SEMIOTOPIAS II
Agriano, Julieta Semiotopías II \ Julieta Agriano. - 1a ed. - Ciudad Autónoma de Buenos Aires: Fundación OSDE, 2026. Libro digital, PDF. Archivo digital: descarga y online. ISBN 978-987-4008-59-6
SEMIOTOPIAS II
1. Arte. 2. Arte Contemporáneo. I. Título. CDD 760
Fundacion OSDE Ciudad Autónoma de Buenos Aires Agosto 2026 Todos los derechos reservados © Fundación OSDE, 2026 Leandro N. Alem 1067, Piso 9 (C1001AAF) Ciudad Autónoma de Buenos Aires República Argentina
Con el apoyo de
Queda prohibida su reproducción por cualquier medio de forma total o parcial sin la previa autorización por escrito de la Fundación OSDE. ISBN 978-987-4008-59-6 Hecho el depósito previsto en la ley 11.723
Curaduría: Julieta Agriano
ESPACIO DE ARTE FUNDACIÓN OSDE Arroyo 807, esquina Esmeralda Ciudad Autónoma de Buenas Aires espaciodearte@fundacionosde.com.ar www.fundacionosde.com.ar
Del 13 de julio al 23 de septiembre 2023
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Introducción por Ruth Geoffroy El análisis de las exposiciones de arte y tecnología en Argentina revela una evolución significativa desde los primeros intentos en el CAyC hasta proyectos más contemporáneos como Semiotopías II en Fundación OSDE. A lo largo de este recorrido, se observa un cambio en la conceptualización y presentación de estas muestras, que pasan de simples exhibiciones a espacios de reflexión profunda sobre la intersección entre el arte, la tecnología y la sociedad. La iniciativa de la curadora Julieta Agriano de establecer una saga de exposiciones de tecnopoéticas, con el nombre “Semiotopías”, establece un punto de referencia significativo en este proceso. Al fusionar conceptos de semiótica, arte digital y tecnología, Agriano invita al público a explorar nuevas formas de comprender el mundo contemporáneo y sus complejidades. Este enfoque no solo demuestra un avance en la comprensión del arte digital, sino que también abre el diálogo sobre las implicaciones éticas, sociales y culturales de la tecnología en nuestra sociedad. La incorporación de artistas tanto argentinos como internacionales, al igual que en Arte y Cibernética, resalta la importancia de contextualizar el arte digital dentro de un marco global, reconociendo las diversas perspectivas y prácticas que convergen en este campo. El montaje expositivo en el Espacio de Fundación OSDE presenta una amalgama de obras que exploran la intersección entre lo humano y lo tecnológico, lo asible y lo digital, en un diálogo constante entre el pasado, el presente y el futuro. A través de cuatro núcleos distintos, los visitantes son invitados a sumergirse en un viaje multidimensional que aborda temas como la virtualidad, la transhumanidad y la relación entre la tecnología y el cuerpo. En el primer núcleo, las obras de Sabrina Ratté y Asdrúbal Gómez establecen un paisaje surrealista donde la realidad se disuelve y se transforma a través de la manipulación digital. La pieza audiovisual Jump Cut, de Ratté, proyectada en la pared, transporta al espectador a un mundo onírico en el que los límites entre lo físico y lo virtual se desdibujan, mientras que la producción digital de Gómez, Ékdysis, ofrece una exploración de paisajes orgánicos y pos orgánicos que desafían las nociones tradicionales de la materia y la forma. En el segundo núcleo, las obras de Nicanor Aráoz provocan reflexiones sobre la obsolescencia del cuerpo y la fusión entre lo humano y lo tecnológico. Sus esculturas de neón y poliuretano expandido evocan una estética retrofuturista que sugiere un mundo donde la mente prevalece sobre el cuerpo, mientras que sus instalaciones interrogan sobre el impacto de la tecnología en nuestra percepción de la realidad. El tercer núcleo, dedicado a Laura Benech, presenta obras que exploran la relación entre lo 6
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natural y lo artificial, lo tangible y lo digital. A través de su instalación El arte de aceptar el
monitores y sonidos dispersos, Julieta ha creado estructuras expositivas que no solo
daño, Benech fusiona la técnica japonesa del Kintsugi con la impresión 3D para crear una
despiertan la curiosidad del espectador, sino que también buscan retener su atención para
reflexión sobre la fragilidad de la naturaleza y nuestra relación con ella en la era digital.
una contemplación más profunda.
Finalmente, en el cuarto núcleo, las obras de Yves Netzhammer ofrecen una exploración de
El trasplante de curadurías tradicionales a contextos tecnopoéticos ha revelado sus limita-
la emocionalidad humana a través de animaciones digitales y esculturas cinéticas. Sus
ciones, lo que resulta en una convocatoria limitada de público y una comprensión superfi-
piezas sugieren un mundo donde lo humano y lo no humano coexisten en un paisaje
cial de las obras por parte de aquellos que se aventuran en las salas. Sin embargo, la
surrealista, desafiando nuestras percepciones de la realidad y la identidad.
curaduría de Semiotopías II rompe con este paradigma al conjugar de manera coherente y
La puesta en escena de Semiotopías II ha sido un desafío meticulosamente gestionado,
compacta obras de arte digital con producciones donde la tecnología se integra de manera
desde la adaptación de las obras de Netzhammer a las condiciones locales hasta la
orgánica con la estética.
creación de espacios técnicos especializados. Este proceso revela la complejidad y la
En última instancia, el papel del curador en las tecnopoéticas no solo radica en la selección
atención al detalle requeridas para presentar obras de arte digital en un contexto físico.
y disposición de obras, sino también en la creación de experiencias significativas que
Desde la selección de materiales y equipos técnicos hasta la creación de estructuras arqui-
enriquezcan la comprensión y apreciación del arte digital en su contexto contemporáneo.
tectónicas temporales, cada aspecto ha sido cuidadosamente considerado para garantizar
Agriano ha demostrado que una curaduría cuidadosamente elaborada y la implementación
una experiencia óptima para el espectador.
de creativos dispositivos de exposición pueden ser la clave para desbloquear todo el poten-
La influencia de escenas internacionales, como las de Montreal y Suiza, ha jugado un papel
cial de este dinámico campo artístico.
crucial en la concepción y ejecución de esta exposición. La curadora, Julieta Agriano, se
En conclusión, la investigación sobre la curaduría y la exposición de obras en el ámbito de
inspiró en sus experiencias en festivales de arte digital y visitas a instituciones de arte en
las poéticas electrónicas ha revelado la importancia de establecer narrativas curatoriales
Europa, lo que la llevó a comprender la importancia de los recursos financieros y técnicos
específicas y expografías diferenciadas para presentar estas obras en espacios físicos.
para la realización de proyectos de esta envergadura.
La labor del curador como diseñador de experiencias se manifiesta como crucial para el
El contraste entre el contexto europeo y el latinoamericano resalta la necesidad de patroci-
éxito de exposiciones de arte electrónico, no solo en términos de convocatoria de público,
nios públicos y privados para apoyar el desarrollo de las poéticas tecnológicas en la región.
sino también en la comprensión y apreciación plena de las obras presentadas. En última
Mientras que en Europa existe una red establecida de apoyo institucional y financiero para
instancia, iniciativas como Semiotopías II representan un paso adelante en la evolución de
los artistas digitales, en Latinoamérica la tecnología en el arte, a menudo, depende de
la curaduría de arte en el cruce con la tecnología en Argentina, proporcionando un espacio
recursos autodidactas y limitados. Este contraste subraya la importancia de garantizar el
para la experimentación, el diálogo interdisciplinario y la reflexión crítica sobre nuestro
acceso a recursos diversos y la creación de alianzas entre instituciones públicas y privadas
mundo cada vez más digitalizado.
para impulsar el crecimiento y la visibilidad del arte digital en la región. La realización de Semiotopías II ha sido un esfuerzo colaborativo que ha requerido una combinación de creatividad, recursos financieros y técnicos y un rol curatorial expandido. La curaduría de esta exposición revela un papel transformador y vital de Julieta Agriano en el ámbito de las poéticas electrónicas. Más allá de ser una simple gestora o mediadora, como menciona Rodrigo Alonso al referirse a la función de "interfaz", en su trabajo se destaca la capacidad de la curaduría para potenciar y elevar las expresiones artísticas electrónicas a un nivel superior de significado y atracción de público. En contraste con muchas exposiciones de tecnopoéticas en Latinoamérica, que con frecuencia carecen de una narrativa curatorial perceptible, Agriano ha demostrado cómo la intervención curatorial puede marcar la diferencia. En lugar de un montaje estándar de 8
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Semiotopías II Julieta Agriano ¿Cómo se organiza el mundo artificial de objetos que nos rodean? ¿Cómo se vincula el cuerpo con el código? ¿Qué y cómo perciben las máquinas? ¿Hay una naturaleza a la cual volver? Semiotopías II es el segundo ensayo en formato de exhibición que busca articular algunos de los sentidos que rodean a la digitalidad como una aparente inmaterialidad que todo lo abstrae, siendo la simulación, el entorno y el lenguaje los significantes sobre los que se sostiene la actual forma de existencia tecnológica. En el marco de un proceso de simulada desterritorialización, las Semiotopías se presentan como metáforas visuales. Sus textos se hallan sumergidos en lenguajes de otro tiempo, mientras que los códigos que permiten decodificarlos portan una memoria no humana que ignora el olvido. Constituyen un medio digital social en el que la eficientización del sistema se sostiene sobre la extracción planetaria y humana sin descanso. El entorno se percibe, entonces, como un ecosistema artificial que se recrea en pos de la organización funcional de la materia orgánica e inorgánica, impulsada a la velocidad de los bits. Esa velocidad solo deja visibles las interfaces que permiten operar los relatos mágicos de lo inmaterial a base de litio, cobre y la disociación de los cuerpos. Retomando el concepto de semiosfera del semiólogo y referente de la semiótica cultural Yuri Lotman (1979, Universidad de Tartu, Estonia), se propone un giro semántico y una actualización del concepto para abordar las producciones contemporáneas de arte digital que aquí se presentan, vinculadas a tres escenas culturales: Argentina, Canadá y Suiza. A la raíz semio —signo— se le acopla el sufijo topía (del griego topos, que significa lugar) y se compone así un neologismo que da cuenta de un espacio simbólico que traduce y cohesiona la actual forma de vida. Las Semiotopías funcionan como la interfaz y el punto de anclaje de ontologías y gramáticas operantes e inabarcables que conforman la existencia datificada. Esta palabra–concepto también propone romper el dualismo utopía–distopía, a partir de un corrimiento lógico–estético ligado a procesos de sintetización que extraen y modulan las huellas de la materia orgánica e inorgánica en una nueva experiencia material basada en el procesamiento computacional a escala no humana. Las tecnologías digitales erosionan la cultura material. Sus imaginarios se edifican sobre binarismos que resultan en apariencia clarificadores, pero que concretizan en dualismos discretos la complejidad, la ambigüedad y el sentido relacional con la geografía, los objetos y las especies que cohabitan. Una base de datos puede ser comprendida como una imagen simbólica donde se condensan, simultáneamente, las huellas de diferentes percepciones 12
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sucesivas. La estandarización de las formas de registro y disposición de datos habilitan la relación entre signos en tanto representación abstracta. La semiótica mágica y maquínica es clave para comprender de qué manera, en la existencia contemporánea, mitos, imágenes y afectos son estimulados, sintetizados y controlados. Los símbolos técnicos se cohesionan algorítmicamente con la imaginación, el deseo y el miedo, reduciendo los fenómenos a figuras arquetípicas sobre un fondo difuso. ¿Qué otras imágenes pueden surgir del cruce entre complejidad e imaginación para confrontar el ruido y la hiperabstracción? Las obras aquí expuestas experimentan la repetición como anclaje discursivo para exponer los reflejos de la disociación de la materia, el sentido y los cuerpos. Utilizando los impulsos eléctricos para articular con distintas naturalezas inertes y etéreas, los trabajos se presentan como versiones de la mitopoesía tecnológica que conjura sobre nuestras vidas pragmáticas su agencia. Es en el movimiento donde se sincronizan las estéticas anfibias que inventamos para poder ensayar este tiempo de verdades alegóricas.
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LISTA DE OBRAS EXHIBIDAS SABRINA RATTÉ Jump cut, 2021 Pieza Audiovisual Animación 3D, fotogrametría música y proyección Duración: 23’ 38” Concepto e interpretación: Dana Gingras | Animación 3D: Sabrina Ratté | Composición y grabación musical: Marie Davidson | Mezcla: Pierre Guerineau | Masterización: Jesse Osborne-Lanthier | Escenografía: Alex Hercule | Escaneados 3D y fotogrametría: Yannick Grandmont | Concebido por Dana Gingras | Producido por Animals Of Distinction La morfología difusa de un cuerpo en reposo atraviesa distintas secuencias de mutación. Paisajes indeterminados se presentan como telón, donde la expresión y la gravedad han quedado suspendidas de la escena. El ritmo de los movimientos técnicos provocan y atraviesan los estados físicos que alteran la realidad corpórea. Como en un trance alquímico, por momentos hacen que se disuelva y en otros, que se solidifique y cristalice. En la secuencialidad planteada por la artista, se evoca un proceso de virtualización del cuerpo donde los restos de gestualidad son sólo el espejismo de un devenir inmaterial.
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ASDRÚBAL GÓMEZ Ékdisys, 2023 Escultura de video Renderizado 3D en Blender y post procesamiento con técnicas de Raymarching en vvvv 7 videos sincronizados Duración: 1’59’’ Medidas variables JULIETA AGRIANO Estructura metálica site-specific, 2023 ¿De qué manera se manifiestan los procesos técnicos en las imágenes? ¿Cuáles son sus cualidades? ¿Cuál es la relación entre imagen digital y performance? A partir de la simulación de lo orgánico en el ambiente digital, el artista crea múltiples universos sensoriales que evocan superficies cutáneas, fósiles y plásticas. Las imágenes sintéticas que se producen como resultado de un proceso comunicativo entre humanos y sistemas computarizados —programas, procesamiento, formas de almacenamiento de la imágen digital— forman parte del repertorio de trayectos que se presentan como un gran emulador. Sus topografías geométricas se alimentan y activan con procesamientos que responden a comportamientos maquínicos aleatorios que pueden considerarse una forma de documentación y archivo en tiempo real, efímero o performático a la vez. Al mismo tiempo, un trayecto visual puede ser instanciado de manera múltiple y simultánea. Así concebida, la aparición de la imagen digital depende de una constelación de píxeles RGB que existe en tanto es modulada y visualizada en un registro. Cada vez que la imagen es —existe y se visualiza— ocurre su performatividad, atravesada por elementos temporales, geoespaciales y situacionales que admiten múltiples narrativas.
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LAURA BENECH El arte de aceptar el daño, 2021-2023 Instalación visual Impresión 3D, mapping de video de registro de internet y video de animación 3D JULIETA AGRIANO Bases, 2023 Escultura lumínica site-specific Impresión 3D, cajas de petri (vidrio), luz led 67 x 18 cm Inspirada en la técnica japonesa del Kintsugi, la artista “repara con oro” la flor de la planta conocida como Pasionaria (Passiflora caerulea). Traspolando la práctica milenaria que se utiliza para volver a componer objetos de cerámica, la recomposición del modelo de la compleja especie botánica impresa en resina deja expuestas cicatrices y cauces para especular alrededor de los discursos contemporáneos alrededor de La Naturaleza. Tratándose de la reproducción técnica de un mismo modelo de la flor, el trabajo manual realizado luego por la artista no sólo consiste en unir con oro las partes que se han roto. En el proceso de reparación incorpora, además, otras materialidades, como el plomo y la imagen digital en movimiento, dando lugar a nuevas versiones anfibias de la especie y la pregunta por la existencia de una naturaleza a la cual volver.
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LAURA BENECH Repetición y frecuencias, 2023 Instalación site-specific Edición y reproducción de registro de video de cámaras de seguridad de IP pública, programación, modelado sobre alto impacto, ferro imantación Medidas variables ¿Cómo perciben las máquinas? ¿Qué es figura y qué es fondo cuando la imagen se repite constantemente? ¿Cuándo una imagen se convierte en signo? ¿Qué se pone en acto cuando se explicita la enunciación? La aparición de la imagen en las cámaras de seguridad depende de una constelación de píxeles que existe en tanto es modulada y visualizada en un registro que se acumula conformando una base de datos. En la época de las máquinas sensibles, éstas imágenes hechas por máquinas para ser “vistas” por máquinas, son el objeto de la percepción maquínica que traduce lo que “ve” a su propio lenguaje de ceros y unos. De ésta manera se establecen patrones de conductas en paisajes inertes que son decodificados para identificar desvíos, accidentes visuales, figuras que no forman parte del flujo homogéneo de imágenes constantes. Al ser registrados, éstos fenómenos inesperados se traducen como datos. En tanto se repitan, podrán ser anticipados y normalizados como acontecimientos esperables, o signos, de la cultura algorítmica. Al hacer explícito el acto enunciativo de la obra, la artista fuerza la palabra para enfatizar y poner en acto la pretensión por el control sobre los signos. Ante la poderosa construcción de los imaginarios que encarna el lenguaje visual administrado por la velocidad de las máquinas, se representa así un intento por confrontar la potencia de los espacios simbólicos construidos que condicionan los imaginarios de nuestra existencia.
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NICANOR ARÁOZ S/T, 2017 Escultura Espuma de poliuretano y neón 120 x 69 x 50 En los relatos tecnoficcionales, la trascendencia del cuerpo fue un tema de futurología tecnológica en la que transmutar en un estado de cyborg fue el imaginario inmaterial sobre un futuro distópico. En los prototipos ingrávidos de Nicanor, puede experimentarse un halo de nostalgia retrofuturista y desconsolada, fruto del encuentro íntimo entre la creatividad humana y las máquinas hace ya un tiempo atrás. Un proceso de erosión de lo matérico que preparó a nuestra imaginación para el salto de escala que dio forma a la cultura digital donde experiencias y memorias son sustraídas para convertirse en alucinaciones de inteligencias artificiales, provocando la disociación entre forma, función y expresión. ¿Es el torso sustraído de su cabeza el desecho obsolescente que ha dejado el transhumanismo?
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NICANOR ARÁOZ Demasiado caliente para dormirme, 2022 Escultura de neón 275 x 146 x 146 cm
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YVES NETZHAMMER Tage Ohne Stunden, 2016 Video Duración: 8’ 36” YVES NETZHAMMER Flatscreen, 2022 Video Netzhammer plantea escenas entrelazadas que se repiten, cambian y reaparecen en fragmentos para fusionarse y formar nuevas constelaciones de significado. Su trabajo con animaciones digitales está atravesado por una narrativa cinematográfica donde los paisajes sonoros minimalistas anclan las imágenes surrealistas a un nivel más emocional: los sonidos cortantes, el silencio y las secuencias acústicas construyen una atmósfera visual a través de melodías y ruidos. En ellas, los cuerpos de los protagonistas portan una morfología reducida para remitir sólo lábilmente a la figura humana, como los maniquíes articulados de madera que se utilizan para dibujar. Sus figuras renuncian a los rasgos individuales de la personalidad, enfatizando, así, su cualidad arquetípica y sintética de estos humanoides. YVES NETZHAMMER Biografische Versprecher, 2018-2022 Escultura cinética audiovisual Medidas variables La obra de Netzhammer no se interesa por representaciones literales del mundo, sino que busca analizar la esencia de la emoción humana a partir del estudio de la imagen. Sus animaciones se presentan como escenas donde espacialidad y temporalidad son imprecisas. El artista forma y fusiona una imagen con la siguiente, creando nuevos mundos autónomos y haciendo legibles nuevos contextos. Dibuja metáforas generales y universales de percepción existencial. El significado se compone de manera fragmentada, en la recursividad de la figura y en el eco de las secuencias visuales y sonoras. Ensamblajes de objetos que remiten al cuerpo, brazos y piernas de marionetas son articulados mecánicamente en las superficies transparentes.
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A modo de conclusiones en proceso por Agustín Berti ¿Qué es lo digital? ¿Qué materialidades implica? Y a la inversa, ¿qué es un cuerpo? ¿Cómo se lo codifica? La tensión materialidad-digitalidad es un tema recurrente, tanto en las discusiones actuales de los ámbitos filosóficos así como de los artísticos. Una pregunta que se formula en términos de indagaciones sobre los nuevos modos de existencia, en las que la tríada arte/naturaleza/cultura se confunde con otra, técnica/naturaleza/cultura, o incluso la variante arte/naturaleza/técnica. Las distinciones de lo existente entre lo concreto y lo abstracto, entre su ideación o cálculo y su realización, entre lo orgánico y lo artificial es un fondo sobre el que se recortan todas las prácticas contemporáneas: desde las más triviales, como la impresión 3D del repuesto de un artefacto, hasta la edición génica, pero también las obras y otras formas de producción artística. Si se presta atención a las premisas implicadas, ya sea como la celebración de las posibilidades de una plasticidad liberada de la materia o como señalamiento de la permanencia (y resistencia) de la materialidad, las preguntas en torno a nuevos modos de existencia implican la reactualización de viejos debates que se remontan a los orígenes mismos de nuestra civilización, en especial las oposiciones alma-cuerpo, teoría-praxis e idea-materia. E implican también debates más recientes hacia el interior del mundo del arte, como las delimitaciones del arte digital, del arte contemporáneo y de las tecnoestéticas. Esta reseña revisa las obras que propone la curaduría de Semiotopías II a partir de estas claves. (...) ¿Qué se puede colegir del recorrido curatorial propuesto por Agriano? En primer lugar, la potencia de la abstracción digital para dar cuenta de la concreción de lo corpóreo. La descomposición y recomposición de los cuerpos en las obras de Aráoz, Ratté y Netzhammer o de la materialidad de los tejidos y fluidos en la de Gómez. También, en las obras de los últimos tres, se muestra el despliegue de distintas tecnologías de imagen y video digital. Asimismo, si Netzhammer trata los cuerpos como materia (o, directamente, equipara cuerpos y objetos funcionales), Benech, en su obra, da un giro material y amplía las fronteras de lo existente para incorporar otras formas no humanas, como lo vegetal, lo mineral y lo maquínico. A su vez, propone un ámbito más hospitalario en el que el daño y su reparación forman parte de ese devenir. ¿Alcanza esto para componer una escena artística? ¿Se trata de arte digital o lo implica y lo supera? Es difícil afirmarlo de manera categórica. Pero sí da cuenta de manera potente (y por momentos perturbadora) de búsquedas estéticas en torno a los modos de existencia contemporáneos bajo distintas formas de flujo (informacional, geológico, biológico y temporal) en las que la digitalidad y la materialidad resultan inescindibles. Una imbricación de reinos, de las cosas y de las ideas; o de lo mineral, lo vegetal y lo animal; o de lo abstracto y lo figurativo. No es poco para un lugar de signos. 36
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ARTISTAS
Asdrúbal Gómez aka AsdrV (Isla Margarita, Venezuela, 1991) es artista visual, artista digital y artista audiovisual. Se formó en la Universidad Técnica Rodolfo Loero Arismendí, donde se
Nicanor Aráoz (Buenos Aires, 1981) ha producido una obra artística centrada en la escultura,
especializó en Ciencias Audiovisuales y Fotografía, obteniendo el título de Técnico Superior en
las instalaciones, los videos y las performances. A través de delicados procesos de asociación
Ciencias Audiovisuales y Fotografía. Desarrolla obras inspiradas en los nuevos ecosistemas
visual, sus piezas y exhibiciones se valen de referencias al animé, la estética gótica, la música y
digitales, construyendo experiencias híbridas entre arte digital, hiper organismos y geomorfolo-
la criminología, entre otras. Participó del Programa de Artistas de la Universidad Di Tella
gías, explorando posibilidades versátiles que convergen en diversos formatos de creación.
(2010), de la quinta edición de la Beca Kuitca (2011), del International Residency Program del
Asimismo, ha impartido clases de 3D en WIP Arte Digital y CCD México, extendiendo su
ISCP, en Nueva York, (2017) y de la residencia Pivo, en San Pablo (2019). Entre sus últimas
práctica hacia espacios de formación y transmisión de conocimiento. Participó en ciclos como
exhibiciones individuales, pueden mencionarse Placenta escarlata, Barro Arte Contemporáneo,
Mutek 2024 y LAE Tecnópolis Audiovisual 2024. También ha presentado obras en exposicio-
Buenos Aires (2018); Because I’m never what I have, Emily Harvey Foundation, New York
nes internacionales de arte digital, como Cat Cradle en Berlín, curada por Salon Oblique (2023),
(2017); Antología genética, Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires (2016). También ha
y en Art Basel Miami / Art Basel Hong Kong con la Galería Hyperfuturismo (2024), así como en
expuesto en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, La Tabacalera, de Madrid, y el Caste-
la galería Untitled (Berlín) en el festival CTM Festival (2025).
llo Di Rivoli, en Turín, entre otros espacios.
Sus obras han sido publicadas en portales como Artdao y BRIFW, entre otros.
Vive y trabaja en Buenos Aires.
Vive y trabaja en Argentina.
Laura Benech (Santa Fe) es artista interdisciplinaria, se formó desarrollando actividades en
Yves Netzhammer (1970), criado en Schaffhausen, vive actualmente en Zúrich. Estudió Diseño
relación al arte en Córdoba, Santa Fe y Buenos Aires. Su trabajo investiga entrelazamientos en
Visual en la ZHdK y comenzó su carrera expositiva en Suiza y en el extranjero en 1998. Desde
el Capitaloceno, abordando procesos de codificación y traducciones de la naturaleza, la incerti-
2014 también ha realizado diversos proyectos de Arte en la Arquitectura (Prix Visarte 2015),
dumbre y la coexistencia de múltiples realidades. Participó en diferentes programas de forma-
entre ellos, recientemente, la escultura ecuestre titulada Der ungezähmte Horizont (El horizonte
ción, como Tramas organizado por Claudia Fontes, Seminarios de las Jornadas de Arte y
indómito) en el depósito de tranvías Hard en Zúrich (2024). Entre sus exposiciones individuales
medios digitales, coorganizado con Lila Pagola y el CCEC en Córdoba, “Tec en Arte” de la
se encuentran la FOSUN Foundation (Shanghái, 2017); MONA Tasmania, Pabellón Suizo
Fundación Telefónica y LiPac Centro Cultural Rojas Universidad de Buenos Aires. Realizó
(2013); Kunstmuseum Bern (2010); SFMOMA, San Francisco (2008); el Pabellón Suizo en la
muestras colectivas e individuales. Sus proyectos han sido seleccionados en residencia
Bienal de Venecia y el Palazzo Strozzi, Florencia (ambos en 2007); Kunsthalle Bremen (2005);
internacionales como Ars Bioarctica, Finlandia, 2025. Actualmente desarrolla CoExistence un
el Museo Lehmbruck en Duisburgo y el Kaiser Wilhelm Museum en Krefeld (ambos en 2003);
Proyecto de producción e intercambios entre Alemania, Argentina, Suiza seleccionado por Pro
y el KW Institute for Contemporary Art en Berlín (2000). Sus cortometrajes han sido presenta-
Helvetia. Artista residente en transmediale, Berlín, Alemania, representando al Festival Pleamar
dos en el Festival Internacional de Cine de Animación de Stuttgart (ITFS, 2015) y en el Festival
(Mar del Plata, Argentina). Su obra fue seleccionada en premios y concursos, en algunos de
de Cine de Venecia (2011), entre otros. El primer largometraje de Netzhammer, Journey of
ellos con distinciones, como el Primer Premio Nacional adquisición Fundación OSDE, 2025; el
Shadows, se estrenó mundialmente en enero de 2024 en la sección Tiger Competition del
Premio Apoyo a la producción del Medialab Centro Cultural de España en Buenos Aires, 2023;
Festival Internacional de Cine de Rotterdam.
Premio apoyo a la producción convocatoria Museos de Santa Fe, 2021; una mención en el
Sus obras han sido exhibidas en exposiciones colectivas en instituciones como el Frankfurter
Salón de Museo Municipal de Artes Visuales. Santa Fe, 2015; mención en Premio Federal de
Kunstverein (2019); el Goethe-Institut de París (2018); Marta Herford (2017); la Bienal de Kiev
Arte Contemporáneo. Córdoba, 2015; mención en Premio ICI de Video, arte digital y multime-
(2015); el Museum Rietberg, Zúrich (2014); Arroniz Arte Contemporáneo, Ciudad de México, y
dia experimental, 1999, entre otros. Es cofundadora del proyecto colectivo y podcast Liminal
K11, Shanghái (ambos en 2013); el Museum of Modern Art de Toyama y la Haus der Kulturen
Bits y de Antimateria Studio, enfocado en la experimentación e investigación con biomateriales.
der Welt, Berlín (ambos en 2012); la Bienal de Liverpool (2010); el Palazzo Strozzi, Florencia, y
Vive y trabaja en Argentina.
el Kunstmuseum Wolfsburg (ambos en 2007); el Kunstmuseum Solothurn (2006 y 2001); el Centre Culturel Suisse, París (2003); el ZKM | Center for Art and Media, Karlsruhe (2000); y el 38
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Museum Ludwig, Colonia (1999). Las presentaciones más recientes del artista en Suiza han tenido lugar en el Museum zu Allerheiligen Schaffhausen (2018/19), la Graphische Sammlung ETH Zürich (2020), el Museum Haus Konstruktiv en Zúrich (2022/23), el Kunstmuseum Solothurn (2024) y el Kunsthaus Zürich (2025/26). Sabrina Ratté, artista canadiense radicada en Montreal, vivió y trabajó también durante seis años en París. Su práctica explora los potenciales perceptivos y materiales de los medios digitales a través de la animación 3D, el video analógico, la impresión y la instalación. Partiendo de la tecnología, el pensamiento filosófico y la ecología especulativa, su obra traza zonas liminales donde se reconfiguran las relaciones entre los mundos material y virtual. A través de instalaciones inmersivas e interactivas, desarrolla cosmologías híbridas que cuestionan la evolución de nuestros entornos y los relatos que los configuran. Sus trabajos evocan futuros posibles, a la vez sublimes e inquietantes, en los que lo orgánico, lo sintético y lo espectral coexisten dentro de un mismo continuo. Su obra ha sido presentada en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel internacional. Ha realizado exposiciones individuales en instituciones como Gaîté Lyrique (París), Fotografiska (Shanghái), Arsenal art contemporain (Montreal y Nueva York) y el MEET Digital Culture Center (Milán). Su trabajo forma parte de varias colecciones permanentes, entre ellas la del Musée d’art contemporain de Montréal, y ha sido exhibido en instituciones como el Centre Pompidou (París), Musée d’art contemporain de Lyon, el Arlington Museum of Art (Texas), HEK – Haus der Elektronischen Künste (Basilea), Centre PHI (Montreal), el Montreal Museum of Fine Arts, el Max Ernst Museum (Brühl) y el Museum of the Moving Image (Nueva York).
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Introduction by Ruth Geoffroy The analysis of art and technology exhibitions in Argentina reveals a significant evolution—from early initiatives at Centro de Arte y Comunicación to more recent projects such as Semiotopías II at Fundación OSDE. Throughout this trajectory, one observes a shift in the conceptualization and presentation of these exhibitions, moving from mere displays toward spaces of critical reflection on the intersection of art, technology, and society. The initiative by curator Julieta Agriano to establish a series of technopoetic exhibitions under the title Semiotopías marks a significant milestone within this process. By merging concepts from semiotics, digital art, and technology, Agriano invites audiences to explore new ways of understanding the contemporary world and its complexities. This approach not only signals an advancement in the understanding of digital art but also opens dialogue around the ethical, social, and cultural implications of technology in society. The inclusion of both Argentine and international artists—as in Arte y Cibernética—underscores the importance of situating digital art within a global framework, acknowledging the diverse perspectives and practices that converge in this field. The exhibition design at Espacio de Arte Fundación OSDE presents an amalgam of works that explore the intersection between the human and the technological, the tangible and the digital, in a constant dialogue between past, present, and future. Organized into four distinct sections, visitors are invited into a multidimensional journey addressing themes such as virtuality, transhumanism, and the relationship between technology and the body. In the first section, works by Sabrina Ratté and Asdrúbal Gómez construct a surreal landscape where reality dissolves through digital manipulation. Ratté’s audiovisual piece Jump Cut, projected on the wall, transports viewers into a dreamlike world where the boundaries between the physical and the virtual blur, while Gómez’s Ékdysis explores organic and post-organic terrains that challenge traditional notions of matter and form. In the second section, works by Nicanor Aráoz provoke reflections on bodily obsolescence and the fusion of human and technological forms. His neon and expanded polyurethane sculptures evoke a retrofuturist aesthetic suggesting a world where the mind prevails over the body, while his installations interrogate the impact of technology on our perception of reality. The third section, dedicated to Laura Benech, presents works that examine the relationship between the natural and the artificial, the tangible and the digital. Through her installation The Art of Accepting Damage, Benech merges the Japanese technique of Kintsugi with 3D printing to reflect on the fragility of nature and our relationship to it in the digital age. Finally, in the fourth section, works by Yves Netzhammer explore human emotionality through digital animation and kinetic sculpture. His pieces suggest a world where human and non-hu44
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man entities coexist within surreal landscapes, challenging perceptions of reality and identity.
sion and appreciation of the works. Initiatives such as Semiotopías II mark a significant step in
The staging of Semiotopías II has involved meticulous logistical and technical coordina-
the evolution of art curation at the intersection with technology in Argentina, offering a space
tion—from adapting Netzhammer’s works to local conditions to constructing specialized
for experimentation, interdisciplinary dialogue, and critical reflection on an increasingly digitized
technical environments. This process reveals the complexity and precision required to present
world.
digital artworks in physical space. From material selection and technical equipment to temporary architectural structures, every aspect has been carefully considered to ensure an optimal
Curatorial Text
viewer experience. International scenes—particularly those of Montréal and Switzerland—have played a crucial
How is the artificial world of objects that surrounds us organized? How does the body relate to
role in shaping the exhibition. Agriano’s experiences in digital art festivals and European institu-
code? What—and how—do machines perceive? Is there a nature to which we might return?
tions informed her understanding of the financial and technical infrastructures necessary for
Semiotopías II is the second essay in exhibition form that seeks to articulate some of the
projects of this scale.
meanings surrounding digitality as an apparent immateriality that abstracts everything. Simula-
The contrast between European and Latin American contexts highlights the urgent need for
tion, environment, and language emerge as the signifiers upon which the current technological
both public and private sponsorship to support the development of technopoetics in the region.
mode of existence is sustained.
While Europe benefits from established institutional and financial networks, digital art in Latin
Within a process of simulated deterritorialization, Semiotopías are presented as visual
America often relies on limited, self-managed resources. This disparity underscores the impor-
metaphors. Their texts are submerged in languages from another time, while the codes that
tance of expanding access to resources and fostering partnerships to strengthen the field.
enable their decoding carry a non-human memory that does not forget. They constitute a social
Ultimately, Semiotopías II is the result of a collaborative effort combining creativity, technical
digital medium in which the optimization of systems is sustained through relentless planetary
expertise, and an expanded curatorial role. Beyond functioning as a mediator—or “interface,” as
and human extraction. The environment thus appears as an artificial ecosystem, recreated in
Rodrigo Alonso suggests—the curator here operates as an active agent in amplifying and
the service of the functional organization of organic and inorganic matter, propelled at the
re-signifying electronic artistic practices.
speed of bits. That speed renders visible only the interfaces through which the magical narrati-
In contrast to many technopoetic exhibitions in Latin America—often lacking a perceptible
ves of immateriality operate—grounded in lithium, copper, and the dissociation of bodies.
curatorial narrative—Agriano demonstrates how curatorial intervention can be decisive. Rather
Revisiting the concept of the semiosphere developed by Yuri Lotman (1979, University of
than a conventional display of scattered monitors and sound, she constructs an exhibition
Tartu), this project proposes a semantic shift and an updated framework to approach the
architecture that sustains attention and invites deeper contemplation.
contemporary digital artworks presented here, linked to three cultural scenes: Argentina,
The transplantation of traditional curatorial models into technopoetic contexts has revealed its
Canada, and Switzerland. To the root semio- (sign), the suffix -topía (from the Greek topos,
limitations, often resulting in limited audience engagement and superficial readings of the
meaning place) is appended, forming a neologism that describes a symbolic space capable of
works. Semiotopías II, however, breaks with this paradigm by articulating a coherent and
translating and cohering the present condition of life. Semiotopías function as both interface
condensed narrative in which digital works and technologically integrated aesthetics coexist
and anchoring point for operative and unfathomable ontologies and grammars that constitute
organically.
datafied existence. This concept also proposes a rupture with the utopia–dystopia dualism
In this sense, the curator’s role extends beyond selection and arrangement toward the creation
through a logical–aesthetic displacement tied to processes of synthesis that extract and modu-
of meaningful experiences that deepen the understanding of digital art in its contemporary
late traces of organic and inorganic matter into a new material experience grounded in non-hu-
context. Agriano demonstrates that carefully constructed curatorial frameworks and inventive
man computational processing.
display strategies are key to unlocking the full potential of this dynamic field.
Digital technologies erode material culture. Their imaginaries are constructed upon binarisms
In conclusion, research into the curating and exhibiting of electronic art highlights the need for
that appear clarifying, yet ultimately crystallize complexity, ambiguity, and relational meaning
specific curatorial narratives and differentiated exhibition design. The curator, as an experience
into discrete dualisms—disconnecting them from geography, objects, and coexisting species. A
designer, becomes central—not only in attracting audiences but in enabling a fuller comprehen-
database can be understood as a symbolic image in which traces of successive perceptions are
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simultaneously condensed. The standardization of data recording and organization enables
List of Works
relationships between signs as abstract representations. Magical and machinic semiotics become key to understanding how, in contemporary existence, myths, images, and affects are
Sabrina Ratté
stimulated, synthesized, and controlled. Technical symbols algorithmically cohere with imagi-
Jump Cut, 2021
nation, desire, and fear, reducing phenomena to archetypal figures against a diffuse
Audiovisual piece
background.
3D animation, photogrammetry, music, and projection
What other images might emerge from the intersection of complexity and imagination to
Duration: 23’38”
confront noise and hyper-abstraction? The works presented here experiment with repetition as a discursive anchor, exposing reflections of the dissociation of matter, meaning, and bodies. By
Concept and performance: Dana Gingras | 3D animation: Sabrina Ratté | Music composition
mobilizing electrical impulses to engage with inert and ethereal natures, these works appear as
and recording: Marie Davidson | Mixing: Pierre Guerineau | Mastering: Jesse Osborne-Lanthier |
instances of technological mythopoesis, conjuring their agency over our pragmatic lives. It is
Set design: Alex Hercule | 3D scanning and photogrammetry: Yannick Grandmont | Conceived
through movement that amphibious aesthetics are synchronized—forms we invent in order to
by Dana Gingras | Produced by Animals Of Distinction
rehearse this time of allegorical truths.
The diffuse morphology of a body at rest traverses multiple sequences of mutation. Indeterminate landscapes unfold as a backdrop in which expression and gravity appear suspended. The rhythm of technical movements provokes and permeates physical states that alter corporeal reality. As in an alchemical trance, the body at times dissolves, while at others it solidifies and crystallizes. Within the artist’s constructed sequence, a process of bodily virtualization is evoked, where residual gestures remain as mere mirages of an immaterial becoming. Asdrúbal Gómez Ékdysis, 2023 Video sculpture 3D rendering in Blender and post-processing using raymarching techniques in vvvv 7 synchronized videos Duration: 1’59’’ Variable dimensions Julieta Agriano Site-specific metal structure, 2023 How do technical processes manifest within images? What are their qualities? What is the relationship between digital image and performance? Through the simulation of the organic within a digital environment, the artist constructs multiple sensory universes that evoke epidermal, fossilized, and plastic surfaces. The synthetic images produced through communicative processes between humans and computational systems—software, processing, and modes of digital image storage—form part of a repertoire 48
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of trajectories operating as a vast emulator. These geometric topographies are activated by
How do machines perceive? What constitutes figure and ground when the image is endlessly
processes governed by machinic randomness, which may be understood simultaneously as
repeated? When does an image become a sign? What is enacted when enunciation is made
documentation and as a form of real-time, ephemeral, or performative archiving. A visual trajec-
explicit?
tory may be instantiated in multiple and simultaneous ways. Under this framework, the
The emergence of the image in surveillance systems depends on a constellation of pixels that
emergence of the digital image depends on a constellation of RGB pixels that exist insofar as
exists insofar as it is modulated and rendered within an accumulating archive—a database. In
they are modulated and rendered within a system of inscription. Each time the image
the era of sentient machines, these images—produced by machines to be “seen” by machi-
occurs—exists and becomes visible—its performativity unfolds, traversed by temporal,
nes—become the objects of machinic perception, translated into binary code. Behavioral
geospatial, and situational variables that enable multiple narrative configurations.
patterns are thus established within inert landscapes, decoded to identify deviations, visual anomalies, and figures that interrupt the homogeneous flow of continuous imagery. Once
Laura Benech
registered, these unexpected phenomena are translated into data. Through repetition, they
The Art of Accepting Damage, 2021–2023
may be anticipated and normalized as expected events—or signs—within algorithmic culture.
Visual installation
By making the enunciative act explicit, the artist forces language in order to foreground and
3D printing, video mapping from internet-sourced footage, and 3D animation
enact the drive to control signs. Against the powerful construction of imaginaries produced by machine-speed visual systems, the work stages an attempt to confront the symbolic architec-
Julieta Agriano
tures that shape and constrain our modes of existence.
Bases, 2023 Site-specific light sculpture
Nicanor Aráoz
3D printing, Petri dishes (glass), LED light
Untitled, 2017
67 × 18 cm
Sculpture Polyurethane foam and neon
Inspired by the Japanese technique of Kintsugi, the artist “repairs with gold” the flower of the
120 × 69 × 50 cm
passionflower plant (Passiflora caerulea). Translating this ancestral practice—traditionally used to restore ceramic objects—the recomposition of the complex botanical model, printed in resin,
Nicanor Aráoz
exposes scars and channels that open speculation around contemporary discourses on Nature.
Too Hot to Fall Asleep, 2022
As a technical reproduction of a singular floral model, the artist’s manual intervention does not
Neon sculpture
merely consist in rejoining broken fragments with gold. The process incorporates additional
275 × 146 × 146 cm
materials—such as lead and moving digital imagery—giving rise to new amphibious versions of the species, and reopening the question of whether there remains a nature to which one
Within technofictional narratives, the transcendence of the body emerged as a central trope of
might return.
technological futurism, where transformation into a cyborg state constituted an immaterial projection of dystopian futures. In Aráoz’s weightless prototypes, one encounters a melancholic
Laura Benech
retrofuturist aura—an echo of earlier encounters between human creativity and machines. This
Repetition and Frequencies, 2023
erosion of materiality has prepared the imagination for the scalar shift that underpins digital
Site-specific installation
culture, where experiences and memories are extracted and transformed into hallucinations
Editing and playback of video recordings from public IP surveillance cameras, programming,
generated by artificial intelligences. This process produces a dissociation between form,
high-impact modeling, ferro-magnetization
function, and expression. Is the torso, severed from its head, the obsolete residue left behind by
Variable dimensions
transhumanism? 50
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Yves Netzhammer
phical and artistic discourse. It emerges as an inquiry into new modes of existence, where the
Tage Ohne Stunden, 2016
triad art/nature/culture becomes entangled with technique/nature/culture—or even art/nature/-
Video
technique. Distinctions between the concrete and the abstract, between conception and
Duration: 8’36’’
execution, between the organic and the artificial, form the background against which contemporary practices unfold—from the most mundane (such as 3D-printing a spare part) to gene
Yves Netzhammer
editing, as well as artistic production. Whether framed as a celebration of plasticity liberated
Flatscreen, 2022
from matter or as an assertion of material persistence and resistance, these inquiries reactivate
Video
longstanding debates rooted in the origins of Western thought: soul/body, theory/praxis, idea/matter. They also imply more recent discussions within the art world concerning the
Netzhammer constructs interwoven scenes that repeat, mutate, and reappear in fragments,
boundaries of digital art, contemporary art, and techno-aesthetics.
merging into new constellations of meaning. His digital animations are structured through a
(...)
cinematic logic in which minimal soundscapes anchor surreal imagery at an affective level.
What, then, can be inferred from Agriano’s curatorial trajectory? First, the capacity of digital
Sharp sounds, silence, and acoustic sequences generate a visual atmosphere through melody
abstraction to articulate the concreteness of the corporeal. The decomposition and recomposi-
and noise. The bodies of his protagonists adopt reduced morphologies, only loosely referencing
tion of bodies in the works of Aráoz, Ratté, and Netzhammer—or the rendering of tissues and
the human figure—akin to articulated wooden mannequins used in drawing. These figures
fluids in Gómez’s work—deploy diverse digital imaging technologies. At the same time, in
renounce individual traits, emphasizing instead their archetypal and synthetic condition as
contrast to the treatment of the body as matter (or its equivalence to functional objects in
humanoid forms.
Netzhammer), Benech’s material turn expands the boundaries of existence to include non-human forms—vegetal, mineral, machinic—while proposing a more hospitable field in which
Yves Netzhammer
damage and repair become integral to becoming.
Biografische Versprecher, 2018–2022
Is this sufficient to constitute an artistic scene? Does it define digital art, or exceed it? It is difficult
Audiovisual kinetic sculpture
to assert categorically. Yet it powerfully—and at times disturbingly—articulates aesthetic
Variable dimensions
inquiries into contemporary modes of existence, structured through multiple forms of flow: informational, geological, biological, and temporal. Within these, digitality and materiality prove
Netzhammer’s work does not seek literal representations of the world; rather, it investigates the
inseparable. An interweaving of realms—of things and ideas; mineral, vegetal, and animal;
essence of human emotion through the study of the image. His animations unfold as scenes
abstract and figurative. No small achievement for a place of signs.
where spatiality and temporality remain indeterminate. Images are continuously formed and fused, generating autonomous worlds and rendering new contexts legible. He constructs universal metaphors of existential perception. Meaning emerges fragmentarily—through the recursion of figures and the echo of visual and sonic sequences. Assemblages of objects referencing the body—arms, legs, puppet-like forms—are mechanically articulated across transparent surfaces. Working Conclusions, by Agustín Berti What is the digital? What materialities does it entail? Conversely, what is a body? How is it encoded? The tension between materiality and digitality is a recurring theme in both philoso52
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ARTISTS
Asdrúbal Gómez (aka AsdrV) (Margarita Island, Venezuela) is a visual, digital, and audiovisual artist. He studied at the Universidad Técnica Rodolfo Loero Arismendí, where he specialized in
Nicanor Aráoz (Buenos Aires) has developed an artistic practice centered on sculpture, installa-
Audiovisual Sciences and Photography, earning a degree as a Higher Technician in Audiovisual
tions, video, and performance. Through subtle processes of visual association, his works and
Sciences and Photography. He develops works inspired by new digital ecosystems, construc-
exhibitions draw on references from anime, Gothic aesthetics, music, and criminology, among
ting hybrid experiences that intersect digital art, hyper-organisms, and geomorphologies,
others. He participated in the Artists Program at the Universidad Torcuato Di Tella (2010), the
exploring versatile possibilities that converge across multiple formats of creation.
fifth edition of the Kuitca Fellowship (2011), the International Residency Program at ISCP in
He has also taught 3D courses at WIP Arte Digital and CCD México, extending his practice into
New York (2017), and the Pivô residency in São Paulo (2019). Among his recent solo exhibitions
educational contexts and the transmission of knowledge. He has participated in programs and
are Placenta escarlata, Barro Arte Contemporáneo, Buenos Aires (2018); Because I’m never
festivals such as Mutek 2024 and LAE Tecnópolis Audiovisual 2024. His work has been
what I have, Emily Harvey Foundation, New York (2017); and Antología genética, Universidad
presented in international digital art exhibitions, including Cat Cradle in Berlin, curated by Salon
Torcuato Di Tella, Buenos Aires (2016). He has also exhibited at the Museo de Arte Moderno de
Oblique (2023), and at Art Basel Miami / Art Basel Hong Kong with Galería Hyperfuturismo
Buenos Aires, La Tabacalera in Madrid, and Castello di Rivoli in Turin, among other venues.
(2024), as well as at Untitled Gallery (Berlin) during CTM Festival (2025).
He lives and works in Buenos Aires.
His works have been featured in platforms such as Artdao and BRIFW, among others. He lives and works in Argentina.
Laura Benech (Santa Fe) is an interdisciplinary artist who trained while developing art-related activities in Córdoba, Santa Fe, and Buenos Aires. Her work investigates entanglements within
Sabrina Ratté Canadian artist based in Montreal, who also lived and worked for six years in
the Capitalocene, addressing processes of encoding and the translation of nature, uncertainty,
Paris. Her practice explores the perceptual and material potentials of digital media through 3D
and the coexistence of multiple realities. She has participated in various training programs, such
animation, analog video, print, and installation. Drawing from technology, philosophical thought
as Tramas organized by Claudia Fontes; seminars from the Jornadas de Arte y Medios Digitales,
and speculative ecology, her work maps liminal zones where relationships between material
co-organized with Lila Pagola and the Centro Cultural España Córdoba (CCEC); “Tec en Arte”
and virtual worlds are reconfigured. Through immersive and interactive installations, she
by Fundación Telefónica; and LiPac at the Centro Cultural Ricardo Rojas, Universidad de
develops hybrid cosmologies that question the evolution of our environments and the narrati-
Buenos Aires. She has held both group and solo exhibitions.
ves that shape them. Her works evoke possible futures, both sublime and unsettling, in which
Her projects have been selected for international residencies such as Ars Bioarctica, Finland
the organic, the synthetic, and the spectral coexist within a single continuum. Her work has
(2025). She is currently developing CoExistence, a production and exchange project between
been presented in numerous solo and group exhibitions internationally. She has notably held
Germany, Argentina, and Switzerland selected by Pro Helvetia. She was an artist-in-residence
solo exhibitions at the Gaîté Lyrique (Paris), Fotografiska (Shanghai), Arsenal art contemporain
at transmediale, Berlín, representing Festival Pleamar (Mar del Plata, Argentina). Her work has
(Montréal and New York), and the MEET Digital Culture Center (Milan). Her work is part of
been recognized in awards and competitions, including the First National Acquisition Prize
several permanent collections, including that of the Musée d’art contemporain de Montréal, and
from Fundación OSDE (2025); the Production Grant from the Medialab Centro Cultural de
has been exhibited at institutions such as the Centre Pompidou (Paris), the Musée d’art
España en Buenos Aires (2023); the Production Support Prize from Museos de Santa Fe
contemporain de Lyon, the Arlington Museum of Art (Texas), HEK – Haus der Elektronischen
(2021); an honorable mention at the Salón del Museo Municipal de Artes Visuales, Santa Fe
Künste (Basel), Centre PHI (Montréal), the Montreal Museum of Fine Arts, the Max Ernst
(2015); an honorable mention at the Premio Federal de Arte Contemporáneo, Córdoba (2015);
Museum (Brühl), and the Museum of the Moving Image (New York).
and an honorable mention at the Premio ICI de Video, Arte Digital y Multimedia Experimental (1999), among others.
Yves Netzhammer, raised in Schaffhausen, now lives in Zurich. Studied Visual Design at ZHdK
She is co-founder of the collective project and podcast Liminal Bits, as well as Antimateria
(Zurich University of the Arts) and embarked on his exhibition career in Switzerland and abroad
Studio, focused on experimentation and research with biomaterials.
in 1998. Since 2014, he has also realized various Art in Architecture projects (Prix Visarte 2015), of which recently the horse sculpture with the title “Der ungezähmte Horizont” (The
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untamed horizon) on the tram deposit Hard in Zurich (2024). His solo exhibitions include FOSUN Foundation Shanghai (2017); MONA Tasmania, Swiss Pavilion (2013), Kunstmuseum Bern (2010), SFMOMA San Francisco (2008); Venice Biennale Swiss Pavillion and Palazzo Strozzi, Florence (both 2007), Kunsthalle Bremen (2005), Lehmbruck Museum in Duisburg and Kaiser Wilhelm Museum in Krefeld (both 2003); and KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2000). His short films have been shown at the Stuttgart International Festival of Animated Film ITFS (2015) and the Venice Film Festival (2011), among others. Netzhammer’s first full-length feature film Journey of Shadows premiered worldwide in January 2024 in the Tiger Competition of International Film Festival Rotterdam. His works have been shown in group exhibitions including at the Frankfurter Kunstverein (2019); the Goethe-Institut Paris (2018); Marta Herford (2017); Kiev Biennale (2015); Museum Rietberg, Zurich (2014); Arroniz Arte Contemporáneo, Mexico City and K11, Shanghai (both 2013); The Museum of Modern Art, Toyama and Haus der Kulturen der Welt, Berlin (both 2012); Liverpool Biennale (2010), Palazzo Strozzi, Florence and Kunstmuseum Wolfsburg (both 2007); Kunstmuseum Solothurn (2006 and 2001); Centre Culturel Suisse, Paris (2003); Center for Art and Media ZKM, Karlsruhe (2000); and Museum Ludwig, Cologne (1999). The artist’s most recent presentations in Switzerland were at Museum zu Allerheiligen Schaffhausen (2018/19), Graphische Sammlung ETH Zürich (2020), Museum Haus Konstruktiv in Zurich (2022/23), Kunstmuseum Solothurn (2024) an Kunsthaus Zurich (2025/26). Credits and Acknowledgements Artists: Nicanor Aráoz, Laura Benech, Asdrúbal Gómez, Yves Netzhammer, Sabrina Ratté Curatorship, exhibition design, and texts: Julieta Agriano Curatorial assistance: Juana Fonrouge, Paula Cibello Technical direction: Eric Sauerhering Technical assistance: Pedro Gómez Technical supervision: Lihuel Furmento Production: Adriana Maestri, Nahuel Dávila, Bruno Krauchik Digital art documentation: Darío D’Antiochia, Paula Casanova Acknowledgements: Ariel Charec, Angie Vidal, Aline Juchler (Pro Helvetia), Juana Freyer, Clara Ríos, Camila Posse, Ruth Geoffroy, Pablo Bosco (Polee) (MUTEK Montréal), Agustín Berti (Universidad Nacional de Córdoba), María López and Barro art gallery.
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EXPOSICIÓN Y CATÁLOGO
FUNDACIÓN OSDE CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN
CURADURÍA, DISEÑO DE MONTAJE Julieta Agriano
PRESIDENTE Laura Marina Carranza
TEXTOS Julieta Agriano, Ruth Geoffroy Agustín Berti
SECRETARIA Claudia Lorena Mendonça TESORERA Alejandra Inés Vazón
ASISTENCIA CURATORIAL Juana Fonrouge, Paula Cibello
PROTESORERO Guido Tomás Montaruli
CORRECCIÓN DE TEXTOS Mariela Sorrentino
VOCALES Mario Daniel Brey Oscar Emilio Rodríguez
DIRECCIÓN TÉCNICA Eric Sauerhering
FUNDACIÓN OSDE ARTE Y CULTURA ESPACIO DE ARTE
ASISTENCIA TÉCNICA Pedro Gómez GUARDIA TÉCNICA Lihuel Formento
Paula Cibello Carolina Cuervo Juana Fonrouge Nadina Maggi Maria Winsnes
REALIZADORES Adriana Maestri, Nahuel Dávila, Bruno Krauchik REGISTRO Y DOC. EN ARTE DIGITAL Dario D´Antiochia, Paula Casanova FUNDACIÓN OSDE y la curadora agradecen a Ariel Charec, Angie Vidal y Aline Juchler (ProHelvetia), Juana Freyer, Clara Ríos, Camila Posse y Ruth Geoffroy, Pablo Bosco alias olee (Mutek Montréal), Agustín Berti (Universidad Nacional de Córdoba), María López, y a la galería Barro.
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ESPACIO DE ARTE | FUNDACIÓN OSDE Arroyo 807, esquina Esmeralda, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. fundacionosde.com.ar/espaciodearte espaciodearte@fundacionosde.com.ar