Aquí y Ahora VI - Power, Corruption & Lies

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AQUÍ Y AHORA POWER CORRUPTION & LIES


CV’S INTRO

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MARÍA ALCAIDE

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114

PABLO BELLOT

21

116

CLÈMENT CARAT

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120

ÁLVARO CHIOR

40

122

JENNIFER CUSTODIO

48

123

JULIO FALAGÁN

54

125

URTZI IBARGÜEN

61

130

DAVID LISBOA

72

131

CÉLESTE ROGOSIN

79

135

ESTELA SANCHÍS

86

136

AMÉLIE SCOTTA

96

138

ISIDORO VALCÁRCEL MEDINA

106

143

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AQUÍ Y AHORA EVENTO DE EXHIBICIÓN Y PROMOCIÓN DE ARTE Y PENSAMIENTO ACTUAL Aquí y Ahora es un proyecto de contexto socio-político. Son ideas y pensamientos que inquietan tanto a artistas como a espectadores. La idea del proyecto, coordinado por Imanol Marrodán y Blanca Soto con la colaboración de AIR “Arte Independiente Revelador”, intenta visualizar la utopía de un nuevo orden: Creer y Crear. Además, Aquí y Ahora, en esta Sexta Edición contará con la participación de un artista invitado. Se trata de Isidoro Valcárcel Medina, Premio Nacional de Artes Plásticas de España 2007. Aquí y Ahora se desarrolla en la Galería Blanca Soto. --------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Aquí y Ahora is a project with a socio-political context. They are ideas and thoughts that unsettle both artists and spectators. The idea of the project, coordinated by Imanol Marrodán and Blanca Soto with the collaboration of AIR "Arte Independiente Revelador", tries to visualise the utopia of a new order: Believe and Create. In addition, Aquí y Ahora, in this Sixth Edition - will count with the participation of a guest artist. This is Isidoro Valcárcel Medina, winner of the Spanish National Prize for Plastic Arts 2007. Aquí y Ahora takes place in the Galería Blanca Soto. 6


La nueva edición número 6 del “evento de exhibición y promoción de arte y pensamiento actual” se desarrolla bajo el lema Power, Corruption & Lies. El lema tiene su origen en el disco de New Order titulado precisamente POWER CORRUPRION & LIES, publicado en 1983. El título del álbum, según la información aparecida en Wikipedia, lo tomó Bernard Summer, componente del grupo, de la pintada escrita con spray con esas mismas palabras que hizo Gerhard Ritchter en la fachada de la Kunsthalle de Colonia el día de la inauguración de una exposición sobre arte conceptual en 1981. Para contrastar dicha información se ha escrito a la web oficial del autor. También hemos consultado con el Dr. Dietmar Elger biógrafo del autor, el cual le hizo la consulta personalmente al mismo artista, desmintiendo esa intervención de “protesta”. Paradójicamente a modo de ironía o “Fake”, fieles a nuestro ideario, hemos conservado ese lema, intentando visibilizar la utopía pendiente de la llegada de un Nuevo Orden: Creer y Crear. La Casa de Velázquez, Ácademie de France á Madrid, colabora con el proyecto Aquí y Ahora concediendo una beca residencia de dos meses a uno de los creadores seleccionados, con sus correspondientes gastos de manutención producción y honorarios incluidos.

Exposición en la Galería Blanca Soto Arte: Diciembre 2017 - Enero 2018

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The new edition number 6 of the "event for the exhibition and promotion of contemporary art and thought" is being held under the motto Power, Corruption & Lies.

The slogan has its origins in the New Order album POWER CORRUPTION & LIES, released in 1983. The title of the album, according to information on Wikipedia, was taken by Bernard Summer, a member of the band, from the spray-painting of the same words by Gerhard Ritchter on the façade of the Kunsthalle in Cologne on the opening day of an exhibition on conceptual art in 1981. To verify this information, we wrote to the author's official website. We have also consulted Dr. Dietmar Elger, the author's biographer, who personally consulted the artist himself and denied that the intervention was a "protest“.Paradoxically, by way of irony or "Fake", faithful to our ideology, we have kept this slogan, trying to make visible the pending utopia of the arrival of a New Order: Believe and Create. Casa de Velázquez, Ácademie de France á Madrid, collaborates with the project Aquí y Ahora by awarding a two-month residency grant to one of the selected artists, including living expenses, production and fees. Exhibition at the Blanca Soto Arte Gallery: December 2017 - January 2018

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MARÍA ALCAIDE María Alcaide (Aracena, 1992) es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, cursó la Licence en Arts Plastiques en la Université Paris VIII y tiene un Máster de Investigación en Arte y Diseño por Eina-UAB en Barcelona. Desde que finalizó sus estudios se ha centrado en investigar las relaciones estéticas y de poder que se dan en su entorno, dando visibilidad a objetos y personas que en su naturaleza son precarios, materializándolo a través de medios como la instalación o la performance. Su metodología se acerca a la antropología pues parte del extrañamiento para llegar a la solución plástica, pero lejos de tomar una posición de observadora, introduce su cuerpo como eje central de su trabajo, añadiendo casi siempre un tono de ironía a sus piezas. Ha obtenido varios premios como el XVII Certamen de Arte Contemporáneo Dmencia o la convocatoria de producción de FAR (Córdoba) y ha participado en diversas exposiciones, entre ellas La guerra desaparece en CICUS (Sevilla), La ventana indiscreta en el festival LOOP Barcelona o Laboratorio del no hacer en BlueProject Foundation (Barcelona). A nivel internacional cabe destacar su aportación a la muestra Translations en Emergent Art Space (San Francisco), Twelve thirty minutes solo show en Agora collective (Berlín) y Trashplotation en La Capela (París). Su trabajo ha sido presentado en entornos académicos de investigación como l’École des Hautes Études en Sciences Sociales (París) o la Fundación Tapies (Barcelona). También ha disfrutado de varias becas de residencia y ha figurado como artista invitada en la X Edición de Artifariti, Festival de Arte y Derechos Humanos del Sáhara Occidental y ha recibido el premio de creación de la Sala d’Art Jove de Barcelona y el premio de producción Iniciarte. En la actualidad vive en Barcelona.

“Asumo la práctica artística desde el fracaso. He asumido mi futuro no existe y esto me motiva, porque no tengo por qué caer en la reproducción en bucle de patrones anteriores. Mi producción es heterogénea y nómada, por lo que me alimento de los pocos recursos que encuentro a mi alcance. Investigo las relaciones estéticas y de poder que se dan en mi entorno, materializándolas a través de medios tan dispares como la fotografía, la instalación, la performance, el arte textil o la edición de libros de artista. Me interesa la creación y re-significación de imágenes que pongan de manifiesto las fricciones ideológicas y políticas que se dan en la domesticidad, por eso mi metodología de trabajo se acerca a la antropología, pues siempre parto del extrañamiento para llegar a la solución plástica.” 10


Todo lo que tengo puede desvanecerse no es mรกs que una bolsa de rafia, una bolsa para ir al mercado, para almacenar ropa u otros objetos, para mudarse. Esta bolsa es tan precaria como mi forma de vida, incluyendo todas las mudanzas que he sobrevivido y todos los objetos que he ido perdiendo por el camino.

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Mudanza 2016 - Instalaciรณn - 380 x 510 cm 12


MUDANZA Instalación, publicación (dimensiones variables) Programa Residentes, 2016

Proyecto llevado a cabo en RESIDENTES 2016, Sala Guirigai, Badajoz. ¿Es la mudanza el símbolo por excelencia de precariedad hoy? A raíz de esta pregunta y en base a mi experiencia migratoria de los últimos años, investigo los procesos por los cuales nos enfrentamos a nuevos contextos para terminar haciéndolos nuestros. Un traslado supone siempre una alteración (espacio, tiempo, estado...) que lleva implícito el hecho de performatividad por su carácter continuo y procesual. Desde mi punto de vista, una mudanza trae consigo una serie de particularidades que hacen de la acción un fenómeno ciertamente teatralizado, que podría tener una relación directa con el sistema del arte: el ritual de embalaje y desembalaje, el transporte, o la selección y categorización de objetos y su valor. De esta manera, me he centrado en mostrar estas características a una escala micro , visualizando las mudanzas –entendidas como traslados pero también como cambios- que tienen lugar en nuestra cotidianeidad y cómo ello nos afecta . En este caso ,adaptándome al tejido social de Los Santos de Maimona. El resultado es una instalación a partir del préstamo de objetos de los habitantes del pueblo, una serie de fotografías y una publicación a modo de diario personal. 13


POETICS OF FAILURE Instalación + vídeo Campos de refugiados en Bojador, Artifariti, Plataforma After the future AGI research group, 2016 Proyecto llevado a cabo en los campos de refugiados saharauis de Tindouf, Argelia. Plataforma After the future.

Desde el desconocimiento y la incertidumbre que representa el futuro, propongo una serie de actividades paralelas y abiertas que puedan dar lugar al intercambio y a la dialéctica, trabajando con jóvenes nacidos después del alto el fuego en 1991 en torno a los conceptos de futuro, trabajo, territorio y decolonización. Con ese objetivo, me ofrecí voluntaria a trabajar gratuitamente para aquellos jóvenes que estudiaron una carrera universitaria en otros países y se han visto forzados a volver a los campamentos sin poder ejercer sus profesiones. La duración y el contexto en el que se realicé las labores me permitieron recabar información sobre esas personas y el trabajo que desempeñan en su día a día: desde sus horarios y costumbres, que a simple vista pueden parecer banales, hasta la implicación política y social que éstos pueden llegar a tener. El proceso fue documentado, dando lugar a una serie de vídeos y a una red de jóvenes precarios que continúa ampliándose de manera internacional. Ha sido presentado en el simposio internacional AGI research en la Fundación Tapies, Barcelona, y en la École d’Hautes Études en Sciences Sociales de París en las jornadas ‘Rencontres et formes de représentation à l’ère de la mondialisation: une perspective artistique et académique’. Para más información, pinche aquí.

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Pรณster 60 x 42 cm 2016

Acreditaciรณn como trabajadora 43 x 12 cm 2016 15


Making Thinking 2016 - 2:16 Disponible en https://vimeo.com/192783645

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LA VAGA Performance Blue Project Foundation 2017 Tengo un trabajo que no me importa, donde sólo me pagan por mi tiempo y no por mis aptitudes. Durante la exposición, estaré robando tiempo a la compañía dejando por hacer las tareas mecánicas que se me asignan. La pausa para el cigarro, el tiempo en el almacén o la ralentización de cualquier movimiento servirán como estrategias de resistencia del cuerpo frente a la magnitud esclavizante del trabajo.

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BUREAU DÉSESPOIR Instalación Sala Iniciarte Córdoba 2017 Con la participación de: Claudia Elies, Andy García Vidal, David Macho, Manuel Minch, Coco Moya, Blanca del Río, Fernando Romero, Christina Schulz, SM Solutions, Raquel Soto, Alberto Varela, Manuel Zapata El hecho artístico sucede en todas partes. La falta de horizontes, de perspectivas estables, y la complejidad del sistema capitalístico hacen que el trabajo artístico parezca desaparecer y volverse omnipresente en la realización de la fantasía moderna de unión entre arte y vida. En ese proceso de desvanecimiento es donde Alcaide sitúa bureau désespoir, un proyecto que habla del trabajo mediante su espacialización. Retoma la imagen de la oficina a partir de referentes populares como Ally McBeal, The office, Ley y orden o cierto género de cine yuppie. La oficina aparece a partir de los años 70 como el lugar donde se construye el poder. El 15 de Agosto de 1971, Richard Nixon ordena abandonar el patrón oro, por lo que el dólar pasa a sostenerse únicamente por la confianza que le dan sus poseedores. Se inaugura de este modo una nueva virtualidad del dinero y del trabajo paralela al desarrollo de una economía postfordista. Las oficinas divididas en cubículos y sin referencias a un espacio exterior se convierten en el lugar por donde fluyen cadenas ingentes de información que aceleran las transacciones económicas virtuales hasta límites que conocemos muy bien desde 2008. Las esculturas que componen bureau désespoir responden a la búsqueda de una nueva sensibilidad estética que surge de collages precarios entre objetos manufacturados al otro lado de la pantalla. Una estética kitsch y “fácil”, claramente superficial, pues lo que importa no es la composición de las formas, sino los medios de producción que en ellas se acumulan, desde las maquiladoras invisibles en otros continentes hasta los procesos exclusivamente informacionales que componen la práctica artística.

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PĂ­dele a San Pancracio (2017) Figura, perejil artificial, pintura, vinilo y dos sillas modelo Leifarne. 175 x 310 x 7 cm

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PABLO BELLOT En mi trabajo uso el dibujo como pintura y la pintura como dibujo para desdibujar, saturar y desmaterializar la propia pintura por medio de unos trazos enérgicos y espontáneos, sin prejuicios y completamente libre, próximos al adolescente y al trazo infantil o a todo aquello tribal y primario. Toda esta labor pictórica la combino con la ideación de proyectos y piezas con los que poder desarrollar todos los conceptos que me interesan y trabajo utilizando cualquier técnica o material o disciplina necesaria para poder trasmitir y materializar diversas ideas, realizando piezas de carácter instalativo, utilizando el video, la escultura, la fotografía, la cerámica, el sonido, la luz y la acción.

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Actos de comunicación es un proyecto para recapacitar y reflexionar sobre la incapacidad de comunicación del individuo contemporáneo en el momento actual. Todo gira alrededor del estado de imposibilidad, un estado causado por la imposibilidad de ser, de queja, de desahogo, de grito, de deseo, de esperanza y de futuro. El individuo contemporáneo a pesar de estar inmerso en la era de la comunicación y la información, paradójicamente es incapaz de comunicar. Su mensaje se diluye entre la velocidad actual y la saturación que impide vivir el presente, existiendo en un eterno pasado desde el que no se vislumbra futuro. El individuo está abocado a utilizar el acto como mensaje, solo queda el grito y el puñetazo en la mesa como medio de expresión. El acto desde un punto de vista punk y subversivo que declare sus intenciones, sentimientos y miedos en una sociedad inestable e imposible de presentir. “El puñetazo es el principio de la comunicación: con el puñetazo se gana proximidad cuando ya no se tienen palabras...” (Paul Virilio 1995) El proyecto tiene como detonante esta frase de Paul Virilio. A partir de ella realizo un análisis relacionando el proceso de comunicación, la utilización del medio como mensaje y el momento actual, ofreciendo diversas formas de plasmar ese acto de comunicación que son el puñetazo en la mesa. Acciones como actos de comunicación que dan forma al grito de desasosiego y al puñetazo en la mesa. Un último acto de comunicación desesperado cuando el dialogo ya no es efectivo y solo se pretende participar para poder continuar.

Codificar y descodificar el medio con el que mandar un mensaje es una constante, comunicaciones desesperadas, alteradas, agresivas e incompletas que muestran y satirizan el fracaso del propio proceso de comunicación. Dinámicas de estetización del acto de comunicación como medio para una crítica social, donde señales de humo, vibraciones sonoras, el morse lumínico, el humo salvamento marítimo, mierda a un millón de vatios, el gas pimienta o la piedra como idea, son los materiales con los que construir el mensaje para poder comunicar todo aquello que deseamos, añoramos, reivindicamos,… Si para Virilio el puñetazo es el principio de la comunicación, es el acto que permite la comunicación, yo planteo tirar un muro para eliminar una pintada como acto de comunicación en El Muro_Acto de comunicación nº20, que quemar un coche es un acto de comunicación primario en Señales de Humo descodifico este acto de comunicación universal poniéndole subtítulos para que todos puedan ver y entender el mensaje del humo. Sentir y percibir de otra manera un mensaje concreto en la instalación sonora Vibraciones donde puedes sentir el sonido pero no oírlo. La instalación Código Luz nos sumerge en el medio de comunicación, haciéndonos sentir un mensaje concreto al introducirnos y formar parte de él, utilizando el código morse lumínico para comunicar el fragmento de una canción. Dotar al grito de MIERDA de la mayor potencia de sonido posible en Mierda a un millón de vatios, exteriorizar todo el malestar que se acumula y no se puede racionalizar en un acto de completa desintegración en La Vomitera como último acto o en Esto no es una piedra es un medio de comunicación para emitir la idea que quieres lanzar. 23


EL MURO_ACTO DE COMUNICACIÓN Nº20 Video instalación. Bloques de hormigón, cemento y pintura acrílica. Videos documento de la acción. Proyección 2’’ 21 ‘. Video pantalla 3’’. Medidas completas 6,80 x 400 x 300 cm. Medidas muro 400 x 250 x 0,20 cm Exposición “CINCO ACTOS” 2017. Sala Universitas Rectorado, Universidad Miguel Hernández de Elche. Producción de la 1ª Beca Boomerang

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EL MURO_ACTO DE COMUNICACIÓN Nº20 El Muro_Acto de Comunicación nº20 lleva al límite del absurdo la estrategia de codificar y descodificar el medio para comunicar, utiliza la pintada como medio para comunicar un mensaje y elimina la pintada destruyendo el muro, la pintada es insignificante ante la destrucción de la misma. La sencillez y la espectacularidad de tirar un muro se une al proceso constante de búsqueda de libertades. El acto de eliminación del mensaje toma relevancia, es la acción de tirar el muro lo que comunica. El Muro_Acto de Comunicación nº20 nos plantea dos constantes infinitas, por un lado es como un juego infinito de espejos donde podemos ver que detrás de un muro siempre hay otro, y a la vez constata que siempre estará presente el eco del fragmento de esa canción. La frase “vomito en alto el asco que me dais” es un fragmento de la canción “Pero qué público más tonto tengo” de Kaka De Luxe, publicado en 1982 en un mini lp compartido Kaka De Luxe y Paraíso.

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MATERIALIZAR GRITOS_ ACTO DE COMUNICACIÓN Nº 35 XIV BICM - Bienal Internacional de Cerámica de Manises 2019 6 volúmenes cerámicos con altavoz exponencial + amplificador y reproductor de audio + canciones eliminadas las frecuencias audibles. 29 3 volúmenes cerámicos + Megáfono de mano. T Gres cocido a 1050º C y 1200º C. Medidas entre 116 x 55 x 46 cm y 65 x 40 x 36 cm


VIBRACIONES_ ACTO DE COMUNICACIÓN Nº8 63 altavoces, 8 amplificadores, 1 reproductor cd, conector, cable audio. Reproduce la frecuencia de audio no audible por el hombre de la canción Nacidos para Dominar de Parálisis Permanente 1983. “Actos de Comunicación” CCCC Centre del Carme Valencia Año 2017

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SEÑALES DE HUMO _ACTO DE COMUNICACIÓN Nº1 Coche quemado, video proyección doble en loop sobre plancha de PVC espumado de 3 x 2 m. Medidas totales 430 x 460 x 200 cm Actos de Comunicación CCCC Centre del Carme Valencia, 2017 31


CLÈMENT CARAT Tras estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Rennes, Clément Carat continúa su formación en los Países Bajos, en la Gerrit Rietveld Academie y el Sandberg Institut de Amsterdam, donde participa en el curso experimental de Bellas Artes Système D, graduándose en 2016. En su obra, el artista desarma y deconstruye el mundo que nos rodea. Al estilo del aficionado al bricolaje o el mecánico, Carat busca comprender las estructuras internas y procesos esenciales que construyen su entorno. Aunque explora diferentes técnicas y prácticas artísticas, su trabajo muestra una atención particular por la escultura y el objeto.

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JESUS AND THE COYOTES Jesus and the Coyotes es un reportaje / ensayo a propósito de la situación sobre la frontera entre México y los Estados Unidos y de las estrategias que los migrantes ilegales diseñaron para cruzar la frontera sin control. Esté ensayo fue escrito después de una experiencia de un día con un Border Patrol Officer (Guardia Fronteriza) directamente sobre la frontera y los "checkpoints" en el Sur-Oeste del Texas. En este ensayo, a través de la narración de este día sobre la frontera, surgen estas preguntas: ¿Cómo todos los humanos crean e improvisan soluciones y estrategias para evitar el control de un gobierno? ¿Cómo el concepto de la estrategia (como lo describe James Scott) puede ser un arma de los pobres en contra de las reglas del capitalismo? ¿Y cómo podríamos utilizar estas estrategias para escapar del control de una institución? Jesus and the Coyotes busca un editor.

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CABEZUDO 2017-2018 escultura y video-performance (8 min) Cabezudo es un proyecto que se desarrolló durante una residencia en la Casa de Velázquez (Madrid, ES). El cabezudo es una de las máscaras tradicionales del carnaval español. Se caracteriza por las cabezas de gran tamaño que la gente lleva sobre sus hombros. Estas máscaras solían ser retratos de los "notables" locales. Una vez al año la gente la usaba para expresar sus sentimientos internos sobre otros miembros de la comunidad. En este proyecto, Carat ha solicitado a un maestro español de cabezudos llamado Ramón Aumedes de Granollers (Barcelona, ES) que esculpa su retrato. Este retrato ha sido moldeado y transportado a Madrid al Estudio Abajo (empresa especializada en efectos especiales de cine). Este estudio ha producido un positivo en silicona a partir del molde. Han puesto los ojos, los pelos y pintado la piel. Este trabajo ha sido realizado bajo la maestría de Pedro Rodríguez Abajo. El último paso del proyecto ha sido el rodaje de un video-clip performativo con la ayuda de los jóvenes realizadores del Estudio Bandiz. Una productora con sede en Madrid (ES) y especializada en música-vídeo

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Cabezudo está usando una escultura como herramienta para interrumpir las interacciones sociales. Carat utiliza aquí un elemento popular anticuado para abordar problemas contemporáneos como la identidad. Como describió Boris Groys en In Public, las perpetuas vidas auto-escenificadas de las redes sociales de internet encerraron a la gente en sus mitologías individuales. Para Boris Groys este fenómeno se derivó de las mitologías propias que los artistas estaban creando de sus propias identidades durante el siglo XX. Carat usando su propia imagen a través de este cabezudo hiperrealista subraya la paradoja de que la identidad escenificada interfiere en la vida cotidiana. Su identidad se transforma en un objeto cómico trivial que un artista puede utilizar directamente en el espacio público. Su cabeza sobredimensionada se convierte en un objeto de atracción y repulsión, un objeto del que la gente se instaura o huye. Un objeto que se transforma en un entorno inmediato en una audiencia. Un objeto que hace visible una cierta forma de soledad a través de esta distancia entre el objeto y el espectador.

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CARA Y LADO DEL JACKHAMMER 2018 (2x) 180 x 110 cm transferido en papel

Desde 2016, Carat ha desarrollado una práctica gráfica estrechamente relacionada con su trabajo escultórico. Carat desarma las herramientas y los objetos de la vida cotidiana para revelar sus mecanismos internos. Usando técnicas de fotografía e impresión por transferencia, Carat reconstruyó en papel estas visiones internas. Esta parte de su trabajo ha integrado diferentes colecciones como la colección de aire WOW, la colección Reger-Suque y la colección de la Casa Velázquez.

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Taladro 2017 70 x 100 cm de transferencia en papel.

Sierra 2017 70 x 100 cm de transferencia en papel. 38


Perforadora Azul

Perforadora Verde

2018 40 x 100 cm de transferencia en papel.

2018 40 x 100 cm de transferencia en papel. 39


ÁLVARO CHIOR Álvaro Chior es un artista transdisciplinar nacido en A Coruña que reside y trabaja en Madrid. Sus líneas de investigación ponen el foco en las tensiones y disoluciones entre lo físico y lo virtual, lo material y lo intangible, lo orgánico y lo sobrediseñado, lo manual y lo automático, desde un interés por la gestualidad y la materialidad implícitas en la articulación de lenguajes y un cuestionamiento de la representación y los procesos de significación en la construcción de discursos. De esta manera reacciona y reflexiona sobre el paradigma informacional actual, su liquidez, su virtualidad y cómo ello condiciona los cuerpos, las psiques y la producción (y reproducción) de imágenes, objetos, formas y contenidos.

Mis líneas de investigación ponen el foco en las tensiones y disoluciones entre lo físico y lo virtual, lo orgánico y lo sobre diseñado, y nuestra relación con la materialidad y la gestualidad en el paradigma informacional actual, caracterizado éste por la inmediatez, la inmaterialidad, la saciedad y la liquidez. En este contexto, mi trabajo desde una perspectiva metalingüística y poética; y mediante diferentes medios como la escultura, la instalación, la imagen y el vídeo- lleva a cabo una reflexión y reacción a las carencias humanas, los desasosiegos contemporáneos y las repercusiones emocionales devenidas de cuestiones como el sobreconsumo impuesto de imágenes, la virtualidad y la disolución de lenguajes y discursos.

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OXYGEN IS FLOWING (2017) El proyecto parte de la reflexión en torno a la pérdida de archivos digitales y el conflicto de emociones contradictorias que se genera alrededor de la misma. A partir de esto, se construye un turbulento y alegórico recorrido por diferentes conceptos como la caída, la presión o el azul cielo; los cuales servirán como reflexión y reacción a la era actual, sus desasosiegos, su virtualidad y su intangibilidad. https://vimeo.com/212462662

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OBJECT (2017) El proyecto consiste en un vídeo de un recorrido por una visita virtual por un museo, en la que, como acción, la vista apunta siempre hacia “abajo”, donde se percibe la figura desdibujada del trípode que sujeta la cámara, así como su sombra.

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BLOODY HUMANS Instalaciรณn 2018

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Detalles instalaciรณn Bloody Humans 47


JENNIFER CUSTODIO La primera vez que tuve una cámara Polaroid, y que la utilicé fue en el año 2013. Ya las había visto antes, y sabía que eran instantáneas, nada más. Fue probarla y sacar una foto; y ahí, ahí es donde comenzó todo: mi adicción. Me vuelven loca todas las cámaras que presenten una precariedad o un carácter amateurista, pero desde ese momento, cambie mis cámaras de usar y tirar por la Polaroid 600. Nunca busco, nunca medito... Ni pienso en realizar un proyecto o una serie; mis Polaroids salen solas. Me apetece añadir elementos absurdos, inusuales e incluso grotescos y terroríficos para mí; luego pienso en la estética visual que me proporcionará; la cual desconozco, ya que la máquina es la encargada de dar el revelado bellamente inesperado a mis fotografías. Dejo que la cámara decida, me enamoró y entro en un bucle que me conduce a un éxtasis de tomas placenteras mientras espero a que esta epifanía decida mostrarme el resultado final. Más tarde, soy consciente de que todas los milagros que consigo conforman una serie encadenada sin querer, que todas ellas hablan y se complementan: rostros camuflados, cuerpos desasosegados, elementos borradores del carácter identitario, genitales, culos, bello púbico, máscaras, conos... ¡Todo es bello! La fragilidad de la especificidad del formato idealiza la delicadeza y el contenido de las mismas; así, perdí las ganas y el interés por lo digital, únicamente interesándome la instantaneidad. Sólo pienso en seguir manteniendo un idilio fotográfico con mi cámara Polaroid 600, y cuando desaparezca mi película favorita de edición limitada, entraré en una profunda depresión armoniosa y conceptual; pero volveré a ese blanco y negro, a esa melancólica nostalgia faltante de color, a esas punzadas, a esos vestigios de la nada y el todo, a esas improntas de lo fantasmagórico. Quizás mi inquietud y encadenamiento a esta presunción fotográfica se deba a esa lejanía con el medio; nunca tuve una máquina Polaroid en la infancia, creo que soy de aquella y triste minoría. Ahora tengo más de seis cámaras, y en cada una escondo una película diferente olvidando cual dejé dentro de cada una. Un descontrol mágico, una soledad de lo matérico que me impulsa a aferrarme a la reliquia que la máquina ofrece; estas imágenes de superficies quiméricas, como síntomas incandescentes de una realidad adulterada. Mis imágenes como impresiones caprichosas de factores químicos rechazados por la técnica en la metamorfosis constructiva de la imagen. Convulsiones deleitosas engendradas en tinte químicos, experimentadas como visiones más allá del mundo de lo real; una solución de imágenes momentáneas de rasgos antojados; una autonomía experimental de deseos enigmáticos. 48


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Durante mi prematuro romance con la fotografía instantánea, hubo un tiempo detenido en el que únicamente me interesé por el retrato de cánones clásicos; ahora, ya no me atraen, mi búsqueda se encuentra completamente centrada en el origen de la desnudez individualista complementada con una no – escenografía de objetos cotidianos aplicados a su disfuncionalidades; trasmutando una simbiosis del rostro con el añadido. Un sentimiento anodino de mi instantáneas contenidas en esa bipolaridad críptica, remitiendo a la reliquia, al fetiche de lo pragmático. No siento ni el más mínimo interés por la intervención de las mismas, únicamente la pureza del medio resultante y de su naturaleza inesperadamente cambiante. Tampoco pretendo una significación de las mismas, confiando la importancia de la imagen a la intensidad visual y al carácter propiamente único del formato; capturo lo apetecible dominada por la impulsividad inmediata: la ropa me distrae, el cuerpo engancha. La no existencia de una temática marcada o preferente, me dirige a esta dubitación superflua pensante; por lo que esta conjunción de mi colección de fotografías instantáneas se traducen en posteriores series o multiseries que se encajan entre ellas; como “Collants”, “Iceberg”, o la más reciente “Estigmas”. Conjuntos de historias generadas en la pared del salón de mi casa, iluminadas con la luz cegadora del proyector de transparencias, una dura iluminación que enmarca las figuras masculinas que uso habitualmente; una austeridad barrocamente pretenciosa. Una nueva traducción de lo instantáneo en el momento de la resignificación de su soporte y formato; funcionando estas escenografías fotográficas como traslaciones intensificadas.

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“A BASQUET OF ROSES”; o cuando me dí cuenta que mi fotografía Polaroid era igual que la portada del disco de New Order. Unas rosas de plástico acostadas, también hacia el lado izquierdo, que se funden en el blanco y negro de un pictoricismo que me únicamente puede ofrecerme esta técnica amateurista. La plasticidad, en todos sus significados y significantes, reproducida sobre lona de PVC que traduce ese falso ramo de florres, que sin querer, nos evoca a la más pura realidad del mismo; salvo por ese código de barras que se asoma en su extremo, unos números que dan título a la pieza. Un realismo alojado en la materialidad falseada de la especificidad del formato que transforma lo irreal en una autenticidad antojada; una pseudoverdad como la creada por Henri Fantin-Latour. Una nueva realidad, también, la establecida con 036000291452; donde en una era promiscua de imágenes digitales se establece un eterno retorno de lo analógico visual como un nuevo método de creación, en el cual, la mediología se convierte en el único origen de producción.

036000291452 Lona PVC 440gr 100x100 cm 2017

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Estigma, 2017 Ampliación de fotografía Polaroid en papel Hahnemühle. Segundo premio en el Certamen ArteVital 2017.

Estigma estigmático, 2016. Expuesta en Gabinete ZAS O1, Zas Kultur Espazioa, Vitoria. 52


Plastiko, 2016.

DEAD AT HOME 2016.

Áccesit en fotografía concurso ArteVital, Sala Luis de Ajuria, Vitoria.

Instalación titulada Polaroid chambre, Salamanca.

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JULIO FALAGÁN Su trabajo gira entorno al cuestionamiento del poder y lo establecido mediante el uso del humor y la ironía. Con una justificada falta de respeto por aquello que no se lo merece, dignifica lo banal y lo obsoleto como punto de partida para reflexionar sobre la construcción social y sus fisuras, poniendo en duda cualquier dogma. Un alegato a favor de lo pequeño, lo pasado por alto y lo desechado, dejando en evidencia las grandilocuencias y las verdades absolutas. Su obra ha sido expuesta en países como EE.UU. Argentina, Brasil, Perú, Chile, Korea del Sur, Australia, Italia, Rumanía, Austria, Alemania, Portugal o Lituania. Ha sido reconocido con galardones como la Beca de la Academia de España en Roma 2012, Beca Casa de Velázquez 2009, Beca El Ranchito Argentina de Matadero Madrid 2014, Beca Art-Ex AECID Brasil-Korea-Australia-EEUU 2015, Beca CREART en Atelierhaus Salzamt de Linz, Austria 2013 o Madrid Procesos 2009 de AVAM y Premios como la Mención de Honor en “Generaciones 04”, Caja Madrid, el Premio Nacional de Pintura Pancho Cossio 2008, Mención de Honor Premio Nacional de Pintura Caja España 2008 y 2010 o el 1er Premio de Pintura Certamen de Arte Joven Junta de Castilla y León 2009.

La obra que presenta a la exposición AQUÍ Y AHORA Power, Corruption & Lies se titula FE EN EL DINERO y es un tríptico compuesto por sencillos símbolos que reflexionan sobre el capitalismo como religión, el dinero como único Dios compartido por todas las religiones del mundo.

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FE EN EL DINERO (2017) Obra grรกfica sobre papel de 15 ejemplares. Dos tintas: negro y oro. Triptico de 50 x 35 cm cada pieza.

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OTRA PUTA FERIA MÁS (2016) Proyecto artístico realizado en febrero de 2016 en la Galería 6mas1, coincidiendo con la semana de ferias de Arte de Madrid. Consiste en la creación de una nueva Feria más como reflexión sobre la saturación de ferias en un mercado prácticamente agotado. Se invitó a participar a 74 artistas, cada uno aportó una obra de pequeño formato sobre un mismo tema: el mercado del arte. Todas las obras tenían un mismo valor, 300 €. También se podían adquirir copias originales por solo 0,50 €. En el fondo de la sala había una fotocopiadora con monedero para que todo aquel que quisiera descolgara el original de la pared, lo fotocopiara y le estampara el sello de la feria para autentificarlo. Después el coleccionista debía colgar de nuevo la obra en su sitio correspondiente. Si la obra original se vendía, el coleccionista se la llevaba y ya no se podían realizar más copias. Todo el dinero recaudado con la venta de las copias de los originales, 275 €, se invirtió íntegramente en Lotería Nacional, como una cooperativa, tras varios intentos lo perdimos todo.

Este proyecto es un intento de democratizar el mercado del arte haciéndolo asequible a todos los bolsillos y eliminando infructuosamente la especulación, dejando patente la imposibilidad de control del mercado y lo ridículo de todo el proyecto en sí mismo. También incide en la precariedad actual en nuestro sector. El beneficio obtenido por la venta de la obra es mínimo, por lo que la profesionalización del artista, el comisario y la sostenibilidad de la Galería con esta muestra queda en entredicho. El único punto a favor en la profesionalización del arte en este proyecto queda enmarcado en la posibilidad remota de conseguir el premio gordo de la Lotería, lo cual ha quedado demostrado que es casi imposible. Al igual que en la Lotería, en el mercado del arte se juega con la ilusión del más débil. Hacer de nuestra profesión algo rentable es cuestión de suerte (milagro). 56


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REAL GALERÍA DE RETRATOS DE GENTE QUE NO EXISTE 2017 Reflexión sobre la obsolescencia del retrato anónimo de mercadillo. Un intento de rescatar y reintroducir en el mercado algo obsoleto y fantasmal que nadie quiere porque desconoce su historia. Para dar la posibilidad a esas obras de volver a estar colgadas en una casa había que eliminar su anonimato. Para ello invité a colaborar en el proyecto a gente de mi entorno profesional, críticos, gestores culturales y demás personas con las que he trabajado. Organicé una exposición privada de un día en la Galería 6más1 donde se expusieron una serie de retratos recopilados en mercadillos y almonedas para que cada uno eligiera el personaje con el que se encontrara más cómodo para escribir un texto breve sobre él, de manera totalmente libre. Una vez recibidos los textos, intervine sobre cada retrato adaptándolo a la historia narrada. Me planteo este juego como un cambio de roles, las personas que han escrito sobre mi en otras ocasiones se convierten ahora en los artistas creadores y yo en el que realiza el comentario a posteriori, pero con los pinceles. Los cuadros no son obras por si solas, únicamente funcionan si están unidas al texto. Son como ilustraciones. Los retratos se muestran siempre con su texto al lado. Es indivisible. Como un libro colgado en la pared. Con todo el material se realizó una exposición y una pequeña edición, que funcionaba como una exposición de bolsillo, una forma de trascender las fronteras endogámicas de la galería.

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URTZI IBARGÜEN Urtzi Ibarguen (Errenteria. 1978) es un artista que ha desarrollado su práctica artística hacia el espacio donde se entrelazan el arte y las nuevas tecnologías, investigando, desde un punto de vista conceptual, la evolución y el desarrollo de la relación entre estas tecnologías y la sociedad actual. Interesado en los procesos de construcción de lo tecnológico, tanto desde el lenguaje informático hasta los nuevos procesos y materiales para la fabricación digital, desarrolla una práctica artística que reformula las bases y las estructuras de construcción de lo digital para reconstruir una obra plástica que se genera entre una mirada crítica y el absoluto interés en estos nuevos recursos y sus características. Así, la practica artística se convierte en un proceso donde la historia, la antropología, la política, la música o la poesía son reinterpretados a partir del filtro tecnológico, aflorando nuevas miradas y perspectivas a la hora de entender esta relación.

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Mi práctica artística surge del proceso de deslocalización de las tecnologías de fabricación digital a partir de su disolución en forma de huella sobre materiales más tradicionales como la cera, la madera, la lana, el bronce o la cerámica. Así, surge un grupo de obras que remiten a lo antropológico o lo arqueológico a partir de restos, símbolos y construcciones que funcionan como un “fake”. Este “fake”, que en este caso refiere a la re-creación neutra, prescinde de la copia o la imitación al carecer de objeto/cosa al que copiar, para desvelar, desde una perspectiva actual, lo que deben ser los restos de algo que podría no tener pasado. El núcleo del proyecto reside en ese imaginario que surge de este grupo de piezas y que se va construyendo tanto individual como colectivamente a partir de diferentes referencias cercanas a la antropología, la arqueología, la historia o la memoria. Nos invitan ha seguir interrogándonos y reflexionar sobre la esencia última de las cosas a través de cierta maestría técnica y estética, es decir, se sitúan por tanto en la brecha donde se encuentra el arte.

Sean cuales sean las respuestas, se da una narrativa visual que remite a todo presente como pasado, enriqueciendo el imaginario icónico como un sustrato simbólico del conocimiento, aunque todavía no hayamos pasado de la mera especulación. Son piezas que se hacen memoria pero no despejan la duda sobre quienes son los verdaderos agentes de la historia. Y es esta duda, este grupo de preguntas sin respuestas, la que acaba por construir la obra.

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Obra 2 Sin TĂ­tulo (Restos II) - 2017 Bronce Medidas variables

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Sin Título 2017 - Serie Restos II (detalles) Bronce Piezas creadas a partir de prototipado 3D Sin Título (Restos II) es un grupo de 6 piezas escultóricas de bronce resultado de la mezcla de los procesos de fabricación digital, procesos y materiales escultóricos más tradicionales. Nacido en el desarrollo de un software de diseño 3D, estas formas recomponen en dirección opuesta las practicas arqueológicas contemporáneas y sus métodos de reconstrucción para presentarnos una practica inversa donde el “resto” es el fin, un ultimo punto donde los conceptos de pasado y futuro se difuminan, invitándonos a seguir interrogándonos sobre la esencia última de las cosas.

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Obra 1 Sin Título (Tríptico) 2017 Grabado láser sobre lana 54 x 41 cm (unidad)

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Sin Título (Tríptico) Detalle 2017 Grabado láser sobre lana

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Las dos obras propuestas forma parte de un grupo creado dentro del proyecto Vestigios de una cultura contemporánea desarrollado dentro de la residencia artística de BilbaoArte 2016, que posteriormente formo parte de la exposición individual realizada en el mismo centro bajo el mismo título. Al igual que todo el grupo de obras que forman el proyecto, estos "hallazgos" funcionan como un "fake" antropológico o arqueológico, reflexionando sobre la influencia del progreso tecnológico que desemboca en una efervescencia social que repercute en una constante evolución y cambio. Lo nuevo ya es viejo y lo de ayer ya es historia. El proceso plantea una nueva lectura de lo contemporáneo a partir de la mezcla de técnicas y materiales actuales y tradicionales. Bajo esta premisa, la construcción de la obra surge de la mezcla de técnicas de fabricación digital (software e impresoras 3D, cortadora láser, fresadora CNC...) y procesos y materiales tradicionales dentro de la práctica artística, siendo la huella resultante del transito entre estos procesos una de las características principales en la construcción de un imaginario social y cultural.

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Sin TĂ­tulo 2017 Corte lĂĄser sobre madera 25 x 18 x 12 cm

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Sin TĂ­tulo 2017 Escayola Medidas variables 69


Sin TĂ­tulo 2017 Loza 90 x 40 x 35 cm Escultura creada a partir de prototipado 3D

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Sin Título

Sin Título

2016 Grabado láser sobre cemento 60 x 35 cm

2016 Grabado láser sobre cemento Detalle 71


DAVIS LISBOA Mi nombre es Davis Lisboa y nací en São Paulo, Brasil (1965). He estudiado Desenho de Comunicação en la ETE Carlos de Campos y Pintura en el Centre d’Art i Disseny Escola Massana y en la Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona. Desde 1982 trabajo como storyboard artist (storyboarder, storyboardista o guionista gráfico) realizando storyboards (guiones gráficos) para varias agencias de publicidad de Brasil, España, Rusia, Inglaterra o Estados Unidos. Me trasladé a Barcelona en 1987, donde trabajé como ilustrador gráfico en un estudio de diseño y dos años después abrí mi propio estudio de ilustraciones publicitarias especializado en storyboards, layouts y pinturas artísticas, figurativas y contemporáneas al óleo sobre lienzo.

En 2005 comencé a realizar exposiciones como pintor artístico, figurativo y contemporáneo en galerías de arte, centros culturales y museos de arte y en 2009, creé el Davis Museum | The Davis Lisboa Mini-Museum of Contemporary Art in Barcelona ​una entidad cultural reconocida por la Generalitat de Catalunya, ampliando mi actividad hacia la gestión cultural.

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DAVIS MUSEUM The Davis Lisboa Mini-Museum of Contemporary Art in Barcelona Fundado en Facebook en 2009, es el primer museo de arte contemporáneo creado en una urna a través de las redes sociales. Funciona simultáneamente como una escultura readymade, una obra de arte colectiva, y un espacio conceptual temporal, mutable más que físico. Una provocación al art establishment. Con su propia colección permanente de arte contemporáneo, el Davis Museum es también un proyecto artístico sin fines de lucro que organiza y produce exposiciones, fomenta la investigación y promueve exposiciones de arte contemporáneo. Además, el Davis Museum organiza exposiciones itinerantes a otros centros culturales, museos e instituciones, a nivel nacional e internacional, a la vez que genera debate y reflexión.

The Polling Station Section From Davis Museum (La Sección del Colegio Electoral del Davis Museum) 2009 - en curso Instalaciàon: urna de cristal, vinilo y espejo, pedestal de madera lacada, base giratoria eléctrica, barra metálica con cortina de terciopelo, bordado hecho a mano enmarcado, quiosco con iPad, taburete lacado y moqueta sobreescenario de madera. 246 x 166 x 150 cm

Su misión es la selección, presentación, estudio, difusión y preservación del arte contemporáneo por artistas emergentes y reconocidos de todo el mundo. Aunque el Davis Museum no puede desafiar la hegemonía cultural, es un ejemplo del surgimiento de museos independientes creados por artistas para romper el monopolio de las grandes instituciones culturales, el establishment, y un intento de crear canales alternativos y aumentar la visibilidad de la visión contemporánea creación, organización de exposiciones, subida de videos y publicaciones como un canal alternativo de información expresiva. Y sí, podría verse como una pequeña revolución en la forma en que pensamos, organizamos y actuamos cultural y políticamente, y no solo en la forma en que creamos el arte con más o menos espacio de exhibición o financiación. 74


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¿Quién te ha inspirado para crear el Davis Museum? Conceptualmente, me inspiró el artista francés del Fluxus, Robert Filliou, autor de La galerie légitime. Estéticamente, me inspiró el diseño web de las redes sociales y el arte digital. ¿Qué esperas que los espectadores sientan o piensen sobre el Davis Museum? Espero que ellos entiendan que hay una narrativa dentro de la historia del arte que trata sobre los artistas que crearon sus propios museos. Este discurso se construye a través de Marcel Duchamp (Boîte-en-valise, 19361941), Robert Filliou (La galerie légitime, 1962-1963) y Marcel Broodthaers (Musée d'Art Moderne,Département des Aigles, 1968-1972). Para continuar con esta narrativa, yo decidí crear el Davis Museum, The Davis Lisboa MiniMuseum of Contemporary Art in Barcelona (2009-en curso), una entidad cultural creada en una urna de votación a través de Facebook, reconocida por la Generalitat de Catalunya y que es el menor museo de arte contemporáneo del mundo. ¿Por qué has elegido este medio? He elegido la instalación artística porque es uno de los principales géneros dentro del arte contemporáneo. Esta incorpora diversos medios para crear una experiencia visual o espacial en un ambiente determinado, combinando tanto documentos digitales en la red, como objetos cotidianos, artesanales, artísticos y electrónicos, en la que el espectador puede interactuar con ella.

Normally visionary artits generate rejection (Normalmente, artistas visionarios generan rechazo) 2015 Imagen digital 896 x 740 cm

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Reject traditional museums!!

Give me a museum and I’ll change society!

The Davis Museum deconstructs the logic of power.

(Rechace museos tradicionales!!) 2015 Imagen digital 896 x 740 cm

(Dádme un museo y cambiaré la sociedad!) 2015 Imagen digital 896 x 740 cm

(El Davis Museum deconstruye la lógica del poder.) 2015 Imagen digital 896 x 740 cm

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CÉLESTE ROGOSIN Nacida en 1989 en París, Francia. Vive y trabaja en París. Entrenada en las artes escénicas ( baile en el Conservatorio d'Angers, teatro en Cours Florent y escuela L.F.T.P., París ), en su práctica cinematográfica, Celeste Rogosin ha heredado naturalmente los tropismos del cuerpo y su lugar en el espacio. También se pregunta cómo la palabra puede construir espacios paralelos en que los cuerpos pueden moverse. Los mecanismos de un drama latente se establecen por el poder de la palabra como posible subversión y la construcción de identidades que juntos fundaron su trabajo como artista y cineasta. Elevarse por encima de las cuestiones de identidad y políticas, la atención de Celeste Rogosin se centra en comunidades, grupos heterogéneos teñidos de utopía. Sus cuestiones artísticas giran en torno a la convivencia y el vivir juntos, la idea de que la identidad de un grupo no es la suma de identidades de sus protagonistas. Aunque su trabajo se basa en un realismo documental, juega con sus posibilidades ficticias posteriores, produciendo así un ambiguo trabajo de ficción.

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1971 situation, Alabama 8 color photographs printed on 55gms newspaper, 75 x 52 cm, 50 copies. Text included: extracts from recorded phone conversations between filmmaker Lionel Rogosin, Gerald Lefcorte and Edith Tiger. Circa 1990. ŠCÊleste Rogosin / Rogosin Heritage, 2017 80


1971 SITUATION, ALABAMA En su pieza 1971 Situation, Alabama, Céleste Rogosin cuestiona la película Woodcutters of the Deep South de Lionel Rogosin, su abuelo, que trataba sobre los sindicatos de leñadores del Sur profundo, EE.UU., durante el movimiento de derechos civiles. La obra de Lionel Rogosin fue descuidada por el público en general pero tuvo una gran influencia en numerosos directores americanos famosos como Martin Scorsese, John Cassavetes... Esta película, que tuvo tan poca distribución, encuentra ecos relevantes en la América de hoy: cómo los afroamericanos y los blancos trataron -en vano- de unirse y desarrollar sus derechos laborales, cómo fracasaron porque la CIA y el FBI los infiltraron durante el Movimiento de Derechos Civiles. Las imágenes que Céleste Rogosin ha editado presentan extractos de la película nunca antes vistos. La infiltración de las comunidades por fuerzas políticas hostiles se muestra a través de las ligeras infiltraciones en algunas de las imágenes presentadas. Elevándose por encima de las cuestiones de identidad y políticas, la atención de Celeste Rogosin se concentra aquí en un grupo utópico y heterogéneo. Ella cuestiona el papel de las imágenes como documentos, produciendo así una obra de ficción. La instalación consiste en una impresión especial en papel de periódico tradicional de 16 páginas plegadas (55gsm). Midiendo 52 x 37,5 cms por página (imágenes a página completa: 52 x 75 cm) e impreso a color por ambas caras, este periódico es una edición artística de 50 ejemplares, extendida y mostrada en el suelo. Sin explicaciones textuales, ocho grandes imágenes están impresas en páginas dobles separadas. Algunas de ellas pueden ser colgadas juntas en la pared, la instalación puede extenderse de una (1) a ocho (8) imágenes, dependiendo de la escenografía general del espectáculo. Cada periódico incluirá una hoja suelta (en inglés y/o español) con los guiones de extractos de grabaciones de conversaciones nunca publicadas entre el cineasta L. Rogosin, el abogado defensor de los Panteras Negras Gerald Lefcorte y Edith Tiger, entonces directora del Comité Nacional de Emergencia de Libertades Civiles.

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...contra todos estos grupos? COINTELPRO. Y eso significa contra-inteligencia, Y eso es lo que era el programa del FBI. Y eso era conseguir que los Panthers se pelearan entre ellos, luchando con otros grupos negros... Infiltrarse, sí. Pero en realidad luchando con ellos, los agentes de contrainteligencia del FBI enviarían material amenazador, fingiendo que lo enviaban en nombre de los Panthers, a un grupo nacionalista negro. Y ellos tendrían a estos grupos enfrentándose entre sí. Y se escribían notas a sí mismos, felicitándose a sí mismos, cómo consiguieron que estos grupos se pelearan.

Y ahora, con el asesinato de Martin Luther King, también hubo influencias allí, Pero también había otro lado. El movimiento de derechos civiles se estaba debilitando ... Y cuando King comenzó a ser activo en la economía en lugar de los derechos civiles, Eso los asustó. Porque cuando habló dijo..: Ya no es una lucha negra... Es una lucha obrera, Pobres blancos y negros. Eso lo convirtió en una amenaza, Eso lo convirtió en una amenaza, Porque una vez que puedes organizar a los pobres, No importa el color, Eres una gran amenaza.

Extracto de una conversación grabada entre el cineasta Lionel Rogosin y Gerald Lefcorte alrededor de 1990, el abogado defensor de los Panteras Negras, Abbie Hoffman y otros.

Extracto de una conversación grabada alrededor de 1990, entre el cineasta Lionel Rogosin y Edith Tiger, directora del Comité Nacional de Libertades Civiles de Emergencia.

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DETRÁS DE TI Clemence y Aude son dos jóvenes adultas. Ambas son fotógrafas y amigas desde hace mucho tiempo. Algo sucederá entre ellas que hará que Clemence pierda el control y dude de su propia identidad. El retrato de la película ofrece una biopsia de los sentimientos de amistad e instintos amatorios explorando sus fronteras y representando una búsqueda de identidad a través de los otros. Así, rechazándose a sí misma de su grupo de amigos, Clemence luchará por aislarse y reconstruirse.

Créditos Producción: Producción de Celestine Director: Céleste Rogosin Guión: Valentine Caille y Céleste Rogosin Imagen: Melody Lamotte d'Incamps Edición: Anna Brunstein Con Marie-Caroline Le Garrec y Valentine Caille Información técnica Imagen: digital 16:9 Sonido: Estéreo Longitud: 27'29

Difusión: Los planes del Festival 1ers, Angers. TMF Festival mensual nominado al mejor guión y a la mejor actriz, 2ª mejor película. Viméo link : https://vimeo.com/106864554

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PASILLOS DE UNA UTOPÍA En un pequeño pueblo del norte de Francia, una gran casa donde un grupo de treinta años ha vivido y trabajado. Ahora tienen que irse y encontrar un nuevo lugar para vivir. ¿Pero dónde y para qué? Entre el entusiasmo y la desesperación, sus intercambios hacen girar su revuelta, su compromiso y sus valores. Créditos Producción: Everybody on Deck con el apoyo de Adami y Pictanovo. Director: Céleste Rogosin Imagen: Robin Lachenal Edición: Anna Brunstein Con Julien Bouanich, Félix Kysyl, Géraldine Szajman... Información técnica Imagen: digital 16:9 Sonido: Stéréo Longitud: 9'55 Difusión: France 3 (Televisión francesa), el Festival 1ers planea, Angers. Viméo link : https://vimeo.com/229879102

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EDEN, NC Eden, NC es un cortometraje, un trabajo en progreso sobre el pequeño pueblo de Eden en Carolina del Norte, EE.UU.. La ciudad de Eden es la más grande del condado de Rockingham y cuenta con alrededor de 10 000 personas, lo que es más de 5 000 menos que en 2010. Más del 20% de la población vive por debajo del umbral de pobreza y su principal industria fue una cervecería que cerró en 2015 cuando la crisis la acometió, creando una enorme brecha entre la realidad del Edén y sus mitos y proyecciones. A través del seguimiento de dos personajes principales de dos generaciones diferentes, Shawn el mecánico y Tyler, un cantante de rap, buscaremos su relación concreta con la comunidad del Edén. A medio camino entre la ficción y el documental, el objetivo de la película Eden, NC es cuestionar a una comunidad que se enfrenta a dificultades económicas, financieras pero también raciales, preguntándose cómo se las arreglan o no para superarlo.

Director : Céleste Rogosin Película en producción, 4K Duración: 15 minutos estimados.

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ESTELA SANCHÍS Mi trabajo se centra en la observación de lo sutilmente extraño en el día a día, las discretas transgresiones de lo que es considerado normal, como gestos micropolíticos dentro del espacio cotidiano. Empleando lo lúdico como motor creativo, trato de generar situaciones controvertidas que me confronten con el consume pasivo de objetos, imágenes y experiencias. Las narrativas que de ellas se generan son reconstruidas a partir de escritos, fotografías, videos o instalaciones, en obras que mutan en función del espacio que las alberga.

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El señor que me envía regalos es un proyecto narrativo que parte de una lectura eisegética del cuento Casa tomada de Julio Cortázar para explorar la idea de la invasión de la casa. Con la intención de experimentar la inquietud vivida por los personajes del cuento, quise integrar en mi propio hogar esa idea de invasión. Esta experimentación se concreta en una acción de 24h horas de duración en la que invito a “El señor que me envía regalos”, un hombre que no conozco que desde hace 3 años me envía regalos a casa, a que pase 24 horas a solas dentro de mi apartamento con la posibilidad de tocar y hacer todo lo que quiera. El registro de esta acción, mezcla de grabaciones con cámara oculta y fotografías tomadas por él mismo, es tratado para elaborar una nueva narración que cuestione sobre las imágenes de la casa, lo público y lo privado, la confianza y la violación, y el mirar y ser mirado.

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Imรกgenes pertenecientes a las cรกmaras ocultas

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Imágenes tomadas por El señor que me envía regalos 89


Imágenes tomadas por El señor que me envía regalos 90


Montaje de las fotografías tomadas por El señor que me envía regalos

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Fotogramas de las grabaciones con cรกmara oculta intervenidos 92


LOS VECINOS “DEL” FRENTE (2013) Partiendo de la relación que me une a mis vecinos de enfrente comienzo un juego de mutuo voyeurismo que me permite aproximarme a ellos sin llegar a establecer un contacto real. Los vecinos “del” frente es un proyecto narrativo en forma de libro autoeditado que utiliza fotografía y texto para explorar los límites de la privacidad. El proyecto completo puede verse en: http://estelasanchis.com/index.php/project/los-vecinos-delfrente/

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EL BOLSO DE ANNA (2012) El bolso de Anna es un proyecto de creación visual que pretende explorar las nuevas formas de relación a través de los medios virtuales. La aparición de las redes sociales ha contribuido a confundir los límites entre lo público y lo privado, incitando al juego de observar y ser observado, de mostrar y proyectar nuestra vida tal y como queremos que sea percibida por el otro. La esfera virtual servirá de telón de fondo para explorar las imbricaciones del yo y el otro, lo público y lo privado, la confianza y la violación. El proyecto completo se puede leer en: http://estelasanchis.com/index.php/project/el-bolsode-anna

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Vida (2012) Vida es un proyecto audiovisual que trata de realizar un acercamiento a las enfermedades inflamatorias intestinales utilizando el juego como motor creativo. Partiendo de una serie de ejercicios planteados a Juan Gabriel, enfermo de Crohn desde la adolescencia, trato de descontextualizar su definiciĂłn de la enfermedad y de reinterpretarla a travĂŠs de las experiencias de una serie de desconocidos. Con ello pretendo llegar a una concienciaciĂłn desdramatizada sobre el impacto de estas enfermedades en la vida diaria del paciente. El proyecto completo puede verse en: http://estelasanchis.com/index.php/project/vida/

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AMÉLIE SCOTTA Amélie Scotta creció en una ciudad dormitorio, luego vivió en muchos pisos en los barrios populares de Estrasburgo, París o Bruselas. Para bien o para mal, su mirada se incrementó con lo urbano: las aceras grises, los espacios estrechos, la luz del metro, pero también su arquitectura y sus habitantes en toda su diversidad. Le gusta el dibujo porque requiere pocos medios y no tiene límite, excepto el del tiempo. La artista francesa también utiliza para mezclar técnicas digitales y artesanales, enfrentando la aleatoriedad de la mano con la perfección de la máquina. La lentitud, el ritual y la repetición son elementos esenciales de su proceso de trabajo. “Me defino por un conjunto de lugares. Después de una infancia en la misma dirección en una ciudad dormitorio, me mudé unas veinte veces en quince años, frecuentando varios barrios en Francia y en el extranjero. Mi obra se inspira en este entorno concreto y urbano en el que me desenvuelvo, evocando un mundo duro y violento en sus contradicciones y desigualdades sin evacuar una cierta forma de poesía. La atención al detalle frente a la monumentalidad arquitectónica y la relación del individuo con la densidad humana son mis hilos conductores. Principalmente a través del dibujo, pero también con herramientas digitales o la escultura, busco entrar en la estructura o patrón, que designa tanto el motivo como el modelo. Trabajo lenta y obsesivamente, a contracorriente de un sistema basado en la velocidad y el rendimiento, privilegiando la sencillez del medio de dibujo que requiere pocos medios y sobre todo disciplina y tiempo. Mi estilo de vida itinerante también determina mi compromiso y mis logros. Me adapto constantemente al espacio disponible para mí, ya sea un lugar para vivir o un lugar de paso. Los dibujos en rollos fueron inicialmente una forma de crear grandes formatos en espacios reducidos y temporales, y más tarde se convirtió en una opción artística. Llevé esta idea a su conclusión lógica con mi pieza Volumen, un dibujo en grafito sobre un rollo de diez metros, creado durante un año durante mi residencia en la Casa de Velázquez, mientras vagaba por la región de Madrid” 96


La Tour Blancas es un dibujo con grafito, inspirado de la Torres Blancas en Madrid. He realizado una serie de torres, que se llama Towers. He transformado cien arquitecturas en rascacielos. Esta serie trata de la carrera por altura, y de las relacionnes entre arquitectura y la grandes potencias. Para mí, la torres blancas son un icono de los años sesenta en Madrid, donde pensaron en otra forma de vivienda, como la Cité radieuse de Le Corbusier en Marsella. Es una utopía de las años sesentas, completamente debatida hoy, pero que es emblemático de Madrid.

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Tour Blancas 2017 dibujo a grafito en papel Arches 102 x 30 cm

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La serie LES MONADES está compuesta por tres dibujos esgrafiados. El esgrafiado es una técnica, parecida al grabado, donde cavo un papel negro para revelar el blanco. Ese serie está inspirada enun novela de cienca ficción de Robert Silverberg, de los años setenta. La novela presenta una sociedad superpoblada donde millones de personas viven en grandes conubarciones que se llaman monades. os dibujos están inspirados también en los inmuebles de China. Es una manera de decir que la realidad ha superado la ficción. Se trata también de esa invasión caótica, sin límites, y que impone su desmesura al paisaje.

He trabajado estos dibujos como imágenes digitales. He hecho montajes de muestras arquitectónicas con ordenador, que he dibujado después. Hay una relación entre esos inmuebles habitacionales y el carácter informático y virtual de nuestra sociedad. Para mí, estas arquitecturas son numéricas, porque pienso que están concebidas con programas más que con humanos.

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Mini-monades 2015 Serie de dibujos esgrafiados TamaĂąos variables 100


SCAPE Estos dibujos de grafito están hechos en bobinas de papel térmico, un material utilizado principalmente en la distribución masiva para la impresión de recibos. Scape es el sufijo inglés que se utiliza para formar nombres que transmiten la idea de una vista, un paisaje o un panorama.

Dibujos de grafito en rollos de papel térmico Ø 8 cm 2020 101


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RECLUSORIO En referencia al pequeño edificio cerrado en el que vivían los penitentes de la Edad Media, hice este reclusorio con 500 ladrillos rescatados de una obra. Tanto un refugio como una prisión a escala humana, esta arquitectura rudimentaria construida alrededor de mi propio cuerpo puede evocar el reciente confinamiento, pero también las microviviendas y las viviendas improvisadas que proliferan en las grandes ciudades.

Escultura/presentación 500 ladrillos Ø variable 2020

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ISIDORO VALCÁRCEL MEDINA Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, España, 1937) es un artista clave del arte conceptual en España. Su obra se ha caracterizado por romper con los esquemas más convencionales del arte. Ajeno a las tendencias, Valcárcel Medina se centra en la creación de situaciones, intervenciones, acciones o proyectos, más allá del objeto artístico, que dan cuenta de su actitud comprometida y alejada de los aspectos comerciales del arte.

Inició su carrera como pintor en el ámbito del arte objetivo, constructivista y racional. En 1968, tras una estancia en Nueva York, tomó contacto con el minimalismo y el arte conceptual, abandonando las prácticas tradicionales del arte para adoptar una actitud comprometida y alejada de los aspectos comerciales del arte. Con el fin de salvaguardar su independencia creativa se niega a vender sus obras. Durante los años setenta su trabajo evolucionó hacia la construcción de situaciones mediante obras de environements y performances que realiza en espacios urbanos, como piezas de arte público, o que materializa en acciones concretas en las que sustituye la representación de la realidad por la propia realidad, en la cual el artista interviene de manera personal y directa. La mayoría de estos trabajos son diseñados, proyectados, descritos, fotografiados o dibujados de manera que dan origen a una amplia y extensa documentación que explica y acredita su realización, desarrollándose en diversos formatos, como películas, piezas sonoras, acciones, instalaciones y proyectos de arquitectura. Algunos de estos trabajos se han editado como tarjetas impresas y en formato libro, como la novela Laura en Alejandría (Ediciones La Bahía, 2013), una obra plástica cuya puesta en escena es la de una novela que presenta diversos planos narrativos y de trama (drama). Su trabajo, que ha sido seminal para las generaciones posteriores, ha sido reconocido con los siguientes galardones: Premio Nacional de Artes Plásticas (2007) y Premio Velázquez de Artes Plásticas (2015).

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La existencia de hábitos, costumbres e incluso de obligaciones parece que, por esa simple circunstancia, excusa al arte de someterse a ellas. Bien; es estupendo el no someterse, pero igualmente estupendo es el respetarlas, si se me apura al pie de la letra. Y es por eso por lo que, digamos, una felicitación de año nuevo, que es algo absolutamente común, puede perfectamente usarse como lenguaje creativo, sirviéndose de su normativa para incrustar en ella una cierta y determinante particularidad. Incluso habría que defender la idea de que por causa de esta normativa social o quién sabe si política-si fuera precisa- se dispondría de estímulos para nuevos tipos de expresión. En este sentido, la felicitación de año nuevo, que, cuando empezó a fabricarse por parte de ese autor, tenía como una de sus intenciones el disimular la felicitación de felicidad, dejaba claro que era tan sólo un gesto hasta cierto punto administrativo y en nada religioso, depositando en su pretendido carácter poético una insinuante salida a la norma social, sin abandonar para nada, en su forma precisamente, el aspecto formalista, aunque irregular. Por supuesto no es cierto que cuando cambia el año, cambie la vida. Precisamente porque no es cierto es por lo que se hacen felicitaciones de año nuevo… y es por lo que algunos llevan más de cincuenta aniversarios cumpliendo el rito religiosamente. Se sabe que la vida no va a cambiar… y entonces no está mal añadir algún pequeño aliciente que la estimule. El plan de estos minúsculos mensajes no ha pasado de ser el entretenimiento, apoyado en algún motivo ya sea social, ambiental, cronológico, o también personal… y por lo tanto, a veces difícil de localizar. Pero eso importa relativamente poco, porque la pretensión es casi estética, dentro de un ineludible intento de cultivar la urbanidad. Colocados en su sitio adecuado, los mensajes transmitidos querían, y quieren, acercarse a posicionamientos sobre la evidencia, como evidente es el cambio de fecha, aunque sea únicamente de fecha. Se trata, claro está, de envíos generales, pero de comunicación individual. Esta especie de tarjetas informa sobre realidades o intenciones. Comprometen poco, pero reclaman una atención que no es sólo informativa.

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CV’S

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MARÍA ALCAIDE *Aracena, 1992 2015-2017 Master Investigación en Arte y Diseño EINA, Barcelona 2011-2014 Grado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. 2012-13 Licence en Arts Plastiques à l'Université Paris VIII. Premios + Residencias Premio Dmencia, XVII certamen de arte contemporáneo de Doña Mencía, Córdoba (2015) Residente en Agora Collective, ‘Exploring the Endotic’, Berlin (2015) Proyecto seleccionado Intransit, Laboratorios de creación, Universidad Complutense de Madrid (2016) Residente en Sala Guirigai, Extremadura, Spain (2016) Artista invitado Artifariti 2016, 10th International Art and Human Rights Meeting in Western Sahara (2016) Residente en Atelier, CAAC, Sevilla (2017) Beca de producción Iniciarte (2017) Beca de creación Sala d'Art Jove, Barcelona (2016) EXPOSICIONES 2017 Bureau désespoir, Sala Iniciarte, Córdoba Failure Party, Una cantidad considerable de trabajo, La Usurpada, Barcelona Laboratorio del No Hacer, Christina Schultz, Blue Project Foundation, Barcelona The Funeral, Montaña Negra, C3A, Córdoba Parásitos, ¿Qué piensan, qué sienten los artistas andaluces de ahora?, CAAC, Sevilla 2016 Un mapa 1, Plataforma After the Future, Tindouf, Argelia Un-stable, forum about UE future, Kunsthalle am Hamburger Platz, Berlin, FAR, Foro de Arte Relacional, Córdoba Formas de Vida 3. Residentes Sala Guirigai, Badajoz La ventana indiscreta, Festival Loop Barcelona, Espai Colona, Barcelona Algo más Alegre, Casa Bonita, Sevilla La guerra desaparece, X Encuentros Artifariti, CICUS - galería El Butrón, Sevilla

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2015 Dmencia XVII, Doña Mencía, Córdoba Idiosincrasia sevillana y otras mitologías, galería El butrón, Sevilla WIR HIER, Rathaus Pankow, Berlín Open Art Academy, Weissensee Kunsthochschule, Berlín Performance with So Does Your Mother, Coffi Italian Film & Art Festival, Berlín The living Room, Agora Collective, Berlín Twelve Thirty Minutes Solo Shows, Agora Collective, Berlín Fieber Festival, 3 Festival independiente de artistas iberoamericanas , Berlín Translations, Emergent Art Space, Reed College, Portland, E.E.U.U.

Lectures AGI Research: I Jornada Internacional de reflexión sobre la metodología de la investigación interdisplinar en diálogo con la Universidad de Goldsmitsh de Londres, Fundació Tapies, Barcelona, 2016 Rencontres et formes de représentation à l’ère de la mondialisation: une perspective artistique et académique, Journées d’Etudes EHESS, Paris, 2017

https://mariaalcaide.com/

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PABLO BELLOT GARCÍA San Vicente (Alicante) ESTUDIOS: Realizando tesis doctoral Facultad de Altea. UMH Licenciado en Bellas Artes, UMH Facultad de Altea 2002. Master Gestión y Producción Artística. Universidad de Murcia.(2010-2012) Especialista en Artes Visuales e Intermedia. Cursos de Doctorado Universidad Politécnica Valencia 2004 Concesión “Beca Erasmus” Accademia Albertina delle Belle Arti (Torino 2000)

EXPOSICIONES INDIVIDUALES ACTOS DE COMUNICACIÓN. Centro del Carmen Valencia. Premio ESCLETXES de investigación y producción artística. 2017 CINCO ACTOS. Sala Universitas, edificio Rectorado UMH Elche. Beca Boomerang producida por la UMH. 2017 Estudio de Mancha Negra. No sé qué pasa que lo veo todo Negro. Casa Bardin Instituto Juan Gil Albert Alicante. 2014 MAS MINI MAL O LA INVASION DEL MINI YO. Museu Montsià Amposta (BIAM) Tarragona 2009 MINI YO EN EL CAMPO EXPANDIDO Y MAS P'ALLA TAMBIEN HAY CASAS. Bienal Sau Paulo-Valencia. Galería Aural. Alicante, 2007 MINI YO + Eduardo Infante_ Sala Aifos Universidad Alicante_Diario Información Alicante, 2006 MINI YOS. Galería de Arte Contemporáneo Aural. Alicante, 2004 AUTONEGACIÓN, Casa de Cultura Vila de Benissa, Accésit certamen Salvador Soria. 2001 AUTONEGACION, Exposición (instalación), Propuestas 10, en el Centro 14 (Alicante). 2000 DESEQUILIBRIO, Exposición de pintura en la Casa de Cultura de San Juan (Alicante). 1999 CATARSIS, Exposición de pintura en el Centro Social de San Vicente del Raspeig. 1998 PREMIOS Ganador de la XIII Bienal Internacional de Cerámica de Manises 2017. 1ºpremio President de la Generalitat Valenciana. Premio ESCLETXES Convocatoria de apoyo a la investigación y producción artística CMCV 2016 Ganador I Beca Boomerang de Producción Artística Facultad de Bellas Artes de Altea 2016. Premio selección Arte Público en la Bienal Miquel Navarro de Mislata 2016 III Premio del XX Premio de Pintura “Pastor Calpena” Aspe 2016 II Premio del XLIL Certamen de Pintura Villa Sant Joan d’Alacant 2016 Accésit IV edición el Premio Mardel de Pintura 2016 Mención de Honor XXXIX Concurso Nacional de Pintura Casimiro Sainz (Cantabria) 2016 +PLUS. Residències Formatives de Creació i Investigació Artística del MUA (Museo Universidad de Alicante) 2015 Accésit XXXIII Certamen de Pintura Salvador Soria Benissa 2015 Seleccionado CALL XVI Premio Franc Villa Galería Luis Adelantado Valencia 2014 Premio producción P3 CMCV Valencia 2014 Premio Adquisición Convocatoria de Artes Plásticas y Fotografía 2013 Diputación de Alicante 2013 Premio Adquisición XI Bienal de Artes Plásticas “Ciudad de Pamplona” Museo de la Ciudadela Pamplona 2008 I Premio BIAM Bienal de Arte Ciudad de Amposta 2008

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Mención de Honor IX Premio Nacional Pintura Colegio Gestores Administrativos Valencia 2008 BECA Creación artística BECA 2007 MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo Castilla y León) Seleccionado VII Encuentros de Arte Contemporáneo EAC. MUA Alicante 2005 Seleccionado 6ª-7ªConvocatoria Internacional Jóvenes Artistas Galería Luis Adelantado Valencia Obra adquirida en la "Convocatoria 2005Artes Plásticas" Diputación de Alicante 2005 Seleccionado en el concurso l`Espai Trobat (Benissa). 2004 II PREMIO. Concurso de Pintura Real Academia de Bellas Artes San Carlos. Valencia, 2003. Accésit en el II Concurso de Pintura Juan de Juanes, Bocairent. 2003 I PREMIO .I Concurso Artes Plásticas- Creación Artística2002 Universidad Zaragoza. 2002 Obra adquirida en la "Convocatoria 2001Artes Plásticas" Diputación de Alicante. 2001 1 Accésit en el VI Certamen de Pintura "Salvador Soria" Vila de Benissa. 2001 Concesión Beca Fomento del Estudio de Bellas Artes Fundación Capa. 2001 Concesión de la Beca Talens. 1998 II Premio en el III Concurso de Pintura Rápida Ciudad de Alicante. 1998

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2016 Seleccionado XIV Premi de Pintura Francesc Gimeno, Museu de Tortosa. Efectos sonoros junto a Nuria Fuster y Rubén M. Riera en Mustang Art Gallery. Elche. Seleccionado XXXIV Certamen de Pintura S. Soria. Benissa. 2015 Seleccionado en la XII Bienal Internacional de Cerámica de Manises Seleccionado 76 Exposición Internacional Artes Plásticas Valdepeñas. LA GRAN MÁQUINA II - Premios EMBARRAT. Museo Trepat de Tàrrega(Lleida) Seleccionado XXXVI Certamen Minicuadros Huestes del Cadí Elda SOBRE PAPEL. Colección Tomás Ruiz. Artista en la Comunidad Valenciana. MUA (Universidad de Alicante) Algo dramáticamente diferente o .. convocatoria P3 CMCV La Ventana Indiscreta San Miguel de Castellón 2014 7x114x146 colectiva pintura Galería Liebre. Madrid Desde dentro. Arte contemporáneo desde Alicante, MUA (Universidad de Alicante) Exposición colectiva CALL XVI Premio Franc Villa Galería Luis Adelantado Valencia Algo traumáticamente diferente o …” premio P3 CMCV Centro del Carmen (Valencia) Cigarreras(Alicante) Finalista Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert d'Arts Visuals. 2013. Casal Solleric (Palma de Mallorca) 2013 Colectiva XIII EAC Museo de la Universidad de Alicante MUA Seleccionado XXIII Certámenes de Dibujo Gregorio Prieto Museo Gregorio Prieto (Valdepeñas), (Madrid)* Colectiva Convocatoria de Artes Plásticas y Fotografía 2013 Palacio de la Diputación de Alicante 2013* 2012 Seleccionado 12ª MOSTRA INTERNACIONAL DE ARTE GAS NATURAL FENOSA. Museo Arte Contemporáneo FENOSA A Coruña. SOS 4.8 Arte 2012 en el MAG. Mustang Art Gallery. Elche. Ficciones en Serie FESTIVAL SOS 4.8. Música Arte Contemporáneo Reflexión.(Murcia).

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2011 Colectiva El Habito de Habitar. Galería Aural. Alicante Colectiva WORKS ON PAPER Galería PAZYCOMEDIA. Valencia Colectiva Gabinet de Papers. Centro Municipal de Exposiciones Elche 2010 Seleccionado Bienal D’Art Tarragona Premi Tapiró de Pintura Tarragona. Museu D’Art Modert Tarragona PUNTAS DE FLECHA Nuevas Trayectorias Arte Contemporáneo Valenciano Lonja del Pescado Alicante Feria ART HOTEL. La Feria del Arte Festival Mucho Más Mayo Cartagena. Galería Aural Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo FORO SUR Cáceres. Galería Aural 2009 Colectiva EL PAPEL DEL DIBUJO II Galería Ángeles Baños (Badajoz) PUNTAS DE FLECHA Nuevas Trayectorias en el Arte Contemporáneo Valenciano Reales Atarazanas Valencia Seleccionado XIX Certamen de Dibujo Gregorio Prieto (Valdepeñas),Centro Casa del Reloj (Madrid) Seleccionado XII Premio Joven, Universidad Complutense Madrid. Museo de América Madrid, Valdepeñas, León Seleccionado X Premio de Pintura del Área de Artes Plásticas de la Universidad de Murcia Seleccionado I Premio de Artes Plásticas “Universidad de Castilla la Mancha” Seleccionado I convocatoria de CORPOREA MUA Museo de la Universidad de Alicante 2008 Seleccionado Premio Ibercaja Pintura Joven, Museo Camón Aznar Zaragoza Seleccionado XVIII Certamen de Dibujo Gregorio Prieto Museo (Valdepeñas) Museo de la Ciudad(Madrid) Seleccionado XI Bienal de Artes Plásticas Ciudad de Pamplona. Ciudadela de Pamplona Colectiva BIAM Bienal de Arte Ciudad de Amposta Museu Montsià Colectiva Exibition Halbes Jahr PUTIKLUB GALLERY. BERLIN, ALEMANIA Seleccionado en el Premio de Pintura Focus-Abengoa, Sevilla Seleccionado en el XI Certamen de Artes Plásticas de Unicaja, en el Palacio del Obispo Malaga Expo colectiva IX Premio Nacional de Pintura Colegio de Gestores en Galería de Arte La Nave Seleccionado en EXPLUM Certamen Internacional Arte Actual, Puerto Lumbreras / Murcia Seleccionado en la II edición Premio Pintura Joven "Torrevieja" 2007 Seleccionado VI Certamen Cultural Cooperativa Virgen de las Viñas, Tomelloso(Ciudad Real), Museo A. López Torres Seleccionado XVII Certamen de Dibujo Gregorio Prieto Museo Gregorio Prieto (Valdepeñas) Museo de Ciudad (Madrid) III Feria de Arte Contemporáneo Valencia Art. Con Galería Aural.” Seleccionado en el V certamen de Artes Plásticas de Muchamiel. Finalista en la IV Biennal Internacional de Dibuix Josep Amat, Sant Feliu de Guixols Seleccionado en XXXIX Concurso-Exposición de Pintura y Dibujo "Ciudad de Tomelloso", Museo A. López Torres VIII Premio de Pintura del Área de Artes Plásticas de la Universidad de Murcia IVAM ELECTRA como Grupo Pang. IVAM Valencia Seleccionado en el primer Premio Nacional de Pintura Joven "Ciudad de Torrevieja“.

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2006 Exposición colectiva _ la mirada perversa _ Galería Aural. II Feria de Arte Contemporáneo Valencia Art. Con Galería Aural. Seleccionado en I Concurso de Creación Artística Fundación José García Jiménez (Murcia) 2005 Feria de Arte Contemporáneo Valencia Art. Con Galería Aural. Exposición colectiva VII Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo EAC. MUA Universidad de Alicante Exposición colectiva 7ª Convocatoria Internacional de Jóvenes Artistas Galería Luis Adelantado.(Grupo Pang) Valencia Seleccionado en la "Convocatoria 2005Artes Plásticas" Diputación de Alicante. 2004 Exposición colectiva 6ª Convocatoria Internacional Jóvenes Artistas Galería Luis Adelantado. Seleccionado en el II concurso de Pintura Universidad Miguel Hernández Iberdrola. Exposición de Arte Público “l´Espai Trobat” Vila de Benissa. 2003 Seleccionado en VIII Certamen de pintura "Salvador Soria" Vila de Benissa. Colectiva Real Academia de Bellas Artes San Carlos. Valencia. 2002 Seleccionado en VII Certamen de pintura "Salvador Soria" Vila de Benissa. Seleccionado en el XIX Premio Nacional de Pintura "Vila de Teulada". Colectiva del I Concurso de Artes Plásticas Creación Artística 2002 Universidad de Zaragoza Seleccionado en el I concurso de Pintura Universidad Miguel Hernández Iberdrola. 2001 Seleccionado en el II Premio de Pintura "Aula de Artes Plásticas" Universidad de Murcia. "Mostrando la Nada" Hangar Trenet Altea dentro de la colectiva "6 propuestas 3 lugares". "Alternativas" exposición colectiva en la Galería Artesfera, Benidorm. Seleccionado en el XXXIV Concurso Nacional de Pintura de San Juan de Alicante. Seleccionado en el VI Certamen de Pintura "Salvador Soria" Vila de Benissa. 2000 Colectiva cuatro alumnos de Altea en la “Academia Albertina de Bellas Artes de Torino Colectiva tres alumnos ERASMUS de Altea en “Café des Arts” en Torino. Colectiva cinco españoles ERASMUS en Asociación Socio Cultural “IL LOCALE”, Torino. Exposición colectiva Beca Talens en la sala ACEA, Fundación ITACA (Barcelona).

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CLEMENT CARAT, 1991 Evry (France) EDUCATIONS 2014-16 Master of Fine Art, Sandberg Institute, Amsterdam, NL. 2014 Erasmus at the Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam, NL. and European Exchange Academy, Berlin, D. 2010-13 Bachelor of Fine Art at the Fine Art School of Rennes, FR. 2009-10 Preparatory school at the Atelier de Sevres, Paris, FR. RESIDENCIES 2020 Fondation Boghossian, Brussel, B. 2019 Cité Internationale des Arts de Paris, FR. 2017-18 Member of the Casa de Velazquez, Academy of France in Madrid, ES. 2016-17 Member of the WOW Air residency program, Amsterdam, NL. 2015 TAAK Marfa residency program, Marfa, Texas, US. 2014 Gallery Terelterites, Budapest, HU. GRANTS 2017-2018 Casa de Velazquez. INDIVIDUAL EXHIBITIONS 2017 XTC transference between neighbors, dialogue with Xavier Robles de Medina, Green Gallery, WoW, Amsterdam. 2016 Daily Solo Show, in the frame of the Wandering School during el Salone del Mobile, MACAO (alternative art center), Milano, IT. COLLECTIVE EXHIBITIONS 2019 Open Days, Cité Internationale des Arts, Paris (FR). Zurg, Ferme du Quincé, Rennes (FR). Itinerancia, Musée Dobrée Nantes (FR). 2018: 2018 Viva Villa! Festival of the Villa Medicis, Casa de Velzaquez and Villa Kujoyama; Villa Mediterranee, commissariat Cecile Debray et Federico Nicolao Marseille (FR). Itinerancia, Casa de Velazquez, Madrid (ES); Veruela, Zaragoza (ES); Academy of France Paris (FR); Nantes (FR). Moscow Biennale of Young Art, Moscow (RU), curated by Lucrezia Conti Open days of the Casa de Velazquez, Academy of France, Madrid (ES). The One Minutes Series, ‘Biased Gods’ curated by Janna Ullrich, screening: Dortmunder U (DE) East China Normal University, Shanghai (CN) Mu, Eindhoven (NL) Museum de Fundatie, Zwolle (NL) Museum Hilversum (NL) Sandberg Instituut, Amsterdam (NL) De School, Amsterdam (NL).

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2017 AquÍ y ahora .Power, corruption & lies. Galerie Blanca Soto Arte, Madrid (ES). Bienal de las artes de Valencia, Ciutat Vella Oberta avec la Casa de Velazquez, Valencia (ES). ArtsLibris, stand de la Casa de VelÁzquez, Arts Santa Monica, Sant Jordi, Barcelone (ES). ArtsLibris ARCO, stand de la Casa de Velázquez, Feria Internacional de Arte Contemporano, IFEMA, Madrid (ES). Estampa,Casa de Velázquez, Art Fair, Matadero, Madrid(ES). KunstRai in collaboration with WOW and the gallery Serious Zaken International Art Fair, RAI, Amsterdam (NL). WRO Draft System, biennale international of contemporary art of Wroclaw, Pologne. 2016 System D, graduation show, Burgerweehuis, Amsterdam (NL). 2015 Checkpoint to the Star, Marfa, Texas (US). Tchat, Gallerie du 41, Rennes, (FR). The Search Department, University of Utrecht, Utrecht (NL). EEA Remix, Rietveld Pavillon, Amsterdam (NL). The Ring, presentation of research, in collaboration with the Failed Architecture Agency, Amsterdam (NL). One Minute, projection of one minute video, Ellen de Bruijne Galerie, Amsterdam (NL). Fusi City, end residency exhibition, gallery Teleterites, Budapest (HU). PRIX 2016 Prix Leon Tarac (FR). PUBLICATIONS Catalogue of the Casa de Velázquez 2017/2018 (Academy of France in Madrid ES) Catalogue of the Moscow Biennale of Young Art, (RU). Catalogue of the exhibition Aquí y Ahora, Galeria Blanca Soto Arte, Madrid, (ES). MAŁE WRO, catalogue of the kid’s selection, Wroclaw (PL). Sandberg instituut open days publication, (NL). Arid publication about art practice in the desert, article by Adam Eeuwens, (US). Gomme together, Ouest France, (FR).

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ALVARO CHIOR

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JENNIFER CUSTODIO, Vitoria, 1990. Graduada en Bellas Artes, Universidad de Salamanca (España). Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte, Universidad de Salamanca (España). Doctorando en Historia del Arte, Universidad de Salamanca (España). Asistente de dirección en el proyecto cultural DEAD AT HOME 2016, Salamanca. Prácticas como becaria y ayudante de la coordinadora de exposiciones en el Domus Artium 2002, DA2. Salamanca, 2015. PREMIOS Seleccionada como artista en GETXOARTE 2017. Segundo premio en el Certamen de la Fundación Vital, 2017. Primer premio videoarte. Certamen Jóvenes Creadores, Salamanca, 2016. Tercer premio escultura. Certamen Jóvenes Creadores, Salamanca, 2016. Seleccionada en la categoría de fotografía en Bienal Internacional de Arte Contemporáneo Emergente Eve-Maria Zimmermann (BACOS), 2016. Áccesit en el concurso ArteVital con la fotografía “Plastiko, Vitoria, 2016. Ganadora del concurso fotográfico Gaztekliklak, Vitoria, 2015. Ganadora de Gaztearte con la videoinstalación “Recordis”, Vitoria, 2015. Seleccionada en la categoría de audiovisual en Gaztekliklak, Vitoria, 2015. Seleccionada como artista en GETXOARTE (Salón de prácticas contemporáneas), Bilbao, 2015. Mención de Honor en la categoría de fotografía y selección en audiovisuales. XIX premio San Marcos de la Universidad de Salamanca, 2015. Selección en el concurso fotográfico Gazte Klik Klak, Vitoria, 2014. Seleccionada en la categoría de fotografía. XVIII premio San Marcos de la Universidad de Salamanca, 2014. Seleccionada en la categoría de fotografía. Certamen Jóvenes Creadores, Salamanca, 2013. Primer premio de poesía. Certamen Jóvenes Creadores, Salamanca, 2013. Seleccionada en la categoría de fotografía. XVII premio San Marcos de la Universidad de Salamanca, 2013. Seleccionada en el concurso Gazte Klik Klak, Vitoria, 2013.

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EXPOSICIONES Individual: My favoruite guys: Sendín, Saintpablo, Señorán. Espacio Placenta, Salamanca; Individual: Polas. Espacio Joven, Salamanca, 2014. Colectiva: Dark Room”. EL ESTUDIO, Salamanca, 2017. Colectiva: DEAD AT HOME 2016, Salamanca, 2016. Colectiva: Interior, noche, Galería La Gran, Valladolid, 2016. Colectiva: TETRAPACK, Palacio Montehermoso, Vitoria, 2016. Colectiva: Gaztearte muestra, Palacio Montehermoso, Vitoria, 2016. Colectiva: Gaztekliklak, Palacio Montehermoso, Vitoria, 2015. Colectiva: GETXOARTE, Estación Las Arenas, Bilbao, 2015. Colectiva: XIX premio San Marcos, DA2, Salamanca, 2015. Colectiva: Gazte Klik Klak. Palacio Montehermoso, Vitoria, 2014. Colectiva: XVIII premio San Marcos. DA2, Salamanca, 2014. Colectiva: XVII premio San Marcos. DA2, Salamanca, 2013. Colectiva: Gazte Klik Klak. Palacio Montehermoso, Vitoria, 2013. PUBLICACIONES Fotografías Polaroid que ilustran el libro titulado “La devoción inflamada”, Editorial La Malvaloca, 2016. Artículo en la revista digital/ online oficial de Impossible Project, Agosto, 2016: https://magazine.the-impossible- project.com/blackened-yellow-time/ Catálogos correspondientes a las exposiciones mencionadas en el apartado anterior Revista de arte SIETE. Junio, 2013. OTROS Seleccionada en la convocatoria VILLALART 2017. Finalista en “Proyectos Artísticos 2016” del Centro Cultural Montehermoso, Vitoria. Seleccionada como artista en el Encuentro de Artistas Jóvenes de CyL de la Fundación Villalar, 2016. Seleccionada como artista en las ponencias Jornadas de Arte Joven de CyL, 2015.

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JULIO FALAGÁN Valladolid, 1979 FORMACIÓN ACADÉMICA Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en Ilustración, Escuela de Arte de Valladolid, 2000. Licenciado en Bellas Artes y C.A.P. (Curso de Adaptación Pedagógica) Universidad de Salamanca, 2004. EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2017 Entre el cielo y la tierra 1:25, Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo de Valladolid. Real galería de retratos de gente que no existe, Galería 6mas1, Madrid. Almoneda Falagán, El Rastro, Madrid. Entre el cielo y la tierra, CEART Centro de Arte Tomás y Valiente, Fuenlabrada. 2016 Reliquiae Populi, Museo Nacional de Escultura, Valladolid. Sin Respeto, con los artistas Nono Bandera, Marcos Covelo y Carlos González Boy, Galería Combustión Espontánea, Madrid. 2015 Alles Meins, Galería 6mas1, Madrid. Power to the people, Galería Vermelho Sao Paulo, RMIT Gallery Melbourne, ANU Canberra, Total Museum Seúl y The Clemente Center New York. Warum ist mir nichts eingefallen? Con el artista Kurt Lackner. Museo Patio Herreriano, Valladolid. 2014 No estoy preparado para arder eternamente, Galería 6mas1, Madrid. Trueque, Matadero Madrid y Utopic_Us, Madrid. 2013 Prioridad Absoluta, Galería 6mas1, Madrid. Warum ist mir nichts eingefallen? Con el artista Kurt Lackner. Atelierhaus Salzamt, Linz, Austria. 2012 Un paso más y estás muerto, Galería 6+1, Madrid. In gold we trust, Galería Liebre, Madrid. 2011 El día de la Hecatombe, Da2 Domus Artium 2002 Salamanca. Vuelva usted mañana, comisariada por Tania Pardo para “En Casa” La Casa Encendida, Madrid. Left vs. Right, Noche de Luna Llena, La Casa de los Picos, Segovia. Huye mientras puedas, Hospital de San Juan de Dios, Espacio de Arte Contemporáneo de Almagro, Ciudad Real. Art Copy Center, SOL1 Primera Semana de Obras Libres, Matadero de Madrid. 2010 Hombre Rico / Pobre Hombre, Espacio 6mas1, Madrid. G.E.F. (Grupo Empresa Falagán), Espacio Rampa, Madrid. Acabemos con los humanos, Itinerante por Castilla y León, salas de Caja España. 2009 Comme un cheval fou, Chatteâu de Trévarez, Bretagne, France. Cómo sobrevivir a una Hecatombe, Casa de Velázquez, Madrid.

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2008 Broza fetén, Galería Carmen de La Guerra, Madrid. Despojos ilustres, Galería Caracol, Valladolid. 2007 Obras íntimas, Sala Unamuno, Salamanca. 2005 Morralla exquisita, Galería Artificial, Madrid. EXPOSICIONES COLECTIVAS: 2018 Just Mad, Feria de Arte contemporáneo, Madrid, Galería 6mas1. 2017 Art Lima, Galería 6mas1. Muroites, Museo Etnológico de Mallorca, Muro. Power, corruption and lies, Galería Blanca Soto. Madrid. Art Madrid Feria de Arte Contemporáneo, Galería 6mas1. 2016 Abismo Humano, comisariada por Lucas Cuturi, Sala Municipal de exposiciones Las Francesas, Valladolid. Casa Leibniz 16, Way of Escape, comisariada por Jacobo Fitz-James Stuart, con Galería 6mas1, Madrid. Minifesta #2, Con el artista Kurt Lackner. Atelier Suterena, Viena, Austria. Preferiría no hacerlo, La Gran Art Gallery, Valladolid. International Weird Collage Show, Galería La Atómica, Valladolid. Aire y Tiempo, la danza de las multiplicidades. Comisariada por Sur Noir. Sala Amadís, Injuve. Madrid. Destino Puente Génave, Comisariada por Antonio Mesones en Sala de la Antigua Almazara de La Vicaría, Puente de Génave, Jaén. 2015 The City and Me. Friesersalon (Pelu_Quería), con el artista Kurt Lackner. Comisariada por Lucas Cuturi. Prólogo, La Gran Espacio de Arte, Valladolid. Atmosferas, Normal Espacio de Intervención Cultural de La Universidad de la Coruña. Finis Libertas Mundi, CHACO 15 Feria de Arte Contemporáneo de Chile, Galería 6más1. Minifesta #1, Con el artista Kurt Lackner. Atelierhaus Salzamt, Linz, Austria. 1/3, Sala de Exposiciones Escuela de Arte Jose Mª Cruz Novillo, Cuenca. 2014 White Noise, Black Words, con el artista Kurt Lackner. Comisariada por Miguel Amado, Rosa Lleó y Joao Laia. Itinerante por Lituania, Croacia y Rumania. Pasen y vean, comisariada por Daniela Gutiérrez. Panal 361, Buenos Aires. Argentina. Thanatos kann Phönix! Von Destruktion und Neuentwicklung, Greusslich Contemporary Gallery, Berlin. Normal, Ranchito Matadero de Madrid. Estación XV, Real Academia de San Fernando, Madrid. Naturaleza Muerta, Art Lima Feria Internacional de Arte. Perú. La irrupción de lo inesperado, Galería Serendipia, comisariada por La Gran, Madrid. De lo real a lo insóito, Open studio, Vista Alegre 20. Madrid 2013 Estación XV, Real Academia de España en Roma. Marca España, comisariada por José Jurado. Weißensee Kreativstadt, Berlín. Espazi Aperti, Academia de Rumanía en Roma.

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Nunca Jamás, historias de niños para adultos, comisariada por Sema D’Acosta. Fundación Valentín de Madariaga, Sevilla. Tiempos canallas, Mecánica Galería de Arte, Sevilla. Naturaleza Muerta / Still Life, CHACO 13 Feria de Arte Contemporáneo de Chile y Just Mad 4 Contemporary Art Fair, Madrid. Galería 6mas1. Hacer en lo cotidiano, comisariada por Beatriz Alonso. Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid. Transfronterizos, comisariada por Javier Silva. Sala Municipal de exposiciones Las Francesas, Valladolid. 2012 Lavoro in corso, comisariada por Jose Luis Corazón. Real Academia de España en Roma. Italia. Hacer el fracaso, comisariada por Daniel Cerrejón. Inéditos 2012, La Casa Encendida, Madrid. Fe en el dinero, Just Mad 3 Contemporary Art Fair y Art Madrid. Galería 6mas1. Dândi, Jugada a tres bandas, comisariada por Roberto Vidal y Luján Marcos. Galería Mad is Mad, Madrid. Una historia Vintage, comisariada por Daniel Silvo. C/ Alcalá, 273. Signos de Frontera: Propuestas Visuales de Nuevos Artistas, Itinerante por Castilla y León y Portugal. 2011 Identidad española: Orgullo / Vergüenza, comisariada por Inez Piso, Galería 6+1, Madrid. Biblioteca intervenida, comisariada por Hablar en Arte. IItinerante por España. The Noise of Bubbles, comisariada por Javier Duero. Matadero Madrid. Calle concepto, 8º ciclo de Arte y Creación Contemporánea de Huelva. Gabinete de Papeles, Centre Municipal d’Exposicions d’Elx, Alicante. Wallpaper, Art & Design Barcelona. Arte Social, La Casa del Barrio, Madrid. 2010 Mugre Magnífica, Espacio 8. La Gesta Imposible para La Noche en Blanco, Madrid. Todo disfraz, Espacio OTR, comisariada por Marlon de Azambuja. Madrid. Libro, Mad is Mad, comisariada por Roberto Vidal y Lujan Marcos. Madrid. Sin Formato 10, Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano, Valladolid. Que nos corten la cabeza, Sala de la Lonja, Casa del Reloj del Matadero, Madrid. IX Bienal de Artes Plásticas Ciudad de Albacete. XII Bienal de Artes Plásticas Ciudad de Pamplona. 2009 Asombrosa Cochambre, Tentaciones Estampa 09, Madrid. Arco 09, Galería Adhoc. G.E.F. (Grupo Empresa Falagán), La Noche en Blanco, Madrid. Escoria Brutal, Jornada de Puertas Abiertas de la Casa de Velázquez, Madrid. 2008 Arco 08, Galería Perugi Arte Contemporánea. Aptitud para las armas, Sala Amadís, Injuve, Madrid El papel del artista, Doméstico 08, Madrid. 10 x menos de 100, La Noche en Blanco, Galería Mad is Mad, Madrid 2007 Arco 07, Galería T20. AAAAA, Itinerante. Galería Ras, Barcelona; Subaquatica, Madrid; Anti y Garabat, Bilbao.

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Enciclopedia gráfica (horror visual), Colectivo Satélite, Sala Municipal del Teatro Calderón, Valladolid. 2006 Muestra Injuve 06, Círculo de Bellas Artes, Madrid. 2005 Artissima 12, Feria Internazionale D’Arte Contemporánea a Torino. 2004 No lo llames performance, Da2, Domus Artium 2002 Salamanca. BECAS Y PREMIOS: 2017 Ayuda a la creación de artes visuales de la Comunidad de Madrid. Artist in residency, Muro, Mallorca, en la Galería Si deu Vol - Portmantenau Productions. 2015 Premio Adquisición XV Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo, Universidad de Alicante. Beca ART-EX AECID para proyectos artísticos en el exterior. 2014 Beca Residencia Madrid y Argentina El Ranchito, Matadero Madrid – AECID. 2013 Beca Residencia CREART en Atelierhaus Salzamt de Linz, Austria. 2012 Beca de la Real Academia de España en Roma 2012-2013. Premio Racimo de Pintura, Serrada, Valladolid. II Encontro de Artistas Novos Cidade da Cultura, Santiago de Compostela. 2011 Beca P4, Plataforma de Apoyo al Arte en Castilla y León. 2010 Mención de Honor Premio Nacional de Pintura Caja España. 2009 Beca Casa de Velázquez 2009. Beca Madrid Procesos 2009 AVAM/CRAC. I Premio de Pintura Certamen de Arte Joven Junta de Castilla y León. Premio de la Asociación Madrileña de Críticos de Arte, Mejor Obra de Tentaciones, ESTAMPA 09. 2008 Premio Nacional de Pintura Pancho Cossio. Premio Ilustración Propuestas 2008, Vegap, Fundación Arte y Derecho. Premio Adquisición BIAM O8, Biennal d´art Ciutat d´Amposta. Mención de Honor Premio Nacional de Pintura Caja España. 2007 Beca Estancias 2007 Injuve. 2006 Premio Muestra de Arte Injuve 06. I Premio Cómic, Junta de Castilla y León. 2005 Beca de Artes Plásticas Diputación de Valladolid. Accésit Arte Joven Junta de Castilla y León. 2004 Mención de Honor Generación 2004 Caja Madrid. I Premio XX Jóvenes Artistas Caja de Burgos. Beca de Proyectos Artísticos Junta de Castilla y León. 2003 II Premio XV Pintura Rápida del Buen Retiro de Madrid. 2002 I Premio de Pintura Rápida Valladolid.

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2001 Mención de Honor V Premio de San Marcos Universidad de Salamanca. 2000 I Premio de Pintura Rápida Valladolid. Primer Premio y Premio del Público Certamen Nacional de Cortometrajes La Fila. 1999 Mención de Honor XV Jóvenes Artista Caja de Burgos. Premio de Ilustración Junta de Castilla y León. OBRA EN COLECCIONES: Ministerio de Cultura de España, Real Academia de España en Roma, Atelierhaus Salzamt, Caja Madrid, Junta Municipal del Distrito de Retiro de Madrid, Caja de Burgos, Junta de Castilla y León, Winterthur, Ayuntamiento de Valladolid, Diputación de Valladolid, Diputación de Badajoz, Gobierno de Cantabria, Universidad de Salamanca.

COMISARIADO: 2018 Otra Puta Bienal Más, Galería 6mas1, Madrid. 2016 Otra Puta Feria Más, Galería 6mas1, Madrid. 2007 Enciclopedia gráfica, Colectivo Satélite, Sala Municipal del Teatro Calderón, Valladolid. 2005 Exposición Atómica, Medina del Campo, Valladolid. 2002 1 Año de proyectos en La Casa Rancia, Salamanca. Esto lo hace mi niño, Colectivo Satélite, Sala Municipal del Teatro Calderón, Valladolid.

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URTZI IBARGUEN (Errenteria, 1978). Licenciado en Bellas Artes por la UPV/EHU. Máster en Comisariado en Arte y Nuevos Medios. EXPOSICIONES INDIVIDUALES Vestigios de una cultura contemporánea. Fundación BilbaoArte (2017). Hacia Una Nueva ecúmene. Centro Cultural Okendo. San Sebastian (2015). Videojuegos, violencia y estereotipos culturales. C. C. Xenpelar, Errenteria (2008). Abstracciones Urbanas. Centro Cultural Xenpelar, Errenteria. (2003). EXPOSICIONES COLECTIVAS Kubo Beltza. Mobile Arte Gallery (2017). Puertas Abiertas 2016. Fundación BilbaoArte. A Time Where. Fundación BilbaoArte (2016). Expotronic. Rollo Vasco / Euskal kontua (2013). Puertas abiertas 2012. Fundación BilbaoArte. ArteShop 2012. Art/Fònic. Sant Andreu Contemporani, Barcelona (2011). Portes Obertes 2011. Can Xalant (Centre de creació i pensament contemporani de Mataró). XLII certamen de artistas noveles. Koldo Mitxelena Kulturgunea, Donostia (2011) Inmersiones 09. Sala Amarika, Gasteiz. (2009) XLI certamen de artistas noveles. Koldo Mitxelena Kulturgunea, Donostia. (2009) XL certamen de artistas noveles. Koldo Mitxelena Kulturgunea, Donostia. (2007) Proyecto ARCO´2003. Facultad de Bellas Artes Valencia. Oarsoaldeko Artistak. Casa de Cultura Xenpelar de Rentería. (2003) Oarsoaldeko Artistak. Casa de Cultura Víctor Hugo de Pasajes de San Juan. (2003) Arte en Canarias. C.A.T. (2002) Bienal de Artes Plásticas de Tenerife. (2002) Premio nacional de pintura de Tudela. (2002) RESIDENCIAS BilbaoArte 2016. Bilbao Arte 2012. Can Xalant 2011 (Centre de Creació i Pensament Contemporani de Mataró). Residencia Artística Palacio de Quintanar. Segovia 2002.

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DAVIS LISBOA ESTUDIOS 1996-2008: Faculdad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Especialidad pintura. España. 1987-1990: Escola Massana. Especialidad pintura. Barcelona, España. 1985-1987: Talleres con el artista contemporáneo Carlos Fajardo, representante de Brasil en las Bienales de São Paulo y en la Bienal de Venecia, São Paulo, Brasil. 1982-1984: EBART, Escola Brasileira de Arte. Dibujo y pintura. São Paulo, Brasil. 1978-1982: Escola Carlos de Campos. Dibujo de Comunicación. São Paulo, Brasil. EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2015 Should museums celebrate elections?, comisariada por Francesca Brusa y Costanza Sartoris, Archive Box Museum. Zurich, Suiza. 2011 The Aesthetic of Charge, MKAC, Museo Karura Art Centre. Second Life. 2009 Hybrid-visiolibri, La Cova de les Cultures. Barcelona, España. Hybrid-farrago, Sala de Arte Alteroutlet. Barcelona, España. Davis Museum: Exhibition of the permanent collection of contemporary art. MKAC, Museo Karura Art Centre, Second Life. Què hem de fer amb l'art dels nou vinguts?. Centre Cultural Riera Blanca. Barcelona, España. 2007 BMW by Davis. BMW Ibérica. Madrid, España. BMW by Davis. Cano Catalunya. Sant Cugat, España. BMW by Davis. Exposición y performance. Cano Catalunya. Barcelona, España. 2006 Galería San Vicente 31. Sevilla, España. Locus quod Filiolus. Faculdad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. España. 2003 12 Autoretrats. Faculdad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. España. 1984 Firasse. Galeria Art Brut. São Paulo, Brasil. EXPOSICIONES COLECTIVAS SELECCIONADAS 2017 Espacio f, exposición colectiva de Mail Art, Centro Cibeles de Cultura, Madrid, Spain. For Real, Petra Varl + Elisa Bollazi, participación en la Microcollection. ArtHelix Art Gallery, New York, EEUU. 2016 Dendrogram Tree-Kit | Davis Museum | Laboratori Social Metropolità, Catarina Leitão, Davis Lisboa, comisariada por Anna Recasens, NauEstruch. Sabadell, España. Galeria Transparente: Showroom, comisariada por Frederico Dalton, Galeria do 2º Andar, Centro Cultural Justiça Federal, Rio de Janeiro, Brasil. 2014 Encapsulados (Wunderkammer), comisariado por Juan Cuéllar Costa, Casa Sotoa, Málaga, España.

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Eleven: The John Erickson Museum of Art (JEMA) 10 Year Retrospective Comisariado por Sean Miller. Artistas: Art Guys, Oliver Herring, Chip Lord, y Tea Mäkipää. Obras adicionales de Yoko Ono, Ben Patterson, Gregory Green, Jim Drain, Andrea Robbins y Max Becher, Sergio Vega, Arnold Mesches, John Feodorov, Kristin Lucas, Connie Hwang, Davis Lisboa, Brendan Jamison, Kevin B. Chen, Saya Moriyasu, Derrick Buisch, Bethany Taylor, John Kieltyka, Kim Anderson, Kelly Cobb, Aideen Doran, Galen Olmsted, Cyriaco Lopes, Miguel Martin, Craig Miller, Deirdre Power, ParaicLeahy, LuLu LoLo, y otros. Bob Rauschenberg Gallery, Florida, EEUU. 2013 Incubarte, Festival Internacional de Arte Comisariado por Javier Marisco, Valencia, España. The Wrong - New Digital Art Biennale, Pabellón Homeostasis Lab . Comisariada por Julia Borges y Guilherme Brandão, São Paulo, Brasil/World Wide Web. Remix – 10 years in the mix, Davis Museum / Danger Museum, Spor Klübü, Berlín, Alemania. Small, Unusual and Specialist Museums Survey. Comisariada por Sacha Waldron. Artistas participantes: Bill Burns, Andy Warhol, Lenka Clayton, Matthew de Pulford, Paul Hazelton, Betts Robinson, Victoria Adam, Bridgette Ashton, Nicole Ward, Benedict Drew (Cortesía del artista y Matts Gallery, Londres), Michael Crowe y Anna Clawson. Crate, Margate, Reino Unido. Fast Film "Here and gone in 60 seconds, participación en la exposición de artista Sean Miller. LACDA, Los Angeles Center for Digital Art, Los Angeles, Estados Unidos. 2012 Hileia/Antropoantro, MACC, Museo de Arte Contemporânea de Campinas, Brasil 2011 Museum Show, Comisariada por Nav Haq. Davis Lisboa Mini- Museum (Davis Lisboa), La Boîte-en-Valise (Marcel Duchamp), La Galerie Légitime (Robert Filliou), Musée d'Art Moderne, Départment des Aigles (Marcel Broodthaers), Museum of Contemporary African Art (Meschac Gaba), Mouse Museum (Claes Oldenburg), Museum for Myself (Peter Blake), Museum of American Art, Museo Salinas (Vicente Razo), Museum of Modern Art Syros (Martin Kippenberger), Museum of Incest (Simon Fujiwara)... Arnolfini. Bristol, Reino Unido. Até Meio Quilo, Grupo Aluga-se, Casa de Cultura - UEL Artes Plásticas. Londrina, Brasil. Até Meio Quilo, Grupo Aluga-se, Fundação Cultural Badesc. Florianópolis, Brasil. Hiléia no Ateliê, Sílvia Matos Ateliê de Criatividade. Campinas, Brasil. Z-Axis Works. Exposición Colectiva de Toy Art Sho Bcn. Barcelona, España. TroyArt International. MuBE - Museu Brasileiro da Escultura. São Paulo, Brasil. 2010 A Book About Death. SAL Art Gallery, CW Post Campus of Long Island University, Brookville, NY, EEUU. HomeMade. Exposición colectiva de vídeo comisariada por Stéphani Hab e Irene Pomar. Davis Museum. Barcelona, España. A Book About Death. MOMA Wales - Museum of Modern Art, Machynlleth, Gales, Reino Unido.

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A Book About Death. MuBE - Museu Brasileiro da Escultura. São Paulo, Brasil. 2009 Els Colors del Foc. Centre Cívic Parc-Sandaru. Barcelona, España. XXI Equus Catalonia. Galería Artnobel. Barcelona, España. Digital Art Expo International. LACDA - Los Angeles Center for Digital Arts, EEUU. Moda Ilustrada. Galeria Olido, São Paulo, Brasil. Barris Creatius, Energia Barcelona. Ajuntament de Barcelona, España. Sketch it Out! APW Gallery. New York, EEUU. Mi Torito Pucará. Galeria Artevistas. Albi, Toulouse, Francia. 2008 FAIM 2008, Feria de Arte indenpendiente de Madrid. España. Asperger: Magazine Interior. Redshift, dirigida por Lorena Dorta. CASM, Centre d'Art Santa Mònica. Barcelona, España. Muzeum Swiatowej Ilustracji. Bibliotece Glowinski. Olesnica, Polonia. Mi Torito Pucará. Galeria Artevistas. Barcelona, España. Sentidos. Galeria Cristina Costa. Famalicão, Portugal. Sketchbook! Galeria Pop. São Paulo, Brasil. Galeria Artevistas. Barcelona, España. 2007 Night of 1,000 Drawings. Artists Space. New York, EEUU.. VI Biennale Internazionale dell'Arte Contemporanea di Firenze. Italia. Museu de Arte do Parlamento de São Paulo. Brasil. Galeria Paspartú. Barcelona, España. 2006 galeria espai [b]. Barcelona, España. Marb Art. II Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Marbella. España. Galeria Paspartú. Barcelona, España. 2005 Miedzynarodowy Projekt. Art for Chelmek. Galerii Epicentrum. Miejskiego Osrodka Kultury Sportu i Rekreacji w Chelmku. Chelmek, Polonia. Feria Internacional de Arte Puro Arte. Vigo, España. Holland Art Fair. La Haya, Holanda. Galería Gaudí. Madrid, España. 1989 Sala Jaume Busquet. Escola Massana. Barcelona, España. 1988 Wonder. Sala Jaume Busquets. Escola Massana. Barcelona, España. 1984 Firasse. Galeria Art Brut. São Paulo, Brasil. Associação de Artistas Plásticos da Colagem. São Paulo, Brasil. Galeria Art Brut. São Paulo, Brasil.

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BECAS 2011 Arnolfini, Bristol, Reino Unido. Acción Cultural Española, Madrid, España. Ministerio de Asuntos Exteriores, Madrid, España. Embajada de España en Reino Unido, London, Reino Unido. 2013 England Arts Council, Londres, Reino Unido. Kent County Council, Margate, Reino Unido. 2007 Institut Ramon Llull. Barcelona, Spain. CONFERENCIAS | PERFORMANCES 2013 Quotes Section from Davis Museum (Unusual Conference) Performance VI Incubarte, Festival Internacional de Arte, Valencia, España. Quotes Section from Davis Museum (Unusual Conference) Performance Crate, Margate, Reino Unido. 2009 Museo Karura Art Centre (MKAC). Second Life. COLECCIONES PÚBLICAS Y PRIVADAS Biblioteca de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, España. MOMA Wales, Museum of Modern Art, Machynlleth, Wales, United Kingdom. SAL Art Gallery, CW Post Campus of Long Island University, New York, USA. MuBE, Museu Brasileiro da Escultura, São Paulo, Brazil. MACC, Museo de Arte Contemporânea de Campinas, Brazil. Fundação Cultural Badesc, Florianópolis, Brazil. Museu de Arte do Parlamento de São Paulo, Brazil. Artists Space, New York, USA. The Yellowstone Club, Big Sky, Montana, USA. Geert De Kegel Collection, Zele, Belgium. Francesc Torres Collection, Barcelona, Spain. Harddiskmuseum, Valencia, Spain. FluxMuseum, Texas, USA. Museo Microcollection, Busto Arsizio, Italy. John Erickson Museum of Art (JEMA), Gainesville, USA. Museum of the Sub-conscious, Okandukaseibe, Namibia; Tel Aviv, Israel; La Candelaria, Argentina, Houston, USA; Wiesbaden, Germany. LACDA, Los Angeles Center for Digital Arts, USA. Walpole Bay Hotel Museum and Napery, Margate, United Kingdom. MoFAI, Museum of Failed and Abandoned Ideas, Bratislava, Slovakia. Galeria Transparente, Rio de Janeiro, Brazil. La Erreria (House of Bent), Xátiva, Spain. Galerii Epicentrum, Miejskiego Osrodka Kultury Sportu i Rekreacji w Chelmku, Chelmek, Poland.

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CÉLESTE ROGOSIN TRABAJOS (selección) 2018 Aqui & Ahora : exposition collective, novembre 2018, Accadémie de France, Casa de Velazquez, Madrid, Espagne. Diffusion Coulisses d’une utopie ( 10’42) au forum des images, 20 février 2018. Diffusion TV- France 3, 23 mars 2018, projection Lille, avril 2018. Russell’s : moyen-métrage, documentaire, 52’. Fin tournage, avril 2018. Autoproduit. 2017 Exposition collective Power, lies and corruption, Galeria blanca soto, Madrid, en partenariat avec la Casa de Velazquez. Coulisses d’une Utopie : court métrage, docu-fiction, 10’42. Festival 1ers plans 2018, Angers. Produit par Everybody On Deck avc le soutien du fonds Emer gence Pictanovo. Situation 1971, Alabama : Installation photographique. Kavala : court métrage, 15’. Autoproduit. Working Together : documentaire, 52’, cadreuse, monteuse. En post-production. Réalisé par Michaël Rogosin. Diffusion DVD + TV. Chez Paulette: court métrage, fiction, scénariste. Pré-sélectionné au concours 5x2 du G.R.E.C. 2016 Le Bleu des ombres: moyen-métrage, fiction, 40’. Kryzalid production. Angers. Workshop 13e festival du moyen métrage de Brive-la-Gaillarde. 2014 Un bel âge: court métrage, documentaire, 13’27. Egalement cadreuse et monteuse. Dans le cadre des Laboratoires d’Angers en collaboration avec le festival 1ers plans. Derrière Toi: court métrage, fiction, 27’29. Egalement co-scénariste et productrice. Célestine Production. Sélection “Films d’Ici”, Festival 1ers plans 2015, Angers. TMFF festival. 2015 A walk through the Bowery : film documentaire : Monteuse. Réalisé par Michaël Rogosin. Production Rogosin Héritage. Diffusion : Milestone film, coffret DVD Carlotta film. FORMACIÓN: 2016-2017 Master 2 professionnel Scénario, réalisation, production. Sorbonne Paris I – Paris. Mention Très bien. 2012 Introduction to screen acting. Stage, Academy of Music & Dramatic Art. 2011-2013 Diplôme de jeu théâtral. Laboratoire de Formation au Théâtre Physique, Montreuil. 2008-2011 Diplôme de jeu théâtral. Cours Florent, mention bien, Paris.

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ESTELA SANCHIS MUÑOZ 17.06.1988 | Valencia, España FORMACIÓN ACADÉMICA 2014: Master en Fotografía, Arte y Técnica - UPV - Valencia 2012: Curso de postgrado “Fotografía de Autor III” - Idep - Barcelona 2012: Licenciatura en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos - Valencia 2008: Beca Erasmus, Accademia di Belle Arti di Bologna, Italia

OTROS 2013: “Taller de Autoedición colaborativa” - CENDEAC - Murcia 2013: “Taller de cianotipia” - UPV - Valencia 2011: “Curso de Editorial de Moda” - Luz Martin BECAS Y RECONOCIMIENTOS 2016: Ayudas VEGAP a la creación visual, “El señor que me envía regalos” 2014: Pre-selección Intransit 2014 - UCM - Madrid Finalista premio Nounat - ArteValencia - Valencia Laboratori - Ca L’ Isidret - Barcelona 2013: I Premios Arte y Enfermedades - UPV - Valencia - España Selección “The photobook fest” - Picture Tank - Paris - Francia Selección del jurado en la feria Entrefotos XV - Madrid - España Beca CENDEAC “Taller de Autoedición” - Murcia - España Finalista “All Self-Publishing” - The Private Space - Barcelona - España Residencia artística Listhús - Ólafsfjördur – Islandia EXPOSICIONES COLECTIVAS 2017: “Propuestas VEGAP” - Círculo de Bellas Artes - Madrid 2016: “Antipodes” - Galería Kaoni - Barcelona 2015: “Perspectives: Art, inflammation and me” - UPV - Valencia “Se están muriendo las sombras” - FiArt - Madrid “Balada del fotógrafo emergente” - LENS - Madrid 2014: Scan Tarragona (Photobooks) - Fundación Forum por la fotografía - Tarragona “Fotografía 2.0” (sec. fotolibros) - Circulo de Bellas Artes - PHE14 - Madrid “Antipodes” - Conduit Arts - Melbourne - Australia 2013: “Fiebre” - BlankPaper - Madrid - España

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“The photobook fest” - Picture Tank - Paris - Francia Feria Entrefotos XV - Centro Cultural Casa del Reloj - Madrid - España “All Self-Publishing” - The Private Space - Barcelona - España EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2016: “The man who sends me gifts” - The Roommates - Londres 2014: “El bolso de Anna” - Nave 73 - Madrid - España 2013: “66° N, 18° W” - Listhús - Olafsfjördur – Islandia OTROS 2017: Crea la plataforma Raïm para la difusión de la fotografía en Valencia. 2014: Funda la asociación cultural Cincuentaycinco, cuya sede, Espacio 55, se convierte en espacio expositivo de artistas emergentes.

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AMÉLIE SCOTTA ACTUALES Y PRÓXIMAS: 2021. INSIDE/OUT, curated by Maëlle Delaplanche, Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Brussels (BE), 02.10.20 - 14.02.21. 2021. LES LIMBES - FIGURES DE L'ISOLEMENT, curated by Lola Meotti, CAL, Charleroi (BE), 31.01.21 - 28.02.21. 2021. ART AU CENTRE #5, curated by Thibaut Wauthion, Liège (BE), 04.02.21 - 30.04.21. 2021. R.A.U #5, curated by Groupe A, Chaufferie de l'Union, Tourcoing (FR), 08.04.21 - 01.05.21. 2021. DOMAINE DE LA FALIZE, research residency, Rhisnes (BE), april. 2021. LE BEL ORDINAIRE, research residency, Pau (FR), july. 2021. VILLA EMPAIN, Boghossian Foundation, resarch residency, Brussels (BE), nov. EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2019. GARDE FOU, Under Construction Gallery, Paris (FR). 2018. CLOS (open studio), Casa de Velázquez, Madrid (SP). 2017. ELEPHANTS BLANCS, Under Construction Gallery, Paris (FR). 2017. DRAWING ROOM, Salon du dessin contemporain, La Panacée, Montpellier (FR). 2017. FULL HOUSE (Studio 3), The Moonens Foundation, Brussels (BE). EXPOSICIONES COLECTIVAS TOUCHE PAS A LA BETE, TU POURRAIS Y PRENDRE GOUT (open studio with Delphine Pouillé, Athanasia Vidali & François Winants) RAVI (Résidences-Ateliers Vivegnis International), Liège (BE). 2020. ART CARES COVID, curated by Sandrine Morgante & Maëlle Delaplanche, collective platform, Brussels (BE). ANY WAYS, Under Construction Gallery & galerie Jean-Louis Ramand, Paris (FR). PRIX DE DESSIN PIERRE DAVID-WEILL, Académie des Beaux-Arts, Institut de France, Paris (FR) - canceled (COVID). EXP 04/03/2020, invited by Robin Wen, Cloître, Brussels (BE). PRIX MEDIATINE, La Médiatine, Brussels (BE). 2019. GEOGRAFIAS PLASTICAS, curated by Fabienne Aguado, Casa de Velázquez, Madrid (SP). ART METROPOLE, Future Days: "Innovations et villes de demain", curated by Hadrien Frémont, Campus Descartes, Marne-la-Vallée (FR). ADAGP, Artist's book Award, Multiple Art Days, IESA, Paris (FR). QUAND LA CAMBRE ILLUSTRE, curated by Pascal Lemaïtre, Hôtel van de Velde, Brussels (BE). WEEKEND AT CHARLIE'S, curated by student group from KASK, Vandenhove Center for Architecture and Art, Ghent (BE). ITINERANCE, curated by Virginie Bourget, Manoir de la Touche, Musée Dobrée, Nantes (FR). 2018. FRONTIERES, festival ¡ Viva Villa !, curated by Cécile Debray & Federico Nicolao, Villa Méditerranée, Marseille (FR). ART CONTEST, Vanderborght building, Brussels (BE). CHRISTMAS PARTY, curated by Théo-Mario Coppola, Under Construction Gallery, Paris (FR). ITINERANCE, residents of Casa de Velázquez, Académie des Beaux-Arts, Paris (FR).

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ITINERANCIA, residents of Casa de Velázquez, Real Monasterio Santa Maria de Veruela, Zaragoza (SP). PAR AMOUR DU JEU, curated by Anna Labouze & Keimis Henni, Magasins généraux, Pantin (FR). #678, Villa Belleville, with magazine Point contemporain, Paris (FR). ROCK ON PAPER, curated by Mireille Ronarch, Under Construction Gallery, Paris (FR). 2017. AQUI Y AHORA, Blanca Soto Arte, Madrid (SP). FULL HOUSE, The Moonens Foundation, Brussels (BE). PRIX MEDIATINE, Centre Wolubilis, Woluwe-Saint-Pierre (BE). 2016. PAPER CLAY, GNF Gallery, Brussels (BE). ARTAGON II, curated by Chantal Crousel, passage de Retz, Paris (FR). SUSPENDISSE, curated by Phoebe Penninck, Jozsa Gallery, Brussels (BE). DESSYN #02, Under Construction Gallery, Paris (FR). CANSON ART SCHOOL AWARDS, 59 rue Rivoli, Paris (FR). 2015. PARCOURS 40, curated by Philippe Bouillon, BAM, Mons (BE). ART & CARE, Palais de Tokyo, Paris (FR). DESSYN #01, Under Construction Gallery, Paris (FR). 2014. PLAN #1, Under Construction Gallery, Paris (FR). MON ŒIL !, curated by Jessica Belval, Espace Culturel Condorcet, Viry-Châtillon (FR). 2013. SALON DE MONTROUGE #58, curated by Stéphane Corréard, Le Beffroi, Montrouge (FR). THE SPACE BETWEEN US, curated by Ana Iwataki, Atelier Akatre, Paris (FR). FETE LE MUR, Café La Palette, Paris (FR). PREMIOS 2020. Laureate / Prix Cocof (Commission communautaire française), La Médiatine, Brussels (BE). Laureate / Prix Out of the box, La Médiatine, Brussels (BE). Laureate / Prix des Ecoles, La Médiatine, Brussels (BE). Finalist / Prix de Dessin Pierre David-Weill, Académie des Beaux-Arts, Paris (FR). 2019. Finalist / Revelation Artist's book Award, ADAGP, Paris (FR). 2018. Finalist / Prix Art Contest, Brussels (BE). 2017. Finalist / Prix Médiatine, Brussels (BE). 2016. Laureate / Premier Prix Canson Art School Awards #06, Paris (FR). Laureate / Prix de la fondation Moonens, Brussels (BE). Finalist / Prix Coup de cœur Des Amis de La Cambre, Brussels (BE). 2015. Laureate / Prix Jeune Talent, Art & Care, Philips & Artsper, Paris (FR). 2008. Finalist / Prix du film d’animation, festival Premiers Plans, Angers (FR). 2007. Laureate / Premier Prix des Jeunes Graphistes, Editions Bayard, Paris (FR).

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BECAS 2020. SOFAM, Bourse libre, Brussels (BE). 2013. Bourse d’aide à la création, Editions Bayard & Salon de Montrouge, Paris (FR). RESIDENCIAS 07.2020 - 09.2020. RAVI (Résidences-Ateliers Vivegnis International), Liège (BE). 09.2018 - 04.2019. Cité Internationale des Arts (C.I.A.), Paris (FR). 09.2017 - 08.2018. Casa de Velázquez, Académie de France, Madrid (SP). 09.2016 - 06.2017. The Moonens Foundation, Brussels (BE). FERIAS, BIENALES & FESTIVALES 2019. Bienvenue art fair, Cité internationale des Arts, Paris (FR). Multiple Art Days (MAD), IESA, Paris (FR). 2018. Bienvenue art fair, Cité internationale des Arts, Paris (FR). Arts Libris, art book fair, Arts Santa Mònica, Barcelone (SP). 2017. Estampa art fair, Matadero, Madrid (SP). Ciutat Vella Oberta, art biennale, Valencia (SP). Off Course art fair, Dynastie Monts des Arts, Brussels (BE). 2015. Slick art fair, Pont Alexandre III, Paris (FR). La confidentielle du Yia art fair, Bastille Design Center, Paris (FR). 2014. Yia art fair, Le Carreau du Temple, Paris (FR). 2013. Art Auction, Le Beffroi, Montrouge (FR). 2008. Premiers Plans, film festival, Angers (FR). ESPACIO PÚBLICO 2012. Creation of two murals, Théâtre Le Beffroi, Ville de Montrouge (FR).

ENTREVISTAS & CONFERENCIAS 2020. Interview with master students and teacher Eric Van Essche, ENSAV La Cambre, Brussels. 2019. Open studio with students of University Paris 8 and commissioner Nathalie Desmet, Cité Internationale des Arts, Paris (FR). 2018. "Une matinée avec les livres d’artistes", talk in festival ¡ Viva Villa !, Marseille (FR), sept. 30. "Monades : dessin, architecture et digital", conference in the program "Digital and hispanic culture", Rennes University (FR), june 2. Siglo 21, radio interview, Radio 3, Madrid (SP), jan. 23. 2016. Les carnets de la création, radio interview, France Culture, Paris (FR), april 7. L'échappée belle, radio interview, RCF, Brussels (BE), oct. 13.

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TEXTOS 2020. Clément Thibault, Amélie Scotta : morphogénèse et cybernétique, villes et forêts, YACY (International Young Art Criticism), JCA Jeune Critiques d'Art, Paris), oct. Stéphanie Pioda, "Amélie Scotta : la montée des marches à Montrouge !", Montrougemag’ n°139, sept.-oct. Thibaut Wauthion, RAVI, catalogue. Stéphanie Pioda, Montrouge magazine. Estelle Spoto, Prix Médiatine, exhibition catalogue. 2019. Lucie Ménard, Mobina Mohamadi Tabar, Nasrin Tork & Monica Ruiz Loyola, "Traces of destruction", Weekend at Charlie’s, exhibition catalogue. 2018. Théo-Mario Coppola, Casa de Velázquez, catalogue. 2017. Valérie Toubas & Daniel Guionnet, Amélie Scotta. Portrait, Point contemporain #06, sept. Alicia Hernandez-Dispaux, Amélie Scotta. De la condition urbaine à travers l’architecture, Détours, Les carnets de Point Culture, oct. 2016. Christophe Dosogne, Canson Art School Awards #06, exhibition catalogue. 2013. Julie Portier, Salon de Montrouge #58, exhibition catalogue. PRENSA 2020. Bruzz Magazine, "Art Cares Covid : un pont entre personnes âgées et jeunes artistes", may 3. 2018. Archicree, "Le festival de résidences ¡ Viva Villa ! à la croisée de toutes les frontières", by Anastasia Altmayer, oct. 3. 2017. Point contemporain #06, "Portrait", by Valérie Toubas and Daniel Guionnet, sept. Détours, les carnets de Point Culture, Transversales, "Amélie Scotta. De la condition urbaine à travers l'architecture", by Alicia Hernandez-Dispaux, oct. Hérault juridique et économique, "Drawing Room ou l’excellence du dessin à La Panacée", par Virginie Moreau, sept. 14. 2011-2014. Le Tigre magazine, portfolios and cover (n°36/37). 2014. Arts Magazine, « Nouvelle venue au passage des gravilliers », dec. Vallée de la Culture V09, "Beaux-arts contemporains, œuvres et lieux", by Anne Brandebourg et Hervé Colombet. 2013. Ent’revues, « Le baiser du Tigre », by Frédéric Repelli, dec. 20. 2011. Point éphémère, programme, "L'interdit par Amélie Scotta". PUBLICACIONES & CATÁLOGOS 2021. RAVI, exhibition catalogue, 2021. 2020. Prix Médiatine, exhibition catalogue, 2020. 2019. Weekend at Charlie's, exhibition catalogue, 2019. 2018. Towers, artist book, edition of 15 + 2EA. Art Contest, exhibition catalogue. Triennale du Prix Coup de Cœur des Amis de La Cambre, catalogue. Casa de Velázquez, artistic member's catalogue. Par amour du jeu, exhibition catalogue. Aqui y ahora, exhibition catalogue.

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2017. Prix Médiatine '17, exhibition catalogue. 2016. Canson Art School Awards #06, exhibition catalogue. 2015. Parcours 40, exhibition catalogue. 2013. Salon de Montrouge #58, exhibition catalogue EDUCACIÓN 2014-2016 : ENSAV La Cambre, Master’s degree: drawing, Brussels (BE), with high distinction. 2004-2008 : HEAR (Haute École des Arts du Rhin), DNAP & DNSEP: graphic design, Strasbourg (with mention) (FR). 2003-2004 : Ecole Supérieure des Beaux Arts, Nantes (FR). 2001-2003 : Ecole de Design Nantes Atlantique, Nantes (FR). COLLECCIONES Musée Dobrée, Ville de Nantes (FR). Académie des Beaux-Arts, Casa de Velázquez, Madrid (SP). ESDA Llotja, Conservatori Arts del Llibre, Barcelona (SP). Collection Pierre Loos, Ambre Congo, Brussels (BE). Collection Jean-François et Marie-Aline Prat, Paris (FR). Copywrighte Design, Paris (FR). Under Construction Gallery, Mireille Ronarch, Paris (FR). Aeroplastics, Jérôme Jacobs, Brussels (BE). Collections privées. OTROS Since 2019. Assistant teacher of Anne Desobry, drawing, ENSAV La Cambre, Brussels (BE). TRABAJOS & COLABORACIONES Since 2016. Graphism of Occam Ocean collection, Eliane Radigue, label Shiiin, Paris (FR). 2015. Assistant of Sophie Whettnall, artist, Michel Rein Gallery, Brussels (BE). 2010-2014. Author for Le Tigre magazine, Paris (FR). Since 2010. Graphic designer freelance (Bayard, Palace Presse, Blond & Roux architectes, Leïla Production etc.).

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ISIDORO VALCÁRCEL MEDINA (MURCIA EN 1937) Cursa estudios de Arquitectura y Bellas Artes en Madrid. Es uno de los artistas más representativos del llamado arte conceptual. Su arte se relaciona más con las situaciones y la realidad que con la producción de objetos. Desde su primera exposición en 1962, donde parte de una abstracción que tendía hacia lo elemental, evoluciona rápidamente hacia estructuras constructivas caracterizadas por su simplicidad formal. En 1964 participa en el Primer Salón de corrientes constructivas. Tiempo y espacio son factores presentes en el primer periodo, como demuestran obras como Pinturas secuenciales (1962), y la serie Armarios (1964-1967). En los años siguientes realiza piezas cada vez más simplificadas en su estructura. Así, por ejemplo, las que expone bajo el título Secuencias en el Círculo Artístico de Sant Lluc en abril del 68, o las del año siguiente en la Casa del Siglo XV de Segovia. La culminación de este periodo se produce con A continuación (lugares, sonidos y palabras) montada en la galería Séiquer de Madrid en 1970. En ella, se agudizan los recursos ambientales y temporales, articulados en función de un proceso narrativo. De la denominada por el propio artista como "pintura habitable" pasa a la construcción de lugares, a través de la práctica de environments, performances y la ejecución de instalaciones. Tras su etapa pictórica, se abre un segundo periodo que se inicia con la intervención de grandes dimensiones en el espacio urbano: Estructuras tubulares. Realizada específicamente en el contexto de los Encuentros de Pamplona de 1972, ejemplo elocuente de una de las constantes en su trabajo. En el mismo marco, el artista presenta también su film "La celosía", trascripción literal de la novela homónima de Alain Robbe-Grillet, exclusivamente a través del propio texto y con una duración de dos horas. A partir de este momento inicia un ciclo de obras orientadas a describir los diversos movimientos y espacios de la ciudad. Así, obras como Relojes (1973) y Motores (1973), a través de fotografías y registros sonoros, respectivamente. A estos ejercicios siguen otras obras articuladas mediante encuestas, anuncios públicos, fotografías anónimas, exámenes colectivos, diccionarios y grabaciones telefónicas, etc., obras que parten de la recolección y registro de datos y que se enmarcan en el denominado "arte sociológico". De este periodo cabe destacar, entre otras: 12 ejercicios de medición sobre la ciudad de Córdoba (1974), Retratos callejeros (Madrid, 1975), El diccionario de la gente (São Paulo, 1976) o 136 manzanas de Asunción (Asunción, 1976). A finales de la década de los setenta la obra se emparenta con la intervención poética y la acción postal.

A partir de los años ochenta se aproxima a la arquitectura, implicándose en las realidades que se derivan, por ejemplo, de la creación de un pantano o del movimiento okupa.

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Su obra ha ido evolucionando desde propuestas objetuales susceptibles de llegar a ser mercancías artísticas hasta una desmaterialización que favorece la aparición de una actitud que transforma la conciencia de la percepción no tanto en obra de arte sino en experiencia de arte. Esta actitud es la que le permite interrelacionar la vida con el arte, y el arte con una reflexión crítica y provocadora de la realidad. En el año 2003 realiza su exposición "Ir y venir de Valcárcel Medina" en Barcelona, Murcia y Granada, una invitación del artista a transitar por toda su producción. Ha intervenido en galerías como Fúcares (Madrid), Espacio Mínimo (Murcia), T20 (Murcia) o la Caja Negra (Madrid). Recientemente ha realizado piezas específicas con el MACBA y en las salas Koldo Mitxelena. Premio Nacional de las Artes Plásticas 2007 por la coherencia y rigor de su trabajo desarrollado durante cuatro décadas. Valcárcel Medina ha realizado películas, piezas sonoras, acciones, proyectos de arquitectura y libros que funcionan como ejemplos y marcas de situaciones. Tanto su trayectoria histórica como sus intervenciones más recientes revelan una actitud comprometida y ajena a la dinámica del mercado del arte. En 2015 se estrena en el Festival Punto de Vista de Pamplona el documental "No escribiré arte con mayúscula", dedicado a su vida y obra. Este mismo año recibe el Premio Velázquez de las Artes Plásticas del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte por "su sólida y coherente trayectoria y su sobresaliente aportación al arte desde el compromiso ético, político y social".

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