diskussion. Widerspruch kommt vom Dichter Lessing: Diese Zurückhaltung läge keineswegs am griechischen Kunstverständnis, sondern an der Spezifik der Gattung Plastik. Nur in der Literatur dürfe ein Held durchaus auch einmal aus vollen Kräften schreien, nicht in der bildenden Kunst …

„Der edelste Contour vereiniget oder umschreibet alle Theile der schönsten Natur und der Idealischen Schönheiten in den Figuren der Griechen; oder er ist vielmehr der höchste Begriff in beyden.“ Merkwürdigerweise gibt es noch ein mit dem Kontur zusammenhängendes Kapitel am Schluss, in welchem der Autor, der ja nun doch wesentlich Theoretiker ist (und sein Leben lang bleibt), ganz praktische Hinweise gibt. Der berühmte „Wasserkasten“: Dieses mythische Objekt (das wahrscheinlich einem textlichen Missverständnis bei Vasari seine Existenz verdankt) soll ein mit Wasser gefüllter Behälter sein, in den der Bildhauer sein vollendetes Wachs- oder Tonmodell legt. Beim allmählichen Absenken des Flüssigkeitsniveaus über ein Ventil am Boden, würden, Schicht für Schicht, vollendete Umrisslinien sichtbar, die sodann, mithilfe exakt platzierter Lote, nur noch auf den Marmorblock zu übertragen seien. Technisch scheint das recht unsinnig, da so die Marmoroberfläche sofort bis auf die tiefste Schicht bearbeitet werden müsste, was keinerlei Material für eine finale Überarbeitung übrig ließe … So oder so, es geht dem Autor um letztgültige Perfektion der Form. Von weit größerer Bedeutung sind die Beobachtungen an einzelnen Bildwerken. Beim Laokoon

[5] Laokoon-Gruppe, Marmor, Vatikanische Museen, Antikensammlung, Foto: Wikimedia Commons.

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Die griffige Formel allerdings bleibt, die Rezeption späterer Zeiten reduziert Winckelmann gern darauf. Das lässt freilich seine Bedeutung für die deutsche Sprache aus dem Blick, denn mit seiner empathischen Ekphrasis, der Umsetzung von Werken der bildenden Kunst in sprachliche Kunstwerke, beeinflusst er die gerade zu dieser Zeit, des späten 18. Jahrhunderts, sich vollziehende Entwicklung des Deutschen zur Literatursprache; man denke nur an die bald folgende Weimarer Klassik. Winckelmanns Sprache ist sinnlich, geradezu erotisch: „Das wahre Gefühl des Schönen gleichet einem flüssigen Gipse, welche über den Kopf des Apollo gegossen wird, und denselben in allen Teilen berühret und umgiebt“.9 Dieser Enthusiasmus ist es wohl vor allem, verbunden mit der Aufforderung, selbst genau hinzusehen, die Winckelmanns Ruhm begründen. Unmittelbar auf die Publikation der Gedanken folgt eine fingierte Gegenschrift nebst deren schlagkräftiger Erwiderung, in der der Autor seinen Standpunkt noch klarer akzentuiert.

Endlich in Rom! Vor allem aber geht es jetzt, Ende 1755, endlich nach Rom! Wer eine anschaulich lebendige Vorstellung gewinnen möchte vom Kulturleben in Rom (und Neapel) zu dieser Zeit, der sei erneut auf Carl Justis großes Panorama verwiesen! Der Neuankömmling muss feststellen: „Alles ist nichts gegen Rom; ich glaubte, ich hätte Alles schon vorher studirt, und siehe, da ich hierher, kam, sah ich, daß ich Nichts wußte.“ 10 Die Atmosphäre von Kunst und Schönheit in der Ewigen Stadt ist jedenfalls ungemein inspirierend.

„Eine edle Einfalt, und eine stille Größe sowohl in der Stellung als auch im Ausdruck“ konstatierte Winckelmann als Merkmal der griechischen Skulptur.

Nach einigen Jahren bei Archinto, dem Bekannten aus Dresden, kommt Winckelmann mit dem Mann zusammen, der seinen weiteren Lebensweg bestimmt, als Arbeitgeber wie auch als persönlicher Freund: Kardinal Alessandro Albani ist leidenschaftlicher Kunstsammler und gerade dabei, sich draußen vor der Stadt, nahe der Via Salaria, eine Villa zu bauen. Bei Planung von Ausstattung und Aufstellung der Exponate ist unser Antikenfan engagierter Berater. So bringt er den römischen Freund und Dresdner Landsmann Anton Raffael Mengs ins Spiel, der 1760 im zentralen Saal das Deckenfresko Parnass, Apoll im

[6] Apoll vom Belvedere, Marmor, Vatikanische Museen, Antikensammlung, Foto: Wikimedia Commons.

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Kreise der Musen (s.a. Inhaltsverzeichnis), realisiert. Mengs Ruhm als „sächsischer Raffael“ ist heute einigermaßen verblasst, damals aber wird er gefeiert dafür, antikes „Ringen und Streben nach dem Schönen“, samt eleganter Umrisse, mit „frischblühendem Kolorit“ zu verbinden.11 Winckelmann wohnt recht gemütlich im Palazzo Albani an den Quattro Fontane, begleitet seinen Dienstherren in die Villegiatura, die Sommerfrische im Küstenort Nettuno und nach Castel Gandolfo. Überdies erfreut er sich, nach deren Fertigstellung, auch eines kleinen Appartements in der Villa. Und noch ein Erfolg: Papst Clemens XIII. ernennt Winckelmann nicht nur zum Scrittore an der Vatikanischen Bibliothek, sondern zum Commissario delle Antichità, zum Aufseher der Altertümer. Eine wichtige Position, angesichts des Interesses von Kunstfreunden aus ganz Europa am Erwerb von Altertümern: Seine Expertise ist gefragt bei der Erteilung von Ausfuhrgenehmigungen. Apropos Ausländer: Zu den dienstlichen Obliegenheiten gehört es auch, Reisende von Rang und Stand durch die Stadt und ihre unerschöpflichen (aber manchmal auch ziemlich erschöpfenden …) Kunstsammlungen zu führen. Eine Tätigkeit, die Winckelmann zunehmend auf die Nerven geht, sie stört die schriftstellerischen Ambitionen. Ein Lichtblick allerdings der

Besuch des jungen Fürsten Franz von Anhalt-Dessau, der, persönlich sehr angenehm und lernbegierig, mit seinem Architekten Erdmannsdorff Anregungen sammelt für sein späteres klassizistisch-romantisches Wörlitzer Gartenreich. Wichtigstes Projekt der römischen Jahre – immerhin sind die Gedanken, sein Erstling, schon einige Jahre alt und die wissenschaftliche Konkurrenz schläft nicht – ist ein gründlicheres Nachfolgewerk. Die Geschichte der Kunst des Alterthums erscheint 1764 und bietet erstmalig ein „System der alten Kunst“: „die Erzählung der Zeitfolge und der Veränderung in derselben“.12 Autoren wie einst Vasari im 16. Jahrhundert hatten Kunstgeschichte als Künstlergeschichte behandelt und sich dabei wesentlich auf Textmaterial gestützt. Die Geschichte der Kunst aber systematisch zu behandeln anhand der Werke, das ist neu: Der Bestand an Kunstwerken in der Tiberstadt liefert reichlich Material, zusätzliche Erkenntnisse bringen mehrere Reisen nach Neapel sowie Sizilien, auch wenn es dabei die Eifersucht der örtlichen Experten und auch sonst so manches Hindernis zu überwinden gilt. „Ich habe alles, was ich zum Beweis angeführt habe, selbst und vielmals gesehen und betrachten können“.13 Ägypter, Phönizier, Perser,

[7] Gaspar van Wittel (1653–1736), Piazza Navona, Rom, 1699, Öl auf Leinwand, 96,5 x 216 cm, Carmen Thyssen Collection, Inv. no. (CTB.1978.83), Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza, Foto: https://www.museothyssen.org/en/collection/artists/wittel-gaspar-van/piazza-navona-rome.

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Etrusker und natürlich Griechen und Römer: die mittelmeerischen Kulturen also in ihrer Bandbreite und Abfolge. Und nicht etwa die Antike! Die ethnologische und historische Zergliederung ist nur der Ausgangspunkt, geht es doch anschließend darum, den Vorrang der griechischen Kunst vor jeder anderen zu beweisen. Das geschieht im Abschnitt Vom Wesentlichen der Kunst, der, verkürzt gesagt, darauf hinausläuft, dass höchste Schönheit, gleichbedeutend mit Harmonie, nur erreichbar sei durch eine Mäßigung der Affektdarstellung (wir erinnern uns an die frühere Argumentation zum Laokoon), die raffinierte körperliche und seelische Ponderation wie etwa beim vatikanischen Apoll von

Belvedere. Dessen männlich jugendliche Schönheit ist Verkörperung des Ideals schlechthin. Diese Winckelmann’sche Vorstellung strahlt aus über ganz Europa, ihre Spuren lassen sich in unzähligen Werken ausmachen. Sie wird erst viel später ins Wanken gebracht durch Nietzsches Entdeckung der Rolle des Dionysischen in der griechischen Kultur. Winckelmann und Rom, ganz klar ein Dreamteam. Keine Frage, „wer konnte würdiger sein, die Wirkung zu fühlen, die jener große Zustand (nämlich in Rom zu sein; DB) auf eine wahrhaft empfängliche Natur hervorzubringen imstande ist. Er sieht seine Wünsche

[8] Jakob Philipp Hackert (1737–1807), Blick auf die Villa Albani in Rom, 1779, Öl auf Leinwand, 65,5 x 89 cm, Anhaltische Gemäldegalerie Dessau, Foto: Wikimeda Commons, (dort: nach Andreas Stolzenburg et al., Jakob Philipp Hackert. Europas Landschaftsmaler der Goethezeit, Ostfildern: Hatje Cantz Verlag; Weimar: Klassik Stiftung Weimar; Hamburg: Hamburger Kunsthalle, 2008, p. 146).

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erfüllt, sein Glück begründet, seine Hoffnungen überbefriedigt“, so Goethe. Noch schöner gesagt: „Verkörpert stehen seine Ideen um ihn her“, denn „Rom ist der Ort, in dem sich für uns das ganze Altertum in eins zusammenzieht“. Aber der Weimarer Dichter ist reflektiert genug, um zu sehen: „Es gehört das meiste von diesem Eindruck uns und nicht dem Gegenstande.“ 14 Und tatsächlich, wieder finden wir den Widerspruch zwischen Winckelmanns nüchterner Periodisierung und seiner normativen Emphase zugunsten der Griechen. Es ist schon merkwürdig, Winckelmann ist ausgerechnet in Rom zum Griechen geworden! Die römische Kunst scheint ihm nur minderwertige Imitation zu sein. Eine Einschätzung, die inzwischen ins Wanken gekommen ist, zumal sich auch viele Werke, die Winckelmann nach dem seinerzeitigen Kenntnisstand für griechische Originale hält, als römische Nachschöpfungen erwiesen haben.

„Alles ist nichts gegen Rom; ich glaubte, ich hätte Alles schon vorher studirt, und siehe, da ich hierher kam, sah ich, daß ich Nichts wusste.“ J. J. Winckelmann

Aber abgesehen von der Archäologie, Winckelmanns Bewertung ist nicht zuletzt auch politisch gefärbt, verbindet man damals doch das Römische mit der auch in Deutschland dominanten französischen Hofkultur, wogegen die Griechen zu assoziieren wären mit Freiheit und Demokratie. Dass deren Gesellschaft ökonomisch wesentlich auf Sklavenarbeit beruht und insofern von „Freiheit“ in unserem Sinne nicht die Rede sein kann, spielt keine Rolle: Griechenland ist eine Utopie! Eine, die gerade in Deutschland sehr wirkmächtig wird, verfolgt man den Weg des Topos Hellas von Winckelmann über Goethe, die Weimarer Klassik bis hin zu Hölderlin, dessen Hyperion einen strahlenden Abschluss bildet: „Ich bin jetzt alle Morgen auf den Höhn des Korinthischen Isthmus, und (es DB) fliegt meine Seele oft hin und her zwischen den Meeren, die zur Rechten und zur Linken meinen glühenden Bergen die Füße kühlen.“ 15 Dass der enthusiasmierte Tübinger Sänger einer verjüngten Menschheit nun keineswegs leibhaftig nach Griechenland reist, ebenso wenig wie Goethe und Winckelmann (die jedoch beide immerhin mit dem Gedanken gespielt hatten), das ist kein Zufall. Noch ein Missverständnis: Anderthalb Jahrhunderte hat die Rezeption Winckelmann mit der Vorstellung einer „Weißen Antike“ verbunden, einer

[9] Palazzo Albani del Drago (Quattro Fontane), Rom, Foto: Alamy / directphoto.bz.

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Bildhauerkunst aus schimmerndem parischen Marmor. In seinen amtlichen Funktionen ist unser römischer Experte mehr als einmal persönlich zugegen bei der Auffindung antiker Bildwerke und da fallen ihm schon Reste von Farbigkeit auf deren Oberfläche auf – dies widerspricht jedoch so sehr seiner Auffassung von Antike als Idealschönheit, dass er dies nur primitiven Frühphasen zurechnen mag. Winckelmann prägt damit die zeitgenössische Bildhauerei bis mindestens zur Mitte des 19. Jahrhunderts. Das freilich erlebt er nicht mehr. Am 18. Juni 1768, „beängstet“ 16 auf dem Rückweg von einer merkwürdig überschatteten Deutschlandreise, die er in Wien plötzlich abbricht, wird Winckelmann

in Triest im Hotel von einem Zimmernachbarn ermordet. Vermutlich aus Habgier, weil der Gelehrte unbedacht wertvolle Medaillen, Geschenke der österreichischen Kaiserin, gezeigt hatte. „So war er denn auf der höchsten Stufe des Glücks, das er sich nur hätte wünschen dürfen, aus der Welt verschwunden“, resümiert Goethe das abrupte Ende, das ihn, wie viele Zeitgenossen, tief erschüttert. Der Mörder wird alsbald verurteilt – die eigentümliche Geschichte aber, bei der sich trefflich spekulieren lässt über mögliche Motivationen, lebt weiter. Im 19. Jahrhundert und sehr auffällig dann nach dem Ersten Weltkrieg – seine Theorien waren längst obsolet geworden – gibt es eine förmliche Welle von Erzählungen zu Winckelmanns

[10] Giovanni Battista Piranesi (1720–1778), Veduta degli Avanzi del Tablino della Casa Aurea di Nerone, Detti Volgarmente il Tempio Della Pace, 1748–1774, Radierung, 54,3 x 78,4 cm, Vedute die Roma, Tomo II, tav. 18, Foto: Wikimedia Commons.

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Ende. Und noch 2007 macht Hans Joachim Schädlich das Geschehen zum Mittelstück seiner Todes-Trilogie Vorbei. Johann Joachim Winckelmann, der Vater des Klassizismus, war ein Wissenschaftler, dessen Forschungsergebnisse von der Zeit, wie es zu gehen pflegt, überholt wurden – mit seinem überschäumend sprachmächtigen, gelegentlich vorschnellen Enthusiasmus aber war er, lange bevor solche Begriffe aufkamen, ein mitreißender Tastemaker!# Dieter Begemann

Mit seiner Betonung der Dominanz der griechischen Kunst gerät Winckelmann in Konflikt mit dem überzeugten Römer Piranesi.

1 Johann Joachim Winckelmann: Gedanken über die Nachahmung der Griechischen Wercke in der Mahlerey und Bildhauerkunst, (Hrsg. Max Kunze), Stuttgart (Reclam) 2013, S. 10. 2 Winckelmann: Briefe, Band 1, S.80; zit. nach Patrick Peters: Johann Joachim Winckelmann. Einführung, Essen 2021 (Oldib Verlag), S. 26. 3 Ebda. 4 Johann Wolfgang von Goethe: Winckelmann und sein Jahrhundert in Briefen und Aufsätzen, Leipzig (VEB Seemann Verlag) 1969, S. 212f. 5 Winckelmann, zit nach: Carl Justi: Winckelmann und seine Zeitgenossen, Köln (Phaidon), 1956, Bd. 1, S. 247. 6 Alle Zitate dieses Abschnitts: Winckelmann: Gedanken, S. 9–11. 7 Ebda., S. 16. 8 Die Zitate: ebda., S. 23–27. 9 Winckelmann: Kleine Schriften, zit. nach Ulrich Raulf: Wie es euch gefällt. Eine Geschichte des Geschmacks, München (C. H. Beck) 2025, S. 65. 10 Winckelmann, zit. nach Peters a.a.O., S. 36. 11 Karl Ludwig Fernow, in: Goethe: Winckelmann und sein Jahrhundert, a.a.O., S. 160. 12 Winckelmann: Geschichte der Kunst des Altertums, zit. nach Kindlers Neues Literaturlexikon, 1988/1998, Bd. 17, S. 741. 13 Ebda. 14 Goethe, Winckelmann und sein Jahrhundert, a.a.O., S.216f. 15 Friedrich Hölderlin, Hyperion, in: Hölderlin: Werke in einem Band (Hrsg. Anton Brieger) Bergland Klassiker, o. J., S.438. 16 Goethe: Winckelmann und sein Jahrhundert, a.a.O., S. 231.

[11] Anton Raphael Mengs (1728–1779), Johann Joachim Winckelmann, ca. 1777, Öl auf Leinwand, 63,5 x 49,2 cm, New York, Metropolitan Museum of Art, Harris Brisbane Dick Fund, 1948, Foto: Wikimedia Commens.

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Voller Strahlkraft Wandmalerei auf Gips

Eine Wand ist eine Wand ist eine Wand … Diese flapsig-dadaistische Feststellung, sehr frei nach Kurt Schwitters und Gertrude Stein, ist banal, beschäftigt uns aber alle Tage. Abgesehen von der professionellen Gestaltung von Wänden, wie sie in Interieur-Zeitschriften und Designermöbel-Katalogen zu sehen ist: Wie viele Wohnungen strahlen trotz angenehmer Räume und flotter Möblierung eine gewisse Eintönigkeit und ein vielfaches Déjà-vu aus? Oft hört bei der Wand der Einfallsreichtum auf: Man sieht die Möbel dort stehen, sieht die leere Wand und grübelt: „Was könnte man dort aufhängen?“ Am Ende landet dann ein Poster im Rahmen oder zwei nebeneinander über dem Sessel oder Sofa und es sieht schließlich auch ganz nett aus … Natürlich gibt es vielfache andere Möglichkeiten der Wandbestückung und Gestaltung (der Hängung, der Bildgrößenkompostion, der seriellen An-

ordnung), doch lohnt der Blick auf einen ganz anderen Weg, einen Weg, der kreativer und doch so einfach ist: den der bemalten, vergipsten Wand! Tatsächlich gelten Wandmalereien als eine der ersten Kulturleistungen der menschlichen Geschichte – die Höhlen von Lascaux in Frankreich oder Monte Castillo in Spanien sind beredte Zeugnisse dafür. Die alten Ägypter statteten nicht nur Grabkammern, sondern auch Paläste mit Wandmalereien aus. Wer es sich leisten konnte, ließ im antiken Rom seine Häuser dergestalt schmücken. Über die Jahrhunderte hinweg etablierte sich die Wandmalerei, bis sie in der Renaissance zu einer erneuten Blüte fand: Ob häufiger in Fresco- und seltener in Seccotechnik (also auf den feuchten oder schon trockenen Putz gemalt) – solche berühmten Beispiele ziehen heute Scharen von Touristen in ihren Bann.

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Wer Wandmalerei in seine eigenen vier Wände holen möchte, braucht nur wenige Zutaten: einige Stunden Zeit, Pinsel und Spachtel, Farben oder Pigmente, einen Sack Gips und genügend Fantasie. Wohnt man zur Miete, wäre anzuraten, im Vorfeld eine Genehmigung des Vermieters einzuholen (verbunden mit dem Hinweis, dass sich das Ganze leicht und problemlos wieder abschleifen lässt, bis eine glatte weiße Wand zurückbleibt).

renden Kosten sind gering (wenn man von etwas Muskelkater vom großflächigen Spachteln absehen kann), dafür scheinen die Möglichkeiten schier endlos: Ob ein quadratmetergroßes Werk, ein Fries aus mehreren kleinen Flächen, ein riesiger Kreis oder eine eher pastorale Landschaft an der Wand gewünscht sind – die hier vorgestellten Wandmalereien lassen sich in etwa an einem Wochenende realisieren.

Mancher wird sich fragen, warum die Malerei erst einen Gipsgrund bekommt, da auf den Feinputz einer Wand ebenso gemalt werden kann. Die Antworten sind ebenso simpel wie überzeugend: Gips bildet im Vergleich eine ebene, glatte weiße Fläche und haftet auf nahezu jedem trockenen und fettfreien Grund. Zudem ist Gips extrem saugfähig, sodass nur ein Minimum an Farbe verwendet werden muss. Darüber hinaus ist die Malerei reversibel, sprich: schnell wieder abgenommen. Die zu investie-

Die bemalte Gipswand ist hochbeständig und mit lichtechten Pigmenten in aller Frische von Dauer. Leicht und duftig präsentieren sich hier Farbwolken auf der weißen Fläche, die sich vom orangefarbenen Auftrag in dünner Gouachefarbe hin zu Türkis in wassergelöstem Pigment und Gelb entwickelt. Gerade an diesem Beispiel wird deutlich, welch wichtiger Faktor der verdünnten Farbe zukommt: Wird zu opak gearbeitet, verliert der Gips seine Strahlkraft.

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Mitten im Blau Die Wandmalerei auf blauer, komplett vergipster Wand hingegen ist eine freie, nur auf Farb- und dekorative Wirkung angelegte Arbeit. Die Wand wurde mit einem Gipsauftrag versehen und der „Rahmen“ der Malerei mit breitem Klebeband sorgfältig abgeklebt. Die Malerei selbst wurde mit leichten Kohlestrichen skizzenhaft angelegt, um Volumina und Flächen zu definieren. Das kombinierte, anschließende Scratching holt zusätzliches Licht in die Flächen und macht das Ganze lebendiger. Zum Abschluss wurde die gesamte restliche Wand blau gestrichen.

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Einmal angefangen, erschließen sich die zahlreichen Perspektiven, die Wandmalerei auf Gips bietet: Ob die Wand vollkommen glatt geschliffen ist oder die Pinsel- und Spachtelzüge ihre eigene Struktur entfalten, ob unter einer Schicht schwarzer Farbe mit viel Fingerspitzengefühl farbige und schließlich weiße Schichten durch Scratching hervorgebracht werden, ob das Ganze durch anschließendes Überschleifen und Sichtbar-Werden der einzelnen Farbschichten besonderen Charakter gewinnt – es gibt viele Möglichkeiten zu entdecken!

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Eventuelle Sorgen, Fehler zu machen, sind bei der Wandmalerei auf Gips vollkommen unbegründet. Scheint etwas nicht gelungen, kann der Gips durch leichtes Abreiben von dünnen Farbschichten befreit werden. Ebenso können Risse, kleine Löcher, abgeplatzte Stellen oder missliebige Flächen jederzeit wieder dünn mit frischem Gips überspachtelt oder überpinselt werden. Und eine neue, dünne Gipsschicht stellt sowieso die Zeichen wieder auf Anfang – dann kann die Entdeckungsreise der Wandmalerei auf Gips noch einmal neu beginnen. Malerei, Realisation, Fotografie: Ina Riepe Text: Ina Riepe, Sabine Burbaum-Machert

(Zu den technischen Aspekten der Wandmalerei auf Gips s. S. 46)

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Materialpolitik Silbersee: Im Kippmoment des Wassers Annett Stenzels fotografische Installationen

Mein aktuelles Werk A Mythology of the Silbersee entsteht aus der Verbindung von fotografischer Recherche, Eingriff und einer installativen, materialbezogenen Praxis. Ausgangspunkt sind Spaziergänge und fotografische Erkundungen des Nürnberger Silbersees. Die entstehenden Fotografien werden nicht ausschließlich dokumentarisch eingesetzt, sondern inszeniert in ein Narrativ überführt. Fotografie wird hier als Werkzeug des Eingreifens verstanden: Sie verändert, verdichtet und erweitert die gesammelten Beobachtungen, Geschichten und Erinnerungen. Im Zentrum der Installation steht die Fotografie in unterschiedlichen Formen der Präsentation. Fotografische Arbeiten werden als Fine-Art-Prints auf Hahnemühle Baryta Photopapier ausgearbeitet, ohne Glas oder mit mattem Acrylglas gerahmt präsentiert, sodass das Material spürbar bleibt oder entfremdet wirkt. Weitere Arbeiten werden auf Naturfaser-Papier Hemp, Reis- bzw. Japanpapier und transparentem Stoff im Druckverfahren erprobt. Hemp besitzt zugleich Leuchtkraft und Mattheit. Stoff greift die Erscheinung und Beweglichkeit von Wasser auf, lässt die fotografischen Motive zwischen Sichtbarkeit, Überlagerung und Auflösung erscheinen. Transparenz, Licht und Bewegung werden dabei zu wesentlichen Bestandteilen der fotografischen Präsentation. Malerei auf Malpaletten und Leinwänden, in an Schwefel angelehnten Gelbtönen in Öl, Acryl und Aquarell, auf dem Boden installiert, greift den Kippmoment des Gewässers auf. Annett Stenzel, geboren in Wolfen, lebt und arbeitet in Nürnberg www.annettstenzel.de Foto: Marion Hammer, VG Bild-Kunst, Bonn 2026 / Marion Hammer.

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Die verschiedenen fotografischen und materiellen Ebenen verweisen auf die widersprüchlichen Bedeutungen des Silbersees: Landschaft und Giftstoff, Erholungsort und Gefahrenzone, historische Realität und lokale Erzählung. Die Installation eröffnet zur dokumentarischen Ordnung einen offenen Erfahrungsraum, in dem sich Fotografien, Transparenz, Licht, Malerei und räumliche Anordnung gegenseitig beeinflussen. A Mythology of the Silbersee versteht den See als konkreten geografischen Ort und Speicher von Geschichten, Projektionen und gesellschaftlichen Erinnerungen.# Annett Stenzel

Der Werkzyklus ist im Kunstverein Kohlenhof in Nürnberg vom 28. November bis 19. Dezember 2026 in der Ausstellung „Groundes. A Mythology of the Silverlake / Lines of History“ zu sehen. www.kunstvereinkohlenhof.de

Annett Stenzel, A Mythology of the Silverlake (Detail aus der Installation), Fotografie, Baryta, 40 x 60 cm, gerahmt, 2026, Werk und Werkfotografie: VG Bild-Kunst, Bonn 2026 / Annett Stenzel.

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Spinnen, Weben, Sticken – aber Stricken? Darstellungen des Strickens in der Bildenden Kunst

Stricken gehört heute zur „Handarbeit“, wie man es bestenfalls in der Schule lernt – inzwischen allerdings meist als „Werken“ bezeichnet – und dann möglichst schnell wieder vergisst. Es gibt allerdings auch passionierte Stricker*innen, die mit Garn und Nadel die tollsten Dinge stricken können. Pullover, Kleider, Jacken, Mützen, Handschuhe, Schals … und Kunstwerke. Die fallen dann aber eher unter den Begriff des „textilen Gestaltens“. Das klingt ja auch besser. Doch auch das Stricken ist eine Kulturtechnik, die es schon seit geraumer Zeit gibt. Wie lange genau, lässt sich nicht bestimmen, da Wolle verrottet, sich also nicht unbedingt Stücke aus der Frühzeit des Strickens erhalten haben. Doch wissen wir, dass schon früh gesponnen und gewebt wurde. Ariadne gab Theseus ein Wollknäuel mit ins Labyrinth, damit er wieder hinausfände, wenn er denn den Minotaurus besiegt hätte – und es gelang. Penelope trennte jede Nacht das mühsam Gewebte wieder auf, um sich die Freier vom Halse zu halten, und die hochmütige Weberin Arachne endete als Spinne. Die Moiren, die Schicksalsgöttinnen, spinnen den Lebensfaden eines jeden Menschen und bestimmen, wann er gekappt wird. Hier kommen Spindeln und Webstühle zum Einsatz, aber keine Stricknadeln. Vermutlich ist das Stricken eine orientalische Erfindung, die dann über die Mauren in Spanien nach Europa gelangte. Bereits im 13. Jahrhundert sind erste Zünfte der Stricker nachgewiesen. Das war damals ein hauptsächlich männlicher Beruf. Und dennoch zeigen die ersten Darstellungen aus dem 14. Jahrhundert eine strickende Maria, mal als thronende Muttergottes, mal als Maria der Demut, die auf dem Boden sitzt. Einer Legende nach

war Maria durchaus tätig. Sie spann Wolle, stickte und fertigte das Gewand für ihren Sohn – und einige der Maler stellten sie dabei strickend dar wie Ambrogio Lorenzetti (um 1290–um 1348)1 oder Tomaso da Modena (1325/26–1379). Auf dem kleinen Tragaltar, der wohl um 1345 entstand, befinden sich im mittleren Register drei Darstellungen der auf einem prächtigen Stuhl sitzenden Muttergottes [1]. Links liest sie in einem Buch, in der Mitte stillt sie ihren Sohn und rechts strickt sie für ihn ein Gewand. Auch wenn man wohl auch aufgrund des schlechten Erhaltungszustandes nur die zwei Nadeln erahnen kann, mit denen Maria strickt – die Handhaltung ist eindeutig –, so scheint es sich dabei wohl doch um ein Fünf-Nadel-Spiel zu handeln, denn das erkennbare Ergebnis ist ein runder Schlauch, der vielleicht ein Hemd werden soll. Interessant dabei ist auch, dass Tomaso ein Schüler von Vitale da Bologna (um 1310–1359/61) war, der ebenfalls eine „Madonna operosa“, eine arbeitende Maria malte, wobei aufgrund der Darstellung nicht ganz klar ist, ob sie stickt oder strickt.2 Die Meinungen darüber gehen auseinander, der offizielle Titel ist der einer stickenden Madonna, obwohl sich in dem gemusterten Stück eine Strick(?)-Nadel befindet. Auch wenn die strickende Madonna eine seltene Form der Darstellung blieb, war sie auch bald nördlich der Alpen zu finden. Prominentes Beispiel ist ein Detail aus dem sogenannten Buxtehuder Altar von Bertram von Minden (um 1340–1414/15) und seiner Werkstatt, der um 1390/1415 für ein Frauenkloster geschaffen wurde. Seit 1905 befindet er sich als Dauerleihgabe des Kirchenvorstands der Gemeinde Sankt Petri in Buxtehude in der Hamburger Kunsthalle. Er zeigt in 18 Bildern das Leben Mariens, be-

[1] Tommaso da Modena, (1345–1375 aktiv), Altarolo (Tragaltar für den privaten Gebrauch mit drei Registern), um 1345, Tempera auf Holz, 114,5 x 46 cm, hier: Rechter Teil des Mittelteils mit drei Mariendarstellungen, lesend, Kind säugend, strickend, Bologna, Pinacoteca Nazionale, Foto: Wikimedia Commons.

ginnend mit den Geschichten vor ihrer Geburt bis zu ihrem Tod. Dabei zeigen die Innentafeln die eigentliche Lebensgeschichte, die im zugeklappten Zustand zu sehenden Außentafeln ihren Tod und die Krönung als Himmelskönigin.3

[1]

Im vorletzten Bild im unteren Register sieht man Maria, mit dem schon etwas größeren Jesus und zwei Engeln, die mit Dornenkrone, Lanze, Kreuz und Nägeln auf die Passion hinweisen. Ein dritter Hinweis darauf ist das Hemd, das Maria gerade strickt und das Jesus einer Legende zufolge bei der Passion tragen wird [2]. Die strickende Madonna findet sich kurz darauf auch in einem Fenster der Heiligen-Geist-Kirche in Wismar, das zwar als Maria in der Spinnstube bezeichnet wird, sie allerdings eindeutig strickend zeigt. Dieses Fenster geht auf die Darstellung von Bertram von Minden zurück. In beiden Fällen sieht man zwar nur vier Nadeln, sie alle tragen aber Maschen und Maria macht auch keine strickenden Handbewegungen. Kann es sein, dass sie die fünfte Nadel beiseitegelegt hat? Rund gestrickt wird auch bei Jan Steen (1626–1679), jedenfalls ist das Gestrickte, das in dem Bild Vaterfreuden auf den Boden gefallen ist, mit einem Nadelspiel versehen.4 Das Knäuel liegt noch auf dem leeren Stuhl, von dem der Vater offensichtlich aufgesprungen ist, sei es, weil er über die Anzahl der neu geborenen Kinder – es sind zwei – entsetzt ist oder über den Umstand, dass er der Untreue überführt wurde. Den komplexen Inhalt des Bildes außer Acht lassend, scheint es jedenfalls eindeutig, dass nicht eine der anwesenden Frauen gestrickt hat, sondern er. Strickende Männer kannte man auch noch im 19. Jahrhundert, wie zahlreiche Darstellungen belegen. Da gab es einmal die strickenden Schäfer, die die Wolle „vor der Nase“ hatten und viel Müßiggang, wenn sie ihre Schafe weiden ließen. Doch das Stricken war für sie kein Zeitvertreib, sondern diente vor allem dazu, das magere Gehalt aufzubessern. Darstellungen strickender Hirten finden sich auch in der Kunst. So schuf der Bildhauer Otto Pilz (1876– 1934) für die Porzellanmanufaktur in Meissen das Gipsmodell eines strickenden Schäfers, dem einige Schafe folgen. Die Gruppe wird heute noch auf dem Kunstmarkt angeboten5, wird aber nicht mehr produziert. Strickende Hirten leuchten ein, aber strickende Soldaten? Sie zeigte der Apotheker und Genremaler Carl Spitzweg (1808–1885) gleich mehrfach, wie auch das Beispiel des strickenden Wachpostens zeigt, der wohl eher auf verlorenem Posten steht [3]. Die Ruine, in der er sich befindet, ist von Unkraut überwuchert. Neben der Kanone, die wohl schon lange nicht mehr in Gebrauch war und in der sich ein Vogel ein Nest gebaut hat, steht der Soldat mit einem Strickzeug in der Hand, blickt aber davon auf, als fühle er sich durch die Betrachtenden gestört. Allerdings greift er nicht zu dem

[2] Bertram von Minden, Buxtehuder Altar, 1390/1415, Öltempera und Gold auf Holz, 108,5 x 93 cm, Hamburg, Kunsthalle, Detail: Die Engel bei Jesus und Maria, Foto: Wikimedia Commons.

[2]

[3]

neben ihm stehenden Gewehr, von dem nur das aufgepflanzte Bajonett über die Mauer schaut. Trotz Kanone und Gewehr ist es ein friedliches Bild, das suggeriert, dass über die kriegerischen Handlungen, für die Kanone und Gewehr gebraucht wurden, Gras gewachsen ist und der Soldat Zeit zum Stricken findet.

[4]

Doch natürlich haben in der damaligen Zeit auch Frauen gestrickt und wurden immer wieder dabei gezeigt. Einer, der sich dieses Themas sehr häufig annahm, war der Schweizer Maler Albert Anker (1831–1910). Er malte einzelne strickende Mädchen, Gruppen und eine ganze Strickschule. Die meisten dieser Bilder befinden sich in Privatbesitz, so auch Die beiden Schwestern von 1883, eine Genreszene, die zwei Bauernmädchen in der Stube zeigt [4]. Die Größere sitzt auf der Bank am Kachelofen und strickt, während die Kleinere vor ihr steht und gebannt zuschaut. Die Katze auf der Bank hat sich zusammengerollt und schläft. Es ist ein friedvolles Bild, das aber auch die Kargheit des Raums zeigt. Das größere Mädchen strickt sicher nicht zu ihrem Vergnügen, sondern fertigt entweder ein Gewand für die kleine Schwester oder aber verkauft die gestrickten Waren, um das Familiengeld aufzubessern. Es gibt noch zahlreiche weitere Beispiele von strickenden Mädchen, faszinierend sind die Strickenden Hände, die Adolf von Menzel (1815–1905) zeichnete.6 Die Studie von 1886 befindet sich zusammen mit der Büste einer Frau auf einem Blatt. Es ist nicht ganz klar, mit wie vielen Nadeln hier gestrickt wird. Fünf sind es jedenfalls nicht.

[3] Carl Spitzweg, Der strickende Wachposten, um 1885, Öl auf Leinwand, 21,7 x 39, 6 cm, Schweinfurt, Museum Georg Schäfer, Foto: Wikimedia Commons. [4] Albert Anker, (1831–1910), Die beiden Schwestern, 1883 (signiert und datiert), Öl auf Leinwand, 70 cm x 53 cm, Privatbesitz, Foto: Wikimedia Commons.

In der zeitgenössischen Kunst finden sich vor allem gestrickte Kunstwerke. Rosemarie Trockel (*1952) machte mit ihren Strickbildern der 1980erJahre auf die (immer noch nicht überwundene) traditionelle Rolle der Frau im heimischen Umfeld aufmerksam. Auf einem gestrickten Bild sind auf schwarzem Grund mehrere Reihen von Wollsiegeln zu sehen.7 In der Wiederholung verlieren sie ihre ursprüngliche Bedeutung als Gütesiegel der Textilindustrie und werden so in einen anderen Zusammenhang überführt, in dem sie Teil eines Kunstwerkes sind, das sich durch seine Materialität mit Herrschaft im weiteren Sinne auseinandersetzt.# Susanna Partsch

1 Das Kleine Altärchen mit der Heiligen Familie (um 1345) befindet sich heute in der Abegg-Stiftung in Riggisberg. 2 Vitale da Bologna, Madonna dell'Umiltà, 1353, Tempera und Gold auf Holz, 41 x 24 cm, Mailand, Museo Poldi Pezzoli, https://de.wikipedia.org/ wiki/Datei:Vitale_degli_Equi,_called_Vitale_da _Bologna_-_The_Madonna_of_Humility__Google_Art_Project.jpg. 3 https://altar.sh-kunst.de/ hamburg-altstadt-kunsthalle-2/. 4 Jan Steen, Vaterfreuden, 1668, Öl auf Leinwand, 68 x 79 cm, Hamburg, Kunsthalle, https://online-sammlung.hamburgerkunsthalle.de/de/objekt/HK-169#bibliographie). 5 https://www.auktionshaus-stahl.de/de/ artikel/52823-otto-pilz-jugendstil-gruppe39-schaefer-mit-seiner-herde-39. 6 Adolf von Menzel, Büste einer Frau und strickende Hände, Bleistift, 150 x 156 mm, Hamburg, Kunsthalle, https://online-sammlung.hamburgerkunsthalle.de/de/objekt/1937-14/bueste-einerfrau-und-strickende-haende?term=B%C3%BC ste%20einer%20Frau%20und%20strickende %20H%C3%A4nde&position=0. 7 Rosemarie Trockel, Ohne Titel, 1986, Gestrickte Wolle und Vlies auf Keilrahmen, 140,4 x 140,3 cm, Hamburg, Kunsthalle, https://online-sammlung. hamburger-kunsthalle.de/de/objekt/HK-5499/ ohne-titel?filter%5Bfacet_obj_artistName%5D%5 B0%5D=Rosemarie%20Trockel&position=9.

Papiertradition Japanpapier (Washi) wird aus Pflanzenfasern nach traditionellen japanischen Verfahren hergestellt. Die langen Fasern verleihen ihm eine besondere Festigkeit und Geschmeidigkeit. Awagami-Papiere sind bei boesner in unterschiedlichen Stärken, Saugfähigkeiten und Transparenzgraden erhältlich und bieten damit vielseitige Möglichkeiten für Malerei, Druckgrafik, Kalligrafie und weitere künstlerische Anwendungen.

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Schicht für Schicht Für Wandmalerei auf Gipsgrund ist zunächst ein Blick auf die Wand selbst wichtig: Sie sollte roh, also nicht tapeziert, und frei von Tapetenresten sein. Die benötigten Materialien sind überschaubar: Gips, ein Eimer zum Anrühren, Spachtel, breite Pinsel, Klebeband zum Abkleben der Ränder, Farben, kleinere Gefäße zum Anrühren der Farben. Dazu unbedingt Abdeckfolien oder -planen, damit der Fußboden großzügig abgedeckt und vor Spritzern geschützt werden kann. Für die Gestaltung können Farben gewählt werden, die vorrätig sind: Gouachefarben, Acrylfarben (beides in großzügiger Verdünnung) oder in Wasser gelöste Pigmente – im Grunde reichen mit Schwarz, Weiß, Blau, Rot und Gelb wenige Farbtöne, denn weitere Farben können ausgemischt werden. Ölfarben oder andere kompakte Farben eignen sich nicht oder wirken auf dem Gipsgrund zu schwer und beeinträchtigen die leichte, helle Wirkung. Da der Gipsgrund sehr saugfähig ist, werden nur kleine Mengen an Farbe benötigt, und in der malerischen Verarbeitung bilden sich nur selten Läufer oder „Nasen“. Durch seine Dichte, verbunden mit seiner feinen Körnung, bildet der Gipsgrund in der Malerei Schattierungen aus, die den Farbauftrag lebendig machen.

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Der Gips wird mit Wasser bis zur gewünschten Konsistenz angerührt – es empfiehlt sich, größere Mengen in einzelnen Portionen vorzubereiten und zu verarbeiten, da der Gips auch im Mischgefäß (und in Pinseln oder im Quast) schnell abbindet und somit unbrauchbar wird. Nach dem Abkleben der Ränder wird die Wand mit Gips gespachtelt oder gestrichen, und dabei ist zögerliches Arbeiten eher fehl am Platz: Je nach Fläche ist der Anfang schon trocken, wenn die Arbeit beendet ist. Die durchgetrocknete Gipsschicht kann mit Schleifpapier geglättet und von stärkeren Graten befreit werden. Im Anschluss werden Farbfelder definiert, Rahmen abgeklebt oder es kann direkt mit der Arbeit begonnen werden.

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Ein attraktiver Weg der Bearbeitung ist das Scratching: Eine Zeichnung in dünne Farbschichten hinein, die keinen relevanten Widerstand bieten. Für diese Technik sind eigenständige, deckende Farbschichten notwendig, vorzugsweise in Gouache oder aber stark verdünnter, hoch pigmentierter Acrylfarbe. Das Ritzen bzw. Einkratzen einer Zeichnung erfolgt am einfachsten mit einer Radiernadel, idealerweise in Form der Nadel im Holzheft. Auch ein sehr spitzes, anderes Werkzeug eignet sich, wenn es gut in der Hand liegt, z.B. ein geschliffener Nagel oder eine Ahle. Scratching sorgt für unterschiedliche Farbstrukturen in der Zeichnung: Es kann bis auf den weißen Gipsgrund durchgezeichnet werden, aber auch nur leicht durch eine oder zwei Farbschichten hindurch. Malerei, Realisation, Fotografie: Ina Riepe Text: Sabine Burbaum-Machert

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Nostalgie und Sinnlichkeit

Er ist selten geworden, der Anblick von geschwungenen Buchstaben an einer Ladenfassade, bunt leuchtend in Schreibschrift oder Kapitälchen. In ihren „goldenen“ 1950er- und -60er-Jahren waren solche Neonschilder in deutschen Innenstädten allgegenwärtig. Damals waren Neonröhren billiger als Glühlampen. Da sie biegsam waren, konnte man alle möglichen Schrifttypen, Symbole und Bilder daraus formen, noch dazu verschiedenfarbig, durch unterschiedliche Gasmischungen und gefärbtes Glas. Als Versprechen von Moderne und strahlender Zukunft wurden Neonschilder in Ost- und Westdeutschland zur Standardbeleuchtung von Geschäftsfassaden. Heute nehmen Leuchtkästen oder LED-Leuchten diese Plätze ein. Dennoch finden sich hier und da noch nostalgische Überbleibsel. Auf der Suche nach den flackernden Relikten urbaner Vergangenheit, den letzten Neonschildern und Leuchtreklamen in Deutschland, reiste Design- und Typografie-Experte Jesse Simon einmal quer durch die Republik. Die einmalige Fotosammlung „Neon Deutschland. Eine Reise zu den letzten Neonschildern

Abbildungen aus dem Innenteil der Bücher.

und Leuchtreklamen“, die daraus entstanden ist, dokumentiert den ästhetischen Charme und die gestalterische Vielfalt der Leuchtschilder, die seit den 1950er und 1960er Jahren viele Fassaden und Ladenfronten schmückten und das Stadtbild prägten. Von Dortmund bis Dresden, von Hamburg bis München führt dieser Band durch deutsche Innenstädte, Nebenstraßen und vergessene Ecken, in denen bunte Röhren noch flackern – oder längst erloschen sind. Leuchtspuren einer verschwindenden Ära … Mit Tag- und Nachtbildern, Begleittexten, Karten und kurzen Legenden ist das Buch ein nostalgischer Streifzug durch einen Abschnitt deutscher Stadtgeschichte und ein augenzwinkerndes Zeugnis einer langsam verschwindenden Designkultur. Ein letzter Blick, bevor das Licht ausgeht und ein Buch für alle, die sich für Design, Typografie und urbane Kultur interessieren. Ebenfalls vom Verschwinden erzählen die autonomen Stillleben, die vor 450 Jahren entstanden. Ihre meisterhafte Sinnlichkeit und die verschlüsselten Botschaften faszinieren uns heute wie damals, als man sie noch problemlos entschlüsseln konnte. Kunstvolle Arrangements exotischer Früchte, genauso wie ge-

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wöhnliche Speisen, auserlesene Blumengestecke oder mahnende Totenköpfe, kostbar verzierte Musikinstrumente und wissenschaftliche Apparaturen – die trügerisch echt wirkenden Gegenstände zeugen von Reichtum und Sinneslust, von aufklärerischer Neugier sowie von religiöser Ehrfurcht im Zeitalter des Barock. Dieses reich illustrierte Buch erzählt eine lebendige Geschichte des Stilllebens entlang der einzigartigen Sammlung der Gemäldegalerie Alte Meister in Dresden. Die Meisterwerke der holländischen und flämischen Malerei werden in all ihren hinreißenden Detailthemen betrachtet. Ein besonderes Augenmerk liegt auf den verschlüsselten Botschaften, Allegorien und Symbolen, die durch ein bebildertes Glossar erläutert werden.

Neon Deutschland Eine Reise zu den letzten Neonschildern und Leuchtreklamen Jesse Simon, 256 S., durchg. Farb. Abb., 20 x 15 cm, geb., dt., Prestel 2026, ISBN 9783791394312, EUR 22,00 (D), EUR 22,70 (A)

Rund 70 Gemälde von Malerinnen und Malern des 17. Jahrhunderts – darunter Frans Snijders, Adriaen van Utrecht, Jan Davidsz de Heem, Abraham Mignon, Rachel Ruysch oder Gerard Dou – bieten einen einmaligen Einblick in die Blütezeit dieses magischen Genres.#

Stillleben Zeitlose Schönheit Konstanze Krüger (Hrsg.), 160 S., 100 farb. Abb., 20,6 x 25,8 cm, geb., dt., Hatje Cantz Verlag 2023, ISBN 9783775751131, EUR 25,00 (D), EUR 26,00 (A), CHF 32,50 (CH)

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Von Katzen und Hunden Tierische Begleiter in der Kunst

Dass Katzen und Hunde den Menschen seit Jahrtausenden begleiten, ist hinreichend erforscht worden, dass sie in der bildenden wie auch in der populären Kunst schon ebenso lange ein beliebtes Motiv abgeben, ist weniger bekannt. Ein gerade bei Phaidon erschienenes englischsprachiges Buch verspricht Aufklärung. „Cat“, so lautet schlicht und einfach der Titel. Es widmet sich auf 232 Seiten ganz der Darstellung der Katze in Kunstgeschichte und Populärkultur. Ein durchaus skurriler Überblick über die Hauskatze in Kunst, Mode, Design und visueller Kultur, der die dauerhafte Verbindung der Menschheit zu einem unserer beliebtesten Tierbegleiter von der Antike bis zur Gegenwart erforscht. Seit Jahrtausenden von Menschen geliebt und dargestellt, erschienen diese fesselnden Tiere als Anbetungsstatuetten im alten Ägypten, in anthropomorphen Illustrationen des vikto-

Abbildungen aus dem Innenteil der Bücher.

rianischen England und heute in zeitgenössischen Kunstwerken, auf Mode-Laufstegen und als Social-Media-Meme. Das lebhaft illustrierte Buch zeigt mehr als 210 ganzseitige Bilder, die in verspielten Paarungen angeordnet sind. Die Spanne reicht von berühmten Kunstwerken über Vintage-Werbung und klassische Animationsfiguren bis hin zu High-End-Modedesigns, von Maneki-Neko-Katzen über Künstlerhäuser und alte Mosaiken bis hin zu zeitgenössischer Couture. Die Leserschaft erwarten ikonische Popkultur-Charaktere, darunter „Der gestiefelte Kater“ (Puss in Boots), die „Grinsekatze“ (Cheshire Cat), Werke renommierter Kunstschaffender wie Andy Warhol, Tracey Emin, Judy Chicago und Utagawa Hiroshige sowie weiterer berühmter Kreativer, etwa Streetstyle-Fotograf Jamel

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Cat 232 S., 210 farb. Abb., 23,3 x 27 cm, geb., engl., Phaidon Verlag 2026, ISBN 9781838669447, EUR 39,95 (D), EUR 39,95 (A)

Shabazz und Modedesigner Thom Browne. Das Buch enthält ein Vorwort von Hannah Shaw, aka Kitten Lady, und einen aufschlussreichen Essay von Kuratorin Leïla Jarbouai, die die symbiotische Beziehung der Menschheit mit Katzen durch die Linse der Kunstgeschichte nachzeichnet. „Cat“ feiert die anhaltende Faszination für eines der beliebtesten Tiere des Menschen und die besondere Verbindung zwischen Mensch und Katze. Ihre Vorliebe gilt einem anderen vierbeinigen Begleiter des Menschen? Den Hunden? Dann sollen Sie hier nicht zu kurz kommen, denn der Band „Hunde lieben“ des legendären Magnum-Fotografen Elliott Erwitt steckt voller liebenswerter Motive. Die Neuauflage der klassischen und beliebten Sammlung von 500 witzigen Hunde-Fotos ist die größte Auswahl, die jemals von Erwitts Bildern unserer geliebten Wegbegleiter veröffentlicht wurde. Hochwertig gedruckt in authentischem Schwarzweiß zeigen sie Pudel bei Hundeausstellungen, Golden Retriever, die Stöcke suchen, Highland Terrier, die vor Freude in die Luft springen, Hunde, die spazieren gehen, die getragen werden oder das Leben genießen und und und. Ergänzt wird das Ganze durch einen Beitrag des britischen Schriftstellers P.G. Wodehouse, ein Bewunderer von Erwitts Arbeit und selbst überzeugter Hundebesitzer.#

Hunde lieben 512 S., 500 SW-Abb., 12,3 x 18,5 cm, geb., dt., Phaidon Verlag 2025, ISBN 9781838669737, EUR 24,95 (D), EUR 25,70 (A)

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Die Schönheit des Schaffens Ästhetische Konzepte des Handwerks in Japan und Korea

Schlichte Materialien, reduzierte Formen und außergewöhnliches Farbenspiel – schon lange genießt die Ästhetik des japanischen Kunsthandwerks und Designs weltweit einen hohen Stellenwert. Nun sind zeitgleich in diesem Jahr zwei Bücher erschienen, die sich der dahinterliegenden ästhetischen Konzepten des Handwerks in Japan und in Korea verschrieben haben: „Shosa“ und „Jeong“. Als Fachjournalist für Design hat Ringo Gomez in Europa Gespräche mit Handwerker*innen und Designer*innen geführt, die ihm die Schönheit des Schaffensakts, die Reinheit einfacher Handgriffe und die Wahrnehmung des Augenblicks zu erklären versuchten. Aber sie hatten kein Wort dafür. Erst in Japan begegnete es ihm. Das Wort heißt „Shosa“. Es drückt den allumfassenden Respekt aus, den die Japaner ihren Mitmenschen und ihrer Arbeit gegenüber erweisen und beschreibt zugleich die Schönheit, die in der Wiederholung von Handlungen liegt. In dem wunderschönen, atmosphärisch dicht fotografierten Bildband „Shosa. Japans Handwerk und Traditionen. Die Kunst er Achtsamkeit“ gehen Ringo Gomez und Fotograf Rob Walbers dem Geheimnis von „Shosa“ nach und reisen durch die japanischen Provinzen. Von Tottori im Süden bis nach Matsushima im Norden treffen sie auf Handwerker*innen und Künstler*innen, die in Gewerken wie dem Töpfern, dem Korb-

Abbildungen aus dem Innenteil der Bücher.

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Jeong

flechten, der Tuscheherstellung, der Teezeremonie, der Kampfkunst Iado, der Choreografie und vielen anderen Bereichen arbeiten. Herausgekommen sind zwölf Porträts, die Leserinnen und Lesern in Interviews, in persönlichen Texten und berückend schönen Bildern „Shosa“ nicht nur nahebringen, sondern es auch umsetzen. Getreu der Erkenntnis: Wenn man Shosa sieht, spürt man es.

The Spirit of Korean Craft and Design Hyo Jung Lee, 224 S., 175 farb. Abb., 20,5 x 27 cm, kart., engl., Phaidon Verlag 2026, ISBN 9781838669454, EUR 59,95 (D), EUR 59,95 (A)

Einen anderen Ansatz verfolgt der englischsprachige Titel „Jeong. The Spirit of Korean Craft and Design“. Es ist das erste Buch, das einem interessierten Publikum eine beeindruckende visuelle Erkundung der faszinierenden Handwerks- und Designszene Koreas präsentiert. „Jeong“ ist ein koreanisches Konzept von tiefer Zuneigung, emotionaler Verbindung und einem Gefühl der Bindung, das sich im Laufe der Zeit durch gemeinsame Erfahrungen, Fürsorge und Vertrautheit entwickelt. Im Kontext von Handwerk und Design offenbart sich der Geist von „Jeong“ durch eine Liebe zum Detail und die tiefgreifende Verbindung zwischen Hersteller, Objekt und Benutzer. Vom traditionellen Handwerk bis zu zeitgenössischen Kreationen präsentiert der Band 175 inspirierende und wichtige Objekte, vom anonymen Kunsthandwerk bis hin zu gefeierten Meisterwerken: traditionelle Mondgläser, Lackwaren, Keramik, aufwendig gewebte Körbe, Stickereien, hochmoderne zeitgenössische Möbel, zarte Textilien und noch viel mehr wird je ganzseitig dargestellt. Das sehr schön aufgemachte Buch in japanischer Bindung lädt in Essays, kurzen Texten und aussagestarken Abbildungen zum Erkunden koreanischen Kunsthandwerks und Designs ein und ist ein Nachschlagewerk für alle, die sich dem Thema annähern möchten.#

Shosa Japans Handwerk und Traditionen Die Kunst der Achtsamkeit Ringo Gomez, 224 S., 170 farb. Abb., 18 x 26 cm, geb., dt., Prestel 2026, ISBN 9783791394176, EUR 36,00 (D), EUR 37,10 (A)

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Vielfalt, Innovationskraft und Relevanz in der zeitgenössischen Kunst Zwei Bücher zeigen den internationalen State of the Art in der bildenden Kunst

„Vitamin P4. New Perspectives in Painting“ bietet mit zahlreichen Werkbeispielen und Ausstellungsansichten eine umfassende Schau, die Vielfalt, Innovationskraft und Relevanz der Malerei heute spiegelt. International führende Kunstexperten haben diesen Überblick über herausragende zeitgenössische Maler und Malerinnen weltweit ausgewählt. Das Buch bringt 108 Künstlerinnen und Künstler aus 44 Ländern zusammen. Sie zeigen, das in der traditionsreichen Kunstgattung Malerei heute viel experimentiert wird. Eine neue Künstler*innengeneration haucht ihr neues Leben ein. Der Bogen wird gespannt von immersiven Ausstellungen mit überwältigenden Wandmalereien bis hin zu ruhigen, kleinen Kompositionen.

Die Kunst ist reich an Techniken, Materialien und Methoden. Sie erreicht die Menschen auf unterschiedlichen Wegen, die wiederum bestimmt werden vom kulturellen und ökonomischen Umfeld, von den Möglichkeiten, Kunst öffentlich zu machen, sie anzubieten und zu zeigen, sie zu beurteilen und zu verkaufen ... Neben etablierten Kunstschaffenden betreten auch regelmäßig junge Talente die Bühne. Nun sind in diesem Jahr zwei englischsprachige Bücher erschienen, die Orientierung versprechen und einen von Fachleuten kuratierten Überblick über das zeitaktuelle internationale Kunstgeschehen vermitteln.

Abbildungen aus dem Innenteil der Bücher.

Auch dieser vierte Folgeband der etablierten „Vitamin-P“-Reihe aus dem Phaidon Verlag zeigt wieder einen inspirierenden und essenziellen State of the Art der internationalen zeitgenössischen Malerei. Unter den vorgestellten Kunstschaffenden finden sich neben etablierten Künstler*innen auch kaum bekannte aufstrebende Newcomer. Sie wurden von Museumsdirektor*innen, Kurator*innen, Kunsthistoriker*innen und Kritiker*innen nominiert. Die reich bebilderten Seiten zeigen sowohl einzelne Werke als auch Ausstellungsansichten, informative Texte vermitteln einen umfassenden Überblick über das jeweilige Kunstverständnis und -schaffen.

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Zu den vorgestellten Künstlern gehören: Tunji Adeniyi-Jones, Giulia Andreani, Firelei Báez, Alvaro Barrington, Maria Berrio, Anna Boghiguian, Miriam Cahn, Chen Ching-Yuan, Sandra Cinto, Daniel Correa Mejía, Felix de Clercq, Eliza, Kyle Dunn, Jadé Fadojutimi, Louis Fratino.

Vitamin P4 New Perspectives in Painting 288 S., 435 farb. Abb., 25 x 29 cm, geb., engl., Phaidon Verlag 2026, ISBN 9781837291120, EUR 59,95 (D), EUR 59,95 (A)

Der zweite Titel, „Rainbow Dreams. Color and Light in Contemporary Art“, beschränkt sich nicht auf eine Kunstgattung. Unter dem Thema Farbe und Licht umfasst er die gesamte Bandbreite der bildenden Kunst. Das schön, entsprechend dem Titel in Regenbogenfarben gestaltete Buch versammelt 200 Werke von mehr als 100 zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern, die mit dem gesamten Farbspektrum des Regenbogens arbeiten. Von Malerei und Skulptur bis zu Lichtkunst und immersiven Installationen würdigt der Band die Farbe in einer Vielzahl unterschiedlicher Medien als visuelles Erlebnis – intensiv, leuchtend und sinnlich. Von Takashi Murakamis mehrfarbigen Blumenmotiven und Yayoi Kusamas lebendigen Tupfen bis hin zu Ugo Rondinones Neonskulpturen und Paola Pivis verspielten „Federbär“-Skulpturen bieten die in diesem Buch gezeigten Kunstwerke eine aufregende Tour durch das Farbspektrum. Sie zeigt, wie unterschiedlich Kunstschaffende mit ihrem Medium Farbe verfahren, wie sie sie wahrnehmen, umsetzen und mit ihr experimentieren. Zu den vorgestellten Künstlern gehören: Nina Chanel Abney, Derrick Adams, Nick Cave, Judy Chicago, Carlos Cruz-Diez, DRIFT, Olafur Eliasson, Katharina Grosse, Jennifer Guidi, Cai Guo-Qiang, Alex Israel, Ellsworth Kelly, Jeff Koons, Yayoi Kusama, Takashi Murakami, José Parla, Paola Pivi, Rob Pruitt, Sterling Ruby, Kenny Scharf, Frank Stella, Sarah Sze und Mickalene Thomas.#

Rainbow Dreams Color and Light in Contemporary Art Olga Rei, Valentine Uhovski, 256 S., 255 farb. Abb., 21 x 24,5 cm, geb., engl., The Monacelli Press 2026, ISBN 9781580937122, EUR 34,95 (D), EUR 34,95 (A)

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Die boesner Bücherwelt

Praktische Grundlagen der Bühnenplastik und Bühnenmalerei Einführung, Werkstoffe, Arbeitstechniken

Auf der boesner-Internetpräsenz „Bücherwelt“ präsentieren wir in der Rubrik „Unser Buch des Monats“ jeden Monat ein Buch, das wir besonders empfehlen. Im Mittelpunkt steht selbstverständlich die Kunst, doch manchmal fallen Bücher besonders ins Auge, weil sie eine neue Perspektive entwickeln, einen außergewöhnlichen Zugang zu einem Thema haben oder ein bemerkenswertes Alleinstellungsmerkmal. Durch ausführliche Buchbesprechungen und Interviews mit den Autor*innen möchten wir diese Bücher näherbringen. Auf diesen beiden Seiten sehen Sie einen Überblick über die Empfehlungen des ausklingenden Jahres.

Julie Louise Speck, 454 S., zahlr. farb. Abb., 17 x 22 cm, kart., dt, Verlag Julie Louise Speck 2023, ISBN 9783000759901, EUR 60,00 (D), EUR 60,00 (A) Lehrbuch und Materialkunde in einem – so lässt sich Julie Louise Specks Buch umschreiben. Ihr „Handbuch zum Beruf“ ist aufgrund der Vielfalt an Werkstoffen, Techniken und Ideen auch Kunstschaffenden im Bereich Bildende Kunst zu empfehlen.

Eine kurze Geschichte der queeren Kunst Dawn Hoskin, 224 S., zahlr. farb. Abb., 13 x 29 cm, Softcover, dt., Laurence King Verlag 2025, ISBN 9783962444365, EUR 22,00 (D), EUR 22,00 (A) Das Buch stellt neben bekannten auch zahlreiche vergessene oder unbekannte queere Künstler*innen vor. Es eröffnet neue, faszinierende Einblicke in Jahrhunderte des Kunstschaffens. Ein Augenöffner, der dazu beiträgt, die Kunstgeschichte umfassender zu betrachten.

Zeichnen in der Natur

The Art Escapes Atlas

Albrecht Rissler, 144 S., durchg. illustr., 22,6 x 22,6 cm, geb., dt., boesner GmbH holding + innovations 2023, ISBN 9783928003445, EUR 24,95 (D), EUR 25,60 (A), CHF 27,80 (CH)

Masha Erman, Robert Klanten (Hrsg.), 304 S., farb. Fotos, 19,5 x 24 cm, Hardcover, engl., die Gestalten Vlg. 2025, ISBN 9783967041491, EUR 45,00 (D), EUR 46,30 (A), CHF 57,90 (CH)

Starthilfe und Inspirationsquelle – mit diesen Begriffen lässt sich Albrecht Risslers „Zeichnen in der Natur“ wohl am treffendsten charakterisieren. Der emeritierte Professor für Zeichnen und Illustration vermittelt seine Begeisterung für das Pleinair-Zeichnen unprätentiös und motivierend.

Das Buch führt kulturbegeisterte Reiselustige weltweit an besondere Kunstorte – dahin, wo Kunst den Museumsraum verlässt und mit ihrer Umgebung verschmilzt: versteckt in Wäldern, mitten in Städten oder in abgelegenen Landschaften, zu den Häusern Georgia O'Keeffes und Frida Kahlos, zu beeindruckender Land Art und visionärer Architektur.

Buchtipps | 61

Die Linolschnittbibel

Welten erschaffen auf Papier

Auf die Straße!

Menschen zeichnen

Das Grundlagenwerk zum Linoldruck: Techniken, Experimente, Kultur(geschichte), Protagonisten

Von den Grundlagen der Zeichnung zur eigenen Bildsprache

Kunst als Protest

Eine Annäherung

De Nichols, 80 S., durchg. farb., 22 x 28 cm, geb., dt., Gerstenberg 2026, ISBN 9783836964036, EUR 22,00 (D), EUR 22,70 (A), CHF 29,50 (CH)

Lena Skaya, 216 S., zahlr. farb. Abb., 14,5 x 24 cm, geb., dt., Verlag Hermann Schmidt 2025, ISBN 9783874399760, EUR 32,00 (D), EUR 32,90 (A), CHF 39,80 (CH)

Mit Kunst die Welt verändern? „Auf die Straße! Kunst als Protest“ zeigt jungen Leserinnen und Lesern einen Weg, wie’s geht! Der Titel führt ein in die Geschichte der Protestkunst und stellt das selten beachtete Phänomen kompetent dar. Es ist ein Appell, Kunst als Sprachrohr für eigene Anliegen zu nutzen.

Mit viel Experimentierfreude, frei in der Herangehensweise und kompetent vermittelt Lena Skaya die Darstellung der Figur. Der Körper ist für sie Ziel der Darstellung und schöpferisches Werkzeug, neben gestalterischen gibt sie auch körperliche Übungen an die Hand.

The Artist’s Toolkit

Malkasten der Meister

ORTE

Käthe Wenzel, Nadja Driller, 192 S., durchg. farb. fotogr. u. illustr., 17 x 24 cm, geb., dt., Haupt Verlag 2026, ISBN 9783258602974, EUR 36,00 (D), EUR 37,10 (A), CHF 36,00 (CH)

Kelly Grovier, 52 Farbkarten m. Booklet in Karton, 18 x 9,5 x 4,5 cm, dt., Midas Verlag 2025, ISBN 9783038763505, EUR 25,00 (D), EUR 25,70 (A), CHF 36,50 (CH)

Farbige Linolschnitte von Thomas Escher

Marco Gerke, 288 S., 317 Abb. in Farbe, 21 x 26,5 cm, geb., dt., VDG Weimar 2026, ISBN 9783897399952, EUR 68,00 (D), EUR 68,00 (A) Der Linolschnitt ist vielfältig, und er lädt ein zum Experiment! Das beweist die „Linolschnittbibel“. Das allumfassende Kompendium für Theorie und Praxis ist ein einzigartiges Fachbuch.

Mein ganzes Leben, Öl auf Leinwand, ohne Titel Alena Schröder, 352 S., 14,4 x 21,6 cm, geb., dt., dtv 2026, ISBN 9783423285285, EUR 23,00 (D), EUR 23,70 (A) Was, wenn das Leben eine Leinwand wäre? Ein interessanter Gedanke. Alena Schröder malt mit den Mitteln der Sprache. Ihr Roman erzählt die bewegende Geschichte zweier Frauen, deren Leben durch eine unscheinbar wirkende Leinwand für immer verbunden ist.

Diemut Schilling, 288 S., zahlr. farb. Abb., 21 x 28 cm, geb., dt., frechverlag 2024, ISBN 9783735881489, EUR 39,00 (D), EUR 41,20 (A), CHF 51,50 (CH) Diemut Schilling holt ihre Leserschaft dort ab, wo sie steht. Ein Einstieg in ihre Zeichenschule ist auf unterschiedlichen Niveaus möglich. Ein origineller Ansatz, ein kompetenter Wegbegleiter und ein großes (Lern-)Vergnügen! Außerdem ist das Buch eine hervorragende Mappenvorbereitung für alle Studiengänge!

Wer Organisatorisches, kreative Momente und die innere Uhr aufeinander abstimmen kann, gewinnt konzentrierte Zeit, um in einen effektiven Arbeitsflow zu kommen. Diese künstlerische Werkzeugkiste ist randvoll mit Strategien und leitet wie kein anderes dazu an, die eigene Arbeitsweise zu verstehen und zu entwickeln.

Die Geschichte der Farbe ist faszinierend, denn sie führt uns zu den Gemälden, die viele Generationen von Künstler*innen mit ihnen anfertigten. Für diese Box hat Kulturjournalist Kelly Grovier kompaktes und spannendes Wissen zur Pigmentherstellung und zur Entstehung der Künstlerfarben auf über 50 Wissenskarten zusammengestellt.

Morris Aberham (Hrsg.), 156 S., zahlr. farb. Abb., 22,5 x 31 cm, kart., dt., scridelio 2025, ISBN 9783000841132, EUR 39,90 (D), EUR 41,10 (A) Vielseitiges Künstlerporträt und eindringliches Bildund Texterlebnis, in dem die Linolschnitte von Thomas Escher mit den kongenialen Kurz-Texten von Tom Bennett interagieren.

62 | Labor

Leuchtkraft trifft Aquarell Neocolor® II Aquarelle-Wachspastelle verbinden die Direktheit der Zeichnung mit den malerischen Möglichkeiten der Aquarelltechnik. Ihre geschmeidige Konsistenz ermöglicht präzise Linien ebenso wie kraftvolle Farbflächen. Mit Wasser vermalt, entstehen lebendige Übergänge, Lasuren und bewusst unregelmäßige Strukturen voller Ausdruck. Die hohe Pigmentkonzentration sorgt für außergewöhnliche Leuchtkraft. Ein vielseitiges Medium für spontanes Skizzieren, differenziertes Arbeiten und experimentelle Bildfindung.

Idee, Malerei, Gestaltung, Fotografie: Ina Riepe

Labor | 63

Linke Seite von oben: boesner Universalpinsel mit Paddelstiel Serie 50/1350, da Vinci Spin-Breitpinsel Serie 5080, boesner Universalpinsel Borste Serie 50/1314-1, ars nova Hake Brush Flachpinsel mit Ziegenhaarbesatz, rechte Seite: boesner Alabastergips im 5 kg Papierbeutel.

66 | Ausstellung | Simon Hantaï

Ein sinnliches Fest der Farbe Simon Hantaï im Museum Frieder Burda

Mit der Ausstellung „Entfaltung der Farbe“ feiert das Museum Frieder Burda einen der wichtigsten Vertreter der internationalen Nachkriegsmoderne: Simon Hantaï (1922–2008). Der ungarische Maler, der 1948 nach Paris emigrierte, leistete dort einen entscheidenden Beitrag zur Entwicklung der freien Abstraktion. In Frankreich wurde er 1980 mit dem prestigereichen Grand Prix national des Arts Plastiques ausgezeichnet. Zwei Jahre später war er Repräsentant seiner Wahlheimat auf der Biennale in Venedig. Posthum wurde sein herausragender Beitrag zur Kunst der Moderne mit mehreren wichtigen Retrospektiven gewürdigt, darunter groß angelegte Sonderausstellungen im Centre Pompidou sowie in der Fondation Louis Vuitton in Paris. Die Ausstellung in BadenBaden ist die erste große Werkschau, die diesem Ausnahmekünstler der französischen Avantgarde seit mehr als 25 Jahren an einem deutschen Museum zuteilwird. Anhand von über 40 teils monumentalen Arbeiten gibt sie einen facettenreichen Überblick über vier Schaffensjahrzehnte, die von grenzenloser Experimentierfreude geprägt waren. Geboren wurde Hantaï 1922 als Simon Handl im ungarischen Bia, dem heutigen Biatorbágy in der Nähe von Budapest. Der Künstler stammte aus einer Familie deutscher Emigranten, die ihren Namen 1939 ins Ungarische übertrug, um sich von einer Assoziation mit dem nationalsozialistischen Terrorregime abzusetzen. Prägend waren fü r Hantaï Kindheit und Jugend in einem streng katholischen Milieu, insbesondere seine Faszination für liturgische Riten sowie kirchliche Musik. Als Student an der Ungarischen Akademie der Bildenden Künste in Budapest wurde Hantaï in den 1940er-Jahren früh politisch aktiv und prangerte öffentlich die Kollaboration der ungarischen Regierung mit der nationalsozialistischen Besatzungsmacht an. Die Befreiung des Landes durch sowjetische Truppen im Februar 1945 bedeutete einen Neubeginn für die Kunst- und Kulturszene der Hauptstadt.

[1] Simon Hantaï in seinem Atelier in Meun, 1976 © Archives Simon Hantaï / VG Bild-Kunst, Bonn 2026, Foto: Édouard Boubat / VG Bild-Kunst, Bonn 2026.

Ausstellung | Simon Hantaï | 67

Bei Kunstgeschichtskursen am Französischen Kulturinstitut in Budapest beschäftigte Hantaï sich mit neuesten Tendenzen der französischen Avantgarde, darunter dem Werk von Henri Matisse und Pierre Bonnard. 1947 heiratete er Zsuzsa Biró, mit der er ein Jahr später nach Paris übersiedelte. Bis zu seinem Tod 2008 sollte Frankreich Hantaïs Wahlheimat bleiben. Nach seiner Ankunft in Paris machte sich Hantaï Ende der 1940er Jahre zunächst intensiv mit den künstlerischen Errungenschaften des Surrealismus vertraut und experimentierte mit so unterschiedlichen Techniken wie Collage, Frottage und Dekalkomanie. Seine erste Einzelausstellung fand 1953 in der von André Breton geführten Galerie À l’Étoile Scellée statt: ein Event, das seine frühe Aufnahme in die Pariser Avantgarde signalisierte. Hantaïs Wunsch nach künstlerischer Selbstbehauptung löste ihn jedoch bald aus dem Umfeld der surrealistischen Gruppe und führte ihn zu einer Werkphase gestischer Abstraktion. Neben der Auseinandersetzung mit der Malerei des Informel spiegelten die Arbeiten aus dieser Periode seine Faszination für den Abstrakten Expressionismus in den USA, insbesondere das „Action Painting“ Jackson Pollocks. Das Jahr 1960 markierte einen Wendepunkt in Hantaïs Werk: Von diesem Moment an konzentrierte er seine radikal experimentellen Forschungen auf die sogenannte „Pliage“ (dt. „Faltung“) – Werke, in denen er die gefaltete, zerknitterte oder geknotete Leinwand mit Öloder Acrylfarbe bedeckte, um beim Entfalten und Glattziehen des Stoffes farbig leuchtende Zufallsmuster zu erzeugen. Hantaïs erste Pliage-Arbeiten waren die Mariales, von denen er 28 Variationen schuf. Zwischen 1963 und 1965 setzte der Künstler seine Farberforschungen mit der Bildreihe der Catamurons fort, bei denen sich die Faltung allein auf die Mitte der Leinwand konzentrierte. Die dadurch entstandenen farbigen Rechtecke blieben von den weiß gelassenen Rändern des Stoffes wie von einer Bordüre umrahmt. Durch den Kontrast mit dem unbemalten Stoff erhöht das Weiß die Leuchtkraft der frischen Blautöne, die das Farbschema des Zentrums dominieren.

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„Wenn ich falte, bin ich objektiv, und das ermöglicht es mir, mich selbst zu vergessen.“ Simon Hantaï

[2] Mariale m.a.2, 1960, Öl auf Leinwand, 278 x 214,5 cm, Collection Capc Musée d'Art contemporain de Bordeaux © Archives Simon Hantaï / VG Bild-Kunst, Bonn 2026, Foto: Museum Frieder Burda / Jigal Fichtner. [3] Tabula, 1980, Acryl auf Leinwand, 236 x 392 cm, Privatsammlung UK, Courtesy Timothy Taylor © Archives Simon Hantaï / VG Bild-Kunst, Bonn 2026, Foto: Museum Frieder Burda / Jigal Fichtner.

68 | Ausstellung | Simon Hantaï

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1966 zog Hantaï nach Meun in der Nähe von Fontainebleau und machte das kleine Dorf bald zum Namensgeber einer neuen Werkreihe. In seinen Meuns (1966–1968) knotete er die vier Ecken und die Mitte der Leinwand zu einem unregelmäßigen Gebilde zusammen, um darauf die Farbe aufzutragen. Die nach dem Glattziehen des Stoffes entstandenen Zufallsmuster zeigen eine harmonische Balance aus bemalten und unbemalten Bereichen – das Weiß wird zum immanenten Teil des gefalteten Formenspiels. Auf diese Werkreihe folgen von 1968 bis 1971 die farbstarken Études, bei denen Hantaï die Leinwand vollständig faltete und den Stoff mit einer einzigen Farbe begoss: Dieses Vorgehen ergab eine fast organisch wirkende Netzstruktur mit pulsierender Rhythmik. In den ab 1973 entstandenen Blancs brachte Hantaï demgegenüber die unterschiedlichsten Töne zum Einsatz und erhöhte die Gewichtung der weiß belassenen Zonen. Da die Malerei nun mit Acryl statt mit Öl ausgeführt wurde, konnte er eher eine glatte, relieflose Oberfläche erzielen.

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Der Übergang zur Bildreihe der Tabulas markierte eine abrupte Änderung in Hantaïs Anwendung der Pliage. Waren seine Falt-Arbeiten bis dahin von teils zufällig verstreuten, organisch wirkenden Bildelementen charakterisiert, so ordnete er nun regelmäßig angeordnete Knoten auf der Rückseite der Leinwand an, um eine streng kontrollierte Gitter- oder Rasterform zu erzeugen. Bei den Tabulas arbeitete Hantaï sowohl mit bunten Mosaikstrukturen als auch mit monochrom angelegten Kompositionen Mit rund 40 teils monumentalen Schlüsselwerken aus vier Jahrzehnten gibt die Ausstellung in Baden-Baden einen facettenreichen Überblick über Hantaïs Schaffen und präsentiert seinen besonderen Beitrag zur internationalen Nachkriegsabstraktion als ein sinnlich bewegendes Fest der Farbe. Neben vereinzelten Arbeiten aus Hantaïs Phase der gestischen Abstraktion liegt der Fokus auf den Pliage-Werken, deren Entwicklung sie von den frühen Mariales bis zu den späten Tabulas nachverfolgt.

[4] Meun, 1968, Öl auf Leinwand, 230 x 205 cm, Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain (MAMAC), Ville de Nice © Archives Simon Hantaï / VG BildKunst, Bonn 2026, Foto: Ville de Nice / Muriel Anssens. [5] Étude, 1969, Öl auf Leinwand, 268 x 233 cm, Privatsammlung, © Archives Simon Hantaï / VG Bild-Kunst, Bonn 2026. [6] Blancs, 1974, Acryl auf Leinwand, 243 x 233 cm, Privatsammlung, © Archives Simon Hantaï / VG Bild-Kunst, Bonn 2026.

Ausstellung | Simon Hantaï | 69

Ausstellung Bis 10. Januar 2027 Entfaltung der Farbe. Simon Hantaï

Katalog Entfaltung der Farbe – Simon Hantaï [6] Daniel Zamani (Hrsg.), mit Beiträgen von J. Lewison, C. Righetti, M. Warnrock, D. Zamani, Hardcover, dt., 180 S. m. 171 Abb., 28 x 24 cm, Hirmer, ISBN 9783777447025

„Hantaïs farbgewaltige Arbeiten entfalten eine ungeheure visuelle Dynamik und werden unsere Besucherinnen und Besucher mit Sicherheit begeistern“, erklärt der Kurator der Ausstellung, Daniel Zamani. „Im von Richard Meiers offener Raumstruktur geprägten Tageslichtbau treten seine farbstarken Gemälde in eine einzigartige Symbiose mit der sie umgebenden Architektur und verwandeln das Museum für die Dauer der Ausstellung in ein immersives Gesamtkunstwerk.“ Ermöglicht wurde das ambitionierte Projekt durch die großzügige Unterstützung zahlreicher internationaler Leihgeber sowie vieler Privatbesitzer, die Werke für das Projekt zur Verfügung gestellt haben. Die Genese der Ausstellung wurde von Anfang an eng durch Mitglieder der Familie Hantaï und die Archives Simon Hantaï Paris begleitet.#

Kontakt Museum Frieder Burda Lichtentaler Allee 8B, 76530 Baden-Baden Tel. +49 (0)7221 39898-0 www.museum-frieder-burda.de

70 | Ausstellung | Picasso und Bacon

Chronisten des Menschseins Picasso und Bacon in der Albertina

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Unter dem Eindruck Pablo Picassos fasste Francis Bacon den Entschluss, Maler zu werden: Sein Leben lang sollte er mit seinem großen Vorbild ringen – und letztlich danach streben, es zu übertreffen. Für die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts wollte Bacon das sein, was Picasso für die erste war: Chronist des Menschseins in all seiner Zerrissenheit. Beide Jahrhundertkünstler rückten die menschliche Existenz ins Zentrum ihrer Bildwelt. Beide beschäftigte der menschliche Körper – zerrissen, neu zusammengesetzt und mit radikaler Kraft neu erfunden. In ihren verzerrten Darstellungen zeigen sie Schmerz, Begierde und Verletzlichkeit und halten der modernen Seele einen schonungslosen Spiegel vor. Themen wie Kreuzigungen, Schreie, Stierkampf, Akte und die „Tränen des Eros“ offenbaren für beide das Drama des Lebens. In einer spannungsvollen Gegenüberstellung zeigt eine groß angelegte Ausstellung der Albertina Wien zurzeit diese beiden

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bedeutendsten figurativen Maler des Jahrhunderts: Rund 70 Schlüsselwerke aus internationalen Museen und Privatsammlungen von Chicago über Mexico-City bis London, Paris und Stockholm illustrieren in einer eindrucksvollen Konfrontation die Gemeinsamkeiten im Œuvre der beiden Meister und die Bedeutung Picassos für die nachfolgende Künstlergeneration. Die große Herbstausstellung „Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human“ im Rahmen des Programms zum 250. Jubiläums der Albertina ist bis zum 31. Januar 2027 zu sehen. Francis Bacon, geboren 1909 in Dublin als Sohn englischer Eltern, wird als Sechzehnjähriger aufgrund seiner Homosexualität aus dem Elternhaus verbannt und geht nach London. Im Jahr 1927 reist er nach Paris. Für Picasso ist dies ein äußerst kreatives Jahr, in dem er, inspiriert vom Surrealismus, an erotischen, biomorph

[1] Pablo Picasso, Dora Maar, 1940, 64 × 46 cm, Öl auf Papier, © Succession Picasso / VG Bild-Kunst, Bonn 2026, © Foto: bpk / Nationalgalerie, SMB, Museum Berggruen / Jens Ziehe. [2] Francis Bacon, Selbstporträt, 1972, 35,5 × 30,5 cm, Öl auf Leinwand, Private Collection © The Estate of Francis Bacon / All rights reserved / VG Bild-Kunst, Bonn 2026 und DACS, London 2026.

Ausstellung | Picasso und Bacon | 71

verformten Akten zu arbeiten beginnt. Unter dem Eindruck einer Ausstellung von Picassos Werken in der Seinemetropole, die dem 17-jährigen Bacon vermitteln, „wie es sich anfühlt, ein Mensch zu sein“, beschließt auch er, Künstler werden. Diese erste Begegnung mit dem innovativsten figurativen Künstler des 20. Jahrhunderts prägt Bacon für den Rest seines Lebens. Er wird für die zweite Jahrhunderthälfte das, was Picasso für die erste war: ein Spiegel der modernen Seele und der menschlichen Katastrophe zweier Weltkriege. 1962 lässt Picasso, selbst unbeeinflusst von Bacon, ihn wissen, sein Werk habe ihm „gefallen – einiges davon sehr“. Die Wiener Ausstellung vereint zwei eigentlich solitäre Giganten der figurativen Kunst: Picasso, virtuoser Zeichner, ist ganz in der Moderne und Überwindung akademischer Normen verhaftet. Bacon, Autodidakt, bereitet seine in Format, dunkler Lichtstimmung und Duktus geradezu altmeisterlichen, aber auch den Zufall miteinbeziehenden Gemälde akribisch vor. In ihrer Aggressivität, Materialität und Vitalität messen sie sich mit dem Abstrakten Expressionismus. Mit der ganzen Wucht ihrer Werke lenkt diese Zusammenschau jedoch den Fokus auf Bacons und Picassos gemeinsame Motivik und Geisteshaltung, die in Picassos Beitrag zum Surrealismus wurzeln. Beide stellen die Urinstinkte des Menschen dar, die Kunst eingeschlossen. Beide zielen direkt auf Intellekt und Emotionen. Sich in Schlössern drehende Schlüssel, aufgerissene Münder und Ringkämpfe verschlüsseln sexuelle Inhalte. Antibürgerlich und antiklerikal, verkehren sie kirchliche Rituale, überkommene Sexualmoral, Sadismus und Gewalt. Stets beziehen sie politisch Stellung, notieren Autobiografisches und thematisieren die großen existenziellen Fragen des Menschen zu Sexualität, Tod und der Sinnlosigkeit des Daseins. Vor allem aber glauben beide trotz zweier Weltkriege weiter an die ungeschmälerte Bedeutung des Menschen. Sie retten den menschlichen Körper vor der Abstraktion und setzen ihn gleichzeitig der radikalen Deformierung aus, bringen ihn an den Rand des Animalischen, zeigen ihn in Momenten der Konvulsion und gesteigerten Empfindung, stets in der Nähe tödlichen Schmerzes. Die menschliche Figur ist keine feste Größe. Sie ist ein Ort des Bruchs, der Neuerfindung, der Entblößung. Zu fragen, wie es sich anfühlt, Mensch zu sein, bedeutet nicht, nach seinem eigentlichen Wesen zu suchen, sondern sich seiner Instabilität zu stellen – dem Körper als Maske, Wunde, Schauplatz von Begierde und Gewalt, unsicher, zerbrechlich, sich ständig wandelnd. Die Ausstellung präsentiert die großen Themen der beiden Künstler: den direkten Einfluss von Picassos Surrealismus auf den jungen Bacon, die Paraphrasen der alten Meister, das Porträt und den Akt, das Animalische im Menschen, den Rausch der Erotik und den Tod.#

Ausstellung Bis 31. Januar 2027 Picasso – Bacon What It Feels Like to Be Human

Katalog Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human Ralph Gleis, Michael Pepplatt (Hrsg.), mit Beiträgen von Ralph Gleis, Michael Pepplatt, Martin Hammer, Michel Kurtz, Alyce Mahon, Ben Ware, geb., Hardcover, 184 S., 24 x 30 cm, Prestel Verlag, ISBN 9783791392141

Kontakt Albertina Albertinaplatz 1, 1010 Wien Tel. +43-1-53483-0 www.albertina.at

72 | Ausstellung | Judit Reigl

Mut zum Aufbruch Judit Reigl im Museum Reinhard Ernst

Eine Premiere, die bundesweit für Schlagzeilen sorgte: Auf Einladung des Museumsdirektors Clemens Weiler präsentierten im April 1957 jeweils acht französische und deutsche Maler*innen ihre abstrakten Kunstwerke – frisch aus ihren Pariser und deutschen Ateliers. Zum ersten Mal wurde eine Überblicksschau des jungen deutsch-französischen Informel nicht in kleinen Galerien oder Kunstvereinen gezeigt, sondern in der Mitte der Gesellschaft: in den ehrwürdigen Sälen des Städtischen Museums Wiesbaden. Siebzig Jahre später schlägt das Museum Reinhard Ernst (mre) in Wiesbaden dieses Kapitel wieder auf. Mit „Judit Reigl. Couleur vivante“ erinnert es an die historische Ausstellung von 1957 und rückt zugleich die einzige Teilnehmerin in den Fokus: die ungarisch-französische Malerin Judit Reigl (1923–2020), deren Werk heute zu den bedeutenden Positionen der europäischen Nachkriegsabstraktion zählt. Als im Frühjahr 1957 die Schau „Lebendige Farbe – Couleur vivante“ eröffnete, wurde in Wiesbaden die Wirkkraft der modernen Kunst neu vermessen. Vor den Gemälden wurde diskutiert, gestritten und gestaunt. Für viele Besucher*innen eröffnete diese gestische und ungezügelte Malerei eine völlig neue Erfahrung: Sie forderte die Sehgewohnheiten heraus und die Art, wie über Kunst gesprochen wurde. Was zunächst als Aktionsmalerei, Tachismus oder lyrische Abstraktion bezeichnet wurde, war eine Kunst des Aufbruchs. Farbe wurde nicht mehr nur auf-

[1] Plakat „couleur vivante – lebendige Farbe, französische und deutsche Maler, Ausstellung vom 7.4.–30.6.1957 im Museum Wiesbaden“ 1957, Papier, 58,9 x 83,4 cm, Leihgabe des Stadtarchivs, Wiesbaden, Signatur, StadtA WI, Pla 000, 14, Umschlag und Plakat: Bernard Schultze; Gestaltung: unbekannt.

Ausstellung | Judit Reigl | 73

getragen, sondern geworfen, geschüttet, gespritzt und gewischt. Die Bilder wirken unmittelbar, bewegt und voller Energie. Für das Publikum war diese freie, ungewohnte Malerei ein radikaler Gegenentwurf zur streng komponierten Kunst der Vergangenheit. Eine Ausstellungsbesprechung der Kunstkritikerin Anna Klapheck in der Rheinischen Post vom 18. April 1957 gibt Auskunft darüber, wie ungewohnt und intensiv diese neue Kunst auf ihr Publikum gewirkt haben muss: „Der Besucher der Wiesbadener Ausstellung sieht sich von explosiver Farbe umgeben, in diesen Bildern ist nichts mehr mathematische Formel, sondern alles strömendes Gefühl, das sich eruptiv in Kaskaden von Farbe befreit. Diese neue Art des Malens ist der Gegenstoss gegen die müde gewordene gedankliche Konstruktion. Der Tachismus, wie man den Stil genannt hat, erwies sich innerhalb der nichtfigurativen Malerei in jüngster Zeit als die stärkere Bewegung. Wiesbaden huldigt ihm.“ Die aktuelle Ausstellung im Museum Reinhard Ernst ist Teil eines gemeinsamen Jubiläumsprojektes mit dem Museum Wiesbaden und dem Nassauischen Kunstverein Wiesbaden. Alle drei Institutionen greifen die historische Ausstellung mit unterschiedlichen Schwerpunkten auf. „In einer Zeit, in der die Wunden Europas noch längst nicht verheilt waren, wurde Lebendige Farbe – Couleur vivante zu einem bemer-

kenswerten Zeichen kultureller Annäherung und gegenseitiger Offenheit“, sagt Dr. Oliver Kornhoff, Direktor des Museums Reinhard Ernst. „Die Auseinandersetzung mit der Kunst schuf einen Begegnungsraum, lange bevor sich politische Verständigungsprozesse vollständig etabliert hatten. Der damalige Museumsdirektor Clemens Weiler betonte, dass Lebendige Farbe – Couleur vivante kein abschließendes ‚Urteil fällen [wolle] über eine Bewegung, die noch in vollem Gange ist‘. Diese Aufgabe bleibe späteren Generationen vorbehalten. Siebzig Jahre später sind wir diese Generation. Und wir stellen fest, dass die Fragen, die Lebendige Farbe – Couleur vivante 1957 aufwarf – nach malerischer Freiheit und künstlerischer Erneuerung, nach gesellschaftlichem Wandel und kultureller Verständigung, nach wie vor hochaktuell sind.“

[2] Judit Reigl (1923–2020) in ihrem Atelier in Marcoussis, 1960, Foto: unbekannt, © Fonds de dotation Judit Reigl.

74 | Ausstellung | Judit Reigl

Die Ausstellung ist Teil eines gemeinsamen Projekts des Museum Reinhard Ernst mit dem Museum Wiesbaden und dem Nassauischen Kunstverein Wiesbaden.

Mit seiner Ausstellung stellt das Museum Reinhard Ernst das außergewöhnliche Werk Judit Reigls in den Mittelpunkt. Ihr Gemälde Éclatement („Explosion“, 1955) war bereits 1957 in Wiesbaden ausgestellt. Von diesem Ausgangspunkt aus eröffnet sich ein umfassender Blick auf Reigls künstlerische Entwicklung und ihre eigenständige Position innerhalb der europäischen Nachkriegsabstraktion der 1960er-Jahre. Im ersten Teil der Schau begegnen Besucher*innen zunächst jenen Kü nstler*innen, deren Werke 1957 fü r starke Reaktionen sorgten. Ausgesuchte Werke aus der historischen Ausstellung konnten nach umfangreichen Recherchen lokalisiert werden und sind nun erstmalig wieder in einer Ausstellung zu sehen. Dafür wurden Stücke aus internationalen Museen, Privatsammlungen und der Sammlung Reinhard Ernst zusammengetragen. Im Zentrum des zweiten Ausstellungsteils steht schließlich die ungarisch-französische Kü nstlerin Judit Reigl. Geboren 1923 in

der ungarischen Stadt Kapuvár nahe der österreichischen Grenze studierte sie – mit einer kriegsbedingten Unterbrechung – an der Akademie der Bildenden Künste in Budapest. Sie erhielt 1946 ein Stipendium für einen Aufenthalt an der Ungarischen Akademie in Rom. Aufenthalte in zahlreichen weiteren Städten Italiens folgten, bevor sie 1948 nach Budapest zurückkehrte. 1950 gelang ihr die Flucht aus dem stalinistischen Ungarn – nach acht missglü ckten Versuchen und einer dreimonatigen Reise nach Paris, die sie teilweise zu Fuß zurü cklegte. In der Hauptstadt der Kunst lebte Reigl ihre neugewonnene Freiheit aus. Sie entwickelte ihre unverwechselbare Bildsprache mit vollem Körpereinsatz: Reigl schleuderte Farbe auf großformatige Leinwände und fü llte den Bildraum mit Bewegung, Rhythmus und Tempo. Sie verzichtete auf die Arbeit mit Pinseln und fertigt ihre Malwerkzeuge selbst an. Ab 1955 entstanden die Werkserien Éclatement (Ausbruch), Centre de dominance (Kraftfeld), Guano,

[3] Éclatement , 1955, Öl auf Leinwand, 193,5 x 208,5 cm, Museum Reinhard Ernst, Wiesbaden, © Fonds de dotation Judit Reigl, VG Bild-Kunst, Bonn 2026 / Judit Reigl, Foto: Martin Url, Frankfurt am Main.

Ausstellung | Judit Reigl | 75

Ausstellung Bis 11. April 2027 Judit Reigl. Couleur vivante

Katalog Drei Wiesbadener Orte der Kunst erinnern an die Ausstellung „Lebendige Farbe – Couleur vivante“, die 1957 zum Ausdruck eines neuen Lebensgefühls nach dem Zweiten Weltkrieg wurde. 70 Jahre später greifen das Museum Reinhard Ernst, das Museum Wiesbaden und der Nassauische Kunstverein Wiesbaden dies gemeinsam auf und fragen, wie aktuell die Fragen nach Freiheit und dem Stellenwert moderner Kunst bis heute sind.

Erscheint im November 2026

Écriture en masse (Massenschrift) und Expérience d’apesanteur (Erfahrung der Schwerelosigkeit), an denen sie teils gleichzeitig oder nacheinander arbeitete. Judit Reigl bestritt zahlreiche Gruppen- und Einzelausstellungen, ihre Werke wurden in bedeutende internationale Sammlungen aufgenommen und – vor allem in Ungarn, Frankreich und den USA – gezeigt. Judit Reigl starb im August 2020 in Frankreich. 2023 zeigte die Neue Nationalgalerie in Wien die erste museale Einzelausstellung in Deutschland. Ihre Werke zeigen pure künstlerische Energie: Sie erzählen bis heute von dem unbeugsamen Wunsch nach Aufbruch und dem Mut, sich immer wieder neu zu erfinden.#

Couleur vivante Museum Wiesbaden, Reinhard und Sonja Ernst-Stiftung und Nassauischer Kunstverein Wiesbaden (Hrsg.), mit Beiträgen von Jörg Daur, Jana Dennhard, Lotte Diese, Andreas Henning, Anne-Kathrin Hinz, Oliver Kornhoff, Caroline Marié, Lea Schäfer, dt./engl., geb., Hardcover, 176 S. m. 79 Abb., 25 x 30,7 cm, DCV, ISBN 9783969122983

Kontakt Museum Reinhard Ernst

[4] Écriture en masse – Mutation VI, 1959, Öl auf Leinwand, 146,3 x 195,2 cm, Sammlung Reinhard Ernst / Reinhard Ernst Collection, Wiesbaden, © Fonds de dotation Judit Reigl / VG Bild-Kunst, Bonn 2026.

Wilhelmstraße 1, 65185 Wiesbaden Tel. +49-(0)611-7638888-0 www.museum-re.de www.couleur-vivante.de

Ausstellung | Correggio | 77

Meister der Farbe und des Lichts Meisterwerke von Correggio in der Gemäldegalerie Alte Meister Dresden

Die Werke von Antonio Allegri (1489–1534), bekannt unter dem Namen seines Geburtsortes Correggio, faszinieren seit 500 Jahren: Ihre Sinnlichkeit, ihr Licht, ihre strahlende Farbigkeit und ihr lebendiger Ausdruck verleihen ihnen bis heute eine erstaunliche Präsenz. Mit der ersten großen Retrospektive außerhalb Italiens zum Gesamtwerk des Malers präsentieren die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden (SKD) ein außergewöhnliches Highlight im Kulturkalender: „Correggio. Berührend menschlich“ ist bis zum 10. Januar 2027 im Semperbau am Zwinger zu sehen. Neben Leonardo, Raffael und Michelangelo zählt Correggio zu den Schlüsselfiguren der italienischen Malerei des 16. Jahrhunderts. Heute ist er einem breiteren Publikum jedoch kaum bekannt, und genau dies möchte die Dresdner Ausstellung nun ändern. Die Gemäldegalerie Alte Meister ist dafür der ideale Ort: Mit insgesamt vier der größten Tafelgemälden von Correggio besitzt sie

den weltweit umfangreichsten Bestand an Altargemälden von seiner Hand. An ihnen lässt sich seine künstlerische Entwicklung eindrucksvoll nachvollziehen. Ausgehend von diesem einzigartigen Schatz richtet die Ausstellung ihren Fokus auf Correggios meisterhafte Darstellung von Emotionen. Seine Werke sind „berührend menschlich“ – ganz gleich, ob sie christliche Heilige oder antike Gottheiten zeigen. Durch ihre lebhafte Mimik und Gestik wirken seine Figuren auch für ein heutiges Publikum nahbar; sie lassen die Betrachterinnen und Betrachter mitfühlen. In sieben Kapiteln bietet die Ausstellung ein umfassendes Panorama von Correggios Schaffen, welches die unterschiedlichen Facetten und Phasen seines Werks nachvollziehbar werden lässt. Insgesamt sind rund 130 hochkarätige Objekte, darunter allein

[1] Die Heilige Nacht, um 1528/30, Gemäldegalerie Alte Meister, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, © Gemäldegalerie Alte Meister, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Foto: Elke Estel, Hans-Peter Klut.

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20 Gemälde und weitere 20 Zeichnungen von Correggio selbst zu sehen. Gemälde von Zeitgenossen und Künstlern, die sich von ihm inspirieren ließen, darunter Parmigianino, Peter Paul Rubens, Carlo Maratti und Anton Raphael Mengs, ergänzen die Präsentation und veranschaulichen die Strahlkraft seiner Kunst.

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Leihgaben stammen aus internationalen Museen wie dem Prado in Madrid, der National Gallery in London, der Galleria Borghese in Rom, den Uffizien in Florenz oder dem Kunsthistorischen Museum in Wien. Aus dem Louvre sind gleich zwei Hauptwerke nach Dresden gereist: Neben Venus und Cupido mit Satyr (um 1526/1528), wird Correggios Mystische Vermählung der heiligen Katharina mit heiligem Sebastian (um 1525/1527) in der Ausstellung gezeigt, ein Gemälde, das seit seinem Eingang in die Sammlung noch nie außerhalb des Pariser Museums zu sehen war. Als weiteres großes Highlight präsentiert die Ausstellung Correggios Madonna des heiligen Sebastian (um 1524). Die Bildtafel konnte in den vergangenen Jahren im Schauatelier der Gemälde-

[2] Madonna des heiligen Sebastian, um 1524, Gemäldegalerie Alte Meister, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, © Gemäldegalerie Alte Meister, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Foto: Laura Princzess, Steffi Bodechtel, Jacob Franke. [3] Detailaufnahme der Restaurierung der „Madonna des heiligen Sebastian“, © Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Foto: Klemens Renner.

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Die „Madonna des heiligen Sebastian“ wurde um 1524 von Correggio für die Bruderschaft des heiligen Sebastian in Modena gemalt. Historische Überlieferungen belegen, dass das Altarbild bereits im Besitz der Bruderschaft beschädigt war und sich sein Zustand in den folgenden Jahrhunderten verschlechterte. Im Rahmen des Dresdner Forschungsprojekts wurden Erhaltungszustand, Schadensursachen und Aspekte zu Correggios Maltechnik untersucht sowie eine umfassende Konservierung und Restaurierung von Malschicht und Bildträger vorgenommen.

Ausstellung Bis 10. Januar 2027 Correggio. Berührend menschlich

galerie Alte Meister restauriert werden. Nachdem das Werk eingehend untersucht, stabilisiert, gekittet und retuschiert wurde, erstrahlt es nun wieder in seiner ursprünglichen farblichen Brillanz und rückt Correggio damit als Meister der Farbe und des Lichts in den Blick. Dem Prozess der Restaurierung und der maltechnischen Untersuchung widmet die Ausstellung ein eigenes Kapitel.

Katalog Correggio. Berührend menschlich

Ein weiterer Höhepunkt ist die Präsentation der Heiligen Nacht (um 1528/30). Die monumentale Altartafel galt im 18. Jahrhundert als das bedeutendste Werk der Dresdner Gemäldesammlung. Hier wird sie nun zusammen mit anderen Werken gezeigt, in denen sich Correggio mit Hell-Dunkel-Effekten auseinandersetzt, sowie mit Arbeiten anderer Künstler, welche die breite Wirkungsgeschichte von Correggios berühmtestem Gemälde veranschaulichen. Correggios grandiose Fresken an verschiedenen Orten in Parma sind ein bedeutender Teil seines künstlerischen Schaffens und dürfen in einer Überblicksschau nicht fehlen, auch wenn sie ortsgebunden sind. Zu diesem Zweck haben die SKD sie in der Kirche San Giovanni Evangelista sowie im Dom Santa Maria Assunta mithilfe einer Drohne umfassend fotografisch neu erfasst. Die Bilder konnten zu einem digitalen 3D-Modell zusammengesetzt werden, welches sich als Projektion in der Ausstellung findet. So erlebt das Publikum auf spektakuläre Weise die KuppelFresken so nah wie nie zuvor.#

Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Holger Jacob-Friesen, Andreas Plackinger (Hrsg.), geb., 392 S., 284 meist farbige Abb., 27,5 × 23 cm, Sandstein Kultur, ISBN 9783954989348

Kontakt Gemäldegalerie Alte Meister Semperbau am Zwinger Theaterplatz 1, 01067 Dresden Tel. +49-(0)351-49142000 www.gemaeldegalerie.skd.museum

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Deutschland Aachen

Ludwig Forum für Internationale Kunst

Jacek Malczewski, Polnischer Hamlet – Portrait von Aleksander Wielopolski, 1903 © Foto: Piotr Ligier / Muzeum Narodowe w Warszawie Bis 17. Januar 2027 InterNationalgalerie 1. Nationalmuseum in Warschau Alte Nationalgalerie www.smb.museum

Jülicher Straße 97–109, 52070 Aachen Tel. +49-(0)241-1807-104 www.ludwigforum.de Bis 15. November 2026: Body Matters. Körperlichkeit in der Videokunst der 1970er-Jahre. Bis 31. Dezember 2026: Jesko Fezer und die Kooperative für Darstellungspolitik. Aktuelle Prozessgestaltung. Bis 4. April 2027: As My Hands Became the Leaves. Landschaft und Umwelt in der Sammlung Ludwig. Bis 4. April 2027: 30 Werke für 100 Tage – Die Sammlung Ludwig und die Gegenwartskunst. Bis 4. April 2027: Margit Palme. Neuzugänge. 28. November 2026 bis 30. Januar 2027: Iván Argote. Hier Zusammen. 28. November 2026 bis 30. Januar 2027: public/public. Zum Verhältnis von Kunst und Öffentlichkeit. Baden-Baden

Museum Frieder Burda Lichtentaler Allee 8b, 76530 Baden-Baden Tel. +49-(0)7221-398980 www.museum-frieder-burda.de Bis 10. Januar 2027: Entfaltung der Farbe. Simon Hantaï. 23. Januar bis 20. Juni 2027: Europa im Pop-Fieber. Von Erró bis Sigmar Polke. 23. Januar bis 20. Juni 2027: Kirchner bis Picasso. Figurative Meisterwerke der Sammlung Frieder Burda. Berlin Shilpa Gupta, Untitled, 2008/25 Ausstellungsansicht „Shilpa Gupta. What Still Holds“, Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, © Shilpa Gupta, Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie / Foto: Luca Girardini Bis 3. Januar 2027 Shilpa Gupta. What Still Holds Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart www.smb.museum

Alte Nationalgalerie Bodestraße, 10178 Berlin Tel. +49-(0)30-266424242 www.smb.museum Bis 15. November 2026: Skandal! Hermione von Preuschen und der Mors Imperator. Bis 17. Januar 2027: InterNationalgalerie 1. Nationalmuseum in Warschau. Bis 28. Februar 2027: Über Zeiten. Gursky, Lucas, Miró, Warhol und die Kunst des langen 19. Jahrhunderts.

Gemäldegalerie Matthäikirchplatz, 10785 Berlin Tel. +49-(0)30-266424242 www.smb.museum Bis 10. Januar 2027: Daniel Chodowiecki 1726–1801. Berliner Bilder der Aufklärung. Bis 14. März 2027: Porträts! Überraschende Begegnungen von Botticelli bis Lempicka.

Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart Invalidenstraße 50–51, 10557 Berlin Tel. +49-(0)30-266424242 www.smb.museum Bis 3. Januar 2027: Shilpa Gupta. What Still Holds. Bis 10. Januar 2027: Chanel Commission: Lina Lapelyté. We Make Years Out of Hours. Bis 28. Februar 2027: [materialistin]. Matter of Care, Care of Matter. Bis auf Weiteres: Tausendmal Berlin. Die Sammlung der Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart. Bis 20. Juni 2027: Ryuichi Sakamoto. Seeing sound, hearing time. Bis 27. Juni 2027: Next Door. Tacita Dean, Thomas Demand, Olafur Eliasson, Henrik Håkansson, Tomás Sareceno. 13. November 2026 bis 4. April 2027: Sophie Calle. Is It Better?

Humboldt Forum Schloßplatz, 10178 Berlin Tel. +49-30-992118989 www.humboldtforum.org Bis 9. November 2026: Verwandt sein: geteilte Sprache, geteiltes Wissen? Bis 30. November 2026: Manatunga. Künstlerische Interventionen von George Nuku. Bis 8. Dezember 2026: Freunde der Kunst Ostasiens. Zur Gründung der Gesellschaft für Ostasiatische Kunst von 100 Jahren. Bis 15. Februar 2027: Mirae kh Rhee Weiterreichen. Bis 8. März 2027: Restaurierung im Dialog. Bis 8. März 2027: Feliciano Lana. Die Geschichte der Weißen. Bis 30. März 2027: Auf ruhigen Flüssen der turbulenten Welt entfliehen. Fischer und einsame Boote in der Malerei Chinas. Bis 31. März 2027: Fuga. Klangausstellung von Netta Weiser. Bis 31. Januar 2028: Time Machine Infinitum. Queeres migrantisches Berlin. Bis 7. Juni 2027: Geschichte(n) Tansanias. Bis 30. August 2027: Wenn ich König*in wäre … Junge Visionen aus Neukölln.

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Kupferstichkabinett Matthäikirchplatz, 10785 Berlin Tel. +49-(0)30-266424242 www.smb.museum Bis 31. Januar 2027: Rubens, Jordaens, van Dyck. Flämische Meisterzeichnungen.

Martin-Gropius-Bau Niederkirchnerstr. 7, 10963 Berlin Tel. +49-(0)30-25486-0 www.berlinerfestspiele.de Bis 6. Dezember 2026: Gabriele Stötzer: Dabei sein und nicht schweigen. Bis 17. Januar 2027: Christoph Schlingensief: Es ist nicht mehr mein Problem, macht eure Scheiße alleine. Bis 17. Januar 2027: Kreuzberg: Kunst und Migration seit 1960.

Museum für Fotografie Jebensstraße 2, 10623 Berlin Tel. +49-(0)30-266424242 www.smb.museum Bis 15. November 2026: Helmut Newton’s One-off Album. Bis 15. November 2026: Rooms / Stages. Bis 31. Dezember 2027: Intermezzo. Revisiting Helmut Newton. 3. Dezember 2026 bis 16. Mai 2027: Helmut Newton’s Early Books. 4. Dezember 2026 bis 18. April 2027: Echt Foto! Fotografie zwischen Papier und Pixel.

Neue Nationalgalerie Potsdamer Straße 50, 10785 Berlin Tel. +49-(0)30-266424242 www.smb.museum Bis 3. Januar 2027: Ruin und Rausch. Berlin 1910–1930. Bis 7. März 2027: Maurizio Cattelan. NIGHT. Preis der Nationalgalerie 2026. Bis 25. April 2027: Christoph Schlingensief. Deutschlandsuche ‘99. Bis 4. April 2027: Zerreißprobe. Kunst zwischen Politik und Gesellschaft. Sammlung der Nationalgalerie 1945– 2000. Bis auf Weiteres: Gerhard Richter. 100 Werke für Berlin. Sammlung der Nationalgalerie 1945–2000. 28. November 2026 bis 2. Mai 2027: Ulay, Ulay & Abramovic.

Bonn

Kunstmuseum Bonn Friedrich-Ebert-Allee 2, 53113 Bonn Tel. +49-(0)228-776260 www.kunstmuseum-bonn.de Bis 31. Dezember 2027: Zoom in. Hito Steyerl: Animal Spirits. Bis 11. Juni 2028: Kraftfelder. Neue Perspektiven aus der Sammlung. 8. No vember 2026 bis 16. Mai 2027: Herlinde Koelbl. Fadenkreuze für das Leben. 26. November 2026 bis 14. März 2027: Freiräume. Zwischen Wandel und Widerstand. 29. November 2026 bis 14. März 2027: Jacques Tilly. Wagen und Widerstand.

Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland Museumsmeile Bonn, Friedrich-Ebert-Allee 4 53113 Bonn, Tel. +49-(0)228-9171-0 www.bundeskunsthalle.de Bis 2. Mai 2027: Nie wieder! Gegen das Vergessen der NS-Verbrechen. 4. Dezember 2026 bis 29. März 2027: Vanguardistas. 100 Jahre lateinamerikanische Künstlerinnen. 6. Dezember 2026 bis 24. Januar 2027: El ArakawaNash. Mega Pleas Draw Freely.

Gustav Wunderwald, Gartenstraße in Berlin N, 1927 Neue Nationalgalerie, Eigentum des Landes Berlin, Foto: Andres Kilger. Bis 3. Januar 2027 Ruin und Rausch. Berlin 1910–1930 Neue Nationalgalerie www.smb.museum

Museum August Macke Haus Hochstadenring 36, 53119 Bonn Tel. +49-(0)228- 655531 www.august-macke-haus.de Bis 31. Januar 2027: Chunqing Huang: Reflections. Bremen

Kunsthalle Bremen Am Wall 207, 28195 Bremen Tel. +49-421-32908-0 www.kunsthalle-bremen.de Bis 28. Februar 2027: Remix. Photographie – Fiktion und Wahrheit. Bis 28. März 2027: Der Dackel. Eine Ikone geht Gassi.

Neues Museum Weserburg Bremen Teerhof 20, 28199 Bremen Tel. +49-(0)421-59839-0, www.weserburg.de Bis 29. August 2027: Edition S Press. Gedichte, die man hören muss. 14. November 2026 bis 28. März 2027: Better Together! Aase & Poul Gernes.

Jacques Tilly im Atelier © Jacques Tilly, Foto: © Ricarda Hinz 29. November 2026 bis 14. März 2027 Jacques Tilly. Wagen und Widerstand Kunstmuseum Bonn www.kunstmuseum-bonn.de

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Paula Modersohn-Becker Museum Böttcherstraße 6, 28195 Bremen Tel. +49-(0)421-33882-22 www.museen-boettcherstrasse.de Bis 21. Februar 2027: 150 / 100. Paula Modersohn-Becker Museum 2026/2027. 14. November 2026 bis 21. Februar 2027: Paula Modersohn-Becker: Short Stories. 14. November 2026 bis 21. Februar 2027: AURA. Paula Modersohn-Becker. Die Bildnisse. Dresden

Franz Marc, Kinderbild (Katze hinter einem Baum), 1910/11, Öl auf Leinwand, 70,2 x 50 cm, Privatsammlung. Bis 24. Januar 2027 Franz Marc. Die Suche nach einer besseren Welt Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen K 20 www.kunstsammlung.de

Staatliche Kunstsammlungen Dresden Dresdner Zwinger mit Semperbau Theaterplatz, 01067 Dresden Tel. +49-(0)351-49142000 www.skd.museum Bis 10. Januar 2027: Correggio. Berührend menschlich.

Staatliche Kunstsammlungen Dresden Residenzschloss Taschenberg 2, 01067 Dresden Tel. +49-(0)351-49142000 www.skd.museum Bis 3. Januar 2027: Auf ex! Willkommpokale im Grünen Gewölbe. Bis 17. Januar 2027: Ich bin ein Sender … Die Zeichnungen von Joseph Beuys. Bis 3. Januar 2027: Unbekanntes aus Italien. Zeichnungen des 16. Jahrhunderts neu erforscht.

Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen K 21 Ständehausstraße 1, 40217 Düsseldorf Tel. +49-(0)211-8381204 www.kunstsammlung.de 14. November 2026 bis 11. April 2027: Thomas Schütte.

Kunstpalast Ehrenhof 4–5, 40479 Düsseldorf Tel. +49-(0)211-8996260 www.kunstpalast.de Bis 10. Januar 2027: Immendorff. Bis 7. Februar 2027: Niki de Saint Phalle. Dream Machine. Bis 7. Februar 2027: Winfred Gaul. Bis 21. Februar 2027: Spot on. 100 Jahre GeSoLei. Bis 21. Februar 2027: GYM. Fit mit Kunst. Duisburg

Stiftung Wilhelm Lehmbruck Museum Friedrich-Wilhelm-Straße 40 47049 Duisburg, Tel. +49-(0)203-2832630 www.lehmbruckmuseum.de Bis 13. Dezember 2026: Dejan Sarić. In Between. 22. November 2026 bis 3. Januar 2027: Begehren und Revolte. Meisterwerke des Expressionismus. Sammlungspräsentation. 22. November 2026 bis 3. Januar 2027: Vor Ort 2026. Interessengemeinschaft Duisburger Künstler. Emden

Albertinum Tzschirnerplatz 2, 01067 Dresden Tel.+49-(0)351-49142000 www.albertinum.skd.museum Bis 22. August 2027: Das große Drama. Auguste Rodin und der Streit um die Moderne.

Ausstellungsansicht „Auf ex! Willkomm-Pokale im Grünen Gewölbe“ © Staatliche Kunstsammlungen Dresden, F oto: Anna Werner Bis 3. Januar 2027 Auf ex! Willkommpokale im Grünen Gewölbe. Staatliche Kunstsammlungen Dresden Residenzschloss www.skd.museum

Düsseldorf

Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen K 20 Grabbeplatz 5, 40213 Düsseldorf Tel. +49-(0)211-8381130 www.kunstsammlung.de Bis 24. Januar 2027: Franz Marc. Die Suche nach einer besseren Welt. Bis auf Weiteres: Raus ins Museum! Rein in Deine Sammlung. Meisterwerke von Etel Adnan bis Andy Warhol.

Kunsthalle in Emden Hinter dem Rahmen 13, 26721 Emden Tel. +49-(0)4921-97500 www.kunsthalle-emden.de Bis 28. Februar 2027: Große Buchstaben, grelle Farben. Schrift als Kunst – Kunst als Schrift. Bis 28.Februar 2027: Rebellinnen. Frankfurt

Städel Museum Schaumainkai 63, 60596 Frankfurt Tel. +49-(0)69-6050980 www.staedelmuseum.de Bis 17. Januar 2027: Elmgreen & Dragset. Stillleben mit Gemüse. Bis 17. Januar 2027: Maria Magdalena. Sin. Pray. Love. 2. Dezember 2026 bis 28. Februar 2027: SurFace. Über Haut.

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Liebieghaus Skulpturensammlung Schaumainkai 71, 60596 Frankfurt Tel. +49-(0)69-605098200, www.liebieghaus.de 18. November 2026 bis 25. Juli 2027: Bühne frei für Athena. Das Parthenon-Puzzle. Hagen

Emil Schumacher Museum Museumsplatz 1, 58095 Hagen Tel. +49-(0)2331–2073138, www.esmh.de Bis 20. Dezember 2026: Emil Schumacher. Indemini – „Der Erde näher als den Sternen“. Bis 17. Januar 2027: Benedikt Hipp. Songs from the Orbs. Hamburg

Bucerius Kunst Forum Alter Wall 12, 20457 Hamburg Tel. +49-(0)40-3609960 www.buceriuskunstforum.de Bis 29. März 2027: Von Monet bis Picasso. Jüdische Kunstsammler*innen in Deutschland.

Hannover

Sprengel Museum Hannover Kurt-Schwitters-Platz, 30169 Hannover Tel. +49-(0)511-168-43875 www.sprengel-museum.de Bis 29. März 2027: Anton Henning. 28. November 2026 bis 21. Februar 2027: Nevin Aladag. Kurt Schwitters Preis 2026 der Niedersächsischen Sparkassenstiftung. 2. Dezember 2026 bis 21. März 2027: Hannes Malte Mahler. Köln

Museum Ludwig Heinrich-Böll-Platz, 50667 Köln Tel. +49-(0)221-221-26165 www.museum-ludwig.de Bis 8. November 2026: Hier und Jetzt im Museum Ludwig. De/Collecting Memories from Turtle Island. Bis Juli 2028: Schultze Projects #5. Jana Euler. Bis 7. März 2027: Along the Color Line. Spuren einer transatlantischen Moderne. Bis 4. April 2027: Man Ray: Kiki. 7. November 2026 bis 4. April 2027: Lee Ufan. Wolfgang-Hahn-Preis 2026.

Carrie Yamaoka, Cast bag (blue), 2025, Gegossenes Urethanharz und Mischtechnik, 82,5 x 20,3 x 5 cm © Courtesy the artist, Commonwealth and Council (LA), Kiang Malingue (HK/NYC) and Ulterior Gallery (NYC), Foto: Carrie Yamaoka. 10. Januar 2027 Carrie Yamaoka. Maria Lassnig Preis Hamburger Kunsthalle www.hamburger-kunsthalle.de

Deichtorhallen Hamburg Deichtorstraße 1–2, 20095 Hamburg Tel. +49-(0)40-23103-200 www.deichtorhallen.de Bis 4. April 2027: Joyce Pensato. Eyes for You (Sammlung Falckenberg). Bis 29. März 2027: Hito Steyerl. Deine Mudda macht Show. 20. November 2026 bis 4. April 2027: Tomorrow’s Ghosts – (Zeit-)Geister des Fotografischen. Expanded Horizons – Neue fotografische Perspektiven.

Hamburger Kunsthalle Glockengießerwall, 20095 Hamburg Tel. +49-(0)40-428131-200 www.hamburger-kunsthalle.de Bis 14. November 2027: Impressionismus. Deutsch-Französische Begegnungen. Bis 10. Januar 2027: Carrie Yamaoka. Maria Lassnig Preis. Bis 21. Februar 2027: David Novros. Painting. Bis 11. April 2027: Skulptural. Die neuen Galerien. Bis 30. Mai 2027: This is he modern world. Durchbrüche in der Kunst 1900–1960. 20. November 2026 bis 2. Mai 2027: Unstable Media in the 21st Century. Highlights der Sammlung Neue Medien des Centre Pompidou. 9. Dezember 2026 bis 3. Januar 2027: Signa. Ich lüge, um zu weinen.

München

Alte Pinakothek Barer Straße 27, 80333 München Tel. +49-(0)89-23805216, www.pinakothek.de Bis 31. Dezember 2026: Alte Meister in Bewegung. Bis 31. Januar 2027: Das „Schlaraffenland“ von Pieter Bruegel d.Ä. und seine Erwerbsgeschichte. Ein Beispiel jüdischen Mäzenatentums zu Beginn des. 20. Jahrhundert. Bis 31. Januar 2027: Menschenbilder. Porträt- und Genrefotografie aus der Sammlung Dietmar Siegert. Bis 31. Dezember 2027: Von Turner bis van Gogh. Meisterwerke der Neuen Pinakothek in der Alten Pinakothek. 26. November 2026 bis 4. April 2027: Liaisons Françaises. Französische Malerei in Bayern von Claude Lorrain bis François Boucher.

Haus der Kunst Prinzregentenstraße 1, 80538 München Tel. +49-(0)89-21127113 www.hausderkunst.de Bis 7. Dezember 2026: Steina: Playback. Bis 31. Dezember 2026: Ausstellung der Ausstellungen. Bis 7. Februar 2027: Tao Schirrmachers

Ausstellungsansicht „Ausstellung der Ausstellungen“, Haus der Kunst München, 2025 Foto: Judith Buss. 31. Dezember 2026 Ausstellung der Ausstellungen Haus der Kunst www.hausderkunst.de

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Sammlung. Eisbach Treasures. Bis 7. Februar 2027: Maria VMier. I follow the wind through the stone. 17. Juli 2026 bis 7. Februar 2027: Tomás Saraceno. Verwobene Welten. 20. November 2026 bis 16. Mai 2027: Diane Severin Nguyen. Powerless.

Pinakothek der Moderne Théodore Rousseau, Wald bei Sonnenuntergang im Winter, nach 1846, Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München, Dauerleihgabe der Christoph Heilmann Stiftung, Foto: Lenbachhaus. Bis 31. Januar 2027 Was zu verschwinden droht, wird Bild. Mensch – Natur – Kunst Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München www.lenbachhaus.de

Barer Straße 40, 80333 München Tel. +49-(0)89-23805-360 www.pinakothek.de Bis 8. November 2026: Georg Baselitz (1938– 2026). Werke der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen. Bis 29. August 2027: Between & Beyond. Zwischenräume und Übergänge. Kunst und Raum seit 1960. Bis 21. Februar 2027: Die Nacht berührt die Erde. Fritz Winters Kosmos der 1930er- und 1940er-Jahre. Bis 31. Dezember 2026: Can You Imagine? | Part II & III. 11. Dezember 2026 bis 25. April 2027: Can You Imagine? | Zu Gast am Bauhaus. Florence Henri und Alfred Ehrhardt.

Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München Luisenstraße 33, 80333 München Tel.+49-(0)89-23396933, www.lenbachhaus.de Bis 31. Januar 2027: Shifting the Silence. Die Stille verschieben. Gegenwartskunst im Lenbachhaus. Bis 31. Januar 2027: Was zu verschwinden droht, wird Bild. Mensch – Natur – Kunst. Bis 25. April 2027: Maria Jarema. Revolutionäre Kommissarin der Abstraktion. Potsdam

Museum Barberini

Concerto for TV Cello von Nam June Paik, performt von Charlotte Moorman, Foto: Hanns Sohm, 6.7.1974, © Staatsgalerie Stuttgart, Archiv Sohm, erworben 1981 mit Lotto-Mitteln. Bis 31. Januar 2027 Bäng! Radikale Künstlerinnen aus dem Archiv Sohm Staatsgalerie Stuttgart www.staatsgalerie.de

Alter Markt, Humboldtstraße 5–6 14467 Potsdam, Tel. +49-(0)331-236014-499 www.museum-barberini.de 7. November 2026 bis 21. Februar 2027: Die Impressionisten. Monet, Morisot, Renoir und ihr Netzwerk. Stuttgart

Staatsgalerie Stuttgart Konrad-Adenauer-Straße 30–32 70173 Stuttgart, Tel. +49-(0)711-47040-0 www.staatsgalerie.de Bis 31. Januar 2027: Bäng! Radikale Künstlerinnen aus dem Archiv Sohm. 27. November

2026 bis 11. April 2027: Albtraum und Vision. Zwischen Schatten und Erleuchtung. 4. Dezember 2026 bis 11. April 2027: Alles surreal?! Fotografie im Kosmos des Surrealismus. Bis 31. Dezember 2027: This is Tomorrow. Neupräsentation der Sammlung des 20./21. Jahrhunderts. Weil am Rhein

Vitra Design Museum Charles-Eames-Str. 1, 79576 Weil am Rhein Tel. +49-(0)7621-7023200 www.design-museum.de Bis 28. Februar 2027: Geoffrey Bawa. Architektur für die Sinne. Bis 9. Mai 2027: Verner Panton. Form, Farbe, Raum. Wiesbaden

Museum Wiesbaden Hessisches Landesmuseum für Kunst und Natur Friedrich-Ebert-Allee 2, 65185 Wiesbaden Tel. +49-(0)611-3352250 (-51) www.museum-wiesbaden.de Bis 22. November 2026: Unter Druck. Politische Plakate 1918–1933. Bis 10. Januar 2027: Brutpflege – Liebe ohne Wort. Studienausstellung. Bis 17. Januar 2027: Jugendstil und Symbolismus. Georg Lührig: Ein Meister aus Dresden. Bis 21. Februar 2027: Daniela Comani – Orlando’s Library. Intervention. Bis 4. April 2027: Max und mini – Studienausstellung. Bis 4. April 2027: Tödliche Gaben. Bis 4. April 2027: Jan Muche – Ein Schritt vor, zwei Schritt zurück. Intervention. Bis 21. Februar 2027: Die Blauen Reiterinnen. 13. November 2026 bis 2. Mai 2027: Couleur vivante. Mit schönen Grüßen von Spinne und Bär! 11. Dezember 2026 bis 14. Februar 2027: Win Win 2026. Kunsthochschule Mainz – Museum Wiesbaden.

Museum Reinhard Ernst Wilhelmstraße 1, 65185 Wiesbaden Tel. +49-(0)611-763 88880 www.museum-re.de 15. November 2026 bis 11. April 2027: Judit Reigl. Couleur vivante.

Termine | 85

Wuppertal

Skulpturenpark Waldfrieden Hirschstraße 12, 42285 Wuppertal Tel. +49-(0)202-47898120 www.skulpturenpark-waldfrieden.de Bis 3. Januar 2027: Tony Cragg – New Works. Bis 3. Januar 2027: Farbe, Farbe! Willi Baumeister, Franz Krause, Oskar Schlemmer.

Von der Heydt-Museum Turmhof 8, 42103 Wuppertal Tel.+49-(0)202-563-6231 www.von-der-heydt-museum.de Bis 14. Februar 2027: Schön & streng. Die Macht des Ornaments. Von Henri Matisse bis heute. Bis 10. Januar 2027: Museum A bis Z. Von Anfang bis Zukunft. Bis Mai 2027: Zeiten und Räume. Klassiker der Sammlung. Ruisdael bis Giacometti.

Musée de l’Orangerie Jardin des Tuileries, Place de la Concorde 75001 Paris, Tel. +33-(0)1-44504300 www.musee-orangerie.fr Bis 25. Januar 2027: Monet, painting time. Bis 15. Februar 2027: Vija Celmins.

Österreich Bregenz

Kunsthaus Bregenz Karl-Tizian-Platz, 6900 Bregenz Tel. +43-(0)5574-485-94-0 www.kunsthaus-bregenz.at Bis 24. Januar 2027: Torkwase Dyson.

Paris

Musée d’Art Moderne de Paris 11 Avenue du Président Wilson, 75116 Paris Tel. +33-1-53674000, www.mam.paris.fr Bis 4. Januar 2027: Daniel Dezeuze. Bis 4. Januar 2027: Florian Krewer. Woven thin*. Bis 4. Januar 2027: Stéphane Bordarier. Bis 4. Januar 2027: Mariella Simoni. Bis 4. Januar 2027: Jean-François Bauret. Bis 10. Januar 2027: Autumn Festival: Lubaina Himid at the MAM. A Fashionable Marriage*. Bis 24. Januar 2027: Kerry James Marshall. The Histories*. Bis 24. Januar 2027: Simone Fattal. Cities at the bottom of a lake. Bis 7. Februar 2027: Marcel Duchamp Prize 2026.

Musée du Louvre Rue de Rivoli, 75001 Paris Tel. +33-(0)1-40205050, www.louvre.fr Bis 6. Dezember 2026: Affinities. Islamic Art Wonders in the Department of Decorative Arts. Bis 11. Januar 2027: Michel Lacoste’s Donation to the Musée du Louvre. Bis 25. Januar 2027: Zurbarán (1598–1664). Bis 25. Januar 2027: Sculpting Colour. Masterpieces from the Museo Nacional de Escultura, Valladolid. Bis 15. März 2027: Primeval Waters. Lessons from Mesopotamia. Bis 3. Mai 2027: Louvre Photo.

Bis 10. Januar 2027 Museum A bis Z. Von Anfang bis Zukunft

Wien

Albertina

Frankreich

Ottilie W. Roederstein, Drei Lebensalter, 1900, Tempera auf Pappe, 50 x 61 cm, Foto: Von der Heydt-Museum Wuppertal.

Von der Heydt-Museum www.von-der-heydt-museum.de

Albertinaplatz 1, A–1010 Wien Tel. +43-(0)1-53483-0, www.albertina.at Bis 10. Januar 2027: Otto meets Albertina. Bis 31. Januar 2027: Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human. Bis 14. Februar 2027: Her Story. Künstlerinnen der Albertina. Bis 28. Februar 2027: Shara Hughes. Sink in. 13. November 2026 bis 25. April 2027: Arnulf Rainer.

Albertina Modern Karlsplatz 5, 1010 Wien Tel. +43-(0)1-534830, www.albertina.at Bis 8. November 2026: Vasarely – Adrian. Dynamische Raster. 6. November 2026 bis 29. März 2027: Franz West. Die Revolution der Skulptur.

MUMOK – Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, MuseumsQuartier, Museumsplatz 1, 1070 Wien Tel. +43-(0)1-525 00, www.mumok.at Bis 7. Februar 2027: Terminal Piece. 14. November 2026 bis 4. April 2027: Push and Pull: A Furniture Comedy. 5. Dezember 2026 bis 30. Mai 2027: Verena Paravel: Cosmofonia.

Torkwase Dyson, Ausstellungsansicht 1., Obergeschoss Kunsthaus Bregenz, 2026, Foto: Markus Tretter, © Torkwase Dyson, Kunsthaus Bregenz, Courtesy of the artist. Bis 24. Januar 2027 Torkwase Dyson Kunsthaus Bregenz www.kunsthaus-bregenz.at

86 | Termine

Kunsthistorisches Museum Wien Maria-Theresien-Platz, 1010 Wien Tel. +43-(0)1-52524-0, www.khm.at Bis 29. März 2027: Tatort Ephesos. Kleopatra und Rom. Bis 14. März 2027: U(h)rknall – mit einer römischen Taschensonnenuhr auf Reisen. 2. Dezember 2026 bis 4. April 2027: Bernini. Malerei und Marmor.

Wien Museum

Ferdinand Hodler, Bildnis Gertrud Müller, 1911, Öl auf Leinwand, 175 x 132,5 cm, © Kunstmuseum Solothurn, Dübi-Müller-Stiftung, Foto: Kunstmuseum Solothurn. Bis 7. Februar 2027 Van Gogh, Hodler und ein Cabriolet. Die Sammlerin und Pionierin Gertrud Dübi-Müller Kunstmuseum Basel www.kunstmuseumbasel.ch

Karlsplatz 8, 1040 Wien Tel. +43-1505-874745173 www.wienmuseum.at Bis 28. März 2027: Farbenspiel. Mode aus vier Jahrhunderten. 6. November 2026 bis 2. Mai 2027: Franz West und Wien.

Schweiz Basel

Kunsthalle Basel Steinenberg 7, 4051 Basel Tel +41-(0)61-2069900 www.kunsthallebasel.ch Bis 15. November 2026: Gili Tal. Light and Airy. Bis 15. August 2027: Samuel Guerrero. Sol Roto. Bis 24. Januar 2027: Özgür Kar. Rock Bottom. 28. November 2026 bis 3. Januar 2027: Far Reach. Regionale 27.

Kunstmuseum Basel

Ruth Asawa, Untitled (WC.003, Cherries in a Bowl), Mitte 1980erbis Anfang 1990er-Jahre, © 2026 Ruth Asawa Lanier, Inc., Courtesy David Zwirner. Bis 10. Januar 2027 Ruth Asawa Fondation Beyeler www.fondationbeyeler.ch

St. Alban-Graben 16, 4010 Basel Tel. +41-(0)61-2066262 www.kunstmuseumbasel.ch Bis 7. Februar 2027: Freundschaft, Sammeln, Kunstsinn. Karl und Marianne Im OberstegBuess. Bis 14. März 2027: Roy Lichtenstein. Sweet Dreams, Baby! Bis 7. Februar 2027: Van Gogh, Hodler und ein Cabriolet. Die Sammlerin und Pionierin Gertrud Dübi-Müller. Basel/Riehen

Fondation Beyeler Baselstrasse 101, 4125 Riehen/Basel Tel. +41-(0)61-6459700 www.fondationbeyeler.ch Bis 10. Januar 2027: Ruth Asawa. Bis 5. September 2027: Constellations. 31. Januar bis 17. Mai 2027: Frida Kahlo.

Zürich

Kunsthaus Zürich Heimplatz 1, 8001 Zürich Tel. +41-(0)44-2538484, www.kunsthaus.ch Bis 31. Dezember 2026: Wu Tsang. „La montaña invertida“. Bis 10. Januar 2027: Ikonen. Ausgewählte Werke aus der Sammlung. Bis 21. Februar 2027: Maria Lassnig und Edvard Munch.

Museum für Gestaltung Zürich Ausstellungsstrasse 60, 8005 Zürich Tel. +41-43-4466767 www.museum-gestaltung.ch Bis 29. November 2026: Bauen für die Macht. Bis 3. Januar 2027: Christoph Hefti – The Missing Cat und andere textile Stories. Bis 21. Februar 2027: Avantgarde – Grafikdesign im Aufbruch. Bis 4. April 2027: Sabine Marcelis – Light and Color.

Spanien Madrid

Museo Nacional del Prado Calle Ruiz de Alarcón, 23, 28014 Madrid Tel. +34-(0)91-3302800 www.museodelprado.es Bis 17. Januar 2027: Ricardo de Madrazo (1852–1917): Dibujos y acuarelas. Bis 7. Februar 2027: Christina of Sweden. A passion for Sculpture. Bis 21. Februar 2027: La ingeniería en el Prado, un puente entra el arte y la técnica. 17. November 2026 bis 7. März 2027: Rainer Maria Rilke y el arte español.

Museo Thyssen-Bornemisza Palacio de Villahermosa Paseo del Prado 8, 28014 Madrid Tel. +34-(0)91-690151, www.museothyssen.org Bis 17. Januar 2027: Kenny Scharf. 6. Oktober 2026 bis 17. Januar 2027: Seba Calfuqueo. Cautín. 9. Oktober 2026 bis 10. Januar 2027: Mauritshuis Thyssen-Bornemisza. Masterpieces from The Hague. 20. Oktober bis 24. Januar 2027: The Freudian Universe of Dalí. Die Angaben beruhen auf den Informationen der Aussteller. Änderungen nach Redaktionsschluss vorbehalten.

Abonnement | 87

Kunst+Material auch im Abonnement! Kunst+Material erscheint zweimonatlich in einer Auflage von 30.000 Exemplaren und bietet Einblicke in Ateliers und Arbeitsweisen von porträtierten Künstler*innen, stellt interessante Inhalte im Sonderthema vor, präsentiert aktuelle Ausstellungen und gibt neben News aus der Kunstwelt viele spannende Buchempfehlungen an die Hand. Neu und exklusiv gibt es inspirierende Bildstrecken zu Materialien und künstlerischen Techniken. Hintergrundstories aus der Feder von Expert*innen informieren über die unterschiedlichsten Materialien und ihre Geschichte, und auch Künstlerinnen und Künstler selbst kommen zu Wort und stellen ihr Lieblingsmaterial vor.#

Bestellungen boesner GmbH holding + innovations „Kunst+Material“ – Abonnement Gewerkenstraße 2, D-58456 Witten oder abo@kunst-und-material.de Fax +49-(0)2302-97311-33

Bestellungen aus der Schweiz boesner GmbH Surenmattstrasse 31, CH-5035 Unterentfelden oder marketing@boesner.ch

Abonnement [ ] Ja, ich bestelle das Kunst+Material-Abonnement mit jährlich sechs Ausgaben zum Abo-Preis inkl. Versand von 49,50 EUR bzw. 49,50 CHF (Schweiz). Das Abonnement verlängert sich automatisch um ein Jahr, wenn es nicht mit einer Frist von sechs Wochen zum Ende des Bezugsjahres gekündigt wird.

[ ] Ja, ich bestelle das Probe-Abonnement und beziehe die nächsten drei Ausgaben von Kunst+Material zum einmaligen Kennenlern-Preis von 14,50 EUR bzw. 14,50 CHF (Schweiz). Danach bekomme ich Kunst+Material bequem nach Hause – zum Jahresbezugspreis von 49,50 EUR/CHF für sechs Ausgaben. Dazu brauche ich nichts weiter zu veranlassen. Wenn ich Kunst+Material nicht weiterlesen möchte, kündige ich das Probe-Abo schriftlich bis spätestens eine Woche nach Erhalt des 2. Heftes. Dieses Angebot gilt in Deutschland und der Schweiz.

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Datum, rechtsverbindliche Unterschrift

88 | Kurz notiert

Natur schätzen und schützen Wildlife Photographer of the Year 2026

The Aftermath © by Federico Veronesi, Italy, Paolo Veronesi, Wildlife Photographer of the Year 2026.

Der Wettbewerb „Wildlife Photographer of the Year“ des Natural History Museum in London hat seine Preisträger für das Jahr 2026 bekanntgegeben: Ein außergewöhnliches Bild eines Elefanten, der sein verstorbenes Kalb trägt, wurde zur besten Naturfotografie des Jahres gekürt. Ausgewählt aus einer Rekordzahl von 65.403 Einsendungen aus 121 Ländern und Territorien zeigen die diesjährigen Gewinner eindrucksvolle Geschichten aus der Natur und verdeutlichen die dringende Notwendigkeit, diese zu schützen. Seit mehr als sechs Jahrzehnten nutzt „Wildlife Photographer of the Year“ die Kraft der Fotografie, um Menschen mit der Natur zu verbinden, ihre Schönheit zu feiern und gleichzeitig die Herausforderungen hervorzuheben, denen Wildtiere weltweit gegenüberstehen. Zum ersten Mal in der 62-jährigen Geschichte des Wettbewerbs wurden sowohl der Gesamtsieger in der Erwachsenen- als auch in der Jugendkategorie für Schwarz-Weiß-Fotografie ausgezeichnet, was die anhaltende Kraft monochromer Bilder beim Erzählen fesselnder Geschichten aus der Tierwelt unterstreicht. Zum „Wildlife Photographer of the Year“ wurde der italienische Naturfotograf Federico Veronesi für sein Bild „Aftermath“ gekürt. Es zeigt eine Elefantenkuh, die im Huab-Flusstal in Namibia ihr verstorbenes Kalb trägt, und bietet einen herausfordernden, eindrucksvollen Einblick in komplexes Tierverhalten. Kathy Moran, Jury-Vorsitzende des Wettbewerbs: „Dieses Foto wirkt auf so vielen Ebenen. Emotional ist es ein Schlag in die Magengrube, herzzerreißend ergreifend. Intellektuell ist es ein Beweis dafür, dass Tiere über Kognition verfügen. Dieses Foto sagt einfach alles!“. Zum „Young Wildlife Photographer of the Year 2026“ des Wettbewerbs wurde Oscar Whitfield gekürt, ein junger britischer Fotograf, der in Zimbabwe lebt. Sein Siegerbild „Labour of Love“ fängt die mühsame Anstrengung eines Mistkäfers ein, der seine kostbare Fracht vor sich herschiebt. Oscar Whitfield legte sich flach auf den Boden, um den Käfer auf Augenhöhe zu fotografieren, während Sonnenschein und Hitze rundherum trockenen Staub aufwirbelten. Jurymitglied Jasper Doest: „Das ist außergewöhnlich gut gelungen. Ein so kleines, sich ständig bewegendes Motiv zu fotografieren, ist eine Herausforderung, doch das Bild wirkt so bewusst komponiert. Die Komposition erzählt eine ganze Geschichte, und dadurch zeigt das Foto auf unaufdringliche Weise, wie Lebenszyklen von dem abhängen, was wir oft übersehen oder abtun.“ Die Kategorien des Wettbewerbs reichten von Unterwasserwelten bis Stadtnatur sowie von Fotojournalismus bis zum Verhalten von Säugetieren. Die Gewinnerfotos aller Kategorien sind bis Sonntag, den 11. Juli 2027 im Natural History Museum in London in der Ausstellung „Wildlife Photographer of the Year“ zu sehen. Anschließend geht die Schau auf eine Tournee durch Großbritannien und in weitere Länder, um die Menschen dazu zu inspirieren, die Natur zu schätzen und zu schützen.#

Labour of Love © by Oscar Whitfield, Zimbabwe/UK, Gewinner 11–14 Jahre, Oscar Whitfield Young Wildlife Photographer of the Year 2026. Wildlife Photographer of the Year is developed and produced by the Natural History Museum, London.

https://www.nhm.ac.uk/visit/exhibitions/ wildlife-photographer-of-the-year.html

Kurz notiert | 89

v.l.n.r. Isabelle Huppert als Schriftstellerin Sylvie und Adam Bessa als Adam, den sie zur Unterstützung im Alltag engagiert, © STUDIOCANAL GmbH /Carole Bethuel.

Parallele Leben Die Pariser Schriftstellerin Sylvie (Isabelle Huppert) lebt zurückgezogen zwischen verstaubten Bücherstapeln und einer hartnäckigen Schreibblockade. Auf der Suche nach Inspiration für ihren neuen Roman beobachtet sie durch ein altes Fernrohr die Wohnung auf der anderen Straßenseite: Dort vertonen die Brüder Nicolas (Vincent Cassel) und Théo (Pierre Niney) gemeinsam mit ihrer Kollegin Nita (Virginie Efira) Filme. Was Sylvie sieht, verwandelt sie in Literatur – und was sie nicht hören kann, erfindet sie dazu. Als sie den jungen Adam (Adam Bessa) engagiert, um sie im Alltag zu unterstützen, ahnt sie nicht, dass ihre Geschichten schon bald einen Weg in die reale Welt finden. Bis Fiktion und Wirklichkeit immer mehr verschwimmen – mit dramatischen Folgen. Mit „Parallele Leben“ kehrt der iranische Filmemacher und zweifacher Oscarpreisträger Asghar Farhadi zu seinen großen Themen zurück. Können wir dem trauen, was wir sehen? Steckt im scheinbar Realen ein wahrer Kern? Für sein hintergründiges Drama, in der das Alltägliche zum Thriller wird, versammelt Farhadi ein glänzendes Ensemble des französischen Kinos: Isabelle Huppert steht im Zentrum, an ihrer Seite Virginie Efira, dazu Vincent Cassel, Pierre Niney und Adam Bessa sowie, in einer denkwürdigen Nebenrolle, Catherine Deneuve. Zusammen mit seinem Bruder Saeed schrieb Asghar Farhadi auch das Drehbuch. „Parallele Leben“ feierte seine Weltpremiere im Wettbewerb der Internationalen Filmfestspiele von Cannes.#

Ab 3. Dezember im Kino! https://www.arthaus.de/parallele_leben

Der kurze Weg zur Kunst www.instagram.com/ boesner_deutschland/ www.facebook.com/ boesner/

www.boesner.com/ kunstportal 32 x in Deutschland und 1 x Versandservice 4 x in Österreich 4 x in der Schweiz 5 x in Frankreich

Werkzeug der Verwandlung Der Mörser zählt zu den klassischen Arbeitsgeräten im Atelier. Er ermöglicht das Zerkleinern, Zerreiben und Mischen von Pigmenten und anderen Materialien und eröffnet damit einen unmittelbaren Zugang zu den stofflichen Grundlagen der Malerei. In der robusten Ausführung mit angerauter Reibfläche und passendem Stößel unterstützt der Porzellanmörser aus dem boesner-Sortiment präzises Arbeiten. Ein klassisches Utensil für alle, die den Weg vom Rohstoff zur Anwendung selbst begleiten möchten.#

90 | Im Gespräch

Mit Kreativität und Nachhaltigkeit Der neue Firmensitz von Royal Talens in Apeldoorn

Als Marten Talens Ende des 19. Jahrhunderts seine „Niederländische Fabrik für Farben, Lacke und Tinten“ gründete, konnte er die zukünftigen Erfolge wohl kaum vorhersehen: Aus einer kleinen Manufaktur wurde im Laufe der Jahrzehnte ein weltweit agierender Konzern, der im Jahr 2024 sein 125-jähriges Bestehen feierte. Kürzlich wurde in Apeldoorn der neue Firmensitz eröffnet – Anlass genug, um einen Blick auf die lange Geschichte, aber auch in die Zukunft von Royal Talens zu werfen. Marten Talens stammte aus Groningen und war ursprünglich im Bankgeschäft tätig. Warum er sich letztlich für die Welt der Farben entschied, bleibt im Dunkeln – sicher ist jedoch, dass der geschäftstüchtige Mann über die richtigen Kontakte verfügte. Als in den Niederlanden Zeichenunterricht immer stärker nachgefragt wurde, stieg damit auch der Bedarf nach feinen Wasserfarben und Zeichentuschen. Diese wurden bisher jedoch weitestgehend importiert, und somit sah Marten Talens 1899 offenbar den Zeitpunkt für die heimische Produktion gekommen. Schnell war ein passendes Gebäude im zentral gelegenen und gut angebundenen Apeldoorn gefunden: Eine kleine, alte Villa an der Sophialaan. Marten Talens ging mit vielen Ideen, Leidenschaft, Fleiß und einer Summe von rund 25.000 Gulden an den Start, rekrutierte sein Personal durch Anzeigen in den lokalen Zeitungen und investierte in wenige Maschinen: Bald ging „Talens & Co.“ in die Produktion. Sein Geschäftspartner wurde der Chemiker F. Schmidt, der bereits Erfahrungen in der Entwicklung von Farben gesammelt hatte.

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Im Gespräch | 91

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Den Auftakt machte die Marke Talens: Bis heute werden unter diesem Markennamen Hilfsmittel für die verschiedensten künstlerischen Techniken, grafische Materialien und Farben für Kinder angeboten. In den Niederlanden war eine solche Farbmanufaktur eine Neuheit, doch die Gründer glaubten fest an den Erfolg ihres Konzepts. Als Schmidt die Firma 1904 verließ, stieg der älteste Sohn von Marten Talens, Hilbrand Talens, in die Geschichte ein – aus „Talens & Co.“ wurde „Talens & Son“. 1904 entwickelte Hilbrand Talens die renommierte Rembrandt-Ölfarbe in Tuben, die in großem Maßstab produziert wurde, auch international nachgefragt werden sollte und schließlich den amerikanischen Markt eroberte: Bald eröffnete Talens & Son auch ein Büro in Newark. Um das Jahr 1924 wurden die ersten Rembrandt Softpastelle in den Verkauf gebracht. Nach den auch für Talens & Son schwierigen Jahren des Zweiten Weltkriegs war es schließlich 1949 die niederländische Königin Wilhelmina (1880–1962), die der Marke zu zusätzlichem Glanz verhalf: Die Königin, selbst leidenschaftliche Künstlerin, verlieh der Firma 1949 anlässlich des 50. Firmenjubiläums den königlichen Titel, den sie bis heute in ihrem Namen trägt.

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Alle Fotos: © Royal Talens. [1] Rembrandt Poster für Talens & Son in Newark (USA), 1905. [2] Tuben befüllen, 1920er-Jahre. [3] Die ersten Näpfchen der Rembrandt Aquarellfarbe, Anfang des 20. Jahrhunderts. [4] Marten Talens (links) und ein Büromitarbeiter.

92 | Im Gespräch

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Heute ist Royal Talens mit seinen Marken Amsterdam, Rembrandt, Van Gogh, Talens und Cobra, um nur einige zu nennen, allen Kunstschaffenden ein Begriff. Das Unternehmen ist Teil der international agierenden Sakura Color Products Corporation mit Sitz in Osaka, Japan. Mit rund 500 Mitarbeitenden und Niederlassungen in neun Ländern liefert Royal Talens seine Produkte in 111 Länder weltweit. [6]

„Alles begann mit der Herstellung von Tusche und feiner Aquarellfarbe“, so CEO Ronald Benning, seit 2011 CEO der Royal Talens Group. „Heute umfasst unser Sortiment über 6.500 Artikel, die dazu beitragen, Ihr kreatives Leben bunter zu machen.“ Im September 2025 wurden

die neue, nachhaltige Produktionsstätte und der neue Firmensitz in der Laan van Stier in Apeldoorn eingeweiht: Mit dem Umzug beginnt für das traditionsreiche Unternehmen ein neues Kapitel voller Innovation, Kreativität und Umweltbewusstsein. Das moderne Gebäude ist vollelektrisch, wird von über 1.500 Solarpaneelen versorgt und nutzt Erdwärme für klimafreundliches Heizen und Kühlen. Regenwasser wird in den Boden geleitet, und einheimische Bäume und Pflanzen sorgen für Grün ohne Bewässerung und Dünger. Dank dieser nachhaltigen Initiativen wird das Gebäude die BREEAM-Excellent-Zertifizierung erhalten, eine besondere Auszeichnung für die Nachhaltigkeit von Immobilien (Building Research Establishment Environmental

Alle Fotos: © Royal Talens. [5] Neues Firmengebäude von Royal Talens. [6] CEO Ronald Benning der Royal Talens Group. [7] Das Atrium: Eingangsbereich und zentraler Treffpunkt. [8] Amsterdam all Acrylics Standard Series Acrylfarbe, Foto: Sophie Reusche.

Assessment Methodology). Mit innovativem Design und den eingesetzten Technologien strebt Royal Talens weiterhin danach, zu den umweltbewusstesten Farbenfabriken Europas zu zählen. Der neue Talens-Standort präsentiert sich fast doppelt so groß wie die vorherige Produktionsstätte und bietet effiziente Prozesse, modernste Technik und höchste Qualitätsstandards. Neue Maschinen, ein spezieller Bereich für Acrylfarben und ein Wasserreinigungssystem sorgen für die hohe Produktionsqualität. Am Stadtrand von Apeldoorn gelegen, vermeidet der neue Standort zudem Lastverkehr durch das Zentrum und bietet ausreichend Platz für zukünftiges Wachstum.

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Als besonderes Highlight präsentiert sich das Royal Talens Experience Center – dort wird buchstäblich jede*r Kunstinteressierte fündig: Hier werden inspirierende Workshops und Masterclasses angeboten, Besucher*innen können neue Techniken erlernen, praktische Tipps bekommen und natürlich einen Blick hinter die Kulissen von Royal Talens werfen. Beliebte Kurse wie Drybush- und Aquarellporträt, Pop-Art-Porträts mit Acrylfarben und Porträtzeichnen sind immer wieder schnell ausgebucht. Das Besondere: Mit einem Teil der Erlöse wird die Royal Talens Foundation unterstützt. Sie fördert Schulen und Organisationen weltweit, die mit kreativen Projekten Menschen dabei helfen, ihre eigene Kreativität zu entdecken und zu entfalten. Dafür unterstützt die Stiftung jedes Jahr verschiedene Projekte rund um den Globus.#

www.royaltalens.com

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94 | Im Gespräch

Marcel fragt Jaimun

Valentin Louis Georges Eugène Marcel Proust (1871–1922), französischer Schriftsteller, Kritiker und Intellektueller, fragt Jaimun Kim (*1962), Künstler aus Ennigerloh-Enniger

Streng genommen fragt hier gar nicht Marcel Proust selbst – vielmehr hat der berühmte Schriftsteller, dessen Werk „Auf der Suche nach der verlorenen Zeit“ als einer der größten Romane der Weltliteratur gilt, dem berühmt gewordenen Fragebogen seinen Namen gegeben. Proust hat einen solchen Fragebogen wohl mindestens zweimal selbst beantwortet – um die Wende zum 20. Jahrhundert galt das Ausfüllen als beliebtes Gesellschaftsspiel in gehobenen Kreisen. Der erste Bogen, ausgefüllt vom heranwachsenden Proust während eines Festes, wurde posthum 1924 veröffentlicht. Den zweiten Fragebogen betitelte Proust mit „Marcel Proust par lui-même“ („Marcel Proust über sich selbst“). Die ursprünglich 33 Fragen wurden für Kunst+Material auf 29 reduziert – und bieten spannende und nachdenkliche Einblicke in die Gedankenund Gefühlswelt unserer Befragten.

Wo möchten Sie leben? An einem Ort, der genügend Raum bietet, um all das, was ich erschaffen möchte, ohne Zögern in die Tat umzusetzen. Was ist für Sie das vollkommene irdische Glück? Wenn die Träume und Ideale jedes Einzelnen von allen respektiert und unterstützt werden und man sich ohne Falschheit aufrichtig mit anderen freut. Welche Fehler entschuldigen Sie am ehesten? Die „tollpatschigen Fehler“, die entstehen, wenn man etwas Neues lernt oder eine neue Herausforderung wagt. Was ist für Sie das größte Unglück? Wenn alle Lichter der Welt erlöschen und man in eine „absolute Isolation“ gerät, in der keine Kommunikation mit niemandem mehr möglich ist. Ihre liebsten Romanhelden? – Ihre Lieblingsgestalt in der Geschichte? König Sejong der Große. Weil er Talente ohne Rücksicht auf ihren gesellschaftlichen Stand förderte und vor allem Hangeul – eine zutiefst humane Schrift – erschuf. Ihr Lieblingsmaler? Giorgio Morandi. Weil er sich inmitten radikaler Kunstströmungen auf alltägliche Stillleben konzentrierte und so eine einzigartig stille und tiefsinnige Kunstwelt schuf. Ihr Lieblingsautor? –

Ihr Lieblingskomponist? Johann Sebastian Bach. Weil seine harmonischen und ausgewogenen Klänge eine tiefe innere Ruhe schenken. Welche Eigenschaften schätzen Sie bei einem Menschen am meisten? Güte und Ehrlichkeit. Eine Güte, die sich in einem herzlichen Blick und respektvollen Umgang zeigt, sowie eine Ehrlichkeit, die Vertrauen, Glaubwürdigkeit und Wahrheit in sich trägt. Ihre Lieblingstugend? Die Unvoreingenommenheit oder „Offenheit“ (Openmindedness). Weil ich glaube, dass wahre Kommunikation und Güte erst dann beginnen, wenn man die Vielfalt der Welt ohne Vorurteile so akzeptiert, wie sie ist. Ihre Lieblingsbeschäftigung? Spontane Reisen. Eine Reise, die aus der Verbundenheit und dem Einverständnis der Mitreisenden heraus beginnt, schenkt „Freiheit“, „unerwartete Freude“ und unvergessliche Erinnerungen. Wer oder was hätten Sie gern sein mögen? Eine Wolke. Weil sie einfach dahinfließt, formlos ist, für sich allein existieren kann, aber sich auch gerne mit anderen Naturphänomenen verbindet. Ihr Hauptcharakterzug? Das Bestreben, Menschen ohne Vorurteile zu betrachten, sowie eine gewisse Gelassenheit, die auf äußere Reize nicht übermäßig reagiert. Was schätzen Sie bei Ihren Freunden am meisten? Loyalität. Für mich ein tiefer Wert, der Glaube, Vertrauen, Vergebung, Solidarität, Schutz und Respekt in sich vereint. Ihr größter Fehler? – Ihr Traum vom Glück? Eine Reise zusammen mit den Menschen, die ich liebe. Ihre Lieblingsfarbe? Indigoblau – wie das tiefe Schweigen des nächtlichen Himmels. Ihre Lieblingsblume? Wildblumen. Für mich ist jede namenlose Blume auf dem Feld ein einzigartiges Wunder. Wie könnte man sie nicht lieben? Ihr Lieblingsvogel? Der Graureiher. Weil er ein Vogel ist, der am Wasser still auszuharren versteht, um im perfekten Moment zuzuschlagen; ein Symbol für unbändige Geduld und furchterregende Konzentration. Ihre Helden der Wirklichkeit? All die gewöhnlichen Menschen auf der Welt, die die Last des Alltags tragen und dennoch ihren Mitmenschen mit aufrichtiger Freundlichkeit begegnen. Ihre Lieblingsnamen? „Saeng-gak“ (Gedanke/Nachdenken) oder „Saebyeok“ (Morgendämmerung). Weil sie wie Worte wirken, die sowohl innere Reflexion als auch einen Neuanfang in sich tragen. Was verabscheuen Sie am meisten? Bösartige Kritik, die den Schmerz anderer verspottet, Gewalt gegen die Schwachen und der betrügerische Akt, Lügen als Wahrheit zu tarnen und zu verbreiten. Welche geschichtlichen Gestalten verabscheuen Sie am meisten? – Welche Reform bewundern Sie am meisten? – Welche natürliche Gabe möchten Sie besitzen? Das absolute Gehör. Um die Nuancen aller Klänge der Welt – besonders der Natur und der Menschen, die mir am Herzen liegen – herauszufiltern und sie auf meine ganz eigene Weise neu zu verstehen und zu fühlen. Wie möchten Sie gern sterben? Schmerzfrei und friedlich. Voller Gelassenheit und ohne jegliches Bedauern im Herzen. Ihre gegenwärtige Geistesverfassung? Voller Inspiration, neue Ideen sprudeln geradezu. Ich spüre eine angenehme, leicht aufgeregte Vorfreude – wie ein Läufer an der Startlinie eines 100-Meter-Laufs, der auf den Startschuss wartet. Ihr Motto? Mehr hören, mehr sehen, tiefer nachdenken, weiter verstehen und immer gütig sein. Aber niemals angesichts des Unrechts schweigen.

Im Gespräch | 95

Wer’s weiß, gewinnt! Gemälde von Leonardo da Vinci illustriertes Druckblatt

dt. Autor und Grafiker (Erhard)

Malerfamilie aus Zürich

geschliffener Diamant

brasil. Architekt (Oscar)

Putte

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deutscher Barockbaumeister

5 deutsche Weberin (Gunta)

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deutscher Maler (Albert) frz. Malerin und Fotografin (Dora)

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1. Preis boesner-Einkaufsgutschein im Wert von 250 Euro 2. Preis boesner-Einkaufsgutschein im Wert von 50 Euro

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3. Preis Ein Buch „Neon Deutschland“ siehe S. 53.

So nehmen Sie teil: Bitte senden Sie das Lösungswort per E-Mail an: raetsel.zeitung@boesner.com oder per Postkarte an: boesner holding GmbH holding + innovations, Gewerkenstr. 2, 58456 Witten. Einsendeschluss ist der 31. Dezember 2026. 1

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Mitarbeiter von boesner sind von der Teilnahme ausgeschlossen. Bei mehreren richtigen Einsendungen entscheidet das Los, der Rechtsweg ist ausgeschlossen. Keine Barauszahlung möglich. Die Lösung finden Sie in der nächsten Ausgabe.

J B D G R A V E U R R E NO I R C T I L A QU A R E L L F A R B E U I L M E G R A Z I L B A R B E R A R L N R T D E K O R A T I ON S © Freimut Woessner

deutscher Maler (Paul)

Bauwerk in Meißen

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niederl. Maler (Anthonis)

Das Lösungswort des Preisrätsels aus Kunst+Material September/Oktober 2026 ist: BLEISTIFT Die Gewinner werden schriftlich benachrichtigt.

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Herausgeber boesner GmbH holding + innovations Gewerkenstr. 2, 58456 Witten Tel. +49-(0)2302-97311-10 Fax +49-(0)2302-97311-48 info@boesner.com V.i.S.d.P.: Jörg Vester Redaktion Dr. Sabine Burbaum-Machert redaktion@kunst-und-material.de Satz und Grafische Gestaltung Birgit Boesner, Hattingen mail@bboes.de Anzeigen Dr. Sabine Burbaum-Machert anzeigen@kunst-und-material.de Anzeigenpreisliste Nr. 20 vom 01.01.2027

Die nächste Kunst+Material erscheint im Januar 2027 Porträt: Michael Sailstorfer Autoreifen drehen sich sinnlos an der Wand, wobei sich der Gummi als riechender Abrieb auf dem Boden sammelt, Lkw-Schläuche hängen, ineinander verknotet, als Wolken von der Decke und eine hydraulische Pumpe formt aus Kohle schwarze Tränen: Die Objekte, Skulpturen und Installationen von Michael Sailstorfer gehören seit einem Vierteljahrhundert zu den faszinierendsten Beiträgen einer Kunst, die sich unserem technisierten Alltag zuwendet. Er verändert oder baut Apparaturen, die Übergänge zwischen Werden und Vergehen erzeugen und plötzlich Analogien zu unserem Leben darstellen. In ihrer Transformation gewinnen sie den Anschein individueller Wesen, die emotional und existenziell aufgeladen sind. Thomas Hirsch hat Michael Sailstorfer in seinem Atelier in Berlin besucht.

Herstellung Vogel Druck und Medienservice GmbH, Höchberg Erscheinungsweise zweimonatlich © 2026 bei der boesner GmbH holding + innovations. Alle Rechte vorbehalten. Reproduktionen jeglicher Art, Aufnahmen in OnlineDienste und die Vervielfältigung auf Datenträgern wie CD-Rom, DVD-Rom etc. bedürfen der schriftlichen Genehmigung des Herausgebers. Unverlangte Manuskripte, Fotos und Dateien usw. sind nicht honorarfähig. Sie werden nicht zurückgesandt und für sie wird keine Haftung übernommen. Namentlich gekennzeichnete Beiträge geben nicht unbedingt die Meinung der Redaktion wieder. Eine Veröffentlichung von Daten, insbesondere Terminen, erfolgt trotz sorgfältiger Bearbeitung ohne Gewähr. Redaktionsund Anzeigenschluss ist immer der 15. des jeweiligen Vormonats. Seiten 5, 45, 62–64, 89 rechts, U4: Malerei, Realisation, Fotografie: Ina Riepe. Seite 6: (8) Foto: Jinsoo Park; (20) Anton Raffael Mengs: Parnass, Apollo Mnemosyne und die neun Musen, 1761, Rom, Villa Albani-Torlonia, Foto: Wikimedia Commons; (42) Carl Spitzweg, Der strickende Wachposten, um 1885, Schweinfurt, Museum Georg Schäfer, Foto: Wikimedia Commons. (32/46) Malerei, Realisation, Fotografie: Ina Riepe; (66) Ausstellungsansicht „Entfaltung der Farbe – Simon Hantaï“, Simon Hantaï, Étude, 1969, Fondation Gandur pour l’Art, Genève © Archives Simon Hantaï / VG Bild-Kunst, Bonn 2026, Foto: Museum Frieder Burda / Jigal Fichtner; (76) Ausstellungsansicht „Correggio. Berührend menschlich“, © Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Foto: Oliver Killig. Seiten 10–12, 14–17: Fotos: Jaimun Kim. Seite 94 rechts: Foto: Wolfgang Schäfer. Verlag und Redaktion danken den Rechteinhabern für die Reproduktionsgenehmigungen. Nicht nachgewiesene Abbildungen entstammen dem Archiv des Verlags. Konnten trotz sorgfältigster Recherche Inhaber von Rechten nicht ermittelt werden, wird freundlich um Meldung gebeten.

Kaiser Justinian und Gefolge, um 546, Goldmosaiken, 264 x 385 cm, Ravenna, San Vitale, Apsis, Foto: Wikimedia Commons.

Hintergrund: Der kostbarste Farbstoff der Welt Purpur, dieser zwischen Rot und Blau changierende Farbstoff, der mal eher dunkelrot, mal eher violett empfunden wird, hat eine lange Geschichte und war schon immer so kostbar, dass er den Herrschenden, aber auch den Göttern vorbehalten war. Was aber hat es mit diesem Farbstoff auf sich? Was macht ihn so unbeschreiblich teuer und kostbar? Den Farbstoff, der schon bei den Assyrern Erwähnung findet, gewinnt man aus einem Sekret bestimmter Meerschnecken, die der Familie der Stachelschnecken angehören. Sie heißen Herkuleskeule und Stumpfe Stachelschnecke, werden aber auch Murex genannt oder ganz einfach Purpurschnecken. Seit dem 19. Jahrhundert gelang es auch, Purpur künstlich herzustellen, er wird aber auch wieder auf traditionelle Weise gewonnen – und es gibt nach wie vor Künstler*innen, die damit experimentieren. Für ihr Hintergundthema hat sich Susanna Partsch auf die Spuren des Farbstoffs der Herrschenden begeben.

ISSN 1868-7946

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