Casa Brasil Miami: Art Basel 2021

number 1 - january 2022

Special Edition

Art Basel Week 2021 A Celebration of Brazilian Culture

our cover

Photo by @flipboard

EDUARDO KOBRA

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rom the outskirts of São Paulo to the world. Born in 1975 in Jardim Martinica, a poor neighborhood in the south of São Paulo, the artist Eduardo Kobra has become one of the most recognized muralists today, with works on 5 continents.

Since the Olympic Games in Rio in 2016, he holds the record for the largest graffiti mural in the world - first with ‘Etnias’, painted to celebrate the event, with 2,500 square meters; mark surpassed by himself in 2017, with a work in honor of chocolate that occupies a wall of 5,742 square meters on the margins of the Castello Branco Highway, in the Metropolitan Region of São Paulo.

One of his most famous works is ‘O Beijo’, performed in 2012 on the High Line in New York - erased four years later. It is a colorful reinterpretation of the image made by the American photojournalist Alfred Eisenstaedt (1898-1995) on August 13, 1945, when the people took to the streets to commemorate the end of World War II. His first mural outside Brazil was in Lyon, France, in 2011. At the time, he had been invited to illustrate a wall in a neighborhood that was undergoing a process of re- vitalization - that is, he used his Muros da Memória approach to help with historical appreciation of the region. Since then, he has painted in countries such as Spain, Ita- ly, Norway, England, Malawi, India, Japan, United Arab Emirates, in addition to several North American cities.

a periferia de São Paulo para o mundo.

Nascido em 1975 no Jardim Martinica, bairro pobre da zona sul de São Paulo, o artista Eduardo Kobra tornou-se um dos muralistas mais reconhecidos da atualidade, com obras nos 5 continentes.

Desde os Jogos Olímpicos do Rio em 2016, ele detém o recorde do maior mural de grafite do mundo – primeiro com ‘Etnias’, pintado para comemorar o evento, com 2.500 metros quadrados; marca superada por ele mesmo em 2017, com uma obra em homenagem ao chocolate que ocupa um paredão de 5.742 metros quadrados às margens da Rodovia Castello Branco, na Região Metropolitana de São Paulo.

Uma de suas obras mais famosas é ‘O Beijo’, apresentada em 2012 no High Line em Nova York - apagada quatro anos depois. É uma reinterpretação colorida da imagem feita pelo fotojornalista americano Alfred Eisenstaedt (1898-1995) em 13 de agosto de 1945, quando o povo saiu às ruas para comemorar o fim da Segunda Guerra Mundial.

Seu primeiro mural fora do Brasil foi em Lyon, na França, em 2011. Na época, ele havia sido convidado para ilustrar um muro em um bairro que passava por um processo de revitalização - ou seja, usou sua abordagem Muros da Memória para ajudar na valorização histórica da região. Desde então, já pintou em países como Espanha, Itália, Noruega, Inglaterra, Malawi, Índia, Japão, Emirados Árabes Unidos, além de várias cidades norte-americanas.

Eduardo Kobra Hospital das Clínicas - Sao Paulo, Brazil Title: Science and Faith | Ciência e Fé 3

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The Luxury Real Estate Boutique When Buying or Selling Miami Beach • Bal Harbour • Surfside • Sunny Isles Beach • Golden Beach Downtown Miami • Brickell BRG International is a multidisciplinary real estate company founded by Matias Alem, a Brazilian broker and architect, recognized for his innovative strategic development and growing portfolio of national and international clientele. We can truly be our client’s “one stop real estate company,” with services for every stage in the realty process. We specialize in ambitious projects, providing the highest of standards for each endeavor. Give yourself an opportunity to explore our company and get inspired by our team of professionals.

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BRG INTERNATIONAL, LLC | Licensed Real Estate Brokerage Business 605 Lincoln Road, Suite 302, Miami Beach, FL 33139 | 305.397.8788 | www.brgintl.com The Fair Housing Act (FHA) prohibits discrimination in the sale, rental and financing of dwellings, and in other housing-related transactions, based on race, color, national origin, religion, sex, familial status (including children under the age of 18 living with parents or legal custodians, pregnant women, and people securing custody of children under the age of 18) and disability.

EDITORIAL

B raz i l wi thou t borders Brasil sem Fronteiras

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asa Brasil Miami is a Brazilian platform for business development and experiences in the international market.

A contemporary and inspiring icon that connects people, brands, and purposes in an increasingly demanding and well-informed consumer scenario.

Brazilians’ warmth and creativity is recognized all over the world, creating a lasting, uniquely Brazilian spirit that travels everywhere. We embody both the brightness of a young country, and the tradition of the old world, which gives us the power to create the most electric and yet comforting celebrations. This comes together in simple ways: Brazil is known for its hospitality. So come along with us and feel right at home!

Welcome to Casa Brazil Miami.

Casa Brasil Miami é uma plataforma brasileira de desenvolvimento de negócios e experiências no mercado internacional. Um ícone contemporâneo e inspirador que conecta pessoas, marcas e propósitos em um cenário de consumo cada vez mais exigente e informado.

O calor e a criatividade dos brasileiros são reconhecidos em todo o mundo, criando um espírito brasileiro único que viaja para todos os lugares. Incorporamos em nossa existência tanto o brilho de um país jovem quanto a tradição do velho mundo; isso nos dá o poder de criar celebrações que são tão elétricas quanto reconfortantes. Isso se concretiza de maneiras simples: o Brasil é conhecido por sua hospitalidade. Então venha conosco e sinta-se em casa!

Bem-vindo à Casa Brasil Miami.

President & CEO Casa Brasil Miami

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S TAY T U N E D 2022 EDITION D E C E M B ER 1 - 4 2 0 2 2 D U RING A R T B A S E L M I A M I

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www.casabrasilmiami.com

INSTITU TIONA L Suppor t

M edia Partners

T h e

A r t

M a g a z i n e

IN STITUTION AL SPON SORS

POWERED BY

a p roud member o f

summary Special Edition

Art Basel Week 2021

20 institutional Casa Brasil Miami

24 art in brazil an overview History

34 semana de 22 History

42 literature History

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FEATURED ARTISTS Casa Brasil Miami

78 urban art

The power of communication in urban art in Sao Paulo

84 out&about

Brazilian Connection

107 culture

Art and Cultural Movements in Rio de Janeiro

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Editor-in-Chief Giuliana Brandao Graphic Art Director Vivian Lobenwein Content Writer Bruna Amorim Marketing Manager Catarina Angelini Contributors

Priscila Oliveira Vanessa de Oliveira Fauci Rubival Lima Simone Piva Ana Maria Pasiani

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Sustainability

Published by Atlantic Streaming LLC

Bright Ideas

www.atlanticstreaming.com

126 gastronomy

Save a Seat on the Table

134 gallery

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CA S A B RA S IL MIAMI 2 0 2 1

MEET OUR ARTISTS AND BOARD MEMBERS Conheça nossos Artistas e Membros do Conselho

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asa Brasil Miami is honored to present a series of digital and in-person content throughout 2022. These include workshops, lectures and chats on Brazilian socioeconomic and cultural topics.

Additionally, an exclusive curation of artists were selected by Jade Matarazzo for the first special edition of Casa Brasil Miami during Arte Basel Week.

This wonderful team was present at Casa Brasil Miami 2021 to share their experiences and generate knowledge for the Brazilian creative community. In this edition, we prioritize topics such as art, entrepreneurship, design and innovation, creativity, gastronomy, entertainment, diversity, support for new talents, female leadership and sustainability.

A Casa Brasil Miami tem a honra de apresentar uma série de conteúdos digitais e presenciais ao longo de 2022. São workshops, palestras e bate-papos sobre temas socioeconômicos e culturais brasileiros. Além disso, uma seleta curadoria de artistas foram selecionados por Jade Matarazzo para a primeira edição especial da Casa Brasil Miami durante a Arte Basel Week.

Essa equipe maravilhosa esteve presente na Casa Brasil Miami 2021 para compartilhar suas experiências e gerar conhecimento para a comunidade criativa brasileira.

Nesta edição, priorizamos temas como arte, empreendedorismo, design e inovação, criatividade, gastronomia, entretenimento, diversidade, apoio a novos talentos, liderança feminina e sustentabilidade.

Jade Matarazzo Vice President Casa Brasil Miami

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ART

LIVE S

TALKS workshops

EXHIBITION

Face-to-face and virtual presentations with professionals working in the international art market, currently renowned protagonists from different areas, sharing experiences and generating knowledge for the creative community.

A curated experience through Brazilian art, featuring wonderful artists from all corners of the country.

Uma experiência com curadoria sobre arte brasileira, apresentando artistas maravilhosos de todos os cantos do país.

Apresentações presenciais e virtuais com profissionais que atuam no mercado de arte internacional, atualmente protagonistas renomados de diversas áreas, compartilhando experiências e gerando conhecimento para a comunidade criativa.

Private Dinner Experiences

G a l l er y &BISTRO An all-day experience through the best of Brazil. Inspired by ingredients typical to Brazilian cuisine, the Gallery & Bistro section of the event will feature a variety of drinks, snacks, delicacies, and more to keep you full throughout your stay.

Mealtimes are very important in Brazilian culture, so it’s no surprise that dinners at Casa Brasil Miami will be special. Under the curatorship of amazing chefs, our themed dinner experiences will feature dishes inspired by the various regions of Brazil.

Uma experiência de um dia inteiro com o melhor do Brasil. Inspirada em ingredientes típicos da culinária brasileira, a seção Gallery & Bistro do evento contará com uma variedade de drinks, petiscos, iguarias e muito mais para mantê-lo satisfeito durante sua estadia.

O momento das refeições é muito importante na cultura brasileira, por isso não é surpresa que os jantares na Casa Brasil Miami sejam super especiais. Sob a curadoria de chefs incríveis, nossos jantares tematicos terão experiências inspiradas nas diversas regiões do Brasil.

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Board Members of Casa Brasil Miami

G e o r g e Fa u c i

ALEX NASCIMENTO

Robson Granero

BOARD MEMBER | Head of Finance & Fundraising Committees

BOARD MEMBER | Head of Art NFTs & Crypto Investments Committee

BOARD MEMBER | Head of Art Logistics Committee

Priscilla Oliveira

L u c a s S i lva

M at e u s A l e m

BOARD MEMBER | Head of Marketing Committee

BOARD MEMBER | Head of Food & Beverage Committee

BOARD MEMBER | Head of Planning Committee

M at i a s A l e m

Rodrigo Fonseca

Alexandre Piquet

BOARD MEMBER | Head of Policy Committee

BOARD MEMBER | Head of Governance Committee

BOARD MEMBER | Head of Institutional Relations Committee

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Apresentado por

Vanessa de Oliveira Fauci vanessadeoliveirafauci

Não perca todos os dias, no break do Jornal da Band

+1 (888) 434- BAND | band@bandadsales.com

Wearable Art by Ronaldo Fraga

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IN S TITUTIONAL

CASA BRASIL MIAMI A Brazilian platform for business development and experiences in the international market that inspires and connects brands and purposes. This is Casa Brasil Miami.

Uma plataforma brasileira de desenvolvimento de negócios e experiências no mercado internacional que inspira e conecta marcas e propósitos. Esta é a Casa Brasil Miami.

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hub of culture, entertainment, and business!

Through the curatorship of Giuliana Brandao and Jade Matarazzo, a wonderful Brazilian-themed cultural Pop-up space, located on Lincoln Road in South Beach Miami, will reproduce the habits, customs, and references of our country in the USA. The destination will be the stage for Brazil during the most important week of art in the United States. Featuring visual artists, architects, fashion designers, artisans, chefs, and lots of music.

m centro de cultura, entretenimento e negócios!

Através da curadoria de Giuliana Brandão e Jade Matarazzo, um maravilhoso espaço Pop-up cultural e temático Brasileiro, localizado na Lincoln Road em South Beach Miami, vai reproduzir os hábitos, costumes e as referências do nosso país nos EUA. O local será o palco do Brasil durante a semana mais importante de arte nos Estados Unidos. Entre artistas plásticos, arquitetos, designers, artesãos, chefes de cozinha e muita música.

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@osgemeos courtesy of Pinacoteca

IN S TITUTIONAL

CASA BRASIL MIAMI IS A PLACE a place of unique and unforgettable experiences.

CASA BRASIL MIAMI É UM LOCAL UM LOCAL DE EXPERIÊNCIAS ÚNICAS E INESQUECÍVEIS. The heart of Casa Brasil Miami is a Brazilian cultural cradle, sharing knowledge through lectures and workshops, stimulating the diversity of our country, portraying our history, and debating innovation, new future technologies, and scenarios.

In addition, our visual art exhibitions, Art Gallery, and a Pop-up Store will foster opportunities for new local and virtual businesses.

Our goal is to create a movement that supports and encourages new talents, entrepreneurs, and the Brazilian industry in the development of new businesses; implementing cultural exchange between countries through communication and new relationships.

O coração da Casa Brasil Miami é um berço cultural brasileiro compartilhando conhecimento através de palestras e workshops, estimulando a diversidade e os aspectos regionais do nosso país, retratando a nossa história e debatendo sobre inovação, novas tecnologias e cenários futuros.

Além disso, exposições de artes visuais, Galeria de Arte e uma Pop-up Store fomentarão oportunidades de novos negócios locais e virtuais.

Nosso objetivo é criar um movimento que apoie e incentive novos talentos, empresários e a indústria brasileira no desenvolvimento de novos negócios, implementando o intercâmbio cultural entre os países através da comunicação e de novos relacionamentos.

OUR PURPOSE

NOSSO PROPÓSITO

Promote, support, consolidate and generate business through Brazilian art, gastronomy and culture.

Create a respected image and solid positioning of Brazilian companies in the international market.

Promover, posicionar, consolidar e gerar negócios através da arte, gastronomia e cultura brasileira.

Criar uma imagem respeitada e um posicionamento sólido de empresas brasileiras no cenário internacional.

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Atrium Productions and Solutions is specialized in thinking outside of the box and creatively assisting clients in a wide realm of products that best suit their production interest and need.

we create and deliver the best video solutions

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HEAD OFFICE: 2 CEDAR ST, WOBURN MA - 01801 |

+1 (617) 803-6066

history

Art IN Brazil

an overview

From our earliest days to our bright future – dive into a brief history of Brazilian art.

Dos nossos primeiros dias ao nosso futuro brilhante - mergulhe em uma breve história da arte brasileira.

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rt is intrinsic to any culture and its people, and it is the greatest means of expression we have . Whether it expresses the artists’ inner world or their experience interacting with the world around them, art is in many ways particularly influenced by the time and space in which it is produced. There is much value to be extracted and appreciated when analyzing Brazilian art, not only for the ways in which it reflects Brazil itself, but also its own individual citizen’s stories as they echo others. Indeed, Brazil has been a prolific producer of artists, especially in the field of contemporary art.

This excellence is the succession of our rich artistic history. It began ages prior to the canvases, as many indigenous peoples’ cultures held art as

arte é intrínseca a qualquer cultura e seu povo e é o maior meio de expressão que possuímos. Quer expresse o mundo interior dos artistas ou sua experiência de interagir com o mundo ao seu redor, a arte é, de muitas maneiras, particularmente influenciada pelo tempo e espaço em que é produzida. Há muito valor a ser extraído e apreciado ao se analisar a arte brasileira, não apenas pelas formas como ela reflete o próprio Brasil, mas também as histórias de seus próprios cidadãos.

De fato, o Brasil tem sido um prolífico produtor de artistas, especialmente no campo da arte contemporânea.

Essa excelência é apenas a sucessão de nossa rica história artística. Tudo começou muito antes das telas, já que muitas culturas dos povos indígenas consideravam a arte algo absolutamente intrínseco a eles pessoalmente

Emigrantes, Lasar Segall

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something absolutely intrinsic to them personally and their society. There was an intense production of art in these societies, especially in the regions of the Amazon. They produced everything from ornaments and ceramics, to body paints, weaves, headdresses, masks, and much, much more. Of course, it must be mentioned that, no matter how much was preserved by the community to this day, the loss of destruction due to colonization was immeasurable, erasing several cultures in the process.

What became Brazilian art, then, after and throughout the process of colonization, was a close analysis of art movements in Europe. Much of Brazilian architecture produced during this time closely follows foreign influences, and art was no different. However, there was always a certain flair to our art that was uniquely Brazilian, revising these influences into our own image. Take the Baroque movement, for example, which was introduced by colonizers and missionaries as a vehicle for religious reverence. Our artists and architects produced grandiose works, mainly churches and holy sites and artifacts, marked by intricate ornamentation and exuberance. These works became icons of cities in the Northeast, especially in the state of Minas Gerais. The most famous artist to work this style was Antônio Francisco Lisboa, better known as Aleijadinho.

Though there were a few important movements following Baroque, Brazilian artists really began to shine during the Modernist era. Though Modernism was fairly short-lived in history books, it had a great impact in the art scenes of several countries, including Brazil. Born out of the rapid changes in society through the end of the 19th century, Modernism was a reflection of a changing culture. Brazilian modernism specifically was marked by the desire for freedom, irreverence, anti-traditionalism and anti-academicism, which was reflected not only in the visual arts, but also in the literary arts. The “Semana de Arte Moderna of 1922” – also known simply as Semana de 22 – was an astoundingly influential event in Sao Paulo, which gathered great intellectuals and artists, introducing a new artistic

São Sebastião, Séc.XVIII, Aleijadinho. casa brasil miami

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e à sua sociedade. Havia uma intensa produção de arte nessas sociedades, principalmente nas regiões da Amazônia. Eles produziram de tudo, desde ornamentos e cerâmicas a pinturas corporais, tecidos, cocares, máscaras e muito, muito mais. Claro, é preciso mencionar que, por mais que tenha sido preservado pela comunidade até hoje, a perda de destruição devido à colonização foi incomensurável, apagando várias culturas no processo.

O que se tornou arte brasileira, então, após e ao longo do processo de colonização foi uma análise atenta dos movimentos artísticos na Europa. Grande parte da arquitetura brasileira produzida nessa época segue de perto influências estrangeiras e com a arte não foi diferente. No entanto, sempre houve um certo toque em nossa arte que era exclusivamente brasileiro, revisando essas influências em nossa própria imagem. Veja o movimento barroco, por exemplo, que foi introduzido por colonizadores e missionários como um veículo de reverência religiosa. Nossos artistas e arquitetos produziram obras grandiosas, principalmente igrejas, locais sagrados, artefatos, marcados por intrincada ornamentação e exuberância. Essas obras se tornaram ícones de cidades do Nordeste e principalmente de Minas Gerais.

O artista mais famoso a trabalhar esse estilo foi Antônio Francisco Lisboa, mais conhecido como Aleijadinho.

Embora tenha havido alguns movimentos importantes após o barroco, os artistas brasileiros realmente começaram a brilhar durante a era modernista. Embora o modernismo tenha vida curta nos livros de história, ele teve um grande impacto no cenário artístico de vários países, incluindo o Brasil. Nascido a partir das rápidas mudanças na sociedade até o final do século 19, o Modernismo foi um reflexo de uma cultura em mudança. O modernismo brasileiro foi marcado especificamente pelo desejo de liberdade, irreverência, antitradicionalismo e anti-acadêmico, o que se refletiu não só nas artes visuais, mas também nas artes literárias. A “Semana de Arte Moderna de 1922” - também conhecida simplesmente como Semana do 22 - foi um evento de grande influência em São Paulo, que reuniu grandes intelectuais e artistas, apresentando uma nova visão artística. Entre as artes visuais, nomes como Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti e Vicente do Rego Monteiro se destacaram. Já o campo da

The expressionism of Candido Portinari.

The expressionism of Anita Malfatti in Tropical.

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Antropofagia, 1929 Anthropophagy, 1929 Fundacao Jose and Paulina Nemirovsky Collection Sao Paulo

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Brazil has been a prolific producer of artists, especially in the field of contemporary art. vision. Among the visual literatura teve escritores como o Brasil tem sido arts, names like Anita MalMário de Andrade, Oswald um prolífico fatti, Tarsila do Amaral, Di de Andrade, Manuel BandeiCavalcanti, and Vicente do ra, Jorge Amado, Clarice Lisprodutor Rego Monteiro stood out. pector, Carlos Drummond de de artistas, Meanwhile, the field of litAndrade, Vinícius de Moraes, especialmente erature had writers such as Cecília Meireles, entre outros. no campo da arte Mário de Andrade, Oswald É difícil subestimar a imporde Andrade, Manuel Bantância desta semana e deste contemporânea. deira, Jorge Amado, Clarice grupo de artistas para o maior Lispector, Carlos Drumespectro da arte brasileira mond de Andrade, Vinícius você pode encontrar mais inde Moraes, Cecília Meireformações sobre a Semana de les, among others. It is difficult to understate the 22 mais adiante em nossa revista. importance of this week and this group of artists to Por volta do mesmo período que viu o surgimento the greater spectrum of Brazilian art – you can find do Modernismo, veio o Expressionismo. Na verdade, more information about Semana de 22 further into a arte expressionista no Brasil também está frequenour magazine. temente ligada ao Modernismo devido à sobreposição Around the same period that saw the rise of de tempo, práticas e artistas. A pintura foi o principal Modernism came Expressionism. In fact, Expresmeio utilizado por esses artistas, que empregaram cores sionist art in Brazil is also often attached to Modfortes e vibrantes em obras que realmente priorizaram ernism due to the overlapping of time, practices, a expressão. O núcleo desse movimento era o reino inand artists. Paintings were the main medium used certo dos sentimentos humanos e da subjetividade, e foi by these artists, who employed strong and vibrant considerado uma resposta ao positivismo. É nesse mocolors in works that truly focused on expression. vimento que encontramos grandes artistas como Tarsila The core of this movement was the uncertain realm do Amaral, Lasar Segall e Anita Malfatti. of human feelings and subjectivity, and it was conO legado desses dois períodos é o alicerce da arte considered a response to Positivism. This movement is temporânea, que tem sua formação inicial datada da where we find great artists such as Tarsila do Amadécada de 1960. Esta foi uma década turbulenta para ral, Lasar Segall, and Anitta Malfatti. a comunidade internacional em geral, mas ainda mais The legacy of these two periods is the bedrock para o Brasil especificamente. O golpe de Estado de of Contemporary art, which has its initial forma1964 mudou o Brasil para sempre: instituiu uma ditation dated to the 1960s. This was a turbulent dedura militar que duraria até 1985. Uma característica cade for the international community at large, but marcante das ditaduras enquanto tal é a romanização even more so to Brazil specifically. The coup d’etat e a tentativa de retorno aos “valores tradicionais”, conof 1964 changed Brazil forever: it instituted a miliceito maleável utilizado para contrastar a suposta setary dictatorship that would last until 1985. A firm gurança do regime versus a incerteza do futuro. A arte characteristic of dictatorships as such is the romanproduzida nesse período foi uma reação contrastante a 29

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Vik Muniz

ization of and an attempt to return to “traditional values,” which is a malleable concept used to contrast the supposed safety of the regime versus the uncertainty of the future. Art produced during this period was a contrasting reaction to these values, introducing a certain anti-traditionalism present in our art to this day. This period also saw the rise of intuitive artworks that allowed for more interaction between the public and the pieces . In recent years, Brazil has also seen a dramatic increase in the recognition of graffiti as an artform, and artists like OsGemeos, Kobra, and Cranio are renowned in this field. Photography is also a noteworthy medium, featuring artists like Sebastiao Salgado, Aracasa brasil miami

esses valores, introduzindo um certo antitradicionalismo presente em nossa arte até os dias de hoje. Este período também viu o surgimento de obras de arte intuitivas que permitiram uma maior interação entre o público e a obra. Nos últimos anos, o Brasil também viu um aumento dramático no reconhecimento do graffiti e do street art como forma de expressões artísticas, através de nomes como: OsGemeos, Kobra e Crânio, Thiago Mundano, Speto, para citar alguns. A fotografia também é um meio de destaque, com artistas como Sebastião Salgado, Araquém de Alcântara, German Lorca, entre outros.

O cenário atual da arte brasileira é incrivelmente diverso, alcançando todos os meios imagináveis. Exis30

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Children of the earth, Ernesto Neto Sunforceoceanlife, Ernesto Neto 31

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quém de Alcântara, German Lorca, among others.

The current scenario of Brazilian art is incredibly diverse, reaching every medium imaginable.

There are, of course, a few names to keep an eye out for when exploring our art. Much of the scope of our art today has elements of conceptual art, which is reflected in the works of artists like Carlito Cavalhosa, whose works like “Ja estava assim quando eu cheguei” (2006) and “Sum of Days” (2011) utilize different objects and techniques to transform spaces in ways that allow public interaction. Another installation artist to follow is Ernesto Neto, who creates giant works that evoke sensuality and bodily experiences, such as “ObichoSusPensoNaPaisaGen” (2011). Iran do Espirito Santo is as well-known abroad as he is at home, with some of his sculptures of abstracted daily objects included in the permanent collection of the MoMA. Mixed media is also a popular medium for contemporary Brazilian artists, like Adriana Varejao, whose works on tile, walls and other mediums reflect the difficult history of Brazilian society. Additionally, Vik Muniz is known internationally for his works utilizing mundane materials to create his works, which include recreating a da Vinci painting in peanut butter and jam, a Warhol in diamonds, and creating massive masterpieces out of garbage.

Art is intrinsic to the Brazilian identity in every way. From our passion for traditional art like paintings, drawings and sculptures, to how we gravitate towards sensory experiences like music, literature, gastronomy, dance, and more. Brazilian art can only grow from here, taking us on journeys through our history as well as our personal and shared identities – the question is, where will we go next? casa brasil miami

Instituto Tomie Ohtake Speto

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The current scenario of Brazilian art is incredibly diverse, reaching every medium imaginable.

tem, é claro, alguns nomes para ficar de olho ao explorar nossa arte. Grande parte do âmbito da nossa arte hoje tem elementos de arte conceptual, o que se reflecte nas obras de artistas como Carlito Carvalhosa, cujas obras como “Já estava assim quando eu cheguei” (2006) e “Soma dos Dias” (2011) utilizam objetos e técnicas diferentes para transformar espaços de maneiras que permitam a interação do público. Outro artista de instalações a seguir é Ernesto Neto, que cria obras gigantes que evocam sensualidade e experiências corporais, como “ObichoSusPensoNaPaisaGen” (2011). O Irã do Espírito Santo é tão conhecido no exterior quanto em casa, com algumas de suas esculturas de objetos abstratos do cotidiano incluídas no acervo permanente do MoMA. A mídia mista também é um meio popular para artistas brasileiros contemporâneos, como Adriana Varejão, cujos trabalhos em azulejos, paredes e outros meios refletem a difícil história da sociedade brasileira. Além disso, Vik Muniz é conhecido internacionalmente por seus trabalhos utilizando materiais mundanos para criar seus trabalhos, que incluem a recriação de uma pintura de Da Vinci em manteiga de amendoim e geleia, um Warhol em diamantes e a criação de grandes obras-primas a partir do lixo.

A arte é intrínseca à identidade brasileira em todos os sentidos. Desde nossa paixão pela arte tradicional, como pinturas, desenhos e esculturas, até como gravitamos em direção a experiências sensoriais como música, literatura, gastronomia, dança e muito mais. A arte brasileira só pode crescer a partir daqui, nos levando em viagens através de nossa história, bem como de nossas identidades pessoais e compartilhadas - a questão é: qual nosso próximo destino?

O cenário atual da arte brasileira é incrivelmente diverso, alcançando todos os meios imagináveis.

Mundano in Baltimore, 2017-8

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Os Operarios, Tarsila Do Amaral

Art IN BRAZIL AN OVERVIEW

SEMANA DE 22 7 D AY S O F REVOLUTION As the 100th anniversary of the revolutionary Semana de Arte Moderna de 1922 approaches, we revisit its historical context as a celebration of its impact. À medida que o 100º aniversário da revolucionária Semana de Arte Moderna de 1922 se aproxima, revisitamos seu contexto histórico como uma celebração de seu impacto.

Capa da Semana de Arte Moderna de 22. casa brasil miami

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t the turn of Brazil’s 100th anniversary, since its independence and the early light of the 20th century, Brazilian society was changing rapidly. This whirlwind of events – from the rise of industrialization, the end of World War I, and more international influences, to the pressing social, political and economic issues in Brazil itself – was the background to Semana de Arte Moderna. There was a latent aching in many circles of society that craved something different in many aspects; in art, in life, in politics, in everything.

In light of this craving came the event that would effectively begin and perpetuate the Modernist movement in Brazil. Semana de Arte Moderna de 1922 (in English, Modern Art Week of 1922), or simply Semana do 22, was an arts festival that took place in São Paulo from February 10th to 17th. Of course, there were Modernist artists active prior to this festival, but this was when the Brazilian public at large was introduced to these emerging concepts. A series of lectures, exhibitions, readings, and concerts took place throughout the week at the Municipal Theater in São Paulo. This event hoped to be an encounter of new ideas and different perspectives, where artists and attendants would introduce a truly Brazilian vision of the arts, one that focused on our culture, history and unique experience at its core.

The Semana da Arte is often associated with its main organizers: Emiliano di Cavalcanti and Mario de Andrade. While di Cavalcanti was a painter whose work focused on creating art true to the Brazilian identity without any European influences, Andrade was a poet and novelist who is now con-

a virada do centenário do Brasil, desde sua independência e início do século XX, a sociedade brasileira estava mudando rapidamente. Esse turbilhão de eventos – desde a ascensão da industrialização, o fim da Primeira Guerra Mundial e mais influências internacionais, até as questões sociais, políticas e econômicas vigentes no próprio Brasil – foi o pano de fundo da Semana de Arte Moderna. Havia uma dor latente em muitos círculos da sociedade que ansiavam por algo diferente em muitos aspectos; na arte, na vida, na política, em tudo. À luz desse anseio surgiu o evento que efetivamente iniciou e perpetuaria o movimento modernista no Brasil. A Semana de Arte Moderna de 1922 (em inglês, Modern Art Week of 1922), ou simplesmente Semana do 22, foi um festival de artes que aconteceu em São Paulo de 10 a 17 de fevereiro. Claro, haviam artistas modernistas ativos antes deste festival, mas foi nessa semana que o público brasileiro em geral foi apresentado a esses conceitos emergentes. Uma série de palestras, exposições, leituras e shows aconteceram ao longo da semana no Theatro Municipal de São Paulo. Este evento esperava ser um encontro de novas ideias e diferentes perspectivas, onde artistas e participantes apresentariam uma visão verdadeiramente brasileira das artes, focada em nossa cultura, história e experiência única em sua essência.

A Semana da Arte é frequentemente associada aos seus principais organizadores: Emiliano di Cavalcanti e Mário de Andrade. Enquanto Di Cavalcanti foi um pintor cujo trabalho se concentrou em criar uma arte fiel à identidade brasileira sem influências europeias, Andrade foi um poeta e romancista que hoje é considerado um dos fundadores do Modernismo brasileiro como um 35

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The artists

Oswald De Andrade

All events of the Semana da Arte were fully open to the public, and Each artist presented their own version of the revolution.

Todos os eventos da Semana da Arte foram totalmente abertos ao público, e Cada artista apresentou sua própria versão da revolução.

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Sonhos do Carnaval, Emiliano di Cavalcanti (1897-1976).

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sidered one of the founders of Brazilian Modernism as a whole. Conceptualizing this event, they aimed to enter a clash with the cultural establishment – at the time exemplified by the Brazilian Academy of Letters – which valued extreme academicism and “proper” thought. The movement and event encompassed many art mediums, the strongest of which being literature and the visual arts. The artists involved proposed radical changes to the approach of each artistic segment. Though they aimed to present a unified front against the establishment, the event was incredibly divisive.

All events of the Semana da Arte were fully open to the public. As visitors entered the Municipal Theater of São Paulo, they were greeted by art pieces by a few of the greatest names in Brazilian art over history, such as Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Harberg, Vicente do Rego Monteiro, Zina Aita, Antonio Moya, Brecheret, and Ferrignac. Each artist presented their own version of the revolution, they aimed to propel, coloring the halls of the Theater in a new, exciting light. But the live sections of the event weren’t just composed of visual art pieces: poetry readings, lectures, conferences,

todo. Conceituando esse evento, pretendiam entrar em choque com o establishment cultural – à época exemplificado pela Academia Brasileira de Letras – que valorizava o academicismo extremo e o pensamento “adequado”. O movimento e o evento englobaram muitos meios de arte, sendo os mais fortes a literatura e as artes visuais. Os artistas envolvidos propuseram mudanças radicais na abordagem de cada segmento artístico. Embora eles pretendessem apresentar uma frente unificada contra o establishment, o evento foi incrivelmente divisivo.

Todos os eventos da Semana da Arte foram totalmente abertos ao público. Ao entrar no Theatro Municipal de São Paulo, os visitantes eram recebidos com obras de alguns dos maiores nomes da arte brasileira ao longo da história, como Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Harberg, Vicente do Rego Monteiro, Zina Aita, Antonio Moya, Brecheret e Ferignac. Cada artista apresentou sua própria versão da revolução, eles pretendiam impulsionar, colorindo as salas do Teatro sob uma nova e excitante luz. Mas as sessões ao vivo do evento não foram apenas compostas por peças de artes visuais: leituras de poesia, palestras, conferências, sessões de dança e música também ocorreram ao longo dos dias. Isso

Teatro Municipal de São Paulo.

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Tarsila do Amaral

Mario de Andrade e um de seus poemas.

Heitor Villa Lobos

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The ripple effects of the Semana de Arte Moderna were felt immediately. dance and music sections aprofundou a relação geral also took place throughout dos meios artísticos no âmbiOs efeitos the days. This deepened the to do evento e do movimento em cascata overall relationship of the em geral. da Semana de artistic mediums within A escritora Graça Aranha the scope of the event and proferiu a primeira palesArte Moderna the movement at large. tra da Semana intitulada “A foram sentidos The writer Graça Araemoção estética da Arte Moimediatamente . nha gave the first lecture derna”, dando início a um of the Week entitled “A primeiro dia tranquilo de exemoção estética da Arte posições e números musicais.

Moderna” (in English, The Porém, o tom aqui definido Aesthetical Emotion of Modern Art), starting a não seria mantido durante toda a semana. Embora o peaceful first day of exhibitions and musical numsegundo dia tenha sido inicialmente repleto de expobers. The tone set here, however, would not be mainsições harmoniosas, palestras e leituras, a emoção foi tained all throughout the week. Though the second grande quando Ronald de Carvalho leu o poema “Os day was initially filled with harmonious exhibitions, Sapos” de Manuel Bandeira. A peça era uma crítica lectures and readings, emotions ran high as Ronald mordaz aos padrões de poesia da época, e sua leitura foi de Carvalho read the poem “Os Sapos” by Manuel recebida com protestos ruidosos do público, que xingou, Bandeira. The piece was a biting critique of poetry vaiou e até latiu e relinchou. A comoção social fora do standards at the time, and its reading was met with local se seguiu a partir deste momento: o que aconteceu loud protests from the public, who cursed, booed, durante a Semana foi objeto de um exame incrivelmenand even barked and neighed. Social commotion te minucioso, assim como seus participantes. outside of the venue ensued from this moment on: Talvez tenha sido devido às altas emoções do segunwhatever took place then throughout the Week was do dia que o terceiro teve uma participação menor. O the subject of incredibly close examination, as well foco principal deste dia foi certamente a música. Uma as their participants. grande mistura de instrumentos ganhou vida para Perhaps it was due to the high emotions of the mostrar Villa Lobos, que subiu ao palco com um sapato second day that the third had a lower attendance. em um pé e chinelos no outro. Comicamente, o público The main focus of this day was certainly music. A vaiou o músico, assumindo que a escolha do figurino foi wide mixture of instruments came to life to showuma espécie de demonstração política – mais tarde foi case Villa Lobos, who stepped onstage wearing a revelado que Lobos simplesmente sofria de bolhas nashoe on one foot and flip flops on the other. Comquele dia. ically, the public booed the musician, assuming the Os efeitos em cascata da Semana de Arte Moderna wardrobe choice had been a political demonstraforam sentidos imediatamente – as críticas foram brution of sorts – it was later revealed that Lobos simtais assim que o evento começou e não pararam quando ply suffered from blisters that day. ficou claro que este era o nascimento de um movimento.

The ripple effects of the Semana de Arte ModerMuitas pessoas ficaram incrivelmente desconfortáveis na were felt immediately – the critiques were brutal com as ideias e obras que surgiram nesse período, ale39

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Monumento às Bandeiras, Victor Brecheret.

as soon as the event began, and did not stop once it became clear that this was the birth of a movement.

Many people were incredibly uncomfortable with the ideas and works that emerged during this time, claiming to be confused not only by the premises presented but also by the executions. The artists involved with the Semana were often called crazy. In fact, one of the biggest critics of Semana da Arte was Monteiro Lobato, one of the most influential Brazilian writers of all time. He had been openly criticizing some of the artists involved in the movement even prior to the events , even going as far as calling Anita Mafaltti a “disturbed woman.”

Still, the criticism did not dissuade the artists, and many of them formed different groups to promote and explore their own version of the Modern casa brasil miami

gando estar confusas não só pelas premissas apresentadas, mas também pelas execuções. Os artistas envolvidos com a Semana eram muitas vezes chamados de loucos.

Aliás, um dos maiores críticos da Semana da Arte foi Monteiro Lobato, um dos escritores brasileiros mais influentes de todos os tempos. Ele vinha criticando abertamente alguns dos artistas envolvidos no movimento antes mesmo dos eventos, chegando a chamar Anita Mafaltti de “mulher perturbada”.

Ainda assim, as críticas não dissuadiram os artistas e muitos deles formaram diferentes grupos para promover e explorar sua própria versão do movimento da Arte Moderna. Alguns dos grupos que surgiram desse momento foram o Movimento Antropofágico, liderado por Oswaldo de Andrade e Tarsila do Amaral, que tinha como meta a estruturação de um caráter de cul40

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Art movement. Some of the groups that came from this moment were Movimento Antropofágico, led

by Oswaldo de Andrade and Tarsila do Amaral, which had the structuring of a national culture character as its goal. Tarsila do Amaral created one of the most iconic pieces of Brazilian art during this period, the Abaporu, which is one of the symbols of the Modern Art movement as a whole. Tarsila and Oswaldo were also heavily involved with the Movimento Pau-Brasil during this time, and it was marked by Andrade’s publication of “Pau-Brasil,” with illustrations by his wife Tarsila.

Almost as a reaction to Movimento Pau-Brasil came the Movimento Verde-Amarelo, which was led by Menotti del Picchia, Guilherme de Almeida, Plínio Salgado, and Cassiano Ricardo. While Pau-Brasil was marked by nationalism, Verde-Amarelo took this patriotism further and even developed nazifascistic tendencies.

Another important point of this period was the Manifesto Regionalist. Though not a fully fledged self-proclaimed movement, the Manifesto was a cluster of declarations made by the Grupo modernista-regionalista de Recife (Modernist-Regionalist Group of Recife, in English). This group was led mostly by Gilberto Freyre; its main goal was not only the construction of a Brazilian identity, but most specifically a regional Northeastern identity.

Brilliant names were propelled by the Group, such as Jorge Amado, José Américo de Almeida, Erico Veríssimo, Graciliano Ramos, Rachel de Queiroz, and Marques Rebelo. Artists from the Northeastern region of Brazil were a huge highlight of the second phase of Brazilian Modern Art. The Semana de Arte Moderna de 1922 was an incredibly influential event in the development of Brazilian Modern Art. The movement itself was one of the most prolific periods in Brazilian art, and it is the stage and predecessor of Tropicalism and even Bossa Nova, which are some of Brazil’s biggest cultural exports.

As its 100th year anniversary approaches, it is time to revisit and celebrate some of the greatest artistic contributions of the Semana de Arte Moderna de 1922 to Brazilian art and culture at large.

tura nacional. Tarsila do Amaral criou uma das peças mais emblemáticas da arte brasileira nesse período, o Abaporu, que é um dos símbolos do movimento da Arte Moderna como um todo. Tarsila e Oswaldo também estiveram fortemente envolvidos com o Movimento Pau-Brasil nesse período, marcado pela publicação de “Pau-Brasil” de Andrade, com ilustrações de sua esposa Tarsila.

Quase como reação ao Movimento Pau-Brasil veio o Movimento Verde-Amarelo, liderado por Menotti del Picchia, Guilherme de Almeida, Plínio Salgado e Cassiano Ricardo. Enquanto Pau-Brasil foi marcado pelo nacionalismo, Verde-Amarelo levou esse patriotismo mais longe e até desenvolveu tendências nazifascistas.

Outro ponto importante desse período foi o Manifesto Regionalista. Embora não seja um movimento autoproclamado de pleno direito, o Manifesto foi um conjunto de declarações feitas pelo Grupo modernista-regionalista de Recife (Grupo Modernista-Regionalista do Recife, em inglês). Esse grupo era liderado principalmente por Gilberto Freyre; seu objetivo principal não era apenas a construção de uma identidade brasileira, mas mais especificamente uma identidade regional nordestina. Nomes brilhantes foram impulsionados pelo Grupo, como Jorge Amado, José Américo de Almeida, Érico Veríssimo, Graciliano Ramos, Rachel de Queiroz e Marques Rebelo. Artistas da região Nordeste do Brasil foram um grande destaque da segunda fase da Arte Moderna Brasileira.

A Semana de Arte Moderna de 1922 foi um evento incrivelmente influente no desenvolvimento da Arte Moderna brasileira. O movimento em si foi um dos períodos mais prolíficos da arte no Brasil. É palco e antecessor do Tropicalismo até da Bossa Nova, que são algumas das maiores exportações culturais do Brasil.

Com a aproximação de seu centenário, está na hora de revisitar e celebrar algumas das maiores contribuições artísticas da Semana de Arte Moderna de 1922 para a arte e a cultura brasileira.

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Art IN BRAZIL AN OVERVIEW

l iterature From our early colonial days to our ever-changing present: a brief journey through Brazilian literature.

De nossos tempos coloniais ao nosso presente em constante mudança: uma breve viagem pela literatura brasileira.

By Helena Ruzzi

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he most common approach to understanding any literary system - analyzing literature from Antonio Candido’s view of Literature as a System - is to chronologically understand the progression of what is produced in a region. However, it is interesting to reflect on the idea of Brazil, as well as the idea of Brazilian literature. After all, what constitutes them? There is no consensus among the literati. Is it enough to be Brazilian literature? Or about Brazil?

Alfredo Bosi, in his book História Concisa da Literatura Brasileira, understands that Brazilian literature was born with the colonial condition. It is from this condition of being a colony that Brazilian literature develops and remains in it for a long time – a literature of the other, of Europe.

From the intellectual emancipation of Brazil, when Brazil becomes a “subject of its own history”, we can then emancipate ourselves from the mere reproduction of European literatures or Brazilian productions conditioned entirely by the exploitation of land and recognition and catechization of native populations – or that is, conditioned by the colonial condition. These literatures were called informational and training texts.

Arcádia Ultramarina, a group of Neoclassical poets in Brazil, and the late Brazilian Baroque, were literary currents in Brazilian soil through43

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abordagem mais comum para o entendimento de qualquer sistema literário - encarando a literatura a partir da visão de Antonio Candido da Literatura enquanto Sistema - é entender cronologicamente a progressão do que é produzido em uma região.

Porém, é interessante refletir sobre a ideia de Brasil, assim como a ideia de literatura brasileira; afinal o que os constitui? Não há consenso entre os literatos. Será que basta ser literatura de brasileiros? Ou sobre o Brasil?

Alfredo Bosi em seu livro História Concisa da Literatura Brasileira entende que a literatura Brasileira nasce com a condição colonial, e é a partir dessa condição de colônia que a literatura Brasileira se desenvolve e nela por muito tempo permanece -- uma literatura do outro -- da Europa.

A partir da emancipação do Brasil intelectualmente, quando o Brasil passa a ser “sujeito da própria história”, que podemos então nos emancipar da mera reprodução das literaturas europeias ou produções brasileiras condicionadas inteiramente pela exploração de terras e reconhecimento e catequização das populações nativas – ou seja, condicionadas pela condição colonial. Essas literaturas eram chamadas de textos de informação e de formação.

A Arcádia Ultramarina, grupo de poetas Neoclássicos no Brasil, e o Barroco tardio Brasileiro, ao longo dos séculos XVII e XVIII, foram correntes literárias em solo brasileiro que muito tinham de importação das tendências europeias, apesar de suas especificidacasa brasil miami

out the 17th and 18th centuries that imported much of European trends, despite their colonial specificities. The muses of the Brazilian Arcadism of Vila Rica sometimes had black and dark hair and lay in hammocks. A Brazilian scene, seen through the neoclassical European lens, imported by the upper class.

Romanticism in Brazil arrived along with the royal family from Europe – just like Baroque and Arcadism – but had a huge impact on the way literature was consumed and distributed. The novel genre and feuilletons (a way of publishing narratives in chapters with periodicals) are important milestones in 19th century literature, especially considering that this is what mobilizes Brazilian literature to find more popular reach.

Romanticism, as enduring as it was, splits into phases as far as poetry is concerned – interestingly, the first and third phases of romanticism are closely linked with the ideas of “Brasilidade”. The first phase is Indianist, portraying the indigenous man as a medieval ideal of the national hero, in search of a national identity more emancipated from the European imaginary, paradoxically without giving up this same imaginary.

The second phase, Byronist, connects strongly with European Byronism, both in aesthetics and in thematic exploration. The third phase, Condoreira (named in reference to the Condor bird, symbol of freedom) seeks to reflect the Brazilian reality by approaching social issues, especially abolitionism, in search of the positivist progress that Naturalism and Parnassianism would adopt a few decades later.

Romantic prose, however, is an enormous universe whose exploration deserves pages and pages.

In particular, it is interesting to understand that Brazilian literature, its most explored textual genres and the way the reading public relates to literature in modern times would not be the same without the profound influence of romanticism. Romanticism not only conquers a place inside people’s homes, but also a place in the public stage of discussion, casa brasil miami

des coloniais. As musas do Arcadismo brasileiro de Vila Rica por vezes tinham cabelos negros e escuros e deitavam-se em redes. Uma cena brasileira, vista pela lente europeia neoclássica, importada pela classe alta.

O Romantismo no Brasil chega, junto com a família real, da Europa -- tal qual o Barroco e o Arcadismo -- mas tem enorme impacto na maneira de consumir e distribuir literatura. O gênero romance e os folhetins (maneira de publicar narrativas em capítulos junto a periódicos) são marcos importantes da literatura do século XIX, em especial por considerarmos que é isso que mobiliza que a literatura brasileira encontre alcances mais populares.

O romantismo, por ter sido duradouro como foi, separa-se em fases no que tange a poesia, de maneira interessante a primeira e terceira fase do romantismo são intimamente ligadas com as ideias de Brasilidade.

A primeira fase é indianista, entendendo o homem indígena como um ideal medieval do herói nacional, em busca de uma identidade nacional mais emancipada do imaginário europeu paradoxalmente sem abrir mão desse mesmo imaginário.

A segunda fase, Byronista, conecta-se fortemente com o Byronismo europeu, em estética e em exploração temática. Já a terceira fase, Condoreira (nomeada em referência ao pássaro Condor, símbolo de liberdade) busca refletir a realidade brasileira ao abordar temas sociais, em especial o abolicionismo, em busca do progresso positivista que poucas décadas depois o Naturalismo e o Parnasianismo adotariam.

A prosa romântica, porém, é um universo enorme cuja exploração merece páginas e páginas. Em especial, interessa entender que a literatura brasileira, seus gêneros textuais mais explorados e a maneira do público leitor se relacionar com a literatura modernamente não seria o mesmo sem a influência profunda do romantismo. Não apenas o romantismo conquista, para a literatura, um lugar dentro de casa, como também um lugar dentro do palco público de discussão por estar presente nos jornais. A literatura, agora, tem muito mais alcance.

Por isso que em escolas subsequentes, o realismo, o 44

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as it was present in the newspapers. Literature now has a wider reach.

That’s why subsequent schools, like Realism and the aforementioned Naturalism, somewhat maintained the ways of distributing literature.

Realism arrives in the same package as romanticism, published in serials from March to December 1880. Memórias Póstumas de Brás Cubas, by Machado de Assis, inaugurates the school that, almost, has only Machado himself as a representative. Naturalism, an aesthetic to which it resembles, seeks to portray the “lower” classes (with the exception of the term) while Machado’s realism has its focus on the bourgeoisie, such as romanticism.

Naturalism, with its scientific pretension, has many more representatives in quantity. Its symbolic alliance with Parnassianism (in poetry) shows how both denote an intellectual movement at the beginning of the Brazilian republic, all while symbolism is in the corners of the literary scene.

Outside of Brazil, Symbolism was a hegemonic aesthetic between 1870 and 1900. But in Brazil Parnassianism (which outside had only been a secondary aesthetic) reigned with its prince Olavo Bilac, leaving Symbolism aside. Modernism, in the following century, rescued the works of Alphonsus de Guimarães and, in particular, of Cruz e Sousa, giving them recognition that they did not know in life.

After the complex divisions of the final moments of the 19th century, the decadence of the feuilleton novel and an insurrection of authors devoid of schools, we call pre-Modernism everything that does not fit into anything before and nothing after. Among authors such as Lima Barreto and Monteiro Lobato, pre-modernism gives the face of the century that begins with its social concerns and its footing in regionalism.

After the Semana de 22, Brazilian art seeks intellectual independence from foreign currents. Oswald de Andrade wrote his manifesto Antropófago in 1928, to understand our art as one that chews on

antes mencionado Naturalismo, manteve-se um pouco as maneiras de distribuição da literatura, mesmo que aposentando as temáticas centrais e a estética dramática do romantismo.

O realismo chega no mesmo pacote do romantismo, publicado em folhetins de março a dezembro de 1880.

Memórias Póstumas de Brás Cubas, de Machado de Assis, inaugura a escola que, quase, tem apenas o próprio Machado como representante. O naturalismo, estética a qual se assemelha, busca retratar as classes mais “baixas” (com a ressalva do termo) enquanto o realismo de Machado tem seu foco na burguesia, tal como o romantismo.

O Naturalismo, com sua pretensão científica, tem muito mais representantes em quantidade. Sua aliança simbólica com o Parnasianismo (na poesia) mostra como ambos são denotativos de um momento intelectual do início da república brasileira, tudo isso enquanto o simbolismo fica nos cantos do cenário literário.

Fora do Brasil o Simbolismo foi uma estética hegemônica na época, entre 1870 a 1900, mas no Brasil o Parnasianismo (que fora havia sido apenas uma estética secundária) reinou com seu príncipe Olavo Bilac, deixando o Simbolismo de lado. O Modernismo, no século seguinte, resgata as obras de Alphonsus de Guimarães e, em especial, de Cruz e Sousa, dando a eles certo reconhecimento que desconhecem em vida.

Após as divisões complexas dos momentos finais do século XIX, a decadência do romance em folhetim e uma insurreição de autores desprovidos de escolas chamamos de Pré-Modernismo tudo que não se encaixa em nada de antes e nada depois. Entre autores como Lima Barreto e Monteiro Lobato, o pré-modernismo dá a cara do século que se inicia com suas preocupações sociais e seu pé no regionalismo.

Após a Semana de 22 a arte brasileira busca independência intelectual das correntes estrangeiras e Oswald de Andrade escreve seu manifesto Antropófago, em 1928, para entender a nossa arte como uma que mastiga as tendências européias e as cospe fora algo brasileiro, artifício interessante para olhar não só o Modernismo como as estéticas anteriores e posteriores.

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European trends and spits them out akin to something Brazilian, an interesting artifice to see only Modernism as the earlier and later aesthetics.

Modernism is not just an aesthetic revolution, it is also a critical revolution. In poetry, poets increasingly detached themselves, over the course of the century, from the shackles of classical verse. Beginning with Manuel Bandeira’s mockery of the Parnasianos in Os Sapos in 1918, and, in a way, flowing into Poesia Marginal by Ana Cristina César, Leminski, Cacaso and Chacal, of course, before passing through the Concrete Poetry of Augusto and Haroldo de Campos, Décio Pignatari and Ferreira Gullar.

In prose, regionalism played a leading role in the 20th century since Pre-Modernism, passing through phases of more or less universalization of the Sertão, the countryside, and the coast. There is great attention to the reality of Brazilians, sometimes through the creation of the idea of a generic Brazilian. Of course, not to mention the quasi-biographical narratives like O Quinze by Rachel de Queirós.

And, of course, the literatures of Clarice Lispector and Hilda Hilst with the erotic and intimate neobaroque that they found and inspire. Hilda and Clarice bring negative femininity to Brazilian literature: women are no longer trapped in the sweet and gentle female figure, and we inaugurate the view of the decadent feminine from the inside out.

And we see sex from a female perspective, too.

Thus, we arrive at the present day, when our proximity to the subject does not allow us to understand the nuances of our own period. We can see that, more and more, the protagonists leave the bourgeois classes (if one can speak of the bourgeoisie in Brazil) to be the popular classes and minorities, but no longer like the indigenous of Indianism or the lower classes of Naturalism. Now, literature increasingly gives voice to those who for a long time did not have that voice.

A revolução do modernismo não é apenas uma revolução estética, é também uma revolução crítica.

Na poesia os poetas se desprenderam cada vez mais, ao longo do século, das amarras do verso clássico, iniciando-se com a caçoada de Manuel Bandeira com os Parnasianos em Os Sapos, de 1918 e, de certa maneira, afluindo na Poesia Marginal de Ana Cristina César, Leminski, Cacaso e Chacal, claro, antes passando na Poesia Concreta de Augusto e Haroldo de Campos, Décio Pignatari e Ferreira Gullar.

Na prosa, o regionalismo têm protagonismo no século XX, desde o Pré-Modernismo, passando por fases de mais ou menos universalização do Sertão, do Interior, do litoral, e cria-se uma preocupação grande com a realidade do brasileiro, às vezes através da criação da ideia de um brasileiro genérico. Claro, sem contar as narrativas quasi-biográficas como O Quinze de Rachel de Queirós.

E, é claro, as literaturas de Clarice Lispector e Hilda Hilst com o neobarroco erótico e intimista que elas fundam e inspiram. Hilda e Clarice trazem a feminilidade negativa para a literatura brasileira, e antes delas já não estamos mais presos na figura feminina doce e gentil, mas com elas inauguramos a visão do decadente feminino de dentro pra fora. E, por outra ótica, vemos o sexo da perspectiva feminina, também.

Assim, chegamos nos dias de hoje quando nossa proximidade com o assunto não nos permite entender as nuances do nosso próprio período, mas conseguimos ver que mais e mais o protagonismo sai das classes burguesas (se é que se pode falar de burguesia no Brasil) para ser as classes populares e as minorias, mas não mais como foi o indigena do Indianismo ou as classes baixas do Naturalismo. Agora a literatura mais e mais dá voz para os que por muito tempo não tiveram essa voz.

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By Giuliana Brandao

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asa Brasil Miami is honored to present Art Gallery 2021. The artists’ exhibitions, installations and live paintings were presented throughout the week of the event. This wonderful team of artists was present at the Casa Brasil Miami 2021 facilities, exhibiting their works to the Brazilian and international creative community. Curated by our art specialist Jade Matarazzo.

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Casa Brasil Miami tem a honra de apresentar a Art Gallery 2021. As exposições, instalações e live paintings dos artistas foram apresentadas durante toda a semana do evento. Esse time maravilhoso de artistas esteve presente nas instalações da Casa Brasil Miami 2021, exibindo suas obras para a comunidade criativa brasileira e internacional. A curadoria foi feita pela nossa especialista em arte Jade Matarazzo.

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FEATURED ARTI S T S casa brasi l miami

Eduardo Kobra

@Google images

@kobrastreetart

Rio by Eduardo Kobra in Tokyo, Japan.

Born in 1975 in Jardim Martinica, a poor neighborhood in the south of São Paulo, the artist Eduardo Kobra has become one of the most recognized muralists today, with works in 5 continents.

Since the Olympic Games in Rio in 2016, he holds the record for the largest graffiti mural in the world - first with ‘Etnias’, painted to celebrate the event, with 2,500 square meters; mark surpassed by himself in 2017, with a work in honor of chocolate that occupies a wall of 5,742 square meters on the margins of the Castello Branco Highway, in the Metropolitan Region of São Paulo. He has painted in countries such as Spain, Italy, Norway, England, Malawi, India, Japan, United Arab Emirates, in addition to several North American cities. casa brasil miami

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Elis by Eduardo Kobra Brooklyn New York

Nascido em 1975 no Jardim Martinica, bairro pobre da zona sul de São Paulo, o artista Eduardo Kobra tornou-se um dos muralistas mais reconhecidos da atualidade, com obras nos 5 continentes.

Desde os Jogos Olímpicos do Rio em 2016, ele detém o recorde do maior mural de grafite do mundo – primeiro com ‘Etnias’, pintado para comemorar o evento, com 2.500 metros quadrados; marca superada por ele mesmo em 2017, com uma obra em homenagem ao chocolate que ocupa um paredão de 5.742 metros quadrados às margens da Rodovia Castello Branco, na Região Metropolitana de São Paulo. Já pintou em países como Espanha, Itália, Noruega, Inglaterra, Malawi, Índia, Japão, Emirados Árabes Unidos, além de várias cidades norte-americanas.

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Thiago Mundano The Covidsons

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Thiago Mundano @mundano_sp

Mundano is a Brazilian street artist and activist whose work makes people stop and think about the issues swirling around them every day. In 2007, he began using his graffiti skills to paint “carroças,” the wooden and metal carts used by the trash collectors throughout Brazil who haul off junk and recyclables. He painted 200 carroças and in the process made these invisible superheroes visible not only in the streets but also in the media. The effort led to “Pimp My Carroça,” which made this initiative do-it-yourself, crowdfunded and global. It has brought in 170 trash collectors in cities around the world, teaming them up with 200 street artists and 800 volunteers. It is quickly becoming a movement.

Mundano é um artista de rua e ativista brasileiro cujo trabalho faz com que as pessoas parem e pensem sobre os problemas que os cercam todos os dias. Em 2007, ele começou a usar suas habilidades de grafite para pintar “carroças”, os carrinhos de madeira e metal usados pelos catadores de todo o Brasil que transportam lixo e recicláveis. Ele pintou 200 carroças e, no processo, tornou esses super-heróis invisíveis visíveis – não apenas nas ruas, mas também na mídia. O esforço levou ao “Pimp My Carroça”, que tornou esta iniciativa do-it-yourself, crowdfunded e global. Ele trouxe 170 catadores de lixo em cidades ao redor do mundo, unindo-os a 200 artistas de rua e 800 voluntários. Está rapidamente se tornando um movimento.

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Thiago Mundano Paneleiro Maluquinho

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FEATURED ARTI S T S casa brasi l miami

Tiago Magro @tiagomagro

Tiago Magro is a Brazilian-born mixed media artist whose work exudes 80s and 90s influences while captivating a modern palette with a refreshing energy. He has worked in various urban environments in New York, Miami and Brazil, using a variety of materials (including stencils, spray paint, epoxy, varnishes and newspapers) to convey his love and passion for life. His career is marked by significant, intense projects, and by collabs full of emotion and interactivity with the public.

Casa Brasil Miami received the artist for a live painting at the facilities of Band Internacional. During the intimate visit with the artist and as a result of so much passion and sensitivity for his craft, the room was invaded by many black and white hearts.

Tiago Magro Array

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Tiago Magro é um artista de mixed media nascido no Brasil com um trabalho que exala influências dos anos 80 e 90 enquanto cativa uma paleta moderna e energia refrescante. Já trabalhou em vários ambientes urbanos de Nova York, Miami e Brasil, utilizando materiais variados (incluindo estênceis, tinta spray, epóxi, vernizes e jornais) para transmitir amor e paixão pela vida. Sua carreira é marcada por projetos significativos, intensos e por collabs cheias de emoção e interatividade com o público.

A Casa Brasil Miami recebeu o artista para uma live painting nas instalações da Band Internacional. Durante a visita intimista com o artista e como resultado de tanta paixão e sensibilidade pelo seu ofício, a sala foi invadida por muitos corações em preto e branco.

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Tiago Magro The New Old III 57

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Andre Poli in wall FULX in floor I AM

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Andre Poli @andrepoliart

Mundano is a Brazilian street artist and activist whose work makes people stop and think about the issues swirling around them every day. In 2007, he began using his graffiti skills to paint “carroças,” the wooden and metal carts used by the trash collectors throughout Brazil who haul off junk and recyclables. He painted 200 carroças and in the process made these invisible superheroes visible not only in the streets but also in the media. The effort led to “Pimp My Carroça,” which made this initiative do-it-yourself, crowdfunded and global. It has brought in 170 trash collectors in cities around the world, teaming them up with 200 street artists and 800 volunteers. It is quickly becoming a movement.

Mundano é um artista de rua e ativista brasileiro cujo trabalho faz com que as pessoas parem e pensem sobre os problemas que os cercam todos os dias. Em 2007, ele começou a usar suas habilidades de grafite para pintar “carroças”, os carrinhos de madeira e metal usados pelos catadores de todo o Brasil que transportam lixo e recicláveis. Ele pintou 200 carroças e, no processo, tornou esses super-heróis invisíveis visíveis – não apenas nas ruas, mas também na mídia. O esforço levou ao “Pimp My Carroça”, que tornou esta iniciativa do-it-yourself, crowdfunded e global. Ele trouxe 170 catadores de lixo em cidades ao redor do mundo, unindo-os a 200 artistas de rua e 800 voluntários. Está rapidamente se tornando um movimento.

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Andre Poli ATOM

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FEATURED ARTI S T S casa brasi l miami

Messi Schneider @ messi_schneider

Photographer and scene director Messi Schneider embraced the opportunity to work in the fashion industry in his teens. Through living with other cultures he discovered a passion for photography. With a unique sensitivity, Messi has the gift of extracting the best of his subjects, making them attractive to those who admire his images. His portfolio includes campaigns and films, as well as very successful faces like Gisele Bundchen, Kate Winslet, Candice Swanepoel, and more.

O fotógrafo e diretor de cena Messi Schneider abraçou a oportunidade de trabalhar na indústria da moda na adolescência. Ao conviver com outras culturas, descobriu a paixão pela fotografia. Com uma sensibilidade única, Messi tem o dom de extrair o melhor de seus temas, tornando-os atrativos para quem admira suas imagens. Seu portfólio inclui campanhas e filmes, bem como rostos de muito sucesso como Gisele Bundchen, Kate Winslet, Candice Swanepoel e muito mais.

Collab Messi Schneider X Edu Danesi “Innocence”, 2021

Messi Schneider VoGuineu

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Paulo Ricardo Campos Terra Dourada

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Pa u l o R i c a r d o C a m p o s @pauloricardocampos

Paulo Ricardo Campos is a visual artist by formation, born in the state of Goiás, Brazil. Specialist in the human figure, his artwork is beyond acclaimed, and it is featured in several international galleries and consul buildings. He is a master of countless techniques, and founded the Arteria Estúdio, a laboratory that gathers artistic techniques and creations according to each client.

Paulo Ricardo has taken office at the National Academy of Sciences, Letters and Arts (ANACLA), and the CONFEDERATION OF SCIENCES LETTERS AND ARTS OF BRAZIL, receiving a perpetual chair in his name, further establishing his name in the history of Brazilian art.

Paulo Ricardo Campos é artista visual de formação, nascido no estado de Goiás, Brasil. Especialista na figura humana, seu trabalho artístico é mais do que aclamado, e está presente em várias galerias internacionais e edifícios cônsules.

Mestre de inúmeras técnicas, fundou o Artéria Estúdio, um laboratório que reúne técnicas e criações artísticas de acordo com cada cliente.

Paulo Ricardo tomou posse na Academia Nacional de Ciências, Letras e Artes (ANACLA), e na CONFEDERAÇÃO DE CIÊNCIAS LETRAS E ARTES DO BRASIL, recebendo uma cátedra perpétua em seu nome, firmando ainda mais seu nome na história da arte brasileira.

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Paulo Ricardo Campos Soul’s Voice

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Alois Hunka @ aloishunka

Alois Hunka was born in Natal, Brazil, in 1965. He started his professional career painting landscapes in oil on canvas. Later, he embarked on the abstract realm, producing light, clean works with a strong tendency to be monochromatic. Despite the strong textures and lines, his goal is to express peace and tranquility not only for himself but also for the public that observes his work.

Although his works are predominantly abstract, his liking for the figurative makes him a permanent student in the art of drawing and making sculptures.

Alois Hunka Untlited 008

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Alois Hunka nasceu no ano de 1965 em Natal no Brasil.

Iniciou sua carreira profissional pintando paisagens em óleo sobre tela. Mais tarde, enveredou pelo abstrato, produzindo obras leves, limpas e com forte tendência monocromática.

Apesar das texturas e linhas fortes, seu objetivo é expressar paz e tranquilidade não só para si mesmo, mas também para o público que observa seu trabalho. Embora suas obras sejam predominantemente abstratas, seu gosto pelo figurativo o torna um estudante permanente na arte de desenhar e fazer esculturas. Eclético, utiliza diversos materiais como argila, madeira e pedra.

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Alois Hunka Untitled 006

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Cecilia Thibes @ ceciliathibes

Cecilia was born in Parana, South of Brazil, and art manifestations have always been a part of her life. Since Cecilia’s earliest memories, she felt challenged to grasp the essence of art and its various possibilities. After living for a time in Europe, Thibes went back to Brazil and participated in two advanced training programs within the Anthroposophical Artistic field. Because of all her deep experiences with art, her atelier has been an active space for work as an Art Therapist, Art Teacher, and Painter. It is also a place where the artist has a permanent collection of her artwork.

Cecília nasceu no Paraná, Sul do Brasil, e as manifestações artísticas sempre fizeram parte de sua vida. Desde suas primeiras lembranças, Cecília se sente desafiada a apreender a essência da arte e suas várias possibilidades. Depois de morar por um tempo na Europa, Thibes voltou ao Brasil e participou de dois programas de formação avançada na área Artística Antroposófica. Por todas as suas profundas experiências com a arte, seu atelier tem sido um espaço ativo de trabalho como Arteterapeuta, Professora de Arte e Pintura. É também um local onde a artista tem uma coleção permanente de suas obras de arte.

Cecilia Thibes Untitled

Cecilia Thibes Cobalt 67

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Fernanda Dabus @ fernandaantoniazi

Fernanda was born in Santa Maria, Brazil but has lived in the US since 2004, and Miami is her home. Art was always present in her life. First with dance and music, and many years later in psychology and psychoanalysis.

Art has helped her delve deeper into her emotions and relationships, exploring different colors and energies. The art of exploring new spaces has long been part of who she is. Her admiration for the arts has been there, ever-present, until she finally found the courage to unleash what had always been there, translating her life experiences onto canvas.

Fernanda nasceu em Santa Maria, Brasil, mas vive nos EUA desde 2004, e tem Miami como sua casa. A arte sempre esteve presente em sua vida. Primeiro com dança e música, e muitos anos depois com psicologia e psicanálise. A arte a ajudou a aprofundar suas emoções e relacionamentos, explorando diferentes cores e energias. A arte de explorar novos espaços faz parte de quem ela é há muito tempo. Sua admiração pelas artes esteve lá, sempre presente, até que finalmente encontrou coragem para liberar o que sempre esteve lá, traduzindo suas experiências de vida para a tela.

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Fernanda Dabus Untitled

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Luciano Martins @lucianomartinslm

Luciano Martins began his creative career in advertising in 1986, in Porto Alegre, where he received more than 200 regional, national and international awards. In twenty years as a visual artist, there are already about 90 exhibitions in his curriculum, with national and international performances. His signature is the use of vibrant colors and playful features, which fill his works with energy and captivate audiences of all ages. In addition to canvases, Luciano is also the creator of several iconic characters of Brazilian art who have even become protagonists of films and series for Disney and other studios. His social work based around the arts is also one of the artist’s landmarks.

Luciano Martins Iniciou sua carreira criativa na publicidade em 1986, em Porto Alegre, onde recebeu mais de 200 prêmios regionais, nacionais e internacionais. Em vinte anos como artista plástico, já são cerca de 90 exposições no currículo, com atuação nacional e internacional. Sua assinatura é o uso de cores vibrantes e traços lúdicos, que enchem suas obras de energia e cativam públicos de todas as idades. Além das telas, Luciano também é o criador de vários personagens icônicos da arte brasileira que se tornaram até protagonistas de filmes e séries para Disney e outros estúdios. Seu trabalho social ligado às artes também é um dos marcos na carreira do artista.

Luciano Martins Santos Dumond

Luciano Martins Se Toca, Toda Flor Tem Um Espinho

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Mariella Morrone @mariellamorronearts

Mariella Morrone is an Italian Brazilian artist whose career is on the rise, and she has already exhibited some of her works in Europe, the United States and Brazil. Her paintings and sculptures express themes of ‘the woman’, ‘motherhood’ and ‘family of all genres’. Her works are timeless, her paintings colorful and very cheerful - even the paintings of just one color transmit a positive and welcoming energy - which shows that Mariella is an artist who gambles on art “good for the eyes.”

Mariella Morrone é uma artista ítalo-brasileira cuja carreira artística está em ascensão, e já expôs alguns de seus trabalhos na Europa, Estados Unidos e Brasil. Suas pinturas e esculturas tem como tema a ‘mulher’, a ‘maternidade’ e a ‘família de todos os gêneros’. Suas obras são atemporais, suas pinturas coloridas e muito alegres - mesmo as pinturas de apenas uma cor transmitem uma energia positiva e acolhedora.

Mariella Morrone Meu Azul Derrama em Ti

Mariella Morrone Maternità casa brasil miami

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Carmem Gusmão Sacred Garden

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Carmem Gusmão @ carmemgusmaooficial

Carmem Gusmão is a Michigan-based artist deeply influenced by the indigenous Brazilian culture. Her works, which promote new concepts of abstract and contemporary art, have been featured around the world in different forms: from Brazilian singers’ album covers to European and American writers’ book covers. Her Art is beyond decorative; it’s a balance between energy, beauty and vitality.

Carmem Gusmão é uma artista radicada em Michigan profundamente influenciada pela cultura indígena brasileira.

Suas obras, que promovem novos conceitos de arte abstrata e contemporânea, têm sido apresentadas em todo o mundo de diferentes formas: de capas de álbuns de cantores brasileiros a capas de livros de escritores europeus e americanos. Sua Arte vai além da decorativa; é um equilíbrio entre energia, beleza e vitalidade.

Carmem Gusmão Enchanted Garden

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Marc Lenko @marclenko

Marc Lenko Multiple Woman II

Marcelo Porto Sperb was born in Novo Hamburgo, Rio Grande do Sul, Brazil. He started to dedicate himself to painting in 2016. Self-taught, he worked on commission as a portraitist (oil painting) at first. Currently, in addition to portraiture, he explores painting in favor of expression, from figurative to abstraction. The main object of his work is the individual; individuals - and their motives.

Lenko also uses clay and resin sculptures as a form of expression.

He makes silver jewelry with natural gemstones in a completely handmade process, in addition to experimenting with mosaics and engravings (woodcut and silkscreen).

Marcelo Porto Sperb é natural de Novo Hamburgo, Rio Grande do Sul, Brasil. Começou a se dedicar à pintura em 2016. Autodidata, no princípio trabalhava sob comissão como retratista (pintura a óleo). Atualmente, além do retrato, explora a pintura a favor da expressão, desde o figurativo até a abstração. O principal objeto do seu trabalho é o indivíduo; os indivíduos - e seus motivos.

Lenko também usa a escultura em argila e resina como forma de expressão.

Confecciona jóias em prata com gemas naturais de forma totalmente artesanal, além de uma relevante experiência com mosaico e gravuras (xilogravura e serigrafia).

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Marc Lenko Afrodite (Venus) 77

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T he p ower of communication : U rban A rt in S ao Pau l o

São Paulo is increasingly becoming a true open-air museum. This trend is here to stay.

São Paulo vem, cada vez mais, se transformando num verdadeiro museu à céu aberto. Uma tendência que veio para ficar.

By Victor Barros

Pomb. casa brasil miami

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Rua Consolação.

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urban art

Galeria Circular externo e interno.

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n recent years, it has been easy to notice the trend towards the democratization of art. This movement allows the visual arts to expand beyond the more traditional formats, such as galleries and museums, and take over the streets, especially in big cities. This is evident when we come across large murals made upon blind gables, as the sides of windowless buildings are called. The city of São Paulo, for example, has become a true permanent open-air exhibition.

In addition to the cultural issue of it, an interesting factor that contributes a lot to the growth of street art is the interest of companies in supporting actions of this type. Some companies have realized that art is a powerful visual communication tool and, at the same time, it still offers a cultural legacy for society. Specifically in São Paulo, with the Clean City Law, which imposes a series of restrictions on Out of Home (OOH) media, exercising creativity to impact the public has become an essential factor.

That’s how urban art emerged as an innovative and differentiated solution to overcome these challenges. This scenario even enabled the emergence of companies specializing in this segment, such as Dionisio.Ag, the first agency specializing in art for companies in Brazil, which connects artists to clients in an extremely professional manner, meeting the interests of both sides.

The most interesting thing is that street art casa brasil miami

os últimos anos, é fácil notar a tendência da democratização da arte. Este movimento permite que as artes visuais se expandam além dos formatos mais tradicionais, como galerias e museus, e tomem conta das ruas, especialmente nas grandes cidades. Isto fica evidente quando nos deparamos com os murais de grande porte feitos em empenas cegas, como são chamadas as laterais de prédios sem janelas. A cidade de São Paulo, por exemplo, se tornou uma verdadeira exposição permanente à céu aberto.

Além da questão cultural, um fator interessante que contribui bastante para o crescimento da street art é o interesse de empresas em apoiar ações deste tipo.

As companhias perceberam que a arte é uma poderosa ferramenta de comunicação visual e, ao mesmo tempo, ainda oferece um legado cultural para a sociedade.

Especificamente na capital paulista, com a Lei Cidade Limpa, que impõe uma série de restrições a mídias OOH, exercitar a criatividade para impactar o público é um fator essencial.

Foi assim que a arte urbana surgiu como uma solução inovadora e diferenciada para superar estes desafios. Este cenário, inclusive, possibilitou o surgimento de empresas especializadas neste segmento, como é o caso da Dionisio.Ag, a primeira agência especializada em arte para empresas do Brasil, que conecta artistas a clientes de forma extremamente profissional e atendendo os interesses de ambos os lados.

O mais interessante é que a street art vai muito 80

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Acima Pardal. Abaixo, Rua Copa do Mundo.

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street art goes far beyond murals. Since the urban setting is a sea of possibilities, there is room for interventions, installations and even itinerant projects.

a street art vai muito além dos murais. Como o cenário urbano é um mar de possibilidades, há espaço para intervenções, instalações e até projetos itinerantes.

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Tito Ferrara.

goes far beyond murals. Since the urban setting is a sea of possibilities, there is room for interventions, installations and even itinerant projects.

A great example is the exhibition “Galeria Circular”, by artist Eduardo Kobra. Carried out in 2019, the project is a bus that was transformed into a traveling gallery that passed through thirteen points in São Paulo, taking the artist’s works to all regions of the city, including the outskirts of cities, enabling the public of all social classes to have access to exposure.

That is the beauty of this movement. It is here to stay and will only grow in the coming decades.

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além dos murais. Como o cenário urbano é um mar de possibilidades, há espaço para intervenções, instalações e até projetos itinerantes. Um ótimo exemplo é a exposição “Galeria Circular”, do artista Eduardo Kobra.

Realizado em 2019, o projeto trata-se de um ônibus que foi transformado em uma galeria itinerante que passou por treze pontos de São Paulo, levando as obras do artista para todas as regiões da cidade, incluindo a periferia, possibilitando que o público de todas as classes sociais tivessem acesso à exposição.

Esta é a beleza deste movimento que veio para ficar e só deve crescer nas próximas décadas.

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about the author

Victor Barros Victor Barros graduated in advertising from FAAP, and is a founding partner of Dionisio.Ag, the first agency specializing in arts for the corporate market in Brazil. He participated in Shark Tank Brasil, and currently has Caio Castro, Caito Maia and Carol Paiffer among his partners.

Victor Barros é publicitário formado pela FAAP, sócio-fundador da Dionisio.Ag, a primeira agência especializada em artes para o mercado corporativo do Brasil. Participou do Shark Tank Brasil e, atualmente, tem entre seus sócios Caio Castro, Caito Maia e Carol Paiffer.

Dionisio.ag exposicao recortes da cidade kueio paulo ito autops rotka

Apolo Torres.

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out&about

BRAZILIAN CONNECTION From Sao Paulo to Rio de Janeiro, from Pernambuco to Santa Catarina, from Minas Gerais to Amazonas, from Bahia to Rio Grande do Sul, and so, so much more!

De São Paulo ao Rio de Janeiro, de Pernambuco a Santa Catarina, de Minas Gerais ao Amazonas, da Bahia ao Rio Grande do Sul, e muito mais!

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True Ruge by Tundra

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s we venture outside to rediscover the world and ourselves, we must take the opportunity to rediscover what is ours by birth. Brazilian cultural experiences are rich, intense, and colorful – our art, music, gastronomy, architecture, and all other ventures are sure to keep you sharp as well as entertained. Take time now to travel to places you’ve never seen in the land you’ve always known. Celebrate Brazil, and get acquainted with the experiences only our country and our people can provide!

A

o nos aventurarmos no exterior para redescobrir o mundo e a nós mesmos, devemos aproveitar a oportunidade para redescobrir o que é nosso de nascença. As experiências culturais brasileiras são ricas, intensas e coloridas – nossa arte, música, gastronomia, arquitetura e todos os outros empreendimentos certamente o manterão próximo e entretido. Reserve um tempo agora para viajar para lugares que você nunca viu na terra que sempre conheceu. Celebre o Brasil e conheça as experiências que só nosso país e o nosso povo podem proporcionar!

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MUSEU DE ARTE DE SÃO PAULO from SÃO PAULO @masp

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he MASP is perhaps one of the most well-known museums of art in Brazil and Latin America. Its iconic headquarters at Paulista Avenue in Sao Paulo are a landmark of the city itself and a feat of Brazilian architecture, created by Lina Bo Bardi in 1968. Today, the MASP holds more than 11 thousand artworks, hosting everything from paintings, sculptures, and photographs, to other objects, videos, and clothing from every corner of the Earth.

In fact, the museum hosts the most important selection of European artworks in the Southern Hemisphere.

The very architecture of MASP is subtly grandiose in order to present their important pieces. Bardi, in her design, takes the art pieces off the walls and into glass displays that challenge the traditional European mode of presenting art. These transparent displays allow the public to engage with the art closely, choosing their own path among the works.

Acervo em Transformação, or ‘Collection in Transformation’, is MASP’s long-term archive in its picture gallery.

Every year, throughout the months, there are several group and solo exhibitions articulated around specific themes, such as the Histories of Sexuality (2017), Afro-Atlantic Histories (2018), Histories of Feminism and Women (2019), among others. The use of the word “histories” is very intentional, as it seeks to highlight the plurality of experiences in their diversity, open, fragmented, and ever changing human nature. According to the museum itself, “in Portuguese, the word histórias

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MASP é um dos mais conhecidos museus de arte do Brasil e da América Latina. Sua icônica sede na Avenida Paulista em São Paulo é um marco da própria cidade e é um feito da arquitetura brasileira, criada por Lina Bo Bardi em 1968. Hoje, o MASP possui mais de 11 mil obras, abrigando de tudo, desde pinturas, esculturas e fotografias, a outros objetos, vídeos e roupas de todos os cantos da Terra. Na verdade, o museu abriga a seleção mais importante de obras de arte europeias do hemisfério sul.

A própria arquitetura do MASP é sutilmente grandiosa para apresentar suas peças importantes. Bardi, em seu projeto, leva as peças de arte das paredes para vitrines que desafiam o modo tradicional europeu de apresentar arte. Essas telas transparentes permitem que o público se envolva de perto com a arte, escolhendo seu próprio caminho entre as obras.

Acervo em Transformação, ou ‘Coleção em Transformação’, é o arquivo de longa data do MASP em sua galeria de fotos. Todos os anos, ao longo dos meses, realizam-se várias exposições coletivas e individuais articuladas em torno de temas específicos, como as Histórias da Sexualidade (2017), as Histórias Afro-Atlânticas (2018), as Histórias do Feminismo e da Mulher (2019), entre outras.

O uso da palavra “histórias” é muito intencional, pois busca evidenciar a pluralidade de experiências em sua diversidade, aberta, fragmentada e em constante mutação da natureza humana. Segundo o próprio museu, “em português, a palavra histórias pode denotar tanto histórias de ficção como histórias factuais, narrativas que podem ser pessoais e

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can denote either fictional stories or factual histories, narratives that can be personal and political, private and public, micro and macro.”

This approach follows the museum’s mission expressed in 2017, “MASP, a diverse, inclusive and plural museum, has the mission to establish, in a critical and creative way, dialogues between past and present, cultures and territories, through the visual arts. To this end, it should enlarge, conserve, research and disseminate its collection, while also promoting the encounter between its various publics and art through transformative and welcoming experiences.”

MASP’s calendar of exhibitions is as dynamic as the museum itself, and it is guided by the program of activities, which includes workshops and lectures, international seminars, courses in the MASP school, and a film and video program.

In addition to Acervo em Transformação, MASP is also presenting Maria Martins: Tropical Fictions, Gertrudes Altschul: Filigree, Video Room: Zahy Guajajara, Conceicao dos Bugres: The Nature of The World, and Picture Gallery in Transformation: Recent Gifts through the end of January 2022. For visitors attending the museum after the date, Picture Gallery in Transformation runs until December of 2022, as does Video Room: Dominique Gonzalez-Foerster. Tickets can only be purchased online setting a specific date and time to your visit.

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Masp - sketches. Lina bo Bardi.

políticas, privadas e públicas, micro e macro.”

Esta abordagem segue a missão do museu expressa em 2017, “O MASP, um museu diverso, inclusivo e plural, tem a missão de estabelecer, de forma crítica e criativa, diálogos entre passado e presente, culturas e territórios, através das artes visuais. Para tanto, deve ampliar, conservar, pesquisar e divulgar seu acervo, ao mesmo tempo em que promove o encontro entre seus diversos públicos e a arte por meio de experiências transformadoras e acolhedoras ”.

O calendário de exposições do MASP é tão dinâmico quanto o próprio museu e é orientado pelo programa de atividades, que inclui oficinas e palestras, seminários internacionais, cursos na escola do MASP e programação de filmes e vídeos.

Além de Acervo em Transformação, o MASP também apresenta Maria Martins: Ficções Tropicais, Gertrudes Altschul: Filigrana, Sala de Vídeo: Zahy Guajajara, Conceição dos Bugres: A Natureza do Mundo e Galeria de Imagens em Transformação: Presentes Recentes até o final de Janeiro de 2022. Para os visitantes do museu após a data, a Galeria de Imagens em Transformação vai até dezembro de 2022, assim como a Sala de Vídeo: Dominique Gonzalez-Foerster. Os ingressos só podem ser adquiridos online definindo uma data e hora específicas para a sua visita.

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Lina Bo Bardi on the ship Almirante Jaceguay on her way to Brasil in 1946.

“Quello che volevo, era avere Storia”

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Pinacoteca from SÃO PAULO @PINASP

Left, Os Gêmeos exhibition.

Below, Parque da Luz façade.

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ndoubtedly one of the most important museums in Brazil, especially when it comes to Brazilian art, the Pinacoteca de São Paulo is a museum of visual arts. The main focus of the museum’s archives is to showcase Brazilian art from the 19th century to the present day, and it is the oldest museum of the city. The initial collection of Pinacoteca came to be after a transfer of artworks from Museu Paulista of the University of Sao Paulo. It was made of 20 pieces from some of the city’s most important artists at the time, such as Pedro Alexandrio, Oscar Pereira da Silva, Almeida Junior, and Antonio Perreiras.

Their collection has grown to almost 11,000 artworks since then. The Associação Pinacoteca Arte e Cultura has been responsible for caring for the museum since 2006, and it currently holds around 30 exhibits a year. Pinacoteca now has two spaces, the original Pinacoteca (now dubbed Pina_Luz), and Pinacoteca Estacao (nicknamed Pina_Estacao).

The latter was established in 2004, when the museum incorporated the old address of a complex that housed warehouses and the office of Sorocabana Railroad. This association gave the new venture its name, and the space was remodeled by the architect Haron Cohen. Pina_Estacao now hosts part of the museum’s program of temporary exhibitions. It also holds a Memorial to the Sao Paulo Resistance, which is dedicated to preserving the memories of the resistance and the political repression of Brazil, specifically after its period of dictatorship.

Pinacoteca’s mission is one of full dedication to curating, preserving, and showcasing Brazilian visual arts. This mission also includes the exploration of Brazilian art in a “dialogue with the cultures of

em dúvida um dos mais importantes museus do Brasil, principalmente no que diz respeito à arte brasileira, a Pinacoteca de São Paulo é um museu de artes visuais. O principal foco do arquivo do museu é a exposição da arte brasileira do século 19 aos dias atuais, sendo o museu mais antigo da cidade. O acervo inicial da Pinacoteca surgiu após uma transferência de obras do Museu Paulista da Universidade de São Paulo. Foi composta por 20 peças de alguns dos artistas mais importantes da cidade na época, como Pedro Alexandrino, Oscar Pereira da Silva, Almeida Junior e Antonio Parreiras.

Sua coleção cresceu para quase 11.000 obras de arte desde então. A Associação Pinacoteca Arte e Cultura é a responsável pela manutenção do museu desde 2006, e atualmente realiza cerca de 30 exposições por ano. A Pinacoteca passou a ter dois espaços, a Pinacoteca original (agora apelidada de Pina_Luz) e a Pinacoteca Estação (apelidada de Pina_Estacao). Este último foi inaugurado em 2004, quando o museu incorporou o antigo endereço de um complexo que abrigava galpões e a sede da Estrada de Ferro Sorocabana. Essa associação deu o nome ao novo empreendimento, e o espaço foi remodelado pelo arquiteto Haron Cohen. Pina_Estacao agora acolhe parte do programa de exibições temporárias do museu. Também abriga o Memorial à Resistência de São Paulo, que se dedica a preservar a memória da resistência e da repressão política do Brasil, especificamente após o período da ditadura.

A missão da Pinacoteca é dedicar-se totalmente à curadoria, preservação e exibição das artes visuais brasileiras. Esta missão também inclui a exploração da arte brasileira em um “diálogo com as culturas do mundo, coletando, estudando, preservando, exibindo e divulgando suas coleções para promover a experiência do público

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Em sentido horário: Mestiço by Candido Portinari Jose Spaniol Installation The Astronaut by Claudio Tozzi Cena de Rua by Emiliano Di Cavalcanti

the world by collecting, studying, preserving, exhibiting and communicating its collections to promote the public’s experience with art, stimulate creativity and the construction of knowledge.” More than anything, Pinacoteca also aims to be democratic in its work, engaging with art to fully represent the diversity of Brazilian society. Its values permeate through every action of the museum: innovation related to museology and institutional management, preservation of cultural heritage and artistic experimentation, education through Art and deepening processes of social inclusion, and quality management and valorisation of human resources.

For those visiting the Pinacoteca in 2021 or 2022, you can expect to see the exhibitions John Graz: Idolo Tropical e Moderno through January, Maquina do Mundo: Arte e Industria no Brasil 1901-2021 through February, Rosangela Renno: Pequena Ecologia de Imagem through March, and Uma Obra through May, in addition to the museum’s permanent archives. Pinacoteca also provides several educational resources, both online and onsite. Some of their activities include online courses, programs, and even conversation hours at the museum. Make sure to book your tickets online prior to visiting any of their facilities or attending activities.

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com a arte, estimular a criatividade e a construção do conhecimento”. Mais do que tudo, a Pinacoteca também almeja ser democrática em seu trabalho, engajando-se com a arte para representar de forma plena a diversidade da sociedade brasileira. Os seus valores permeiam todas as ações do museu: inovação relacionada com a museologia e gestão institucional, preservação do património cultural e experimentação artística, educação pela Arte e aprofundamento dos processos de inclusão social, gestão da qualidade e valorização dos recursos humanos.

Para quem visita a Pinacoteca em 2021 ou 2022, pode esperar as exposições John Graz: Ídolo Tropical e Moderno até janeiro, Máquina do Mundo: Arte e Indústria no Brasil 1901-2021 até fevereiro, Rosângela Rennó: Pequena Ecologia de Imagem até Março e Uma Obra até maio, além do arquivo permanente do museu. A Pinacoteca também oferece diversos recursos educacionais, tanto online quanto presenciais. Algumas de suas atividades incluem cursos online, programas e até horas de conversação no museu. Certifique-se de reservar seus ingressos online antes de visitar qualquer uma de suas instalações ou participar de atividades.

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Foto Ana Luiza Albquerque

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Instituto Inhotim from Brumadinho @inhotim

Galeria Mata hosts Primeiro ato – Tunga, Abdias Nascimento e o Museu de Arte Negra First Act – Tunga, Abdias Nascimento and the Museum of Black Art

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ocated in Brumadinho, Minas Gerais, Instituto Inhotim is a contemporary art museum and botanical garden that combines the beauty of manmade and nature made art. One of the youngest museums in our list, the Inhotim was only established in 2004 and opened to the public in 2006, though its founder, Bernardo de Mello Paz, had idealized the concept since the 1980s. Today, it is one of the biggest open-air museums in the world. What started as a private collection became one of the largest foundations of contemporary art in Brazil, nestled amid the rich biomes of the Atlantic Forest and the tropical savanna of Cerrado.

Inhotim is an one of a kind institution which provides a unique experience to its visitors. The institute hosts over 700 works by more than 60 artists coming from nearly 40 different countries. Art

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ocalizado em Brumadinho, Minas Gerais, o Instituto Inhotim é um museu de arte contemporânea e jardim botânico que reúne a beleza da arte feita pelo homem e a da natureza. Um dos mais jovens museus de nossa lista, o Inhotim só foi fundado em 2004 e foi aberto ao público em 2006, embora seu fundador, Bernardo de Mello Paz, o idealizasse desde a década de 1980. Hoje, é um dos maiores museus a céu aberto do mundo. O que começou como uma coleção particular se tornou um dos maiores alicerces da arte contemporânea do Brasil, aninhado em meio aos ricos biomas da Mata Atlântica e da savana tropical do Cerrado.

O Inhotim é uma instituição ímpar que proporciona uma experiência única aos seus visitantes. O instituto acolhe mais de 700 obras de mais de 60 artistas vindos de cerca de 40 países diferentes. As peças de arte do Inhotim não ficam apenas na parede - aliás,

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Narcissus Garden by Yayoi Kusama 95

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pieces at Inhotim are not bound only to the wall – matter of fact, one of the biggest features of the museum is its extensive collections of outdoor artworks. These outdoor pieces are scattered throughout the vast extent of the institute’s natural space, often interacting with the nature that surrounds them. This feature of the museum allows the artists to let their imagination run free of the constraints of traditional exhibition spaces. Many of the works onsight were especially commissioned to Inhotim, which demonstrates the museum’s commitment to fostering artistic expression.

Still, Inhotim is a cultural project that encompasses and embraces traditional art mediums as well as innovative forms. The pieces were initially part of the founder’s personal collection, and have since grown into the interesting international archive that it is today. The institute is divided into 23 galleries, four of which are dedicated to temporary exhibitions: Lago, Fonte, Praça, and Mata. These are often updated with new works, many of which are commissioned to the museum. The 19 permanent galleries present works of Tunga, Cildo Meireles, Miguel Rio Branco, Hélio Oiticica & Neville d’Almeida, Adriana Varejão, Doris Salcedo, Victor Grippo, Matthew Barney, Rivane Neuenschwander, Valeska Soares, Doug Aitken, Marilá Dardot, Lygia Pape, Carlos Garaicoa, Carroll Dunham, Cristina Iglesias, William Kentridge, and Claudia Andujar.

Due to the sheer size of the institute’s premises and collection, its site is somewhat off the average tourist’s path. Those visiting Inhotim are encouraged not only to explore the museum, but also its surrounding city, Brumadinho. If the vastness of the institute serves to intimidate some visitors, the museum also offers several guided visits, such as the Panoramic Visit, the Themed visit, Group visits, and more, which can be booked online. Inhotim caps the number of visitors per day at 1500, which means you must book your ticket in advance, ranging from 1 to 3 day tickets. Make sure to check out Inhotim’s website for more information on visits and protocol, especially if your visit coincides with COVID restrictions. casa brasil miami

uma das maiores características do museu são suas extensas coleções de arte ao ar livre. Essas peças ao ar livre estão espalhadas por toda a vasta extensão do espaço natural do instituto, muitas vezes interagindo com a natureza que as cerca. Esta característica do museu permite aos artistas darem asas à imaginação dos constrangimentos dos espaços expositivos tradicionais. Muitas das obras à vista foram encomendadas especialmente a Inhotim, o que demonstra o compromisso do museu com a promoção da expressão artística.

Ainda assim, Inhotim é um projeto cultural que engloba e abraça tanto os meios tradicionais da arte quanto as formas inovadoras. As peças faziam inicialmente parte da coleção pessoal do fundador e, desde então, cresceram no interessante arquivo internacional que é hoje. O instituto está dividido em 23 galerias, quatro das quais dedicadas a exposições temporárias: Lago, Fonte, Praça e Mata. Muitas vezes são atualizados com novos trabalhos, muitos dos quais são encomendados ao museu. As 19 galerias permanentes apresentam obras de Tunga, Cildo Meireles, Miguel Rio Branco, Hélio Oiticica e Neville d’Almeida, Adriana Varejão, Doris Salcedo, Victor Grippo, Matthew Barney, Rivane Neuenschwander, Valeska Soares, Doug Aitken, Marilá Dardot, Lygia Pape , Carlos Garaicoa, Carroll Dunham, Cristina Iglesias, William Kentridge e Claudia Andujar.

Devido ao tamanho das instalações e coleção do instituto, seu local está um pouco fora do caminho do turista médio. Quem visita Inhotim é estimulado não só a conhecer o museu, mas também a cidade que o circunda, Brumadinho. Se a vastidão do instituto serve para intimidar alguns visitantes, o museu oferece ainda várias visitas guiadas, como a Visita Panorâmica, a Visita Temática, a Visita em Grupo e muito mais, que podem ser marcadas online. O Inhotim limita o número de visitantes por dia em 1.500, o que significa que você deve reservar o seu ingresso com antecedência, variando de 1 a 3 ingressos diários. Não deixe de conferir o site do Inhotim para mais informações sobre visitas e protocolo, principalmente se sua visita coincidir com as restrições do COVID.

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Photo: William Gomes

De Lama Lamina by Matthew Barney

Untitled Sculptures by Edgard de Souza

Hélio Oiticica e Neville D’Almeida, Cosmococa/ CC5 Hendrix-war, 1973, 5 projetores, slides, redes, trilha sonora (Jimi Hendrix) e equipamento de áudio, dimensões variáveis.

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cinema

Eduardo e Mônica A delicate love story passed through generations, from the words of Legiao Urbana to the camera of Rene Sampaio: “Eduardo e Monica” promises to steal hearts all over the world.

Uma delicada história de amor passada por gerações, das palavras de Legião Urbana à câmera de René Sampaio: “Eduardo e Mônica” promete roubar corações no mundo todo.

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Foto Mariana Vianna

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ome stories live beyond their generations. Perhaps it’s through a mixture of recognizable archetypes and social sentiments, or through a unique transformation of something universal. Either way, they are passed on, giving insight and comfort to different individuals and groups across time. The arts are the perfect medium for exploring life’s stories and questions; and such as our lives intersect with others’, so do different artistic mediums, creating something bigger than the sum of its parts. Inspiration always comes in an endless stream of experiences, and somewhere along its shores, the idea for the movie “Eduardo e Monica” (2021), directed by René Sampaio, bubbled up. This intersection of ideas has its roots in Legião Urbana, a 1980s rock band native of Brasilia, DF, the capital of the country. The band itself is a cornerstone of Brazilian music and pop-culture, but the song that gives name to Sampaio’s movie is perhaps one of their most recognizable works.

Lighthearted yet casually reflective, the song “Eduardo e Monica” is an unlikely love story between two people who could not be more different, yet are imperfectly perfect for each other. Life happens and they love each other through it. In fact, the song is a reminder that people can actually love one another despite – and perhaps, even, because of – their differences.

Anyone who’s heard this iconic song will be familiar with the main beats of Sampaio’s “Eduardo e Monica.” Eduardo (Gabriel Leone), a naïve and goofy high 99

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ertas histórias vivem além de suas gerações. Podem ser através de uma mistura de arquétipos reconhecíveis e sentimentos sociais ou através de uma transformação única de algo universal. De qualquer forma, eles são transmitidos dando visão e conforto a diferentes indivíduos e grupos ao longo do tempo. As artes são o meio perfeito para explorar as histórias e o cotidiano; assim como nossas vidas se cruzam com as dos outros, o mesmo acontece com diferentes meios artísticos, criando algo maior do que a soma de suas partes. A inspiração sempre vem em um fluxo interminável de experiências e em algum lugar ao longo de suas margens, surgiu a ideia do filme “Eduardo e Mônica” (2021), dirigido por René Sampaio. Esse cruzamento de ideias tem suas raízes na banda de rock Legião Urbana, ícone dos anos 1980, eles são naturais de Brasília, DF, capital do país. A banda em si é uma pedra angular da música e da cultura pop brasileira, mas a música que dá nome ao filme de Sampaio é talvez uma de suas obras mais conhecidas.

Leve, mas casualmente reflexiva, a música “Eduardo e Mônica” é uma história de amor improvável entre duas pessoas que não poderiam ser mais diferentes, mas são imperfeitamente perfeitas um para o outro. A vida acontece e eles se amam através dela. Na verdade, a música é um lembrete de que as pessoas podem realmente se amar apesar – e talvez até por causa – de suas diferenças.

Quem já ouviu essa música icônica conhece os pontos principais de “Eduardo e Mônica” de Sampaio. Eduardo (Gabriel Leone), um colegial ingênuo que se aproxima da idade adulta em seu próprio ritmo, é arrecasa brasil miami

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batado pela boêmia estudante de medicina de espírito livre, Monica (Alice Braga). No entanto, Sampaio dá vida aos personagens mantendo sua essência. Eduardo, embora jovem e inexperiente, tem um coração de ouro e bondade além de sua idade. Enquanto isso, Mônica é muito mais fundamentada e equilibrada como estudante de medicina e artista, além de ser alguém que passou por grandes perdas em sua vida. Ambos os personagens são retirados de sua rima na música para se tornarem pessoas multifacetadas, com desejos e medos fora de seu relacionamento. Essa é a magia definidora do filme de Sampaio, o processo de reimaginação da iconografia cultural em algo que se encaixa no período em que é feito e pode sobreviver ao teste do tempo devido à sua relacionalidade.

As performances principais certamente incorporam essa visão da história. O retrato de Mônica Braga é tão forte e legal quanto descrito pela música original da Legião Urbana. No entanto, a atriz traz uma suavidade e vulnerabilidade subjacentes à personagem que leva o espectador a simpatizar com ela – apesar de, às vezes, se sentir frustrado com suas decisões. Enquanto isso, Eduardo de Leone tem toda a juventude de sua contraparte original, especialmente na primeira metade do filme. No entanto, Leone é incrivelmente charmoso em seu retrato e é quase impossível não sentir a personalidade doce e juvenil de Eduardo, enquanto ele se torna um homem diante de nossos olhos. De fato, fica claro por que os dois se apaixonam: cada um tem algo que falta ao outro e se encaixam como um quebra-cabeça, mesmo em meio à turbulência.

Ao redor dos dois, Sampaio adiciona familiares e amigos para complementar seus arcos individuais e novamente o elenco é fenomenal. Os destaques desse conjunto foram Inácio (Victor Lamoglia) e Bira (Otávio Augusto), amigo e avô de Eduardo, respectivamente, além de Lara ( Juliana Carneiro da Cunha), mãe de Mônica. Foi revigorante ver nossos personagens principais vivendo suas próprias vidas fora de seu relacionamento um com o outro. Essa adição foi necessária: podese descrever a personalidade de Mônica e Eduardo por

schooler inching into adulthood at his own pace, is swept off his feet by the bohemian medical student and free spirited, Monica (Alice Braga). However, Sampaio breathes life into the characters while keeping their essence. Eduardo, though young and inexperienced, has a heart of gold and kindness beyond his years. Meanwhile, Monica is found much more grounded and well-rounded as a medical student and artist, and someone who has gone through great loss. Both characters are taken out of their rhyme in song to become multifaceted people, with desires and fears outside of their relationship. That is the defining magic of Sampaio’s film, the process of reimagination of cultural iconography into something that both fits the period in which it is made and could survive the test of time due to its relatability.

The lead performances certainly embody this vision of the story. Braga’s portrayal of Monica is as strong and cool as described by Legiao Urbana.

Yet, the actress brings an underlying softness and vulnerability to the character that pulls the viewer into empathizing with her – despite, at times, feeling frustrated with her decisions. Meanwhile, Leone’s Eduardo has all the youthfulness of his original counterpart, especially through the first half of the movie. However, Leone is incredibly charming in his portrayal, and it’s almost impossible not to feel for the sweet, boyish persona of Eduardo as he grows into a man in front of our eyes. Matter of fact, it’s clear why the two fall in love with each other: each has something the other lacks, and they fit together like a puzzle even through their turbulence.

Around the two, Sampaio adds family and friends to fully round out their individual arcs, and again the casting is phenomenal. The highlights of this ensemble were Inacio (Victor Lamoglia) and Bira (Otávio Augusto), friend and grandfather of Eduardo, respectively, and Lara ( Juliana Carneiro da Cunha), Monica’s mother. It was refreshing to casa brasil miami

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Frame divulgação

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see our main characters living lives of their own outside of their relationship with each other. This addition was necessary: one could describe Monica or Eduardo’s personality for an hour and a half, but to show them in all the different spaces of their lives is the key to Sampaio’s reimagination of their story.

And it is quite a timely love story. At the core of Legiao Urbana and Sampaio’s “Eduardo e Monica,” there is a sense of recognition of differences without hard rejection. That is, to love someone is to accept their similarities as well as their differences to ourselves. The world has entered a new decade filled with hard lines and walls in which people are more divided than ever. Many can’t conceive of associating with someone whose opinions aren’t exactly like their own – much less loving them. Of course, certain values are non-negotiable, but there has to be more space for learning, sharing, loving, changing, and most of all, acceptance. Sampaio and her

uma hora e meia, mas mostrá-los em todos os diferentes espaços de suas vidas é a chave para a releitura de sua história por Sampaio.

Uma história de amor bastante oportuna. No cerne de “Eduardo e Mônica”, de Legião Urbana e Sampaio, há um sentimento de reconhecimento das diferenças sem forte rejeição. Ou seja, amar alguém é aceitar suas semelhanças e diferenças com nós mesmos. O mundo entrou em uma nova década cheia de linhas duras e muros em que as pessoas estão mais divididas do que nunca.

Muitos não conseguem conceber se associar com alguém cujas opiniões não são exatamente como as suas – muito menos amá-las. Claro, certos valores não são negociáveis, mas tem que haver mais espaço para aprender, compartilhar, amar, mudar e, acima de tudo, aceitar.

Sampaio e seu elenco nos lembram que amor, respeito e cuidado são possíveis em todos os grupos, além de suas diferenças e essa troca nos impulsiona a crescer como indivíduos e como sociedade.

Tão oportuno quanto a própria história é o espaço 101

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Janine Moraes

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cast remind us that love, respect, and care are possible across groups, beyond their differences, and that exchange pushes us all to grow as individuals and as a society.

Just as timely as the story itself is the cultural space in which it is being released. “Eduardo e Monica” had its very first showing in 2020 at the Miami Festival. It won Best International Film (Drama) later at the Edmonton’s International Festival, and Outstanding Achievement Award at the Calcutta International Cult Film Festival. In 2022, Eduardo & Mônica had its premiere in Miami on January 14th and is scheduled to be shown in several cities in Brazil starting on January 20th and in Lisbon, on January 27th. Producer Bianca de Felippes intends to launch the film on the commercial circuit in other cities in the USA and Europe, where the public is anxious to watch this feature based on Renato’s work. Director René Sampaio reflects on how “the film is a delicate love story that approaches, among other things, how it’s possible to love and respect those who think very differently from you. To some extent, everyone has been Eduardo or Mônica in some relationship.”

This response to the film is quite exciting, and an important reminder of the strength of Brazilian art abroad, especially our cinema. The national art industry – again, especially the Brazilian film industry – has endured great turmoil through the COVID-19 pandemic. Films were postponed or outright canceled, studios downsized majorly or closed, and thousands of actors and crew members went unemployed during the worst of lockdowns and even the grace periods in between them.

The road to recovery will be hard, and especially challenging as the world changes. Still, the artistic strength and creativity of Brazilian filmmakers cannot be denied or held back. Now is the time to uplift one another, both as artists and art lovers. There will always be opportunities to support our art and cultural expression, and our cinema deserves to be celebrated.

cultural em que está sendo lançada. “Eduardo e Mônica’’ teve sua primeira exibição em 2020 no Miami Festival. Ele ganhou Melhor Filme Internacional (Drama) mais tarde no Festival Internacional de Edmonton e Outstanding Achievement Award no Festival Internacional de Cinema Cult de Calcutá. Em 2022, Eduardo & Mônica teve sua estreia em Miami no dia 14 de janeiro e está prevista para ser exibida em várias cidades do Brasil a partir do dia 20 de janeiro e em Lisboa no dia 27 de janeiro. A produtora Bianca de Felippes pretende lançar o filme no circuito comercial de outras cidades dos EUA e da Europa, onde o público está ansioso para assistir a esse longa baseado na obra de Renato Russo. O diretor René Sampaio reflete sobre como “o filme é uma delicada história de amor que aborda, entre outras coisas, como é possível amar e respeitar quem pensa diferente de você. Até certo ponto, todo mundo já foi Eduardo ou Mônica em algum relacionamento.”

Essa resposta ao filme é bastante empolgante e um importante lembrete da força da arte brasileira no exterior, especialmente do nosso cinema. A indústria de arte nacional – mais uma vez, especialmente a indústria cinematográfica brasileira – passou por grandes turbulências com a pandemia do COVID-19. Os filmes foram adiados ou cancelados, os estúdios foram reduzidos ou fechados e milhares de atores e membros da equipe ficaram desempregados durante os piores bloqueios e até mesmo os períodos de carência entre eles. O caminho para a recuperação será especialmente desafiador à medida que o mundo muda. Ainda assim, a força artística e a criatividade dos cineastas brasileiros não podem ser negadas ou reprimidas. Agora é a hora de elevarmos uns aos outros, tanto como artistas quanto como amantes da arte. Sempre haverá oportunidades para apoiar nossa arte e expressão cultural, nosso cinema merece ser celebrado.

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BIOGRAPHY

VI VI A NE B RES SA NE S PINE L L I E xe c uti v e D i r e c to r U S Inf f i ni to B ra z i l i a n F i l m F e s ti va l Viviane Spinelli was born and raised in Cuiabá, Brazil. She graduated from Santa Úrsula University in Rio de Janeiro with a degree in Urbanism and Architecture in 1992. But her passion for cinema took her on a different path.

Viviane Spinelli nasceu e foi criada em Cuiabá, Brasil.

Formou-se em Urbanismo e Arquitetura pela Universidade Santa Úrsula, no Rio de Janeiro, em 1992. Mas sua paixão pelo cinema a levou por um caminho diferente.

In 1994 she moved to the US, as Founder and Executive Director of Inffinito Foundation, in charge of fundraising, management, production and promotion of the company’s events and although they have brought numerous musical concerts to Miami its main project remains the Inffinito Brazilian Film Festival.

Em 1994 mudou-se para os EUA, como Fundadora e Diretora Executiva da Inffinito Foundation, responsável pela captação de recursos, gestão, produção e promoção dos eventos da empresa e apesar de terem trazido inúmeros shows musicais para Miami seu principal projeto continua sendo o Inffinito Brazilian Film Festival .

She also directed and produced the short Pioneers and the musical documentary Orchestra on the Road. She was the assistant director of the documentary Smoking I Wait, executive producer of the documentary Transtime and producer of Inffinito’s TV Series Option America.

Também dirigiu e produziu o curta Pioneers e o documentário musical Orchestra on the Road. Foi assistente de direção do documentário ”Smoking I Wait”, produtora executiva do documentário Transtime e produtora da série de TV Option America, da Inffinito.

In 2018 she received the Brazilian Government and Ministry of External Relations highest honor, the Order of Rio Branco.

Em 2018 recebeu a maior honraria do Governo e do Ministério das Relações Exteriores do Brasil, a Ordem do Rio Branco.

Em 2020 Viviane lançou com as parceiras Adriana e Cláudia Dutra uma nova plataforma para exibição de filmes em todo o mundo – www.inff.online e em 2021 o Inffinito Brazilian Film Festival comemorou 25 Anos.

In 2020 Viviane launched with partners Adriana and Claudia Dutra a new platform to screen film all over the world – www.inff.online and in 2021 the Inffinito Brazilian Film Festival celebrated 25 Years.

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Davi Costa | Unsplash

Bondinho Pão de Açúcar e Corcovado - Rio de Janeiro, Brasil casa brasil miami

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art

and cultural Movements

in

Brazil is at a crossroads politically, and this is reflected in one of the most famous cities in the country: Rio de Janeiro. What does the future look like for a place known as the marvelous city?

Rio de Janeiro

O Brasil está em uma encruzilhada política, e isso se reflete em uma das cidades mais famosas do país: o Rio de Janeiro. Como será o futuro de um lugar conhecido como a cidade maravilhosa?

By Igor Sampaio

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Jardim BotanicoCourtesy Of Myskle

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Jardim Botânico - Rio de Janeiro, Brasil

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hat could we expect from unique places around the world?

Obviously, to answer this question, it is necessary to keep in mind that it is not uncommon for unique cities to exist in almost every country, each with their exclusive properties. However, it is extremely interesting when any of these cities is, in some or several moments of its history, a stage of events so unique that they impact the rest of the world in some way.

And so we can begin this article about Rio de Janeiro. A city much more familiar to Latino culture, and somewhat exotic to those who live above the equator. This city in the tropics, which has served from the laboratory for Walt Disney to a host of the Olympics and the World Cup in football sequentially. It may be just a dot on the map, located to the south of the globe. But for those who manage casa brasil miami

que poderíamos imaginar de um lugar com características únicas em todo o mundo?

Obviamente para responder a essa pergunta, é preciso que se tenha em mente que não é raro existirem cidades em quase todo país, com propriedades exclusivas, mas, é extremamente interessante quando alguma dessas cidades foi em algum ou vários momentos de sua história, palco de acontecimentos tão singulares que impactaram de alguma forma o resto do mundo.

E assim podemos começar este artigo sobre o Rio de Janeiro. Muito mais familiar para a cultura latina, e um tanto quanto exótico para “aqueles” acima da linha do equador. Essa cidade dos trópicos que já serviu desde o laboratório para Walt Disney a sede das Olimpíadas e Copa do mundo de futebol sequentemente, pode ser apenas um ponto no mapa, localizado ao sul, bem ao sul do globo terrestre. Mas para quem consegue girar o globo em direção a seu lado mais quente, percebe que na

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CULTURE

to turn the globe towards its warmer side, they realize that it is actually a central point in movements that were not only fundamental in the past, but also striking and even dangerous in the present.

Going back a few centuries, this city that once had the largest slave port in the world, ironically forged in its structure a multilateral and democratic culture, allowing this city to develop several cities within itself. A patchwork quilt – a cultural, social, political and economic potpourri, rather (French is also part of the formation of the city). With the participation of indigenous, African, European and Asian peoples, Rio had the benefit of, in the absence of its own brand, adopting everything that arrived by sea or through the forest in a relatively quick local adaptation. With this almost maternal trait as the apex, it received an European court that fled Napoleon’s troops. It then became home to 2 emperors, who quickly became legitimate Cariocas, with personalities that are still part of Brazilian folklore. The first sovereign was wasted by the tropical heat, and was lost in the curves of women, whether European, Brazilian or slaves, while the other was lost in the greed and corruption of a country that still tried to be a nation in some way.

Those who think that politics alone can define the character of this city are wrong. The recipe for achieving the status of a wonderful city goes from the sensual delusions of its carnival parties, to the regional machismo that ennobles outlaw behavior as a local charm. Trying to read its cultural DNA in some way is to wander in an open field without a predefined route, accepting influences from all corners, which culminates in a Latin culture with its own apex. Not only distant from the Latin of the rest of the world, but different from the Brazilian expression in the rest of the country. Rio has its own culture, which, yes, it absorbs, but also influences everyone.

Take the musical arts as an example. Through

verdade ela é um ponto central em movimentos não só fundamentais no passado, mas marcantes e até perigosos no presente.

Voltando a alguns séculos, esta cidade que já teve o maior porto de escravos do mundo, ironicamente forjou em sua estrutura uma cultura multilateral e democrática, permitindo que essa cidade desenvolvesse diversas cidades dentro de si. Uma colcha de retalhos, um pot -pourri melhor dizendo (o francês também faz parte da formação da cidade), cultural, social, político e econômico. Com participações de povos indígenas, africanos, europeus e asiáticos, o Rio teve o benefício justamente de, na falta de uma marca própria, adotar tudo aquilo que chegava pelo mar ou pela mata, em uma adaptação local relativamente rápida. Tendo como ápice desse traço quase materno, recebeu uma corte europeia que fugia das tropas de Napoleão. Se tornando lar então de 2 imperadores, que rapidamente se tornaram legítimos cariocas, com personalidades que até hoje fazem parte do folclore brasileiro. O primeiro soberano se esbanjou com o calor tropical, e se perdia nas curvas das mulheres, sendo elas europeias, brasileiras ou escravas, já o outro se perdeu com a cobiça e corrupção de um país que ainda tentava ser de alguma forma uma nação.

Se engana quem acha que somente a política pode definir o caráter dessa cidade. A receita para se chegar ao status de cidade maravilhosa, caminha por delírios sensuais de suas festas carnavalescas, ao machismo regional que enobrece o comportamento fora da lei como um charme local. Tentar de alguma forma fazer uma leitura do seu DNA cultural, é peregrinar em campo aberto, sem roteiro pré-definido, aceitando influências de todos os cantos, o que culmina em uma cultura latina de vértice própria. Não só afastado do latino do resto do mundo, mas diferente da própria expressão brasileira do resto do país. O Rio tem a sua própria cultura, que absorve sim, mas que influencia a todos.

Enveredamos nas artes musicais por exemplo. Em épocas distintas 3 grandes movimentos que serviram e ainda o fazem como marcas registradas dessa epopeia 109

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CULTURE

different ages, 3 great movements served – and still serve – as trademarks of this South American epic.

The samba of the African matrix had, in Rio, the ideal habitat to become Brazilian; it was nationalized and built in its lands as the biggest party on the planet. The bossa nova, totally antagonistic to samba, the product of the Rio elite, showed the world a city with a more refined culture. And finally, in current times, Brazilian funk carioca (known simply as funk), also of imported origin, underwent its metamorphosis, and returns as a segmented force of its culture, as a movement that exposes everyone to a city not as ideal as bossa-nova did. So, depending on where one points the focus of interest in your culture, you will always find that giant power of your people, which is capable of metamorphosing its elements.

But unfortunately, despite all its potential and historical formation, when the value of its culture as a tool for social change and benefit is pragmatically investigated - and I believe that the value of culture is intrinsic with the capacity for improvement that these habits provide in its community - we can find ourselves facing a scenario not as encouraging as it could be. Rio, despite having its cultural and artistic weight, which is in fact indisputable, seems to have failed when satisfactory results from all this past are demanded. For at present, the city does not stand out in vigorous casa brasil miami

sul-americana. O samba de matriz africana, teve no Rio, o habitat ideal para se abrasileirar, nacionalizar e construir em suas terras a maior festa do planeta. A bossa nova, totalmente antagonista ao samba, fruto da elite carioca, mostrou ao mundo uma cidade de cultura mais refinada. E por fim, nos tempos atuais o funk, também de origem importada, sofreu sua metamorfose, e volta como uma força segmentada de sua cultura, como um movimento que expõe a todos uma cidade não tão ideal como a bossa-nova fazia. Então, para onde se apontar o foco de interesse em sua cultura, irá se descobrir sempre, esse poder gigante de seu povo, que é capaz de metamorfosear seus elementos.

Mas infelizmente apesar de todo seu potencial e formação histórica, quando se investiga pragmaticamente o valor de sua cultura como ferramenta de mudança e beneficiamento social acredito que o valor da cultura esteja intrínseco com a capacidade de melhoria que esses hábitos proporcionam na sua comunidade - podemos nos deparar diante de um cenário não tão animador quanto poderia ser. O Rio apesar de ter seu peso cultural e artístico, o que é de fato incontestável, parece ter falhado quando se exige resultados satisfatórios oriundos de todo esse passado.

Pois no presente, a cidade pouco se destaca em assuntos vigorosos, perdendo espaço para manchetes policiais. E aqui a política entra como um dos principais agentes causadores desse ostracismo cultural. Desde que a cidade perdeu o posto de capital do Brasil em 1960, 110

Favela da Rocinha

Favela da Rocinha - Rio de Janeiro, Brasil 111

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Rio 1960S Courtesy Of The Oldie But Goodie

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matters, losing space to police headlines. And here politics comes in as one of the main causative agents of this cultural ostracism. Since the city lost its position as the capital of Brazil in 1960 to the then modern Brasília, little by little economic and political power also migrated to other regions. Not that this is a death sentence, but in the case of Rio, it seems to have provided a new status quo of sloppiness, crime, and lack of justice. Rio has been losing its beauties, its relevant culture, and finally its capacity to be at least habitable. The violence that has always been present reached new heights a few years ago, evolving from minor offenses or crimes related to drug trafficking in its favelas, to criminal organizations orchestrated and led by public agents such as police, firefighters and politicians. (The president of this republic, Jair Bolsonaro, in the recent past, not only defended the presence of these armed milicasa brasil miami

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para a então moderna Brasília, pouco a pouco o poder econômico e político também migrou para outras regiões. Não que isso seja uma sentença de morte, mas no caso do Rio, parece ter proporcionado um novo status quo de desleixo, crimes, e falta de justiça. O Rio vem perdendo suas belezas, sua cultura de relevância, e por último sua capacidade de ser ao menos habitável. A violência que sempre foi presente, a alguns anos alcançou novos patamares, evoluindo de crimes mais leves, ou relacionados ao tráfico de drogas em suas favelas, para organizações criminosas orquestradas e chefiadas por agentes públicos, como policiais, bombeiros e políticos. (O próprio presidente da república, Jair Bolsonaro, em passado recente não só defendeu a presença dessas milícias armadas, como seu filho tem participação com criminosos). E toda essa violência e corrupção, por mais incomum que seja, são fatos que vão dia após dia definhando a cidade.

Uma cidade com essa realidade

tias, but his son also has a stake with criminals). And all this violence and corruption, as absurd or unusual they may be, are facts that go on withering the city day after day.

A city with this harsh reality of a veiled civil war, and a people struggling through a weak economy along with a neglectful political class, inevitably ends up changing its conceptual structure. Art loses space to reality, and culture wanes. The essentials survive, and a guerrilla culture gains space, like funk in the favelas, suburban pagode and street art. But other faces fade out, like the theater and the film industry. Failing to carry out what was once the biggest film festival in Latin America, for example. But perhaps the greatest symbol of disregard for the arts is the 2018 fire at the National Museum. This centenary institution kept a millenary and exclusive collection all over the world. The lack of investment and bad administra-

Carnaval Rio De Janeiro Tata Barreto

Stuatue Of Tom Jobim Courtesy Of Shutterstock

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dura, de guerra civil velada, e um povo que luta com uma economia fraca e uma classe política omissa, inevitavelmente acaba mudando sua estrutura conceitual. A arte perde espaço para a realidade, e a cultura míngua. Sobrevive o essencial, e uma cultura de guerrilha ganha espaço, como funk nas favelas, pagode do subúrbio e arte das ruas. Mas outras faces se apagam, como teatro e a indústria cinematográfica. Deixando de realizar aquele que já foi o maior festival de cinema da américa latina por exemplo. Mas talvez o maior símbolo do descaso com as artes seja o incêndio em 2018 do Museu Nacional. Instituição centenária que guardava acervo milenar e exclusivos no mundo todo. A falta de investimento e má administração acabou por transformar em cinzas obras, documentos e conhecimento que em qualquer lugar seria patrimônio da humanidade.

Em tempos atuais, a arte não é mais democrática. Ela é segmentada a nichos específicos do povo, em conta-gotas pon113

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Joao Gilberto Courtesy Of Getty Images

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tion ended up turning into ashes works, documents and knowledge that would be a heritage of humanity anywhere.

In current times, art is no longer democratic. It is segmented to specific niches of the people, in punctual droppers, and not a source of daily abundance as seen in New York, for example. A sad and dangerous reality, which means that the city, which is already in the process of economic and civil degradation, is now losing its morality. The fact that the traditional creative economy is decreasing provokes an osmotic search for new foods for the soul, because, as we know, every human being needs culture as well as oxygen. The problem is that these new spaces for new elements of the counterculture, so to speak, are often not always beneficial to society.

To be very specific in my example: While in the US, if an adult has casa brasil miami

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tuais, e não em fonte de abundância diária como se vê em Nova Iorque por exemplo. Uma realidade triste e perigosa, que faz com que a cidade que já vem em processo de degradação econômica e cível, esteja agora perdendo sua moralidade. O fato da economia criativa tradicional está diminuindo, provoca uma busca doméstica por novos alimentos para a alma, pois como sabemos, o ser humano precisa de cultura assim como oxigênio. O problema é que muitas vezes esses novos espaços para novos elementos da contracultura, por assim dizer, nem sempre é benéfico para a sociedade.

Sendo bem específico em meu exemplo: Enquanto nos eua, se um adulto tiver relação sexual com uma jovem de 16 anos, acarretará em prisão. No Rio, a sexualização de crianças através da música que entra nas favelas e hábitos de seu povo é comum, e não é difícil de se encontrar meninas de 12 anos grávidas em programas de assistência social. Seria isso um fator de saúde pú-

sex with a 16-year-old girl, it will result in imprisonment. In Rio, the sexualization of children through music that enters the favelas and the habits of its people is common, and it is not difficult to find 12-year-old girls pregnant in social assistance programs. Is this a factor in public health, education, justice? Certainly culture encompasses all of this.

Obviously, an intellectually thriving city needs to constantly have movements that contest fixed status, but it seems that in Rio today, the only culture that gains space is one that is born from illegality and praises the subversion of values.

The culture formed by the arts, habits and institutions must be plural, multifaceted, and, in the last case, regulated. In Rio, lack of control sets in, and the stage for a subversive culture emerges in an unusual way, where what should not be valued often comes to the forefront. Trying not to be too orthodox, I think the

Rio De Janeiro Courtesy Of Istock

Rio De Janeiro Carnaval Courtesy Of Getty Images

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blica, educação, justiça? Certamente a cultura engloba tudo isso.

Obviamente que uma cidade intelectualmente viva precisa ter constantemente movimentos que contestam o status fixo, mas parece que no Rio, nos dias atuais, a única cultura que ganha espaço é aquela que nasce da ilegalidade e valoriza a subversão de valores. A cultura formada pelas artes, hábitos e instituições, deve ser plural, multifacetada, e, em último caso, regulamentada. No Rio o descontrole se estabelece, e o palco para uma cultura subversiva aflora de modo incomum, onde muitas vezes ganha destaque o que não deveria ser valorizado. Tentando não ser ortodóxo demais, acho que a grande questão aqui é se tudo isso é benéfico para a cidade. E independente das calorosas discussões políticas que permeiam de uns anos para cá o povo brasileiro, o fato é que números oficiais constatam uma cidade com cicatrizes. E a arte nessa cidade que tanto ajudou a definir sua imagem, parece relegada a segundo plano.

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big question here is whether this is all good for the city. And regardless of the heated political discussions that have permeated the Brazilian people for some years now, the fact is that official figures show a city with scars. And the art in this city, which helped define its image so much, seems to be relegated to the background.

Rio is by no means a sterile city, far from it, but the art the city produces in 2021 is haggard and pale. It changed its face. It lost strength, and even with rare exceptions such as the singer Anitta, who is a product 100% made in Rio, seems to distance herself from her roots and internationalize her art as her career stands out. Or for those who are still trying to maintain their originality, the international market becomes the most inevitable path, as in the case of film director José Padilha who migrated to Los Angeles. The fact is that Rio as a metropolis has shrunk and is no longer enough for many of the great artists. Physical exponent of this could be the downtown district of Rio de Janeiro – once one of the economic and artistic epicenters of South America, today it resembles a ghost town, with its shops and buildings closed, streets without pedestrians and museums without tourists.

From a metropolis that is a reference in architecture, to a city that auctions off its abandoned palaces (Capanema palace), Rio, which became famous all over the world, agonizes for salvation, and seems to succumb to its greatest power, that of transformation, trying not to become that what the locals call Hell de Janeiro. The city that always managed to redefine movements and characters, now simply survives, crushed by the slums, neglect from the authorities, and a people who are already used to the daily life of the absurd. Depending on the approach one chooses, spectacular or alarming interpretations are discovered. Happy or tragic. Plagiarizing Cariocas again: Rio is not for amateurs.

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O Rio não é nem de perto uma cidade estéril, e está longe de ser, mas a arte que a cidade produz em 2021 está abatida e pálida. Mudou sua cara. Perdeu forças, e mesmo com raras exceções como a cantora Anitta, que é um produto 100% made in Rio, parece se distanciar de suas raízes e internacionalizar sua arte conforme ganha destaque sua carreira. Ou para aqueles que ainda tentam manter seu traço de originalidade, o mercado internacional se torna o caminho mais inevitável, como no caso do diretor de cinema José Padilha que migrou para Los Angeles. O fato é que o Rio como metrópole se apequenou e não é mais suficiente para muitos dos grandes artistas. Expoente físico disso, poderia ser o bairro do centro do Rio de Janeiro, outrora um dos epicentros econômicos e artísticos da América do Sul, hoje se assemelha a uma cidade fantasma, com suas lojas e edifícios fechados, ruas sem pedestres e museus sem turistas.

De metrópole referência de arquitetura, a uma cidade que leiloa seus palácios abandonados (palácio Capanema), O Rio que ficou famoso no mundo inteiro, agoniza por uma salvação, e parece sucumbir ao seu maior poder, o de transformação, tentando não se transformar naquilo que os cariocas chamam de Hell de Janeiro. A cidade que sempre conseguiu redefinir movimentos e personagens, agora sobrevive, esmagada pelas favelas, descaso das autoridades, e um povo que já se acostuma com o cotidiano do absurdo. Dependendo do enfoque que se queira abordar, descobre-se interpretações espetaculares, ou alarmantes. Felizes ou trágicas. Plagiando novamente os cariocas: o Rio não é para amadores.

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Vinicius De Moraes Courtesy Of Getty Images

Thales Botelho De Sousa | Unsplash

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Escadaria Selaron - Rio de Janeiro, Brasil

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Bright Ideas From trash to treasure: upcycling is the future of industry as we know it.

Do lixo ao tesouro: upcycling é o futuro da indústria como conhecemos.

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s climate change and environmental concerns become ever more present in the public consciousness, many people now seek to consume products that align with their values. Though much progress has been made over the past decade, industries are not yet equipped to produce in a fully circular fashion. Still, it truly is time to invest in finding new solutions for the issues at hand. Our archives have retrieved an interview with the designers Erico Gondim and Flávia Vanelli from RatoRói by the Italian monthly trade magazine Plastix. The focus of the interview was their Corrupio Lamp, a product made through a process of upcycling plastic, offering an incredibly timely insight on the issue of industrial recycling.

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medida que as mudanças climáticas e as preocupações ambientais se tornam cada vez mais presentes na consciência pública, muitas pessoas agora procuram consumir produtos que se alinhem aos seus valores. Embora muito progresso tenha sido feito na última década, as indústrias ainda não estão equipadas para produzir de forma totalmente circular. Ainda assim, devemos realmente investir na busca de novas soluções para os problemas em questão. Nossos arquivos recuperaram uma entrevista com os designers Erico Gondim e Flávia Vanelli da RatoRói pela revista mensal italiana Plastix.

O foco da entrevista foi a Luminária Corrupio, produto feito por meio de um processo de upcycling extraídos do plástico, oferecendo uma visão incrivelmente oportuna sobre a questão da reciclagem industrial.

PLASTIX: How does the Corrupio game work?

RATOROI: The Corrupio is a very common toy made by children in Brazil, made with metal or plastic bottle caps and strings. The most common way to make it is by crushing the metal bottle caps until they become a flat circle. Then, kids make two holes close to the center of the cap to insert the strings. The player should hold the far end of the strings and make circular motions until it twirls completely. As we pull it back, it generates a rotating motion on the cap.

As you repeat this movement the toy twirls continuously, similar to a yo-yo. The same toy can be also made with two plastic bottles glued together, with the same holes and strings. You can also put a few seeds inside it so it will rattle as it moves.

Como funciona o jogo do Corrupio?

O Corrupio é um brinquedo muito comum feito por crianças no Brasil. Ele é feito com tampinhas de garrafa de metal ou plástico com barbantes. A maneira mais comum de fazer isso é esmagando as tampas das garrafas de metal até que elas se tornem um círculo plano. Em seguida, as crianças fazem dois furos próximos ao centro da tampa para inserir as cordas. O jogador deve segurar a ponta das cordas e fazer movimentos circulares até que ela gire completamente. Ao puxá-lo para trás, ele gera um movimento giratório na tampa. Conforme você repete esse movimento, o brinquedo gira continuamente, semelhante a um ioiô. O mesmo brinquedo também pode ser feito com duas garrafas plásticas coladas, com os mesmos furos e barbantes. Você também pode colocar algumas sementes dentro dele para que ele chacoalhe enquanto se move.

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P: How has the Currupio been a source of inspiration for the designer Erico Gondim to create his lamp design?

RR: This ludic toy is an interesting and simple example of upcycling materials and objects that have been thrown away. It’s the act of transforming “rubbish” into something meaningful.

This process relates directly to a circular economy approach to craftsmanship. A lamp that renews the meaning and use of plastics, that has cultural reference of use, and that can be unique and plural at the same time. The material’s design, made by RatoRói, also has infinite visual mixing possibilities, and when put against lights reveals the interesting new structures and layers of colors.

Como o Currupio foi fonte de inspiração para o designer Erico Gondim criar seu projeto de luminária?

Este brinquedo lúdico é um exemplo simples e interessante de upcycling de materiais e objetos que foram jogados fora. É o ato de transformar “lixo” em algo significativo. Este processo está diretamente relacionado a uma abordagem de economia circular para o artesanato. Uma luminária que renova o significado e o uso do plástico, que tem referência cultural de uso e que pode ser única e plural ao mesmo tempo. O design do material, feito pela RatoRói, também tem infinitas possibilidades de mistura visual e quando colocado contra as luzes revela as interessantes novas estruturas e camadas de cores.

Como é feita a luminária? Como é o processo de fabricação desde a coleta do plástico, passando pela transformação dos resíduos em chapas até o processo de montagem?

A indústria brasileira de design é um importante player no reaproveitamento sustentável do plástico.

Esta luminária propõe dar uma extensão de valor aos materiais, transformando-os do lixo em algo especial, útil e significativo para toda a comunidade.

P: How is the lamp made? What is the manufacturing process, from the plastic collection, through the transformation of the waste into sheets, till the assembly process?

RR: The Brazilian design industry is an important player in the sustainable reuse of plastic. This lamp involves giving a value extension to materials, turning them from rubbish into something special, useful and meaningful to the whole community.

Cada luminária Corrupio é feita à mão usando um processo que permite uma grande variedade de plásticos, cores e texturas, levando a um resultado único e individual. O produto é desenhado por Érico Gondim, em parceria com o Studio RatoRói.

Garrafas, sacos plásticos e redes utilizadas na embalagem de frutas e legumes são os elementos de partida para a luminária. Estes materiais são recolhidos, limpos e separados por cooperativas de reciclagem e depois levados para o estúdio de design

Every Corrupio Lamp is hand-made using a process that allows for a wide variety of plastics, colors and textures, leading to a unique result for each individual lamp. The product is designed by Érico Gondim, in partnership with Studio RatoRói.

Bottles, plastic bags and nets used in the packaging of fruits and vegetables are the start-

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onde é feito todo um processo de design de superfície transformando-o em BYEPLASTIC. Esta folha é composta por diferentes camadas de plástico usando pressão e calor até atingir a espessura certa para a luminária. As folhas são então enviadas para corte.

Este reprocessamento utiliza tecnologia que não requer maiores quantidades de energia em comparação com o reprocessamento e desenvolvimento de plásticos convencionais. Baseia-se numa nova abordagem; se pararmos de usar produtos virgens e, em vez disso, reutilizarmos, a quantidade de material plástico virgem usado no planeta diminuirá. Esse material plástico sólido que tem um processo de decomposição difícil, pode ser coletado em algum lugar e reaproveitado evitando a poluição de rios, terras e oceanos.

As sobras desses processos também podem ser reaproveitadas e processadas. Faz parte de um novo ciclo, correto, consciente e que pode fazer parte da

ing elements for the lamp. These materials are collected, cleaned and separated by recycling cooperatives and then brought to the design studio where a whole surface design process is done transforming it into BYEPLASTIC. This sheet is composed of different layers of plastic using pressure and heat until they achieve the right thickness used for the lamp. The sheets are then sent for cutting. This reprocessing uses technology that does not require higher amounts of energy compared to the reprocessing and development of conventional plastics. It is based on a new approach; if we stop using virgin products and instead reuse, the amount of virgin plastic material used on the planet will decrease. This solid plastic material, which has a difficult decomposition process, can be collected somewhere and reutilized instead of polluting rivers, lands and oceans.

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vida das pessoas. Propomos duas propriedades importantes para a Economia Circular: a manutenção do valor deste material (que dura séculos), pois pode ser desmontado para ser reutilizado ou reciclado novamente como matéria-prima pura. Isso é importante porque muitos processos de reaproveitamento de materiais descartados criam misturas muito difíceis de reutilizar ou reciclar posteriormente, gerando o que chamamos de “downcycling”.

The left-overs of this process can also be reused and processed. It is part of a new cycle, one that is correct, conscious and can become a part of people’s lives. We propose two important properties for the Circular Economy: the maintenance of the value of this material (which lasts for centuries), since it can be disassembled to be reused or recycled once again as pure raw material, and also other material parts of the object. This is important because many processes of reuse of discarded materials create mixtures that are very difficult to reuse or recycle later, generating what we call “downcycling’’.

RatoRói also has a line of sustainable eyewear in collaboration with the company Sagui Óculos. The products are made from toothpaste packaging and reclaimed food packaging.

A RatoRói também tem uma linha de óculos sustentáveis em colaboração com a empresa Sagui Óculos. Os produtos são feitos a partir de embalagens de pasta de dente e embalagens recuperadas de alimentos. @ratoroi

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S av e a S e at on the Ta b l e

Brazilian cuisine is as vast as its territory and as rich as its history.

The best way to experience Brazilian culture is through the palate!

A culinária brasileira é tão vasta quanto seu território e tão rica quanto sua história. A melhor forma de vivenciar a cultura brasileira é através do paladar!

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he way to any Brazilian’s heart is through the stomach. Mealtime is very important for us, even though we may not realize it on a day to day basis. It is a time to unwind a bit, maybe even catch up with our friends or loved ones. Matter of fact, isn’t it the case that most outings include at least a snack? Food is a gesture of love to others and yourself. This connection is present all throughout our history, which is intrinsic to our food itself.

As with everything else in our culture, Brazilian casa brasil miami

caminho para o coração de qualquer brasileiro é pelo estômago. A hora das refeições é muito importante para nós, embora não possamos realizá-la no dia a dia. É um momento para relaxar um pouco, talvez até conversando com nossos amigos ou entes queridos.

Na verdade, não é verdade que a maioria das saídas inclui pelo menos um lanche? A comida é um gesto de amor aos outros e a você mesmo. Essa conexão está presente em toda a nossa história, que é intrínseca à nossa própria alimentação.

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cuisine has indigenous roots. Of course, it is difficult to say what our indigenous population ate exactly, since the country’s territory is vast and filled with different civilizations. However, there are a few trends one could easily point out: ingredients like cassava (mandioca) and corn, and dishes like canjica, pacoca, tapioca, pirao, and much more.

Equally as significant to Brazilian culture and cuisine is the African influence. Not only did the African slaves incorporate their home’s cultures into what would become Brazil, but their way of life in the new land also left a lasting effect in everything we enjoy today. Their diets here consisted mostly of rice, beans, dried meat, dende oil, couscous, and more. Feijoada, which is considered today the most quintessential Brazilian dish, was actually created by slaves from their rations. Other widely loved Brazilian dishes – like vatapa, acaraje, escondidinho, and many others – all have their roots in our African influence.

Finally, the melting pot that is Brazilian cuisine casa brasil miami

Como tudo o mais em nossa cultura, a culinária brasileira tem raízes indígenas. Claro, é difícil dizer o que nossa população indígena comia exatamente, uma vez que o território do país é vasto e repleto de civilizações diferentes. No entanto, existem algumas tendências que podem ser facilmente apontadas: ingredientes como mandioca e milho, e pratos como canjica, paçoca, tapioca, pirão e muito mais.

Tão significativo quanto para a cultura e culinária brasileiras é a influência africana. Os escravos africanos não apenas incorporaram as culturas de seus lares ao que se tornaria o Brasil, mas seu modo de vida na nova terra também deixou um efeito duradouro em tudo que desfrutamos hoje. Suas dietas aqui consistiam principalmente de arroz, feijão, carne seca, óleo de dendê, cuscuz e muito mais. A feijoada, que é considerada hoje o prato brasileiro mais quintessencial, era na verdade criada por escravos a partir de suas rações. Outros pratos brasileiros amplamente apreciados - como vatapá, acarajé, escondidinho e muitos outros - têm suas raízes em nossa influência africana.

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Each region’s history and geography influences their own local cuisine, all of which have spread throughout the rest of the country.

A história e a geografia de cada região influenciam sua própria culinária local, que se espalhou pelo resto do país.

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also includes strong influences from other corners of the world, especially from Italy, Portugal, Germany, Japan, and Middle Eastern countries. Not only are Brazilians in love with pastas, pizzas, cured meats, and other European creations, we also have a sweet tooth influenced by European patisserie.

Each region’s history and geography influences their own local cuisine, all of which have spread throughout the rest of the country. The Central-West region is known for featuring loads of jerk meat, plantains, pacu fish, angu, pamonha, pequi, among others, with their mixture of indigenous and European influences. The North region is famous for its acai, tacaca, biju, tapioca, pato no tucupi, and others, with their main influence being their indigenous roots. Moving over to the Northeastern region, whose influences are truly plural, they are famous for some of the most well-known Brazilian dishes, such as farofa, vatapa, pacoca, canjica, pamonha, queijo coalho, and much, much more. The South-East region is home to perhaps two of the best known Brazilian foods of all time: feijoada and pão de queijo. They are also famous for several cheeses, cuscuz paulista, moqueca capixaba, feijão tropeiro, bolo de rolo, and many other dishes with wide international influences. Finally, the South region is known for the practice of churrasco, as well as different seafood dishes, pinhao, chimarrao, barreado, and other recipes with strong European influence.

Our cuisine is also incredibly comforting, not only to ourselves but also to others. Anyone who has ever had the pleasure to introduce typical Brazilian dishes to ‘gringos’ knows how pleasing our tastes are beyond borders. Food is a great avenue to introduce bites of our history and culture. Take the history of feijoada, for example, a dish created by the enslaved Africans brought into the country from the scraps of their rations: back beans and scraps of meat from the tables of their masters. It is a dish created out of necessity out of exploitacasa brasil miami

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Our cuisine is also incredibly comforting, not only to ourselves but also to others.

Por fim, o caldeirão que é a culinária brasileira também traz fortes influências de outros cantos do mundo, especialmente da Itália, Portugal, Alemanha, Japão e países do Oriente Médio. Os brasileiros não são apenas apaixonados por massas, pizzas, carnes curadas e outras criações europeias, mas também temos um guloso influenciado pela confeitaria européia.

A história e a geografia de cada região influenciam sua própria culinária local, que se espalhou pelo resto do país. A região Centro-Oeste é conhecida por apresentar fartos charque, banana, pacu, angu, pamonha, pequi, entre outros, com sua mistura de influências indígenas e europeias. A região Norte é famosa pelo açaí, tacacá, biju, tapioca, pato no tucupi e outros, tendo como principal influência suas raízes indígenas. Passando para a região Nordeste, cujas influências são verdadeiramente plurais, ficam famosos por alguns dos mais conhecidos pratos brasileiros, como farofa, vatapá, paçoca, canjica, pamonha, cuscuz, queijo coalho e muito, muito mais. A região Sudeste é o lar de talvez duas das mais conhecidas comidas brasileiras de todos os tempos: a feijoada e o pão de queijo. Também são famosos por diversos queijos, cuscuz paulista, moqueca capixaba, feijão tropeiro, bolo de rolo e muitos outros pratos com ampla influência internacional. Por fim, a região Sul é conhecida pela prática do churrasco, além de diversos pratos de frutos do mar, pinhão, chimarrão, barreado, entre outras receitas com forte influência européia.

Nossa culinária também é fonte de conforto, não apenas para nós, mas também para os outros. Quem já teve o prazer de apresentar aos gringos pratos típicos brasileiros sabe como o nosso paladar vai além de fronteiras agradáveis. A comida é uma ótima maneira de apresentar um pouco de nossa história e cultura. Veja, por exemplo, a história da feijoada, prato criado pelos escravos africanos trazidos para o país com as sobras de suas rações: feijão preto e sobras de carne da mesa de seus donos. É um prato por necessidade, fruto da exploração e da pobreza, que com o passar do tempo se tornou uma marca querida da nossa cozinha. Ou pegue, quem sabe, a coxinha, uma massa frita e almofadada geralmen-

Nossa culinária também é fonte de conforto, não apenas para nós, mas também para os outros.

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tion and poverty, which overtime became a beloved mark of our cuisine. Or take, perhaps, the coxinha, a pillowy, fried dough usually filled with chicken.

Did you know coxinhas were created for the son of Imperial Princess Isabel? The boy loved chicken thighs, and once, when there was no more of the meat, their chef created coxinha – ‘little thigh’, for the English speakers. And our incredibly beloved brigadeiro has its history traced back to the 1920s, when condensed milk started being sold during the war as a shelf-stable alternative. Add a sprinkle of history to food next time you bring people together for a meal!

Brazil is also made of drinks, which are as packed with flavor and history as our dishes. Caipirinha is certainly known as one of our national drinks – you can find it anywhere, even abroad! One of its main ingredients is cachaca, a cane sugar based distilled

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te recheada com frango. Você sabia que baquetas foram criadas para o filho da Princesa Imperial Isabel? O menino adorava coxas de frango, e uma vez, quando não havia mais carne, o chef criou a coxinha - ‘coxa pequena’, para os falantes de inglês. E nosso amado brigadeiro tem sua história traçada desde a década de 1920, quando o leite condensado começou a ser vendido durante a guerra como uma alternativa estável. Adicione um pouco de história à comida da próxima vez que reunir as pessoas para uma refeição!

O Brasil também é feito de bebidas tão cheias de sabor e história quanto nossos pratos. A caipirinha é super conhecida como uma das nossas bebidas nacionais - encontramos ela em qualquer lugar, até em outros países!

Um de seus principais ingredientes é a cachaça, destilada à base de cana-de-açúcar, que está diretamente ligada à nossa longa história no cultivo da cana-de-açúcar.

A caipirinha vai bem com feijoada, mas para quem não

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spirit, which can be linked directly to our long history of sugarcane farming. Caipirinha is best enjoyed with a feijoada, but for those who don’t drink spirits, it’s best to reach for a glass of Guarana, the soda of choice for many Brazilians. This drink is made of a fruit native to the Amazon, known for its resemblance to an eye. If you’re looking for something to keep you warm, look no further than the chimarrao, which is especially popular in the state of Rio Grande do Sul. This caffeinated erva mate tea is extremely important to the local culture, as it is often associated with the practice of sitting around with friends and family sharing one serving of the drink.

To experience Brazilian cuisine is to travel through the country, tasting our complex and colorful history in every bite.

bebe destilados, o melhor é beber o copo de guaraná, o refrigerante preferido de muitos brasileiros. Essa bebida é feita com uma fruta nativa da Amazônia, conhecida por sua semelhança com um olho. Se você está procurando algo para se aquecer, não procure nada mais do que o chimarrão, que é especialmente popular no estado do Rio Grande do Sul, com a prática de sentar-se com amigos e familiares compartilhando uma porção da bebida.

Experimentar a culinária brasileira é viajar pelo país, saboreando nossa complexa e colorida história a cada mordida.

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GALLERY

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Casa Brasil Miami took place during the week of Art Basel Miami 2021. We had the presence of distinguished guests to prestige an exclusive exhibition of Brazilian artists. Our sincere thanks to the Brazilian Consulate in Miami, the Brazilian Chamber of Commerce and all our sponsors and media partners.

A Casa Brasil Miami aconteceu durante a semana da Art Basel Miami 2021.

Tivemos a presença de convidados ilustres para prestigiar uma exibição exclusiva de artistas brasileiros. Nossos sinceros agradecimentos ao Consulado Brasileiro em Miami, a Brazilian Chamber of Commerce e a todos os nossos patrocinadores e media partners.

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ISSUE ONE | @casabrasilmiami