U-TURN Project Rooms by Mercedes-Benz

2 0 1 4

U-TURN 2014 Testigo de lo pasado, ejemplo y aviso de lo presente, advertencia de lo por venir

El extenso título extraído de uno de mis cuentos preferidos de Ficciones del maestro Borges, “Pierre Menard, autor del Quijote”, recoge la síntesis y el espíritu del proyecto curatorial que este año se presenta para la sección U-TURN de arteBA y puede dar las pautas conceptuales, bajo mi parecer, a lo que supone una sección curatorial dentro del enmarcado y articulado mundo de las ferias de arte.

Como nuevo curador que llega a una sección ya consolidada y con gran éxito, he pretendido marcar ciertas novedades que hicieran dar un paso más allá a las ediciones anteriores, y que sirvan para ir aunando entre todos nuevos parámetros en la definición de una feria como arteBA, la labor curatorial dentro de las ferias y la manera en

que se construye una colección tanto privada como pública. Existen cuatro conceptos para mí fundamentales: Historia, Tiempo, Lenguaje y Comunicación. A esta primera justamente se refería Menard en las palabras que forman el título que presenta este proyecto.

En este sentido, si U-TURN pretendía principalmente traer a Buenos Aires una serie de jóvenes galerías y de artistas emergentes, he creído conveniente sentar las bases para colecciones que miren el presente y el futuro sin olvidar el pasado. Así como una de las novedades se presentará una manera de ver el arte del mismo modo que se estudia o se presenta en los museos. Se trata de ver el arte como un continuo desde los artistas consolidados que han marcado una impronta fundamental en el tiempo, pasando a las figuras que están constituyendo un claro presente, junto a aquellos valores o jóvenes talentos, tanto locales como de otras latitudes, que miran y pueden crear ese incierto futuro, centrando mi propuesta en atender cuestiones geopolíticas que tienen que ver con las relaciones entre América Latina, Europa y los Estados Unidos.

Bajo mi punto de vista, es muy importante que el proyecto, con sus treinta y dos artistas, se lea del mismo modo que muchos de los cuentos de Borges o Cortázar, desde una doble lectura: primero como un todo global, como un proyecto único que los aglutina bajo un mismo concepto y paraguas. Pero a su vez, en una segunda lectura,

más próxima y cercana, hay que entender que esta selección y comisariado se presenta a partir de quince diálogos y exposiciones diferentes en cada uno de los stands. En la mayoría de ellos se podrán ver diferentes conversaciones entre dos o tres artistas, un@ de ell@s consolidad@, que dialoga con sus colegas más jóvenes a través de diferentes temas. Así se podrá ver desde Cildo Meireles junto con Marcius Galán a través de los aspectos arquitectónicos, del mismo modo que David Lamelas con Paul Lee, o los aspectos gráficos y geométricos de Horacio Zabala con Zinny & Maidagan, del mismo modo que Matt Mullican con Dora García y Guillaume Leblon. La relación textual y de significados en la dupla Christopher Knowles - Rirkrit Tiravanija o las piezas textuales de Antonio Caro junto a Bernardo Ortiz y Luis Roldán. También los propios aspectos de la representación pictórica de Emmanuel Nassar - Jessica Mein y las relaciones entre lo que se oculta y se presenta de Néstor Sanmiguel Diest y Maria Loboda.

Un aspecto importante a tener en cuenta es la igualdad de género: es igualitaria la representación de hombres y mujeres en la selección de artistas. Pero he querido ser sensible a la presentación de trabajos de ciertas artistas comprometidas con los aspectos sociales y políticos como Margarita Paksa - Magdalena Jitrik, frente a situaciones que no se ven, se censuran o se omiten en los casos de Liliana Porter - Teresa

Margolles - Voluspa Jarpa, o en la dupla brasileña de mujeres artistas como es el caso de Carmela Gross y Clara Ianni.

Un apartado especial tiene para mí también uno de los proyectos relacionados con la reivindicación sexual y de género masculina. Representado por tres artistas que han desarrollado su trabajo en Buenos Aires bajo estos supuestos, el fallecido Feliciano Centurión, Hernán Marina y Nicanor Aráoz, tres generaciones hablando de una continua visibilidad gay y postulados queer.

Las relaciones o diálogos también se presentan de una forma mucho más fresca y abierta no sólo entre históricos sino también entre artistas de la misma generación, como el propuesto entre las piezas silenciosas y textuales de la británica Sue Tompkins y la rumana Marieta Chirulescu, ya que estas dos jóvenes artistas se relacionan con otr@s artistas que forman parte de este diálogo continuo, haciendo que se presente como un todo conjunto la sección, como he explicado con anterioridad.

Por último, me gustaría hablar de la importancia que ha tenido para mí el traer a esta edición artistas argentin@s internacionalmente conocid@s, que no desarrollan ni sus vidas ni sus trayectorias en relación a sus orígenes; es decir, que han crecido con un mayor reconocimiento fuera que dentro de la

Argentina, como son los casos de Zinny & Maidagan, Irene Kopelman y Amalia Pica: estas dos últimas además, casi sin haber pasado por Buenos Aires. Sus proyectos presentan un diálogo encubierto, aunque serán mostrados cada uno como solo project en stands diferentes. La primera ha realizado una investigación en torno a los glaciares y se ha servido de la obra de otros artistas, escritores, fotógrafos y viajeros para componer su instalación. De esta manera su proyecto es un meta-diálogo con otras generaciones de artistas y estudiosos. En cambio, el proyecto de Pica se presenta a nivel espacial en medio de todos los proyectos de U-TURN. Su pavillion será un verdadero pabellón de comunicación, de diálogos entre unas partes y otras... Así ella viene a aglutinar las ideas de esta conversación entre generaciones, entre estéticas y políticas.

De todos modos, una de las cuestiones importantes dentro de la creación es poderse salir del propio marco institucional o de representación. En este sentido el proyecto curatorial ha intentado que de alguna manera la sección U-TURN vaya mucho más allá que solamente lo presentado dentro de la Feria, por lo que algunos de los artistas que aquí se presentan tendrán exposiciones, piezas o instalaciones, incluso performances, en otros espacios públicos o privados de la ciudad de Buenos Aires.

Quisiera también destacar que gran parte de estos trabajos han sido además producidos de una u otra forma en Buenos Aires y desde aquí

sólo quiero agradecer a todas las personas que lo han hecho posible.

En primer lugar a Mercedes-Benz quien cada año permite que esta sección sea un eje fundamental de la escena artística en la ciudad, y en segundo lugar, ¿cómo no?, a todo el equipo de arteBA, que con ilusión, profesionalidad y esfuerzo hace junto a una larga lista de personas y entidades, que los sueños se conviertan en realidad, quizá para volver a convertirlos en una ficción que se convertirá en una nueva realidad…

Agustín Pérez Rubio, curador U-TURN 2014.

Agustín Pérez Rubio (Valencia, 1972) es historiador, crítico de arte y comisario independiente de exposiciones. Ha sido director del MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) hasta febrero 2013. De 2003 a 2009 fue el conservador jefe de dicho museo, llevando a cargo su colección y programación.

Es miembro de diversos comités en museos e instituciones artísticas además de ser miembro de CIMAM (International Committee for Museums and Collections of Modern Art), AICA (Association Internationale des Critiques d’Art) e IKT (Asociación Internacional de Curadores de Arte Contemporáneo). Ha comisariado más de setenta exposiciones en diferentes instituciones españolas e internacionales, desde el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía a la Bienal de Venecia, y ha impartido conferencias y seminarios colaborando con instituciones como el Centre George Pompidou de París o el ICI (Independent Curators International) de Nueva York.

PR 1 - Luisa Strina

CILDO MEIRELES

Cildo Meireles (Rio de Janeiro, Brasil, 1948) es un artista conceptual con una importante trayectoria internacional, que crea objetos e instalaciones que involucran directamente al espectador en una experiencia sensorial completa y cuestionan, entre otros temas, el régimen militar de Brasil (1964 - 1984) y la dependencia del país en la economía mundial.

Su papel ha sido clave en la producción artística nacional e internacional.

Situándose en la transición entre la producción de arte neoconcreto de principios de los años 60 en Brasil y la de su generación, ya influenciada por las propuestas del arte conceptual, las instalaciones y performances, las obras de Cildo Meireles dialogan no sólo con temas poéticos y sociales específicos de su país, sino también con los problemas generales de la estética y el objeto artístico. Las series que serán presentadas en U-TURN, llamadas Descalas –un término que significa escaleras– son obras de 2003, que consisten en ocho pares de estas. Una de cada par está dividida de manera que cada par se puede leer como un todo, como si estuviera invertido o descompuesto. Se erige como una metáfora para el infinito y por un movimiento de autodeterminación en cualquier dirección.

Descala - 6b, 2002-2003 - Grabado sobre hierro - P/A, Edición de 20 - 50 x 50 x 0,2 cm

M A RC I U S G A L Á N

PR 1 - Luisa Strina

El trabajo del artista brasileño Marcius Galán (Indianápolis, Brasil, 1972. Vive y trabaja en São Paulo) transita entre la pintura, la instalación, el dibujo y la escultura, entendiendo como abstracto lo que se considera realista o incorporando la abstracción a las convenciones realistas. Gran parte del peso específico lo lleva a los terrenos donde lo arquitectónico se toca con las líneas del dibujo o donde lo escultórico se convierte en poema visual. En este sentido son importantes sus trabajos sobre las limitaciones de espacios, las abstracciones de trampantojos, bien a través de objetos como gomas de borrar o bien como cuerdas o gomas que si bien son de hierro parecen de materiales dúctiles.

Cada vez más el trabajo de Marcius Galán condensa esa retórica de la abstracción compositiva brasileña con cuestiones del consumo diario y de la vivencia del espacio. En este sentido, para el proyecto U-TURN y haciendo una conversación con las piezas de Cildo Meireles relativas a las escaleras, a ese encuentro donde ambos artistas se fusionan en la cuestión arquitectónica y geométrica, Galán propone un Ejercicio de División de Área, donde se relaciona con las piezas de Cildo Meireles en tanto que la arquitectura se convierte en protoarquitectura, es decir, en dibujo. Por eso las piezas se disponen en el suelo y los dobleces de concreto se vuelven bidimensionales con la pintura, de la misma manera que la escalera se vuelve un ejercicio gráfico en la obra de Cildo Meireles.

División de área, 2013 - Hierro y esmalte - 10 x 70 x 100 cm

PR 2 - Vermelho

CA R M E L A G ROSS

Carmela Gross (São Paulo, Brasil, 1946) ha estado mostrando su trabajo desde 1960. Su debut se produjo en el Rex Gallery & Sons ‘ experimental space (São Paulo, 1967). Su Projeto para a Construção de um Céu (Proyecto para la Construcción de un Cielo) se presentó en la 16ª Bienal Internacional de São Paulo en 1981 y le otorgó el título de Master of Arts. Su serie Pintura / Desenho (Pintura / Dibujo) resultó en un título de doctorado y continuó con su exhibición en la Universidad del Museu de Arte Contemporánea de São Paulo en 1987. Participó en dos ediciones del proyecto Arte / Cidade (1994 y 2002 ) y en numerosas ediciones de la Bienal de São Paulo (1967, 1969 , 1981, 1983 y 2002, cuando presentó la instalación Hotel). Su trabajo reciente se ha visto en París (2004, 2005), Estambul (2005), Moscú y Valencia (2007).

En U-TURN presenta la obra Barril, un barril de petróleo crudo y plástico transparente. Concebido en 1969, durante la crisis del petróleo y en un momento en que Brasil era totalmente dependiente del suministro de petróleo externo, el barril de 200 litros con cristal de espuma de plástico es una forma radical de lo que un artista puede hacer. En lugar del espacio bidimensional del papel o del lienzo, la pieza toma el espacio volumétrico del medio ambiente en el que el artista juega hábilmente con los valores y significados para formar un conjunto completamente diferente de relaciones. Con sus superficies brillantes y elementos yuxtapuestos, la escultura opera como un relevante abridor de ojos en la cara de las constantes guerras de petróleo.

Barril, 1969 - Plástico y barril de metal - 130 x 60 cm, medidas aproximadas

CLARA IANNI

PR 2 - Vermelho

Clara Ianni (São Paulo, Brasil, 1987. Reside en São Paulo y Berlín). Su obra se caracteriza por la crítica a la sociedad contemporánea, teniendo en cuenta sus implicancias políticas e históricas. Su trabajo se basa en el uso de varios formatos, tales como la instalación, la escultura y el vídeo. Es miembro y colaboradora de Krytyka Polityczna.

Para U-TURN presenta Madres, de 2013. En mayo de 2006, más de seiscientas personas fueron asesinadas por escuadrones de la muerte de la Policía Militar en Brasil. Siendo este hecho una de las más grandes masacres de la historia brasileña contemporánea, Madres es un video que busca reflexionar sobre una de esas muchas historias no contadas que son eclipsadas por la narrativa dominante de progreso y desarrollo a la que con frecuencia se asocia el país. Desde la época colonial, pasando por el gobierno militar y la democracia actual, existe una violencia estructural que es fundacional en Brasil y constituye lo que algunos estudiosos llaman un “estado de excepción permanente”. Investigando los efectos de la violencia institucional en Brasil, especialmente la violencia de Estado, el video fue hecho durante las sesiones terapéuticas de un grupo de mujeres que perdieron a sus hijos debido a la acción policial. La investigación audiovisual en pantalla dividida, que fue posible producir a través de una relación de colaboración, pone al espectador en una posición central en relación a los temas de un círculo terapéutico fundado en el trauma y la pérdida. La narrativa construida, sin embargo, niega el papel reductivo y simplificador de la victimización y, por el contrario, evidencia el poder de acción de las mujeres.

Mães, 2013 - Video instalación - Duración del video: 22 minutos, 23 segundos

PR 3 - Simon Preston

E M M A N U E L NASSA R

Emmanuel Nassar (Capanema, Brasil, 1949) es uno de los artistas más importantes de su generación en Brasil, centrado principalmente en la pintura y el montaje. En U-TURN presentará un conjunto de pequeñas construcciones de metal, papel y madera, utilizando una técnica que abraza el error y rechaza la perfección.

Nassar selecciona símbolos, a menudo usando sus iniciales, E.N., y los coloca estratégicamente dentro de un campo de color escaso, donde se convierten en íconos de la imperfección.

El acabado intencionalmente mal definido de las figuras crudas sobre un fondo geométrico impreciso, a menudo monocromático y plano, saca a la luz la sensibilidad única del artista que “marca los puntos de forma permanente con el poder de la simplicidad”. En el diálogo con Jessica Mein, ambos artistas dan prioridad al material empobrecido con el cual cada uno construye composiciones geométricas mínimas.

Trap, 2013 - Técnica mixta sobre madera - 150 x 90 cm

J E SS ICA M E I N

PR 3 - Simon Preston

La artista brasileña Jessica Mein (São Paulo, Brasil, 1975) presentará una serie reciente de trabajos de formato medio ubicados en paredes. Utilizando como punto de partida las cada vez más obsoletas carteleras, Mein construye collages sobre hojas individuales transfiriendo la imagen en el lienzo o el cáñamo. Además de emplear los procesos físicos de exploración, corte, rasgado y enmascaramiento, Mein, delicadamente y con mucho esfuerzo, altera la estructura del tejido de la tela, reduciendo la imagen a composiciones de formas abstractas y geométricas.

Cada trabajo individual se titula obra, con su doble acepción en portugués, igual que en español, de “sitio de construcción” y “obra de arte”, tomando el mismo soporte y la superficie de la imagen como su componente fundamental. El proceso de transformar impresiones y gráficas publicitarias, producidas masivamente, involucra tensiones entre aspiraciones modernistas de mecanización y la variedad de fallas y errores inherentes a la mecánica, lo digital y lo artesanal. Esta dislocación plantea cuestiones de valor y la jerarquía de la producción y la economía del lenguaje visual.

obra dezesseis, 2013 - Cola vinílica y cáñamo sobre madera - 84 x 55.88 x 4 cm

PR 4 - mor.charpentier

L I L I A NA PORT E R

Desde finales de los 60, Liliana Porter (Buenos Aires, Argentina, 1941) estuvo influenciada por la literatura del escritor argentino Jorge Luis Borges, investigando las relaciones entre ilusión, representación artística y realidad, en impresos, pinturas e instalaciones murales. De todos modos, el trasfondo social y político de la época hizo que fuera una de las artistas que, tanto antes como después de su marcha a los Estados Unidos a finales de los 60, se posicionó frente a determinadas injusticias sociales, guerras y políticas.

Una buena prueba de ello es la pieza que se exhibe en U-TURN, con un marcado carácter feminista y postcolonizador. Es una obra que delimita un momento temporal y político tanto en la sociedad como en la trayectoria de esta artista.

Más tarde, a partir de la fotografía, pinturas e instalaciones, la artista mantuvo sus compromisos, pero realiza diversas alusiones eruditas a la historia del arte –particularmente al trabajo de Magritte, Goya y Picasso– y a la literatura –Borges, Alicia en el país de las maravillas, Las mil y una noches– y la yuxtaposición de imágenes, que le permiten establecer un repertorio de estrategias sutiles para construir significados que mezclan el jugueteo con un delicado humor trágico.

The New York Times, Sunday, September 13th, 1970 - Foto-serigrafía - 70,5 x 49,5 cm

T E R E SA M A RG OL L E S

PR 4 - mor.charpentier

Teresa Margolles (Culiacán, México, 1963) es, desde hace años, una de las artistas mexicanas más importantes.

En los 90 fue integrante del grupo SEMEFO y, más tarde, pasó a desarrollar su carrera en solitario. Desde entonces, realizó toda una serie de investigaciones en relación a cuestiones sociales y políticas respecto al tema de la muerte.

En U-TURN se presentará su serie Recados póstumos que muestra la preocupación de Margolles por los muertos en masa, muertos que parecen desaparecer sin reconocimiento ni activismo. En enero de 2006, Teresa Margolles trabajó en cinco cines de Guadalajara, México. La artista recolectó cartas de suicidas y colocó sus palabras en las marquesinas de cines abandonados para crear una imagen póstuma.

El espectador de las marquesinas espera un anuncio, pero en cambio es confrontado con la crudeza de las últimas palabras de alguien. La presentación de los textos alude a las narrativas decadentes, ofreciendo otra vida a las palabras finales y reconfigurando la presencia de la muerte en la obra de Margolles.

Recados póstumos, 2006 - Serie de cinco fotografías - 40.5 x 51 cm, cada una

PR 4 - mor.charpentier

VOLU S PA JA R PA

Voluspa Jarpa (Rancagua, Chile, 1971) trabaja a partir de la pregunta por la historia y sus representaciones en el arte. Se interesa particularmente en la experiencia individual en tensión con los discursos públicos. El trauma, en cuanto conmoción colectiva o individual, es el concepto que hilvana la poética de sus trabajos. Actualmente trabaja con los archivos desclasificados por la CIA y otros organismos de inteligencia de Estados Unidos sobre Latinoamérica, que para salir a la luz pública son censurados y tachados. La condición de Secreto de esta documentación se traduce en tachas negras que paradójicamente permiten que se haga pública la información.

La serie presentada en U-TURN plantea una reflexión sobre la escritura de la historia, la noción de soberanía de los países y la necesidad de visualizar la historia como acontecimientos devenidos de las “contaminaciones” ocurridas tanto en el interior de las fronteras nacionales como también en el exterior. Presenta una serie de enciclopedias latinoamericanas con documentos secretos, donde la intervención material produce la dislocación del objeto libro y de su contenido en relación a las verdades colectivas e individuales.

Imágenes referenciales de la serie Educación Cívica, 2013 - Libros, madera y herramientas quirúrgicas - dimensiones variables

PR 5 - Casas Riegner

A N TON IO CA RO

Antonio Caro (Bogotá, Colombia, 1950) es considerado como uno de los artistas conceptuales más importantes de Colombia. Pionero de la exploración del potencial visual de las palabras, Caro se ha vuelto una referencia vital para generaciones más jóvenes de artistas debido a su habilidad para crear diseños capaces de manifestar posiciones anti-convencionalistas y de comunicar mensajes concisos acerca de cuestiones políticas y culturales. Las obras centradas alrededor de la palabra escrita son una táctica crucial en la práctica de Caro y utilizan la repetición como una estrategia que reitera la comunicación y enfatiza el significado. Sus juegos de palabras, siempre relacionados a una identidad nacional, personal o social pretenden, a partir del lenguaje y de la grafica, asimilar y cuestionar la situación de colonización y subvertir los estamentos y poderes del mismo.

Colombia is a bird, Re-edición / 1974-2014 - Impresión sobre papel - 21.3 x 18 cm

LU I S ROL DÁ N

PR 5 - Casas Riegner

Luis Roldán (Cali, Colombia, 1955. Vive y trabaja en Nueva York y Bogotá) ha desarrollado una obra inclasificable en la cual expande las posibilidades del dibujo y la pintura para integrar gestos involuntarios, contingencias del proceso, restos del trabajo diario en el taller y un sinnúmero de materiales encontrados, todo ello en relación con el espacio expositivo donde se despliegan sus trabajos. Una de las características de su trabajo es la aparición de elementos completamente inesperados que sacan al espectador de la zona cómoda de la comprensión y lo empujan a cuestionarse lo que ve. Las letras y los textos forman parte de una de las apropiaciones en el lenguaje de este singular artista donde el dibujo se expande de forma amplia convirtiéndose en muchas ocasiones en puras abstracciones donde la materialidad de sus componentes se desdibuja y se transforma en otra cosa, en otra línea de dibujo o en otra capa de significado.

Ah Rosa, 2013-2014 - Papel manteca reciclado y letras recortadas - Dimensiones variables, aproximadamente 70 x 60 cm cada uno

PR 5 - Casas Riegner

BE R NA R D O ORT I Z

La práctica de Bernardo Ortiz (Bogotá, Colombia, 1972) entremezcla disciplinas como la filosofía, el diseño, la escritura y la curaduría, además de abordar un enfoque transgresivo en sus dibujos (centrados en articular ideas a través de un uso distintivo de palabras y lenguajes abstractos). Haciendo referencia a hechos cotidianos y a su obsesión con la pintura abstracta, los dibujos de Ortiz documentan el paso del tiempo a través de composiciones obsesivas que revelan un universo complejo hecho de interminables referencias y asociaciones.

Sus últimos trabajos presentan un acercamiento a la obra del filósofo Ludwig Wittgenstein, no sólo en relación a sus teorías en el campo de la filosofía del lenguaje, sino también al carácter de personaje casi ermitaño. De todos modos, los trabajos de Ortiz mezclan varias capas de significantes y significados a la hora de transformarse en dibujo. Tanto la forma en la que se presentan como la narrativa que despliegan hace que, en muchas ocasiones, estas múltiples capas y significados colisionen hacia un ruido narrativo o hacia una silenciosa y misteriosa poética del sinsentido.

Sin título, 2013 - Impresión sobre papel y piedra de río sobre pieza de madera (mesa) - 224 x 50 cm

PR 6 - Document Art Gallery

M A RG A R I TA PA K SA

Margarita Paksa (Buenos Aires, Argentina, 1936) es una de las artistas paradigmáticas de las vanguardias del arte conceptual y el videoarte de los años 60. A lo largo de su amplia trayectoria ha realizado escultura, dibujo, diseño, instalaciones, pintura, objetos, arte digital, y video arte. Su obra gira hacia una diversidad expresiva y se enmarca en lo que ella misma denomina “desmaterialización del objeto”. A menudo incursiona en la estética del arte minimalista, que utiliza como medio de realización y concentra sus ideas en despojados soportes. Sus obras refieren a temas sociales, políticos y de comunicación. En la década del 60 inicia una serie de múltiples, original para la época, que rompen con el concepto de obra única dando prioridad a la distribución masiva con un carácter más popular. De esos años son también sus proyectos que incluyen la participación del espectador y utilizan tecnologías avanzadas para ese entonces. Para U-TURN se han seleccionado una serie de piezas de los años 60 y 70 que tienen la geométrica y el color como modos de uso político dentro de la obra. Tanto en el cubo vacío de Nada es, como en sus ópticas Escrituras secretas existe un trasfondo político en el cual la artista se convierte en un individuo político en contra de muchas de las ideologías y posturas de aquellos años en la Argentina. En palabras de Jorge Glusberg: “En tanto el arte marchaba desde la imagen hasta el concepto, Margarita Paksa recorría un camino paradójicamente inverso, yendo del concepto a la imagen; pero, en rigor, a la imagen del concepto”.

No-Yes, de la serie Escrituras secretas, 1976-2010 - Chapa de aluminio, perillas metálicas pintadas 34 x 41 x 6 cm

M AG DA L E NA J I T R I K

PR 6 - Ignacio Liprandi AC

La producción de Magdalena Jitrik (1966, Buenos Aires, Argentina) pertenece al campo de la pintura. Toda su obra nace de allí. Se interesa por el aspecto manual, el proceso de creación, la transformación de la materia que ocurre al pintar. Sus obras, impulsadas por la política, presentan a la pintura como un instrumento de creencia y a lo manual como un medio de aprendizaje. Son construidas sobre la base del trabajo pictórico, las investigaciones históricas y las percepciones acerca de la realidad actual. En el espacio de U-TURN, poniendo en relación su trabajo con el de Margarita Paksa, se presenta Proyecto Nueva Bandera Argentina, que tiene que ver con la cuestión de identificación y asimilación nacional, tocando un ícono tan fundamental como la bandera a modo de ficcionalización de un momento histórico en el que se estaría encomendando la tarea de proponer los estandartes de un nuevo país.

Proyecto Nueva Bandera Argentina, 2013 - Acuarela sobre papel - 15 x 20 cm

PR 7 - Henrique Faria Fine Art

HOR AC IO Z A BA L A

Horacio Zabala (Buenos Aires, Argentina, 1943) se formó como arquitecto en la Universidad de Buenos Aires.

Realizó su primera exposición individual en 1967. Desde 1972 publica ensayos y otros textos teóricos sobre arte, y desde 1975 realiza curadurías y proyectos expositivos. Integró el Grupo de los Trece, nucleado alrededor del Centro de Arte y Comunicación (CAYC) hasta 1976. En ese año, que marcó el comienzo de la última y más violenta dictadura militar en la Argentina, comenzó un exilio que lo llevó a residir sucesivamente en Roma, Viena y Ginebra, donde continuó trabajando y exhibiendo su producción durante veintidós años. De regreso a la Argentina, realiza la exposición Ejercicios y tránsitos (1998) en el Museo de Arte Moderno, publica El arte o el mundo por segunda vez (1998) y retoma la labor curatorial.

En U-TURN se mostrarán trabajos de su Serie de las hipótesis, de 2009, combinando dos entidades que nada tienen en común: tanto los monocromos (pintura sin figuración ni composición) y los signos (gramaticales o matemáticos). Estas obras constituyen la sede donde ambos se encuentran y reiteran, se vinculan y activan.

Aunque tanto los monocromos como los signos son presencias visibles, el interés de estas obras no sólo se orienta a lo que se ve, sino también a lo que se piensa de lo que se ve.

Multiplicación de dos monocromos negros entre paréntesis (ecuación), 2014 - Acrílico sobre pared 170 x 400 cm

Z I N N Y & M A I DAG A N

PR 7 - Henrique Faria Fine Art

Tuvieron comienzos diferentes puesto que Dolores Zinny (Rosario, Argentina, 1968) estudió Bellas Artes en la especialidad de Pintura y Juan Maidagan (Rosario, Argentina, 1957) estudió Medicina, ambos en la Universidad Nacional de Rosario. De 1994 a 2002 vivieron en la ciudad de Nueva York cuando comenzaron sus proyectos conjuntamente y, desde entonces, en Berlín.

En U-TURN podrán verse algunos de sus trabajos a modo de instalación. Estos trabajos constan de modelos, dibujos, pinturas y esculturas, desde los cuales podrían distinguirse cuatro enfoques: la investigación de los elementos arquitectónicos concretos e historias específicas de un sitio, como herramientas para la construcción de una lectura simbólica; proyectos cuya investigación no está anclada necesariamente en un espacio físico, sino que combina ciertas narrativas con intervenciones ficcionales enlazadas a la abstracción; el estudio de las representaciones espaciales y los análisis de la situación de exhibición como tal, como una instancia para crear significado al relacionar y conectar diferentes obras de diferentes artistas en la exhibición y una línea estética basada en la apropiación, la intervención y la redefinición del cubo blanco o el espacio expositivo tradicional; que pueden entenderse como el centro conceptual de sus trabajos.

Brand, estudio No. 2, 2014 - Tela cosida - 100 x 43 cm

PR 8 - Johann König

A M A L I A P ICA

Amalia Pica (Neuquén, Argentina, 1978. Vive y trabaja en Londres) explora las formas de comunicación y la celebración como un espacio para la intimidad cultural, reflexionando sobre la distancia entre los sujetos y los medios utilizados para acortarla. Es decir: formas de expresar los mensajes y transmitir significados, ya sean hablados o visuales, a través del lenguaje humano o mecánico. Su trabajo se centra en la política en términos más abarcativos: cómo vivimos juntos, cómo nos comunicamos y cómo nos entendemos (o no).

Para esta ocasión, presenta su pieza Pabellón que consiste en un espacio de comunicación entre ambos lados.

Igual que un juego de niños en el cual a través de las latas vacías se confeccionaban teléfonos y formas de comunicación, esta presentación, en medio del proyecto U-TURN, sirve de metáfora para entender esta forma de comunicación intergeneracional entre los diferentes artistas y tiempos en las que los protagonistas de esta sección se inscriben. De este modo Pica sirve de catalizador a estos canales de comunicación con esta pieza arquitectónica que deviene en una escultura sonora y vivencial en sí misma.

Acoustic radar in cardboard, 2010-2012 - Cartón y cinta de goma - 105 x 186 x 145 cm

PR 9 - Labor

I R E N E KOP E L M A N

Desde sus primeros años como artista plástica, Irene Kopelman (Córdoba, Argentina, 1974) desarrollaba ya un cuerpo de obra en torno al paisaje; en ese momento a un paisaje muy concreto y familiar: las sierras de Córdoba.

En 2002, la artista se muda a Ámsterdam, donde comienza a ver no ya paisajes, sino sus representaciones en museos de Ciencias Naturales y bibliotecas donde podía encontrar maneras en que éste había sido recolectado, organizado y representado históricamente. Más tarde Kopelman, encuentra la manera de recuperar la posibilidad de dibujar el paisaje a través de la observación directa. Ya no es el paisaje cordobés de antaño, sino otros, diferentes y a veces lejanos. Retomando así el papel de continuadora de la disciplina del pintor viajero (Humboldt, Nebel, etcétera).

Para U-TURN, Kopelman desplegará ambas facetas del proceso; por un lado varias series de dibujos que la artista ha desarrollado en los últimos años, vinculados a la observación directa del paisaje o elementos que lo conforman. La presentación será en cierta manera una pequeña retrospectiva de su práctica ligada netamente al dibujo. Y, por otra parte, exhibirá documentos históricos provenientes de la investigación llevada a cabo por el Dr. Samuel Nussbaumer, del Servicio Mundial de Monitoreo de Glaciares del Departamento de Geografía de la Universidad de Zúrich. Nussbaumer ha investigado y compilado extensivamente material relativo a la reconstrucción de fluctuaciones de los glaciares utilizando documentos históricos. De esta manera, el material histórico será utilizado para establecer un diálogo posible entre la obra de Kopelman y la tradición de los pintores viajeros alrededor del mundo y en este caso específico, en la Argentina.

La morfología del paisaje determina sus formas (detalle), 2011 - Acuarela sobre papel - 24 x 30 cm

PR 10 - Ivo Kamm

F E L IC I A NO C E N T U R IÓN

En la obra de Feliciano Centurión (San Ignacio, Paraguay, 1962 - Buenos Aires, 1996) conviven una mirada sobre el entorno natural de Paraguay, problemas culturales relacionados con la identidad y un interés por lo maravilloso y lo onírico que se descubren desde una sensibilidad plástica radicalmente inocente. Esta convivencia inusual señala su trabajo como uno de los más peculiares de los años 90 en la Argentina, donde se radicó desde 1974, sin nunca dejar de incorporar en su obra elementos de la cultura de su país, lo que singulariza su trabajo y lo muestra como el vínculo posible entre las poéticas intimistas de comienzos de los 90 en Buenos Aires y la búsqueda de tradiciones artesanales características del arte latinoamericano.

En estas piezas predomina la superposición del lenguaje artesanal de la pintura con los motivos industriales que provee el soporte frazada. El estampado señala la impronta de la sensibilidad, mientras que el soporte, frazadas generalmente de dos plazas, hacen notoria la temática de la intimidad y la vida afectiva, temas que ganarán espacio en su trabajo y mostrarán su apertura a temáticas queer y explícitamente gays.

El acercamiento simultáneo al texto, a la problemática de su enfermedad y a las técnicas del bordado pone a su obra en un espacio común entre las poéticas del neoconceptualismo intimista de los 90 y otras tradiciones latinoamericanas de ese momento, vinculadas con el rol de los medios artesanales como motores de la identidad sexual o cultural queer. El diálogo que sus trabajos pueden establecer hoy en día con estas corrientes marca la complejidad de su obra y define a Centurión como uno de los artistas más inspiradores en la escena argentina de los últimos veinte años.

Sin título (margaritas), 1994 - Acrílico sobre frazada e inclusión de crochet - 250 x 200 cm

H E R NÁ N M A R I NA

PR 10 - Ivo Kamm

Hernán Marina (Buenos Aires, Argentina, 1967) es un artista formado en sociología y dedicado por completo a la investigación artística tras un largo período de actividad laboral vinculado a agencias y consultorías de investigación de mercado, opinión pública y organización empresarial. Entendiendo que el arte y la vida son una sucesión de acontecimientos cuya importancia depende del modo en que nos afectan, la obra de este artista se podría considerar como la radiografía de los episodios que han venido moldeando su pensamiento y la razón de su aproximación al hecho artístico, en primer lugar, desde perspectivas analíticas y, posteriormente, desde un registro de carácter más personal.

La serie alemana, que va a ser presentada por primera vez sobre chapas de cobre, es una combinación de distintos elementos reunidos en un proyecto que ha ido asumiendo distintos formatos (libro, instalación con proyecciones y dibujos, animación, obras en neón, dibujos, grabados, impresiones) y condensa varios de los ejes presentes en la obra de este artista: violencia, autoridad, representación, el uso de códigos de la comunicación. En este sentido, la serie en sí no es ni un manual de máximas espirituales, ni un registro de posturas corporales vinculadas a una práctica específica gay, ni un ensayo visual sobre una cierta tipografía. Sin embargo, la combinación de los distintos elementos es lo que puede convertir en única esta serie que consta de cuatro elementos.

Persigue la incomodidad (chico con tijeras), 2014 - Dibujo sobre cobre - 60 x 90 x 0,2 cm

PR 10 - Ivo Kamm

N ICA NOR A R ÁOZ

En interrogatorios violentos que muchas veces rayan el abuso, Nicanor Aráoz (Buenos Aires, Argentina, 1981) obliga al material a dar todo de sí mismo para asistirlo en su búsqueda a través de los estados intermedios; zonas en las que dolor y sueño, violencia y reposo, vida y muerte se entrelazan de maneras misteriosas hasta volverse indiscernibles. En su universo, la sustancia siniestra de lo hogareño energiza a todo tipo de criaturas que podrían haberse fugado de una exhibición de rarezas y que ahora deambulan por las salas de exhibición en busca de amor y redención.

El carácter artificioso y barroco de sus esculturas se fue decantando hasta arribar al dominio de las formas básicas y al enigma detrás de ellas. Si antes el denso trabajo manual era el método por defecto que el artista elegía para sostener sus construcciones, ahora combina unos pocos elementos del orden más casero para conseguir efectos que, en su sobria extrañeza, son sumamente sugerentes. En estas nuevas figuras, el sistema de referencias ya no es tan claro y todos aquellos ingredientes que remitían a la infancia y la adolescencia ahora se confunden en imaginarios más cercanos a la pulsión sexual juvenil masculina. En este sentido, las piezas seleccionadas remiten a una perversa relación entre sexualidad y dolor y pornografía e inocencia queer.

Boceto de la obra Las cosas simplemente salieron mal muchas veces, 2014 - Calcos en yeso, piedras y rosas secas - 120 x 40 x 50 cm

PR 11 - Micky Schubert

S U E TOM P K I N S

Durante los últimos diecisiete años, SueTompkins (Glasgow, Escocia, 1971) ha desarrollado una práctica que abarca la escritura, la música, la performance hablada y la instalación, sublimando los aspectos de estos diferentes modos de expresión a su propio idioma. En la base de todas sus obras destaca el escrito o la palabra hablada. Recientemente ha comenzado a traducir sus escritos en nuevos efectos visuales: (auto)ironía, pinturas totalmente expresivas que contienen mensajes cortos ingeniosos escritos que se hacen eco de sus actuaciones convincentes. Para U-TURN además de las piezas que serán expuestas en el stand, se contará con una performance en vivo de la artista, que se realizará el día de apertura de arteBA, en un lugar indicado ese día específicamente.

Thor, 2013 - Acrílico sobre tela - 40,5 x 30,5 x 4 cm

M A R I E TA C H I RU L E SC U

PR 11 - Micky Schubert

Las obras de Marieta Chirulescu (Sibiu, Rumanía, 1977) son constantes experimentos con el formato y el contenido de su medio principal –el lienzo pintado– así como el uso de técnicas mecánicas y digitales de la reproducción para interrumpir, cuestionar y especular sobre su contenido visual. A pesar de que vienen de un mundo de abstracciones virtuales, estas imágenes cautivan a través de los detalles agudos de lo concreto.

La relación que se establece entre el lenguaje de la pintura y de la fotografía es un paso más hacia una nueva sintaxis –o el modo en el que un nuevo lenguaje se articula–, haciendo avanzar las piezas de Chirulescu en el transcurso de una disciplina que no se desgasta sino que se regenera a partir de sí misma.

Sin título, 2013 - Inkjet y gouache sobre lienzo - 70 x 50 cm

PR 12 - Maisterravalbuena

N É S TOR SA N M IG U E L DI E S T

Néstor Sanmiguel Diest (Zaragoza, España, 1949) inicia, en la década del 90, una intensa trayectoria individual a la que vez es miembro fundador del colectivo A UaCrag (1985-1996), que reivindica la práctica pictórica como actividad cercana a una suerte de restauración sentimental –título de sus primeras series de trabajos–. Su producción se sustenta en el desarrollo de complejas tramas visuales y narrativas encriptadas, dentro de un ámbito de rigor pictórico inusitado y no exento de altas dosis de ironía.

Un trabajo procesual que se materializa en obras realizadas a partir de minuciosos trazados geométricos, y en todas las posibles combinaciones creadas a partir de módulos que se repiten de manera sistemática sobre las superficies de las telas, el papel y en el propio espacio expositivo. La importancia del color es también uno de los elementos principales en torno a los cuales se organizan los cuadros, con tonos que van desde lo monocromo hasta el empleo de tintas que se acercan a lo fosforescente.

Sobre la memoria, 2009 - Acrílico, tela, tintas y papel - 162 x 130 x 5 cm

M A R I A LOB ODA

PR 12 - Maisterravalbuena

A partir de una concepción de creación artística como intervención crítica en el espacio y del uso de herramientas teóricas y metodológicas diversas, Maria Loboda (Cracovia, Polonia, 1979) explora el poder de atracción que ejerce el fetiche y el influjo de lo irracional, evidenciando lo difuminado de sus límites.

En el proyecto Las fieras practica una suerte de arqueología contemporánea que parte de la recontextualización de objetos en los que coexisten diversos estratos de significados, de modo que lo que se muestra, a pesar de estar inscrito en un espacio de seguridad, el museo, posee una dimensión potencialmente amenazadora.

Asumiendo la máxima freudiana de que “el yo no es el amo siquiera de su propia casa”, Loboda concibe la cultura y la civilización como entes precarios que no nacen de la tierra sino de la necesidad de protegerse de ella, del temor primigenio que siente el ser humano ante un entorno hostil que intenta domesticar. Su fascinación por el simbolismo de la Antigüedad, por la capacidad que tiene el mito de mostrar la compleja relación entre naturaleza y cultura, le lleva a introducir en un espacio paradigmático de la arquitectura ilustrada, unos crustáceos como los que encontramos en los obeliscos egipcios En U-TURN se presentará parte de este proyecto, una serie de fotografías titulada La fiera, donde las piedras del Templo de Debod, en Madrid, y un ajuar de plata aparecen violentados por el contacto de unas manos enfundadas en guantes negros. Un gesto transgresor para la mirada revela la oblicua relación entre la violencia y lo sagrado y una huida de lo mágico por lo amenazante, fantasía de un oscuro crimen original.

La fiera, 2013 - Fotografía, impresión digital sobre papel de algodón Hahnemuhle - 55 x 38 cm

PR 13 - Maccarone

DAV I D L A M E L AS

David Lamelas (Buenos Aires, Argentina, 1946) integró algunas de las tendencias artísticas que protagonizaron el desarrollo del arte argentino de los años 60. Reconocido principalmente como un exponente del arte conceptual, estuvo comprometido también con el happening y el arte de los medios de comunicación.

A los 21 años, emigró a Inglaterra y luego a Los Ángeles, en la década de 1970. Su fascinación por los viajes y su investigación implacable en el proceso de creación de medios alternativos de comunicación han guiado su práctica desde la transformación del pabellón argentino en la Bienal de Venecia en 1968. Sus obras funcionan como documentos de las múltiples vidas que el artista ha vivido como extranjero: revelan rastros de las aceras, los amigos, las galerías y los gustos de cada una de estas vidas.

Desde sus inicios, la obra de Lamelas estudia el fenómeno de la percepción, el tiempo y el espacio. A lo largo de su carrera irá explorando distintos medios de representación y lenguajes, pero siempre con esta inquietud. A fines de los 60, incorpora lo tecnológico como un factor fundamental en la construcción de lo real.

Como escultor, sus primeros trabajos señalan un diálogo con el minimal art norteamericano y las estructuras primarias, tal como la Corner Piece, de 1965, que se muestra en U-TURN junto a otras relativas a estas cuestiones sobre arquitectura y percepción.

Corner Piece, 1966-2013 - Panel de yeso, clavos de metal y pintura - 365.76 x 91.44 x 91.44 cm

PAU L L E E

PR 13 - Maccarone

Paul Lee (Londres, Inglaterra, 1974. Vive y trabaja en Nueva York). Asistió a la Central St. Martin’s School of Arts y a la escuela de arte de Winchester, obteniendo su licenciatura en Bellas Artes, en 1997. Es un artista multidisciplinario conocido por sus obras escultóricas que emplean materiales de uso cotidiano, tales como toallas, bombillas y panderetas. La condición de objeto de estos materiales es oscurecida a través del proceso de corte, teñido y manipulación a mano, transformando elementos simples en significantes y signos. Lo funcional niega su facilidad de uso, haciéndose eco de esta manera de la ausencia del cuerpo evocado por la piel de una pandereta o por las alusiones de los paños.

Partiendo de la tradición del readymade y la escultura minimalista, las obras de Lee son infinitamente legibles, sin el estorbo de los marcos históricos. Aunque complejas en su examen de fragilidad vs. estructura, sugerencia vs. ausencia, el erotismo y la sexualidad discretas, las obras también son simples, elegantes y poéticas –llenas de luz y espacio-.

Para esta ocasión sus piezas más arquitectónicas de escaleras y otras composiciones serán puestas en relación a piezas históricas del argentino David Lamelas relacionando la escultura con elementos arquitectónicos.

Edit (yellow, purple), 2013 - Paños, tinta pigmentada, hilo de algodón y varillas de acero 228.6 x 228.6 x 30.5 cm

PR 14 - ProjecteSD

M AT T M U L L ICA N

Durante las últimas tres décadas, Matt Mullican (Santa Mónica, Estados Unidos, 1951) ha producido un cuerpo de obra que investiga los procesos de la percepción, la forma en que traducimos el mundo que nos rodea, y cómo la realidad se construye a través de nuestra imaginación. Es el extenso y rico mundo de la experiencia y de la información visual que Mullican aspira a estructurar y categorizar de forma enciclopédica en un vasto arsenal de imágenes y signos. El trabajo de Mullican se ha insertado en una línea semiótica, creando complejos sistemas para conocer las nociones de arqueología, historia y representación y para formular nuevos modos de entender la construcción de los signos y del lenguaje. Por la manera en que reformula la idea de archivo o colección o la forma de inscribir una nueva forma en un estandarte o bandera, Mullican es un artista que, desde la pintura, el dibujo y la instalación, ha recorrido un largo camino para convertirse en una pieza fundamental para entender los circuitos, sistemas y signos de nuestra contemporaneidad. Varios dibujos y algunos banners podrán verse en relación a la sintaxis y textos de Dora García y a la materialidad de los trabajos de Leblon.

Sin título (City Charts), 1990 - Técnica mixta sobre papel - 303 x 141 cm

D OR A G A RC Í A

PR 14 - ProjecteSD

La obra conceptual de Dora García (Valladolid, España, 1965), desarrollada en varios medios, textos, fotografías, films, performances e instalaciones, implica a menudo la participación de la audiencia y, en muchos casos, la colaboración de performers. Partiendo de su interés por cuestionar la frontera entre la realidad y la representación, la improvisación y la puesta en escena entre el artista y su obra, Dora García, de forma parecida a como actuaría un director de cine, diseña historias, escenarios y situaciones que le permiten experimentar e interferir en el supuesto resultado esperado. La ficción se utiliza como un medio para crear modelos alternativos de realidad, para cuestionar el papel del arte y el sitio que nosotros ocupamos en él. Un aspecto esencial en su obra es la utilización del lenguaje por eso para la presentación en U-TURN se presentarán diversas obras como sus famosas Frases de oro o sus piezas Leídos con dedos de oro, junto a nuevos proyectos como los realizados a partir de una mirada atenta a la obra de literatos o filósofos como James Joyce o Jacques Lacan.

Jacques Lacan wallpaper. 50 fragments, 2013 - Flexografía sobre papel - 65 x 54 cm

PR 14 - ProjecteSD

G U I L L AU M E L E BLON

A través de la escultura y la instalación, Guillaume Leblon (Lille, Francia, 1971) explora un cierto espacio intermedio entre el objeto y el entorno natural y/o doméstico, estableciendo una relación entre ambos. Con gran sensibilidad formal, Leblon estructura un diálogo entre la arquitectura y los materiales que utiliza, cuyas características táctiles y visuales consigue hacer aflorar, a menudo de forma poética. Las relaciones entre estos materiales y las morfologías adoptadas en su presentación constituyen un interesante acercamiento hacia una posición de la escultura como ductilidad y como emblema de los materiales, ya sean reciclados o nuevas reformulaciones de materiales que no convergen a veces en el espacio común pero que van adaptándose a los espacios arquitectónicos para recrear una nueva clase de experiencia discursiva y sensorial.

Curved plate with rope, 2010 - Madera de álamo, cuerda y restos orgánicos - 222 x 125 x 1,6 cm

PR 15 - Gavin Brown

C H R I S TOP H E R K NOW L E S

Christopher Knowles (Nueva York, Estados Unidos, 1959) es un pintor, poeta y performer. Su trabajo ha sido presentado en numerosas exposiciones e instituciones internacionales, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Tate Modern de Londres, el Museo del Louvre, París y Gavin Brown´s enterprise, Nueva York.

Saltó a la fama en 1976, cuando el director experimental y dramaturgo Robert Wilson utilizó sus poemas en el libreto de la famosa ópera de Phillip Glass Einstein on the Beach, la cual inició una colaboración aún en curso entre las dos figuras.

Knowles, a quien se refieren a menudo como autista, es muy conocido por el tenor hiper conceptual, matemático y metódico de su obra. De hecho, puede vislumbrar la composición completa de cada una de sus piezas incluso antes de comenzarlas.

Para esta ocasión se presentan sus conocidas piezas de los años 70, diversos dibujos de su serie de Typewritting, en las que forma poemas visuales con palabras entremezcladas y dibujos a partir de los gráficos que las propias letras presentan. En definitiva, poemas visuales que se relacionan con sus piezas de audio, sus poemas escritos y sus vivencias.

Sin título (Space Needle), 1980 - Texto mecanográfico sobre papel - 138.4 x 21.6 cm

R I R K R I T T I R AVA N I JA

PR 15 - Gavin Brown

Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires, Argentina, 1961) es un artista conceptual tailandés. Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente en muchas instituciones notables, incluyendo el Museo de Arte Moderno y el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. Con una práctica que combina la fabricación tradicional de objetos, performances públicas y privadas, la enseñanza, y otras formas de servicio público y acción social, el enfoque interdisciplinario de Tiravanija lo ha marcado como uno de los artistas más influyentes de su generación.

Su trabajo implica con frecuencia las reuniones de grupos de gente, como la instalación de estilo banquete que ha mantenido desde la década de 1990 en la que se sirve su cocina nativa de Tailandia. En estas y otras obras representa y sondea realidades actuales sociales y políticas –un sello distintivo para un artista internacional cuyo enfoque a menudo descansa sobre el estado cambiante de la identidad nacional en el mundo interconectado de hoy–. En U-TURN, Tiravanija realizará un proyecto site-specific, en el cual las palabras de sus proclamas políticas en torno al arte o en relación a situaciones políticas y sociales en el ámbito de la globalización quedarán patentes como compromiso del artista con su tiempo y su forma de actuación.

Sin título (the days of this society is numbered / September 21, 2009), 2009 - Acrílico y diario sobre lienzo - 223.8 x 183.2 cm

PR 1

Luisa Strina Luisa Strina, Marli Matsumoto y María Quiroga Rua Padre João Manuel, 755 - São Paulo www.galerialuisastrina.com.br

PR 8

Johann König Johann König y Johanna Chromik Dessauer Straße 6-7, Berlin www.johannkoenig.de

PR 2

Vermelho Eduardo Brandão y Eliana Finkelstein Rua Minas Gerais, 350, São Paulo www.galeriavermelho.com.br

PR 9

Labor Pamela Echeverría Francisco Ramírez 5, México D.F. www.labor.org.mx

PR 3

Simon Preston Simon Preston y Paula Naughton 301 Broome St., New York www.simonprestongallery.com

PR 4

mor.charpentier Alex Mor y Philippe Charpentier 8, rue Saint-Claude, Paris www.mor-charpentier.com

PR 10 Ivo Kamm Ivo Kamm Bellerivestrasse 10, Zurich Mario Bravo 1136, Buenos Aires www.ivokamm.com

PR 5

Casas Riegner Catalina Casas y Alberto Casas Calle 70A # 7-41, Bogotá www.casasriegner.com

PR 6

Document Art Gallery / Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo Ricardo Ocampo y Mauro Álvarez Castillo 243, Buenos Aires www.document-art.com

PR 7

PR 11 Micky Schubert Micky Schubert Bartningallee 2-4, Berlin www.mickyschubert.de PR 12 Maisterravalbuena Pedro Maisterra y Belén Valbuena Doctor Fourquet 6, Madrid www.maisterravalbuena.com PR 13 Maccarone Michele Maccarone y Ellen Langan 630 Greenwich Street, New York www.maccarone.net

Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo Ignacio Liprandi Av. de Mayo 1480, 3ro. izquierda, Buenos Aires www.ignacioliprandi.com

PR 14 ProjecteSD Silvia Dauder Passatge Mercader 8, baixos 1, Barcelona www.projectesd.com

Henrique Faria Fine Art Eugenia Sucre 35 East 67th St. 4th Floor, New York www.henriquefaria.com

PR 15 Gavin Brown Gavin Brown y Lucy Chadwick 620 Greenwich Street, New York www.gavinbrown.biz

Este catálogo fue producido por BARZÓN y arteBA para Mercedes-Benz.

Edición general de Tomás Powell, diseño gráfico de Paula Galli, coordinación editorial de Amalia Curuchet y asistencia de Daniela Iramain.