BeatHey Mag 6

Año 2 N°6 Buenos Aires - Argentina. Prohibida su venta.

Distribución gratuita para subscritos a BeatHey

EL FUTURO DE LAS FIESTAS EL REY DEL STREAMING NOTDOLLS

"EL TRABAJO EN COMUNIDAD ES EL PUNTO CLAVE"

LOS SECRETOS DEL MASTERING

ENTREVISTA EXCLUSIVA

VJ LADIES QUE MARCAN LA ESCENA

BEATLABELS

LAS MEJORES PELÍCULAS Y DOCUMENTALES PARA EL AISLAMIENTO

SELLOS MUSICALES PARA DESCUBRIR EN CASA

BATEA BEATHEY

LO MEJOR DE LA ESCENA LOCAL

BEATTECH

TECNOLOGÍA APLICADA A LA PRODUCCIÓN

ELLEN ALLIEN ”EL MUNDO

DEBERIA SER UNA GRAN PISTA DE BAILE” EN LEO GITELMAN LIFE CAN DANCE FRAN BARRG TRE DYNACOM VIS BROKENPIBA FERRARI KID LUIS D. AGUIAR 2JACK4U TAS

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EDITORIAL

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Cuando aquel filósofo escribió: Dios ha muerto, nos contó el triunfo de la ciencia por sobre la creencia. La comprobación empírica por sobre la obsecuencia ciega. Hoy, esa frase cobra más sentido que nunca al ver como cambian los viejos paradigmas de la industria musical.

Tratando de equilibrar el monopolio cultural, evolucionamos y creamos una compañía discográfica con principios cooperativos y colaborativos que se planta en el mismo campo, jugando con las mismas reglas, pero con una misión y unos valores muy diferentes a los de la industria tradicional. Con la tecnología y el desarrollo de las relaciones interpersonales como estandartes, creando un ecosistema virtuoso y sustentable.

BeatHey, un Market Network moderno y ágil, ofrece la oportunidad de generar ganancias directas a miles de artistas en lugar de mucho a unos pocos.

La industria evoluciona, más rápido que nunca, aunque eso no quiere decir que de un día para otro cambiarán todas las reglas; o que la forma de consumo pre pandemia va a desaparecer. Todo depende de la madurez del mercado y de la capacidad de adaptación del mismo.

Hoy, más que nunca, tiene que haber unión de los artistas independientes y, sobre todo, comprensión de las nuevas tecnologías, movimientos del mercado y la industria misma.

Es hora de nuevas compañías discográficas donde los artistas asuman otro compromiso y a su vez se genere una distribución más equitativa de los ingresos. El presente y el futuro, que es presente continuo, son colaborativos y la pandemia lo deja en evidencia más que nunca. La fragilidad ante la que quedamos expuestos los actores del ámbito cultural independiente nos obliga a repensarnos, desaprender y Reaprender. Formatear el chip y comprender que esta vez SI DEPENDE DE NOSOTROS. Estamos frente a una oportunidad única, ya que las nuevas generaciones abrazan y conocen el DO IT YOURSELF al mismo tiempo que pueden ver, producto de esta pandemia, la necesidad e importancia de la colaboración y la sustentabilidad a largo plazo.

Proyectos como BeatHey, son actuales y trabajan en la construcción de un ecosistema que agrupa a diferentes actores de la industria musical independiente y logra unión y monetización, a la vez que redistribuye ingresos de forma más justa quitando intermediarios de la cadena.

Julián Sorsaburu CEO BeatHey

El GAP tecnológico cada vez es mayor y la industria del vivo comienza a replantearse los formatos.

Sin dudas, nuevos hábitos llegaron para quedarse y tendremos que adaptarnos agregando valor y oportunidades a toda la comunidad.

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DIRECCIÓN EDITOR Y PRODUCTOR DE CONTENIDOS DIRECCIÓN EDITORIAL DIRECCIÓN DE ARTE DISEÑO ESCRIBEN COMERCIAL AGRADECIMIENTOS Julián Sorsaburu

Nicolás Beldi

Darío Rosemblat

Gabriel Santana

Carol Guidalevich - Gabriel Santana

Hernan Panessi - Gonzalo Arzua - Damian Levensohn - Juan Zolbaran Nicolás Beldi - Julian Sorsaburu - Sebastián Da Vinn - Manu Barbeito San Kaiyer - Mauricio Figueroa - Alejandro Delgado - Matias Parisi

Florencia Vilar contacto@beathey.com

Florencia Vilar - Antonio Macadam - Edmundo Hiriart Matías Rebecca - Alejo Rivero - A TODA LA COMUNIDAD BEATHEY

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INDICE

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ÍNDICE

TECH POR JUAN ZOLBARÁN LABELS POR JUAN ZOLBARÁN + GONZALO ARZUA + MAURICIO FIGUEROA FEATURED LABEL INDÍGENA RECORDS POR DAMIÁN LEVENSOHN BATEA POR MANU BARBEITO

ENTREVISTAS 18 24 28 30 32 36

DYNACOM POR NICOLÁS BELDI FERRARI KID POR JULIÁN SORSABURU LEO GITELMAN POR NICOLÁS BELDI NOT DOLLS POR NICOLÁS BELDI 2JACK4U POR DAMIÁN LEVENSOHN LIFE CAN DANCE POR NICOLÁS BELDI

46 ELLEN ALLIEN POR GONZALO ARZÚA + NICOLÁS BELDI 52 LUIS D‘AGUIAR POR DAMIÁN LEVENSOHN 54 FRAN BARRG POR MANU BARBEITO 60 VJ LADIES QUE MARCAN LA ESCENA POR ALEJANDRO DELGADO

66 ARTES PLÁSTICAS BROKENPIBA

POR NICOLÁS BELDI

NOTAS 20 40 42 70

EL FUTURO DE LAS FIESTAS POR HERNÁN PANESSI EL REY DEL STREAMING POR SAN KAIYER PELÍCULAS POR SEBASTIÁN DA VINN DETRÁS DEL MASTERING POR MATÍAS PARISI

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POR JUAN ZOLBARÁN

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T E C H SONARWORKS 4 Antes de comenzar quiero aclarar que trataré de abordar el tema de la manera más sencilla posible, no es mi intención irme a los tecnicismos de todo el universo que forma el arduo trabajo de acustizar una habitación, sala o lugar de trabajo para nuestro audio. Hoy en día cualquier persona con pasión por esta hermosa forma de expresión tiene montando un home studio en su casa, y el primer problema con el q se encuentra muchas veces que la disposición del lugar o los materiales con el que está construido nuestro entorno, el cual no ayuda, suele tener la mayoría de las veces muchas frecuencias con enormes resonancias (peor aún en los graves), o gran reverberancia en la habitación. Siempre se aconseja colocar algunas trampas de graves o paneles acústicos sin embargo, estamos muchas veces lejos de lograr el resultado deseado: tener una referencia plana. Ahí

es donde sin lugar a dudas sonarworks ha hecho un gran trabajo, un soft que trabaja en dos partes una de medición, la cual es muy sencilla, se puede hacer con cualquier micrófono, y la otra de corrección, adaptándose a los monitores que tenemos de manera muy fiel, pero acá no termina todo el potencial del software, creo que uno de sus más grandes aciertos es la posibilidad de corregir y aplanar una gran cantidad de auriculares que vienen incluidos con el soft (realmente hay una gran cantidad de marcas y modelos).

En mi caso los hice con mis Sennheiser HD 25, los cuales uso para tocar, y el cambio es realmente satisfactorio, ¿quién no ha tenido grandes problemas para hacer música con los auriculares?, no digo que con esto tengamos la vida resuelta, pero estaremos mucho más cerca de sonar fieles a lo que buscamos.

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BEATHEY TECH

AUDIOMOVERS En estos tiempos de hiper-conectividad y aislamiento obligatorio algunas plataformas como Skype o Zoom se han visto rebalsadas, la comunicación vía internet es más que nunca el único camino posible para muchos rubros, entre ellos la enseñanza, los estudios de grabación, o para ser más amplios las personas que laburan con audio (ingenieros en mezcla, masterizadores, productores free lance, etc.), se han visto muchas veces en la situación de tener que reenviar una y otra vez la muestra de audio que pide el cliente (muchos hemos pasado por esa tediosa situación). Sin ir más lejos, actualmente doy clases en Arjaus, y la calidad de sonido de las plataformas nombradas al principio es de muy baja fidelidad (para ser justos son plataformas que se orientan a la comunicación de las personas no del sonido en un principio). Es por eso que Audiomovers aparece como una gran alternativa, no solo para poder enviar el sonido para una plataforma distinta a la que estamos utilizando en nuestra clase o charla, sino que también es una gran solución para trabajar en tiempo real nuestro trabajo con cualquier cliente que quiera intervenir en nuestra mezcla. Un software super ágil y sencillo de usar, simplemente se pone a modo de plugin en el master del software que estemos utilizando, y el mismo genera un link de transmisión que se le da al cliente o alumno y se retrasmite el audio a través del sitio. Cabe destacar la gran calidad de audio que logra sin latencia, además que solo tiene que tener el plug-in la persona que transmite, ¡super recomendado!

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LABELS

POR JUAN ZOLBARAN

“We want you to be a better person”. Nosotros queremos que seas una mejor persona. De esa manera se presenta Guerrilla Tunes al mundo, un discurso directo al corazón. El sello del cordobés Pedro D’Alessandro, junto a Maxi Fried, es seguramente uno de los lugares que mejor se plantan frente al mainstream, evidenciando que la música es un lugar para la contra cultura, el amor, las ideas , llevadas y elevadas por sus dueños. Podrás encontrar en sus más de 20 discos, estilos como el garage, electro, break, indie, minimal. Su última referencia está a cargo de Agustín Barbei con su disco F.B.A.W.L., el cual también podés encargar en una edición limitada de 30 cassettes. https://guerrillatunes.bandcamp.com

Surge como una fuerte apuesta para nuevos talentos de latinoamérica, junto a algunos referentes como Nacho Bolognani, Lautaro Scavuzzo o Martin Bellomo. Este colectivo artístico, con sede en centro america/argentina, sorprende por su calidad, compromiso y profesionalismo a la hora de de difundir su material (con gran presencia en Spotify), el apartado gráfico de enorme personalidad y belleza se ensambla con total naturalidad en todo el concepto. Island Beats es un recorrido calido por el minimal, algunos guiños por momentos al electro, y porqué no, a lo tech y tek en su propia interpretación del mismo.

Son canciones ideales para pistas mas íntimas sin perder de vista el rumbo de su mensaje. https://islandbeatsmusic.bandcamp.com/

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Para entender la importancia de UYS, hay que ir un poco más atrás y ver como Javier Carballo junto a Hanfry Martinez crearon Overall Music, un sello que casi cualquier artista de los últimos 10 años conoce.

Es por eso que, Javier toma su experiencia de curador en su primer label, para poner en marcha una de las etiquetas underground española / inglesa más relevantes del momento. UYS es sólido, enérgica, además de contundente, a través de sus 7 discos que alternan entre lo 12” y digital, vemos, oimos y sentimos su visión del minimal, acid y por supuesto lo clásico atemporal. Su último lanzamiento es de Moray con un remix del legendario Matt Star. https://www.facebook.com/UYSLABEL http://www.underyourseat.com/

POR GONZALO ARZUA

Sello de house comandado por Fran Di Gianni y Pablo Terreil, ambos con larga trayectoria en la escena. El segundo y reciente lanzamiento de Soulution Records es Angelic Humans, un single producido por Hermetics, proyecto del colombiano Santiago Niño. El track plantea un paisaje sci fi, donde se plantea la simbiosis entre lo tecnológico y lo estrictamente humano. También contiene un remix de Fran Di Gianni más apuntado a la pista.

Soundcloud https://soundcloud.com/soulutionsrecords

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LABELS

POR MAURICIO FIGUEROA

Fundado por Joe Fisher, Rezongar Music, es un sello argentino con trayectoria y gran cantidad de artistas nacionales e internacionales. Sus primeros lanzamientos fueron publicados a principios del 2011, con excelente material sin interrupciones hasta la fecha, donde podremos encontrar sonidos bien marcados como el Techno - Tech House - Progressive - Minimal. https://rezongarmusic.bandcamp.com/ https://soundcloud.com/rezongarmusic

Mirnha es la artista detrás de Analog Records, uno de esos sellos del under. Con su formato preferido en vinilo, y ediciones limitadas, con mucho techno y grandes artistas nacionales, tambien en formato digital. Su ultimo lanzamiento editado con 4 artistas de lujo: Diego Cid, Magoo, Lucas Vazz y su fundadora Mirnha. Sonidos frescos y fieles a su estilo.

Soundcloud https://soundcloud.com/analog_records Bandcamp https://analogrecords1.bandcamp.com/

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FCZRecords es un sello joven de San Miguel (Buenos Aires) fundado por Francisco Caceres. Aporta calidad de artistas y producción desde sus inicios, amantes de techno y del buen Groove. Predominan géneros como el tech-house, progressive house, techno y acid.

Bandcap https://fczrecords.bandcamp.com/ Soundcloud https://soundcloud.com/user-35120056

Roots Music es el sello del dj productor Rapa, una propuesta joven con mucho groove. Sus lanzamientos publicados manteniendo su linea con sonidos tech house y minimal que invitan al disfrutar de buenos ritmos.

Soundcloud https://soundcloud.com/rootsmusiclabel

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INDIGENA RECORDS

POR DAMIAN LEVENSOHN

Con una vasta experiencia tanto en la cabina como en el estudio, Juan Zolbarán es un experimentado artista de la escena nacional. Su nuevo proyecto es Indígena, un sello con el que busca difundir sonidos de exponentes latinoamericanos. Mantuvimos una charla para conocer el label en detalle.

¿Cómo surge el proyecto?

Surge a fines de 2019, venía con muchas ganas de armar una plataforma digital, ya que en el último tiempo había trabajado bastante en dos que editan en vinilo. En todo ese proceso, entendí lo importante que es encarar algo con un grupo de trabajo que tenga los mismos valores y energía que yo, por eso, se lo propuse a Julián Sorsaburu -una persona que quiero mucho y por sobretodo piensa muy similar a mí-. Él sumo a Flor como CM del label y decidimos que Alejo Rivero sea el diseñador.

BeatHey da su soporte en redes también y Beldi en algunas partes de la distribución digital. ¿Cuáles te parecen los desafíos más interesantes a la hora de llevar adelante un sello digital?

Editar música de calidad en tiempo y forma necesarios y darle la atención que se merece a cada disco como si fuera en vinilo. Veo que muchos sellos digitales sacan banda de releases en un año, al sello obviamente le sirve ya que se mantiene en rotación constante, pero al artista honestamente me parece que no tanto. Hay sellos que sacan material cada dos semanas o menos, nosotros nos planteamos en la antípoda de esa situación.

“Editar música de calidad, y darle la atención que se merece a cada disco.”

¿Qué nos podes contar sobre el primer lanzamiento?

El primer lanzamiento es un disco de Z51, una idea formada con mis amigos chilenos de Área 51 (Rodrigo Valdivia y Camilo Gil), con quienes veníamos de sacar un EP para Rawax. Ellos estuvieron de acuerdo que fuéramos la primera refe de Indigena. Psiquic Jazz es una canción súper compleja con varios ingredientes: minimal, break, acid, tech y por

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BEATHEY FEATURED LABEL

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supuesto jazz. Todo lo que nos gusta está ahí, es un track muy honesto que hicimos con mucho amor. Del remixer no puedo decir mucho porque nos pidió que no reveláramos su nombre -es un groso de habla hispana y en este caso sale como Terms-. Anteriormente editó en Play It Say It, sello de Seth Troxler.

“La curaduría tiene como eje principal artistas de habla hispana.

Valoramos mucho a las personas que son fieles a sí mismas, que apuestan a sus raíces.”

¿Cuáles son los criterios con los que van a realizar la curaduría musical?

La curaduría tiene como eje principal artistas de habla hispana, enfocado en Latino América, siempre trato de difundir lo que pasa de este lado del mundo y va seguir siendo así.

Valoramos mucho a las personas que son fieles a sí mismas, que apuestan a sus raíces. El sonido que predomina es el minimal y todas sus variantes, canciones de cadencia un poco rápidas, y por sobre todo, historias largas -2 temas por lanzamiento, de no menos de 8 minutos-. ¿Qué nos podes contar sobre los próximos pasos del label?

Por el momento, dada toda la situación que estamos viviendo, estamos enfocados en ir adquiriendo visibilidad en los diferentes canales de difusión, ser nosotros mismos y editar artistas en los que realmente creemos. El 002 estará a cargo de Lautaro Scavuzzo, un artista joven que la viene rompiendo, todo lo que hace me encanta. Mientras que, el 003 viene de la mano del experimentado, Guillermo De Caminos -que acaba de sacar un discazo para Drumma-.

Estamos muy contentos de poder tenerlos en nuestro label, son gente súper talentosa, que no para de sorprenderme, me parece fundamental que la música tenga personalidad y pueda generar algo en el otro.

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Discover B

E

A T H

E

Y .

C

O

M

Buenos Aires

+ N/A N/A N/A

F EATUR ED TR ACK

Dusk & Dawn

Soul trip (Original mix) - Dusk & Dawn - 06:33

Progressive House Duo

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Dynacom POR NICOLÁS BELDI

¿Cómo te definís como artista?

Me considero más un productor de música electrónica que artista, y desde ese lado de la producción, soy muy curioso e inquieto, lo que me impulsa a buscar la innovación constante dentro de mi estilo. ¿Cuáles son tus influencias?

Mi primer contacto con la música electrónica fue un set de Paul Oakenfold de 1999, desde allí en adelante no escuche otra cosa. Siempre estuve cercano al sonido trance de esa época, Sasha, John Digweed, que hacían progressive trance, Tiesto, Ferry Corsten, Armin van buuren, y muchos más, pero siempre fui un poco inquieto, me interesaba escuchar cosas nuevas. Así fue que un día me tope con un Master Series de Hernan Cattaneo y empecé a escuchar muchos artistas del genero. Nick Muir, Guy J, Guy Matzur por nombrarte algunos otros. ¿Qué proyectos tenés además de Dynacom?

Mis proyectos musicales ademas de Dynacom, son mi sello discografico Auditen Music, soy A&R en Amitabha Records y formo parte de un Duo con Bodai.

Contanos de tu nuevo album ¿en qué te inspiraste? ¿cómo surgió la idea del album de estudio?

“The Land Where The Thoughts Are Distant” contiene 11 tracks, y tendrá una versión “Continuos Mix”. Saldrá por mi propia discográfica Auditen Music. La idea del álbum la llevo conmigo desde siempre, crecí escuchando discos, compilados en formato set, desde que empecé a hacer mi música, siempre tuve claro que en algún momento iba a realizarlo. En cuanto a la inspiración, no creo que haya sido un solo disparador, siempre pensé el álbum como una historia, el disco no tendría sentido en escucharse por separado. No lo pensé como tracks sueltos, sino que cada uno es una pieza de la misma historia. Creo que es un álbum hecho para la pista y para el club, que es mi esencia. Con distintos matices, algunos tracks nostálgicos, emotivos y otros con mucho carácter. ¿Hiciste algún proceso diferente a como venías trabajando?

En cuanto a los procesos, suelo trabajar con varios proyectos en simultaneo, sino es en la parte artistica del track, con la parte sonora, la diferencia con los tracks que suelo

“No creo que haya sido un solo disparador, siempre pensé el álbum como una historia.”

hacer para un EP o un remix, que trabajo en uno o dos meses.

Tenía una idea muy clara de lo que quería plasmar y el concepto que quería darle al álbum, entonces fue un largo camino de dos años y medio, donde finalmente pude armar toda esa historia y el recorrido que tenía pensado.

Por otra parte, es mi primer album de estudio y es algo muy especial para mi.

“Esta pandemia fue algo impensado para todos y nos ha dejado en mayor o menor medida en pausa.”

¿Cómo ves los productores argentinos de progressive actualmente?

Creo que los productores argentinos de progressive son de los mejores, hay una buena cultura del sonido gracias a que tenemos al máximo exponente del género, Hernan Cattaneo, eso hace que muchos chicos se interesen en estos sonidos y que haya una cantera inagotable de muy buenos productores, y por supuesto, tenemos muchos que ya tienen un recorrido internacional y nacional muy amplio. Por suerte veo una escena progressive te diría de lo mejor del mundo. ¿Como te imaginas el futuro de las pistas?

Es un momento difícil para pensar el futuro. Esta pandemia global fue algo impensado para todos y nos ha dejado en mayor o menor medida en pausa. Si tengo que decirte como me imagino no sería muy optimista en este momento. Así que te voy a decir un deseo, espero que pronto vuelvan a reabrir los clubes, porque creo que allí es donde se forma la cultura electrónica, y podamos reencontrarnos todos bailando, escuchando o tocando música.

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ENTREVISTAS

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Hablamos con Exequiel aka Dynacom. Dj, productor de Progressive Techno presentando su primer album de estudio The Land Where The Thoughts Are Distant.

“Tenía una idea muy clara del concepto.

Fue un largo camino de dos años y medio donde finalmente pude armarlo.”

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EL FUTURO DE LAS FIESTAS POR HERNÁN PANESSI

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NOTA

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Cuerpos sudados que se rozan. Música fuerte que invita al descontrol. Pasos, movimientos, saltos, humedades, besos y caricias. Pasiones que fluyen juntas: una al lado de la otra.

Con una realidad tan incierta, poco puede asegurarse acerca de la vida post-pandemia. Nadie sabe cómo será la sociedad cuando todo esto acabe, si es que alguna vez todo esto acaba. Sin embargo, algunos empiezan a divisar un más allá aggiornado, con nuevas pautas de comportamiento social.

Una realidad que tenga el espíritu de lo viejo con la visión de lo nuevo.

Entretanto, la humanidad sigue su cauce y las cosas continúan sucediendo. La crisis implantada por el coronavirus no impidió que cientos de jóvenes pudieran graduarse de la universidad y el colegio. Y lo que antes era fiesta y reunión, ahora es incertidumbre. Pero hubo una vuelta de tuerca, una forma de celebrar sin riesgo de contagio: desde casa y online. Así, bajo el hashtag #ImStillGraduating (en español “igual me estoy graduando”) nació una iniciativa en la que algunas celebridades de Hollywood acompañaron el momento festivo de jóvenes con manija –lógico- que deben permanecer en casa –más lógico aún-. Y ahí, nombres como la actriz Eva Longoria, la presentadora Brooke Baldwin y el cantante Liam Payne compartieron la celebración con un tendal de pibes.

En esa misma anduvo Dear Class of 2020 (“Querida promoción 2020”, en castizo), que tuvo a BTS, Alicia Keys, Barack y Michelle Obama como máximas estrellas anfitrionas. Por eso, de pronto, prescindir de la fiesta no estuvo tan mal.

Aunque, bueno, en algún momento esto tendrá que terminar, ¿no? Muy posiblemente, volverán las graduaciones y se dará rienda suelta a la energía contenida por años de estudio.

Como pasó tantas otras veces, la amenaza mermará, se encontrarán tratamientos, medicinas y vacunas. Eso proyecta la ciencia, eso esperamos todos. Mientras tanto, porque hay un mientras tanto, aquí estamos, en el meollo de la más grande de las ciencias ficciones de los últimos tiempos.

Se vienen cambios, llegarán profundas modificaciones a lo que siempre llamamos “normalidad”. ¿Volverán los clubes nocturnos? ¿Se podrá ir de copas? ¿Qué pasará con los festivales, recitales y fiestas? “Han diseñado un traje para salir de fiesta en tiempos de pandemia”, dice el titular de un famoso portal de cultura joven. Asombra, sorprende, da escozor, pero ya está entre nosotros: Micrashell, un traje de protección para salir de fiesta y socializar de manera segura. Sistemas de filtración, escudos de protección: cualquier fantasía de Ray Bradbury en Marte se queda corta. Este traje anticoronavirus permitirá a los usuarios beber, fumar, cargar el celular e, incluso, posibilitará mantener relaciones sexuales, según afirman desde Production Club, la empresa desarrolladora del proyecto.

Alguna vez, el filósofo alemán Theodor Adorno dijo: “Lo que en la industria cultural se presenta como un progreso, lo

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perpetuamente nuevo que ofrece, sigue siendo, en todos los campos, el cambio exterior de la misma cosa”. Entonces, con este envión (de dimensiones pop pero también oportunistas), la industria del porno (que siempre fue fiesta, cuerpos y celebración) apuró la marcha y de urgencia se puso a filmar material que satisfaga estas necesidades: impersonales, asépticas y sci-fi.

Ya no hay orgías, ni encuentros casuales, ni azares románticos concretados después de un convite social, una rave, una bloc party clandestina o la más sofisticada de las fiestas fifí. Ahora, autosatisfacerse es el nuevo mainstream sexual. Lo sabe el XXX y también la humanidad. Y uno de los casos más alucinantes que brotaron de la cuarentena es la revalidación del BDSM (bondage, disciplina, dominación, sumisión, sadismo y masoquismo, disciplinas que siempre partieron de un plano indefectiblemente social) como un cosmos sanitizado.

Desde este concepto, en Internet afloraron videos en los que parejas se enfundan en trajes de cuero (ver: “catsuits coronavirus”) que cubren la totalidad del cuerpo. Se ganó en views, se infló la calentura. “How to have sex during Coronavirus epidemic” puede sorprender hasta a los más audaces. ¿Es el BDSM encuerado el futuro de los encuentros sexuales? ¿Las próximas fiestas chanchas ya no serán de carne sobre carne sino de cuero contra cuero? ¿Juntar gente en un mismo espacio físico también formará parte de las fantasías eróticas más exageradas?

Sin embargo, para no patear tanto en futurología, algunas de las expresiones del cuerpo pueden saciarse aún con coronavirus. Desde que el COVID-19 empezó a convivir con nosotros, la inventiva llevó el rebusque a límites insospechados. Ustedes lo pedían, ustedes lo querían, ahí lo tienen: las fiestas online son furor. Cuando la cuarentena cumple su rol preventivo y los locales bailables están adaptando su salida comercial (el ejemplo más nítido: Beatflow, de Palermo, se reconvirtió en una verdulería), algunos emprendedores trasladaron su fuego a la virtualidad. ¿Es posible enfiestarse solo y desde casa? ¿Hacen falta protocolos para el jolgorio doméstico? ¿Cuánto aguantarán los humanos sin disfrutar de DJs en vivo?

Las fiestas online son un sustituto temporario y una ventana para encarar esta nueva normalidad 2.0: sin filas, en solitario pero conectados. Y entre los éxitos locales, la fiesta Bresh, que nació en discotecas y hoy encontró su súmmum digital, congrega a millennials y centennials a bailar algo de pop, mucho de cachengue y algo más del espíritu remixable. Ahí, se funden sin culpa “El Meneaito” con Daft Punk porque, como asegura el documental del neoyorquino Kirby Ferguson, Everything is a Remix. También se destaca Se PiCall VIDEO DANCE PARY, una fiesta con esencia latinosa y bandejas de Villa Diamante, leyenda de los mash-ups. Se PiCall propone un gesto interesante: el streaming no es solo del DJ, sino que todos activan su camarita y el perreo se vuelve colectivo.

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Y entre las modalidades inéditas que tendrán calce en los próximos meses está la del auto-rave, auto-disco o rave de coches, una adaptación del autocine feat. raves pero que propone disfrutar de la música alta y la fiesta loca durante esta etapa del aislamiento social, preventivo y obligatorio. De hecho, países como Alemania (que algo saben de vanguardias) ya están incursionando en las auto-rave con relativo éxito. Así, el estacionamiento de Index, discoteca de la ciudad de Schüttorf, en la Baja Sajonia, fue el epicentro de una fiesta amenizada por los beats del holandés DJ Devin Wild. Y lo que hoy es trendy, mañana será un estándar.

En esa lógica, en Nijmegen, Holanda, abrieron la discoteca Doornroosje y probaron medidas de distanciamiento físico: 30 asistentes como máximo, sillas separadas por un metro y medio e imposibilidad de levantarse. De esta manera la nueva normalidad se impone en los países que levantan la cuarentena. A su modo, con sus mañas, en algunos restaurantes de Bruselas, Bélgica, adoptaron el barbijo personalizado como elemento de moda. ¿Cómo? Sí, máscaras con rostros impresos. Asimismo, en Portland, Estados Unidos, fueron un pasito más allá: el famoso stripclub Lucky Devil Lounge adaptó su faena al drive-thru, donde el baile es a la distancia, la propina es desde el auto y el goce es remoto.

Distinto es el caso de Argentina, que apenas avizora reanudar la actividad teatral sin público, apoyándose en un protocolo redactado por el Gobierno de la Ciudad bajo supervisión de la Fundación Huésped y de la Asociación Argentina de Empresarios Teatrales (AADET). Misma suerte correrán los shows musicales (con marco regulatorio de la Asociación Civil de Managers Musicales Argentinos - ACMMA) y misceláneos del circuito productivo de la música. Con la amenaza latente, se avanza hacia un protocolo nacional para grabaciones de discos, ensayos y actividades del sector. Al respecto de la monetización, los streamings pagos se convertirán en un paliativo para las urgencias económicas. Y, sobre eso, todas las partes coinciden en lo mismo: tampoco queda otra.

La pandemia del coronavirus metió mano en todo: el ritmo de la vida, los planes diseñados con antelación, el aspecto de lo que siempre advertimos como opciones. La cancelación y reprogramación de innumerables shows y eventos (del Lollapalooza local hasta la Ultra de Miami, pasando por el Tomorrowland Winter de los alpes franceses) generaron un escenario de incertidumbre. A la sazón, Europa y Asia, continentes que recibieron antes la embestida del COVID-19 y que cuentan con recursos económicos como para resolver cualquier problema, hoy pendulan en una especie de transición. En Sudamérica aún parecen lejanos estos regresos. Pero hay que esperar: la realidad es cambiante, dinámica, insólita y lo que sobra –ahora- es tiempo.

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“Por momentos cinematográficos y pasajes más dark. Siempre con los 80’ como inspiración”

Hablamos Oscar Ferrari, un artista multifacético, más conocido como Benway, Ferrari Kid o sus proyectos Midnight Fighters y Nexus-6. El synthe como religión detrás del talento de un personaje destacado del under.

POR JULIÁN SORSABURU

Contanos sobre tus inicios y proyectos La cosa es así: En el año 2002 empece a ser dj y entonces se me ocurrió buscarme un pseudónimo que funcione también como un alter ego. Por aquella época yo era muy fanático de los escritores malditos (Beat Generation) entonces mi novia de ese momento me dijo q me ponga Benway, como el personaje recurrente en los libros de William Burroughs. Con el tiempo todo el mundo, incluso mis amigos me empezaron a decir Benway y así quedó hasta hoy. Nexus-6 es un proyecto de música electrónica en vivo que empezó siendo electroclash con influencias de Industrial y terminó siendo una especie de electrorock con influencias SynthWave. Nexus-6 empezó en el 2005 y en el año 2019 salió nuestro último Lp. En el 2017 empecé un proyecto 100% SynthWave que se llama Midnight Fighters. Ya tenemos un Lp y estamos en el proceso de un segundo album. En el año 2018 arranqué mi proyecto solista que se llama Ferrari Kid. Contanos de tus lanzamientos más recientes con Ferrari Kid Mi último lanzamiento es ‘Wonderland EP”. Wonderland es un track que hice en colaboración en las vocales de ´Chevi´ (un tremendo cantante y guitarrista). El EP contiene 3 remixes de productores argentinos: Donbor, The Affirma-

tion y Geómetra. Este año también, mi track ’In love with you (feat. Baridi Baridi)’ formó parte del compilado ‘Buenos Aires Outrun Vol.1’ que reune lo mejor de la escena SynthWave local y fué lanzado por el sello Aztec Rec (UK). ¿Cómo es una presentación en vivo tuya?

Básicamente soy yo tocando mis synthes y tracks que van desde el DreamWave hasta el DarkSynth pasando por el RetroWave, con un carácter por momentos dreamy, por momentos cinematográficos y algunos pasajes con una intensidad más dark. Siempre con los 80’ como inspiración. En muchas ocasiones dispongo de cantantes invitados. ¿Cómo funciona tu proceso creativo? Contanos acerca del track In Love With You en colaboración con Baridi Baridi En mi caso necesito convivir mucho tiempo con un track hasta decidir que está terminado o sentir que me representa. Aunque de vez en cuando hay temas que salen más rápido que otros. Una herramienta fundamental para mí son las notas de voz del celu, donde me la paso balbuceando melodías, letras y hasta incluso arreglos rítmicos.

In love with you iba a ser lanzado por mi banda Nexus-6, pero cuando llegué al momento de la mezcla comprendí

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ENTREVISTA

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“Necesito convivir mucho tiempo con un track hasta sentir que me representa”

que no funcionaba ni para ese disco ni para esa banda, así que decidí que ese sea el puntapié incial de mi proyecto solista que venía craneando hace tiempo. Para la parte vocal estaba buscando una chica que me remita a cantantes de bandas como Chromatics o Electric Youth. Que tenga ese halo nostálgico. Pasé algunos meses escuchando muchísimas cantantes argentinas hasta que escuché a Baridi Baridi e inmediatamente me di cuenta que tenía que ser ella. Por suerte para mí, mi primera opción dijo que sí, y ese fue el comienzo de Ferrari Kid. El single fué lanzado por Secsy Music en el año 2018 ¿Cómo es la escena synthwave local?

Es escena pequeña pero muy fiel que no para de crecer y que se concentra básicamente en las fiestas, lanzamientos y ahora LiveStreams de Buenos Aires Outrun. ¡Las fiestas Buenos Aires Outrun pre-covid explotaban! Además de la música en vivo y las visuales, también estaban los arcades y toda una nueva generación de gente que flashea y abraza éste nuevo genero. Las fiestas empezaron como algo muy reducido pero las últimas se terminaron haciendo en el Roxy de Palermo a sala llena y con una cantidad y calidad de artistas locales que aumentan día a día. Para mí éste revival 80’, que ya tiene su propia identidad y peso, representa una especie de portal donde

vuelvo a vivir una cultura que fue parte de mi infancia. ¿Cómo crees que será la escena del directo-vivo- post pandemia?

Supongo que primero se habilitará para ver bandas en vivo por la posibilidad de lograr respetar el distanciamiento. Pero creo que una fiesta con mucha gente va a ser la ultima cosa que volvamos a ver desgraciadamente. Ahora... ir a ver un dj sentado como vi hace poco en un video me parece que es desnaturalizar una situación. Veremos... ¿Deja algún proyecto específico la cuarentena? ¿Creés que una escena colaborativa es importarte?

En mi caso la baja de trabajo y cuarentena me sirvió para empezar un largo proceso de retomar y desarrollar muchos demos que tenía abandonados y empezar nuevas maquetas. Una escena colaborativa y abierta es vital. ¿Qué es lo que se viene para Ferrari Kid En éste momento estoy trabajando en lo que va a ser mi primer Lp, que calculo que saldrá éste año. Me está llevando mucho más tiempo del que pensaba, pero también va a ser mas largo, dinámico y cambiante de lo que planié en un principio. Va a ser un album lleno de matices, texturas y exploración. ¡Espero les guste!

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AYER, HOY Y MAÑANA

PLAZA INDEPENDENCIA MÚSICA

Argentina: Corvalán 1847. Ciudad Autonama de Buenos Aires - Idaventas@grupolaserdisc.com

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“En este momento la tendencia musical dominante pasa por otro lado y creo que el house recuperó algo de su esencia inicial.”

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ENTREVISTA

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LEO GITELMAN

Dj, productor de gran calidad y talento. House de estilo deep y jazz y marcado por sus influencias de Chicago. Hablamos con uno de los representantes de SoulSsential Records sobre el sello, su trabajo con cada track y los proyectos a futuro.

POR NICOLÁS BELDI

¿Cuales fueron tus influencias Leo? Son muy variadas, dentro y fuera de la música electrónica. Pueden ir desde Pink Floyd hasta Metallica, pasando por conciertos de piano y Jazz. Creo que hay para tomar, aprender y disfrutar de todo el amplio espectro del arte musical. En el la musica house específicamente me nutro de artistas como Atjazz, Folamour, Jazzman Wax, Norty Cotto, Phil Weeks, Kerry Chandler, etc ¿Que significa la música house para vos?

Para mi significa la posibilidad de vivir una película diferente, una realidad conectada con otro tipo de experiencia.

Busco y escucho música específicamente con la idea de que me lleve por el mar de la imaginación y al mismo tiempo un sentir corporal y primitivo, Trato de dejarme llevar e invadir por la experiencia. Con el house además es uno de los mejores canales de expresión que encuentro para desarrollar “mis películas” y compartir la experiencia con los eventuales oyentes. ¿Como es el metodo de trabajo detrás de tus tracks?

Fui desarrollando un método de organización tipo grilla en el Ableton el cual voy probando diferentes elementos.

Puedo empezar desde una melodía o de un ritmo indistintamente, es necesario que aparezca un elemento en particular que me dispare la construcción del track alrededor de este. Posteriormente busco lo que llamo el “loop principal”. Al tenerlo desarrollado y sus variantes, trabajo con elementos diferenciales, melodías y la bajada del track.

Cuando tengo esto armado en un porcentaje importante lo paso a secuenciar. ¿Tenés futuros releases? Estás en alguna búsqueda sonora en particular?

Tengo varios sin editar que ya están en manos de diferentes sellos esperando su momento. Mi búsqueda sonora es variable, el los últimos tiempos estuve produciendo tracks deep jazzy y tambien dance como para club.

Habitualmente busco secuencias rítmicas con cierto grado de complejidad y con sonidos naturales y acústicos.

Suele haber presentes teclados Rhodes, y trato que el bajo cumpla un roll importante.

¿Como ves la escena de productores argentinos del género?

Creo que tenemos productores excelentes y varios ciclos en under muy interesantes. Hoy lo veo como un movimiento de culto con gran potencialidad de crecer a futuro. En este momento la tendencia musical dominante pasa por otro lado y creo que el house recuperó algo de su esencia inicial y la magia que solo ocurre en el underground.

“Me imagino un mundo cada vez más autogestivo donde cada quien tiene que encontrar su lugar en cooperación con otros. La pandemia está acelerando ese proceso.”

Contanos del proyecto SoulSsential Records SoulSsential Records es un label en busca de un sonido orgánico, natural y musical dentro de los estilos House, Deep & Soulful. Los tracks que sellamos tienen la premisa de tener elementos tocados o grabados en alguna o algunas pistas. Queremos musicalidad y toque humano. Creo que es un espacio a explorar, desarrollar y con la premisa de alta calidad. Este proyecto lo estamos desarrollando junto a dos grandes productores, Leandro Di y Diego Ruiz (DFRA) de los cuales aprendo muchisimo. ¿Cómo te imaginás el mundo en el futuro?

Me imagino un mundo cada vez más global en cuanto a la música, donde las fronteras en cuanto arte se van borrando definitivamente. Me imagino un mundo cada vez más autogestivo, donde cada quien tiene que encontrar su lugar en cooperación con otros similares. La pandemia está acelerando ese proceso.

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Hablamos con Lara Kuzmanic, Paula Camani, Greta Bruno, Araceli Coronel aka Varl y Lucia Rasini aka Dunkel Dame.

Un grupo de artistas con la idea de visibilizar el trabajo de las mujeres en la escena electrónica. Nos cuentan sus inicios, proyectos futuros y su visión como comunidad.

POR NICOLÁS BELDI

¿Cómo nace NotDolls?

NotDolls nace con la idea de visibilizar el trabajo de las mujeres DJs que residen en Argentina. En un principio fue una plataforma de promoción a través de la cual se presentaban diferentes djs, sin importar el estilo que mezclaran, como si pudiéramos concentrar una gran base de datos para que todos conozcan el talento que hay entre colegas y ayudar a aquellas que no son tan conocidas o recién están comenzando. ¿Quiénes son y quiénes pueden ser parte?

Dentro de lo que es la plataforma de promoción pueden ser parte todas aquellas artistas que quieran acercarnos su trabajo para ayudarlas a difundirlo. En cuanto a lo que es nuestra crew, somos nosotras cinco, y por el momento no estamos en búsqueda de nuevas integrantes. ¿En que géneros se concentran? ¿Reciben artistas de diferentes géneros?

NotDolls se divide en dos áreas de trabajo. En la plataforma de promoción recibimos artistas de todos los géneros. Y en NotDolls como crew nos enfocamos sólo en Techno y sus variantes. ¿Como afectó la cuarentena sus planes? ¿Mantienen comunicación entre artistas?

Como nosotras no realizábamos eventos digamos que por ese lado no afectó al equipo. Pero sí nos ha afectado a todas de manera individual por el hecho de perder muchas presentaciones que ya teníamos pactadas tanto en Argentina como en el exterior. Por otro lado la cuarentena nos motivó muchísimo a activarnos en las redes y cumplir con nuevas ideas que teníamos en mente pero que todavía no las habíamos llevado a cabo. Nos mantenemos activas en ese sentido. ¿Qué proyectos están encarando actualmente?

En este momento estamos focalizando el trabajo en lo que son los streamings a través de nuestro canal de YouTube, en el cual trasmitimos no solo nuestro trabajo sino también

“Creemos fervientemente que el trabajo en comunidad es el punto clave para conseguir nuestros objetivos”

el de Djs invitadas a nivel tanto nacional como internacional. También estamos trabajando muchísimo ya que hace poco lanzamos nuestro propio sello. En julio salió nuestro primer EP del cual participan Paula Camani, Varl y Dunkel Dame. Por lo pronto estamos en plena etapa de planificación de lo que van a ser los siguientes lanzamientos de NotDolls Records. ¿Creen que la escena ha ido dejando de lado la desigualdad al momento de darle el protagonismo merecido a las mujeres?

Creemos no haber llegado al punto anhelado por todas en el que podamos decir que no hay desigualdad. Pero sí reconocemos que gracias al trabajo y lucha de muchas mujeres hoy en día estamos contando con mayor participación y visibilidad en nuestro ambiente. Hay una gran iniciativa por parte de djs que han creado equipos de trabajo como por ejemplo las chicas de By Womans en Buenos Aires y No Filter DJs en Tucumán.

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ENTREVISTA

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“Gracias al trabajo y lucha de muchas mujeres hoy en día estamos contando con mayor participación y visibilidad en nuestro ambiente”

La música electrónica históricamente fue un lugar de inclusión ¿Hay un camino por recorrer todavía? ¿Tuvieron alguna situación incómoda en una cabina por ser mujeres?

Sí, creo que se ha logrado mucho, pero todavía queda un largo camino por recorrer. Las cosas están cambiando, de a poco vamos ganando respeto y reconocimiento.

Y sí, tuvimos situaciones incómodas por el solo hecho de ser mujeres, como por ejemplo que el productor de una fiesta pretenda levantarse a la dj por haberla invitado a tocar. Si bien estas cosas siguen sucediendo, creo que se está logrando un avance y que la nueva generación nos está enseñando que cuidándonos entre nosotros avanzamos juntos. ¿Qué opinan del trabajo en comunidad?

Creemos fervientemente que el trabajo en comunidad es el punto clave para conseguir nuestros objetivos. Trabajar en equipo no es fácil porque todos somos diferentes y te-

nemos distintos puntos de vista. Pero eso es muy nutritivo para todo grupo. ¿Cómo se imaginan el futuro?

Como fundadora del equipo (Dunkel Dame) imagino una “sede” de NotDolls en diferentes partes del mundo, como por ejemplo la que tenemos en Uruguay, (@notdolls.uy), para poder fomentar la unión y el apoyo entre artistas. En cuanto al sello estamos seguras de que vamos a descubrir muchos talentos y estamos muy ansiosas por escucharlas a todas aquellas colegas que quieran enviarnos sus demos a notdolls.records@gmail.com ¿En que canales se pueden comunicar con uds tanto artistas como oyentes?

Pueden comunicarse con nosotras a través de nuestro instagram o página de facebook @notdolls.arg.

Pueden ver nuestros trabajos en el canal de YouTube, buscándonos como: NotDolls Argentina. O en soundcloud. com/notdolls

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Recientemente lanzaste un proyecto realmente interesante llamado Máquinas Em Manobras ¿Qué nos podes contar? ¿Cómo nació la idea?

Hemos tenido la idea de trabajar con varios productores en pistas colaborativas durante mucho tiempo. No una remezcla o reedición sino una pista en el que ambos proyectos podrían crear simultáneamente, aplicando el cadavre exquis (cadáver exquisito) técnica surrealista. Cuando la pandemia comenzó a nivel mundial, y todos tuvimos que cerrar, recibimos una llamada de OpAmp, desafiándonos a trabajar en un álbum con otros artistas. Fue entonces cuando vimos la oportunidad de hacer realidad esta idea.

El momento perfecto para intentar unirse a varios productores y pedirles que trabajemos entre en varias pistas. El tiempo para contradecir el aislamiento y colaborar. Entonces escribimos este manifiesto, un conjunto de reglas y enviamos diferentes bocetos sonoros a cada productor y les pedimos que usarán esos bocetos como punto de partida para una nueva pista. Al mismo tiempo, y tan importante como la música, es todo el trabajo visual con 16 artistas portugueses para quienes la regla principal debía inspirarse en la pieza musical.

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“Si bien nuestros shows en vivo son estrictamente improvisados, en el estudio intentamos usar el equipo que no podemos llevar al vivo.”

Entrevistamos al dúo portugues conformado por Acid Mary (Rubina) y Jack Drop (André). Recientemente lanzaron Máquinas Em Manobras, un álbum construído a partir de pistas colaborativas entre 16 artistas de Portugal.

Manifiesto, un conjunto de reglas y bocetos sonoros.

POR DAMIÁN LEVENSOHN

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“El momento perfecto para intentar unirse a varios productores.”

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Sería realmente interesante que nos cuentes en primera persona sobre la escena electrónica en Portugal.

La escena musical portuguesa es muy prolífica y creativa con nuevos proyectos electrónicos emergentes con frecuencia. Uno de nuestros lugares favoritos en Lisboa, y uno muy solidario, es Desterro, muchos jóvenes productores o proyectos comenzaron allí o tuvieron la oportunidad de tocar en vivo allí por primera vez. Desterro es también el lugar de nacimiento de Desterronics, una jam de música electrónica de improvisación libre con varios miembros con sede en Lisboa. Si tienes curiosidad por la escena electrónica portuguesa, escucha en Máquinas em Manobras productores como Menino da Mãe, Antinaturalismo, Roundhouse Kick, VSO, Fonzo, Zentex, Alex FX. Además de estos, hay muchos otros talentosos productores (con los que esperamos trabajar en el futuro) como DJ Fuk News, Daino, Toria, Twisted Freak, Lieben, Shinny Shinny ...

Su música, como actuaciones en vivo, está marcada con el uso de hardware ¿cuáles son tus equipos favoritos en estos días?

Para este proyecto en particular, operamos las máquinas icónicas originales de música electrónica de baile: TB-303, MC-202, SH-101, TR909/808/727/707/606, pero también muchos efectos analógicos diferentes. El mezclador midi Venice es para nuestro anillo algo tan importante como cualquiera de las máquinas en nuestras actuaciones en vivo improvisadas. ¿Cómo es tu proceso de creación en el estudio?

Si bien nuestros shows en vivo son estrictamente improvisados, en el estudio intentamos usar el equipo que no podemos llevar a nuestra presentación en vivo como Juno-60 o Yamaha DX-7, pero también nuestros sintetizadores de rack como Yamaha TX81Z o Roland JV-2080; tratamos de tener todo nuestro equipo listo para usar reproducir: sintetizadores, baterías, fxs, secuenciadores, samplers, procesadores de sonido y en muchas posibles señales de lenguaje musical que los sintetizadores usan para comunicarse como MIDI, CV, Gate clock DCB, KADI o en cualquier tipo de sintetizador, analógico o digital. En estudio la producción es menos improvisada, pero más exploratorio y experimental con la producción técnicas y sonidos. ¿Cuáles son sus próximos planes? ¿Planes para el futuro? Por ahora terminando la remodelación de nuestro estudio para comenzar algunos nuevos sonidos ácidos nuevamente, y tan pronto como sea posible estar produciendo el nuevo álbum para Golden Mist Records. Seguiremos promocionando Máquinas em Manobras y ¡jam jam jam!

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POR NICOLÁS BELDI

Paulino Kuunde nos presenta un nuevo blog musical en formato fanzine. Mixes raros, gemas escondidas, la calidad sobre la calidad.

¿Qué es Life Can Dance?

Life Can Dance es un nuevo blog musical en formato fanzine donde compartimos música en diferentes formatos y con ilustraciones de diferentes dibujantes. Buscamos difundir música underground de una forma poética. Vamos por el lado mas melómano de los músicos y djs pidiendo que nos compartan mixes de temas raros y gemas escondidas, no set de las últimas promos de los labels del momento sino que busquen un relato particular que no caiga en lugares comunes. También queremos compartir muchos playlists con diferentes conceptos que les marcamos a los invitados para que enfoquen su selección cuidadosamente. No pretendemos ser de esos blogs de difusión comercial con miles de seguidores y que publican cualquier cosa mientras les paguen la publicación sino que queremos definir una línea curatorial de lo que se difunde bien marcada y que se vaya formando un mosaico estilo collage desprolijo de ilustraciones que también van por un lado arty y sketch de trabajo de dibujos a mano con pulso y retoque digital.

Vamos por la calidad por sobre la cantidad. Tratamos a la música como algo sagrado y a la escucha atenta como un viaje comprometido. Ir acopiando material tranquilamente en el tiempo y dejar un legado musical que sea un documento de época. Si bien no nos queremos encasillar los estilos por donde delineamos es por los márgenes del house y el techno, las derivaciones del indie rock, las influencias del disco, funk, punk, dub y new wave, cruzando los movimientos afro y la escena raver underground.

Nuestra búsqueda va por las intersecciones entre indie-dance, nu-disco, italo-disco, synth wave, electro, dark disco, downtempo, afro, percussive trips, shamanic beat, organic sounds, ambient y diferentes experimentaciones instrumentales tanto acústicas como sintéticas. ¿Cómo funciona?

Tenemos un blog www.lifecandance.com donde compartimos lo que queremos, como queremos, cuando nos pinta. Mixes, playlists, premieres de sellos underground, reviews de releases que se nos antojan y notas

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de cosas que nos interesen de movimientos musicales de cualquier parte del mundo. Tenemos un soundcloud, youtube, spotify y ahora vamos a incorporar Tidal que es una plataforma donde se respeta más la música escuchándose en mejor calidad y pagando mejores regalías a los artistas y sellos. ¿Cómo lo pueden aprovechar los artistas?

Esuchando a otros artistas para entender influencias y para buscar música diferente. También nos pueden mandar cosas para que las escuchemos a ver si algo queremos publicarlo. Los sellos nos pueden enviar lo que vayan a sacar para hacer premieres.

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¿Cómo comunicarse?

Nos pueden comunicar en general a nuestro email: lifecandance.bcn@gmail.com, submit@lifecandance.com especificamente como canal para mandarnos música, promo@lifecandance.com para que los sellos nos agreguen a su promo lists así nos llegan cada release por adelantado y podemos pedirles temas que nos gusten para promocionarlos en primicia por adelantado antes del lanzamiento. Los esperamos si sienten que su música podría entrar dentro de lo que buscamos publicar.

Y pasen a escuchar lo que ya han publicado artistas como Marc Houle, Perel, Principleasure, Chancha Via Circuito, Barrio Lindo, Mr TC, entre otros.

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Contest winner

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El Rey del Streaming

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¡Saludos comunidad! Con esta nota no busco ser promotor de los shows virtuales, ni mucho menos sugerirles que esta experiencia supere a la real. Estamos presenciando un cambio en el hábito del consumo de la música mezclada con el entretenimiento donde los streaming parecen haber llegado para quedarse.

POR SAN KAIYER

El desafío de pensar en cómo agrupar a nuestros seguidores dentro de una sala virtual. Entender las herramientas que tenemos y promover nuestro contenido de manera creativa nos va ayudar a sobresalir en este océano de estímulos con navegación constante. ¡Ay internet!, ¿por qué me haces tan bien?, ¿me haces tan mal?

“Estamos presenciando un cambio en el hábito del consumo de la música mezclada con el entretenimiento.”

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“Astronomical de Travis Scott convocó algo así como 80 estadios de Wembley.”

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Apago el despertador, prendo la radio “otro planeta en este planeta” me asegura la locutora. ¿Y ahora qué?

La primera pregunta del día me visita todos los días a la misma hora. Cómo hacemos los artistas para mantenernos activos y relevantes dentro de esta nueva realidad. ¡Ya sé!: Internet. ¿Quién podría soportar una pandemia sin internet? Actualmente se estima que casi el 70% de la población global tiene acceso a esta herramienta de comunicación en la que dejamos de ser simples consumidores para convertirnos en creadores de contenido.

Entonces, ¿cómo hacemos para que nuestro contenido no se ahogue en este mar de estímulos llamado “LA” internet?

El pasado mes de abril, el rapero estadounidense Travis Scott (28 años), presentó su show virtual “Astronomical”, un live streaming al que asistieron más de 12 millones de personas de todo el mundo. Y sí, me dirán qué tendrá de particular este live si en mi celular recibo alertas a diario, por cierto, ¿cuántos lives NO vieron hoy?. Lo llamativo de esta experiencia fue la plataforma utilizada, el videojuego FORTNITE. Para participar, cada usuario debía conectarse al videojuego con su personaje, desde donde podía elegir el look de su avatar, los movimientos que haría durante el recital (no, la opción pogo no aparecía), y lugar desde donde asistir al concierto. Esta no fue la primera experiencia a través del videojuego creado por la empresa Epic, ya que en el 2019 el streaming de DJ Marshmello, alcanzó los 10 millones de persona-jes asistiendo a un show 100% streameado.

“Astronomical” convocó algo así como 80 estadios de Wembley. A lo largo de 15 minutos se pdo ver un gigantesco Travis Scott cantando sus canciones, mientras que los escenarios/pantallas cambiaban canción tras canción. Lo sé, parece un capítulo de Black Mirror donde cada uno puede adoptar una nueva personalidad a través de un personaje de videojuegos. Pero sucede que esto no es una ficción, ¿o sí?

Mirá el streaming del rapero Travis Scott en el videojuego FORTNITE https://youtu.be/wYeFAlVC8qU

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POR SEBASTIÁN DA VINN

Bohemian Rhapsody (2018)

Una película correcta, tal vez por momentos demasiado correcta, con buen ritmo y mucha música. Amada y odiada tal vez por ser una especie de catálogo de momentos épicos y no tantos que rozan el márketing post-mortem y no le hacen justicia a todo el talento que hubo en esta historia. Lo importante es que aquí se relata el nacimiento de la emblemática banda QUEEN y la vida y origen de FREDDIE MERCURY un artista fascinante que desafió estereotipos para convertirse en uno de los cantantes más queridos del mundo. No faltaran los hits y los detalles que tal vez no conocías, los momentos más oscuros y los que nunca se borraran de nuestros recuerdos. El largometraje dirigido por Bryan Singer responsable de varias películas de los superhéroes X-men se llevó 4 Premios Oscar, incluyendo a Rami Malek por mejor actor y el cual por momentos logra hacernos sentir que realmente estamos frente al ícono de toda una generación.

Rocket Man (2019)

Claramente otra bio pic de otro grande como Elton John, pero en este caso podemos analizar justamente como es que los directores y los estudios pueden tener diferentes visiones de cómo llevar a cabo una historia a la pantalla grande. Y la verdad es que el espectáculo merece la pena, mucho musical, mucho glam y una lluvia de purpurina hacen a esta propuesta imperdible, pero no se preocupen que también hay sexo, drogas y rock and Roll. Un film menos superficial, menos lineal y efectista si lo comparamos con Bohemian rhapsody, y el hecho de que el actor protagonista Taron Egerton sea el que cante, al contrario de lo que sucede con Rami Malek en la película de Queen, suma muchas fichas. El director Dexter Fletcher y el guionista Lee Hall (responsable de Billy Elliot) se meten de lleno en el descenso a la oscuridad de Elton John. Su vida, su sexualidad y la relación con las drogas, El propio artista dió luz verde a los autores para reflejar los puntos más oscuros de su carrera, y seamos justos, con esa libertad todo es más sencillo.

Climax (2018)

Una obra única y no apta para todo público en todo sentido, hablamos de Gaspar Noé y su cine que intenta asfixiarnos junto a sus protagonistas, con su crudeza, montaje y relato.

Gaspar Noé es de esos directores que cuando su nombre se escucha en Cannes es fija que más de un espectador se levante de espanto y se vaya llorando a su casa. Esta no es la excepción, una historia que está vagamente basada en hechos reales (así lo expresa el mismísimo director)

y que nos cuenta la historia de unos bailarines de danza urbana, reunidos para festejar su último baile en un apartado lugar en medio de un helado bosque. El film nos invita a participar de este festejo que se va de las manos por culpa de una droga que alteró la bebida y que todos están tomando re sacados desde que comenzó la historia, y el dilema es que nadie sabe quién fue el culpable. Y esta reseña podría resumirla de la siguiente manera: Fiesta, LSD en exceso, y un dj que pone música de Daft Punk, Aphex Twin, Dopplereffekt, MARRS, Giorgio Moroder entre otros.

Estoy seguro que si no la viste después de leer esto le vas a dar una oportunidad en Netflix, pero ya estás advertido, es Gaspar Noé.

Beastie Boys Story (2020)

Un documental que hacía falta y lo mejor es que viene a decirnos: miren como hacemos una obra de teatro interactiva basada en hechos reales, a la vez también es un documento histórico y un homenaje a este gran grupo musical. Con mucha honestidad y mucho amor y con la triste ausencia del lamentablemente fallecido Adam Yauch (aka MCA), las dos horas se pasan volando y lo mejor es que no solo los fans quedarán satisfechos ya que todo melómano tiene la obligación de conocer esta historia.

Relatando sus éxitos y sus fracasos, lo que ganaron y lo que perdieron al crecer como artistas, tocando el lado más humano y sin pecar de rellenos innecesarios durante 119 minutos. Con mucho humor, pero también con lágrimas en la cara, Mike Diamond y Adam Horovitz nos ofrecen su mirada íntima y personal sobre la historia de su banda y por sobre todo la historia de más de 40 años de amistad.

Esta es una muy buena oportunidad para re-descubrir a los chicos bestias, a su música y sus orígenes, imperdible y muy emocionante. Y si llegaste al final del documental no dejes de ver las escenas post-crédito que hay un par de sorpresas maravillosas. Dirigido por Spike Jonze.

Quadrophenia (1979)

No quiero dejar pasar este espacio para recomendarles otra joyita del cine como documento histórico. El largometraje nos sitúa en Londres y el año es 1964. El nacimiento de dos bandas juveniles rivales preocupa a la sociedad, unos son los “Mods” y los otros se denominan “Rockers”, y estos lograran desestabilizar la tranquilidad en las calles.

Junto al consumo de anfetaminas y mucha rebeldía, esta historia basada en hechos reales pretende más de lo que propone y tal vez por esto no sea tan conocida, pero también tiene sus puntos fuertes. Con la banda sonora de The Who que asumieron la producción ejecutiva del film, Franc Roddam dirige esta película que cuenta la historia de un

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PE LI CU LAS

joven en busca de su identidad. Además de hacer trajes a medida y tener muy presente la moda en el movimiento “Mod”. Un aspecto muy importante en estas tribus urbanas era la música, entre algunos géneros se escuchaban el jazz moderno, el blues estadounidense, el soul afroamericano y la música beat de Gran Bretaña. El film puede tener varias interpretaciones, el de una especie de documental sobre la cultura mod de la época pero también como la historia de búsqueda y evolución personal de un joven en busca de una identidad y como este se rebela ante el sistema.

Lejos de ser una obra maestra, Quadrophenia logra reflejar el espíritu que se vivía en las calles, las inquietudes y necesidades de un estilo de vida que hoy parece haberse esfumado. La película cumple y tiene sus momentos muy bien logrados que más de uno sabrá apreciar. Para los que quieran seguir investigando también pueden ver el documental del 2013 “Quadrophenia: Can You See the Real Me?”

Marguerite (2015)

Vamos a expandir nuestros horizontes y en este caso te invito a disfrutar de una historia real con mucho humor basada en la vida de Florence Foster Jenkins. Una adaptación ambientada en el año 1920 en Francia que cuenta la historia de una heredera afortunada que decide dedicarse al canto y se hace famosa por cantar muy mal y no saberlo. Una comedia dramática que roza lo ridículo por momentos, logra retratar muchas emociones juntas. Personalmente luego de ver esta película tuve que investigar más sobre esta hipnotizante historia donde todos los que rodeaban a la cantante vivieron fingiendo y hasta proclamaban un talento único en su voz. La interpretación de Catherine Frot consigue reflejar la vida de un personaje que vive una realidad paralela, en donde ni su marido ni sus amigos le dicen la verdad y en donde todo son cuestiones de intereses y dinero. Gran historia para entender como a veces en la vida el artista se necesita romper esa burbuja en la que vive o en la que lo tienen viviendo, con grandes momentos musicales y emotivos esta película te invita a reírte de Marguerite Dumont, pero también te invita a pensar hasta qué punto uno puede sostener lo inevitable. También pueden encontrar una película del año 2016 titulada Florence Foster Jenkins interpretada por Meryl Streep y que respeta un poco más la historia verdadera de esta particular filántropa.

A Star Is Born (2018)

En esta remake Bradley Cooper es una estrella consagrada en el ambiente de la música y una noche por esas casualidades de la vida conoce a Ally, interpretada por Lady Gaga, y a quien nominaron para el Oscar en este papel.

Ella es una joven artista que la está luchando para salir adelante en el mundo del espectáculo. Si te cuento que se enamoran a los pocos minutos del film no creo que te este espoileando demasiado. Más allá que sea una historia que ya hemos visto varias veces y con algunas situaciones trilladas, vale destacar las grandes actuaciones de ambos, los momentos musicales que desbordan calidad. No dejar pasar el gran dato de que el actor Bradley Cooper debuta

como director en esta película. Y justamente la dirección es uno de sus puntos fuertes, con momentos muy bien logrados, pero por sobre todo con muy buena música. También habría que destacar los temas ‘”Shallow” himno de la película y ganadora del Oscar a Mejor Canción, “Always remember us this way” y la triste ‘I’ll never love again’, que te ayudará a soltar una lagrima si venís conteniéndote.

Jeffrey Epstein: Filthy Rich (2020)

Una docuserie de 4 episodios disponibles en Netflix que analiza y expone al multimillonario Jeffrey Epstein acusado de repetidos abusos sexuales. Con varios testimonios de víctimas y entrevistas a varios de los involucrados y con un desenlace final que muchos ponen en duda. Este material es imperdible para comprender el poder de la lucha en las redes cómo el movimiento “Me Too” y como las tendencias globales pueden lograr un cambio y exponer a estos criminales que pretenden quedar impunes gracias a sus fortunas y poder. Un relato que llega a tener varios momentos surrealistas y muy duros, pero prefiero no contar más y que descubran por sí mismos, incluso el final es tan increíble que supera por mucho a varias películas que hayamos visto.

Don’t F**k With Cats: Hunting an Internet Killer (2019) Baudi Moovan será nuestra protagonista, quien en realidad tiene un nombre real pero este “nick” surge a partir de la canción de los Beastie boys “body moving”. Un pequeño y único lindo detalle en esta docuserie de 3 episodios que poco tiene que ver con el famoso grupo de hip hop. Sin embargo como lo dice su propio título, en estos 3 episodios cargados de un ritmo, y un montaje excelente, veremos como un retorcido criminal lleva a cabo sus asesinatos frente a una cámara web y los sube a la red.

Personalmente de lo mejor que vi sobre asesinos seriales en estos últimos tiempos. Y sin mucho spoiler debo aclarar que si, lamentablemente estos crimenes serán contra varios animales pero no solo eso, la investigación se adentrara en el siniestro mundo de este extraño asesino y veremos como un grupo de internautas conectados a Facebook lograrán mucho más que los detectives a cargo de la investigación oficial. Lo cautivante de este relato es la rápida empatía que se puede percibir apenas vemos a sus protagonistas y sus logros al avanzar en un investigación a fondo y con las pocas herramientas que todos podemos tener en nuestras computadoras.

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Laguna es mi Nombre

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ELLEN ALLIEN POR GONZALO ARZÚA Y NICOLÁS BELDI

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ENTREVISTA

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En conversación con BEATHEY, la dama del Techno nos cuenta sus días en esta extraña actualidad que nos toca vivir.

También hablamos sobre su nuevo disco Auraa, y cómo ve la escena en los tiempos que corren.

No hay dudas, Ellen Allien es una visionaria. Con 30 años de experiencia en las cabinas se encuentra entre referentes de techno más icónicos de las últimas décadas. Su trabajo detrás de su sello Bpitch Control ha sido uno de los grandes caballos de batalla de la música electrónica en los últimos 20 años.

Dueña de una energía única, un carisma inigualable y un sonido tan ecléctico como demoledor, Ellen se ha convertido en un faro inspirador para las nuevas generaciones de artistas emergentes en la escena. ¿Cuál fue tu primer contacto con la música electrónica?

Pareciera que la música electrónica siempre estuvo en mi vida. Sin embargo, Kraftwerk tuvo el mayor impacto en mí luego de escuchar THE MODEL con letras en alemán. Yo era adolescente e iba a bailar a clubes. Los DJ pinchaban ese track y sentía que nunca había escuchado nada similar hasta ese entonces. ¡Tan minimalista, tan hermosa, y sobre modelos! El sonido era frío y claro pero, por otro lado, tan melódico, cálido y emotivo.

Ellen cuenta que al principio solía ir a bailar a discotecas de hip-hop, pero luego cambió a clubes de acid house porque se sentía más cómoda. “Había menos idiotas tratando de tocarme el culo o hablando cosas sin sentido. En cambio en los clubes de acid techno conocí a las mejores personas”, explica. Luego de un tiempo comenzó a dominar los beats y la pista de baile: “Ahí fue como comenzó mi adicción. El techno y las discotecas se volvieron todo para mi. Mi estilo de vida y mi hogar”.

“El techno es crudo, físico e hipnótico. Mueve mi alma y mi trasero.”

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PH CREDIT: GIANLUCAVITELLI - STINIROEHRS - 7DAYSISAWEEKEND - ERASEDMEMORIES

¿Cómo fue tu vida sin tours durante la pandemia?

Buena y triste a la vez. La pandemia básicamente me quitó mi vida. Pero a su vez hice mucha música y comencé nuevos proyectos. Ahora empiezo a tocar de nuevo un poco y puedo viajar. Por suerte estoy conviviendo con el mejor compañero de piso con el que me podía haber tocado vivir en este momento. También comenzamos a escuchar muchos podcasts. Es la primera vez después de muchos años que llevo tanto tiempo en Berlín. Compré una bicicleta nueva durante el aislamiento, andando todos los días alrededor de 60 minutos, disfrutando de mi ciudad natal. Pasé momentos fantásticos con mis amigos y mi departamento está organizado nuevamente. Así que estoy tratando de hacer todo lo que normalmente no hago por falta de tiempo. Espero que podamos salir muy pronto de todo esto. Se siente todo tan irreal. Aun así, estos tiempos extraños me hacen aún más creativa.

Hablando de eso ¿Durante este tiempo hubo cambios en tu creatividadl?

En el 2019 produje mi último álbum Auraa, así que ya venía sintiéndome muy inspirada. Ahora todo es más intenso: personalmente, mis emociones y mis producciones.

Mi cerebro está un poco más concentrado y despierto porque no estoy de gira y puedo descansar mejor. Esto significa que estoy muy activa. También estoy tratando de pasar más tiempo de calidad con amigos y familiares, intercambiando tanto amor como pueda, porque ahora todos necesitamos acercarnos y ayudarnos unos a otros, sentir calidez en nuestro corazón. Cuando me sentí triste, hice un set de balcón para sentir y compartir la música con otras personas. Porque todos en el mundo se sienten extraños por la situación y la música cambia nuestra mentalidad, es lo que necesitamos en estos tiempos. Es mejor sentir nuestro cuerpo y cambiar nuestras emociones. https://www.facebook.com/watch/?v=350560509250103 Si bien Bpitch Control estaba planeando su lanzamiento para finales del 2020, su nuevo disco, Auraa, salió en formato digital en junio y tienen programado lanzarlo en formato físico (CD y Vinilo) para mediados de agosto. “Durante el final de la producción del álbum me di cuenta de lo importante que es compartir la música con la gente y le pregunté al gerente del sello si podíamos adelantarlo. No fue fácil para nosotros, pero lo hicimos y sentimos que era lo correcto”, comenta.

En ese sentido Ellen es sincera: “lanzar el disco me ayudó a superar mi tristeza por la situación actual. Quiero que todos se sientan mejor, es como un regalo”. Para ella, la música es su vida, su motor, su diario íntimo. “De esa manera comparto vibraciones con mis fans a través del arte”, comenta.

Link AURAA: https://smarturl.it/EA-AurAA

“Lanzar AURAA me ayudó a superar mi tristeza por la situación actual.

Quiero que todos se sientan mejor, es como un regalo.”

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ENTREVISTA

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“Se siente todo tan irreal.

Aun así, estos tiempos extraños me hacen aún más creativa.”

Hablemos un poco de Bpitch Control ¿Qué planes tienen para el futuro?

Se viene mucha música hermosa de artistas talentosos.

El single Boston 168 acaba de salir. También se viene un single de Amotik y luego una compilación de nuestra fiesta.

Los eventos que venimos haciendo, una vez que sea posible, serán en una nueva locación: Griessmuehle. Allí encontramos una nueva casa permanente donde pronto podrán abrir un bar al aire libre. Más adelante, con suerte, será el club. El lugar es increíble, no puedo esperar para comenzar nuestro ciclo de 34 horas de rave “We Are Not Alone” nuevamente. https://smarturl.it/boston168-vaxoflove Se te vió recientemente en protestas contra el odio racial. ¿Cómo te sentís acerca de la situación actual con altos niveles de racismo en Europa y en el mundo en general? ¿Cómo se puede adoptar el arte para romper esos muros?

Es importante adoptar una postura contra el odio, contra todas las formas de racismo y de desigualdad. Por eso lo demostramos en Berlín y continuaremos hasta que todos finalmente lo comprendan. Será un largo camino, pero estamos listos para ir por esta vía. En los clubes y la música techno, especialmente aquí en Berlín, no hay discriminación de género, color u orientación sexual. La música ya está rompiendo las reglas desde hace mucho tiempo. La música dance reúne a las personas. Una vez en la pista de baile, solo el ritmo cuenta. El mundo debería ser una gran pista de baile. (sonríe)

Durante mucho tiempo la escena de DJ ha sido formada con artistas predominantemente de género masculino, a medida que pasa el tiempo parece haber más equilibrio. ¿Te consideras un símbolo en ese sentido? ¿Crees que tu carrera es una inspiración para DJ de género femenino?

Supongo que sí. Soy parte de la primera generación de DJs de techno femeninas que surgieron en Berlín. Me hace muy feliz ver cada vez más mujeres que aparecen como headliners. Todavía hay un largo camino por recorrer para equilibrar realmente la balanza y establecer una verdadera igualdad considerando a las personas de color, mujeres y artistas binarios.

Luego de tres décadas como DJ. ¿Cómo ves la evolución de la música electrónica? ¿cómo te imaginas el futuro?

Antes del coronavirus estábamos en un alto nivel de música y cultura de club, una de las formas de arte y expresiones culturales más importantes para mí. El futuro debería ser mantener la música sobresaliente, no tolerar el racismo y no traicionarse. Somos muchos los amantes de la música en todo el mundo y debemos proteger ese espíritu positivo de nuestra escena.

A modo de cierre ¿Qué es el techno para vos?

El techno es crudo, físico e hipnótico... mueve mi alma y mi trasero. Amén.

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Discover B

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A T H

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Y .

C

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M

Tigre - Fede Cabral - 06:36

Fede Cabral

F EATUR ED TR ACK

PH: Philippe Caillon

Indie

Buenos Aires

+ fedecabralmusic fede.sancamaleon FedeCabral

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SECCION

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¿Qué nos podes contar sobre el proceso creativo de tu track ganador del contest?

Siempre que comienzo el proceso de algún track, generalmente no lo hago pensando en que es lo que quiero, sino que voy dando forma al mismo a medida que voy incorporando pistas. Me dejo llevar imaginándome para que lo podría usar, si me gusta cómo suena y le encuentro sentido, ahí es en donde lo comienzo a cerrar. ¿Cómo fue el desarrollo durante los últimos años de la escena electrónica en tu ciudad?

En lo personal, el último tiempo venía siendo participe de las noches de viernes y algún que otro sábado en Viagro y Krund, a pesar de que somos muchos los djs por esta zona y hay pocos lugares en donde se pueda poner música electrónica. Creo que, faltan lugares que apuesten a esta movida, ya que muchos abrieron con iniciativa de poner electrónica y con el pasar del tiempo se comercializaron poniendo otros estilos musicales.

Pasado ya un buen tiempo desde que iniciaste tu carrera ¿Cuáles marcarias como los puntos más altos?

En el año 1995 pasé de ser amateur a dj profesional y manejar una pista de baile de hasta 3.000 personas (formato vinilo cuando ya lo que predominaba era lo digital, cds. Hice varios warm up para djs de trayectoria. Y en el 2008 comencé a producir, editando en varios sellos discográficos, con support de muchos referentes en la escena, tanto local como internacional. ¿Cómo podrías definir el sonido que caracteriza tus dj set?

Depende mucho de cómo se vaya dando la noche, por lo general, comienzo mis sets con house, en lo posible old school. ¿Tenés algún lanzamiento o proyecto próximo?

Mi próximo lanzamiento es un EP con remixes de mi último track llamado “Can’t u Feel It”, sale el 17 de julio vía plataformas digitales. También, estoy en contacto con Demarco Electronic Project para ver si se da realizar algún remix de ellos, ya que me seduce mucho participar en los sonidos del electrotango.

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“Me dejo llevar, si me gusta cómo suena y le encuentroa sentido, ahí es en donde comienzo a cerrar un track”

LUIS D’AGUIAR

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ENTREVISTA

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“En el año 1995 pasé de ser amateur a dj profesional. En el 2008 comencé a producir, editando en varios sellos discográficos”

Luis D´Aguiar es un experimentado dj y productor de la ciudad de Ushuaia. Habiendo sido uno de los artistas más votados por nuestra comunidad, para ser parte del próximo lanzamiento de BeatHey, nos encontramos en una charla para hablar sobre su carrera, proceso creativo y más.

POR DAMIAN LEVENSOHN

FRAN BARRG

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MAG #6

“Pienso en cómo haría bailar a las personas, que tenga calor, mucho ritmo.”

Charlamos con el dj productor sobre la escena en Santiago del Estero, los desafíos postpandemia, su participación en Level UP y el futuro de la new wave.

POR MANU BARBEITO

“Es algo que no elegimos vivir, pero hay que llevarlo de la mejor manera y aprovechar el tiempo para hacer cosas productivas.”

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ENTREVISTA

¿Cómo te viene tratando la cuarentena? ¿qué pudiste sacar de bueno?

A pesar de todo siento que la cuarentena vino para frenarnos y reflexionar un poco de cómo veníamos haciendo las cosas. En mi caso tengo lados positivos, dedicarme más a disfrutar con la familia, y por otro volver de lleno con las producciones musicales, que antes de la pandemia estaba con agenda completa como dj, a lo que hoy se puede tomarse un tiempo para cranear nuevos proyectos a posteriori de lo que estamos viviendo todos. Es algo que no elegimos vivir, pero hay que llevarlo de la mejor manera y aprovechar el tiempo para hacer cosas productivas.

Contame un poco de la escena por allá, ¿cómo la ves? ¿cómo la afectó el contexto?

La escena de Santiago del Estero estuvo estable ya casi por estos dos últimos años, y para decirlo de alguna manera, en ascendencia. Si bien desde mi lado vengo desde el 2003 participando activamente, los procesos y los tiempos fueron cambiando y con eso reinventándose para abrirse a todas las nuevas generaciones.

Como toda provincia del interior de Argentina sin base sólida tiene altibajos, pero debo decir que estos últimos años vino dando lindos frutos, tanto en público como artistas emergentes, había muchos proyectos para este año que la pandemia nos truncó. Este proceso nos afectó a todos los que trabajamos en este medio, somos un recurso humano mediano a pequeño por la plaza que tenemos, pero aun así en términos generales quedamos en stand by con nuestras cuestiones. Al día de hoy el gobierno reactivo la apertura de bares, pubs y gastronomía con ciertas medidas protocolares, eso por el momento genera un poco a qué los que trabajamos en el rubro podamos volver de a poco.

Actualmente sos parte de la productora Level Up contanos un poco sobre su concepto y estructura, qué planes tienen para lo que se viene?

Level Up es la productora que surgió de un grupo de amigos, para poder solidificar lo que se venía gestando en los últimos años. Si bien Juan Benavidez (amigo) es nuestro norte, cada uno fue tomando forma y participación en este proyecto, abierto a todo tipo de propuesta para brindar un servicio que cubra toda expectativa.

Está planeado no solamente en una distinguida artística musical, sino que ofrece también sectores gastronómicos y una temática por cada evento mostrando arte en sus diversas categorías, hay mucha expresión artística en cada evento. En mi caso estoy en el asesoramiento artístico, por otra parte se analiza también el desempeño de todos los artistas, siempre dispuestos a dar prioridad a los emergentes, así como la participación de los artistas locales. Un espacio libre donde el público tiene variedad, diversidad y mucha expresión artística. Son

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eventos conceptuales, pensandos en qué cada noche te la lleves de recuerdo para siempre. Cómo decía, muchos proyectos por venir que fueron truncados por la pandemia y esperando el momento, con toda la fuerza para brindar lo mejor a nuestra medida.

Respecto a tu faceta como dj. ¿Cómo definirías tu estilo actualmente? ¿qué venís escuchando?

A lo largo de los años fui mutando, siempre tuve en claro mis preferencias musicales. Quizás también por el tiempo que uno antes estaba en una cabina el espectro o el abanico inevitablemente tiene que ser amplio, ir llevándola a la noche y con esa amplitud hizo que no me cierre a una sola cosa, soy muy versátil, pero me definiría como del house al techno y ¡todo lo que respecta a sus variantes! Pero el house tiene ese no sé qué, que al menos a mí me provoca tremendas sensaciones.

Sos un artista muy activo, tenés releases en la plataforma de BeatHey, también en Club Rayo Disquets, Sousa Label y Elephant Chords por nombrar algunos. Todos con un sonido muy característico, ¿cómo manejas tu proceso creativo? ¿qué se viene de nuevo en materia de producciones?

Trato de pensar en una pista de baile al momento de hacer mis producciones. Mi proceso creativo quizás sea muy sencillo, pienso en cómo haría bailar a las personas, que tenga calor, mucho ritmo. Si bien el movimiento me puede, intento que todo tenga una agradable combinación de melodías y armonías, al menos para mí estructuralmente sea muy común, trato de darle identidad en algún sonido, generalmente acabe en un sinte preferencial. A lo que falta del año tengo varios EP que saldrán, y otros proyectos experimentales fusionando con algunas bandas locales.

Tenés una escuela de formación para futuros djs, ¿cómo ves el talento emergente y nuestro futuro musical con la new wave que se viene?

Ya van a ser 2 años de este proyecto en el cual se disfruta muchísimo transmitir los conocimientos y volcar toda la experiencia recorrida a lo largo de estos años.

Fue todo un desafío, y por suerte en Santiago hay muchos jóvenes que están muy predispuestos, mucha energía y ganas de aprender, hay mucho talento. Si bien tengo un perfil musical, está abierto a todo tipo de géneros, y lo bueno que todos van teniendo oportunidad para su debut, en algunos lugares de nuestra provincia, así como también en los eventos de Level Up. Al estar todo fusionado tratamos de brindar la posibilidad, dar el espacio para que puedan mostrar su arte.

La new wave se viene con todo, tienen toda la energía y la predisposición para cumplir sus sueños, nosotros solo guiamos a que eso suceda, ¡lo mejor cómo siempre está por venir! Muchas gracias por la nota, espero cuando todo esto pase, nos encontremos.

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batea

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BATEA BEATHEY

POR MANU BARBEITO

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Underground, un concepto tan fascinante como trillado. ¿Qué lo define? ¿cuál es su futuro en la escena local?

Según el diccionario se define como un movimiento de carácter crítico y/o experimental y que se mantiene al margen de los circuitos comerciales tradicionales.

Si nos basamos en esta definición, podríamos deducir que para el futuro inmediato de nuestra escena se nos presenta una oportunidad única para la experimentación y la proliferación de propuestas de esta índole.

Hagamos un poco de futurología, tenemos montón de artistas sin poder presentarse en vivo, y también en muchos casos con más tiempo del habitual para trabajar en su música.

Si pensamos que todo se va a ir normalizando de a poco, lo más normal sería que las grandes concentraciones de personas van a seguir siendo evitadas (léase bares, clubs, boliches, etc).

Lo más lógico sería pensar en un boom de propuestas fuera del circuito comercial, gran momento para ser dj / músico, mal momento para vivir solo de ello.

No sé cuándo se dará este movimiento, pero va a pasar, no tengo dudas. De mi parte solo algunas reflexiones para cuando esto pase, como productor de fiestas, músico, dj y amate de la escena local, me siento en la responsabilidad de decir lo siguiente: Cuidemos la escena y ayudémosla a florecer.

Que tampoco sea el momento de volver a lo mismo, aprovechemos para darle lugar al talento local, tomando la premisa de evolucionar nuestro sonido, explorar nuevas posibilidades y abrir caminos para artistas emergentes y nuevos sonidos.

Desde BeatHey y todas las productoras locales serias seguramente esta sea la premisa, aprovechar el momento, ¡demostremos que solo paramos para tomar impulso y llegar más alto!

Ahora sí, con ustedes mi humilde selección de tracks para esta nueva batea.

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Eclipse Sonar

MAG ESPECIAL CUARENTENA

Lionsfire

Colours

Lenguaje Universal Si no tienen escuchado a Eclipse sonar es buena hora de descubrirlos. Multifacéticos, derrochan calidad en sus producciones. Mi favorito (por ahora) es Lenguaje Universal. Matices, síntesis, sentido y diseño sonoro, todo esta bien aplicado en este track.

Hipnótico, eficaz. Gran track para empezar a calentar la pista y generar sinergia. El debut de Lionsfire en la plataforma nos trae un gran uso de síntesis y vocales en una producción más que interesante.

Por mi parte espero escuchar más del artista pronto.

Boicot

Sé

Sonido no identificado

Sunset (original mix)

Sonido no identificado se define a sí mismo como corporación de texturas audiovisuales, y ¿para que me voy a gastar yo en definirlos si ellos ya lo hacen prefecto? Cada tema suyo es un viaje distinto, para abrir el oído y la mente.

En permanente crecimiento, Sebastán Sé nos trae house que se hace sonar. Sintetizadores que inundan los oídos y un swing que invita a moverse a cualquiera, colores y groove por doquier.

Dusk & Down

Nicolás Negrete

Soultrip

Children rain

Progressive de calidad es lo que nos traen Dusk & Down, un low exd muy bien logrado se suma a una paleta sonora increíble, dándonos un gran viaje en Soultrip, a tenerlos en cuenta.

Deep house por definicion, con matices y climas muy bien usados, de esos tracks que piden sol, un buen sistema de sonido y amigos para bailar, si es viendo el atardecer con cerveza en mano, mejor.

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N.W.E.

MAG ESPECIAL CUARENTENA

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Jessica Bellomo & Midi

The fragility of bodies

Atraves

Nahuel Duran Aka NWE nos regala este gran track, Techno Detroit de pura cepa. El residente de Detekted no anda con rodeos y nos deja esta arma letal para explotar la pista.

Techno, acid, tech, psy y house se fusionan de la mano de Jessica y Midi para traernos este pedazo de track a la mesa, de pie señores, a bailar. No falla.

Walter Contreras

Stories of Dharma

Start Da Beat

Sanación

Techno contundente, esas dos palabras describen Start Da Beat.

Digno de sótano Berlines con un Kick increible y una explosión Acid exquisita.

Con su aka de downtempo, Joaquin Morales trae Sanación, un track donde no solo tenemos excelente nivel de producción a nivel percusivo, sino también un diseño sonoro y elección de elementos sencillamente impecable. Mi compañero en Vintage no para de crecer como artista, orgulloso de él.

Zolbaran

Gandini

Zolbaran_Perk

Homeless

La palabra autorizada de Juan Zolbaran se hace presente, con un sonido potente, crudo y por sobre todas las cosas audaz. No necesita más que de un drum machine, un lead 303, voces en off, algún arrangement en 8 bits y una línea de bajos que llena el ambiente para lograr un track lleno de movimiento.

Porque quiero y porque puedo, les traigo también una joyita quizá olvidada en el amplio catálogo de Beathey. Hace ya algún tiempo, Gandini nos dejaba Homeless, un track que vive entre el techno y el Progressive, gran track para cerrar pista, y en este caso, esta edición de la batea.

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VJ LADIES QUE MARCAN LA ESCENA POR ALEJANDRO DELGADO

Al igual que como viene ocurriendo con las djs, se percibe desde hace unos años una creciente presencia femenina a cargo de las visuales en las pantallas de todo tipo de eventos, grandes y chicos, en todas las cabinas, escenarios y salas de la escena vernácula. Con otras miradas, otra sensibilidad, otros mensajes que transmitir, otras imágenes que mostrar.

Las restricciones de la cuarentena nos impidieron reunir a nuestras entrevistadas en forma física, por lo que debimos optar por una reunión virtual, aunque no por eso menos real.

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Barbara Weinmann AKA VJ Bukowsky Estudia Direccion de Cine Animado en el IDAC, Historieta con Oswal en la Escuela de Garaycochea, Dibujante, VJ, Diseñadora Visual, Editora, Docente de Video Mapping en la EMBA, actualmente parte del staff técnico del Planetario “Galileo Galilei”.

Ana Steisel AKA Infinite Revolution Diseño, animación 3D, Motion Graphics, VJ, son algunas de las facetas de esta artista, además de ser tatuadora e ilustradora. Se radico en Argentina durante 6 años, donde estudio Realización de Comics y Dirección de Arte. Creadora y Organizadora del ciclo de Techno “Leaving Planet Earth”.

Bianca Leveroni Torres AKA Moving And Fighting 24 años. Patagónica radicada en Buenos Aires. Estudiante avanzada de la carrera Artes Audiovisuales en la UNA, bajo la orientación de Iluminación y Cámara. Fotógrafa y Vj de manera autodidacta con apoyo en talleres y clases particulares.

Moving And Fighting es su proyecto personal.

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Cinthia Belén Altamirano AKA VJ Cinba Ha participado en varias muestras colectivas de diferentes disciplinas desde 1997, siendo seleccionada para Panorámica 2012. Es productora del ciclo Ladies Night , ciclo dedicado a la escena puramente femenina. Egresada del Instituto Superior de Formación Artística Manuel Belgrano en 2011, actualmente se desempeña como profesora de Artes Visuales en secundaria en el conurbano bonaerese y del Programa Conectar Igualdad.

Actualmente cursa la carrera de Postproducción de Imagen y Sonido en la Universidad Nacional de Lanús.

ENTREVISTA

Nadia L. Palmieri AKA VJ Ckommy VJ CKOMMY, artista visual digital con más de 10 años de experiencia en eventos sociales, empresariales y corporativos, además de las más reconocidas discotecas de Buenos Aires Sunset (Pilar y Ramallo), Rosko, Bayside, Ku (Pinamar), Niceto Club, By Pass (Bariloche), Requiem, etc y algunos de los más importantes eventos masivos de Argentina, como Creamfields 2011-2015 y Bienal Arte Joven 2017.

Da clases de VJ y producción/edición de Audiovisuales en Musik Academy.

Delfina Colzani AKA VJ deli De niña estudió plástica, danzas, fotografía, etc. Cursó la carrera de Diseño Gráfico en la UBA y, desde el 2004 trabaja freelance en diseño, producción y realización de contenidos para Pol-ka, Movistar, YPF, Ideas del Sur, entre muchos otros. En el 2005 comienza a crear y hacer visuales y comienza a participar en ciclos de cine, centros culturales como el San Martín y Matienzo, discotecas varias, fiestas como BrandonGayDay, Magic, Playground, MalevoBa, etc.

Acompañó a distintas bandas y artistas como Paloma del Cerro, Intoxicados, Dread Mar-I, etc.

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Jesica Roncoroni AKA Fri Ka Estudio VJing con Tomas Picasso, VJ Pixie y Alejandro Delgado. Ha trabajado como VJ desde el año 2017 en fiestas Submerged, en Cocoliche y Requiem, Fiestas Strap Wars en Vadenuevo, Laquadra Bar, Ciclo Dub Culture e Demon Roof, Jager, etc.

Jazmin Delgado AKA Dinastia Min Estudio Gestion Cultural, Animacion 2D en AE, 3D en Blender y Maya y VJing con Lucas DM en el centro Cultural Matienzo. Hizo visuales en fiestas y para bandas, con Lean Amaro, Martin Garcia, también en Atom en 2018 y se presento en Alemania en el festival Genius loci Weimar en dos oportunidades.

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MAG ESPECIAL CUARENTENA MAG #6

“Quizá esto ayude a que haya lugares más seg

encuentre donde se sienta acompaña

Barbara Weinmann, glitchera y cinefilica, formadora de varias generaciones de VJs, la colombiana Ana “Infinite Revolution” Steisel y la patagónica Bianca “Moving and Fighting” Leveroni, siempre ATR, deLi, con su solvencia artística y conceptual y su amor por el Techno, Jaz Delgado, con su estilo tan personal, femenino y naif, Ckommy, artista multifacética, verdadera criatura de la noche, Fri Ka, representando a las nuevas generaciones, ganando experiencia día a día, y la profe Cinba Belen, con toda su trayectoria artística, docente y militante, todas se reunieron gracias a la magia cibertronica del procesador de texto, una de estas frías tarde de invierno y cuarentena.

“En mi primera presentación oficial como VJ, enchufe donde no tenia que enchufar y corte la luz de TODO el boliche, fueron 3 minutos donde nadie sabia que pasaba, por suerte se soluciono todo enseguida, ¡fueron los 3 minutos más largos de toda mi vida!”. Podría haber sido la forma en que Fri Ka rompiera el hielo y provocara una sonrisa generalizada.

CK(CKOMMY)-No creo que la creatividad entienda de sexos. En cuanto a lo técnico si veo que hay más hombres que se dedican a esa parte, sin embargo me he cruzado con muchas chicas sonidistas, iluminadoras, DJs, VJs, que claramente son menos, pero hay un montón y creo que todas tenemos nuestro espacio dentro del rubro.

JZ(JAZMIN DELGADO)-Creo que hay gente creativa y técnica en ambos géneros.

El tema es que se nos crió asociando a la inteligencia y lo técnico, con la masculinidad y entonces quizás los hombres tienen más “permiso” para desarrollar esa parte. Digamos que en las visuales hay que tener en cuenta muchos factores técnicos, así que tenes que estar en contacto con las dos partes.

AS(ANA STEISEL)-En mi caso creo que sí. A mí por ejemplo me interesan más los colores, las imágenes, la dirección de arte en el espacio, que la parte técnica que mis colegas hombres tienen.

BL(BIANCA LEVERONI)-Creo que todes podemos unir diferentes técnicas y formas de creatividad. Creo que concepciones de este tipo aún están instauradas en el imaginario, pero ya se está trabajando desde muchos espacios para cambiar esto.

CB(CINBA)-No, creo que la energía creativa no tiene género, lo que hay que destacar que no somos muchas, y que sería bueno que se cumpliera en esta área también el cupo femenino, pues creo que no es que no hay VJs mujeres, sino que tenemos menos oportunidades

¿Qué las motivo para empezar a VJear? Cómo fueron sus comienzos en la profesión?

CK-Desde muy pequeña estuve vinculada con el arte, sobre todo al teatro y la música. Siempre me gustó mucho la música electrónica y me llamaba mucho la atención las visuales de las pantallas, asi que en el año 2009 con“Para mi VJear significa poder seguí un curso de VJ en la escuela Sónica y luego en otros lugares, y en el año 2010 ya tuve la oportunidad de pintar las pantallas de pintar la música, demostrar algunos boliches y eventos masivos. al público que pueden CB-Soy profe de arte y decidí llevar mi obra plástica, de animación bailar lo que ven.” y fotográfica, de textura y colores propios, al movimiento y a la pista de baile cerca del 2004… cuando las visuales comenzaron a Ckommy tener fuerte presencia mas alla de la electrónica, dentro de Zizek o ¿Creen que hay diferencias con los Panoramica, por ejemplo. hombres en cuanto a lo técnico o lo AS-Desde chica soy apasionada por la animación, y quería llevar mis dibujos a creativo? la pantalla, pero de una manera más adulta, y el VJing me pareció perfecto para BW(BARBARA WEINMANN)-No, para esto. Todo el arte visual me apasiona. nada.

BL-Ver a otres VJs fue el primer paso. Mi primer acercamiento fue a través de la DL(DELFINA COLZANI)-No creo eso experimentación con una banda de Noise, pero casi inmediatamente me volqué para nada. Los cuerpos no tienen gé- al Techno y a las fiestas. nero. La inteligencia, la sensibilidad y las FK- En un momento senti que solo yendo a las fiestas y disfrutando de la música capacidades tampoco. Unx mismx es el no era suficiente, soy partidaria del DIY (do it yourself) y quería estar del otro lado único autorizado para definirse. digamos, “el backstage”, aportar y expresar algo.

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VJS LADIES QUE MARCAN LA ESCENA

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guros para nosotras, y si alguna chica quiere,

ada y protegida para empezar.” Fri Ka

BW-Me entretenía con un proyector de diapos que me regaló mi vieja, proyectaba sobre edificios viejos en Constitución, que es donde vivía. Ahí me contacté con una amiga que organizaba fiestas en bares para ambientarlos mientras tocaba alguna banda, y así empecé, por entretenimiento.

JZ- Creo que la primera vez VJee con una tablet en una fiesta de música hindú, donde me bajaba los loops y los pasaba, me acuerdo que me re divertí, pero era bastante precario. Después ya cuando empece a usar Resolume tomaba los dibujos que hacía en la tablet, los animaba y los usaba como material para mis visuales.

DL-En mi caso fue un camino, en ningún momento me dije: quiero hacer visuales. Pero cuando empecé a jugar las primeras veces en el Arkaos 4.1, tuve una sensación de haber encontrado una forma, un lugar, donde muchas partes de mi crear se unían y, en mis primeras presentaciones el hecho de que esas mezclas fueran vistas por otros ojos, completaba mi ser/hacer.

mitir. Filmo en locaciones exteriores tales como cementerios, museos y sectores industriales de la ciudad; en interiores, en cambio, realizo rodajes minimalistas centrados en el cuerpo humano. Edito en Premiere y después lo mezclo en vivo con Resolume.

CK-Utilizo varias herramientas, como Resolume y Arkaos para hacer visuales en vivo, y para producir y editar utilizo After Effects, Premiere y Sony Vegas.

DL-La idea de collage es con la que más comulgo. Armo secuencias con filmaciones: hay bichos, animales, cielos, rutas, algunas personas, manos, pies, brillos, luces, etc. Filmo muchos dibujos u obras mías. No soy de usar filtros en vivo casi.

Soy de la edición en vivo con mucho Luma. Cambiar color o velocidades, Strobo... poco más que eso. Trabajo mi material fuera de los programas de VJing principalmente.

AS-Siempre quiero experimentar, combinando pinturas sobre telas, paredes y otros materiales con mis visuales.

¿Qué quieren expresar a través de sus imágenes? ¿qué significa para VJear para uds?

DL-Como artista me gusta compartir mi universo, ir creando un relato de sensaciones que son las que se me presentan a mí en ese momento. Me cuesta definir un límite entre los que soy y lo que hago en ese momento. Me voy. Y me encanta esa sensación. Esa forma.

CK-Siempre fui una persona muy introvertida y me cuesta mucho expresar mis sentimientos y emociones. Para mi VJear significa poder pintar la música y demostrarle al público que no solo pueden bailar lo que escuchan sino también lo que ven.

FK-Transmitir conexión entre la música y las imágenes, crear un ambiente .

BW- Me gusta generar cierta molestia en el público, o sorpresas.

JZ-Para mi es darle rienda a mi creatividad, me encanta ver como cobra otro sentido un video que arme cuando lo proyecto en vivo. Cobra otras “Muchas veces hay un prejuicio dimensiones cuando hay espectadores, a veces empiezan a tener otro sentido dependiendo del contexto. con respecto a nuestros AS-Me gusta la idea de generar mensajes subconscientes, también conocimientos técnicos. Esos generar espacios nuevos combinando tres o mas proyectores… prejuicios se están derribando.”

BL-Mi búsqueda se basa en poner en tensión el concepto de arte “bello”. Estetizando la crudeza, la suciedad, lo roto y lo diferente.

Barbara Weinmann VJear en fiestas, para mí, es mediar entre tu material y la energía CB-Solo utilizo material hecho x mi, ya que la música/pista te da, para que se de un fenómeno audiovisual en conjunto sean fotografías, grabados animaciones tienen que dialogar las dos cosas entre sí.

CB- El VJing es sinestesia pura…es ver en colores la musica. Comencé haciendo dibujos o texturas digitales, tengo también una veta muy fuerte de videodanza, experimentos, llevando la técnica del grabado al vijing, usando como punto de partida una monocopia o texturas de un gofrado al loop, al servicio del ritmo siento que la dimension humana debe estar presente en la pista de baile a través de las visuales. ¿Que técnicas utilizan? ¿qué experiencia de otros medios audiovisuales incorporan?

BW-Uso mezcla de películas retro, filtros, animaciones. Generalmente me interesa BL- La cámara es la herramienta con la que me siento más cómoda para trans-

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“Sería bueno que se cumpliera en esta área el cupo femenino.” CINBA

explorar la desprolijidad y la casualidad. No preparo mucho el trabajo para que quede lindo ni decorativo.

JZ-Depende del proyecto, pero en la mayoría realizo mis visuales con ilustraciones digitales animadas, lo que mas me sigue gustando hasta ahora es trabajar artesanalmente con Tagtool y Resolume.

FK- Me gusta el cine y filmar, asi que utilizo Cinema 4D pero también imágenes de películas y videos mios.

“Soy profe de arte y decidí

llevar mi obra al movimiento y a la pista de baile “ ANA STEISEL

¿En que lugares trabajaron? ¿qué tipo de música/ambiente/boliche prefieren?

JZ-Amo la música electrónica, hice visuales con Lean Amaro, en Moscow, para Martín Garcia y en alguna que otra fiesta. Generalmente trabajo con bandas, o con un proyecto que presentamos en Alemania en el festival Genius loci Weimar en dos oportunidades lo que me abrió las puertas a conocer VJs de todo el mundo, además de estar en la cuna del Techno, la Bauhaus y tantas otras cosas.

Creo que lo que mas me gusta es lo under, lo nuevo.

CK-Trabajo en muchos boliches, como residente en Blackroom by Rosko, entre otros. Trabajé también en algunas ediciones de Creamfields Bs As, We are Lost Festival, Bienal Arte Joven. Me dedico también a hacer trabajos de producción y edición visual, y soy Coach en la Academia Musik donde dicto un curso de VJ y Audiovisuales.

BL-Mis inicios fueron con Ana Steisel, éramos un b2b de VJs, residentes en Leaving Planet Earth, El Galpón Techno y Submerged. También en boliches como Requiem, Cocoliche y Vox. Me interesa habitar espacios de equidad.

Lugares donde prime el arte y no otras cosas. Aunque mi inclinación es por el Techno, me gustan muchos géneros dentro de la electrónica.

CB-Empece en Zizek, Panoramica, Dubstep.ar, y colaboro con amigues artistas que me gustan como Paloma del Cerro, Alika, Sensotronica. Me gustan las fiestas conurbanas y los grandes recitales, ambos son desafíos para mi, uno el de sostener una pista caliente baile y otro el de la responsabilidad de acompañar una banda o un artista estéticamente con su mensaje musical

FK-Trabaje en fiestas Submerged, Cocoliche, Requiem, Ciclo Dub Culture x Demon Roof, Jager, etc. ¡El techno desde ya!

BW-Trabajé más para bandas de rock que para DJs. No tengo una preferencia. Como música me gusta más el Tech House y el Tribal. Nunca he trabajado como VJ de boliche. Siempre lo hice para divertirme.

DL-Trabajé en fiestas de todo tipo. Acompañé a bandas o artistas grandes y chicos de Rock, Reggae, Pop, Folklore, en bolichitos y en estadios. VJear me encanta, lo re disfruto. Lo que me la sube (aparte de una paga justa) es el buen trato y el ver mi participación sume al concepto y que todos estemos conformes con el resultado del show.

A nivel artístico me encantan la fiesta de baile, de pista prendida al dance y yo lo más cerca que pueda de la gente, estar en la fiesta, bailar y hacer bailar las pantallas. ¿Qué es lo mejor y lo peor de ser mujer en este ambiente? ¿Ven algún cambio positivo, alguna tendencia que muestre que las cosas en este aspecto se están encaminando, o estamos retrocediendo?

AS-Yo desde chica me crié en una sociedad muy machista en mi ciudad, y encontré en el mundo del VJ algo inimaginado, un apoyo, un respeto, una igualdad. Mis colegas estuvieron siempre dispuestos a ayudarme y enseñarme, invitarme. Si había un distanciamiento al principio por ser principiante, pero una vez que tomás la actitud correcta y trabajás duro todo cambia. A veces no tienes las mejores condiciones, sobre todo cuando estás empezando, pero esto le pasa tanto a mis colegas hombres como mujeres.

DL-Los cambios se están dando aquí y allá, aunque para nosotras sean de manera lenta.

Somos muchas que de muy pendejas y sin background conceptual estábamos en el camino feminista. Malas experiencias con productores, dueños de boliches, técnicos.

Maleducados. La impotencia que sentimos las mujeres muchas veces, en cualquier ámbito, es muy injusta.

FK- Al principio cuando buscaba quien me enseñara a ser VJ, alguna persona me mal intepreto o se excedió de confianza, lamentablemente eso siempre pasa, pero excepto esa mala experiencia, siempre me trataron con respeto, como colega y parte del staff.

BL-Creo que hay más visibilidad, y un cambio de conciencia respecto a los derechos que tenemos, es un proceso, hay espacios muy machistas aún, donde no entramos ni

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ENTREVISTA

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“Poder ser y hacer en libertad, o sin condicionamientos que atrasan, es algo maravilloso.” Delfina Colzani

tampoco queremos entrar, lo bueno es que esto genera el nacimiento de nuevas propuestas que sí nos incluyen. Las chicas de NotDolls son un ejemplo de esto.

CB-Vamos avanzando muchísimo, cuesta un poco el tema de la cosificación y subestimación, una chica en la cabina siempre llama la atención, como si mi aspecto físico y condición de género no validara mi conocimiento.

Igual debo decir que hemos logado ir ganando espacios, celebro los ciclos como Submerged, donde se incluyen muchas femeneidades amenamente, creo y confio en la evolución de la presencia de técnicas y artistas en todas las cabinas BW- Lo peor, es que muchas veces hay un prejuicio con respecto a nuestros conocimientos técnicos. Como cambio positivo noto que se están derribando los prejuicios y que hay mucha más conciencia de darnos espacios que siempre nos estuvieron negados.

JZ-Lo mejor es que está cambiando la conciencia y se le esta dando lugar a las mujeres. Lo peor es lidiar con técnicos y afines, que menosprecian tu trabajo por ser mujer.

Por suerte también trabaje con gente copada y profesional que me trató super bien, así que me quedo con eso, totalmente.

CK-Sinceramente nunca sentí ningún privilegio por ser mujer, pero tampoco puedo decir que me sentí discriminada, tuve la suerte de cruzarme con mucha gente del ambiente artístico y siempre me han tratado con mucho respeto, solidaridad y generosidad.

“A las mujeres nos ha costado

aceptar que queremos asumir otros roles y ser aceptadas en lugares que suelen estar ocupados por hombres.” Jazmín Delgado

¿Les parece sexista que se haga una nota como esta? ¿qué haya eventos con sólo mujeres? ¿o aporta para visibilizarlas?

CB-Creo que durante mucho tiempo se naturalizó la cabina como espacio principalmente de masculinidades, y que si en este último tiempo producimos eventos, 100% femeninos, es porque durante mucho tiempo no pudo ser así.

CK-Tuve la oportunidad, en varias ocasiones de trabajar en eventos donde las mujeres estábamos al mando de la

cabina y la verdad que fue super divertido, pero también me ha tocado trabajar en eventos donde fuí la única mujer, pero como dije antes nunca sentí una diferencia, ni tampoco algún tipo de incomodidad.

FK- Me encanta la propuesta y me parece muy piola que se armen estos espacios ya que, considerando que el ambiente siempre fue bastante machista, quizá esto ayude a que haya lugares más seguros para nosotras, y si alguna chica quiere empezar con esto, encuentre donde se sienta acompañada y protegida BW-NO, no me parece. Ayuda a visibilizarnos.

AS-Los eventos sí visibilizan la situación de la mujer en todos los ámbitos y escenas, por eso hicimos hace un tiempo TechnoFem con Ornella Go donde participaron djs como Emme Medina, Dunkel Dame y Euyinn.

JZ-Sexista tiene una connotación negativa y me parece al contrario, super positivo. A las mujeres nos ha costado mucho aceptar que queremos asumir otros roles y ser aceptadas en lugares que suelen estar ocupados por hombres. Cuando participe en la fecha VJ Ladies de Submerged me sentí super feliz, quería estar en ese evento sí o sí.

DL-Hace unos años, cuando aparecían cada vez más las fechas con esas etiquetas me molestaba y bastante.

Cuando estoy VJeando soy deLi y punto.

Distinto era cuando eran fechas gestadas por mujeres o movidas LGTB o por ese under que siempre existió, donde cada cual es lo que se le canta. Lo que importa es ser y hacer. En esas fechas o movidas, el power feminista, la retroalimentación artística, la sinergia siempre fue lo más de lo más. Poder ser/hacer en libertad, o sin condicionamientos que atrasan es algo maravilloso.

BL-Lo veo como una herramienta de visibilización, aporta para dar difusión a nuestro trabajo en pos de que algún día no sea necesario, no tendría que ser un dato diferenciador el género de las personas en ningún ámbito.

“Hay más visibilidad y un cambio de conciencia respecto a

los derechos que tenemos,

es un proceso.” Bianca Leveroni

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Enmendar el daño emocional por medio del arte.

Hablamos con Malena, más conocida como Brokenpiba.

Una artista expresiva en sus trabajos pintando emociones.

La paleta de los sentimientos.

POR NICOLÁS BELDI

¿Cómo fueron tus inicios?

Siempre dibujé y pinté, después de la primaria me enganché mucho con el animé y el manga e intentaba imitar el estilo muy pobremente, pero lo intentaba, mucho. Después empecé a practicar con fotos de gente que me llamaba la atención y en 2011 empecé a tomármelo más en serio y dejar de ver ese aspecto de mi vida como solo un “hobbie”, también fue ese año que empecé a dibujar arte erótico.

“Todes tenemos roturas emocionales y está bueno darles entidad para poder sanarlas.” ¿Por qué Brokenpiba?

Creo que todes tenemos roturas mentales/emocionales, y me parece que está bueno darles entidad para poder sanarlas y llevarlas mejor. Y claro que también me pareció un username bonito en ese momento.

¿Cómo se vieron afectados los proyectos que venías desarrollando?

En principio tuve que postergar Spoken, la muestra que estaba por inaugurar en El Quetzal en marzo y que ahora quedó en pausa. También se vieron frenadas actividades como la de pintar en vivo en eventos y otra que había empezado hace no tanto, que es la de pintar murales. Pero por suerte hay otros que siguen marchando, como pintar retratos y comisiones por encargo, que es una actividad que disfruto mucho y a la gente también le gusta ¿Vos cómo estás llevando la cuarentena? ¿Se vió afectada tu creatividad?

Hay días terribles, días buenos y días no tan malos.

No tando la creatividad sino la voluntad para llevas a cabo lo que imagino o planifico.

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ARTES PLÁSTICAS

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https://www.instagram.com/brokenpiba https://www.twitter.com/brokenpiba ¿Surgieron nuevos proyectos?

Sí, hace poco colaboré junto a BogadoCuman, son un dúo (poesía/música) que banco y acompañé sus 3 nuevas piezas con ilustraciones bastante experimentales. También estoy trabajando en otras ilustraciones que acompañaran cuentos breves de Juan Moretti. Y hay otros planes más personales pero estaría faltando voluntad para concretarlos.

“En 2011 dejé de verlo como un hobbie, fue ese año que empecé a dibujar arte erótico.” ¿Qué tán importante crees que es el arte en tiempos de aislamiento social?

Depende cada persona. Para mi es fundamental porque me ayuda a mantener en mejor estado mi cabeza, además de ser mi trabajo. ¿Qué consejo podés darle a un artista plástico en estos días?

Intentá no sobreexigirte, está bien y es normal si la estás pasando mal. Y si lo necesitás, buscá ayuda en amigues o profesionales, lo que creas mejor para vos.

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I Griega

Utopía - I GRIEGA - 03:38

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DETRÁS DEL MASTERING POR MATÍAS PARISI

Demarco Project y Anahí Arias han sido nominados a los premios Gardel 2020 en la categoría “Mejor álbum de música electrónica”, ambos trabajos contaron el trabajo de Matías Parisi Mastering, y además de felicitarlos, vamos a contarles como fue el proceso de mastering con cada uno de ellos.

Demarco Electronic Project es un dúo argentino de música electrónica formado en 1998 por Luis Agüero y Héctor Agüero. Cuentan con 20 años de trayectoria y un alto reconocimiento a nivel mundial.

“Matías realizó un trabajo impresionante con nuestro track “Nu Jazz Time”, un track enérgico pero con tonos suaves a la vez y él supo encontrar el equilibrio sonoro adecuado para completar este track” El mastering de “Nu Jazz Time” fue realizado en estéreo, tratando de conservar los planos de los elementos de la mezcla logrando un resultado natural, y que al mismo tiempo suene moderno y altamente competitivo.

Se decidió que el volumen no sea muy alto para conservar la dinámica de la canción y apreciar los diferentes matices que hay en la misma.

Tanto el trabajo de Demarco Project, como la intervención de Carlos Franzetti inspiraron a lograr el resultado deseado.

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NOTA

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Anahí Arias es una cantante, compositora, instrumentista, DJ y productora electrónica argentina que fusiona expresiones de música tradicional latinoamericana con bases electrónicas, hip hop y folklore argentino.

“La experiencia de masterizar con Matías para mí fue muy acertada. Mezclé el disco con un criterio muy concreto y mi idea era potenciar al máximo el mismo con el toque que le dan sus máquinas analógicas al trabajo final. Si bien mi música es un híbrido acústico digital, estaba muy preocupada por encontrar a alguien que pudiera realzar lo mejor de cada color, logrando una fusión armoniosa dentro de lo que el contraste proponía. No es tan fácil combinar la delicadeza de un charango con un sub low, potente y a su vez mantener la calidad de la voz al frente, o poder discernir el elemento o frecuencia a priorizar en cada caso. Cuando recurrí a Matías, luego de conocer sus trabajos, me encontré con una persona absolutamente idónea y a su vez capaz de estar abierto a propuestas locas como la mía. Entramos en el desafío y fuimos encontrando el camino para llegar a ese resultado único. Me acuerdo que cuando escuché la bajada final del disco lo llamé para preguntarle si conocía el verdadero significado de la palabra ¨PERFECCIÓN¨, porque ese mastering para mí era la respuesta.”

El mastering por stems pretende ajustar determinadas frecuencias e irregularidades en cada uno de los canales a trabajar, pero sin cambiar radicalmente el concepto de la mezcla.

Con el mastering estéreo se puede, por ejemplo, alterar los planos de algunos elementos por medio de la ecualización, utilizando ecualizadores paramétricos y detectando la frecuencia fundamental del instrumento a corregir. Es para pequeños cambios, por ende, si el cambio es muy grande, conviene hacerlo en la mezcla.

En este mastering por capas se utilizaron los stems de los elementos más importantes como: la batería, los sintetizadores, el bajo, la voz, el charango y el ronroco por separado, y de esa manera optimizar las frecuencias necesarias durante el proceso de mastering.

Cabe destacar que si bien el mastering por stems lleva más tiempo y más trabajo, puede ser el aliado ideal a la hora de buscar un resultado sonoro técnica y creativamente diferente. Teniendo los stems por separado, además de ajustar las frecuencias y los niveles, se puede jugar con la ampliación o reducción de la imagen estéreo para fines creativos y generar automatizaciones en las diferentes secciones de la canción (como por ejemplo, automatizar el sintetizador para que esté más fuerte en los estribillos o más estéreo en el estribillo y más mono en las estrofas). Esas cosas que no se pudieron realizar en la mezcla también se pueden ajustar y realizar con mayor detención durante la etapa de mastering escuchando cómo responden y reaccionan con los procesadores finales.

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