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Año 2 N° 4 - invierno 2019 - Buenos Aires. Prohibida su venta. Distribución gratuita.

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¿CÓMO NACIERON LOS DISCOS? HISTORIA DEL VINILO. INVENCIÓN Y DESARROLLO. RAFAEL SOROL PRESENTA BUTH.

EMBLEMA UNDERGROUND. ENTREVISTA A:

JUAN PRYOR.

CIRCUITO BEAT DE FIESTAS ELECTRÓNICAS.

MANCHESTER: REVOLUCIÓN CULTURAL EN LA

BATEA BEATHEY: LO MEJOR DE LA

CIUDAD DE LA REPRESIÓN

ESCENA LOCAL.

ENTREVISTA A OLIVER WILSON, EL LEGADO. PRESENTAMOS LA BEATHEY APP.

ENTREVISTA EXCLUSIVA

ADEMÁS ENTREVISTAS A: GIN TRONIC, JESSICA BELLOMO, MARIANO FONROUGE.

BUSHWACKA! “SIENTO UNA CONEXIÓN CON EL PÚBLICO DE BUENOS AIRES”


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AYER, HOY Y MAÑANA

PLAZA INDEPENDENCIA MÚSICA

Argentina: Corvalán 1847. Ciudad Autonama de Buenos Aires - Idaventas@grupolaserdisc.com


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¡PRESENTAMOS LA BEATHEY APP! Crear, inventar, innovar. ¿Para qué lo hacemos? Hay algo interno a nosotros… a vos… a él … a mi… nos lleva a estar siempre queriendo hacer algo distinto, que impacte y genere un cambio en el otro, un cambio en sus emociones, en lo que realmente siente. Pero no todo es el otro, lo hacemos, porque ese cambio, esas nuevas emociones en él o ella, nos genera también emociones y satisfacción a nosotros mismos. Me autodefino como un buscador de cambios, propios y en los demás. Más de una vez me preguntaron “¿qué es el éxito de tus emprendimientos?”, “¿cuánto querés ganar con ellos?”. Mi respuesta siempre es “¡que me elijan!”. El mejor premio que tengo es que me elijan, si me elijen es porque estoy generando un cambio, y junto con ese cambio viene un impacto emocional. Esa es mi mayor satisfacción, y en la que nos alineamos, ¡todos los que hoy hacemos que BeatHey exista! Ahora, volvamos a la pregunta inicial: Crear, inventar, innovar … para que lo hacemos?? Hace ya más de un año venimos hablando con el equipo de la necesidad de desarrollar otro canal. Un canal orientado a la difusión, a la generación de oportunidades para el artista, para ser escuchados por más personas de distintas latitudes del mundo, y a la vez, poder crecer y perfeccionarse. Por lo tanto, desde ese momento empezamos a diseñar BeatHey App. Es nuestra puerta al mundo, el canal para el amante de la música, quienes quieren escuchar algo distinto a lo ofrecido en el mercado, escuchar los talentos ocultos, que en el futuro, serán estrellas reconocidas. Nos enfocamos en generar un producto que nos haga fácil detectar al artista que nos genera esas emociones que nombramos anteriormente. Eso es BeatHey App, un nuevo miembro de esta increíble comunidad. Nos vemos por ahí. #Joinus Miguel Warlies BeatHey Business Developer, COO www.beathey.com


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STAFF 2019 DIRECCIÓN

Julián Sorsaburu EDITOR Y PRODUCTOR DE CONTENIDOS

Nicolás Beldi DIRECCIÓN EDITORIAL

Darío Rosemblat DIRECCIÓN DE ARTE

Carol Guidalevich ESCRIBEN

Damian Levensohn Gonzalo Arzua Agustín Stoler Lemonade Alfon Martín Vannoni Nicolás Beldi Sebastián Da Vinn Miguel Warlies Pilar Molinero AGRADECIMIENTOS

Florencia Vilar Gabriel Santana Miguel Warlies Antonio Macadam Edmundo Hiriart Matías Rebecca Alejo Rivero TODA LA COMUNIDAD BEATHEY CONTACTO COMERCIAL

Florencia Vilar +54 11 35699242 florencia@beathey.com Suscribite y recibí BeatheyMag en tu casa: hey@beathey.com Imprenta Galt SA. Ayolas 496. Las notas de la revista corren bajo exclusiva responsabilidad de sus autores y las publicidades bajo exclusiva responsabilidad de los respectivos anunciantes.


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PH: Jessica Safko

LOS CABRA Conexión Buenos Aires – Berlín. Hablamos con el dúo formado por Manuel Sahagun y Christ Burstein.

POR NICOLÁS BELDI

¿

Cómo nace Los Cabra? Hace unos años, cuando Christian estaba empezando a mudarse de India a Alemania, charlábamos sobre música, y aunque estábamos en caminos distintos, siempre hubo buena onda. En una visita a Argentina nos juntarnos a hacer música sin compromisos, lo que salió fue divertido. Empezamos a darle forma a los primeros tracks sin tener clara la dirección musical, pero nos entendimos fácilmente, al tener distintos backgrounds el resultado de la fusión fue súper interesante. Cuando tuvimos que ponerle nombre nos costó mucho... tiramos ideas al aire, jugando con palabras pero nunca se daba. Al final le terminamos rindiendo homenaje a un restaurant de Palermo donde íbamos siempre a comer y hablar del proyecto. Si leen esto ojalá nos den una cena de cortesía al menos (risas). Asimismo como

en los Simpsons que se llamaron “Los Borbotones”, un nombre gracioso que cada vez... es menos gracioso. Por eso la gramática en singular / plural. ¿Cómo fue fluyendo el estilo mixto de Los Cabra? Manuel desde el lado más house y Christ con su impronta más “berlinesa” por así decirlo, haciendo un mix de generos. Con el tiempo pasamos por varias instancias de prueba y error, donde hicimos algunas cosas más melódicas y otras más Deep, hasta que en un momento nos enfocamos en el sonido denominado afro house pero con ribetes trippy y bases un poco más cerca del techno (lento). Diríamos que es todo un híbrido que no tiene tanto de house, sino reminiscencias del progressive y del techno.


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Hay un buen balance entre estética, creatividad y tecnicismo.

¿Es difícil mantener un dúo viviendo en ciudades separadas? ¿O lo ven como algo positivo para la relación artística? Lo ideal sería estar en la misma ciudad y poder tener tiempo para trabajar regularmente. Igualmente tenemos un diálogo constante y fluido, la nube es el espacio donde podemos compartir los proyectos que vamos trabajando. Hay varios idas y vueltas hasta que se terminan los tracks, pero también nos vemos al menos 2 veces por año, donde tratamos de hacer todo lo que se pueda. ¿Cómo es su flujo de trabajo? ¿Qué herramientas usan para trabajar? Tenemos un modo de trabajo que lo vamos modificando según los tiempos de cada uno. Christian en Berlín se puede enfocar más en los clubes, promotores, sellos, networking y creación de sonidos en algunos proyectos. Al compartir estudio con Sascha Cawa (su socio en Rural Records), tiene acceso a una cantidad de máquinas como el Moog Sub37, el clásico Roland Juno 106, Tetra, cajas de ritmos, etc. Manuel por su lado dispone de un estudio que viene crecimiento en equipamiento y tiene un enfoque más fuerte en la programación de sintetizadores, los arreglos teórico musicales, mezcla y mastering. Hay un buen balance entre estética, creatividad y tecnicismo. Usamos Ableton Live 10 como DAW y algunos instrumentos virtuales con los que ya nos familiarizamos ambos. La linea de U-He es muy buena, pero también muchos sintetizadores de Arturia dan buenos resultados. Lo interesante es el uso de hardware que nos permite llegar a sonidos parecidos a los virtuales, pero generamos otro tipo de expresividad, y la presencia del “error humano” le

agrega otro vuelo. Además de los antes mencionados, usamos el Korg MS20, Make Noise 0-Coast (modular synth). Cada tanto aparecen otras máquinas en acción pero pensamos que lo mejor es sacarle el provecho a las herramientas que ya dominamos. A la distancia, nos une Dropbox. ¿Qué comparaciones pueden hacer entre Berlín y Buenos Aires? Creo que son bastante obvias las diferencias. Por un lado, Alemania tiene una economía estable y predecible, mientras que Argentina es una perinola, nunca sabés que te va a tocar. Por el otro, la música electrónica en Berlín es fuerte como lo es el cachengue en Buenos Aires, entonces los mercados y posibilidades de vivir, de ser artista electrónico, te ponen un techo bajo. Los públicos si bien ambos son enérgicos, son bastante diferentes. El público alemán puede ser frio en ciertos aspectos, pero es exigente en calidad y abierto en estilos. El público argentino es más cerrado y en cierto modo puede resultar más banal. No quita que esté en constante crecimiento, pero el contexto socioe-económico, y el escaso apoyo del estado en cultura (a nivel nacional), no ayudan. ¿Cuáles son sus próximos releases? Tenemos recién salidos un último EP en Rural Records y Get Physical. Salen ahora un EP en Gruuv de los Audiojack con remix de Bebetta. Acabamos de sellar material en Stil Vor Talent, el sello de Oliver Koletzki. Tenemos un EP para el sello aleman Ritter Butzke y por último y no menor un EP en Asymmetric Recordings con remixes de Lonya & Hernan Cattaneo. ¡Muy contentos la verdad!


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POR MIGUEL WARLIES

PRESENTAMOS LA BEATHEY APP

¡LLEGÓ EL ESPERADO MOMENTO!

Arrancamos la nota con esa frase que leímos muchas veces, mezcla de alivio y ansiedad. Venimos hace más de un año trabajando en el diseño y desarrollo de la tan esperada aplicación móvil de BeatHey, siempre con la misma misión, generar más oportunidades a los artistas, llevar su música más lejos de lo que podemos imaginar. El año pasado iniciamos nuestro camino a Asia con la integración de nuestra música a plataformas coreanas. Este año con nuestras apps propias, brindando de esta manera un nuevo canal para la difusión de todos los artistas que forman la Comunidad BeatHey. Vamos a hablar ahora de nuestra protagonista. Señoras y señores, damas y caballeros, me atrevo a decir “para el bolsillo de la dama y del caballero”, con ustedes… BeatHey App: BeatHey App está disponible tanto para Android como para iOS, por lo tanto la pueden descargar desde el Play Store o el App Store dependiendo el teléfono que poseen.

¿QUÉ PODEMOS ENCONTRAR EN ESTA PRIMERA VERSIÓN DE LA APP?

El logueo inicial: si sós usuario de www.BeatHey.com, tus credenciales de ingreso son las mismas, cargalas y empezá a disfrutar de la comunidad. Si no tenés usuario podés registrarte, ya sea con una cuenta de mail o por medio de Facebook. Nuestro objetivo es difundir el arte generado por la comunidad, por lo tanto, no cobramos suscripción para escuchar la música. El acceso a BeatHey App y su contenido es GRATUITO y te permitimos también descargarte la música al teléfono mediante una contribución al artista. Como sucede también en BeatHey Web, el 100% de la contribución es recibida por el artista sin comisiones intermedias, este es uno de los puntos que hacen de BeatHey una comunidad.


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¡LLEGAMOS A LA SECCIÓN LISTA DE REPRODUCCIÓN DESTACADA!

Periódicamente, seleccionamos uno de nuestros artistas reconocidos para que elaboren una recomendación de canciones producidas por la misma comunidad, generando así, la denominada FEATURED PLAYLIST. En esta sección podés acceder a las mismas, desde la primera realizada por Mariano Trocca, hasta la más reciente. ¡Vale la pena escuchar las recomendaciones realizadas por cada uno de estos artistas! Finalmente podemos acceder a la sección LISTAS DE REPRODUCCIÓN PÚBLICAS, donde vemos 10 Listas de Reproducción de las muchas existentes, realizadas por los miembros de la comunidad. Podés acceder a todas las listas de reproducción públicas disponibles pulsando en la acción correspondiente. ¡Si estás suscripto, tus playlists públicas aparecerán en esta sección!

¡Y HASTA ACÁ VIMOS TAN SOLO LA PANTALLA DE INICIO!

¡LLEGAMOS A LA PANTALLA INICIAL!

Vamos a encontrar distintas secciones, que se irán desarrollando en próximas versiones. La primera sección corresponde a CHARTS, en la que podemos encontrar el TOP 10 (las 10 mejores canciones de la semana), el TOP 50 (las 50 mejores canciones del mes) y el HOT TODAY (las 5 mejores canciones del día). De esta forma vas a poder empezar a descubrir nuevos talentos. Luego seguimos con la sección ARTISTAS, en la cual se mostrarán 7 de los/las artistas de la comunidad, pudiendo acceder al listado de toda la comunidad. En toda la aplicación, se puede acceder a la ficha de el/la artista pulsando sobre el nombre del mismo. <IMAGEN FICHA ARTISTA> Desde la ficha es posible acceder a su listado de canciones, su biografía como así también marcarlo/a para seguimiento o escribirle un correo. Este es el punto de partida para saber quiénes son tus artistas favoritos y, por qué no, ponerte en contacto con ellos.

La barra de navegación, como sucede con la web, nos deja seleccionar distintas pantallas importantes para BeatHey, como son la pantalla de DESCUBRIR, con el listado cronológico de la música publicada por los artistas, y el VINYL CONTEST, con el ranking del concurso emblema de BeatHey, donde la misma comunidad vota a los artistas, que al final del concurso, serán editados en el vinilo que recibirás en forma GRATUITA si estás suscripto. Esto fue tan solo una presentación. ¡Te invito a que ahora empieces vos a descubrir BeatHey App y a cada uno de los artistas que forman parte de esta comunidad! Para finalizar te quiero comentar que estamos convencidos que este es el primer lanzamiento de algo que está en vías de ser muy grande. La difusión de cultura es clave para el desarrollo de las comunidades, y nosotros estamos convencidos de ello. Trabajemos juntos en este desarrollo sabiendo que BeatHey App es de TODA la comunidad. Difundámosla y colaboremos comentando por cualquier de los canales disponibles las posibles mejoras a realizar, para que cada día, esta App represente mejora a cada uno de nosotros. ¡Gracias por ser parte, y a seguir con esta revolución que no tiene fin! ¡BeatHey es COMUNIDAD, y vos sos parte de ella!


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VINILOS

ENCONTRÁ ESTOS DISCOS EN VINYLS ARE COOL (THAMES 1919. CABA)

POR GONZALO ARZUA

MANDELA MOVE EP (DESET) RICARDO VILLALOBOS

El icónico Ricardo Villalobos vuelve con su nuevo “Mandela Move EP”, un single de cuatro tracks de pista de un promedio de 13 minutos de duración cada uno, con un sonido impecable y fresco, en los que abundan los bajos pesados, algo de glitch y donde el minimal convive con breaks, un poco de afro beats y vocales latinos. Para este segundo lanzamiento del sello Deset, Villalobos nos deja dos discos de puro viaje auditivo,

donde en cada pista genera su propio universo de sonidos llenos de patrones variables y que seguramente harán volar a más de uno en la pista. En ese sentido, “Mandela Move EP” tiene cierta semejanza con su anterior lanzamiento, pero se siente un tanto más divertido y despreocupado, con algunos yeites y arreglos poco usuales, como sonidos de iphone y referencias de producciones anteriores.


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IONS EP (SAVOR MUSIC) CAPE El rosarino Cape está de vuelta con el lanzamiento número 17 de Savor Music. Nos ofrece un single de cuatro tracks tremendos. Cada uno tiene un clima completamente distinto, hace de este single una pieza única, ideal para pinchar en distintos momentos de la noche. En esta nueva producción podemos escuchar al artista crear un equilibrio delicado de sus influencias y regresar a su sonido original, donde se puede encontrar un poco de Detroit, melodías ácidas, algo de electro, grooves atmosféricos y líneas de bajo súper variadas.

DISCO RIFFI (LEVITAR RECORDS) VARIOS ARTISTAS El club palermitano que tantas alegrías nos ha dado, lanza su tercer lanzamiento bajo su sello homónimo con un par de tracks para pistear a puro house y con sonido estrictamente disco. Este V.A. nos sorprende con la presencia de grandes valores locales e internacionales como Around7 (Ondule Records y Robsoul), que nos deja un track cargado de influencia del disco francés, el local Manuel Sahagun que nunca pierde la oportunidad de groovearla fiel a su estilo. A esto se le suman los tracks de Fabrizzio (director del sello), y del chileno Camilo gil, dos tracks de house un más de club, para terminar de reventar el dancefloor.

LP5 (MUTE) APPARAT Se nota que los vestagios que quedaron de Moderat (el proyecto que conformó junto a los Modeselektor desde el 2002 hasta 2017) aún hacen eco en la mente de Sascha Ring, y hay algo que está claro: lo de apparat es la autosuperación constante y la búsqueda de nuevos horizontes sonoros. LP5 es un disco sumamente ecléctico, cargado de viajes sonoros, ambientes sublimes y beats profundos que hacen de este lanzamiento un viaje introspectivo, muy particular y distinto al resto de sus trabajos. Un must para los amantes del techno ambiental que además viene acompañado de un artwork bellísimo.

IMMIGRANCE (GROUNDUP MUSIC) SNARKY PUPPY El concepto de Immigrance, el nuevo álbum de estudio de Snarky Puppy, tiene que ver con el movimiento. “La idea era que todo fluye, que siempre nos encontramos en movimiento y que todos nos encontramos en un constante estado de migración”, explica el frontman, Michael League. Al igual que Culcha Vulcha, Immigrance es un proyecto de estudio grabado por los mismos músicos, y aunque comparte el espíritu dinámico del jazz como eje principal, es más crudo y pesado que su predecesor. En Immigrance, Snarky Puppy práctica lo que esencialmente siempre tienen: personas de diferentes lugares que comparten sus experiencias, y dejan que éstas fluyan juntas a través de su música.


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FEST FULLHOUSE (Buenos Aires) Fullhouse es un evento exclusivo orientado a la escena underground, dentro del house y sus derivados; ascendentes y descendentes, destacando artistas y productores nacionales. Desde este lugar se busca volver a recrear aquel espacio mĂ­stico y oculto que genera el culto por la mĂşsica house. Se disfrutan diversos talentosos artistas, tanto productores como djs. La simbiosis generada por todas las partes de esta propuesta abre la puerta a un escenario diferente, donde todo sucede en armonĂ­a. Desde 2015 sonando y creando en la escena, Pilar Molinero y Leandro Gitelman (creadores de este concepto), se preparan para el lanzamiento de su sello Fullhouse Records, que esperan con ansias para fines de 2019.


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LA MONTAÑA DISCOS (Rosario) La montaña discos es un proyecto discográfico con base en el bohemio barrio de Pichincha, Rosario. Si bien La Montaña todos los días abre su tienda de discos y estudio con cabina para djs, una vez por mes se da una cita especial: La Feria de discos nocturna. El eje central de cada feria es el lanzamiento de nuevos discos en formato físico, presentados por artistas/productores nacionales acompañado de músicos emergentes de la ciudad. Por su carácter nocturno, la naturaleza de la feria suele flexibilizarse y transmutar en situaciones sociales bailables que se extienden hasta altas horas.


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FEST UNDER CLUB (Buenos Aires) En febrero del año 2013 nace el ciclo de techno Under Club en Buenos Aires. Su enfoque no sólo está ligado al crecimiento de la cultura musical, sino que también mantiene presente en su visión una clara perspectiva en compartir y transmitir valores que se consideran claves para el crecimiento de todo ser humano. Es muy normal ver en sus campañas palabras cómo: Permiso - Perdón - Gracias - Amor - Respeto - Humildad, las cuales despertaron curiosidad y sorprendieron a gran parte de la escena techno mundial. A sus 6 años de vida sorprende lanzando su primer vinilo en su propio sello discográfico UC records, a cargo del dj/productor holandés Tripeo, quién es el actual residente. Under Club deja en claro que no existen fronteras, y año tras año realiza eventos donde artistas de todas partes del mundo se unen a este fenómeno. Jeff Mills, Juan Atkins, Derrick May, Kevin Saunderson, Óscar Mulero, Nina Kraviz, Len Faki, Rodhad, Chris Liebing, Ben Klock, Marcel Dettman entre otros, ya fueron parte de sus mágicos encuentros.

PH: AGUDELO MATIAS


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MISSA (BUENOS AIRES) MISSA es un ciclo mensual que integra los distintos ambientes del under porteño con line ups curados por Camila Isabel y pensados de manera tal que la fiesta empiece en el house, fusione en el acid y culmine en el techno. La música funciona como unión dentro de un público ecléctico, donde no existen las formas ni los estereotipos. Sin restricción alguna, todxs son bienvenidxs en ésta ceremonia. En 2019 MISSA cumple su primer aniversario. El menester que arda.

PH: MELISA ARROUY & GUIDO ALTAMIRANO


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FEST


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ZEF (BUENOS AIRES) Un conejo rockstar, un tiburón lujoso, y miles de humanos disfrutando de un club convertido en una aldea estrafalaria donde la puesta en escena y la música marcan el ritmo de cada domingo en Buenos Aires. Sus atractivas propuestas visuales, y la calidad artística nacional e internacional que presenta semana tras semana, han llevado a ZEF a convertirse en un referente de la escena electrónica argentina.

PH: LUCKA BUENO


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OMM Buenos Aires. Este encantador bar ubicado en Honduras 5656, del barrio de Palermo, propone desde hace más de 20 años un espacio diferente. Su atmósfera descontracturada, inclusiva, elegante y cálida son los pilares de sus noches. Cuenta con cocina excepcional, la cual se puede disfrutar hasta largas horas de la noche. Su coctelería es muy sofisticada, tragos de autor condimentados con exquisitos licores caseros. El licor de chile picante

es definitivamente algo que vale la pena recomendar, al igual que su volcán de chocolate. Atendido por sus dueños Roxana Maldonado & Daniel Cabrejas (Bocha), quienes siempre han apoyado la escena musical, son los encargados de curar los musicalizadores de cada noche dando lugar a artistas emergentes y leyendas del under. Open: Todos los días de 19:00 al cierre.


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SPICY PINK MONKEY: • Vodka de chiles • Frutos rojos • Limas.

FRESH BAMBOO: • Vodka • Limas • Sirup de jengibre • Jugo de aloe vera.

TROPICAL SPRITZ: • Couintreau • Apelo • Jugo de pomelo • Maracuya • Tónica.


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POR MARTรN VANNONI

LA HISTORIA DEL VINILO

Almacenamiento de sonido analรณgico en forma espiral modulada. Historia, auge, decadencia y resurgimiento de un formato clรกsico.


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L

os discos están clasificados según su diámetro en pulgadas ya sea 12”, 10” y 7”, en cuanto a la velocidad se mide en RPM (Revoluciones por minuto) 162/3, 331/3, 45 y 78, (siendo los formatos de 33 y 45 RPM los más utilizados). Graban sonido monoaural y estereofónico, aunque hubo experimentos para grabar en sistemas cuadrafónicos e incluso vídeo. A finales de los 80’ los medios digitales como el disco compacto habían ganado gran parte del mercado, el disco de vinilo se volvió secundario, prácticamente cayó en desuso, sin embargo, se siguieron editando pequeñas cantidades en los 90’. Con el cambio de siglo comenzó a resurgir, en 2009 se vendieron 3.5 millones de unidades en los Estados Unidos, incluyendo 3.2 millones de álbumes (el número más alto desde 1998). El incremento de ventas se mantiene año tras año, y son usados por djs y audiófilos.

EVOLUCIÓN

Las primeras grabaciones de discos fueron producidas en una variedad de velocidades que iban desde 60 RPM hasta 130 RPM junto con una variedad de tamaños. Desde 1894, la compañía americana Gramophone Company, de Emile Berliner, vendía discos de un solo lado de 7 pulgadas con un estándar de alrededor de 70 RPM. Los motores de resorte remplazaron a los que se operaban manualmente, y el regulador de velocidad era complementado por un indicador que registraba la velocidad para que pudieran ser escuchados a la misma velocidad. La literatura no revela porque se escogió la velocidad de 78 RPM para la industria del fonógrafo, aparentemente esta era la velocidad creada por una de las primeras máquinas y se siguió usando sin razón alguna. Para 1925, se estandarizó la velocidad de los discos en 78 RPM, variando entre países según la corriente eléctrica. Los primeros discos (1889-1894) eran hechos de diversos materiales como goma dura o ebonita. Luego se introdujo un compuesto de goma laca que se volvió el estándar. Las fórmulas exactas del compuesto variaban según el fabricante y el paso del tiempo, pero típicamente se componían de un tercio goma laca y dos tercios de relleno mineral, el cual era roca caliza o roca de pizarra con una mezcla de fibras de algodón para añadir flexibilidad, carbón negro para el color (tendía a ser un color grisáceo o café que la mayoría de las compañías encontraba poco atractivo), y un poco de lubricante para facilitar el despegue del molde. Algunos fabricantes, en especial Columbia Records, usaban una construcción laminada con un disco núcleo

de un material más áspero. La producción de los discos de goma laca continuó durante toda la vida del formato 78 RPM (hasta fines de los 50’ en países avanzados, en los demás en los 60’), pero se introdujeron fórmulas menos abrasivas que contenían niveles de ruido tan bajos como los discos de vinilo actuales. También se fue mejorando la tecnología de grabado, se crearon términos más específicos para describir aspectos de los discos fonográficos: podía ser su velocidad rotacional (“16 2/3 RPM”, “33 1/3 RPM”, “45 RPM” o “78 RPM”) o el material usado (“vinilo” se refiere al policloruro de vinilo, “goma laca” ingrediente principal de los 78 RPM).

PATENTES E INVENCIONES

El invento fue patentado originalmente el 25 de Marzo de 1857, por el francés Leon Scott de Martinville, lo denominó el Fonoautógrafo. Consistía en la conversión de las fluctuaciones de presión de aire causadas por el sonido en una línea ondulante sobre una superficie de hollín. La señal era amplificada por una gran corneta o campana. Este nuevo sistema no tenía método de reproducción. Algunos años más adelante W.H. Barlow construyó el Logógrafo, elemento que crea una representación gráfica de las vibraciones sonoras producidas por el habla. Los primeros discos fueron descritos como parte de un dispositivo desarrollado por Charles Cros, poeta e inventor francés, el primero en proponer un aparato capaz de capturar y reproducir sonidos denominado el Paleófono. En abril de 1877, Cros envió un sobre sellado con una carta para la Academia de las Ciencias en París con una explicación del método propuesto. Un artículo sobre su invención fue publicado en “il semaine du Clerge”, escrito por l’Abbé Leblanc. No obstante, antes de que Cros pudiera construir un modelo funcional, Thomas Alva Edison introdujo el primer sistema para la reproducción de sonidos en los Estados Unidos, el Fonógrafo. Edison y Cros nunca se conocieron. Thomas A. Edison experimentó inicialmente con un teléfono primitivo por el cual corría el papel de parafina debajo de una pluma de escritura, mientras gritaba por el altavoz. Las vibraciones dejaban una débil impresión de su voz, las cuales podían ser reproducidas nuevamente. Reemplazó el papel por un tambor recubierto en papel de aluminio y construyó el Fonógrafo, seleccionando como formato un tambor giratorio sobre discos planos. La primera pieza que se grabó y reprodujo en el sistema fue: “Mary had a little lamb” en 1877. El dispositivo se mostró a la comunidad científica y Edison patentó el método de reproducción sonora. El alemán Emile Berliner patentó el Gramófono. Había trabajado para Alexander Graham Bell contratado para incluir su micrófono de carbón en el teléfono además de otras mejoras. Después de retirarse, regresó a su laboratorio en Washington donde creó el Gramófono, a diferencia del fonógrafo, era un disco de goma vulcanizada.


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A finales de los 80’ los medios digitales como el disco compacto habían ganado gran parte del mercado. Con el cambio de siglo comenzó a resurgir.

Ese mismo año se fundó Columbia Phonograph Company. La empresa comercializó el gramófono, y encontró mejores ingresos mediante la grabación de música y el arrendamiento financiero a recintos, donde entran como pioneros en máquinas de discos de níquel. The Seaman National Gramophone logra obligar a través de procesos legales a que Berliner cierre la fábrica de American Gramophone en Filadelfia. Berliner registró el logotipo de su compañía: un perro escuchando un gramófono, pero en 1924, la compañía fue comprada por Eldridge Johnson y el nombre se cambió por “Victor Talking Machine Company”, la cual cinco años después pasó a llamarse RCA Victor, tras ser adquirida por Radio Corporation of America (RCA). En 1906, el gramófono La Victrola es diseñada y producida en masa por Eldridge Johnson. Lo interesante de este producto era su presentación, que a simple vista parecía un mueble, pero internamente poseía todo el sistema de reproducción de los discos. El éxito de este producto fue sorprendente, tanto así que en 1917 logró vender más de 566.000 unidades y para el momento que RCA la compró se ensamblaron 7 millones de Victrolas de bocina interna y más de 800,000 de bocina externa. En 1918, las patentes de la fabricación de discos de corte lateral expiran, otras compañías empiezan a producirlos y se vuelven populares. Los discos gobernaron el mercado de la música.

AUGE Y POPULARIDAD

Para mediados de 1940, los vinilos de 78 rpm son los discos de preferencia de los djs, la popularidad es cada vez mayor, especialmente para entretener a las tropas militares durante la Segunda Guerra Mundial, no obstante, utilizaban un solo disco. En 1947, Jimmy Saville, dj inglés y personalidad de la televisión, es el primero en utilizar dos tornamesas y un micrófono. Jimmy le pagó a un herrero para que uniera dos unidades de discos para reproducción continua en sus

fiestas en Leeds, terminó siendo el sistema estándar de la industria, agregando con el tiempo un Fader o deslizador para intercambiar entre canales. Un año después, Columbia Records introduce su disco de 12” llamado Vinylite en 33 rpm. En 1949, RCA Victor lanza el primer single de 45 rpm en respuesta al producto de Columbia, un disco de 7” con un gran orificio en el centro para acomodar el mecanismo automático de reproducción, sistema que permitió el cambio y reproducción de discos en un sistema, eliminando la necesidad de cambiar un disco cada vez que éste terminaba. Los sellos discográficos y consumidores enfrentaban la incertidumbre sobre que formato prevalecería, se convirtió en una guerra comercial que se conoció como La Guerra de las Velocidades (en inglés War of the Speeds). En los 50’ todas las disqueras acuerdan un estándar de grabación denominado RIAA equalization, lo que eliminó que los usuarios tuvieran que seleccionar las curvas de ecualización de los preamplificadores de cada sistema. Se denominó así porque fue establecido por la Recording Industry Association of America. Después de muchos años, los discos de 12” y 33 rpm predominan como formato, los de 7” y 45 rpm para el caso de los sencillos y los discos de 45 rpm son presentados como Extended Play (EP), con una duración de 25 minutos.

HERRAMIENTA PARA DJS

Para finales de los 60’, Francis Grasso, un dj de Nueva York, inventó la técnica de beatmatching. Se basa en empatar dos golpes rítmicos con el objeto de mantener la continuidad de la música. Grasso contaba el tempo de las canciones con un metrónomo y buscaba discos con tiempos similares para acoplarlos. Más adelante Alex Rosner, un amante del sonido, crea un mezclador que le permitía a los DJs escuchar los canales de forma independiente a través de sus audífonos, convirtiéndose en característica vital en los djs modernos. La técnica expuesta por Grasso conllevo a que se iniciar la producción de tornamesas con control de velocidad (pitch), agregando la posibilidad de mezclar un sinfín de discos en diferentes tempos. En 1974 sale al mercado la primer bandeja Technics SL-1200, posteriormente evoluciona en SL-1200MK2, mejorando los controles del pitch y facilitando diversas características de su antecesor, modelo que sigue siendo preferencia entre djs. En 1973, el jamaiquino Clive Campbell conocido como DJ Kool Herc, notó que su audiencia se animaba cada vez que reproducían las partes instrumentales de algunas canciones, por lo que arriesgó a utilizar dos copias del mismo álbum para devolver la aguja a los breaks favoritos del público y mantenerlos cuánto tiempo él lo deseara. Cuatro años más adelante, Theodore Livingston (DJ Grand Wizzard Theodore), inventa la técnica de scratch, elemental


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para los djs de la actualidad, especialmente en los géneros de rap, hip hop, RnB, etc. A pesar de sus defectos, como la mala portabilidad, los discos todavía tienen una audiencia entusiasta. Los vinilos continúan siendo fabricados y vendidos, especialmente por bandas y discográficas independientes. Aunque las ventas de estos, está dirigida solo para un mercado pequeño compuesto de audiófilos, coleccionistas y djs. Discos viejos y fuera de producción se encuentran en alta demanda por coleccionistas. Muchos álbumes populares nuevos incluyen lanzamientos en vinilo y otros álbumes son relanzados, en algunas ocasiones en vinilo de gama alta. En el Reino Unido la popularidad del indie rock elevó las ventas de discos de vinilo. en especial los sencillos de 7 pulgadas significativamente en el 2006, revirtiendo temporalmente la caída del formato. En los Estados Unidos, las ventas del vinilo aumentaron en un 85.8% entre los años 2006 y 2007, en un 89% entre 2007 y 2008 y un 56% en 2016. El incremento del consumo en este formato sigue marcando un alza a través de los años. La empresa Laser-Disc volvió a realizar la impresión y master de discos en el país.

Muchos lanzamientos de música electrónica y hip hop son preferidos en vinilo, aunque las copias digitales son vastamente disponibles. Gracias a los djs el vinilo tiene una ventaja sobre el disco compacto, es la manipulación directa del medio. Técnicas como el “slipcueing”, “beatmatching” y el “scratching” se originaron en los tocadiscos. Uno puede variar la posición de la aguja manualmente, acelerar o desacelerar el tocadiscos, incluso revertir la dirección de girado mientras que la aguja, el reproductor y el disco mismo lo aguanten. Sin embargo, avances en la tecnología de dj, como el software y el vinilo grabado con time codes, tienen estas capacidades y aún más. En la actualidad, a pesar de los altos costos, el vinilo sigue siendo entre las primeras opciones, no solo a la hora de comprar, sino también a la hora de los artistas editar música. Las reediciones de muchos clásicos del pop y rock hizo alimentar más este auge. En Argentina el fenómeno por el vinilo parece en el tope de su exposición, sirve para que aquellos artistas puedan sentir esa motivación, la de ver su nombre impreso, reflejado en alguna tapa, alimentar las ganas y la pasión de comprar música en este formato, ¡el disco es cultura!


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POR DAMIAN LEVENSOHN


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Las primeras raves de Manchester pusieron en el escenario al dj.

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os adentramos en un capítulo especial. Más allá de no ser una ciudad plenamente identificada con el beat electrónico, la referencia del norte ingles encierra varios de los backgrounds culturales más interesantes de la historia.

Los 70’ marcaron en Reino Unido la aparición y expansión del punk. Género con una actitud social muy clara: anti-sistema. Radical, irreverente y fresco, significó un sacudón cultural y social para las nuevas generaciones. Lo musical se caracterizó por el uso de pocos instrumentos y notas, su encanto pasaba por la “actitud”. Entre las bandas icónicas de este movimiento podemos mencionar a Sex Pistols, Buzzcocks o The Clash. La evolución sonora mostró como siguiente paso la era post-punk con la aparición de Joy Division. Oscuros, crudos y emocionales, marcaron un antes y un después. La triste muerte de su líder, Ian Curtis, dio como resultado el resto de los integrantes de la banda formara New Order. La agrupación seminal del new wave. La movida fue conocida como “Madchester”.

LOS CIMIENTOS

TONY WILSON Y SU VISIÓN

Pensar que la electrónica y otros estilos, como el rock, punk o pop, no tienen nada que ver, resulta un tanto obtuso. Ejemplos de ciudades en las que estos mundos confluyeron, dispares en principio, generando algo nuevo son varios. Ninguno tan claro y contundente como Manchester.

Muchos recordaran “24 Hour Party People”, película estrenada en el año 2002. Este registro se convirtió en una radiografía inmejorable de todo lo que sucedió en la ciudad británica, entre fines de los 70s y principios de los 90s. A pesar de que él mismo no se considera un protagonista de la


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historia, el nombre fundamental alrededor de todo esto es el de Tony Wilson. Fue conocido por su trabajo periodístico, aunque después de presenciar y ser influenciado por un show de Sex Pistols, Tony decide ir un paso más allá. Contrata a la banda Joy Division (en un papel escrito con sangre), decide crear su propia discográfica: Factory Records. Como dijimos anteriormente, los hechos sucedidos con Curtis, dieron lugar a New Order, y a su primer gran hit a gran escala: “Blue Monday”. El trato con los artistas del sello era claro, las ganancias se compartían de forma colaborativa, repartiendo entre el sello, el club y los artistas. Como consecuencia Wilson y sus socios deciden abrir su propio espacio: The Hacienda. Fue una sala que por varios años se convirtió en el lugar de desarrollo de este movimiento. A diferencia del punk sumaba diferentes instrumentos y estética, principalmente, ponía en un lugar primordial al sintetizador. Esta variante entró en perfecta sintonía con el house que empezaba a escucharse en Londres y Estados Unidos, se originaron las primeras raves de Manchester, poniendo en el escenario al DJ. Además de los problemas financieros –que

Los 70’ marcaron una actitud social muy clara: antisistema

acompañaron a estos proyectos durante casi toda su existencia-, el excesivo uso de drogas y hasta algún tiroteo en la pista, pusieron a The Hacienda varias veces en jaque. Luego de una vertiginosa trayectoria, el club cierra definitivamente sus puertas por el año 1997.

EL LEGADO El legado musical de la movida Madchester se mantiene hasta estos días. La fuerza social y el semillero de nuevos artistas que existía en ese entonces ya no es tan visible internacionalmente, pero la influencia a nivel histórico de esta corriente es enorme.


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MANCHESTER EN PRIMERA PERSONA

OLIVER WILSON Activista y emprendedor, hijo de Tony Wilson, un emblema del legado cultural de su padre. Nos cuenta los problemas y su visiรณn para cambiar las injusticias del sistema.


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POR NICOLÁS BELDI Y DAMIÁN LEVENSOHN

Por qué crees que el movimiento de Manchester se volvió tan grande? ¿Crees que lo social estuvo involucrado en la explosión cultural? La sociedad del norte de Inglaterra estaba saliendo de una era post-industrial muy desolada. La fabricación colapsó y dejó abandonada lo que supo ser la primera ciudad industrial del mundo. La negligencia de las personas y el gobierno “thatcheriano” fueron un duro componente que regía en las políticas del momento. La gente necesitaba un escape y la música capturó eso en nuestra ciudad, agarró la energía reprimida y la transformó en algo increíble. Lo que es bizarro es que exportamos punk, post-punk, acid house y luego, el indie moderno, Manchester abarcó varias décadas y al menos dos revoluciones culturales. Se volvió tan grande a través de una colisión de muchos artistas en un solo lugar, lo cual es realmente loco. ¿Cómo tantos artistas se encontraron en un mismo lugar abarcando tanto tiempo? No lo puedo decir, es casi como un fenómeno de la naturaleza. ¿Cuál crees que es el legado? ¿Cómo está la cultura de Manchester actualmente? Actualmente la ciudad es testigo de un renacimiento. Tenemos una gran cantidad de rascacielos construyéndose, el mayor número de restaurantes y bares abriéndose en el país, y una escena nocturna vibrante con grandes clubes en la ciudad y lugares independientes más chicos en las afueras. Sin embargo, siento que está directamente atado a los genes capitalistas de nuestra ciudad, fraccionado por un boom económico que atrajo a inversores del Medio Este a China. Tenemos la mayor tasa de rentabilidad en cuanto a la inversión en propiedades en el país, el doble que en Londres. Entonces la mayor parte del desarrollo se ha vuelto inaccesible para la gran mayoría de los locales debido al desenfrenado capitalismo explotado al que no le interesa que los alquileres de

vivienda y locales sean accesibles. Culturalmente esto significa que no estás invitado a la fiesta, al menos de que puedas pagar un comida o ticket caro. Así no es como veo Manchester, porque Manchester es la ciudad de la gente. Somos una ciudad de cerca de 3 millones de personas, pero actualmente se siente que solo un porcentaje menor de ellas están conectadas a este nuevo renacimiento. Mientras los rascacielos van creciendo en el centro, en el resto de la ciudad se cierran centros comunitarios, clubs y servicios públicos. Esto necesita cambiar. ¿Se involucra el gobierno en el desarrollo cultural? Dejando el Brexit de lado, la devolución a la gente ha sido un tema de suma importancia en cuanto a las políticas domésticas en los últimos 5 años mas o menos. Eso conlleva a un cambio de poder en el Gobierno Central de Westminster con respecto a regiones y principados a lo largo del país, eventualmente cediendo el control para nuestros propios presupuestos y poderes sobre áreas como la seguridad, transporte y salud. Se devolvieron algunas áreas de Reino Unido que formaron sus propias asambleas con los elegidos por los alcaldes. Manchester es líder de este movimiento, desde la campaña inicial por la devolución y también adoptando la forma actual. El alcalde de Gran Manchester, Andy Burnham, guía nuestros diez municipios y está admirablemente enfocado en la cultura de nuestra ciudad, no es hecho menor que antes fuera Secretario de Estado de Cultura, Medios y Deportes en el Gobierno Central. Sin embargo, creo que sus manos están atadas en su mayoría por los presupuestos del Gobierno Central, han ido decreciendo drásticamente en los últimos diez años por el régimen austero impuesto por la administración Tory. En la parte superior de Manchester se inauguró el centro “Northern Powerhouse”, un punto central en este proceso de Devolución. El gobierno

central concedió 70 millones de libras de un costo total de 190 millones del nuevo complejo de artes Factory, un hogar permanente para el Festivales Internacional de Manchester, entonces existen algunos resultados positivos. Ultimamente la cultura depende de las personas, no del gobierno, pero aún así juega su rol reprimiendo a la gente lo cual gira y se produce en cultura. A través de la dinámica y la acción pienso, el potencial cultural de nuestra ciudad es inmenso y deben darse cuenta pronto. Contános de tu nuevo proyecto PeaceMeal es una panadería, comedor y lugar para eventos ubicado en un warehouse abandonado en Ancoats, centro de la ciudad de Manchester. Estoy determinado abordar la crisis humanitaria de la gente sin hogar en nuestra ciudad promoviéndoles ayuda, por medio de empleos para sacarlos de las calles, también abordar el desequilibrio cultural de nuestra ciudad, invitando lo mejor de nuestra música, arte y cultura culinaria en un espacio donde las comunidades son bienvenidas con un enfoque no pretencioso y precios accesibles. Nuestra comida es fantástica pero no es cara, y nuestro estudio (yoga, meditación, micrófono abierto) es gratis para acceder si la gente no puede pagarlo. También estamos construyendo una granda urbana en el techo, lo que nos va a proveer de productos frescos para nuestra cocina y ser parte de programa de comunidad superador para apoyar la salud mental de nuestra ciudad. Vamos a estar haciendo fiestas regularmente con venta de tickets en el warehouse, que es parte del modelo de negocios para poder pagar los estudios y preparación de los empleados, reconectándolos con una vida normal fuera de las calles. En el espacio estamos instalando un sistema de sonido gigante, ya que la música va a ser el centro de todo lo que hacemos. Estamos tomando un enfoque holístico al proceso de curación, ¡y no hay mejor medicina que la música!


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DANNY THE DOG

MASSIVE ATTACK Y ARTES MARCIALES POR SEBASTIÁN DA VINN

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or un lado, tenemos a uno de los mejores actores dentro de las artes marciales como lo es Jet Li junto a Morgan Freeman, por el otro tenemos a Luc Besson, escritor francés reconocido por trabajos como “Nikita” “El quinto elemento” “León el profesional”. En esta ocasión productor de una película llamada “La Bestia” ¿Que te imaginas? Seguramente de todo menos el elemento esencial en esta historia dirigida por Louis Leterrier, también conocida como “Danny the dog” A.K.A. “Unleashead”. Te preguntarás ¿cuál es ese elemento? Nada más y nada menos que la música como nexo conductor, la razón de seguir adelante, apostando y estoy seguro se van a sentir identificados. Que “la música sea la respuesta” es más que un título de track, o una frase para una remera de onda, hay historias de vida que gracias a ella encuentran un camino en el que construyen un nuevo paradigma. En esta particularmente tenemos a Danny, nuestro protagonista, un hombre que ha sido criado desde niño como un perro de pelea por un mafioso con pocas pulgas, y mucha ambición, interpretado por Bob Hoskins. Danny va siempre atado a un collar, cuando su dueño lo quita se convierte en una máquina de matar sin escrúpulos, sin remordimientos, sin manera de detenerlo, lo que permite a nuestro antagonista cobrar todas las deudas ya sea por las buenas o por las malas. En un momento de la historia Danny conoce a Morgan Freeman, que interpreta a un afinador de pianos, y aquí nace presente el elemento central del relato: la música. La acción sucede desde un comienzo, con grandes escenas tan reales que duelen, pero sorprendentemente la película nos lleva por otro lado, nos invita a presenciar la búsqueda de identidad y la importancia

de tener una familia. Acompañado de una exquisita banda sonora a cargo del grupo inglés Massive Attack. La icónica banda que reniega ser etiquetada como un referente del “trip hop” (un género que dice tener influencias del Breakbeat, soul, funk y jazz). Massive Attack surge de la formación de una comunidad artística nombrada “The Wild Bunch” en 1983, en Bristol, Inglaterra donde se juntaron músicos, djs, mc’s y grafiteros. Así fue como Grant Marshall y Andrew Vowles se unieron a Robert Del Naja en 1987, para dar vida a esta reconocida banda. Luego de publicar un par de singles, entre ellos “Safe from harm” junto a la voz de Shara Nelson, en el año 1991 editan su primer disco titulado “Blue lines”, el cual fracaso comercialmente, pero fue muy bien recibido por la crítica y es considerado en la actualidad una obra maestra de la música electrónica. Posteriormente se transformó en uno de los discos más influyentes en la industria musical británica de los noventa, inspirando otros proyectos como Portishead y Morcheeba, clasificados y agrupados en este género llamado “trip hop” también conocido como el “sonido Bristol”. En 1994 editan su segundo álbum en el cual se puede apreciar la evolución sonora y la búsqueda de esa profundidad atmosférica presente en todas sus composiciones. El disco se titula “Protection” nombre del tema el cual cuenta con la participación de Tracey Thorn integrante del dúo Everything But The Girl y que tuvo su videoclip a cargo del genial Michel Gondry, el icónico director. La banda incursionó en remixes y colaboraciones junto a otros artistas entre ellos Garbage y Madonna. La ausencia de un cantante permanente les permitió colaborar constantemente con otros aristas, como David Bowie, Shara Nelson,

Elizabeth Fraser y Sinead O’Connor entre otros. En torno a la película tenemos un disco completo dedicado soundtrack en cuestión, se aprecia una búsqueda sonora, la oscuridad está presente pero no es el eje principal en este caso. Tenemos una lista variada de temas, pasan por melodías ambientales a baterías distorsionadas, dándole el toque necesario a esta gran película en donde el drama está presente, convive con el suspenso y la acción. Es un disco lleno de sorpresas. Mi selección personal podría ir de “One Thought At A Time”, cargado de rock y potencia musical, a “Right Way To Hold A Spoon”, donde encontramos una pista más ambiental y atmosférica. De todas las composiciones me quedo con “Montage”, su melodía acompaña uno de los montajes más lindos del largometraje, un momento que deja enamorado al salir del cine. El único punto negativo es que la mayoría de los tracks no pasa de los 3 minutos, dejándonos muchas veces con la ansiedad de seguir escuchando.

POSDATA

El álbum de la película no incluye la canción “Aftersun” con la voz de Dot Allison que aparece en los créditos, nunca fue editado de manera oficial, solo se lo puede conseguir mediante un bootleg llamado “Obelisk” que contiene otros trabajos sin editar de la banda. En 2005 Virgin publicó una nueva versión del álbum llamado Unleashed con dos bonus track, ninguno de ellos es “Aftersun”.

DATO EXTRA

Massive Attack tuvo que cambiar su nombre a “Massive” durante la primera guerra del golfo (1990) ya que los medios británicos evitaban los términos que recordaran la guerra y la violencia.


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GIN TRONIC POR NICOLÁS BELDI

PH: Lara Kremer

Vestuario: María Burundarena

Sintetizadores, naves espaciales, psicodelia y ciencia ficción. Viajamos al espacio para hablar con Lucas Rañi, Alejandro Zoras, Tomás Guida, Agustín Areal Vélez y Merlina Rañi, una de las bandas más bailadas del momento.


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Somos un dispositivo audiovisual creado para transmitir groove y ciencia ficción.

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Cómo nace Gin Tronic? ¿Quiénes son? Nace en el 2011 como un duo de djs, en ese momento eramos Lucas Rañi y Alejandro Zoras. En 2013 nos propusimos a editar material que fuimos produciendo durante esos años, entonces acudimos a Tom Guida para que nos produzca. De ese proceso nació Phi, nuestro primer LP, y a partir de eso Tom se incorporó como integrante en las presentaciones. La dinámica de trabajo funcionó tan bien que seguimos profundizando y enriqueciendo el material para presentarlo en vivo como banda, sumamos a Agustín Areal Veléz como guitarrista y a Merlina Rañi como anfitriona de Vulkova Ryion, nuestra voz cantante. Rápidamente descubrimos que Agustín era un excelente tecladista por lo cual también fue un gran aporte a nuestro sonido. ¿Cómo se definen? Somos un equipo de aproximadamente 10 personas, porque por un lado está el trabajo musical y sonoro, pero Gin Tronic tiene una propuesta visual, y un proyecto así requiere de muchos cerebros. Dentro de nuestro equipo técnico está Nicolás Maksimiuk que es el jefe técnico de GT en escenario, Javier Serena (Estudio FLUO), diseñador/ desarrollador de tecnología para espectáculos, Francisco Caramelo, Stage mágico y Andrés Damiani, sonidista. Entonces nos definimos como un dispositivo audiovisual creado para transmitir groove y ciencia ficción. ¿Se consideran una banda pop dentro del género electrónica? Sí, dentro de la música electrónica lo que hacemos es música popular, pero si pensamos en lo que es el género estrictamente, lo identificamos más con el R&B. ¡Con todas las controversias que existen sobre la definición de los géneros! ¿Cómo es la historia y sus personajes? El relato de GT se centra en la idea de humanidad. Una tripulación compuesta por humanos, un robot y

la nave nodriza SU.SY, navegan el espacio en el marco de una misión. Muy lejos ya de la tierra, se encuentran con el vértigo de singularidades espaciales y también con la esencia de su humanidad (incluyendo al robot, quien fue programado por humanos). En su odisea atraviesan diversas situaciones: la exploración del planeta PHI, el inminente abandono del planeta, un viaje a través del espacio, cambios de ruta inesperados, y el relevamiento del astro BORUKI, fuente de la señal de Vulkova Ryion. Vulkova Ryion, es la primer forma de vida extraterrstre con la que la tripulación establece contacto y a la vez, un espejo que contrasta con las características biológicas y filosóficas de su humanidad. Sin embargo factores comunes como vida y baile son el nexo que los mantiene en perfecta comunicación. ¿Dónde se inspiraron para los personajes y la estética de la banda? Tenemos muchas fuentes de inspiración, no podríamos determinar solo una. Sin duda el Space Disco es un referente y precursor, ya que también se nutre de la Ciencia Ficción. Y dentro de lo que es Ciencia Ficción nos gustan mucho escritores como Bradbury, Asimov, Philip K. Dick o William Gibson, películas como la saga de Alien, 2001 odisea en el espacio o Star Man, y también somos un poco nerds y nos gusta estar al tanto de teorías de física espacial y astrobiología. ¿Cuáles creen que son las principales dificultades a la hora de mostrar lo que hacen y llegar al público? No encontramos grandes dificultades, tenemos una relación muy linda con nuestro público y también encontramos las situaciones adecuadas para presentar nuestro show como nos gusta. Quizás el fomato banda para un proyecto de música electrónica no es lo más tradicional y a veces implica tener que hacer un camino nuevo, pero eso también es divertido. ¿Están grabando un nuevo disco? ¿el tercero? ¿Qué nos pueden contar? ¡Sí! Estamos trabajando en nuestro tercer LP, también en un nuevo show para presentarlo, con su escenografía, vestuarios y clima. Lo lanzamos en agosto a través de Beathey. Podemos decir que en este disco Vulkova sintonizó su señal al español por algunos momentos, que tenemos un nuevo desdoblamiento de uno de los tripulantes, en forma de Stereo Claudio, y que los programas de todos los tripulantes fueron modificados por la información orgánica de Boruki.


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RAFAEL SOROL Trabajador incansable y referente. Mano a mano con uno de los artistas house con mĂĄs trayectoria del paĂ­s.


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Un buen dj escucha de todo, incluso lo que no le gusta.

POR NICOLÁS BELDI

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Qué es BUTH? ¿Por qué el nombre más allá de la famosa historia de Pappo? BUTH (Buscate Un Trabajo Honesto) es un disco que hicimos con Nicolas Castro. Hace años que tenía la idea de reconstruir canciones de rock en house... A Nicolás, que es brillante productor, le gustó la idea. Trabajamos un año en el proyecto. El nombre se puso solo, Buscate Un Trabajo Honesto... representa el ícono de la discusión entre rockeros y djs en los 90, discusión que hoy por suerte no existe más. ¿El dj es un laburante? Dentro de la música, además de un laburante, es un artista. Cómo laburante es trabajo de entretener, llenar un espacio con música, hacer que lo disfruten. Cómo artista está la capacidad de imponer tu gusto musical, de llevar vos al público a los diferentes climas que proponés. Una vez me pidió una amiga de pasar música de los 50’, ya que era un evento ambientado de época. ¿Cómo soy DJ de House no puedo poner otra música? Me volvió loco el desafío… Me puse a revolver música a lo loco, consultar a colegas, me compré un moño (risas). Fue una noche genial, armé un EP con edits de música de películas de esa época llevados al trip hop que se regaló de souvenir. Ahí tenés... música, laburante y artista. ¿Por qué crees que se lo ningunea al dj a veces? ¿crees que eso está quedando atrás? Hay un montón de gente que dice ser dj sin serlo, eso mancha la profesión. Un buen dj escucha mucho, escucha de todo, incluso lo que no le gusta. Con todo eso encima, un día juntás coraje y te subís a una cabina... No para estar en pose, sino para compartir

eso que tanto amamos. Eso me hace acordar a la primera vez que pasé música. Era el after de Pantheon, fui invitado por Miguel Silver, ¡tenía un miedo! Ahora somos muy amigos, pero en ese entonces él era crack y yo un pibito que ponía su primer disco. Era en vinilo obviamente (año 1997). Me temblaban tanto las manos que no podía agarrar la púa (risas). Me tuve que agarrar de la bandeja para frenar el plato con el pulgar. Al final salió bien... ¡me fue muy bien!... Me sentía gigante al salir al mediodía, caminaba por Av. de Mayo... miraba los edificios de arriba. Viste pasar muchos momentos de la escena en más de 20 años de carrera ¿En qué momento creés que nos encontramos ahora? Siempre el último tiempo es el mejor. Evoluciona todo el tiempo. La nostalgia de tiempos que te fue mejor, muchos recuerdos, te hacen creer algo distinto a veces. Todos añoramos momentos en que las cosas nos salían mejor, y es fácil recordarlo así. Pero lo mejor es sin dudas el presente de cara al futuro. Lo que me parece es la mejor forma de vivir. ¿Sos de mirar el pasado con nostalgia? ¿Cuál es la clave para mantenerte vigente durante tantos años de carrera? Soy de mirar el pasado, no solo porque hay recuerdos lindos, el pasado es quien te enseña. Además, somos un camino, pero pese a que todos tenemos nostalgias, yo soy para adelante. La forma de estar vigente es soñando proyectos nuevos, trabajar para cumplirlos. Hoy es el disco BUTH, pero ya estamos trabajando en cosas nuevas. ¿Cómo te parás de cara al futuro? Folklore... así te lo digo. Cómo deconstruir este estilo gigante en piezas de música electrónica. Aún estamos en la etapa de desarrollo. No queremos caer en la obviedad, ponerle batería a cosas. Por otra parte, como dj me encanta lo que va pasando. Desde el grupo Monkey Porn, a compartir cabina con Juan Pryor. Deberíamos lanzarnos como dúo. ¿qué nombre le pondríamos? (risas) ¿Cómo va Club Rayo Disquets? La verdad que fantástico, ya tiene vida propia, un muy buen ingreso. Ahora lo está manejando Maxi Dalmazo de manera brillante. Logramos cautivar a grandes artistas internacionales para que editen con nosotros. Eso es algo que costó mucho, pero se logró gracias a Juan Pablo Niemes. Actualmente se pueden ver lanzamientos regularmente con artistas de todo el país.


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La constancia y la conciencia lo son todo, fieles a mis criterios como artista.

JESSICA BELLOMO Diseño sonoro. Hablamos con la multifacética artista sobre los desafíos de un emprendedor underground.


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POR NICOLÁS BELDI

S

abemos que sos una artista multifacética; Contános todo lo que hacés. Si, ¡es cierto! Actualmente trabajo en mi marca de ropa (@jessicabellomocouturier/ Jessicabellomo. com), me desempeño como modista en rodaje de una serie (Sueño Bendito), Curo un ciclo bimestral (Copyleft), soy residente de una fiesta súper linda (NEW TECHNO WAVE/ Orange), integrante de un Live set dúo (Colorada), y de una dupla de Djs (Jackheadz, junto a Ale Rotela). También estoy haciendo el diseño sonoro de una obra de teatro físico, produciendo música propia y realizando varias colaboraciones con artistas/emisoras radiales tanto locales como internacionales. ¿Sentís que tienen una conexión entre sí o son expresiones aisladas? Diseñar el vestuario de un personaje, preparar un set, ponerle sonido a lo qué pasa en una obra, o hacer un track son formas de contar una historia. Los artistas recibimos información, decodificamos mensajes y los transmitimos en un nuevo idioma. Creo que una de nuestras grandes misiones cómo artistas o emisores, es lograr que nuestros receptores vivan experiencias únicas y transformadoras. Cada disciplina que ejerzo, es un complemento de la otra, un medio más para llegar a ese fin. ¿Cómo hacés para encontrar el equilibrio? Aunque puede sonar raro, la simultaneidad naturalmente proporciona un equilibrio, te mantiene enamorado de todo lo qué haces, evita que te agotes de la misma actividad y pierdas constancia. También de alguna forma ese equilibrio llegó tras aprender a manejar la demanda laboral de cada campo, y ser firme en mis convicciones. El primer paso fue lograr que el 100% de mis ingresos provenga de mi arte, el siguiente fue y es una constante búsqueda de oportunidades, fieles a mis criterios como artista para que así siga siendo. La constancia y la conciencia lo son todo. Cuando tengo mucha carga horaria de trabajo en vestuario o corsetería, esté o no esté próxima a una fecha me pongo a mezclar, a buscar música o a producir, al menos un par de horas al día. ¿Cuáles son tus desafíos? A corto plazo tocar en algunos lugares de Argentina que me gustan mucho, por los que todavía no pase,

seguir compartiendo escenario y cabina con artistas que aprecio y admiro, contribuir con el crecimiento de la escena “live” a nivel nacional. A mediano plazo sostener eso en el tiempo y desarrollar las mismas actividades en otros países. El gran desafío es poder dejar un legado cultural interesante e inspirador a las generaciones venideras. ¿Te definís como una dj Techno? ¿Cómo lo harías? Mmm... es muy difícil encasillarme en un género. Lo que estoy desarrollando cómo marca distintiva es más bien la agrupación de sonidos que me gustan y me definen tanto como selectora/dj/ productora sin importar el género. Me gustan mucho el techno, electro, jackin house, ácid house, uk garage, jazz y hip hop. Uno puede estar haciendo un set de jazz en una cata de vinos durante un atardecer y dejar entrever sutilmente una beta acida, o estar poniendo techno a las 4am y según cómo este la pista soltar algo de house para refrescar el oído. Estoy dedicando bastante tiempo a hacer música, esa cuestión de que muchas veces lo que quiero que suene no existe. Es más bien una fusión de las cosas que mencioné, está evolucionando constantemente y se convierte en un sonido propio. ¿Qué pistas estás desarrollando o visitando? Copyleft, que es un ciclo bimestral orientado al desarrollo y apreciación de los “lados b” de los artistas, de la música electrónica en vivo. Indistintamente del género o formato en el que habitualmente se presenten, los lineups muestran un concepto diferente en cada edición. El ciclo es de locación itinerante con base en Espacio Ro. Orange Bar en San Martin, donde cada pre-feriado se realiza la fiesta New Techno Wave. El bar desde sus inicios fue planteado como un club de espíritu rockero, donde la conjunción de la atmosfera y energía generan una experiencia memorable . Es una fiesta única. Suelo realizar sets de hasta 6hs para un público variado, que se renueva constantemente. Omm, es uno de mis bares preferidos de la zona de Palermo, no solo por ser una de las primeras cabinas por las que pase, sino también por la calidad y la calidez del bar y de su gente. Con frecuencia soy invitada a Minelek en La Cigale, y a la fiesta Metrica (@somosmetrica) con base en Otra Historia Club Cultural.


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MARIANO FONROUGE Beats de exportación. De Bahía Blanca para el mundo, hablamos con un productor de tracks consistentes. POR NICOLÁS BELDI

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ontános un poco sobre vos ¿Con que géneros te identificás? Soy de Bahía Blanca, provincia de Buenos Aires. Mi historia con la música comienza cuando tenía 14 años. Sin embargo, mi primer contacto con el género electrónica, fue a los 13 años con un disco de varios artistas, una edición de oíd mortales. A mis 15 años ya hacia fiestas de todo tipo, creo que muchos djs comienzan así. En el trayecto conocí varios artistas consagrados, eso me dio una idea de lo que significaba el género y su magnitud. Un amigo me prestó un disco de Hernán Cattaneo, desde ese día no me separe del estilo, luego, el underground me voló la cabeza. Con 16 años era residente en una discoteca.

Si me pongo a pensar soy un productor de Minimal Tech cuando se trata de hacer música, pero creo que no hay que aferrarse a un solo estilo. Actualmente, estoy trabajando a dúo con Ignacio Robles bajo el nombre Listen! Las producciones son tech house. Me identifico con este ultimo estilo, lo encuentro adecuado para la pista de baile, tiene color, variaciones y alegría que viene propiamente del house. ¿Cuáles fueron tus influencias? Es muy difícil esta pregunta, son casi 15 años de escuchar música electrónica, comencé con Lee Cabrera, Planet Funk, conocí lo que hacía Hernan Cattaneo. Después investigue los géneros y me quedé con el Minimal. Fui para el estilo de producción de


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Andre Crom, DJ Koze, Nico Purman, Hernan Bass. Hay varios productores excelentes en lo que hacen y las herramientas para llegar a escuchar su música son más accesibles, sería una lista interminable.

hay más crecimiento. En Buenos Aires, Córdoba, Rosario, están haciendo mucho ruido. A diario me llegan invitaciones para asistir a eventos o producciones de artistas que son realmente muy interesantes.

¿Sentís que con los años se empezó a apreciar más a los productores nacionales? ¿Cómo es tu selección de música normalmente? Así es, es muy notable el nivel de productores nacionales que tenemos actualmente, más aún los que todavía no se dieron a conocer. Antes se hablaba de muy pocos, ahora somos tantos que se complicaría nombrarlos a todos sin que se me olvide uno. Es un orgullo saber que la escena crece y que poco a poco va llegando a manos de personas muy creativas e interesantes. Mi selección de música no depende justamente de si es un productor nacional o internacional, eso me tiene sin cuidado, me fijo mucho que suene bien y que el track tenga variación en su transcurso. Tengo muy en cuenta donde coloco la música, si es un bar o en una discoteca; una parte del set lo dejo preparado dependiendo el lugar y otra gran parte improviso, siempre viendo la respuesta del público. Normalmente en mi selección, sumo las promos que me envían los sellos discográficos y las compras que realizo.

¿Cómo es tu experiencia con BeatHey? Desde que me invito Julian Sorsaburu me he sentido en casa. Destaco mucho el respeto que hay por los integrantes de BeatHey, se preocupan por uno, están para apoyarte en cada paso, muy atentos. Sin dudas no me equivoqué en elegir este proyecto, son una gran familia de la cual me siento parte.

¿Cómo ves la escena del país en general? -Es un tema muy delicado para mi, actualmente sigo viviendo en Bahía Blanca, el crecimiento es muy lento para artistas como nosotros. En otros lugares en general

¿Estás haciendo residencia o fiestas? Actualmente no estoy de residente en ninguna disco, ya fui residente muchos años. Hoy pienso que es mejor estar libre para participar en diferentes cabinas y ciudades, prefiero llevar mi música a donde pueda. Estoy haciendo una fiesta bajo el nombre Respect, es un evento que iniciamos en conjunto con Ignacio Robles. La idea es justamente el respeto para con el artista, eso significa saber todo de él y que no falte nada en su mesa de trabajo. ¿Cuáles son tus próximos releases? Mis próximos releases son Fabrizio Noll - Move (Mariano Fonrouge Remix) Creator label, Raul Alarcon - EmmA (Mariano Fonrouge Remix) Hardcutz Records, Lunch Box EP (Kootz Music), Somebody EP (KOMP Records), Searching The Way EP.


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ENTREVISTA EXCLUSIVA

BUSHWACKA!

“NO TENGO REGLAS. LAS CATEGORÍAS ME HACEN ENOJAR” No muchos artistas electrónicos tuvieron un top 10 en los charts más importantes del mundo. Hablamos con Matthew Benjamin, más conocido como Bushwacka! Cómo reinventarse después del éxito.

POR ALFON Y LEMONADE


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Cómo estás?, ¿Qué has estado haciendo últimamente? Estoy genial, gracias por preguntar. TANTAS cosas están pasando. Estuve en el estudio grabando música nueva, remixando tracks e indagando en archivos viejos y bibliotecas de sonido, redescubriendo samples que tenía olvidados hace tiempo. También me estoy preparando para la temporada en Ibiza con dos residencias, una en Pikes y otra en Zoo proyect. También hay dos shows exclusivos con Layo & Bushwacka! para Resistance en Privilege. Además, estoy planeando mudarme a un estudio más grande y para así poder tener conectado todas mis cosas analógicas otra vez. Tu sonido siempre está evolucionando ¿Qué inspira e influencia eso? ¿Es la música que escuchas o los clubes donde tocas? Estoy en un punto ahora donde tiene que ser puramente sobre los sentimientos y el sonido. Las categorías y los géneros me hacen enojar para ser honesto, solo quiero tocar o hacer música que me gusta, no importa lo que sea. En casa, cuando no estoy produciendo, escucho bastante jazz, ambiental o música relajada, después cuando llego al estudio, o los decks en los que quiero tocar, algunos días toco algo de dark techno y electro breakbeat o cosas raras, abstractas. No tengo reglas, depende de mi humor. ¿Cómo elegís en que sellos lanzar? ¿Priorizas la música o las relaciones? Realmente depende de quién pregunte. A veces le digo a mis amigos si tienen algo nuevo para remixar, porque me encanta su sello, como Get Physical, pero más que nada se acercan a mi. Rechazo muchas ofertas, pero a la vez, no soy muy pretencioso sobre con quien lanzo. Nuevamente, solo me tiene que gustar lo suficiente.


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Lovestory fue una locura, nuestros pies apenas tocaban el piso. El video es algo que deseamos haber podido decir no.

Estuviste en Argentina muchas veces, ¿Viste a la escena cambiar? ¿Sentís una conexión con el público? El público, sobre todo el de ZEF donde fueron mis últimas presentaciones, es más joven ahora, bueno, en realidad no lo es, ¡yo estoy mas grande! (risas).

Siento una conexión con ellos, parece que realmente les gusta mi sonido y la buena música, pero no son demasiado serios, ¡les encanta una buena fiesta! ¿Cuál fue el último disco que compraste y que fue lo mas te gustó de él? “No Geografy” de The Chemical Brothers, en realidad no lo compré, lo escucho en Spotify, igualmente ellos reciben un pago, no mucho. Me encanta su mezcla de lo viejo con lo moderno, lo clásico con lo extraño, música disco con techno… Es muy poderoso. ¿Qué equipos tenés en tu estudio? ¿Alguna herramienta favorita? Ey, soy capaz de usar cualquier cosa que haga un buen sonido. Amo mis monitores Event Opals, son increíbles, mis favoritos. ¿Cómo es el proceso creativo? ¿Suena algo en tu cabeza primero o simplemente vas al estudio y experimentas? Ambas. Me gusta experimentar, pero también ir con


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una idea clara en la cabeza de lo que quiero. Usualmente hay un entrecruzamiento, la mayoría de las veces se va por la tangente y vuelve diferente. Ahí radica el disfrute de poder hacer lo que quiera.

Fue un video terrible. Un rechazo de otro grupo de baile que nos vendió la compañía discográfica, quienes no pudieron idear un mejor plan. Esto es algo a lo que deseamos haber podido decir no.

Tus tracks suenan en todo el mundo, ¿Qué elementos crees que son los factores clave para tu éxito? Creo que si no lo estoy sintiendo no puedo hacerlo auténticamente. Espero que la gente que escucha mi música lo sienta también del mismo modo, o incluso en uno diferente siempre que estén recibiendo vibraciones positivas desde las frecuencias.

¿Algún nuevo lanzamiento del que quieras hablar? Acabo de lanzar la versión 2019 del clásico Healer con Carl Cox, Sasha, MANDY y Denny. Tengo un nuevo lanzamiento en Ultra llamado Get UP que se está escuchando bastante bien en las pistas. También estoy reimprimiendo algunos de mis lanzamientos de vinilo más raros y antiguos en labels como Holding Hands.

¿Cómo se sintió tener un track top 10UK con “Lovestory”? Eso fue una locura…todo pasó tan rápido, nuestros pies apenas tocaron el piso, nos la pasamos volando a todas partes, los días locos. Fue maravilloso poder hacer bailar y sonreir a tanta gente. ¿Cómo nace la idea del video? (Lovestory)

¿A qué sellos estás apuntando para editar tus próximos tracks? En este momento estoy un poco atado a un trato exclusivo con Ultra, pero vamos a ver qué pasa después. Tengo mucha música por lanzar. ¿Algún tip para tus jóvenes fans Dj/productores? Sigan su corazón y recuerden lo más importante: ¿Cómo te hace sentir? ¿A qué suena? ¡Disfruta el viaje!


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BATEA POR AGUSTÍN STOLER

El crecimiento exponencial de la escena electrónica nacional, tanto en público como en material para escuchar, despierta en nosotros los que hacemos Beathey la responsabilidad de actuar sobre los hechos que se suceden día a día. Por esto seguimos persiguiendo nuestra premisa principal, federalizando los sonidos desde el Norte al Sur, desde el Chaco hasta Tierra Del Fuego y desde Beathey a tus oídos. Número a número proponemos una columna curada específicamente para introducir los lanzamientos, talentos, novedades y todo lo que vaya sucediendo con el desarrollo de la música en nuestro país. Es muy importante descentralizar la Capital Federal como el núcleo principal para poder llegar a todos los rincones, donde haya beats en busca de un oyente y sacuda su cuerpo al unísono. Encontraran una inmersión a los sentidos, lo intuitivo y predominante en el gusto musical de los escuchas, diez elegidos apareciendo con el correr de nuestras páginas, haciendo lo que nos gusta hacer desde la función que nos toca, exponiendo y acercando una variante de calidad a lo que estamos acostumbrados a escuchar diariamente. Recuerden: esto no es un ranking ni pretende posicionar a ninguno de los artistas mencionados sino más bien un menú musical para que degusten las nuevas propuestas. ¡Abran sus oídos, el banquete musical está servido!


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LEANDRO DI - THE PLEASURE Este track presenta un sonido Old School con tintes de la nueva escuela. En él predominan los bajos marcados, le dan forma en conjunto con los vocales, que acompañan muy bien al sintetizador, lo hacen matador como nos tiene acostumbrados Leandro en sus producciones.

ALE C - DIVERSITY Cada producción de Ale está respaldada por una solidez musical y experimental que queda firmemente desarrollada en la fuerza de sus tracks. Para no quedarse atrás, Diversity es una gema de la batea que sacamos a relucir.

DANIEL LANDER - WORK IT Con una lista llena de variantes compositivas, Work It nos plantea un viaje sutil, house que posee todo para mantener al escucha concentrado. La linea de bajos no nos deja en ningún momento que el beat se detenga, nuestro deseo de bailar.

JOE FISHER - WELCOME TO THE MACHINE (JOE FISHER & LEANDRO DUTRA BOOTLEG) Si bien este track salió en 2017, lo desempolvamos para traer una joya musical a la batea. Composición acertadísima a la hora de buscar empatar a los Floyd, y una fuerza de pista que pide a gritos cualquier festival, fiesta, club o sala para ser escuchada o bailada.

CLASS 76 FEAT. BARIDI BARIDI - PARTY PILLS Incorrecto, hipnótico, futurista. Existe una conjunción cuasi perfecta entre las vocales y los beats, marcan el recorrido de la canción, dando una simulación de un viaje totalmente sensual. ¡Una gema de la batea!

BELDI - MALA ONDA Luego de un año de fechas y éxitos Beldi se refugia nuevamente en el estudio para fabricar material nuevo. El tema Mala Onda, de su disco El Universo es Verso, fue curado exclusivamente por Spotify en su playlist “Indie Argentina”. Demas está por decir la amplitud y gama profesional que dispara Nico a la hora de consumarse como artista.


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RAFAEL SOROL Y NICOLAS CASTRO - PERO NO (MEJOR NO HABLAR DE CIERTAS COSAS - SUMO) BUTH (Buscate un trabajo Honesto), es un disco conformado por 4 tracks del rock nacional reversionados en house para la pista de baile. La calidad y sutilidad que poseen respeta la clásica personalidad de los temas, que formaron largo de la historia musical de nuestro país.

JOTA MUSIC - JOTA SNATCH House cerebral, fino, comunica mediante sus pads, racks y vocales una forma diferente de transmitirnos el poder con el que se desarrolla el contenido sonoro de un track. Costo elegir uno solo, a prestar atención a los lanzamientos de este artista.

KAIYER - GUAYAQUIL FT. EDUARDO GALEANO Uno de los productores más votados en la selección del Vinyl Contest, nos trae tech house, conguero, excéntrico y extrovertido, bailable, con una perla para los que amamos la lectura, un pasaje del gran Galeano.

DYNACOM - HEYOKA Este track combina tintes house y deep, fusiona eclécticamente conformando melodías que nos pueden hacer bailar, así como relajar, en cualquier ambiente del día.

BARIDI BARIDI - GIRAFFE El sonido de Jessica Rabanal nos acerca a una mezcla tan melómana como sentida. En él fusiona tintes cinemáticos con el poder del dream hop & trip hop, genera piezas hipnóticas y etéreas, incursionando en estilos como downtempo e indie electronico.


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JUAN PRYOR: “LA VIDA SIN GROOVE NO TIENE SENTIDO” Una enciclopedia de la música electrónica. Charlamos y repasamos el pasado presente y futuro de la escena DJ en argentina.

POR GONZALO ARZUA

J

uan Pryor, “El Mono”, es de esos que no necesitan presentación. Con 40 años de carrera como DJ, es uno de los referentes más antiguos de la escena en Buenos Aires, y es respetado no sólo por su trayectoria en las bandejas, sino también por ese amor que lleva por el oficio. Ya con 53 años, recuerda que comenzó a pinchar discos a finales de los 70’, “te podría decir que mi primer contacto con la música de baile fue con la música Disco, me gustaba mucho bailar. En esas épocas no llegaba mucha data y tenía la suerte de que los padres de un amigo viajaban seguido a Estados Unidos y curtían la movida de Studio 54. Siempre traían unos LPs de Funk y Disco que me volvían loco” comenta, y haciendo un poco de memoria confiesa que “el responsable de que yo hoy sea DJ es Nile Rodgers”. ¿Cómo llegaste a la música electrónica? A principio de los 80’. Con el Electro Body Music, el Industrial y el Rock y el Pop, el Dark, tipo Depeche Mode, New Order, Joy Division que, si bien era rock, ya empezaban a mezclarlo con máquinas, samplers,


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y donde aparecen de los primeros “4x4 beat” del Techno, del House y el Acid House, la Roland Tb303 y sin realmente vivenciar en carne propia aquel famoso “Verano del amor” de mediados de los 80’, me pegó mucho por ese lado. Yo era un joven experimentando, así que podría decirse que fue una evolución natural llegar a la música electrónica. ¿Y la escena como la conocemos hoy, cuándo se empezó a palpitar? Recién en los 90’ arranca la escena club, antes había otro tipo de fiestas, pero es para la segunda mitad de la década de los 80’ donde hace eclosión todo esto. Hasta ese momento era todo medio confuso, cada uno ponía lo que le iba llegando. En esa época tuve la suerte de ser disquero, así que manejaba mucha data. ¿Cómo viviste las primeras raves y clubs? Lo viví de muchas maneras, también podría decir que lo imaginé de muchas maneras. De hecho, también lo imaginé de la manera que fue, que no sé si era la “ideal” quizás. La verdad es que plantamos la semilla. Al principio lo hacíamos todo nosotros, muy a pulmón, sin sponsors y sin tener una idea marcada de como implementarlo como un modelo de negocios. Éramos artistas underground organizando todo, y de alguna manera aprendiendo. Después vinieron las productoras con el know how, y ya sabemos lo que ocurrió con la masificación en grandes eventos, fiestas y demás. Y los clubs, sería larguísimo hablar de esa historia, lo puedo resumir con que hoy en día veo que hay más cultura de “boliche” que de club lamentablemente, cuando tuvimos grandísimos lugares con conceptos artísticos bien concretos. ¿Cómo ves la evolución de la escena? Fue mutando caóticamente, como también lo hace la música. Hoy tenés varias realidades, por un lado tenés a la nueva escuela y los fetichistas de lo clásico; por otro lado, de golpe surgen y resurgen estilos que uno nunca pensaba que iban a pegarla, como el EDM o sonidos más experimentales, por decir dos contrapuestos. Juan aclara que no cree en el purismo y analiza: “Partiendo de eso, y de la idea que el arte del dj es mezclar sonidos (y no tracks), y a su vez, que la evolución tecnológica nos ha permitido un gran cambio a nivel sonoro y de ejecución, el trabajo del dj ha evolucionado mucho a lo largo de los años. Pero aclara que, desde el vamos y como una norma esencial, “para ser DJ primero tenés que ser Disc Jockey, y antes tenés que saber musicalizar”. Recuerdo que en un reportaje comparabas la escena electrónica con el movimiento hippie ¿Creés que sigue pasando lo mismo? Contemplando aquella premisa de amor y paz por sobre todas las cosas que caracterizó al movimiento


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A los nuevos djs hay que dejarlos ser y compartirles cuanto más se pueda del conocimiento propio y guiarlos.

Hippie, y desde una visión romántica, sigo creyendo lo mismo y encuentro puntos en común entre el Hippismo y un dancefloor, lleno de gente conectada con el entorno donde la música y el baile generan una suerte de ritual colectivo de celebración pagana donde la empatía y la vibra imponen ese clima de amor, paz, esa comunión de energías que cuando se juntan todos sabemos que pasan cosas. Y el Groove... el groove enamora, erotiza, y para mí, la vida sin groove no tiene sentido. ¿Dónde ves que radica la esencia del underground y en qué lo distingue del mainstream? Desde hace ya unos cuantos años el underground es sólo cuestión de actitud. Por definición es algo que requiere un poco de secreto y de mantenerlo oculto. Artísticamente quizás implica no tranzar, ni con el mainstream, ni con lo estipulado o establecido. Pero ojo, en el momento en el que uno ya cuelga su música a vender o a girar en las redes, de algún modo se pierde eso y todo ya huele a mainstream, y así funciona la cosa hoy por hoy. Pero bueno, por otro lado, porque el EDM esté de moda yo no voy a poner esa música. Creo que la música que uso tiene cierto “feeling”, y mi forma de tocarla y contar

un cuento donde el groove comanda todo, es mi “sonido o marca registrada”. ¿No sentís que esa polarización se ha marcado más a lo largo del tiempo? Yo creo que siempre estuvo, es un poco lo que decía antes. Tiene mucho que ver internet y las comunicaciones. Quizás hoy voy a una fiesta que para mí es under, en un sótano, con djs y productores poniendo su propia música, o la de sus colegas, pero de golpe las redes sociales la volvieron mainstream de alguna manera. ¿A dónde ves que se encamina la música electrónica? No me pongo a pensar mucho en eso, sería ponerme a hacer futurología. Y viendo, a su vez, que hubo cosas que me imaginé que iban a pasar y no pasaron, y cosas que pasaron que nunca me imaginé podía llegar a ver, te puedo decir que es muy incierto todo. Lo que sí veo es mucho talento en productores argentinos, uruguayos y muy buena música en muchos géneros por toda la región. Y algo en lo que no hay dudas es que hoy están influyendo mucho las herramientas que


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nos da internet y el mundo digital, como las redes sociales y los vínculos que nos brinda ese espacio. Pero influyen más sobre la estética y artística y no sobre la música. Hoy de golpe apareció el Trap e irrumpió contra todo pronóstico, y quieras o no, llegó para quedarse, pero no es más que un fenómeno de redes sociales, porque desde lo musical no siento que aporte mucho, con el perdón de aquellos artistas que se dedican a eso. Lo que veo, es que se están haciendo las cosas bien como es el caso de Beathey, por ejemplo, con el tema de la monetización de los artistas de la plataforma y que todo tenga un sentido muy democrático y de comunidad. Desde la docencia ¿Cómo ves la visión de los pibes cuando encaran la carrera de dj? La encaran desde algunos preconceptos. Pero como yo soy un tipo que no se guarda nada, ni desde lo técnico, artístico o conceptual. Habiendo tenido alumnos con un abanico de gustos y objetivos completamente distintos te puedo decir que, a medida que van aprendiendo, el mismo proceso los va depurando de todo preconcepto. Como que los va encaminando y hasta cambiando los objetivos. Hay

que dejarlos ser y compartirles cuanto más se pueda del conocimiento propio y guiarlos. Porque mientras más buena música los pongas a tocar en las prácticas a esos chicos y esas chicas, música que, en una gran mayoría no conocen, les va gustando y formando, y cuando empiecen a tocar, más gente va a escuchar música buena, y es importantísimo eso porque le hace bien a la escena. Es una sencilla ecuación. En ese sentido, mis alumnos son realmente discípulos, y te enorgullece mucho cuando los ves tocando desde en movidas locales under a festivales en Latinoamérica, o editando en sellos, rankeando en charts. Te llena de orgullo la verdad. ¿Qué le recomendás a los pibes que recién arrancan? Considero que la mayor virtud de un buen dj es el Timing, y para lograrlo lo primero que hay que vencer es la ansiedad, es la mayor enemiga de ese timing tan necesario. Así que dejar la ansiedad en la puerta de la cabina es lo mejor que les puedo recomendar. Uso y no abuso cuando pinchamos y cuando metemos efectos, respetar el arte-oficio. Y el uso, pero no abuso, me refiero también en todos los aspectos de la vida. Nada más que eso.


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