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MERCREDI 18 NOVEMBRE 2026 - 17H 7 ROND-POINT DES CHAMPS-ÉLYSÉES MARCEL DASSAULT 75008 PARIS

Lot n° 16

MERCREDI 18 NOVEMBRE 2026 - 17H 7 ROND-POINT DES CHAMPS-ÉLYSÉES MARCEL DASSAULT 75008 PARIS

Isaure de Viel Castel Vice-présidente Arts des XXe & XXIe siècles

Bruno Jaubert Directeur Impressionniste & Moderne

Hugues Sébilleau Directeur Post-War & Contemporain

Arnaud Oliveux Directeur Urban Art Commissaire-priseur

Karine Castagna Directrice Estampes & Multiples

Francis Briest Commissaire-priseur Co-fondateur

Florent Wanecq Spécialiste Impressionniste & Moderne Commissaire-priseur

Sophie Cariguel Spécialiste Post-War & Contemporain

Margot Denis-Lutard Spécialiste Art Contemporain Africain

Florent Sinnah Spécialiste junior Urban Art et Estampes & Multiples

Vanessa Favre Chef de projet Expositions culturelles et Ventes Privées

Beatrice Fantuzzi Catalogueur Post-War & Contemporain

Elodie Landais Administratrice catalogueur Impressionniste & Moderne

Marine Oriente Administratrice Post-War & Contemporain

Alexandra Michel Administratrice junior Impressionniste & Moderne

Alexandre Dalle Administrateur junior Bandes dessinées, Urban Art, Estampes & Multiples

Jessica Cavalero Recherche et certificat Art Moderne & Contemporain

Louise Eber Recherche et certificat Art Moderne & Contemporain

Martin Guesnet International senior advisor

Miriam Krohne Directrice Allemagne

Vinciane de Traux Directrice associée Belgique

Emilie Volka Directrice Italie

Olivier Berman Directeur Maroc

Olga de Marzio Directrice Monaco

Nicolas Beurret Directeur associé Artcurial Beurret Bailly Widmer, Suisse

Emmanuel Bailly Directeur associé Artcurial Beurret Bailly Widmer, Suisse

Markus Schöb Directeur associé Artcurial Beurret Bailly Widmer, Suisse

Nadja Scribante Amstutz Directrice Suisse romande Artcurial Beurret Bailly Widmer, Suisse

VENTE N°6572

EXPOSITION PUBLIQUE Téléphone pendant l’exposition Tél. : +33 (0)1 42 99 16 54 Samedi 14 novembre 11h-18h Dimanche 15 novembre 14h-18h Lundi 16 novembre 11h-18h Mardi 17 novembre 11h-18h Mercredi 18 novembre Sur rendez-vous

Couverture : Lot n° 37 – JR Lot n° 57 – Shepard FAIREY (OBEY GIANT)

VENTE AUX ENCHÈRES Mercredi 18 novembre 2026 – 17h Commissaire-priseur Arnaud Oliveux

Directeur - Spécialiste Arnaud Oliveux Tél. : +33 (0)1 42 99 16 28 aoliveux@artcurial.com

Catalogue en ligne www.artcurial.com Comptabilité acheteurs Tél. : +33 (0)1 42 99 20 71 salesaccount@artcurial.com Comptabilité vendeurs Tél. : +33 (0)1 42 99 17 00 salesaccount@artcurial.com

Spécialiste junior Florent Sinnah Tél. : +33 (0)1 42 99 16 54 fsinnah@artcurial.com

Transport et douane Daria Adriashenko Tél. : +33 (0)1 42 99 16 57 dadriashenko@artcurial.com

Administrateur junior Alexandre Dalle Tél. : +33 (0)1 42 99 20 19 adalle@artcurial.com

Ordres d’achat, enchères par téléphone Tél. : +33 (0)1 42 99 20 51 bids@artcurial.com

Recherche et authentification Jessica Cavalero Tél. : +33 (0)1 42 99 20 08 jcavalero@artcurial.com Louise Eber Tél. : +33 (0)1 42 99 20 48 leber@artcurial.com

Photographe Nohan Ferreira

Assistez en direct aux ventes aux enchères d’Artcurial et enchérissez comme si vous y étiez, c’est ce que vous offre le service Artcurial Live Bid.

Graphiste Rose de La Chapelle

Pour s’inscrire: www.artcurial.com Vous avez également la possibilité d’enchérir en direct pendant la vente via les plateformes Drouot Live et Invaluable.

Lot n° 41

A-ONE (Anthony Clark) - 48

Banksy - 62 Bom.K - 20 Bordalo II – 68,69,70,71,72

Daze dit Chris Ellis – 44, 52 Dondi White – 45, 47 Dran – 16, 17, 18

Epsylon Point – 9 eL Seed – 40

Fairey Shepard (Obey Giant) – 56, 57, 58, 59, 60 Futura 2000 – 46, 51

Harrington Conor – 64 Horfee Antwan – 27 Hush – 65

Inti Castro - 67 Invader – 28, 29, 30, 31, 32, 33

Jonone – 41, 42, 43 JR – 35,36,37,38

Maye – 21 Miss.Tic – 10, 11, 12, 12, 14 Mode 2 - 39

Noir Thierry - 15

Os Gemeos - 66

Pejac – 19 Peterson Cleon - 61 Pignon-Ernest Ernest – 1, 6

Rammellzee – 50, 53 Rero – 23 Roa – 73, 74, 75

Saype – 25 Speedy Graphito – 3, 4, 5 Swoon - 55

Toxic – 49

Vhils (Alexandre Farto) – 54 VLP – 7

Walker Nick – 63 Kriki - 8

L’atlas – 24, 26 Ludo - 22

Zevs – 34 Zlotykamien Gérard – 2

Lot n° 50

ICONOCLASTS, 20 ANS DE VENTES D’ART URBAIN.

ICONOCLASTS, 20 YEARS OF URBAN ART SALES.

Les artistes du graffiti, du post-graffiti et du street art, réunis sous la bannière de l’urban art, sont les iconoclastes d’aujourd’hui. Par leur démarche artistique, ils interpellent et bousculent les conventions établies comme les idées reçues. Ils invitent à la réflexion sur des enjeux politiques, sociaux ou sociétaux, ou offrent parfois au regard une simple échappée à travers l’œuvre.

Graffiti, post-graffiti and street artists, gathered under the banner of urban art, are the iconoclasts of today. Through their artistic practices, they challenge and disrupt established conventions and preconceived ideas. They invite us to reflect on political, social and societal issues, or sometimes simply offer the viewer an escape through their work.

Their interventions in urban spaces – on walls, in the streets and across subway trains – make them true witnesses to society, its transformations and its ongoing questions. For the past 20 years, Artcurial has championed this artistic scene through auctions conceived as landmark events in the art market, achieving numerous record-breaking results over Cette vente veut porter un regard rétrospectif et subjectif sur the years. ces 20 années de projets, de partages, de découvertes et de ren- This sale offers a subjective retrospective of two decades of projects, shared experiences, discoveries, and artistic encounters. contres artistiques. Leurs interventions dans l’espace urbain, sur les murs, dans la rue, sur les rames de métro, en font de véritables témoins de la société, de ses mutations et de ses interrogations. Depuis 20 ans, Artcurial défend cette scène à travers des ventes qui ont été envisagées comme des événements sur le marché des ventes aux enchères et ont enregistré de nombreux records au fil des années.

« La vie, ce n’est pas d’attendre que les orages passent, c’est d’apprendre à danser sous la pluie. » — Auteur anonyme

Paris est aujourd’hui une des places importantes pour la reconnaissance du street art ce qu’on appelle l’urban art. Si les cultures graffiti sont arrivées seulement au milieu des années 80, Paris a connu déjà une expansion d'expressions urbaines spécifiques sur les murs de la ville. À travers l’expression des Éphémères de Zlotykamien, les pochoirs de Blek le Rat ou Miss. Tic, un vent de liberté artistique s’est propagé dès les années 60 puis à la fin des années 70, héritières du regard porté sur les actions de l’Atelier Populaire des Beaux-Arts de Paris en 1968. Peindre dans la rue, pour le plus grand nombre offrait un nouveau terrain de jeu à des artistes. Ces expressions ont ouvert la voie à l’essor que l’on connaît aujourd’hui, presque cinquante ans plus tard. Visuel : Miss.Tic, c’est la vie, çà va passer, rue de Domrémy, Paris 13, 2006

L’institution publique reconnaît aujourd’hui cette place avec l’acquisition récente par le Centre Pompidou d’œuvres de Zlotykamien, Miss.Tic, VLP, Lek & Sowat, Epsylon Point ou encore Shuck One.

Paris is now one of the leading cities in the recognition of street art, also known as urban art. Although graffiti culture only emerged in the mid-1980s, Paris had already witnessed the development of its own distinctive forms of urban expression on the city’s walls. Through Zlotykamien’s Éphémères, the stencils of Blek le Rat and Miss.Tic, a wave of artistic freedom began to spread in the 1960s and continued into the late 1970s. These movements were influenced by the legacy of the actions carried out by the Atelier Populaire at the École des Beaux-Arts in Paris during the events of May 1968. Painting in the streets, making art accessible to the widest possible audience, offered artists an entirely new creative playground. These early forms of expression paved the way for the explosion of street art as we know it today, almost fifty years later. Public institutions now acknowledge this position, as evidenced by the recent acquisition by the Centre Pompidou of works by Zlotykamien, Miss.Tic, VLP, Lek & Sowat, Epsylon Point and Shuck One.

Ernest PIGNON-ERNEST (Français - Né en 1942)

Sans titre (série des Extases - Angèle de Foligno) – 2004 Pierre noire sur papier Signé, daté et titré 33 × 49 cm Black chalk drawing on paper; signed, dated and titled 12.99 × 19.29 in. 3 000 - 4 000 €

Gérard ZLOTYKAMIEN (Français - Né en 1940)

Éphémère – 1985 Peinture aérosol et acrylique sur sac postal Signé et daté au dos 110 × 65 cm Provenance : Galerie Charley Chevalier, Paris Collection particulière, Paris Spray paint and acrylic on a postbag; signed and dated on the reverse 43.30 × 25.59 in. 5 000 - 7 000 €

ICONOCLASTS - 18 NOVEMBRE 2026 - 17H. PARIS

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SPEEDY GRAPHITO

(Français - Né en 1961)

Les Médusés, Étude pour costumes de la pièce de S.Tanugi « le radeau de la méduse » – 1987 Technique mixte sur papier Signé, daté et titré 49 × 64 cm Provenance : Galerie Polaris, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Mixed media on paper; signed, dated and titled 19.29 × 25.19 in. 1 500 - 2 500 €

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SPEEDY GRAPHITO

(Français - Né en 1961)

La Duse, Étude pour costumes de la pièce de S.Tanugi « le radeau de la méduse » – 1987 Technique mixte sur papier Signé, daté et titré 49 × 64 cm Provenance : Galerie Polaris, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Mixed media on paper; signed, dated and titled 19.29 × 25.19 in

1 500 - 2 500 €

SPEEDY GRAPHITO

(Français - Né en 1961)

Royaliste (II), Étude pour costumes de la pièce de S.Tanugi « le radeau de la méduse » – 1987 Technique mixte sur papier Signé, daté et titré 49 × 64 cm Provenance : Galerie Polaris, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Mixed media on paper; signed, dated and titled 19.29 × 25.19 in. 1 500 - 2 500 €

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ICONOCLASTS - 18 NOVEMBRE 2026 - 17H. PARIS

Ernest PIGNON-ERNEST (Français - Né en 1942)

Soweto II - Étude Johannesburg Warwick – 2002 Tirage photographique en couleurs contrecollé sur aluminium à 6 exemplaires 74 × 99 cm 4 encres et pierres noires sur papier dans un encadrement Signés, datés et titrés 40 × 107 cm Provenance : Galerie Lelong, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Color photographic print mounted on aluminum, Édition of 6 29.13 × 38.98 in. 4 ink and black chalk drawings on paper, framed; signed, dated and titled 15.75 × 42.12 in. 8 000 - 12 000 €

« J’ai réalisé une sérigraphie nourrie de trois idées essentielles : le rôle fondamental des femmes, la solidarité avec les malades et l’urgence d’une mobilisation anti-sida. » — Ernest PIGNON-ERNEST

Visuel : Mbuyisa Makhubu portant Hector Pieterson à Soweto, 16 juin 1976

Au début des années 2002 lors de sa visite en Afrique du Sud, Ernest Pignon-Ernest est touché par le problème du sida et fait de nombreuses visites d’hôpitaux et de centres de soin. Il colle des sérigraphies dans les rues de Durban avec l’association Warwick Junction Project et à Soweto avec l’association Klipton Youth. Les sérigraphies présentent la même scène dessinée au fusain et sérigraphiée sur du papier journal vierge récupéré. L’image, une Pietà s’inscrit dans l’histoire de l’art religieux européen et dans l’histoire politique de l’apartheid pour donner à voir une crise sanitaire contemporaine : la population sud-africaine décimée par le VIH / Sida. Après la révolte de Soweto le 16 juin 1976 (une manifestation d’écoliers et de lycéens noirs réprimée dans le sang par la police blanche du régime d’apartheid) une photo d’Hector Pieterson, 13 ans, que l’on voit sans vie dans les bras d’un homme, fait le tour du monde. Ernest reprend cette scène en la transformant, le mourant a été fauché par le sida.

In early 2002, during his visit to South Africa, Ernest Pignon-Ernest was deeply moved by the AIDS crisis and made numerous visits to hospitals and healthcare centres. He pasted screen-printed works in the streets of Durban in collaboration with the Warwick Junction Project association, and in Soweto with the Kliptown Youth association. The prints depict the same scene, originally drawn in charcoal and screen-printed onto reclaimed, blank newspaper sheets. The image, a Pietà, draws on both the history of European religious art and the political history of apartheid to portray a contemporary health crisis: the devastating impact of HIV/AIDS on the South African population. Following the Soweto uprising on 16 June 1976 – a demonstration by Black schoolchildren and teenagers that was brutally suppressed by the white police force of the apartheid regime – a photograph of 13-year-old Hector Pieterson, whose lifeless body is seen being carried in the arms of a man, made headlines around the world. Ernest PignonErnest revisits this iconic scene, transforming its meaning: the dying figure has now been struck down by AIDS.

ICONOCLASTS - 18 NOVEMBRE 2026 - 17H. PARIS

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VLP

(Francais - Formé en 1983)

Straycats Blues – 1985 Laque sur toile libre Signée and titrée ; contresignée, datée et titrée au dos « mai 85 » 197,5 × 196,5 cm

« Exprimer l’époque actuelle par la violence, le doute, le cri, la représentation humaine. Brasser culture-rock et histoire de l’art. » — VLP

Lacquer on unstretched canvas; signed and titled ; countersigned, dated and titled on the reverse 77.75 × 77.36 in. 10 000 - 15 000 €

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KRIKI

(Français - Né en 1965)

Derrière la porte des sourires – 1986 Acrylique et peinture aérosol sur toile Signée de l’initiale K et datée ; contresignée, datée et titrée au dos 119 × 119 cm

« Je suis à la peinture ce que Vivienne Westwood est à la mode Punk. » — KRIKI

Provenance : Collection particulière, Paris Acrylic and spray paint on canvas; signed with initial “K” and dated; countersigned, dated and titled on the reverse 46.85 × 46.85 in 7 000 - 10 000 €

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EPSYLON POINT

(Français - Né en 1950)

I have a dream – 2020 Pochoir et peinture aérosol sur toile Signée et datée au dos, titrée au dos sur le châssis 162 × 130 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Spray paint stencil on canvas; signed and dated on the reverse, titled on the reverse on the stretcher 63.77 × 51.18 in. 8 000 - 12 000 €

Epsylon Point est un peintre précurseur de l’art urbain français. II est également reconnu comme le pionnier du pochoir en couleur à partir de 1983. Sorti des Beaux-arts de Dijon en 1979, il est d’abord photographe et performeur. C’est à la fin des années 1970 qu’il découvre sa vocation pour la bombe de peinture lors d’une performance : « J’ai eu l’impulsion de recouvrir de peinture noire un écran sur lequel je projetais des images. J’ai pris une bombe de peinture et là, ça a été comme un flash ». Alors que ses premiers pochoirs en couleurs datent de 1983, entre 1979 et 1985 il fait du graffiti. C’est seulement à partir de 1983 qu’il développe sa technique pour le pochoir aux côtés de son amie LaSigne lorsqu’il prend possession du quartier de Balard dans le 15e arrondissement de Paris. En 1985, il participe comme pionnier du street art français au premier rassemblement du mouvement graffiti et d’art urbain organisé par les VLP en Seine-Saint-Denis dans la ville de Bondy avec la présence de VLP, Jef Aérosol, Miss. Tic, Blek le rat, Speedy Graphito, SP38... Après le succès des années 1980, il décide de s’installer à Turin au début des années 1990 où passent de nombreux artistes qu’il forme aux techniques du pochoir. C’est seulement à la fin des années 1990 qu’Epsylon Point revient en France. Douche froide, la loi s’est durcie envers les artistes urbains. Alors que certains de ses pairs sont en procès, il occupe un atelier qui lui permet de produire sans contraintes, de stocker ses toiles et de préparer ses pochoirs. Anartiste dans l’âme, figure du politiquement incorrect, Epsylon Point s’intéresse à la condition humaine, aux conflits mondiaux, aux questions sociétales ainsi qu’à l’érotisme et la musique. Il traite à travers sa démarche les grandes tragédies humaines, la perversité des systèmes capitalistes comme il dénonce les dictatures. À l’évidence, il développe sur toiles les sujets qu’il a réalisé dans la rue avec la même conviction. Sa technique est basée sur des fonds abstraits peints à main levée sur lesquels il pose des pochoirs souvent inspirés de photos d’actualités ou de slogans politiques.

Epsylon Point is a pioneering French urban artist. He is also recognised as a pioneer of colour stencil art, which he began developing in 1983. After graduating from the École des BeauxArts in Dijon in 1979, he initially worked as a photographer and performance artist. It was at the end of the 1970s, during a performance, that he discovered his passion for spray painting: “I felt an impulse to cover with black paint a screen onto which I was projecting images. I picked up a spray can, and then it was like a flash of inspiration.” Although his first colour stencils date back to 1983, he was actively involved in graffiti between 1979 and 1985. It was only from 1983 onwards that he began developing his stencil technique, alongside his friend LaSigne, when he took over the Balard neighbourhood in Paris’s 15th arrondissement. In 1985, as one of the pioneers of French street art, he took part in the first gathering dedicated to graffiti and urban art, organised by VLP in Bondy, Seine-Saint-Denis. The event brought together artists including VLP, Jef Aérosol, Miss.Tic, Blek le Rat, Speedy Graphito and SP38. Following the success of the 1980s, he decided to settle in Turin in the early 1990s, where numerous artists came to learn the techniques of stencil art under his guidance. Epsylon Point did not return to France until the late 1990s. It was a rude awakening: legislation targeting urban artists had become increasingly strict. While some of his fellow artists were facing legal proceedings, he established himself in a studio that allowed him to work without constraints, store his canvases and prepare his stencils. An anarchist at heart and a figure of political nonconformity, Epsylon Point explores the human condition, global conflicts, social issues, as well as eroticism and music. Through his artistic practice, he addresses major human tragedies, exposes the perversity of capitalist systems and denounces dictatorships. He clearly develops on canvas the same subjects he had previously explored in the streets, with equal conviction. His technique is based on freehand-painted abstract backgrounds, onto which he applies stencils, often inspired by news photographs or political slogans.

ICONOCLASTS - 18 NOVEMBRE 2026 - 17H. PARIS

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ICONOCLASTS - 18 NOVEMBRE 2026 - 17H. PARIS

« La rue est un endroit de passage dans lequel beaucoup de choses s’expriment. Il n’y a pas que le désir, il y a aussi la violence, la gentillesse, la convivialité… On pourrait prendre tous les mots du dictionnaire. Moi j’ai envie de parler du désir. Après, chacun reçoit mes dessins comme il le veut. » — MISS.TIC

Visuel : Jean-Pierre Abed, Miss.Tic, Fatom Bloom, 1988

Miss.Tic a souvent fait le mur, tatouant ses formules choc comme autant de petites bombes. Dans les années 1980, cette pionnière du street art s’invente un double sexy qui interpelle les passants. Nombre de ses poèmes urbains ont survécu au temps et restent d’actualité. Son pseudo est emprunté à une petite sorcière railleuse du Journal de Mickey : Miss Tick, avec un k. Celle qui taquinait l’Oncle Picsou en cherchant à lui prendre son argent… Dans le monde très masculin du graffiti, cette artiste plasticienne, folle de poésie depuis l’enfance, refuse de jouer les passe-murailles. « J’avais vraiment envie qu’on sache que j’étais une fille » explique-t-elle, et « j’étais très portée sur la spiritualité ». Le double sens de Miss.Tic lui plait. L’artiste enfile ses hautes bottes et travaille la nuit, tatouant au pochoir, sur les murs de Paris, des filles qui lui ressemblent. Au début, elle fait des autoportraits. Par la suite, elle dessinera plutôt des femmes fatales telles qu’elles sont représentées dans la publicité ou les media. Des amazones armées de slogans ou le jeu de mots est roi. Certaines de ses formules sont politiques : Le pouvoir ne protège pas, il se protège, On n’est ni de droite, ni de gauche, on est dans la merde, d’autres plus ironiques comme Port du cerveau obligatoire, Le masculin l’emporte, mais où ? Il faut que jeunesse se passe. De quoi ? Il y a aussi dans ses pochoirs des images et des textes érotiques. « Mes mots font le trottoir », riait-elle. Elle réussira patiemment à maitriser un espace public contrôle par les hommes, ouvrant la voie à nombre de jeunes femmes artistes qui n’hésitent plus à faire le mur, comme elle.

Miss.Tic often broke the rules, spray-painting her striking slogans like little bombs. In the 1980s, this pioneering street artist created a sexy alter ego designed to catch the attention of passers-by. Many of her urban poems have stood the test of time and remain relevant today. Her pseudonym was borrowed from a mischievous little witch in the Journal de Mickey comic book: Miss Tick, spelled with a “k”. The character who teased Uncle Scrooge by constantly trying to get her hands on his money... In the largely male-dominated world of graffiti, this visual artist, who had been passionate about poetry since childhood, refused to go unnoticed or blend into the background. “I really wanted people to know I was a woman,” she explained, adding, “I was also very drawn to spirituality.” She liked the double meaning of the name Miss.Tic. Wearing her knee-high boots, she would work at night, using stencils to paint images of women resembling herself on the walls of Paris. At first, she created self-portraits. Later, she turned instead to depicting femme fatales, as portrayed in advertising and the media: female warriors armed with slogans, where wordplay reigned supreme. Some of her statements were political, such as: “Power does not protect; it protects itself” and “We are neither right-wing nor left-wing; we’re all in deep trouble.” Others were more ironic, such as: “Wearing a brain is compulsory”, “The masculine takes precedence, but over what?” and “Youth must have its day. What day?” Her stencils also featured erotic images and texts. “My words are out on the pavement,” she would joke. Through patience and determination, she succeeded in claiming a public space traditionally controlled by men, paving the way for many young female artists who, like her, are no longer afraid to take to the streets.

MISS.TIC

(Française - 1956-2022)

Tout achever sauf le désir – 1998 Pochoir et peinture aérosol sur arrachage d’affiches marouflées sur toile Signé, daté et titré au dos 73 × 92 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Spray paint stencil mounted on canvas; signed on torn-off posters, dated and titled on the reverse 28.74 × 36.22 in. 5 000 - 7 000 €

MISS.TIC

(Française - 1956-2022)

Soyons des gueux - Miss.Tic présidente – 2002 Pochoir et peinture aérosol sur arrachage d’affiches marouflées sur toile Signé, daté et titré au dos 65 × 92 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Spray paint stencil on torn-off posters mounted on canvas; signed, dated and titled on the reverse 25.59 × 36.22 in 5 000 - 7 000 €

ICONOCLASTS - 18 NOVEMBRE 2026 - 17H. PARIS

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MISS.TIC

(Française - 1956-2022)

J’aime l’inconnu et les inconnus – 2001 Pochoir et peinture aérosol sur arrachage d’affiches marouflées sur toile Signé, daté et titré au dos 38 × 61 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Spray paint stencil on torn-off posters mounted on canvas; signed, dated and titled on the reverse 14.96 × 24.01 in.

2 000 - 3 000 €

MISS.TIC

(Française - 1956-2022)

C’est la vie çà va passer – 2008 Pochoir et peinture aérosol sur arrachage d’affiches marouflées sur toile Signé, daté, titré ; contresigné et dédicacé au dos 73 × 92 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Stencil and spray paint on torn posters mounted on canvas; signed, dated, titled; countersigned and inscribed, on the reverse 28.74 × 36.22 in.

5 000 - 7 000 €

MISS.TIC

(Française - 1956-2022)

Est-il urgent d’attendre ? – 2001 Pochoir, peinture aérosol et acrylique sur papier Signé et titré 49 × 64,5 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Spray paint stencil and acrylic on paper; signed and titled 19.29 × 25.39 in. 1 000 - 1 500 €

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ICONOCLASTS - 18 NOVEMBRE 2026 - 17H. PARIS

Thierry NOIR

(Français - Né en 1958)

With my hair swinging in the wind I walk right ahead to the most direct route – 2022 Acrylique sur toile Signée; contresignée, titrée et datée au dos « 15 june 2022 » 150 × 120 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Acrylic on canvas; signed; countersigned, titled and dated on the reverse 59.05 × 47.24 in. 5 000 - 7 000 €

Thierry Noir est né à Lyon en 1958 et a grandi en France avant de rejoindre l’Allemagne au début des années 1980. Il s’implante à Berlin dès janvier 1982, en pleine Guerre froide. Muni de deux petites valises, il s’installe dans un squat à Mariannenplatz avec un de ses amis, Christophe-Emmanuel Bouchet.

Thierry Noir was born in Lyon in 1958 and grew up in France before moving to Germany in the early 1980s. He moved to Berlin in January 1982, at the height of the Cold War. Equipped with two small suitcases, he settled in a squat at Mariannenplatz with one of his friends, Christophe-Emmanuel Bouchet.

À cette époque, le mur de Berlin est toujours debout, scindant la ville en deux et les milices soviétiques sévissant dès que possible du côté de la RDA. Artiste militant dans l’âme, Thierry Noir s’intéresse rapidement au symbole du mur de Berlin et cherche à apporter sa pierre à l’édifice mais d’une manière qui lui est propre. Il veut justement détruire ce symbole, le démystifier et le ridiculiser. C’est donc avec une volonté de rébellion et une certaine mélancolie face à la société de l’époque qu’il peint en 1982 quelques graffitis sur le mur de 3 mètres de haut : des formes jaunes, rouges et vertes aussi simples que rapides à effectuer. Un des premiers travaux qu’il réalise est une ode à la fable de Jean de la Fontaine, « Le lièvre et la tortue » – œuvre qu’il réalise avec son compère Christophe-Emmanuel Bouchet. En effet, il était formellement interdit de s’approcher du mur et d’autant plus de dessiner quelque chose dessus. Les conditions dans lesquelles il a dû peindre lui ont permis de développer une technique de peinture rapide et efficace – technique qu’il développe luimême dans son essai « Fast Form Manifest ». Cette technique lui est propre et elle consiste à peindre d’un seul trait une forme, donnant des œuvres linéaires et circulaires qui sont relativement simples. Ses débuts au sein de la capitale se sont avérés compliqués à cause de la répression des services de sécurité et la méfiance des habitants qui le soupçonnaient d’être un agent des services secrets américains ou français. Néanmoins, dès la chute du mur en 1989, Thierry Noir gagne une certaine notoriété et on lui attribut même les prémices du street art. En l’espace de 5 années, il a recouvert plus de 6 km du mur de Berlin. Il est, depuis, considéré comme l’une des figures majeures du street art, au même titre que Miss.Tic.

At that time, the Berlin Wall was still standing, splitting the city in two and the Soviet militias were raiding the GDR side whenever possible. A militant artist at heart, Thierry Noir quickly became interested in the symbol of the Berlin Wall and sought to make his contribution to the building, but in his own way. He wants to destroy this symbol, demystify it and ridicule it. It was with a desire for rebellion and a certain melancholy towards the society of the time that he painted some graffiti on the 3-metre high wall in 1982: yellow, red and green shapes that were as simple as they were fast. One of his first works was an ode to Jean de la Fontaine’s fable, “The Hare and the Tortoise” – a work he did with his colleague Christophe-Emmanuel Bouchet. Indeed, it was formally forbidden to approach the wall and even more so to draw anything on it. The conditions under which he had to paint enabled him to develop a fast and efficient painting technique – a technique that he himself develops in his essay “Fast Form Manifest”. This technique is unique to him and consists of painting a form in one stroke, resulting in linear and circular works that are relatively simple. His debut in the capital proved complicated due to the repression of the security services and the distrust of the inhabitants who suspected him of being an agent of the American or French secret services. Nevertheless, as soon as the Wall came down in 1989, Thierry Noir gained a certain notoriety and was even credited with the beginnings of street art. In the space of 5 years, he covered more than 6 km of the Berlin Wall. Since then, he has been considered one of the major figures of street art, in the same way as Miss.Tic.

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DRAN

(Français - Né en 1979)

Sans titre – 2008 Peinture aérosol et acrylique sur toile Signée 70 × 50 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Spray paint and acrylic on canvas; signed 27.55 × 19.68 in. 15 000 - 20 000 €

« Les enfants de mes dessins, ils n’ont pas ma bouille, mais leur façon de jouer, de s’évader en rêvant, c’est moi tout crache. Ces enfants sont seuls, mais avec leur imagination, ils ne le sont plus. Le street art, ça perpétue ce côté polisson. » — DRAN, entretien avec Jean-Daniel Beauvallet, Les Inrocks, 8 mars 2011

Observateur critique et grinçant de la société, DRAN trace sur papier et toiles des visions acerbes et cyniques des rapports humains de la société contemporaine, celle que Guy Debord qualifiait de Société du Spectacle. Il en critique les travers, ses évolutions, ses approches politiques, économiques, religieuses mais aussi les faits divers qui jonchent les pages de l’actualité. Son intervention au cœur de l’exposition Inside au Palais de Tokyo a marqué les esprits. Ses œuvres sont des scénettes véhiculant un message corrosif. Les enfants grimaçants, rêveurs sont menacés par le monde qui les entoure. Entre rêve et cauchemar, entre la douceur et la provocation, entre la violence et l’humour, la société et ses violences s’imposent à eux.

A critical and unforgiving observer of society, DRAN uses paper and canvas to draw acerbic and cynical visions of human relationships in contemporary society, the one that Guy Debord described as a Society of Spectacle. He criticizes its failings, its evolutions, its political economics and religions approaches, and various facts that litter the news pages. His intervention at the heart of the exhibition Inside the Palais de Tokyo made an impression. His works are scenes conveying a corrosive message. The grimacing and dreaming children are threatened by the world around them. Between dream and nightmare, between gentleness and provocation, between violence and humor, society and its violence impose themselves on them.

Ses personnages font face à la dureté et à l’absurdité du monde qui les entoure. L’œil de DRAN examine et analyse la société contemporaine à travers une lentille critique. Des thèmes récurrents comme l’environnement, la consommation, la politique ou la religion sont disséqués dans ses créations.

His characters confront the harshness and absurdity of the world around them. DRAN’s eye examines and analyzes contemporary society through a critical lens. Recurring themes such as the environment, consumerism, politics and religion are dissected in his creations.

Cette œuvre a une histoire intime, elle représente son propriétaire actuel dans l’enfance. Armé d’un appareil photographique et accompagné de sa chienne, il parcourait les rues, les quartiers de Toulouse pour immortaliser les murs, les graffitis de la ville rose, milieu dans lequel DRAN a baigné.

This artwork has a personal story: it represents its current owner as a child. Armed with a camera and accompanied by his dog, he wandered through the streets and neighbourhoods of Toulouse, capturing the walls and graffiti of the Pink City, the environment in which DRAN grew up.

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DRAN

(Français - Né en 1979)

Chronopost – 2018 Acrylique et crayon sur carton fixé sur panneau de contre-plaqué Signé au crayon au dos 52,5 × 71,5 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste lors de l’exposition de l’artiste à Londres en 2018

Exposition : Londres, DRAN, Fitzrovia 16 - Wells Street, 10 décembre au 21 décembre 2018 Acrylic and pencil on cardboard mounted on plywood; signed with pencil on the reverse 20.66 × 28.14 in. 4 000 - 6 000 €

« Je n’ai jamais voulu provoquer pour provoquer, mais je veux parler de la société, avec mon petit regard... On a le droit d’être méchant quand c’est pour alerter. » — DRAN, entretien avec Jean-Daniel Beauvallet, Les Inrocks, 8 mars 2011

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DRAN

(Français - Né en 1979)

Fur – 2011 Acrylique sur toile Signée 60 × 50 cm Provenance : Vente Artcurial, Paris, Street Art, 22 mars 2011, lot 238 Acquis directement lors de cette dernière par l’actuel propriétaire Acrylic on canvas; signed 23.62 × 19.68 in. 12 000 - 15 000 €

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PEJAC

(Espagnol - Né en 1977)

Ahab Edición Oficial – 2020 Deux tirages monochromes réalisés à la main sur photopolymère, sur papier Hahnemühle blanc (350 g/m²), montés sur un panneau en aluminium Dibond de 2 mm d’épaisseur. Finitions réalisées à la main par l’artiste au crayon de couleur (la bouée de sauvetage). Les détails varient d’un exemplaire à l’autre. Signé et numéroté « 8 / 20 » Édition Suben art à 20 exemplaires + 4 PP + 3AP + 3PC 121,5 × 165 cm

Two monochromic hand-pulled photopolymer prints, on white Hahnemühle paper; mounted onto a 2mm panel of Dibond aluminum. Hand-finished by the artist in coloured pencils; details vary between each copy; signed and numbered 47.83 × 64.96 in. 10 000 - 15 000 €

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BOM.K

(Français - Né en 1973)

Sans titre – 2013 Acrylique et peinture aérosol sur toile Signée 200 × 159,5 cm Provenance : Galerie Itinerrance, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Paris, Galerie Itinerrance, Bom.K Vertiges et Somnolence, 27 avril au 1er juin 2013 Acrylic and spray paint on canvas; signed 78.74 × 62.59 in. 3 000 - 4 000 €

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MAYE

(Français - Né en 1990)

À grands pas – 2019 Acrylique et marqueur sur toile Signée et datée 251 × 200 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Exposition : Paris, Hôtel Drouot, District 13, stand de la Galerie Itinerrance, 25 au 29 septembre 2019 Acrylic and marker on canvas; signed and dated 98.81 × 78.74 in. 40 000 - 60 000 €

« Les nomades que je peins sont surtout un peuple imaginaire. Ils me permettent de parler des ressources naturelles, de la montée de l’individualisme. Je veux littéralement faire entrer le public dans mes peintures, que le spectateur devienne le personnage manquant de l’histoire et se fasse sa propre morale. » — MAYE

Originaire de Sète, c’est à Montpellier, où Maye a grandi, qu’il découvre le graffiti à l’âge de 13 ans et tombe amoureux de la culture hip hop. Il a toujours été passionné par le dessin. Le graffiti permet à Maye de sortir de son quartier, de découvrir d’autres peuples et d’autres cultures, notamment celle du skate. Des rencontres qui, depuis 2004, ne font qu’enrichir ses connaissances et son art surréaliste nouvelle école. En 2013, il commence à peindre sur toile. Il souhaitait poursuivre son art, développer ses œuvres plus en détail et donner une narration à ses personnages en s’inspirant de ses peintures murales. Alors que l’artiste dessinait initialement des figures courtes et en surpoids, il a décidé d’aller dans le sens inverse de son propre dessin pour créer des individus curieux, longs, nerveux, élancés et tout en courbes. Au centre de situations oniriques, poétiques, voire absurdes, ces figures étranges semblent suspendues dans les airs ou retenues par des cordes, telles des marionnettes sur lesquelles s’incorporent une série d’éléments, offrant ainsi aux passants des clés de lecture. On retrouve dans cette oeuvre la marque de fabrique de Maye, un personnage filiforme aux bras interminables et aux mains longilignes, au corps en partie mécanique, dont la posture torturée pourrait évoquer celle d’une branche ou d’une liane qui chercherait la lumière.

Originally from Sète, it was in Montpellier, where Maye grew up, that he discovered graffiti at the age of 13 and fell in love with hip-hop culture. He had always been passionate about drawing. Graffiti allowed Maye to venture beyond his neighbourhood, discover different people and cultures, particularly skateboarding culture. Since 2004, these encounters have continued to enrich his knowledge and his distinctive New School surrealist art. In 2013, he began painting on canvas. He wanted to further develop his artistic practice, explore his works in greater detail and give his characters a narrative dimension, drawing inspiration from his murals. While the artist initially depicted short, overweight figures, he decided to move in the opposite direction, creating curious, elongated, wiry and slender characters with sinuous curves. Set within dreamlike, poetic and sometimes absurd situations, these strange figures appear suspended in mid-air or held by ropes, like puppets onto which a series of elements are incorporated, offering viewers different keys to interpretation. This work bears Maye’s unmistakable signature: a thin, elongated character with extraordinarily long arms and slender hands, a partly mechanical body, and a contorted posture reminiscent of a branch or vine reaching towards the light.

Johanna Decorse in La Depeche, 2023

Johanna Decorse, La Dépêche, 2023

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LUDO

(Français - Né en 1976)

Wasp – 2013 Peinture aérosol, huile et graphite sur toile Signée et datée au dos 110 × 110 cm Spray paint, oil and graphite on canvas; signed and dated on the reverse 43.30 × 43.30 in. 2 000 - 3 000 €

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RERO

(Français - Né en 1983)

Sans titre (Error system...) – 2012 Polystyrène peint sur bois dans encadrement Signé, daté, titré et localisé au dos « Los Angeles » 131 × 131 × 11,6 cm Provenance : Fabien Castanier Gallery, Los Angeles Collection particulière, Paris Exposition : Los Angeles, Fabien Castanier Gallery, RERO, Image not available, 8 septembre au 7 octobre 2012 Painted polystyrene on wood, framed; signed, dated, titled and located on the reverse 51.57 × 51.57 × 4.33 in. 4 000 - 6 000 €

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L’ATLAS

(Français - Né en 1978)

Toulouse N43°36’36.39 E01°26’29.48 – 2007 Peinture aérosol chrome sur toile Signée, datée et titrée au dos 90 × 90 cm Provenance : Galerie Prod Domo, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Chrome spray paint on canvas; signed, dated and titled on the reverse 35.43 × 35.43 in. 2 500 - 3 500 €

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SAYPE

(Français - Né en 1989)

Beyond Walls - Step 10 - Ganvié – 2021 Tirage photographique contrecollé sur PVC et objets et reliques provenant de l’œuvre éphémère Signé Œuvre unique 122,6 × 130 × 2,54 cm Provenance : Mazel Galerie, Bruxelles (acquis auprès de l’artiste) Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Photographic print laminated on PVC and objects and relics from the ephemeral work; signed; unique piece 47.64 × 50.39 × 1.97 in. 8 000 - 12 000 €

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L’ATLAS

(Français - Né en 1978)

Cachet rouge, lumière blanche (Red Seal, White Light) – 2008 Acrylique sur toile Signée et datée au dos 100 × 65 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Acrylic on canvas; signed and dated on the reverse 39.37 × 25.59 in. 2 000 - 3 000 €

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ANTWAN HORFEE

(Français - Né en 1983)

Ghost in the Hill – 2020 Acrylique et peinture aérosol sur toile Signé et daté au dos 130 × 95 cm Provenance : Ruttkowski;68, Cologne Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Acrylic and spray paint on canvas; signed and dated on the reverse 51.18 × 37.40 in. 4 000 - 6 000 €

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« S’il n’y avait pas d’artistes comme moi pour créer dans la rue, il n’y aurait que de la publicité partout. La pub, c’est comme Big Brother... ça ne cherche ni à rendre heureux ni à montrer de belles images. C’est pour ça que je ne pense pas être un vandale. Ce que je fais est dans l’intérêt des gens. » — INVADER

Visuel : INVADER, PA_877, 23 septembre 2010, Montreuil

Depuis 1998, Invader envahit nos espaces urbains. Il envahit également notre conscience collective, à laquelle il préfère proposer son univers peuple de Space Invader et d’icônes des cultures populaires ( jeux vidéo, comics, séries télévisées…) plutôt que celui d’une publicité destinée aux consommateurs que nous sommes devenus. Envahisseur infatigable, Invader dissémine ses œuvres autour du monde. Prenant comme point de départ le jeu d’arcade Space Invaders, il le porte dans la rue à une échelle humaine puis planétaire. Son but : envahir. Il comptabilise d’ailleurs les invasions. Chaque mosaïque créée est unique, pensée pour un endroit précis : « Il faut au moins deux semaines pour envahir une ville, je ne me contente pas d’en mettre un ou deux dans le centre puis de rentrer chez moi. Mon but est de couvrir la ville tout entière. »

Since 1998, Invader has been invading our urban spaces as well as our collective consciousness. Rather than offering us the world of advertising aimed at the consumers we have become, he prefers to introduce us to his universe, populated by Space Invaders and icons of popular culture (video games, comics, television series, etc.). An unstoppable invader, Invader spreads his artworks around the world. Taking the arcade game Space Invaders as his starting point, he brings it into the streets on a human scale and then on a global scale. His goal: to invade. He even keeps track of his invasions. Each mosaic he creates is unique and designed for a specific location: “It takes at least two weeks to invade a city. I don’t just put one or two mosaics in the city centre and then go home. My goal is to cover the entire city.”

INVADER

(Français - Né en 1969)

Rubik Cubism – 2006 Sérigraphie en couleurs Signée, datée et numérotée « 74/75 » Édition à 75 exemplaires + 1AP + 1PP 69 × 69 cm Bibliographie : Invader, Prints on paper. Catalogue raisonné 2001-2020, Control P. Éditions, 2021, un exemplaire similaire reproduit p. 51 sous le numéro 05 Color silkscreen print; signed, dated, and numbered 27.17 × 27.17 in. 2 000 - 3 000 €

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INVADER

(Français - Né en 1969)

Kit d’invasion #09 – 2008 Carreaux de micro mosaïque dans son blister ouvert Numéroté sur le blister « #102/150 » Édition à 150 exemplaires numérotés et non signés, 30 exemplaires signés et numérotés. 12,5 × 17 cm Micro-mosaic tiles in their opened blister pack; numbered 4.72 × 6.69 in. 4 000 - 6 000 €

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INVADER

(Français - Né en 1969)

Alias PA_880 – 2011 Carreaux de mosaïque sur plexiglas, carte d'identité signée et datée Signé et titré au dos 40 × 52 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Mosaïc tiles on perspex, identity card; signed and titled on the reverse 15.74 × 20.47 in. 50 000 - 70 000 €

« J’ai toujours pensé que cette invasion artistique devrait prendre une dimension planétaire et dès mes débuts, j’ai voyagé pour l’étendre au monde entier. Chaque mosaïque installée est une pièce autonome et unique, en même temps que le maillon d’un Meta réseau. » — INVADER

Visuel : Invader, Invasion PA_880, 4 janvier 2011, rue de Beaune / Quai Voltaire

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(Français - Né en 1969)

Yellow « Spacy » – 2003 Carreaux de mosaïque sur panneau Signé, daté et titré au dos 39,5 × 39,5 cm Provenance : Galerie Magda Danysz, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Paris, Galerie Magda Danysz, Game not over, 17 mai au 21 juin 2003 Ceramic tile mosaic mounted on wooden panel; signed, dated and titled on the reverse 15.55 × 15.55 in. 30 000 - 50 000 €

En s’appuyant sur un des phénomènes fondateurs de la culture populaire mondialisée lié aux nouvelles technologies, Invader a su élaborer une esthétique et un univers propre au langage universel. Ne se contentant pas d’illustrer une culture submergeant par une illustration murale, il fait véritablement œuvre critique par une distanciation matérielle aux technologies. Il nous propose une promenade poétique dans nos villes et dessine son œuvre par un système de réseaux très efficace. L’ensemble de son travail in situ, constitué de centaines de Spaces invaders qui nous surveillent du coin de l’œil, n’est pas sans rappeler la notion de « psychogéographie » chère à Guy Debord et définie par Asger Jorn comme la « science-fiction de l’urbanisme ». Ces figures pixellisées ne changent pas la ville, mais créent une turbulence dans sa lecture avant d’en redessiner le parcours. Elles sont comme des écrans qui nous relient à son travail, des points d’entrée dans son univers. Jean-Marc Avrilla

Drawing on one of the defining phenomena of globalised popular culture, shaped by new technologies, Invader has succeeded in developing an aesthetic and a universe of his own, rooted in a universal language. Rather than simply illustrating a culture that has spread across the world through mural art, he creates a genuinely critical body of work by establishing a material distance from technology. He invites us on a poetic journey through our cities, mapping his work through a highly effective network system. His entire body of in situ work, consisting of hundreds of Space Invaders watching us from the corners of our eyes, is reminiscent of the concept of psychogeography, so dear to Guy Debord and defined by Asger Jorn as the “science fiction of urban planning”. These pixelated figures do not change the city itself, but create a sense of disruption in the way we perceive and read it, before tracing out new pathways through the urban landscape. They are like screens connecting us to his work, gateways into his universe. Jean-Marc Avrilla

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(Français - Né en 1969)

Rubik London Calling – 2009 400 Rubik’s Cubes sur plexiglas Signé, daté et titré au dos 112 × 112 × 5,5 cm Provenance : Jonathan LeVine Gallery, New York Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : New York, Jonathan LeVine Gallery, Top 10 Invader, 27 juin au 25 juillet 2009 Bruxelles, Mima Museum, Invader : Rubikcubist, 24 juin 2022 au 8 janvier 2023

Bibliographie : Invader, Top 10, Catalogue de l’exposition à la Jonathan OeVine Gallery de New York, Éditions L’Unité Centrale, 2009, reproduit pp. 18 & 19 Invader - Rubikcubist, Control P. Éditions, 2022, reproduit p. 239 sous le numéro 147 400 Rubik’s cubes on perspex; signed, dated and titled on the reverse 44.09 × 44.09 × 1.96 in. 60 000 - 80 000 € Nous remercions le studio Invader pour les informations qu’il nous a aimablement communiquées.

Rubik London Calling a fait partie de la série traitée en rubiks cubes (à l’instar des Masterpieces et des Bad Men) Low Fidelity débutée en 2009 lors de l’exposition Top 10 chez Jonathan LeVine a New York puis Low Fidelity chez Lazarides a Londres. Elle a été exposée lors de cette exposition Top 10 qui présentait en rubiks les 10 pochettes d’albums les plus importantes et iconiques de sa génération. À côté de cet album incontournable de The Clash, on trouvait Abbey Road (The Beatles), Nevermind the Bollocks (The Sex Pistols), Nevermind (Nirvana) ou Warhol (The Velvet Underground). London Calling est le troisième album du groupe britannique The Clash, édité par CBS Records et sorti le 14 décembre 1979 au Royaume-Uni puis en janvier 1980 aux États-Unis sous le label Epic Records. Album rock de référence, ce disque polyvalent mêle de nombreux styles : ska, punk rock, pop, new wave, rockabilly, jazz, soul et reggae. Les thèmes abordés et dénoncés à travers les morceaux sont le chômage, la consommation de drogues, les conflits raciaux, la politique ainsi que les responsabilités des adultes dans la société. Le texte de la chanson phare de l’album (London Calling) reflète l’inquiétude et le scepticisme de Joe Strummer face à la situation mondiale. Le visuel de la couverture est une photographie prise par Pennie Smith qui immortalise Paul Simonon dans ce geste devenu mythique au Palladium de New York le 20 septembre 1979 Courbé, les jambes fléchies, les genoux rentrés et les mains serrées autour du manche, étranglant sa basse, dont le dos est cramé par les projecteurs, Paul Simonon s’apprête à fracasser l’instrument à ses pieds. Dans un noir et blanc granuleux, le mouvement est figé, suspendu, arrêté en plein vol. Mais pas net. Dès le lendemain du concert, Joe Strummer choisit cette photo pour illustrer la pochette de London Calling, qui sortira trois mois plus tard, le 14 décembre 1979. La légende est née.

Rubik London Calling was part of the Low Fidelity series of artworks recreated using Rubik’s Cubes, alongside the Masterpieces and Bad Men series. The project began in 2009 with the exhibition Top 10 at Jonathan LeVine Gallery in New York, followed by Low Fidelity at Lazarides Gallery in London. The piece was exhibited as part of Top 10, an exhibition featuring ten of the most important and iconic album covers of its generation, recreated entirely in Rubik’s Cubes. Alongside this landmark album by The Clash were Abbey Road (The Beatles), Never Mind the Bollocks (The Sex Pistols), Nevermind (Nirvana) and The Velvet Underground & Nico (The Velvet Underground). London Calling is the third studio album by British band The Clash. Released by CBS Records in the UK on December 14, 1979, it was subsequently released in the United States in January 1980 under the Epic Records label. A landmark rock album, this eclectic record brings together a wide range of musical styles, including ska, punk rock, pop, new wave, rockabilly, jazz, soul and reggae. Its songs explore and denounce themes such as unemployment, drug use, racial conflict, politics and the responsibilities of adults within society. The lyrics of the album’s iconic title track, London Calling, reflect Joe Strummer’s deep concern and scepticism about the state of the world. The iconic cover image is a photograph taken by Pennie Smith, capturing Paul Simonon in what has since become one of the most legendary moments in rock history, at the Palladium in New York on September 20, 1979. Bent forward, legs flexed, knees turned inward and hands clenched around the neck of his bass, gripping it as though strangling it, Paul Simonon is just about to smash the instrument onto the stage. Its back has been scorched by the heat of the stage lights. Captured in grainy black and white, the movement is frozen in time, suspended in mid-air – yet deliberately blurred. The very next day after the concert, Joe Strummer chose this photograph for the cover of London Calling, which would be released three months later, on December 14, 1979. And so, a legend was born.

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INVADER

(Français - Né en 1969)

Rubik London Calling – 2009

« Le Rubik’s cube est un objet fascinant car à la fois très simple et très complexe. Saviez-vous qu’un cube contient potentiellement plus de 43 milliards de combinaisons colorées différentes ? Dans mon cas, j’utilise le Rubik’s cube comme support mais aussi comme palette de couleurs. J’aime l’idée de détourner l’usage de cet objet. » — INVADER

Visuels : Pennie Smith, Paul Simonon, Palladium, New York, 20 septembre 1979 Réalisation de Rubik London Calling, studio Invader 2009

Outre le projet Space Invader qui l’a fait connaître, Invader travaille depuis le milieu des années 2000 sur une autre icône emblématique de la Pop culture contemporaine : le Rubik’s cube. Baptise Rubikcubism, ce projet artistique utilise les célèbres cubes colores comme matière première pour composer des sculptures et des peintures. Travaillant toujours autour du thème de la reproduction en pixels, l’artiste prolonge ce qu’il avait entrepris avec la mosaïque en créant des tableaux d’objets réels en 3D avec des cubes. Les contraintes de l’objet (sa taille et sa palette limitée a 6 couleurs) ont conduit a la production d’oeuvres qui ne peuvent être révélées qu’a l’œil exerce. D’abord quasi-abstraites, les oeuvres se révèlent au spectateur lorsqu’il prend du recul, cligne des yeux ou, a l’inverse, les regarde a travers l’écran d’un appareil photo numérique ! Nous avons alors le choix de nous laisser bercer, comme un oeil myope, par l’harmonie colorée qui émane des tableaux ou de chausser nos « lunettes numériques ». Le Rubikcubisme se rapproche de l’Op Art. Pour regarder une pièce, il faut prendre de la distance. De près, l’image n’est qu’un amas de cubes et de couleurs, ce n’est qu’en reculant que le motif apparaît. Plus, on s’éloigne du tableau plus il parait net.

Apart from the Space Invader project that made him famous, Invader has been working since the mid-2000s on another iconic symbol of contemporary Pop culture: the Rubik’s Cube. Known as Rubikcubism, this artistic project uses the famouscoloured cubes as its raw material to create sculptures and paintings. Always exploring the theme of pixel reproduction, the artist extends the work he began with mosaics by creating images of real-life 3D objects using Rubik’s Cubes. The limitations of the object (its size and its limited palette of six colours) have led to the creation of artworks that can only be fully appreciated by a trained eye. Initially almost abstract, the works gradually reveal themselves to the viewer when they step back, squint, or, conversely, look at them through the screen of a digital camera. We can then choose to let ourselves be captivated, like a short-sighted eye, by the colourful harmony emanating from the paintings, or to put on our “digital glasses”. Rubikcubism is closely related to Op Art. To appreciate a piece, you need to stand back. Up close, the image is nothing more than a mass of cubes and colours; it is only when you move further away that the image becomes recognisable. The further away you stand from the artwork, the sharper the image appears.

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INVADER

(Français - Né en 1969)

Le Bug – 2002 Néon Signé, daté, titré et numéroté « 10/2002 06/06 » 32,5 × 46,5 × 16 cm Provenance : Galerie Magda Danysz, Paris Acquis directement en 2003 auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Paris, Galerie Magda Danysz, Game not over, 17 mai au 21 juin 2003

Un droit de suite s’applique à ce lot conformément à la législation locale. L’acheteur s’engage à nous verser un montant équivalent à ce droit, que nous nous engageons à reverser à l’autorité compétente en son nom. An artist resale right (A.R.R) royalty applies to this lot, as provided under local law. The buyer agrees to pay us the amount equal to that resale royalty and we undertake to the buyer to pay such amount to the appropriate authority.

Neon; signed, dated, titled and numbered 12.8 × 18.3 × 6.3 in 40 000 - 60 000 €

Visuel : Vue de l’exposition 1000, La Générale, Paris, juin 2011

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ZEVS

(Français - Né en 1977)

Liquidated Lehman Brothers – 2010 Liquitex et acrylique sur toile Signée, datée et titrée au dos 81 × 130 cm Liquitex and acrylic on canvas; signed, dated, and titled on the reverse 31.89 × 51.18 in. 10 000 - 15 000 € Nous remercions l’artiste pour les informations qu’il nous a aimablement communiquées.

« Quand j’attaque ces entreprises c’est pour les rendre plus fragiles. Elles sont tout à coup à même de disparaître, c’est en tout cas l’émotion que suscite les coulures ou les flashs sur les visages… » — ZEVS in Artistik Rezo, 7 juillet 2014

Cette œuvre appartient au cycle de recherches développé par Zevs à New York autour de la finance et de Wall Street, dans la période de préparation de sa première exposition personnelle new-yorkaise, Liquidated Version, présentée à la De Buck Gallery en 2011. Au contact de son galeriste, ancien banquier demeuré proche de cet univers, l’artiste confronte les emblèmes du pouvoir financier à l’actualité de la crise et aux imaginaires inquiétants d’American Psycho et des Oiseaux d’Alfred Hitchcock.

This work belongs to a body of research developed by Zevs in New York, exploring the worlds of finance and Wall Street, in the lead-up to his first solo exhibition in the city, Liquidated Version, presented at De Buck Gallery in 2011. Through his encounters with his gallerist, a former banker who remained closely connected to this world, the artist confronts the emblems of financial power with the realities of the crisis and the unsettling imagery of American Psycho and Alfred Hitchcock’s The Birds.

Sur le fond noir, le nom de Lehman Brothers se prolonge en longues coulures blanches. Le signe censé incarner la stabilité et la confiance semble perdre sa consistance. La « liquidation », geste pictural caractéristique de Zevs, rencontre ici le destin réel de l’institution représentée : l’effondrement financier trouve son équivalent dans la dissolution de son image.

Against a black background, the name Lehman Brothers extends into long white drips. The symbol meant to embody stability and confidence appears to be losing its substance. Here, Zevs’s characteristic painterly gesture of “liquidation” intersects with the actual fate of the institution depicted: financial collapse finds its visual counterpart in the dissolution of its image.

L’œuvre prend ainsi une dimension paradoxalement hyperréaliste : en faisant couler le logo, Zevs donne une forme visible à la fragilité que son apparente solidité dissimulait.

The work thus takes on a paradoxically hyperrealist dimension: by making the logo run, Zevs gives visible form to the fragility concealed beneath its apparent solidity.

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« Ce qui compte, ce n’est pas l’image, c’est ce qu’on en fait. » — JR

Visuel : JR, La Caverne du Pont Neuf, Paris, 15 au 28 juin 2026

À travers ses œuvres monumentales, JR invite les passants à s’interroger et à remettre en question leurs perceptions. Son premier projet, Portrait d’une Génération (2004-06), dénonce les clichés véhiculés par les médias à l’égard des jeunes de banlieues en affichant des portraits d’adolescents grimaçants dans les rues de Paris. Rapidement, il élargit son champ d’action et s’aventure dans des zones de conflit pour faire résonner les récits poignants de personnes ordinaires et susciter le dialogue. Avec son projet Face 2 Face (2007), il capture les portraits d’Israéliens et de Palestiniens exerçant la même profession, puis juxtapose ces images de part et d’autre du mur de séparation. Ses œuvres transcendent les murs, symboles de division, pour les transformer en vecteurs de connexion sociale. Il érige Kikito (2017), un enfant géant regardant pardelà la frontière entre les États-Unis et le Mexique, et organise même un pique-nique transfrontalier sur l’image grand format des yeux d’un immigrant. Pour ses projets à Tehachapi (201922), il collabore avec des hommes incarcérés dans une prison de haute sécurité pour créer des installations artistiques à l’intérieur même de la prison.

A leading figure of contemporary urban art, JR was born in Through his monumental artworks, JR invites passersby to question and challenge their perceptions. His first project, Portrait of a Generation (2004–06), denounced the stereotypes perpetuated by the media about young people from the Parisian suburbs by displaying portraits of teenagers pulling provocative faces on the streets of Paris. He soon expanded his scope, venturing into conflict zones to give a voice to the powerful stories of ordinary people and encourage dialogue. With his Face 2 Face project (2007), he photographed Israelis and Palestinians working in the same professions, then displayed their portraits side by side on either side of the separation wall. His works transcend walls, traditionally symbols of division, transforming them into vehicles for social connection. He created Kikito (2017), a giant child looking across the US– Mexico border, and even organised a cross-border picnic on a monumental image of an immigrant’s eyes. For his Tehachapi projects (2019–22), he collaborated with men incarcerated in a maximum-security prison to create artistic installations within the prison itself.

JR crée avec les communautés. Pour un projet autour de la pyramide du Louvre (2019), il enseigne la technique du collage à 400 bénévoles, qui créent ensemble une anamorphose monumentale. Il rassemble des centaines de personnes dans des camps de réfugiés pour porter d’énormes images d’enfants qui courent dans le cadre de sa série Déplacé.e.s (2022). Son projet d’art participatif global Inside Out a déjà permis à plus de 600 000 personnes de faire passer un message grâce à des portraits en noir et blanc en grand format.

JR creates alongside communities. For a project around the Louvre Pyramid (2019), he taught the art of collage to 400 volunteers, who worked together to create a monumental anamorphic installation. He brought together hundreds of people in refugee camps to carry enormous images of running children as part of his Déplacé.e.s series (2022). His global participatory art project, Inside Out, has already enabled more than 600,000 people to share a message through large-scale black-and-white portraits.

En 2026, JR a créé La Caverne du Pont Neuf, transformant le plus ancien pont de Paris en une installation éphémère de 120 mètres de long, découverte par plus de 6 millions de personnes. Il a également présenté DILUVIUM, une vague de 70 mètres recouvrant la façade de la Bibliothèque apostolique vaticane, une installation inaugurée par le pape Léon XIV.

In 2026, JR created La Caverne du Pont Neuf, transforming Paris’s oldest bridge into a 120-metre-long temporary installation, experienced by more than 6 million people. He also presented DILUVIUM, a 70-metre wave covering the façade of the Vatican Apostolic Library, an installation inaugurated by Pope Leo XIV.

(Français - Né en 1983)

Face 2 Face, Mah Louza - Cooker palestinienne – 2006/07 Tirage photographique en noir et blanc sur papier contrecollé sur métal Signé, titré et daté au dos Diamètre : 96 cm Provenance : Raum 210, Berlin Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Berlin, Raum 210, JR, Face to Face, 2007 Black-and-white photographic print on paper mounted on metal; signed, titiled and dated on the reverse Diameter: 37.79 in. 20 000 - 30 000 €

Visuel : JR & Marco, Face to Face, 2007

En 2007, lors du projet Face 2 Face JR et Marco réalisent la plus grande exposition de photographie au monde. Pour ce projet, des portraits d’Israéliens et de Palestiniens sont collés face à face, dans des formats monumentaux des deux côtés du mur de séparation et dans plusieurs villes alentours. Lorsque JR et Marco se sont rencontrés en 2005, ils ont décidé d’aller ensemble au ProcheOrient pour essayer de comprendre pourquoi les Palestiniens et les Israéliens ne parvenaient pas à vivre ensemble. Ils ont alors traversé les villes palestiniennes et israéliennes sans beaucoup parler. En regardant simplement ce monde avec étonnement. Ce lieu saint pour le judaïsme, le christianisme et l’islam. Cette région minuscule où l’on peut voir des montagnes, la mer, des déserts et des lacs, l’amour et la haine, l’espoir et le désespoir mêlés ensemble. Après une semaine, ils sont arrivés à la même conclusion : ces gens se ressemblent, ils parlent presque la même langue, comme des jumeaux élevés dans des familles différentes. Une religieuse a sa sœur jumelle de l’autre côté. Un fermier, un chauffeur de taxi, un professeur, à son frère jumeau en face de lui. Et il combat sans fin contre lui. C’est évident, mais ils ne le voient pas.

In 2007, as part of the Face 2 Face project, JR and Marco created the largest photography exhibition in the world. For this project, portraits of Israelis and Palestinians were pasted face to face, in monumental formats, on both sides of the separation wall and in several surrounding cities. When JR and Marco met in 2005, they decided to travel together to the Middle East to try to understand why Palestinians and Israelis were unable to live together. They travelled through Palestinian and Israeli cities, without saying much, simply observing this world with a sense of wonder. This sacred land for Judaism, Christianity and Islam. This tiny region where mountains, seas, deserts and lakes can all be found, where love and hatred, hope and despair coexist. After a week, they had reached the same conclusion: these people look alike, they speak almost the same language, like twins raised in different families. A nun has her twin sister on the other side. A farmer, a taxi driver, a teacher – each has a twin brother standing opposite them. And they fight endlessly against one another. It is obvious, yet they fail to see it.

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(Français - Né en 1983)

Station service, death valley – 2006 Tirage photographique contrecollé sur Dibond et sous Diasec Signé, daté, titré et numéroté « 4/6 » au feutre au dos 67 × 100 cm Provenance : Don de l’artiste à l’actuel propriétaire Photograph mounted on Dibond and mounted under Diasec; signed, dated, titled and numbered on the reverse 26.38 × 39.37 in. 6 000 - 8 000 €

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(Français - Né en 1983)

28 millimètres : Woman Are Heroes - Action in Phnom-Penh, Open Eyes, Cambodge, 2009 – 2012 Tirage photographique en couleurs monté sur dibond, plexiglas Signé, daté, titré et numéroté « 1/3 » (3 EA + 2 AP) au dos sur une étiquette et sur le châssis 124 × 192 × 7 cm Provenance : Don de l’artiste à l’actuel propriétaire Bibliographie : Janis Mink, JR, Édition TASCHEN, 2026 Un exemplaire similaire reproduit page 37 Color print mounted on dibond, plexiglass; signed, dated, titled and numbered on the reverse on a label 48.82 × 75.59 × 2.76 in. 12 000 - 15 000 €

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(Français - Né en 1983)

The Wrinkles of the City, Berlin, Gerd Nippa, encre sur bois, Germany, 2013 – 2014 Encre sur bois Étiquette de l’artiste au dos Signé et daté au dos 122,6 × 80 × 2 cm Provenance : Magda Danysz Gallery, Shanghai Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Un certificat de l’artiste sera remis à l’acquéreur Ink on wood; signed and dated on the reserve; label on the reverse 48.26 × 31.49 × 0.78 in. 25 000 - 35 000 €

« J’ai arpenté les rues de six villes projetées dans le futur et dont je cherche simplement à comprendre le présent. J’ai rencontré les seules personnes témoins de ces bouleversements survenus au siècle dernier et j’imagine que leurs rides (en anglais, wrinkles), ces sillons creusés par la vie sur leur visage, se confondent avec les empreintes laissées par l’histoire sur la ville ; qu’ils sont les derniers témoignages d’une ville qui change plus vite qu’ils vieillissent. » — In JR & Jose Parla: The Wrinkles of the City: Havana, Éditions Damiani & Standard Press, Bologne, New York, 2012

Visuel : JR, The Wrinkles of the city, Postbahnhof, Gerd & Helena NIPPA, Berlin 2013

En avril 2013, JR travaille sur une quinzaine d’immeubles à Berlin, pour le cinquième opus de son projet The Wrinkles of the City. Il expose les portraits de personnes âgées qui ont vécu à travers les changements et transformations de leur ville. Leurs histoires individuelles se révèlent sur leurs visages, tout comme l’histoire de Berlin se traduit dans l’architecture des immeubles sur lesquels JR colle les portraits. Les photos de JR vont toujours plus loin que l’individu. Elles montrent l’importance de chacun. L’artiste montre la dignité de chaque personne, sans retoucher les images. Des personnes qui ont perdu de l’importance « sociale », la « vieille génération », devient visible à nouveau, et se sent reconnue et appréciée.

In April 2013, JR worked on around fifteen buildings in Berlin for the fifth instalment of his project The Wrinkles of the City. He displayed portraits of elderly people who had lived through the changes and transformations of their city. Their individual stories are revealed in their faces, just as the history of Berlin is reflected in the architecture of the buildings onto which JR pastes the portraits. JR’s photographs always go beyond the individual. They highlight the importance of every person. The artist conveys the dignity of each individual without retouching the images. People who have lost their former “social” significance, the “older generation”, become visible again and feel recognised and valued.

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MODE 2

(Anglais - Né en 1967)

Sans titre – 2016 Acrylique sur toile Signée et datée sur la tranche 180 × 120 cm Provenance : Galerie Openspace, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Acrylic on canvas; signed and dated on the edge 70.86 × 47.24 in. 6 000 - 8 000 €

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eL SEED

(Tunisien - Né en 1981)

The Bridge III – 2018 Acrylique sur toile Signée et datée au dos 120 × 90 cm Provenance : Lazinc, Londres Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Londres, Lazinc Gallery, el Seed – Tabula Rasa, 25 janvier au 9 mars 2019 Un certificat de l’artiste sera remis à l’acquéreur Acrylic on canvas; signed and dated on the reverse 47.24 × 35.43 in. 5 000 - 7 000 €

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« Quand je suis arrivé à Paris en 1987, les gens étaient un peu déçus ; je venais de New York, ils me voyaient donc comme le représentant du graffiti new-yorkais. Même si c’est vrai, je suis avant tout JonOne et basta ! Ce que je faisais n’était pas représentatif de ce qu’ils pouvaient imaginer, j’étais plus free que technique, j’étais dans l’imaginaire. Comme je possédais la technique, je pouvais la laisser derrière moi et créer, mélanger des centaines d’informations, prendre des raccourcis graphiques tout en me laissant porter par la vague. » — JONONE, Interview réalisée pour Nova Mag oct. 2004 à l’occasion de l’exposition Night and Day à la Speerstra gallery

Visuel : Michel Roubert, JonOne dans son atelier, circa 1991-92

JonOne est originaire du quartier de Harlem à New York, sur les murs duquel il a commencé à taguer. Pour lui, le métro est la seule chose vivante de New York. L’interdit, l’attirance pour ces supports à couleur roulants le poussent dans les tunnels. Pendant plusieurs années, il appose son nom Jon156, JonOne et se fait un « nom ». Il se distingue par l’abstraction de ses réalisations qui tranchent avec le tag ou la représentation figurative d’autres. Ses influences : les grands maîtres, de Miro à Pollock en passant par de Kooning. Il y joint l’énergie et la force du terrain. Vers 1985, son maître A-One lui fait découvrir la toile. En 1987, il arrive à Paris invité par Bando, et se révèle sur la scène parisienne dont il est aujourd’hui un des acteurs majeurs. JonOne s’est fait connaître par ses toiles saturées de couleurs, énergie pour lui. Le vide n’existe pas, cette couleur est essentielle voire vitale. Jeux de nuances, palette riche et vive.

JonOne comes from the Harlem neighborhood of New York, where he began tagging the walls. For him, the subway was the only living thing in New York. The thrill of doing something forbidden, combined with his fascination with these moving, colourful surfaces, drew him into the tunnels. For several years, he painted his name, Jon156 and JonOne, gradually making a name for himself. He stood out for the abstract nature of his work, which contrasted with traditional graffiti tags and the figurative representations of other artists. His influences include the great masters, from Miró to Pollock and de Kooning. He combines their influence with the energy and power of the streets. Around 1985, his mentor A-One introduced him to canvas painting. In 1987, he arrived in Paris at the invitation of Bando and quickly made his mark on the Parisian art scene, where he is now one of its leading figures. JonOne became known for his canvases bursting with colour, which represent energy to him. Emptiness does not exist in his world; colour is essential, even vital. His work is characterised by subtle shades, as well as a rich and vibrant colour palette.

JONONE (John Andrew Perello dit) (Américain - Né en 1963)

Tropical Paradise – 1993 Peinture aérosol, acrylique et marqueur sur toile Signée, datée, titrée et annotée au dos « Hôpital Ephémère » 250,5 × 290 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Spray paint, acrylic and marker on canvas; signed, dated, titled and labeled on the reverse 98.62 × 114.17 in. 25 000 - 35 000 €

« Ma peinture est corporelle, dans l’action : il y a du punch. C’est lié à l’énergie des couleurs que je voyais sur les trains peints à New York, comme le surgissement d’un flash de peinture dans la ville. Dans les années 1980, le métro était comme un musée qui traversait la ville. »

— JONONE, entretien avec Hugo Vitrani à l’occasion de l’exposition Fireworks à la galerie du jour Agnès b. en 2015

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JONONE (John Andrew Perello dit) (Américain - Né en 1963)

Sans titre – 1990 Acrylique et marqueur sur bâche Signée, datée et localisée au dos « JAN 15 1990 Paris » 150 × 445 cm Provenance : Ancienne Collection Lucciano Benetton Collection particulière, Paris Acrylic and marker on tarpaulin; signed, dated, and located on the reverse 59.05 × 175.19 in. 20 000 - 30 000 €

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« Je n’ai reçu aucune éducation artistique. Quand je taguais les trains à New York, je ne pouvais pas imaginer qu’un jour je m’exprimerais sur la toile. Ce qui m’a vraiment amené au tag a été de voir les autres peindre des graffitis dans toute la ville. L’école à laquelle j’allais était très stricte. Et tellement ennuyeuse ! Je me souviens qu’à l’époque, ceux de la rue avaient la liberté. Je ne voulais pas de ce que l’Amérique me proposait : un travail, un joli costume et une jolie maison. » — JONONE

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JONONE (John Andrew Perello dit) (Américain - Né en 1963)

Crow’s Nest – 2012 Acrylique sur toile Signée, titrée, datée et localisée au dos « Paris » 189 × 200 cm Provenance : Galerie Rabouan Moussion, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Bibliographie : JonOne, The Chronicles, Éditions David Pluskwa Art Contemporain, 2014, reproduit p. 241 planche 100 Language of the Wall: Graffiti / Street Art, catalogue de l’exposition au Pera Museum à Istanbul du 13 août au 5 octobre 2014, reproduit dans l’atelier de l’artiste p. 177 Un certificat de l’artiste sera remis à l’acquéreur. Acrylic on canvas; signed, titled, dated and located on the reverse 12 000 - 15 000 €

Visuel : Philippe Bonan, JonOne devant Crow’s Nest, Paris, 2012

DAZE (Chris Ellis Daze dit) (Américain - Né en 1962)

Nude postcard – 1991 Acrylique, gouache et encre sur papier Signé, daté et titré 56,5 × 76 cm Acrylic, gouache and ink on paper; signed, dated and titled 22.24 × 29.92 in. 800 - 1 200 €

DONDI WHITE (Donald J. White dit) (Américain - 1961-1998)

Althea (think Runin Water – 1982 Page de sketchbook réalisée à l’encre de Chine et aux feutres Signée, datée et titrée 26 × 33 cm Sketchbook page created using Indian ink and felt-tip pens; signed, dated and titled 10.23 × 12.99 in. 5 000 - 7 000 €

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FUTURA 2000

(Américain - Né en 1955)

Paris Brooklyn ’Fingers’ – circa 1991 Encre sérigraphique, acrylique et marqueur sur carton Signée et titrée 62,5 × 81,5 cm Provenance : Galerie du Jour agnès b, Paris Don de agnès b. à Dondi White Collection Dondi White, New York Collection particulière, Europe Exposition : Paris, Galerie du jour agnès b., Stripped l’exposition, 9 novembre au 9 décembre 1995 Paris, Ghost Galerie, Nos Fantômes, exposition inaugurale, 10 septembre au 20 novembre 2021 Screen printing ink, acrylic and marker on cardboard ; signed and titled 24.40 × 32.28 in. 7 000 - 9 000 €

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DONDI WHITE (Donald J. White dit) (Américain - 1961-1998)

One Eastern Boy – 1986 Stylo bille sur feuille de papier imprimée Signé, daté et titré au dos 21,5 × 21 cm Provenance : ACA Gallery, New York Collection particulière, New York Acquis auprès de ce dernier par l’actuel propriétaire Ball pen on paper; signed, dated and titled on the back 8.46 × 8.26 in. 12 000 - 15 000 €

« Je recommence tout depuis le début : des lettres sans artifice, des œuvres au design élémentaire, et l’utilisation de simples bonhommes. Le bonhomme nous symbolise à nos débuts, nos jours innocents lorsqu’on jouait dans les dépôts, qu’on s’amusait et qu’on créait. » — DONDI WHITE

Dondi s’attarde ici sur une représentation essentielle de sa personnalité et de son statut d’artiste « writer » : son nom et sa signature. Il ne s’agit pas de son nom usuel Dondi mais c’est chose courante dans le graffiti. Pour protéger son anonymat aux yeux d’une autorité agacée, chaque artiste dispose de plusieurs signatures. Souvent multiples et contemporaines, elles sont aussi parfois révélatrices d’une période précise dans la carrière d’un artiste. Le nom signature se cherche, s’élabore, se choisit puis se peaufine. Sa reconnaissance par ses pairs ou ses compères se fait sur le seul jugement esthétique. Chaque lettre, son mouvement (flow) sa place ou sa particularité vaut plus pour la signature qu’un ensemble de lettres ou l’utilisation d’un autre nom. Pour Dondi, le nom Bus a été contemporain à l’utilisation de sa signature éponyme. Ce n’est d’ailleurs en ne cachant aucunement sa véritable identité qu’en 1979 il fait sensation, peignant sur les hauts d’un toit sa toute première « pièce » en naturel « DONDI ». Son style et sa créativité avaient alors marqué son en tourage et fait de lui un artiste des plus respectés. Mais Dondi signera selon les périodes également NACO, WHITE, WIRM, PRE, 2MANY, ASIA,.. ou BUS. On retrouve parsemés dans la composition les éléments récurrents et figuratifs comme le crâne stylisé (autoportrait ou vanité) en haut à gauche de l’œuvre qui surplombe un train – symbole de son activité – et son personnage silhouette réduit au bras. Extrait d’un texte de Valériane Mondot

Dondi focuses here on an essential representation of his personality and his status as a “writer” artist: his name and signature. This is not his everyday name, Dondi, but such a practice is common in graffiti. To protect their anonymity from the watchful eyes of increasingly frustrated authorities, each artist uses several signatures. Often multiple and existing simultaneously, these signatures can also reveal a specific period in an artist’s career. A tag is explored, developed, chosen and then refined. Its recognition among fellow artists and peers is based solely on aesthetic judgment. Each letter, its movement (flow), its positioning and its distinctive features matter more to the signature than the combination of letters as a whole or the use of a different name. For Dondi, the name BUS was used alongside his eponymous signature. In fact, it was precisely by making no attempt to conceal his real identity that, in 1979, he caused a sensation by painting his very first “piece” in a natural setting, spelling out “DONDI” on the rooftop of a building. His style and creativity had already made a strong impression on those around him, establishing him as one of the most respected artists of his time. However, depending on the period, Dondi also signed his work as NACO, WHITE, WIRM, PRE, 2MANY, ASIA, or BUS. Scattered throughout the composition are recurring figurative elements, such as the stylised skull (a selfportrait or memento mori) in the upper left corner of the work, overlooking a train – a symbol of his artistic activity – alongside his silhouetted character, reduced to an arm. Excerpt from a text by Valériane Mondot.

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A-ONE (Anthony Clark dit) (Américain - 1964-2001)

The dead Squad – 1987 Peinture aérosol et marqueur sur carton fin Signé et titré 78,5 × 104 cm Provenance : Dolorès Naumann, New York Keitelman Gallery, Bruxelles Collection particulière, Paris

« Le Redoutable A-One debout au sommet d’une montagne de rêves, me disant que le combat n’est pas aussi dur qu’il y paraît ! Les couleurs : cuire, brûler, grésiller, rôtir, griller et bouillir. » — A-ONE, Fashion Moda, circa 1982

Exposition : Bruxelles, Keitelman Gallery, New York Graffiti, a retrospective, 2004 Un certificat de la galerie Keitelman sera remis à l’acquéreur Spray paint and marker on cardboard; signed and titled 30.90 × 40.94 in. 8 000 - 12 000 €

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TOXIC

(Américain - Né en 1965)

Untitled – 1990 Peinture aérosol sur toile Signée et datée au dos 200 × 99,5 cm Provenance : Collection particulière, Belgique Vente Artcurial, Paris, Street Art, 15 décembre 2008 Vente De Vuyst, Bruxelles, Auction 145, 6 mars 2010, lot 338, Acquis directement lors de cette dernière par l'actuel propriétaire Spray paint on canvas; signed and dated on the reverse 78.74 × 39.17 in. 8 000 - 12 000 €

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« Les humains… Au XIVe siècle, les moines ont orné et ont illustré les manuscrits de lettres. Au XXIe et XXIIe siècle, les lettres de l’alphabet sont maintenant armées pour les courses de lettres et les batailles galactiques. Ceci a été rendu possible par une équation secrète connue sous le nom de RAMM : ELL : ZEE. » — RAMMELLZEE

Visuel : Rammellzee, Gasholear (version finalisée), circa 1992-94

Rammellzee est un des artistes pionniers du graffiti américain les plus inventifs et inspirés de sa génération. Il réalise ses premiers tags dans le métro new-yorkais en 1974 sur les lignes 2 et 5 en compagnie de Dondi White. Il refuse très vite l’étiquette de « writer » trop assimilée au vandalisme et se considère comme un artiste à part entière. Son style, très personnel et atypique, illustre la tendance conceptuelle et abstraite du graffiti à l’instar de celui de Koor et Futura. Il développe l’esthétique du Gothic Futurism, se voulant le successeur de l’œuvre commencée par les moines du Moyen-Âge lors de la période gothique sur le travail de la lettre stylisée. Tout comme elle est illisible chez les Gothiques, elle devient Wild Style dans le mouvement graffiti pour échapper à la MTA (Mass Transit Authority). Elle n’est plus déchiffrable que par les initiés. Dans ses théories, Rammellzee dénonce les perversions de l’alphabet. Vient ensuite l’Ikonoklast Panzerism, alphabet regroupant des lettres missiles dont le but est de détruire les symboles. La figuration y est absente. Rammellzee est aussi un musicien performeur apparaissant sur scène en tenue de camouflage rappelant un personnage évoluant entre samouraï et guerrier du MoyenÂge. Rammellzee se construit un look et un personnage haut en couleur de sorcier vaudou du hip-hop, se couvrant le visage et le corps de masques et colifichets colores en grand nombre. Là encore les conceptions de l’artiste transparaissent. Son album de 1982 Beat Bop, dont la pochette fut illustrée par Basquiat reste dans les annales du rap. Notons qu’avec Jean-Michel Basquiat et Toxic, il a formé le trio des Hollywood Africans qui donne son titre au tableau éponyme conservé au Whitney Museum.

Rammellzee was one of the most inventive and visionary pioneering American graffiti artists of his generation. He began painting his first tags in the New York subway system in 1974, on the 2 and 5 lines, alongside Dondi White. He quickly rejected the label of “writer”, which he felt was too closely associated with vandalism, and regarded himself as a fully-fledged artist in his own right. His highly personal and unconventional style illustrates the conceptual and abstract direction of graffiti, much like the work of Koor and Futura. He developed the aesthetic of Gothic Futurism, positioning himself as the successor to the work initiated by medieval monks during the Gothic period, particularly their exploration of stylised lettering. Just as letters became illegible in Gothic script, they evolved into Wild Style within the graffiti movement, partly as a means of evading the MTA (Metropolitan Transportation Authority). The letters could only be deciphered by those initiated into the culture. Through his theories, Rammellzee denounced what he saw as the corruption of the alphabet. This led to Ikonoklast Panzerism, an alphabet composed of missile-like letters designed to destroy symbols. Figurative representation is entirely absent from this visual language. Rammellzee was also a performance musician, appearing on stage in camouflage outfits that evoked a character somewhere between a samurai and a medieval warrior. He developed a flamboyant, larger-than-life persona, that of a hip-hop voodoo sorcerer, covering his face and body with an abundance of colourful masks and ornaments. Here again, the artist’s conceptual ideas were clearly reflected in his appearance. His 1982 album Beat Bop, featuring cover artwork by Basquiat, remains a landmark in rap history. It is also worth noting that, alongside Jean-Michel Basquiat and Toxic, he formed the trio known as Hollywood Africans, whose name gave its title to the eponymous painting now held in the collection of the Whitney Museum.

RAMMELLZEE

(Américain - 1960-2010)

Untitled – 1991 Peinture aérosol, collages, résine sur bois, encadrement en bois 122 × 260 × 5 cm

Provenance : Yaki Kornblit Gallery, Amsterdam Collection Wildenberg, Pays-Bas (acquis directement auprès de la galerie Yaki Kornblit)

Exposition : Amsterdam, Yaki Kornblit Gallery, RAMMΣLLZΣΣ, The Gargoylian Books of Stock, 29 février au 29 mars 1992 Spray paint, collages, resin on wood, wooden frames 48.03 × 102.36 × 1.96 in. 180 000 - 250 000 €

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RAMMELLZEE

(Américain - 1960-2010)

Untitled – 1991

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RAMMELLZEE

(Américain - 1960-2010)

Untitled – 1991

« Souvenez-vous, j’étais autrefois un homme. Un « humain » ! On m’avait poussé à m’amuser comme tous les autres humains à l’époque des guerres gothiques futuristes entre les intellectuels du monde de l’art abstrait et pendant mon sommeil ; point final, fin d’une époque. » — RAMMELLZEE

Visuel : Carton d'invitation de l'exposition RAMMΣLLZΣΣ, The Gargoylian Books of Stock, Yaki Kornblit Gallery, Amsterdam, 1992

Au cœur de la carrière artistique de Rammellzee se trouve une mythologie personnelle élaborée et souvent complexe. Son nom, par exemple, écrit alternativement The RAMM:ELL:ZEE ou RAMMELLZEE, est dérivé d’une équation mathématique ésotérique. Lors de ses apparitions publiques, il incarnait souvent l’un des nombreux personnages d’un panthéon, chacun ayant sa propre histoire, sa propre personnalité et, surtout, un masque et un costume élaborés à partir d’objets trouvés et de détritus que l’artiste avait ramassés dans les rues de New York. Ces personnages habitaient le même monde fantastique, teinté de science-fiction, que leur créateur, dont le meilleur exemple est la Battle Station, le loft de Rammellzee à Tribeca, qui était à la fois sa maison et une installation sculpturale à part entière, indissociable de sa pratique artistique et de ses activités quotidiennes.

At the heart of Rammellzee’s artistic career lies an elaborate and often complex personal mythology. His name, spelled variously as The RAMM:ELL:ZEE or RAMMELLZEE, for example, derives from an esoteric mathematical equation. During his public appearances, he often embodied one of the many characters in a pantheon, each with its own backstory, personality and, above all, a mask and costume assembled from found objects and discarded materials that the artist had collected from the streets of New York. These characters inhabited the same fantastical, science-fiction-inspired world as their creator. The most striking example of this was the Battle Station, Rammellzee’s loft in Tribeca, which served both as his home and as a sculptural installation in its own right, inseparable from his artistic practice and everyday activities.

Untitled (1991) fait partie d’un ensemble de pièces mobiles de Rammellzee créées pour son exposition en 1992 chez Yaki Kornblit à Amsterdam. Lors de cette exposition, le Gasholear est en pleine évolution.

Untitled (1991) belongs to a series of movable works by Rammellzee created for his 1992 exhibition at Yaki Kornblit in Amsterdam. At the time of this exhibition, the Gasholear was still evolving.

Composée de divers matériaux, notamment de la peinture et d’objets en plastique incrustés dans des couches de résine époxy, cette œuvre monumentale brouille les frontières entre peinture, sculpture et installation. Les formes tourbillonnantes évoquent un cosmos planétaire ou un paysage topographique dans lequel évolue le Z, également personnifié par les crânes en plastique ou l’as de pique (symbole de bravoure ou de « carte de la mort ») au sein d’un univers rempli d’un « big bang » d’étoiles, d’astres.

Composed of various materials, including paint and plastic objects embedded in layers of epoxy resin, this monumental work blurs the boundaries between painting, sculpture and installation. Its swirling forms evoke a planetary cosmos or a topographical landscape inhabited by the Z, which is also personified through the plastic skulls and the ace of spades (a symbol of bravery or the “death card”), within a universe filled with a “Big Bang” of stars and celestial bodies.

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FUTURA 2000

(Américain - Né en 1955)

American Pie – 2010 Peinture aérosol sur toile Signée, datée et titrée au dos 76,4 × 101,2 cm Provenance : Collection particulière, Paris (acquis directement auprès de l’artiste) Galerie Jérôme de Noirmont, Paris Collection Noirmontartproduction, Paris Collection particulière, Paris Vente Sotheby’s, 7 juin 2023, lot 257, lot 257 Acquis directement lors de cette dernière par l’actuel propriétaire

Bibliographie : Magda Danysz & Vittorio Parisi, Futura 2000 – Full frame, Editions Galerie Magda Danysz & Drago, Paris, 2018, reproduit p. 172 Carlo McCormick, Futura - The artist’s monograph, Editions Rizzoli, New-York, 2020, reproduit p. 91 Spray paint on canvas; signed, dated and titled on the reverse 30.08 × 39.84 in 10 000 - 15 000 €

« […] Je fus mentionné par un critique dans un article qui racontait des choses très belles sur mon travail, des choses que je ne compris pas parce que, à cette époque, je ne savais qui était Kandinsky. Mais je me suis dit, tiens, ça a l’air intéressant, alors je me suis renseigné auprès d’un ami qui m’a emmené dans un musée pour me montrer qui était Kandinsky et m’a montré des livres. » — Futura in Coming From the Subway, Groninger Museum Editions, 1992

Futura est un des premiers graffeurs à s’être orienté vers la toile et les expositions dans des institutions comme Fashion Moda ou PS1. Il commence au début des années 70 sur les rames de la ligne 1 du métro ; il accompagne les UGA (United Graffiti Artists) autour d’Hugo Martinez. Suite à un incident lors d’une séance dans le métro, il s’engage dans les Marines en 1974 jusqu’en 1978-79. Il revient au graffiti en 1979 et ressuscite le collectif « Soul Artists » avec Zephyr. Tout comme pour Dondi, Stayhigh 149 va influencer Futura pour ses lettrages au travers du fameux personnage du Saint. En 1980, sous l’impulsion de Sam Esses et avec Zephyr, il mobilise de jeunes artistes autour d’un projet d’atelier ; de nombreuses toiles sont réalisées. On retrouve des artistes comme Tracy, Dondi, Seen... ou Keith Haring. En 1982, son exposition à la Fun Gallery le mène à exposer en Europe où il s’impose. Son style se réfère à l’abstraction. La couleur est douce, le signe prend le pas. Des explosions d’objets, de projectiles (roues, compas, ellipses, planètes, personnages stylisés...) ouvrent sur des espaces infinis. Les structures linéaires quadrillées sont récurrentes faisant référence à cette avant-garde des années 20, de Kandinsky au Constructivisme. Son style s’éloigne du simple lettrage pour aller vers une abstraction à tendance lyrique pleine d’énergie, de mouvement et de vitesse. Futura s’impose aujourd’hui comme un des plus importants artistes graffeurs faisant la jonction avec le monde de l’art contemporain.

Futura was one of the first graffiti artists to turn towards canvas painting and exhibitions in institutions such as Fashion Moda and PS1. He began painting in the early 1970s on the subway trains of the Number 1 line and became involved with the UGA (United Graffiti Artists), led by Hugo Martinez. Following an incident during a painting session in the subway, he enlisted in the Marines in 1974, serving until 1978–79. He returned to graffiti in 1979 and revived the “Soul Artists” collective with Zephyr. As was the case with Dondi, Stayhigh 149 influenced Futura’s lettering style through his famous Saint character. In 1980, encouraged by Sam Esses and working alongside Zephyr, he brought together a group of young artists around a studio workshop project. Numerous canvases were produced, featuring artists such as Tracy, Dondi, Seen, and Keith Haring. In 1982, his exhibition at the Fun Gallery led to further exhibitions in Europe, where he established himself as a major figure. His style draws heavily on abstraction. His use of colour is subtle, while signs and symbols take precedence. Explosions of objects and projectiles – wheels, compasses, ellipses, planets, stylised figures, and other forms – open up infinite spaces. Gridded linear structures recur throughout his work, referencing the avant-garde movements of the 1920s, from Kandinsky to Constructivism. His style moves away from conventional lettering towards a form of lyrical abstraction, full of energy, movement, and speed. Today, Futura is recognised as one of the most important graffiti artists, acting as a bridge between graffiti culture and the world of contemporary art.

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DAZE (Chris Ellis Daze dit) (Américain - Né en 1962)

Night at Billy’s – 1992 Acrylique sur toile Signée, datée et titrée « sept. 1992 » 86,5 × 87 cm Acrylic on canvas; signed, dated and titled on the reverse 34.05 × 34.25 in. 1 500 - 2 500 €

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RAMMELLZEE

(Américain - 1960-2010)

Repress – 1989 Peinture aérosol et marqueur sur carton Signé, daté et titré au dos 15 × 37,5 cm Provenance : Barbara Braathen Gallery, New York Collection Johnny Grizot, Paris Collection particulière, Lille Spray paint and marker on cardboard; signed, dated and titled on the reverse 5.90 × 14.76 in. 12 000 - 15 000 €

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VHILS (Alexandre FARTO dit) (Portugais - Né en 1987)

Insculpt Series #21 – 2014 Porte en bois gravé 216,5 × 82,5 cm Provenance : Magda Danysz Gallery, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Un certificat de l’artiste sera remis à l’acquéreur Engraved wooden door 85.24 × 32.28 in. 15 000 - 25 000 €

« Les matériaux de rebut peuvent nous dire beaucoup d’une société. De nos jours, ils nous montrent comment les idéaux du bien commun ont été remplacés par la culture de l’individualisme et de l’obsolescence. » — VHILS in Entropie, Éditions Alternatives, 2014

Vhils a commencé à travailler avec des panneaux d’affichage en 2005. Après avoir observé pendant des années les agglomérations épaisses qui se forment sur les murs et les panneaux d’affichage au Portugal, il a eu l’idée de les utiliser comme toile. En tant que graffeur, il a été formé à lire l’espace de la ville et ce qu’il offre, et comme la plupart de ces accumulations étaient en fait illégales, bien qu’ignorées par les autorités, il s’est senti libre de les utiliser sans craindre d’être verbalisé. Il est marqué par les vieilles fresques politico-utopiques de la fin des années 1970 et les affiches publicitaires trouvées sur les murs de Lisbonne. Il en fera ses outils. Contrairement à la plupart des artistes de l’urban qui posent, qui collent, Vhils enlève la matière pour faire apparaitre ses sujets, il extrait, il déconstruit. Il creuse des visages dans les murs des villes. Depuis 2009, Vhils fait un usage fécond du bois en tant que support, un médium sur lequel il entaille au moyen d’objets manuels ; portes, fenêtres, volets, panneaux trouvés ou récupérés qu’il recycle. Le lien matériel et conceptuel avec l’environnement urbain réside dans leur condition de rebuts produits par la ville au fil des de ses cycles de destruction et de création dans son ambition d’expansion illimitée.

Vhils began working with billboards in 2005. After observing for years the thick layers of posters and paper that build up on walls and billboards across Portugal, he came up with the idea of using them as a canvas. As a graffiti artist, he had been trained to read the urban environment and make use of what it had to offer. Since most of these layers were, in fact, illegal, yet largely ignored by the authorities, he felt free to use them without fear of being fined. He was influenced by the old political-utopian murals of the late 1970s and by the advertising posters found on the walls of Lisbon. He would turn these into his tools. Unlike most urban artists, who add layers of paint or paste images onto surfaces, Vhils removes material to reveal his subjects. He excavates and deconstructs, carving faces into the walls of cities. Since 2009, Vhils has made extensive use of wood as a medium, carving into it with hand tools. He works with discarded or salvaged doors, windows, shutters and panels, giving these materials a new life through recycling. Their material and conceptual connection to the urban environment lies in their status as waste products generated by the city through its ongoing cycles of destruction and creation, driven by its ambition for unlimited expansion.

SWOON

(Américaine - Née en 1978)

Base-ball player – 2005 Gravure sur bois imprimée sur mylar rehaussée à l’acrylique Signée et datée 163,5 × 124,5 cm Provenance : Galerie LJ, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Paris, Galerie LJ, Swoon - Mike Brodie - Chris Stain, 10 novembre au 12 décembre 2007 Woodcut printed on Mylar, enhanced with acrylic paint; signed and dated 64.37 × 49.01 in. 4 000 - 6 000 €

« Ces portraits sont des rayons X de ma ville, recollés à sa surface. J’essaie de recréer un ensemble d’événements qui ont ou auraient pu arriver ici, qui auraient pu arriver n’importe où. » — SWOON

Swoon s’est fait connaitre par sa technique de gravure. Inspirée par des signatures du street art comme Banksy ou Blek Le Rat, elle délaisse les galeries pour exposer son art dans les rues. Elle aime ce côté éphémère et immédiat du street art, cette fragilité de l’œuvre qui la rend si vulnérable. « J’ai toujours aime l’idée de fabriquer quelque chose qui ne survit pas à sa propre nécessite, qui existe pour un temps puis disparaît. Je garde et je protège certaines œuvres, mais j’aime en donner d’autres au moment présent », avoue-t-elle. Au fil de ses voyages, elle prend en photo des hommes, des femmes et des enfants dont la présence la touche. Des personnalités qui lui transmettent une émotion et qu’elle refait vivre sous forme de dessin de papier collé sur les murs, en taille réelle. Pour elle, la personnalité, l’originalité et les expériences de chacun se traduisent sur les corps et les visages. Ses portraits de papiers témoignent ainsi d’un instant de vie. En 2007, elle propose un projet all over sorte de projection du monde de la rue à la galerie LJ dans laquelle cette œuvre a été présentée.

Swoon became known for her engraving technique. Inspired by iconic street artists such as Banksy and Blek Le Rat, she turned away from galleries to exhibit her art in the streets. She is particularly drawn to the ephemeral and immediate nature of street art, and to the fragility of the artwork, which makes it so vulnerable. “I have always loved the idea of creating something that does not outlive its own purpose, something that exists for a while and then disappears. I keep and protect some of my works, but I enjoy giving others away in the present moment,” she admits. Throughout her travels, she photographs men, women and children whose presence moves her. These are individuals who convey an emotion to her, whom she then brings back to life through life-size paper drawings pasted onto walls. For her, each person’s personality, originality and experiences are reflected in their bodies and faces. Her paper portraits thus capture a moment in someone’s life. In 2007, she presented an All Over project, a kind of projection of the street world into the gallery space, at the LJ Gallery, where this artwork was exhibited.

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« Ce que je fais consiste essentiellement à tenter de lutter contre l’apathie en matière politique, sociale et environnementale... » — Shepard FAIREY

Visuel : Shepard Fairey, Hong Kong, 2000

C’est à la fin des années 80 que le nom de Shepard Fairey commence à se faire connaître à travers la campagne d’affichage de stickers André the Giant Has a Posse. Issu de la scène underground skate, Shepard Fairey a compris le pouvoir des images dans la société, véhiculant l’information et manipulant les idées, les consciences et les pensées. Il reprend à son compte le précepte the Medium is the Message et fait dès la fin des années 90 du visage du catcheur français André le Géant le symbole de son travail, logotype récurrent qu’il accompagne du mot « OBEY » (obéir / obéis !), message elliptique. Dès lors, son intérêt pour l’autoritarisme sera un des fils conducteurs de ses œuvres réalisées pour des expositions en galeries et en institutions. Shepard Fairey a compris l’évolution de la société contemporaine ; l’impact essentiel et fondamental de l’image. Reprenant l’esthétique des régimes totalitaires de l’URSS, Cuba ou de la Chine, il crée des œuvres à l’impact visuel saisissant se suffisant à elles-mêmes. Le sens est direct. Le logo « OBEY » se transforme en parallèle en un motif complexe en forme d’étoile.

It was in the late 1980s that Shepard Fairey first became famous through his sticker campaign, André the Giant Has a Posse. Coming from the underground skateboarding scene, Shepard Fairey understood the power of images in society: how they communicate information and influence ideas, awareness and thoughts. He adopted the principle of “The Medium is the Message” and, from the late 1990s onwards, made the face of French wrestler André the Giant the symbol of his work. This recurring logo was accompanied by the word “OBEY”, meaning “obey”, an ambiguous and mysterious message. From then on, his interest in authoritarianism became one of the main themes of his artworks, created for gallery exhibitions and cultural institutions. Shepard Fairey understood the evolution of contemporary society and the essential importance and influence of images. Inspired by the visual style of totalitarian regimes such as those of the USSR, Cuba and China, he creates artworks with a powerful visual impact that speak for themselves. The message is direct. At the same time, the “OBEY” logo evolves into a complex star-shaped design.

Shepard FAIREY (OBEY GIANT) (Américain - Né en 1970)

Two Sides of Capitalism (Bad) – 2007 Sérigraphie en couleurs et collage de techniques mixtes sur papier Signée, datée et numérotée « 5 / 19 HPM » 77 × 123 cm Bibliographie : E Pluribus Venom, The Art of Shepard Fairey, Gingko Press Éditions, 2008, un exemplaire similaire reproduit p. 86 Obey, Supply & Demand, The Art of Shepard Fairey, Gingko Press Éditions, Berkeley, 2009, le visuel reproduit p. 174-175 Screenprint in colors and mixed media collage on paper; signed, dated and numbered 30.31 × 48.42 in. 7 000 - 9 000 €

Visuel : Shepard Fairey, Two Sides of Capitalism (Good), 2007

J’ai créé les illustrations du billet d’un dollar Two Sides of Capitalism afin de mettre en évidence à la fois les aspects positifs et négatifs du capitalisme. La face positive du billet s’inspire d’un certificat d’actions et incarne l’optimisme et l’ingéniosité de l’entrepreneur industrieux. La face positive du capitalisme symbolise le rêve américain réalisé grâce au travail acharné et à une production de qualité.

I created the Two Sides of Capitalism dollar bill graphics to demonstrate both the postive and negative aspects of capitalism. The Positive side of the bill is styled after a stock certificate and represents the optimism and ressourcefulness of the industrious entrepreneur. The good side of capitalsm symbolizes the American dream achieved trhough hard work and quality production.

La face négative du billet d’un dollar, inspiré de la monnaie américaine, illustre les dangers potentiels d’un capitalisme débridé. Le texte et les illustrations de cette face abordent les thèmes de l’impérialisme économique et de la domination.

The Negative side of the dollar bill, based on U.S. currency, reflects the harmful potential of unchecked capitalism. Economic imperialism and domination are addressed in the text and imagery of this side.

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Shepard FAIREY (OBEY GIANT) (Américain - Né en 1970)

Hong Kong Visual Disobedience, blue – 2023 Acrylique, collages, sérigraphie sur toile Signée et datée ; contresignée, titrée, datée et dédicacée au dos « Raf thanks for the support » 152,5 × 112 cm Provenance : Acquis directement auprès de l’artiste par l’actuel propriétaire Porte au dos l’hologramme de certification Verisart Acrylic, collages, screenprint on canvas; signed and dated; countersigned, titled, dated and dedicated on the reverse 60.03 × 44.09 in. 40 000 - 60 000 €

Cette œuvre Hong Kong Visual Disobedience, blue fait écho à l’œuvre exposée en 2016 à la HOCA Foundation à Hong Kong. Elle reprend une installation qu’il avait réalisée dans les rues de Hong Kong lors de son premier voyage dans la ville, en 2000.

Visuel : Shepard Fairey réalisant Hong Kong Visual Disobedience, 2023

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Il s’inspire notamment des enseignes et des néons traditionnels de Hong Kong, du mélange entre architecture ancienne et moderne et de l’énergie visuelle et de la densité de la ville. Il transpose cette inspiration dans une composition graphique qui reprend les codes de l’affiche de propagande et de la publicité. Le titre Visual Disobedience, que l’on peut traduire par « désobéissance visuelle », exprime une volonté de résistance à travers les images. L’artiste cherche à remettre en question les images imposées par les pouvoirs politiques et économiques, détourner les codes de la propagande, encourager la liberté de pensée et inciter le public à développer son esprit critique. Visual Disobedience montre comment le street art peut devenir un moyen de contestation politique et sociale.

This artwork, Hong Kong Visual Disobedience, Blue, echoes the work exhibited in 2016 at the HOCA Foundation in Hong Kong. It is based on an installation that the artist created in the streets of Hong Kong during his first visit to the city in 2000. He draws inspiration from traditional Hong Kong signs and neon lights, the contrast between old and modern architecture, and the city’s visual energy and density. He transforms these influences into a graphic composition that uses the visual codes of propaganda posters and advertising. The title Visual Disobedience expresses the idea of resistance through images. The artist seeks to challenge images imposed by political and economic powers, subvert the codes of propaganda, encourage freedom of thought and invite the public to develop their critical thinking. Visual Disobedience shows how street art can become a form of political and social protest.

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Shepard FAIREY (OBEY GIANT) (Américain - Né en 1970)

Nouveau Girl Stencil – 2006 Pochoir, peinture aérosol et collages de sérigraphies sur papier Signé et daté 110 × 76 cm Provenance : Galerie Magda Danysz, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire en 2006 Bibliographie : À rapprocher de Nouveau Girl Stencil de 2007 in: Obey, Supply & Demand – The Art of Shepard Fairey, Éditions Gingko Press, Berkeley 2009, une variante reproduite p.230 Spray paint stencil, silkscreen and collage on paper; signed and dated 43.30 × 29.92 in. 18 000 - 25 000 €

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Shepard FAIREY ( OBEY GIANT) (Américain - Né en 1970)

Revolutionary Woman With Brush – 2007 Pochoir, peinture aérosol et collages sur papier Signé et daté 112 × 75,5 cm Provenance : Collection particulière, Royaume Uni Collection particulière, Paris Bibliographie : E Pluribus Venom, The Art of Shepard Fairey, Gingko Press Éditions, Berkeley, 2008, le visuel reproduit p. 90 Obey, Supply & Demand, The Art of Shepard Fairey, Gingko Press Éditions, Berkeley, 2009, le visuel reproduit p. 222 Stencil, spray paint and collages on paper; signed and dated 44.09 × 29.72 in. 20 000 - 30 000 €

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Shepard FAIREY (OBEY GIANT) (Américain - Né en 1970)

Rose Soldier – 2006 Pochoir, peinture aérosol et collages sur papier Signé et daté 111,76 × 76,2 cm Provenance : Galerie Magda Danysz, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Paris, Galerie Magda Danysz, Shepard Fairey - Obey, 3 juin au 29 juillet 2006 Bibliographie : E Pluribus Venom, The Art of Shepard Fairey, Gingko Press Éditions, 2008, une variante reproduite, p. 102 Obey, Supply & Demand, The Art of Shepard Fairey, Gingko Press Éditions, Berkeley, 2009, une variante reproduite, p. 232 Un certificat Verisart sera remis à l’acquéreur Spray paint stencil and collage on paper; signed and dated 44 × 30 in. 40 000 - 60 000 €

« J’essaie de rendre mon travail compréhensible pour une personne qui ne s’intéresserait pas de près à l’art ni à la politique. J’espère que mes œuvres peuvent servir de porte d’entrée vers quelque chose de plus profond. » — Shepard FAIREY

Visuel : Vue de l’exposition Shepard Fairey - Obey, Galerie Magda Danysz, Paris, 2006

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L’œuvre Rose Soldier de Shepard Fairey porte un message profondément symbolique : opposer la douceur à la violence, l’amour à la guerre et la beauté à la destruction.

The artwork Rose Soldier by Shepard Fairey carries a deeply symbolic message: contrasting gentleness with violence, love with war, and beauty with destruction.

Dans cette œuvre, Shepard Fairey utilise ainsi l’image du soldat pour questionner notre rapport à la guerre et à la puissance militaire. La rose fait notamment écho au mouvement pacifiste et à l’image historique de la fleur placée dans le canon d’un fusil lors des manifestations contre la guerre du Vietnam. L’artiste suggère ainsi que la résistance ne passe pas nécessairement par la force : elle peut aussi passer par la paix, la solidarité et l’amour. Même au milieu de la guerre, la douceur et l’humanité peuvent subsister.

In this artwork, Shepard Fairey uses the image of the soldier to question our relationship with war and military power. The rose echoes the pacifist movement and the historical image of a flower placed in the barrel of a gun during protests against the Vietnam War. The artist suggests that resistance does not necessarily have to come through force; it can also take the form of peace, solidarity and love. Even in the midst of war, gentleness and humanity can still survive.

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Cleon PETERSON

(Américain - Né en 1973)

A Just World – 2020 Acrylique sur toile Signée et datée au dos 107,5 × 106,5 × 8 cm Provenance : Over The Influence, Los Angeles Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Los Angeles, Over The Influence, Hysteria, 14 novembre au 27 décembre 2020 Bibliographie : Hysteria, catalogue de l’exposition chez Over The Influence, 2020, reproduit p. 130 Acrylic on canvas; signed and dated on the reverse 42.3 × 41.9 × 3.1 in. 6 000 - 8 000 €

« Je pense toujours à ce qui se passe à l’intérieur et à l’extérieur de notre pays, entre la race, le pouvoir et la religion. Je pense qu’il y a d’énormes problèmes dans le monde qui durent depuis toujours et que les gens ont de bonnes raisons d’être en colère et de chercher le changement. » — Cleon PETERSON

Nous sommes entrés dans une nouvelle ère de crise mondiale. L’angoisse moderne, le désespoir et l’anxiété existentielle sont devenus des sentiments courants, relégués au plus profond de notre subconscient. L’individu parcourt les rues avec un sentiment d’aliénation, ayant l’impression que la société se désagrège, prise en étau entre les technologies médiatiques, la politique, ainsi qu’un climat latent de haine et de confusion. Les idées que l’on nous a longtemps présentées, selon lesquelles la technologie et la compassion humaine nous sauveraient de notre nature sombre, ressemblent désormais davantage à une forme de pensée magique, à des illusions rassurantes. L’éthique humaine et notre connaissance collective de la vérité historique semblent s’effacer, remplacées par cette idée toute-puissante selon laquelle tout n’est qu’une question d’affaires (« business ») et que nous devons prendre tout ce que nous pouvons obtenir, tant qu’il est encore temps. Au nom du pouvoir, les responsables politiques mobilisent les foules et les poussent à la violence. Ils réclament notre indignation et notre attention en nous promettant de nous ramener à un passé qui n’a jamais réellement existé, ou en nous faisant miroiter des avenirs qui ne se réaliseront jamais. Dans le même temps, les capitalistes nous proposent une forme de rédemption et de quête de sens à travers la dernière chose qui semble encore nous relier les uns aux autres : la consommation.

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We’ve entered a new age of global crisis. Modern dread, hopelessness, and existential anxiety have become common and relegated to the subconscious. The individual walks the streets feeling a sense of alienation and that society, coopted by media technology, politics, and an undercurrent of hate and confusion, is unraveling. The ideas sold to us for so long that technology and human compassion will save us from our dark nature look more like magical thinking. Human ethics and our shared knowledge of historical truth seem to be fading away, replaced by the almighty idea that everything is “just business” and that we must take what you can get now. In the name of power, politicians summon mobs to violence and demand our outrage and attention with promises of returning us to a past that never was or promising us futures that will never be. At the same time, capitalists offer us redemption and meaning through the last thing that connects us all, consumption.

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BANKSY

(Anglais - Né en 1974)

Grannies – 2006 Sérigraphie en couleurs Non signée, numérotée « 271 / 500 » Édition Pictures On Walls (P.O.W.), Londres (porte le timbre sec) 56,5 × 76,5 cm Un certificat du Pest Control sera remis à l’acquéreur Screenprint in colors; unsigned, numbered 22.04 × 29.92 in. 10 000 - 15 000 €

Deux femmes âgées sont assises côte à côte, absorbées par leur tricot et en train de boire du thé. Elles semblent très satisfaites d’elles-mêmes, souriantes, probablement en train de discuter, d’échanger de bons souvenirs et de tricoter pour leurs petitsenfants. Cependant, en y regardant de plus près, les inscriptions en lettres majuscules sur les pulls sont pour le moins inattendues : « PUNK’S NOT DEAD » (Le punk n’est pas mort) et « THUG FOR LIFE » (Voyou pour la vie). Ces slogans contrastent fortement avec la douceur des personnages qui les réalisent. Les deux femmes sont représentées avec des nuances de couleurs douces et des transitions délicates, tandis que la typographie est imposante, directe et impossible à ignorer. Elles semblent toutes les deux discrètement fières d’elles-mêmes, car elles défient les normes culturelles et partagent ensemble cet acte de rébellion. Banksy construit cette image à partir d’une contradiction. D’un côté, on retrouve le langage visuel de la tradition : des personnages âgés, le tricot et le calme de la vie domestique. De l’autre, on découvre le vocabulaire de la rébellion, emprunté aux souscultures associées à la jeunesse, à la contestation et à la résistance Ici, le message n’est pas crié : il est patiemment assemblé.

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Two elderly women sit side by side, absorbed in their knitting and drinking tea. They seem very pleased of themselves, smiling, most probably talking, exchanging good memories, and knitting for their grandchildren. However, on closer inspection, the text emblazoned in block-capitals across the jumpers are unlikely slogans: “PUNK’S NOT DEAD” and “THUG FOR LIFE”. They stand in stark contrast to the gentleness of the figures producing them. The figures are rendered with soft tonal transitions, while the typography is bold, immediate, and impossible to ignore. They both appear to be quietly pleased with themselves, as they fly in the face of cultural norms, and share such an act of rebellion. Banksy constructs the image through contradiction. On one side, the visual language of tradition: elderly figures, knitting, domestic calm. On the other, the vocabulary of rebellion, drawn from subcultures associated with youth, defiance, and resistance. This collision is not explosive. It is controlled. Here, the message is not shouted: it is patiently assembled.

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Nick WALKER

(Anglais - Né en 1969)

The Morning After, Brooklyn – 2007 Pochoir et peinture aérosol sur toiles (diptyque) Signée du monogramme et datée au dos 80 × 201 cm

Provenance : Bunkamura Gallery, Tokyo Collection particulière, Paris Spray paint stencil on canvas; signed and dated on the reverse 31.49 × 79.13 in. 8 000 - 10 000 €

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« Il y a aussi quelque chose d’intemporel chez le Vandal,…Dans ma série The Morning after, il jette de la peinture et s’enfuit, mais laisse toujours une trace. » — Nick WALKER

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Conor HARRINGTON

(Irlandais - Né en 1980)

Blind Patriots 3 – 2018 Acrylique sur panneau Signé et daté au dos 80 × 60 cm Provenance : HENI Gallery, Londres Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Londres, HENI Gallery, The Story of Us & Them, 14 septembre au 13 octobre 2018 Acrylic on panel; signed and dated on the reverse 31.5 × 23.6 in. 8 000 - 12 000 €

« Ce qui m’intéresse c’est la dynamique des éléments qui s’opposent. J’aime les contrastes, les oppositions, le brut et le raffiné. » — Conor HARRINGTON

Le style très particulier de Conor Harrington est une fusion entre la peinture réaliste classique, inspirée des peintres de la Renaissance, et les codes du Street Art. Il a étudié les BeauxArts à l’Art College durant 7 ans, et son style a progressé au fil des ans. Son travail trace une fine ligne entre Art Classique et Art Contemporain. L’artiste peint non seulement d’immenses peintures murales en extérieur, mais il démontre également constamment son talent artistique et inventif dans le cadre d’expositions en galerie.

Visuel : Vue de l’exposition The Story of Us & Them, HENI Gallery, Londres, 2018

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Les thématiques de Conor touchent au théâtre du pouvoir, à ses rituels, à ses ruines et aux manifestations fragiles de la masculinité qui le soutiennent. Travaillant à une échelle monumentale, il s’inspire de la gravité compositionnelle de la peinture classique, pour mieux la démêler. Ses toiles sont des collisions : un réalisme rigoureux se heurte à une abstraction gestuelle sauvage. Dans cette friction, Harrington interroge les mythes de l’empire et les illusions de permanence que l’histoire s’obstine à répéter.

Conor Harrington’s highly distinctive style is a fusion of classical realist painting, inspired by the masters of the Renaissance, and the visual language of Street Art. He studied Fine Arts at art college for seven years, and his style has continued to evolve over the years. His work traces a fine line between classical and contemporary art. The artist not only creates monumental outdoor murals but also consistently demonstrates his artistic talent and inventiveness through gallery exhibitions. Harrington’s themes explore the theatre of power, its rituals, its ruins, and the fragile expressions of masculinity that sustain it. Working on a monumental scale, he draws inspiration from the compositional gravity of classical painting, only to unravel it. His canvases are sites of collision, where rigorous realism clashes with wild, gestural abstraction. Through this tension, Harrington questions the myths of empire and the illusions of permanence that history seems so determined to repeat.

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HUSH

(Anglais - Né en 1965)

Dirty Bomb – 2007 Pochoir, peinture aérosol et acrylique sur toile Signée et datée; contresignée, datée et titrée au dos 100 × 69,5 cm Provenance : Urban Angel, Londres Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Spray paint stencil and acrylic on canvas; signed and dated; countersigned, dated and titled on the reverse 39.37 × 27.16 in. 1 500 - 2 000 €

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OS GEMEOS

(Brésiliens - Nés en 1974)

Untitled – 2003 Acrylique et tissus sur boite en bois 27 × 11 × 8,5 cm Provenance : Leonard Street Gallery, Londres Carmichael Gallery, Los Angeles Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Acrylic and fabric on a wooden box 10.62 × 4.33 × 3.14 in. 6 000 - 8 000 €

Nourris des influences du hiphop et du graffiti new-yorkais, les jumeaux brésiliens Pandolfo connus sous le nom Os Gemeos commencent à bomber les rues de São Paulo. Ils sont isolés du monde du graffiti et vont développer une voie inédite. Après avoir peint des B-Boys, ils développent un style personnel sous l’influence de Barry McGee, un univers imaginaire qui raconte la vie à São Paulo, le folklore local, leur pays le Brésil. Ils peignent ainsi une galerie de portraits colorés très identifiables. Chronique de la vie quotidienne, métissage culturel, c’est le peuple brésilien et ses racines que les Os Gemeos décrivent dans leurs œuvres. Ils associent le jaune qui devient leur couleur fétiche au rouge, code visuel des rues de São Paulo, respecté par les autres graffeurs. L’art des Os Gemeos est un art de l’imaginaire, du rêve. Avant tout, ils veulent que les spectateurs soient en contemplation devant les œuvres puis fassent leur propre interprétation et aient leur propre compréhension.

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Fed of hip-hop and New York graffiti influences, the Brazilian Pandolfo twins known as Os Gemeos stand out in the streets of Sao Paulo. Isolated from the world of graffiti, they will develop in an unprecedented way. After painting B-Boys, they developed a personal style influenced by Barry McGee, an imaginary world which tells the story of life in Sao Paulo, local folklore, of their country, Brazil. They paint a gallery of colorful, very identifiable portraits. A chronicle of everyday life, of cultural mix, Brazilian people and their roots which Os Gemeos describe in their works. They associate the yellow that becomes their favorite color to red, the visual code of Sao Paulo streets, respected by other graffiti artists. The art of Os Gemeos is a fantasy art, a dream. Above all, they want the audience to contemplate works and then use their own interpretation and create an individual understanding of it.

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INTI CASTRO

(Chilien - Né en 1982)

Pachakuti – 2017 Acrylique sur toile Signée, contresignée et datée au dos 200 × 149 cm Provenance : Galerie Itinerrance, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Paris, Galerie Itinerrance, Inti Profane, 15 février au 17 mars 2018 Acrylic on canvas; signed, countersigned and dated on the reverse. 78.7 × 58.7 in. 7 000 - 9 000 €

« Profane nous pousse à réfléchir à la banalité de nos croyances et de nos dogmes, par opposition à la beauté de la vie, naturelle, délicate et éphémère. » — Inti CASTRO

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Avec beaucoup d’agilité, Inti utilise la satire autour d’une mise en scène festive pour désacraliser ses personnages. Il nous pousse à interroger nos haines, nos peurs et nos faiblesses afin de questionner nos limites et redéfinir nos règles sociales.

With great agility, Inti uses satire within a festive setting to demystify and strip his characters of their sacred status. He encourages us to question our hatreds, fears and weaknesses, challenging our boundaries and redefining our social norms.

Ses fresques mettant en scène tantôt le Kusillo, personnage masqué extrait du carnaval sud-américain, tantôt des figures issues de l’imagerie religieuse, créent des compositions riches de sens qui abordent souvent des sujets sociaux. L’artiste va puiser des symboles dans différentes cultures et de nombreux domaines. Il les sort de leur contexte pour leur donner un nouveau sens en les juxtaposant.

His murals feature either the Kusillo, a masked character drawn from South American carnival traditions, or figures inspired by religious iconography. These compositions, rich in meaning, often address social issues. The artist draws on symbols from a wide range of cultures and fields, removing them from their original contexts and giving them new meanings through juxtaposition.

Dans cette œuvre Pachakuti, Inti représente ce Kusillo, son personnage fétiche, clown de carnaval dans les cultures andines. Il le transforme en un symbole politique et poétique. Il l’utilise pour interroger l’histoire de l’Amérique latine. Il tient dans ses mains des objets hautement symboliques : l’épi de maïs (représentant la souveraineté alimentaire et la terre), un cœur d’où émerge une rose pour dénoncer le capitalisme, la colonisation et la perte des traditions indigènes.

In this work, Pachakuti, Inti depicts the Kusillo, his signature character and a carnival clown rooted in Andean cultures. He transforms this figure into a political and poetic symbol, using it to explore the history of Latin America. The Kusillo holds several highly symbolic objects: an ear of corn, representing food sovereignty and the land, and a heart from which a rose emerges, denouncing capitalism, colonisation and the loss of Indigenous traditions.

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« À travers mon travail, je ne veux pas faire quelque chose de beau et de superficiel. J’ai quelque chose à dire, à communiquer, à transmettre, pour que tout le monde réfléchisse et participer, peut-être, à faire changer quelques mentalités. » — BORDALO II, entretien pour ArtsHebdoMedias, 19 février 2019

Visuel : BORDALO II, Half Fox, Lisbonne, 2017

Les Small Trash Animals de l’artiste portugais Bordalo II sont des versions miniatures de ses célèbres sculptures d’animaux en déchets urbain. Ses œuvres se caractérisent effectivement par son utilisation de déchets en tout genre, récupérés dans les rues et assemblés pour former des animaux d’un réalisme détaillé. Tôles, tuyaux, pneus, cordes… tant d’objets de plastique mis au rebus par la société que l’artiste revalorise à travers ses productions. Son œuvre est pleinement engagée en faveur de l’écologie : les matériaux de récupération, ces « déchets » bruts fabriqués par l’être humain, nous rappellent que ce sont les mêmes qui tuent les animaux représentés ainsi que l’ensemble de la planète dans laquelle nous vivons. Le questionnement de nos habitudes de consommation – et finalement, de gaspillage est au centre des créations de Bordalo II.

The Small Trash Animals by Portuguese artist Bordalo II are miniature versions of his famous animal sculptures made from urban waste. His works are indeed characterized by his use of all kinds of discarded materials, collected from the streets and assembled to create remarkably detailed, realistic animals. Sheet metal, pipes, tyres, ropes… all these plastic and other discarded objects, rejected by society, are given a new lease of life through the artist’s creations. His work is deeply committed to environmental causes. These reclaimed materials, these raw forms of waste produced by human beings, remind us that the very same materials are responsible for killing the animals depicted in his sculptures, as well as harming the entire planet we inhabit. Questioning our consumption habits – and ultimately, our tendency to waste – lies at the heart of Bordalo II’s artistic practice.

BORDALO II

(Portugais - Né en 1987)

Pretty Mousse – 2018 Peinture sur assemblage de déchets (plastique, bois, fils électriques...) Signé 61 × 46 × 10 cm Provenance : MathGoth Galerie, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Paris, MathGoth Galerie, BORDALO II · Accord de Paris, 26 janvier - 2 mars 2019 Painting on an assemblage of found materials (plastic, wood, electrical wires, etc.); signed 24 × 18.1 × 3.9 in. 4 000 - 6 000 €

BORDALO II

(Portugais - Né en 1987)

Black and white ruffed lemur – 2018 Peinture sur assemblage de déchets (plastique, bois, fils électriques...) Signé 81 × 81,5 × 10 cm Provenance : MathGoth Galerie, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition: Paris, MathGoth Galerie, BORDALO II · Accord de Paris, 26 janvier - 2 mars 2019 Painting on an assemblage of found materials (plastic, wood, electrical wires, etc.); signed 31.9 × 32.1 × 3.9 in. 7 000 - 9 000 €

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BORDALO II

(Portugais - Né en 1987)

Gibbon Monkey – 2018 Peinture sur assemblage de déchets (plastique, bois, fils électriques...) Signé 80,5 × 84 × 13 cm Provenance : MathGoth Galerie, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition: Paris, MathGoth Galerie, BORDALO II · Accord de Paris, 26 janvier - 2 mars 2019 Painting on an assemblage of found materials (plastic, wood, electrical wires, etc.); signed 31.7 × 33.1 × 5.1 in. 7 000 - 9 000 €

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BORDALO II

(Portugais - Né en 1987)

Half White Owl – 2017 Peinture sur assemblage de déchets (plastique, bois, fils électriques...) Signé 71 × 51,5 × 19 cm Provenance : MathGoth Galerie, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Painting on an assemblage of found materials (plastic, wood, electrical wires, etc.); signed 28.0 × 20.3 × 7.5 in. 4 000 - 6 000 €

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BORDALO II

(Portugais - Né en 1987)

Half Baby chimp – 2018 Peinture sur assemblage de déchets (plastique, bois, fils électriques...) Signé 82 × 83 × 10 cm Provenance : MathGoth Galerie, Paris Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Exposition : Paris, MathGoth Galerie, BORDALO II · Accord de Paris, 26 janvier - 2 mars 2019 Painting on an assemblage of found materials (plastic, wood, electrical wires, etc.); signed 32.3 × 32.7 × 3.9 in. 7 000 - 9 000 €

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« Ce n’était pas quelque chose de réfléchi, mais une évidence naturelle : il fallait que je peigne des animaux. C’est chez moi un besoin organique, un moteur inexplicable. » — ROA, entretien avec Olivier Granoux, Télérama, 14 janvier 2021

Visuel : Roa, Brushtail Possum, Perth (Australie), 2014

Fasciné par les animaux, Roa estime qu’ils « ont beaucoup plus à dire sur le monde que n’importe quelle autre créature ». À chacun de ses voyages aux quatre coins du monde et sur tous les continents, il peint à la bombe aérosol des animaux locaux. Il couvre d’abord d’une peinture blanche la surface à peindre puis finit au marqueur les détails de la bête. Endormie, vivante ou morte. Son but étant de faire réfléchir le spectateur. Qu’il se fasse sa propre interprétation. « Que cela lui inspire de la créativité, qu’il s’engage en faveur de l’environnement ou qu’il jette juste un œil à ma peinture et je suis heureux ». D’autant que la symbolique des animaux varie d’un pays et d’une culture à l’autre. Roa invite donc le spectateur à s’interroger sur la place de l’homme et des animaux dans le monde actuel. Sur le mur d’un musée ou dans une usine désaffectée en banlieue, Roa aime que se noue une interaction entre l’humain et la nature. Peindre des animaux est pour lui une manière de faire que la nature réintègre les lieux bétonnés. D’ailleurs, il se plait aussi à faire vivre son art dans des lieux désertiques, comme en Gambie ou au Cambodge, dans un village abandonné. En Afrique, ce qui touche davantage Roa c’est l’implication des populations locales. « Peindre en Afrique est une expérience unique et spéciale », dit-il. « C’est un engagement avec la communauté locale et un procédé de création très intense. »

Fascinated by animals, Roa believes that they “have much more to say about the world than any other creature.” During each of his travels around the world, across every continent, he spraypaints animals native to the places he visits. He first covers the surface to be painted with white paint, then adds the details of the animal using a marker. Whether asleep, alive or dead, his aim is to make viewers think and encourage them to form their own interpretations. “Whether it inspires them to be creative, encourages them to take action to protect the environment, or simply makes them stop and look at my painting, I’m happy.” Especially since the symbolism of animals varies from one country and culture to another. Roa therefore invites viewers to question the place of humans and animals in today’s world. Whether on the walls of a museum or inside an abandoned factory on the outskirts of a city, Roa enjoys creating an interaction between human beings and nature. Painting animals is, for him, a way of bringing nature back into concrete, urban environments. He also enjoys bringing his art to life in remote and deserted locations, such as in Gambia or in an abandoned village in Cambodia. In Africa, what particularly moves Roa is the involvement of local communities. “Painting in Africa is a unique and special experience,” he says. “It is an engagement with the local community and a very intense creative process.”

Violaine Pondard

ROA

(Belge - Né en 1975)

Mouflon - Ovis Orientalis – 2015 Peinture aérosol et acrylique sur assemblage en bois de récupération Signé au dos 115,5 × 194,5 × 7,5 cm (version externe) 115,5 × 222,5 × 7,5 cm (version interne) Provenance : Howard Griffin Gallery, Londres Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Spray paint and acrylic on found wood; signed on the reverse 45.47 × 76.57 × 2.75 in. (out) 45.47 × 87.40 × 2.75 in. (in) 7 000 - 9 000 €

« Que cela inspire au spectateur de la créativité, qu’il s’engage en faveur de l’environnement ou qu’il jette juste un œil à ma peinture et je suis heureux. » — ROA, entretien pour Hi Fructose, 7 septembre 2012

Visuel : ROA, Mouflon, Gand (Belgique), 2009

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Recto

Verso

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ROA

(Belge - Né en 1957)

Cane Injection Box – 2017 Technique mixte, assemblage Signée 11 × 32,5 × 22 cm Provenance : Stolen Space Gallery, Londres Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Un certificat de la galerie Stolen Space sera remis à l’acquéreur Mixed media assemblage; signed 4.3 × 12.8 × 8.7 in. 4 000 - 6 000 €

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Recto

ROA

(Belge - Né en 1975)

Phascolarctos Cinereus – 2015 Peinture aérosol et acrylique sur assemblage en bois de récupération Signé au dos 131,5 × 85 × 10 cm (version extérieure) 131,5 × 201 × 10 cm (version intérieure) Provenance : Howard Griffin Gallery, Londres Acquis directement auprès de cette dernière par l’actuel propriétaire Verso

Spray paint and acrylic on found wood; signed on the reverse 51.77 × 33.46 × 3.93 in. 51.77 × 79.13 × 3.93 in. 8 000 - 12 000 €

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Roy LICHTENSTEIN (1923-1997) Form in space - 1985 Sérigraphie en couleurs Signée et justifiée «AP 10/20» (Edition à 125 exemplaires + 20 AP ) Tampon de l'Estate au dos 90 × 131,50 cm Estimation : 50 000 - 60 000 €

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RTCURIAL Simon HANTAÏ (1922-2008) Composition - 1958 Huile sur toile 146 × 104,50 cm Estimation : 40 000 - 60 000 €

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Derrick ADAMS (Né en 1970) Mixed signals - 2015 Technique mixte et collages sur carton 82 × 122 cm Estimation : 18 000 – 25 000 €

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CONDITIONS GÉNÉRALES D’ACHAT AUX ENCHÈRES PUBLIQUES ARTCURIAL SAS Artcurial SAS est un opérateur de ventes volontaires de meubles aux enchères publiques régie par les articles L 321-4 et suivant du Code de commerce. En cette qualité Artcurial SAS agit comme mandataire du vendeur qui contracte avec l’acquéreur. Les rapports entre Artcurial SAS et l’acquéreur sont soumis aux présentes conditions générales d’achat qui pourront être amendées par des avis écrits ou oraux avant la vente et qui seront mentionnés au procès-verbal de vente. En tant qu’opérateur de ventes volontaires, ARTCURIAL SAS est assujetti aux obligations listées aux articles L.561-2 14° et suivants du Code Monétaire et Financier relatifs à la lutte contre le blanchiment d’argent et le financement du terrorisme.

1 . LE BIEN MIS EN VENTE a) Les acquéreurs potentiels sont invités à examiner les biens pouvant les intéresser avant la vente aux enchères, et notamment pendant les expositions. Artcurial SAS se tient à la disposition des acquéreurs potentiels pour leur fournir des rapports sur l’état des lots. b) Les descriptions des lots résultant du catalogue, des rapports, des étiquettes et des indications ou annonces verbales ne sont que l’expression par Artcurial SAS de sa perception du lot, mais ne sauraient constituer la preuve d’un fait. c) Les indications données par Artcurial SAS sur l’existence d’une restauration, d’un accident ou d’un incident affectant le lot, sont exprimées pour faciliter son inspection par l’acquéreur potentiel et restent soumises à son appréciation personnelle ou à celle de son expert. L’absence d’indication d’une restauration d’un accident ou d’un incident dans le catalogue, les rapports, les étiquettes ou verbalement, n’implique nullement qu’un bien soit exempt de tout défaut présent, passé ou réparé. Inversement la mention de quelques défauts n’implique pas l’absence de tout autres défauts. d) Les estimations sont fournies à titre purement indicatif et elles ne peuvent être considérées comme impliquant la certitude que le bien sera vendu au prix estimé ou même à l’intérieur de la fourchette d’estimations. Les estimations ne sauraient constituer une quelconque garantie. Les estimations peuvent être fournies en plusieurs monnaies; les conversions peuvent à cette occasion être arrondies différemment des arrondissements légaux. e) Les biens d’occasion (tout ce qui n’est pas neuf) ne bénéficient pas de la garantie légale de conformité conformément à l’article L 217-2 du Code de la consommation.

2 . LA VENTE a) En vue d’une bonne organisation des ventes, les acquéreurs potentiels sont invités à se faire connaître auprès d’Artcurial SAS, avant la vente, afin de permettre l’enregistrement de leurs données personnelles. Artcurial SAS se réserve le droit de demander à tout acquéreur potentiel de justifier de son identité ainsi que de ses références bancaires et d’effectuer un déposit. Artcurial SAS se réserve d’interdire l’accès à la salle de vente de tout acquéreur potentiel pour justes motifs. Une enchère est acceptée au regard des informations transmises par l'encherisseur avant la vente. En conséquence, aucune modification du nom de l'adjudicataire ne pourra intervenir après la vente.

b) Toute personne qui se porte enchérisseur s’engage à régler personnellement et immédiatement le prix d’adjudication augmenté des frais à la charge de l’acquéreur et de tous impôts ou taxes qui pourraient être exigibles.Tout enchérisseur est censé agir pour son propre compte sauf dénonciation préalable de sa qualité de mandataire pour le compte d’un tiers, acceptée par Artcurial SAS. c) Le mode normal pour enchérir consiste à être présent dans la salle de vente. Toutefois Artcurial SAS pourra accepter gracieusement de recevoir des enchères par téléphone d’un acquéreur potentiel qui se sera manifesté avant la vente. Artcurial SAS ne pourra engager sa responsabilité notamment si la liaison téléphonique n’est pas établie, est établie tardivement, ou en cas d’erreur ou d’omissions relatives à la réception des enchères par téléphone. À toutes fins utiles, Artcurial SAS se réserve le droit d’enregistrer les communications téléphoniques durant la vente. Les enregistrements seront conservés jusqu’au règlement du prix, sauf contestation. d) Artcurial SAS pourra accepter gracieusement d’exécuter des ordres d’enchérir qui lui auront été transmis avant la vente, pour lesquels elle se réserve le droit de demander un déposit de garantie et qu’elle aura acceptés. Si le lot n’est pas adjugé à cet enchérisseur, le déposit de garantie sera renvoyé sous 72h. Si Artcurial SAS reçoit plusieurs ordres pour des montants d’enchères identiques, c’est l’ordre le plus ancien qui sera préféré. Artcurial SAS ne pourra engager sa responsabilité notamment en cas d’erreur ou d’omission d’exécution de l’ordre écrit. e) Dans l’hypothèse où un prix de réserve aurait été stipulé par le vendeur, Artcurial SAS se réserve le droit de porter des enchères pour le compte du vendeur jusqu’à ce que le prix de réserve soit atteint.En revanche le vendeur n’est pas autorisé à porter lui-même des enchères directement ou par le biais d’un mandataire.Le prix de réserve ne pourra pas dépasser l’estimation basse figurant dans le catalogue ou modifié publiquement avant la vente. f) Artcurial SAS dirigera la vente de façon discrétionnaire, en veillant à la liberté des enchères et à l’égalité entre l’ensemble des enchérisseurs, tout en respectant les usages établis.Artcurial SAS se réserve de refuser toute enchère, d’organiser les enchères de la façon la plus appropriée, de déplacer certains lots lors de la vente, de retirer tout lot de la vente, de réunir ou de séparer des lots.En cas de contestation Artcurial SAS se réserve de désigner l’adjudicataire, de poursuivre la vente ou de l’annuler, ou encore de remettre le lot en vente. g) Sous réserve de la décision de la personne dirigeant la vente pour Artcurial SAS, l’adjudicataire sera la personne qui aura porté l’enchère la plus élevée pourvu qu’elle soit égale ou supérieure au prix de réserve, éventuellement stipulé. Le coup de marteau matérialisera la fin des enchères et le prononcé du mot «adjugé» ou tout autre équivalent entraînera la formation du contrat de vente entre le vendeur et le dernier enchérisseur retenu. L’adjudicataire ne pourra obtenir la livraison du lot qu’après règlement de l’intégralité du prix. en cas de remise d’un chèque ordinaire, seul l’encaissement du chèque vaudra règlement. Artcurial SAS se réserve le droit de ne délivrer le lot qu’après encaissement du chèque. Le lot non adjugé pourra être vendu après la vente dans les conditions de la loi sous réserve que son prix soit d’au moins 1.500 euros.

h) Pour faciliter les calculs des acquéreurs potentiels, Artcurial SAS pourra être conduit à utiliser à titre indicatif un système de conversion de devises. Néanmoins les enchères ne pourront être portées en devises, et les erreurs de conversion ne pourront engager la responsabilité de Artcurial SAS.

3 . L’EXÉCUTION DE LA VENTE a) En sus du prix de l’adjudication, l’adjudicataire (acheteur) devra acquitter par lot et par tranche dégressive les commissions et taxes suivantes: 1) Lots en provenance de l’UE: •

De 1 à 1 500 000 euros: 28 % + TVA au taux en vigueur.

•

De 1 500 001 à 6 000 000 euros: 22 % + TVA au taux en vigueur.

•

Au-delà de 6 000 001 euros: 14,5 % + TVA au taux en vigueur.

2) Lots en provenance hors UE: (indiqués par un m): Œuvres d’art, antiquités et biens de collection: L’adjudication sera portée hors taxe. A cette adjudication sera ajoutée une TVA au taux réduit de 5,5% qui pourra être rétrocédée à l’adjudicataire sur présentation d'un justificatif d’exportation hors UE ou à l’adjudicataire UE justifiant d’un numéro de TVA intracommunautaire et d’un document prouvant la livraison dans son état membre. Les commissions et taxes indiquées au paragraphe 1) ci-dessus demeurent identiques. 3) Lots en provenance hors UE (indiqués par un m) Bijoux et Montres, Vins et Spiritueux, Multiples: Aux commissions et taxes indiquées au paragraphe 1) ci-dessus, il conviendra d’ajouter des frais liés à l’importation correspondant à 20% du prix d’adjudication. 4) Des frais additionnels seront facturés aux adjudicataires ayant enchérit en ligne par le biais de plateformes Internet autres qu’ARTCURIAL LIVE. 5) La TVA sur commissions et les frais liés à l’importation pourront être rétrocédés à l’adjudicataire sur présentation des justificatifs d’exportation hors UE effectuée dans les trois mois après la vente. L’adjudicataire UE justifiant d’un n° de TVA Intracommunautaire et d’un document prouvant la livraison dans son état membre pourra obtenir le remboursement de la TVA sur commissions. Le paiement du lot aura lieu au comptant, pour l’intégralité du prix, des frais et taxes, même en cas de nécessité d’obtention d’une licence d’exportation. L’adjudicataire pourra s’acquitter par les moyens suivants: - En espèces : jusqu’à 1 000 euros frais et taxes compris pour les ressortissants français et les personnes agissant pour le compte d’une entreprise, 15 000 euros frais et taxe compris pour les ressortissants étrangers sur présentation de leurs papiers d’identité ; - Par chèque bancaire tiré sur une banque française sur présentation d’une pièce d’identité et, pour toute personne morale, d’un extrait KBis daté de moins de 3 mois (les chèques tirés sur une banque étrangère ne sont pas acceptés); - Par virement bancaire; - Par carte de crédit: VISA, MASTERCARD ou AMEX (en cas de règlement par carte American Express, une commission supplémentaire de 1,85 % correspondant aux frais d’encaissement sera perçue). 6) La répartition entre prix d’adjudication et commissions peut-être modifiée par convention particulière entre le vendeur et Artcurial sans conséquence pour l’adjudicataire.

b) Artcurial SAS sera autorisé à reproduire sur le procès-verbal de vente et sur le bordereau d’adjudication les renseignements qu’aura fournis l’adjudicataire avant la vente. Toute fausse indication engagera la responsabilité de l’adjudicataire. Dans l’hypothèse où l’adjudicataire ne se sera pas fait enregistrer avant la vente, il devra communiquer les renseignements nécessaires dès l’adjudication du lot prononcée. Toute personne s’étant fait enregistrer auprès de Artcurial SAS dispose d’un droit d’accès et de rectification aux données nominatives fournies à Artcurial SAS dans les conditions de la Loi du 6 juillet 1978. c) Il appartiendra à l’adjudicataire de faire assurer le lot dès l’adjudication. Il ne pourra recourir contre Artcurial SAS, dans l’hypothèse où par suite du vol, de la perte ou de la dégradation de son lot, après l’adjudication, l’indemnisation qu’il recevra de l’assureur de Artcurial SAS serait avérée insuffisante. d) Le lot ne sera délivré à l’acquéreur qu’après paiement intégral du prix, des frais et des taxes. En cas de règlement par chèque, le lot ne sera délivré qu’après encaissement définitif du chèque, soit 8 jours ouvrables à compter du dépôt du chèque. A compter du lundi suivant le 90e jour après la vente, le lot acheté réglé ou non réglé restant dans l’entrepôt, fera l’objet d’une facturation de 50€ HT par semaine et par lot, toute semaine commencée étant due dans son intégralité au titre des frais d’entreposage et d’assurance.À défaut de paiement par l’adjudicataire, après mise en demeure restée infructueuse, le bien est remis en vente à la demande du vendeur sur folle enchère de l’adjudicataire défaillant; si le vendeur ne formule pas cette demande dans un délai de trois mois à compter de l’adjudication, la vente est résolue de plein droit, sans préjudice de dommages intérêts dus par l’adjudicataire défaillant. En outre, Artcurial SAS se réserve de réclamer à l’adjudicataire défaillant, à son choix: - Des intérêts au taux légal majoré de cinq points, - Le remboursement des coûts supplémentaires engendrés par sa défaillance, - Le paiement de la différence entre le prix d’adjudication initial et le prix d’adjudication sur folle enchère s’il est inférieur, ainsi que les coûts générés par les nouvelles enchères. Artcurial SAS se réserve également de procéder à toute compensation avec des sommes dues à l’adjudicataire défaillant. Artcurial SAS se réserve d’exclure de ses ventes futures, tout adjudicataire qui aura été défaillant ou qui n’aura pas respecté les présentes conditions générales d’achat. e) Sous réserve de dispositions spécifiques à la présente vente, les achats qui n’auront pas été retirés dans les sept jours de la vente (samedi, dimanche et jours fériés compris), pourront être transportés dans un lieu de conservation aux frais de l’adjudicataire défaillant qui devra régler le coût correspondant pour pouvoir retirer le lot, en sus du prix, des frais et des taxes. f) L’acquéreur pourra se faire délivrer à sa demande un certificat de vente qui lui sera facturé la somme de 60 euros TTC.

4 . LES INCIDENTS DE LA VENTE

8 . RETRAIT DES LOTS

En cas de contestation Artcurial SAS se réserve de désigner l’adjudicataire, de poursuivre la vente ou de l’annuler, ou encore de remettre le lot en vente.

L’acquéreur sera lui-même chargé de faire assurer ses acquisitions, et Artcurial SAS décline toute responsabilité quant aux dommages que l’objet pourrait encourir, et ceci dès l’adjudication prononcée. Toutes les formalités et transports restent à la charge exclusive de l’acquéreur.

a) Dans l’hypothèse où deux personnes auront porté des enchères identiques par la voix, le geste, ou par téléphone et réclament en même temps le bénéfice de l’adjudication après le coup de marteau, le bien sera immédiatement remis en vente au prix proposé par les derniers enchérisseurs, et tout le public présent pourra porter de nouvelles enchères.

9 . INDÉPENDANCE DES DISPOSITIONS

b) Pour faciliter la présentation des biens lors de ventes, Artcurial SAS pourra utiliser des moyens vidéos. en cas d’erreur de manipulation pouvant conduire pendant la vente à présenter un bien différent de celui sur lequel les enchères sont portées, Artcurial SAS ne pourra engager sa responsabilité, et sera seul juge de la nécessité de recommencer les enchères.

Les dispositions des présentes conditions générales d’achat sont indépendantes les unes des autres. La nullité de quelque disposition ne saurait entraîner l’inapplicabilité des autres.

5 . PRÉEMPTION DE L’ÉTAT FRANÇAIS

Conformément à la loi, il est précisé que toutes les actions en responsabilité civile engagées à l’occasion des prisées et des ventes volontaires et judiciaires de meuble aux enchères publiques se prescrivent par cinq ans à compter de l’adjudication ou de la prisée.La loi française seule régit les présentes conditions générales d’achat. Toute contestation relative à leur existence, leur validité, leur opposabilité à tout enchérisseur et acquéreur, et à leur exécution sera tranchée par le tribunal judiciaire compétent du ressort de Paris (France). Le Conseil des Ventes Volontaires, 19 avenue de l’Opéra – 75001 Paris peut recevoir des réclamations en ligne (www.conseildesventes.fr, rubrique « Réclamations en ligne »).

L’état français dispose d’un droit de préemption des œuvres vendues conformément aux textes en vigueur. L’exercice de ce droit intervient immédiatement après le coup de marteau, le représentant de l’état manifestant alors la volonté de ce dernier de se substituer au dernier enchérisseur, et devant confirmer la préemption dans les 15 jours. Artcurial SAS ne pourra être tenu pour responsable des conditions de la préemption par l’état français.

10 . COMPÉTENCES LÉGISLATIVE ET JURIDICTIONNELLE

6 . PROPRIÉTÉ INTELLECTUELLE PROTECTION DES BIENS – REPRODUCTION DES CULTURELS ŒUVRES Artcurial SAS est propriétaire du droit de reproduction de son catalogue. Toute reproduction de celui-ci est interdite et constitue une contrefaçon à son préjudice. En outre Artcurial SAS dispose d’une dérogation lui permettant de reproduire dans son catalogue les œuvres mises en vente, alors même que le droit de reproduction ne serait pas tombé dans le domaine public. Toute reproduction du catalogue de Artcurial SAS peut donc constituer une reproduction illicite d’une œuvre exposant son auteur à des poursuites en contrefaçon par le titulaire des droits sur l’œuvre. La vente d’une œuvre n’emporte pas au profit de son propriétaire le droit de reproduction et de présentation de l’œuvre.

Artcurial SAS participe à la protection des biens culturels et met tout en œuvre, dans la mesure de ses moyens, pour s’assurer de la provenance des lots mis en vente dans ce catalogue.

7. BIENS SOUMIS À UNE LÉGISLATION PARTICULIÈRE La réglementation internationale du 3 mars 1973, dite Convention de Washington a pour effet la protection de specimens et d’espèces dits menacés d’extinction. Les termes de son application diffèrent d’un pays à l’autre. Il appartient à tout acheteur de vérifier, avant d’enchérir, la législation appliquée dans son pays à ce sujet. Tout lot contenant un élément en ivoire, en palissandre…quelle que soit sa date d’exécution ou son certificat d’origine, ne pourra être importé aux Etats-Unis, au regard de la législation qui y est appliquée. Il est indiqué par un (s).

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CONDITIONS OF PURCHASE IN VOLUNTARY AUCTION SALES ARTCURIAL Artcurial SAS is an operator of voluntary auction sales regulated by the law articles L321-4 and following of the Code de Commerce. In such capacity Artcurial SAS acts as the agent of the seller who contracts with the buyer. The relationships between Artcurial SAS and the buyer are subject to the present general conditions of purchase which can be modified by saleroom notices or oral indications before the sale, which will be recorded in the official sale record. As a voluntary auction sales operator, ARTCURIAL SAS is subject to the obligations listed in articles L.561-2 14° and seq. of the French Monetary and Financial Code relating to the Anti Money Laundering regulation.

1. GOODS FOR AUCTION a) The prospective buyers are invited to examine any goods in which they may be interested, before the auction takes place, and notably during the exhibitions. Artcurial SAS is at disposal of the prospective buyers to provide them with reports about the conditions of lots. b) Description of the lots resulting from the catalogue, the reports, the labels and the verbal statements or announcements are only the expression by Artcurial SAS of their perception of the lot, but cannot constitute the proof of a fact. c) The statements by made Artcurial SAS about any restoration, mishap or harm arisen concerning the lot are only made to facilitate the inspection thereof by the prospective buyer and remain subject to his own or to his expert’s appreciation. The absence of statements Artcurial SAS by relating to a restoration, mishap or harm, whether made in the catalogue, condition reports, on labels or orally, does not imply that the item is exempt from any current, past or repaired defect. Inversely, the indication of any defect whatsoever does not imply the absence of any other defects. d) Estimates are provided for guidance only and cannot be considered as implying the certainty that the item will be sold for the estimated price or even within the bracket of estimates. Estimates cannot constitute any warranty assurance whatsoever. The estimations can be provided in several currencies; the conversions may, in this case or, be rounded off differently than the legal rounding e) Second-hand goods (anything that is not new) do not benefit from the legal guarantee of conformity in accordance with article L 217-2 of the Consumer Code.

2 . THE SALE a) In order to assure the proper organisation of the sales, prospective buyers are invited to make themselves known to Artcurial SAS before the sale, so as to have their personal identity data recorded. Artcurial SAS reserves the right to ask any prospective buyer to justify his identity as well as his bank references and to request a deposit. Artcurial SAS reserves the right to refuse admission to the auction sales premises to any prospective buyer for legitimate reasons. A bid is accepted on the basis of the information provided by the bidder prior to the sale. Consequently, the name of the winning bidder cannot be changed after the sale.

b) Any person who is a bidder undertakes to pay personally and immediately the hammer price increased by the costs to be born by the buyer and any and all taxes or fees/expenses which could be due. Any bidder is deemed acting on his own behalf except when prior notification, accepted by Artcurial SAS, is given that he acts as an agent on behalf of a third party. c) The usual way to bid consists in attending the sale on the premises. However, Artcurial SAS may graciously accept to receive some bids by telephone from a prospective buyer who has expressed such a request before the sale. Artcurial SAS will bear no liability / responsibility whatsoever, notably if the telephone contact is not made, or if it is made too late, or in case of mistakes or omissions relating to the reception of the telephone. For variety of purposes, Artcurial SAS reserves its right to record all the telephone communications during the auction. Such records shall be kept until the complete payment of the auction price, except claims. d) Artcurial SAS may accept to execute orders to bid which will have been submitted before the sale and by Artcurial SAS which have been deemed acceptable. Artcurial SAS is entitled to request a deposit which will be refunded within 48hours after the sale if the lot id not sold to this buyer. Should Artcurial SAS receive several instructions to bid for the same amounts, it is the instruction to bid first received which will be given preference. Artcurial SAS will bear no liability/responsibility in case of mistakes or omission of performance of the written order. e) In the event where a reserve price has been stipulated by the seller, Artcurial SAS reserves the right to bid on behalf of the seller until the reserve price is reached. The seller will not be admitted to bid himself directly or through an agent. The reserve price may not be higher than the low estimate for the lot printed in or publicly modified before the sale. f) Artcurial SAS will conduct auction sales at their discretion, ensuring freedom auction and equality among all bidders, in accordance with established practices. Artcurial SAS reserves the right to refuse any bid, to organise the bidding in such manner as may be the most appropriate, to move some lots in the course of the sale, to withdraw any lot in the course of the sale, to combine or to divide some lots in the course of the sale. In case of challenge or dispute, Artcurial SAS reserves the right to designate the successful bidder, to continue the bidding or to cancel it, or to put the lot back up for bidding. g) Subject to the decision of the person conducting the bidding for Artcurial SAS, the successful bidder will be the bidder would will have made the highest bid provided the final bid is equal to or higher than the reserve price if such a reserve price has been stipulated. The hammer stroke will mark the acceptance of the highest bid and the pronouncing of the word “adjugé” or any equivalent will amount to the conclusion of the purchase contract between the seller and the last bidder taken in consideration. No lot will be delivered to the buyer until full payment has been made.In case of payment by an ordinary draft/check, payment will be deemed made only when the check will have been cashed. The lot not auctioned may be sold after the sale in accordance with the law, provided that its price is at least 1,500 euros. h) So as to facilitate the price calculation for prospective buyers, a currency converter may be operated by Artcurial SAS as guidance. Nevertheless, the bidding cannot be made in foreign currency and Artcurial SAS will not be liable for errors of conversion.

3 . THE PERFORMANCE OF THE SALE a) In addition of the lot’s hammer price, the buyer must pay the different stages of following costs and fees/taxes: 1) Lots from the EU: •

From 1 to 1,500,000 euros: 28 % + current VAT.

•

From 1,500,001 to 6,000,000 euros: 22 % + current VAT.

•

Over 6,000,001 euros: 14,5 % + current VAT.

2) Lots from outside the EU: (identified by an m). Works of art, Antiques and Collectors’items The hammer price will be VAT excluded to which should be added 5.5% VAT. Upon request, this VAT will be refunded to the purchaser on presentation of written proof of exportation outside the EU or to the EU purchaser who will submit his intracommunity VAT number and a proof of shipment of his purchase to his EU country home address. Commissions and taxes indicated in section 3.1) remain the same. 3) Lots from outside the EU (identified by an m): Jewelry and Watches, Wines and Spirits, Multiples In addition to the commissions and taxes specified in paragraph 1) above, an additional import VAT will be charged (20% of the hammer price). 4) Additional fees will be charged to bidders who bid online via Internet platforms other than ARTCURIAL LIVE. 5) VAT on commissions and importation expenses can be retroceded to the purchaser on presentation of written proof of exportation outside the EU led within three months from the date of the sale. An EU purchaser who will submit their intracommunity VAT number and a proof of shipment of their purchase to their EU country home address will be refunded of VAT on buyer’s premium.The payment of the lot will be made cash, for the whole of the price, costs and taxes, even when an export licence is required. The purchaser will be authorized to pay by the following means: - In cash: up to 1 000 euros, costs and taxes included, for French citizens and people acting on behalf of a company, up to 15 000 euros, costs and taxes included, for foreign citizens on presentation of their identity papers; - By cheque drawn on a French bank on presentation of identity papers and for any company, a KBis dated less than 3 months (cheques drawn on a foreign bank are not accepted); - By bank transfer; - By credit card: VISA, MASTERCARD or AMEX (in case of payment by AMEX, a 1,85% additional commission corresponding to cashing costs will be collected). 6)The distribution between the lot's hammer price and cost and fees can be modified by particular agreement between the seller and Artcurial SAS without consequence for the buyer. b) Artcurial SAS will be authorized to reproduce in the official sale record and on the bid summary the information that the buyer will have provided before the sale. The buyer will be responsible for any false information given. Should the buyer have neglected to give his personal information before the sale, he will have to give the necessary information as soon as the sale of the lot has taken place. Any person having been recorded by Artcurial SAS has a right of access and of rectification to the nominative data provided to Artcurial SAS pursuant to the provisions of Law of the 6 July 1978.

c) The lot must to be insured by the buyer immediately after the purchase. The buyer will have no recourse against Artcurial SAS, in the event where, due to a theft, a loss or a deterioration of his lot after the purchase, the compensation he will receive from the insurer of Artcurial SAS would prove insufficient. d) The lot will be delivered to the buyer only after the entire payment of the price, costs and taxes. If payment is made by cheque, the lot will be delivered after cashing, eight working days after the cheque deposit. If the buyer has not settled his invoice yet or has not collected his purchase, a fee of 50€+VAT per lot, per week (each week is due in full) covering the costs of insurance and storage will be charged to the buyer, starting on the first Monday following the 90th day after the sale. Should the buyer fail to pay the amount due, and after notice to pay has been given by Artcurial SAS to the buyer without success, at the seller’s request, the lot is re-offered for sale, under the French procedure known as “procédure de folle enchère”. If the seller does not make this request within three months from the date of the sale, the sale will be automatically cancelled, without prejudice to any damages owed by the defaulting buyer. In addition, Artcurial SAS reserves the right to claim against the defaulting buyer, at their option: - interest at the legal rate increased by five points, - the reimbursement of additional costs generated by the buyer’s default, - the payment of the difference between the initial hammer price and the price of sale after “procédure de folle enchère” if it is inferior as well as the costs generated by the new auction. Artcurial SAS also reserves the right to set off any amount Artcurial SAS may owe the defaulting buyer with the amounts to be paid by the defaulting buyer. Artcurial SAS reserves the right to exclude from any future auction, any bidder who has been a defaulting buyer or who has not fulfilled these general conditions of purchase. e) With reservation regarding the specific provisions of this sale, for items purchased which are not collected within seven days from after the sale (Saturdays, Sundays and public holidays included), Artcurial SAS will be authorized to move them into a storage place at the defaulting buyer’s expense, and to release them to same after payment of corresponding costs, in addition to the price, costs and taxes. f) The buyer can obtain upon request a certificate of sale which will be invoiced € 60.

4. THE INCIDENTS OF THE SALE In case of dispute, Artcurial SAS reserves the right to designate the successful bidder, to continue the sale or to cancel it or to put the lot up for sale. a) In case two bidders have bidden vocally, by mean of gesture or by telephone for the same amount and both claim title to the lot, after the bidding the lot, will immediately be offered again for sale at the previous last bid, and all those attending will be entitled to bid again.

5 . PRE-EMPTION OF THE FRENCH STATE The French state in entitled to use a right of pre-emption on works of art, pursuant to the rules of law in force. The use of this right comes immediately after the hammer stroke, the representative of the French state expressing then the intention of the State to substitute for the last bidder, provided he confirms the pre-emption decision within fifteen days. Artcurial SAS will not bear any liability/ responsibility for the conditions of the pre-emption by the French State.

6 . INTELLECTUAL PROPERTY RIGHT - COPYRIGHT The copyright in any and all parts of the catalogue is the property of Artcurial SAS. Any reproduction thereof is forbidden and will be considered as counterfeiting to their detriment. Furthermore, Artcurial SAS benefits from a legal exception allowing them to reproduce the lots for auction sale in their catalogue, even though the copyright protection on an item has not lapsed. Any reproduction of Artcurial SAS catalogue may therefore constitute an illegal reproduction of a work which may lead its perpetrator to be prosecuted for counterfeiting by the holder of copyright on the work.The sale of a work of art does not transfer to its buyer any reproduction or representation rights thereof.

10. LAW AND JURISDICTION In accordance with the law, it is added that all actions in public liability instituted on the occasion of valuation and of voluntary and court-ordered auction sales are barred at the end of five years from the hammer price or valuation. These Conditions of purchase are governed by French law exclusively. Any dispute relating to their existence, their validity and their binding effect on any bidder or buyer shall be submitted to the exclusive jurisdiction of the Courts of France. The Conseil des Ventes Volontaires, 19 avenue de l’Opéra – 75001 Paris can receive online claims (www.conseildesventes.fr, section “Online claims”).

PROTECTION OF CULTURAL PROPERTY Artcurial SAS applies a policy to prevent the sale of looted or stolen cultural property.

7 . ITEMS FALLING WITHIN THE SCOPE OF SPECIFIC RULES The International regulation dated March 3rd 1973, protects endangered species and specimen. Each country has its own lawmaking about it. Any potential buyer must check before bidding, if he is entitled to import this lot within his country of residence. Any lot which includes one element in ivory, rosewood…cannot be imported in the United States as its legislation bans its trade whatever its dating may be. It is indicated by a (s).

8. REMOVAL OF PURCHASES The buyer has to insure its purchase, and Artcurial SAS assumes no liability for any damage items which may occur after the sale. All transportation arrangements are the sole responsibility of the buyer.

9. SEVERABILITY The clauses of these general conditions of purchase are independant from each other. Should a clause whatsoever be found null and void, the others shall remain valid and applicable.

b) So as to facilitate the presentation of the items during the sales, Artcurial SAS will be able to use video technology. Should any error occur in operation of such, which may lead to show an item during the bidding which is not the one on which the bids have been made, Artcurial SAS shall bear no liability/responsibility whatsoever, and will have sole discretion to decide whether or not the bidding will take place again.

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ARTS DES XXe & XXIe SIÈCLES Directrice du pôle, Vice-présidente :

Isaure de Viel Castel

Art Contemporain Africain

Spécialiste : Margot Denis-Lutard, 16 44

Art-Déco / Design

Directrice : Sabrina Dolla, 16 40 Spécialiste : Edouard Liron, 20 37 Administratrice senior : Anne-Claire Drauge, 20 42 Administrateur junior : Alexis Chantelot

Bandes Dessinées

Expert : Éric Leroy Administrateur junior : Alexandre Dalle

Estampes & Multiples

Directrice : Karine Castagna Spécialiste junior : Florent Sinnah, 16 54 Administrateur junior : Alexandre Dalle Recherche et certificat : Jessica Cavalero Louise Eber

Impressionniste & Moderne

Directeur : Bruno Jaubert Spécialiste : Florent Wanecq Administratrice - catalogueur : Élodie Landais, 20 84 Administratrice junior : Alexandra Michel Recherche et certificat : Jessica Cavalero, Louise Eber

Post-War & Contemporain

Directeur : Hugues Sébilleau Spécialiste : Sophie Cariguel Catalogueur : Beatrice Fantuzzi, 20 34 Administratrice : Marine Oriente Recherche et certificat : Jessica Cavalero Louise Eber

Urban Art

Directeur : Arnaud Oliveux Spécialiste junior : Florent Sinnah, 16 54 Administrateur junior : Alexandre Dalle

Twenty One Contemporary

Directeur : Arnaud Oliveux Spécialistes : Karine Castagna Margot Denis-Lutard Spécialiste junior : Florent Sinnah, 16 54 Recherche et certificat : Jessica Cavalero Louise Eber

Expositions culturelles & ventes privées Chef de projet : Vanessa Favre, 16 13

ARTS CLASSIQUES Archéologie & Arts d’Orient

Directrice : Lamia Içame, 20 75 Administratrice junior : Alice Derouet Expert Art de l’Islam : Romain Pingannaud

Art d’Asie

Expert : Qinghua Yin Administratrice - catalogueur : Shenying Chen, 20 32

Livres & Manuscrits

Directeur : Frédéric Harnisch, 16 49 Administratrice - catalogueur : Émeline Duprat, 16 58 Administrateur junior: Théo-Paul Boulanger

Maîtres anciens & du XIXe siècle : Tableaux, dessins, sculptures, cadres anciens et de collection Vice-président : Matthieu Fournier, 20 26 Catalogueur : Blanche Llaurens Spécialiste : Matthias Ambroselli Administratrice sénior : Margaux Amiot, 20 07 Administratrice : Léa Pailler, 20 07

Mobilier & Objets d’Art

Directeur : Filippo Passadore Catalogueur : François Foerst Administratrice : Edlira Rama, 20 68 Expert céramiques : Cyrille Froissart Experts orfèvrerie : S.A.S. Déchaut-Stetten & associés, Marie de Noblet Senior advisor – Spécialiste senior orfèvrerie : Thierry de Lachaise

Orientalisme

Directeur : Olivier Berman, 20 67 Spécialiste junior : Florence Conan, 16 15

Souvenirs Historiques & Armes Anciennes

Expert armes : Arnaud de Gouvion Saint-Cyr Contact : Maxence Miglioretti, 20 02

RTCURIAL 7, rond-point des Champs-Élysées Marcel Dassault 75008 Paris T. +33 (0)1 42 99 20 20 contact@artcurial.com www.artcurial.com SAS au capital de 1 797 000 € Agrément n° 2001-005

Numismatique / Philatélie / Objets de curiosités & Histoire naturelle

Expert numismatique : Cabinet Bourgey Contact : Juliette Leroy-Prost, 17 10

ARTCURIAL MOTORCARS Automobiles de Collection Président : Matthieu Lamoure Vice-président : Pierre Novikoff Spécialiste sénior : Antoine Mahé, 20 62 Directrice relations clients et développement international : Anne-Claire Mandine, 20 73 Responsable des opérations et de l’administration : Sandra Fournet +33 (0)1 58 56 38 14 Administratrice junior : Anne-Laure Frances Assistant spécialistes : Louis Pillard Consultant : Frédéric Stoesser motorcars@artcurial.com

INVENTAIRES & COLLECTIONS Vice-président : Stéphane Aubert Chargés d'inventaires, Commissaires-priseurs : Juliette Leroy-Prost, 17 10 Maxence Miglioretti, 20 02 Elisa Borsik, 20 18 Business developer : Thomas Loiseaux, 16 55 Administratrice : Charline Monjanel, 20 33 Consultante : Catherine Heim Directrice des partenariats : Marine de Miollis de Renéville Senior advisor : Anne Giscard d’Estaing

COMMISSAIRESPRISEURS HABILITÉS Stéphane Aubert Elisa Borsik Francis Briest Matthieu Fournier Juliette Leroy-Prost Anne-Claire Mandine Maxence Miglioretti Arnaud Oliveux Hervé Poulain Florent Wanecq

Automobilia Aéronautique, Marine

Président : Matthieu Lamoure Responsable : Sophie Peyrache, 20 41

LUXE & ART DE VIVRE Horlogerie de Collection Directeur : Romain Marsot Expert : Geoffroy Ader Administratrice junior : Charlotte Christien, 16 51

Joaillerie

Directrice : Valérie Goyer Spécialiste : Antoinette Rousseau Catalogueur : Pauline Hodée Administratrice junior : Janelle Beau, 20 52

Mode & Accessoires de luxe Responsable : Lucile Best Administratrice junior: Anaël El Hani, +33 (0)1 58 56 38 12

Stylomania

Contact : Juliette Leroy-Prost, 17 10

Vins fins & Spiritueux

Expert : Laurie Matheson Spécialiste : Marie Calzada, 20 24 Administratrice junior : Alice Derouet Consultant : Luc Dabadie vins@artcurial.com

FRANCE Cannes - Alpes-Maritimes Représentante : Eléonore Dauzet +33 (0)6 65 26 03 39 edauzet@artcurial.com

Montpellier

Geneviève Salasc de Cambiaire +33 (0)6 09 78 31 45 gsalasc@artcurial.com

Région Aquitaine

Directrice : Julie Valade jvalade@artcurial.com

Région Rhône-Alpes

Représentante : Ghislaine de Montgrand +33 (0)6 70 60 43 58 gdemontgrand@artcurial.com

Strasbourg

Frédéric Gasser +33 (0)6 88 26 97 09 fgasser@artcurial.com

Artcurial Toulouse Jean-Louis Vedovato

Commissaire-priseur : Jean-Louis Vedovato Clerc principal : Valérie Vedovato 8, rue Fermat – 31000 Toulouse +33 (0)5 62 88 65 66 v.vedovato@artcurialtoulouse.com

Tous les emails des collaborateurs d’Artcurial s’écrivent comme suit: initiale(s) du prénom et nom @artcurial.com, par exemple: Anne-Laure Guérin: alguerin@artcurial.com Les numéros de téléphone des collaborateurs d’Artcurial se composent comme suit: +33 1 42 99 xx xx. Dans le cas contraire, les numéros sont mentionnés en entier.

International senior advisor : Martin Guesnet, 20 31

Allemagne

Directrice : Miriam Krohne Assistante : Anna Rudakova Galeriestrasse 2b 80539 Munich +49 89 1891 3987

Belgique

Directrice : Vinciane de Traux Fine Art Business Developer: Simon van Oostende Office Manager Partnerships & Events: Magali Giunta 5, avenue Franklin Roosevelt 1050 Bruxelles +32 2 644 98 44

Chine

Consultante : Jiayi Li 798 Art District, No 4 Jiuxianqiao Lu Chaoyang District Beijing 100015 +86 137 01 37 58 11 lijiayi7@gmail.com

Italie

Directrice : Emilie Volka Assistante : Eleonora Ballista Corso Venezia, 22 20121 Milano +39 02 49 76 36 49

ARTCURIAL MAROC

Directeur : Olivier Berman Directrice administrative : Soraya Abid Administratrices junior : Widad Outmghart Résidence Asmar Avenue Mohammed VI Rue El Adarissa - Hivernage 40020 Marrakech +212 524 20 78 20

ARTCURIAL MONACO

Directrice : Olga de Marzio Assistante administrative : Agata Gmyrek Monte-Carlo Palace 3/9 boulevard des Moulins 98000 Monaco +377 97 77 51 99

ARTCURIAL MOTORCARS USA

Directeur : Adrien Durban Ouverture prochaine 78 NW 37th St. Miami, FL33127

ARTCURIAL BEURRET BAILLY WIDMER Bâle Schwarzwaldallee 171 4058 Bâle +41 61 312 32 00 info@bbw-auktionen.com Genève Rue de Saint Léger 28 1204 Genève info@bbw-auktionen.com Saint-Gall Unterstrasse 11 9001 Saint-Gall +41 71 227 68 68 info@galeriewidmer.com Zurich Kirchgasse 33 8001 Zurich +41 43 343 90 33 info@bbw-auktionen.com

COMITÉ EXÉCUTIF Nicolas Orlowski Matthieu Lamoure Joséphine Dubois Stéphane Aubert Matthieu Fournier Bruno Jaubert Isaure de Viel Castel

ASSOCIÉS Directeurs associés : Stéphane Aubert Olivier Berman Sabrina Dolla Matthieu Fournier Bruno Jaubert Matthieu Lamoure Arnaud Oliveux Hugues Sébilleau Julie Valade Vinciane de Traux Conseiller scientifique et culturel : Serge Lemoine Commissaire-priseur, Co-fondateur : Francis Briest

GROUPE ARTCURIAL SA Président directeur général : Nicolas Orlowski Directrice générale adjointe : Joséphine Dubois Président d’honneur : Hervé Poulain Conseil d’administration : Francis Briest Olivier Costa de Beauregard Héléna Dassault Julien Dassault Carole Fiquémont Aurélie Habert Nicolas Orlowski Hervé Poulain

JOHN TAYLOR

Président directeur général : Nicolas Orlowski John Taylor Corporate, Europa Résidence, Place des Moulins, 98000 Monaco contact@john-taylor.com www.john-taylor.fr

ARQANA

Artcurial Deauville 32, avenue Hocquart de Turtot 14800 Deauville +33 (0)2 31 81 81 00 info@arqana.com www.arqana.com

ADMINISTRATION ET GESTION Directrice générale adjointe, administration et finances : Joséphine Dubois Assistante de direction: Manon Durand Responsable LCB-FT et juridique clients : Léonor Augier

Ordres d’achat, enchères par téléphone

Directrice : Kristina Vrzests, 20 51 Adjointe de la Directrice : Marie Auvard Administratrice : Maëlle Touminet Administratrice junior : Ariya Ranucci-Tsuchida bids@artcurial.com

Comptabilité des ventes

Responsable : Nathalie Higueret Comptable des ventes confirmée : Audrey Couturier Comptables : Chloé Catherine Mathilde Desforges Jessica Sellahannadi Yugyeong Shon 20 71 ou 17 00 Gestionnaire de dossier : Melanie Joly

Transport et douane

Assistantes spécialisées : Lou Dupont, Inès Tekirdaglioglu Vittoria Biloslavo shipping@artcurial.com

Relations Extérieures

Directrice : Anne-Laure Guérin, 20 86 Attachée de presse : Deborah Bensaid, 20 76 Assistante presse : Alix Guiard Community Manager : Maria Franco Baqueiro, 20 82

Comptabilité générale

Responsable : Sandra Margueritat Lefevre Comptables : Romane Herson Aïcha Manet Assistante de gestion : Solène Sapience

Responsable administrative des ressources humaines : Isabelle Chênais, 20 27 Assistante : Amandine Le Monnier 20 79

Bureau d’accueil

Responsable accueil, Clerc Live et PV : Denis Le Rue Mizlie Bellevue Loubna Mairfate Marie Peyroche

Services généraux

Responsable : Denis Le Rue

Service photographique des catalogues : Fanny Adler Stéphanie Toussaint Régisseur : Mehdi Bouchekout

Logistique et gestion des stocks

Directeur : Éric Pourchot Responsables de stock : Lionel Lavergne Joël Laviolette Vincent Mauriol Lal Sellahanadi Adjoint : Clovis Cano Coordinatrices logistique: Victoire de Latour Magasiniers : Adrien da Costa Denis Chevallier Isaac Dalle Vincent Dureau Floriane Joffre Jason Tilot Nicolas de Pierrepont

Marketing

Directrice : Lorraine Calemard, 20 87 Chefs de projet : Hortense Allard, 01 42 25 64 38 Ariane Gilain, 16 52 Daphné Perret, 16 23 Responsable Studio Graphique: Aline Meier, 20 88 Graphiste sénior : Rose de La Chapelle, 20 10 Graphiste : Romane Marliot, 01 42 25 93 83 Responsable CRM : Alexandra Cosson Chargée CRM : Géraldine de Mortemart, 20 43 Analyste CRM junior : Colombine Santarelli

V–254

INTERNATIONAL

ORDRE D’ACHAT ABSENTEE BID FORM Iconoclasts Vente n°6572 Mercredi 18 novembre 2026 - 17h Paris — 7, rond-point des Champs-Élysées Marcel Dassault

Ordre d’achat / Absentee bid Ligne téléphonique / Telephone (Pour tout lot dont l’estimation est supérieure à 500 euros For lots estimated from € 500 onwards) Téléphone pendant la vente / Phone at the time of the sale:

Merci de bien vouloir joindre à ce formulaire une copie de votre pièce d’identité (passeport ou carte nationale d’identité), si vous enchérissez pour le compte d’une société, merci de joindre un extrait KBIS de moins de 3 mois. Could you please provide a copy of your id or passport? If you bid on behalf of a company, could you please provide an act of incorporation? Après avoir pris connaissance des conditions de vente décrites dans le catalogue, je déclare les accepter et vous prie d’acquérir pour mon compte personnel aux limites indiquées en euros, les lots que j’ai désignés ci-dessous. (les limites ne comprenant pas les frais légaux).

Nom / Name : Prénom / First name : Société / Compagny : Adresse / Address :

I have read the conditions of sale printed in this catalogue and agree to abide by them. I grant your permission to purchase on my behalf the following items within the limits indicated in euros. (These limits do not include buyer’s premium and taxes).

Téléphone / Phone : Fax : Email :

Lot

Description du lot / Lot description

Limite en euros / Max. euros price

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Les ordres d’achat et les demandes d’enchères téléphoniques doivent impérativement nous parvenir au moins 24 heures avant la vente. Le service d’enchères téléphoniques est proposé pour les lots dont l’estimation basse est supérieure à 500€. To allow time for processing, absentee bids and requests for telephone bidding should be received at least 24 hours before the sale begins. Telephone bidding is a service provided by Artcurial for lots with a low estimate above 500€.

À renvoyer / Please mail to: Artcurial SAS 7 rond-point des Champs-Élysées Marcel Dassault - 75008 Paris T. +33 (0)1 42 99 20 20 bids@artcurial.com

Date et signature obligatoire / Required dated signature

Lot n° 31

ICONOCLASTS MERCREDI 18 NOVEMBRE 2026 - 17H ARTCURIAL.COM