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Esta exposición hace visible el trabajo de un grupo de artistas que harán parte de las actividades de circulación, tanto nacional como internacional de la galería durante los próximos años.

Este grupo diverso, da cuenta de las problemáticas contemporáneas, que buscan entender, analizar y registrar el complejo momento histórico que vivimos.

Preview 0.1 Vista Previa 0.1 12 - 09 - 2019 12 - 10 - 2019

Antonio PURI (India / eua) Benjamín AITALA (Argentina) Claudio GALLINA (Argentina) Daniela EDBURG (Eua) Evelyn TOVAR (Colombia) Fabio BAROLI (Brasil) Franklin AGUIRRE (Colombia) Miler LAGOS (Colombia) Otoniel BORDA (Colombia) Rodrigo ECHEVERRI (Colombia) Santiago VÉLEZ (Colombia) Saúl SÁNCHEZ (Colombia)

De La Serie 100 Vidas Acrílico 2019

ANTONIO PURI CHANDIGARH, PUNJAB, INDIA. 1966 La serie titulada 100 Vidas consiste en 100 obras que son un homenaje a las 100 vidas del artista. Para mostrar ésta vida, el artista se inspira en su ciudad natal, Chandigarh (India), e incorpora la influencia del arquitecto Le Corbusier en su trabajo.

Antonio Puri crea estas obras jugando con diferentes sombras de gris hasta llegar al punto de la completa reducción sobre un lienzo blanco, mostrando las variaciones de tonos de gris que él recuerda como sus primeras impresiones durante su infancia. Posterior-

mente, marca la superficie del lienzo para mostrar la variación de tonos que han ocurrido durante los últimos 70 años en los edificios que Le Corbusier diseñó en la ciudad india de Chandigarh.

También utiliza la figura del círculo simbólicamente para mostrar su inspiración en los huecos formados en los bloques de concreto usados en los edificios.

Mientras Le Corbusier realizaba la construcción de estos edificios, usaba paneles de madera para crear cada bloque, dejando estos huecos de formaciones imprecisas en los bloques. Puri hace su propia interpretación de estos hoyos en sus obras porque siente que son relevantes para su proceso estético.

Antes de comenzar a crear la serie 100 Vidas, Antonio Puri pasó muchos días contemplando los cielos grises de Bogotá para encontrar el momento perfecto en que la oscuridad se encuentra con la luz y, por una fracción de segundo, la luz y la oscuridad son una sola en el cielo.

Hasta ahora, el artista ha terminado 24 de las 100 obras, y planea continuar con este proyecto hasta completar las 100 obras, sin importar cuánto tiempo sea necesario para terminarlo.

BENJAMÍN AITALA ARGENTINA, 1971 Siempre me he considerado un artista de acción, del hacer.

En este hacer, es que mi insistente reformulación crítica y pictórica produce una constante expansión, un corrimiento permanente de los límites de la obra.

3581 3585 ACRÍLICO 2018

Tengo una especial atracción por el tipo de obra que motive a la acción artística, y si bien no busco esto de manera intencionada, sí anhelo una obra que convide a pintar.

La realidad es veloz Es una obra atravesada por múltiples vectores nutridos de mi acontecer diario, en donde la rapidez, lo dérmico o la primera apariencia son los conceptos que manipulo para llevarla a cabo, haciendo de ésta un registro sensible y ligero de mi vida.

Trabajo los componentes de mi obra con el concepto de “flotabilidad”, elementos que flotan, que emergen dérmicamente, que dejan ver y que ocultan, entregados a medias entre lo evidente y lo escondido. La dicotomía entre lo que se muestra y lo que es.

CLAUDIO GALLINA ARGENTINA. 1964

Mi obra está inspirada en la búsqueda de las posibilidades, la observación, la relación del ser con la naturaleza, con la pintura, la búsqueda del territorio, los enigmas, la posibilidad de otras realidades, los manuscritos medievales, la reconstrucción.

Nubes Bajas Oleo 2010 En ciertas nubes se puede volar. No sólo nosotros lo sabemos.

Los Restos Del Deseo Oleo 2010 De carbón es la pizarra. Debe ser cauta la tiza.

Nos preparamos para lo que vendrá. No saber es lo que hacemos. Es tan bello el silencio de algunos palacios que mejor no decir.

Todas estas búsquedas conforman los cuerpos de obra de mis actuales trabajos

La descripción no es lo descripto, yo puedo describir la montaña, pero la descripción no es la montaña, si te quedas atrapado en la descripción, nunca veras la montaña Krishnamurti

Desayuno Con Tetas FotografĂ­a, impresiĂłn digital con tintas de archivo 2012

Grassland Tornado Fotografía, impresión digital con tintas de archivo 2016

DANIELA EDBURG TEXAS. EUA. 1975 Mi trabajo analiza ciertos aspectos que definen nuestra naturaleza humana, particularmente el mundo artificial que habitamos y las tonterías que genera.

Trabajo con escenarios ficticios que son extremos hasta el punto de volverse contradictorios.

Mi proceso creativo es neurótico, obsesivo, lleno de incertidumbres que el trabajo mismo resuelve. Es por eso que me gusta participar en todas las etapas de producción, me ayuda a mantenerme enfocada en cosas pequeñas como tejer un riñón u hornear un pastel mientras se me ocurre una idea. La fotografía me permite capturar el producto final de este proceso.

En los últimos años he integrado objetos de punto y ganchillo en mi trabajo. Originalmente los usé para representar una variedad de temas: la creación de

un lugar seguro, la creatividad en su forma más básica, una obsesión canalizada en un intento de preservar la salud mental o una creación que destruye y consume a su creador, como el monstruo de Frankenstein. Ahora lo considero un medio versátil que me permite hacer representaciones suaves y absurdas de casi cualquier cosa. Pienso en estos objetos, que son claramente artificiales, como una forma simple de ficción hecha a mano.

Me gusta trabajar en el medio, en ese lugar entre certeza e incertidumbre, entre lo real y lo imaginado, el lugar donde los conceptos giran y se contradicen, donde los opuestos se encuentran para completar su ciclo.

EVELYN TOVAR TORO

BOGOTÁ, COLOMBIA. 1985

Trópico Capital I Trópico Capital II Mixta Sobre Tela 2019 Esta serie es una reflexión acerca de la manera en la que reconocemos un espacio natural como un bien común, pensando en la manera en que este se construye, desde la representación concebida como una idea de lo exótico, ya sea partiendo de una imagen histórica como las ilustraciones botánicas o una imagen publicitaria, que resume un espacio determinado en un icono con una tipología específica y reconocible como tropical.

Mi proyecto artístico está basado en una labor de reconocimiento y comprensión del entorno, mi trabajo se apoya de manera simbólica y material en el imaginario cultural e histórico, tomando de este tanto imágenes como procesos y materiales que constituyen un componente crucial en la producción de la obra.

Mis trabajos más recientes se construyen como ilustraciones de paisajes inscritos en diferentes procesos antropológicos propios de la ciudad que habito, esto como resultado de diferentes recorridos que derivan de una necesidad de entender cómo las prácticas sociales se acomodan a las interacciones en el espacio público, igual que el espacio público se transforma con diferentes interacciones sociales.

Me interesa la creación de imágenes y objetos que permitan resignificar situaciones habituales mediante desplazamientos en la manera de ver y reconocer imágenes comunes, como una búsqueda constante de comprender mi entorno inmediato.

La elección del material y la técnica a utilizar, está hecha en función de las necesidades simbólicas de la obra y las relaciones que puede sostener con el contexto en el que se asienta, es así como en la producción de mi trabajo he utilizado materiales como papel moneda, polvo de ladrillo y de carbón, asfalto, concreto y plantas vivas entre otros.

FABIO BAROLI BRAZIL. 1981 SELVA-MATA es el título de la investigación que he estado desarrollando desde mediados de 2018. Con el objetivo de una construcción poética basada en referencias de paisajes nativos y vegetación de Brasil, teniendo el Bosque Atlántico como tema y punto de partida, la búsqueda de SELVA- MATA transitar, reflexionar y debatir sobre aspectos naturales y antrópicos, utilizando el arte, entre sus diversos idiomas, como medio.

De La Serie: “Selva-Mata” Triptico Poliptico Oleo 2018 “Selva-Mata” es una serie de pinturas que apuntan a un nuevo cuerpo de trabajo donde la figura humana da espacio a una naturaleza observada en forma de paisajes. Construida a partir de referencias de vegetación nativa en Brasil, la serie busca discutir aspectos naturales y antrópicos a través de la intercomunicación entre arte, medio ambiente, sociedad, urbanización y poder.

La investigación comenzó con una serie de pinturas al óleo figurativas sobre lienzo (cartera), que consta de dípticos, trípticos y polipéptidos de diferentes formas. Sin embargo, además de las pinturas, hay mucho por investigar. Mientras investiga, SELVA-MATA también propone logros en objetos tridimensionales, de intervención y específicos del sitio.

El tema se elige desde la perspectiva de la reducción de espacios naturales, teniendo como paradigma la reducción drástica de las áreas del bosque atlántico que ocurrieron desde la colonización europea, con la extracción de secoyas, hasta nuestros días. Las principales acciones que desencadenaron la reducción de los bosques son básicamente: la extracción de madera nativa, la construcción civil, el aumento de las áreas urbanas, la agricultura y la agricultura, la industrialización, la construcción de carreteras, la pesca y la caza de depredadores, el turismo. comercio desordenado e ilegal de plantas y animales silvestres. Como resultado de estos factores, el Bosque Atlántico fue el primer bioma brasileño asegurado por la ley, a través de la Ley Forestal del Atlántico 11.428 / 2006, actualmente el principal instrumento de su protección.

(Disponible en http://www.ib.usp.br/ecosteiros/textos_educ/mata/impactos/impactos.htm).

De La Serie: “Selva-Mata” Triptico Poliptico Oleo 2018

PaĂ­s insoportable Vinilo autoadhesivo 2002 / 2019

De la serie: fuegos fatuos Cajas de luz led 2012

FRANKLIN AGUIRRE BOGOTÁ. 1969 La obra de Franklin Aguirre plantea desde sus comienzos la hibridación de diferentes prácticas, lenguajes y campos del conocimiento, en espacios tanto hegemónicos como alternativos o autogestionados.

Además, la producción de imágenes, formas y procesos, considera que prácticas como la gestión, cultural, la curaduría y la docencia artística, son también una forma de hacer arte.

Su trabajo usualmente bidimensional, explora la posibilidad de dialogar con el diseño gráfico, la arquitectura, la moda y la tecnología, al actualizar y

cuestionar temas seculares mediante imágenes polivalentes cargadas de ironía, sarcasmo y un nostálgico humor.

Las complejas pinturas de hace algunos años, han sido sintetizadas en formas sofisticadas e impecables dando cuenta de narrativas globales que pueden ser leídas en amplios contextos. Otro de sus intereses es la integración de la palabra en su obra, no solo por la carga conceptual propia, sino también por su valor formal como dibujo o gesto.

Recientemente se ha interesado por el lenguaje tridimensional, donde encuentra la posibilidad de resemantizar y reactivar objetos que han sido domesticados, restaurando su potencia al deconstruir sus significados críticamente, al igual que lo hace habitualmente con sus imágenes.

Apuntes Para Una Historia De Realismo Mágico Video. 7´55´´ 2010 Es una compilación de 5 videos cortos realizados durante la residencia artística GASWORKS en Londres. Se trata de diferentes apuntes de la ciudad realizados en video digital, cada uno de los cuales combina la estética urbana del lugar con los efectos físicos que lo afectan, como sonido, viento o también la presencia de aparatos voladores, o simplemente los momentos fortuitos donde la coincidencia se traduce en expresión popular.

Estos apuntes visuales son: - A sudden gust of wind: duración 5´13´ - Locomotion: duración 14´´ - Stadium: duración 40´´ - Money down the drain: duración 20´´ - Venuz flytrap: duración 3´ 52´´

MILER LAGOS COLOMBIA. 1973 El trabajo que desarrollo se centra principalmente en la escultura, sin que sea definido exclusivamente por este medio. Considero que mis intereses transitan en sincronía con otros medios como el dibujo, el cine o el vídeo, siendo alimentados constantemente por las imágenes y los encuentros que vienen de la experiencia cotidiana. Observo y reconozco la dinámica de los ambientes circundantes, seleccionando una serie de historias y descubrimientos significativos que han estructurado mi trabajo como artista, y a través de los cuales exploro temas como el paso del tiempo o la historia, desde diferentes perspectivas.

Hago evidente mi interés por la observación de la naturaleza y la exploración de los fenómenos que sobre ella acontecen, así como su relación con la producción cultural o con cuestiones políticas y ambientales. Las obras e intervenciones escultóricas – que pueden ser consideradas paradojas visuales – revelan una inquietud particular por entender la esencia misma de los materiales que constituyen el entorno.

Sรณlidos Deformes Instalaciรณn 2019

OTONIEL BORDA GARZÓN BOGOTÁ, COLOMBIA. 1979 Considero que todo material trae una información social, un recorrido de uso y manipulación humana de un recurso finito que tiene su propia esencia. Cuando el material llega a mis manos es inevitable un acto de investigación primario en mis recuerdos, la búsqueda del significado de los elementos. Es mi objetivo empezar a leer en él las distintas historias que calla, imaginar la estructura de los hechos y buscar la forma de describir lo que percibo. Sin olvidar contar las cosas evidentes que se ocultan en las formas básicas del material.

Cada serie que exploro, aunque sea trabajada con los mismos materiales e intenciones temáticas, genera piezas únicas. Cada una de ellas manifiestan mi continua reflexión ante los volúmenes que me sugiere lo bidimensional, logro el triunfo de las tres dimensiones sobre la linealidad de la información, transformando el texto en imagen, dándole una dinámica de lectura tridimensional a la organizada historia que se esconde en la mirada superficial de lo tangible.

En mi pensamiento esa materia se expande en el espacio, se estructura en formas escultóricas en las que busco reiterar la importancia de esa información que trae el papel de libros, la madera y los objetos en desuso. Las formas aparecen y desaparecen en mi mente, se duplican y se transforman; cuando inicio las labores manuales cortando, desarmando y construyendo, surge de mi inconsciente un empírico arquitecto que configura la nueva imagen, esperando lograr una interacción del elemento creado con el espectador… que al pasar ante la obra cada quien se interese en recorrerla, en buscar lo que no se ve a simple vista, encontrar nuevas lecturas del material, de su forma y su historia.

Sin título 1 Sin título 2 Sin título 3 acrílico sobre mdf 2019

mayor argumento. En Contenidos (2005), una serie en la que utiliza la tinta del tóner para producir dibujos en blanco y negro, aparecen por primera vez sus cajones, con una clara referencia al féretro, contenedor del cuerpo muerto. Posteriormente se adentra en la abstracción total con un corte minimalista, al convertir estos cajones en formas que, mediante el color rojo, Cajas negras (2006) tendrán ahora una referencia más sutil al tema. En adelante Echeverri se concentra en utilizar el concepto de la destrucción, tomado de la realidad colombiana, pero también en sentido más global, para ser el punto de partida para construir. De ahí sus pinturas en formas irregulares en tonos grises y negros, No todo es blanco y negro (2007) y más recientemente en los tonos de la madera, Astilla en el ojo (2009), en la que sus cajas toman un significado más formal al referirse al material del cual están hechas y al variar la forma de expresión con dibujos y collages.

RODRIGO ECHEVERRI CALERO COLOMBIA. 1975 Echeverri demostró en los inicios de su trabajo una fuerte preocupación por las condiciones de violencia en Colombia y buscó la forma de materializarlas a través de una obra abstracta donde el color y la forma son su

Hay otro cuerpo de trabajo como Bibliografía (2007) o A mi medida (2010) en el cual rompe esta estructura formal para buscar recursos nuevos. En el uno, juega con el metro como la medida de longitud y el metro como la herramienta para hacer mediciones, buscando agotar las posibilidades físicas de presentación del mismo en el espacio. En el segundo, busca generar una relación directa entre el texto y la imagen.

Tomado de Transpolitico, José Roca / Sylvia Suárez

SANTIAGO VÉLEZ

MEDELLÍN, COLOMBIA. 1972

Puertas Al Mar Objeto Escultorico, Video, Fotografía 2016

Observar el agua en distintos escenarios del mundo me ha llevado a indagar sobre las relaciones que establece este elemento con los grandes fenómenos contemporáneos de la humanidad, como lo son las migraciones humanas, el cambio climático, la minería desbordada, la economía de clases, entre otros. Con la intención de señalar la relevancia del agua en acontecimientos específicos, me acerco a determinados territorios a través de exploraciones e investigaciones que, por medio de acciones disruptivas de lo cotidiano, traduzco en instalaciones, videos, fotografías y esculturas que cuestionan, evidencian y marcan dichas relaciones, cuestionando más allá del material y profundizando en las formas alrededor del mismo. Es así como, a través de nexos directos como “agua y frontera”, “agua y minería”, o “agua y medio ambiente” voy concibiendo una geopoética del agua.

SAÚL SÁNCHEZ BOGOTÁ, COLOMBIA. 1977

Estudio Para Garra De Pata De Perro Instalación 2002 / 2019

El trabajo de Saúl Sánchez aborda diferentes preocupaciones relacionadas con los valores conceptuales de la pintura y las condiciones procesuales que conforman los diferentes medios de representación de las imágenes. La interpretación cromática, los límites entre lo visible y lo invisible, y las relaciones entre las formas tradicionales y las prácticas contemporáneas del medio pictórico son algunos de los temas que ocupan su obra.

Desde una perspectiva formal, Sánchez busca desbordar el lenguaje tradicional de la pintura. En su constante pregunta por el medio del que se ha valido en gran parte de su trabajo, el artista indaga los alcances y posibilidades del medio pictórico. Coherente con su trayectoria, en los últimos años, Sánchez ha realizado diferentes proyectos relacionados con la construcción de imágenes y los procesos de percepción, atados a discursos en los que reflexiona sobre la dicotomía entre lo real y lo representado.

CARRERA 23 # 72A - 61 ~ BARRIO SAN FELIPE ~ BOGOTÁ