Pág. 6 NOTICIAS / Pág. 24 "(Ser)JAMES" es el nuevo unipersonal musical de Belén Pasqualini / Pág.28 MÓNICA MAFFIA: Una visita a la Universidad de Padua, Italia / Pág.32 "SWEENEY TODD": El cruel barbero de fleet street / Pág.34 Nicolás Goldschmidt presenta la residencia "ANÓNIMO" / 36 "ANASTASIA, EL MUSICAL" encabezado por Minerva Casero / Pág. 40 NO TIENE UN DESGARRÓN sobrevivir pese a todo" por Irene Bianchi / Pág. 42 "WAMINIX" or Alelí Jait / Pág. 44 SERVIAN EL CIRCO presenta “El Origen Mágico” / Pág.48 LITERARIAS / Pág.58 MUSEOS / 66 ARTES PLÁSTICAS / Pág.76 CARTELERA / Pág. 156 MÚSICA / Pág. 204 CINE
RODRIGO MAUREGUI
"Luces en el espejo"
Unipersonal escrito e interpretado por Rodrigo Mauregui Página 95
Revista Mir á BA N. 205 AGOSTO 2025. Revista Mir á BA es una publicaci ó n mensual de inter é s general.Director: Á ngel Lu í s D í az. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar
Propietario: Angel Lu í s D í az. Ciudad Aut ó noma de Buenos Aires. Rep ú blica Argentina. Versi ó n digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-9446 Los art í culos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opini ó n de la editorial y/o direcci ó n. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducci ó n total o parcial del material gr á fico o escrito publicado originalmente en la Revista Mir á BA con expresa menci ó n de la fuente. Revista Mir á BA en Internet: www.miraba.com.ar Contacto redacci ó n: redaccion@miraba.com. ar Publicidad: publicidad@miraba.com.ar Suscripci ó n digital: suscripcion@miraba.com.ar
NOTICIAS
El
2 de agosto a las 18 horas en El Astros Ana María Bovo presenta:
Humor Bovo
A la hora de construir su humor tan singular, Ana María Bovo recuerda la célebre frase de Chaplin: “La vida en primer plano es una tragedia; en visión panorámica, es una comedia”.
Ana volverá a recrear esa premisa en Humor Bovo: para que el público oscile entre la risa y la emoción en un vaivén de carcajadas panorámicas... hasta que se le ensanche el corazón. Después de una función con entradas agotadas, regresa al escenario del teatro Astros con un repertorio que abarca relatos clásicos y también novedades. Humor Bovo: reír en alta comicidad.
Ana María Bovo es narradora oral, escritora, actriz, dramaturga, directora teatral, docente. Como dramaturga y directora teatral, realizó las siguientes obras: “Emma Bovary”, “Rulos de Yeso”, “Aquella máquina de coser”, y otros. Como narradora, actriz y dramaturga, representó los espectáculos unipersonales “Maní con Chocolate”, “Hasta que me llames”, “Así da gusto”, “Sucesos Literarios argentinos”, “La mentira candente”, entre otros.
Actualmente protagoniza
“Ruth” (junto a Elvira Onetto), adaptación teatral de la novela de Adriana Riva.
HUMOR BOVO
Alta comicidad
ANA MARIA BOVO
Domingo 2 de agosto - 18 h.
Teatro Astros
Entradas disponibles
FICHA TECNICA
Intérprete: Ana María Bovo
Diseño de Iluminación: Exequiel Cassanello
Asesora de Vestuario: Silvana
Díaz Cabrera
Diseño gráfico: Julieta Sol
Villegas
Ph: Laura Samoilovich
Producción y Asistencia de Dirección: Flor Belinky y Paula Niccolini
Dramaturgia y Dirección
General: Ana María Bovo
REDES
@bovoanamaria (IG)
@anabovo (Canal Youtube)
PRODUCCION GENERAL y PRENSA
Flor Belinky
@florbelinky
Paula Niccolini
@paulaniccolini
NOTICIAS
Llega GENERACIÓN, el festival que reúne a los principales streamers y creadores de contenido con sus comunidades fuera de la pantalla.
Del 11 al 13 de diciembre, BA Ferial (ex Costa Salguero) será sede de un evento sin precedentes que reunirá a las principales figuras del ecosistema digital. 3 días, más de 45 shows y más de 75 streamers. Entre ellos, el regreso más esperado: Rubius vuelve a la Argentina tras más de diez años.
El mundo del streaming y la creación de contenido tendrá, por primera vez, su gran festival presencial. Del 11 al 13 de diciembre, BA Ferial (ex Costa Salguero) será escenario de GENERACIÓN, una propuesta que reunirá durante tres jornadas a los creadores de contenido, streamers, gamers y referentes digitales más importantes del mundo hispanohablante con sus comunidades fuera de la pantalla.
GENERACIÓN propone trasladar al mundo real la experiencia del consumo digital. Durante tres días, el público se encontrará cara a cara con sus ídolos y podrá elegir múltiples contenidos, recorriendo distintos escenarios y disfrutando de shows exclusivos, entrevistas, y formatos especialmente diseñados para el festival.
Las primeras confirmaciones del line up incluyen a algunas de las figuras más influyentes del
universo digital: Alejo Igoa, Angie Velasco, Coscu, Farid Dieck, Grefg, HiClavero, Ian Lucas, Jordi Wild, La Gula, Margelita (Ángela Torres y Marcos Giles), Nil Ojeda, Robleis, Spreen, TheDonato, Top Globales, El Tribunero y Yolo Aventuras. Además, lo que promete convertirse en uno de los momentos más destacados del festival, el regreso de Rubius a la Argentina después de más de una década, una visita muy esperada por millones de seguidores.
El festival introduce un modelo de venta innovador que rompe con el formato tradicional de los grandes eventos. Bajo el concepto: “Elegí como vivirlo”, cada asistente podrá crear su
propia experiencia, eligiendo asistir a un único show, combinar varios, acceder a un escenario completo, vivir una jornada entera o disfrutar del festival en su totalidad. Una propuesta flexible que pone al público en el centro y le permite vivir GENERACIÓN a su manera.
Las entradas estarán disponibles en ENTRADAS.BAFERIAL.COM. Los clientes Santander. La venta general comenzará el viernes 31 de julio a las 10 horas. Durante todas las etapas de venta, con tarjeta de crédito Santander Visa hay hasta 6 cuotas sin interés. En GENERACION.COM estará disponible toda la información sobre el festival, su programación y las próximas novedades.
NOTICIAS
JOACO BURGOS LLEGA AL TEATRO COLISEO
El artista presentará Desde Lo Profundo el próximo 4 de agosto en uno de los escenarios más emblemáticos de Buenos Aires.
Luego de agotar funciones en el Teatro Astros, Teatro Vorterix y Bebop Club, de protagonizar un show multitudinario en el Obelisco porteño donde compartió escenario con Leo García, Cachorro López, Lito Vitale, Kevin Johansen, Fabiana Cantilo, Rosario Ortega, Diego Frenkel, entre otros y de hacer un dueto con Fito Páez en el ciclo Muy rico todo. Luego su paso por los Premios Gardel 2026, una presentación junto a León Gieco en Cosquín Rock, su participación en el SXSW en formato piano y voz y presentarse en los Premios Gardel 2026 y llevar su música a Estados Unidos y España, Joaco Burgos anuncia uno de los conciertos más importantes de su carrera: el 4 de agosto llegará por primera vez al Teatro Coliseo para presentar en vivo su tercer
álbum, Desde Lo Profundo.
Lo hará secundado por su poderosa banda -Martín Lema (guitarra eléctrica), Federico Mindlis (bajo), Marco Merlo (teclados), Miranda Myndlis (voces) y Fernando Samalea (batería)-, así como por una puesta sorprendente, una sección de vientos (Dibo, Bruno Espinola y Lautaro Quipildor) e invitados especiales. Con una propuesta que dialoga
entre la canción de autor, el rock y la tradición popular, Joaco Burgos continúa expandiendo su universo artístico y se prepara para vivir una noche clave en su carrera, llevando por primera vez su música al escenario del Teatro Coliseo.
Adquiri tus entradas en www.Ticketek.com.ar
VIDEO
Joaco Burgos - Aunque Sea Por Hoy (Video Oficial)
NOTICIAS
CONTINÚA "BAJO LA TORMENTA" EN LA SALA ARMANDO DISCÉPOLO
La aclamada producción integral de La Comedia de la Provincia regresa desde el sábado 8 de agosto
Luego de un exitoso comienzo de temporada y tras una breve pausa por el receso invernal, Bajo la Tormenta vuelve a la Sala Armando Discépolo (Calle 12 entre 62 y 63 – La Plata) para reencontrarse con el público. La obra retomará sus funciones el sábado 8 de agosto a las 21 horas, con presentaciones los sábados a las 21 h. y domingos a las 20 h., con entrada gratuita.
La Comedia de la Provincia de Buenos Aires, organismo dependiente del Instituto Cultural, invita a descubrir una de las propuestas teatrales más destacadas de la temporada. Escrita por M. López Repetto y dirigida por Toni Lorenzo y César Barella, la obra propone un intenso viaje por los recuerdos, los vínculos y aquellas verdades que el tiempo nunca consigue borrar.
La historia transcurre en una casa de campo donde un grupo de ex compañeros de secundaria se reúne después de veinticinco años. Lo que comienza como un emotivo reencuentro cambia de rumbo cuando un antiguo cofre y unos sobres escritos durante una noche de campamento reabren heridas, despiertan recuerdos y sacan a la luz secretos que parecían
permanecer enterrados para siempre. Bajo la Tormenta invita a reflexionar sobre la memoria, los afectos y el peso del pasado en nuestras vidas.
El elenco está integrado por Gaby Almirón, Mariana Torres, Oscar Ferreyra, Anahí Carnavale, Ezequiel Díaz, Valeria Piscicelli y Abril Castiglioni
La propuesta forma parte del Plan de Producciones Integrales impulsado por la Comedia de la Provincia, reafirmando el compromiso con una producción teatral pública, accesible y de calidad para toda la comunidad.
Entrada gratuita. Las entradas
podrán retirarse por boletería una hora antes del comienzo de cada función, hasta completar la capacidad de la sala.
PRODUCCIÓN INTEGRAL COMEDIA DE LA PROVINCIA - INSTITUTO CULTURAL –GOBIERNO DE LA PROVINCIA DE BUENOS AIRES
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MIDACHI SUMA UNA NUEVA FUNCIÓN EN EL TEATRO GRAN REX
La despedida del trío humorístico sigue haciendo historia y agrega una quinta fecha: 27 de septiembre de 2026.
Porque hay historias que no cierran solas.
Porque hay risas que todavía resuenan en la memoria de la gente y merecen un último abrazo.
Luego de la enorme respuesta del público y la gran demanda de entradas para sus funciones despedida, Midachi suma una nueva presentación en el Teatro
Gran Rex. A las ya anunciadas funciones del 27, 28, 29 y 30 de agosto de 2026, el trío integrado por Miguel del Sel, Dady Brieva y Chino Volpato agrega una nueva fecha el 27 de septiembre.
Con este regreso, Midachi vuelve a encontrarse con su público para despedirse de los escenarios recorriendo los personajes, sketches y momentos más emblemáticos de una carrera que marcó a generaciones y convirtió al grupo en un verdadero fenómeno popular.
Nacidos en Santa Fe, Midachi conquistó teatros, estadios y pantallas de todo el país, batiendo récords de convocatoria y consolidándose como un clásico indiscutido del entretenimiento argentino. Esta serie de funciones representa la última oportunidad para volver a compartir en vivo el humor, la complicidad y la magia que los convirtió en un ícono
MIDACHI VUELVE
Gracias con el cuerpo entero. Con la risa.
Con la música.
Con el silencio final…
NOTICIAS JORGE SUÁREZ Y FACUNDO ARANA
PROTAGONIZAN EL REGRESO DE “VISITANDO AL SR. GREEN”
La reconocida obra „Visitando al Sr. Green“, escrita por Jeff Baron, volverá a los escenarios porteños el próximo 9 de septiembre con funciones de miércoles a domingo en el Multiteatro. La nueva puesta estará protagonizada por dos de los actores más prestigiosos de nuestro país, Jorge Suárez y Facundo Arana, bajo la dirección del referente del teatro argentino, Santiago Doria.
La producción general está a cargo de Pipa Produce, Faroni Producciones, Juan Manuel Caballé y Tomás Rottemberg.
Considerada una de las comedias dramáticas más emblemáticas de las últimas décadas, la obra
propone una historia atravesada por el humor, la emoción y el encuentro entre dos personas que, a pesar de sus profundas diferencias, descubren la posibilidad de transformar sus vidas.
La trama sigue a Ross Gardiner, un joven ejecutivo neoyorquino que, tras un incidente de tránsito en el que casi atropella al Sr. Green, un viudo mayor que vive solo, es condenado por un tribunal a visitarlo una vez por semana durante seis meses para asistirlo en las tareas que necesite.
Lo que comienza como una obligación incómoda enfrenta a
dos hombres separados por la edad, las costumbres y formas muy distintas de entender la vida. Con el paso de los encuentros, las diferencias iniciales dan lugar a un vínculo inesperado que pondrá a prueba sus prejuicios, sus convicciones y su manera de relacionarse con los demás.
Con una combinación de humor y sensibilidad, la obra aborda temas como la amistad, la empatía, la familia, la soledad y la aceptación, invitando al público a reflexionar sobre la importancia de escuchar al otro y abrirse a nuevas perspectivas.
Las entradas ya se encuentran disponibles a través de Plateanet.
NOTICIAS
El nuevo espectáculo de teatro físico creación de la exitosa dupla de Sex, Mati Napp y Paola Luttini
ANIMAL (CRUZÁ EL LÍMITE)
Estreno viernes 14 agosto 22.30h DUMONT 4040
Hay algo que reprimimos todos los días para poder vivir en sociedad.
Un deseo que se contiene, una furia que se domestica, una pulsión que se esconde. ANIMAL (Cruzá el límite) es el espectáculo que viene a liberar todo eso. Una experiencia de teatro físico 360° creada y dirigida por Mati Napp, con textos de Mariela Asensio y dirección actoral y producción general de Paola Luttini, que propone una noche en la que las formas sociales se suspenden y lo civilizado se agrieta.
Al frente del elenco está Alan Madanes, ganador del Premio Hugo a mejor actuación protagónica masculina, con una trayectoria que incluye teatro musical de alto vuelo, series
de televisión y el unipersonal Souvenir de mar. Lo acompañan Tamara Lucía Vecces, Julia Fontana, Federico Díaz, Daiana Chacon, Dylan Mazza y Matías Quiroga, seis intérpretes elegidos entre 500 postulantes, de los cuales Napp preseleccionó 80: un proceso de búsqueda tan exigente como el espectáculo que anuncia.
Con coreografías de alto impacto, música en vivo de la violinista Ornella Restifa y una puesta inmersiva donde intérpretes y público comparten un mismo espacio, ANIMAL construye un territorio donde el cuerpo, la escena y la presencia se vuelven una misma materia. Por una noche, cruzar el límite está permitido.
Detrás del proyecto está un
equipo de primer nivel. Mati Napp —coreógrafo declarado Personalidad Destacada de la Cultura Porteña, responsable de puestas junto a Emilia Mernes, Cazzu, Duki y jurado del World of Dance— firma la idea original, la dirección y las coreografías. Los textos son de Mariela Asensio, actriz, directora y docente y una de las voces más reconocidas de la dramaturgia argentina contemporánea. La dirección actoral y la producción general están a cargo de Paola Luttini, fundadora de Pronoia Producciones y co-creadora de SEX, el espectáculo que es un éxito hace 7 años.
ANIMAL se estrena el viernes 14 de agosto a las 22:30 h en el teatro Dumont 4040. Funciones viernes y sábados 22.30h. Las entradas por Alternativa Teatral.
NOTICIAS
LOS PREMIOS PINTI YA TIENEN GANADORES
Así fue la primera gran noche del teatro comercial argentino
AADET celebró el pasado lunes 27 de julio, en el Teatro Colón, la primera edición de los Premios PINTI. La ceremonia, conducida por Agustín Aristarán y transmitida en vivo por eltrece, reunió a figuras del espectáculo y coronó a los ganadores en las 19 categorías definidas por el Jurado, además de los Premios Trayectoria, los Espectáculos del Año y el Favorito del Público.
La primera edición de los Premios PINTI ya tiene ganadores. El Teatro Colón fue escenario anoche de la primera edición de los Premios PINTI, la nueva distinción creada por la Asociación Argentina
de Empresarios/as Teatrales y Musicales (AADET) para reconocer la excelencia del teatro comercial argentino y celebrar a quienes hacen posible, cada temporada, que miles de espectadores elijan el encuentro irrepetible con el teatro.
Con la conducción de Agustín Aristarán y transmisión en vivo por eltrece, la ceremonia reunió a las principales figuras de la actividad en una noche que combinó reconocimientos, humor, música y emoción, en un formato especialmente concebido para la televisión sin perder la esencia del hecho teatral.
El espíritu de los Premios PINTI puso en relieve la celebración del trabajo colectivo que hace posible cada función: artistas, autores, directores, productores, técnicos y todos quienes, desde distintos roles, sostienen una actividad que forma parte de la identidad cultural argentina.
Una noche de celebración
La ceremonia reunió cuatro formas de reconocimiento que reflejan distintas maneras de valorar la actividad teatral. Por un lado, las distinciones otorgadas por el Jurado,
integrado por 25 referentes de la cultura, el periodismo, la crítica especializada y las artes. A ellas se sumaron los reconocimientos institucionales: los Premios a la Trayectoria; los Premios a los Espectáculos del Año, destinados a las producciones con mayor convocatoria de público en los géneros comedia, drama/comedia dramática y musical; y el Premio Favorito del Público, elegido mediante una votación abierta a través de las redes oficiales de los Premios PINTI.
Las figuras que dijeron presente
La alfombra roja se llenó de figuras del espectáculo y la cultura, que se acercaron a acompañar la primera entrega de los Premios PINTI.
Entre los asistentes se destacaron: Adrián Suar, Carla Peterson, Cecilia Roth, Moria Casán, Guillermo Francella, Griselda Siciliani , Diego Peretti, Lorena Vega, Jorge Marrale, Leticia Brédice, Nicolás Vázquez, Verónica Llinás, Arturo Puig, Soledad Villamil, Luis Machín, Eleonora Wexler, Gerardo Romano, Pilar Gamboa, Federico D´Elía,
Julieta Nair Calvo, Lizy Tagliani, Fer Dente, Mauricio Dayub, Diego Reinhold, Alejo García Pintos, Dai Fernández, Gonzalo Heredia, Brenda Gandini, Juan Gil Navarro, Mora Bianchi, Mery del Cerro, Flor Torrente, Benjamín Rojas, Peto Menahem, Tomás Fonzi, Minerva Casero, Graciela Stefani, Fer Metilli, Sebastián Wainraich, Dalia Gutmann, Flavio Mendoza, Julieta Zylberberg y Boy Olmi, entre muchas otras figuras del ambiente teatral, la televisión, el cine y la cultura.
A lo largo de la gala, el escenario del Teatro Colón recibió a más de treinta de estas figuras, quienes se encargaron de presentar las distintas categorías de la noche. También hubo distintos momentos artísticos especialmente producidos para esta primera edición. Un homenaje a Enrique Pinti, protagonizado por Dalia Gutmann, Julieta Otero, Martín Rechimuzzi, Pablo Fábregas y Agustín Aristarán, con Ian Schifres al piano, que celebró el talento, el humor y la vigencia del gran artista que da nombre a los premios. Otro segmento de los más celebrados fue el gran medley de musicales, que reunió fragmentos de los cinco musicales nominados, interpretados por sus elencos originales. También hubo un emotivo homenaje audiovisual a Beto Brandoni, además de diversos momentos especialmente desarrollados para la transmisión.
Entre los momentos más emotivos de la noche se destacaron los Premios a la Trayectoria otorgados a Carlos Rottemberg, Moria Casán y Guillermo Francella, cuyas ovaciones de pie reflejaron el reconocimiento de toda la comunidad teatral a tres figuras fundamentales de la escena argentina.
La primera edición de los Premios PINTI se vivió con un clima de celebración y encuentro. Artistas, productores, autores, periodistas y trabajadores del sector, compartieron una noche que puso en valor el talento, el esfuerzo y la diversidad que caracterizan al teatro argentino.
“Los Premios PINTI nacieron para reconocer la excelencia, pero también para celebrar el enorme trabajo colectivo que hace posible el teatro argentino cada temporada. Esta gala inaugural confirmó que la actividad necesitaba un espacio de encuentro, reconocimiento y celebración, a la altura del talento y el compromiso de toda la comunidad teatral argentina.” Comisión Directiva de AADET.
Los ganadores: conocé a todos
El Jurado -integrado por 25 referentes del periodismo, la crítica especializada, la literatura y la cultura- definió las nominaciones en las 19 cate- u
NOTICIAS
gorías del premio y fue el encargado de elegir a los ganadores.
Trayectoria
Espectáculos del Año
Premio Trayectoria en Actuación
Teatral Femenina: Moria Casán
Premio Trayectoria en Actuación
Teatral Masculina: Guillermo Francella
Premio Trayectoria en Producción Teatral: Carlos Rottemberg
Drama o Comedia Dramática del Año: Rocky
Comedia del Año: El Jefe del Jefe
Musical del Año: Charlie y la Fábrica de Chocolate
Espectáculo Favorito del Público: Annie Por categoría:
1. Mejor Comedia: Una navidad de mierda
2. Mejor Drama o Comedia Dramática: Las hijas
3. Mejor Musical: Charlie y la fábrica de chocolate
4. Mejor Unipersonal, espectáculo de humor, stand up o formato alternativo: Suavecita
5. Mejor Obra de Autoría Nacional: Lo que el río hace (de María Marull y Paula Marull)
6. Mejor Actriz de Comedia: Verónica Llinás (Una navidad de mierda)
7. Mejor Actor de Comedia: Juan Pablo Geretto (Berlín Berlín)
8. Mejor Actriz de Drama o Comedia Dramática: Lorena Vega (Imprenteros y La vida extraordinaria)
MiráBA 22
9. Mejor Actor de Drama o Comedia Dramática: Roberto Peloni (El brote)
10. Mejor Actriz de Musical: Alejandra Radano (Company)
11. Mejor Actor de Musical: Agustín Aristarán (Charlie y la fábrica de chocolate)
12. Mejor Actriz de Reparto: Lucía Adúriz Bravo (Berlín Berl
13. Mejor Actor de Reparto: Mariano Saborido (Lo que el río hace)
14. Mejor Dirección: Ariel del Mastro y Marcelo Caballero (Charlie y la fábrica de chocolate)
15. Mejor Coreografía: Vanesa García Millán (Hairspray)
16. Mejor Diseño de Escenografía y/o Audiovisual: Julieta Kompel y Gonzalo Córdoba Estévez (Desde el jardín)
17. Mejor Diseño de Vestuario, Caracterización y/o Maquillaje: Gustavo Alderete para La Polilla (Vestuario - Hairspray)
18. Mejor Diseño de Iluminación, Sonido y/o Música Original: Mariano Demaría y Santiago Cámara (Iluminación - Rocky)
19. Mejor Producción: Preludio y RGB Entertainment (Rocky)
El Jurado estuvo integrado por: Carlos Ulanovsky, Claudia Piñeiro, Cynthia Edul, Enrique Avogadro, Federico Irazábal, Fernando Bravo, Gabriela Rádice, Hugo Paredero, Jorge Dubatti, Lucía Chiola Iannone, Marcela Coronel, Marcela Godoy, Marcelo Allasino, Marcelo Stiletano, Mercedes Méndez, Mey Scápola, Natalia Laube, Pablo Scholz, Pablo Sirvén, Pamela López, Paula Sabatés, Sandra Commisso, Silvina Lamazares, Tatiana Schapiro y Teresa Donato.
Más info: aadet.org.ar/premios/ IG: @premiospinti MiráBA 23
ESTRENO: lunes 17 de agosto - ÚNICAS 4 FUNIONES (Ser)JAMES
Margaret quiere ser médica, James ya no soporta la guerra. Margaret quiere ver más, James ya lo vio todo. Ella quiere ir, él quiere volver. Parece que nada va a cambiar, hasta que Margaret y James tienen una oportunidad. Una oportunidad para cambiarlo todo. Una oportunidad para ser.
(Ser)JAMES es el nuevo unipersonal musical de Belén Pasqualini (Premios ACE y Premios Hugo por “CHRISTIANE”), creado junto a Julieta Desmarás y Juan Francisco Dasso. Una obra que entrelaza dos historias, dos caras de un mismo personaje marcado por la vocación y el sacrificio. El estreno será el lunes 17 de agosto a las 20hs en Dumont 4040.
James Barry fue un cirujano del ejército británico. Nacido bajo el nombre de Margaret Bulkley en Irlanda a finales del siglo XVIII, Barry vivió toda su vida como hombre para poder ejercer la medicina. Alcanzó los rangos más altos a los que podía aspirar un médico militar, mejorando las condiciones de higiene y logrando la primera cesárea exitosa de la historia.
Dice Julieta Desmarás, codirectora y dramaturga: “La vida de James Miranda Barry nos recuerda que muchos de los
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derechos que hoy consideramos conquistados fueron el resultado de largas luchas. Volver sobre esta historia, que transcurrió hace más dos siglos, es reconocer cuánto hemos avanzado, pero también cuánto queda aún por defender para que nadie deba renunciar a su identidad o a su deseo de ser”. Y agrega Belén Pasqualini, intérprete, compositora y codirectora: “Esa vigencia también se expresa en la propuesta estética, que incorpora aportes del diseño textil, una impronta
cercana al mundo de la moda y proyecciones como complemento escenográfico”.
“La invitación de Belén trajo consigo un dispositivo de prueba: experimentar una escritura a cuatro manos para dar voz a un personaje de hace más de dos siglos… ¡en un musical! Articular mi escritura con la pluma singular de Julieta y la propuesta musical de Belén es un desafío que sigue abriendo puertas y dando forma a nuestro James” .
Juan Francisco Dasso - codirector y dramaturgo
FICHA ARTÍSTICO-TÉCNICA
Actuación:
Belén Pasqualini
Libro:
Juan Francisco Dasso
Julieta Desmarás
Idea original:
Belén Pasqualini
Diseño de escenografía:
Micaela Sleigh
Marlene Lievendag
Diseño de vestuario:
Jade Ferrari
Zoel Gastou
Diseño de iluminación:
Mili Chain
Diseño de visuales:
Tomás Serio (t0n)
Diseño de movimiento:
Carla Rímola
Asistencia Musical:
Cardinal Sur
Mezcla y Mastering:
Hernán Ambrogi
Fotografía: Bruno Busnelli
Prensa: Prensópolis
Diseño de producción:
Mery Pastore Camino
Producción: Belén Pasqualini
Composición musical y Letras de canciones:
Belén Pasqualini l
Dirección:
Dasso, Desmarás, Pasqualini
Clasificación: + 13 años l
Duración: 60 minutos.
Sobre BELÉN PASQUALINI
Actuación, composición y dirección @belenpasqualini
Actriz, cantante, compositora y directora. Ganadora de la Beca Fulbright y licenciada del I.U.N.A. de Artes Dramáticas. Su unipersonal “Christiane: un biomusical científico”, se presentó 500 veces y ganó múltiples premios en Argentina y en el exterior, entre ellos el Premio Hugo a Mejor Unipersonal Musical. Pasqualini ganó el Premio A.C.E. Revelación en 2010 por su actuación en “Sweeney Todd” y ha trabajado en numerosas producciones del ámbito comercial, oficial e independiente, tanto en Argentina como internacionalmente.
Actualmente protagoniza “Benito de La Boca” en el Teatro de la
Ribera. Sus últimos trabajos incluyen: “Astor Piazzolla Eterno”, de Emiliano Dionisi en el Teatro Colón; “El Camino Menos Transitado, una ópera contemporánea”; “A lúa é a lúa em Buenos Aires e em Lisboa”, un homenaje a los mineros de Portugal; “Mirtha: el mito”. En lo audiovisual participó de series para Disney y Pol-ka, así como para cortometrajes internacionales y prepara el libro de una película basada en la vida y obra de Christiane Dosde Pasqualini. Musicalmente editó siete álbumes con piezas de su autoría. Su disco Mudar estuvo nominado a los Premios Gardel.
Sobre JUAN FRANCISCO
DASSO. Libro y dirección @ juanfdasso
Dramaturgo y director de teatro. Su obra “El Hombre de Acero” realizó cuatro temporadas en Espacio Callejón, obtuvo el primer puesto en el Premio Rozenmacher y el Premio Nacional en la categoría texto dramático (producción 20192022).
Escribió la obra musical “Benito de La Boca” para el Complejo Teatral de Buenos Aires y fue uno de los autores de "La- u MiráBA 25
Revista del Cervantes”, presentada en el Teatro Nacional Cervantes. Sus últimos estrenos como autor fueron: “Sarmiento, la clase” protagonizada por Juan Leyrado, y “La Mujer Invisible”, obra que además dirige. Es docente de la Maestría en Dramaturgia de la Universidad Nacional de las Artes y de la Licenciatura en Artes Escénicas de la UADE.
Sobre JULIETA DESMARÁS.
Libro y dirección @ julietadesmaras
Poeta, editora, dramaturga y directora de teatro. Magíster en Escritura Creativa (UNTREF), su trabajo explora el cruce entre literatura, artes escénicas y diseño como lenguajes de una misma experiencia narrativa.
Publicó los libros de poesía El río y su cajón (2014), La voz mayor (2018) y Desechos de Asunta (2022), y su obra integra diversas antologías nacionales e internacionales.
Integró como poeta y dramaturgista el Laboratorio de Creación del Teatro Nacional Cervantes, coordinado por Ricardo Bartís, cuya bitácora fue publicada por la Editorial
del TNC en Ahí vienen. Su monólogo “El valle de la lágrima” fue seleccionado para Monoblock II y su obra “La canoera” recibió la mención en el Concurso Nacional de Dramaturgia del Fondo
Nacional de las Artes (2020). Como escritora desarrolla proyectos creativos para instituciones, editoriales y artistas, integrando escritura, imagen y dirección de arte en una práctica interdisciplinaria.
FUNCIONES:
(Ser)JAMES se presenta los lunes 17, 24, 31 de agosto y 7 de septiembre a las 20hs en Dumont 4040 (Dumont 4040, CABA) con entrada general a $30.000 (ver descuentos), venta por Alternativa.
PRENSA Prensópolis Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com MiráBA 26
MÓNICA MAFFIA
Una visita a la Universidad de Padua, Italia.
En su viaje a Italia, el mes pasado, la Actriz, Directora de Teatro, Régisseuse y Dramaturga realizó su primer visita a la Biblioteca Universitaria de Padua, Italia, para examinar la primera antología de las obras de Shakespeare llamada “Primer Folio” publicada en Londres en 1623.
Soy la primera especialista en Shakespeare de América del Sur en acceder al Primer Folio de Shakespeare custodiado por la Universidad de Padua. Es un libro valuado en más de 10 millones de euros. En toda Europa no quedan más que 7
ejemplares. A diferencia de otros ejemplares como los que hay en Inglaterra o Estados Unidos, este ejemplar tiene anotaciones hechas en lápiz y en tinta lo significa un valioso testimonio sobre temas de puesta en escena de la Edad Moderna. dijo Mónica Maffia.
Mónica Maffia realizó una segunda visita a la sección de Manusvritos y Libros Raros para seguir inspeccionando su posesión más valiosa: el Primer Folio de Shakespeare. Se lo puede ver cerrado depositado sobre un almohadón fucsia. En el ámbito literario es la primera especialista de América del Sur
en acceder al Primer Folio de Shakespeare de la Universidad de Padua.
FIRST FOLIO:
“Mr. William Shakespeares Comedies, Histories & Tragedies” (Las comedias, historias y tragedias de don William Shakespeare), es la primera edición original de la obra completa del dramaturgo más famoso del mundo, publicada en noviembre de 1623.
El libro hizo famoso a William Shakespeare y salvó del olvido a obras como Macbeth, Julio MiráBA 28
César, Antonio y Cleopatra, Noche de reyes, La Fierecilla domada y La tempestad, entre otros.
Mónica Maffía fue Curadora y Directora Artística de las jornadas artísticas y académicas “SHAKESPEARE: Primer Folio” celebrados en 2023 en el Rojas en homenaje a los 400 años de la publicación de este libro.
También en esa oportunidad dirigió La TEMPESTAD de Shakespeare. La obra estuvo 3 temporadas en cartel. Este montaje se transmitió por streaming en el Simposio “GLOBE4GLOBE” 2025 realizado por el Teatro “The Globe” de Londres en conjunto con varias universidades como ejemplo de “Shakespeare y Justicia Medioambiental”.
Próximamente, en octubre, Mónica la vuelve a hacer en CABA.
SOBRE MÓNICA MAFFIA
Actriz - Directora de TeatroRégisseuse - Dramaturga: Miembro de la Academia de
Artes Escénicas de España y de la International Shakespeare Association con más de 60 montajes en la Argentina y en el exterior.
Como experta en Shakespeare partició en Simposio Globe4Gobe “Shakespeare & Environmental Justice” 2025 organizado por el Shakespeare’s Globe, ShakeEarthAlliance con su presentación “Apocalipsis inminente, intervención de la Naturaleza y buenos negocios en MERCURIO (vs) LOS ALQUIMISTAS de Ben Jonson”. Y además, su montaje de LA TEMPESTAD fue transmitido por streaming desde el Globe en la sección “Screenings of Ecoadaptations”.
Anteriormente, el Shakespeare’s Globe y el British Council México la convocaron para dictar un taller sobre traducción shakespeareana y para abrir el SHAKESPEARE LIVES 2016 con su unipersonal LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA de casi 20 años de recorrido nacional e internacional con el auspicio de la Asociación de Mujeres Jueces de la Argentina. Como 1ª traductora mundial y puestista de su premiada DIDO, REINA DE CARTAGO (única obra de Marlowe que faltaba traducir al castellano) y por sus investigaciones en teatro isabelino la Fundación Montemadrid la convocó para el debate Marlowe-Shakespeare en febrero ‘18 en la Casa de las Alhajas de Madrid. Inició sus estudios teatrales en Londres (Royal Academy of Dramatic Art, British Theatre Association), egresando de la Middlesex University con el grado de Bachelor of Arts (Honours) en Teatro y Litera- u
tura Inglesa.
En Londres protagonizó obras de Eurípides, de Shakespeare , y en Bs.As. trabajó bajo la dirección de Villanueva Cosse, Jorge Hacker, Luis Rivera López, Catherine Gibson entre otros.
Es también Régisseuse, egresada del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y también ha experimentado en la creación de coreografías para espectáculos líricos y obras de danza-teatro. Escribió su tesis doctoral sobre Shakespeare. Invitada por el University College London por su profundo trabajo con los clásicos, cierra el congreso internacional “Greeks and Romans on the Latin American Stage” en junio 2014. En Santiago de Chile participa en el Coloquio Internacional de Traductores, Universidad de los Andes, por el ###º del nacimiento de Shakespeare. El Instituto Cervantes de Lisboa, conjuntamente con la Comisión Nacional IV Centenario de
la Muerte de Cervantes la invitan como única oradora a dar inicio a las actividades conmemorativas en Portugal con su conferencia “Ecos de Cervantes en Shakespeare” en marzo 2016.
Premios y becas:
“Trabajo Destacado” en Premios
Teatro del Mundo
2014 por DIDO, REINA DE CARTAGO de Marlowe, primera traducción mundial al castellano (traducción)
“Trabajo Destacado” en Premios
Teatro del Mundo
2014 por DIDO, REINA DE CARTAGO, Colección de Traducciones
Trascendentes Editorial Nueva Generación (labor en edición)
PREMIO MAYOR Teatro del Mundo 2010 por EDUARDO III de Shakespeare (traducción)
“Trabajo Destacado” en los Premios Teatro del Mundo
2013 por LOS PERSAS de Esquilo (traducción)
Beca Nacional Grupal
2008 (Fondo Nacional de las
Artes - directora del grupo)
Beca Nacional 2001 (Fondo Nacional de las Artes)
Directora Artística de eventos: SHAKESPEARE:Primer Folio (2023) evento en CC RojasCuradora
Directora Artística Ciclo Teatro
Leído (2023) CCRojas
Performances Filosóficas en el AGORA DE LA PAZ de Marta Minujín (2013 - Directora y Dramaturga)
GALERÍA DE MONÓLOGOS
LATINOAMERICANOS (2013Curadora)
Evento DICKENS 2012
(Directora Artística y Dramatruga - organizó British Council y Dirección General del Libro)
FESTIVAL PINTER (2003 - C.C. Rojas)
Worshop Leader: Great Feast of Languages SHAKESPEARE
LIVES 2016 en homenaje a Shakespeare organizada en México por Shakespeare Globe
Education, British Council, British Centre for Literary Translation, Writer’s Centre Norwich.
La TEMPESTAD de Shakespeare dirigida por Mónica Maffia.
GRAN ESTRENO AGOSTO - TEATRO SANTA MARÍA
SWEENEY TODD
El cruel barbero de fleet street
Uno de los musicales m á s impactantes de todos los tiempos, donde el horror, la tragedia y el humor negro se entrelazan en las oscuras calles del Londres victoriano.
“Sweeney Todd: El cruel barbero de Fleet Street” llega a los escenarios con una nueva producci ó n del ic ó nico musical de Stephen Sondheim, una historia de venganza, obsesi ó n y locura que combina la intensidad del thriller con el drama y el humor negro. Con direcci ó n general de Marcelo Rosa, MiráBA 32
direcci ó n musical y vocal de C é sar Tello y coreograf í as de Pamela Peker, la propuesta cuenta con producci ó n general de Velka Producciones y un amplio elenco encabezado por Emmanuel Degracia. El gran estreno ser á en agosto en el nuevo Teatro Santa Maria (Montevideo 842, CABA)
Benjamin Barker regresa a Londres despu é s de a ñ os de exilio bajo una nueva identidad: Sweeney Todd. Consumido por el deseo de vengarse del corrupto Juez Turpin, responsable de destruir su vida y arrebatarle a su familia, reabre su antigua barber í a sobre la pasteler í a de la ingeniosa Mrs. Lovett. Lo que comienza como una b ú squeda de justicia pronto se transforma en una espiral de obsesi ó n, sangre y locura, donde cada decisi ó n empuja a sus protagonistas hacia un destino cada vez m á s oscuro.
Con m ú sica y letras de Stephen Sondheim, libro de Hugh Wheeler y basada en la adaptaci ó n de Christopher Bond, “Sweeney Todd” se convirti ó en una de las obras m á s reconocidas y desafiantes del teatro musical. Su universo combina una poderosa partitura con una historia atravesada por la corrupci ó n, la p é rdida, el amor y la venganza, construyendo un relato en el que el horror convive permanentemente con la iron í a y el humor negro.
El elenco est á encabezado por Emmanuel Degracia como Sweeney Todd y Anabela
Bor ó n como Mrs. Lovett, junto a Tom á s Vila, Lucia Louzan, Alfredo Alesandro, Mario Angelome, Agust í n Iannone, Nacho Batti y Aimara V á zquez. El ensamble est á integrado por Marian Lorena V á zquez, Jos é Fiz, Lucia Ingol, Chiara Rod ó , Hern á n C á ceres, Camila Schuale y Santiago Sastre, bajo la direcci ó n general de Marcelo Rosa y la direcci ó n musical y vocal de C é sar Tello.
FICHA T É CNICA
ELENCO: Sweeney Todd: Emmanuel Degracia
Mrs. Lovett: Anabela Bor ó n
Anthony Hope: Tom á s Vila
Johanna Barker: Lucia Louzan
Juez Turpin: Alfredo Alesandro
Beadle Bamford: Mario Angelome
Adolfo Pirelli: Agust í n Iannone
Tobias Ragg: Nacho Batti
Lucy Barker / Mendiga: Aimara V á zquez
ENSAMBLE: Marian Lorena V á zquez
Jos é Fiz
Lucia Ingol
Chiara Rod ó Hern á n C á ceres
Camila Schuale
Santiago Sastre
M ú sica y letras: Stephen Sondheim
Libro: Hugh Wheeler
Basado en la adaptaci ó n de: Christopher Bond
Producci ó n original de Broadway: Richard Barr, Charles Woodward, Robert Fryer, Mary Lea Johnson y Martin Richards, en asociaci ó n con Dean y Judy Manos.
Direcci ó n general: Marcelo Rosa
Direcci ó n musical y vocal: C é sar Tello.
Coreograf í as: Pamela Peker. Producci ó n general: Velka Producciones.
Prensa: Kevin Melgar
PRENSA
KEVIN MELGAR contacto@kevinmelgarprensa. com.ar
Nicolás Goldschmidt presenta la residencia
" ANÓNIMO "
¿Qué ocurre cuando la humanidad se convierte en recurso? ¿Dónde se aloja la experiencia cuando el gesto puede archivarse y reproducirse infinitamente? ¿El actor deviene operador técnico o último reservorio de lo irrepetible? La residencia de creación e investigación ANÓNIMO es un proyecto performático que investiga qué significa ser actor hoy, en un contexto donde la producción de contenido ficcional se pregunta cuáles son los restos de humanidad que resistirán al avance —inminente y brutal— de la tecnología.
En esta etapa de trabajo en Konex, la investigación se concentra en su intérprete, Nicolás Goldschmidt, quien asume la tarea de producir gestos, emociones y acciones destinados a ser capturados, archivados y reutilizados infinitamente. El actor ya no interpreta un personaje; produce material expresivo disponible.
Apertura al público: domingo 12 de julio, miércoles 5 y 12 de agosto y 2 de septiembre. Entradas en venta por la web de CCKonex.
FICHA TÉCNICA
Intérprete:
Nicolás Goldschmidt
Diseño sonoro:
Tomás Pol
Diseño visual:
Moreno Pereyra
Coreografía:
Merlina Crawley Ruibal
Diseño de vestuario: Cecilia Turnes
Prensa: Mutuverría PR
Fotografia: Violeta Capasso
Maquilladora FX: Agustina Ciriglioni
Tutorías: Alejandro Tantanian
Pablo Rotemberg
Guillermina Etkin
Producción artística: Micaela Irina Zaninovich
Idea y dirección artística: Nicolás Goldschmidt
SOBRE NICOLÁS GOLDSCHMIDT
Nicolás Goldschmidt es actor, director y guionista. Trabaja desde hace 20 años en el circuito teatral de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, formándose en la MiráBA 34
Universidad Nacional de las Artes (Departamento de Artes Dramáticas) y con referentes de la escena porteña como Cristina Banegas, Ricardo Bartis, Leticia Mazur, Josefina Gorostiza. En los próximos meses formará parte de la Residencia “ANÓNIMO” en Ciudad Cultural Konex, estrenará las obras de teatro “TODO ARDER” y “1%” en el Festival Callejón y se encuentra en el rodaje de “BOY” film escrito por Nicolás Goldschmidt y Nacho Sesma.
En 2024 estrenó “Primalión” su ópera prima como director y dramaturgo. Es intérprete de “La Obra Siamesa” de Laura Sbdar, la cual salió seleccionada en la convocatoria de Lado B en Fundación Cazadores y el premio S y en 2025 realizó una temporada en ARTHAUS. Protagonizó “Bodas de Sangre” dirigida por Vivi Tellas para el Teatro San Martín; “Ametralladora” de Laura Sbdar, realizándose en Bs. As., Madrid y Valencia; “Lázaro” de Flor Berthold nominado a los ACE como actor revelación; “La máquina idiota” de Ricardo Bartís en Bs. As., Corea del sur y Uruguay; “La liebre y la
tortuga” de Bartis producida por el Teatro Nacional Cervantes. En danza fue intérprete de “Coreomanía” de Josefina Gorostiza realizando funciones en el Teatro Metropolitan, en el FIBA y Bienal de Arte Joven y el GAM de Santiago de Chile; y “Precarizada” de la misma directora, realizando en el Festival Próximamente de Bélgica. Dicta talleres de actuación y montaje hace 8 años. En el cine protagonizó “Maradona: Sueño Bendito” para Amazon Prime Video, estrenada en todo el mundo.
En el 2023 dirigió y protagonizó el cortometraje “BOY” que se estrenó en el BAFICI y se proyecta en festivales del país. Ganó el premio Mejor Actuación en la Competencia Nacional del Bafici 2023 por el cortometraje “BOY”; la beca del Laboratorio de Cine en la Universidad Di Tella dictado por Martín Rejtman y Andrés Di Tella; la Beca de Creación Casa London en Inglaterra; y la Bienal de Arte Joven como director.
PRENSA Mutuverría PR info@mutuverria.com
ÉXITO INDISCUTIBLE EN LA CALLE CORRIENTES:
"ANASTASIA, EL MUSICAL"
EXTIENDE SUS FUNCIONES DURANTE EL MES DE AGOSTO
Las funciones de este exitoso musical encabezado por Minerva Casero, en agosto serán los sábados y domingos a las 15:30 h en el Teatro Astral.
Tras consolidarse desde su estreno como una de las producciones más aclamadas de la temporada y ubicarse varias semanas en el TOP TEN de las obras más vistas de Buenos Aires, la producción de ANASTASIA, EL MUSICAL anuncia que, debido a la excelente respuesta del público y a la alta demanda de localidades, el espectáculo continuará en cartel durante el
mes de agosto.
A partir del próximo mes, el viaje épico que transporta a los espectadores desde el ocaso de la Rusia Imperial hasta el brillo del París de los años 20 se presentará en el Teatro Astral los sábados y domingos a las 15:30
Una Superproducción con Sello de Calidad Internacional
Esta versión argentina se destaca por ser un montaje no réplica, lo que le otorga una identidad única y un tono más maduro y humano que la versión animada. El espectáculo ha sido calificado como una pieza que
marca un precedente en el teatro nacional, logrando estándares de calidad de Broadway en Argentina.
El despliegue visual es uno de los pilares de este éxito, integrando tecnología de clase mundial con las proyecciones originales de Broadway creadas por el premiado Aaron Rhyne.
Su vestuario incluye más de 150 cambios completos, diseñados por Stella Maris Müller, junto con más de 50 pelucas realizadas artesanalmente por Feliciano San Román, además de botas, tocados, sombreros y piezas de ballet confeccionadas MiráBA 36
especialmente para la producción.
El espectáculo ofrece además una experiencia inmersiva completa a través del diseño olfativo de la fragancia #Authentique, que envuelve la sala en momentos clave del relato.
El suceso de la obra se apoya en el talento de un elenco de primer nivel liderado por Minerva Casero en la piel de Anya/ Anastasia, cuya interpretación ha sido destacada por su potencia y sensibilidad. La acompañan Felipe Bou Abdo como Dimitri, el carismático Fernando “Pichu” Straneo como Vlad, Agustín Iannone como Gleb, Carolina Mainero como
Lily y la multipremiada Lucila Gandolfo, quien asume de forma exclusiva el papel de la Emperatriz Viuda.
EL DREAM TEAM CREATIVO
Bajo la Dirección General de Marcelo Rosa, el equipo creativo demostró un estándar de calidad internacional: Mica Fariña como directora asociada, Ale Ibarra en coreografía, Pili Noseda en dirección vocal, Néstor Tedesco liderando la Orquesta Aeropuertos Argentina con música en vivo, Carlos Cifani en escenografía, diseño de vestuario de Stella Maris Müller, Claudio Del Bianco en iluminación y Gastón Briski y Alejandro Zambrano en el diseño de sonido.
Las entradas para Anastasia, el musical se pueden adquirir en la boletería del teatro y por Plateanet.
ANASTASIA: EL MUSICAL
Libro de Terrence McNally
Música de Stephen Flaherty
Letra de Lynn Ahrens
Elenco
Minerva Casero es Anya/ Anastasia
Felipe Bou Abdo es Dimitri
Fernando “Pichu” Straneo es Vlad
Lucila Gandolfo es la Emperatriz Viuda u MiráBA
Carolina Mainero es Lily
Agustín Iannone es Gleb
Julieta G. Aleman es Anastasia
Niña
Ensamble:
Joaquín Caso
Micaela Fusaro
Sol Giulietti
Iñaki Iparraguirre
Lucila Muiño
Verónica Pacenza
Andrés Rosso
Eluney Salazar
Santiago Sastre
Tomás Vila
Pamela Peker
Gustavo Ortiz
Música en vivo ejecutada por la
Orquesta Aeropuertos Argentina
dirigida por el maestro Néstor
MiráBA 38
Tedesco
Dirección General:
Marcelo Rosa
Coreografías:
Ale Ibarra
Dirección Vocal:
Pili Noseda
Directora adjunta:
Micaela Fariña
Dirección Musical:
Néstor Tedesco
Diseño de Escenografía: Carlos Cifani
Diseño y supervisión de Vestuario:
Stella Maris Müller
Diseño de Pelucas:
Feliciano San Román
Diseño de Iluminación y
Dirección Técnica:
Claudio Del Bianco
Diseño de Sonido:
Gastón Briski
Alejandro Zambrano
Diseño de identidad visual:
Juan Manuel Lavega Rooney
Diseño de Proyecciones: Aaron Rhyne
Broadway Media
Producción Ejecutiva: Eva Moreno
Stage Manager:
Marianela Dollera Albarracín
Director de Marketing Digital de Mazalán Comunicaciones:
José Luis “Cuchu” Seco
Prensa:
BMZ Comunicaciones
Coordinador de Producción: Maxi Bartfeld
Director de Alianzas y Experiencias: Carlos Mazalán
Productores Asociados:
Mazalán Producciones
Arena estudios
Producción General:
Raúl S. Algán
Inspirada en Twentieth Century
Fox Motion Pictures por acuerdo especial con Buena Vista Theatrical
De la obra de Marcelle Maurette, adaptada por Guy Bolton ANASTASIA se presenta por acuerdo con Concord Theatricals.
www.concordtheatricals.com
FUNCIONES EN AGOSTO
Domingo 02 de agosto a las 11:00 h
Teatro Astral
Av. Corrientes 1639, CABA Entradas en Venta en la boletería del teatro y en Plateanet
Más información: www.anastasiaelmusical.com.ar @anastasiaelmusical
A partir del 08 de agosto: sábados y domingos a las 15:30
“NO TIENE UN DESGARRÓN”
SOBREVIVIR… PESE A TODO
Por Irene Bianchi
“No tiene un desgarrón” es el título de la obra que vimos en el Teatro Municipal Coliseo Podestá de La Plata, dirigida por Rita Cortese e interpretada por Julieta Cardinali y Vera Spinetta. Se trata de una adaptación de “Heldenplatz (Plaza de los Héroes)” (1988), del novelista, dramaturgo y poeta Thomas Bernhard (19311989), llevada a cabo por la directora y Carolina Santos, con producción de Sebastián Blutrach.
Desgarrón, me animo a decir, es lo que produce esta pieza en el espectador. Es uno de esos textos que interpelan inevitablemente al público por su contenido, su mensaje y su intensidad dramática. El leitmotiv de toda
la obra del autor austríaco es nada más y nada menos que la condición humana, el sinsentido, la angustia existencial. Los vínculos, la hostilidad, el odio, el fanatismo ciego, la falta de empatía, el impulso de autodestrucción y muerte. Tanto ayer, en la Alemania nazi y en la Austria post-hitleriana, como hoy en cualquier país del mundo. Una constante que se repite una y otra vez, un tropezar siempre con las mismas piedras, una involución planetaria trágica, un aniquilarse unos a otros sin piedad ni miramientos.
Julieta Cardinali y Vera Spinetta interpretan a dos amas de llaves que están desarmando una casa de clase alta en Viena tras el suicidio de Josef
Schuster, un profesor judío, su dueño (y amo). La súbita e inesperada muerte de este hombre las deja huérfanas, desamparadas, obligadas a resetear sus vidas. Así como en “El Zoo de Cristal” (Tennessee Williams) el “pater familia” está omnipresente aunque no aparezca, aquí el fantasma del “Profesor” sobrevuela la escena todo el tiempo.
Tanto Cardinali como Spinetta logran una dupla armónica y ajustada. Se entrelazan, se amalgaman, se enfrentan, se fusionan, se repelen; son opuestos complementarios; por momentos, dos en una.
Julieta Cardinali despliega un enorme abanico expresivo. Su voz, sus voces, sus silencios,
sus pausas, su lenguaje corporal, su gestualidad: todo tiene una potencia arrolladora. Cuesta sacarle los ojos de encima; un “capo lavoro”. Ese ir y venir, sus movimientos repetitivos, automáticos, mecánicos. Un “staccato” obsesivo, maníaco. Hay aquí una clara referencia a la formación musical del autor, alumno del “Mozarteum” de Salzburgo (1955 a 1957).
La dirección de Rita Cortese es muy precisa, rigurosa y minuciosa; casi un mecanismo de relojería. Nada librado al
azar. Las actrices a veces parecen dos piezas de ajedrez, y esa casa desmantelada, el tablero en el que se mueven (o las mueve el destino).
“No tiene un desgarrón” es una obra de texto, dura, feroz, que no hace concesiones de ningún tipo. Una pieza que requiere atención a cada palabra, a cada símbolo, porque nada se dice ni se hace caprichosamente. Es también una revalorización del Arte, en todas sus manifestaciones, como esencial mecanismo de supervivencia. Esta propuesta constituye un
desafío tanto para estas dos talentosas actrices, como para el espectador, que agradece el teatro de calidad que promueve la reflexión.
Hermosa y esperanzadora esa final invocación a la música, de boca de Vera, justamente hija del enorme y extrañado poeta Luis Alberto Spinetta. Todo cierra.
Funciones en DUMONT 4040, Santos Dumont 4040 CABA. Miércoles - 20:00 h. - Del 05/08/2026 al 19/08/2026.
https://irenebianchi.com.ar/
Vera Spinetta, Rita Cortese y Julieta Cardinali.
WAMINIX
Por Alelí Jait
El espectáculo producido por Proyecto Migra, con dirección de Leticia González de Lellis y Osqui Guzmán, continúa los fines de semana de agosto por la tarde en el Teatro Timbre 4, México 3554, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
WAMINIX es un show integral de creación colectiva, que fusiona lenguajes provenientes de diversas disciplinas como el teatro y el circo para transformarse en una experiencia física para toda la familia.
Con un escenario despojado que es sostenido por los escasos
recursos necesarios para el desarrollo de la trama y la versatilidad y la destreza de los actores que forman parte de la cooperativa; WAMINIX narra la historia de un futuro distópico en el que los recursos naturales son escasos y la humanidad resiste ante el poder de “los cabeza de tacho”.
La basura es una temática presente porque abunda ante la pérdida de todo lo que hoy nos resulta familiar y cotidiano. No obstante, aquello que subsiste es la amistad, la solidaridad pero, sobre todo, la imaginación y la creatividad.
No dejar pensar ni sentir es parte del propósito de “los cabezas de tacho”, quienes son combatidos metafóricamente, poéticamente con la destreza, la gracia y el arte de los payasos mutantes que aún conservan aquello que los vuelve humanos, la relación con el otro y la capacidad de crear y pensar.
Proyecto Migra es una compañía que actualmente está cumpliendo 10 años y cruza el lenguaje circense con el teatral. Está conformado por Florencia Valeri (acróbata, bailarina, actriz y docente), Tomás Soko (actor, malabarista, director, docente y
productor), Gabi Parigi (acróbata, actriz, docente y directora artística), Sofía Galliano (acróbata aérea, actriz, bailarina y docente), Leticia Vetrano (actriz, payasa, directora, docente y productora), Jonathan Uriarte (actor, acróbata, docente y rigger), Paz Cogorno (actriz, comediante, productora y docente) y Víctor Miñón (acróbata, titiritero, docente y productor).
FICHA TÉCNICA
Dirección: Leticia González De Lellis, Osqui Guzmán. Dramaturgia: Creación colectiva. Elenco: Leticia Vetrano, Sofía Ivy, Paz Cogorno, Víctor Miñón, Jonathan Uriarte, Mariano Carneiro. Diseño de escenografía: Proyecto Migra, Duilio Della Pittima. Realización
de estructura y escenografía: Duilio Della Pittima. Diseño marioneta: Alfredo Uriarte. Realización marioneta: Johnatan Uriarte, Víctor Miñón. Diseño de vestuario: Jorge López. Música
original: Tomás Rodríguez. Composición de letras: Paz Cogorno. Diseño lumínico: Adrián Cintioli. Técnica de soniodo y asistencia: Natalia Caggiano. Identidad y diseño gráfico: LIMA. Redes: Florencia Valeri. Fotografía: PabloM. Producción general y ejecutiva: Proyecto Migra. Comunicación y prensa: Mutuverría PR
Teatro: Timbre 4 – México 3554. CABA.
Funciones: Sábado - 17:00 h.01/08/2026.
Domingo - 16:00 h. - 02/08/2026, 09/08/2026, 16/08/2026 y 23/08/2026
Duración: 80 minutos
Alelí Jait @alelijait alelijait@gmail.com
SERVIAN EL CIRCO PRESENTA SU NUEVO Y RENOVADO SHOW:
“El Origen Mágico”
UNA REVOLUCIONARIA FUSIÓN DE TEATRO Y CIRCO PARA TODA LA FAMILIA
Una historia de sueños, coraje y magia que se hizo realidad con la dirección general de Cristian Servian, la dirección artística de Ginett Servian y coreografías de Franco Rau
Bajo la imponente Gran Carpa Castillo ubicada frente a Tortugas Open Mall (Panamericana ramal Pilar Oeste), el público es testigo de una propuesta totalmente renovada que, por primera vez en su historia, integra una narrativa teatral profunda con la destreza del circo tradicional.
Un espectáculo multipremiado
Tras una exitosa temporada, la calidad artística de esta producción ha sido reconocida con tres premios Estrella de Mar 2026 en las categorías de Coreografía (Franco Rau), Vestuario (Ginett y Gabriela Servian) y Mejor Espectáculo de Variedades, además de contar con nominaciones destacadas en Mejor Iluminación. Estos galardones consolidan a Servian como un referente de innovación y excelencia en el entretenimiento nacional.
El Circo se une al Teatro:
“El Origen Mágico” invita al público a viajar al origen de la magia. Una propuesta artística
que narra la historia de Jorge Servian, su fundador, y de un sueño que comenzó siendo pequeño, casi imposible, pero que con amor, dedicación y esfuerzo logró convertirse en uno de los espectáculos circenses más prestigiosos del país.
Por primera vez, el despliegue de acrobacias y efectos visuales está al servicio de una historia: la de este niño que llegó a la Argentina con el sueño de construir un legado y llevar alegría a cada rincón del país. Es un relato de sueños, coraje MiráBA 44
y perseverancia que demuestra que, con amor y esfuerzo, lo imposible se hace realidad.
Esencia circense y emoción para todas las edades Si bien la propuesta adopta un tono teatral y cinematográfico, el show mantiene intacta la esencia pura del circo. El público podrá disfrutar de los números más impactantes que han hecho grande a esta familia, incluyendo la adrenalina del globo de la muerte con 5 motociclistas desafiando las leyes de la gravedad, la gracia de los trapecistas y la precisión de los equilibristas, todo enmarcado en una puesta en escena de vanguardia y podrá vivir el recorrido emocional del artista que soñó con levantar su propio circo… y lo logró.
Este es un espectáculo diseñado para todas las edades: desde los más pequeños que se asombrarán con la magia, hasta jóvenes y adultos que se conmoverán con la historia y la calidad técnica del show.
Porque esta es una historia real, una historia que demuestra que cuando se trabaja con el corazón, los sueños se alcanzan. Así nació Servian El Circo, con el deseo de llevar alegría, asombro y emoción a niños y adultos de cada rincón del país.
El circo es un arte auténtico, eterno y vigente. No pasa de moda, porque sigue despertando la admiración y la ilusión que sólo el espectáculo en vivo puede generar.
Servian el Circo, una de las compañías circenses más prestigiosas de la Argentina, continúa consolidando su legado artístico a través de espectáculos que combinan tecnología, danza, acrobacia y emoción. Con más de cinco generaciones dedicadas al arte del circo, la familia Servian ha logrado llevar su propuesta a todo el país, convirtiéndose en un referente de innovación y excelencia. Con cada nueva temporada, Servian el Circo reafirma su compromiso con ofrecer experiencias únicas para toda la familia, manteniendo vivo el espíritu del circo argentino.
“EL ORIGEN MÁGICO”
Dirección General: u
Cristian Servian
Dirección Artística:
Ginett Servian
Dirección Coreográfica:
Franco Rau
Diseño de iluminación:
Martín Lugones
Dirección Ejecutiva:
Ivana Servian
Vestuario:
Ginett Servian
Gabriela Servian
Prensa:
BMZ Comunicaciones
FUNCIONES:
SERVIAN EL CIRCO
“El Origen Mágico”
Gran Carpa Castillo ubicada frente a Tortugas Open Mall (Panamericana ramal Pilar Oeste)
Estreno el jueves 09 de julio a
MiráBA 46
las 15:00 y 18:00 h
Desde el sábado 18 de julio al 02 de agosto, todos los días a las 15:00 y 18:00 h
Las entradas ya están disponibles de forma online a través de www.serviantickets.com
Mica Mujica será Mina en “Drácula II: Resurrección”, la nueva secuela de Pepe Cibrián Campoy
El talento de la Costa Atlántica vuelve a brillar en la escena nacional. La reconocida artista Mica Mujica interpretará a Mina, la protagonista femenina de “Drácula II: Resurrección”, en estas vacaciones de invierno y reemplazará a Antonella Cirillo que sufrió una lesión en sus cuerdas vocales. Esta experiencia será vista de jueves a domingos en el Hipódromo de San Isidro.
Mica Mujica que viene ensayando y trabajando en la obra desde su estreno, asumirá este rol central. Con este papel, la artista consolida su ascendente carrera artística, llevando su versatilidad vocal y actoral a la cartelera principal del circuito teatral.
Bajo la producción de CibriánRodas, se presenta “Drácula II: Resurrección”, una obra inédita que no busca repetir el pasado, sino explorar las cicatrices del tiempo, el deseo y la redención.
La música original es de Pablo Flores Torres, los arreglos están a cargo de Yair Hilal, producción por Ezequiel Frezzoti, hay 28 excelentes artistas en escena y se podrán ver más de 240 trajes de época diseñados por Vanesa Mascolo.
Lejos de ser una simple secuela, “Drácula II: Resurrección” propone una mirada renovada
sobre el mito que convirtió a Cibrián en una referencia fundamental del teatro musical argentino.
La trama transcurre treinta años después de los acontecimientos ocurridos en Whitby. Mina Murray, atravesada por el paso del tiempo y la pérdida de Jonathan Harker, se enfrenta a un pasado que nunca terminó de desaparecer. En ese contexto reaparece Wolf, una nueva encarnación de Drácula, no sólo como la criatura inmortal sedienta de sangre, sino como un ser condenado a amar eternamente y en busca de redención.
@dracularesurreccion
BIOGRAFÍA DE MICA MUJICA
Es una cantante, compositora, actriz y modelo oriunda de Miramar (Provincia de Buenos Aires), actualmente radicada en Mar del Plata. Desde muy pequeña mostró su inclinación musical: a los 3 años empezó a tocar el piano de oído y un poco más tarde aprendió guitarra y comenzó a cantar
Se formó en canto y artes escénicas, y desde muy joven combinó la música con el modelaje profesional, desfilando para reconocidos diseñadores en Buenos Aires y participando en certámenes de belleza como finalista de Miss Argentina representando a la Costa Atlántica.
Fue declarada embajadora cultural del Partido de General Alvarado en 2024, reconocimiento a su impacto en la cultura regional En 2025, fue coordinadora vocal y una de las voces principales de “Big Time Women”, espectáculo que también recibió nominación en la categoría Mejor Producción Teatral Marplatense en los Premios Estrella de Mar. Además, participó en La Voz Argentina y fue parte del equipo de Luck Ra.
Para seguir de cerca su recorrido artístico y novedades, pueden encontrarla en Instagram como @mica.mujica
EDITORIAL LOSADA presenta el libro de Carlos Rottemberg
“
PASEN y LEAN”
Un recorrido íntimo por más de cinco décadas de historia de un teatrista argentino.
El próximo 11 de agosto, el Teatro Liceo será escenario de la presentación oficial de Pasen y lean, el nuevo libro de Carlos Rottemberg, publicado por Editorial Losada. La obra, que reúne memorias, anécdotas y reflexiones de uno de los grandes protagonistas de la historia del espectáculo argentino, cuenta con prólogos especialmente escritos por el
reconocido actor y referente de la escena nacional Luis Brandoni y por la periodista y escritora Laura Ventura, una de las voces más destacadas del periodismo cultural argentino. La presentación será coordinada por los periodistas Any Ventura y Pablo Sirvén.
La obra reúne recuerdos y reflexiones sobre más de cincuenta años de historia del espectáculo en la voz directa de uno de sus grandes protagonistas.
Lejos de una autobiografía convencional, “Pasen y lean” reconstruye una vida dedicada al teatro que permite descubrir el funcionamiento de una industria cultural pocas veces narrada desde adentro.
Con un estilo cercano, directo y despojado de solemnidad, Rottemberg comparte historias inéditas, nombres propios y episodios que marcaron distintas épocas.
En sus páginas conviven los grandes éxitos, los fracasos
inevitables, los cambios de paradigma y, sobre todo, el vínculo permanente con los artistas y con el público. Cada relato está atravesado por la mirada de alguien que hizo de la credibilidad el trabajo cotidiano y del compromiso con la actividad una marca personal.
Más que el balance de una trayectoria excepcional, el libro invita a conocer el detrás de escena del teatro desde una perspectiva profundamente humana. Rottemberg recupera anécdotas y situaciones poco conocidas con el tono amigable y respetuoso que caracteriza su forma de entender la profesión.
Nacido en Buenos Aires, Carlos Rottemberg es uno de los productores y empresarios teatrales más influyentes de la Argentina. A lo largo de su carrera produjo y programó más de mil espectáculos, acompañando a las principales figuras de la escena nacional, convirtiéndose en un referente indiscutido del denominado
“teatro comercial”, al que desde hace un tiempo prefiere llamar “industrial”.
Su participación activa en los debates sobre la actividad teatral, los derechos del público y la sustentabilidad del sector lo consolidó, además, como una voz reconocida dentro de la cultura argentina.
La publicación de “Pasen y lean” también representa un nuevo capítulo para Editorial
Novedad Literaria
Losada, histórica casa editora que reafirma así su vínculo con el teatro argentino, incorporando al catálogo una obra que documenta, desde la experiencia directa, la evolución artística, empresarial y social de una actividad fundamental para la cultura del país.
La presentación oficial se realizará el martes 11 de agosto en el Teatro Liceo,
UNA VOZ EN EL TIEMPO
Un viaje por la memoria de Gurí
“… Y éste es un libro de amor. Algunos dirán de militancia, lo cual me parecería rimbombante, pretencioso. No hay más que amor, hermano. Pana, parcero, camarada.
No sé si vislumbraste cuánto dejaste escrito de eso aquí. Supongo que sí, creo que sí,
estoy seguro de que sí. Una entrañable y clara imagen de esa transparencia que nos hace humanos, imperfecta y materialmente humanos. Pero bellos al soñar.
Como los pájaros le dan sentido al cielo, algunas vidas le dan sentido al mundo, a la existencia. Gracias por haber volado tanto, compañero del alma”
Víctor Heredia
Siguiendo los rastros del “Gurí» Jáuregui (1946–2020) — integrante, fundador y voz del Quinteto Tiempo—, el periodista Sergio Marelli aborda una parte fundamental de nuestra historia musical y política. A pedido de la familia, Marelli reconstruye una época donde cantar constituía una urdimbre colectiva, un entramado
en un encuentro que reunirá a referentes de la cultura, el espectáculo y el ámbito editorial, para celebrar la aparición de un libro destinado a convertirse en un valioso testimonio sobre la historia reciente del teatro argentino.
Presentación de “ Pasen y lean ”
Fecha: martes 11 de agosto
Lugar: Teatro Liceo Av. Rivadavia 1499. CABA
estético-político tejido en la fragua de la experiencia compartida junto a Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Víctor Jara, León Gieco y Alí Primera. Con el prólogo de Víctor Heredia, el libro se estructura como un relato coral a través de casi cuarenta entrevistas a compañeros de ruta como Carlos Groisman, Eduardo Molina, Ariel Gravano, Santiago Suárez, Rodolfo Larumbe, Luis Enrique Mejía Godoy, integrantes de Inti Illimani; Adrián Goizueta, Jorge Cumbo, Julio Lacarra, Susana Gorostegui y Silvia Majul, entre muchos más.
El resultado combina el valioso aporte testimonial y afectivo de sus colegas artistas con la mirada de académicos, familiares y amigos que aportan rigor periodístico y contexto u
histórico a una obra hecha de risas, convicciones y caminos.
Al decir de Marelli, el libro revela “Una casa llena de gente”. Este viaje por el continente se despliega como la lista de temas de un disco. Tocá cada estación para leer un adelanto del capítulo: Cosquín y la Pachamama, Quilapayún: Una amistad hecha en la fragua del canto popular, El último cumpleaños de Salvador Allende: Chile en el filo de la historia, Venezuela 1974: El duro ejército de greda de Bolívar, Centroamérica en el corazón: Guatemala y El Salvador un cielo por sombrero,
Cuba de alto son: Casa de las Américas, Ay Nicaragua Nicaraguaüita y Alí Primera: Cantor de pueblo, Andanzas panameñas y Paraguay: Tierra de leyendas, Canción con todos: La despedida un retrato coral.
“
EL ARTE COMO BRÚJULA
Este libro no es un ejercicio de nostalgia pasiva, sino una disputa simbólica donde las comunidades defienden su derecho a narrarse a sí mismas. Las manifestaciones artísticas populares son un espacio estratégico para crear propios sentidos sobre el mundo y esta obra recupera la canción popular como un dispositivo de acción colectiva. En este mapa, la memoria funciona como una antorcha encendida; un fuego sagrado que los eternos compañeros del Gurí, como Hamlet Lima Quintana y Armando Tejada Gómez, alimentaron y acompañaron a lo largo de sus vidas.
¿POR
QUÉ LEER ESTE LIBRO?
Para las nuevas juventudes, este texto funciona como una bitácora cultural que demuestra
LA SENCILLEZ DE MATAR"
Ramiro Juri
En diciembre de 2025 Ramiro Juri publico “La sencillez de matar”, un libro de cuentos que es su primer antología en Editorial Diotima.
Sinopsis: En Buenos Aires viven dos clases de personas: los que se sienten acompañados y los que están solos, muy solos, solos aun teniendo a alguien al lado. De ellos se trata La sencillez
de matar. Esta colección de cuentos explora la forma que tiene la soledad en nuestros días y cómo el aislamiento opera en nuestros modos de relacionarnos con nosotros mismos y con quienes nos rodean, así como las acciones -a veces violentas- que se toman para salir de ese lugar. Cuentos crudamente realistas –aun sin ser siempre realistas–y perversamente actuales, que
cómo la música tiene la capacidad real de intervenir la realidad, romper el aislamiento contemporáneo y fundar redes solidarias. Habitar el universo del Gurí de la mano de Marelli y tantos compañeros de ruta es sumergirse en un relato unísono. Un libro biográfico necesario que opera como un recorte sonoro e histórico para unir el collage de nuestra identidad continental, convirtiendo su lectura en un ejercicio de memoria colectiva y en una brújula para el futuro.
Editorial Papel Cosido
Facultad de Artes UNLP
Editorial Papel Cosido
Facultad de Artes — UNLP
Para Descargar el Libro: https://unavozeneltiempo.github. io/#descargar
Contacto de Prensa: Silvia Majul silviamajul@gmail.com
ensayan salidas individualistas ante la disolución de todos los lazos sociales.
José Pablo Sontag, un cuarentón acomodado, se entera de lo barato que cuesta un sicario en Argentina y resuelve salir de su vida monótona y aburrida encargando un crimen que no necesita, que no se atreve a cometer y que ni siquiera está
en condiciones de sobrellevar.
Un policía retirado, en duelo perpetuo por el asesinato de su esposa, diez años antes, se deja fascinar por la teoría del eterno retorno y aguarda expectante la repetición de aquel crimen para impedirlo.
Tres jóvenes asisten a la marcha del 24 de marzo a robar celulares, pero el plan peligra cuando el ideólogo de la maniobra, Juan, recuerda que sus padres lo traían de niño a esa misma marcha a pedir justicia y decide, contra la tenaz voluntad de sus dos compañeros, que no van a robar ahí. Son historias teñidas de sordidez y humor negro, inspiradas también por otros solitarios como Raskolnikov de Crimen y Castigo o Mendizabal de Últimos días de la víctima.
Ramiro Juri nació en 1986 en Buenos Aires (Argentina), donde vive actualmente. Se recibió de politólogo en la Universidad de Buenos Aires y se formó como guionista de
series y películas en el Laboratorio de Guion. Ha publicado artículos de interés general en el suplemento “Buena vida” del diario Clarín. En 2023, uno de sus cuentos formó parte de la antología Yo te cuento Buenos Aires IX, publicada por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.
La antología de cuentos La sencillez de matar, publicado en 2025 por Ediciones Diotima, es su primer libro.
y visceral son caras de la misma moneda, cada historia empuja los límites de su propia geometría haciendo que —al decir de Borges- la realidad ceda. Lo inesperado opera aquí, no como aderezo literario, sino como anomalía esencial, rebeldía innata, extrañamiento que surge de la angustia.
Forjados en la estirpe de Raskolnikov, hijos del rabioso Arlt, ese Dostoievski rioplatense, sus hombres grises —violentos de a pie, ingenieros del crimen o románticos de la crueldad— son capaces de soñar la luz, sin salir nunca de las sombras. Un cuarentón acomodado contrata un sicario por divertimento, un ex policía se deja fascinar por la teoría del eterno retorno a fin de impedir el asesinato de su esposa, jóvenes en ruinas alumbrados por la culpa y la nostalgia deambulan en la claustrofobia de la ciudad o a la intemperie de cuatro paredes en busca, quizá, del amor o la redención.
“Si la duda es la esencia de lo fantástico, y el frío testimonio de la existencia es realismo crudo y duro, los “mundos reales” de este libro dan cuenta de una verdad: la voz de un autor que escribe desde una incomodidad metafísica ante el mundo, metido hasta el cuello en ese mundo. Con lenguaje certero y un ritmo implacable, donde cerebral
Profundamente actuales, urbanos, nuestros, los cuentos de Ramiro Juri se asumen con la crudeza de fotografías en blanco y negro. Aguafuertes de la soledad de este tiempo. Riguroso claroscuro en el que se delata, al rojo vivo, una mancha de sangre.”
Fernanda García Curten
Contacto.
Ramiro Juri r.jurida@gmail.com
Sobre “ La sencillez de mata r”
AHORA CREEMOS EN ESAS COSAS
Sonia Santoro
Una novela sobre el duelo, la memoria y lo que queda cuando el amor que nos sostenía desaparece.
Ahora creemos en esas cosas
ISBN: 978-987-4198-72-3
Páginas: 160
Formato: 13 x 21 cm
Encuadernación: Rústica c/ solapas
Un mes después de la muerte de su madre, Sonia regresa a la casa de su infancia. El jardín, que fue la gran pasión materna, aparece devastado: plantas moribundas, crecimiento salvaje, un territorio arrasado que refleja su propio derrumbe interior.
Los recuerdos se van tejiendo con fragmentos de diario, reflexiones descarnadas y citas de las obras que la
acompañaron, desde Clarice Lispector a Joan Didion, en una prosa que combina hondura lírica y honestidad brutal. Un libro que trasciende lo personal para abordar preguntas universales sobre la culpa, la memoria, y cómo seguir viviendo cuando se rompe el escudo protector que nos separaba de la muerte.
SONIA SANTORO
Sonia Santoro (Buenos Aires, 1973) es Licenciada en Comunicación y Magíster en Estudios y Políticas de Género.
Es autora de la novela Y un día me convertí en esa madre que aborrecía (2010); de la novela juvenil Mariposas de río (2021), seleccionada por Ibby México entre las mejores del año; y de las novelas infantiles Penélope recorre el mundo (2017), ganadora de la convocatoria
internacional para formar parte del Plan Lector 2017 de la Editorial Edebé de México, y Nadie tiene que saberlo (2022).
Como periodista, publicó los libros Periodismo con G. Entrevistas en perspectiva (2016) y Cocina Sagrada (2006).
Escribe columnas y otros artículos, especialmente para el diario Página/12.
Un mes después de la muerte de su madre, Sonia regresa a la casa de su infancia. El jardín, que fue la gran pasión materna, aparece devastado: plantas moribundas, crecimiento salvaje, un territorio arrasado que refleja su propio derrumbe interior.
Los recuerdos se van tejiendo con fragmentos de diario, reflexiones descarnadas y citas de las obras que la acompañaron, desde Clarice Lispector a Joan Didion, en una prosa que combina hondura lírica y honestidad brutal. Un libro que trasciende lo personal para abordar preguntas universales sobre la culpa, la memoria, y cómo seguir viviendo cuando se rompe el escudo protector que nos separaba de la muerte.
SOBRE LA NOVELA :
“Santoro aborda el duelo por
la muerte de su madre en una conversación interrumpida que retoma desde la ausencia. Lo hace con fragmentos, recuerdos cotidianos, escenas de la infancia y de la vida adulta donde la maternidad aparece como espejo y herencia. La naturaleza es protagonista de un espacio de pérdida en el que también brota una obstinada vitalidad.”
Eugenia Zicavo
“No hay distancia posible con la muerte de una madre. Sin embargo, se escribe, y hay autores que logran un extraño equilibrio entre esa profunda inmersión y el manejo de las palabras y las estructuras que hay que construir y sostener con palabras para darle forma a una novela. Ahora creemos en esas cosas es un ejemplo de esto.”
Mauricio Koch
En la presentación de Ahora creemos en esas cosas, la autora Sonia Santoro fue acompañada por Verónica Abdala y Mauricio Koch. Se realizó el pasado 16 de julio en LIBROS DEL PASAJE Thames 1762, CABA.
BORGES: UNA DISPUTA CON LOS DILEMAS IRRESUELTOS DE SU LITERATURA
Un libro de Leonardo Levinas publicado por Editorial Prometeo.
¿Y si Borges dejó abiertos sus dilemas… para que alguien los continuara?
Leonardo Levinas explora los enigmas de Borges no para interpretarlos, sino para discutirlos. En su libro, los temas borgeanos como el infinito, la
verdad y el tiempo se convierten en problemas actuales. Levinas plantea la incómoda pregunta de si estos dilemas son realmente irresolubles. Con un estilo provocador, mezcla literatura, filosofía y ciencia, desafiando conceptos como la verdad y el tiempo. Este libro no solo analiza la obra de Borges, sino que también busca continuar las cuestiones que dejó abiertas.
SOBRE EL AUTOR
Leonardo Levinas es escritor, físico y filósofo. Profesor titular plenario de la UBA e Investigador Principal del CONICET. Ha abordado la escritura en sus más diversos géneros: novela, cuento, teatro, ensayo literario, filosófico y científico, guión de videos y películas y letras de canciones. Es autor de las novelas: Visitantes en la memoria (Atlántida, 1994), El último
crimen de Colón (Alfaguara, 2001, finalista del Premio Planeta 1999) y El último final (Alfaguara, 2005)
El primer poemario de Carla Rosconi, “Querete nena”, dejó un fuerte mensaje en sus lectores. Una obra cuyo eje es “el amor propio” ha despertado interés en la gente.
“Me llama la atención que un libro de poemas haya sido tan convocante”, dice su autora. Carla Rosconi nació el 21 de febrero de 1990 en Lanús (provincia de Buenos Aires). Es Licenciada en Comunicación Social (UBA) y Escritora.
“Querete nena”, editado por Diez Aguas Editores en 2023 y reeditado en 2026, fue presentado en la Feria del Libro de Buenos Aires el domingo 10 de mayo, en el stand de la SADE (Sociedad Argentina de Escritores). Casi dos semanas después, precisamente el sábado 23 de mayo, con motivo de la 2.ª edición de “Querete nena”, su autora y la editorial llevaron adelante un importante evento en el bar notable La Orquídea (Almagro). La propuesta incluyó una entrevista editorial, lectura de poesía en vivo, venta y firma de ejemplares. Además, se realizó una suelta simbólica de poesía contemporánea entre los asistentes.
“Hay material para un segundo proyecto que ya estoy escribiendo y que lo voy a sacar el año que viene, pero no quiero
adelantar nada ”, comentó Carla Rosconi a los medios, en relación al trabajo que sucederá a “Querete nena”.
El viernes 3 de julio a las 17 h, Carla Rosconi se presentó en el programa “El Faro de los Duendes”, por Radio Trend Topic, donde habló de su obra, de sus talleres de escritura y hasta nos narró un poema de su flamante libro.
Carla muestra su trabajo como escritora y tallerista en @escribocosasok
Contacto: Javier López Trezza javierlopeztrezza@gmail.com www.javierlopeztrezza.com.ar
VIDEO
El faro de los duendes 115Entrevista completa a Carla Rosconi
Novedad agosto
TEORIA GENERAL DE LAS COSAS
de Cecilia Simeoni
Teoría general de las cosas
Cecilia Simeoni
Arte Carlos Cima
ISBN 978-631-90887-3-1
154 páginas, 2026
$27.000
Un banquito, un medallón, un libro muy ajado, un embudo, un reloj, la estampita de un santo. Una manta. Un rosario. Una reproducción de un Van Gogh con colores opinables. Un collar de caracoles.
Las cosas están ahí, viven con nosotros. Calladas, sumisas, invisibles. Nos escoltan obedientes en nuestros días y apenas las notamos, apenas recordamos su presencia. Sabemos y no sabemos que nos rodean, que nos acompañan. Las llevamos tan cerca, tan adheridas a la piel de nuestras experiencias cotidianas que
olvidamos que no son nosotros, que no somos sin ellas.
¿Por qué deberíamos pensar en las cosas? ¿Por qué no dejarlas en su universo material, inerte y pesado? ¿Por qué preguntarnos por ellas?
Las cosas están ahí mientras sufrimos y amamos, mientras gozamos y dudamos.
Sucedemos en conjunto, pasan con nosotros y algo de lo que somos se les va pegando, parte de nuestra identidad descansa en ellas. Si las interrogamos, si las miramos con atención pueden leerse como un mapa, como una narrativa de lo que somos, de nuestra vida y nuestras relaciones con otros.
A lo largo de este libro, Cecilia Simeoni arriesga una teoría general de las cosas. Para ello construye un texto singular en el que las ideas de autores como Hannah Arendt, Paul Preciado, Walter Benjamin, Gastón Bachelard, Susan Sontag y Roland Barthes dialogan con experiencias personales, libros clásicos de literatura, películas y letras de canciones.
El resultado es un ensayo exquisito que sorprende por su lucidez y su sensibilidad. Este libro contiene postales con imágenes de otras obras del
artísta.
Carlos Cima
Cecilia Simeoni nació en Quilmes en 1974. Es licenciada en Letras por la Universidad de Buenos Aires y profesora de español. Además, trabajó como productora de radio, editora, encargada de prensa y alfabetizadora. Coordinó talleres literarios y de tesis. Publicó diversos artículos y cuentos en las revistas V de Vian y Pato a la Naranja. Se formó como narradora en el taller de Abelardo Castillo.
PRESENTACIÓN
TEORÍA GENERAL DE LAS COSAS
Cecilia Simeoni
En el marco de la Feria de Editores, la autora reflexionará junto con Ana Ojeda y Laura C. Vela sobre el linaje, lo heredado y el cuerpo en los formatos de diario, crónica y no ficción. Siguiendo las coordenadas trazadas, apuntarán afinidades y bifurcaciones de sus más recientes publicaciones.
Sábado 8 de agosto 14.30h. Av. Corrientes 6271 Entrada gratuita
Rodrigo García presenta su primer libro de cuentos inspirado en la discografía de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. La cita es el viernes 7 de agosto, 19 h en la sede del PJ Escobar, Sarmiento e Italia, Belén de Escobar. La entrada es libre y gratuita.
El escritor bonaerense Rodrigo García acaba de lanzar Cuentos Redonditos, una obra literaria que toma como punto de partida la discografía de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota para construir diez relatos completamente diferentes entre sí, atravesados por el espíritu, la poética y la mística de una de las bandas más influyentes de la historia del rock nacional. El libro será presentado oficialmente el viernes 7 de agosto, 19 hs en PJ Escobar, Sarmiento e Italia, Belén de Escobar. La entrada es libre y gratuita.
Publicado por RCE Ediciones dentro de la colección La Negra, el libro propone una experiencia singular: cada cuento está inspirado en un disco de Los Redondos y entrelaza, dentro de la narración, títulos y fragmentos de canciones de la banda liderada por el Indio Solari y Skay Beilinson. Sin embargo, lejos de tratarse de una biografía o una reconstrucción musical, García aclara desde la introducción que “los cuentos nada tienen que ver con la banda” y que no hace falta ser fanático del grupo para disfrutar de las historias, sino simplemente “amante de la lectura”.
El libro recorre universos tan diversos como un barco pirata en el Caribe, los disturbios raciales de París en 2005, un circo envuelto en un
escándalo policial, la Segunda Guerra Mundial, la Guerra Civil Española, la militancia revolucionaria de los años 70 y hasta un homenaje ficcional al escritor uruguayo Eduardo Galeano. Cada relato encuentra su propia identidad narrativa, aunque todos comparten un mismo pulso: el cruce entre música, memoria, historia y ficción.
En el prólogo, el periodista y editor Martín Pozzo define a Cuentos Redonditos como “un acto de amor desmedido hacia Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota” y sostiene que el rock “cuando es grande de verdad, no se termina cuando termina la canción: se convierte en lenguaje, en memoria y en materia prima para seguir inventando”.
Uno de los aspectos más destacados de la obra es la libertad creativa con la que García trabaja las referencias musicales.
Las canciones aparecen integradas naturalmente a las historias y funcionan como guiños permanentes para los seguidores ricoteros. Así, frases emblemáticas como “El infierno está encantador esta noche”, “Jijiji”, “Un poco de amor francés” o “Juguetes perdidos” se transforman en parte orgánica
de los relatos.
Además del homenaje al universo redondo, el libro también aborda temas como el amor, la violencia, la memoria histórica, la militancia política, el exilio y la identidad cultural. Desde guerrilleros enamorados durante la última dictadura argentina hasta una abuela
gaditana que transmite la pasión por el flamenco a su nieto, García construye personajes atravesados por emociones intensas y escenarios cargados de simbolismo.
Con este lanzamiento, Rodrigo García propone un experimento literario original dentro de la narrativa contemporánea
argentina: transformar la música de Los Redondos en ficción, llevando sus canciones a nuevos territorios narrativos y demostrando que el rock también puede seguir vivo en las páginas de un libro.
PRENSA
La Negra Press prensa@revistalanegra.com.ar
MUSEOS
BUENOS AIRES CIUDAD DE ARTES
Donde nacen las obras: Gaby Messina retrata
a
grandes artistas argentinos
Luis Felipe Noé, Marta Minujín, Julio Le Parc y Gyula Kosice, entre otras figuras, son retratadas por la destacada fotógrafa en sus espacios de trabajo, en la exposición que se inaugurará en el Museo Quinquela Martín.
El Museo de Bellas Artes de Artistas Argentinos Benito Quinquela Martín inaugurará el sábado 1° de agosto a las 14 h, en su sede de Av. Pedro de Mendoza 1835 (La Boca), “Maestros. El Bosque y el Árbol”, una exposición de Gaby Messina, con la curaduría de Helena Ferronato y Silvina Amighini, que reúne retratos fotográficos y registros audiovisuales de algunos de los artistas más importantes del país en los espacios donde desarrollan sus obras.
Esta exhibición ofrecerá una mirada profunda y cercana a los procesos creativos de figuras destacadas de la cultura nacional, al reunir retratos de artistas mayores de 65 años, entre ellos los de Luis Felipe Noé, Marta Minujín, Gyula Kosice y Julio Le Parc. A través de 112 fotografías y
un documental de 70 minutos, donde se escucharán sus voces en primera persona bajo la música de Gustavo Santaolalla, el público podrá adentrarse en el universo de estos grandes creadores.
Desde 2012, Gaby Messina desarrolla una rigurosa investigación visual centrada en el registro fotográfico de artistas en sus talleres y espacios de trabajo. Su práctica se caracteriza por ingresar en la intimidad de los entornos de producción para documentar los procesos creativos y las trayectorias en su etapa de madurez.
La muestra adquiere una resonancia particular al presentarse en el Museo Quinquela Martín, un edificio que también fue hogar y taller del artista icónico de La Boca, lo que convierte al propio espacio en parte activa de la experiencia. Asimismo, el proyecto establece un puente conceptual con el patrimonio del museo a través de un diálogo directo con el retrato El maestro Quinquela Martín, realizado por Aldo Sessa en 1962.
“Las fotografías de Gaby Messina nos abren la puerta a los espacios donde los artistas crean. Talleres y MiráBA 58
Elda Cerrato - Gaby Messuna.
hogares habitados por objetos, materiales, herramientas, recuerdos y obras en proceso, se revelan como territorios de identidad. En ellos, cada
huella habla de una manera de mirar y de hacer, y nos acerca a aspectos de los artistas que muchas veces permanecen invisibles para el público”, comentó Helena Ferronato, gerenta de MuseosBA.
Sobre Gaby Messina Gaby Messina (Buenos Aires, u
1971) es una artista cuya práctica abarca diversos lenguajes y soportes, entre ellos la fotografía, el videoarte, el cine documental, la ficción, los formatos experimentales y las intervenciones site specific.
Comenzó su trayectoria profesional en el ámbito de la publicidad y consolidó su formación fotográfica junto a Alberto Goldstein, Marcos López y Humberto Rivas. Desde su primera exposición individual, presentada en 2004 en la FotoGalería del Teatro San Martín con curaduría de Juan Travnik, ha desarrollado una destacada carrera internacional, exhibiendo su obra en instituciones como Aperture Gallery (Nueva York), Museo de Arte Moderno de Medellín, Houston Center for Photography, Gallery of Photography (Dublín), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), Instituto Cervantes (Tokio), Banco Mundial (Washington) y Museo Nacional de Bellas Artes de Argelia.
Su obra aborda la emoción humana, la ancianidad, las creencias populares, los relatos afrodescendientes y de pueblos originarios, entre otros grandes temas. Ha participado en la Bienal de Arte Africano Contemporáneo de Dakar y en la Bienal por la Paz organizada por la UNESCO en Angola. En 2026 presentará “Raíces de una Argentina afro” en la Universidad de Virginia (Estados Unidos). Además, es autora de cinco publicaciones:
Gaby Messina (2009), Lima kilómetro 100 (2011), Fe (2013), Maestros. El Bosque y el Árbol” (2016) y Saber ver (2016).
MUSEO DE BELLAS ARTES DE ARTISTAS ARGENTINOS BENITO QUINQUELA MARTÍN
Av. Pedro de Mendoza 1835, La Boca Horario del museo: Lunes de 11 a 16 h, miércoles a domingos de 11 a 18 h. Martes cerrado.
Entrada: $10.000 público general | $2.000 residentes argentinos y/o extranjeros con DNI | Miércoles sin cargo sólo para residentes argentinos | Jubilados, excombatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.
Julio Le Parc - Gaby Messina.
Luis Felipe Noe - Gaby Messina.
BUENOS AIRES CIUDAD CON HISTORIA
Una exposición invita a descubrir cómo se escribía
en el siglo
XIX
La muestra “La forma de las palabras. Herramientas, usos y espacios de escritura en el siglo XIX” podrá visitarse en el Museo Saavedra y reúne
objetos y materiales históricos para descubrir cómo la escritura atravesó la vida cotidiana, educación y construcción del Estado.
El Museo Histórico Cornelio de Saavedra y el Museo de las Escuelas presentan “La forma de las palabras. Herramientas, usos y espacios de escritura en el siglo XIX”, una exposición que se inauguró el pasado pasado sábado 18 de julio en la sede del Museo Saavedra (Crisólogo Larralde 6309) y que invita a descubrir cómo la escritura formó parte de la vida cotidiana, la educación, la política y la comunicación durante el siglo XIX. La muestra podrá visitarse hasta fin del año 2026.
Se trata de un recorrido por las distintas formas que adoptó la escritura en el siglo XIX y por las transformaciones que experimentó a partir de los materiales, las técnicas y los espacios de circulación. A través de piezas impresas en papel, grabadas en metal o bordadas sobre tela, la exposición aborda la escritura como una práctica que se aprende, se ejercita y se transmite mediante herramientas, soportes y saberes específicos. A través de cinco ejes temáticos, (Las escuelas de primeras letras; La escritura puertas adentro; Aulas con plumas, tinta y pizarrón; Palabras para gobernar, e Imprimir letras e ideas) la exposición recorre distintos ámbitos donde la escritura fue protagonista. Objetos provenientes de las colecciones
de ambos museos, algunos familiares y otros sorprendentes, permiten seguir las huellas de quienes escribieron y reconstruir los múltiples usos sociales de la cultura escrita. La propuesta se completa con postas participativas que invitan al público a experimentar distintas formas de escribir: sobre arena, con tiza, utilizando pluma y tintero, o creando documentos estampados con sellos.
Además, la exposición cuenta con la participación de la orientación Diseño y Producción Gráfica de la Escuela Técnica Raggio
A través de un video realizado por estudiantes y docentes, el público podrá conocer el funcionamiento
de una imprenta tipográfica Minerva, una de las tecnologías que revolucionó la producción impresa y ocupa un lugar central en el recorrido expositivo. La colaboración se completa con una serie de afiches producidos especialmente para la muestra mediante impresión con tipos móviles, estableciendo un puente entre los oficios gráficos del siglo XIX y las prácticas contemporáneas de enseñanza y producción.
Para realizar visitas guiadas grupales a la exposición, escribir a museodelasescuelas@bue. edu.ar.
MUSEO HISTÓRICO DE
BUENOS AIRES CORNELIO DE SAAVEDRA
Crisólogo Larralde 6309
Horario: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado. Entrada : $10.000 Público general | $2.000: Residentes argentinos y/o extranjeros con DNI | Miércoles sin cargo sólo para residentes argentinos | Jubilados, excombatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.
Adriana Bustos y los orígenes cósmicos del Museo
La artista presenta un dibujo monumental para celebrar el 130° aniversario del Bellas Artes.
El Museo Nacional de Bellas Artes inauguró el pasado miércoles 8 de julio la exposición “Adriana Bustos. Código natal: los orígenes cósmicos del Museo”, que presenta en las salas del primer piso una obra realizada por la artista argentina para celebrar los 130 años de la institución, y que se exhibe junto a un conjunto de piezas patrimoniales.
Con curaduría de Mariana Marchesi, el núcleo de la muestra es el dibujo monumental “Carta natal del Museo Nacional de Bellas Artes” –comisionado especialmente a la artista, con el apoyo de Arthaus–, en el que Bustos traza un zodíaco personal y reinterpreta distintas obras de la colección, muchas de las cuales pueden verse en la sala.
Además, Bustos presenta el video “Plutón en la Casa de Bombas”, que recupera la memoria de los piletones subterráneos del edificio, y el dibujo “Planisferio celeste del Museo”, donado por la artista –nacida en Bahía Blanca y formada en Córdoba– para la colección del Bellas Artes.
“Estamos muy felices de presentar esta exposición y de incorporar esta pieza a la colección del Museo. Hace
años que venimos siguiendo el trabajo de Adriana Bustos, que nos parece interesantísimo, y creo que para este encargo específico ha realizado una auténtica obra maestra, como en una premisa en clave borgeana: una obra que contiene todas las obras”, expresó en la inauguración el director del
Bellas Artes, Andrés Duprat.
Por su parte, Marchesi destacó: “La propuesta de Adriana ayuda a abrir otras capas de sentido de la colección del Museo, ya que es una obra en la que vamos a ver asociaciones de piezas que de otra manera no hubiésemos podido encontrar. Esto también MiráBA 64
nos habla de cuál es la función de un museo, que no debe tener una mirada única sobre la colección, sino que debe poder abrirse a miradas y perspectivas múltiples”.
“Tener la posibilidad de trabajar con este acervo es como el sueño hecho realidad de casi todos mis colegas”, señaló Bustos, quien para este proyecto invitó a la escritora y astróloga Claudia Aboaf a realizar la carta natal del Bellas Artes. “Pensé que había una mirada sobre el Museo que todavía no había sido recorrida, que tenía que ver con los astros y los planetas, una mirada más cósmica, por fuera de la Tierra, pero en la Tierra. Con la carta astral ya hecha, las obras empezaron a iluminarse solas”, agregó.
En la inauguración también participaron Julio Crivelli, presidente de Amigos del Bellas Artes, y Andrés Buhar, director general de Arthaus, quien sostuvo: “Nos llena de felicidad poder colaborar con el Museo para incorporar la obra de una artista que no estaba presente en la colección, pensada específicamente para celebrar el aniversario de la institución”.
Junto a las obras de Bustos, en la sala pueden verse piezas emblemáticas de artistas argentinos como Eduardo Sívori, Martín Malharro, Lino Enea Spilimbergo, Xul Solar, Liliana Porter, Manuel Espinosa, Grete Stern, Liliana Maresca, Pablo
Suárez, Marta Minujín, Marcia Schvartz, Edgardo Giménez o María Martorell.
La muestra “Adriana Bustos. Código natal: los orígenes cósmicos del Museo” puede visitarse hasta el 7 de noviembre en el primer piso del Museo, de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.30.
El Museo Nacional de Bellas Artes –que depende de la Secretaría de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes– está ubicado en Av. del Libertador 1473, ciudad de Buenos Aires.
Museo Nacional de Bellas Artes www.bellasartes.gob.ar IG: @bellasartesargentina
Su turno, Laiseca La imaginación sostiene la materia
Inauguración: miércoles 5 de agosto | 19 h
Hasta el 28 de agosto
Lunes a sábados de 10 a 20 h
Fotogalería del Centro Cultural Rojas UBA: Av. Corrientes 2038 CABA
Entrada gratuita
La exposición reúne documentos originales y manuscritos, fotografías, publicaciones, obras
MiráBA 66
de arte y objetos que recorren los años formativos del escritor, los tiempos de aparición de su primera novela en 1976, como las dos décadas en el Rojas a partir de 1996. Gentilezas de Julieta Laiseca, Sebastián Pandolfelli y colecciones particulares más el Archivo del Rojas.
Indudablemente, horriblemente,
ferozmente Alberto Laiseca es parte de la leyenda de la Civilización Rojas desde que ese gran porte de Mago Blanco traspasó nuestros umbrales a mediados de los noventa. Invitado por Daniel Molina, quien lo conocía de las redacciones y bares, en los cuales Los sorias era la novela total de la literatura argentina que casi nadie había leído salvo amigos, algunos
fragmentos, repartidos entre César Aira, Fogwill y Ricardo Piglia. Casi en simultáneo a la salida de la primera edición de su gran sinfonía, el milenario Lai, el tecnocrático Iseka o el conde Láisek consolidaba el papel de Maestro, que iniciado tímidamente a pocas cuadras de Corrientes 2038, en el viejo Gandhi de Rodríguez Peña, encontraba en el Rojas desde 1996 nuevos ejércitos, nuevas alquimias, nuevos Mozart. El cambio de milenio daría una dimensión masiva, su voz catódica era la llamada a los Ángeles Exterminadores, y nacía otro personaje más del escritor, poeta y crítico, que antes irremediablemente probaba sus venenos con los alumnos.
Más gerundios. Repiten los sorias del canon Anti-Ser que un jurado se negó siquiera a hojear sus cuentos de Matando enanos a garrotazos, en los ochenta, porque “qué se puede esperar de un tipo que empieza con gerundio el título de una obra”. Tal vez el delirio del delirio asustó a más de uno, ese que Laiseca, en el fondo el último romántico, aventurero y realista delirante, prefería a un mundo que se estaba objetivando y
llenando de positivistas. Todo lo real es irracional, todo lo irracional es real, sabio Lai.
A 50 años de su debut literario con Su turno, y a diez de su partida a un viaje astral de copetazas, chanchines y lecturas visionarias, el Rojas cuenta al Laiseca que invocó en sus aulas a cientos de máquinas lenguaraces. Ellos en la traza de la mejor literatura contemporánea nacional que cuentan historias, y entre ellas inventan a su Maestro Laiseca, para que él delire, atonal, impredecible, caoísta. El Monitor es el Monitor.
FICHA
Idea y curaduría: Raúl Manrupe y Mariano Oropeza. Asesoramiento: Julieta Laiseca y Sebastián Pandolfelli. Agradecemos a todos los chanchines de ayer, hoy y siempre. Tecnocracia Monitor Triunfo.
Alberto Laiseca nació en Rosario el 11 de febrero de 1941 y murió el 22 de diciembre de 2016 en Buenos Aires. Entre novela, cuento, poesía y ensayo, publicó más de veinte
libros. Es autor de Los sorias -considerada una de las mejores novelas argentinas-, Su turno para morir (1976),Aventuras de un novelista atonal (1982),La hija de Kheops (1989),La mujer en la muralla (1990),El jardín de las máquinas parlantes (1993), El gusano máximo de la vida misma (1999) y del volumen póstumo Hybris (2023), que incluye Camilo Aldao, La puerta del viento y Sindicalia; el libro de poesía Poemas chinos (1987) y los cuentos Matando enanos a garrotazos (1982)yPor favor, ¡plágienme! (1991). Recibió la beca Guggenheim, el Premio Boris Vian, un diploma al mérito de la Fundación Konex y el Martín Fierro a Mejor Programa Cultural de Cable por Cuentos de terror.
Desde 1996 a 2014 fue capacitador del Rojas y por sus talleres trabajaron en sus primeros textos alrededor de 1200 alumnos, hoy consagrados y premiados, entre ellos, Selva Almada, Leandro Ávalos Blacha, Alejandra Zina, Juan Guinot, Ariel Luppino, Valeria Tentoni, Eugenia Alcatena y Leo Oyola.
PRENSA Paula Simkin psimkin@rojas.uba.ar
SE
INAUGURÓ
EN
LA CASA
VICTORIA OCAMPO
LA EXPOSICIÓN “90 AÑOS DE LA ACADEMIA NACIONAL DE BELLAS
ARTES. UN RECORRIDO POR SU PATRIMONIO”
Ígor Fiódorovich Stravinski -compositor y director de orquesta ruso- y Victoria Ocampo.
Casa Victoria Ocampo (Rufino de Elizalde 2831, CABA)
Horarios de visita: hasta el 21 de agosto, de lunes a viernes de 11 a 19 h | Entrada libre
El Fondo Nacional de las Artes y la Academia Nacional de Bellas Artes inauguran la exposición “90 años de la Academia Nacional de Bellas Artes. Un recorrido por su patrimonio” el miércoles 8 de julio a las 18 h en la Casa Victoria Ocampo.
La exposición conmemora las nueve décadas de la institución
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a través de una selección de obras y documentos patrimoniales que testimonian su trayectoria y su contribución al desarrollo de las artes en la Argentina.
Curada por Sergio Baur, presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes; Mariana Castagnino , secretaria del Fondo Patrimonial y Acción Cultura; y Victoria Lopresto , coordinadora de Archivo y Colección, la exposición reúne piezas que
integran el patrimonio artístico, bibliográfico y documental de la Academia, enriquecido a lo largo de su historia por las más destacadas figuras de la cultura argentina. El recorrido incluye además una selección de su producción editorial, que refleja el compromiso sostenido de la institución con el estudio, la investigación y la difusión de la producción artística nacional.
“El patrimonio de la Academia constituye un testimonio singular que permite reconstruir
trayectorias, proyectos, instituciones y debates que marcaron el desarrollo de nuestro campo cultural. La exposición propone un acercamiento a la historia de la institución a través de su papel como productora y custodia de un acervo fundamental para la construcción de la historia del arte argentino”, afirman los curadores sobre este proyecto.
Entre las piezas que conforman el recorrido de la exposición se destacan los barriletes intervenidos por académicos para el recordado Salón del Aire , organizado por la ANBA en 1996; el primer libro
de actas de la institución y sus primeras publicaciones; materiales pertenecientes a las fundaciones Klemm y Trabucco; y una selección de obras de académicos de número de Artes Visuales, entre ellos, Graciela Hasper, Carola Zech, Pablo La Padula, Aldo Sessa, Eduardo Médici, Matilde Marín, Diana Dowek, José Fioravanti, Josefina Robirosa y Noemí Gerstein.
Uno de los núcleos más destacados está dedicado a los archivos y colecciones donados a la Academia, donde se exhiben curiosidades de gran valor patrimonial, como fotografías inéditas de Victoria
Ocampo junto a Igor Stravinsky durante su primera visita a la Argentina, en 1932; ilustraciones originales realizadas por Horacio Butler para las tapas de Editorial Sudamericana en la década de 1950; el cuaderno de dibujos del arquitecto Alejandro Christophersen, autor del Café Tortoni y de la Bolsa de Comercio de Buenos Aires; y los planos de Alejandro Bustillo para la remodelación de la Casa de Bombas —actual sede del Museo Nacional de Bellas Artes—, junto con otra piezas.
Acompañó la exhibición dos actividades musicales: un concierto dedicado a obras u MiráBA
para piano de compositores fundadores de la Academia Nacional de Bellas Artes, interpretadas por la pianista y académica de número Dora de Marinis (16 de julio a las 18) y la conferencia ilustrada “Un músico en la foto de la escalera: Ernest Ansermet”, a cargo del director de Música del FNA, el Prof. Guillermo Scarabino, centrada en la figura del reconocido director de orquesta y su vínculo con Victoria Ocampo, que culminará con la proyección del cortometraje Pacific 231, de Jean Mitry (23 de julio). Ambas actividades son gratuitas, con inscripción previa a través de sus respectivos formularios online.
Al referirse a la labor de la
Academia Nacional de Bellas Artes, su presidente, Sergio Baur, destacó: “ El papel de la Academia dentro de la cultura argentina ha sido sostener la investigación y la difusión de las distintas ramas del arte. En los últimos años también hemos fortalecido nuestros fondos documentales, que hoy despiertan un gran interés entre investigadores e historiadores del arte”.
TEXTO CURATORIAL
90 años de la Academia Nacional de Bellas Artes. Un recorrido por su patrimonio
Noventa años después de su creación, la Academia Nacional de Bellas Artes celebra una
trayectoria dedicada al estudio, la promoción y la preservación del patrimonio artístico y cultural de la Nación.
Fundada en 1936 y presidida en sus orígenes por el Ingeniero Nicolás Besio Moreno, la Academia reúne a destacadas personalidades de las artes visuales, la arquitectura, el diseño y el urbanismo, la música, la historia y la crítica del arte, así como de la acción cultural, contribuyendo al desarrollo de las bellas artes en la Argentina a través de la reflexión, la investigación, la formación de colecciones, la salvaguarda de los bienes culturales y el estudio de las expresiones y tendencias del arte contemporáneo. Su labor se proyecta en todo el país mediante académicos delegados en las provincias argentinas y se enriquece con la participación de académicos correspondientes en el exterior.
Esta exposición presenta una selección de obras y documentos de su acervo, testimonios de una historia construida por generaciones de académicos comprometidos con la excelencia y el servicio público.
Celebrar estos noventa años es también renovar una convicción: el arte preserva la memoria, amplía nuestra mirada sobre el mundo y fortalece los lazos que nos unen como comunidad.
Christopherse -cuadernos-
La Academia Nacional de Bellas Artes expresa su agradecimiento al Fondo Nacional de las Artes por su valioso acompañamiento en esta celebración y en la realización de esta exposición.
Academia Nacional de Bellas Artes
Sergio Baur, presidente Marta Penhos, vicepresidenta
SOBRE LOS CURADORES
Sergio Baur es profesor de Historia, diplomático de carrera y especialista en arte y cultura argentina. Desarrolló una extensa trayectoria en el servicio exterior argentino, desempeñándose como embajador en Túnez y Egipto, y como Director de Asuntos Culturales de la Cancillería. Comisionó el Pabellón Argentino en diversas ediciones de la Bienal de Venecia. Ha sido docente universitario,
investigador y autor de numerosos ensayos sobre arte argentino, con especial atención a las vanguardias del siglo XX. Fue miembro del Comité Asesor del Museo Nacional de Bellas Artes. Como curador, realizó exposiciones en instituciones de Argentina y del exterior dedicadas a figuras y movimientos centrales de la cultura argentina. Actualmente es presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes.
Mariana Castagnino es Licenciada en Museología y se especializa en gestión cultural y patrimonio. Ha desarrollado proyectos de exhibición y puesta en valor de colecciones en museos e instituciones culturales de distintas regiones del país. Fue coordinadora general de Expotrastiendas - Feria de Arte en Argentina. Desde 2011 integra la Academia Nacional de Bellas Artes, donde se
desempeña como Secretaria de Acción Cultural y Fondo Patrimonial. Allí coordina programas de becas y premios, actividades académicas y proyectos vinculados a la preservación y difusión del patrimonio artístico y documental de la institución. Ha curado exposiciones de distintas colecciones institucionales y participado en iniciativas orientadas al fortalecimiento de la gestión patrimonial y el acceso público a los bienes culturales.
Victoria Lopresto es Licenciada en Arte y especialista en gestión y conservación de archivos de arte. Se desempeña como Coordinadora de Archivo y Colección de la Academia Nacional de Bellas Artes. Su trabajo incluye la investigación, preservación y puesta en acceso de archivos y colecciones patrimoniales. Ha colaborado con instituciones culturales nacionales e internacionales en proyectos editoriales y expositivos vinculados al arte argentino y latinoamericano. Es docente titular de Gestión de Archivos en la Universidad del Museo Social Argentino. Ha publicado artículos y disertado en encuentros dedicados a los archivos vinculados al arte. Desde 2014 integra el Archivo Taller Heras Velasco, dedicado a la gestión del legado de la escultora María Juana Heras Velasco.
Fondo Nacional de las Artes prensa@fnartes.gob.ar
Victoria Lopresto, Sergio Baur y Mariana Castagnino.
AMEBO estrenó fotográficamente su espacio cultural con una muestra “Momentos”
La Asociación Mutual de Empleados Bonaerenses (AMEBO) vivió el pasado martes 14 de julio una jornada especial en su nuevo espacio artístico-cultural, que abrió sus puertas con “Momentos”, una muestra fotográfica a cargo de Lucía Otegui y Rubén Santillán.
El encuentro se realizó en el auditorio de la sede de calle 13 entre 69 y 70, y reunió a un numeroso público que se acercó para conocer de cerca el trabajo de ambos artistas.
La actividad fue posible gracias al Consejo Directivo de la
mutual, que impulsó la apertura de este nuevo espacio destinado a acompañar las actividades habituales de la institución, integrante de la Federación de Mutuales Regional La Plata. Con esta muestra, AMEBO suma una propuesta cultural que busca acercar el arte a sus asociados y a la comunidad en general.
Durante la presentación, Otegui y Santillán expusieron sus obras y también compartieron con los presentes las particularidades del lenguaje fotográfico que cada uno desarrolla, generando un ida y vuelta ameno entre los artistas y el público.
La mirada de Lucía Otegui se destaca por su capacidad de detenerse en lo esencial: vuelos de aves, mariposas, cielos y montañas conviven en su obra con arquitecturas como columnas, catedrales y estaciones, donde encuentra ecos de la memoria humana. Su fotografía propone un gesto íntimo de contemplación, una invitación a mirar con el corazón y a descubrir la belleza en lo simple y lo cercano.
Por su parte, Rubén Santillán trabaja sobre los rostros, las manos y las miradas, explorando la fuerza expresiva MiráBA 72
del maquillaje y la intimidad del estudio fotográfico. Su recorrido también se despliega en la ciudad nocturna, con torres y edificios iluminados que capta en color y en blanco y negro, y en los amaneceres y atardeceres que tiñen el cielo de celestes, azules, naranjas y rojos. Barcos, molinos, casas junto al río, monumentos y locomotoras completan un universo visual que combina lo urbano y lo natural con sensibilidad poética.
Ambos artistas cuentan con una destacada trayectoria: Otegui, activa desde 2010, se formó en la Escuela Taller Municipal de Arte de La Plata, en EBAF y en Espacio F, entre otros espacios, y combinó en varias oportunidades el arte con su formación en derecho, participando como fotógrafa en jornadas académicas de la UNLP.
Santillán, artista visual desde la década de 1990, se formó en Espacio F, la Escuela de Fotografía Viola y el Taller de Fotografía e Identidad de Berisso, y acumula una trayectoria expositiva en centros culturales, asociaciones artísticas y muestras virtuales internacionales.
Con “Momentos”, AMEBO estrenó un espacio físico para la fotografía, dando inicio a una propuesta que promete seguir sumando actividades culturales para sus asociados y el público en general. La muestra de Otegui y Santillán funcionó como
un símbolo de apertura: la de una mutual que, además de sus tareas cotidianas, elige también
hacer lugar al arte y a la mirada sensible sobre lo humano, lo urbano y lo natural.
Se anunciaron los 24 artistas finalistas del Premio
Federal de Pintura “Fundación María Calderón de la Barca” 2026.
La Secretaría de Cultura de la Nación, a través del Fondo Nacional de las Artes, junto con la Fundación María Calderón de la Barca anunció los finalistas del Premio Federal de Pintura “Fundación María Calderón de la Barca” 2026.
De acuerdo con las bases del certamen, fueron seleccionados 24 artistas visuales -uno por cada provincia del país y la Ciudad Autónoma de Buenos Aires-, cuyas obras integrarán una exposición colectiva que se inaugurará el próximo 13 de agosto en la sala 607 del Palacio Libertad “Domingo Faustino Sarmiento”.
De este grupo surgirán los tres artistas premiados, cuyos reconocimientos serán anunciados durante la inauguración de la muestra. El certamen otorgará un total de USD 50.000 en premios adquisición , distribuidos en tres distinciones: Primer Premio Fundación (USD 30.000), Segundo Premio Fundación (USD 15.000) y Premio Revelación Federal (USD 5.000).
El Premio Federal de Pintura “Fundación María Calderón de la Barca” tiene como objetivo poner en valor la producción artística argentina, fortalecer la circulación
de obras y promover el desarrollo del sector de las artes visuales desde una perspectiva federal.
“ Creemos en una política cultural que genere oportunidades y amplíe las posibilidades para los artistas de todo el país. Este premio, realizado junto a la Fundación María Calderón de la Barca, es un ejemplo de cómo la articulación entre el sector público y el privado fortalece la cultura argentina y pone en valor el talento federal”, afirmó el secretario de Cultura de la Nación, Leonardo Cifelli.
El jurado, que seleccionó a los finalistas entre más de 1.200 postulaciones provenientes de todo el país, estuvo integrado por Tulio Andreussi Guzmán, presidente del Fondo Nacional de las Artes; María Paula Zingoni, directora nacional de Museos y Gestión Patrimonial; y Andrés Duprat, director ejecutivo del Museo Nacional de Bellas Artes (por la Secretaría de Cultura); junto con Alberto Robredo (h) , miembro del Consejo de la Fundación María Calderón de la Barca y presidente del jurado; Inés Etchebarne, gerente de Gestión Cultural del Fondo Nacional de las Artes; y Victoria Giraudo, curadora e investigadora independiente (por la Fundación).
ARTISTAS FINALISTAS
Alejandro Pasquale (Neuquén), Alfredo Benjamín Palacio (Formosa), Alicia Carolina Nakatsuka (Santa Fe), Ana María Trella Samper (San Juan), Cesar Gustavo Tschanz (Corrientes), Diego Rivas Ruzo (Catamarca), Diego Figueroa (Chaco), Enrique Jorge Bernard (Tierra del Fuego), Ernesto Engel (Misiones), Franca Pacetti (Chubut), Juan Becu (Buenos Aires - GBA), Karen Spahn (Entre Ríos), Lucas Rodríguez (San Luis), Lucas Rizo (Tucumán), María M. Daud Álvarez (Santiago del Estero), Mario Vidal Lozano (Salta), Miguel Ángel García (La Pampa), Nadia Agustina Gattoni (Río Negro), Paloma Marquez (La Rioja), Paula Senderowicz (Capital Federal), Rodrigo Etem (Mendoza), Selma Samanta Rched Abugauch (Córdoba), Sharon Barcena (Santa Cruz) y Víctor Montoya (Jujuy).
SOBRE LA FUNDACIÓN MARÍA CALDERÓN DE LA BARCA
La Fundación María Calderón de la Barca fue creada en 1962 por el Dr. Carlos Alberto Saráchaga. Es una institución privada sin fines de lucro dedicada a la promoción del arte, la cultura, la educación y la acción solidaria en la Argentina.
A lo largo de más de seis décadas ha sostenido una labor continua y comprometida, consolidándose como un referente en el ámbito cultural.
El Premio Federal de Pintura
“Fundación María Calderón de la Barca” se entrega de manera bienal desde la creación de la Fundación en 1964. A lo largo de su historia ha reconocido a grandes referentes del arte argentino contemporáneo,
como Carlos Alonso, Antonio Seguí, Guillermo Roux, Josefina Robirosa, Miguel Dávila, Víctor Chab, Juan Doffo, Eduardo Mac Entyre, Carolina Antoniadis, Leopoldo Presas y Felipe Pino, entre muchos otros.
Cartelera
TEATRO
UNA COMEDIA TRÁGICA QUE COMBINA VAMPIROS, HUMOR NEGRO Y FANTASÍA PARA HABLAR DE LOS VÍNCULOS FAMILIARES
LO ÚNICO CONTINUO
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN DE MAXI ROFRANO
UNA HISTORIA SOBRE LA INMORTALIDAD, EL DESEO Y LAS HERIDAS QUE NI EL PASO DE LOS SIGLOS CONSIGUE BORRAR.
“Lo único continuo” llega a Teatro Hasta Trilce (Maza 177, CABA) con una original comedia trágica que mezcla humor, terror, fantasía y drama familiar en un universo poblado por vampiros, rituales y criaturas sobrenaturales. Escrita y
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dirigida por Maxi Rofrano, la obra propone una historia donde la inmortalidad no es una bendición, sino el escenario perfecto para hablar del amor, la culpa y los lazos que nunca dejan de perseguirnos. El estreno será el miércoles 12 de agosto a las 21:00 horas. Las entradas se encuentran disponibles a través de Alternativa Teatral.
Durante años, Dante y Víctor permanecieron ocultos en un remoto paraje de la provincia de Buenos Aires, intentando escapar de Anya, su madre, una poderosa vampira responsable de un pasado que aún los atormenta. Pero cuando Víctor muere de manera inesperada, Dante, acompañado por su fiel asistente Katerina, realiza un desesperado ritual para traerlo de regreso. El hechizo funciona, aunque de la manera menos esperada: el espíritu de Víctor
termina habitando el cuerpo de un plomero que, por azar, había llegado a reparar una simple gotera.
Lo que comienza como una insólita situación cargada de humor pronto deriva en un enfrentamiento inevitable. Anya descubre el escondite de sus hijos y llega acompañada por Iks, una inquietante criatura demoníaca, decidida a obligarlos a regresar junto a ella. Frente a una amenaza que lleva siglos persiguiéndolos, los hermanos deberán enfrentarse no solo a su madre, sino también a los deseos, las culpas y los vínculos que marcaron sus vidas para siempre.
Con una puesta que combina actuaciones, música original, efectos escénicos, coreografías y recursos de magia teatral, “Lo único continuo” construye un universo fantástico atravesado por emociones profundamente humanas. El elenco está integrado por Mariana Maciel, Victoria Casellas, Hernán Staiger, Nicolle Scher y Paolo Cillo, acompañados por un destacado equipo artístico encabezado por Maxi Rofrano, que propone una experiencia escénica donde la comedia y la tragedia conviven para reflexionar sobre aquello que permanece incluso cuando todo parece haber terminado.
FICHA TÉCNICA
Dramaturgia y dirección:
Maxi Rofrano
Actúan:
Mariana Maciel
Victoria Casellas
Hernán Staiger, Nicolle Scher
Paolo Cillo
Asistente de dirección:
Noelia Galera
Producción ejecutiva:
Guido Inaui Vega
Diseño de Vestuario: Gabriella Gerdelics
Confección de Vestuario: Sofia Arismendi, Carla Napque
Escenografía:
Caro Beltrán
Efectos:
Victoria Palma
Coreografía:
Juan Mendé
Trucos de magia: Angus Molina
Coach de idiomas:
Lourdes Cetrángolo
Diseño lumínico: Gonzalo Calcagno
Mariana Morán Benítez
Compositor: Bruno Leichman
Director musical: Bruno Leichman
Cuarteto de cuerdas: Anahí Melendez
Florencia Judith
Hilén Alves
Regina Manfredi
Prensa: Kevin Melgar
FUNCIONES:
GRAN ESTRENO
Miércoles 12 de agosto a las 21 horas
Teatro Hasta Trilce
Maza 177, CABA
Entradas a través de Alternativa Teatral.
KEVIN MELGAR Prensa contacto@kevinmelgarprensa. com.ar
ESTRENO: Domingo 9 de agosto a las 16h. Sí, soltera
Protagonizada por Agustina Rivarola
El domingo 9 de agosto estrena “Sí, soltera”, dirigida por David Gudiño y protagonizada por Agustina Rivarola. Se trata de una obra de teatro unipersonal en la que cuando las palabras no alcanzan, aparecen las canciones; una comedia sobre el estado de soltería pero sobre todo, una excusa para pensar en la búsqueda del amor.
«´Sí, soltera´ nace por un golpe de desamor. Escribir y actuar se transformaron en un motor para convertir esa experiencia en un espacio de encuentro,
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revelando que ese estado no era individual, sino que son muchas las personas que hoy buscan el amor. ¿Se puede estar soltera y bien? ¿Merezco un amor? La obra intenta ser un manifiesto para alentar a las personas a seguir buscando el amor, con todo lo que implica.” - Agustina Rivarola (co-autora y actriz).
En búsqueda de un +1 para ir a la boda de su mejor amiga, Estefanía se enfrentará a la soltería, refugiándose en su habitación de adolescente en Saladillo. Entre diarios íntimos y
el peso de un vestido de novia que alguna vez pensó para ella, su futuro tomará un giro inesperado cuando se presente a una insólita audición local que busca, paradójicamente, a la mejor soltera de la ciudad.
«Sí, soltera” se presenta desde el domingo 9 de agosto, todos los domingos a las 16h. en NÜN Teatro (Juan Ramirez de Velasco 419, CABA), con entrada general a $28.000, disponibles a la venta por Alternativa.
“La obra es un unipersonal
porque si Agus ahora en su vida está “sola” que también eso esté en escena. Que la escena esté “soltera” como lo está Agus. Le propuse que haya canciones porque siento que la soltería se entiende mejor si le pongo melodía y hay un lugar soñado de encontrar pareja que es una fantasía ¿Quién no se ha puesto una canción en los auriculares y voló en videoclip soltero bajo la lluvia? El deseo de encontrar pareja aloja un lugar de cuento de hadas que cualquiera sea su desarrollo es un lugar mágico. Es así porque el amor es un misterio”
- David Gudiño (Director)
FICHA ARTÍSTICO-TÉCNICA
Dramaturgia:
Agustina Rivarola
Constanza Witkowski
Actuación:
Agustina Rivarola
Escenografía:
Marcos Di Liscia
Vestuario:
Alejandra Robotti l
Iluminación: Fernando Berreta
Coreografías:
Ana Savone
Fotografía: Cleo Bouza
Diseño gráfico: Jalinski
Prensa: Prensópolis
Música y letras:
Ikanafu Carlos Etchebers
Nahir Sánchez Romero
Dirección: David Gudiño
Producción: #DomingosDeMatch
Clasificación: + 16 años l
Duración: 55 min
FUNCIONES
Domingos a las 16h.
NÜN Teatro
Juan Ramirez de Velasco 419, CABA.
Entrada general: $28.000 por Alternativa
Sobre la ACTRIZ y DIRECTOR
AGUSTINA RIVAROLA
@agus_rivarola
Es Licenciada en Actuación (UNA) y egresada de la escuela de actuación de Agustín Alezzo (2018). Es fundadora de la comunidad #DomingosDeMatch con más de 90K de seguidores. Su iniciativa alcanzó repercusión cuando la noticia de que dos de las parejas formadas a través de su trend se casaron y otras dos fueron padres.
Entre sus trabajos como actriz más destacados se encuentran “Cautiva” (con tres temporadas y declarada de interés legislativo por la Cámara de Diputados de la Provincia de Buenos Aires), “El eclipse (de verano)” (Microteatro) y “Guía práctica para la mujer
LAPLATA CABA
libre”, con dirección de Tatiana Santana.
DAVID GUDIÑO
@davidangelgudino
Es Licenciado en Actuación (UNA) y Diplomado en Dramaturgia (UBA). En el 2018 escribió su primera obra “Olvidados en la Orilla” en la Residencia de Creación de la Universidad Nacional de las Artes. Sus obras “25 Inviernos” y “Las del Sur” participaron de la Fiesta Nacional del Teatro 2019/2021 y fueron editadas por la Editora Cultural Tierra del Fuego. Su monólogo “Marrón” obtuvo el Premio del Público y Mejor Monólogo NOA en el Festival Vos&Voz y su obra “Blizzard” fue seleccionada en el concurso Nuestro Teatro del Teatro Nacional Cervantes. Su cortometraje #ArgentinaNoEsBlanca participó del concurso #TikTokShortFilm Cannes 2022 llegando a más de 10 millones de visualizaciones en las redes sociales.
Por su unipersonal “El David marrón” ganó el premio revelación masculina Trinidad Guevara 2023 y participó en la IX Semana del Humor Latinoamericano de Casa Amèrica en Catalunya. Actualmente, se encuentra dirigiendo la residencia de creación de la Escuela Municipal de Formación Actoral Pedro Escudero que se estrenará en octubre 2026.
Prensópolis
Comunicación y Prensa
Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com MiráBA 79
DOMINGOS 18H TIMBRE 4
DOMINGO CON DOMINGA
Una tertulia de diarios íntimos
De Paula Russo Martínez y Nicole Grinberg
Dominga es una antropóloga experta en literatura. Ella está convencida de que la verdad de la existencia humana se encuentra en los diarios íntimos escritos durante los primeros años de vida. Por eso colecciona ejemplares de diversas épocas. En esta ocasión, se zambullirá en las profundidades filosóficas del crepúsculo dominical para compartir los hallazgos de su más importante investigación. Para su sorpresa, la llegada de nuevos tesoros literarios la arrastrará hacia caminos inesperados.
Domingo con Dominga es una obra teatral construida a partir de diarios íntimos de distintas niñas y adolescentes. Un documental ficcional basado en hechos reales que combina sensibilidad y humor. Una posible máquina del tiempo que indaga sobre la infancia y el deseo.
La obra se pregunta sobre el rol de la mujer en la sociedad y en el paradigma del amor romántico. A su vez, trata sobre los cambios en las tecnologías de comunicación. En particular, los vividos por los millennials, quienes tuvieron una infancia analógica y, a los pocos años, una de las revoluciones tecnológicas más grandes de los
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últimos siglos.
La escenografía tiene características de instalación plástica, que toma vida a través de la interacción con el personaje.
FUNCIONES:
Domingos 18h
Del 26 de julio al 30 de agosto
Timbre 4 - Boedo 640 - CABA
Adultos - Apto todo público
Entradas por Alternativa Teatral y la web de Timbre 4
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Idea Original:
Paula Russo Martínez
@paurussomartinez
Dramaturgia:
Nicole Grinberg
@naranja.en.flor, Paula Russo Martínez
Actúan:
Paula Russo Martínez
Escenografía:
Nazarena Cofferati @ nazacofferati
Fotografía:
Paloma Camilli
@palucamilli, Ludmila Gonzalez
@dub_mila
Paula Spinacci
@paulaspinacci
Diseño gráfico:
Julia Distefano
@__julyta, Nicole Grinberg
Asistencia:
Giuliana Mazziotti
Federico Scholand
@fedescholand
Prensa: Susan Lonetti
@suvalo88
Producción: Nicole Grinberg
Wendoly Peña Laurencio @wendoly.pl
Paula Russo Martínez
Colaboración artística: Delfina Giuntini
Emiliano Larea
@emilianolarea
Fernanda Martinez
Roxana Martinez
Julia Russo Martínez
@juliarussomartinezz
Supervisión dramatúrgica:
Sol Rodríguez Seoane @solrodriguezseoane
Dirección: Nicole Grinberg
Paula Russo Martínez
Agradecimientos: Rodrigo Arena, Marina Kryzczuk, A Las Escritoras Que Nos Dieron
Brotherhood es una comedia dramática atravesada por la tecnología y la música, escrita y dirigida por Anahí Ribeiro e interpretada por Julia Funari, María Forni, Alfredo Sánchez, Ingrid Mosches, Mariano Sacco, Agustín Corsi y Bárbara Majnemer.
La obra se estrenó en 2019 en Nün Teatro Bar, donde realizó temporadas también en 2020 y 2021. En 2022 fue seleccionada como proyecto beneficiario de Impulsar II (Ministerio de Cultura de la Nación), lo que permitió funciones en Pinamar, Azul, Quilmes y Alsina, y su tercera temporada en el Teatro Dumont 4040, con localidades agotadas. Durante 2023 tuvo un fuerte crecimiento: realizó temporada de verano en el Teatro Metropolitan sobre Avenida Corrientes, quinta temporada en Timbre 4, estrenó su versión online en Teatrix y llevó adelante una gira por el conurbano bonaerense (Vicente López, San Martín, Avellaneda y Berazategui). Además, realizó funciones con entradas agotadas en UOCRA Cultura durante noviembre.
El espectáculo recibió nominaciones a los Premios María Guerrero en el rubro Realización Audiovisual
De Anahí Ribeiro MiráBA 82
Multimedia (Demian Ledesma Becerra y Eugenia Choque). En 2024 realizó funciones en el Teatro Beckett (marzo y abril), en el Teatro Leopoldo Marechal de Moreno (mayo) y regresó en junio a UOCRA
Cultura. Fue seleccionada para integrar el Ciclo MÁS Teatro organizado por SAGAI. En octubre de ese mismo año, Brotherhood estrenó su versión peruana en Lima, dirigida por Anahí Ribeiro y producida
por Puente Producciones. Se presentó en el Teatro de la Alianza Francesa (primera temporada) y en el Teatro Julieta (segunda temporada), con gran repercusión en medios y excelente respuesta de público. En 2026 realizó funciones en El Método Kairós y actualmente prepara su novena temporada en Ítaca, los sábados de julio y agosto. *En julio, el personaje de Titi será intepretado por Pettu Salama.
FICHA TÉCNICA - ARTÍSTICA
Dramaturgia y dirección:
Anahí Ribeiro
Elenco:
Julia Funari
María Forni
Alfredo Sánchez
Pettu Salama
Mariano Sacco
Agustín Corsi
Bárbara Majnemer.
Producción Ejecutiva:
Antonella Schiavoni
Diseño 3D, Animación y
Escenografía:
Demian Ledesma Becerra
Operador Técnico:
Agus Viu
Diseño de mapping:
Eugenia Choque
Demian Ledesma Becerra
Fotografía e iluminación:
Akira Patiño
Diseño gráfico:
María Forni
FUNCIONES:
SÁBADOS 20.30 HORAS
Ítaca, complejo teatral
Humahuaca 4027 CABA
Entradas desde $18000
En venta en Alternativa Teatral
Duración: 75 minutos
SINOPSIS
Brotherhood interpela los vínculos de sangre, los expone, pone sobre la mesa las verdades personales más profundas, y nos cuenta siete visiones de los hechos, siente formas de ser hijo.Brotherhood es un momento en la vida de siete hermanos, el momento en que los padres comienzan su etapa de deterioro. Los siete enfrentarán la pérdida desde la vivencia que cada uno tuvo como hijo, desde los lugares que ocupan, sus propios miedos, egos, inseguridades, y vivencias. En Brotherhood la enfermedad y la muerte detonan lo establecido, la estructura, los roles, los lazos; y pondrá a prueba la fortaleza de la trama familiar. Todo lo sabido, y aquello de lo que no se habla, explotará ante ellos dejándolos expuestos a la intemperie emocional.
A veces, la sangre no tira; y por eso Brotherhood es el retrato de cada uno de nosotros..
Anahí Ribeiro es actriz, autora, directora, docente y productora. Autora de Brotherhood, Lo sutil del Desamor (Premio Nuestro Teatro - Teatro Nacional Cervantes y seleccionada en el Festival La Mousson d´eté, Francia), El regreso a la nave nodriza, La Tucumanita,
La Fragilidad del Cielo, La Cita, Electric Blue, MAMUS, Nomeolvides en la niebla y Temporada de Pestañas (Premio Contar3 - AADET/Argentores).
Directora de Brotherhood, Los que vendrá, “Las Primas Hermanas”, “Edelma” (TxI 2020), “Los jueves, amantes”, “Nuestra Cara” (TxI 2019), “Madre hasta la muerte”, “La Cita”, “Electric Blue”, y “M.A.M.U.S”; “La buena suerte” (Fundación Sagai), “La Fragilidad del Cielo”; “Nomeolvides en la niebla”, “La Mujer Judía” y “At Liberty” de Tennessee Williams. Actriz de Canning, Ojalá lloviera, Casa Valentina (Gira), Yo no pienso en matambre ni le temo al vació, Criminal, Bristol, Este amor es una fiesta y Panoramas Olvidados con dirección de Agustín Alezzo. Como productora integró los equipos de Faroni, Fenix Entertainment Group, 6Pasos y JC
Producciones: en lo personal realiza la producción integral de sus espectáculos teatrales independientes.
Docente de 3er año en la Carrera de Actuación y Puesta en Escena en el CIC (Centro de Investigación Cinematográfica).
Estos pequeños libros que quedan, la elogiada obra de la dramaturga, directora y gestora cultural Cynthia Edul ofrecerá nuevas funciones el 20 y 27 de agosto y jueves de septiembre a las 20h en Arthaus Central (Bartolomé Mitre 434).
Interpretada por Mónica Raiola, Ignacio Sánchez Mestre y Agustina Muñoz, la obra despliega el vínculo entre una madre y una hija que buscan un objeto perdido en medio de una gran biblioteca con vida propia. Ese objeto que buscan, trae a su vez un dolor que sólo los libros pueden ayudar a nombrar.
Estos pequeños libros que quedan pone el foco en la vida
y en la poesía, la experiencia y la literatura. ¿Cómo se nombra lo perdido? Serán los poetas y escritores que habitan esa biblioteca los encargados de ponerle imágenes y sentido a todo aquello no se puede nombrar. Y entre libro y libro transcurre esa compleja relación entre una madre y una hija, los vínculos familiares y la historia misma de las mujeres.
“La obra surge de una anécdota personal, que bien podría haber sido la consecuencia de haber leído mucho El Quijote. Entonces, fui a la biblioteca para encontrar en la ficción una forma de contar ese momento de mi vida”, comenta su autora.
Estos pequeños libros que quedan, escrita y dirigida por Cynthia Edul, trama vínculos, escribe líneas de un poema, traza hilos invisibles que nos unen con lo que amamos y con lo que perdimos.
La obra es una producción de Paraíso Club en colaboración con Arthaus y cuenta con el apoyo de Proteatro.
Estos pequeños libros que quedan, escrita y dirigida por Cynthia Edul. 20 y 27 de agosto y jueves de septiembre a las 20h en Arthaus Central (Av. Bartolomé Mitre 434, CABA). Localidades $ 20.000 (descuento estudiantes y jubilados $14.000) disponibles en Alternativa Teatral
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“Gran actuación de Mónica Raiola en una obra donde los textos cobran vida propia.” LA NACIÓN
“Tres personajes que se vuelven cuatro con una biblioteca que habla”. PAGINA 12
“La obra invita a explorar la historia familiar desde la literatura.” INFOBAE
FICHA ARTÍSTICA
Con Mónica Raiola, Ignacio Sanchez Mestre y Agustina Muñoz
Asistencia de dirección: Amanda
Minujin
Foto: Ignacio Coló
Comunicación y prensa: Cecilia
Gamboa
Música Original: Guillermina Etkin
Iluminación: Sebastián Francia
Escenografía y vestuario: Paola
Delgado
Producción: María La Greca
Autoría y Dirección: Cynthia Edul
Cynthia Edul (1979) es novelista, dramaturga, directora de teatro y gestora cultural. Es licenciada en Letras por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y en Dramaturgia por
la Escuela Municipal de Arte Dramático (EMAD). Dirige la Maestría en Gestión de la cultura de la Universidad de San Andrés. Como curadora de artes escénicas, co- creó, Panorama Sur y en 2022 Paraíso club de artes escénicas. Es autora de las novelas La sucesión, La tierra empezaba a arder, último regreso a Siria, La Primera Materia y de las obras de teatro Miami, Familia Bonsái, A dónde van los corazones rotos y El punto de costura. Recibió las becas para escritores de la Universidad de Iowa (EE.UU.), de Courants du Monde (Francia) y de la Saison Foundation de Tokio (Japón).
Monica Raiola nació en CABA en 1963, ciudad en la que reside actualmente. Se ha formado en artes visuales y en teatro. Egresada de la Escuela de Bellas Artes, ha realizado muestras en Buenos Aires, Holanda y Alemania. En teatro, curso estudios con Ricardo Bartís, Vivi Tellas y Rubén Schumacher. Como actriz, dirigida por Rafael Spregelburd, actuó en: Remanente de invierno; Raspando la cruz; La modestia, La estupidez, Bizarra, Buenos Aires, La paranoia, Todo, Tres finales, La terquedad. También actuó, entre otras obras, en: Lunes abierto y Para partir, de Ignacio Sánchez Mestre; A dónde van los corazones rotos? de Cynthia Edul; Doberman, Turma y Reinas Abolladas de Azul Lombardia; Los arrepentidos y La materia oscura, dirigidas por Daniel Veronese,
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El recurso de Amparo dirigida por Javier Daulte, Lo que el río hace, de Paula y Maria Marull. Para partir, de Ignacio Sánchez Mestre. Participó en festivales y teatros internacionales: Otoño en Madrid, Festival de Rio-Cena (Brasil), Mayo teatral (Cuba) Festival Santiago a mil (Chile), Festival Iberoamericano (Bogotá), Teatro Helénico de México, Chapter Theatre de Cardiff, Sala Becket de Barcelona,etc. Se desempeñó en escenografía y vestuario en las obras ACASSUSO Y LÚCIDO, de Spregelburd.
Algunos largometrajes en los que actuó son: Verdades verdaderas, la vida de Estela, Nicolás Gil Lavedra. El estudiante, Santiago Mitre, La flor de Mariano Llinás, Los Marziano de Ana Katz, Juana a los 12 de Martin Shanly, Betibu de Miguel Cohan, Pistas para volver a casa de Jazmin Stuart, Inseparables de Marcos Carnevale, Mamá se fue de viaje de Ariel Winograd, La otra piel y Baldío de Ines Oliveira Cezár, Doberman de Azul Lombardia, El bosque de los perros de Gonazalo Zapico, El gerente de Ariel Winograd.
En series: Tiempo libre y El galán de Venecia de Martin Piroyansky; Serie dpto, Jazmín Stuart; Soy Under de Gisela Benezon; La vida según Roxi de Azul Lombardia y Julieta Otero; Terapia alternativa de Ana Katz Mil gracias de Valentina Rata Zelaya y Mónica Raiola. Maradona sueño Bendito, de Alejandro Aimetta, El amor después del amor, de Felipe u MiráBA 85
Gómez Aparicio y Gonzalo Tobal, El fin del amor, de Tamara Tenembaum.Coppola, el representante, de Ariel Winograd. Menem, de Ariel Winograd. El encargado, de Cohn y Duprat y Viudas negras de Malena Pichot.
Ignacio Sánchez Mestre nació en San Juan, Argentina, en 1982. Es actor, guionista, dramaturgo y director de teatro. Como autor y director estrenó las obras “demo” (2012), “Lunes Abierto” (2014), „Despierto“ (2016), „La Savia“ (Teatro Nacional Cervantes - 2017), “Para partir” (Teatro Sarmiento - CTBA - 2019) y “Lo tejió la Juana” (Paraíso club en Timbre 4 - 2023). Actuó para Ariel Farace, Laura Kalauz y Lucía Seles entre otrxs. En cine trabajó para Vladimir Duran, Luz Orlando Brennan y en la pentalogía del odio (5 películas consecutivas) de Lucía Seles. Escribió y dirigió el cortometraje „UNA PARTE“, coescribió la película “Voley” (2014, Martín Piroyansky) y „All inclusive“ (2018, Diego y Pablo Levy). En TV escribió junto a Piroyansky las series „Tiempo Libre“, „Bar San Miguel“ y “El galán de Venecia” para UN3TV. Fue uno de los autores de la serie „División Palermo” (KyS Films - Netflix) por la cual ganó el Cóndor de Plata al mejor guión original y “Soy tu fan - tercera temporada” (Disney México). Realizó residencias artísticas en la Sala Beckett (Barcelona) y en el Kunstenfestivaldesarts (Bruselas). Sus obras „demo“ y „Lunes Abierto“ fueron publicadas por la editorial Libros_Drama y “Despierto” en la Colección Novísima Dramaturgia Argentina, de Ediciones del CCC. Es uno de los socios fundadores de Paraíso, club de artes escénicas.
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Agustina Muñoz trabaja en teatro, cine y performance. Es autora y directora de muchas obras propias y en colaboración. Ganó el Primer Premio de Dramaturgia del Instituto Nacional del Teatro y de Dramaturgia Innovadora del Festival Escena Contemporánea de Madrid. Ganó el Premio a mejor actriz en el Bafici, Festival de Cine Independiente de Buenos Aires. Editó junto a Bárbara Hang el libro El tiempo es lo único que tenemos, sobre actualidad de artes escénicas editado por Caja Negra Editora. Trabajó con Romina Paula, Mariano Pensotti
y Mariana Obersztern. Es miembro fundadora de Paraiso Club. En cine trabajó con Pepa San Martín (Chile), Mariano Llinás, Lois Patiño (España), Matías Piñeiro, Dan Sallit (Estados Unidos), Santiago Palavecino, Inés de Oliveira Cezar, Andreas Fontana (Suiza), María Alché y Maximiliano Schonfeld. Escribe sobre arte y performance en distintos medios. Fue curadora de artes performativas en el Centro Cultural Kirchner, y curadora invitada en el Museo de arte Latinomaricano de Buenos Aires (Malba). Dicta talleres y clínica de obra.
Dramaturgia, Dirección y Puesta en Escena: Paula Mujica Lainez
SINOPSIS:
Esta obra de teatro -interpretada por Osmar Núñez y Lorena Szekely - nace del deseo de hacer presente a Haroldo Conti. No sólo al escritor y militante, también al hombre de río, al maestro, al amigo. Al que supo ver belleza en la sencillez, riesgo en la ternura, libertad en la palabra.
La obra creada por Paula Mujica Lainez a partir de la investigación realizada sobre la vida y la obra de Haroldo Conti con la colaboración de Paula Rossi, recorre momentos esenciales de su vida, su literatura y sus pasiones. Atravesada por los textos de Conti, nos cuenta el tiempo vivido con su compañera, Marta Scavac.
No se trata de una biopic ni de una reconstrucción cronológica. Es un viaje escénico por los paisajes que habitaron a Haroldo y su poética, junto a Marta, entre el 72 y el 76.
Cuenta la vida cotidiana de la pareja, yendo de un lugar a otro, “vagabundeando“, condicionados por las circunstancias.
Con un párrafo de la novela “Alrededor de la Jaula” inicia la obra en la voz de Marta, recordando el comienzo de esa relación.
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A través de un texto de “Sudeste” Haroldo evoca el amor por el Delta y sus islas. “Mascaró, el cazador americano”, fue la novela que los unió. “Haroldo en la luz“ da cuenta de ese proceso creativo compartido. Se incluyen el prólogo y algunos fragmentos de
la misma
Haroldo Conti fue desaparecido por la dictadura militar en mayo de 1976.
Marta y el bebé de ambos, Ernesto, lograron salir del país un año y medio después, con la ayuda de la Embajada de Cuba. La palabra de Haroldo no desapareció. Su literatura, su humanidad, su coraje, siguen navegando entre nosotros.
Esta obra es una forma de decir que sigue estando. Que el río, como la memoria, no se detiene.
“HAROLDO EN LA LUZ” de Paula Mujica Lainez
DOMINGOS A LAS 17:30 h.
El Portón de Sánchez
Sánchez de Bustamante 1034. CABA
Entradas general: $25.000
Estudiantes y jubilados: $22.000
A la venta en Alternativa teatral o en boleterías del teatro
Duración: 70 minutos
FICHA TÉCNICA
Actúan:
Osmar Núñez
Lorena Szekely
Diseño de Escenografía y Vestuario:
Alejandro Mateo
Realización Escenográfica:
Eduardo Paglieri
Diseño y realización del objeto barco:
Lucía Masllorens
Arte Audiovisual:
Florencia Mujica
Video final:
Andrés Cuervo
Operador de Sonidos y Videos:
Lucas Soriano
Diseño de luces:
Marco Esteban Pastorino
Cané
Fotografía:
Ximena Duhalde
Diseño flyer:
Cecilia Caligaris
Prensa:
Natalia Bocca
Producción Ejecutiva:
Matías Cerezo
Asistencia de Dirección y Colaboración en Dramaturgia: Paula Rossi
Dramaturgia, Dirección y Puesta en Escena: Paula Mujica Lainez
Música:
“Según nos contaron” Canción interpretada por “Los Vecinos del Diablo ” Letra: “Los Vecinos del Diablo” ( Javier de JesúsLuis Volcoff - Alejandro Serbali - Juan Carlos Epeloa) Música: Luis Volcoff , “Peixinhos do Mar ” Canción interpretada por Victoria Masllorens y alumnas de su taller de percusión.
“Haroldo llegó a mi puerto, navegando. Fui a una charla que dio Matías Cerezo y otros, sobre su obra y su persona, en el Sindicato Marítimo. Me acompañó Osmar Núñez. Quedamos conmovidos. Allí comenzó todo. Cuento el último tramo de su vida junto a su compañera Marta Scavac, mientras escribía “Mascaró, el cazador americano”. La obra recorre momentos cotidianos de amor, compromiso, amistad y solidaridad; mientras el horror les pisaba los talones. Así nos
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subimos a este barco, para seguir navegando…”
Paula Mujica Lainez
SOBRE LA DRAMATURGA Y DIRECTORA
Paula Mujica Lainez
Actriz, profesora y directora
Mentora creativa con una amplia trayectoria en las artes escénicas y audiovisuales.
Durante más de cuatro décadas, ha trabajado como actriz, directora y profesora, transformando la memoria en el eje central de mis proyectos artísticos y talleres.
Teatro (como actriz y directora)
·“La Voz del Caracol” –Actuación (2023 - 2024)
· „Las Alicias“ – Dirección (2023 - 2024)
· “Flor de Liz” – Teatro Auditorium de Mar del Plata, La Manzana de las Luces (20172019).
· “De sobornar al olvido” –Centro Cultural Borges (2012).
· “Los cuentos de Fontanarrosa” – Dirección: Paula Mujica Lainez (2006).
· “La Casa de Bernarda Alba” –Dirección: Alejandro Rico (1994).
· “Nunca usarás medias de seda” – Dirección: Daniel u MiráBA 89
Marcove (1990).
Cine y video
· “Las Cosas del Querer II” (1995)
· Performance “Palabreándonos”
– Creación y dirección (20202021, formato virtual).
Televisión
· “Hombres de Ley” (1987)
· “Como Pan Caliente” (1996)
EXPERIENCIA DOCENTE
· Taller-Laboratorio de creatividad privada (2020-2022).
· “Soy mi poética” – Taller de creatividad y narración en SAGAI (2022).
· Taller “De la palabra a la narración” – SAGAI (2017-2019).
· Taller “Recordando nuestros barrios” – Manzana de las Luces (2008-2015).
· Taller de teatro y narración –Biblioteca Nacional (2008-2015).
· Seminarios en instituciones destacadas como el Centro
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Cultural San Martín y Facultad de Sociología de la UBA.
EVENTOS Y ROLES DESTACADOS
· Programadora de espectáculos en La Manzana de las Luces (2014-2017).
· Coordinadora de charlasdebate – Teatro Auditorium de Mar del Plata (1997).
· Integrante del grupo de dirección artística del Complejo Teatral Santos Discépolo (1990).
· Jurado en concursos teatrales organizados por la Municipalidad de La Plata (2004).
PUBLICACIONES Y CREACIONES
· Participación autoral en el libro “Mujeres de Colores” de Amancay Espíndola (2002).
· Creación y dirección de espectáculos como “Rincón de
poetas y narradores” y “Collar de Perlas”.
Agradecemos la colaboración que nos brindaron a: Alejandro Samek, Celina Yañez y colaboradores de Andamio 90 Teatro. Escuela Alejandra Conti, Marcelo Conti y Ernesto Conti. Manuel Barrientos, Sebastián Vigo, Mercedes Fraile. Lucia Masllorens, Florencia Mujica, Ximena Duhalde, Cecilia Caligaris, Victoria Masllorens, Lucas Caballero - Carlos Caligaris, Ana María Ferrari, Ana Laura Pace, Luisa Peluffo , Estudio de Grabación DaverioVolcoff, Roberto Castro y colaboradores de El Portón de Sánchez.
PRENSA
Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com
PROYECTO MIGRA - 10 AÑOS presenta
HOTEL MONDAY dirigido por Florent Bergal
Sábados y domingos en el Galpón de Guevara
El director francés Florent Bergal, Proyecto Migra y el Galpón de Guevara se vuelven a juntar en HOTEL MONDAY, una nueva creación de Teatro Total, un torbellino de circo, danza y teatro. Se trata del mismo equipo detrás de “Un Domingo”, el fenómeno teatral que desde 2018 lleva realizadas más de 200 funciones a sala llena.
Todos los años en el mismo día, unos personajes deslumbrantes se juntan en El Gran Hotel, para homenajear a Don Gregorio, fallecido en circunstancias
misteriosas. Culpa e hipocresía destapan un vortex arrollador. En una seguidilla de acciones desopilantes los protagonistas intentan desenredarse de un destino ineludible.
Este espectáculo es una coproducción de Proyecto Migra (en su décimo aniversario) y El Galpón de Guevara, creado en el marco de VIVA, su programa de residencias artísticas. Cuenta con el apoyo de Mecenazgo Cultural a través de Banco Santander y, además, fue seleccionado en el Fondo
Enlace/Orillas Nuevas, programa organizado por el Institut Français d’Argentine junto a Fundación Williams y Fundación Medifé.
FICHA TÉCNICA
Dirección: Florent Bergal
Intérpretes:
Juan Carlos Fernández
Sofia Galliano
Gabi Parigi
Tomás Soko
Florencia Valeri
Tato Villanueva MiráBA 92
Vestuario:
Celina Santana
Escenografía:
Lina Boselli
Diseño de luces:
Laura Saban
Realización audiovisual:
Soyvidet
Fotografía:
Macarena De Noia
Diseño gráfico:
Ekaterina Volovich
Community manager:
Florencia Valeri
Comunicación y prensa:
Mutuverría PR
Producción ejecutiva:
Azul Berra
Producción general:
Pierpaolo Olcese
Realización:
Vicky Villaverde
Co-producción:
Proyecto Migra
El Galpón de Guevara
Duración: 70 minutos
¡NUEVAS FUNCIONES!
DESDE EL 8 DE AGOSTO
SÁBADOS Y DOMINGOS A LAS 16 HORAS
El Galpón de Guevara
Guevara 326 CABA
Entrada general $25.000
En venta por Alternativa Teatral
CARTELERA ASOCIADA PROYECTO MIGRA
Además de las obras propias creadas en estos años (Un domingo, Waminix, Bruto, Hotel Monday) los miembros de la compañía impulsan obras personales que Proyecto Migra acompaña como cartelera asociada. Si te gustaron esas obras de la compañía, podés descubrir estas otras propuestas que cuentan con el apoyo de Migra:
Velar la noche de Sofía Galliano y Gabi Parigi Viernes 17 de julio a las 20.30h. en Galpón de Guevara
Consagrada, el fracaso del éxito de Gabi Parigi Sábados de agosto a las 20.30. en Timbre 4
Lady Maldad de Leticia Vetrano Fechas a confirmar
La Ceremonia de Tomás Soko
Segundo jueves del mes a las 20.30h. en Café Artigas
Ginger & Monique de Paz Cogorno y Leticia Vetrano Fechas a confirmar Rodamundos de Víctor Miñón y Jonathan Uriarte Fechas a confirmar
Fuera de Leticia Vetrano Fechas a confirmar
Soy de Paz Cogorno Fechas a confirmar
SOBRE PROYECTO MIGRA
Proyecto MIGRA es una plataforma fundada en 2015, especializada en circo contemporáneo con una u
fuerte impronta teatral. En el transcurso de estos años se han constituido como un referente en Argentina y América Latina por la calidad y singularidad de sus propuestas. La compañía se compone de un equipo de artistas, productorxs y técnicxs que impulsan las propuestas de la plataforma: espectáculos, F.I.Ci.Co - Formación Integral de Circo Contemporáneo, Enlace - Residencia de Creación para Artistas Profesionales, carpateatro propia con capacidad para 200 espectadores, el Festival Internacional de Circo Independiente, entre otras propuestas.
Más de 85.000 espectadores asistieron a los espectáculos, carpa-teatro y festivales organizados por MIGRA; y
más de 600 alumnxs y artistas residentes fueron parte de FICICO y ENLACE. Asimismo, a lo largo de esta década MIGRA realizó co-producciones y giras en Francia, Bélgica, España, Uruguay, Brasil, Canadá, Chile e Italia. Algunas de las creaciones de estos diez años son: Un Domingo, Waminix y Bruto. Hotel Monday es su nueva obra de teatro total. Además, los miembros de la compañía impulsan obras personales que Migra acompaña como cartelera asociada: Velar la noche (de Sofía Galliano y Gabi Parigi), Soy (de Paz Cogorno), Rodamundos (de Víctor Miñón y Jonathan Uriarte), Ginger & Monique (de Paz Cogorno y Leticia Vetrano), La Ceremonia (de Tomás Soko), Fuera (de Leticia Vetrano) y Consagrada,
el fracaso del éxito (de Gabi Parigi).
Proyecto MIGRA está conformado por Florencia Valeri (acróbata, bailarina, actriz y docente), Tomás Soko (actor, malabarista, director, docente y productor), Gabi Parigi (acróbata, actriz, docente y directora artística), Sofía Galliano (acróbata aérea, actriz, bailarina y docente), Leticia Vetrano (actriz, payasa, directora, docente y productora), Jonathan Uriarte (actor, acróbata, docente y rigger), Paz Cogorno (actriz, comediante, productora y docente) y Víctor Miñón (acróbata, titiritero, docente y productor).
PRENSA Mutuverría PR info@mutuverria.com
UN VIAJE TEATRAL ENTRE LA FAMA, EL DESEO Y LA LOCURA
"Luces en el espejo"
Unipersonal escrito e interpretado por Rodrigo Mauregui
Fábula poética y surrealista sobre el amor, la imaginación y la infancia que resiste.
“Luces en el espejo: la última función” llega a Beckett Teatro (Guardia Vieja 3556, CABA) con una propuesta íntima y conmovedora que explora los límites entre la realidad, la memoria y la ficción. Escrita e interpretada por Rodrigo Mauregui y dirigida por Osvaldo Peluffo, la obra propone una experiencia teatral intensa que combina el universo del cine, el teatro y los sueños inconclusos de un hombre enfrentado a sí mismo. La última función será el domingo 2 de agosto a las 20:00 horas y las entradas están disponibles por Alternativa Teatral.
La obra dialoga con escenas icónicas de la historia del cine, resignificándolas desde la mirada de un hombre que enfrenta el peso de sus frustraciones y deseos. Referencias a clásicos como Taxi Driver, El Resplandor, Nosferatu, Joker, Chaplin, Trainspotting y La Naranja Mecánica se integran a una narrativa profundamente humana que reflexiona sobre el éxito, el fracaso, la soledad y el paso del tiempo.
Con una puesta austera, minimalista y de gran potencia
emocional, “Luces en el espejo. La última función” interpela al espectador con preguntas universales: ¿qué sucede cuando la vida que imaginamos nunca llega a concretarse? ¿Qué queda cuando sólo permanecemos nosotros frente a nuestro propio reflejo?
FICHA TÉCNICA
Guion: Rodrigo Mauregui
Dirección: Osvaldo Peluffo
Actúa: Rodrigo Mauregui
Luces y sonido:
Ivana Barcelona
Make up: Azul Chincilla
Fotos y flyers: El Círculo Producciones
Asistente de dirección: Manuela Gigoux
Prensa: Kevin Melgar
FUNCIONES
DOMINGO 2 DE AGOSTO 20:00 HORAS
TEATRO BECKET
KEVIN MELGAR Prensa contacto@kevinmelgarprensa. com.ar
"Lenguajes del adiós"
La nueva obra de Patricio ABADI en el Teatro Cervantes !
Patricio Abadi, multipremiado escritor, director e intérprete, uno de los nombres más sobresalientes de la dramaturgia contemporánea presenta su nueva obra Lenguajes del adiós, de jueves a domingos a las 18h en la sala Luisa Vehil del Teatro Nacional Cervantes (Av. Libertad 815, CABA).
La pieza de teatro escrita, dirigida e interpretada por Abadi despliega la última etapa de vida de la madre del artista en una puesta que pone en diálogo momentos de ficción, con un dispositivo audiovisual en escena de carácter performático.
La coreografía y el diseño de movimiento son de Jazmín Titiunik, la colaboración artística de Gaspar Carvajal, la asesoría artística de Daniela Colucci, el diseño audiovisual y mapping de Demián Ledesma Becerra, el diseño de iluminación de Ricardo Sica, el diseño de vestuario de Martina Nosetto y el diseño de escenografía de Rodrigo González Garillo.
El material audiovisual recuperado y digitalizado durante la pandemia llega al Teatro Cervantes después de casi 20 años generando una experiencia escénica en la que se reconstruye el vínculo madre/ hijo a partir de relatos, música, imágenes, videos y monólogos.
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“Lenguajes del adiós, de Patricio Abadi, pone en escena el proceso de recorrer, de pensar, de imaginar, dar palabras y metáforas, a los otros pero también a uno mismo.” Ricardo
Dubatti (prólogo del inminente libro Lenguajes del adiós).
Con emoción, pero también con humor la obra propone un encuentro cercano con el
espectador donde la ternura, el arte y los hijos aparecen como senderos posibles para transformar el dolor y reescribir la propia historia.
FUNCIONES:
Jueves a domingos a las 18h en la sala Luisa Vehil del Teatro Nacional Cervantes Av. Libertad 815, CABA Localidades $20.000. disponibles en Alternativa Teatral o en la boletería del Teatro (Libertad 815), de miércoles a domingo de 10 a 21 h.
Patricio Abadi
Escritor, actor, director, formador y Licenciado en Comunicación con orientación en Letras. Egresado en la carrera de Dramaturgia de la Escuela Municipal de Arte Dramático dirigida por Mauricio Kartun.
Ganador del Primer Premio Fondo Nacional de Las Artes, premio “Primera obra” de Argentores, Microficciones Teatrales, Teatro de Medio tiempo, Micromonólogos de Tandil, Teatro por la Identidad, Monólogos de la peste, Mención especial “Germán Rozenmacher” (FIBA) y concurso de microrelatos en Madrid. Ganador de los “Premios Teatro del mundo” por la dramaturgia y la dirección del unipersonal “Frida Kahlo (luces y sombras).
Co-autor de la multipremiada “El equilibrista” por la cual fue
destacado como autor en los Premios teatros del Mundo, protagonizada por Mauricio Dayub (Premio Konex mejor unipersonal de la década), “Caer y Levantarse” obra ganadora del Estrella de Mar con actuación Luciano Castro, “PATTI SMITH”, y creador del espectáculo “Ya no pienso en Matambre ni le temo al vacío”, que lleva 17 años en cartel.
En la feria del libro de Frankfurt y en Roma, desarrolló su tesis acerca de la vinculación entre “lo popular y lo poético”. Su unipersonal “Antihéroe off” fue seleccionado para realizar una producción audiovisual en la plataforma TEATRIX. Diez de sus obras breves forman
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parte de la programación de Microteatro (Buenos Aires, Córdoba y Miami). En 2021 resultó ganador de una beca a la Creación Escénica del I.N.T por “Relatos de amor y Locura”.
Parte de su dramaturgia se encuentra publicada por EUDEBA en el libro “Teatro Reunido”, “El estadio de Arena” fue publicada por la editorial española Punto de Vista y presentada en la feria del libro de Madrid. A fines de 2023 estrenó “Balada para un sueño” y “Estrellas fugaces” los Estados Unidos y estuvo como invitado especial en los Martín Fierro Latinos de Miami. Recientemente presentó en la feria del Libro “Ya no pienso en matambre ni le temo al Vacío” (Monólogos) con Editorial Atuel que reúne los textos de la obra. Este año junto al estreno de la obra “Lenguajes del adiós (La vida de mi madre), en el Teatro Nacional Cervantes, la editorial Atuel va a publicar su libro “Lenguajes del adiós” con Prólogo de Ricardo Dubatti y Texto de contratapa a cargo de Mauricio Kartun.
En lo que respecta a su tarea como formador ha brindado diferentes workshops en Buenos Aires, Estados Unidos, Uruguay y España.
Con: Analia Sanchez y Luis Millicay - Dirección general: Claudia Mac Auliffe y Sonia Novello
Dos relatos se cruzan. Un hombre desde su cuarto cuenta que finalmente - y una vez más - encontró a una mujer posible. Una mujer, otra, ordena con esmero y recelo el guardarropas de la señora para quien trabaja: blusas, vestidos, faldas, como sueños de otras vidas posibles. Relatos sobre los caminos sinuosos y escarpados del deseo. El deseo atrapado por las formas del relato.
Asesoramiento en diseño vestuario y escenografía:
Gabriella Gerdelics
Diseño de luces:
Claudia Mac Auliffe
Analia Sanchez
Realización de elementos de escenografía:
Claudia Mac Auliffe
Puesta en escena:
Claudia Mac Auliffe Fotos:
Pablo Garber
Diseño gráfico:
Gabriel Suarez
FUNCIONES:
Sábados 18 horas
La Gloria Espacio teatral
Yatay 890 CABA
Entradas en AlternativateatralPRENSA
Sonia Novello
soniaveronovello@gmail.com
Paraiso Club presenta la nueva obra de ROMINA PAULA: Un Sueño Raro
El viernes 14 de agosto, PARAISO CLUB estrena Un sueño raro, la nueva obra escrita y dirigida por Romina Paula, en Arthaus Central (Bartolomé Mitre 434, CABA).
Interpretada por Susana Pampin y Carolina Saade, la obra se adentra en la vida de Irene, una mujer cuya decisión de convertirse en actriz abre en su vida portales inesperados. Irene joven e Irene adulta comparten un mismo espacio y un mismo tiempo, en una percepción que ha dejado de ser cronológica y unidimensional. En ese encuentro
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consigo misma, el paso del tiempo se transforma en una experiencia tan desconcertante como reveladora en la cual envejecer puede ser como un sueño raro.
Con la sensibilidad y la potencia poética que caracterizan la escritura de Romina Paula, Un sueño raro explora la identidad, la memoria, el deseo y el tiempo a partir de una puesta en escena que combina emoción, humor y extrañamiento, invitando al espectador a habitar un universo donde las certezas se vuelven inestables y las distintas
versiones de una misma vida dialogan entre sí.
“Es la primera vez que escribo una obra para dos personajes. Aunque al final, en nuestra obra, terminaron siendo uno solo. O dos. O tres. ¿Son madre e hija? ¿Son la misma persona?. Trabajamos con algunos conceptos de la física cuántica como las dimensiones paralelas y la retrocausalidadla posibilidad de que el presente influya en el pasado-, pero estos conceptos funcionan apenas como disparadores para construir juegos escénicos en los que cada situación propone su propia lógica
y verosímil, sin perder nunca una fuerte dimensión emocional”, señala Romina Paula.
Un sueño raro de Romina Paula estreno 14 de agosto a las 20h en Arthaus (Bartolomé Mitre 434, CABA). Funciones:
14,15, 16, 17, 24 y 31/8 a las 20h. 22, 23, 29 y 30/8 a las 16h.
Localidades disponibles en: https://paraisoclub.squarespace. com/.
FICHA ARTÍSTICA
Un sueño raro
Actúan: Susana Pampín
Carolina Saade
Espacio:
Matías Sendón
Luz:
Sebastián Francia
Sonido: Germán Cohen
Asistencia: Manuel Gallardo
Producción:
María La Greca
Texto y dirección: Romina Paula
Un sueño raro es una producción de Paraiso Club en colaboración con Arthaus Central y el apoyo de Impacto Finnegans.
FUNCIONES:
Estreno 14 de agosto a las 20h. Arthaus Central Bartolomé Mitre 434, CABA.
Funciones:
14,15, 16, 17, 24 y 31/8 a las 20h.
22, 23, 29 y 30/8 a las 16h.
Localidades disponibles en: https://paraisoclub.squarespace. com/.
ROMINA PAULA
Es dramaturga egresada de la Escuela Municipal de Arte Dramático de la Ciudad de Buenos Aires. Como actriz se formó con Ricardo Bartís, Alejandro Catalán y Pompeyo Audivert.
Escribió y dirigió las obras Si te sigo, muero (2005), Algo de ruido hace (2007), El tiempo todo entero (2010), Fauna (2013), Cimarrón (2016) y Sombras por supuesto (2023).
En 2019 coescribió y dirigió la obra “Reinos”, junto a Agustina Muñoz y Margarita Molfino, que se estrenó en la Sala Sarmiento del Teatro General San Martín.
Publicó las novelas ¿Vos me querés a mí? (Entropía, 2005), Agosto (Entropía, 2009), Acá todavía (Entropía, 2016), Hija biográfica (Entropía 2025), un volumen con sus obras de teatro, Tres obras (Entropía, 2013); un libro de relatos, Archivos de
word (Mansalva, 2021) y un volumen de crónicas Otra cosa es permanecer (Marciana, 2024).
En 2019 estrenó la película «De nuevo otra vez» en el Festival de Rotterdam, que protagoniza, escribió y dirige. La película obtuvo el premio Horizontes latinos del SSIFF 2019. En 2020 estrenó Edición Ilimitada, escrita y dirigida junto a Edgardo Cozarinsky, Santiago Loza y Virginia Cosin.
PARAISO CLUB
Es una comunidad de artistas y socios que financia y produce obras de teatro, danza y performance durante todo el año. Funciona como un club, pero de artes escénicas, donde el público deja de ser espectador pasivo para involucrarse activamente en los procesos de creación. A través de una membresía accesible, participa en la financiación de las obras y en instancias de intercambio como talleres, encuentros y debates con los artistas.
«Paraíso busca desafiar los lenguajes y difundir las nuevas formas del teatro y la danza del presente. Combinamos teatro de texto, performance, sitio específico y teatro musical para preguntarnos qué puede ser el teatro hoy», destaca su directora Cynthia Edul. https://paraisoclub.squarespace. com/
Una obra experimental: dos ciudades, una actriz y un avatar
En CABA: Área 623 (Pasco 623). Entradas por Alternativa En Santa Fé: C.C.Provincial “Francisco Paco Urondo” (Junín 2457). Entradas por Etickets
«Una otra yo” es una obra experimental, multidisciplinar e híbrida que sucede simultáneamente entre dos espacios y dos ciudades, una actriz y un avatar. Una mujer frente a su computadora reflexiona sobre su identidad ante la dificultad de insertarse en el sistema laboral tradicional.
Después de años dedicados a una profesión -la de artista- la precariedad, la inestabilidad y la falta de solvencia económica enfrentan a la protagonista a una encrucijada: ¿qué pasaría si reinventara por completo su vida? A partir de esa pregunta comienza a construir un avatar: una versión de sí misma perfectamente adaptada al mundo corporativo.
Mientras que en una ciudad (Santa Fé) el público es invitado
La obra, interpretada por Ana Municoy, cuenta con la autoría y dirección de Carolina Defossé, y la coordinación técnica y puesta en escena de Julieta Kilgelmann.
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a presenciar a una actriz que transmite en vivo su performance, en otra ciudad, una sala de CABA, otro público asiste, al mismo tiempo, a la transformación de un territorio: el espacio en el cual esa nueva identidad cobra forma. Ambas audiencias permanecen conectadas de manera remota y comparten un mismo acontecimiento escénico.
Entre streaming, actuación, diseño digital y proyección holográfica, “Una otra yo” explora las tensiones entre deseo y supervivencia, autenticidad y artificio, presencia y distancia;
preguntándose hasta qué punto reinventarse implica una traición a una misma o una estrategia legítima para habitar el presente.
La obra cuenta con el apoyo del Centro Cultural Provincial de Santa Fe “Francisco Paco Urondo” y el Ministerio de la Cultura de la Provincia de Santa Fe.
“Una otra yo” se presenta en dos únicas funciones: domingos 2 y 9 de agosto a las 17h. en simultáneo: en Área 623 (Pasco 623, CABA) con entradas por Alternativa y en el Centro Cultural Provincial “Francisco Paco Urondo” (Junín 2457, Santa Fé), con entradas por Etickets.
Dice Carolina Defossé, autora y directora:
«“Una otra yo” se enmarca en una investigación que inicié formalmente en 2017 y materialicé en una tesis de la maestría en teatro y artes performáticas de la UNA, que derivó en el desarrollo de la plataforma y proyecto: Tan cerca. “Una otra yo” es la novena producción de ese proyecto. La obra tiene el desafío de conectar espacios distantes, desafiar la presencialidad física, trabajar entre los límites de los lenguajes (cine, teatro, streaming) y los modos de comunicación contemporáneos, sin dejar de preguntarnos por el sentido del arte y los modos de subsistir en el mundo. Con la obra
buscamos explorar cómo el teatro atraviesa las tecnologías digitales audiovisuales haciendo estallar el sentido o concepto de presencialidad”.
FICHA TÉCNICO ARTÍSTiCA
Actriz: Ana Municoy
Coordinación Técnica y Puesta en Escena: Julieta Kilgelmann
Dirección y Dramaturgia: Carolina Defossé
En Santa Fe: Diseño de video y VJ en vivo: Desi Darrichon l Asistencia de Dirección: Lourdes Sack l Asistencia en Escenografía: Joaquín Adrove l Cámara: Facundo Cernadas.
En Buenos Aires: Asistencia de Producción: Fernando Schanzenbach l Asistencia Escenotécnica: Luis Alvarado l Prensa: Prensópolis l
Duración: 60 min. l Clasificación: + 13 años
Sobre la ACTRIZ
Ana Municoy
Es actriz, creadora escénica, directora, dramaturga, docente y gestora cultural de Santa Fe.
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Cofundadora y directora artística de CabezAbajo, desarrolla desde hace casi dos décadas una trayectoria ligada al teatro, el circo contemporáneo y la creación colectiva. Como actriz ha participado en producciones de CabezAbajo, la Comedia UNL, Las Margaritas y diversos proyectos independientes. En 2017 recibió el Premio Máscara en reconocimiento a su trayectoria artística. Como actriz ha participado en “Extremistas Corporales”; “Eco, el lugar en el que acontece”; “La Revolución de las Conchas”; “Las Edades de Nanita” y “Un cumple que sí” de CabezAbajo; “Háganme acordar (¿qué día fue ayer?)” de Las Margaritas; las producciones de la Comedia UNL “Ha, cuando se corre la bruma”.
@ana_municoy
Sobre la AUTORA Y DIRECTORA
Carolina Defossé
Nació en Puerto Madryn en 1983. Es Licenciada en Artes Combinadas (UBA) y Magíster en Teatro y Artes Performáticas (UNA). Se formó en actuación, dirección y arte contemporáneo. Fue becada para estudiar en LISPA Londres, 2004 y becaria CIA en 2013. Desde 2009 u MiráBA 103
2009 desarrolla proyectos experimentales que exploran los cruces entre teatro y tecnologías de comunicación. Experimenta nuevas formas de presencialidad, cruzando lenguajes. Realizó obras escénicas, digitales, site-specific e híbridas. Ha trabajado como asistente artística, productora, investigadora y docente en proyectos nacionales e internacionales. Sus trabajos recibieron apoyos de Mecenazgo
Cultural y becas de creación del Fondo Nacional de las Artes e Instituto Nacional del Teatro. Actualmente, investiga la integración de realidad virtual, teatro y medios digitales en la creación escénica.
@caro.defosse
Sobre la COORDINADORA técnica y Puesta en escena Julieta Kilgelmann
Es directora teatral, dramaturga escénica y artista multimedia de Santa Fe, Argentina. Realizó un posgrado en Dirección y Pedagogía del Teatro Físico en Londres y una Maestría en Diseño de Performance en la Universidad de Artes de
Londres. Ha desarrollado su trabajo en Reino Unido, España, Francia, Países Bajos, Grecia, Serbia, Macedonia del Norte y Argentina. Su práctica se centra en la dirección de espectáculos de teatro físico, experiencias inmersivas y performáticas, y proyectos interdisciplinarios que integran tecnologías escénicas. En “Una otra yo” coordina la puesta en escena y la puesta técnica desde el Centro Cultural Provincial “Francisco Paco Urondo” de la Ciudad de Santa Fe.
@julietakilgelmann
PRENSA
Prensópolis
Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com
PROYECTO MIGRA - 10 AÑOS. Presenta
la nueva temporada de
UN DOMINGO
Viernes de agosto en Galpón de Guevara
Es un domingo en familia.
Todos se reúnen alrededor de una gran mesa. En el ambiente se observa un lujo dudoso. La aristocracia ha perdido su brillo. Una tensión reina en este mundo donde todo parece posible. Objetos con vida, cuerpos acrobáticos y contorsionados, proyectando emociones potentes. Un mundo con reglas sociales y psíquicas inquietantes y ridículas; que nos trasladan
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de la risa a la consternación.
CARTELERA ASOCIADA PROYECTO MIGRA
Además de las obras propias creadas en estos años (Un domingo, Waminix, Bruto, Hotel Monday) los miembros de la compañía impulsan obras
Mentalidad medieval, impulsos de sueños americanos, romances torcidos y delirios imperiales. Inmersión a una familia felineana donde todo desborda, el amor y el odio. Un circo-teatro que contiene a la vez toda la vulgaridad y la gracia del ser. Cuerpos comprometidos al extremo, sentimientos crudos y las más refinadas atenciones. Hay un invitado. ¿Es él la causa de este desastre? ¿O simplemente se ve involucrado en esta vida de familia deplorable? Los domingos a veces son un día de fiesta... ¡y que fiesta!
personales que Proyecto Migra acompaña como cartelera asociada. Si te gustaron esas obras de la compañía, podés descubrir estas otras propuestas que cuentan con el apoyo de Migra:
Velar la noche de Sofía Galliano y Gabi Parigi. Viernes de julio a las 20.30h. en Galpón de Guevara.
Consagrada, el fracaso del éxito de Gabi Parigi. Sábados de agosto a las 20.30h. en Timbre 4.
Lady Maldad de Leticia Vetrano. Fechas a confirmar.
La Ceremonia de Tomás Soko. Segundo jueves del mes a las 20.30hs en Café Artigas.
Ginger & Monique de Paz Cogorno y Leticia Vetrano. Fechas a confirmar.
Rodamundos de Víctor Miñón y Jonathan Uriarte. Fechas a confirmar.
Fuera de Leticia Vetrano. Fechas a confirmar.
Soy de Paz Cogorno. Fechas a confirmar.
SOBRE PROYECTO MIGRA
Proyecto MIGRA es una plataforma fundada en 2015, especializada en circo contemporáneo con una fuerte impronta teatral. En el transcurso de estos años
se han constituido como un referente en Argentina y América Latina por la calidad y singularidad de sus propuestas. La compañía se compone de un equipo de artistas, productores y técnicos que impulsan las propuestas de la plataforma: espectáculos, F.I.Ci. Co - Formación Integral de Circo Contemporáneo, Enlace - Residencia de Creación para Artistas Profesionales, carpateatro propia con capacidad para 200 espectadores, el Festival Internacional de Circo Independiente, entre otras propuestas.
Más de 85.000 espectadores asistieron a los espectáculos, carpa-teatro y festivales organizados por MIGRA; y más de 600 alumnos y artistas residentes fueron parte de FICICO y ENLACE. Asimismo, a lo largo de esta década MIGRA realizó co-producciones y giras en Francia, Bélgica, España,
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Uruguay, Brasil, Canadá, Chile e Italia. Algunas de las creaciones de estos diez años son: Un Domingo, Waminix, Bruto y Hotel Monday, su más reciente estreno de teatro total.
Proyecto MIGRA está conformado por Florencia Valeri (acróbata, bailarina, actriz y docente), Tomás Soko (actor, malabarista, director, docente y productor), Gabi Parigi (acróbata, actriz, docente y directora artística), Sofía Galliano (acróbata aérea, actriz, bailarina y docente), Leticia Vetrano (actriz, payasa, directora, docente y productora), Jonathan Uriarte (actor, acróbata, docente y rigger), Paz Cogorno (actriz, comediante, productora y docente) y Víctor Miñón (acróbata, titiritero, docente y productor).
Mutuverría PR info@mutuverria.com
ESTRENO AGOSTO 11 EN EL CARAS Y CARETAS PERSONA. HÉROE LATINO
con TOTO KIRZNER y Cía. La Vigilia
El 11 de agosto estrenará Persona, héroe latino, la nueva obra escrita por Federico Pezet y Eliane Rymberg, con dirección de Pablo Cusenza, integrantes de la Compañía La Vigilia. La pieza, protagonizada por Toto Kirzner junto a un elenco de diez actores, ofrecerá funciones los martes de agosto y septiembre en la sala Caras y Caretas (Sarmiento 2037).
¿Qué significa convertirse en quien uno desea ser? ¿Cuánto hay que dejar atrás para alcanzar una vocación? ¿Es posible escribir la propia historia antes de aprender a escribir? Estas preguntas atraviesan Persona, héroe latino, una fábula contemporánea sobre la búsqueda de una identidad, el impulso creativo y la necesidad de encontrar una voz propia.
El protagonista es un joven que toma una decisión tan simple como desmesurada: convertirse en escritor. No tiene obra, experiencia ni certezas. Solo un deseo que lo obliga a abandonar la inercia de su vida cotidiana para emprender un viaje en busca de un maestro desaparecido, un prestigioso profesor de Letras que, tras una polémica clase, abandona
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el país sin dejar rastros.
La búsqueda pronto deja de ser geográfica para convertirse en un recorrido interior. Como un Ulises rioplatense, el protagonista atraviesa una serie de pruebas, encuentros y desvíos donde la realidad se mezcla con la imaginación y lo cotidiano adquiere una dimensión mítica.
Con humor, música en vivo y una marcada potencia visual, la obra construye un universo
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escénico donde conviven la música rioplatense, la literatura y una estética de resonancias épicas. El vestuario, la escenografía y el diseño de arte son de Endi Ruiz, mientras que la música original, interpretada en vivo, está a cargo de Agustín Cañas y Agustín Frumento Calloni.
Más que la historia de un aspirante a escritor, Persona, héroe latino propone una reflexión sobre la distancia que existe entre la persona que somos y aquella que imaginamos llegar a ser. Una celebración del deseo como fuerza transformadora y de la ficción como herramienta para inventar nuevas formas de habitar el mundo.
La dramaturgia de la Compañía
La Vigilia lleva la firma de Federico Pezet y Eliane Rymberg, quienes escriben bajo el heterónimo Charly Di Natale, una figura imaginaria que funciona como el origen simbólico de su universo creativo. “Di Natale es la presencia que litúrgicamente se nos aparece al escribir. Di Natale es impúdico, irónico y creyente. Es, básicamente, todo lo que a nosotros, impostores, nos falta aprender”, señala Federico Pezet.
FUNCIONES:
Estreno martes 11 de agosto 20.30h.
Todos los martes a las 20.30h.
Caras y Caretas
Sarmiento 2037 CABA. Localidades $30.000 (jubilados $14.000. Promoción 2 x $40.000) disponibles en https://www.passline.com
FICHA TÉCNICA
Dramaturgia:
Eliane Rymberg
Federico Pezet
Actúan: Francisco Bereny
Micaela Brillo
Rochi Caldés
Agustin Frumento
Delfina Granero
Tomás Kirzner, Gustavo Lista
Facundo Livio Mejías
Federico Pezet
Eliane Rymberg
Abril Suliansky.
Diseño de maquillaje:
Gugu Luque
Diseño de vestuario, escenografía y arte:
Endi Ruiz
Música original:
Agustín Cañas
Agustín Frumento Calloni
Músicos en escena:
Agustín Cañas
Agustín Frumento Calloni
Diseño de iluminación:
Adrián Grimozzi
Fotografía:
Manuela Díaz Lima
Diseño gráfico:
Juan Fuji
Comunicación y prensa:
Cecilia Gamboa
Asistencia de dirección:
Guillermina Margo
Coordinación de producción: Loli Crivocapich
Producción:
Compañía La Vigilia
MRG Producciones
Nuan
Diseño de movimiento: Malena Martin
Dirección: Pablo Cusenza.
COMPAÑÍA LA VIGILIA
Agrupación de teatro independiente integrada por los autores e intérpretes Federico Pezet y Eliane Rymberg junto al director Pablo Cusenza. Dedicada a la creación de espectáculos propios, la compañía nació en 2022 con el deseo de generar un espacio de encuentro y experimentación artística, desarrollando un trabajo colectivo que pone el foco en la investigación escénica, la actuación y la construcción de un lenguaje propio. Sus producciones buscan establecer un diálogo cercano con el público a partir de una mirada contemporánea sobre el hecho teatral.
Las obras estrenadas fueron: Suárez y Bastián (2024, Teatro Del Pueblo. Premio FNA Dramaturgia), Pegaso (2022/2023, Centro Cultural San Martín, Timbre 4, CC Recoleta ) y la inminente Persona. Héroe latino (2026) en la sala Caras y Caretas.
PRENSA
Cecilia Gamboa
Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar
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VUELVE A LA SALA: EL EXCÉNTRICO MATRIA
Adaptación por María Victoria Menis y Jimena Chaves
Dirección: María Victoria Menis
Luego de una exitosa primera temporada y a 44 años de Malvinas, una mirada íntima sobre las voces silenciadas de las madres.
Basada en cuatro historias reales y en el documental homónimo de Jimena Chaves, llega a la escena teatral MATRIA, una pieza adaptada por María Victoria Menis y la propia Chaves. La obra se aleja de la narrativa épica o heroica convencional para desplazar
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el foco hacia el sentir profundo y personal de las mujeres que quedaron en el margen del relato oficial. Actúan Stella Galazzi, Noemí Frenkel, Isabel Quinteros y María Espinosa.
MATRIA explora la experiencia de cuatro mujeres de distintos puntos del país: Gonaria (Rosario), Tere (Corrientes), Ninoi (Entre Ríos) y Emilia (Chaco). Sus vidas están marcadas por un hecho común: sus hijos fueron enviados a la guerra de Malvinas en aquel otoño de 1982. Sin conocerse entre sí, estas madres se unen a través de la espera, el desgarro y la fuerza silenciosa con la que construyeron refugios cotidianos para resistir la incertidumbre. En un escenario donde los objetos sugieren patios y la luz vuelve todo brumoso, los relatos emergen para rescatar la memoria desde lo afectivo y lo corporal. Es un homenaje a quienes supieron resistir desde el silencio y que hoy, finalmente,
comienzan a ser nombradas.
FICHA TÉCNICA
Actúan:
Stella Galazzi
Noemí Frenkel
Isabel Quinteros
María Espinosa
Diseño de escenografía:
Julieta Wagner
Diseño de vestuario:
Ingrid Barbarich
Diseño de iluminación:
Horacio Chino Novelle
Música y sonido
Gustavo Pomeranec
Adrián Rodríguez
Diseño de Afiche:
Romina del Prete
Diseño Gráfico:
Laura Chichi Rosemberg
Realización de Telón:
Dalia Hendler
Ana María Caputo
Asistente de iluminación:
Ana Heilpern
Meritorios de Asistente de escena:
Federico Iturralde
Siro Razuk
Redes:
Cecilia Menis
Prensa:
Paula Simkin
Producción ejecutiva
Trías Gestión Cultural
Asistente de dirección:
Alejandra Berardi
Adaptación por
María Victoria Menis
Jimena Chaves
Dirección:
María Victoria Menis
FUNCIONES:
Domingos a las 17h
Sala: El excéntrico, Lerma 420 Entradas por Alternativa teatral
MATRIA EN LA PRENSA
“Una obra conmovedora.”
— La Nación (Leni González) “Un relato sobre el dolor, la memoria y la maternidad.”
— Página/12 (Laura Haimovichi) “Un sentido ejercicio de la memoria.”
— Substack (Ezequiel Obregón) “Documento vivo que pone el cuerpo donde la historia suele callar después.”
— Todo Teatro (Leil Cuttini)
SOBRE LA DIRECTORA:
María Victoria Menis es una destacada directora y guionista argentina, egresada de la ENERC. Formada bajo la maestría de referentes como Mauricio Kartun en dramaturgia y Jaime Kogan, Juan Carlos Gené y Augusto Fernández en dirección teatral, su carrera se ha caracterizado
por una sensibilidad única para abordar historias profundamente humanas. En el ámbito cinematográfico, sus películas como “El Cielito”, “La Cámara Oscura” y “María y la araña” han recorrido festivales internacionales de prestigio (Cannes, San Sebastián, Toronto) cosechando galardones en todo el mundo. En teatro, su obra “Lágrimas en el Sahara” fue distinguida con el Premio Nacional de Dramaturgia y estrenada en el Teatro Nacional Cervantes. Como guionista de televisión, su trabajo en “Cosecharás tu siembra” y “Más allá del horizonte” fue reconocido con el Premio Martín Fierro. Actualmente, vuelca toda su experiencia y compromiso con la memoria colectiva en la dirección de MATRIA, aportando una perspectiva íntima y femenina a un capítulo crucial de nuestra historia.
PRENSA: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com
Llega al Teatro La Carpintería en Agosto "La tragedia de Celso Primero"
Una sátira política sobre el poder, la democracia y el derrumbe de los grandes relatos .
“La tragedia de Celso Primero” llega a Teatro La Carpintería (Jean Jaurès 858, CABA) con una ficción retrofuturista que imagina una Argentina gobernada por un rey elegido por el voto popular. Escrita por Agustín Contino y dirigida por Tomás Exequiel Nuñez, la obra construye una aguda sátira sobre la crisis de la democracia, el poder y el derrumbe de los
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discursos que sostienen una nación. El estreno será el domingo 2 de agosto a las 12:00 horas, con funciones todos los domingos. Las entradas están disponibles a través de Alternativa Teatral.
¿Qué sucedería si la Argentina decidiera abandonar la democracia para coronar a un rey? Esa pregunta es el punto de partida de La tragedia de Celso Primero, una propuesta que combina humor, tragedia y reflexión política para construir una poderosa alegoría sobre
el presente. En un país que decide poner fin a su sistema republicano, una multitud se manifiesta frente a la Casa de Gobierno mientras Celso I, el primer rey argentino, intenta sostener un poder cuya legitimidad comienza a resquebrajarse.
Atrapado entre la nostalgia de los héroes fundadores y un presente que ya no logra interpretar, el monarca enfrenta un pueblo que exige respuestas imposibles. Sin proyecto, sin heredero y sin comprender
el conflicto que tiene delante, Celso intenta sostener una corona que parece quedarle demasiado grande. La obra retrata un país al borde de un cambio de época y reflexiona sobre el agotamiento de las formas políticas, el derrumbe de los relatos que organizan lo colectivo y la dificultad de imaginar un futuro común.
Con una puesta que combina actuaciones vibrantes, música en vivo y una fuerte impronta visual, La tragedia de Celso Primero propone una experiencia teatral que dialoga con la actualidad sin perder de vista el humor, la ironía y la potencia simbólica de la tragedia. El elenco está integrado por Facundo Bartolo, Agustín Contino, Leandro Urueña, Roma Castelli, Daniela Cabezas y Carla Muñoz, con música en vivo de Tomás Alejandro Rollán y música original de Manuel Lugea. La propuesta se completa con escenografía e iluminación de Carolina Portnoy, vestuario de Antonella Suárez, diseño de maquillaje de Daniela Cabezas, producción de Martina Ponce Couré, producción general de Compañía Teatral Sin Apagón y asistencia de dirección de Lula Rodrigo, conformando un equipo que potencia la mirada política y poética de la obra.
FICHA TÉCNICA
Dramaturgia:
Agustín Contino
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Dirección:
Tomás Exequiel Nuñez
Intérpretes:
Facundo Bartolo
Agustín Contino
Leandro Urueña
Roma Castelli
Daniela Cabezas
Carla Muñoz
Música en vivo:
Tomás Alejandro Rollán
Música original: Manuel Lugea
Escenografía e iluminación: Carolina Portnoy
Vestuario: Antonella Suárez
Diseño de maquillaje: Daniela Cabezas
Diseño gráfico: Melo
Comunicación:
Leandro Urueña
Daniela Cabezas
Producción:
Martina Ponce Couré
Producción general: Compañía Teatral Sin Apagón
Asistencia de dirección: Lula Rodrigo Prensa: Kevin Melgar Prensa
FUNCIONES:
ESTRENO DOMINGO 2 DE AGOSTO 12:00 HORAS
Todos los domingos a las 12 h. TEATRO LA CARPINTERIA
Jean Jaurès 858, CABA
KEVIN MELGAR Prensa contacto@kevinmelgarprensa. com.ar
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El tiempo todo entero
La obra Romina Paula, regresa a Buenos Aires.
A catorce años de su estreno, la dramaturga, actriz y directora Romina Paula reestrena El tiempo todo entero en Buenos Aires, con el elenco original, el próximo 18 de agosto en la Sala Picasso del Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660, CABA).
La obra de culto de la escena independiente, aplaudida en el mundo, protagonista de los principales festivales internacionales, regresa con Esteban Bigliardi, Pilar Gamboa, Esteban Lamothe y Susana Pampín, cuyas interpretaciones la convirtieron en suceso de la escena teatral local.
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La pieza revisita el universo de El zoo de cristal, el clásico de Tennessee Williams, desde una perspectiva contemporánea. En esta singular reescritura, Romina Paula recupera a sus personajes y los proyecta al presente a través de la memoria de Antonia (hija y hermana). El mundo ha cambiado: la madre es ahora una mujer independiente y progresista; la hija parece dueña de sus decisiones, de su palabra y de sus movimientos. Sin embargo, esa libertad es apenas aparente.
Lejos de los grandes arquetipos trágicos de Williams, los personajes habitan un tiempo en
el que las antiguas restricciones parecen haber desaparecido, pero continúan atrapados en vínculos, recuerdos y mandatos que los retienen, incapaces de escapar de aquello que, al mismo tiempo, los une y los inmoviliza.
“Estrenamos esta obra en el 2010, fue nuestra segunda pieza como compañía y la primera con Susana. Fue una obra muy generosa, que nos llevó de viaje a distintos países. Y si bien habíamos vuelto a hacerla en festivales, nunca volvimos a hacerla en Buenos Aires. Catorce años después, regresamos con el elenco
original. Este es el auténtico tiempo todo entero”, señala Romina Paula.
Con una potente dramaturgia que dialoga con los grandes clásicos sin perder una voz propia, El tiempo todo entero invita a revisitar los vínculos familiares, la memoria y las formas en que el deseo, la libertad y la imposibilidad conviven en una misma escena.
El tiempo todo entero de Romina
Paula | Agosto 18, 20h en la Sala Picasso del Paseo La Plaza (av. Corrientes 1660, CABA).
Localidades $40.000 disponibles en Plateanet. A partir del 18/8 todos los martes a las 20h hasta el 13 de octubre inclusive.
FICHA TÉCNICA
Actúan:
Esteban Bigliardi
Pilar Gamboa
Esteban Lamothe
Susana Pampín.
Diseño de iluminación:
Matías Sendón
Diseño del espacio:
Alicia Leloutre
Matías Sendón
Asistencia de dirección: Lucia Villanueva
Prensa y comunicación:
Cecilia Gamboa
Foto:
Sebastián Arpesella
Redes:
Lisandro Outeda
Producción:
María La Greca
Dramaturgia y dirección:
Romina Paula
FUNCIONES:
18 de agosto en las 20 h.
Sala Picasso del Paseo La Plaza
Av. Corrientes 1660, CABA.
Localidades $40.000 disponibles en Plateanet.
A partir del 18/8 todos los martes a las 20h hasta el 13 de octubre inclusive.
Romina Paula (Buenos Aires, 1979) escritora, directora y actriz. Es una de las creadoras más destacadas de la escena teatral argentina contemporánea. Como autora y directora estrenó las obras Si te sigo, muero (2005), Algo de ruido hace (2007), El tiempo todo entero (2010), Fauna (2013), Cimarrón (2018), Sombras, por supuesto (2022) y la reciente Un sueño raro (2026), entre otras.
Sus espectáculos se presentaron en los principales
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festivales y teatros de América y Europa, consolidando una trayectoria de proyección internacional.
En narrativa publicó las novelas ¿Vos me querés a mí? (2005), Agosto (2009), traducida a varios idiomas, Acá todavía (2016), Hija biográfica (2025), el libro de relatos Archivos de word (2021), un libro de crónicas Otra cosa es permanecer (2024 y un volumen que reúne sus obras de teatro que reimprime Editorial Entropía este año. También se desempeña como coordinadora de talleres de teatro y narrativa, desarrollando una intensa actividad de formación e investigación escénica.
En 2019 estrenó De nuevo otra vez, su primera película como autora y directora con la que participó en muchos festivales y objetivo el premio en la sección de Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián de ese año.
Su trabajo se distingue por una escritura de gran precisión, donde la intimidad, la memoria, el tiempo y los vínculos familiares se convierten en el eje de una poética singular que dialoga con la literatura, el cine y las artes escénicas contemporáneas.
Pilar Gamboa (Buenos Aires, 1980) es actriz y dramaturga. Es una de las intérpretes más destacadas de su generación y una figura u MiráBA 115
central del teatro independiente argentino. Integrante del colectivo teatral Piel de Lava, ha desarrollado una reconocida trayectoria en teatro, cine, televisión y plataformas audiovisuales.
En teatro trabajó junto a directores y directoras como Romina Paula, Mariano Pensotti, Rafael Spregelburd y el propio colectivo Piel de Lava, con obras que se presentaron en los principales escenarios y festivales nacionales e internacionales. Entre sus trabajos más destacados se encuentran Algo de ruido hace, El tiempo todo entero, Fauna, Petróleo, Parlamento y Sombras, por supuesto. En cine participó en películas como El incendio, La flor, Recreo y 30 noches con mi ex, entre otras. En televisión y plataformas integró los elencos de División Palermo, Envidiosa y Viudas negras: Ptas y chorras*, entre otras producciones. Por su labor artística recibió numerosos reconocimientos, entre ellos el Diploma al Mérito Konex 2021 como una de las cinco mejores actrices de teatro de la década. Su trabajo se distingue por la versatilidad interpretativa, el compromiso
con la creación colectiva y una sostenida búsqueda dentro de la escena contemporánea argentina.
Esteban Lamothe (Florentino Ameghino, provincia de Buenos Aires, 1977) es actor. Es una de las figuras más reconocidas del cine, el teatro y la televisión argentina contemporánea.
Se formó con los maestros Cristian Drut y Alejandro Catalán y comenzó su carrera en el teatro independiente, ámbito en el que desarrolló una intensa actividad antes de consolidarse en el audiovisual.
En teatro trabajó con destacados directores como Romina Paula, Mariano Pensotti, Rafael Spregelburd y Claudio Tolcachir. Entre sus obras más relevantes se encuentran Algo de ruido hace, El tiempo todo entero, Fauna, Las cautivas y Sombras, por supuesto, entre otras. En cine alcanzó reconocimiento por su trabajo en El estudiante, de Santiago Mitre, y desde entonces participó en películas como El cerrajero, Abzurdah, Kryptonita, Paulina, El 5 de Talleres, Las noches son de los monstruos, El cuaderno de Tomy y No me rompan. En televisión protagonizó ficciones como
Guapas, Educando a Nina, Las Estrellas, La 1-5/18 y participó en series como Farsantes, El marginal, Campanas en la noche, Envidiosa y Viudas negras: Ptas y chorras*.
A lo largo de su trayectoria recibió numerosas nominaciones y premios, entre ellos el Martín Fierro como Mejor Actor
Protagonista de Ficción Diaria por su trabajo en Las Estrellas. Su carrera se caracteriza por la versatilidad para transitar con igual solvencia el teatro independiente, el cine de autor y las producciones audiovisuales de gran alcance.
Esteban Bigliardi (Hurlingham, provincia de Buenos Aires, 1973) es actor de teatro, cine y televisión. Es uno de los intérpretes más reconocidos del cine de autor argentino contemporáneo y ha desarrollado una sólida trayectoria tanto en la escena independiente como en el ámbito audiovisual.
En teatro trabajó con directores y directoras como Romina Paula, Mariano Pensotti, Rafael Spregelburd y Daniel Veronese. Entre sus trabajos más destacados se encuentran Algo de ruido hace, El tiempo todo entero, Fauna, Arde brillante en los bosques de la
noche y Sombras, por supuesto, obras que también tuvieron presentaciones en importantes festivales internacionales. En cine participó en una amplia variedad de producciones, entre ellas Un mundo misterioso, Jauja, Muere, monstruo, muere, Familia sumergida, La práctica, Los delincuentes y La sociedad de la nieve, consolidándose como una figura habitual del cine argentino contemporáneo. En televisión integró los elencos de series como Cromo, Manual de supervivencia, María Marta, el crimen del country y División Palermo.
Su trabajo se distingue por la versatilidad interpretativa y por una sostenida presencia en proyectos que exploran nuevas formas de creación escénica y cinematográfica, convirtiéndolo en uno de los actores más prestigiosos de su generación.
Susana Pampín
(San Antonio de Padua, Buenos Aires, 1964) es actriz, directora de teatro, escritora y docente. Es una de las figuras más prestigiosas del teatro argentino contemporáneo, con una extensa trayectoria en las artes escénicas, el cine y la televisión. Se formó en la Escuela Nacional de Arte
Dramático y con maestros como Vivi Tellas y Augusto Fernandes. Actualmente es docente de la Universidad Nacional de las Artes (UNA).
Desarrolló gran parte de su carrera en el teatro independiente, trabajando con directores y directoras como Vivi Tellas, Romina Paula, Mariano Pensotti, Ciro Zorzoli, Mariana Obersztern y Analía Couceyro, entre otros. Entre sus trabajos más destacados se encuentran
El tiempo todo entero, Fauna, Tarascones, Actriz, Arde brillante en los bosques de la noche y Sombras, por supuesto, presentadas en importantes festivales y escenarios de Argentina y el exterior.
En cine participó en películas como Silvia Prieto, Dos disparos, La luz incidente, La novia del desierto, Rojo, La muerte no existe y el amor tampoco, Argentina, 1985, El jockey y El agrónomo. En televisión y plataformas integró el elenco de series como Envidiosa, además de otras producciones audiovisuales.
A lo largo de su trayectoria recibió numerosos reconocimientos, entre ellos dos Premios Cóndor de Plata, cuatro Premios Teatro del Mundo y un Premio Teatro XXI. En 2021 publicó el libro Arroyo, reafirmando una producción artística que también se extiende a la escritura. Su trabajo se distingue por la profundidad interpretativa, la experimentación escénica y una constante exploración de los vínculos
entre actuación, dramaturgia y literatura.
EN MEDIOS INTERNACIONALES
El tiempo todo entero, jeu subtil, émotion pure. LE FIGARO
A 32 ans, elle (Romina Paula) est la plus belle promesse de la jeune génération scénique de Buenos Aires. LE MOND
Mine de rien, ce spectacle de parfaite mélancolie, sur lequel plane en sourdine l’ombre magnétique de Frida Kahlo, modèle de la femme infiniment libre pour Antonia, ouvre peut-être une porte inconnue. L´HUMANITÉ
El Festival de Otoño de París ha traído este año una función argentina titulada El tiempo todo entero. Es una delicia, una joya. EL PAIS
Crispation. Dans un entretien a propos du spectacle, Paula precise que la reference a Herman Melville n est certes pas fortuite, associant su personnage d Antonia celui de Bartleby, et de son fameux «je preferer ais ne pas». Cette finesse dramaturgique est reforcee par des acteurs d exception. LIBÉRATION
Una obra inspirada en la famosa novela de Mark Haddon.
El Teatro Maipo de Buenos Aires en el marco del festejo y aniversario de los 20 años de la creación de la productora de espectáculos The Stage Company en la Argentina se enorgullece en anunciar que debido al gran suceso de elogios de crítica y público y de trabajar en todas las funciones con localidades totalmente agotadas con la nueva versión de la premiada y elogiada obra teatral
“El curioso incidente del perro a medianoche” del dramaturgo inglés Simon Stephens inspirada en la exitosa novela de Mark Haddon, bajo la producción y dirección de Carla Calabrese, y con un gran elenco integrado
por diecisiete actores, en este mes de julio se decidió agregar nuevas funciones.
y tecnológica de la más alta calidad y con un elenco integrado por diecisiete actores:
La productora y directora teatral Carla Calabrese creadora de la prestigiosa empresa teatral de espectáculos The Stage Company presenta una nueva versión de “El curioso incidente del perro a medianoche” en una innovadora puesta artística
Iñaki Aldao, Mela Lenoir, Andrés Bagg, Pablo Sultani, Carla Calabrese, Silvana Tome, Bruno Pedicone, Gabriela Bevacqua, Gabriel Machado, Graciela Pafundi, Pat González Ericcson, Theo Piñeyro, Carlos Simón, Nicolás Sousa, Lali Vidal, Tomas Albertoni y Matías Albizzati.
Desde su estreno en Londres, la obra batió récords de público y crítica obteniendo 7 Premios Olivier y 5 Premios Tony en su paso por Broadway, entre muchos otros reconocimientos internacionales.
“El curioso incidente del perro a medianoche” se puede ver en una nueva versión, totalmente
renovada en el Teatro Maipo de Buenos Aires luego del suceso y el éxito arrasador que obtuvo en el año 2019 donde logró elogiosas críticas y 7 nominaciones a los premios ACE.
La obra teatral “El curioso, incidente del perro a medianoche” se dio a conocer en la Argentina en el mes de abril del 2019 en el Teatro Maipo en una producción de The Stage Company con la dirección y puesta en escena de Carla Calabrese y el lanzamiento del joven actor Iñaki Aldao como protagonista. La obra desde la noche del estreno se convirtió en un suceso de público y crítica, siendo el gran espectáculo de la temporada 2019. La elogiada producción de Carla Calabrese iba a volver en la temporada 2020 pero la pandemia que se desató ese año en el mundo hizo que la obra no se volviera a representar.
Desde el pasado jueves 18 de Junio la exitosa y destacada obra teatral regresó al Teatro Maipo en una nueva y novedosa versión producida y dirigida por Carla Calabrese y en una deslumbrante e innovadora puesta en escena que como ocurrió en la temporada del 2019 hoy es el gran acontecimiento teatral del año 2026 Con localidades agotadas en todas las funciones.
Esta multipremiada comedia dramática, a través de su relato
transformador, conmovedor e inquietante, logra atrapar desde el primer instante al espectador y lo inspira a ver la vida desde otra perspectiva.
LA HISTORIA DE “EL CURIOSO INCIDENTE DEL PERRO A MEDIANOCHE”
La obra teatral del dramaturgo inglés Simon Stephens inspirada en la exitosa novela de Mark Haddon, qué aún hoy sigue siendo un best seller, cuenta la historia de Christopher, un adolescente con una sensibilidad y una visión muy especial del mundo.
El joven es capaz de explicar la teoría de la relatividad y recitar los números primos hasta el 7507 pero le cuesta relacionarse con las personas. Le molestan las metáforas, el contacto físico y el color amarillo, pero ama las listas, las estrellas, los animales, la soledad y los libros de Sherlock Holmes.
Después de enterarse de la misteriosa muerte del perro de su vecina inicia una investigación para encontrar al culpable, la cual lo llevará a descubrir mucho más acerca de sí mismo, de su entorno y de su familia.
La literalidad en el pensamiento de Christopher, su valentía y su actitud generan una nueva forma de mirar la realidad y construyen una conexión profunda entre los personajes. La obra avanza
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con un ritmo preciso y nos invita a reflexionar sobre cuánto nos hemos adaptado a una sociedad atravesada por el estrés, el apuro y la sobrecarga sensorial.
Un relato conmovedor que nos acerca a nuestros propios conflictos —y a los ajenos— desde otra perspectiva: la de alguien a quien el mundo le resulta hostil; alguien que se destaca en matemáticas y astronomía; que ama las estrellas, las computadoras, los animales, la rutina y el silencio.
Una joya teatral de nuestros tiempos: luminosa, conmovedora y tan realista como poética. Cómica y dramática a la vez, nos inspira a profundizar, a evolucionar y a no juzgar a la ligera.
ELENCO
Iñaki Aldao: Christopher
Mela Lenoir: Judy
Andres Bagg: Ed
Carla Calabrese: Siobhan
Pablo Sultani: Miguel / Rodri / Tío Terry
Silvana Tome: Sra Gascoyne/ Sra Shears / y otros
Bruno Pedicone: Roger
Gabriela Bevacqua: Vecina, Máquina expendedora, Cover de personajes principales femeninos
Graciela Pafundi: Sra Alexander
Gabriel Machado: Sargento de Policía / Sr Wise / y otros
Carlos Simón : Padre Peters / Policía londinense y otros / Cover de Ed. u MiráBA 119
Pat Gonzalez Ericsson: Policía, cover y otros
Theo Piñeyro: Sr. Thompson
Nicolás Sousa: Agente de información y otros / Cover
Christopher
Lali Vidal: Vecina y otros / swing
Tomas Albertoni: Vendedor estación de tren / swing y otros
Matías Albizzati: Cover de Roger
CREATIVOS
Dirección:
Carla Calabrese
Dirección de producción:
Sergio Albertoni
Música original:
Javier Giménez Zapiola
Mariano Lopardo
Dirección coreográfica:
Agustin Pérez Costa
Dirección de Arte y Escenografía:
Tadeo Jones
Diseño de iluminación:
Gonzalo González
Diseño de sonido:
Eugenio Mellano Lanfranco
Asistencia de dirección:
Lali Vidal
FICHA TÉCNICA
Adaptación al castellano:
Carla Calabrese
Producción ejecutiva:
Nachi Bredeston
Naty Martins
Stage Manager:
Javier Maceroni
Dirección técnica:
Gonzalo González
Dirección y diseño de video:
Giselle Hauscarriaga
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Equipo de realización de video:
Giselle Hauscarriaga
Damian Patrignani
Vestuario:
Marcela Domínguez
Efectos especiales:
Germán Pérez TSO
Asistencia de producción:
Guillermo Parra
Tomás Albertoni
Soledad Mazzini
Diseño gráfico:
Clara Ezcurra
Fotografía:
Gabriel Machado
Prensa: Alejandro Veroutis
FUNCIONES
Teatro Maipo
Esmeralda 443 CABA
Viernes 31 julio y sábado 1 agosto a las 20 horas
Domingo 2 agosto a las 18 horas
Precio de la entrada desde
40.000 pesos
Entradas a la venta por Plateanet o en la boletería del Teatro
Maipo
PRENSA Y COMUNICACIÓN
Alejandro Veroutis aleveroutis@gmail.com
Carla Calabrese, Mela Lenoir, Iñaki Aldao y Andrés Bagg.
Desde el lunes 10 de agosto en Teatro Border La suerte ajena de Brian Ross
Dirigida por Flor Berthold
Un plan para conseguir dinero que pone a sus protagonistas en medio de un juego peligroso
En una ciudad donde sobrevivir ya es un acto de rebeldía, “La suerte ajena” sigue a Gregorio, un jubilado solitario aferrado a su rutina, y a Pucho y Mercedes, una joven pareja embarazada al borde del desalojo. Atrapados entre el amor, la desesperación y las deudas, idean un insólito plan telefónico para “tocar el corazón” —y el bolsillo— de adultos mayores. Lo que comienza como una mentira piadosa pronto se convierte en un juego peligroso con consecuencias inesperadas.
Con diálogos filosos y humor ácido, la obra desarma prejuicios, expone las grietas sociales y emocionales, y nos interpela: ¿qué harías vos con la soga al cuello y una vida por nacer?
Entre el absurdo y la ternura, esta comedia dramática nos enfrenta a las decisiones que uno toma cuando ya no hay margen para el error.
ACTÚAN:
Juli Coria
Santiago Ceresetto
Braian Ross
Graciana Urbani
Dramaturgia: Braian Ross
Dirección: Flor Berthold
Asistente de dirección: Mavy Yunes
Producción ejecutiva: Guido Inaui Vega
Vestuario: Ana Ines Gallard
Videomapping: Lucía Argañaraz
Escenografía: Manu Calcagnini
Diseño gráfico: Manu Calcagnini
Música original: Facundo Salas
Redes: Boria audiovisual
Prensa:
Duche & Zárate
Producción general: Bondi Teatro
FUNCIONES: Lunes 20.30h.
Border Teatro
Godoy Cruz 1838, CABA
Localidades: $ 30.000.Venta en boletería del Border Teatro y por Alternativa
PRENSA
Duche&Zárate
Comunicación + Media
Walter Duche – Alejandro Zarate prensa@duchezarate.com.ar @duchezarate
FÚTBOL, PODER, FAMA. CONSECUENCIAS DRIBBLING
EL PARTIDO MÁS IMPORTANTE NO SE JUEGA EN LA CANCHA
El próximo 26 de agosto de 2026 se estrena en la Sala Pablo Neruda del Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660, CABA) la obra DRIBBLING. Carlos Portaluppi y Franco Masini protagonizan la obra escrita y dirigida por
Ignasi Vidal con funciones los miércoles a las 20.15 h.-
Una estrella del fútbol. Una denuncia que lo cambia todo. Una batalla donde la verdad vale millones.
Cuando una acusación por violación sacude la carrera de Javi Almeida, uno de los futbolistas más importantes de Europa, comienza un juego mucho más peligroso que
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cualquiera disputado dentro de un estadio.
Escrita y dirigida por Ignasi Vidal esta impactante obra se adentra en los mecanismos del poder, la fama y la manipulación mediática para plantear una pregunta inquietante: ¿qué sucede cuando la opinión pública dicta sentencia antes que la justicia?
Un thriller intenso, actual y provocador sobre el costo del éxito en un mundo donde todos juegan para ganar.
Las entradas estarán a la venta a partir del viernes 26 de junio por www.plateanet.com o en la boletería del teatro.
FICHA TÉCNICA
Autor y director:
Ignasi Vidal
Elenco: Carlos Portaluppi
Franco Masini
Diseño de escenografía y vestuario: Alessio Meloni
Adaptación, coordinación de realización y montaje de escenografía: Lula Rojo
Diseño de iluminación:
Stefany Briones Leyton
Música: Marc Álvarez
Prensa:
SMW Press
Comunicación:
Carolina Dasso
Diseño Gráfico: Lucila Gejtman
Fotografía:
Nacho Lunadei
Asistente de dirección:
Noemí Ruiz
Producción Ejecutiva: Sofía Prina
Producción General: GO Broadway Productions (Valentina Berger y Nicolas Hemsy)
FUNCIONES:
ESTRENO 26 DE AGOSTO 2026
Miércoles a las 20.15 h.-
Sala Pablo Neruda
Paseo La Plaza
Av. Corrientes 1660, CABA
PRENSA Raúl Casalotti
FB: smwpress
TW / IN : @smwpress
raulcasalotti@smwpress.com
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¡Vuelve en 4 únicas funciones!
Después del después
Mónica Felippa dirige a Laura Otermin en esta obra escrita por Paula Simkin. Una pieza íntima y actual sobre vínculos, mandatos y elecciones.
* Ganadora de los Premios al Teatro Independiente por Unipersonal Femenino: Laura
Otermin y Vestuario: Jorgelina Herrero Pons
* * y nominada
Mejor Actriz: Laura Otermin y Iluminación: Luis Rivera López, por los mismos galardones.
Después de haber pasado algunas peripecias amorosas la pareja más importante que tuvo una mujer... la contacta con la intención de volver. Este es el disparador para que Mariana recorra sus últimos años y decida sobre los próximos.
Dice la directora:
Mónica Felippa ““Después del después”, empieza después de finalizados los caminos estereotípicos señalados tradicionalmente para una mujer. La escena se ubica en un ámbito de juego que finalmente develará su verdadera pertenencia, pero que será útil para la recreación de ese sendero que terminará después. Después del después.
En ese descubrimiento, es fundamental el humor para poder transitarlo con amabilidad y belleza. Así que las bases interpretativas abordadas están ubicadas en el humor y en la reflexión emocional.
Pocos elementos, pero
significativos y síntesis expresiva fueron las consignas que guiaron el trabajo con la actriz. Trabajo físico que refleja transiciones vitales y vivencias que pretenden instalarse como muestra de una sociedad en pleno cambio y aún sin la culminación de esos nuevos parámetros. Por lo que, finalmente, llegamos a la búsqueda de la identidad última de una mujer. ¿Es la pareja? ¿Son los hijos? ¿Es aquella mañana en que nos despedimos? ¿O es este presente en el que nos encontramos? Dirigir “Después del después” fue un proceso compartido (como todo proceso teatral) que llega a su estreno como un espejo que pretende reflejar un mundo en el que el género femenino encuentra sus propias formas expresivas.”
Dice la autora:
Paula Simkin
“Ser parte de una obra de teatro siempre es, para mí, una experiencia hermosa. En general la transito desde el lugar de agente de prensa. Dar este paso es una aventura que hace mucho tiempo quería hacer.
Esta es la primera de mis obras que llega a escena y es una enorme alegría que se estrene con este hermoso grupo.
La pieza se desarrolló a partir de una consigna que Gabriela Izcovich me dió en una de sus
clases de escritura: imaginar qué pasó con la pareja que se despide luego de un desayuno bellamente escrito por Prèvert. Todo lo que ocurre en el escenario se da fuera de ese momento, sólo fue una pregunta que me arrastró como una suave brisa, primero, y después como un vendaval a escribir cada palabra que Laura y Mónica tomaron, movieron y acomodaron en escena para dar vida a este mundo. Agradezco profundamente esto, también a Jorgelina Herrero Pons que con su arte y magia sitúa a este adorable personaje que salió de las teclas de mi computadora, al gran Luis Rivera López que participa desde el principio y a Candelaria Martinez que se sumó al equipo con tanta alegría.
Hace un par de años hicimos una presentación muy diferente de esta pieza, mucho más corta y con otra puesta. Fue una experiencia hermosísima en la que me acompañaron Anahi Martella y Olga Marcela Farias. La hicimos en un ciclo de dos obras breves junto a Araceli Arreche en Escénico 420.”
FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:
Actriz:
Laura Otermin
Voz en off:
Luis Rivera López
Coach coreográfica:
Brenda Fabregat
Diseño de luces: Luis Rivera López
Escenografía y vestuario:
Jorgelina Herrero Pons
Fotografía:
Lucía Rivera Lopez
Diseño gráfico:
Patricio Azor
Prensa: Paula Simkin
Autora: Paula Simkin
Asistente de dirección:
Julieta Rivera López
Dirección: Mónica Felippa
Agradecimientos: a Gabriela Izcovich, Cecilia Propato, Alfredo Martin, Pablo Mariuzzi, Guillermo Parodi, Verónica Bastón, Luis Rivera López, Martín Ortiz, Anahi Martella, Olga Marcela Farias, Adriana Schottlender y Teatro por la Identidad.
FUNCIONES:
Sólo 4 funciones: viernes 7, 14, 21 y 28 de agosto a las 20h
El Crisol: Malabia 611
Entradas: por Alternativa Teatral
DIJERON DE LA OBRA:
“Impagable Laura Otermin.”
Victor Hugo Morales
“Multicolor y profunda. No te pierdas esta perla de los viernes villacrespenses. Después del después, la obra de Paula Simkin , dirigida por Monica Felippa y protagonizada con gran solvencia por Lau Otermin, con la omnipresente voz de Luis Rivera Lopez.” Alejandro u
Weber “Una comedia, (esperamos primera de muchas más) con una excelente actuación y dirección que a través de la risa, la ironía, la ternura y la emoción, va introduciendo en nuestra mirada la forma desenvuelta que tiene Mariana de ver su vida, de sopesar los pros y los contras de estos cinco años sin Esteban, su decisión final, y la esperanza de que siempre se puede volver a comenzar, cuando el norte es la afirmación de nuestra subjetividad.” María de los Ángeles Sanz
“ ...Un gran trabajo del equipo
creativo que hacen de esta obra algo verdaderamente bello y conmovedor. Muy buena.”
Patricia Carro
“Con excelente actuación por parte de Laura Otermin, descubriremos que la actriz pasa por distintos estadíos que nos llenan de emoción y a la vez nos comprometen de un modo singular para poder ver qué es lo que tiene para contarnos. Paula Simkin, la autora de su primer obra, disparará en un juego de incansable creatividad para llevarnos a compenetrarnos en esta propuesta que tanto querrá indicarnos sobre todo lo lúdico
que lleva el amor. La dirección de Mónica Felippa, logra cautivarnos para así responder con una estética que se podría decir que encandila gracias al vestuario y la coreografía” María Riccheri
“Hay cosas en la vida que alegran, una es ver esta obra que recomiendo fervientemente!” Mariano Conterarte.
“Deliciosa comedia ... Muy divertida. Llena de humor y verdad... Un equipo talentoso. Una brisa de aire fresco para deleitarse” Adriana Scottlender
“Una obra deliciosa, poética, íntima e intimista. La desconexión, el desencuentro y la búsqueda de la propia verdad como tema principal, tan actual y tan universal. La actuación de Laura Otermin es muy natural y atrapante, la vas siguiendo en sus historias y te mantiene hechizado todo el tiempo...No se la pierdan!” Mariana Litvin
“Hermosa y sensible obra que nos incluye a todos” Juan Cantafio
“Una obra digna de ver y disfrutar.” Hugo Martinez
“Amable y bella, DESPUÉS DEL DESPUÉS es de esas piezas que te entibian el corazón y te dejan de buen humor por largo tiempo. Imperdible.” El espectador compulsivo
PRENSA Paula Simkin
"
Barvarie (con v corta)" de Matias Alarcón
Una sátira grotesca sobre la lucha entre generaciones en una sociedad dominada por algoritmos, métricas y viralidad.
“Barvarie (con v corta)” llega a Fandango Teatro (Luis Viale 108, CABA) con una sátira grotesca que pone en escena el choque entre generaciones en una sociedad atravesada por las redes sociales, los algoritmos y la lógica de la viralidad. Escrita por Matías Alarcón y dirigida por María Salgado y el propio autor, la obra propone una mirada ácida sobre el derrumbe de una idea de civilización y las nuevas formas de construir la verdad. El estreno será el sábado 8 de agosto a las 18:00 horas, con funciones todos los sábados durante agosto y septiembre.
GRAN ESTRENO
sábado 8 de agosto 18:00 horas
Sábados durante agosto y septiembre
FANDANGO TEATRO
Luis Viale 108, CABA
Una familia de clase media intenta, como puede, no hundirse en la miseria. En un living acosado por las deudas y un persistente olor a cloaca se libra una feroz lucha generacional: de un lado, los libros, los argumentos y el pensamiento crítico; del otro, las redes, los algoritmos y las verdades construidas a partir de la popularidad. En ese escenario doméstico, la batalla entre civilización y barbarie adquiere nuevas formas mientras
la dignidad parece convertirse en un lujo difícil de sostener.
“Barvarie” nace como una respuesta visceral y satírica a la degradación de los vínculos culturales en una sociedad dominada por las métricas y la viralidad. A través del grotesco, la obra enfrenta una concepción del mundo sostenida en la educación, el pensamiento crítico y la existencia de hechos verificables con una nueva lógica donde aquello que acumula más visualizaciones, seguidores o aprobación parece convertirse automáticamente en verdad.
El elenco está integrado por Alejandra Sierra, Agustín Belloli, Martín Armendáriz y Matías Alarcón, bajo la dirección de María Salgado y Matías Alarcón. Con producción general del propio Alarcón y asistencia de producción de Juan Inacio, la
propuesta construye una sátira familiar y social donde el humor funciona como herramienta para observar las contradicciones de un presente en permanente transformación.
FICHA TÉCNICA
Dramaturgia:
Matías Alarcón
Dirección: María Salgado
Matías Alarcón
Elenco: Alejandra Sierra
Agustín Belloli
Martín Armendáriz
Matías Alarcón
Producción general: Matías Alarcón
Asistente de producción: Juan Inacio
Prensa: Kevin Melgar
PRENSA KEVIN MELGAR contacto@kevinmelgarprensa. com.ar
¡UNICAS CUATRO FUNCIONES! 01, 15, 22 y 29/08
CUESTIONES CON MI PADRE
Con: Tony Lestingi, Pablo Mariuzzi, Natacha Delgado
Texto y Dirección: Andrés Bazzalo
* GANADOR PREMIOS TRINIDAD GUEVARA 2025. Mejor actuación protagónica masculina. Tony Lestingi.
* GANADOR PREMIOS ESTRELLA DE MAR 2026. Mejor autor nacional: Andrés Bazzalo.
* NOMINACIÓN PREMIOS ACE 2024/2025. Mejor obra de teatro alternativo.
* NOMINACIÓN PREMIOS AL TEATRO INDEPENDIENTE 2024/2025.
Mejor Actor: Tony Lestingi. Mejor actor de reparto: Pablo Mariuzzi. Mención especial: Tony Lestingi.
* NOMINACIÓN PREMIOS
LUISA VEHIL 2024/2025. Mejor dramaturgia: Andrés Bazzalo.
SINOPSIS:
“Cuestiones con mi padre” es una comedia dramática que narra la historia de Pablo, quien
regresa a Buenos Aires después de muchos años, y de un reencuentro familiar forzado por las circunstancias.
Con humor, ternura y una buena dosis de conflicto, la obra propone una mirada compasiva sobre los vínculos familiares y los legados que nos habitan: tanto lo que duelen como los que iluminan.
“CUESTIONES CON MI PADRE” de Andrés Bazzalo SÁBADOS 01, 15, 22 y 29/08 A LAS 21:00 HORAS Andamio 90 Paraná 660. CABA
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Entrada general: $22.000
A la venta en Alternativa Teatral o en boleterías del teatro
Duración: 75 minutos
FICHA TÉCNICA
Tony Lestingi: Mauricio
Pablo Mariuzzi: Pablo
Natacha Delgado: Marina
Escenografía y vestuario:
Alejandro Mateo
Iluminación:
Andrés Bazzalo
Diseño Gráfico y Fotografía:
Pato Vegessi
Voces niños:
Mora Lestingi
Prensa:
Natalia Bocca
Asistencia de dirección:
Gabriel Urbani
Producción ejecutiva y artística:
Alejandra García
Texto y dirección:
Andrés Bazzalo
SOBRE LOS ACTORES
Tony Lestingi
Actor, clown y director teatral.
Al concluir su formación actoral, comenzó montando un espectáculo de clown contemporéneo llamado Banda de la risa. Luego, surgió la primera obra teatral que lo hizo
más conocido: Viaje Zapucai. Empezó a actuar en la televisión en la telenovela El amor tiene cara de mujer de 1995 y después en el mismo año actuó en la novela La nave de los locos como Miguel. Entre 1995 y 1996 hizo de Guillermo Cisneros en la exitosa telenovela infantil Chiquititas, de Cris Morena y repitió el papel en Cebollitas. También se lo eligió para actuar en la película Eva Perón de 1996 como Achával, lo que le brindó mucho prestigio. Posteriormente, participó en la película Tiempo de valientes en 2005 y fue luego convocado para la telenovela Romeo y Julieta en Canal 9.
En 2007, fue reconvocado por la productora Cris Morena para la serie Casi Angeles, en la que hizo una participación de aproximadamente treinta capítulos. En el año 2009 integró el elenco Champs 12. A fines de 2010 fue convocado para Sueña conmigo, una telenovela adolescente producida por Nickelodeon,Telefe y Televisa, para Argentina y México; interpretando al padre de la joven Clara (Eiza González).
Asimismo, Tony Lestingi tiene una extensa carrera teatral como actor, director y productor. Entre ellas se incluyen Despertar de Primavera, Tango Feroz, El herrero y el diablo, 6 Personajes en busca de un autor, La comedia de las equivocaciones, Opera de 3 centavos, Martin Fierro adaptación de Claudio Gallardou y dirigida por Lestingi,
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para colegios, con el cual recorrió el país llevando la obra de teatro a lugares a los cuales no llega, dentro del Ciclo de obras itinerantes del Teatro Nacional Cervantes; y “Terrenal, pequeño misterio ácrata” de Mauricio Kartun, desde el 2019 en el personaje del bohemio Abel.
Pablo Mariuzzi Actor
Egresado como actor de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático de Buenos Aires y de la Escuela Municipal de Bellas Artes “Carlos Morel”, de Quilmes, como Profesor en Artes Plásticas.
Trabajos en los que participó como actor: “La gran ilusión”, “Salvajada”, “Pajarita”, “Stefano”, “Mármol”, “A propósito de la duda”, “Hacia el Crepúsculo”, “Un Sr. alto, rubio; de bigotes”, “Dulce pájaro de juventud”, “La tempestad”, “La oscuridad de la razón”, “Ricardo III”, “Los amantes del cuarto azul”, “Islas de la Memoria, “Hamlet, la metamorfósis”, “Mucho Ruido y pocas nueces”, “El Principe de Homburg”, “El Día que Nietzche lloró”, entre otras.
Premios y Nominaciones: Premio ACE de Oro 2024 por u MiráBA 129
“Salvajada”, de M. Kartún / Premio ACE en la categoría
Actor Protagónico en Drama por “Salvajada”, de M. Kartún.
Destacado como Actor en los Premios Teatro del Mundo, Centro Cultural Rojas, UBA, actividad 2023/2024.
Nominado como Actor Protagónico en Drama para los Premios Maria Guerrero por “Salvajada” y en la categoría
Actor Protagónico a los Premios” Luisa Vehil”, por “La gran Ilusión”, de E. De Felippo.
Premio Estrella de Mar en la categoría Actor Protagónico en Drama por “Pajarita”, de G. Parodi. / Premio ACE como
Actor de Teatro Alternativo por “Pajarita”, de G. Parodi. / Distinción Personalidad
Destacada 2024 otorgada por la Escuela de Espectadores de Buenos Aires por “Salvajada” y “Pajarita”
Nominado a los Premios ACE en la categoría Actor de Teatro Alternativo por “Mármol”, de M. Carr. / Nominado a los Premios Maria Guerrero en el rubro Actor de Reparto por “Stéfano”, de A. Discépolo/ Nominado al premio Florencio Sánchez como Actor de Reparto por “La Tempestad”, de W. Shakespeare.
Natacha Delgado Docente, investigadora,
gestora en cultura y educación, directora teatral y actriz.
Es Licenciada y profesora en enseñanza media y superior en Artes Combinadas, FFyLL, UBA. Co-coordina el Área de Artes del Espectáculo y Educación, IAE, UBA, organizando eventos con pedagogos teatrales de Argentina y el mundo. Coordina y expone en Jornadas y congresos académicos. Ha publicado en revistas especializadas y capítulos de libros.
Se formó en artes escénicas con Alejandra Boero, Augusto Fernandes, Agustín Alezzo, Joy Morris, Guillermo Heras, Marcelo Savignone, Gerardo Hotchman.
Es profesora titular de materias de pedagogía teatral, historia y teorías del teatro, políticas educativas y tutora de la Residencia en el Profesorado de Andamio 90. Y de Historia del Teatro en Otro Mundo.
Es miembro del Jurado Premio Teatro del mundo. C.C. Rojas. UBA.
Fue Jurada nacional de Calificación de proyectos del Instituto Nacional de Teatro (2022-2024), Jurada Fiesta Provincial de Salta INT, Desmontajista Fiesta nacional del Teatro INT (La Rioja-2023); en el Festival Audiovisual de Bariloche (2022); en el Festival
Joven Museo Ana Frank (2022).
Dirigió: Los recortado de Luis Longhi en Teatro Nun, Picadero, Belisario, y en gira. Glamour de Camping y Cuchara de madera en Microteatro BA (Florencia Aroldi), Toque de queda y El patio de atrás en Andamio 90(Carlos Gorostiza), Dibujo sobre un vidrio empañado en Espacio IFT (Pedro Sedlinsky), Cambio y fuera en No Aveatruz y CCK (Roberto Maiocco), El Calefòn, ciclo Celosía en Espacio IFT (Florencia Aroldi).
Directora adjunta de Guillermo Heras para La paz de perpetua de Juan Mayorga; asistente de dirección para Claudio Hochman de Las alegres mujeres de Shakespeare.
Como actriz hizo teatro, cine, TV. Con Bernardo Cappa (La Res, Celo de gato, El cuerpo de Ofelia, Miguel Forza de Paul (La felicidad es un arma caliente, Santiago Doria (El libro de Ruth de Mario Diamenth), Roberto Monzo versión de Lisístrata de Aristofánes), Alejandra Boero y Julio Baccaro (ciclo Los vienen: Nekasov, 1789, Angeles en América, Perestroika), Eduardo Riva y Rita Armani (versión de Rodoslfo Roca de Lisístrata de Aristofánes, Beda Docampo Feijoo (Buenos Aires me mata), Fernando Pino Solanas (La nube), Roberto Maiocco (Solo gente), Lorena Muñoz (corto Está mareada), Rodrigo Malmsten (corto Laura).
SOBRE EL DIRECTOR
Andrés Bazzalo
Es autor, director y profesor teatral.
A lo largo de su carrera ha sido reconocido con los premios Trinidad Guevara; ACE, María Guerrero, Teatro del Mundo; Teatro XXI (GETEA - UBA); Certamen Metropolitano de Espectáculos para Niños y nominaciones a los premios
Estrella de Mar; Florencio Sánchez; Luisa Vehil, María Guerrero, Carlos, etc. Fue profesor Titular de Dirección de la Puesta en Escena II y Dirección de Actores II de la Carrera de Puesta en Escena y de Puesta en Escena del Profesorado en Teatro de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD), y Titular de Dirección Teatral II en la Licenciatura en Dirección Escénica de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Ha dictado cursos de actuación, de dirección teatral, de pedagogía teatral o seminarios en distintas instituciones de la
ciudad (C.C. Rojas; E.N.A.D., E.M.A.D., Andamio, La Barraca, I.F.T., etc.) y en distintas provincias del país y en el exterior. Ha sido profesor de Práctica de la Enseñanza a Actores en la Carrera de Pedagogía Teatral de la Escuela Nacional de Arte Dramático desde 1993 al 2002, además de haberse desempeñado como Vice Director de la EMAD desde 1997 a diciembre del 2006.
PRENSA: Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com
¡Estreno 2026! | TEATRO DEL PUEBLO EXPEDIENTE A.R. de Melisa Freund
Estreno domingo 2 de agosto a las 17h.
La obra indaga en el tratamiento mediático y judicial del femicidio de una adolescente. Desde una estructura fragmentada y onírica, una joven irrumpe para desafiar su condición de “caso” y confronta al público con los
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mecanismos que transforman el dolor en espectáculo.
A través del cruce entre testimonios, discursos televisivos, interrogatorios y escenas íntimas, la obra
cuestiona la fabricación de culpables, víctimas y mentiras verosímiles.
Asumiendo la verdad judicial del caso, la propuesta se enfoca en desmontar el show que se
montó a su alrededor, ofreciendo un espacio crítico de memoria, escucha y reparación simbólica.
¡ESTRENO 2026!
DESDE EL 2 DE AGOSTO
Domingos a las 17 horas
Teatro del Pueblo
Lavalle 3636 CABA
Entrada general $24.000
Estudiantes y jubilados $20.000
En venta por Alternativa Teatral
FICHA TÉCNICA
Dramaturgia y dirección:
Melisa Freund
Intérpretes:
Caro Wolf
Federica Presa
Alfredo Sánchez
Mauro Pelandino
Luca Ongarato
Colaboración artística, producción musical y diseño
sonoro:
Sebastián De Marco
Diseño escenográfico y de vestuario:
Pablo Graziano
Diseño de iluminación y mapping:
Demian Ledesma Becerra
Fotografía:
Nacho Lunadei
Prensa:
Mutuverria PR
Redes:
Agustina Silvestrini
Asistencia de dirección:
Facundo Panichelli
Producción ejecutiva:
Carla Fontao
Duración: 50 minutos
Este proyecto cuenta con el apoyo de Mecenazgo y Banco
Comafi
Este espectáculo está dedicado a la memoria de las víctimas de femicidio y de la espectacularización del dolor, y a sus sobrevivientes.
SOBRE MELISA FREUND
Melisa Freund es dramaturga, directora, actriz y docente. Sus obras han recibido el apoyo de instituciones como el Fondo Nacional de las Artes y Mecenazgo Cultural. Participó en la residencia del Watermill Center (Nueva York, 2015) junto a Robert Wilson y en Jiwar Barcelona, donde escribió una trilogía sobre violencia de género. Su obra Casi que no está (2010) obtuvo una mención en el Premio Germán Rozenmacher y fue traducida al inglés. Es autora y directora de Papushkas, mi propio kadish (con cinco temporadas en Buenos Aires y funciones en Barcelona) y de Matilde (estrenada en 2022 en el Centro Cultural Ricardo Rojas). Ha participado en más de 30 espectáculos en Microteatro Buenos Aires y Madrid. Es autora de Dramaturgias. Tríada de obras (Eudeba, 2021) y
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del ensayo “Yo, directora” en Ensayo teatral (Eudeba, 2023). Ensaya la obra Expediente A.R. (a estrenarse en agosto de 2026 en el Teatro del Pueblo) mientras escribe su primera novela. En el ámbito académico, es Jefa de Trabajos Prácticos en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), donde además finaliza una Maestría en Dramaturgia, y cursa estudios de guion en el Laboratorio de Guión.
“El proyecto nace de la necesidad de desarmar el engranaje feroz que transforma los femicidios reales en productos de consumo masivo. Con un culpable ya juzgado y condenado a prisión perpetua, la urgencia de este texto no radica en el enigma del asesino, sino en desnudar la complicidad del entramado mediático, político y judicial que revictimiza y deshumaniza. A través del cruce entre el horror documental y el espacio onírico, busco devolverle a la víctima su voz, su identidad y sus preguntas cotidianas, rescatándola del trending topic y de la frialdad del expediente. Expediente A.R. es un acto de resistencia escénica: una apuesta a que el teatro sea el territorio donde se apague el televisor para encender la memoria colectiva y la justicia poética”.
Melisa Freund
PRENSA
Mutuverría PR info@mutuverria.com
Volvió
al
Teatro Beckett la obra dirigida por Carlos Kaspar PUNTERA DE ACERO
Protagonizada por Romina Pinto e Iván Steinhardt
Antes de su 10ª gira europea, la compañía argentina El Vacío Fértil hará 4 únicas funciones de “PUNTERA DE ACERO” -CHERRY DOCS- de David Gow.
Daniela Dunkelman es una abogada que trabaja como defensora de oficio en el sobrecargado sistema judicial del conurbano de la provincia de Buenos Aires. Su impronta de ver la vida con armonía y el espíritu liberal con el que elige vivir sus raíces judías se
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pondrán a prueba cuando le asignan la defensa de Miguel, un neonazi que acaba de cometer un crimen por odio racial que se torna tremendamente mediático. Ambos se ven forzados a tener que conocerse para armar una defensa y en ese proceso se verán interpelados al extremo en un camino de condena social que no parece tener retorno.
¡ÚNICAS FUNCIONES! SÁBADOS 1 y 8 A LAS 21 HORAS
Beckett Teatro
Guardia Vieja 3556
Entrada general: $25.000
A la venta en Alternativa Teatral
Duración: 75 minutos
FICHA TÉCNICA
Autoría: David Gow
Traducción y adaptación: Iván Steinhardt
Actúan:
Romina Pinto
Iván Steinhardt
LAPLATA CABA
Vestuario:
El Vacío Fértil Compañía
Teatral
Escenografía:
El Vacío Fértil Compañía
Teatral
Diseño de sonido:
Iván Steinhardt
Diseño de iluminación:
Carlos Kaspar
Marco Riccobene
Diseño gráfico:
Romina Pinto
Comunicación y prensa:
Mutuverría PR
Asesoramiento legal:
Dr. Juan Manuel Molina
Asistencia de dirección:
Marco Riccobene
Producción ejecutiva:
Sol Vannelli
Producción general:
El Vacío Fértil Compañía
Teatral
Dirección:
Carlos Kaspar
Agradecimientos: Rabino
Fabián Skomik, Roberto Moldavsky, Andrea Heller, Claudia Woslowski y Roberto Neugebauer
Entre octubre y diciembre de 2026, “Puntera de acero” se estrenará por primera vez en las ciudades de Roma, París y Madrid como parte de la gira de El Vacío Fértil.
PALABRAS DEL AUTOR
“Tener razón sobre el futuro no siempre es reconfortante.
Cuando empecé a escribir mi obra más conocida, “Cherry
Docs” hace casi 30 años, estaba muy preocupado porque occidente se estaba inclinando, o sintiendo cierta simpatía, hacia el fascismo y a políticos de ultraderecha lo que, además, incluía una creciente adopción de la intolerancia y de ataques a las minorías, motivados por odio. En cierto momento, el personaje de la obra, Mike, dice: “Lo que ustedes tienen en sus manos es una guerra”. Él habla de una guerra política, pero también una con puntos de inflexión de violencia física. Lo que muchos críticos sociales llaman Neoliberalismo, para una generación (o más) resultó en sentirse desplazada de su propia sociedad. Esto crea un enorme resentimiento y tal cual hemos visto en USA y otros países, una dinámica oscilatoria entre las filosofías liberales y algo muy tirado a la derecha del pensamiento conservador, cambiando por completo el panorama político.
David Gow
Hay un costado más espiritual o místico de la historia que de alguna manera lleva a profundidades más grandes, pero son las particularidades de la política lo que más cautiva a la gente. Mike vislumbra que en el futuro los soldados de la extrema derecha no serán skinheads, sino que usarán traje y zapatos de vestir, el uniforme de políticos y empresarios. Yo no ví con perfecta claridad en qué dimensión iba esto a cambiar al Occidente y al mundo pero, como dije... tener razón sobre el futuro no siempre es reconfortante”.
LA MIRADA DEL DIRECTOR
“’Aprender a odiar es tan fácil como aprender a jugar a la pelota’, dice uno de los personajes de esta obra. Vivimos rodeados de odio y ese odio es fogoneado no solo a través de los medios sino también desde el Poder, de arriba hacia abajo, de abajo hacia arriba, de derecha a izquierda y viceversa. El odio al diferente, al que profesa otra religión, al extranjero, a la diversidad, al que piensa distinto, al que viste diferente, al pobre, al rico, en fin… a todo aquello que, por una razón u otra es diferente a nosotros. Por odio se cometen los crímenes más atroces y se promueven guerras y holocaustos en nombre de ‘la Libertad’, palabra que hoy es utilizada como excusa más que como principio. La historia nos ha dado múltiples ejemplos de cómo el odio solo conduce a mas odio y a más muerte. Puntera de Acero nos habla de ese odio que anida oculto en todos nosotros y nos invita a pensar qué hacer con eso”.
Carlos Kaspar
PALABRAS DEL EQUIPO
Por qué elegimos hacer esta obra: hacer una obra en pleno siglo XXI que hable de discriminación y segregación racial, intolerancia, fanatismo u MiráBA 135
religioso y violencia debería ser una antigüedad. Pero, a pesar de todas las conquistas sociales alcanzadas por la humanidad a lo largo de la historia, y principalmente durante el siglo XX (la caída del nazismo y el fin del Holocausto, las conquistas sociales alcanzadas por la población negra en los EEUU, el fin del Apartheid en Sudáfrica, las conquistas del colectivo LGTB, el reconocimiento de los derechos de los pueblos originarios, entre otros tantos hitos similares) y que parecían inclinar la balanza hacia el camino del respeto, la paz y la tolerancia entre las personas, el mundo dista mucho de ser mejor. Por el contrario, a casi 25 años del comienzo del Siglo XXI, pareciera ser que todas esas conquistas no significaron nada y es como si la humanidad hubiera retrocedido a los comienzos del Siglo XX, con gobiernos muy radicalizados, movimientos de derecha mucho más enardecidos e intolerantes, con otro holocausto llevándose a cabo con total impunidad como respuesta “justificada” al fanatismo religioso y mesiánico. Un capitalismo salvaje y desenfrenado donde solo sobrevive el más fuerte y que nos está empujando de manera vertiginosa a las puertas de una tercera guerra mundial. En este contexto, la obra “Puntera de acero” del genial autor canadiense David Gow, se convierte en un material de estudio necesario para llevar a escena y llamar a la reflexión
acerca del camino que está tomando la humanidad en estos tiempos tan violentos.
“Puntera de acero” no solo habla de la intolerancia, la violencia y el racismo, también indaga en lo más profundo de ello para preguntarnos sobre los límites del miedo y desconfianza hacia aquellos que desconocemos. Cuáles son las barreras que se rompen cuando prepondera la intolerancia y el respeto por un otro. ¿Qué tan racistas somos? ¿Hasta dónde llega nuestra tolerancia hacia el diferente?
¿Se puede aprender a odiar? Y este es, para nosotros, el punto más interesante de esta historia. La obra confronta a ese militante neonazi acusado de asesinato con su abogada defensora de oficio de religión Judía.
Y en estos encuentros, en donde tendrán que pensar juntos una estrategia para utilizar en el juicio, se ponen de manifiesto todos sus miedos, prejuicios, sus rechazos y emociones. ¿Hasta dónde son capaces de llegar? ¿Por qué ella acepta defender a un neonazi? ¿Por qué el neonazi acepta ser defendido por una mujer judía? Por momentos parece que los personajes se encuentran frente a su propio espejo. Parecen estar frente al “otro lado”, ese otro lado que hasta ese momento creían no tener y que descubren en ese encuentro, en esa confrontación con el otro bajo la involuntaria premisa de tener que convivir, al menos por un rato de sus vidas.
PRENSA Mutuverría PR
PROGRAMACIÓN DE AGOSTO
Roberto Antier presenta Los Mareados Sábado, 1 de Agosto 13:00 - 15:30 h.
Un viaje musical y humorístico al centro de nuestras contradicciones
Con un recorrido que va desde los delirios de la autoayuda en TikTok hasta los secretos machistas del cancionero popular y la épica indescifrable de los actos escolares, el reconocido actor y músico estrena su primer y esperado unipersonal.
Mucho, poquito, nada Sábado, 1 de Agosto 17:00 - 19:30 h.
Mucho, poquito, nada es el encuentro entre tres músicos que habitan la canción desde distintos recorridos y encuentran un lenguaje común en el arreglo, la escucha y la interpretación.
El repertorio reúne obras de grandes referentes de la música popular latinoamericana —como
Violeta Parra, Jaime Dávalos y Eduardo Falú, Fernando Cabrera y Chico Buarque— junto a composiciones originales de los integrantes del trío. Cada canción es abordada desde arreglos originales, donde la tradición dialoga con nuevas sonoridades, poniendo en primer plano la fuerza de las melodías, las voces y la poesía.
El trío construye un universo sonoro íntimo y contemporáneo, en el que conviven el folclore argentino, la canción rioplatense y la música popular brasileña, con una especial atención al texto, el silencio y el color.
Integrado por Sol Heredia (voz), Guillermo Saroka (guitarra) y Tomás Waisbein (guitarra), Mucho, poquito, nada propone un concierto para escuchar de cerca: un repertorio de canciones que dialogan entre la memoria y el presente.
Anticipadas $15.000
Ingreso a la sala 17h Merienda show
Consumición mínima $15.000
Canciones con historia Sábado, 1 de Agosto 21:00 - 23:30 h.
Carlos D’onofrio, tenor argentino radicado en Rusia hace 20 años junto al pianista Tomás Ballicora y músicos invitados, realizarán un recorrido por las más célebres canciones del repertorio Lírico Popular: desde Tosti, De Curtis, canciones Tradicionales Rusas pasando por Agustín Lara y María Grever, Gardel y Ramírez
Cena Show
Ingreso a la sala 21h Consumición mínima $15.000
Entradas anticipadas $15.000
Canzoni Napoletane e italiane CARUSO
Domingo, 2 de Agosto 17:00 - 19:30 h.
El tenor Leonardo Pastore y el pianista Tomás Ballicora interpretan las más célebres canciones del repertorio italiano y napolitano con un especial homenaje al “Rey de los tenores”
Enrico Caruso en la fecha de su paso a la inmortalidad con arias y canciones de su famoso repertorio.
Obras de Gastaldon, Tosti, De Curtis, Cardillo, Di Capua. Puccini, Donizetti y Leoncavallo entre otros
Consumición mínima $15000
Entradas anticipadas $15.000
Ingreso a las 17, servimos las merienda y luego comienza el espectáculo.
SoulDeluxe Domingo, 2 de Agosto 20:30 - 23:00 h.
SoulDeluxe es una banda que
reversiona los más icónicos temas de los 70s, 80s y 90; con un estilo e impronta que te harán bailar y pasar un momento inolvidable.
Alexandra Bangert voz
Jesica Zapata voz
Martín Eiletz batería
Jorge Grasso bajo Lucas Monzón piano
Ezequiel Vallejo guitarra
Soul - Funk - Acid Jazz - DiscoBlues
Entradas anticipadas $15.000
Consumición mínima $15.0000
Abrimos las puertas a las 20:30
Lunes de Jazz Ángel Sucheras Trío Lunes 3 de Agosto 20:30 h.
Todos los lunes a las 20:30, el Ángel Sucheras Trío presenta una noche de jazz en formato íntimo. Un repertorio que recorre standards del género y composiciones propias, con espacio para la improvisación y el diálogo musical entre los integrantes.
Lunes de Jazz es una propuesta simple y directa: buena música y un plan ideal para arrancar la semana sin vueltas. Jazz en vivo, como tiene que ser.
Ángel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.
Anticipadas por web $12.000
En la sala, en efectivo $15.000
Show con Cena a la Carta Ingreso a la sala 20:30
Música Popular de Brasil
Martes 4 de Agosto 20:30 h. - 22,30h.
Cada martes el guitarrista,
bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más!
Un encuentro para escuchar, compartir y disfrutar de la riqueza rítmica y melódica de la MPB, con versiones cuidadas y una impronta bien actual.
Anticipadas por web $12.000
En la sala, en efectivo $15.000
Consumición mínima $15000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 20:30. A las 21 aproximadamente comienza el espectáculo.
Clásicos del Jazz por Agus Mindlin Jueves, 6 de Agosto 21:00 - 23:30 hs
Vuelven a presentarse Agus Mindlin, Mariano Nante y German Rudmisky en un concierto íntimo de piano, contrabajo y voz dedicado a los
grandes clásicos del jazz y las canciones de amor, con temas de Henry Mancini, Irving Berlin, Richard Rodgers y otros autores esenciales del género.
Consumición mínima $15000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21h
Pilar Perez Muñiz Quinteto Viernes, 7 de Agosto 21:00 - 23:30 hs
Durante la adolescencia de Pilar la presencia de Vinicius de Moraes, Toquinho, Maria Creuza y Chico Buarque era habitual en su casa. En sus giras por el país, los artistas convivían por
meses en ese hogar lleno de música y poesía.
Hoy, Pilar presenta un homenaje íntimo a aquellos grandes que marcaron su vida.
El proyecto cobra vida junto a un grupo integrado por Conce Soares percusión, Sergio Burian saxo, Rodolfo Palmieri bajo, Fernando Muzante guitarra de 7 cuerdas, arreglos y dirección musical.
Con un sonido íntimo entre lo acústico y lo contemporáneo, proponen una nueva escucha de clásicos que siguen vigentes en la memoria colectiva.
Ingreso a la sala a las 21h Consumición mínima $15.000 Entradas anticiapdas $18.0000
Kelebek Ensamble
Sábado, 8 de Agosto 17:00 - 19:30 hs
Un puente sonoro entre la tradición de Anatolia y la emoción contemporánea. “Kelebek” significa mariposa
en turco. Y como ella, este ensamble vuela entre dos mundos: el ancestral legado de la música de Turquía, el Cáucaso y los Balcanes, y la sensibilidad actual de músicos formados en Buenos Aires. Kelebek Ensamble es un proyecto dirigido por el guitarrista y arreglador Serkan Yılmaz, cuyo objetivo es reinterpretar el vasto repertorio de diferentes estilos de la música tradicional turca y de a países de la región desde una mirada íntima, acústica y profundamente respetuosa. Lejos de ser una simple reproducción folclórica, el grupo teje un diálogo delicado entre la calidez y la cadencia de los ritmos orientales.
En sus arreglos conviven el Taksim (improvisación modal) con estructuras contemporáneas, logrando un sonido que resulta a la vez ancestral y actual, misterioso y cercano.
Silvia Italiano voz principal, bendir
Juli de Santis percusión
Fabio Capdevila flauta traversa Hernán Leiva guitarra, voz Serkan Yılmaz guitarras, arreglos y dirección
Entrada anticipada $12.000. En puerta 15.000
Ingreso a las 17h
Consumición mínima $15.000
Hard Bop 7tet
Sábado, 8 de Agosto 21:00 - 23:00 h.
Interpretarán composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros más.
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45
aproximadamente comienza el espectáculo.
Un viaje por las tierras celtas Domingo, 9 de Agosto 17:00 - 19:30 h.
Willow Celta presenta un espectáculo único que nos transporta en el tiempo: desde las cantigas de Alfonso X y antiguas danzas medievales, pasando por las sonoridades de Irlanda, Escocia, Gales y Bretaña, hasta finalizar en las mágicas tierras de Galicia.
Violín, guitarra, arpa medieval, mandolina, zanfona y flauta dulce conversan entre melodías
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y relatos, invitándonos a un viaje sonoro inolvidable por tierras lejanas y tiempos antiguos.
Willow Celta nació en 2005 en Buenos Aires con un propósito claro: despertar y mantener vivas las raíces celtas en Argentina.
Daniel Lyndon Lescano guitarra, arreglos y composición
Ivana Ordaz violín, arpa medieval, relatos
Leonel Varak mandolina, voz
Entradas anticipadas $15.000
Consumición mínima $15.000
Ingreso a la sala 17h
La Chanson del Azar Domingo, 9 de Agosto
20:30 - 23:00 h.
La cantante francesa Nana nos invita a seguir los rastros del personaje de Cortázar a través de la música, acompañada por el guitarrista Fabio Bramuglia, al piano, o a voz desnuda.
Con la Biblioteca Café como punto de partida, la búsqueda nos lleva a las veredas de París, -y su tango-, a la canción francesa de los años 50 (Piaf, Ferré, Brassens), al surrealismo de Cocteau y de Breton, guiada por las palabras del autor, y de… su musa.
Nana, voz, piano
Fabio Bramuglia, guitarra
Consumición mínima $15.000
Entradas anticipadas limitadas a $15.000 - Luego a $20.000
Cena - Show
Ingreso 20:30h
Lunes de Jazz
Ángel Sucheras Trío
Lunes 10 de Agosto 20:30 h.
Todos los lunes a las 20:30, el Ángel Sucheras Trío presenta
una noche de jazz en formato íntimo. Un repertorio que recorre standards del género y composiciones propias, con espacio para la improvisación y el diálogo musical entre los integrantes.
Lunes de Jazz es una propuesta simple y directa: buena música y un plan ideal para arrancar la semana sin vueltas. Jazz en vivo, como tiene que ser.
Ángel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.
Anticipadas por web $12.000
En la sala, en efectivo $15.000
Show con Cena a la Carta Ingreso a la sala 20:30
Música Popular de Brasil
Seleccionar fecha y hora
Martes 11 de Agosto 20:30 h. - 22,30h.
Cada martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante
Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner,
presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más!
Un encuentro para escuchar, compartir y disfrutar de la riqueza rítmica y melódica de la MPB, con versiones cuidadas y una impronta bien actual.
Anticipadas por web $12.000 En la sala, en efectivo $15.000
Consumición mínima $15000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 20:30. A las 21 aproximadamente comienza el espectáculo.
LA VOZ DE FUEGO Miércoles, 12 de Agosto 20:30 - 23:00 h.
Un ciclo de lecturas de poesía curado por Cofradía.
Poetas invitados:
Ariadna Asturzzi
Julián de la Torre
Agustín Mazzini
Valentina Caputo
Consumición mínima $15.000 Ingreso a las 21h Entrada $5000
Carla Perrucci Cuarteto Celebra a Anita O’Day & Oscar Peterson
Jueves, 13 de Agosto 21:00 - 23:30 h.
El cuarteto liderado por la cantante Carla Perrucci busca reivindicar la presencia femenina en el universo del jazz. En esta ocasión, presentará un recorrido por Anita Sings the Most, el mítico álbum de Anita O’Day junto al Oscar Peterson Quartet,
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con un repertorio de grandes clásicos del American Songbook interpretados con el swing, la sofisticación y el ritmo vibrante que convirtieron a este disco en un clásico del jazz vocal.
Completan el cuarteto Paz Villahoz en piano, Maia Korosec en contrabajo y Miranda López Prieto en batería.
Consumición mínima $15.000
Ingreso a las 21h Cena Show
Américo Bellotto y amigos Viernes, 14 de Agosto 21:00 - 23:30 h.
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Facu Canosa piano
Leo Páez contrabajo
Camilo Zentner batería
Amércico Bellotto trompeta
Entradas anticiapdas $20.000
Consumición mínima $15.000
Ingreso a la sala 21h
Entre la música y la poesía Sábado, 15 de Agosto
17:00 - 19:30 h.
Alejandra Torres Rovira presenta una tarde de canciones, poemas y relatos entrelazados por la música.
Junto a Pablo Fraguela en piano, Germán Gómez en
percusión y Osvaldo Burucuá en guitarra, producción, arreglos y dirección musical.
Entrada anticipada $18.000
Consumición mínima $15.000
Ingreso a la sala a las 17h
La orilla infinita
Poemas de Juan L. Ortiz, Canciones
Sábado, 15 de Agosto 21:00 - 23:30 h.
Sebastián Macchi
La orilla infinita
Poemas de Juan L. Ortiz, Canciones
Participación especial:
Maria Fiorentino
Silvia Iriondo
Consumición mínima $15.000
Ingeso a la sala 21h
Ambar presenta In Situ Domingo, 16 de Agosto 20:30 - 23:00 h.
Ambar Cuarteto de Jazz presenta su disco “In Situ”.
Una propuesta artística que combina la elegancia del jazz contemporáneo con la libertad de la improvisación y la profundidad emocional de la música popular, construyendo una identidad sonora intensa, moderna y cinematográfica.
Influenciados por referentes como Fred Hersch, Paul Desmond, Herbie Hancock y la sensibilidad compositiva de Luis Alberto Spinetta, Ambar desarrolla un lenguaje propio donde conviven la sofisticación armónica, el groove y la exploración sonora.
¡Las y los esperamos para compartir!
Emanuel Mora saxo tenor
Juan Pueblas piano
Lucas Delfino bajo
Julián Varcasia batería
Entradas anticipadas $12.000 - En la sala $15.000 (sólo efectivo)
Ingreso 20:30h
Consumición mínima $15.000
Lunes de Jazz Ángel Sucheras Trío Lunes 17 de Agosto 20:30 h. - 22,30h.
Todos los lunes a las 20:30, el Ángel Sucheras Trío presenta una noche de jazz en formato íntimo. Un repertorio que recorre standards del género y composiciones propias, con espacio para la improvisación y el diálogo musical entre los integrantes.
Lunes de Jazz es una propuesta simple y directa: buena música y un plan ideal para arrancar la semana sin vueltas. Jazz en vivo, como tiene que ser.
Ángel Sucheras piano, Gerardo
de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.
Anticipadas por web $12.000
En la sala, en efectivo $15.000
Show con Cena a la Carta Ingreso a la sala 20:30
Música Popular de Brasil Martes 18 de Agosto 20:30 h. y 22,30h.
Cada martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más!
Un encuentro para escuchar, compartir y disfrutar de la riqueza rítmica y melódica de la MPB, con versiones cuidadas y una impronta bien actual.
Anticipadas por web $12.000
En la sala, en efectivo $15.000
Consumición mínima $15000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 20:30. A las 21
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aproximadamente comienza el espectáculo.
Quinteto Nueva Acústica Miércoles, 19 de Agosto 20:00 - 22:30 h.
El Quinteto Nueva Acústica interpreta temas contemporáneos y tradicionales en un estilo inspirado en la música folklórica norteamericana, con influencias del jazz, el pop y la música clásica.
Con sus voces e instrumentos acústicos de cuerda, crean un sonido cuidado, elegante y conmovedor. En La Biblioteca
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celebrarán el lanzamiento de su álbum El afortunado.
Norman Clarke mandolina y dirección
Federico Bozzo guitarra
Francisco González violín
Franco Martino guitarra
Mariana Suárez del Cerro voz y contrabajo
Entradas anticipadas $20.000
Consumición mínima $15.000
Ingreso a las 20h
Nadia Larcher y Andrés Pilar Jueves, 20 de Agosto 21:00 - 23:30 h.
Nadia Larcher (voz, guitarra)
y Andrés Pilar (piano, voz) presentan un recorrido por algunas canciones de Nadia grabadas en Trinar - La Flor (y el próximo a editarse Trinar - Los Frutos), producidos artísticamente por Andrés, así como canciones de Andrés sobre poemas de su padre
Horacio Pilar, compiladas en el álbum “Amor y conocimiento”.
A estas canciones se suman algunas piezas instrumentales y lecturas, dando forma a un concierto íntimo en formato dúo entre estos dos amigos que ya han compartido música en diversos proyectos y escenarios de nuestro país.
Entradas anticipadas $25.000
Ingreso a las 21h Cena show
Consumición mínima $15.000
Esteban Fioroni Cuarteto presenta Canción Porteña Viernes, 21 de Agosto 21:00 - 23:30 h.
Un concierto en 2 movimientos PRIMER MOVIMIENTO.
Canción Porteña
Un recorrido por la canción argentina con invitados especiales.
Participan desde Roma:
Mario Montore piano
Noah Spalvieri violín
Alessandro Sacchetti cello
Desde Buenos Aires: Javier Nuñez violín
Chantal Polonuer voz
Participaciones especiales
Arreglos originales de Esteban Fioroni.
SEGUNDO MOVIMIENTO
Esteban Fioroni Cuarteto
Rocío Quinteros piano
Javier Mendigoechea bandoneón
Bruno Bollini contrabajo
Esteban Fioroni viola
Música original, tango contemporáneo y nuevas canciones porteñas.
Cantante invitado: Cucuza Castiello
Entrada anticipada $20.000
Consumición mínima $15.000
Ingreso a la sala 21h
Canciones de siempre
Sábado, 22 de Agosto
17:00 - 19:30 h.
Grupo de repertorio de Marcela Grois y Esteban Morgado
Hay canciones que guardan el eco de lo que fuimos y el pulso de lo que somos. Los invitamos a un viaje por los paisajes de
nuestra música popular. Un encuentro íntimo entre libros, música y memoria.
Cantan
Marcela Barbaro
Patricia Burstein
Laura Fainstein
Pepe Mourelle
Mechi Romero Moreno
Muky Sigal
Consumición mínima $15000
Merienda y Show
Ingreso a las 17, servimos la merienda y comienza el espectáculo.
Homenaje a las cantantes de culto
Sábado, 22 de Agosto
21:00 - 23:30 h.
Ludmila y sus músicos celebran a tres cantantes de culto: Anita O´Day, Carmen McRae & Shirley Horn.
Un repertorio que recorre standards que fueron interpretados por estas magnificas e innovadoras cantantes, verdaderas “Instrumentistas de la voz”. El espectáculo irá fluyendo desde tonos intimistas y sugestivos hacia los fraseos más audaces y el swing intenso.
Ludmila Fernández voz
Alejandro Kalinoski piano Walter Filipelli contrabajo
Entradas anticipadas $18.000
Consumición mínima $15.000
Ingreso a la sala 21h
Saliendo de las cenizas Domingo, 23 de Agosto 17:00 - 19:30 h.
Carla Pantanali presenta canciones de su primer disco, canciones nuevas y covers que
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no pueden faltar en un show dedicado a las vueltas de página que trae la vida y la necesidad de renacer y reinventarse.
Entradas anticipadas limitadas a $15.000
$18.000
Consumisión mínima $15.000
Ingreso a la sala a las 17h
Seiscentos
Cuando la palabra canta. Domingo, 23 de Agosto 20:30 - 23:00 h.
Concierto de música barroca italiana
Mattea Musso, mezzosoprano
MiráBA 148
Laura Fainstein, tiorba
Ingreso a la sala 20:30
Consumición mínima $15.000 Cena Show
Lunes de Jazz
Ángel Sucheras Trío Lunes 24 de Agosto 20:30 h. - 22,30h.
Todos los lunes a las 20:30, el Ángel Sucheras Trío presenta una noche de jazz en formato íntimo.
Un repertorio que recorre standards del género y composiciones propias, con espacio para la improvisación y el diálogo musical entre los integrantes.
Lunes de Jazz es una propuesta simple y directa: buena música y un plan ideal para arrancar la semana sin vueltas. Jazz en vivo, como tiene que ser.
Ángel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.
Anticipadas por web $12.000
En la sala, en efectivo $15.000 Show con Cena a la Carta Ingreso a la sala 20:30
Inauguración muestra de pintura de Julián Orlando Martes, 25 de Agosto
18:00 - 20:00 h.
Música en vivo al sobre. JAZZ con José Gómez, Amadeo Gallardo y Yoni Mijelshon ¡Los esperamos!
Artista Julián Orlando
Música Popular de Brasil Martes 25 de Agosto 20:30 h. - 22,30h.
Cada martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más!
Un encuentro para escuchar, compartir y disfrutar de la riqueza rítmica y melódica de la MPB, con versiones cuidadas y una impronta bien actual.
Anticipadas por web $12.000
En la sala, en efectivo $15.000
Consumición mínima $15000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 20:30. A las 21
aproximadamente comienza el espectáculo.
TIERRA ADENTRO
Música + relato
Miércoles, 26 de Agosto 21:00 - 23:00 h,
Emilia Zavaleta & Juan Javier Bustos
Un viaje musical por los caminos de Latinoamérica
Una experiencia artística para volver a nuestras raíces Tierra Adentro es un recorrido musical y narrativo por los paisajes, las historias y las voces que construyen la identidad latinoamericana. El espectáculo propone un viaje sensible por los caminos de nuestra región, donde conviven el folklore, el candombe, la bossa nova, el tango, el jazz y la canción latinoamericana. Cada obra dialoga con un relato breve que recupera historias, memorias y pequeñas escenas de nuestra cultura. Se trata de contar cómo la música fue construyendo una identidad compartida. La voz de las
mujeres atraviesa el espectáculo como un hilo invisible: compositoras, intérpretes y poetas que abrieron caminos y transformaron nuestra manera de sentir América Latina.
El espectáculo está inspirado en los cuatro elementos: Agua El orígen, la creación, los ríos, los puertos, los viajes, las nostalgias. Tierra Las montañas, los pueblos, las raíces, el trabajo y la memoria. Aire La poesía, el cambio, el vuelo, los sueños, la naturaleza. Fuego La transformación, la pasión, el amor, la resistencia y la celebración. Finalmente, todas esas músicas se encuentran en una última estación: la alquimia.
Porque Latinoamérica nunca fue una sola voz. Fue el encuentro de muchas.
Consumición mínima $15.000 Cena Show Ingreso 21h ¡Siempre se vuelve a Buenos Aires! Jueves, 27 de Agosto 21:00 - 23:30 h.
Concierto de Piano y Voz
Mariana Quinteros, nominada al Grammy 2022 y Premios Gardel 2025 y Anibal Berraute.
Un viaje sonoro al corazón del tango y la música porteña en un lugar único.
Entradas anticipadas limitadas a $18.000, luego $20.000.
Consumición mínima $15.000
Ingreso a la sala 21h
Puentes entre Fado y Tango Viernes, 28 de Agosto 21:00 - 23:30 h.
Con quince años de sostenida presencia en la escena local, Mariana Accinelli Trío presenta su característico repertorio de fados y tangos, siempre en renovación. Géneros hermanados por su origen portuario y popular, donde confluyen el amor, el desencuentro, la nostalgia, la atmósfera ciudadana…
En un formato intimista, el trío invita a un recorrido sensible por la poesía y la intensidad de
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estas músicas ciudadanas.
Mariana Accinelli voz
Diego Capa guitarra de siete cuerdas y arreglos
Leandro Cacioni guitarra
Marisol Andorrá flauta traversa (Invitada)
Entradas anticipadas $20.000
Ingreso 21h
Consumición mínima $15.000
Pasaporte musical
Sábado, 29 de Agosto 17:00 - 19:30 h.
Lou. M presenta un espectáculo autobiográfico donde cada ciudad no es sólo un lugar, sino un sonido, un idioma y una emoción.
„Nací en París en la época de la guerra de Yugoslavia, pero mi historia no empezó en un solo idioma. Crecí entre paisajes distintos, acentos distintos, músicas distintas. Cada ciudad me dejó una canción.
“No soy de un solo lugar. Soy del camino. Soy de cada canción
que me hizo quien soy.”
Verónica Santangelo, piano. Invitadas Martina Canción, guitarra y Valentina Massot, voz.
Consumición mínima $15000
Ingreso a las 17 A las 17:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
Voces en mi canto Sábado, 29 de Agosto 21:00 - 23:30 h.
¡Los esperamos para compartir una nueva presentación poblada de música y palabras en La Biblioteca Café!
Cena show
Consumición mínima $15.000
Abrimos las puertas a las 21h
Una tarde lírica Domingo, 30 de Agosto 17:00 - 19:30 h.
El tenor Aníbal Britez junto a Alejandro Cattaneo interpretan un repertorio que incluye desde las más bellas melodías italianas
a las ya consagradas y famosas Arias de Ópera de todos los tiempos.
Ingreso a la sala a las 17h Merienda show
Consumición mínima $15000
Lunes de Jazz Ángel Sucheras Trío Lunes 31 de Agosto 20:30 h. - 22,30h.
Todos los lunes a las 20:30, el Ángel Sucheras Trío presenta una noche de jazz en formato íntimo. Un repertorio que recorre standards del género y composiciones propias, con espacio para la improvisación y el diálogo musical entre los integrantes.
Lunes de Jazz es una propuesta simple y directa: buena música y un plan ideal para arrancar la semana sin vueltas. Jazz en vivo, como tiene que ser. Ángel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.
Anticipadas por web $12.000
En la sala, en efectivo $15.000 Show con Cena a la Carta Ingreso a la sala 20:30
El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de AGOSTO
CUENTOS Y CANCIONES
María Elena Walsh
Sábado 1 de Ago | 15:00
Apta todo público
60 min.
Un musical homenaje a la gran cantautora Maria Elena Walsh que ya tiene más de 5 años, una nominación a los premios
ACE 2025 como Mejor infantil y 4 Premios Carlos en Villa Carlos Paz, incluyendo Mejor Musical Infantil 2026. Un viaje mágico que inicia cuando los Jardinteros (mezcla de cuenteros y jardineros) van en búsqueda del Gran Libro de los Cuentopos de Gulubú que se ha perdido. Pero para poder encontrarlo deberán pedirle ayuda a la Gran Reina Batata del Reino del Revés. En el camino se encontrarán con muchos amigos del bosque y grandes historias, entre ellos: Doña Disparate, la Princesa Siu Kiu, Manuelita, el Mono Liso y
muchas sorpresas más.
Un concierto interactivo que brinda tributo a Maria Elena Walsh versionando sus canciones más emblemáticas.
Elenco: Daniela Rubiatti, Alejandro Justiniano, Maite Valdes, Santiago Leguizamo, Zoe Gómez Lanza. Producción: Galaxias Creativas. Libro, letras y Dirección General: Chacho Garabal. Música original: Lolo Micucci Coreografías: Flavia Pereda
FIESTA PIM PAU
Domingo 2 de Ago | 18:00 ATP +2 años 75 min.
FIESTA PIM PAU es un espectáculo lúdico y vibrante donde se prioriza la interacción, la participación creativa, el movimiento y el vínculo con el público. Una gran impronta sonora, llena de ritmo,
movimiento, alegría y calidad musical. Todas las canciones son tocadas en vivo, invitando a las familias a bailar y cantar sus juegos corporales y coreografías. Una auténtica gran fiesta Pim Pau atravesada por ritmos brasileños y latinos. Un encuentro dinámico entre la música, la danza y el humor donde la palabra es juego, la música es juguete y el cuerpo instrumento. La propuesta plantea otro paradigma en el universo de contenidos para niños y niñas en las redes, donde el cuerpo importa y la pantalla es un medio y no un fin. Utilizado por docentes, profesionales de la salud y familias, el contenido de Pim Pau está presente en las aulas y casas de todo el mundo.
PIM PAU es un proyecto argentinobrasileño de arte y educación para las infancias integrado por Cássio Carvalho, Eva Harvez y Lucho Milocco. Se ha consolidado como uno de los grupos más convocantes para las infancias en Latinoamérica. Su identidad lúdica ha conquistado teatros y festivales en Argentina, Chile, Uruguay, Brasil, Colombia, Perú, Cuba, México y España. Llegan a 2 millones de suscriptores en YouTube. Son cuatro discos editados: Recreo (2016), Corazón de crianza (2019), Upa
(2023) y Cumpleaños (2024); con cientos de miles de escuchas en Spotify y las más de 700 millones de visualizaciones en su canal se convirtieron en la agrupación musical con más suscriptores de la escena independiente infantil de Argentina.
LA CHIRICHOTA
Vuelven los clásicos Viernes 7 de Ago | 21:00 +14 años 90 min.
Vuelven Los Clásicos es un espectáculo de humor y música en el que los integrantes de La Chirichota encarnan a grandes compositores del pasado — como Mozart, Beethoven, Bach o Vivaldi — que regresan al mundo actual y se enfrentan, con sorpresa, sarcasmo y algo de resignación, a los géneros musicales que dominan hoy las listas de éxitos. El reguetón, el trap o el pop comercial son examinados bajo la lupa de estas figuras históricas que, con su particular visión del mundo, comentan y parodian los sonidos, costumbres y discursos de la sociedad contemporánea. La obra utiliza la figura del
compositor clásico como punto de partida para abordar temas como la banalización de la cultura musical, el impacto de las redes sociales, la nostalgia del pasado o el papel de la música como herramienta de pensamiento. Todo ello a través del humor, la ironía y la música en escena.
Los espectáculos de La Chirichota están concebidos como una propuesta escénica unitaria en la que confluyen música en directo, interpretación coral y humor satírico. Aunque parte del imaginario de las chirigotas de carnaval, su formato nació con vocación teatral, con una estructura escénica sólida que va más allá del contexto festivo.
Sobre el escenario, los seis integrantes interpretan un repertorio original desde un personaje colectivo — el “tipo”— que sirve como prisma para observar la actualidad. En Vuelven Los Clásicos, los intérpretes aparecen caracterizados como compositores históricos, con vestuario de época, y desarrollan el espectáculo desde esa identidad compartida.
Reparto: Víctor Lemes, Dani Rodríguez, Juan Dávila, Daniel Quevedo, Abraham Santacruz, Isaac Dos Santos.
NOELIA PACE
La médium que hace bien
Sábado 8 de Ago | 20:00
Apta todo público 90 min.
Noelia Pace vuelve al Teatro Coliseo Podestá con un
espectáculo cautivador y revelador, una oportunidad para explorar lo desconocido, desafiar nuestras creencias y abrir nuestras mentes a nuevas posibilidades. Noelia Pace, con su profundo conocimiento de la astrología y su don sobrenatural, nos invita a trascender los límites de lo tangible y descubrir una nueva dimensión de conexión y entendimiento.
Te comunicarás, sentirás y vibrarás con las almas comprendiendo que la muerte es una transformación que no sólo transforma a quien muere sino a quien sigue en esta vida terrenal y además nos enseña a coexistir en la energía que somos. Te enseñaré a conectar recibirás el mensaje , atravesaremos juntos el duelo pero sobretodo Sanaremos con Mediumnidad .¿Se atreven? Los espero””, Noelia Pace.
BOLETERÍA: MARTES A DOMINGO DE 10 A 20 H. FERIADOS DE 15 A 20 H. LUNES CERRADA
www.coliseopodesta.laplata.gob.ar
Con las manos atadas
de Claudia Piñeiro
Una historia policial, un asalto en una escribanía, dos víctimas de un robo.
Con las manos atadas, la comedia dramática de Claudia Piñeiro continúa su Cuarta Temporada con una única función el sábado 8 de agosto las 18 h. en teatro Espacio 44 de la ciudad de La Plata.
Humana, sorprendente, desopilante y profunda, esta comedia dramática despliega una mirada atenta y sutil sobre las relaciones humanas.
La escribana y su secretario quedan encerrados, atados espalda con espalda en el archivo de la escribanía donde
ambos trabajan. En el lugar más inhóspito el caos original deviene en un planteo intimista de “dos personas solas, dos solitarios “ como los describe la autora.
La brecha social y jerárquica se desvanece, como en una especie de Saturnalia y el lugar dominante alterna de uno a otro al menos en ese momento único fuera de las reglas donde solo cuentan el uno con el otro.
Elena y Gutiérrez que han compartido el mismo espacio de trabajo por horas durante años desconocen todo el uno del otro y no saben aún que impedidos de liberar sus cuerpos nadie los rescatará hasta el día siguiente.
Tampoco imaginan que ninguno de los dos será el mismo al finalizar esa larga noche.
CON LAS MANOS ATADAS de CLAUDIA PIÑEIRO
Actúan
MARIANA ARRUPE
MARIO MAHLER.
Música original y Efectos sonoros:
OSVALDO AGUILAR
Diseño de luces
NAHUEL LÓPEZ
Diseño y realización de la Gráfica
LAURA TALUCCI
Dirección
SARA MON
En @teatroespacio44
Calle 44 nro 496 entre 4 y 5. La Plata
Entradas por Alternativa teatral.
EL HIJO DEL SUPERHEROE
Basada en la entrañable obra del escritor argentino Ricardo Mariño.
Una adaptación teatral para toda la familia.
¿Qué temas aborda?
audiovisuales, música original y un destacado trabajo físico basado en acrobacias de piso.
¿A qué público está dirigida? Recomendada para toda la familia, infancias a partir de los 6 años en adelante.
¿De qué trata la propuesta?
Franco guarda un secreto extraordinario: es el hijo de Crashman, el superhéroe capaz de frenar trenes, derrotar villanos y salvar la ciudad.
Pero mientras todos celebran sus hazañas, Franco espera compartir tiempo con ese padre que siempre está ocupado cuidando a los demás.
Cansado de esperar, emprende un viaje por la ciudad que entrelaza tiempos, voluntades y destinos.
Con humor, emoción y aventura, esta historia nos habla sobre el verdadero significado de ser un héroe.
El hijo del superhéroe, de Ricardo Mariño, aborda problemáticas como la soledad en la infancia, la falta de comunicación entre padres e hijos, las distintas configuraciones familiares y las desigualdades sociales. También cuestiona el modelo tradicional del héroe: aunque el padre de Franco posee superpoderes, no logra resolver los conflictos más importantes de su propio hijo. La historia propone que los verdaderos cambios no dependen de un héroe individual, sino de la colaboración, el compromiso y la solidaridad. De este modo, plantea la idea de un héroe colectivo, donde cada persona, desde su lugar, puede contribuir a transformar la realidad y cuidar de los demás.
¿Qué recursos y lenguajes utilizan en escena?
La puesta en escena integra teatro de sombras, recursos
ACTÚAN
René Mantiñan, Facundo Gaggiotti, Fiorella Doglia, Lina Pomo, Emilio Guevara. Vestuario: Magali Salvatore. Escenografía: Soledad Machado. Multimedia: Lisandro Peralta. Música original: Marco Molina Mosetti. Diseño gráfico: Julieta Ramirez
Borja. Asistencia de dirección: Estanislao Pedernera Adaptación y Dirección General: Diego Biancotto
FUNCIONES:
DOMINGO 23 y 30 de AGOSTO 16 h.
TEATRO LA LECHUZA
Calle 58 nro 757 La Plata Entradas a la venta en Alternativa Teatral
CONTACTO: Diego Biancotto diegobiancotto@yahoo.com.ar
FER RIGA
Música
"DE LA LUZ A LA OSCURIDAD"
FER RIGA materializa su presente musical a través de cinco composiciones con climas sonoros diversos, letras introspectivas y una identidad artística cada vez más definida.
“En El Camino nos toca atravesar Días de Lluvia. Hundidos en la aflicción, nos sumergimos en un profundo Viaje Nocturno. Al tocar fondo, no queda otra que renacer como Mariposas que encuentran refugio en la belleza de las sombras. Es entonces cuando encaramos el anhelo de descifrar quiénes realmente somos y transitamos la vida buscando y Destilando Verdad, comprendiendo que vivimos en un ciclo constante: DE LA LUZ A LA OSCURIDAD”, expresa.
Uno de los desafíos más lindos del proceso creativo se concreta en la casa del artista, ejecutando amplificadores valvulares y microfoneando todo para lograr el profesionalismo que requieren los overdubs y solos de guitarra.
“Fue un trabajo orgánico, real y de gran aprendizaje. Aún queda mucho camino por recorrer, pero de eso se trata el viaje:
disfrutar cada etapa y convertir en canción toda experiencia que nos conmueva”, agrega.
Bajo la operación técnica de Néstor Tinaro, el Estudio Santa Marta es elegido para grabar las bases en vivo con la banda completa. Las voces se plasman junto a Juanjo Spinedi. Fernando Cavallero resulta responsable de la producción artística, Pablo Pérez lleva adelante la mezcla y Sebastián Bastini concluye la masterización.
FER RIGA es un músico y compositor del oeste del Gran Buenos Aires, que viene construyendo un camino propio dentro del rock argentino, mezclando sensibilidad, crudeza y una fuerte identidad emocional.
Luego de liderar la banda Almas Perdidas, inicia su etapa solista con el lanzamiento de “La Luna y el Río” (2020), un single realizado de manera independiente durante la pandemia. Ese primer paso marca una nueva búsqueda artística personal e introspectiva.
En 2021 llegan “Naufragio” y “El Gran Tesoro”, adelantos que
consolidan la estética sonora atravesada por guitarras, climas profundos y letras honestas. Un año más tarde presenta EL CORAZÓN EN BANDEJA (álbum debut) registrado en los emblemáticos estudios Romaphonic, Cabeza Analógica y El Cuzco.
Actualmente, apuesta a la difusión mundial DE LA LUZ A LA OSCURIDAD (2026). Su nuevo EP de cinco canciones,
cuya melancolía e introspección lírica se potencian con melodías orgánicas y viscerales. Del mismo se desprenden los videoclips de „Días de Lluvia“ y „Mariposas“, filmados en simultáneo para generar una continuidad y homogeneidad conceptual.
PRENSA Nancy Hougham nancyhougham@hotmail.com
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Mariposas - Fer Riga
LANZAMIENTO + SHOW de Fransia
"Fuentes Secretas"
FRANSIA estrenó su short film „Fuentes Secretas en vivo desde el Templo Escondido de Santa Felicitas“ y anunció la fecha de su próximo recital en la Ciudad de Buenos Aires.
Después de la gira por México y los Estados Unidos donde el disco „Fuentes Secretas“ fue destacado en la selección de Best New Latin de Bandcamp Daily, como un cruce entre romance lujurioso y electro-pop, le llega el turno a Buenos Aires con un show el viernes 7 de agosto en el Teatro XIRGU.
Y, a modo de previa de este nuevo encuentro, Fransia aprovechó este momento para inaugurar una nueva dimensión audiovisual con el estreno de „Fuentes Secretas en Vivo“, grabada en los subsuelos del Templo Escondido Santa Felicitas de Buenos Aires y con la premisa “cantar es rezar dos veces”.
El escenario del Templo arrastra el peso de la tragedia porteña: el mito de Felicitas Guerrero, asesinada a los 25 años en lo que se considera el primer femicidio de la sociedad local, y la historia del párroco Rousseaud, quien se suicidó en el edificio tras una estafa financiera. Es en este espacio de activa carga paranormal e histórica, donde el pop de Fransia se transforma en un ritual de comunión humana.
Durante el rodaje, la atmósfera del lugar se manifestó de manera explícita obstaculizando la grabación: incendios espontáneos, cortes en la señal del micrófono, frecuencias incontrolables, apagones y una tormenta final que amenazó con impedir el registro de la canción “A Veces”.
Sin embargo dentro del confesionario donde se grabó “Ram”, Fransia se dispuso a rezar pidiendo permiso; un puente de respeto que transformó al equipo de intrusos en invitados bajo protección, logrando sellar un registro extraordinario que queda guardado para siempre.
Acerca de Fransia
Con un sonido que fusiona el pop con elementos místicos y una estética propia, Fransia se ha consolidado como una de las voces más singulares de la escena argentina actual. Inició su trayectoria junto a Ignacio Albini con el álbum homónimo Fransia (2018) y profundizó su universo en Mundo Virtual (2021), expandiendo su propuesta hacia un plano internacional con presentaciones en festivales como NRMAL (México) y Primavera Pro (España). En 2023 lanzó Vida Real, un giro hacia una narrativa más directa y confesional, sin abandonar el pulso bailable y la fantasía de sus trabajos anteriores, llevándola de gira por América Latina y Europa.
En 2025 presentó Fuentes Secretas, su cuarto álbum de estudio: una obra donde la fe, el deseo y la fragilidad se convierten en fuerza creativa.
Inicia el 2026 bautizando el disco con una gira que comenzó en la
Patagonia argentina y continuó en México y Estados Unidos, incluyendo presentaciones en The New Colossus Festival en Nueva York. Con nueva música en camino, atraviesa una etapa de expansión donde el pop se afirma como ritual y revelación.
Créditos Sesión
MÚSICOS
Carlos Pizzi (Bajo), Eric Pflugbeil (Batería), Guido D’andrea (Guitarra eléctrica)
DIRECCIÓN
Lautaro Monzani Atorresi y Catalina Derecho
DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Nicolás Torres Spika
ESTUDIO MÓVIL:
QRZ Estudio (Luis Balcarce y Mauro López)
GRABACIÓN: Martín Gorosito
STAGE MANAGER: Santiago Leuci
CAMARÓGRAFOS:
Nicolás Torres Spika, Matías Tarres, Juan Derecho y Lautaro Monzani Atorresi
ARTE: Belen Hernández
ASISTENCIA EN ARTE:
Mirta Pintos
VESTUARIO: Felisa MQ
MAQUILLAJE Y PEINADO: Ailin Berdés
MONTAJE: Catalina Derecho
COLOR: Lautaro Monzani Atorresi
MEZCLA & MASTERING: Guido D’andrea
DISEÑO GRÁFICO: Inti Patrón
DIRECCIÓN CREATIVA: Fermín Moreno Quintana
FOTO FIJA: Charlie Riobueno
PRODUCCIÓN: Martin Szereszevsky
PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL: Producciones FAV
PRODUCCIÓN GENERAL: Queruza
INFO somos una cooperativa cultural
LUCILA JUAN hola@agenciaced.com www.agenciaced.com
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Fransia en vivo en el Templo Escondido
Mariana Perdomo presenta
"Prometo Esta Vez"
El primer corte de difusión del nuevo álbum “Éxodo”
¡Lo nuevo de Mariana Perdomo está entre nosotros! Este último 24 de Julio se estrenó su nuevo single “Prometo esta vez” disponible en todas las plataformas digitales. Esta canción fué escrita y compuesta por Mariana hace muchos años y habla de esas relaciones que no funcionan pero que por algún motivo nos cuesta soltar, entrando en bucles tóxicos hasta que llega la decisión final. La canción viene acompañada de un videoclip que se estrenará durante este mes de Agosto.
“Prometo esta vez” se convierte en el primer corte de difusión de su segundo álbum de estudio llamado “Éxodo”, un trabajo que está formado por 10 canciones de su autoría en letra y música, producido integralmente en los estudios MCR por Pablo Governatori y Pablo Figueroa quienes realizaron la producción musical y arreglos.
Recordemos que Mariana lanzó previamente su álbum debut “Génesis” en el año 2024 donde reunió las canciones que marcaron sus influencias musicales, versionando clásicos de la música latinoamericana.
Posteriormente lanzó su single “Peregrinos” en Diciembre de 2025, siendo esta la primera
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canción de su autoría en ser publicada, la cual fue compuesta y producida en conjunto con el músico Olmo Sosa Yulis. Esta
es su canción más escuchada hasta el momento superando las 100.000 reproducciones en Spotify
Redes y Música www.youtube.com/@ mariperdomook Instagram.com/mariperdomook https://open.spotify.com/
MÁS SOBRE MARIANA:
Mariana Perdomo recuerda sus inicios cantando en la Parroquia de su San Martín natal, la música siempre fue parte de su vida, de pequeña, gracias a sus padres, ya escuchaba a artistas como Joan Manuel Serrat, Ana Belén, José Luis Perales, Juan Luis Guerra, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Gloria Estefan, Ana Gabriel, Ricardo Montaner, también tiene influencias de la música nacional de artistas y bandas como Virus, Soda Stereo, Serú Girán, Los Rodríguez, etc.
Antes de cumplir los 10 años participa como cantante solista en una competencia a nivel diocesano y resulta ganadora con el primer puesto, siendo esta su primera presentación ante el público. Ahí descubrió su pasión y de ahí en adelante participó en todas las actividades relacionadas con el canto que le fueron posibles, formando parte del coro escolar y formando parte tanto de eventos municipales como eventos escolares (Tanto en la escuela primaria como secundaria).
Con los años continuó en el camino de la música hasta comenzar los estudios en una
Universidad, allí se detiene y años más tarde, en el 2020 y luego de haber sido madre, decide regresar a la música, esta vez de forma profesional.
Retoma las clases de canto y decide preparar aquellas canciones que marcaron su infancia para grabarlas en un
álbum que sería la herencia artística que dejaría para su hijo, quien disfruta mucho escucharla cantar.
Más tarde conoce a Pablo Figueroa, quien además de acompañarla con su guitarra en la selección del repertorio y preparación de los temas, se convierte en el guitarrista y productor musical de su disco, siendo quien realiza los arreglos de cada canción y quien contacta, reúne y dirige la banda de reconocidos músicos que acompañaron a Mariana en la grabación de su disco. Cabe destacar que una de las canciones del disco, “La tierra del olvido”, tiene como invitado al músico cubano Alex Batista (quien además es corista y arreglador musical de Diego Torres). VIDEO
PRENSACCIONES
Gustavo Antonopolos gustavoantonopolos@gmail.com
VIDEO
La tierra del olvido (Video Oficial) - Mariana Perdomo feat. Alex Batista
MUGRE presenta su segundo álbum de estudio!
“MUGRE”
Un nuevo capítulo para una de las bandas más sólidas del post-punk argentino!
- El power trío presenta su segundo álbum de estudio, coproducido junto a Tweety González, y lo llevará por primera vez a Niceto Club el próximo 20 de agosto -
Luego de más de una década de recorrido, escenarios compartidos en Argentina, Uruguay, México, España e Italia, y una identidad construida desde la autogestión, la intensidad y la honestidad artística, MUGRE presenta “MUGRE”, su segundo álbum de estudio y el trabajo más representativo de su trayectoria
hasta el momento. La presentación oficial en Buenos Aires será el próximo 20 de agosto en Niceto Club.
Integrado por Jazmín Esquivel, Sofía Naara y Mariana Michi, el power trío porteño construyó a lo largo de los años una propuesta que combina la energía del post-punk con una mirada crítica sobre la realidad contemporánea. En este nuevo trabajo, la banda profundiza esa búsqueda a través de canciones atravesadas por el contraste entre el amor por la vida, los afectos y los vínculos
que construyen comunidad, y el desencanto frente a fenómenos como el extractivismo, la desidia estatal y las distintas expresiones de la crisis social contemporánea.
A diferencia de “Somos Profesionales”, su anterior LP, este nuevo álbum fue compuesto y grabado en dos etapas distintas entre 2025 y 2026, permitiendo una exploración sonora más oscura y opaca, aunque sin perder la fuerza y la urgencia que caracterizan a la banda. El proceso creativo coincidió además con una gira
por Europa durante la etapa final de producción, experiencia que aportó nuevas perspectivas al cierre artístico del proyecto.
El resultado es un disco que funciona como una declaración de identidad. No casualmente lleva el mismo nombre de la banda. Después de once años de recorrido, MUGRE eligió convertir este álbum en su propio homenaje, una síntesis de su esencia artística y humana. La decisión dialoga con el momento que atraviesa el grupo: una banda consolidada que encuentra en este trabajo una forma de reafirmar su identidad, su mirada crítica y su compromiso con aquello que la moviliza desde sus comienzos. Coproducido junto a Tweety González —con quien la banda ya había trabajado anteriormente—, el álbum fue mezclado por el reconocido productor y masterizado por Daniel Ovié.
El lanzamiento de MUGRE estará acompañado por una gira de presentación que comenzará el 1 de agosto y recorrerá distintas ciudades de Argentina y Uruguay. Mar del Plata, Montevideo, Rosario, Córdoba, Santa Fe, Neuquén, Bariloche y Lago Puelo son las primeras fechas confirmadas de un tour que continuará sumando destinos. En Buenos Aires, la presentación oficial del disco tendrá lugar el 20 de agosto en Niceto Club, donde la banda encabezará por primera vez
una fecha propia en una de las salas más emblemáticas del circuito porteño, marcando un nuevo paso en una trayectoria construida de manera independiente y sostenida durante más de once años.
SOBRE MUGRE
Power trío formado en Buenos Aires en 2015. A lo largo de su trayectoria editaron tres EPs y dos álbumes de estudio, desarrollando una propuesta artística reconocida por su energía en vivo, su mirada crítica sobre la realidad contemporánea y una identidad sonora propia. Durante estos años realizaron giras por Argentina, Uruguay, México, España e Italia, consolidándose como una de las propuestas más sólidas e independientes de la escena alternativa local.
Su nuevo álbum, “MUGRE”, marca una nueva etapa en la evolución del grupo y
será presentado a través de una serie de conciertos en Argentina y distintos países de Latinoamérica y Europa.
INTEGRANTES
Sofía Naara (CABA, 1994) Compositora, cantante, baterista y productora argentina nacida en abril de 1994, forma parte de MUGRE desde 2015. Su carrera solista empezó en 2016. A través de los años se presentó en vivo en diversos centros culturales de la escena local y lanzó EPs, sencillos y un LP llamado LAS TORPEZAS (2022). En 2020 realizó TE HUBIERA GUSTADO SER SANTA, una obra audiovisual, cruce entre sus canciones y la poesía de Andrea Franco. Actualmente se encuentra trabajando en la producción y grabación de su próximo LP, proyectado para publicarse hacia fines de 2026. Produce música de otrxs compositorxs y en su exploración como docente profundiza en la audioperceptiva y la lectoescritura rítmica. A su vez trabaja como editora, correctora y escritora fantasma, y es parte del Archivo de la Memoria Trans desde 2024.
Jazmín Esquivel (CABA, 1994) Jazmín Esquivel es cantante, compositora, productora y actriz. Nacida en la Ciudad de Buenos Aires, a los 17 años empezó a tocar en vivo las canciones que formarían su primer álbum de estudio, Púrpura (2018), producido junto a Lucy Patané u MiráBA 163
y la banda que la acompañaba en ese entonces, “Los Alces”. En 2021 lanzó su segundo álbum, Medianoche Radio Club y en 2023 realizó Fiesta en el jardín, un EP electrónico de autoremixes que conformaron la música original de una obra de teatro homónima estrenada en el CC San Martín en 2022. Actualmente se encuentra presentando su tercer álbum de estudio, LA HORA NARANJA (2025), producido y grabado por ella.
Esquivel también forma parte de MUGRE (power-trío de punk) y Un Apagón Sensible (rock psicodélico), y trabaja como productora musical de otros proyectos.
En estos años de trayectoria pasó por numerosos escenarios tanto de la capital porteña como en giras por Argentina, Uruguay, Perú, México, Europa y EEUU.
Mariana Michi Cantante, compositora, productora y coach vocal de
Buenos Aires. Además de su universo solista en el que explora distintos universos sonoros con una búsqueda artística propia y con el cual lanzó 4 álbumes de estudio (Recientemente, “Vos no sos uno de ellos” 2025); fundó y formó parte de Miau Trío (trío de jazz vocal), canta tango en la orquesta Cuerdas del Plata y forma parte de MUGRE (power trío de punk) donde toca el bajo y así como sus compañeras, canta, compone y produce.
Trabaja de forma independiente dando talleres de composición y produciendo artistas, y como coach vocal en distintos proyectos del estudio de Tweety González.
TEMBLORES llega al escenario del Centro Cultural Konex el domingo 16 de agosto para presentar en vivo las canciones de Santos Populares - Episodio Uno, su nuevo EP, en una noche que promete emoción y un recorrido por las distintas capas de su universo sonoro.
Con una propuesta que combina la urgencia del rock alternativo, la sensibilidad del pop y una impronta profundamente contemporánea, Temblores continúa consolidando una identidad propia dentro de la escena independiente local. Santos Populares – Episodio uno - expande ese camino a través de canciones que dialogan con la memoria, los vínculos y las pequeñas épicas cotidianas. La propuesta inaugura una nueva etapa creativa para la banda fusionando a fondo el lenguaje cinematográfico y su música a través de un cortometraje para sus 4 canciones, con tintas del Nuevo Cine Argentino.
El show en el Konex será la oportunidad para escuchar por primera vez en vivo este nuevo material, junto a las canciones que marcaron el recorrido de la banda en los últimos años, en un formato pensado especialmente para potenciar la experiencia colectiva y el encuentro con su público.
TEMBLORES
DOMINGO 16 DE AGOSTO/ 19
HS
EN: CC KONEX - SARMIENTO
3131 - CABA
https://entradas.cckonex.org/
Temblores nace en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires a mediados de 2023, cuando cinco sanjuaninos que poco se conocían decidieron darle forma a un nuevo proyecto artístico en sus vidas. En noviembre de 2024 lanzaron su disco debut
llamado “‘97“y durante el 2025 lo presentaron más de 30 veces entre Capital Federal, Provincia de Buenos Aires y una gira por Cuyo. Las presentaciones en vivo de la banda se caracterizan por una gran energía contagiosa, desafiante, con intervenciones teatrales y proyecciones. Hay fechas especiales llamadas por ellos como “Jolgorios” es en estas fechas que se suman las intervenciones visuales, teatrales y musicales al setlist que la banda ya acostumbra presentar, noche de encuentro con su público más cercano y que terminan en una fiesta para bailar y cantar entre todos los presentes.
(Foto: Sebastián Chirino)
PRENSA
Paula Alberti paulaalbertipress@gmail.com
VIDEO TEMBLORES - SANTOS POPULARES - Adelanto
ORQUESTA TÍPICA DI PASQUALE
Nuevo ciclo de la presentación del álbum:
"¿Qué pasa con la música popular hoy?"
El pianista, compositor y director Juan Ignacio Di Pasquale realiza un nuevo ciclo de presentaciones con su nueva producción discográfica. Se trata de un álbum donde el tango se mixtura con una variada gama de géneros: chamamé, folklore y jazz, entre otros. Cuenta con la colaboración de grandes referentes de la escena actual.
Cada presentación en vivo contará con la presencia de los distintxs artistas invitadxs que grabaron en el álbum, con lo cual cada fecha será única e irrepetible.
El disco surge como fruto del trabajo realizado a lo largo de tres años, en los cuales la orquesta anfitrionó el ciclo de conciertos "¿Qué pasa con la música popular hoy?".
En este material, la orquesta interpreta arreglos propios de obras de grandes referentes de la música popular de géneros/ ritmos tales como milonga, vals, chamamé, jazz, folclore, indie-entre otros-, generando un diálogo entre el tango y esos géneros.
Orquesta Típica Di Pasquale
Orquesta en vivo: piano, dirección, arreglos, composición y producción: Juan Ignacio Di Pasquale; Violines: Julia Testa, Anahí Melendez, Antonio Fernandez, Hilen Rocío Alves / Viola: Dayana Parra / Violonchelo: Zacarias Grynberg / Bandoneones:Joaquín Sterman, Tomás Muir, Manuel Del Pozo / Contrabajo::Diego Vázquez.
PRESENTACIONES:
Martes 4-11-18 y 25 de agosto puerta 20:00h. - Recital 21:00h.
La Carbonera
Carlos Calvo 299, esquina Balcarce- San Telmo- CABA Entradas por www.passline.com
DETALLE DE FECHAS:
MARTES 4 de agosto: Marcelo Moguilevsky y Sebastian Esposito, Tilsa Llerena, Daniel Maza y una cuerda de tambores conducida por Candela Ramos
MARTES 11 de agosto: Carlos Moscardini, Payadores: José Curbelo, David Tokar, Alesio Gariardi. Canta: Victoria Tolosa.
MARTES 18 de agosto: Luciana Jury, Pipi Piazzolla trío, Nacho Moze + cuarteto de vientos.
Canta: Nayra López Fontan.
MARTES 25 de agosto: Duo
Bote (Flor Bobadilla Oliva y Abel Tesoriere), María Pien e Inbal Comedi
Técnicos de grabación: Rodrigo Ruiz, Alejandro Marani, Agustina Curci, Santiago García Ferro
Asistentes:
Barile, Brachetta, Cano Ortiz, Coronel, Cosentino, Escoda, Figueredo, Gel, Harrison, La Rosa, Markow, Pilarche, Villafañe, Estudiantes Taller de Grabación de Sonido 2, Lic. en Audiovisión, UnLa
Mezcla y mastering: Ariel Lavigna
Grabado en Estudio “Enrique Santos Discépolo”, UnLa
Diseño gráfico: “Fuji” Institucional:
Universidad Nacional de Lanús, Departamento de Artes y Humanidades, Licenciatura en Audiovisión, Taller de grabación
Algo más acerca de “¿Qué pasa con la música popular hoy?”
En este presente tan álgido de producción de tango, folklore y diversas músicas populares, Juan Ignacio Di Pasquale, director de la Orquesta Típica Di Pasquale, se plantea la pregunta: «¿Qué pasa con la música popular?» y, a lo largo de tres años, intentó responderla.
¿Cómo?
A través de un ciclo de
conciertos mensuales en el Teatro Hasta Trilce, donde la orquesta actuó como anfitriona recibiendo cada mes a referentes de diversas vertientes de la música popular (folklore, chamamé, jazz, candombe, indie, etc.). Pero no se trató simplemente de un encuentro casual en el escenario. La propuesta fue más ambiciosa: crear un diálogo profundo entre la orquesta típica de tango y sus invitados, generando una fusión genuina entre los géneros.
Los arreglos:
Confiando en que La Típica —nuestra pequeña sinfónica tanguera— es capaz de jugar en todas las canchas y navegar en todos los ríos, Juan se propuso realizar arreglos de las obras del repertorio de los invitados para interpretarlas de manera conjunta, generando en muchos casos encuentros (hasta ahora) únicos e inéditos.
¿Y el disco? ¿Cómo se grabó? Durante esos tres años, la orquesta soñaba con registrar este trabajo; sin embargo, los recursos necesarios para hacerlo representaban un
impedimento difícil de superar por sus propios medios.
La universidad pública, un espacio que nos abraza.
Hacia fines de 2023, Juan y la Orquesta Típica Di Pasquale entraban a grabar en la UNLa, conocían el imponente estudio “Enrique Santos Discépolo” y al profesor Rodrigo Ruiz del “Taller de Grabación” de la Lic. en Audiovisión.
Fue entonces que se empezó a cocinar este gran proyecto: Grabar una selección de obras de los casi 30 arreglos realizados en el ciclo. Gracias a la colaboración y el trabajo mancomunado realizado junto a la Universidad Nacional de Lanús, Lic. en Audiovisión del Departamento de Humanidades y Artes, Sec. de Cultura y Comunicación de la universidad y la Discográfica del Sur, con sus equipos docente, no docente, administrativo y estudiantil, este proyecto se pudo concretar. El mismo se realizó en 3 jornadas durante los meses de
octubre y noviembre de 2024. El proyecto contó con el apoyo del Fondo Metropolitano de las Artes, el cual permitió solventar otros gastos.
Acerca de Juan Ignacio Di Pasquale
Es pianista, compositor, director y arreglador de tango y músicas populares. Realiza trabajos de composición y arreglos para teatro y cine nacional e internacional. Director de la Orquesta Típica Di Pasquale, premiada por INAMU, FNA y FMA, con la cual ha participado en numerosos e importantes festivales de tango y ha colaborado con referentes destacados de la escena de la música popular, como Pipi Piazzolla, Inés Cuello, Daniel Maza, Nadia Larcher y Carlos Moscardini, entre otros.
PRENSA
Ana Garland Management anagarland@gmail.com
VIDEO
Teaser - Candombe Bailador (feat. Daniel Maza, Inés Cuello y Eliana Zarabozo)
PATRICIA BÉLIÈRES PRESENTA SU NUEVO ÁLBUM LAS FRANCESAS DEL TANGO
Ellas vinieron desde lejos y dejaron su huella en nuestro imaginario tanguero. Fueron… Las francesas del tango
El nuevo álbum de la cantante es un homenaje a aquellas “francesitas” que llegaron a Buenos Aires y dejaron una huella profunda en nuestro imaginario
tanguero. Mujeres que, entre las décadas del 20 y el 40, fueron parte de una época de esplendor y contribuyeron a enriquecer el universo cultural del tango.
Este disco conceptual rescata algunas de sus historias y propone, al mismo tiempo, un viaje musical entre Argentina y Francia. Un recorrido que evoca el amor de Francia por el tango –en el disco hay tangos franceses del año 39- y la influencia que la cultura francesa tuvo sobre muchos de los tangos de aquella época.
TRACKLIST
1) SIEMPRE PARÍS (Virgilio Expósito, Homero Expósito Pedro Cecchi (guitarra), Bruno
Ludueña (bandoneón)
2) FRANCESITA (Enrique Delfino, Alberto Vaccarezza)
Pedro Cecchi (guitarra), Luigi Carniglia (acordeón)
Voz: Patricia Bélières
Grabado en 2026 en el estudio de Ariel Gato
Ingeniero de sonido, mezcla y masterización: Ariel Gato
Arte de tapa y fotografía: Alejandro Cancela
Realización de videos y reels promocionales: Ariel Gato
Edición de reels promocionales: Blancomóvil Imagen & Comunicación
ACERCA DE PATRICIA BÉLIÈRES
Cantante, docente e investigadora de la voz, su recorrido traza un
puente singular entre la música, el lenguaje y la escena. Formada con un Máster en Ciencias del Lenguaje en Besançon, Francia, ha sabido integrar el pensamiento académico con la práctica artística, construyendo una mirada profunda y sensible sobre la interpretación.
Como directora —junto a Alejandro Cancela— de la Escuela de Interpretación (EIBC), impulsa un espacio de formación donde el canto se entrelaza con lo teatral. Su labor pedagógica la ha llevado a dictar seminarios en Argentina y en el exterior, participando en congresos, universidades y centros de formación artística en Europa y Latinoamérica, consolidando un enfoque que trasciende fronteras. Es también coautora -junto a Alejandro Cancela y Rodolfo Sánchez- de textos fundamentales sobre la voz y la interpretación, entre ellos El cantante popular y la interpretación (Melos Ediciones Musicales) donde reflexiona sobre el vínculo entre técnica, emoción y sentido escénico.
Su trayectoria musical refleja la misma búsqueda: una
artista que explora cruces culturales y sonoros. Desde la música francesa con ritmos sudamericanos hasta el repertorio brasileño y litoraleño, su discografía recorre paisajes diversos con una identidad propia.
Ha presentado su trabajo en países como México y Uruguay, y continúa creando junto con Alejandro Cancela espectáculos de carácter teatral y musical, entre ellos la aclamada obra Gardel en París, con excelentes críticas de prensa y público que continúa con su segunda temporada en el teatro Payró.
Patricia Belieres
Instagram Gardel en París
Instagram Escuela La interpretación
Canal de You Tube
Contacto de Prensa
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FB @medioshabilescom
TW @Medioshabiles medioshabilescom@gmail.com
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PATRICIA BÉLIÈRESMUÑECA BRAVA
Rubén Rada estrenó
QUIEN
VA A CANTAR?
Un nuevo ciclo de encuentros musicales con grandes artistas de la región y el mundo
Una canción llama a otra voz. Y la pregunta es: Quién va a cantar?
El pasado16 de julio, coincidiendo con el cumpleaños de Rubén Rada, se estrenó “Quién va a cantar?” (QVC), un nuevo ciclo de encuentros musicales que podrá verse a través del canal oficial de YouTube de Rada y de Quién va a cantar?
La primera entrega tiene como invitada a La Vela Puerca, inaugurando una serie de encuentros con algunos de
los artistas más importantes de Uruguay, Argentina, Latinoamérica y el mundo.
Pocos músicos generan una admiración tan transversal como Rubén Rada. Su influencia atraviesa generaciones, géneros y fronteras. Después de más de seis décadas marcando el pulso de la música rioplatense y latinoamericana, su obra sigue convocando a músicos de todas las generaciones y estilos.
De esa admiración nace Quién va a cantar?, un ciclo donde el encuentro es el verdadero protagonista.
Cada episodio propone un intercambio artístico único: el artista invitado interpreta una canción de Rubén Rada y, a su vez, Rada hace propia una obra emblemática de ese músico junto a su banda y sus tambores. Dos canciones, dos repertorios y una misma invitación: encontrarse a través de la música.
Cada entrega se completa con un mini documental que revela el detrás de escena de los ensayos, las conversaciones y MiráBA 172
los momentos espontáneos que forman parte de cada encuentro.
Con invitados que recorrerán distintos géneros y países, Quién va a cantar? celebra el valor del intercambio, la escucha y la música compartida, reuniendo a figuras que encuentran en Rubén Rada un referente artístico y humano capaz de tender puentes entre generaciones y estilos.
El estreno junto a La Vela Puerca es el punto de partida de un ciclo que continuará sumando voces de distintos países, siempre con una misma premisa: celebrar la música desde el encuentro, la admiración y la creación compartida. Porque hay una pregunta que
cambia en cada episodio. Quién va a cantar?
Y una certeza que permanece. Cuando el que invita es Rada, quieren cantar todos.
Quién va a cantar?
Canal de YouTube de Rada
Canal de YouTube de Quién va a cantar?
Prensa Marina Belinco marinabelinco@gmail.com
VIDEO
Biafra - La Vela Puerca con Ruben Rada | Quien va a cantar?
SOFFIA PHILO PRESENTA JUNTO A NOEL SCHAJRIS DE SIN BANDERA
"NO LO SABE"
La cantante uruguaya se unió al argentino para estrenar la versión oficial de su tema ya viralizado en las redes.
Soffia Philo continúa demostrando por qué es la nueva promesa de la música rioplatense. La cantante uruguaya lanzó “No lo sabe” en colaboración con Noel Schajris (de Sin Bandera): una versión en clave rock-soul de un tema que ya había presentado en sus redes sociales, logrando gran repercusión, con más de 3 millones de reproducciones. Con esta canción, Soffia completa su primer EP de cinco temas, Nivel 1, y se prepara para avanzar con su álbum debut. Producida por
Polska, ya está disponible en todas las plataformas.
La historia de “No lo sabe” comenzó con un video viral. Alguien le preguntó «¿Cómo estás?“ y Soffia contestó con la verdad cruda, sin filtro, contándole al mundo que sentía la necesidad de huir de sí misma. Tuvo, entonces, una conversación con Dios que le inspiró esta canción. Le preguntó cómo salir de ahí, pero la única respuesta fue que nadie lo sabe, que solo andando se sobrevive. Que hay finales que no cierran y hay que aprender a vivir con eso. El video acumuló más de 3 millones de reproducciones, su público se sintió reflejado.
Noel Schajris (de Sin Bandera, dúo que conforma con el mexicano Leonel García) también se vio identificado y le escribió a Soffia directamente. Tuvieron una primera llamada para conocerse y, poco después, ella viajó a Colombia, donde Noel daba un show, para grabar la canción juntos en estudio y filmar el video. “Fue una experiencia reveladora que me dio fuerzas para seguir adelante y darme cuenta de que el esfuerzo está valiendo la pena”, cuenta Soffía. Noel agrega sobre esta unión: “Es muy difícil encontrar grandes cantantes que también sean grandes raperas: en Soffia encontré esa
combinación demoledora y la conocí con esta canción, así que es un placer enorme poder ser parte. Ojalá sea la primera de muchas canciones juntos”.
Con una impronta ligada al rap y al hip hop, a través de la honestidad de sus letras y su interpretación versátil, Soffia sigue afianzando su comunidad. Con más de un millón de seguidores en su redes, sus videos acumulan millones de reproducciones. “Quiero transmitir un mensaje con mi música. Quiero hacer que la gente conecte con algo más allá, con algo metafísico, tal vez, y cumplir sueños de mi familia y mis hermanos”, confiesa.
SOBRE SOFFIA PHILO
Soffia Philo es una artista uruguaya de 23 años, nacida en el barrio del Cerro de Montevideo. A los 14 años comenzó su camino en la música, influenciada por un entorno familiar atravesado por el arte: su padre también es cantante y compositor. Impulsada por su familia, empezó a subir videos interpretando canciones de distintos géneros en redes sociales.
Aunque su casa es el rap y el hip hop, Soffia es una artista versátil que disfruta de explorar géneros como dembow, funk, techno, afro, urbano, pop, cumbia, bolero, bachata, reggaetón y reggae. Actualmente se encuentra en
Argentina trabajando en nuevas canciones junto a importantes productores.
Con el tiempo, construyó una comunidad fiel en las redes sociales y las plataformas digitales. La recientemente lanzada “Me Presento” se viralizó rápidamente, superando los 37 millones de views. En abril lanzó las colaboraciones “Nos Relojean”, junto a Soui Uno, y “La Dosis Justa”, junto a
Nemi. Su primer EP, Nivel 1, se conforma por cinco canciones: “Me presento”, “Me levanté chill”, “Number One”, “Lo siento” y la reciente “No lo sabe”.
PRENSA
Yamila Trautman yamilatrautman@gmail.com
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Soffia Philo, Noel Schajris - NO LO SABE (Video Oficial)
SMOR Y SU FLAMANTE ÁLBUM "TODO SE PUEDE APAGAR"
“Todo se puede apagar” no solo representa el nuevo álbum de SMOR, sino una geografía musical que viaja a través del rock alternativo y el pop introspectivo para captar todos los arreglos y texturas que pasan inadvertidas en una escucha superficial.
A nivel lírico, los nueve tracks involucrados exploran la dualidad entre la luz y la oscuridad, el exceso y la redención: „Es un llamado a habitar el presente con intensidad, comprendiendo la urgencia de disfrutar el aquí y ahora”, destaca Sebastián Oriani.
El proceso creativo se dispara en diciembre del 2024, con el primer corte „Sentimientos de Papel“.
Sin embargo, la chispa termina de encenderse a comienzos de este año, cuando realiza „Es tiempo de Volver“: una pieza que define el ADN del disco.
La intimidad y honestidad que requiere su producción, encuentra el espacio fortuito en el Home Studio de Sebastián Oriani. Mientras que la masterización
queda a cargo de Rodrigo De Haro (Estudio Peluson).
Marcelo Mangiantini (batería); Albert Martín (guitarra) y Paul Slomi (bajo) amalgaman su talento a la visión del proyecto: „Sin dudas, es una etapa de plena realización, donde la suma de nuestras voluntades ha cobrado una identidad mucho más grande de la imaginada”, agrega el vocalista y fundador.
Desde la tensión instrumental de la apertura en „Ducere“, pasando por la euforia bailable de „Excesivamente“, hasta la crudeza visceral de „Nada“, SMOR demuestra una versatilidad que lo posiciona como uno de los arquitectos
sonoros más interesantes de la escena actual.
Tras dejar su huella en Frandiavolo y Fra, Sebastián Oriani resurge a través de SMOR. Su proyecto más personal que debuta discográficamente en 2018 con NADA ES SUFICIENTE: Esta obra conceptual de tintes pop y rock, lo consolida como un artista versátil y talentoso al encargarse íntegramente de la composición, instrumentación, mezcla y masterización.
La pandemia lo inspira a crear „Despiértame“, un himno de resiliencia en pleno encierro. Durante el 2021 edita el sencillo „Una Vez Más (Un Poco Más)“, canción que refleja la introspección y búsqueda de perspectivas frescas en un mundo cambiante.
En 2022 concreta la regrabación, remezcla y reinterpretación de su primer álbum NADA ES SUFICIENTE (Edición Especial) para descubrir nuevas facetas y sumar colaboraciones de artistas argentinos y españoles.
Los sencillos „Indestructible“ y „Es Real“ salen a la luz durante el 2023 como un pantallazo sonoro, que termina de desarrollarse en el siguiente disco: TODO SE PUEDE APAGAR. El primer corte es „Sentimientos de Papel“, una balada que remite a los himnos de bandas como Coldplay, o el fraseo honesto de Leiva. También disecciona la fragilidad de las conexiones humanas en tiempos de inmediatez.
Realizado con una estética que equilibra la urgencia del postpunk británico, la profundidad lírica del rock argentino y el drama emocional del pop de autor español, el nuevo disco logra un sonido expansivo y moderno.
Su llegada a las plataformas digitales se concreta con la sumatoria del video lyric oficial de „La Crueldad“ (segundo corte). Mientras tanto, la intención de presentarlo en vivo de manera integral resulta cada vez más
tangible y promete un encuentro memorable.
SMOR la integran:
Sebastián Oriani (voz y guitarra)
Albert Martin (guitarra eléctrica)
Marcelo Mangiantini (batería)
Paul Slomi (bajo)
PRENSA
Nancy Hougham
Retro Producciones
VIDEO
Smor - La Crueldad (Video Lyrics Oficial)
VALENTINA MÁRQUEZ EN BUENOS AIRES
23 DE AGOSTO | MUSIC MANSION
Una noche de
cuarteto
Valentina Márquez es una de las artistas jóvenes que con mayor fuerza irrumpe en la escena musical argentina. Oriunda de Córdoba, la cantante conquistó al público nacional con su versatilidad sobre el escenario, su carisma inigualable y una voz que no pasa desapercibida.
Con más de 200 mil oyentes mensuales en Spotify y más de 40 millones de visualizaciones en YouTube, Valentina consolida su lugar entre las figuras indiscutidas del cuarteto contemporáneo.
Su trayectoria habla por sí sola: fue convocada como telonera de María Becerra en el Estadio Monumental de River Plate y, recientemente, abrió el show de Ricky Martin ante una multitud en el Estadio Mario Alberto Kempes de Córdoba. Además, compartió escenario y estudio con referentes como Ulises Bueno y Ángela Leiva, consolidando un catálogo de colaboraciones de primer nivel.
PRESENTACIÖN:
El próximo viernes 23 de Agosto de 2026, Music Mansion será el escenario de una noche que promete vibrar al ritmo del cuarteto cordobés más poderoso del momento.
Entradas a la venta en plateanet. com
y emoción en el corazón de la ciudad
Este show en Music Mansion promete una experiencia íntima y apasionante: Valentina Márquez cara a cara con el público porteño, en un recinto que potencia cada nota y cada emoción. El repertorio incluirá sus mayores éxitos, como „Iguales“, „Adiós“ y „Despacio“, junto a sorpresas y MiráBA 178
colaboraciones en vivo.
Entre giras y nuevos lanzamientos, Valentina se consolida como una de las voces que está redefiniendo el sonido popular desde Córdoba hacia todo el país.
Valentina Márquez viene de Córdoba y hoy es una de las artistas jóvenes que más fuerte pisa en la escena argentina. Su voz grave y expresiva le da un sello propio dentro del cuartetopop, algo que ya la llevó a compartir escenario con figuras como Ángela Leiva, El Loco Amato y Desakta2.
En su recorrido tuvo un momento clave cuando María Becerra la eligió primero como presentadora en el festival Equal de Spotify y después para abrir sus dos estadios en River
Plate, un salto que marcó su proyección a nivel nacional.
En la actualidad Valentina, en Instagram alcanza los 648 mil seguidores. En su cuenta de TikTok, cuenta con más de 312 mil seguidores. En su canal de YouTube, alcanza los 128 mil suscriptores y, por último, en Spotify, llega a los 881.587 oyentes mensuales.
En estas plataformas, cuenta
con grandes colaboraciones con artistas como Lisandro Márquez, Q’ Lokura, El Loco Amato, Euge Quevedo, Simón Aguirre, entre otros grandes talentos.
A pocas semanas de la presentación oficial de “Antifaz”, Rolo Sartorio comparte “Tu Orilla”, una nueva canción que forma parte de su próximo álbum solista y continúa revelando el universo de un trabajo compuesto por 12 composiciones inéditas.
Con cada lanzamiento, Rolo sigue construyendo el recorrido de un disco pensado para descubrirse paso a paso. “Tu Orilla” llega como una nueva parada en ese viaje que culminará el próximo 1 de agosto en The Roxy Live, donde presentará por primera vez en vivo Antifaz en un show especial que también repasará distintos momentos de su historia musical.
En esta nueva etapa, Sartorio eligió una forma diferente de compartir su música: cada canción encuentra su propio espacio antes de la salida completa del álbum, permitiendo que el público se conecte con cada historia y cada emoción que atraviesa el disco.
Luego de un gran 2025 con el lanzamiento de 1973, su primer trabajo solista, y tras consolidar este nuevo camino con una serie de estrenos consecutivos, Rolo continúa reafirmando una búsqueda artística donde conviven la identidad que
marcó su carrera y una mirada renovada sobre su presente como compositor e intérprete.
Nacido en Avellaneda, Provincia de Buenos Aires, el 27 de enero de 1973, Rolo Sartorio soñó desde chico con ser futbolista y cantante de rock. En 1998 MiráBA 180
“Tu Orilla” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.
ACERCA DE ROLO SARTORIO
fundó La Beriso junto a músicos amigos y comenzó un camino que lo llevó a convertirse en una de las bandas más convocantes del país.
Con más de 25 años de trayectoria, La Beriso editó ocho discos de estudio y tres álbumes en vivo, llenando escenarios como River Plate, el Estadio Único de La Plata, Ferro y Vélez.
A lo largo de su carrera, Rolo compartió canciones y escenarios junto a artistas como Víctor Heredia, Andrés Calamaro, León Gieco, David Lebón, Coti, Los Auténticos Decadentes y Leiva, entre otros.
En 2018, Rolo Sartorio publicó junto a Editorial Planeta su primer libro, Pararte y dar pelea, una obra autobiográfica en la que abre las puertas a su historia personal más allá de la música. Allí recorre su infancia
en Avellaneda, sus comienzos con La Beriso y el largo camino de esfuerzo, pérdidas y perseverancia que lo llevó a convertirse en una de las voces más representativas del rock argentino.
Lejos de la figura del cantante sobre el escenario, el libro muestra una faceta íntima y profundamente humana de Sartorio. A través de sus recuerdos y experiencias, comparte cómo atravesó algunos de los momentos más difíciles de su vida y la manera
en que encontró en la familia, la música y la resiliencia la fuerza para seguir adelante.
PRESENTACIÓN VIVO: 1 DE AGOSTO
THE ROXY LIVE Entradas a la venta en AllAccess
PRENSA
+G Prensa y Comunicación info@cygprensa.com.ar
VIDEO
Rolo Sartorio - Alza la voz (Video Oficial)
ROBYN LEKKER ESTÁ DE ESTRENO
“NO VOLVER”
ES EL PRIMER CAPÍTULO DEL UNIVERSO LIMINAL
La escucha exclusiva será el jueves 13 de agosto, a las 19,30 horas, en La Casona Multiespacios (Av. Juan B Justo 4641, CABA).
ROBYN LEKKER comparte el primer corte de su futuro material
MiráBA 182
discográfico, inspirado en aquellos lugares, momentos o personas que alguna vez fueron hogar y solo perduran intactos a través de los recuerdos.
NO VOLVER propone reconciliarse con la idea de transformar lo físico en emocional, sin caer en la nostalgia absoluta. Funciona como una puerta de entrada al universo LIMINAL y sintetiza la dirección sonora construida durante estos años.
"Es una canción que combina la base orgánica, con un trabajo minucioso sobre las texturas.
El carácter de las guitarras y el riff en loop conviven armoniosamente de comienzo a fin. También se destacan los sintetizadores atmosféricos y la profundidad de la producción, sin perder la melodía”.
Esta fragmentación de la identidad y la memoria, sumada a la tensión entre el refugio y el desarraigo, quedan plasmadas fielmente en el videoclip protagonizado por el mismo ROBYN LEKKER.
«Pensé en mostrarme bailando, inmerso en un estado de trance, para reflejar los estadíos en los
que se transita cuando volver no es una opción».
ROBYN LEKKER es un músico, compositor y productor independiente radicado en Buenos Aires. Su propuesta transita el rock alternativo, art rock y la experimentación sonora, construyendo un universo donde la intensidad emocional convive con paisajes electrónicos, guitarras atmosféricas y una fuerte impronta cinematográfica.
A fines del 2023 publica su primer EP: EL SITIO EN QUE MI CUERPO CAE, acompañado por una Live Session grabada en los históricos Estudios ION. Durante los años siguientes, presenta una serie de remixes y versiones que expanden su creatividad y consolidan una búsqueda estética cada vez más personal.
En 2026 inicia una nueva etapa con el lanzamiento de „No Volver“, el primer sencillo de LIMINAL, su álbum debut. Grabado, mezclado y masterizado en Arroyito Records; bajo la producción del propio artista y de Simón Sanseau, quien también aporta desde el bajo, la guitarra, los sintetizadores y el piano, entre otras habilidades. La mezcla y el mastering son realizadas por este último, junto a Marcelo Mancuso. Juan Pablo Rey despliega su magia en el teclado.
Más allá de la música, ROBYN
LEKKER desarrolla el aspecto visual de su proyecto como una extensión del lenguaje artístico, involucrándose en la dirección creativa, fotografía, diseño e identidad conceptual de cada lanzamiento. Actualmente, prepara la presentación oficial de LIMINAL mediante experiencias de escucha inmersiva que
La artista reversiona uno de sus temas más emotivos junto a Olivia Wald y lo transforma en un cuarteto cargado de desamor, emoción y ritmo.
Valentina Olguín presenta „Sobria No Me Aguanto (Remix) „, una nueva versión de la canción que originalmente lanzó junto a Olivia Wald (Mira el videoclip ACA) y ahora regresa con una propuesta completamente renovada sumando la voz de Valentina Márquez , una de las referentes de la nueva escena del cuarteto
MiráBA 184
cordobés, para darle al tema una impronta fresca, bailable y profundamente emotiva.
Con este lanzamiento, Valentina Olguín continúa consolidando su crecimiento artístico apostando a una colaboración que une generaciones, géneros y regiones. La sensibilidad pop de la versión original se fusiona con la fuerza y la identidad del cuarteto , dando vida a una canción que transforma el desamor en una canción para cantar y bailar. "Sobria No Me Aguanto“ retrata el momento posterior a una
ruptura amorosa: la dificultad de soltar, el dolor de ver al otro seguir adelante y la necesidad de encontrar la forma de seguir adelante.
Sobria No Me Aguanto
Pa‘ sacarme de esta pena me ahogaría en el alcohol
Que me arranquen aunque sea un pedazo del corazón
No me aguanto, sobria no me aguanto
Que me maten de una vez, que me quiebren otra vez
Que no quiero conocer otro corazón que no sea que vos tenés
No me aguanto, sobria no me aguanto
Quiero olvidarte y no puedo
Qué largo que se me hizo enero
Me muero y no exagero
Otro 14 de febrero sin vos
No sé qué nos pasó
Quiero olvidarte, qué bueno
Que pudiste hacerlo primero
No mientas, te vieron de la mano con la que decías que no
Me partió el corazón
Qué ganas de enojarme y mandarte al carajo
Respiro hondo hoy no me rebajo
Si reemplazarme ni costó trabajo
Ya la elegiste y con vos no encajó
¿Cómo puedes olvidarte tan rápido de mí?
¿Cómo puedes reemplazarme
tan rápido así?
Sabes que fui la primera
Y aunque ya no me prefieras, busco la manera de
Olvidarte y no puedo
Qué largo que se me hizo enero
Me muero y no exagero
Otro 14 de febrero sin vos
No sé qué nos pasó
Quiero olvidarte, qué bueno
Que pudiste hacerlo primero
No mientas, te vieron de la mano con la que decías que no
Me partió el corazón
Pa‘ sacarme de esta pena me ahogaría en el alcohol
Que me arranquen aunque sea un pedazo del corazón
No me aguanto, sobria no me aguanto
PRENSA
MP Comunicación
María Peluffo maria@mariapeluffo.com
VIDEO
Sobria no me aguantoValentina Olguin Ft. Olivia Wald (Videoclip oficial)
Miriam Martino presenta un espectáculo poético, musical y escénico:
Voces en mi canto
Piano: Pepo Lapouble
Artista invitada en agosto: Laura Peralta (coplera)
Lo que comenzó como una única presentación se convirtió en un ciclo. Empezó en octubre de 2025 y continuó su recorrido en 2026 en La Biblioteca Café. Tras sus presentaciones de abril y junio, Miriam Martino volverá a encontrarse con el público en agosto y octubre para seguir explorando un universo donde la canción, la poesía y la escena dialogan de manera permanente.
Con una singular capacidad para emocionar, la artista fusiona melodía, palabra y presencia escénica en un recorrido que
atraviesa distintos géneros de la canción de autor. En cada encuentro propone habitar la música desde una interpretación profundamente personal, donde el verso se vuelve cuerpo y la canción, experiencia compartida.
PRESENTACIÓN:
Sábado 29 de agosto a las 21h.
Entrada $20.000
Lugar: La Biblioteca Café
Marcelo T. de Alvear 1155 CABA
Con ciertos guiños teatrales
Martino aborda canciones que se entrelazan con textos y
escenas. A veces, una canción puede verse interrumpida por otra canción o por un texto, generando nuevos sentidos a partir de esas asociaciones y cruces escénicos. Siempre desde versiones con una impronta muy personal, la artista propone un recorrido por un repertorio que desafía los límites de los géneros musicales. Un universo unificado por la grandeza de los artistas que interpreta y por un profundo hilo conductor ligado a la canción de autor. Su versatilidad le permite transitar un amplio espectro MiráBA 186
musical sin perder identidad interpretativa y recorrer las creaciones de Lina Avellaneda, Cátulo Castillo, Chabuca Granda, Chico Buarque, Eladia Blázquez, Fernando Cabrera, Fito Páez, Héctor Negro, León Gieco, María Elena Walsh, Silvio Rodríguez, Teresa Parodi, Víctor Heredia, Violeta Parra, Manuel J. Castilla y Cuchi Leguizamón.
FICHA:
Canta: Miriam Martino
Piano: Pepo Lapouble
Artista invitada en esta fecha: Laura Peralta
Fotos: Moro Teufel (Pepo Lapouble y Miriam Martino) y Majo Minatel (Laura Peralta)
Prensa: Paula Simkin
Miriam Martino es una cantante, intérprete y actriz argentina con una extensa trayectoria artística centrada en la música popular, el teatro musical y la canción latinoamericana. Inició su camino profesional en la música en los años de la recuperación democrática, realizando recitales junto a figuras fundamentales de la canción popular como Armando Tejada Gómez y Hamlet Lima Quintana, recorriendo distintos escenarios del país.
Ha trabajado en teatro, cine y televisión, construyendo un perfil artístico que combina su potencia vocal con una sólida presencia escénica. Su formación literaria y su recorrido teatral dialogan
permanentemente con su trabajo musical. Ha presentado espectáculos con guiones propios entre ellos Síndrome de amor (a partir de la canción de Víctor Heredia) y los unipersonales María Elena, nuestra cigarra y Chabuca, Eladia y Violeta. Su voz y universo interpretativo atraviesan distintos estilos y géneros, siempre con un mismo norte: rescatar y volver a poner en circulación la obra de grandes artistas latinoamericanos. Fue
ganadora de los premios Hugo Midón, Estrella de Mar y José María Vilches. Multi nominada a los ACE, los Hugo y los Estrella. Su trabajo artístico combina potencia vocal, teatralidad y una profunda sensibilidad para convertir cada canción en una experiencia escénica. (Siguiente presentación: 10 de octubre a las 17h)
PRENSA: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com
VIDEO
Miriam Martino - El Puente De Los Suspiros - 04/05/19
JOSÉ LUIS AGUIRRE PRESENTA
«JOSÉ LUIS AGUIRRE AL SOL»
El pasado 26 de junio, José Luis Aguirre estrenó «José Luis Aguirre al sol”, un nuevo trabajo discográfico que profundiza una de las propuestas más personales y poéticas de la canción argentina contemporánea.
El álbum reúne composiciones atravesadas por la ternura, la amistad, la naturaleza, la memoria y el misterio. Canciones que celebran los encuentros, los pequeños gestos cotidianos y la capacidad de asombro como formas de habitar el mundo.
Los primeros adelantos permiten descubrir parte de este universo creativo. “Mandarina al sol” propone una celebración de la
alegría compartida y del tiempo vivido junto a otros.
“Mandarina al sol” es una canción para compartir. Como una fruta que se reparte entre quienes queremos, cada canción de este disco tiene un gajito de mística, un gajito de lucha, otro de ternura y pasión, otro de alegría. Es una invitación a regalarse tiempo, quizás lo más valioso que tenemos”, expresa el artista.
Por su parte, “Deslumbrando el tiempo” se adentra en los territorios de lo intangible y lo espiritual.
“La canción busca acercarse al misterio, a eso que no tiene
forma y escapa a la razón, pero que nos habita profundamente. Lo sutil y lo mágico, aquello que le da sentido a todo”, señala Aguirre sobre esta composición con música de Demi Carabajal.
Con producción artística compartida junto a Juan Murúa, Francisco “Pancho” Miranda y Luciano De La Rosa, el disco reúne un destacado grupo de músicos invitados y propone una experiencia sonora donde conviven la profundidad poética, la riqueza musical y una identidad profundamente latinoamericana.
BIOGRAFÍA
José Luis Aguirre es uno de los compositores, cantantes y poetas más destacados de
la música popular argentina contemporánea. Nacido en Villa Dolores, en el Valle de Traslasierra, Córdoba, ha desarrollado una obra singular que enlaza la tradición folklórica con una mirada poética, filosófica y profundamente ligada al territorio.
Dueño de una voz autoral inconfundible, ha construido un repertorio que se distingue por la riqueza de sus imágenes, la profundidad de su escritura y una permanente búsqueda estética. Sus canciones nacen del encuentro entre la experiencia cotidiana, los paisajes serranos, la memoria colectiva y una profunda reflexión sobre la condición humana, configurando una obra que amplía los horizontes de la canción popular argentina.
A lo largo de su trayectoria ha publicado discos, libros de poesía y composiciones que se han convertido en referencias ineludibles dentro del cancionero actual. Su trabajo artístico se caracteriza por una capacidad poco frecuente para unir sensibilidad, compromiso, belleza literaria y emoción popular.
Fue Revelación del Festival Nacional de Folklore de Cosquín en 2010 con su canción “La Transerrana”. En 2020 obtuvo el Premio Gardel al Mejor Álbum de Folklore por “Chuncano” y en 2024 recibió la Consagración de Cosquín gracias a “Canción bonita para mi barrio”. En 2025 fue distinguido con el Premio
Konex como uno de los cinco solistas más influyentes de la música popular argentina de la última década.
Con “José Luis Aguirre al sol”, el artista cordobés inaugura una nueva etapa creativa, reafirmando una obra que continúa creciendo desde la autenticidad, la poesía
y una mirada profundamente humana sobre el mundo.
Contacto de prensa: Federico “Poni” Rossi piukemil@gmail.com IG: @federico_poni_rossi
VIDEO Mandarina al sol
PAULINHO DA VIOLA EN ARGENTINA
El legendario cantante, guitarrista, cavaquista y compositor brasileño llega a la Argentina para brindar un único concierto el sábado 5 de septiembre desde las 20h en Deseo, Av. Chorroarín 1040, CABA.
Entradas disponibles a través de Enigma Tickets: www.enigmatickets.com
Paulinho da Viola, uno de los músicos más relevantes de la música popular de Brasil, llega a nuestro país para presentar su espectáculo Quando o samba chama, una celebración de su extensa trayectoria en la que revisita sambas históricas
e interpreta grandes éxitos de sus casi sesenta años de carrera con su banda completa integrada por: Beatriz Rabello: voz; Celsinho Silva y Marcos Esguleba: percusión; Ricardo Costa: batería; Matías Correa: bajo; Mario Sève: instrumentos de viento de madera; Adriano Souza: piano y el maestro Paulinho da Viola en voz, guitarra y cavaquinho.
Hijo del gran guitarrista César Faria, Paulinho da Viola es una leyenda viva del Brasil. De la misma generación que Caetano Veloso y Chico Buarque, creció en un ambiente musical por naturaleza. Durante su infancia en Botafogo, barrio tradicional de
la zona sur de Río, tuvo contacto constante con la música a través de su padre, integrante del conjunto Época de Ouro. En los ensayos del conjunto, Paulinho conoció a personajes clave como Jacob do Bandolim y Pixinguinha, entre muchos otros músicos que se reunían para tocar choro o cantar sambas de diferentes épocas.
A lo largo de los años 70s, Paulinho da Viola grabó un promedio de un disco por año, ganó diversos premios y actuó en todo Brasil y el mundo. Ya en los 80s, grabó cuatro discos más y se mantuvo como uno de los principales nombres del samba del país. En los 90s entró en una
nueva fase más sofisticada, pero sin perder su popularidad, como lo demuestran uno de sus más importantes trabajos, el álbum Bebadosamba y el espectáculo homónimo.
La obra de Paulinho da Viola enlaza diversas tradiciones populares, como el samba, el carnaval y el choro, a lo que habría que añadir sus incursiones en la composición de temas para guitarra y piezas de vanguardia.
Acerca de ‘Quando o samba chama’ Tour 2025/2026
En la poesía de Paulinho da Viola, el mar aparece como símbolo de grandeza, misterio, destino e imaginación. Canciones como Mar Grande, Cidade Submersa, Timoneiro, Pra jogar no oceano y Argumento encuentran en la
fuerza del agua un simbolismo para muchas cuestiones del amor y del destino. Otra metáfora menos conocida en la poesía de Paulinho es la de la llama. No es lo mismo que el fuego, que quema y representa la pasión, el impulso y el deseo. La llama es lo que permanece vivo durante mucho tiempo, es lo que no se apaga aunque muchos piensen que ya no está. La llama es perenne, a diferencia del fuego que arde de repente. La llama del samba sigue encendida en Paulinho da Viola, cerca de completar seis décadas de carrera. Esta llama no solo le ilumina, sino que le llama en el sentido de llamarle a, como dice el verso de una de sus canciones, compartir su luz: “Pero si el tiempo está en el sol poniente/ Y del cielo se extrae un trozo de azul /El poeta reaparece y lanza la semilla al aire /Y comparte felizmente su
luz /Cuando llama el samba” (Paulinho da Viola). En este nuevo espectáculo, Paulinho da Viola va en busca de sambas que no ha tocado en el escenario desde hace tiempo, junto a grandes éxitos como: Fue un río que pasó en mi vida, Argumento, Donde el dolor no tiene razón y Pecado capital, entre otros. ‘Quando o samba chama’ es una invitación a celebrar la luz que el poeta comparte tanto con el público que le ha seguido durante mucho tiempo, como con quienes cada día descubren en Paulinho da Viola un nuevo mar de poesía y música.
Acerca de Paulinho da Viola
Uno de los mayores íconos del samba y de la música popular brasileña, Paulinho da Viola ha desarrollado a lo largo de casi 60 años de carrera una obra que u MiráBA 191
es un símbolo de elegancia y sofisticación construida a partir de la tradición de la cultura popular del Brasil. Nacido en un entorno musical en el barrio de Botafogo, en la zona sur de Río de Janeiro, Paulinho da Viola presenció desde muy joven los encuentros musicales promovidos por su padre, el guitarrista César Faria. Se lo considera heredero del legado de compositores como Cartola, Candeia y Nelson Cavaquinho. La importancia de la obra de Paulinho da Viola no radica solo en su carácter popular, como demuestran clásicos como Foi um rio que passa em minha vida, Coração Leviano, Pecado Capital, Timoneiro, Dança da Solidão, entre muchos otros, sino también en la relación con diversas tradiciones como el choro, samba, escuelas de samba y la vanguardia de los años 60. Ganador de muchos premios y reconocimientos, entre ellos dos Latin Grammy, ha colaborado, grabado o participado de conciertos y homenajes con los mayores cantautores de Brasil. Por todo esto, no es posible hablar de música popular brasileña sin dedicar un espacio importante a la obra de Paulinho da Viola.
Otra señal de la representatividad de Paulinho da Viola fue el hecho de que fue elegido para cantar el Himno Nacional en la apertura de los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro 2016. Asimismo, Paulinho da Viola fue invitado a actuar en los principales escenarios internacionales, incluyendo
el concierto celebrado en el escenario principal del Carnegie Hall en 2012, que dio lugar a un gran artículo en el periódico estadounidense The New York Times. En 2016, Paulinho da Viola fue homenajeado con dos conciertos interpretados por la Orquesta Filarmónica de Róterdam en la sala de conciertos De Doelen en los Países Bajos. En 2018, la escuela japonesa de samba G.R.E.S BARBAROS celebró su desfile sobre la
obra de Paulinho da Viola en el Asakusa Samba Canrnival, una de las mayores fiestas callejeras de Tokio, que reúne anualmente a 500.000 espectadores en la capital japonesa.
PRENSA
Marta del Pino mardepinos@gmail.com
VIDEO
PAULINHO DA VIOLA- Onde A Dor Não Tem Razão (Ao Vivo)
Violeta presenta su álbum debut en Thames "Antes
de irme"
La escena argentina del indie pop y R&B alternativo está cada día más fuerte y una muestra de ello es la cantidad de artistas jóvenes que, desde el under, la alimentan con lanzamientos y espectáculos sólidos. Un ejemplo de ello es “Antes de irme”, el álbum debut de Violeta , el cual conocimos en mayo de este año y que tendrá su presentación oficial el viernes 28 de agosto en el Cultural Thames.
Cuando le damos play a las siete canciones forman parte de este disco nos encontramos con una obra sensible y nostálgica la cual, junto a una clara identidad visual, logra construir un universo propio tan íntimo como universal porque analiza vínculos, el desapego y la dificultad de abandonar aquello que ya no nos hace bien (incluso cuando sabemos que es necesario hacerlo).
“Antes de Irme nació de una pregunta simple: ¿por qué a veces nos cuesta tanto irnos de lugares, relaciones o versiones de nosotros mismos que ya no nos hacen bien?” , plantea Violeta, quien, a nivel sonoro, combina guitarras, sintetizadores, teclados y capas atmosféricas.
“La producción busca acompañar el recorrido emocional de las canciones,
alternando momentos de mayor intimidad con pasajes más expansivos y cinematográficos.
‘Antes de Irme’ es una nueva etapa para mí como compositora e intérprete”, concluye Violeta.
VIDEO Ya no duele - Violeta (Video Oficial)
CARCA celebra los 30 años de “A Un Millón de Años Blues”
El próximo 9 de octubre a las 21:00 horas, La Trastienda será el escenario de una celebración histórica para el rock argentino: Carca celebrará las tres décadas de “A Un Millón de Años Blues”. Este concierto promete revivir la crudeza psicodélica y el groove de un álbum fundamental que moldeó la identidad del artista y aportó una dosis de mística espacial a la música de los años noventa.
Publicado en 1996, este disco funcionó como su declaración de independencia absoluta, mientras la escena de la época oscilaba entre el grunge y la electrónica incipiente, Carca
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fusionó el blues clásico con sintetizadores analógicos y una estética glam única, definiendo de manera definitiva el sonido del space blues.
La obra lo consolidó como un autor impredecible y le valió el respeto inmediato de sus pares, pavimentando su camino para convertirse en aliado histórico de Babasónicos y colaborar con figuras de la talla de Ian Brown (The Stone Roses), Sr. Flavio (Los Fabulosos Cadillacs), Bernard Fowler (The Rolling Stones), Alaska (Alaska y Dinarama / Fangoria), Andrés Calamaro, Daniel Melero, Daniel Melingo, Kinky, Attaque 77, Los Espíritus,
entre muchos otros.
En este esperado reencuentro en el emblemático local de San Telmo (Balcarce 460), el músico repasará el disco homenajeado de punta a punta, además de recorrer los hitos más pesados y sensuales de toda su discografía. Las localidades para este ritual sónico ya están disponibles a través de passline o directamente en la boletería del lugar.
CARCA celebra los 30 años de “A Un Millón de Años Blues” en La Trastienda Balcarce 460, San Telmo, CABA.
Viernes 09 de Octubre 2026, 21:00 hrs
Entradas disponibles en passline. com
Produce RockCityAgencia.
Más información acerca de CARCA:
Carca es un músico y multiinstrumentista argentino, referente de la escena artística porteña y una de las voces más singulares del rock en castellano. Con más de tres décadas de trayectoria, ha recorrido los principales escenarios de Latinoamérica y colaborado con artistas como Ian Brown (The Stone Roses), Sr. Flavio (Los Fabulosos Cadillacs), Bernard Fowler (The Rolling Stones), Alaska (Alaska y Dinarama / Fangoria), Andrés Calamaro, Daniel Melero, Babasónicos, Daniel Melingo, Kinky, Attaque 77, Los Espíritus, entre muchos otros.
En 1994 inició su camino solista con Miss Universo, seguido por “A Un Millón de Años Blues” (1996), “Carca” (1998), “Nena” (1999), “Divino” (2003), “Uoiea” (2009), el recopilatorio “Carca
Registrada” (2012) y “Carcasutra” (2023). A comienzos de 2024, mientras se preparaba para presentar Carcasutra en vivo y emprender su gira de promoción, debió afrontar una internación de diez meses a la espera de un trasplante de corazón, del que se recuperó por completo. Durante ese tiempo, convirtió su habitación de clínica en un estudio improvisado y, junto a Panky Malissia (baterista de Julieta Venegas) y Tuta Torres (bajista de Babasónicos), comenzó a gestar su noveno álbum. En octubre de 2025, salió su tan esperado disco: “Exultante” con excelentes críticas, entrevistas y reseñas en los medios más importantes del país, ¡fue presentado en La Trastienda de Bs. As. con entradas sold out! El disco tuvo su gran reconocimiento al ser ganador del premio a Mejor álbum de rock alternativo en los Premios Gardel 2026.
Carca Ha llevado su música por gran parte de Argentina y a países como España, México, Chile y Uruguay. Su creatividad también se ha extendido a la actuación: protagonizó la serie
Nafta Súper (junto a Pablo Rago) y participó en la película Kryptonita (con Diego Capusotto y Juan Palomino), además de intervenir como invitado en la serie Los Sónicos, junto a Hugo Arana, Norman Briski y Roberto Carnaghi. Su vínculo con Babasónicos es inseparable: amigos desde la adolescencia, han colaborado en múltiples ocasiones y, desde 2007, Carca es miembro estable de la banda.
Un disco donde la artista argentina transforma sus dudas, aprendizajes y emociones en ocho canciones profundamente personales.
La cantante y compositora argentina Chule presenta Reflexiones de mi vida hasta ahora, su tercer álbum de estudio. A sus 27 años, la artista nacida en Pehuajó (Provincia de Buenos Aires) inaugura una nueva etapa artística con un trabajo de ocho canciones que funciona como una fotografía de su presente: un recorrido por las preguntas, los cambios y las emociones que acompañan el paso hacia la vida adulta.
Reflexiones de mi vida hasta ahora funciona como un diario abierto. A lo largo de sus ocho canciones, Chule pone en palabras las presiones por alcanzar la perfección, la construcción de la identidad, el amor, la ansiedad, las responsabilidades, la pérdida y la importancia de encontrar un equilibrio entre los sueños personales y la vida cotidiana.
“A mis 27 años me encontré replanteándome muchos aspectos de mi vida. Empecé a abrazar la adultez, a construir mi propia identidad y a romper conceptos que había aprendido durante años. También entendí que quería encontrar un equilibrio
entre el trabajo y mi vida personal, buscando una versión de mí más plena y feliz. Este álbum habla de todo ese proceso porque siento que son preguntas que muchos nos hacemos”, expresa Chule.
Cada canción representa un momento distinto de ese camino. Desde “Para ser perfecta”, que habla de la presión constante por cumplir expectativas, hasta “Cuando firmé este contrato?”, una reflexión sobre el peso de las responsabilidades y la ansiedad por el futuro. “30 horas” aborda el desafío de amar sin dejar de elegirse a uno mismo, mientras que “Pin en el mapa “ celebra el encuentro con la propia identidad y la importancia de construir
vínculos desde la libertad.
El álbum también encuentra espacio para mirar hacia atrás y agradecer el recorrido. En “Rompecabezas de plastilina”, Chule imagina la vida como un rompecabezas cuyas piezas cambian de forma con cada decisión que tomamos, mientras que “3 chiquitos y 1 perrito adoptado “ reflexiona sobre cómo el futuro pocas veces sucede como lo imaginamos, y cómo aprender a disfrutar el presente termina siendo mucho más importante que intentar controlarlo todo. “Blackjack”, por su parte, está dedicada a las personas que ya no están, transformando el dolor de la
ausencia en un homenaje a vivir plenamente en honor a ellas.
“Lo que más rescato de este proceso es que, en mis momentos más bajos, lo que me ayudó fue compartir con mi gente y aferrarme todavía más a la música. Con este disco quiero mostrar que no siempre estamos bien, y que eso también está bien. Compartir lo que nos pasa puede acercarnos mucho más a los demás de lo que imaginamos”, concluye la artista.
Luego de presentar una serie de adelantos durante los últimos meses, Reflexiones de mi vida hasta ahora llega para completar la historia y mostrar la obra en su totalidad, consolidando el momento más honesto y personal de Chule hasta la fecha.
Reflexiones de mi vida hasta ahora
1.Para ser perfecta
2.Pin en el mapa 3.30 horas
4.Rompecabezas de plastilina
5.Cuándo firmé este contrato?
6.Blackjack
7.Mi forma de ser
8.3 chiquitos y 1 perrito adoptado
Sobre Chule
Chule es una artista argentina de 27 años de Pehuajó (Provincia de Buenos Aires). Ha hecho diversas colaboraciones musicales: con Los Tekis, Los Auténticos Decadentes, Juan Ingaramo, Bauti Mascia, Ramiro Bueno y Fran Charco entre otros. Reflejando la versatilidad de la
cantautora al combinar diferentes géneros musicales.
Chule ha tenido la oportunidad de acompañar a la legendaria banda mexicana Jesse & Joy en su gira de veinte conciertos a lo largo de USA y de abrir los conciertos del canadiense Shawn Mendes en el Movistar Arena de Argentina. Ha demostrado su talento en la actuación en la serie de Netflix “Millennials” y en el show televisivo “Bailando Por Un Sueño”. También ha realizado shows propios en México, Chile, USA, Uruguay y en más de quince provincias argentinas. Ha sido invitada a los escenarios de Rombai, Destino San Javier, Axl y el colombiano Santi Cruz como algunos ejemplos.
En RRSS tuvo cruces musicales con Maluma, Pedro Capó, Farruko, Sebastián Yatrá, Wisin, Mau & Ricky, Becky G, La Sole, Tini y Reik entre muchos otros.
Tiene su versión propia del himno nacional argentino, utilizado por Las Leonas en la copa del mundo Londres 2018.
Actualmente Chule tiene publicadas via Warner Chappel
Music más de 38 canciones propias, además de un álbum en homenaje al folklore argentino llamado «Folk».
En 2023 hizo el opening del uruguayo Cardellino en el Luna Park, cómo así también del peruano Gian Marco y del riojano Sergio Galleguillo, ambos en el Teatro Gran Rex. Además lanzó su balada pop llamada “Agradezco haberme equivocado”, como así también el feat. «Pa Decir Adiós» junto a la banda Lemonchamp.
En 2024 colaboró con Agapornis en un clásico de Chayanne y publicó un EP de su show en vivo en Belo Horizonte (Brazil). Su último lanzamiento se llama “Intentarlo Una Vez Más” y junto a Los Totora salió el clásico de Marcela Morelo “Te está pasando lo mismo que a mi”, versión cumbia.
MP Comunicación
María Peluffo https://linktr.ee/maria_peluffo_ marketing
VIDEO
Chule - 30 Horas (video lyric)
CHIMBALA PRESENTA
"ROMO"
SU ESPERADO EP DEBUT, JUNTO AL FOCUS TRACK GLOBAL CON J BALVIN
El referente dominicano une fuerzas con el artista global multi-platino en una colaboración única que busca impulsar la expansión global del dembow.
Chimbala, una de las figuras más influyentes del dembow dominicano y uno de los artistas que más ha contribuido a la expansión internacional del género, presenta ROMO, su esperado EP debut. El proyecto de siete canciones fue desarrollado íntegramente junto a B One „El Productor de Oro“, colaborador clave detrás de algunos de los mayores éxitos de su carrera y una de las mentes creativas más importantes del movimiento urbano dominicano.
Como focus track del proyecto llega „ROMO“, una poderosa colaboración junto a J Balvin que conecta la energía e influencias de República Dominicana y Colombia en una propuesta que celebra la evolución del dembow. Con la intención de trascender fronteras globales, el tema busca llevar estos ritmos a nuevas audiencias internacionales y convertirse en un próximo himno de verano.
Musicalmente, „ROMO“ es una explosiva fusión de electrónica y urbano latino. Chimbala lidera con un coro altamente contagioso, „Si llueve ROMO me baño en
el aguacero”, incorporando una expresión auténticamente dominicana que hace referencia al ron, mientras J Balvin aporta un verso cargado de actitud, barras sólidas y el sello creativo que lo llevó a definir una de las trayectorias más influyentes de la música latina a nivel global.
El resultado es un himno diseñado para discotecas, festivales, celebraciones y momentos donde convergen la música, el fútbol, el verano y la cultura latina.
Más allá del sencillo principal, ROMO representa una evolución artística para Chimbala. Sonoramente, el proyecto
expande el universo tropical y energético que ha definido su carrera, mezclando dembow dominicano con influencias electrónicas y sonidos globales diseñados para conectar con audiencias internacionales.
Entre los temas destacados del EP se encuentra „ELENA“, una propuesta electrónica atrevida y explosiva que muestra una faceta diferente del artista, así como „PA LA CALLE ME VOY“, una fusión entre dembow y regional mexicano que recuerda el espíritu crossover de éxitos anteriores como „Que Se Cuide“, junto a Luis R Conriquez y Joel de la P.
Chimbala: llevando el dembow dominicano al mundo
A lo largo de los años, Chimbala se ha consolidado como uno de los artistas más importantes y consistentes del movimiento urbano dominicano. Su energía arrolladora, carisma y sonido inconfundible lo han convertido en una referencia obligada dentro del género.
Su fenómeno global “Che Che” superó los 1.7 millones de creaciones en TikTok y trascendió la música cuando Fortnite lanzó un emote oficial inspirado en su baile viral, llevando el dembow dominicano a una audiencia global dentro del universo gamer.
Su trayectoria incluye colaboraciones con artistas de talla internacional como Zion & Lennox, Wisin, Justin Quiles, Luis R Conriquez, Carin León, Carlos Vives y El Alfa, demostrando una versatilidad que le ha permitido navegar distintos géneros sin perder la esencia que lo caracteriza.
Con ROMO, Chimbala abre un nuevo capítulo en su carrera y reafirma su misión de seguir elevando la bandera de República Dominicana ante el mundo. El EP no solo celebra la evolución de su sonido, sino también la transformación del dembow en un movimiento cultural con impacto global.
ROMO es energía, identidad y celebración latina. Un proyecto
que confirma que el dembow continúa rompiendo fronteras y conquistando nuevos escenarios alrededor del mundo.
J Balvin: el fenómeno mundial multi-platino
El artista global de la música nominado al GRAMMY®, J Balvin, es un empresario, figura de la moda y una potencia musical aclamada por la crítica que ha roto barreras culturales para convertirse en uno de los artistas más escuchados del mundo. Originario de Medellín, Colombia, se encuentra entre los artistas latinos más vendidos, con más de 35 millones de discos a nivel mundial, siendo un referente de la nueva era de la música latina y continuando cimentando las bases para nuevos artistas.
Su séptimo álbum de estudio, Rayo, fue nominado a un Premio GRAMMY® en 2025, y sus logros incluyen premios en los Billboard Music Awards, los American Music Awards y cinco Latin GRAMMYs. Dejando una huella en la música, la moda, el arte y el impulso a las comunidades,
J Balvin sigue liderando la representación en diversas industrias y está comprometido con empoderar a la próxima generación en su ciudad natal de Medellín y más allá, a través de su iniciativa filantrópica, Vibra En Alta.
En 2024, amplió su visión creativa con el lanzamiento de Vita Veloce Team, un estudio desarrollado junto al diseñador italiano Mattias Gollin. Recientemente, Balvin lanzó Mixteip, proyecto que le valió una nominación al GRAMMY® anglo y reafirmó su capacidad de reinventarse dentro de la música global. Además, junto a Ryan Castro, presentó OMERTA, una colaboración que rápidamente se convirtió en un fenómeno cultural y musical, acumulando millones de reproducciones y consolidándose como uno de los lanzamientos latinos más comentados del año.
El primer álbum solista de la cantora ya está disponible en todas las plataformas digitales.
La cantora, compositora y docente Anabel Urdaniz presenta “Festejo, el instante en el que elegimos la esperanza”, su primer trabajo discográfico como solista. Integrado por once canciones y un relato, el álbum propone un recorrido por la música popular latinoamericana y argentina desde una mirada que celebra el encuentro, la memoria compartida y la construcción colectiva de la esperanza.
Con producción artística y musical de Pablo Vignati, el disco reúne obras de autoras y autores fundamentales del cancionero popular, entre ellas composiciones de Teresa Parodi, Peteco Carabajal, Carlos Aguirre, Jorge Mlikota, Daniel Toro, Eladia Blázquez y Gustavo Leguizamón. El repertorio incluye además “Triunfo para intentar”, una canción inédita compuesta por la propia Anabel Urdaniz.
Las piezas fueron seleccionadas por su capacidad de evocar experiencias comunes y tender puentes entre lo íntimo y lo colectivo. Así, el álbum invita a transitar un camino que va del hogar a las calles compartidas,
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de las historias personales a las causas que abrazan a toda una comunidad.
“El hilo conductor del álbum es la potencia del encuentro, de lo colectivo y cómo en esa fraternidad sucede la alegría, el festejo y, por consecuencia, renace una y otra vez la esperanza de construir un mundo más humano”, señala la artista.
Como adelantos de este trabajo ya se encuentran disponibles los videoclips de “A la abuela Emilia”, “Lejos de ti” y “Triunfo para intentar”, que anticipan el universo poético y sonoro del álbum.
La presentación oficial de “Festejo” será el 5 de septiembre a las 20.30 en el Auditorio
de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Las entradas se encuentran a la venta a través de Alpogo.
Escuchalo el youtube y/o en spotify
LISTA DE CANCIONES:
1- A la abuela Emilia (Teresa Parodi)
2- Festejo
3- Chaya de los Pobres (Ramón Navarro – Roberto Palmer)
4- Triunfo para intentar (Anabel Urdaniz)
5- Beatriz Durante (Carlos Aguirre)
6- La Alucinada (Jorge Mlikota)
7- Cuando tenga la tierra (Ariel Petrocelli – Daniel Toro)
8- El campo te está esperando (Peteco Carabajal)
9- Entre a mi pago sin golpear (Pablo Raúl Trullenque – Carlos Carabajal)
10- Lejos de ti (Gian Marco)
11- Zamba del laurel (Armando Tejada Gómez – Gustavo Leguizamón)
12- El Corazón al Sur (Eladia Blázquez)
FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
• Producción musical y edición: Pablo Vignati
• Producción visual: Diego Oliveras
• Mezcla y masterización: Facundo Lizondo
• Grabado en: Mirífico Estudios / La Plata / 2025.
MÚSICOS
PARTICIPANTES:
• Anabel Urdaniz (voz)
• Pablo Vignati (voces, guitarras, quena, charango y percusión)
• Cecilia Mónica Cattáneo (voces)
• Charly Palermo (bajo)
• Tamara Meschller y Benjamín Molina Chazarreta (violines)
• Matías Fourcade (flauta Traversa y armónica)
• Manuela Pérez Crispiani (bandoneon)
• Juan Carlos Marin (bandoneon en La alucinada)
• Vilma Wagner (piano)
• Clara Schiavoni (contrabajo)
• Maricel Turkovich (cello)
• María Florencia Diaz López (trompeta)
• Cristián Ángel Alderete (trombón)
• Laura Muiño, Guillermina Haramburu, Silvana Dimatteo,
Florencia Urdaniz, Delfina Gil, Emmanuel Millar, Leandro Romanut, Gabriel Avalos
ARTE Y GRÁFICA:
• Diseño gráfico: Diego Oliveras
• Fotografía: Guillermina Haramburu
• Dirección de arte: Florencia Urdaniz
• Producción Audiovisual
SBWHITE Producciones
BIOGRAFÍA
Nacida en La Plata y criada en General Belgrano, Anabel Urdaniz es cantante, compositora, periodista y
docente. Estudia Música Popular en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata y desarrolla una trayectoria artística vinculada al folklore y la canción popular.
Su recorrido discográfico incluye el álbum en vivo “Cruzados” (2009) y “Umbrales” (2018), grabado junto a la agrupación Ahicito Tuito. “Festejo, el instante en el que elegimos la esperanza” marca un nuevo paso en su camino artístico y constituye su presentación discográfica como cantora solista.
PRESENTACIÓN:
5 de septiembre, 20.30h. Auditorio de la Facultad de Artes de la UNLP (Diag. 78 n° 680). Entradas a la venta en alpogo. com
Luego del lanzamiento de su álbum KM0 a finales de 2025, Pablo Alborán continúa ampliando este nuevo capítulo artístico con “Tiempos Bonitos”, un sencillo inédito que reafirma su búsqueda sonora y llega en plena gira mundial Global Tour KM0. Tras presentar este año “Algo de mí”, el cantante español vuelve con una propuesta fresca que explora nuevos matices dentro de su universo musical.
Con un ritmo que combina influencias afro y latinas, “Tiempos Bonitos” muestra una faceta más bailable de Pablo Alborán. La canción habla de una relación que quedó atrás y de esos recuerdos que, con el paso del tiempo, siguen presentes.
El lanzamiento llega acompañado por un videoclip
registrado durante los conciertos que el artista ofreció en el Movistar Arena el pasado mes de mayo.
MP Comunicación
María Peluffo maria@mariapeluffo.com
VIDEO
Pablo Alborán Tiempos bonitos (Videoclip Oficial)
ULYSS Y EL INICIO DE UNA NUEVA ERA
“DESCONOCIDOS”
Ulyss presenta “Desconocidos”, un lanzamiento que representa un punto de inflexión en su carrera. La canción inaugura una nueva etapa creativa en la que el artista se anima a explorar de lleno el pop/rock, el género con el que creció y que hoy elige abrazar como parte de su identidad musical.
Reconocido por su versatilidad y por experimentar con diferentes sonidos, Ulyss encuentra en “Desconocidos” una forma de volver a sus raíces sin perder la esencia que lo caracteriza. La canción combina una producción moderna con una impronta emocional, dando lugar a una propuesta honesta que refleja un momento de transformación tanto artística como personal.
“Esta canción marca un antes y un después en mi carrera como artista, y también en mí como persona. Es la primera vez que me animo a dar el paso hacia la música que escuché toda mi vida: el pop/rock. Si bien me fascina explorar géneros, mezclándolos, experimentando con tendencias y alternándolos con sonidos menos mainstream, hoy siento que es momento de volver a mis raíces, y Desconocidos es el puntapié inicial de este momento de mi vida”, expresa Ulyss
Con este lanzamiento, Ulyss
abre un nuevo capítulo en su camino musical, apostando a un sonido auténtico que conecta con sus influencias y con una búsqueda artística cada vez más personal.
SOBRE ULYSS
Ulyss es cantante, autor y productor argentino. Se formó en Los Ángeles, California, donde obtuvo el Bachelor of Music in Music Production & Recording en el Los Angeles College of Music. Su identidad musical está atravesada por el R&B, el Soul,
el Pop y el Gospel, géneros que conviven con una constante inquietud por experimentar y evolucionar.
Entre sus principales influencias se encuentran Justin Bieber, Chris Brown, Zayn, Beéle, Feid, Jay Wheeler y Bryson Tiller, entre otros artistas que marcaron su desarrollo musical.
En paralelo a su crecimiento artístico, Ulyss logró un importante alcance en TikTok, donde superó los 50 mil seguidores y acumula más de 1,4 millones de “Me Gusta” , viralizando numerosos contenidos y consolidando una comunidad cada vez más activa que acompaña el desarrollo de su carrera.
PRENSA: MKT COMUNICACIÓN
Giuliana Serri giuli@vickyroa.com.ar
VIDEO
Ulyss - Desconocidos (Official Video)
Cine
ACHALAY CINE presenta: Tierra Citrus
La ópera prima de Ayelén Agüero
Con una perspectiva inclusiva y ecofeminista, Tierra Citrus explora la conexión entre el suelo, los cuerpos y la resistencia. La película nos invita a un viaje sensorial a través de paisajes rurales y tradiciones ancestrales, proponiendo emociones que articulan poéticamente una cosmovisión mágica y sensible.
SINOPSIS
En los campos de limones de Alpachiri, en el norte argentino, los cuerpos explotados de los
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trabajadores de la tierra se contraponen con la mirada de Lucía, una niña que quiere curar con sus rituales la tristeza de su abuelo.
FUNCIONES CONFIRMADAS:
Jueves 13 y sábado 15 de agosto a las 20h, en el Cine Gaumont, Av. Rivadavia 1635, CABA.
Sábado 22 de agosto a las 16h, en el Museo del Cine, Agustín R. Caffarena 51, CABA.
Jueves 27, viernes 28 y sábado 29 de agosto en Sala Hynes O´
Connor, Tucumán. Miércoles 2 y 9 de septiembre en Sala Lúcida, Av. Cabildo 4740, CABA.
PALABRAS DE LA DIRECTORA
Este proyecto nació de una experiencia íntima y familiar. Parte de mi familia materna trabajó, y aún trabaja, en la cosecha de limones en el departamento de Chicligasta, al sudoeste de Tucumán. Una generación de hombres comenzó a trabajar desde muy temprana edad y vio su vida
atravesada por la dureza del trabajo rural, dejando en sus cuerpos y en su forma de habitar el mundo las huellas de esa experiencia.
Mi infancia junto a mis abuelos estuvo marcada por relatos, silencios y saberes ligados al campo. Esas memorias se transformaron con el tiempo en el núcleo emocional de esta película. A partir de ellas surge el personaje de Don Pablo, un trabajador del limón de más de sesenta años, a través del cual el film observa el paso del tiempo sobre el cuerpo, el desgaste físico y la persistencia del trabajo como una forma de identidad.
La propuesta formal combina ficción y documental observacional, construyendo retratos íntimos de personajes no actores, muchos de ellos integrantes de mi propia familia y de la comunidad, que dialogan con su realidad frente a cámara. Esta forma híbrida
me permite explorar un territorio donde memoria, representación y experiencia conviven desdibujando los límites entre lo vivido y lo ficcional.
La película también pone el foco en las mujeres y en la transmisión de saberes invisibilizados, así como en la vida cotidiana de un pueblo atravesado por la economía citrícola. En ese paisaje aparecen las consecuencias de una crisis social y económica que se expresa en las prácticas de fe, los vínculos comunitarios y las formas en que las nuevas generaciones buscan imaginar un futuro diferente.
La película construye una mirada cercana, sensible y respetuosa sobre quienes habitan este territorio humano y productivo. A través de ella busqué retratar su dignidad, su fragilidad y su capacidad de resistencia, permitiendo que el paisaje, los cuerpos y el paso del tiempo dialoguen entre sí sin imponer
respuestas cerradas.
Actualmente me encuentro desarrollando mi segundo largometraje, concebido como una continuación temática de este universo y pensado como el inicio de una saga cinematográfica. Si esta primera película indaga en las relaciones entre cuerpo, territorio y trabajo, el próximo proyecto profundizará en las relaciones de poder y en la experiencia de la migración, con Estados Unidos como escenario principal y una mujer como protagonista. Me interesa seguir explorando, desde distintas geografías cómo los desplazamientos, las estructuras de poder y las memorias personales moldean nuestras identidades y la manera en que habitamos el mundo.
BIO DIRECTORA
Ayelén Agüero es una artista multidisciplinaria argentina con base en Nueva York. Estudió Dirección de Cine y enseñan- u MiráBA 205
zas en Artes audiovisuales en ENERC/UNSAM (Argentina) y realizó el Programa de Cine en la Universidad Torcuato Di Tella (Argentina). A través de la fotografía, la performance, el video y la escritura creativa, Ayelén explora desde la experiencia personal la manera en que las sociedades se construyen en torno al cuerpo físico y material. Su trabajo indaga la relación entre el cuerpo y el trabajo, anclándose en una búsqueda formal y poética heredera del cine social. Su obra ha sido exhibida en Argentina, Perú, España, México, Chile, Alemania y Estados Unidos. Ha recibido becas de creación del Fondo Nacional de las Artes (Argentina, 2020 y 2021) y el Premio Kenneth Kemble en Artes Visuales (2022). Se ha desempeñado como asistente de dirección y jefa de producción. Tierra Citrus es su primer largometraje.
Tierra Citrus
Argentina / 2025 / 65 min
Idioma original: español
Grabada en provincia Tucumán, Argentina
Calificación: ATP
DCP, 2K, Sonido Dolby 5.1
Ventanilla de proyección: 16:9
Intérpretes.
Lucia Rodriguez, Kika
Rodriguez, Julio Lucena
Dirección y Guión:
Ayelén Agüero
Producción:
Ayelén Agüero, Sergio Bonacci Lapalma , Francisco D’ Eufemia
Dirección de Fotografía:
Nadia Neder
Música: Tomás Di Tella
Sonido: Sidka Saavedra Vera
Edición: Julia Straface, Verónica De Cata FESTIVALES
Mención especial WIP - LA MUJER Y EL CINE - Buenos Aires, Argentina, 2024
Panorama Argentino - LA MUJER Y EL CINE - Buenos Aires, Argentina, 2025
Competencia oficial y mención especial en FESTIVAL DE CINE DE LAS ALTURAS - Jujuy, Argentina, 2025
Panorama en SANTIAGO DEL ESTERO FILM FEST - Santiago del Estero, Argentina, 2026
PRNSA
Julieta Bilik https://www.julietabilik.com.ar/
VIDEO
TRAILER Tierra Citrus
MiráBA 206
Sí, cambio
La ópera prima de Juan Morgenfeld,.
Esta antipelícula de detectives que protagonizan Tamara Leschner y María Villar participó de la Competencia Oficial Vanguardia y Género del 27 BAFICI donde obtuvo dos menciones. Con la participación de Fabián Arenillas, es una comedia hierática de encuentros inesperados en la gran ciudad.
SINOPSIS
Carla, una detective privada, pasa los días en su auto siguiendo a un sospechoso al que casi nunca ve. Mientras intenta avanzar con el caso, revisa sus vínculos más cercanos. La aparición inesperada de Alicia, una vecina, desarma la investigación y su vida personal.
CON LAS ACTUACIONES DE
Tamara Leschner
María Villar
Natasha Zaiat
Inés Urdinez
Fabián Arenillas
Horacio Marassi
Gustavo Sack
Liliana Iglesia
Julián Vila Graca
Franco Campanela
PALABRAS DEL DIRECTOR
La película surge de una imagen que se me apareció de repente: una detective haciendo tiempo frente al edificio de un sospechoso. A partir de esa imagen escribí un guion de treinta páginas que fuimos completando tanto en los ensayos como durante el rodaje. La película tiene muchos diálogos improvisados
ya que quise apoyarme en la calidad de los actores para que fueran ellos quienes terminaran de completar la historia.
La filmamos en seis jornadas y es mi ópera prima. El objetivo principal era llegar a filmar todo lo planeado, que no quedara nada afuera. Por eso, mientras escribía el guion, fui pensando todo el tiempo en las locaciones y en que cada escena fuera posible de realizar en menos de una semana.
La película tuvo dos grandes inspiraciones. El primero fue Matías Szulanski, con quien tengo el privilegio de venir trabajando en sus últimos proyectos. Con él aprendí una forma muy particular de hacer cine: con poco presupuesto, en pocas jornadas, filmando u MiráBA 209
por el mero placer de filmar y buscando siempre la mejor película posible con los recursos disponibles. La segunda inspiración fue El custodio, de Rodrigo Moreno. Siempre me asombró la manera en que Moreno logra filmar esos tiempos muertos que la mayoría de las películas suele despreciar y fue justamente eso lo que intenté llevar al extremo en esta historia: que toda la película fuera, de algún modo, un gran tiempo muerto.
BIO DIRECTOR
Juan Morgenfeld nació
en 1996 en Buenos Aires, Argentina). Licenciado en Artes Audiovisuales por la Universidad Nacional de las Artes. Guionista de Las Reglas del Juego y En el cine, ambas estrenadas en BAFICI 2025, y de Cuento de Verano, presentada en el Tallinn Black Nights Film Festival en 2025. Sí, cambio es su ópera prima como director, que recibió dos menciones especiales en la 27ª edición del BAFICI: Mejor Dirección de Largometraje Argentino en la Competencia Vanguardia y Género, otorgada por PCI (Asociación de Cine Independiente); y Mejor Actuación para Tamara Leschner, otorgada por el jurado oficial.
DEL CATÁLOGO DEL 27º BAFICI, por David Obarrio:
“La belleza de películas como esta es que no hay dónde
meterlas. Algo de comedia, un poco de emoción callada (las cosas que más importan no se dicen del todo), ciertas dosis de neurosis urbana y de aventura, un determinado gusto por la errancia y los encuentros inesperados; en suma, un sinfín de gestos que el cine tiende a compartimentar para alimentar así su vocación de guardián del interés del espectador. Sí, cambio, esta distinguida película de pesquisa, esta comedia atenta siempre al desvarío como síntoma, opera entonces como dispensario de situaciones que se retraen, que se agazapan, que parecen respirar en la sombra esperando tomar la palabra. Feliz forma de antipelícula de detectives, tiene en María Villar y Tamara Leschner una carta ganadora: las reinas de la comedia hierática”.
Sí, cambio (2026, 87 minutos, Argentina)
Guion y Dirección:
Juan Morgenfeld
Producción: Sol Foglia
Edición:
Lucio Giménez
Dirección de fotografía:
Gonzalo Zilberman
Joaquín Marracini
Dirección de arte:
Camila Galliani
Sonido y mezcla:
Federico Zampieri
Música:
Federico Zampieri
Pobre Morales
Asistente de dirección:
Tomás Pernich
Asistente de arte:
Ludmila Muñoz Catovsky
Asistente de producción:
Mia Amore
Asistentes de fotografía:
Antonella Mónaco
Manuel Cuisiniez
Camila Battista
Tomás Ollarce
Esteban Santamarina
Santiago Cupi
Asistentes de sonido/ microfonistas:
Paula Manini, Sofía Argañaráz
Corrección de color:
Santiago Galafassi
VFX:
Santiago Galafassi
Facundo Cuello
FESTIVALES
La película participó de la Selección Oficial Vanguardia y Género, de la 27° edición del
BAFICI. Ganó una mención especial a mejor actuación, para Tamara Leschner. Dentro de los premios no oficiales, PCI Cine otorgó una mención especial a mejor dirección para Juan Morgenfeld.
PRENSA
Julieta Bilik bilikjulieta@gmail.com https://www.julietabilik.com.ar/
TRAILER
SÍ, CAMBIO — Trailer oficial | Una película de Juan Morgenfeld (2026)
MiráBA 212
Estrena 6/8
Las escaleras de Luli de Cristian Salas Memoria, salud mental y vínculos familiares |
Tras un destacado recorrido por festivales internacionales y una importante cosecha de premios, Las escaleras de Luli, el nuevo largometraje de Cristian Salas, llega finalmente al Cine Gaumont.
Rodada en escenarios naturales y urbanos de la provincia de Córdoba, propone un viaje cinematográfico que aborda con sensibilidad la salud mental, la memoria, los vínculos familiares y la mirada sobre los adultos mayores.
La película obtuvo el Premio al Mejor Largometraje en el Festival Internazionale d’Arte Cinematografica di Chia (Italia), Mejor Película, Mejor Dirección,
Mejor Actriz, Mejor Dirección de Fotografía, Mejor Diseño Sonoro y Mejor Diálogo en el Rani Durgavati International Film Festival (India), el Premio de la Prensa en el Festival Internacional de Cine Amur Autumn (Rusia) y el Premio al Mejor Largometraje en el Festival Internacional LP de Roma. Además, integró la Selección Oficial de festivales de Colombia, Nicaragua, Perú y Bulgaria.
Realizada colectivamente por más de 200 integrantes de las comunidades educativas del Instituto Milenio de Villa Allende y el Instituto Educativo Nuevo Milenio de Unquillo, la película demuestra cómo el cine puede convertirse también en una herramienta de creación colectiva, aprendizaje y transformación social.
LAS ESCALERAS DE LULI
El multipremiado largometraje de Cristian Salas llega al Cine Gaumont
Del jueves 6 al miércoles 12 de agosto 19.15h.
Sala 2 - Cine Gaumont ESPACIO INCAA
Av. Rivadavia 1635, CABA
SINOPSIS
Las escaleras de Luli propone una experiencia inmersiva que invita al espectador a vivir la historia desde la percepción de quien atraviesa ese proceso. A través de un lenguaje poético y sensorial, explora los distintos niveles de la conciencia humana y los momentos esenciales de la vida.
Luli ama su escuela y sus cuentos. Cuando debe entregar con urgencia una libreta firmada, atraviesa involuntariamente tiempos y espacios donde lo vivido se mezcla con lo soñado. En ese recorrido interactúa u MiráBA 213
con personajes que habitan universos distorsionados, en una historia que invita a reflexionar sobre la memoria, la salud mental y los vínculos familiares.
UN PROYECTO COLECTIVO
La película fue realizada por más de 200 personas entre estudiantes, familias, docentes y equipos educativos de la Fundación Josefina Valli de Risso, el Instituto Milenio de Villa Allende y el Instituto Educativo
Nuevo Milenio de Unquillo.
Fue rodada en numerosos escenarios de la provincia de Córdoba, entre ellos Córdoba Capital, Villa Allende, Mendiolaza, Unquillo, Río Ceballos, Salsipuedes, Camino del Cuadrado, Santa María de Punilla, La Falda, Potrero de Garay, Almafuerte y Miramar de Ansenuza, convirtiendo al paisaje cordobés en un
protagonista más de la historia.
FICHA TÉCNICA
Título:
Las escaleras de Luli
Dirección y guion:
Cristian Salas
Producción:
Fundación Josefina Valli de Risso
Producción:
Lucía Guillamondegui
Producción ejecutiva:
Cecilia Bertone
Guillermo Risso
Asistente de dirección: Yannick Constantín
Dirección de fotografía: Nicolás Moreno
Dirección de sonido: Lucía Guillamondegui
Dirección de arte:
Giovanna Isorni Seva
Dirección de vestuario: Nadia Naranjo Alcega
Música original: Gerardo Schiavon
Montaje: Cristian Salas
Posproducción de imagen: Nicolás Moreno
Productora asesora:
Marina Rubino
Elenco:
María del Mar Manrique
Fabio Gago
Delia Campregher
Marina Revelli
Carolina Pesasi
Carlos Ferrer
Duración: 110 minutos
Género: Drama psicológico / Fantástico
Sobre el director
Cristian Salas (Córdoba, MiráBA 214
Argentina) es actor y cineasta. Desarrolla su trayectoria en medios audiovisuales desde 1997 y actualmente integra el Departamento de Medios de la Fundación Josefina Valli de Risso, donde dirigió cortometrajes, series y largometrajes de ficción y documental.
Entre sus trabajos anteriores se destacan El silencio después de las bombas – Malvinas y Buen día mi general, obras exhibidas en salas de cine, escuelas, centros culturales y plataformas oficiales como Cine. ar Play, además de ser utilizadas como recurso pedagógico por organismos educativos nacionales.
Con Las escaleras de Luli, Salas consolida una línea de trabajo que articula creación cinematográfica, participación comunitaria y formación
educativa, llevando una producción nacida en Córdoba a un destacado recorrido por festivales internacionales de Europa, Asia y América Latina.
El mundo al revés, coproducción de Agostina Di Luciano y Leon Schwitter que tuvo su estreno internacional en Vision du Reel y llegará a la cartelera porteña en las bellas salas de Lugones y C. C. Borges en agosto.
FUNCIONES
CABA
*Sala L. Lugones: jueves 6, viernes 7 y sábado 8 de agosto 21 h.
*Domingo 9 a las 18 h., Martes 11 a las 21 h.
Miércoles 12 a las 18 h. y jueves 13 a las 17.30 h.
*C. C. Borges: sábados 15 y 22 de agosto, 19 h.
ESTRENOS EN PROVINCIAS
Rosario: El Cairo viernes 7 de agosto 18 hs. y sábado 8 20.30 hs. Domingo 9 22.30 hs. Córdoba: Hugo Del Carril (Ciudad de Córdoba) | Centro Cultural Leonardo Favio (Rio Cuarto) | La Cumbre Santa Fe: Cine América
Del jueves 6 al 13 de agosto en diversos horarios en la sala L. Lugones del CTBA y luego en los sábados 15 y 22 agosto a las 19 hs. en la sala del C. C. Borges, se estrena El mundo al revés, una coproducción entre Argentina y Suiza que dirigen Agostina Di Luciano y Leon Schwitter y que fue rodada en Villa Giardino, Córdoba.
El filme es un cruce entre ficción y documental, un proyecto que valoró especialmente el proceso de creación y rodaje, y que viene teniendo un recorrido intenso por festivales internacionales (entre ellos en la competencia de Visions du Réel).
SINOPSIS
En un pequeño pueblo del campo argentino, los habitantes llevan una vida caracterizada por la naturaleza y la rutina. Cuando una noche al anciano granjero Omar se le aparece una luz, emprende con su nieto Noah un viaje en busca de sentido. En una villa de vacaciones cuyos propietarios nunca están, las u MiráBA 217
dos amas de llaves Rosana y Lily hacen un descubrimiento que les abre nuevos conocimientos.
Dicen Agostina y Leon: “ El proceso de realización de la película fue tan abierto como su forma. Sin un guion fijo, quisimos sumergirnos por completo en las personas y su entorno. Nos pareció que hacer una historia con los personajes y los directores mientras rodábamos nos iba a llevar a lugares donde no sabíamos que íbamos a llegar, un poco como la vida misma: lugares más lentos, algunos más aburridos, algunos donde no hay respuestas, y otros donde se necesita locura y valor para accionar. Fue una
película en donde también el proceso fue igual de importante que el producto final. También pudimos reflexionar mucho sobre privilegios, sobre cómo contar historias, sobre cómo dejar ciertos egos artísticos y escuchar y observar más. El proyecto se volvió un lugar colectivo, en donde la cámara, el intercambio de ideas y el sonido fueron hechos por todo el equipo.”
EN LOS MEDIOS
“Su propuesta tiene, inicialmente al menos, algo cercano y familiar a muchos otros documentales de observación filmados en pequeños pueblos del interior
argentino, para luego mutar a una zona no solo ficcional sino que coquetea con lo metafísico desde una lectura política (…) ingeniosa y original” Diego Lerer, Micropsia
“En los apartados que se apoya la película son la dirección y el casting, es muy fácil ver la química que hay en el elenco (...) La banda sonora a cargo de Hora Lunga consigue llevarnos a ese mundo rural, nos construye el relato de todo lo que vemos y todo lo que sucede con cada uno de los personajes y sus historias. (…) La fotografía de Agostina Di Luciano, Luisina Guffanti, Leon Schwitter nos lleva a la tranquilidad y sentir la MiráBA 218
conexión de los protagonistas con su entorno natural.”
Pedro Ignacio Pérez Naveira, cineargentinohoy
“Con ingenio y sabiduría, la dupla Di Luciano y Schwitter creó “El mundo al revés”, película que se disfruta de principio a fin, sin prisas, sin interrupciones mundanas y en silencio. Todo, para internarse en la poética de lo cotidiano, de lo familiar.” Cecilia Inés Villarreal, el caleidoscopio de lucy
FESTIVALES
-56 Visions du Réel, NyonBurning Lights Competition (estreno mundial)
-22 Golden Apricot International Film Festival, YerevanInternational Competition
-24 DokuFest, Prizren - Fiction/ Non-Fiction
-6 Lima Alterna International Film Festival, Lima - Iberoamerican Competition
-6 Week of Latin American Cinema, Buenos Aires
-49 Duisburger Filmwoche, Duisburg
-2 Fuera De Campo, Mar del Plata
-28 RIDM Montréal International Documentary FestivalInternational Feature Length Competition
Stiftung, Stiftung Edith Maryon, Volkart Stiftung y Swiss Films.
BIO DIRECTORES
AGOSTINA DI LUCIANO
Nació en 1998 en Buenos Aires, Argentina. Estudia pedagogía teatral en la ZHdK (Universidad de las Artes de Zúrich) desde 2022. Forma parte del colectivo teatral bOdyssey, cuyo objetivo es promover el intercambio y la colaboración entre personas de diferentes culturas. Vive y trabaja en Zúrich y Buenos Aires.
El mundo al revés es su primer largometraje.
LEON SCHWITTER
Nació en 1994 en Lenzburg, Suiza. Estudió cine en la Universidad de las Artes de Zúrich y se graduó con una licenciatura especializada en guion. Forma parte de la productora Sabotage Kollektiv, donde trabaja como director y productor. Su primer largometraje, RÉDUIT (2022), se proyectó en numerosos festivales internacionales de cine, entre ellos el de Mar del Plata, y ganó el premio First Look en Locarno, el Golden Alexander en Tesalónica y el premio Fipresci en Schwerin, entre otros.
El mundo al revés es su segundo largometraje.
AGOSTINA Y LEON EL MUNDO AL REVÉS:
El Mundo Al Revés es una película que surgió en un viaje en taxi en Ciudad de México con el director de cine experimental u MiráBA 219
Heinz Emingholz. En esa conversación sobre cine y sobre cuál sería su mayor consejo para la nueva generación, nos dijo que, en su perspectiva, no hay que esperar tanto para tener una gran idea o un gran presupuesto, porque para él el cine es un arte del hacer, y en el hacer se aprende.
Esa charla fue el primer motor para nuestra película. La familia de Agostina solía vacacionar todos los veranos en Villa Giardino, un pueblo situado en las Sierras de Córdoba. Tal vez, por venir de la ciudad, ese lugar tenía para ella algo que en la ciudad no encontraba y que siempre le había llamado la atención: una manera distinta del paso del tiempo. Su fascinación por ese lugar y por las personas que habitan ese espacio casi atemporal fue
también motivación para que Leon Schwitter iniciara una codirección. En la región donde transcurre El Mundo al revés, la mística y la espiritualidad forman parte de la vida cotidiana. Los límites entre lo que se considera “real” y lo que se percibe como “sobrenatural” suelen desdibujarse. Nos pareció que en esta región la comunidad y el acto de contar historias son rituales esenciales del día a día, una forma de mirar hacia adelante en tiempos de incertidumbre y crisis. Al tener Suiza como lugar de residencia, Argentina se volvió un lugar donde uno empieza a ver cosas desde un lugar omnipresente, como turista o cosas que uno comienza a anhelar al estar afuera. En el cotidiano de Zürich, muchas veces no hay espacio para el absurdo. Hay algo de
eso, que en argentina existe y mucho y había una extrañeza de parte de los dos directores por retener esa magia en el cotidiano argentino.
Nos empezó a interesar que en aquella región hay muchas historias que se siguen contando de boca en boca, en las piedras, en relatos que también se transmiten de generación en generación y que se conservan de una manera analógica. En la búsqueda de qué podíamos hacer, nos encontramos con muchas personas que nos contaron historias sobre luces, supersticiones y su día a día. Entre otras cosas, la llamada «Luz mala», que también se ha visto con frecuencia en las Sierras de Córdoba. Una luz flotante que aparece por la noche en la naturaleza y que, según se dice, desvía a las personas del camino. Este tipo de historias sobre luces también existen en Suiza. Por ejemplo, la abuela de Leon le contó, antes de morir, sobre una luz que una noche salió de su boca y luego desapareció en la pared de su habitación.
Lo inexplicable y el acto de soñar son para nosotros elementos esenciales del cine: abren espacios para la imaginación, para el pensamiento subversivo y quizás también para la esperanza.
Las personas que nos acompañaron en este viaje fueron actores y actrices
no profesionales, que nos permitieron de una manera lúdica entrar durante un mes y medio en su cotidiano y retratar fragmentos de sus vidas, y pensar colectivamente una ficción muy sutil que se aleja de su realidad para sumergirse en el cine.
Como directores queríamos intentar captar la belleza de lo cotidiano y mezclarla con todas aquellas leyendas que fuimos encontrando. Nos pasó que, viniendo de la ciudad, nos olvidamos de estar conectados con la tierra, con los animales, con las historias y con la comunidad. Había por parte de los dos una gran admiración por cómo, por ejemplo, Noah, un niño de 8 años, tenía como mejores amigos a un perro y a un caballo, hablaba con las plantas y los caracoles. Había una gran admiración por el amor con el que cada una de estas personas hacía su trabajo: Ro y Lili limpiando la casa, charlando, riéndose, limpiando hasta la mínima esquina; Omar, el abuelo, cuidando animales y la tierra; Dana, la mamá de Noah, levantándose todos los días a las 5 de la mañana, siendo madre y siempre con una sonrisa en la cara. La familia, juntándose a tomar mate y contar historias. Hay algo en todas esas “pequeñas” cosas que nos emocionó, muchas historias no contadas que se esconden en lo cotidiano, en las cuales pasa más de lo que uno piensa.
El proceso de realización de la película fue tan abierto como su forma. Sin un guion fijo, quisimos sumergirnos por completo en las personas y su entorno. Nos pareció que hacer una historia con los personajes y los directores mientras rodabamos nos iba a llevar a lugares donde no sabíamos que íbamos a llegar, un poco como la vida misma: lugares más lentos, algunos más aburridos, algunos donde no hay respuestas, y otros donde se necesita locura y valor para accionar. Fue una película en donde también el proceso fue igual de importante que el producto final. También pudimos reflexionar mucho sobre privilegios, sobre cómo contar historias, sobre cómo dejar ciertos egos artísticos y escuchar y observar más.
El proyecto se volvió un lugar colectivo, en donde la cámara, el intercambio de ideas y el sonido fueron hechos por todo el equipo. A veces Noah ayudaba a hacer la cámara, a veces Dana hacía el sonido,
a veces las ideas que no gustaban se dejaban de lado para seguir buscando hacia dónde queríamos ir todos conjuntamente. De esta experiencia compartida surgió un intercambio basado en la confianza, la curiosidad y el aprendizaje mutuo. Esperamos que esta honestidad y esta inmediatez también se reflejen en la película misma.
El mundo al revés | Trailer | Agostina Di Luciano, Leon Schwitter.
MiráBA 222
DICIEMBRE
de Lucas Gallo , un viaje al corazón del 2001 - Estreno 24/7
Tras su estreno internacional en el International Documentary Film Festival Amsterdam (IDFA), su paso como película de apertura del Fuera de Campo y un destacado recorrido por festivales internacionales, Diciembre, el nuevo largometraje documental de Lucas Gallo, llega finalmente a las salas argentinas.
El film, que se estrenó el pasado 24 de julio en Malba Cine, dentro del ciclo Caligari Autores propone una inmersión sensorial en la crisis de diciembre de 2001, reconstruyendo aquel estallido político, económico y social a partir de material de archivo televisivo restaurado. Con una narrativa que transcurre en tiempo real, la película revive la intensidad de las jornadas marcadas por la consigna «¡Que se vayan todos!».
Diciembre es una crónica atmosférica de la crisis de 2001 en Argentina, un levantamiento político, económico y social impulsado por la revuelta «¡Que se vayan todos!». La película reconstruye el momento con material de archivo restaurado, capturando la espontaneidad de las protestas y la inestabilidad política que llevó a la renuncia
de cinco presidentes. A través de material televisivo, sumerge al espectador en una experiencia en tiempo real de este periodo crucial en la historia argentina.
Título original: Diciembre
Duración: 105 min.
Calificación: R-13
Idioma: Español
País: Argentina & Uruguay
Año: 2025
RECORRIDO EN FESTIVALES INTERNACIONALES
IDFA - Competencia Internacional, Países Bajos (2025)
Premio a la mejor edición FUERA DE CAMPO, Argentina (2025)
Film de apertura
FICER, Argentina (2025)
Málaga Film Festival, España (2026)
Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay, Uruguay (2026) Ambulante, México (2026) u MiráBA 223
Clap, Francia (2026)
Premio del público
Cine de las alturas, Argentina (2026)
Mención especial
E tudo verdade, Brasil (2026)
LUCAS GALLO - DIRECTOR
Lucas Gallo es un cineasta argentino cuya obra explora la intersección entre política, medios de comunicación y memoria, utilizando narrativas construidas con material de archivo. Su primer largometraje, 1982, se estrenó en IDFA en 2019 y fue exhibido en varios festivales internacionales, siendo aclamado por la crítica y el público en América Latina. La película tuvo un exitoso estreno en salas de Sudamérica y se destacó por su innovador uso del archivo televisivo y su aguda lectura histórica. Su segundo largometraje, Diciembre, tuvo su estreno mundial en la competencia internacional de IDFA 2025.
Su cine se distingue por un lenguaje ensayístico y experimental que investiga la memoria colectiva y su construcción mediática. Al recontextualizar creativamente el archivo, sus obras interrogan las narrativas públicas y muestran cómo las imágenes afectan la identidad nacional.
Más allá de los géneros tradicionales, Gallo apuesta por la apropiación crítica de imágenes simbólicas,
desmitificando el poder y abriendo nuevas formas de pensar la cultura contemporánea. Su cine, entre el análisis histórico y el juego formal, rechaza la solemnidad, proponiendo una mirada corrosiva y reflexiva.
SOBRE EL PROYECTO
“En 2001, la omnipresencia de los teléfonos celulares —los dispositivos con los que hoy casi cada instante queda registrado— aún no existía. Esa ausencia me condujo a Crónica TV, un canal que transmitía casi enteramente desde la calle, capturando los hechos con urgencia cruda. Su archivo ofrecía un material único, pero apropiarlo no era suficiente: se trataba de desmontar la mecánica televisiva, el aparato que explica y clausura el sentido. Convertir televisión en cine significaba abrir grietas en esa narrativa, dejar que imagen y sonido respiren por sí mismos.
Diciembre no reconstruye 2001 con la claridad del tiempo, sino que lo convoca como un eco que aún resuena. Liberadas de su función informativa, las imágenes reaparecen como fragmentos porosos y vibrantes, cargados de nuevos sentidos. Ese eco persiste: el gobierno actual reivindica las mismas políticas que provocaron el colapso de 2001 y adopta como lema “Que se vayan todos”. Conocer la historia no es nostalgia: es resistencia frente a la repetición”. – Lucas Gallo –EQUIPO TÉCNICO
Dirección
Lucas Gallo
Producción
Alex Piperno, Andrew Sala, Sebastián Muro
Guion
Lucas Gallo
Producción Ejecutiva
Alex Piperno, Andrew Sala, Sebastián Muro
Compañías Productoras
La Pobladora Cine & Nevada
Cine
Montaje
Fernando Epstein
Montaje adicional
Marcos Frachia
Diseño de Sonido
Daniel Yafalián
Colorista
Elisa Barbosa Riva
Prensa y Redes
Erica Denmon & María
Eugenia Riedl
LA POBLADORA CINE es una casa productora uruguaya especializada en cine de autor. Surge de la iniciativa de Alex Piperno de producir sus propias películas y de acompañar proyectos de otros directores y directoras con afinidad autoral, concibiendo el cine como una actividad colaborativa y dando lugar a coproducciones internacionales. Sus películas han sido exhibidas en algunos de los festivales más importantes del mundo como Cannes, Berlín, Rotterdam y New Directors/New Films. Entre ellas se incluyen «Parabellum» de Lukas Rinner (IFFR, 2015), «Chico ventana también quisiera tener un submarino» de Alex Piperno (Berlinale, 2020) y «La sábana y la montaña» de Paulo Carneiro (Quincena de Cineastas de Cannes, 2024).
IG @lapobladoracine
NEVADA CINE es una productora con sede en Buenos Aires fundada por Sebastián Muro y Andrew Sala. Se especializa en la producción de películas de
ficción y documental con una fuerte visión artística y un alcance internacional. Sus películas han tenido su estreno en festivales de prestigio como la Berlinale, el Shanghai International Film Festival, el IDFA y el BFI London Film Festival, entre otros. Entre sus producciones se destacan Adentro mío estoy bailando (2023, Berlinale – Premio a la Mejor Ópera Prima), La barbarie (2023, Premio al Mejor Actor en el Festival de Lima PUCP) y Apenas el sol (2020, Película de Apertura en IDFA). Proyectos actuales: Diciembre (2025) de Lucas Gallo, Besos Brujos (en postproducción) de Karina Flomenbaum y Amazon Dream (en desarrollo) de Andrew Sala. IG @nevadacine
