MiraBA 204

SUMARIO

Pág. 6 NOTICIAS / Pág. 20 BAJO LA TORMENTA: Escrita por M. López Repetto y dirigida por Toni Lorenzo y César Barella / Pág.24 CIBRIÁN • RODAS presentan "Drácula II Resurrección" / Pág.26 UN TAL QUIJOTE con dirección y actuación de Marcel Tomàs / Pág.30 MARAVILLOSA ALICIA: Experiencia inmersiva que transforma el Jardín Botánico en un universo fantástico / Pág.34 “¿Y si soy Gilda?”: UN VIAJE (MUSICAL) INICIÁTICO. Por Irene Bianchi / Pág.36 EL BARBERO DE SEVILLA: Una versión divertida y disparatada para toda la familia..¡Apta adolescentes! / Pág.40 LITERARIAS / Pág.48 ARTES PLÁSTICAS / Pág.62 MUSEOS / Pág.70 CARTELERAINFANTIL / 110 CARTELERA TEATRAL / Pág. 186 MÚSICA / Pág. 222 CINE.

Bajo la tormenta

Escrita por M. López Repetto y dirigida por Toni Lorenzo y César Barella. Página 20

4

Revista Mir á BA N. 204 JULIO 2026. Revista Mir á BA es una publicaci ó n mensual de inter é s general.Director: Á ngel Lu í s D í az. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar

Propietario: Angel Lu í s D í az. Ciudad Aut ó noma de Buenos Aires. Rep ú blica Argentina. Versi ó n digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-9446 Los art í culos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opini ó n de la editorial y/o direcci ó n. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducci ó n total o parcial del material gr á fico o escrito publicado originalmente en la Revista Mir á BA con expresa menci ó n de la fuente. Revista Mir á BA en Internet: www.miraba.com.ar Contacto redacci ó n: redaccion@miraba.com. ar Publicidad: publicidad@miraba.com.ar Suscripci ó n digital: suscripcion@miraba.com.ar

NOTICIAS

Se extiende la convocatoria al Concurso de Cuento e Ilustración

“Un café, una historia”

Hasta el lunes 27 de julio, escritores e ilustradores podrán presentar obras inéditas inspiradas en los Bares Notables de Buenos Aires.

El Ministerio de Cultura porteño extendió hasta el lunes 27 de julio la convocatoria al Concurso de Cuento e Ilustración “Un café, una historia”, una iniciativa del Programa de Bares Notables de Buenos Aires. El certamen invita a escritores e ilustradores a presentar una obra inédita inspirada en los bares y cafés que forman parte del patrimonio cultural porteño.

La temática es libre con una única condición: el bar o café notable y/o el barrio porteño donde se ubica deberán tener un papel relevante en la historia del texto o en la imagen presentada. Las obras seleccionadas pasarán a formar parte de una publicación que se editará posteriormente.

La propuesta busca rescatar y promover el valor de los Bares Notables como espacio de encuentro, memoria e identidad barrial. A lo largo de la historia de Buenos Aires, estos establecimientos fueron escenario de tertulias coloniales, debates, creaciones artísticas y encuentros cotidianos que forman parte de la vida cultural de la Ciudad.

Los Cafés y Bares Notables de Buenos Aires son parte fundamental del patrimonio cultural de los porteños. En su ámbito se preservan la cultura, la historia y las tradiciones de la Ciudad de Buenos Aires. Se destacan por ser centros de reunión, de trabajo, de charlas y de encuentro. Por sus mesas ha pasado y pasa la historia de la ciudad: músicos, escritores, artistas y políticos se funden en la atmósfera de estos espacios de debate urbano donde compartir un “cortado” se transforma en un ritual indiscutible de los porteños.

Las bases y condiciones para la participación en el concurso, tanto

en cuento como en ilustración, pueden consultarse en https://buenosaires.gob.ar/ gcaba_ historico/cultura/ patrimonio-de-la-ciudad.

Cronograma

La convocatoria estará abierta hasta el lunes 27 de julio de 2026. El jurado evaluará las obras entre el martes 28 de julio y el viernes 18 de septiembre de 2026 y los resultados se darán a conocer a partir del viernes 25 de septiembre de 2026 a través de la página web

https://buenosaires.gob.ar/ y en las redes sociales de PatrimonioBA.

NOTICIAS

EL MUSEO PROVINCIAL BELLAS ARTES E. PETTORUTI PRESENTA SU NUEVA PÁGINA WEB

DEMOCRATIZANDO SU COLECCIÓN.

Por primera vez nuestra Institución cuenta con un sitio oficial propio. Con formato habilitado para acceso desde PC y móvil.

El Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti lanza su página web, un sitio oficial desde donde se puede acceder a sus colecciones, archivos y políticas institucionales. Esta gestión es impulsada por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

Después de muchos años de trabajo, el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti cuenta por primera vez con un sitio web oficial. Mientras avanza la reapertura integral de su sede histórica y la recuperación de su colección de arte público bonaerense, nace también un nuevo espacio digital para explorar el Museo, sus exposiciones, investigaciones, actividades y patrimonio.

La nueva plataforma ofrece buscador patrimonial, colecciones digitales, publicaciones, convocatorias e

información sobre la historia del Museo y sus líneas de trabajo actuales.

Se pueden buscar y crear colecciones de obras a partir de autores, movimientos, estilos, épocas, géneros y otros criterios de investigación y consulta.

Además de acceder a publicaciones, noticias y memorias pensadas para expandir y democratizar la historia y actualidad del arte bonaerense.

Se accede a la web desde museopettoruti.icpba.gba.gob.ar

Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti

Ada, 51 entre calle 5 y calle 6 La Plata, Bs. As. https://museopettoruti.icpba.gba. gob.ar/ https://www.facebook. com/MuseoProvincial BellasArtesEmilioPettoruti

https://www.instagram.com/ museopettoruti/ https://twitter.com/ MuseoPettoruti

NOTICIAS PEPE CIBRIÁN CAMPOY YA TIENE SU

ESTRELLA

EN LA CALLE CORRIENTES

En una jornada histórica para la cultura porteña, el emblemático director, autor y actor fue homenajeado con una estrella en la “Avenida del Espectáculo”, adelantando el gran estreno de “Drácula II: Resurrección».

En la tarde del pasado 26 de mayo, coincidiendo con el Día Mundial de Drácula, la avenida Corrientes se vistió de gala para rendir homenaje a una de sus figuras más insignes: Pepe Cibrián Campoy. El reconocimiento, que consistió en el descubrimiento de una estrella con su nombre en la vereda del Teatro Presidente Alvear (Av. Corrientes 1659), destacó su inigualable trayectoria y su aporte fundamental al teatro musical argentino.

La elección de la fecha no fue azarosa: cada 26 de mayo el

mundo celebra la publicación de la novela de Bram Stoker, obra que inspiró a Cibrián para crear, hace ya 35 años, el fenómeno “Drácula, el musical”, que ha cautivado a más de cuatro millones de espectadores.

Una celebración entre colegas y discípulos La ceremonia reunió a una multitud que incluyó a autoridades, personalidades de la cultura, colegas y discípulos del artista. La emoción fue la gran protagonista de la tarde, especialmente cuando Cibrián, rodeado de integrantes de los elencos de las distintas versiones de su obra cumbre, descubrió la placa que ya forma parte de la galería de artistas de la emblemática avenida.

Los transeúntes y asistentes fueron sorprendidos por una

performance coreográfica de bailarines en plena vereda, que culminó con una interpretación en vivo del dúo final a cargo de los protagonistas de esta nueva entrega, Antonela Cirillo (Mina) y Diego Duarte Conde (Wolf).

Esta presentación sirvió como el preámbulo perfecto para lo que fue el estreno de “Drácula II: Resurrección” el pasado 12 de junio en el Hipódromo de San Isidro. Bajo la producción de Cibrián-Rodas, la obra se llevó a cabo en una carpa de última tecnología traída de México, diseñada para ofrecer una experiencia teatral inmersiva con 28 artistas en escena y más de 240 trajes de época.

Como dice el autor, “hay historias que no se abandonan, se guardan en la sangre”.

NOTICIAS

AADET PRESENTA LOS PREMIOS PINTI:

Se distinguirá lo mejor de la escena comercial

La ceremonia de premiación se realizará el próximo lunes 27 de julio en el Teatro Colón, con transmisión en vivo por el trece, y reunirá a destacadas figuras de la actividad para celebrar y distinguir a quienes hacen posible el teatro comercial en Argentina.

La Asociación Argentina de Empresarios/as Teatrales y Musicales (AADET) anuncia la creación de los Premios PINTI, una nueva distinción destinada a reconocer y celebrar la excelencia artística y productiva del teatro comercial argentino.

Con vocación de convertirse en una cita anual para la actividad teatral, los Premios PINTI nacen para poner en valor el trabajo de quienes hacen posible cada temporada: artistas, directores, dramaturgos, productores y equipos creativos, y para seguir acercando nuevos públicos a la experiencia teatral.

Con un jurado integrado por 25 personalidades de trayectoria reconocida y más de 20 categorías en competencia, estos premios se convierten en un hito para el sector, con el propósito de fortalecer la visibilidad del teatro comercial y construir un nuevo puente con los espectadores.

Los premios llevarán el nombre de Enrique Pinti, una de las per-

sonalidades más admiradas y representativas de la cultura argentina.

Un homenaje a Enrique Pinti

Actor, autor, director, humorista y referente indiscutido de la escena nacional; Pinti dejó una huella única por su talento, su compromiso con el teatro y su extraordinaria capacidad para conectar con distintas generaciones de espectadores.

Su nombre representa excelencia artística, pensamiento crítico, creatividad y una profunda pasión por el escenario; valores que inspiran el espíritu de esta nueva distinción.

“Con estos premios queremos consolidar un reconocimiento de referencia para nuestro teatro, que exprese la calidad artística y el talentoso trabajo de productores,

elencos y equipos técnicos. Es una invitación a poner en valor la escena teatral argentina”, afirmó Sebastián Blutrach, presidente de AADET.

“El teatro argentino tiene una historia centenaria que sigue siendo motor de la cultura nacional. Estos premios son una forma de celebrarlo y seguir acercando el teatro a nuevas audiencias. Apuntamos a que esta distinción llegue para quedarse en el calendario teatral argentino como una referencia anual de nuestra actividad”, señaló el productor teatral Pablo Kompel.

En esta primera edición, los Premios PINTI distinguirán espectáculos y artistas en múltiples rubros que hayan sido producidos y/o coproducidos por productores asociados a AADET, y que hayan realizado funciones entre agosto de 2025 y julio de 2026 en la Ciudad de Buenos Aires. Reconocerán lo mejor de cada temporada en más de 20 categorías que abarcan tanto los aspectos artísticos como los técnicos y de producción de cada espectáculo.

El público tendrá un rol protagónico a través del Premio al Espectáculo Favorito del Público, que será definido mediante una plataforma de votación abierta entre los espectáculos de la temporada.

NOTICIAS

BOY: Comenzó la producción del film escrito por Nicolás Goldschmidt y Nacho Sesma

Escrita por Nicolás Goldschmidt y Nacho Sesma, BOY un proyecto que comenzó su desarrollo hace 10 años. La película cuenta la historia de Franco, un errático escort que un día recibe una noticia que cambia el curso de su vida. Se ve obligado a hacerse cargo de su madre, una ex profesora de piano que atraviesa un proceso de demencia. La mujer que alguna vez fue una figura respetada de su disciplina ahora vive entre recuerdos fragmentados y momentos en los que no logra reconocer a su propio hijo.

El film será dirigido por Nacho Sesma. BOY está protagonizada por Nicolás Goldschmidt, Cristina Banegas, Inés Estévez, Gogó Maldino y Edgardo Castro.

“BOY es, probablemente, uno de los proyectos más importantes de mi carrera. No sólo por la cantidad de años que llevo trabajando en él, sino porque me permite reunir distintas facetas de mi trabajo como actor, guionista y creador. Es una película que me acompañó durante mucho tiempo y que fue transformándose a medida que yo también cambiaba, tanto personal como profesionalmente. De alguna manera, BOY también es un espacio de libertad artística. Me permite elegir qué historias quiero contar y desde qué lugar quiero contarlas. En una industria que a veces puede ser

conservadora respecto de ciertos temas o de los cuerpos que los representan, esta película es una forma de tomar la palabra y construir una imagen propia”, asegura Goldschmidt.

SOBRE NICOLÁS GOLDSCHMIDT

Nicolás Goldschmidt es actor, director y guionista. Trabaja desde hace 20 años en el circuito teatral de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, formándose en la Universidad Nacional de las Artes (Departamento de Artes Dramáticas) y con referentes de

la escena porteña como Cristina Banegas, Ricardo Bartis, Leticia Mazur, Josefina Gorostiza.

En los próximos meses formará parte de la Residencia “ANÓNIMO” en Ciudad Cultural Konex, estrenará las obras de teatro “TODO ARDER” y “1%” en el Festival Callejón y se encuentra en el rodaje de “BOY” film escrito por Nicolás Goldschmidt y Nacho Sesma.

En 2024 estrenó “Primalión” su ópera prima como director y dramaturgo. Es intérprete de “La Obra Siamesa” de Laura Sbdar, en 2025 realizó una temporada en ARTHAUS. Protagonizó “Bodas de Sangre” dirigida por Vivi Tellas para el Teatro San Martín; “Ametralladora” de Laura Sbdar, realizándose en Bs. As., Madrid y Valencia; “Lázaro” de Flor Berthold nominado a los ACE como actor revelación; “La máquina idiota” de Ricardo Bartís en Bs. As., Corea del sur y Uruguay; “La liebre y la tortuga” de Bartis.

En danza fue intérprete de “Coreomanía” de Josefina Gorostiza, en el FIBA y Bienal de Arte Joven y el GAM de Santiago de Chile; y “Precarizada” de la misma directora. Dicta talleres de actuación y montaje hace 8 años. En el cine protagonizó “Maradona: Sueño Bendito” para Amazon Prime Video, En el 2023 dirigió y protagonizó el cortometraje “BOY” que se estrenó en el BAFICI.

NOTICIAS

Julia Calvo y Juan Gil Navarro estrenaron a sala llena “Misery”

Familiares, amigos, colegas y fanáticos del “Rey del Terror” acompañaron una noche cargada de emoción que marcó el comienzo de una de las apuestas más fuertes de la temporada teatral porteña.

Una de las salas del Teatro Metropolitan fue escenario del esperado estreno oficial de “Misery”, la aclamada obra basada en la célebre novela de Stephen King, que desembarcó en la cartelera porteña con una impactante puesta en escena

que cautivó al público desde el primer minuto.

La adaptación teatral de William Goldman, con versión local de Daniel Botti y el propio Manuel González Gil, dio vida a uno de los relatos más inquietantes y atrapantes del reconocido maestro del suspenso, llevando a escena una historia cargada de tensión psicológica, misterio y emociones al límite.

Sus protagonistas, Julia Calvo y Juan Gil Navarro, vivieron una noche inolvidable frente a

una sala colmada que siguió con atención cada escena y respondió con una extensa ovación de pie al finalizar la función. El elenco y el equipo artístico celebraron así el comienzo de una temporada que promete convertirse en uno de los grandes acontecimientos teatrales del año.

Además de los numerosos fanáticos de Stephen King que se acercaron para presenciar el estreno, la velada contó con la presencia de familiares, amigos, colegas y algunas figuras del ambiente artístico como Miguel Ángel Solá y Virginia Lago, quienes acompañaron a los protagonistas en este importante debut y celebraron junto a ellos el éxito de la primera función.

Con una puesta de gran calidad, actuaciones sobresalientes y una historia que mantiene al espectador en vilo de principio a fin, “Misery” se posiciona como una propuesta diferente dentro de la nutrida cartelera teatral porteña.

La obra producida por Alberto Raimundo para Circus Entertainment Group puede disfrutarse de jueves a domingos en el Teatro Metropolitan. Las entradas se encuentran disponibles en la boletería del teatro y a través de Plateanet.

El Museo Casa Carlos Gardel presenta una exposición del fileteador Jorge Muscia

El Museo Casa Carlos Gardel inaugurará el jueves 2 de julio a las 18 h, en Jean Jaurès 735, la exposición “Gardel, lo real, lo simbólico, lo imaginario”, una retrospectiva que reúne una selección de obras realizadas por el artista y maestro fileteador Jorge Muscia a lo largo de casi cuarenta años de trabajo de producción artística inspirada en la figura de Carlos Gardel.

Entre las obras que se expondrán se destacan Pensamientos mudos, Yira Yira (inspirada en el cortometraje protagonizado por Gardel y Enrique Santos Discépolo en 1930), Oratorio Carlos Gardel, Tríptico argentino, Una selfie con Gardel, Tótems porteños, Resignificación del Obelisco y la intervención de un smoking en homenaje a Eduardo Bergara Leumann y su emblemático programa “Botica de Tango”. Debido a su labor artística retratando a las figuras icónicas

de la música rioplatense del siglo XX, el poeta Horacio Ferrer lo bautizó como “El Fileteador del Tango” y, en su honor, compuso junto al maestro Raúl Garello el tango El fileteador.

“Esta muestra recorre una selección de trabajos realizados a lo largo de casi 40 años de carrera en los que de diversas maneras he intentado representar, simbolizar, alcanzar aquello que por esencia probablemente resulte inalcanzable. Lo Imaginario: Gardel es la voz idealizada que genera identificación. Es la imagen ‹inmortal› que el público ama y refleja. Lo simbólico: es el nombre propio que funciona como significante de la cultura, la nostalgia y la argentinidad. Lo real: su muerte trágica en Medellín no se puede simbolizar del todo, el cuerpo destruido rompe la imagen. El ‹mito de Gardel› es el andamiaje que une estos tres registros, el tango vive, su voz perdura y la identidad popular está resguardada”, comenta Jorge Muscia sobre la exposición.

Sobre el artista

Desde 1976, Jorge Muscia se ha formado en pintura y escultura en escuelas nacionales de bellas artes, perfeccionándose en fileteado porteño junto al gran maestro León Untroib. Asimismo, ha estudiado diversos estilos de

artes populares y ornamentales, investigaciones que profundizó desde 1989 a través de viajes de estudio por Italia, España, Francia, Inglaterra, Estados Unidos, México, Rusia y China. La estrecha relación que une al fileteado con el tango lo llevó a colaborar en diversos proyectos donde ambas disciplinas se complementan, convirtiéndose en un pionero en la integración del fileteado en soportes y rubros ajenos a su tradición histórica. Desde la década del 80 hasta la actualidad, Muscia ha realizado seminarios, conferencias, demostraciones y notas gráficas y televisivas tendientes a difundir el conocimiento del fileteado en la Argentina y el exterior.

MUSEO CASA CARLOS GARDEL

Jean Jaurès 735 - Lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado. Entrada: $10.000 Público general | $2.000 Residentes argentinos y/o extranjeros con DNI Miércoles sin cargo sólo para residentes argentinos | Jubilados, excombatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.

La Comedia de la Provincia de Buenos Aires, dependiente del Instituto Cultural, presenta Bajo la Tormenta, una producción integral escrita por M. López Repetto y dirigida por Toni Lorenzo y César Barella.

La obra parte de una pregunta tan simple como profunda: ¿Qué sucede cuando el pasado vuelve a ocupar un lugar en el presente?

La historia transcurre durante el reencuentro de un grupo de antiguos compañeros de secundaria que, después de veinticinco años, vuelven a verse

en una casa de campo. Lo que comienza como una reunión atravesada por recuerdos compartidos toma un rumbo inesperado cuando aparecen unos sobres escritos durante una noche de campamento, reabriendo historias que el tiempo nunca terminó de cerrar.

Con sensibilidad y una marcada

carga emocional, Bajo la Tormenta reflexiona sobre la memoria, los vínculos y el paso del tiempo, invitando al espectador a preguntarse cuánto de quienes fuimos sigue presente en quienes somos hoy.

Al finalizar la función, mientras el público abandona la Sala Armando Discépolo comentando escenas, personajes y emociones, conversamos con Eduardo Albano, director de La Comedia de la Provincia.

Eduardo Albano:

“La producción integral es el principio fundamental que hace a la creación del Organismo”

—La Comedia viene de presentar títulos muy importantes como Stéfano, Otelo, Rey Lear y, más recientemente, Bye Bye. ¿Cómo observa este presente del organismo?

Eduardo Albano: Lo vivimos con una enorme satisfacción porque, función tras función, comprobamos la constante respuesta del público. Cada una de las producciones realizadas tuvo una identidad propia y desafíos diferentes, pero todas compartieron una misma premisa: la búsqueda de la excelencia artística. Bajo la Tormenta, la décima producción estrenada desde la reapertura de la Sala Armando Discépolo en octubre de 2022, se inscribe en ese recorrido y reafirma la con-u

solidación de un proyecto cultural que ha sabido construir un vínculo genuino con la comunidad. La respuesta de los espectadores demuestra que existe un público que acompaña, valora y siente como propio el trabajo que realiza La Comedia de la Provincia.

—¿Qué representa para usted el concepto de producción integral?

Albano: Es el principio fundamental que hace a la creación del Organismo. La producción integral implica generar trabajo para actores, directores, escenógrafos, vestuaristas, iluminadores, músicos, técnicos, entre otros. No se trata solamente de estrenar una obra, sino de sostener un proceso creativo completo que fortalece la producción teatral pública y promueve el desarrollo cultural de nuestra provincia.

—¿Qué importancia tiene que la Sala Armando Discépolo mantenga una programación tan diversa?

Albano: Es fundamental. Creemos que el teatro público debe ofrecer tanto grandes clásicos como nuevas dramaturgias. Esa diversidad enriquece la experiencia del espectador y fortalece el rol artístico y social que nuestra institución desarrolla dentro de la comunidad.

La mirada de los directores Toni Lorenzo y César Barella: “El verdadero protagonista son los vínculos”

—¿Qué los atrajo más de esta historia?

Toni Lorenzo: Fue la profundidad de los personajes. Cada uno está construido a partir de emociones, contradicciones y matices profundamente humanos, que resultan cercanos y reconocibles para cualquiera que la vea. Esa complejidad los vuelve auténticos y permite que el público encuentre puntos de identificación con sus propias experiencias, recuerdos y conflictos.

César Barella: También nos motivó la posibilidad de explorar cómo el pasado sigue habitando el presente. Los recuerdos no son solamente una evocación de lo vivido; son parte de nuestra identidad. Nos transforman, nos condicionan y, en

“Toni Lorenzo (sentado) y César Barella (de pie),

muchos casos, explican quiénes somos hoy. Esa idea atraviesa toda la obra y dialoga de manera muy directa con la experiencia de cualquier espectador.

—La obra se sostiene principalmente en el trabajo actoral. ¿Cómo fue el proceso con el elenco?

Toni Lorenzo: Desde el inicio entendimos que el corazón de la obra estaba en los vínculos. Por eso trabajamos intensamente sobre la escucha,

Obra:

Bajo la Tormenta

Autor: M. López Repetto

Dirección: Toni Lorenzo y César Barella

Elenco

Gaby Almirón: Joaquín

Mariana Torres: Lorena

Oscar Ferreyra: Rubén

Anahí Carnavale: Eleonora

Ezequiel Diaz: Carlos

Valeria Piscicelli: Ana

Abril Castiglioni: Martina

Actores y actrices alternativos

Fabio Prado González

la confianza y el trabajo colectivo, buscando que cada relación se construyera con profundidad y autenticidad. La verdad escénica surge cuando los personajes realmente se afectan entre sí, y esa fue una de nuestras principales búsquedas.

César Barella: Tuvimos la fortuna de contar con un elenco altamente comprometido. Cada actor y actriz aportó una construcción sólida y singular de su personaje, entendiendo que el verdadero protagonista de la obra es el entramado de relaciones que se establece entre ellos. Invitamos a todos a acercarse a la Sala Armando Discépolo y compartir una historia que emociona, conmueve y deja huella.

En tiempos atravesados por la inmediatez, Bajo la Tormenta propone detenerse, escuchar y mirar hacia atrás. No para quedar atrapados en el pasado, sino para comprender mejor quiénes somos. Tal vez por eso el público responde. Porque detrás de cada personaje, de cada silencio y de cada recuerdo compartido, aparece una pregunta que nos involucra a todos: ¿Cuánto de nuestro pasado sigue viviendo en nosotros?

Rocío Santamaría

Mariel Santiago

Escenografía: Lucía Denisse

Duarte y Camargo Juan

Vestuario: Micaela Mariel

Posteraro

Iluminación: Federico Genoves

Música Original: Juan Cruz

Lorenzo

Asistencia de Dirección: Carolina Otero y Nicolás Prado

SALA ARMANDO DISCÉPOLO

- Calle 12 entre 62 y 63 - La Plata

FUNCIONES: SÁBADOS 21 HS / DOMINGOS

20 HS

ENTRADA GRATUITA (retirar 1 hora antes de cada función) PRODUCCIÓN INTEGRAL DE LA COMEDIA DE LA PROVINCIA - INSTITUTO CULTURAL - GOBIERNO DE LA PROVINCIA DE BS. AS.

La Comedia se comunica a través de sus redes sociales: Instagram: @comediapba

Facebook: Comedia de la Provincia de Buenos Aires

X: @comedia_rrpp

WhatsApp: 221 577 7705

Correo electrónico de Prensa y difusión: comediaprensa@gmail.com

CIBRIÁN • RODAS presentan

"Drácula II Resurrección"

El regreso del mito más grande del musical argentino.

Treinta años después de haber marcado un hito en la historia del teatro nacional con el estreno de Drácula, el Musical, su creador, Pepe Cibrián Campoy, regresa al universo que lo consagró.

Bajo la producción de CibriánRodas, se presenta “Drácula II Resurrección”, una obra inédita que no busca repetir el pasado, sino explorar las cicatrices del tiempo, el deseo y la redención.

La Historia: El reencuentro de un amor que desafía a la muerte.

La trama se sitúa tres décadas después de los oscuros acontecimientos de Whitby.

Mina Murray, tras la muerte de Jonathan Harker, se enfrenta a un pasado que nunca terminó de morir. Lo que despierta en las entrañas de Inglaterra no es solo el monstruo sediento de sangre, sino el hombre condenado que busca, a través de los siglos, una última oportunidad de amar.

Protagonizada por Diego

Duarte Conde (Wolf) y Antonela Cirillo (Mina), esta puesta propone una mirada madura y profunda sobre el mito, donde la inmortalidad se debate entre ser una maldición o la única forma de amar para siempre.

En palabras de Pepe Cibrián sobre este reencuentro creativo, el director expresa: “Hay historias que no se abandonan, se guardan en la sangre. Volver no es repetir; es mirar aquello que fue con los ojos de quien ha vivido, amado y perdido más. Esta resurrección no habla solo de vampiros, habla de lo que persiste y de aquello que sigue buscando redención en el amor”.

Una puesta ambiciosa entre Pepe Cibrián Campoy y el

Circo Rodas. El espectáculo se desarrollará dentro de una carpa traída del exterior exclusivamente para este show. Dentro de esta carpa, con capacidad para 1300 personas, se construirá un teatro y el espectáculo será inmersivo, los espectadores ingresarán al universo de Drácula apenas crucen la entrada principal.

28 artistas en escena 240 trajes de época diseñados por Vanesa Mascolo.

Música original de Pablo Flores Torres y arreglos de Yair Hilal

Gran Carpa Circo Rodas Hipódromo de San Isidro

(Avenida Santa Fe y Avenida de la Unidad Nacional)

Funciones:

jueves y viernes 20:00 h; sábados 18:30 y 22:00 h y domingos 19:00 h

Entradas en venta en Linkearte

Acerca del fenómeno Drácula

Desde su estreno en 1991, Drácula, el Musical se convirtió en el fenómeno teatral más importante de Argentina. Con más de 4 millones de espectadores y temporadas icónicas en el Luna Park, la obra de Cibrián-Mahler sentó las bases del género en el país. Drácula II, Resurrección llega para expandir ese legado con una propuesta fresca y contemporánea.

DRÁCULA II, RESURRECCIÓN

Libro y Dirección: Pepe Cibrián Campoy

Música: Pablo Flores Torres

Coreografía: Matías Ramos

Vestuario: Vanesa Mascolo

Arreglos Musicales: Yair Hilal

Coordinación de actores: Juan Álvarez Prado

Dirección de coros: Juan Pablo Ragonese

Prensa: BMZ Comunicaciones

Elenco protagonista: Diego Duarte Conde es Wolf

Antonela Cirillo es Mina

Heidy Viciedo es Roxana y Rubi

Michel Hersch es Jonathan Harcker Hijo

Melina Kantor es Magui

@dracularessurreccion

Cascai Teatre de Girona (España) presenta

UN TAL QUIJOTE

con dirección y actuación de Marcel Tomàs

En su gira por Argentina, la prestigiosa compañía Cascai Teatre de Girona (España), llega al Teatro Empire con su entrañable espectáculo “Un tal Quijote”. La obra cuenta con la actuación del multipremiado Marcel Tomàs, considerado uno de los grandes actores cómicos de la escena contemporánea española.

“Un tal Quijote” es una comedia inspirada en los icónicos personajes de El Quijote de la Mancha, el clásico más universal

de la literatura española.

Un espectáculo vibrante en el que los protagonistas de esta novela inmortal arrastran al público a una espiral de disparates y risas. Con humor, juego teatral y una imaginación desbordante, esta versión libre del universo cervantino se convierte en una celebración de la amistad, la libertad y el poder de soñar. Una sátira pacifista que nos invita a defender nuestros ideales y luchar por nuestros sueños sin miedo a ser diferentes. Una obra para dejarse cautivar por el delirio y el ingenio de este maravilloso loco… que, al final, ¡demostró tener más razón que nadie!.

DICE MARCEL THOMÀS:

“Don Quijote aparece aquí como un idealista incómodo, un personaje que se niega a aceptar la realidad tal como viene dada y que insiste — aunque sea desde el fracaso o el ridículo— en defender

sus sueños y sus valores. En tiempos atravesados por el individualismo y el desencanto, el personaje se vuelve profundamente político: alguien capaz de enfrentarse a los gigantes de su tiempo, aunque todos los demás vean solamente molinos.”

«Un tal Quijote” se presentará en 2 únicas funciones en CABA: sábado 4 y domingo 5 de julio a las 20.30hs en el Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934), con entradas disponibles a la venta por Alternativa.

Luego, la obra continua de gira: el 12 de julio en Mar del Plata (Teatro Payró) y 14 de julio en Montevideo, Uruguay (Centro Cultural de España).

DIJO LA PRENSA ESPAÑOLA:

“Sin ningún tipo de duda, Marcel Tomàs es el actor completo, cualificado y versado, el hombre orquesta que crece.” – Assumpta Pérez. Regió 7

“Un maravilloso espectáculo.” –

Vado Buch

“Gran interpretación y muchas risas, muy recomendable.” –

Andreu Borrell

“Con estos mimbres resulta que ‘Un tal Quijote’ es, en realidad, un divertido juego escénico, pero, a la vez, una lección de literatura que se desarrolla con la plena complicidad de los espectadores.” – Pablo-

Ignacio de Dalmases. Catalunya Express

“Cascai hace una caricatura, con el trazo hábil de la experiencia y consiguiendo que el ritmo de la obra transite por muchos más paisajes de los que ni el propio Rocinante hubiera imaginado jamás.” – Jordi Bordes. Recomana.cat

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Dirección e interpretación:

Marcel Tomàs

Intérpretes:

Marcel Tomàs y Toni

Escribano l Creación:

Marcel TomàsSusana Lloret

Voz en off: Pep Cruz

Coreografía: Marta Ribera

BSO: Carles Serras (Sr. Mit)

Fotografía: Marcel Asso

Espacio sonoro: Gerard

Canadell

Prensa: Prensópolis

Duración: 1h 15 minutos

FUNCIONES:

ÚNICAS 2 Funciones en CABA: sábado 4 y domingo 5 de julio a las 20.30h.

Teatro Empire

Hipólito Yrigoyen 1934 CABA

Entradas por Alternativa

GIRA:

12 de julio en Mar del Plata (Teatro Payró) y 14 de julio en Montevideo, Uruguay (Centro Cultural de España)

SOBRE Marcel Tomàs y Cascai

Teatre

Premio AGT al Mejor Espectá-

culo de las Comarcas

Gerundenses 2022 por “Els Colors de Duke Ellington”

Mejor Espectáculo en la Mostra de Santa Eugènia de Mallorca y Premio Especial del Público por “Hotot”

Premio al Mejor Espectáculo y Mejor Actor Unnim BBVA 2013 por “Hotot”

Galardón Le Coup de Foudre del Festival Les Estivales de Perpiñán por “Zirocco”

Mejor Espectáculo y Reconocimiento Especial del Público en el Certamen de Teatro Sant Miquel de Valencia por “Zirocco”

Premio al Mejor Espectáculo

Radio City de Valencia por “L’Home Incomplet”

SOBRE Marcel Tomàs

Es uno de los grandes referentes del humor escénico contem-

poráneo en España. Actor, director y creador de Cascai Teatre, compañía fundada en Girona en 1998 junto a Susana Lloret, ha desarrollado un lenguaje teatral propio basado en el clown, el teatro físico, la música y la improvisación. Su trabajo mezcla tradición y contemporaneidad, combinando humor popular, poesía visual y crítica social.

Sobre el escenario despliega una enorme capacidad para pasar de lo cómico a lo dramático con absoluta naturalidad. Canta, baila, improvisa y rompe constantemente la cuarta pared, generando una conexión única con el público.

Cada función se transforma así en una experiencia viva, irrepetible y profundamente compartida. Su humor trabaja

desde múltiples capas de lectura y conecta con espectadores de todas las edades.

Con más de veintidós espectáculos creados y más de 2.000 funciones realizadas, ha girado por España y numerosos países de Europa y América Latina. Entre sus trabajos más destacados figuran “Zirocco”, “Hotot2, “El Pillo”, “Un Tal Shakespeare” y “Un Tal Quijote”.

Más allá de los premios y el reconocimiento internacional, Marcel Tomàs destaca por convertir el teatro en una celebración colectiva, cercana y profundamente humana.

PRENSA Prensópolis

Comunicación y Prensa

Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com

JARDÍN

MARAVILLOSA ALICIA

Experiencia inmersiva que transforma el Jardín Botánico en un universo fantástico

Desde el 2 de julio, el Jardín Botánico de Buenos Aires será escenario de una experiencia nocturna inspirada en Alicia en el País de las Maravillas Desarrollada especialmente para convivir con la naturaleza y la identidad única del Botánico.

Cuando cae la noche sobre el Jardín Botánico de Buenos Aires “Carlos Thays”, algo cambia. Los senderos se iluminan, los árboles cobran vida y uno de los espacios más emblemáticos de la ciudad se transforma en un mundo

extraordinario.

Maravillosa Alicia, una experiencia inmersiva de gran escala inspirada en Alicia en el País de las Maravillas, que convertirá al Botánico en un museo a cielo abierto donde el público no solo observará la historia: podrá atravesarla, jugarla y protagonizarla.

Con doce instalaciones creadas especialmente para convivir con la naturaleza viva del jardín, la propuesta combina arte lumínico, escenografía

monumental, sonido envolvente y tecnología interactiva para construir un recorrido nocturno único en Buenos Aires.

FUNCIONES:

Jardín Botánico

Desde el 2 de julio

Tickets en venta únicamente en https://www.mundoticket.com

15% de ahorro y 3 cuotas sin interés con Galicia VISA.

¿Cuándo? desde el 02 de Julio 2026 desde las 18h ¿Dónde? Jardín Botánico,CABA

Para grupos o visitas corporativas, comunicate con contacto

@maravillosaalicia.com.ar

EDAD: APTA PARA TODO PÚBLICO

Los niños de hasta 3 años inclusive no abonan entrada. Sin embargo, deberán abonar un seguro obligatorio para acceder a la experiencia. Todas las personas menores de 14 años deben ingresar acompañadas por un adulto.

HORARIOS

Las entradas son con fecha y horario fijo — eso nos permite cuidar la experiencia y que el jardín no se sature. Tenés que presentarte 20 minutos antes de tu horario. El ingreso es por turno — si llegás tarde podés perder el acceso.

DURACIÓN

El recorrido completo tiene una duración de aproximadamente 60 minutos.

SEGURO DE REPROGRAMACIÓN

Si tu función se suspende por causas de fuerza mayor, el Seguro de Reprogramación te permite elegir el nuevo día y horario que mejor te quede, según disponibilidad.

EN CASO DE LLUVIA

La muestra no se suspende por lluvia. Mientras las condiciones sean seguras, la experiencia continúa con normalidad

— te recomendamos venir con campera impermeable y paraguas. Si las condiciones climáticas representan un riesgo para la seguridad de los visitantes, la producción podrá cancelar por tramos horarios y reprogramar tu visita.

DEVOLUCIONES

Las entradas no admiten cambios ni devoluciones una vez completada la compra.

Una muestra sustentable, pensada para el Botánico

Maravillosa Alicia fue diseñada integralmente en sintonía con el Jardín Botánico Carlos Thays: uno de los espacios patrimoniales más emblemáticos de la ciudad, ubicado en el corazón de Palermo de la Ciudad de Buenos Aires. Toda la iluminación es LED de bajo consumo, sin contaminación lumínica. Las estructuras son autoportantes: sin excavación, sin fijaciones al suelo. Sin plásticos de un solo uso, Al retirarse, el

jardín queda exactamente igual.

Instalaciones inmersivas, tecnología interactiva y una guía narrativa: una experiencia para habitar el universo de Alicia

Con doce instalaciones creadas especialmente para convivir con la naturaleza viva del jardín, la propuesta combina arte lumínico, escenografía monumental, sonido envolvente y tecnología interactiva para construir un recorrido nocturno único en Buenos Aires. Cada estación fue concebida como una obra en sí misma, con identidad visual propia, narrativa inmersiva y una dimensión lúdica que hace que ningún recorrido sea igual a otro. Los momentos más icónicos del universo de Lewis Carroll —el Conejo Blanco, el Té de Locos, el Jardín de la Reina, el Gato de Cheshire y la partida de ajedrez— se transforman en espacios habitables donde los visitantes pasan a formar parte activa de la historia. u

La experiencia está diseñada con múltiples capas de lectura: quienes conocen la obra original encontrarán referencias y guiños ocultos, mientras que quienes se acerquen por primera vez podrán disfrutar un recorrido completamente accesible, emocional y sensorial.

ALI: la primera guía narrativa del mundo que vive en WhatsApp

Uno de los grandes diferenciales de Maravillosa Alicia es ALI, una compañera narrativa que acompaña al visitante íntegramente a través de WhatsApp, sin necesidad de descargar aplicaciones ni utilizar dispositivos especiales.

Durante el recorrido, ALI desbloquea contenido, propone desafíos y sostiene un juego interactivo que evoluciona a lo largo de la experiencia, haciendo que cada visita sea única. Además, el público podrá interactuar con AlicIA, una

inteligencia artificial desarrollada especialmente para expandir el universo de Carroll más allá del recorrido físico.

Maravillosa Alicia cuenta con recorridos diferenciados para adultos, jóvenes y niños. Los más chicos tienen además un dispositivo especialmente adaptado —sin necesidad de teléfono ni lectura— para vivir su propia aventura dentro del universo de Alicia.

Desde su concepción, la propuesta fue desarrollada con criterios de accesibilidad integral: todas las estaciones incluirán contenido en Lengua de Señas Argentina, señalética con pictogramas y un diseño libre de luces estroboscópicas o sonidos abruptos, para garantizar una experiencia cómoda y accesible para todos los públicos.

Toda la producción utiliza iluminación LED de bajo consumo,

estructuras autoportantes y materiales sustentables, asegurando la preservación patrimonial del espacio. Al finalizar la experiencia, el jardín permanecerá intacto.

Un fenómeno global que llega a Buenos Aires

En los últimos años, los espectáculos nocturnos inmersivos en jardines botánicos se consolidaron como uno de los formatos culturales más convocantes del mundo, con experiencias desarrolladas en Londres, Chicago, Brooklyn y Melbourne. Con una propuesta original, tecnológica y desarrollada especialmente para el Jardín Botánico Carlos Thays, Maravillosa Alicia llega para posicionar a Buenos Aires dentro de este circuito internacional de experiencias inmersivas y proyectar futuras ediciones en otros jardines botánicos del mundo.

Maravillosa Alicia marca además la primera colaboración entre Crack y LA NACION en el desarrollo de una experiencia inmersiva de esta escala, uniendo creatividad, innovación y contenidos para dar vida a una nueva forma de entretenimiento cultural en la ciudad.

@maravillosaaliciaok https://maravillosaalicia.com.ar/

Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

“¿Y si soy Gilda?” :

UN VIAJE (MUSICAL) INICIÁTICO

Por Irene Bianchi

La IA nos pone en autos: “La última presentación en vivo de Gilda en América TV, antes de su trágico accidente, ocurrió en el programa Los sábados musicales (el ciclo que actualmente se conoce como Pasión de Sábado). Fue conducido por la cantante y presentadora Sandra Smith, quien la despidió en vivo expresando: «Se nos está por ir», en una premonitoria frase. Horas después de esa grabación, en la madrugada del sábado 7 de septiembre de 1996, la cantante tropical emprendió el viaje hacia el norte de Entre Ríos, donde sufrió el fatal accidente en el kilómetro 129 de la Ruta Nacional 12.”

Germán Casella parte de este hecho puntual como excusa para escribir un unipersonal que sondea en profundidad varios temas: el amor incondicional de un fan hacia su ídola; la compleja relación entre padre e hijo, y la búsqueda de la propia identidad.

“Mario” (Casella) recibe un inesperado regalo de cumpleaños de parte de su padre “Beto”: una entrada para asistir al estudio de televisión en el que Gilda se presentará antes de continuar con su gira nacional. Mario siente devoción por la cantante. Tiene todos sus cassettes y sabe todas sus letras de memoria. Verla en persona es literalmente tocar el

cielo con las manos, aunque ella haga playback.

Un inoportuno percance sucede cuando Gilda se acerca a la valla donde está Mario, percance que luego el joven interpretará como una señal, y él se despierta muchas horas después, en su cama, un tanto maltrecho, con la atroz noticia del fatal accidente, y un objeto revelador debajo de su almohada.

De ahí en más, Mario siente que el espíritu de Gilda vive en él. Hay

datos que no parecen casuales: la edad de ambos, las fechas. .. Llega a la conclusión que él se ha convertido en la mismísima Gilda, y está dispuesto a compartir ese “milagro” con el mundo entero, por inverosímil y disparatado que parezca.

El texto de Casella y su bella y conmovedora interpretación destilan ingenuidad, inocencia y ternura. Sutilmente, sin explicitarlo, Mario necesita saber quién es, qué es, quién es su padre, ese hombre que “no

habla”, que no sabe o no puede poner en palabras lo que siente hacia su hijo. Se lo demuestra, sí, con esa entrada que le regala, que representa mucho más que un ticket para ver a Gilda. Como actor, Casella dota de múltiples matices a su personaje; se luce en sutiles transiciones, invitándonos a acompañarlo en este viaje ritual hacia la adultez, en cuyo transcurso se hará cargo de sus propias decisiones, de su propia vida, aunque duela, hasta llegar a reconocerse como Mario.

Salta a la vista en “¿Y si yo soy Gilda?” un muy logrado y compacto trabajo en equipo (que de eso se trata la actividad teatral). La dirección de Nahuel López es precisa; alterna los diferentes tonos de la pieza, combinando humor, suspenso y emoción en justas dosis. Los audiovisuales a cargo de Octavio Amiconi, cumplen un rol esencial en la puesta, al igual que la música (Juan Pablo Andrés). Funcional y versátil la escenografía de Juan Camargo, así como el diseño de iluminación de Juan Camilletti. Acertado el vestuario de Sofía Camparo y el maquillaje de Pamela Craco y el diseño audiovisual de María Eugenia Bifaretti. Gran labor grupal.

“¿Y si yo soy Gilda?” se ha presentado a sala llena en “La Mercería Teatro”, La Plata, donde volverá próximamente. Estén atentos. Muy recomendable propuesta local.

https://irenebianchi.com.ar/

Juventus Lyrica y Asociación Fígaro presentan

EL BARBERO DE SEVILLA

Una versión divertida y disparatada para toda la familia..¡Apta adolescentes!

Ganadora Premio ACE 2025 Mejor Infantil .

Ganadora 3 Premios Hugo - Categoría infantil/juvenil: Gabriel Carasso (Mejor actor protagónico), María Jaunarena (Mejores letras de canciones) y Gustavo Passerino (Mejor producción)

El extraordinario y multifacético barbero de Sevilla que ha hecho vibrar a generaciones y generaciones de fanáticos, ahora llega en una nueva versión para toda la familia,

presentada por la prestigiosa y multipremiada compañía Juventus Lyrica, junto a la Asociación Fígaro.

La monumental obra de Rossini se presenta en una versión especialmente adaptada para chicos y también pensada para adolescentes, con una puesta desfachatada y divertida.

“El Barbero de Sevilla” es una comedia de enredos en la que se ven envueltos Fígaro y sus compañeros Rosina, el Conde

de Almaviva, Basilio, Bártolo y Berta. El espectáculo invita a cantar, bailar y contagiarse de la buena onda de este barbero único, junto con la pegadiza música del gran Rossini.

Dice María Jaunarena, Directora: “El trabajo primordial en esta adaptación para público infanto-juvenil fue intentar tender un puente en el abismo generacional que hay hoy entre la música clásica y lo que les interesa a nuestros hijos. El objetivo fue convertir la obra

precisamente en un vehículo, para que ellos también puedan disfrutar de una de las partituras más queridas de todos los tiempos, y, sobre todo, para que puedan participar de un contenido que nos atraviesa culturalmente desde hace más de dos siglos y que tiene la potencial e inapreciable virtud de levantar el horizonte emocional e intelectual al que miramos, disparando una pregunta inspiradora que les abra una puerta más a la propia creatividad, que aguarda siempre a ser llamada.”

“El Barbero de Sevilla” narra los enredos del Conde de Almaviva para rescatar y casarse con

Rosina, una joven prisionera de su tutor, el avaro doctor

Bártolo. Con la astuta ayuda del barbero Fígaro, el Conde recurre a diversos disfraces y engaños para burlar la estricta vigilancia del doctor, confesarle sus verdaderos sentimientos a la muchacha y organizar una fuga.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Elenco: Fígaro: Gabriel Carasso

Rosina: Laura Penchi

Conde de Almaviva: Patricio

Oliveira

Bártolo: Mirko Tomas

Basilio: Walter Schwarz

Berta: Cecilia Pérez San Martín

Músicos: Pablo Manzanelli (piano)

Sobre la obra original:

Música original: Gioacchino Rossini

Libreto original en italiano: Cesare Sterbini, basado en la novela de Pierre-Augustin C. de Beaumarchais

Sobre esta versión infantojuvenil:

Libro y dirección: María Jaunarena

Escenografía e iluminación: Gonzalo Córdova

Equipo de vestuario:

Cecilia Diéguez

Rocío Arlia

Equipo de maquillaje y peinado: u

Arauco Yepes y Pablo Reyes (percusión)

Silvana Caruso

Desarrollo Institucional:

Gabriela Karasik

Prensa:

Prensóplis

Libro y dirección:

María Jaunarena

FUNCIONES:

ÚNICAS 4 Funciones: domingos

21 y 28 de junio, y 5 y 12 de julio a las 16 h

Ciudad Cultural Konex

Sarmiento 3131, CABA

Entradas: desde $25.000 por web del Konex

Duración: 1h 15 minutos

SOBRE ASOCIACIÓN FÍGARO

Fígaro es una asociación civil sin fines de lucro que se propone crear propuestas artísticas que enriquezcan la currícula escolar, promuevan la cohesión comunitaria, la integración

familiar e indirectamente el desarrollo ciudadano. Nace convencida del rol social del arte, en particular del teatro y de la música, en la gestación de valores y capacidades en los niños, adolescentes y la comunidad en su conjunto (con especial interés en adultos mayores). De esta manera, se propone contribuir a la construcción de una sociedad democrática e igualitaria, conformando un espacio plural para la reflexión a través de propuestas artísticas que disparen la curiosidad y el pensamiento, estimulen la atención, la escucha, la empatía con el otro, la tolerancia, cimenten ciudadanía y fortalezcan la democracia. Fígaro nace en el seno de Juventus Lyrica la reconocida asociación de ópera que en

2026 cumple 27 años de trayectoria en Buenos Aires y con una vasta experiencia en la formación de espectadores. Su programa de formación de audiencia llegó a 18.000 niños y familias con pre-estrenos exclusivos de grandes títulos para colegios secundarios en el Teatro Avenida, adaptaciones especiales de grandes óperas para los más pequeños en Ciudad Cultural KONEX, Tecnópolis y el CCK (actual Palacio Libertad), y también con materiales didácticos para que estudiantes y docentes pudieran ampliar en el aula la experiencia vivida en el teatro. El impacto de esta actividad dio origen a la gestación de Fígaro como proyecto independiente.

Prensópolis

Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com

LA PROTAGONISTA

de Analía Cobas

Se presentó en la Biblioteca Nacional Mariano Moreno

Analía Cobas es comunicadora y docente de su propia cátedra en la UBA. El pasado jueves 18 de junio a las 19h presentó su ópera prima La Protagonista -Editorial Sudestada- en la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, en la sala Augusto Raúl Cortázar (Agüero 2502, CABA). La actividad incluyó lectura de textos, conversatorio y firma de ejemplares.

La Protagonista de Analia Cobas obtuvo premios de Literatura en Argentina y una beca de estudio en CUNY (The City University of New York). La autora construye escenas de alta intensidad emocional, con imágenes casi cinemafotográficas y un ritmo que atrapan al lector desde la primera página. Su prosa mantiene una claridad que convierte la lectura en un ejercicio de empatía y reflexión social. Publicado tras ser distinguido por Mecenazgo 2022 , el libro se impone como una propuesta potente dentro del circuito editorial independiente argentino.

La Protagonista aborda tópicos

tan vigentes como el desamor, la imaginación, la violencia, la contaminación ambiental, la amistad, la diversidad, la belleza, los vínculos, la tecnología, la maternidad y todo lo que se esconde bajo la alfombra o lo que subyace en nuestro inconsciente. Es su mirada crítica del mundo lo

que le permite crear textos con impacto social. En este conjunto de relatos emerge un tono íntimo que la autora elige para posicionarse. Una puerta abierta a algunos fragmentos de su vida real o imaginaria. Cuentos y relatos que comienzan y terminan, atravesados por un mismo hilo conductor: el deseo.

Acerca de Analía Cobas:

Analía Cobas nació en Buenos Aires en 1984, es Licenciada en Ciencias de la Comunicación con o rientación en Opinión Pública y Publicidad, egresada de la Universidad de Buenos Aires, donde actualmente es docente de su propia cátedra. En 2020 obtiene el primer premio en el certamen literario de la Biblioteca Popular Manuel Vilardaga de Ayacucho. Además, gana una beca de estudio en el Taller de Dramaturgia de “CUNY” City University of New York estrenando su primera obra “El Narciso” como dramaturga y directora. Una pieza de microteatro dónde exhibe hábilmente las marcas de la violencia psicológica, que se encuentra disponible gratis en Youtube. Actualmente, colabora con en distintos medios digitales, radiales, gráficos y televisivos. Este es su primer libro de cuentos y relatos ganador de Mecenazgo Cultural 2022.

Dijo la prensa:

“La protagonista, de Analía Cobas, es un conjunto de relatos breves que parten de historias reales y que fueron escritos como un ejercicio de sobrevivencia para que el miedo a la violencia de género que la autora sufrió se haga cenizas. Dice que escribir le salvó la vida, pero que a la vez logró con este libro editado por Sudestada, tender la mano a quienes pasan por la misma experiencia.” Laura HaimovichiPágina 12 - Las 12.

«¿Se puede frenar la violencia en un mundo violento? Los relatos de La protagonista, primer libro de la docente, comunicadora y agente de prensa Analía Cobas bordean los entresijos de este interrogante a través de historias intimistas, descarnadas y cotidianas del lugar en que vivimos. Los vínculos, las pérdidas, la soledad y la posibilidad de dar vuelta la página son algunos de los temas que la autora transita con el fin de ayudar a otras personas” Ignacio Dunand - El Destape.

„Analía es metamorfosis. Su metamorfosis, en lo constante. Decide el cuándo y el porqué. Pone en marcha los mecanismos. Y en la dirección de esa metamorfosis va su escritura que, además, no puede ir en otra dirección que no sea en la dirección que lleva las riendas de su vida. Es la protagonista de si misma y, a partir de allí, elige decir, elige lo que quiere ser. Pero también, y fundamentalmente,

elige lo que no quiere ser. Viaja hacia un estado de superación de si misma. Hacia una instancia que la eleva de su piso, para hacerle entender que en realidad no tiene techo. Y que más alto que ella, solo el cielo.” Fernando Viano - Diario Nueva Rioja.

“Dejándose guiar por su pensamiento feminista, se agita el claro imperativo de conquistar toda la armonía posible consigo misma. Precisamente, esta instancia inicial la conduce a volcar episodios autobiográficos con forma de cuentos, más otras narraciones independientes (la gran mayoría en primera persona del singular). Comprende la aspiración de convertirse, diría Annie Ernaux, en un “ser literario” que cree que vale la pena transmitir ciertas experiencias vitales, que la atravesaron y la modificaron, como una materia a explorar para sí misma y para que otras mujeres sepan que no están solas a la hora de equivocarse, de ser basureadas por la violencia machista, de optar por desobedecer a la imposición de una belleza serial, impersonal.

A su vez, cuando se remite al maltrato animal o a la hermandad entre amigas, la autora prosigue dándole alcance social, político a los temas que elige.” Moira Soto - Damiselas en apuros.

Contacto: Analía Cobas analiacobas@gmail.com Cel. (+5411)15 6727 9367 www.masprensa.com.ar

LANZAMIENTO

- MUSICA

“Introducción a la apreciación musical”

de Silvana D ‘Onofrio (Ed. Eudeba)

La autora, Silvana D’Onofrio, es docente del Departamento de Música del CNBA y artista de amplia formación y trayectoria. El martes 30 de junio a las 18 h presentó el libro “Introducción a la apreciación musical” editado por Eudeba en el Colegio Nacional de Buenos AiresBolivar 263, CABA.

En su nuevo trabajo editorial, Silvana D’Onofrio ofrece un nuevo material, fruto de sus más de 30 años de experiencia en las aulas, que guían y nutren el programa vigente de estudios

del primer año del CNBA. Plan que ahonda en la observación a través del desarrollo de una atenta escucha de músicas de diversas tradiciones y en el acceso a una dimensión de conocimiento por medio de su teoría e interpretación.

La música atraviesa la historia de la humanidad desde sus orígenes más remotos. Ritual, expresión artística, lenguaje emocional y herramienta social, ha acompañado a las culturas en cada etapa de su desarrollo. Con esa premisa,

la docente y especialista Silvana D’Onofrio presenta “Introducción a la apreciación musical” , un libro que invita a descubrir, comprender y disfrutar a la música desde una mirada amplia, sensible y profundamente interdisciplinaria.

En sus páginas aparecen figuras fundamentales de la cultura universal como Homero, Pitágoras y Federico García Lorca, junto a referencias al desarrollo de los instrumentos musicales, los sistemas de afinación y las transformaciones

tecnológicas que modificaron las formas de escuchar, producir y compartir música.

“Introducción a la apreciación musical” está pensado tanto para estudiantes y docentes como para lectores interesados en profundizar su relación con el universo sonoro. El libro propone entrenar la escucha, reconocer estilos, voces, instrumentos y estructuras, y comprender cómo la música puede transmitir ideas, emociones y relatos.

“Escuchar música reconociendo voces e instrumentos, estilos y estructuras formales es una actividad que requiere preparación”, sostiene la autora. Desde esa perspectiva, la obra invita a desarrollar una escucha consciente donde razón, emoción y conocimiento dialogan en equilibrio.

Palabras de la autora: Prof. Silvana D’Onofrio

“Me es gratificante compartir este trabajo que emerge del corazón del aula de música

en nuestro Colegio Nacional de Buenos Aires y contempla la necesidad de estudiantes y docentes frente a la tarea de abordar y transmitir los contenidos correspondientes a la Música en la enseñanza media. Este trabajo alberga en su seno el gen de la resistencia y la resiliencia, desde el momento en que vio la luz allá por el año 2017 gozó de momentos de resplandor y otros en los que debió continuar su recorrido bajo tierra. Las manos amorosas de algunos de mis colegas lo cuidaron y acompañaron “soto voce” en su crecimiento y mejoras; hasta que en 2023 igual que la cigarra sobreviviente de María Elena Walsh inició su proceso de edición que lo trajo hasta aquí. Este libro me enseñó mucho cuando lo escribí, pero me enseñó mucho más sobre la paciencia, la resistencia y sobre no resignar mis convicciones”.

Con una mirada humanista y contemporánea, Silvana D’Onofrio ofrece una herramienta fundamental para acercarse a la música no solo como entretenimiento, sino también como fenómeno cultural, histórico y social que sigue transformando nuestra manera de habitar el mundo.

Silvana D’Onofrio pianista, directora de orquesta, docente y artista plástica, nació en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Completó sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de música “Manuel de

Falla”.

Es docente titular concursada y subjefa del departamento de música en el Colegio Nacional de Buenos Aires.

Entre 1997 y 2019 se desempeñó como pianista acompañante en el CSMMF. Entre 2019 y 2024 se encargó de la coordinación musical del Teatro Empire.

Premios y reconocimientos:

2016 Mención de honor en el TIM (Italia - Turín ) por su trabajo “Maestros Argentinos”

2018 El museo del Ghetto de Terezin recibe su trabajo musical y plástico sobre el melodrama “Terezin ayer y hoy” de N. Gómez. Recibe “La bandera de la paz” de Nicolás Roerich otorgada por la fundación “Mil milenios de Paz” por su enorme dedicación a la difusión de la cultura y la música.

2021 “Cuore di Donna” International Award Greast Honor Artist (Roma 2021)

En 2012 presentó su primer libro “Música y artes visuales” Editorial Magisterio.

Desde 2025 está a cargo de la coordinación musical de la Biblioteca Popular Tristán González

En 2026 “Una introducción a la apreciación musical” Editorial Eudeba.

Es co-fundadora y directora de la compañía Música en escena.

PRENSA

Lic. Analía Cobas analiacobas@gmail.com

Lic. Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com

Ni bosque ni sonido.

Vida, fragmentos y máscaras de Safo

En junio llegó a librerías de Argentina y España Ni bosque ni sonido. Vida, fragmentos y máscaras de Safo, de Mariana Gardella, segundo libro de la autora en Rara Avis Editorial.

A partir de los fragmentos que sobreviven de la obra de Safo de Lesbos, Gardella escribe un ensayo delicado y luminoso sobre el deseo, la historia y la pérdida. Mientras entrelaza versos de una de las poetas más antiguas en una nueva traducción del griego antiguo al español, el libro convierte la falta en una potencia y se pregunta cómo leer hoy una voz que llega hasta nosotros fragmentada.

Se dijo de Safo que era hermosa y masculina, amante y símbolo, mito y figura histórica. Su nombre atravesó siglos de interpretaciones, películas, lecturas y disputas. En lugar de buscar una verdad definitiva sobre ella, Ni bosque ni sonido propone leer sus restos desde el presente y hacer nuevos sentidos con lo que tenemos.

Ícono y estandarte de la cultura lésbica a la par que musa de las letras y las artes, tal vez más deseada que encontrada, Safo de Lesbos es una pieza tan fundamental como difusa de la historia de la humanidad. Con la

convicción de que la biografía es un género de ficción, Mariana Gardella teje un relato fragmentado sobre su vida y la compleja historia de la recepción de su poesía. En este libro, Safo se transforma en el nombre de una pérdida, pero también en una indagación que va tras los rastros de la poeta que sobreviven en antiguas piezas arqueológicas y obras de arte, en el activismo sexo-genérico, y en los textos de escritores y escritoras de todos los tiempos y geografías.

Cantante, música y luthier de los siglos VII-VI a. e. c., Safo es reconocida como la primera poeta lesbiana de la historia. De su vasta obra se conservan unos doscientos fragmentos, entre palabras sueltas, y versos enteros o mutilados, y un único

poema completo, además de numerosos testimonios de quienes la leyeron o escucharon hablar sobre ella en la Antigüedad. En estas páginas, los fragmentos más conocidos de Safo aparecen intercalados en una nueva traducción que recupera el impacto de su voz y que se mezcla con reflexiones sobre los temas centrales que atraviesan su poesía.

Con la erudición sensible que la caracteriza, Gardella nos enseña formas de leer y cuestionar las ideas de obra, de significado y de autoría desde una mirada original. A su vez, nos invita a sumergirnos en una búsqueda que se sabe siempre incompleta, pero que lejos de sentenciar la falta, la convierte en motor de sentido.

Llegaste lo hiciste yo te deseaba y refrescaste mi corazón que ardía de deseo Safo, fr. 48

Empecé a escribir este libro con una intuición. Que los poemas de Safo se hayan perdido, que no hagamos otra cosa que buscarlos, que solo podamos leer fragmentos desguazados, no es simplemente un accidente o una curiosidad filológica. Es un gesto de adecuación poética. El cuerpo de sus textos tiene la misma forma que el cuerpo del deseo. Te perdimos, no dejamos

de buscarte, te encontramos de a pedacitos.

Mariana Gardella

Gardella (Ciudad

Autónoma de Buenos Aires, 1988) escribe, traduce y trabaja en la recuperación de los textos de antiguas poetas y filósofas.

Es la autora de dos ensayos: Besada por Cipris: un libro de poemas de Nosis de Locri (2021) y Las griegas: poetas, oradoras y filósofas (2022). Obtuvo el título de Doctora en Filosofía por la Universidad de Buenos Aires, donde dedica parte de su tiempo a enseñar. Es investigadora adjunta del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (Argentina).

La sencillez de matar de Ramiro Juri

En diciembre 2025 se publico un libro de cuentos La sencillez de matar, de Ramiro Juri su primera antología.

SINOPSIS:

En Buenos Aires viven dos

clases de personas: los que se sienten acompañados y los que están solos, muy solos, solos aun teniendo a alguien al lado. De ellos se trata La sencillez de matar. Esta colección de cuentos explora la forma que tiene la soledad en nuestros días y cómo el aislamiento opera en nuestros modos de relacionarnos con nosotros mismos y con quienes nos rodean, así como las acciones -a veces violentas- que se toman para salir de ese lugar. Cuentos crudamente realistas –aun sin ser siempre realistas– y perversamente actuales, que ensayan salidas individualistas ante la disolución de todos los lazos sociales. José Pablo Sontag, un cuarentón acomodado, se entera de lo barato que cuesta un sicario en Argentina y resuelve salir de

PRESENTACIÓN DEL LIBRO

El lanzamiento de Ni bosque ni sonido. Vida, fragmentos y máscaras de Safo, de Mariana Gardella se realizó el pasado viernes 5 de junio a las 18 h. en La Libre (Chacabuco 917, San Telmo) con la presencia de un Coro Sáfico exquisito que le puso voz a la antigua poeta griega. Las invitadas Gabriela Borrelli Azara y Florencia Abadi compartieron sus lecturas en conversación con la autora.

Foto autora: Sofía Giacomaso

su vida monótona y aburrida encargando un crimen que no necesita, que no se atreve a cometer y que ni siquiera está en condiciones de sobrellevar. Un policía retado, en duelo perpetuo por el asesinato de su esposa, diez años antes, se deja fascinar por la teoría del eterno retorno y aguarda expectante la repetición de aquel crimen para impedirlo. Tres

jóvenes asisten a la marcha del 24 de marzo a robar celulares, pero el plan peligra cuando el ideólogo de la maniobra, Juan, recuerda que sus padres lo traían de niño a esa misma marcha a pedir justicia y decide, contra la tenaz voluntad de sus dos compañeros, que no van a robar ahí. Son historias teñidas de sordidez y humor negro, inspiradas también por otros u

Mariana

solitarios como Raskolnikov de Crimen y Castigo o Mendizabal de Últimos días de la víctima.

SOBRE EL AUTOR

Ramiro Juri nació en 1986 en Buenos Aires (Argentina), donde vive actualmente. Se recibió de politólogo en la Universidad de Buenos Aires y se formó como guionista de series y películas en el Laboratorio de Guion. Ha publicado artículos de interés

Filosofía del fútbol

Un nuevo libro de Pablo Cillo

Filosofía del fútbol de Pablo Cillo (2026)

DNX. Editorial del Nuevo Extremo

Páginas: 208

ISBN: 9789876098601

Precio $ 35000

Filosofía del fútbol, el nuevo libro de Pablo Cillo publicado

por Editorial Del Nuevo Extremo (dNX), propone una mirada filosófica sobre ese deporte que sale de una distinción clave: la diferencia entre la ficción del juego —los discursos y prácticas atravesados por la pasión— y su dimensión práctica, basada en las reglas y la técnica. Para el autor, ambos espacios no son independientes, ya que la manera en que se vive y se piensa el fútbol incide directamente en cómo se lo juega.

El ensayo toma como interlocutores dos posiciones opuestas. Por un lado, la del filósofo noruego Steffen Borge, autor de Philosophy of Football, centrada en la defensa del juego bello. Por el otro, una perspectiva pragmática, orientada al resultado, que Darío Sztánzraiber desarrolló en distintas conferencias en la Argentina.

general en el suplemento “Buena vida” del diario Clarín. En 2023, uno de sus cuentos formó parte de la antología Yo te cuento Buenos Aires IX, publicada por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires. La antología de cuentos La sencillez de matar, publicado en 2025 por Ediciones Diodema, es su primer libro.

Contacto:

Ramiro Juri r.jurida@gmail.com

El objetivo de Cillo (autor de Filosofía ricotera y Filosofía borgeana) no es adherir a ninguna de las dos sino superarlas mediante una síntesis que permita comprender el fenómeno con mayor profundidad e incorporar nuevos conceptos al debate.

Pablo Cillo nació en la Ciudad

de Buenos Aires en 1982 y vive en el barrio de Constitución. Es Profesor de Filosofía (UBA) y Rector del Colegio Palermo Sounder, bachillerato con formación en música y arte.

Con DNX ha publicado Filosofía Ricotera (2013), donde analiza las letras de Patricio Rey y los Redonditos de Ricota; Filosofía Borgeana (2015), en el que analiza “El Sur” del escritor

Jorge Luis Borges, y la novela de aventuras La última de las sabinas (2019).

PRENSA Francisco Cerdan francisco@inprensa.com

Novedades en Editorial El Ateneo

Cómo rajar a tu jefe

De Leo Piccioli

Tu jefe tiene poder. Eso no significa que tenga razón. Leo Piccioli propone una mirada disruptiva sobre uno de los conflictos más comunes del mundo laboral: lidiar con malos jefes. A través de ejemplos concretos, humor y gráficos claros, el autor desarma la idea del jefe “villano” y muestra qué hay realmente detrás de sus decisiones. El libro recorre distintos tipos de jefes, explica por qué actúan como lo hacen y, sobre todo, plantea una alternativa: dejar de quejarse para empezar a influir. 144páginas

Isis De Guillermina Lopata

Es una guía de transformación personal que invita a convertir el dolor en una oportunidad de renacimiento. Inspirado en la figura de la diosa Isis, el libro acompaña a mujeres que atraviesan momentos de crisis, pérdida o desconexión interna, proponiendo un camino de reconstrucción desde la intuición, la conciencia y el poder personal.

192 páginas

En plena Primera Guerra Mundial, mientras Europa arde, Argentina se convierte en un escenario clave de tensiones internacionales. Un oficial alemán llega con una misión secreta: influir en el gobierno de Hipólito Yrigoyen y alterar el equilibrio global del conflicto. Entre operaciones diplomáticas, espionaje, intereses cruzados y decisiones políticas críticas, la novela reconstruye una trama donde lo local y lo internacional se entrelazan, revelando el detrás de escena de un momento decisivo de la historia. 208 páginas.

La legión secreta del sur De Víctor Deutsch

EL FONDO NACIONAL DE LAS ARTES anuncia el

proyecto ganador

de LA RESIDENCIA MALMA

DE

LETRAS 2026.

El Fondo Nacional de las Artes anuncia el proyecto seleccionado para participar de la Residencia MALMA de Letras 2026, una iniciativa conjunta con Bodega MALMA que busca seguir acompañando los procesos de escritura de autores previamente

reconocidos por la institución.

La convocatoria estuvo dirigida a quienes resultaron ganadores de becas y concursos organizados por el Fondo Nacional de las Artes en la disciplina Letras en 2024 y 2025, con el objetivo de brindar

el tiempo, el espacio y las condiciones necesarias para avanzar en la finalización de sus obras en desarrollo.

De los 15 proyectos postulados, fue seleccionado Entre ciencia y encantamiento: exploraciones, escritura y

aventura en la Amazonia brasileña, de María Florencia Donadi, una obra que continúa y profundiza una línea de investigación y escritura reconocida previamente con el Segundo Premio en la categoría Ensayo del Concurso de Letras 2024.

“Quiero agradecer y resaltar la importancia de iniciativas como ésta -apunta Donadi- , porque permiten seguir insistiendo en la escritura como deseo, trabajo, proceso y lazo; porque ofrece tres elementos que hoy resultan sumamente valiosos: tiempo, atención y afecto, además de los entramados asentados sobre ellos, sin los cuales nada -o quizás muy poco- sería posible”.

La selección estuvo a cargo de Patricio Zunini, director de Letras del Fondo Nacional de las Artes, y Ana Viola , CEO de la Bodega MALMA.

“La alianza con MALMA permite al FNA ampliar el acompañamiento a los escritores que han sido reconocidos por la institución y fortalecer sus procesos de creación”, señaló el director de Letras del Fondo Nacional de las Artes, Patricio Zunini. Y agregó: “ El Fondo Nacional de las Artes celebra la alianza con MALMA que hizo posible llevar adelante esta residencia y felicita a la ganadora María Florencia Donadi, quien podrá avanzar en la etapa final de

escritura y revisión de su proyecto durante la residencia, que incluye una semana de alojamiento, comida y traslados”.

Ana Viola, por su parte, destacó: “En MALMA, poder ser anfitriones de esta iniciativa del FNA es un gusto que nos damos sabiendo que la bodega puede ser un lugar para la inspiración y la creación más allá del vino. Que el tiempo de las vides y su gente, el paisaje de la estepa patagónica sean el escenario donde los autores elegidos puedan concretar su obra y así hacernos parte”.

La Residencia MALMA permitirá a la autora culminar la corrección del original, así como la escritura de los paratextos, la introducción, conclusiones y agradecimientos, además de la traducción de las citas en portugués. Por último, se realizará la revisión final de la estructura general de la obra, cerrando el proceso necesario para enviarla a edición.

SOBRE LA AUTORA

la Universidad Nacional de Córdoba, becaria postdoctoral del CONICET y profesora asistente en Literatura Latinoamericana. Ha realizado estancias de investigación en Brasil, traducciones literarias y de crítica, y codirige la colección Constelación Brasil de EDUVIM. Su trabajo Entre ciencia y encantamiento: exploraciones, escritura y aventura en la Amazonia brasileña obtuvo del Premio del Fondo Nacional de las Artes 2024 en la categoría Ensayo.

SOBRE EL PROYECTO GANADOR

El ensayo Entre ciencia y encantamiento: exploraciones, escritura y aventura en la Amazonia brasileña a analiza las articulaciones entre territorialidad amazónica y Estado nacional brasileño a través de la configuración de imágenes territoriales de la Amazonía en un momento clave: las décadas comprendidas entre 1870 y 1900, y en diálogo heterocrónico con el siglo XX. El ensayo trabaja específicamente con los escritos y fotografías del conde italiano, Ermanno Stradelli, en el marco de dispositivos exhibitorios de museos y ferias, y propone una genealogía que emparenta sus impresiones con las de Mário de Andrade, en O turista aprendiz.

Para ello, establece una articulación entre tres u

María Florencia Donadi es Doctora en Letras por

dispositivos (visión, dispositivo exhibitivo y ciencia) con que se construyó la imagen-Brasil como totalidad y cuerpo Uno, que se yergue y fundamenta sobre la territorialidad amazónica. Propone, sin embargo, la insistencia de imágenes territoriales disidentes, que constituyen espacios de resistencia y horadamiento de las imágenes territoriales estables y estabilizadas. Imágenes inquietantes, que denomino imagen-assombração, una modulación en que se entrevera lo espectral con la territorialidad para pensar la herencia, el legado y las supervivencias.

Bodega Malma nació con el desarrollo del proyecto vitivinícola en San Patricio del Chañar, provincia de Neuquén, una región que se destaca por sus las características únicas y calidad de sus vinos.

Malma significa, en dialecto mapudungun, orgullo. Orgullo por el camino recorrido, por trabajar la tierra, orgullo de los orígenes.

La bodega es propiedad de la familia Viola, pionera y desarrolladora del polo vitivinícola de San Patricio del Chañar y apasionada por la

Patagonia y sus posibilidades.

Junto a su equipo, con el enólogo residente y al enólogo consultor Hans Vinding-Diers, delinearon un portfolio puro y nítido y están constantemente en la búsqueda de la mejor expresión del terruño.

Su filosofía es encontrar la esencia última del terruño y llevar la Patagonia Argentina al mundo como una región productora de vinos únicos.

Bodega Malma @malmawines

Fondo Nacional de las Artes prensa@fnartes.gob.ar

SOBRE BODEGA MALMA

El Recoleta inaugura cinco muestras:

100 años de El juguete rabioso de Roberto Arlt, arte contemporáneo y pintura.

El jueves 25 de junio a las 18 h inauguraron cinco nuevas exposiciones en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1030). Un homenaje titulado “ Juguete rabioso: 100 años ” con motivo del aniversario de la primera publicación de la novela de Roberto Arlt, curado por Sylvia Saítta y Juan Maisonnave en las salas 2 y 3. Martin Farnholc Halley y su “ Plástica escatológica ” en la sala 5, y Andrés Gorzycki con “ Calabazxs y dragonxes ” en la sala 6 (ambos seleccionados en la convocatoria anual y federal de artistas del Recoleta). Y finalmente, dos grandes exponentes de la plástica como Eugenia Bekeris y su “ Ofrenda ” en la sala 13 y “El camino de la

espesura” de Patricia Fente en la sala 14.

A las salas 2 y 3 llega “El juguete rabioso: 100 años”, un homenaje a la primera novela del escritor (publicada en octubre de

1926) que inaugura la narrativa urbana moderna en Argentina. Con la curaduría de Sylvia Saítta y Juan Maisonnave, la muestra despliega un gran mural que reúne las tapas de diversas ediciones de El juguete rabioso, Martin Farnholc Halley - Corazón-retrato.

publicadas a lo largo de un siglo, agrupadas para la muestra en distintos núcleos temáticos. Además,

habrá ilustraciones y obras imaginadas por artistas plásticos e ilustradores, un ejemplar de la primera edición y una réplica de la antigua máquina de escribir citada por Arlt en uno de sus prólogos: la icónica Underwood.

En la sala 5 tendrá lugar “Plástica escatológica” a cargo del artista Martin Farnholc Halley, que reúne pintura, ensamblaje y video en un universo atravesado por experiencias cercanas como la

música, los vínculos personales y distintos materiales de la vida cotidiana. En diálogo con la tradición abstracta argentina, el artista incorpora elementos vinculados a la cultura pop, el artificio, el brillo y la noche. Sus composiciones combinan estructuras geométricas, deformaciones figurativas y detalles autobiográficos.

En la sala 6 se exhibirá “Calabxzxs & Dragxnes”, una exposición curada por Andrés Gorzycki que presenta una partida de juego de rol. La mesa es el tablero y a su alrededor cada obra propone un encuentro. Castillos, elfas,

monstruos, calabozos, dragones y artefactos de poder ofrecen distintos caminos para elegir la propia aventura. Una invitación a fantasear con otros futuros posibles.

En la sala 13 Eugenia Bekeris presentará “Ofrenda”, una serie de dibujos que con sutileza y honestidad poética retratan distintas dimensiones de la naturaleza. Un testimonio visual que invita a conectar con una temporalidad más lenta, íntima y profunda.

En la sala 14, Patricia Fente propondrá “El camino de la u

Mario Scorzelli - Gorzycki.

Eugenia Bekeris - Árbol de Quenua.

Patricia Fente.

espesura”. A través de la pintura, la artista visual se enfoca en el paisaje ofreciendo distintas miradas del cielo, arbustos y matorrales. Con el diseño de montaje de Luis Gimelli, Fente da rienda suelta a sus intuiciones de las cuales surgen formas y colores que dialogan con su

amplia trayectoria plástica.

Las nuevas muestras pueden visitar en el CENTRO CULTURAL RECOLETA (Junín 1930) con entrada libre y sin costo para residentes y argentinos, de martes a viernes de 12 a 21 h, sábados, domingos y feriados de 11 a 21 horas.

Programación completa en http://www.centroculturalrecoleta. org/.

Prensa

Cecilia Gamboa info@ceciliagamboa.com.ar

Lorena del Pilar Art

"Inventar la Presencia"

Lorena del Pilar Art se complace en anunciar “Inventar la Presencia” la nueva muestra colectiva de los artistas Belén López de Carlo, Diego Cirulli, Julio Alan Lepez y Sandro Pacucci con curaduría de Lorena del Pilar Guerrero.

Opening: Jueves 2 de Julio | 18:30 hs

TEXTO CURATORIAL:

“La presente exposición reúne las obras de Sandro Pacuzzi, Belén López de Carlo, Diego Ciruli y Julio Alan Lepez, cuyas prácticas convergen en una misma inquietud: la exploración de la figura humana como espacio de experiencia, identidad y transformación. Lejos

de concebir el cuerpo como una representación estable o definitiva, estos artistas lo abordan como un territorio en constante construcción, un campo abierto donde se inscriben memorias, afectos, percepciones y modos de habitar el mundo contemporáneo.

La figura humana atraviesa la

muestra como una presencia mutable antes que como un motivo de representación. Distanciados de la tradición del retrato entendida como descripción o fijación de una identidad, los artistas utilizan el cuerpo como un dispositivo para interrogar las formas en que nos relacionamos con nosotros mismos, con los otros y con los entornos materiales, simbólicos y tecnológicos que configuran nuestra experiencia. La imagen humana aparece entonces sometida a procesos de transformación, fragmentación, construcción y reinvención que desplazan cualquier idea de identidad cerrada o imagen definitiva.

En la obra de Belén López de Carlo, la figura se sitúa en el cruce entre la experiencia íntima, los vínculos afectivos y los sistemas de conexión que caracterizan nuestra época. Sus personajes parecen habitar un espacio suspendido entre lo material y lo virtual, donde la intimidad convive con el simulacro y las relaciones humanas se expanden hacia dimensiones energéticas, tecnológicas y espirituales. Su trabajo explora las tensiones entre deseo, representación y virtualidad, revelando nuevas formas de presencia y conexión.

Para Diego Ciruli, la figura constituye un vehículo para investigar los propios límites

de la pintura y de la imagen. Sus obras exploran los umbrales entre presencia y desaparición, construcción y descomposición, generando desplazamientos perceptivos que cuestionan los modos habituales de ver. La imagen deja de ofrecer certezas para convertirse en un acontecimiento abierto, capaz de activar la imaginación y producir nuevas experiencias de lo visible.

En las obras de Julio Alan Lepez, el retrato y la figura humana funcionan como puntos de partida para procesos de experimentación narrativa y plástica. A través de gestos, superposiciones, desplazamientos y estructuras que hacen visible el artificio de la representación, sus personajes habitan escenas donde conviven la ficción, la ironía y la reflexión sobre los mecanismos de construcción de las imágenes. Sus figuras se transforman constantemente, abriendo múltiples posibilidades de lectura.

La práctica de Sandro Pacuzzi propone una mirada en la que la condición humana emerge a través de tensiones entre materia, gesto y representación. Sus cuerpos surgen de superficies construidas mediante capas, fragmentos y procesos visibles, integrándose al espacio que los rodea y

diluyendo los límites entre sujeto y entorno, entre figuración y abstracción. En sus obras, la experiencia subjetiva aparece como una realidad compleja y siempre inacabada.

A pesar de sus diferencias formales y conceptuales, los cuatro artistas comparten una comprensión de la figura humana como un lenguaje capaz de condensar preguntas fundamentales sobre la existencia. Sus obras no buscan describir al individuo de manera literal, sino activar espacios de reflexión donde el cuerpo se presenta simultáneamente como huella, presencia, memoria y proyección.

La figura deja de ser únicamente un motivo iconográfico para convertirse en un dispositivo de pensamiento que permite explorar las transformaciones de la identidad, las relaciones con los otros y las formas en que imaginamos nuestra propia presencia en el mundo.

“Inventar la presencia” reúne estas búsquedas bajo una misma constelación. Las obras no presentan cuerpos definitivos, sino procesos abiertos: figuras que se construyen y se deshacen, que aparecen y se repliegan, que resisten ser fijadas en una única imagen. En ese movimiento permanente se revela una de las condiciones u

más profundas de lo humano: la posibilidad de transformarse y reinventarse continuamente.

Lorena del Pilar Guerrero

SOBRE LOS ARTISTAS:

Belén López de Carlo nació en Buenos Aires (Argentina), en 1991, donde vive y trabaja actualmente.

Es Licenciada en Artes Visuales por la Universidad del Museo Social Argentino. Se formó como Realizadora Escenográfica en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Participó en el Programa de artistas de la Fundación Cazadores y en Proyecto PAC de la Galería Gachi Prieto. Asistió al Programa de artistas Blasón y a “El primer viernes de cada mes”, ambos coordinados por Verónica Gómez.

Diego Cirulli, nació en San Carlos de Bariloche, Prov. Río Negro Argentina 1981. Licenciado en Bellas Artes,

Instituto Universitario Nacional de Arte. Buenos Aires 2009 Fundador y docente del taller de arte ONNDO (2006-atual). Miembro del taller de Escenografía del Teatro Colón 2005-2025. Jefe de dicho departamento (2023-2025l) Buenos Aires Argentina. Exposiciones destacadas Desarrolla una labor artística profesional desde el año 2012 a la fecha. Exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Brasil, Uruguay, Bosnia, Alemania, Suiza, República Dominicana y Japón.

Julio Alan Lepez realizó su formación artística en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Allí surgieron las bases de su imagen, centrada en la figura humana. En el año 2002 presentó su primera exposición individual, titulada “Muestra Todo”, en el Centro Cultural Recoleta. Por entonces en su obra destacaban las referencias al mundo de la literatura -extensivo a la construcción de orden narrativo-, y una dosis de humor que ya no habría de abandonar. Dos años más tarde, con “Directo de

Fábrica” (Palais de Glace), se consolidaron en su lenguaje los gestos plásticos del borrón y las tachaduras, más un uso lúdico del collage, el recorte y los soportes heterogéneos.

Sandro Pacucci es un artista visual argentino cuya práctica se desarrolla a partir del dibujo, la pintura y el collage. Estudió Artes Visuales con orientación en Dibujo en el IUNA y asistió al taller de Eduardo Faradje. Su trabajo explora las relaciones entre figura, espacio y materia mediante procesos de superposición y fragmentación, combinando carbonilla, pintura y collage sobre tela. Entre 2013 y 2015 vivió y trabajó en París, donde realizó estudios en École des Beaux-Arts de París. Desde 2015 trabaja con la Galería Mhaata, en Bruselas, donde realizó distintas exposiciones individuales y participó en ferias internacionales como la Antwerp Art Fair y Lille Art Up!. También ha sido seleccionado en el Salón Nacional de Artes Visuales y el Salón Manuel Belgrano.

LORENA DEL PILAR ART

Florida 971 - San Martín 954 (Local 31)

GALERIAS LARRETA - CABA info@lorenadelpilarart.com.ar

Nueva instalación artística en el Museo de Arte Popular José Hernández

El sábado 4 de julio a las 13.30 h se inaugurará en el patio de su sede Rituales cotidianos de Laura Pini.

El sábado 4 de julio a las 13.30 h se inaugurará en el MAP - Museo de Arte Popular José Hernández (Av. del Libertador 2373) la instalación Rituales cotidianos de Laura Pini.

La artista y exploradora María Laura Pini presentará una instalación de 62 platos y medio, cada uno diferente, pintados con azul cobalto, dispuestos sobre una tarima que estará situada en el centro del patio del museo. La base tendrá pequeñas y sutiles intervenciones en lápiz, agregando potencia al relato.

¿Es una mesa? ¿Es una invitación? ¿Es un infinito? La escala exagerada y la repetición refuerzan la idea de que lo sencillo y cotidiano se vuelve sagrado. El olor a tuco o puchero, junto con el azul cobalto, remite a las porcelanas chinas, japonesas y a la vajilla inglesa o de Dresden. Rituales de comunidades, rituales que no hay que olvidar. Volver a encontrarse con los sentidos: el olfato, la vista, el gusto.

Dice María Laura Pini: “Hay una mesa quieta puesta con dedicación amorosa. Dispuesta. El plato no es solo barro y

esmaltes, es refugio de aromas, de tiempos compartidos, de todo lo que no se dice pero se ofrece. Lo circular se transforma en movimiento infinito. Todo vuelve: el hambre, la espera, la celebración, el encuentro y la despedida. Sé que guardo historias que siempre regresan. Si el plato está roto, hay promesa de que todo vuelva a empezar distinto, con la belleza del error. Así lo cotidiano se vuelve sagrado”.

MAP - Museo de Arte Popular José Hernández

Avenida del Libertador 2373

Horario: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado. Entrada: $10.000 Público general | $2.000: Residentes argentinos y/o extranjeros con DNI | Miércoles sin cargo sólo para residentes argentinos | Jubilados, excombatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.

EXPOSICIÓN 2026

ABISMOS

Obras de Claudia Aranovich - Curaduría: Laura Casanovas

“Mis pies cubiertos de espuma aún se posan en la cresta –sin cesar destruida– de las olas (…)”

Claudia Aranovich crea objetos, collages, instalaciones y videos que reflexionan sobre urgencias y anhelos medioambientales en escenarios tan conocidos como inciertos. Pensar en abismos respecto de estas obras realizadas en la última década resulta pertinente en dos de sus acepciones. Varias de las imágenes responden a la idea de profundidades misteriosas e insondables, extensivas al territorio de la mente. Ellas se descubren por orificios en esferas y semiesferas, los cuales abren mundos marinos/ terrestres de memorias civilizatorias o de relatos de anticipación.

La indagación sobre entornos naturales está en sintonía con la sustentabilidad ambiental. Y acá aparece el segundo significado

de abismos en cuanto a las diferencias inmensas que puede haber, en este caso, al separar peligrosamente lo humano de lo no humano generando desequilibrios. El uso consciente de tecnología low tech, donde el protagonismo de la luz artificial define visibilidades, delinea una poética que observa desde hace décadas la depredación de los recursos.

De manera muy reciente, el motivo del árbol reapareció en una figuración ahora lineal, planimétrica y sintetizada –a diferencia de otros momentos de predominio del volumen escultórico– como metáfora de un estado del mundo. Los materiales reciclados abarcan puertas abandonadas y restos orgánicos. Como en los collages de cajas de la serie Memorias naturales compuestos por hojas, ramas, espinas, cual composición botánica, sobre fondos de textos. La naturaleza

“aparece como una fuerza arrasadora que transforma lo inerte”, sintetiza Aranovich, quien propulsa vida donde parece desvanecerse.

Laura Casanovas

DICE LA ARTISTA

«¿Qué sentimos al trasponer los abismos? Desde principios de los ‘90, mis obras giran alrededor de la naturaleza y la memoria. Con materialidades diversas fui labrando un cuerpo de obra que apela al sentido orgánico de la vida, incorporando transparencias, luz, movimiento, video y elementos naturales. En esta exposición presentaré varias obras nuevas en relieves y cajas; obras lumínicas y tridimensionales de estos últimos años (2017 a 2026).”

Inauguración: miércoles 1º de julio| 19 h

Hasta el 25 de agosto Lunes a sábados de 10 a 20 h

Galería del Centro Cultural Rojas UBA: Av. Corrientes 2038

Entrada gratuita

Parking para asistentes al Rojas: 15% OFF en tu estadía presentando ticket sellado por el Centro Cultural Rojas. Estacionamiento ubicado en Av. Corrientes 1930.

Claudia Aranovich (Buenos Aires, 1956) estudió arquitectura en la Universidad de Buenos Aires y arte con reconocidos artistas. Especializada en escultura e instalaciones, la dualidad artificial/natural y la memoria son sus temas centrales. Sus materialidades incluyen resinas transparentes, vidrios, maderas, metales y el uso de tecnología. Obtuvo, entre otros, el Gran Premio de Escultura del Salón Nacional, Argentina, 2016; 1er. Premio Salón Municipal M.

Belgrano, Buenos Aires, 2012; Diploma Premio Fundación Konex en Escultura, 2022; 1er. Premio del Concurso Monumento a la Humanidad en Resistencia, Chaco, 1992. Y las becas: Fundación Pollock-Krasner de New York, 1993; Fundación Antorchas para especialización en arte público en Europa y Estados Unidos, 1998/9/2001; Secretaría de Cultura de la Nación, 2004; Fondo Nacional de las Artes, 1995 y 2002. Fue invitada a participar de las IV y VI Bienales de La Habana, Cuba, 1991 y 1997; 1ra. Bienal Fin del Mundo, 2007;

1ra. Bienal del Sur, Panamá, 2013; Incheon de Corea, 2009; Bienal de Escultura del Chaco, 2012. Artista en residencia seleccionada para catorce programas en Francia, España, Estados Unidos, Reino Unido, Taiwán, Corea, Uruguay, durante los cuales realizó esculturas y site-specific en el paisaje. Tiene obras en espacios públicos de la Argentina y Estados Unidos, como Grounds for Sculpture en New Jersey; y el Monumento a la Humanidad en Resistencia, Chaco. Creó el Terreno de Arte Experimental, proponiendo a artistas de distintas generaciones que experimentaran, en seis muestras en espacios naturales de museos. En 2023 organizó, junto con Gnab Yatoo de Corea, el proyecto Global Nomadic Internacional Art Project (Gnap) en Argentina, con artistas en la naturaleza de distintas partes del mundo. Vive y trabaja en la ciudad de Buenos Aires.

Laura Casanovas es curadora independiente, crítica de arte y docente. Licenciada en Artes por la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires (Diploma de Honor) y Periodista egresada de la Escuela Superior de Periodismo. Curadora desde 2008 de exposiciones individuales y colectivas en diversas instituciones y galerías de arte (Colección

Fortabat, Casa Nacional del Bicentenario, Museo de Arte Tigre, Parque de la Memoria, Centro Cultural Ricardo Rojas, Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (Macba), Biga Art Gallery, TokonomaAFFAIR, entre otras). Autora de numerosos ensayos y textos de investigación para exposiciones y libros de artistas contemporáneos. Formó parte del jurado del Premio del Fondo Nacional de las Artes a las Artes Visuales (2024); Gran Jurado de los Premios Konex 2022 a las Artes Visuales; Jurado del II Concurso de Ensayos Críticos organizado por Fundación Proa y la AACA (2021); Jurado en Grabado del 65° Salón Manuel Belgrano (2021); entre otros. Se desempeñó en investigación y en prensa en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2011-2013). Desde hace quince años es crítica de arte en revista de cultura Ñ (Clarín). Trabajó en el diario La Nación (19962010) especializándose en cultura, arte y educación. Docente titular de la Universidad de Palermo. Creó y dicta cursos en instituciones públicas y de manera privada que relacionan escritura, literatura y artes visuales. Miembro de la Asociación Argentina de Críticos de Arte. Vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires.

PRENSA Paula Simkin psimkin@rojas.uba.ar

MUSEOS

Obras de Vechy Logioio en el Bellas Artes

La escultora y pintora exhibe más de 30 piezas en “Travesía”, su primera exposición individual en el Museo.

Con la presencia de la artista de 95 años, el Museo Nacional de Bellas Artes inauguró el pasado martes 9 de junio la exposición temporaria “Vechy Logioio. Travesía”, que reúne en las salas del segundo piso una selección de obras de la escultora y pintora argentina, con curaduría de Andrés Duprat.

“Es una alegría para el Museo Nacional de Bellas Artes presentar la primera exposición individual de Vechy Logioio, cuya obra pudimos ver en 2025, cuando recibió el Premio Nacional a la Trayectoria Artística”, expresó en la inauguración Duprat, director del Bellas Artes.

“Esta muestra despliega las indagaciones de la artista sobre la gramática de las formas, el tratamiento de diferentes superficies y el estudio de la espacialidad, tanto en sus obras bidimensionales como en sus esculturas”, opinó.

Acompañada por familiares,

amigos, colegas y personalidades de la cultura, Logioio agradeció a los presentes y dejó unas breves palabras: “Estoy muy contenta de estar en este museo, que lleva adelante una gestión que lo ha convertido en un espacio vital, dinámico y festivo. Agradezco el trato recibido, tan profesional como cálido”.

En la sala pueden verse ocho

piezas fundidas en bronce de pequeño y gran formato, incluyendo la obra “Desde el jardín” (2013), de dos metros de altura. También se exhiben más de veinte pinturas, collages y técnicas mixtas sobre papel, pertenecientes a series creadas en la década de 1990.

“Vechy Logioio ha forjado una obra consistente y sin

estridencias. Ha experimentado con diferentes escalas, materiales y formatos, desde joyas, dibujos, collages y pinturas hasta grandes esculturas de bronce –como la que se encuentra instalada en el jardín que rodea el Museo–con una voz propia, original y reconocible”, sintetizó Duprat.

Sobre Vechy Logioio Nació en Santa Rosa, La Pampa, en 1930. Entre 1947 y 1956, vivió en Ginebra, Suiza. Sus primeras experiencias artísticas se desarrollaron en torno a la música, disciplina que abandonó en 1956 para dedicarse íntegramente a la pintura.

Por esa época, estudió con Andreina Baj –discípula en Turín de Felice Casorati–, Emilio Pettoruti, Horacio Butler y Santiago Cogorno. En 1971,

llevó a cabo su primera exhibición individual en la galería Cadario de Milán. A partir de entonces, y hasta 1998, realizó múltiples presentaciones de su obra pictórica tanto en la ciudad de Buenos Aires como en Estados Unidos, España, Venezuela, Uruguay y México. En 1994, comenzó a incursionar en la práctica escultórica, actividad que caracteriza su producción hasta la actualidad. En 2025, recibió dos importantes distinciones: el Premio a la Trayectoria del Fondo Nacional de las Artes y el Premio Nacional a la Trayectoria Artística, que otorga la Secretaría de Cultura de la Nación. A través de este último reconocimiento, su escultura “Desde el jardín” ingresó a la colección del Museo Nacional de Bellas Artes. En

2024 donó la obra “Juegos del Viento”, una escultura que hoy está emplazada en el Paseo de las Esculturas del Museo.

La muestra “Vechy Logioio. Travesía” puede visitarse hasta el 9 de agosto en el segundo piso del Museo, de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.30.

El Museo Nacional de Bellas Artes –que depende de la Secretaría de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes– está ubicado en Av. del Libertador 1473, ciudad de Buenos Aires.

Museo Nacional de Bellas Artes www.bellasartes.gob.ar IG: @bellasartesargentina

El Museo Quinquela Martín presentó sus nuevas exposiciones.

Tres miradas sobre la identidad argentina se reúnen en La Boca: el trabajo más reciente de Adolfo Pérez Esquivel, una retrospectiva de José “Pipo” Ferrari y una selección contemporánea de Sergio Pisani.

El Museo de Bellas Artes de Artistas Argentinos Benito Quinquela Martín inauguró el pasado sábado 6 de junio a las 14 h, en su sede de Av. Pedro de Mendoza 1835 (La Boca), tres nuevas exposiciones. Con el apoyo de la Fundación Piazzolla, se presentará la muestra “María del arrabal”,

del artista Adolfo Pérez Esquivel. Concebida como una transposición visual de la ópera-tango María de Buenos Aires, la exposición propondrá una actualización de esa pieza clásica desde una perspectiva feminista, analizando en clave contemporánea la obra clásica con música de Astor Piazzolla y libreto de Horacio Ferrer. Para eso, Adolfo Pérez Esquivel elaboró una secuencia narrativa que recorrerá uno a uno los episodios atravesados por la protagonista, en una multiplicidad de técnicas pictóricas con diversos soportes —papel, cartón, tela y hasta

plástico—, dando cuenta asimismo del itinerario matérico de su creador.

También se inauguró la muestra en homenaje al maestro José “Pipo” Ferrari, que reunirá obra pictórica y gráfica del artista ítaloargentino, centrada en asuntos del noroeste nacional, con texto curatorial de Juan José Cano. Por reticencia a la lógica del mercado y la legitimación académica, Ferrari ha elegido mantenerse en los márgenes del circuito, pero en su lugar se ha enfocado en cultivar una red de discípulos que actualmente reconoce en

Obra de Adolfo Pérez Esquivel.

Obra de José “Pipo” Ferrari.

sus lecciones los fundamentos de una generación completa. En paralelo a su activo rol docente desde mediados de los años 50, Ferarri emprendió una serie de viajes al corazón del altiplano que moldearon su estética y ética en forma definitiva.

Por último, la exposición “En la bajante” es un recorrido por los últimos 25 años de carrera de Sergio Pisani, que reúne fotografías y pinturas de asuntos barriales, con texto curatorial de Pedro Lorenzo Lespada. Evitando las manifestaciones pintoresquistas que reproducen la imagen turística del barrio de La Boca,

Sergio Pisani reivindica la posición del observador crítico en un espacio porteño que encierra múltiples tensiones. El artista revelará aquellos costados frecuentemente borrados de las calles boquenses y sus protagonistas, que permitirán encontrar belleza y ternura entre los resquicios más profundos de la crueldad.

SOBRE LOS ARTISTAS

Adolfo Pérez Esquivel Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1931. En 1980 recibió el Premio Nobel de la Paz por su compromiso con la defensa de la democracia

y los derechos humanos por medios no violentos frente a las dictaduras militares en América Latina. Pérez Esquivel fue becado por el Fondo Nacional de las Artes para realizar sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en la Universidad Nacional de La Plata. Fue profesor en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Nacional de La Plata, en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y en el Instituto del Profesorado de Azul. Desarrolló una intensa actividad tanto en exposiciones y murales como en monumentos, entre los u

que se puede mencionar el Via Crucis Latinoamericano y Paño Cuaresmal, realizado en 1992 en conmemoración de los 500 años de la conquista de América; el Monumento a los Refugiados, que se encuentra en la Sede Central del Alto Comisionado de Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) en Suiza; el Mural de los Pueblos Latinoamericanos en la Catedral de Riobamba (Ecuador), dedicado a Monseñor Proaño y a los pueblos indígenas; y el emplazamiento de su escultura de bronce en homenaje al Mahatma Gandhi, en la Plaza Gandhi, en Barcelona (España); entre otras numerosas obras. Muchos de sus trabajos se encuentran en museos argentinos, como el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, y en colecciones del exterior.

José “Pipo” Ferrari

Nació en Milán, Italia, en 1930. En 1945 cursó la Escuela Preparatoria Manuel Belgrano, donde hizo amistad con Antonio Pujía. En 1947 frecuentó la Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, siendo alumno, admirador y amigo de su maestro Adolfo De Ferrari. Con él desarrolló una visión pictórica constructivista con base en el cubismo. En 1955 inició su carrera como profesor en la Escuela Normal de Ciudad Evita. En 1957 realizó su primer viaje a Jujuy,

que lo marcó profundamente al introducirlo en el mundo cultural incaico español, y que repetiría innumerables veces a lo largo de su vida, junto a los viajes a Bolivia. En 1962 se radicó en Jujuy, donde conoció al artista plástico Guillermo Roux, con quien trabó amistad hasta el final de su vida. Ingresó como profesor en la Universidad de La Plata, en 1964, y en la Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, en 1977. En 1981 realizó un viaje fundamental a Madrid,

Obra de Adolfo Pérez Esquivel.

París, Bruselas y su amada Italia. Las obras de Masaccio, Piero della Francesca, Paolo Ucello, Tiziano, Michelangelo y Raffaello marcaron vivamente su retina. En 1982, contra su voluntad, sus amigos Francisco Travieso y Roberto Páez, en complicidad con Van Riel, organizaron su primera muestra individual. Fijó su último taller en el barrio de Flores, donde dictó clases particulares, mientras daba cátedra en la Escuela Nacional Superior Ernesto de la Cárcova y en la

Escuela de Bellas Artes de la ciudad de Luján. Falleció en Buenos Aires, Argentina, en 1995.

Sergio Pisani Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1964. Es egresado de la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y profesor superior de Pintura por la Escuela de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Desde 1994 se desempeña como docente de Artes Visuales en Educación Media y Superior y, desde el mismo año, expone en forma regular en muestras colectivas. Obtuvo premios tanto por su disciplina de base, la pintura,

como por su dedicación a la fotografía, que difunde especialmente por redes sociales.

MUSEO DE BELLAS ARTES DE ARTISTAS ARGENTINOS BENITO QUINQUELA MARTÍN

Av. Pedro de Mendoza 1835, La Boca. CABA.

Horario del museo: Lunes de 11 a 16 h, miércoles a domingos de 11 a 18 h. Martes cerrado. Entrada: $10.000 público general | $2.000 residentes argentinos y/o extranjeros con DNI | Miércoles sin cargo | Jubilados, excombatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.

Obra de Sergio Pisani.

Obra de Sergio Pisani.

MUSEO PETTORUTI

Se inaugura la muestra de Guillermo Düvelmeyer en el Espacio de Arte Fundación OSDE La Plata

Se trata de una muestra del artista alemán con curaduría de Gabriela Francone.

El Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti inauguró el pasado jueves 4 a las 19:00 la exposición “in der Pampa”, una muestra dedicada al pintor alemán Guillermo Düvelmeyer (1893–1957), curada por Gabriela Francone, en el Espacio de Arte Fundación OSDE (calle 50 n° 925 - 5° piso, La Plata). Esta actividad forma parte de las propuestas impulsadas por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

A través de un exhaustivo trabajo de investigación y colaboración institucional y privada, Gabriela Francone reconstruye la historia de un artista perdido en la pampa bonaerense, entre el arte moderno de vanguardia y la vida cotidiana de vecino de la localidad de Tres Arroyos.

Entre los depósitos del Museo Arte Tres Arroyos MUBATA, colecciones personales y pacientes trabajos de archivo, Francone descubrió que el vecino pintor de casas Guillermo Düvelmeyer era también Wilhelm Düvelmeyer: un artista alemán de vanguardia que había

expuesto junto a Marc Chagall, Vassili Kandinsky y Paul Klee, y que en 1923 viajó a la Argentina, desapareciendo casi por completo del circuito artístico.

Tras exhibirse por primera vez durante el verano en el Museo MAR de Mar del Plata, la muestra reúne quince obras de Guillermo/Wilhelm Düvelmeyer, documentos y un registro audiovisual que forma parte del proyecto de investigación desarrollado por Francone sobre este singular episodio de la historia del arte bonaerense.

Las obras, recuperadas y acondicionadas por personal del Museo, podrán visitarse de lunes a viernes, de 8:00 a 16:00, con entrada libre y gratuita en el Espacio de Arte Fundación OSDE (calle 50 n° 925 - 5° piso, La Plata).

Museo Provincial de Bellas

Artes Emilio Pettoruti

https://museopettoruti.icpba.gba. gob.ar/ https://www.instagram.com/ museopettoruti/ https://twitter.com/ MuseoPettoruti

Cartelera TEATRO para niñas y niños

La bella durmiente

La Fundación Konex, junto a la Asociación Arte y Cultura, presenta los domingos de junio, julio y agosto a las 11 hs., La bella durmiente. Una versión adaptada para el público infantil y una propuesta para disfrutar en familia.

Con dirección de Federico Fernández y coreografía de

Emanuel Abruzzo, esta obra ofrece una nueva mirada de un clásico del ballet con el objetivo de iniciar a los más pequeños en el camino de la música clásica, como es el caso de Piotr Ilitch Tchaikovsky.

Para ello construyen un lenguaje de cercanía incorporando modismos actuales, propios de

las redes sociales, en la voz de la actriz Victoria Barnfather, quien interpreta al Hada Lila. Además, el Hada Lila es la encargada de llevar adelante la historia e introducir a las niñas y niños en el relato.

El uso de pantallas y la puesta visual también facilita dicho acercamiento al proporcionar

una escenografía dinámica e inmersiva, a la vez que sitúa al espectador en diferentes paisajes y momentos de la obra.

En esta ocasión, La bella durmiente está estructurada en dos actos, con cinco escenas, y un intervalo de diez minutos que funciona para que los y las pequeñas presentes se distiendan y recarguen las energías necesarias para disfrutar de un final de fiesta que reúne a personajes de otros cuentos clásicos, como Cenicienta, Caperucita Roja, Pulgarcito y el Gato con Botas. Cabe destacar que La Bella

durmiente, se presenta todos los domingos a las 11 hs., en el marco de la 36ta edición del ciclo Vamos a la Música, una propuesta creada por la Fundación Konex que busca acercar la música clásica a los más chicos.

Ficha técnica

Elenco: Buenos Aires Ballet “Juvenil”. Victoria Barnfather (Hada Lila). Julieta Zabalza (Hada Carabosse). Dirección: Federico Fernández. Codirección: Nina Zaera. Asistente coreográfica: Yanina Toneatto. Música: P. I. Tchaikovsky. Idea, guion y adaptación: Juan Lavanga. Coreografía, edición musical

y dirección actoral: Emanuel Abruzzo. Efectos foley: Facundo Gutiérrez. Diseño de visuales y mapping: Karina Solarz. Stage manager / productor técnico: Emiliano Caffarelli. Fotos: Antonio Fresco. Prensa y comunicación: María Laura Lucini Monti.

Teatro: Ciudad Cultural Konex

Dirección: Sarmiento 3131, C.A.B.A.

Domingos 5 y 12 de julio. En vacaciones de invierno: domingos 19 y 26 de julio; viernes 24 y 31 de julio; sábados 25 y 1 de agosto. Entradas: desde $25.000 en venta en www.cckonex.org

MiráBA 72

La Comedia de la Provincia de Buenos Aires dependiente del Instituto Cultural presenta Viajando al mundo de los cuentos, una producción integral destinada a las infancias que invita a una experiencia teatral donde la música, el humor y la fantasía se unen para celebrar el poder de la imaginación.

Con dirección general y guion de Rodrigo Atencio, la obra propone una apasionante aventura en la que el universo de los cuentos se enfrenta a una amenaza inesperada: los temibles Cyborgs buscan borrar las historias y convertir el mundo en un lugar donde ya no existan los sueños ni la creatividad. Ante este desafío, serán los propios espectadores quienes deberán ayudar a los personajes a recuperar la magia de los relatos.

A través de estos personajes entrañables y situaciones llenas de humor, Viajando al mundo de los cuentos pone en valor la importancia de la lectura, el juego y la imaginación como herramientas fundamentales para el crecimiento de las infancias. Lejos de ser simples espectadores, las infancias se convierten en protagonistas activos de una historia que los invita a soñar, participar y descubrir el poder transformador de los cuentos.

Las funciones se desarrollarán de martes a domingos, durante todo el receso invernal, a las 16 horas en la Sala Armando

Discépolo, ubicada en calle 12 entre 62 y 63 de la ciudad de La Plata. Las entradas son gratuitas y podrán retirarse una hora antes del inicio de cada función.

Obra: “Viajando al mundo de los cuentos”

Autor y Dirección: Rodrigo

Atencio

Elenco

Juan Pablo López Bonanni: Recolector de Sueños

Silvina Marcoval: Dama de las Palabras

Violeta Trevisan: Aventura y Fantasía

Leandro José Verón: Cyborg X Valentina Morris: Hada u

Letizia Denise Bloisi: Cyborg Z y Villana

Coreografías: Martín Figueroa

Canciones: Mariano Cassarini

Escenografía: Juan Camargo

Vestuario: Micaela Mariel

Posteraro

Iluminación: Federico Genoves

Asistencia de Dirección: Celeste Allende

SALA ARMANDO DISCÉPOLO

- Calle 12 entre 62 y 63 - La

Plata

FUNCIONES EN VACACIONES DE INVIERNO

1° Semana: Martes 21/7 al

domingo 26/7 a las 16 hs.

2° Semana: Martes 28/7 al domingo 2/8 a las 16 hs.

ENTRADA GRATUITA (retirar 1 hora antes de cada función)

Producción integral Comedia de la Provincia - Instituto Cultural - Gobierno de la Provincia de Bs. As.

La Comedia de la Provincia de Buenos Aires se comunica a través de sus redes sociales: Instagram: @comediapba

Facebook: Comedia de la Provincia de Buenos Aires X: @comedia_rrpp

WhatsApp: 221 577 7705

Correo electrónico de Prensa y difusión: comediaprensa@ gmail.com

ESTRENO: PRÓXIMO 12 DE JULIO

TARZÁN

EL MUSICAL ORIGINAL

La gran apuesta de estas vacaciones de invierno en la Avenida Corrientes

En el marco del punto histórico más alto para el género musical en el mercado porteño, VELKA Producciones anuncia el estreno

de “Tarzán – El Musical Original”, una producción 100% argentina que se posiciona como el evento imperdible para toda la familia durante las próximas vacaciones de invierno.

La obra debutará el próximo 12 de julio en el Teatro Multiescena, con entradas ya disponibles a través de Plateanet.

Una propuesta de alto impacto para todas las edades

“Tarzán – El Musical Original” no es solo una obra de teatro, sino una épica experiencia familiar inspirada en la novela original de Edgar Rice Burroughs. Con una puesta dinámica y visualmente impactante, la obra combina música original, acrobacia y

más de 16 artistas en escena y ofrece un “gran espectáculo” orientado a la familia completa.

La propuesta busca conectar emocionalmente con el público a través de un ángulo narrativo inédito: el amor maternal como eje central de la historia, destacando valores como la empatía y el respeto por la naturaleza.

SINOPSIS

La historia sigue a un niño que, tras un trágico accidente en la selva, es rescatado y criado por una manada de gorilas, especialmente por su madre adoptiva, Kala. Tarzán crece aprendiendo las leyes de la selva hasta que el encuentro con Jane Porter, una joven exploradora que llega a la jungla junto a su padre y un grupo de

cazadores, lo obliga a cuestionar su verdadera identidad. Entre aventuras, risas y peligros — encabezados por el ambicioso cazador Edgar—, Tarzán deberá descubrir quién es realmente y dónde reside su hogar.

EQUIPO DE LUJO

La producción reúne a grandes talentos del teatro musical argentino: Matías Asenjo, Josefina Achaval, Lucía Andrada, Mario Angelomé, Hernán Kufert y Manuel Feito, acompañados por Ariadna Alegre, Lucas Apa, Naia Giuliodoro, Julieta Antonio, Sofia Ranco, Mailen Bisso Heit, Aimara Vazquez, Lucas Gomez y Dante Emanuel.

El libro y la dirección son de Emmanuel Degracia, la música original y dirección vocal es de Edu Blacher, coreografías de Daiana Núñez, diseño de vestuario de Andrea Saldivia, diseño de maquillaje de Javo Is Rouss, diseño de sonido de Poty Frías y la producción general de VELKA Producciones.

TARZÁN – EL MUSICAL ORIGINAL

Libro y letras:

Emmanuel Degracia

Música original: Edu Blacher

Elenco

Tarzán: Matías Asenjo

Jane: Josefina Achaval

Kala: Lucía Andrada

Edgar: Mario Angelomé

Dunbar: Hernán Kufert

Profesor Porter: Manuel Feito

Ariadna Alegre, Lucas Apa, Naia Giuliodoro, Julieta Antonio, Sofia Ranco, Mailen Bisso Heit, Aimara Vazquez, Lucas Gomez, Dante Emanuel

Diseño de vestuario: Andrea Saldivia

Diseño y ejecución de maquillaje: Javo Is Rouss

Diseño de sonido: Poty Frías

Coreografías: Daiana Núñez

Prensa:

BMZ Comunicaciones

Producción general: VELKA Producciones

Música y Dirección vocal: Edu Blacher

Libro y Dirección: Emmanuel Degracia

TARZÁN - EL MUSICAL ORIGINAL

Estreno: 12 de julio a las 17:30 h

Funciones en vacaciones de invierno:

Lunes a viernes a las 17:30 h

Teatro Multiescena

Av. Corrientes 1764

Entradas venta en la boletería del teatro y por Plateanet

PRENSA

Marcelo Boccia

BMZ Comunicaciones marcelo@bmzcomunicaciones. com.ar

TW BMZComunica

IG BMZComunicaciones

¡GRAN ESTRENO EN EL TEATRO EL EXTRANJERO!

SÁBADOS 17.30H.

Renata y los últimos

Escrita y dirigida por Anto Van Ysseldyk

Los sábados de junio a las 17.30h. se presenta “Renata y los últimos”, una obra de realismo mágico con títeres para adultos y música en vivo que abraza la fragilidad humana con ternura, humor y poesía. Una historia donde conviven los actores con los títeres que habla sobre el duelo, los vínculos y esa pequeña magia que aparece cuando alguien nos vuelve a enseñar a sentir.

Íntima, sensible y profundamente conmovedora, “Renata y los últimos” invita a entrar en un universo donde el dolor puede transformarse en amor.

La obra está escrita y dirigida por Anto Van Ysseldyk. Con Pikuu Macri, Nacha Malen, Edgardo Rosini, Martu Rubio y Tobías Wainer. Las funciones son los sábados de junio a las 17.30h. en el Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378, CABA) y las entradas se pueden adquirir a través de Alternativa Teatral.

SINOPSIS

Niño es un pequeño muy apasionado por la pintura y

con un amor muy grande por el arte. En el medio de sufrir una gran pérdida, se apaga y

olvida todo lo que lo hace sentir con vida. Ya siendo un adulto mayor, luego de una larga vida

de remordimiento, nostalgia y melancolía, un fin de semana, su hija le pide por favor que cuide a su nieta de 6 años, a la cual no ve hace años, Renata.

Al Niño Señor en principio la idea le parece una locura, porque no sabe cómo vincularse.

Pero finalmente cede, y pasa un fin de semana con la pequeña.

Allí se ve atravesando los desafíos de conectar con esa parte curiosa, asombrosa y entusiasta de la vida que ella presenta. Ella lo invita a conectar con esa parte de él mismo que hace mucho no abraza.

EQUIPO CREATIVO

Dramaturgia:

Anto Van Ysseldyk

Actúan:

Pikuu Macri

Nacha Malen

Edgardo Rosini

Martu Rubio

Titiriteros:

Tobías Wainer y Martu Rubio

Redes Sociales: Rocío Marcos

Realización de títeres:

Títeres Más Títeres, Cecilia Mayochi

Música original:

Los Espíritus Animales

Dirección musical:

Manu Lugea

Músicos en vivo:

Rocío Aragón, Guido Lapenna

Diseño lumínico:

Guido Inaui Vega

Diseño gráfico:

Mica Mazzola

Asistencia de dirección:

Manu Duarte

Prensa: Alexis Mazzitelli

Producción ejecutiva: Guido Inaui Vega

Dirección:

Anto Van Ysseldyk

FUNCIONES

Todos los sábados de junio a las 17.30h.

Teatro El Extranjero

Valentín Gómez 3378, CABA Entradas por Alternativa teatral

SOBRE LA AUTORA Y DIRECTORA

Antonella Van Ysseldyk es

LAPLATA CABA

directora del Estudio Espacio Encuentro Arte y docente de Canto y Teatro Musical.

Realizó entrenamientos de Método Suzuki y Viewpoints con Ernesto Fernandez Correa en CELCIT. Realizó talleres con Mariela Asensio, Rubén Szuchmacher, Marina Barbera y Melina Seldes.

Entre su diversa experiencia podemos destacar: “Primera noche robada” (en el Teatro del Pueblo), “Mi novia del futuro” (en el Teatro El Extranjero), “Hoy no quiero ser fuerte” (en Área 623) y “La Farsa de los Artistas” (en El Método Kairós).

@antovanysseldyk @renataylosultimosobra

PRENSA: Alexis Mazzitelli

Vacaciones de invierno: Pequeño Pez Funciones en el Metropolitan

La banda infantil referente de Iberoamérica presenta su espectáculo más ambicioso en vacaciones de invierno.

Después de celebrar una década de música, juego y emociones junto a miles de familias, Pequeño Pez continúa expandiendo su universo artístico y anuncia su esperado regreso a la cartelera porteña con una temporada especial de vacaciones de invierno en el Teatro Metropolitan.

La banda desembarca en la Avenida Corrientes luego de un intenso recorrido internacional que durante el primer semestre de 2026 incluyó una gira por 6 países, más de 30 ciudades y más de 40 funciones.

Reconocidos por transformar cada recital en una experiencia sensorial y afectiva para grandes y chicos, Pequeño Pez se consolidó como uno de los proyectos más importantes de la música infantil en habla hispana, conectando con nuevas generaciones de familias a través de canciones, historias y personajes entrañables.

Un recital pensado para toda la familia

Con más de 12 músicos en escena, artistas invitados, efectos especiales adaptados a la primera infancia y una impactante puesta visual, el espectáculo propone un viaje musical donde conviven el rock, la salsa, la cumbia, la chacarera, el ska, la murga y otros géneros

populares.

Lejos de ser únicamente un show infantil, Pequeño Pez construye un espacio de encuentro entre generaciones: madres, padres e hijos comparten canciones, juegos y emociones en una experiencia teatral participativa que invita a cantar, bailar y emocionarse.

A través de su propuesta artística, la banda combina entretenimiento y contenido educativo, estimulando la imaginación, la creatividad y la expresión emocional de las infancias, mientras fortalece el vínculo familiar desde el juego y la música.

Video Peque Sessions.

Como parte de esta nueva etapa artística, Pequeño Pez presentó recientemente “Peque Sessions”, una serie de colaboraciones especiales creadas para compartir junto a las madres y padres que acompañan a los más pequeños en cada escucha.

El proyecto reúne nuevas versiones junto a destacados artistas de la música argentina:

• Julián Kartun en “Historias, Leyendas y Cuentos”

• Bersuit Vergarabat en “Seré Astronauta”

• Los Tipitos en “El Dinosaurio Romario”

• Benjamín Amadeo en “Duerme Bebé”

Cada lanzamiento cuenta con su videoclip y contenido audiovisual especialmente desarrollado para seguir ampliando el universo creativo de la banda.

VACACIONES DE INVIERNO 2026

TEATRO METROPOLITAN

Av. Corrientes 1343 CABA Entradas ya a la venta por Plateanet

JULIO

• Sábado 18 – 15 h.

• Domingo 19 – 15 h.

• Martes 21 – 17 h.

• Miércoles 22 – 17 h.

• Jueves 23 – 17 h.

• Viernes 24 – 17 h.

• Sábado 25 – 15 h.

• Domingo 26 – 15 h.

• Jueves 30 – 17 h.

• Viernes 31 – 17 h.

AGOSTO

• Sábado 1 – 15 h.

• Domingo 2 – 15 h.

PRENSA Antonela Barchiesi hola@toneprensa.com.ar

VIDEO

Pequeño Pez, Julián Kartun

- Peque Session: Historias Leyendas y Cuentos

Estreno 2026 ME ACUERDO, ME ACUERDO!

Una obra de María Mangone y Julián Rodríguez Rona.

Sábados a las 16 horas en El camarín de las musas.

¡Me acuerdo, me acuerdo! cuenta la historia de dos seres que han perdido sus recuerdos. En medio del olvido, encuentran un refugio: la música. Acompañados por las canciones de María Elena Walsh y personajes muy singulares, los protagonistas recuperarán la memoria, descubriendo en el camino que recordar requiere coraje, curiosidad y, sobre todo, la compañía de los amigos.

¡ESTRENO 2026!

SÁBADOS A LAS 16 HORAS · El camarín de las musas

Mario Bravo 960

Entradas $25.000

Promo de 3 x $66.000 y de 5 x

$100.000

En venta por la web del teatro y en boletería

Duración: 45 minutos

FICHA TÉCNICA

Intérpretes alternantes: Rosario Albornoz

Julián Cardoso

Julián Rodríguez Rona

Asistencia de dirección:

Catalina Fusari

Escenografía y títeres:

Maru Tomé

Diseño de vestuario: Antonela Fucenecco

Asistente de vestuario:

Shirly Weicman

Realización de vestuario:

Antonella Fucenecco

Mariano Castillo

Iluminación:

Adrián Grimozzi

Canciones:

María Elena Walsh

Arreglos musicales: Pablo Viotti

Julián Rodríguez Rona

Grabación y diseño sonoro:

Pablo Viotti

Diseño gráfico:

Mercedes Moltedo

Trailer:

Fernando Caruso

Julián Cardoso

Fotografía:

Flora Rosa y Fuerte

Fernando Caruso

Comunicación y prensa:

Mutuverría PR

Producción:

Catalina Fusari

Julián Rodríguez Rona

Texto y dirección:

María Mangone

Julián Rodríguez Rona

SOBRE LA PROPUESTA

Tomando como disparador

la canción “En el país de Nomeacuerdo” de Maria Elena Walsh, la obra desarrolla en forma de juego poético una indagación sobre la memoria y las formas del recuerdo: ¿Cómo es es olvidar? ¿Qué cosas nos hacen recordar? ¿Qué cosas prefiero olvidar? La pieza sucede en un mundo donde la memoria se ha desvanecido.

Los protagonistas, dos seres que han olvidado incluso

cómo hablar y moverse, son presentados por dos narradorestíteres (viejos cuentacuentos). La obra sostiene que existen vivencias alojadas en lo más profundo que permanecen inalterables. Estos recuerdos imborrables están representados aquí por las canciones de María Elena Walsh y es a través de ellas que los protagonistas logran reconectar con el otro y consigo mismos.

La compañía “Lo ves o no lo ves” se funda en el año 2020 con el propósito de producir un espectáculo homenaje a María Elena Walsh por los 90 años de su nacimiento. Tras un proceso iniciado con un formato semimontado y una adaptación a teatro online, se arriba al estreno en 2021. Desde ese momento, la compañía ha realizado presentaciones en

una amplia gama de contextos: desde teatros con capacidad para 500 localidades hasta espacios no convencionales, centros barriales, festivales al aire libre y escuelas. En el año 2023, la labor del grupo fue reconocida por la Asociación de Teatristas Independientes para Niños y Adolescentes (ATINA), que premió a la obra como Mejor Espectáculo de Música para Niños y Adolescentes. Este recorrido ha permitido validar la vigencia del lenguaje de la obra en públicos diversos. Actualmente, la compañía se encuentra en fase de estreno de su segunda producción, “Me acuerdo, me acuerdo!”, continuando su trabajo en torno a la obra de María Elena Walsh. PRENSA

Mutuverría PR info@mutuverria.com

Charlie y la fabrica de chocolate

El imperdible el año

Lidera la taquilla: ¿Por qué todos hablan de Charlie y la Fábrica de Chocolate?

Con más de 50.000 entradas vendidas a pocos días de su estreno, la superproducción protagonizada por Agustín “Rada” Aristarán se convirtió en el gran fenómeno teatral de la temporada y en una de las experiencias familiares más convocantes del año.

Con más de 50.000 entradas vendidas y funciones que siguen convocando a miles de espectadores, Charlie y la Fábrica de Chocolate se consolidó como uno de los grandes éxitos teatrales del año. La espectacular producción que se presenta en el Teatro Gran Rex conquista al público con una propuesta que combina humor, emoción, música, tecnología y una impactante puesta en escena.

Pero el fenómeno va mucho más allá de los números. Charlie y la Fábrica de Chocolate logra conectar con espectadores de todas las edades a través de una historia que atraviesa generaciones y que hoy dialoga con temas más vigentes que nunca: el deseo, el consumo, la ansiedad por obtener resultados inmediatos y la importancia de no perder la capacidad de imaginar.

¿Y por qué todos hablan de Charlie y la Fábrica de Chocolate?

84

Porque detrás de la magia, los efectos especiales y el universo visual creado por Willy Wonka, existe una historia profundamente humana. Charlie es un chico que tiene muy poco, pero conserva algo invaluable: una imaginación

inagotable y la capacidad de seguir creyendo cuando todo parece estar en su contra.

Cuando aparecen los cinco tickets dorados escondidos en chocolates distribuidos por todo el mundo, comienza una carrera marcada por la competencia, los excesos, las ambiciones y los

caprichos. Todos quieren entrar a la fábrica. Todos creen que van a obtener un premio. Pero lo que encuentran allí es mucho más que eso.

La fábrica de Wonka funciona como un espejo que expone aquello que somos, aquello que deseamos y aquello en lo que podemos convertirnos. Y en medio de ese universo tan extraordinario como impredecible, Charlie descubre que la verdadera recompensa no siempre es la que imaginamos.

Con una puesta de nivel internacional, un elenco de primer nivel encabezado por Agustín “Rada” Aristarán, Mery del Cerro y Sebastián Almada, y una historia que emociona tanto a chicos como a grandes, Charlie y la Fábrica de Chocolate se transformó en el espectáculo que todos quieren ver.

Más que una obra de teatro, es una experiencia que invita a recuperar la capacidad de asombro y a recordar que la imaginación sigue siendo una de las herramientas más poderosas que existen.

Por eso, con más de 50.000 entradas vendidas, Charlie y la Fábrica de Chocolate no solo lidera la temporada: es el fenómeno teatral del que todos hablan.

Una obra sobre la fantasía como acto de resistencia. Sobre esa posibilidad mínima, casi invisible,

de que todavía exista una puerta para quienes saben mirar un poco más allá.

Sobre Charlie y la Fábrica de Chocolate

Charlie y la Fábrica de Chocolate es una producción teatral de gran escala que combina música, danza, actuaciones en vivo y una puesta en escena de enorme espectacularidad. Con el sello de Ozono, MP y Los Rottemberg, productores de grandes éxitos como La Sirenita, Matilda y School of Rock, y bajo licencia de Music Theatre International (MTI), la obra promete convertirse en el gran acontecimiento teatral familiar de 2026 en Argentina.

La historia invita a los espectadores a entrar en el universo del excéntrico chocolatero Willy Wonka a acompañar a Charlie Bucket y a los cinco afortunados ganadores de los billetes dorados

LAPLATA CABA

en una aventura inolvidable. Una experiencia llena de música, magia y emoción, con el equipo creativo que ha marcado hitos en la cartelera nacional.

De los productores de La Sirenita, Matilda y School of Rock — espectáculos que convocaron a más de 500.000 espectadores— esta nueva apuesta reafirma el crecimiento del teatro musical en Argentina y se posiciona como el acontecimiento cultural más importante del invierno 2026.

FUNCIONES:

Teatro Gran Rex Entradas disponibles en tuentrada.com y en la boletería del teatro Instagram @charlie.elshow

Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

PABLO GORLERO PRESENTA

«CUANDO DEJÉ DE VOLAR»

UN VIAJE MUSICAL HACIA EL REENCUENTRO CON LA INFANCIA

El reconocido dramaturgo y director estrena su nueva obra en el Centro Cultural de la Cooperación el próximo 2 de mayo. Las funciones serán los sábados a las 18:00 h

Una propuesta conmovedora que combina actores y el arte de los títeres.

En una apuesta por el teatro que invita a la reflexión y la sanación emocional, llega el estreno de “Cuando dejé de volar”, el nuevo musical argentino para adultos y adolescentes, escrito y dirigido por Pablo Gorlero, con música original de Fernando Nazar.

La obra tendrá su gran debut el 2 de mayo de 2026 y se presentará todos los sábados a las 18:00 h en el prestigioso Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543). Las entradas están a la venta en la boletería del teatro y en Alternativa Teatral.

SINOPSIS:

Jerónimo, un hombre adulto, regresa a la casa de su infancia. Allí, el tiempo parece haberse detenido: su cuarto conserva el universo de fantasías, juegos y refugios que lo acompañaron cuando era niño. Entre objetos, canciones y viejos compañeros

-el Capitán Roger, un muñeco de acción sin un brazo; Eusebio, un dragón soñador; y Francisco, el perro que nunca olvidó-, Jerónimo se reencuentra con su versión infantil y con Darío, su amigo imaginario. A través de una equilibrada dosis de humor, música en vivo y una delicada manipulación de títeres, la pieza explora la memoria emocional, el impacto del bullying, el poder de la imaginación y la imperiosa necesidad de reconciliarse con uno mismo. La narrativa propone un encuentro íntimo entre un adulto y su “yo” niño, culminando en un reencuentro inesperado que ilumina el presente a través del amor más puro.

“En tiempos complejos

es fundamental ofrecer espectáculos que inviten a pensar que una sociedad distinta es posible”, Pablo Gorlero.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Cuando Dejé de Volar de Pablo Gorlero

Con Jerónimo Dodds

Actores Titiriteros:

Mariano Agustín Botindari

Diego Ferrari

Niños Actores:

Gonzalo Aguirre

Teo Rotenberg Hirsch

Libro, Letras y Dirección General:

Pablo Gorlero

Música:

Fernando Nazar

Coreografía:

Marina Svartzman

LAPLATA CABA

Diseño y Realización de títeres: Alejandra Farley

María Victoria Kohakura

Diseño de Escenografía: Vanesa Abramovich

Diseño de Vestuario: Luis Skupien

Diseño de luces: Agustín Bandi

Asistente de Dirección: Pamela Jordan

Producción Ejecutiva: Haydée Codón

Asistentes de Realización de Títeres:

Abril Girard Kohakura

Realización del perro: Inés Sceppacuercia

Voces en Off:

Patricio Coutoune

Susana Dutka

Redes Sociales:

MADE Studio

Prensa:

BMZ Comunicaciones

Producción General: Ariel Ciocco

FUNCIONES:

Todos los sábados a las 18:00 h

Centro Cultural de la Cooperación

Av. Corrientes 1543 CABA

Clasificación: ATP

Género: Teatro Musical

Duración: 80 minutos

Las entradas están a la venta en la boletería del teatro y en Alternativa Teatral.

Instagram: @cuandodejedevolar.elmusical

Prensa: BMZ Comunicaciones

VACACIONES DE INVIERNO CON CANTICUÉNTICOS

El grupo santafesino anuncia una amplia agenda para estas vacaciones de invierno, con funciones en calle Corrientes y nuevas presentaciones en San Isidro, Banfield, La Plata e Ituzaingó. En paralelo, continúa desplegando una intensa gira internacional y prepara nuevos lanzamientos musicales. Canticuénticos confirma una extensa agenda para estas vacaciones de invierno y suma nuevas funciones en el Gran Buenos Aires, además de su ya anunciada temporada en el Teatro El Nacional Sancor Seguros (CABA).

Del 23 de julio al 2 de agosto, el reconocido grupo santafesino

se presentará en la Ciudad de Buenos Aires con funciones de jueves a domingo a las 14 h, y antes y durante esas semanas recorrerá también distintos escenarios del conurbano bonaerense, con presentaciones especiales en San Isidro (21/07), Banfield (22/07), La Plata (28/07) e Ituzaingó (29/07).

Con 18 años de trayectoria, Canticuénticos se consolidó como una de las propuestas más valoradas de la música para las infancias en América Latina.

Su trabajo, inspirado en ritmos argentinos y latinoamericanos, combina calidad artística, sensibilidad y una mirada que respeta y acompaña a niñas y niños sin subestimarles.

Cada show propone un encuentro colectivo para cantar, bailar y emocionarse junto a canciones que ya forman parte del cancionero popular, como La cumbia del monstruo de la laguna, El pulpo cocinero, Acá Tá, El mamboretá y Quiero para mí, además de nuevas composiciones que siguen ampliando su universo creativo.

El presente del grupo también se expande más allá de los escenarios locales. En lo que va del año, Canticuénticos ya realizó presentaciones en Colombia y México, actualmente se encuentra de gira por Chile, y

tras las vacaciones de invierno emprenderá una nueva gira por Europa, en lo que será su tercera visita al continente. Luego continuará recorriendo distintas provincias argentinas, con fechas previstas en la región de Cuyo y una extensa gira nacional hacia fin de año.

A la par de su intensa actividad en vivo, el grupo prepara importantes novedades musicales: trabaja en un nuevo disco que verá la luz antes de fin de año, avanza con nuevas entregas de Canti Duéticos, su serie de colaboraciones con artistas invitados -a fines del año pasado estrenaron la “Cumbia del monstruo” junto a La Delio Valdez-, y proyecta además un lanzamiento muy especial: un compilado de canciones en italiano.

Recientemente lanzaron “En este ratito”, junto al Dúo Karma.

Además de su recorrido en discos -lleva editados seis álbumes de canciones originalesCanticuénticos desarrolló una colección de libros ilustrados que expande su universo musical al papel, acompañando distintas etapas de la infancia y reforzando su propuesta cultural desde múltiples lenguajes.

Ganadores de dos Premios Gardel por Mejor Álbum Infantil y reconocidos con el Premio Konex de Platino 2025 —distinción otorgada por primera vez en esta categoría—, Canticuénticos

continúa construyendo una obra que trasciende el entretenimiento y se consolida como una referencia imprescindible para las infancias y sus familias.

El grupo está integrado por Ruth Hillar (voz, flauta y acordeón), Laura Ibáñez (voz), Cintia Bertolino (voz), Gonzalo Carmelé (bajo y coros), Daniel Bianchi (guitarra, cuatro y coros), Nahuel Ramayo (batería, percusión y coros) y Sebastián Cúneo (producción integral, iluminación, fotografía y video). A ellos se suman Javier Escandell (sonido), Darío Zini (asistencia de escenario, aerófonos, charango y percusión) y Rocío Solís (voz invitada), completando un equipo artístico y técnico que sostiene la identidad del proyecto.

Algunos videos recomendados:

Cumbia del Monstruo (video animado), Acá Tá, El pulpo cocinero, El lorito Teté, Si viene de la tierra, Hay secretos, ¿Por qué, por qué?, La rana Rosita, A cocochito, Quiero para mí, El mamboretá, Un remolino.

LAPLATA CABA

VACACIONES DE INVIERNO CON CANTICUÉNTICOS EN CABA

Teatro El Nacional Sancor Seguros (Av. Corrientes 960, CABA)

Del 23 de julio al 2 de agosto: Jueves a domingo a las 14 h Entradas en venta en Plateanet

GRAN BUENOS AIRES –NUEVAS FECHAS! SAN ISIDRO (Teatro Don Bosco)

Martes 21 de julio a las 15h

BANFIELD (Teatro Maipú)

Miércoles 22 de julio a las 15h

LA PLATA (Teatro Municipal Coliseo Podestá)

Martes 28 de julio a las 15h

ITUZAINGÓ (Teatro Gran Ituzaingó)

Miércoles 29 de julio a las 15h

PRENSA

Marina Belinco marinabelinco@gmail.com

VIDEO ¿Por qué, por qué?CANTICUÉNTICOS

Estreno Domingo 5 de Julio Abuela Luna

Una obra para niños y para toda la familia.

El Profesor Lucero es un científico que quiere viajar a la luna porque su abuela le dijo que la busque en el lado oscuro. Por eso trabaja duramente desarrollando un combustible ecológico para que su nave no contamine. Él conoce a Matienzo, quien se convierte en su ayudante para manejar los controles desde el laboratorio. Entre los dos van a realizar este hermoso viaje y comprenderán, desde el espacio, la importancia de cuidar entre todos nuestro planeta Tierra.

ACERCA DE LA OBRA:

Abuela Luna es una obra para niños y para toda la familia, ya que al estar dirigida por Eduardo Bertoglio, ex integrante del Clú del Claun, se trabajó pensando desde el adulto en un viaje hacia la infancia. El elenco también está integrado por Gabriel Soria, actor dentro del espectro autista, sobrino de Ricardo Bustos, con quien viene trabajando desde hace varios años en el espectáculo de teatro integrado “El hombrecito”. La obra es una producción familiar que reúne también a la esposa de Ricardo, en el rol de asistencia, y al hijo de ambos en la música original. La escenografía fue realizada por Omar Gasparini y Ana Serralta, escenógrafos del

Teatro Catalinas Sur, grupo del cual también formó parte durante muchos años el director Eduardo Bertoglio.

FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA:

Compañía: Siete Quesos

Dramaturgia: Inés Cuesta Actuación: Ricardo Bustos (Profesor Lucero)

Gabriel Soria (Matienzo).

Titiritera:

Mónica Bessone

Escenografía:

Ana Serralta y Omar Gasparini

Música Original: Lucas Bustos

Diseño gráfico: Tomas Bustos

Fotografía:

Mara Rosset

Prensa: Valeria Franchi

Apoyo logístico: Leandro Alexis Bustos

Asistencia: Alejandra Bustos

Dirección:

Eduardo Bertoglio

FUNCIONES:

Todos los Domingos de Julio y Domingo 2 de Agosto, 19 h.

Teatro Club de Trapecistas

Ferrari 252- Villa Crespo. CABA

Entrada general $ 20.000 / descuentos: estudiantes y jubilados 17000

Compra online: www. alternativateatral.com

Duración del espectáculo: 55 minutos

Funciones especiales en Quilmes: Miércoles 22 de Julio a las 15 hs y a las 17 hs. Centro de Producción Cultural (CPC)

Amaicha - Av. 844 N°2226, San Francisco Solano, Quilmes-

Eduardo Bertoglio (Director):

Dedicado a la actuación desde 1979, profesor y director de teatro. Participó en la compañía de Ángel Elizondo entre 1979 y 1985. Colaboró con el “Clú del Claun” en Bs. As. y varios países. Formó el grupo de autogestión “La Cuadrilla” con el que se presentaron en el Teatro Municipal General San Martín. Desde 1999 al 2014 integró el grupo “Grupo Catalina Sur” de teatro comunitario, como actor, profesor y director. Desde el 2004

hasta la actualidad es director del grupo “Las Amaro”. Además fue director del espectáculo “Congelada” unipersonal de María José Gabín, que recibió el Premio Clarín “Mejor Unipersonal 2004”, con funciones y conferencias en la Syracuse University del estado de New York, en el 2005. Y en 2011 Forma parte del elenco de Hamlet dirigida por J.C. Gené.

Gabriel Soria (Actor): Desde el año 2000 pertenece a Teatro Integrado de Berazategui. Realizó varios espectáculos: Cyrano de Bergerac, Macbet, El Sr Galíndez, entre otros. En los torneos Bonaerense obtuvo medalla de oro en los años 2019 y 2020. Desde el año 2012 a la actualidad está realizando la obra El Hombrecito, seleccionada para el Festival Internacional de Teatro y Discapacidad en el Teatro el Tinglado. Participo en la ciudad de Lincoln con dicha obra.

Ricardo Bustos (Actor): Actor. Se formó en la Escuela

LAPLATA CABA

Municipal de Lanús. Realizó entrenamiento actoral con J. C. Gené, Julio Chávez, Gabriel Chamé Buendía. Formo parte del elenco municipal de Quilmes. Con el grupo El Clan Guzmán recorrieron diferentes escenarios entre los años 2000 hasta el 2012. En el año 2014 al 2020 formó parte del elenco estable del Teatro El Popular. Actualmente junto al grupo Pampas. Esta haciendo funciones de Si un árbol cae en la Pampa… de Juan Baio. En este año 2026 produce y lleva adelante un anhelo de muchos años: crear un espectáculo infantil como Abuela Luna.

Instagram @abuelaluna2025 @ricardobustosactor @gabriel.soria.3348 @eduardo.l.bertoglio @lucas_delasfauces @tomasbustos._ @monica.bessone

PRENSA Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

CON CANCIONES QUE MARCARON GENERACIONES CUENTOPOS DE GULUBÚ

El multipremiado espectáculo musical inspirado en el mágico universo de María Elena Walsh, que vuelve a los escenarios para emocionar con canciones que marcaron generaciones, humor, poesía y personajes inolvidables! Un viaje lleno de imaginación para compartir en familia.

Un espectáculo para toda la familia que revive el universo mágico de María Elena Walsh a través de canciones, humor y personajes entrañables.

Luego de una exitosa temporada en el Complejo Teatral de Buenos Aires, “Cuentopos de Gulubú” regresa a los escenarios el próximo 21 de junio en el Teatro Regina. Una obra pensada para toda la familia que re versiona el mágico universo de María Elena Walsh con canciones y personajes inolvidables y producción integral de Galaxias Creativas. En el bosque de Gulubú viven seres maravillosos: Murrún, el gato cuya casa es un zapato, la Princesa Sukimuki, Don Fresquete, la

encantadora tortuga Papalina, Martin Pescador, Pirulín el delfín domador, e incluso encontraremos a la famosa Sombrera, un árbol que regala sombra… y sombreros. Un lugar donde los cuentopos cobran vida y cada palabra puede abrir una puerta secreta a la imaginación para quienes aún creen en la magia de los cuentos.

Dos veces nominado como Mejor Espectáculo Infantil en los premios ACE, con 6 nominaciones a los premios Hugo (Mejor musical, mejor

diseño de escenografía, mejor coreografía, mejor producción, mejor diseño de vestuario y mejor interpretación masculina) y 3 premios Atina (Espectáculo de Música para Infancias, Producción y Diseño de Vestuario) “Cuentopos de Gulubú” vuelve con un show lleno de canciones, humor y poesía para emocionar y hacer cantar a grandes y chicos.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Elenco:

Wally Canella Mailen Bisso

Sabrina Birmager

Nicolas Sousa

Christian Alladio

Milagros Almeida

Lucia Louzan.

Música Original y Dirección

Musical:

Lolo Micucci

Libro, Letras y Dirección musical:

Chacho Garabal

Diseño de Vestuario:

Sandra Szwarcberg

Flavia Pereda (Premio Hugo Mejor Vestuario en Teatro Infantil)

Realización de vestuario:

Natalia Gonzalez

María del Carmen Ugolini y Odra.

Diseño de Escenografía:

Marcelo Valiente (Premio Hugo Mejor Escenografía en Teatro Infantil)

Realización de Escenografía: Augusto Latorraca

Jaz Beri

Martín Calderón.

Títeres y utilería:

Melina Filossi

Realización de postizos: El pelucón de tu vida

Coordinación de producción:

Julieta Rivera Lopez

Dirección de Actores:

Christian Alladio

Coreografías:

Marina Svartzman (Nominada Mejor Coreografía en Teatro Infantil)

Dirección de Arte:

Flavia Pereda

Diseño de Iluminación: José Calvo

Chacho Garabal

Supervisión Artística:

Graciela García Romero

Diseño de Video:

Violeta Alvarez

Producción:

Galaxias Creativas (Nominada

Mejor Producción en Teatro Infantil)

FUNCIÓNES:

Sábado 4 y 11de julio – 15:00 h.

Teatro Regina

Av. Santa Fe 1235 CABA

Entradas disponibles en el teatro y en ENTRADA UNO

Instagram: @galaxiascreativas

Facebook: /galaxiascreativas

YouTube: Galaxias Creativas www.galaxiascreativas.com

PRENSA

Loreley Ramírez loreleyramirezpr@gmail.com

VACACIONES DE INVIERNO EN EL TEATRO PICADERO

HABÍA OTRA VEZ

Un espectáculo de Cuentos en Pijamas De Flor Suarez con Mercedes Torre, Pedro Riamondi y Caro Setton

CuandoHelena era chiquita, su mamá le inventaba historias antes de irse a dormir. Años después, mientras la joven revisa su cuarto de la infancia, esos cuentos se vuelven reales: frente a sus ojos desfilan un perro que se cree gato, una vela de cumpleaños que encuentra objetos perdidos y hasta un hermoso monstruo que se cree invisible. Helena se desliza por relatos llenos de música, magia, humor y amor, para invitarnos al extraordinario viaje que es crecer.

La exitosa saga de libros infantiles de Flor Suarez “Cuentos en Pijamas”cobra vida en este sorprendente espectáculo teatral adaptado y dirigido por Emiliano Dionisi. Los amados personajes de los cuentos llenarán el escenario del teatro Astros, con la música original que la banda “Pequeño pez” compuso especialmente

para esta obra. Una experiencia para disfrutar en familia y recuperar el valor de la imaginación. @ellibrodecuentosenpijamas

FICHA TÉCNICA

Elenco: Mercedes Torre

Pedro Riamondi

Caro Setton

Versión teatral y dirección: Emiliano Dionisi

Música original:

Pequeño Pez

Letra de canciones:

Emiliano Dionisi

Diseño y realización de escenografía:

Carmen Auzmendi

Diseño de iluminación:

Lucía Feijoó

Diseño y realización de vestuario:

Jorge López

Diseño y realización de títeres:

Alejandra Farley

Katy Raggi

Gustavo Garabito

Pablo del Valle

Masterización musical:

Sebastián Fernández

Estudio Eclectic

Coach vocal:

Carlos Zabala

Stage manager / Asistente de dirección:

Jeremias Sapire

Fotografía:

Alejandra López

Diseño gráfico:

Nahuel Lamoglia

Prensa:

Agencia Varas-Otero

Comercializa:

GDI Media

Comunicación:

Pablo Scioscia

CM/Redes:

Francesca Frelli Horga

Coordinación de comunicación:

Mey Scápola

Producción ejecutiva:

Javier Posik

Producción general:

Florencia Suarez

Eloísa Canton

Bruno Pedemonti

FUNCIONES:

TEATRO PICADERO

Pasaje Santos Discépolo 1857CABA

DOMINGO 5 DE JULIO - 11h

DOMINGO 12 DE JULIO - 11h

VACACIONES DE INVIERNO

Del domingo 19/7 al viernes 31/7 a las 16 h.

*El sábado 25 de julio no habrá función

Entradas en venta por Plateanet

DIJO LA PRENSA

Había otra vez es la prueba de que el espectáculo familiar old school con mensajes actualizados al siglo XXI funciona tanto para una millenial como para una pandemial. (...) El poder de conmover intergeneracionalmente radica en que la puesta es artesanal y está integrada por actores, un placard, títeres, telas, sombras, libros e historias. No se habla ni del chat gpt, ni de trap, ni de TikTok: no hay guiños de época y eso le abre una posibilidad de trascendencia.

Victoria Casaurang, La Agenda

BA

Recursos, imaginación, más recursos, más imaginación: así está construida materialmente Había otra vez. Cuando pensás que llegaste a la mayor sorpresa, doblan la apuesta. Queda tanto más por decir… los intérpretes que son súper talentosos, que sacan adelante todos los desafíos que se les proponen, que divierten, que emocionan,

CABA

que cantan maravillosamente.

Se sale cantando y riendo y con un nudito en la garganta.(...) Se sale del teatro con un orgullo monumental por lo que hacen en nuestro teatro para ¿infancias?

A ver, sí, los destinatarios privilegiados son los niños y las niñas de la primera infancia –algo del orden de la repetición, de la acumulación, de la síntesis al final- pero como su hechura es cuidada, prolija, amada, trabajada hasta en el mínimo detalle, como, en resumen, predomina lo poético en todas sus dimensiones, la verdad es que Había otra vez es una fiesta para todos.

Mónica Berman

Una obra hermosa de principio a fin, que propone una diversión fuera de las pantallas, que alimenta la imaginación y el juego a través de historias locas con personajes encantadores. (...)

La dirección de Emiliano Dionisi (quien realizara también la versión teatral) es limpia, exacta como un reloj y logra crear un espectáculo lleno de atractivo.

Un párrafo aparte merecen la escenografía, el vestuario y los objetos en escena, que completan perfectamente ese mundo de cuentos. Las sombras chinescas y la nube final, son dos momentos mágicos inolvidables.

Gabriela Maggiolo, Espectáculos de acá

PRENSA Susan Lonetti susan.lonetti@gmail.com

Magiverso Producciones presenta Una Gran Aventura Nevada

Una nueva comedia musical para toda la familia que estrenará el sábado 18 de julio y realizará funciones diarias durante vacaciones de invierno en Paseo La Plaza.

Más allá de una propuesta dirigida a públicos infantiles y familiares, el espectáculo apuesta a un importante despliegue artístico y técnico: música, efectos especiales, pantallas animadas, coreografías, recursos visuales y una puesta integral cuidada en

cada detalle para construir una experiencia escénica inmersiva.

La historia acompaña a una niña que, en un reino cubierto de hielo, descubrirá que los poderes más grandes no nacen de la magia sino de los vínculos, el afecto y quienes nos acompañan en los momentos más importantes.

Dicen que toda gran aventura tiene un comienzo… y esta comenzó cuando una niña descubrió un poder mágico capaz de cambiarlo todo. En un reino cubierto de hielo, descubrirá que los poderes más grandes

no nacen de la magia, sino del amor, la amistad y de quienes nos acompañan cuando más los necesitamos. ¿Te animas a vivir una historia llena de música, emoción y sorpresas?

Acompaña a nuestros personajes en un viaje lleno de magia, aventuras y momentos inolvidables, donde el humor, el coraje y la fuerza de los vínculos serán esenciales para enfrentar desafíos inesperados. Una Gran Aventura Nevada propone una experiencia para toda la familia con gran despliegue escénico: efectos especiales, pantallas animadas, impactantes recursos visuales, coreografías, personajes entrañables y muchas sorpresas que transforman cada escena en un universo propio. Una propuesta cuidada en cada detalle, con una producción de gran calidad que combina teatro musical, fantasía y recursos escénicos para crear una experiencia inmersiva que emociona, sorprende y conecta tanto con chicos como con grandes.

FICHA TÉCNICA

Producción:

Lucas Papalardo

Micaela Saromé

Valentina Fernandez.

Dirección General:

Micaela Saromé

Valentina Fernandez

Lucas Papalardo.

Puesta en escena:

Valentina Fernandez

Micaela Saromé.

Coreografías:

Lucas Papalardo.

Guión:

Micaela Saromé

Valentina Fernandez

Lucas Papalardo.

Elenco: Micaela Saromé

Facundo Olivera

Jan Pereyra

Ayelen Antonena

Julio Alexander Pinedo

María Guadalupe Veigüelo

Ricardo del Toro.

Elenco con roles e Instagrams:

Mamá Troll y Duquesa Real:

Ayelen Antonena

@ayeantonena

Sven:

Jan Pereyra

@lejanpereyra

Olaf:

Julio Alexander Pinedo

@ulioalexander_p

Hans:

Ricardo del Toro

@toro_omana

Kristoff:

Facundo Olivera

@facu.olivera_

LAPLATA CABA

Anna: Micaela Saromé

@micaa_sarome

Elsa:

Maria Guadalupe Veiguelo @guadavei

FUNCIONES:

Estreno Sábado 18 de julio 17.40h

UNA GRAN AVENTURA

NEVADA

Comedia musical con efectos especiales

En Paseo La Plaza

Av. Corrientes 1660 – Sala Cortázar

Todos los días durante vacaciones de invierno

Desde el sábado 18 de julio al domingo 2 de agosto a las 17.40h.

@paseolaplazaok

@magiverso

PRENSA: Andrea Feiguin https://www.tehagolaprensa.

Las aventuras de Tiripín

Obra de títeres infantil

De Caro De Mello

Una aventura de títeres, música y humor que invita a descubrir el valor de la amistad, la imaginación y el cuidado del mundo que compartimos.

Actuan:

María Gonzalez Chiozza

Martin Eduardo Eeren (titiritero)

FUNCIONES:

Estreno Sábado 27 de junio 15 h.

Sábado 11 de julio 15 h. ESPACIO INBOCCALUPO

Virrey Arredondo 2495 CABA

Vacaciones de invierno:

Lunes 20 de julio, Miércoles 22 de julio y Viernes 24 de julio

17:30 h. Domingo 26 de julio, 16 h. Miércoles 29 de julio, 17:30 h.

Sábados de agosto, 15 h.

Entradas: $25.000.-

FICHA TÉCNICA

Dirección y dramaturgia:

Caro De Mello

Titiriteros:

María Gonzalez Chiozza

Martin Eduardo Eeren

Asistencia de dirección:

Merari Flores

Producción:

Merari Flores

Caro de Mello

Realización de títeres:

Emmanuel Abbruzzese

Fotografía:

Julio Aquino

Duración de la obra: 50 minutos Público destinatario: infantil de 3 a 8 años.

BIOGRAFÍAS

Caro de Mello Actriz argentina con experiencia en teatro, cine, publicidad y producciones audiovisuales independientes. Su trabajo se caracteriza por una fuerte intensidad emocional y una especial

capacidad para construir personajes complejos, especialmente en universos dramáticos y roles de autoridad. Formada con referentes como Javier Daulte, Gabriel Chamé Buendía, Dora Baret, Gustavo Lupppi y Hugo Midón, aborda cada proyecto desde la verdad escénica, la presencia y la profundidad interpretativa. En audiovisual participó en

largometrajes y cortometrajes producidos por instituciones como FUC, UADE, FADU, UNTREF y la Escuela Eliseo Subiela, destacándose su papel protagónico en Marcado (estreno 2026). En teatro integró elencos de obras como Ciudad en Fuga, La casa de Bernarda Alba, Romeo y Julieta y la performance Todas Ellas. Además, desarrolló trabajos publicitarios para marcas como Banco Patagonia, Yerba Unión, Oreo y Supermercado Vea. En 2026 participa en la obra infantil Las Aventuras de Tiripín, como directora, dramaturga y productora del espectáculo.

Martín Eeren Actor con una extensa trayectoria en teatro, cine y televisión. Se ha destacado en espectáculos familiares y producciones teatrales como Una Novia para Garfi o, Ratones a la Carta, Las Historias de Rubenstand, la gira nacional de La Bella y la Bestia, El Guapo del 900, Romeo y Julieta e Intriga en Verona. Especializado en clown, mimo, teatro de objetos y estatuas vivientes, participó en el Festival Internacional de Estatuas Vivientes de Mercedes, donde recibió una Mención de Honor. En cine formó parte de los largometrajes Welcom, Totono, Las Aventuras del Kapitán Rorro y Patrañas, además de diversos cortometrajes, entre ellos Fun, trabajo por el que obtuvo el premio a Mejor Actor Performance en el Festival Independiente de Cortos de San Sebastián. En televisión participó en la serie Argentina, Tierra de Amor y Venganza y

en producciones de The History Channel. Complementa su labor artística con experiencia como titiritero, malabarista, docente, diseñador de luces, jefe técnico teatral y coordinador de eventos culturales, desarrollando una carrera versátil que integra actuación, humor físico y artes escénicas.

María González Chiozza es actriz, clown y docente, con más de veinte años de trayectoria desarrollando proyectos artísticos, educativos y recreativos vinculados a las infancias. Su trabajo se ha desplegado en jardines, espacios culturales, talleres, colonias y propuestas itinerantes, siempre desde una mirada que busca aportar valor, sensibilidad y dignidad al universo infantil. Formó parte del equipo docente de Risas de la Tierra, el reconocido espacio creado por Magdalena Fleitas, donde se desempeñó como maestra de sala en distintos períodos entre 2006 y 2025. Además, creó y coordinó el taller de juego musical Suena la Cocina y participó en múltiples experiencias de animación, clown y coordinación de actividades para niños y familias junto a destacados colectivos artísticos. Su formación incluye estudios teatrales en el Conservatorio de Arte Dramático y entrenamiento con referentes como Cristina Banegas, Guillermo Angelelli y Pompeyo Audivert, además de especializaciones en clown, danza, canto, pedagogía musical, educación por el arte y teatro de

LAPLATA CABA

títeres. Actualmente continúa desarrollando propuestas artísticas y pedagógicas destinadas a las infancias desde una perspectiva lúdica, creativa y transformadora.

Merari Flores es actriz tucumana radicada en Buenos Aires, con formación en actuación, interpretación física y entrenamiento frente a cámara. Su trabajo se distingue por el compromiso escénico, la conciencia corporal y una versatilidad interpretativa que le permite transitar tanto el lenguaje teatral como el audiovisual. En teatro protagonizó Lucy en el cielo… en el rol de Lucy y participó en obras como El destino bar, Todas ellas y Cuánto vale una heladera, de Claudia Piñeiro. En el ámbito audiovisual formó parte del largometraje Caso Mora y de la serie Dentro del círculo, producida por la UNTREF. Su formación incluye entrenamientos con referentes como Nora Moseinco, Lito Cruz, Toto Castiñeiras y Alejandro Gigena. Además de su labor como intérprete, desarrolla proyectos de producción teatral, desempeñándose como productora de la obra infantil Las aventuras de Tiripín. Cuenta con habilidades en canto y acrobacias, consolidando un perfi l artístico integral orientado tanto a la escena como a la pantalla.

Redes sociales: @lasaventurasdetiripin lasaventurasdetiripin@gmail. com

LOS RAVIOLIS CONTINÚAN CON EL ÉXITO DE “PIYAMA PARTY”

Y SUMAN FUNCIONES EN VACACIONES DE INVIERNO

Rock, humor y una fiesta teatral para grandes y chicos

Luego de agotar funciones y convertirse en uno de los espectáculos familiares más celebrados de la cartelera, Los

Raviolis regresaron a sala llena con la segunda temporada de “Piyama Party”, el show de música y comedia dirigido por Diego Reinhold que propone instalar un nuevo ciclo de teatro para disfrutar en familia los domingos.

A las funciones ya programadas para los domingos de junio y los primeros domingos de julio, se suman nuevas fechas durante las vacaciones de invierno. El

espectáculo podrá verse del 22 de julio al 2 de agosto, con funciones de martes a viernes a las 16:45 h, sábados a las 16:00 h y domingos a las 16:45 h.

“Piyama Party” parte de una situación tan cotidiana como caótica: una pareja finalmente logra organizar una noche tranquila a solas, pero una llamada inesperada cambia todos los planes. Sus cuatro hijos, que se habían quedado a dormir en casa de la abuela, ¡quieren volver! A partir de ese momento, la trama se convierte en un torbellino de situaciones absurdas y reconocibles para cualquier familia. Entre escenas delirantes y momentos emotivos, el espectáculo se construye a partir de canciones que ya se transformaron en verdaderos himnos del cancionero familiar, interpretadas con la impronta rockera que convirtió a Los

Raviolis en un fenómeno único dentro de la música infantil.

Con dirección de Diego Reinhold —referente indiscutido de la comedia teatral—, el show suma ritmo escénico, humor y complicidad con el público, logrando que cada función sea una verdadera fiesta compartida.

Más que una obra para mirar, “Piyama Party” es una experiencia colectiva donde distintas generaciones se reconocen en el caos, el cansancio y, sobre todo, en el amor incondicional que implica criar.

Acerca de Los Raviolis

Los Raviolis son una banda de rock para madres, padres y familias que se juntan para hacer música y catarsis sobre

el lado B de la crianza. Las miserias y maravillas cotidianas de la educación van apareciendo durante el show y acompañando a los espectadores en esta montaña rusa de emociones, mientras el público se hermana en un encuentro rockero para celebrar que no está solo en esta aventura.

Desde 2014 hasta la actualidad, la banda ha recorrido escenarios y festivales nacionales e internacionales. Fueron dos veces nominados a los Premios Gardel. “Hoy no vino la niñera” en 2020 y “Malos Negocios” en 2024 como mejor álbum infantil, cerró cuatro veces el Lollapalooza Kids y fue declarada de Interés Cultural por la Ciudad de Buenos Aires. En 2025, recibió el Premio Konex a la música infantil.

Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

Pim Pau Llega al Teatro Politeama en vacaciones de invierno

Con casi 2 millones de suscriptores en YouTube, más de 1.300 millones de visualizaciones y una propuesta que revolucionó el vínculo entre música, juego y educación, Pim Pau se consolidó como uno de los proyectos más convocantes e innovadores para las infancias en Latinoamérica. En el marco de su gira nacional, la Fiesta Pim Pau desembarcará durante las vacaciones de invierno en el Teatro Politeama

Pim Pau nació del encuentro entre tres docentes y artistas que compartían una misma mirada sobre las infancias, el juego y la educación. Se conocieron en las aulas y desde allí comenzaron a desarrollar una propuesta que entendía al juego como un lenguaje universal y al cuerpo como una herramienta fundamental de aprendizaje y expresión. En 2014, cuando las pantallas comenzaban a ocupar cada vez más espacio en la vida cotidiana de niños y niñas, decidieron utilizar esas mismas plataformas para llevar su mirada al mundo. Así comenzaron a crear contenidos donde tres adultos juegan, cantan, bailan y exploran posibilidades expresivas sin personajes ni disfraces, poniendo siempre el foco en la creatividad, el movimiento y la participación. El crecimiento fue exponencial: hoy cuentan con casi 2 millones de suscriptores y más de 1.300

MiráBA 102

millones de visualizaciones en YouTube con gran repercusión, no sólo en los países de habla hispana, sino también en países como India, Irán, Indonesia, Irak, Rusia y China. Sin embargo, la esencia sigue siendo la misma. Lo que nació en las aulas pasó a las plataformas y luego a los escenarios, siempre bajo una premisa simple: construir un proyecto de arte, música y educación donde el juego ocupe

un lugar central. Esa filosofía también define sus espectáculos en vivo, que prescinden de pantallas para privilegiar la interacción real con el público, y se expande actualmente a nuevos formatos como su podcast, una herramienta más para seguir utilizando la tecnología al servicio de las historias, la imaginación y el encuentro.

En 2025 recibieron el Premio

Konex en la categoría Música Infantil, fueron nominados a los Premios Gardel por su disco “Cumpleaños”, realizaron una exitosa temporada en el Teatro Ópera con 3 funciones llenas y fueron invitados por Silvio Rodríguez para abrir su show en el Movistar Arena. Actualmente se encuentran realizando una gira nacional que los llevará a presentarse en vacaciones de invierno en el Teatro Politeama, antes de emprender su gira internacional por Latinoamérica y España.

VACACIONES DE INVIERNO

23, 24, 25, 26,30 y 31 de julio16 h.

1 de agosto.- 16 h. Teatro Politeama Paraná 353. CABA Entradas en venta por www.plateanet.com

Las vacaciones de invierno tendrán ritmo, juego y movimiento de la mano de Pim Pau, el fenómeno argentino-brasileño que desde hace más de diez años revoluciona el universo de contenidos para las infancias desde una propuesta donde la música, el cuerpo y el juego son protagonistas.

Tras realizar más de 45 shows durante 2025 y convocar a más de 50.000 espectadores, el grupo integrado por Cássio Carvalho, Eva Harvez y Lucho Milocco emprende una nueva gira que los llevará por distintos puntos de Argentina, además

de Uruguay, Colombia, España, México, Perú y Chile, entre otros países.

Como parte de este recorrido la Fiesta Pim Pau llegará al Teatro Politeama con funciones especiales durante las vacaciones de invierno los días 23, 24, 25, 26, 30 y 31 de julio, y 1 de agosto a las 16 hs.

Con casi 2 millones de suscriptores en YouTube y más de 1.300 millones de visualizaciones, Pim Pau se consolidó como una de las propuestas más convocantes e innovadoras para las infancias en Latinoamérica. Con una identidad artística y pedagógica única, Pim Pau logró trascender el escenario y consolidarse también en el ámbito educativo y editorial. Su contenido es utilizado por docentes, profesionales de la salud y familias en distintos países, siendo un verdadero puente entre el arte, la educación y el juego.

Nacido hace más de una década entre aulas y escenarios, Pim Pau logró construir una identidad única dentro de la escena cultural

LAPLATA CABA

iberoamericana, posicionándose como referente en el cruce entre arte y educación para las infancias.

GIRA NACIONAL

01/05/ - Villa María

02/05 - San Francisco

03/05- Cordoba

15/05 - Viedma

16/05 - Trellew

17/05 - Puerto Madryn

19/05 - Villa Regina

20/05 - General Roca

22/05 - Neuquén

23/05 - Cipolletti 24/05 -Bahia Blanca

14/06 - Banfield

28/06 - Montevideo

23/07 al 01/08 - Teatro Politeama

02/08 - La Plata

21/08 - S. S. de Jujuy 22/08 - Salta 23/08 - S. M. deTucumán

PRENSA

Lola Barredo PR lolabarredo@gmail.com

VIDEO UMACAPIRUÁ (Versión con Juego de Manos)

Estreno 12 de JULIO - Teatro El Vitral

"

Rebelión en el reino"

Un espectáculo para las infancias y toda la familia. Recibidos

La Princesa de Bolichechenia siempre obedeció a su padre, el Rey, hasta que él decide que se case con el arrogante príncipe Pelandrún. Decidida a elegir su propio destino, ideará un plan para vengarse de su padre. En su aventura deberá enfrentarse a los caprichos del rey y desafiar las reglas del reino. ¿Logrará evitar la boda real y encontrar su propio camino?”

Una historia divertida y emocionante sobre la VALENTÍA, la AMISTAD y la LIBERTAD de decidir por uno mismo. Un espectáculo para las infancias y toda la familia. (Versión Libre de El mirlo bolichecheno canta hasta quedar afónico).

FICHA TÉCNICA:

– Título de obra: Rebelión en el Reino

Dramaturgia: Fernando Ávila.

Actuan: Ezequiel Alonso

Iara Moreno

Julieta Llinas

Eugenia Lema

Catalina Vela

Nicolás Bogado.

Actriz Suplente: Paula Zacarías.

Dirección: Tomás Fridman.

Asistente de Dirección:

Alejandra Caminos.

Vestuarista:

Marita Zarco.

Realizador escenográfico: Octubre Realizaciones.

Prensa: Marcela Nuñez.

Productor Ejecutivo: Ezequiel Alonso.

Producción Integral: Gesto & Presto CIA TEATRAL.

FUNCIONES:

Julio: domingo 12 - sábado 18 - domingo 19 - viernes 24 - sábado 25 - domingo 26viernes 31.

Agosto: sábado 01 - domingo 02. todas las funciones a las

17:30 h.

Teatro: EL VITRAL

Rodriguez Peña 344 CABA - Entradas por alternativa teatral https://www.alternativateatral. com.ar con los siguientes valores: $25.000 individuales / promo 2x $44.000 / promo 3x $60.000 / promo 4x $72.000

Redes: Instagram: @rebelionenelreino.obra

Prensa y Comunicación

Lic. Marcela Nuñez www.mncomunicacion.com.ar Ig @mncomunicacion marcela@mncomunicacion.com. ar

PROYECTO MIGRA - 10 AÑOS presenta Nueva temporada de WAMINIX

Vacaciones de invierno en Timbre 4

Volvió “Waminix”, un espectáculo de circo contemporáneo producido por Proyecto Migra, con dirección de Leticia González de Lellis y Osqui Guzmán en el Teatro Timbre 4.

En un futuro distante y sombrío, el mundo está gobernado por los cabeza de tacho. La comunidad Waminix, un grupo de payasos mutantes, conforman la resistencia. Sus recursos naturales son la escasa memoria de ciertos rituales. La tiranía de los cabeza de tacho se ha vuelto

insoportable y Waminix tendrá que enfrentarlos para poder sobrevivir.

Un espectáculo donde el circo/ teatro, como géneros siameses, se acusan, se mezclan y se abrazan, para invitarlos a ver cómo en Waminix, estos payasos salvan el mundo a pura risa, destrezas y poesía.

¡FUNCIONES EN VACACIONES DE INVIERNO!

JULIO

Domingo 19 a las 16 horas

Miércoles 22 a las 16 horas

Jueves 23 a las 16 horas

Viernes 24 a las 15 horas

Domingo 26 a las 16 horas

Miércoles 29 a las 16 horas

Jueves 30 a las 16 horas

Viernes 31 a las 16 horas

AGOSTO

Sábado 1 a las 15 horas

Sábado 1 a las 17 horas

Domingo 2 a las 16 horas

Timbre 4

México 3554

Entrada general $25.000

En venta por Alternativa Teatral

Duración: 80 minutos

FICHA TÉCNICA

Elenco:

Leticia Vetrano

Sofía Ivy

Paz Cogorno

Víctor Miñón

Jonathan Uriarte

Mariano Carneiro

Dirección:

Leticia González De Lellis

Osqui Guzmán

Dramaturgia:

Creación colectiva

Diseño de escenografía:

Proyecto Migra

Duilio Della Pittima

Realización de estructura y escenografía:

Duilio Della Pittima

Diseño marioneta:

Alfredo Uriarte

Realización marioneta:

Johnatan Uriarte

Víctor Miñón

Diseño de vestuario:

Jorge López

Música original:

Tomás Rodríguez

Composición de letras:

Paz Cogorno

Diseño lumínico:

Adrián Cintioli

Técnica de sonido y asistencia:

Natalia Caggiano

Identidad y diseño gráfico: LIMA

Redes: Florencia Valeri

Fotografía: PabloM

Comunicación y prensa:

Mutuverría PR

Producción general:

Proyecto Migra

Producción ejecutiva:

Proyecto Migra

SOBRE PROYECTO MIGRA

Proyecto MIGRA es una plataforma fundada en 2015, especializada en circo contemporáneo con una fuerte impronta teatral. En el transcurso de estos años se han constituido como un referente en Argentina y América Latina por la calidad y singularidad de sus propuestas. La compañía se compone de un equipo de artistas, productores y técnicos que impulsan las propuestas de la plataforma: espectáculos, F.I.Ci. Co - Formación Integral de Circo Contemporáneo, Enlace - Residencia de Creación para Artistas Profesionales, carpa-

teatro propia con capacidad para 200 espectadores, el Festival Internacional de Circo Independiente, entre otras propuestas.

Más de 85.000 espectadores asistieron a los espectáculos, carpa-teatro y festivales organizados por MIGRA; y más de 600 alumnos y artistas residentes fueron parte de FICICO y ENLACE. Asimismo, a lo largo de esta década MIGRA realizó co-producciones y giras en Francia, Bélgica, España, Uruguay, Brasil, Canadá, Chile e Italia.

Algunas de las creaciones de estos diez años son: Un Domingo, Waminix, Bruto y Hotel Monday, su más reciente estreno de teatro total.

Proyecto MIGRA está conformado por Florencia Valeri (acróbata, bailarina, actriz y docente), Tomás Soko (actor, malabarista, director, docente y productor), Gabi Parigi (acróbata, actriz, docente y directora artística), Sofía Galliano (acróbata aérea, actriz, bailarina y docente), Leticia Vetrano (actriz, payasa, directora, docente y productora), Jonathan Uriarte (actor, acróbata, docente y rigger), Paz Cogorno (actriz, comediante, productora y docente) y Víctor Miñón (acróbata, titiritero, docente y productor).

Mutuverría PR info@mutuverria.com

Estrena en Moscú Teatro “Invasión Robot”

El domingo 28 de junio a las 12 horas (mediodía) estrenó “Invasión Robot”, la primera propuesta para las infancias en Moscú Teatro, ubicado en Juan Ramírez de Velasco 535, en el barrio de Villa Crespo.

Año 3000 en la Tierra. Todo lo hacen los robots, y la humanidad vive mejor que nunca. Hasta que ocurre lo que algunos pronosticaban: los robots se rebelan, y empiezan a convertir a los humanos en robots. Es un apocalipsis robot. Pero un grupo de científicos hipercalificados acepta la misión de salvar a la humanidad. Para eso, deben viajar al año 1985, al momento exacto en que el inventor de los robots modernos creó a la primera inteligencia robótica, y evitar que lo haga. Solo cambiando el pasado podrán salvar el futuro.

Mientras algunos viajan al año 1985, otros se quedan en el año 3000 combatiendo a los robots, cuidando que la misión salga bien. ¿Tendrán éxito? ¿Volverán los viajeros temporales antes de que los robots invadan el laboratorio? ¿Qué encuentran en los 80´s? ¿Cuánto cambió el mundo en mil años?

El desencuentro entre dos mundos, el analógico y el

robótico, y una aventura entre lo vintage y lo futurista van de la mano con algunas canciones y mucho humor.

FICHA TÉCNICA

Actúan:

Federico Foscaldi

Emiliano Maitía

Luciana Taverna

Mariana Del Pozo

Martina Damiano

Dramaturgia: Julieta Timossi

Lali Fischer

Emiliano Maitía

Canciones originales:

Federico Marino

Emiliano Maitía

Lali Fischer

Producción músical:

Federico Marino

Producción:

Lali Fischer

Fabiana Ferrada

Diseño de Escenografía y Vestuario:

Julieta Capecce

Juan Teodoro

Diseño lumínico:

Soledad Ianni

Fotografía:

Constanza Niscovolos

Prensa:

Dafne Strobino Niedermaier

Diseño gráfico:

Julia Ferrondo

Coreografía:

Martina Damiano

Video:

Pablo Rodríguez Pandolfi

Asistencia de dirección:

Fabiana Ferrada

Dirección: Lali Fischeri

FUNCIONES:

Domingos a las 12h.

Moscú Teatro

Juan Ramírez de Velasco 535 CABA

Barrio de Villa Crespo. Entradas disponibles por Alternativa Teatral

Edad sugerida: 6 a 12 años

PRENSA

Dafne Strobino Niedermaier

@dafnesn

www.agendacultural15.com www.nuestrobarrioweb.com.ar

Cartelera TEATRO

AMANUENSES

DE CONSTANZA FELDMAN

ESTRENÓ CON FUNCIONES AGOTADAS SU SEGUNDA TEMPORADA EN EL GALPÓN DE GUEVARA

La comedia física dirigida por la bailarina y actriz Constanza Feldman, realiza con funciones agotadas su segunda temporada en El Galpón de Guevara los miércoles a las 20.30h. El elenco está conformado por Martín Bertani, Constanza Feldman, Juan Jimenez y Emmanuel Palavecino. Cuenta con música en escena a cargo de Pablo Viotti.

En paralelo, Feldman continúa consolidando su desarrollo como directora dentro de la

escena independiente. Ganó el premio “S” 2025 por la creación y dirección de “Amanuenses” y este año estrenó su tercera obra “Jardinario” en fundación PROA bajo la tutoría de Rafael Spregelburd.

SINOPSIS

Un día de oficina en algún momento del siglo XX. Cuatro empleados grises trabajan maquinalmente en un caos de objetos analógicos. Su actividad

no parece producir nada concreto pero, como a gimnastas, la repetición rutinaria de movimientos los ha dotado de destreza física y los convierte en ejecutores precisos de absurdas secuencias coreográficas.

Amanuenses es una comedia física disparatada y es también una declaración de amor a la materialidad de una época cuyos vestigios tienden a desaparecer.

LAPLATA CABA

FICHA TÉCNICA

Elenco: Martín Bertani

Constanza Feldman

Juan Jimenez

Emmanuel Palavecino

Composición y música en vivo: Pablo viotti

Escenografía: Ariel Vaccaro

Iluminación:

Matías Sendón

Vestuario:

Estefanía Boness

Melina Benitez

Modista:

Marita Dieguez

Diseño gráfico: Andrés Mendilaharzu

Colaboración en dramaturgia: Agustín Mendilaharzu

Coach vocal: Julia Morgado

Prensa: Antonela Santecchia

Redes:

Un mambo menos

Producción: Carolina Stegmayer

Asistencia de dirección:

Lourdes Elias

Idea y dirección: Constanza Feldman

Esta obra cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes y Mecenazgo cultural.

Constanza Feldman nace en Tandil, Provincia de Buenos

Aires en 1986. Bailarina, actriz, directora y coreógrafa.

Ha trabajado con destacados artistas en teatro, danza y cine como: Agustín Mendilaharzu, Mariano Llinás, Laura Paredes, Laura Citarella, Carlos Casella, Matias Feldman, Santiago Gobernori entre otros.

Es co-directora y protagonista de la película Clementina, producida por el Pampero Cine, ganadora de varios festivales nacionales e internacionales.

Ha participado como bailarina en la ópera contemporánea

Einstein on the Beach de Philip Glass y Bob Wilson en el Teatro Colón.

PRENSA

Antonela Santecchia antonelasantecchia@gmail.com

CHOLITA Misterio campero, en dos (o infinitas) jornadas

„Cholita“ debería encuadrarse en lo que desde siempre se ha denominado obra teatral. Pero en tiempos en que proliferan los monólogos, los unipersonales, el stand-up inclusive colándose en la comedia, es forzosa la diferenciación. Se diría entonces que „Cholita“ es una pieza con varios personajes, aunque uno sólo de ellos es visible para el público. Claro que no es de descartar que puedan verse y oírse a través de la mirada y la voz de la protagonista, la Cholita del título. Esos personajes son, entre varios otros, una madre omnipresente, un padre elusivo, un turco cambalachero que con su mercancía recorre los pueblos , al igual que un cantor famoso lo hace con sus músicos, una modista, una bruja, un fantasma y hasta una nube. Todos ellos en torno a una mujer que intenta romper un hechizo para concretar el sueño de ser actriz. Dos actrices rondan: Zully Moreno y otra sin nombre que suele adueñarse del cuerpo y el alma de Cholita. Ambas atravesadas por la actriz real, Andrea Giana, autora de una poética donde conviven el teatro gauchesco, la ucronía y los mundos paralelos.

Difìcil de ubicar en un género teatral, quizá se aproxime más

al realismo mágico inaugurado por Juan Rulfo. Y si quisiéramos incorporar a Mircea Eliade, diríamos que „In illo tempore“ hubo una acción primordial que una humilde muchacha de campo se ve obligada a repetir una y otra vez -y he aquí el eterno retorno del que habla Eliade- en la búsqueda de un sentido que se le escapa. La vida de Cholita es la repetición ininterrumpida e involuntaria de un gesto. Pero el desgaste es inevitable...

„Ya no... ya no puedo correr, las piernas no me dan más, apenas si las siento, y aparte ni sé p´ande dir, p‘ ande queda la estación, p‘ ande queda la vida..“

Y es entonces, recién entonces, cuando el ritual se transforma y aparece por fin el sentido.

Así, „Cholita“ pretende introducir a los espectadores de ENTREACTO - escasos, el aforo es reducido- en una atmósfera ceremonial, antes que en la convención escénica. Se la especifica como „Misterio campero, en dos (o infinitas) jornadas“, tomando el término del Siglo de Oro español, el cual se usaba para dividir los actos. Pero jornada es también día, y es trabajo, y el trabajo

de Cholita de intentar la huída se repite y... es este el punto en que conviene detenerse, no revelar más.

Sí se puede decir que la obra es el fruto de una experiencia de un año, dentro del Taller de Dramaturgia Integral, dictado por Miguel Dao en su propio espacio, ENTREACTO (donde fue estrenada „Cholita“), ubicado en La Plata, Provincia de Buenos Aires. Comenzando como guía en la escritura y en la actuación, Dao deviene director del espectáculo, al tiempo que Giana deviene autora y actriz del mismo. Muy lejos del criterio de muestra, habitual en los talleres, la propuesta ha sido -lo sigue siendo con otros trabajos

actualmente en proceso- el de explorar profundamente los mecanismos, las herramientas del quehacer escénico y terminar plasmándolas en creación, sin que el objetivo sea el resultado. Por el contrario, que la obra surja -sin tiempos prefijados- como consecuencia de la búsqueda.

FICHA TECNICA CHOLITA

Misterio campero, en dos (o infinitas) jornadas

Autora - Intérprete: Andrea Giana

Dirección: Miguel Dao

FUNCIONES 2025:

En CABA: FUNCIONES 2026: En CABA: (programado) sábados de julio en El Excéntrico de la 18°, Lerma 420. 10 de noviembre en El Excéntrico de la 18°, Lerma 420.

INSTAGRAM: @cholita.obra

CONTACTO: Miguel Dao

migueldao57@gmail.com

TERCERA TEMPORADA * TEATRO ASTROS * ESTRENO 21 DE JULIO

SALVAJADA

Dramaturgia: Mauricio Kartun

MÁS DE 40000

ESPECTADORES YA LA VIERON

Espectacular puesta en escena para emocionarse y reflexionar.

Juan Darién es un tigre humano. Un yaguareté devenido hombre por artes de supervivencia, que crece en la sociedad criado por el afecto, perseguido por el odio y sufriendo el estigma de ser diferente. Lo humano y lo salvaje, lo social y lo natural.

GANADORA DE 5 PREMIOS ACE

¿Sabemos lo que somos? Una historia de cómo el maltrato y el desprecio pueden ser el origen del más violento de los terrores.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia: Mauricio Kartun

Elenco (Por orden alfabético)

Valentina Bassi (MadreAlumno - Pueblo)

Mónica Felippa (Anaconda)

Diego Ferrari (Tape ChamorroTapecito -Pueblo - Hombre rata - Tigre viejo - Manipulaciones varias)

Carolina Guevara (MaestraSiamés albino - Tigre)

Pablo Mariuzzi (Juan Darién)

Gustavo Masó (InspectorDomador)

Julieta Rivera López (Irupecita - Pueblo- Tigre - Manipulaciones varias)

Carolina Tejeda (AlumnaCooperadora - Mujer barbudaTigre - Manipulaciones varias)

Blanca Vega (Alumna - Siamés albino - Pueblo - Manipulaciones varias)

Diseño de vestuarios, de escenografía y de títeres: Alejandro Mateo

Realización general de títeres:

Este espectáculo fue estrenado en el año 2023 en el Teatro

Nacional Cervantes con producción del TNC y cuenta actualmente con los elementos de utilería, escenografía y vestuario del TNC.

Juan B Castillo

Diego Ferrari

Melina Filossi

Andrés Manzoco

Blanca Vega

May Zanone.

Realizaciones específicas:

Guillermo Bercholdt

Bruno Gianatelli

Julia Seras.

Vestuario de títeres:

Alfiler de Gancho

Música original y dirección

musical:

Daniel García

Diseño De Iluminación:

Luis Alberto Rivera López

Entrenamiento vocal:

Fernanda Lavía

Coreografía y preparación física: Marina Svartzman

Asistente de coreografía:

Mora Sol Díaz

Fotografía: Ana María Ferrari, Mauricio Cáceres

Puesta en escena y dirección:

Luis Alberto Rivera López

FUNCIONES:

ESTRENO 21 DE JULIO

MARTES 20:00 * ÚNICAS 8

FUNCIONES

TEATRO ASTROS

Av. Corrientes 746 CABA

Las entradas se venden por Entradauno: $30.000

PALABRAS DEL DIRECTOR

Podría decir que juegan en esta puesta cuarenta años de trabajo y de investigación. Si de algo nos preciamos en el grupo Libertabas es de realizar una profunda investigación artística y teatral en cada nuevo proyecto. Investigación en todos los materiales que conforman el hecho escénico: cuerpos, objetos, títeres, escenografías, telas, vestuarios, máscaras,

todo tipo de construcción que genere puentes entre actores y espectadores. El teatro es un fenómeno esencialmente social. Lo social es grupal. Y esta es una puesta pensada grupalmente, porque es una obra donde la comunidad es protagonista. Todos son parte. Hay una cuestión de lo colectivo que me hizo decidir esa postura: el grupo como protagonista de la puesta. Quien oficia el rito teatral es el actor, el conjunto actoral es el protagonista. El autor genera un mundo, el director tiene una hipótesis de puesta en escena y trae sus ideas, pero son desarrolladas por los intérpretes. Al director le toca amalgamar todos esos matices, toda esa paleta de colores que proponen los actores con esas palabras que provenientes de una pluma prodigiosa y esos matices plásticos y musicales. Todo para crear un momento de explosión de teatro, poesía y emoción colectiva de belleza y terror que nos permita reflexionar sobre lo que somos como sociedad. Y lo que podríamos llegar a ser.

Luis Alberto Rivera López

PREMIOS MARÍA GUERRERO

Mejor Diseño de Títeres: Alejandro Mateo

+ Nominaciones María Guerrero

Dirección e iluminación: Luis Rivera López

Actuación protagónica y coprotagónica: Pablo Mariuzzi, Carlos Belloso

Actuación de reparto: Carolina Guevara

Escenografía y diseño espacial: Alejandro Mateo

Realización de títeres: Juan B Castillo, Diego Ferrari, Melina Filossi, Andrés Manzoco, Blanca Vega, May Zanone.

LAPLATA CABA

Diseño de títeres: Alejandro Mateo

Música original: Daniel García

NOMINACIONES ACE

Drama o comedia dramática: Salvajada

Actriz protagónica: Valentina Bassi

Actor protagónico: Carlos Belloso

Actor de reparto: Diego Ferrari y Gustavo Masó

NOMINACIONES PREMIOS

LUISA VEHIL

Actor protagónico: Pablo Mariuzzi

Actriz de reparto: Carolina Guevara

Actor de reparto: Gustavo Masó

Dirección: Luis Rivera López

Escenografía: Alejandro Mateo

Vestuario: Alejandro Mateo

PREMIOS JAVIER VILLAFAÑE

Puesta en Escena y Dirección: Luis Rivera López

Diseño y Realización

Coreográfica: Marina Svartzman

PREMIOS TEATRO DEL MUNDO

Dirección: Luis Rivera López

Actor de Reparto: Carlos Belloso

Actor Protagónica: Pablo Mariuzzi

Iluminación: Luis Rivera López

Vestuario y escenografía y diseño de títeres: Alejandro Mateo

Realización de títeres: Diego Ferrari - Blanca Vega

Fotografía: Ana María Ferrari y Lucia Rivera López

Premio de las/los espectadores 2023 EEBA

MEJOR ACTOR: Pablo Mariuzzi

PRENSA Paula Simkin

paulasimkin@gmail.com

Multiples nominaciones a los premios ACE: “La Diabla, o como destruir al mundo”

Emiliano Dionisi (Autor) - Monina Bonelli (Actuación femenina en obra para un solo personaje) - Martín Rodriguez (Música original)

Después de una exitosa temporada en el Teatro Nacional Cervantes, y de obtener múltiples nominaciones a los premios ACE y HUGO, vuelve a presentarse “La Diabla, O cómo destruir al mundo” por únicas 5 funciones, en el emblemático Teatro TIMBRE 4, a partir del sábado 27 de junio.

Hay personas que nacen con una sensibilidad inusual, una tan potente que son capaces de percibir lo que los demás no, como melodías de otros tiempos que están siempre ahí, esperando para ser oídas. Para algunos es un regalo, para otros una maldición, para La Diabla, la oportunidad de hacer contacto. Solo hay que tener cuidado con qué llamadas atender, no sea cosa que la misión sea destruir todo lo conocido.

En “La Diabla...”, Dionisi y Rodriguez, la dupla creadora del multipremiado musical “Los Monstruos”, se reunió con dos sólidas intérpretes femeninas, Bonelli en actuación y Cortez al piano, para dar vida a una experiencia teatral y musical

intensa que invita a pensar sobre los propios fantasmas.

Dice Emiliano Dionisi, autor y director: “En un presente convulsionado, donde lo que creíamos lo peor, parece ser solo el principio, “La Diabla, o como destruir el mundo” es una invitación a convertir el miedo en risa satánica, y a afirmar que las brujas existen… por suerte”.

“La Diabla, O cómo destruir al mundo” reestrenó el pasado sábado 27 de junio a las 20h, y sigue funciones los sábados de julio a las 18.30h. en Timbre 4 (México 3554, CABA), con entrada general a $25000 por Alternativa.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTiCA

Actúan:

Monina Bonelli

Músico En Escena:

Gretel Cortés

Diseño de vestuario:

Marisol Castañeda

Diseño de escenografía:

Giuliano Benedetti

Música original:

Martín Rodríguez

Letras de canciones:

Emiliano Dionisi

Martín Rodríguez

Diseño gráfico:

Nacho Albani

Fotografía:

Ailén Garelli

Preparador Físico:

Valeria Narváez

Preparador Vocal:

Lucila Gandolfo

Producción ejecutiva:

Marianela Dollera Albarracín

María Eva Moreno

Prensa: Prensópolis

Coordinación de producción:

Raúl S. Algán

Distribuidor:

Sebastián Ezcurra

Dramaturgia y Dirección:

Emiliano Dionisi

Agradecimientos: Tobias

Brukman, Mariel El Jaber, Ariel Perez De Maria, Gabriel Sainz, Juan Pablo Schapira, Facundo Bayón.

FUNCIONES:

Sábados 4, 11, 18 y 25 de julio a las 18.30h,

Timbre 4

México 3554, CABA

Entrada general $25000 por Alternativa

Duración: 60min

Sobre el DIRECTOR

Emiliano Dionisi

Director, dramaturgo, guionista, actor, docente y gestor.

Es egresado de la Diplomatura en dramaturgia del CC Cultural

Paco Urondo (FILO - UBA).

En 2009 fundó la «Compañía criolla” (con más de once producciones en su haber).

Sus espectáculos se han representado en el Teatro General San Martín, Teatro El Picadero, Teatro Nacional Cervantes, Teatro Colón, Centro Cultural Recoleta, Teatro 25 de Mayo, Teatro Coliseo Podestá, Teatro del Pueblo, Centro Cultural de la Cooperación, entre otros, y han participado en docenas de festivales nacionales e internacionales y recibiendo múltiples premios y distinciones como; ACE, Florencio Sánchez, María Guerrero, HUGO, Estrella de Mar, entre otros. Sus textos son representados en México, Uruguay, Brasil, Colombia, Costa Rica, Ecuador, República Dominicana y España y fueron publicados por las editoriales LOSADA, ATUEL, TIENDA TETRAL y por la Facultad de Filosofía y Letras (UBA).

Sobre la ACTRIZ

Monina Bonelli

Es artista y curadora en artes escénicas, formada en actuación y dramaturgia en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático de Buenos Aires. Ganó los

LAPLATA CABA

premios Trinidad Guevara y Luisa Vehil. Fue becaria de la Fundación Antorchas y del Instituto Goethe para asistir al Theatertreffen en Berlín. Actuó en obras de Luis Cano, Berkoff, Bustamante y Tritek, y protagoniza “La Diabla” de Emiliano Dionisi. Como directora trabajó en piezas de Paola Traczuk como “600 caballos de fuerza”, “Los Titanes” y “Tejido Samurai”. Participó en “Ciclones” de Danielly Francisque y dirige “Cómo tornarse en un dictador”, con José Neto Barboza. Dirigió el CC25 de Mayo y fue asesora de la Bienal de Arte Joven. Fundó Teatro Bombón y sus ediciones Bombón Vecinal y Bombón Gesell, esta última dedicada a dramaturgia iberoamericana. En 2024 estrenó “Perros – Diálogos Caninos (MITsp)” y en 2025 desarrolla versiones de Bombon Vecinal en Recife y Porto Alegre junto al festival Reside.

Prensópolis

Comunicación y Prensa Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com info@prensopolis.com.ar

VUELVEN “LAS MUJERES DE LORCA”

EN LA SALA CARAS Y CARETAS

En la Sala Caras y Caretas

“Las mujeres de Lorca” la multipremiada obra de teatro musical escrita por Marisé Monteiro, basada en la vida y obra de Federico García Lorca, con dirección general, puesta en escena y música original de Nacho Medina y protagonizada por Ana María Cores.

La obra cuenta la historia de Rosario, una mujer atrapada en un mundo rural regido por una sociedad machista y por el miedo al qué dirán. Ella, a espera de un amor imposible, se ha resignado con total entereza a una soltería irremediable que la ha condenado a una vida

solitaria, cuyo único sentido es cuidar con recelo la Huerta de San Vicente, propiedad de la familia Lorca, que permanece en el exilio.

La acción se ubica en noviembre de 1975. Son tiempos de cambio, la muerte de Francisco Franco, ha dado fin a un largo período de dictadura que mantuvo a España dividida en dos bandos irreconciliables. La esperanza ha vencido al miedo. En todas partes se habla de libertad, de consenso y una fiebre erótica “destapa” las fantasías de un pueblo que empieza a descubrir el sexo sin tabúes… En medio

de tanta efervescencia, una tarde cualquiera, en un lejano paraje de Granada, irrumpe, en la monótona rutina de la protagonista, un interlocutor imaginario que la traslada al tiempo que compartió con Federico, ya sea, poniéndole voz a los personajes de su teatro, o rememorando los momentos claves de la vida de del poeta y la manera que se percibe frente al mundo.

La pieza tiene momentos festivos, marcados por el humor, y otros en las que el drama irrumpe con toda su fuerza intercalando la palabra textual, con sus más famosos poemas

convertidos en canciones, que son tomados como una continuación natural del relato.

De esta forma, la protagonista, evoca anécdotas y vivencias, entrando y saliendo de las historias de estas mujeres que él inmortalizó, para finalmente revelarle al espectador que ella es, en definitiva, todas las mujeres del teatro lorquiano: Apasionada, como Mariana Pineda. Rebelde, como La Zapatera prodigiosa. Vacía, como Yerma. Con la esperanza muerta, como Doña Rosita la soltera. De luto como Bernarda Alba y sin consuelo, como la madre de Bodas de sangre.

Completan el elenco Carmen

Mesa (Cantaora y Bailaora), Giuliana Sosa (Piano), Paula Carrizo (Guitarra) y Lucía Cuesta (Violín) y Nahuel Cuadrelli (Voz en off).

El diseño de escenografía y vestuario es de Azul Borenstein, el diseño coreográfico de Eva Iglesias, la dirección musical, arreglos musicales y arreglos corales de Giuliana Sosa, el diseño de iluminación de Agnese Lozupone, el diseño de visuales de Juan Selva, la dirección vocal y coral de Lali Vidal, el diseño de sonido de Hernán Altamirano, el diseño Gráfico de Damián Zerba, la edición de videos de Manuel Mazzei, la asistencia de iluminación de Belén Rivero, Lailén Álvarez,

la asistencia de escenografía y vestuario de Maia Doudchitzky, la asistencia de dirección de Iara Sarmiento, la producción ejecutiva de Adrián Andrada y la producción general de Chino Carreras.

EN LA SALA CARAS Y CARETAS

Julio: Domingos 5 y 12 a las 19:30 h.

Sala Caras y Caretas

Sarmiento 2037.

Entradas en PASSLINE $ 40.000

Duración: 80 min https://www.passline.com

PRENSA

Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

TODO LO QUE NOMBRO DESAPARECE

La Deseo no quiere espectadores, quiere amantes

Escrita e interpretada por Hernán Lewkowicz

Luego de sus presentaciones en Argentina, España y Chile, regresa a escena Todo lo que nombro desaparece, escrita e interpretada por Hernán Lewkowicz. Un unipersonal que construye, con mínimos elementos escénicos y una fuerte impronta poética, un universo donde la memoria, la identidad y el deseo se entrelazan hasta volver difusos los límites entre realidad y ficción.

La Deseo es transformista. Hombre, mujer, voz que narra su propia invención. La promesa de un admirador que escribiría su biografía la mantiene en pie, pero el pasado se vuelve presente y el presente está infectado por los recuerdos.

Podría ser un bar, un barco, un teatro. La noche avanza y trama un relato que vuelve sobre sí, maquilla, mejora, miente para ocultar algo que no se puede nombrar: una verdad que duele.

DICE HERNÁN

LEWKOWICZ

“Todo lo que nombro desaparece es una suerte de melodrama hecho con un par de zapatos, un vestido y una lámpara; una mesa de bar con una silla sola y una vida entera contada a través de los géneros, de las telas. Más

que un acto de transformismo, la obra pide despojamiento, ilusión, magia. La Deseo no quiere espectadores, quiere amantes.”

PREMIOS Y DISTINCIONES

Premio Argentores 2023 en Teatro Unipersonal.

Mención Honorífica en el Concurso Municipal de Teatro.

Nominación en los Premios

María Guerrero por Actuación Unipersonal.

Destacada en los Premios

Teatro del Mundo en los rubros Actuación, Iluminación y Fotografía. Premio en Iluminación.

Nominación como Mejor Actor para Hernán Lewkowicz en el Festival de Teatro Larroque (Entre Ríos).

Giras a España (2024 y 2025) y Chile (2025).

Hernán Lewkowicz ha realizado giras por España y Chile

Premio Argentores 2023 al Teatro Unipersonal.

Nominación Premios MARÍA

GUERRERO por Actuación unipersonal

Destacado Premios TEATRO

DEL MUNDO por Actuación,

Este espectáculo cuenta con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro, el Fondo Nacional de las Artes y Proteatro.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Autoría e interpretación: Hernán Lewkowicz

Co-dirección:

Hernán Lewkowicz y Jesi Gonzalez Ajón

Asistencia de dirección: Natasha Zaiat

Diseño de iluminación:

Ricardo Sica

Diseño de vestuario:

Natividad Guerrero

Realización de vestuario:

Soledad Argañaraz

Escenografía:

Nicolás Ancona

Asesoría de movimiento:

Soledad Argañaraz

Fotografía:

Agustín López y Sofía Milano, Ale Del Castelo (El Rojas)

Diseño gráfico:

Manuel Sáez

Producción:

Pablo López

Prensa: Paula Simkin

FUNCIONES:

Sábados a las 20 h.

Sala: NüN Teatro Bar

Juan Ramirez de Velasco 419 Villa Crespo - CABA

Web: http://www.nunteatrobar. com.ar

Sábados - 20:00 hs - Del 04/07/2026 al 25/07/2026 y Del

01/08/2026 al 29/08/2026

Duración: 70 minutos

Bio Hernán Lewkowicz

Es actor y dramaturgo, egresado de la Universidad Nacional de las Artes y de la Escuela

Metropolitana de Arte Dramático, donde se desempeña como docente. Participó en más de treinta espectáculos en el circuito independiente, oficial y comercial, en diversos roles y con directores/as de destacada trayectoria. Fue asistente de dirección de Matías Feldman en el Teatro Nacional Cervantes, la Bienal de Performance y el Centro de Experimentación del Teatro Colón; integró el elenco de “El Martín Fierro” del Teatro Nacional Cervantes, realizando más de trescientas funciones en gira incluyendo festivales nacionales e internacionales; en octubre de 2025 realizó una residencia de escritura en Can Serrat (Catalunia, España).

Por “Todo lo que nombro desaparece” ganó el Premio Argentores, una Mención Honorífica en el Concurso Municipal de Teatro, una Beca del Fondo Nacional de las Artes y fue nominado a los Premios María Guerrero y Teatro del Mundo

DIJERON DE LA OBRA:

“Hernán Lewkowicz está entre lo mejor de la actuación argentina. Es un espectáculo que hace carne, que da sentido a la forma del problema de la

LAPLATA CABA

identidad. Estamos ante un muy valioso acontecimiento teatral”, Jorge Dubatti (Crítico, docente, investigador teatral)

“Un relato íntimo, una experiencia emotiva y transformadora. Esta obra despliega un potencial inmenso capaz de cautivar nuevas miradas y abrir las puertas a conexiones humanas”, Yadira Agurto (“En platea”, ESPAÑA)

“Una obra cuestionadora y tierna. La Deseo se trans-forma, su vida constantemente se edita y todo puede ser recordado como algo mejor, algo sublime”, Malena Saito (PÁGINA12)

“La obra abre preguntas en torno a nuestras maneras de contarnos el mundo y a la fragilidad de nuestras memorias. Tiene la valentía de trabajar en distintos registros. Excelente trabajo de iluminación de Ricardo Sica que le otorga al espacio espesor poético. ”, AGUSTINA TRUPIA (Revista LLEGÁS)

REDES SOCIALES

@todoloquenombrodesaparece @hernanlewkowicz @jesigonzalezajon @natashazaiat @sika.iluminacion @pablolopez4334

PRENSA: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com @paulasimkin

ESTRENO! TAN HERMOSA ASÍ

Dramaturgia y Dirección: Klau Anghilante

Tras la muerte del padre de Luis, su esposa Mariana reúne a la familia para vaciar una casa llena de objetos, recuerdos y asuntos pendientes. Lo que comienza como una tarea cotidiana pronto da lugar a conversaciones incómodas, viejas heridas y silencios que llevan demasiado tiempo acumulándose.

Mientras la familia intenta ordenar el pasado, algo parece quebrarse lentamente delante de todos. Sin embargo, nadie termina de verlo. O quizás nadie quiere verlo.

Nos enseñaron a imaginar la violencia como algo extraordinario. Un hecho repentino, ajeno, fácil de reconocer. Pero ¿qué ocurre cuando se construye en silencio? ¿Cuántas señales pueden pasar inadvertidas antes de que sea demasiado tarde? ¿Y cuánto creemos conocer realmente a las personas que amamos?

Tan hermosa así es una obra sobre aquello que preferimos no mirar: las pequeñas grietas que se vuelven costumbre, las palabras que se dejan pasar y la peligrosa ilusión de creer que ciertas tragedias siempre les ocurren a otros. Porque a veces lo más aterrador no es la violencia. Es descubrir que estuvo frente a todos desde el principio.

FUNCIONES:

Sábados a las 21:00h. Teatro El Ojo

Tte. Gral Juan Domingo Perón 2115. CABA

Entrada general: $20.000 en Alternativa Teatral Duración: 60 minutos

FICHA TÉCNICA:

Dramaturgia: Klau Anghilante

Actúan:

Damián Gaffoglio

Chabi Cacase

Misha Segurado

Guada Cortina

Melanie Guiomar

Melina Blanque

Composición musical:

Lulu Ney

Escenografía y Vestuario:

Luján Moreau

Realización escenográfica:

Katja Babinsky

Diseño de luces:

Oriana Tagai

Fotografía:

Lezel Fotografía

Asistente de dirección:

Luka Pessi

Prensa:

Natalia Bocca

Producción general:

PERAS Compañía Teatral

Dirección:

Klau Anghilante

SOBRE LA DIRECTORA

Klau Anghilante

Actriz, directora, dramaturga y docente.

Ha pisado escenarios tales como el teatro Gral. SAN MARTÍN, (Sala Martin Coronado)

TEATRO COLÓN, CETC del teatro COLÓN, donde recibe

excelentes críticas.

Trabajó junto a Irene di Bari, reconocida actriz de tv estadounidense. Filmó para la Tv polaca, participó en el Festival Shakespeare para el Gob. de la ciudad de Bs. As. Entre otros.

Formó parte de FOT, festival que obtuvo mención especial en los premios Florencio Sánchez. Desarrolló, a su vez, trabajos para radio, radio teatro, audiovisuales y conducción en Tv por cable, (Premio conductora revelación).

Además, bailarina, coreógrafa, profesora de gimnasia y coach ontológico, profesiones que se ven plasmadas en sus puestas.

LAPLATA CABA

En 2017 formó PERAS, una compañía teatral abocada a unir nuevos talentos con artistas de amplio recorrido escénico.

En la actualidad la compañía cuenta con un elenco estable de más de 100 actrices y actores entrenando para los diversos espectáculos.

Desde su creación, y cada año, se estrenan entre 5 a 8 obras dirigidas por ella.

Para completar su proyecto en julio de 2026 abre sus puertas un nuevo teatro en la escena porteña.

PERAS espacio de arte viene a completar el sueño que amasó desde un comienzo

El teatro ubicado en el barrio de Villa Urquiza cuenta con una sala para 50 espectadores y distintos espacios de creación, además de un hermoso jardín.

PRENSA Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com

“¿Querés ser feliz o tener razón?: Mundo Shakespeare”

Micromonólogos en formato inmersivo

Una obra en formato único, creada, escrita y dirigida por Cecilia Propato, en donde cada espectador termina construyendo su propio espectáculo a partir del recorrido que elige dentro de un laberinto escénico

MiráBA 124

compuesto por 20 guaridas. Allí, más de 20 intérpretes despliegan micromonólogos,en prosa poética, a partir de una reinterpretación de personajes shakespereanos.

Al ingresar cada espectador/a recibe tres monedas y un cartón con la inicial M o C, al azar, que es un pasaporte simbólico que determina su linaje y las tres escenas que podrá ver. Esta estructura convierte la experiencia en un acontecimiento irrepetible:

cada trayecto genera una obra distinta.

La experiencia también recupera la lógica del Teatro del Globo, donde las funciones se realizaban al aire libre, y la velocidad estaba marcada por la fugaz luz del día que se iba apagando, la amenaza de la peste, el miedo a la noche y la fragilidad de la vida.

Para “¿Querés ser feliz o tener razón...”, Propato tomó como iniciativa, y de manera exquisita, todas aquellas piezas de William Shakespeare que suponen una intervención de una mujer en el desarrollo de la escritura.

FICHA ARTÍSTICA - TÉCNICA:

Idea:

Cecilia Propato

Dramaturgia:

Cecilia Propato

Actúan:

Ivana Baldassarri

Inés Baum

Sandra Bolis

Florencia Bunzda

Gustavo Calo

Sebastían Cofie

Verónica Corizzo

Marcelo Cornu

Cecilia De Maggio

Silvia Dietrich

Patricia Leocata

Alan Llorente

Bautista Duarte

Juan Francisco Muñoz

Larisa Novelli

Esteban Piñeyro

Natalia Rey

Lixsu Sadoni

Paulo San Martín

Luka Sancho

Alejo Tofé

Pablo Turchi

Fernando Velarde.

Vestuario:

Cecilia Propato

Accesorio:

Verónica Corizzo

Diseño de luces:

Luciana Giacobbe

Diseño sonoro:

Agustín Konsol

Realización de objetos:

Verónica Corizzo

Fotografía:

Magdalena Viggiani

Asistencia técnica:

Nicolás Gutiérrez

Asistencia de dirección:

Carina Basile

Prensa:

Pablito Lancone

Dirección:

Cecilia Propato

Funciones: Domingos 12hs.

Teatro: Ítaca Complejo Teatral

Humahuaca 4027 CABA

Entradas por Alternativa

Instagram: @queresserfelizotenerrazon

PRENSA

Pablo Lancone pablolancone@gmail.com

Cecilia Propato

En Teatro Belisario

«

Querencio»

de Alejandro Sly, sigue los domingos a las 20:00 h.

UNA FÁBULA POÉTICA Y SURREALISTA SOBRE EL AMOR, LA IMAGINACIÓN Y LA INFANCIA QUE RESISTE.

“Querencio”, la nueva obra escrita y dirigida por Alejandro Sly, se presenta todos los domingos a las 20:00 horas en Belisario Club de Cultura (Av. Corrientes 1642, CABA).

A través de una estética poética, humor absurdo y un universo onírico desbordante de imaginación, la obra invita al espectador a reflexionar sobre el valor de la sensibilidad en un mundo cada vez más dominado por la lógica y la productividad. Las entradas están disponibles por Alternativa Teatral.

Querencio es un contador obsesionado con lo cuantitativo que ha cometido el pecado de querer medir lo inmensurable: el amor. Atrapado en la necesidad de calcularlo todo, su alma se ha convertido en un desierto numérico donde las malezas del deber y la razón asfixian cualquier posibilidad de asombro. Sin embargo, en las profundidades de su inconsciente, una Fabricante de Sueños y su Nieta emprenden una misión extraordinaria para rescatar aquello que aún late bajo las cifras y los balances.

A través de una travesía surrealista poblada de avispas parlantes, fantasmas, ábacos vivientes y criaturas imposibles, la obra despliega una reflexión profunda y desopilante sobre la tensión entre la creación y la obligación, entre la imaginación y las exigencias

de la vida adulta. La pregunta que atraviesa toda la historia es tan simple como esencial: ¿es posible recuperar el espíritu poético de la niñez antes de que la lógica del mundo termine por sofocarlo?

Con actuaciones de Matt

Sunday, Lucía Barrionuevo y Elsa Juri, “Querencio” construye un universo escénico donde el humor, la fantasía y la emoción conviven para dar forma a una experiencia teatral singular, capaz de conmover y divertir al mismo tiempo.

La propuesta cuenta con música original y diseño sonoro de Francisco Mauas, caracterización y vestuario de Jotuiti Tebao Factor, y una puesta integral concebida por Alejandro Sly, quien también firma la escenografía, el diseño lumínico y la dirección general del espectáculo.

FICHA TÉCNICA

Autoría y dirección:

Alejandro Sly

Intérpretes:

Lucía Barrionuevo

Matt Sunday

Elsa Juri

Voz en Off: Andrea Lucía Vergel

Escenografía:

Alejandro Sly

Caracterización: Jotuiti Tebao Factor

Diseño de vestuario: Jotuiti Tebao Factor

Diseño de luces: Alejandro Sly

Diseño sonoro: Francisco Mauas

Música original: Francisco Mauas

Video: Juan Pablo Milo

Fotografía: Mirta Steinberg

Diseño gráfico: Arturo Bianchetti

Asistencia de dirección: Hamlet Taddeo

Prensa: Kevin Melgar

Producción: Alejandro Sly y Hamlet Taddeo

FUNCIONES

DOMINGOS 20:00 H. TEATRO BELISARIO

Av. Corrientes 1642, CABA

Entradas están disponibles por Alternativa Teatral.

KEVIN MELGAR

Prensa contacto@kevinmelgarprensa. com.ar

Una road movie criolla del siglo XIX. Osamenta y Patria

Dramaturgia y Dirección Andrés Binetti

La carreta atraviesa la pampa yendo en busca de la osamenta de un “Pterodáctilo bovino”, especie de vaquita voladora que -supuestamente- habitó estas tierras en el período mesozoico. Las noticias del hallazgo prehistórico conducen a la consabida zanja de Alsina, nuestra muralla china invertida en un intento de pacificar al malón. El camino traerá indios, maestras perdidas, milicos de fortín, animales que hablan y la inefable desmesura del ser nacional.

FUNCIONES:

Viernes 20 h.

Teatro del Pueblo

Lavalle 3636 -

Entrada general $24.000 / $20.000 estudiantes y jubilados. Compra online: www. alternativateatral.com

ACERCA DE LA OBRA

Concebimos a Osamenta y patria como un artefacto de sentido centrífugo. Entendemos que aquello que resuena y luego fuga produce un efecto reflexivo, una especie de distanciamiento criollo, que nos invita a pensar en ciertos tópicos fundantes y su manera de ser narrados por el pasado y por el presente. El

humor trasunta todo el relato, entendemos que es fundamental la risa para incorporar ciertas hipótesis que plantea el material.

FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA:

Actuación: Edgardo Marchiori (Gutierrez), Cecilia De Paoli (Catalina Raucsh), Malala González (Tránsito), Juan Anun (Baqueano), Sergio Lobo (Lezama), Ignacio Bozzolo (Marianito), Alejandra Oteiza (Marta), Virginia Flammini (Norma)

Escenografía y Vestuario:

Osamenta y Patria Compañía

Diseño de Iluminación: José Binetti

Prensa: Valeria Franchi

Producción: Guillermina Arciniega

Asistencia de Dirección: Valentina Lozano

Dramaturgia, Dirección y Puesta en Escena: Andrés Binetti

Duración del espectáculo: 75 minutos

ANDRÉS BINETTI

Dramaturgo, director y docente teatral. Egresado de la carrera de Puesta en Escena de la

REDES SOCIALES:

@osamentaypatria

@aleoteiza

@virginia_efe

@edgardomarchiori

@nachobozzolo

@ceci.dpa @malalagonzalez22 @_lobosergio

@guillermina.arciniega @valulozanoj @dramaturgia.binetti

LAPLATA CABA

Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD). Integrante de la Fundación SOMI/Teatro Del Pueblo. Docente a cargo en diferentes instituciones: Dirección de la Puesta en escena III (EMAD), de Dramaturgia (Diplomatura en Dramaturgia del Centro Cultural Universitario Paco Urondo-Facultad de Filosofía y Letras-UBA), de Dirección y Dramaturgia (UP) y de talleres y seminarios nacionales e internacionales. Director de diferentes Proyectos de graduación universitarios (UNA y USAL). Desde 2004 estrena obras en Argentina y en otros países. Sus obras teatrales han sido publicadas en diversos medios. Por su labor artística de dirección y dramaturgia ha recibido diferentes premios y nominaciones (Trinidad Guevara, Teatro del Mundo, Florencio Sánchez, Teatro XXI, entre otros). Asimismo, desde 2007 sus clases de dramaturgia -en su estudio- han formado y entrenado a varios autores que han sido también galardonados con premiaciones varias.

PRENSA Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

Una fiesta bufonesca sobre un mundo que se devora a sí mismo. VACA MUERTA

De Marcelo Katz y Checho Castrillón

Una maquinaria cómica, salvaje y desafiante sobre una sociedad que festeja mientras se derrumba. Un espectáculo de bufón que construye un universo deformado, feroz y profundamente humano. Con humor corrosivo, ritmo vertiginoso y una fuerte potencia visual, la obra se sumerge en las lógicas del poder, el extractivismo y la devastación contemporánea.

El presidente de la Nación nombra una comisión autárquica para el manejo del yacimiento Vaca Muerta. Los flamantes

funcionarios, grotescos y salvajes, avanzan entre torres petroleras, negocios turbios, ambición y delirios de progreso.

La obra despliega una teatralidad física intensa y desfachatada, atravesada por mecanismos cómicos y un permanente estado de desborde donde la violencia, el absurdo y el humor conviven constantemente.

Lejos de la solemnidad y de cualquier bajada de línea partidaria, Vaca Muerta elige la risa como campo de batalla. El espectáculo expone la violencia y el ridículo de un sistema capaz

de destruirlo todo mientras continúa celebrando su propio éxito.

La puesta combina teatro físico, proyecciones, música clásica, coreografías, y una fuerte construcción visual para crear una experiencia escénica rítmica, desafiante, disruptiva y profundamente cómica. La obra construye un dispositivo donde la crítica social aparece atravesada por el juego, la obscenidad, la fiesta y la desmesura.

Entre ceremonias oficiales, directorios petroleros, corrupción, guerras y delirios de

grandeza, Vaca Muerta avanza hacia un paisaje devastado donde emerge una pregunta de fondo:

¿Qué ocurre cuando nuestra sociedad convierte la rapiña, la ambición y la destrucción en su forma natural de existencia?

Un espectáculo salvaje, divertido e incómodo.

Una fiesta bufonesca sobre un mundo que se devora a sí mismo.

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA:

Autoría:

Marcelo Katz

Checho Castrillón

Actúan:

Charly Arzulian

Florencia Boasso

Carolina Hardoy

Luciana Maquez

Micaela Pane

Sandra Rojas

Diseño de vestuario:

Maria Cecilia Ximénez

Realización de vestuario:

Tatiana Bosco, Maria Cecilia

Ximénez

Diseño de escenografía:

Ariel Vaccaro

Diseño Multimedia, Animación e Ilustraciones:

Gerson Fredy Moscoso

Gargatte

Realización de escenografía:

Ariel Vaccaro

Redes Sociales:

Belisa Torres

Edición musical:

Ricky Antequeda

Selección Musical:

Marcelo Katz

Checho Castrillón

Realización Audiovisual:

Guadalupe Javaloyes

Diseño De Iluminación:

Ricardo Sica

Diseño gráfico:

Nahuel Lamoglia

Asistencia de dirección:

Laura Chiron

Prensa:

Paula Simkin

Producción ejecutiva:

Adriana Yasky

Dirección:

Marcelo Katz

Checho Castrillón

FUNCIONES:

Sábados a las 19h

Teatro Del Pueblo Lavalle 3636 CABA

Entradas por Alternativa Teatral o en la sala.

LAPLATA CABA

Distinción para tener en cuenta: El bufón era una figura habitual en las cortes medievales y hoy comienza a revalorizarse con fuerza en el teatro contemporáneo. Es un personaje irreverente que nace de quienes estaban en los márgenes de la sociedad. Se ríe del poder, expone las contradicciones humanas y se permite decir aquello que nadie más se anima a decir. En este territorio donde la deformación, el exceso y la lucidez conviven, el bufón utiliza la sátira y una mirada mordaz para desnudar hipocresías sociales, políticas y culturales. Su humor es ácido, incómodo y provocador: hace reír, pero también obliga a pensar.

PRENSA

Paula Simkin paulasimkin@gmail.com

ESTRENO ÁREA 623

Las nenas también son mariposas

Mención en el 22º Concurso Nacional de Dramaturgia del INT (2022). Edición publicada en español, italiano, inglés y alemán. Instituto Nacional del Teatro

El sábado 4 de julio a las 21h en Área 623, tendrá lugar el estreno de la “Las nenas también son mariposas”, una obra teatral dirigida por Rodrigo Rivero sobre un poderoso y único texto de la dramaturga chaqueña Marie Álvarez.

“Las nenas también son mariposas” sigue a Mariano, un adolescente de 16 años que, durante una noche en un andén

de subte, registra con una cámara los secretos que lo atormentan. Marcado por la pérdida de su padre y por una madre sumida en la depresión, encuentra en su hermana menor su único refugio afectivo. A medida que avanza la noche, Mariano revela una verdad que cambiará su destino, en una historia que aborda la soledad, la salud mental, la culpa y las complejas contradicciones humanas.

La obra, escrita con una sensibilidad y una belleza literaria únicas, invita a reflexionar sobre temas profundos como la salud mental en las infancias y adolescencias, la soledad, la culpa y las contradicciones humanas. Es una experiencia que deja huella y que desafía al espectador a mirar más allá de las apariencias.

Dice Rodrigo Rivero, director:

“Este proyecto explora el cruce entre el lenguaje cinematográfico y el teatral, creando una experiencia escénica donde ambos universos se potencian. A lo largo de nueve meses de trabajo, investigación y ensayos, nos sumergimos en las zonas más complejas de la condición humana para transformarlas en una propuesta de fuerte impacto emocional. Todo el proceso estuvo guiado por un compromiso de sensibilidad, cuidado y responsabilidad en el abordaje de las temáticas que atraviesa la obra”.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTiCA

Actuación:

Pedro Ygelman

Diseño de escenografía y vestuario:

Nicolás Winograd

Diseño de iluminación:

Lailen Álvarez

Música original:

Lara Singer

Diseño gráfico:

Lucas Deniz l

Prensa: Prensópolis

Dramaturgia:

Marie Álvarez

Producción:

Lalo Moro

Asistencia de dirección:

Thomas De Pasquale

Dirección:

Rodrigo Rivero

FUNCIONES:

Sábado 4 de julio a las 21hs

ÁREA 623 (Pasco 623, CABA)

Entrada general: $22000 por

Alternativa

La obra es apta para mayores de 18 años.

Sobre el DIRECTOR RODRIGO RIVERO

Es Licenciado en Dirección

teatral (UNA), actor, dramaturgo y docente de actuación. Cursó el profesorado de teatro en la Escuela Integral de Teatro Roberto Arlt de Córdoba Capital. Entre sus maestros de dirección se destacan: Marcelo Velázquez, Laura Fernández, Andrés Bazzalo, Gustavo Tarrío, Román Podolsky y Cecilia Meijide. Se formó en Dramaturgia con Julio Molina y Andrea Garrote.Entre sus trabajos como director, se destacan: “V.I.D.A. Un Musical Sanador” (año 2013 - 2015), “Fan, yo maté a John Lennon” (año 2017/2018 – Teatro del pueblo), “El campo” de Griselda Gambaro (2019 – Teatro IFT), “Juventud Unida” (año 20212023, Teatro El extranjero), “Una vida en otra parte” de Sebastián Suñé (año 2022/2023/2024 –Teatro del pueblo). Es docente de actuación en diversos Institutos y espacios. Actualmente, dirige “Las nenas también son mariposas” sobre un texto de Marie Álvarez, ganador de una mención especial en el 22avo. concurso

de dramaturgia del INT.

Sobre el ACTOR PEDRO YGELMAN.

Actor argentino nacido el 3 de marzo de 2004, radicado en Buenos Aires.

Se formó con Marco Berger, Sofía Brito, Carmen Baliero, Julieta Álvarez y Feldman & Gobernori en Teatro Bravard.

En teatro trabajó en “Las palabras de los otros” (2026), “¿Solamente Quería Despedirme?” (2026), “El Dildo de Carmen y su Caja de Galletitas” (2025) y “Una Tragedia Argentina” (2025). Actualmente, protagoniza “Las nenas también son mariposas” (2026, dir. Rodrigo Rivero).

En cine participó en los largometrajes “El Espejo” (2026, dir. Marco Berger) y “Nahir” (2024, dir. Hernán Guerschunny, Prime Video), y en los cortometrajes “El Ruido del Silencio” (2026), “Los Niños Cantores” (2025, premio LaBAF) y “Yo Nunca Nunca” (2024).

PRENSA: Prensópolis Comunicación y Prensa Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com

Estreno: Cuatro únicas funciones de: FRAGMENTOS DE PASIÓN

Una tragedia satírica feroz y contemporánea.

Tras su participación en FIBA y destacados festivales internacionales, el colectivo sanjuanino Obcaenum llega a Buenos Aires con una experiencia escénica que combina tragedia griega, autoficción, performance y tecnología en vivo. En un espacio que funciona como un laboratorio de las pasiones, dos intérpretes exponen sus cuerpos, deseos y contradicciones ante la mirada del público. Entre confesiones, ironía y figuras míticas, la obra pone en escena los mandatos y ficciones que moldean nuestras vidas.

ESTRENO:

Sábado 4 de julio de 2026 a las 20:30h.

FUNCIONES:

Sábados 11, 18 y 25 de julio de 2026 a las 20:30h.

Sala Teatral Inda Ledesma Espacio Experimental Leónidas Barletta. Av. Pte. Roque Sáenz Peña 943.

¿De qué se hacen las pasiones?

Esta obra convoca al público en asamblea para observarlas de cerca, hasta volver porosos los bordes de la ficción. En un espacio casi quirúrgico, ELLA y ÉL exponen sus cuerpos a la

luz de la escena y construyen un recorrido, tejido entre actuaciones autoficcionales y encarnaciones de figuras míticas griegas; entre apelaciones al público, confesiones e ironías. Ese roce realidad/ficción vuelve visible las imposiciones de género y los mandatos —lo que cada cuerpo “debe” representar, incluso cuando intenta escapa

r de la obligación—. Fragmentos de Pasión articula tragedia y sátira desde una actuación performática, utiliza recursos de las artes contemporáneas -proyección de imágenes en vivo y paisajes sonoros- para crear una arquitectura sensible de imagen y sonido que extrae, aísla y revela aquello que daña, insiste

y se repite.

Testimonio desde el punto de vista de la dirección, la autoría y la puesta en escena

“Fragmentos de Pasión” es una obra que muestra, desde el comienzo, aquello que el teatro suele disimular: la ficción se construye frente a los espectadores.

A partir de allí, la puesta sostiene una tensión entre la presencia real del intérprete y la ficción que ese mismo cuerpo construye. Esa tensión se intensifica porque los propios creadores se exponen y actúan dentro del espacio de operaciones que han creado. En ese dispositivo, van convocando figuras míticas de la tragedia griega y exhiben sus pasiones. El tono satírico que sostiene la propuesta torsiona el relato y deja a la intemperie el artificio cultural que modela los deseos y los mandatos que los sostienen. La dramaturgia también se construye performativamente, a la vista del espectador. Las filmaciones y proyecciones operadas en vivo, junto con la intervención sonora, producen capas de imagen y sonido que se montan sobre las presencias. Ese montaje altera la percepción de la escena, descompone y recompone los significados y abre distintas perspectivas sobre lo que acontece. Esa escena-panóptico hace aparecer las pasiones como una trama de ficciones políticas y formas históricas de inscripción que actúan en los cuerpos.

La obra indaga, así, en los restos activos de una cultura organizada alrededor del poder y los mandatos, restos que actúan sobre el presente como modos aprendidos de ver, verse y darse a ver.”

FICHA ARTÍSTICA

Una obra del colectivo obcaenum / Dirección, dramaturgia y actuación: Guadalupe Suárez Jofré y Facundo Cersósimo / Dirección actoral: Evangelina Argañaraz Raiden & Obcaenum / Asistencia general: Evangelina Argañaraz Raiden / Producción: Soledad Argañaraz / Prensa: Paula Simkin.

BIO OBCAENUM

Obcaenum —la singularidad colectiva de Guadalupe Suárez Jofré y Facundo Cersósimo— opera en el campo ampliado de la creación escénica desde San Juan, Argentina. Su potencia creativa se nutre de las limitaciones de su periferia geográfica, encontrando en el reciclado, la mixtura y la irreverencia las claves de su originalidad. Mediante procedimientos liminares de reapropiación, transforman textos e imágenes en dispositivos que hacen visible lo irónico e inquietante del mundo. Desde sus inicios en 2009, sus creaciones han participado en espacios de relevancia, entre otros: Feria de Arte Contemporáneo de España, ARCO (Madrid, 2017); Festival

LAPLATA CABA

Internacional de Buenos Aires, FIBA (Buenos Aires, 2019-20202021); Festival Internacional del Mercosur (Córdoba, 2019); Festival Internacional de Artes Escénicas LODO (Buenos Aires, 2018); Muestra de Arte y Tecnología, Fondo Nacional de las Artes (Buenos Aires, 2019); Festival Internacional, Instituto Nacional del Teatro (San Juan y Mendoza, 2014-2015); y Fiesta Nacional del Teatro (Jujuy, 2014).

BIO GUADALUPE SUÁREZ JOFRÉ

Guadalupe es una performer, investigadora y operadora escénica. Comienza su formación en su entorno familiar de artistas, y luego profundiza estudios académicos de teatro y teoría de las artes (Mgtr. en Arte Latinoamericano UNCuyo y Lic. en Teatro UNC). También se dedica a la docencia e investigación en las universidades nacionales de San Juan y La Rioja).

BIO FACUNDO CERSÓSIMO

Facundo es creador en el ámbito de las artes escénicas, y le gusta ensayar cruces con otras artes. Actúa, performa, escribe y gestiona. Es profesor de teatro por la Universidad Nacional de San Juan, donde actualmente es docente. También investiga para encontrar formas alternativas para la creación escénica y la enseñanza.

PRENSA: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com

“DORADAS” EL SUCESO DE JOSÉ MARÍA MUSCARI, SE TRASLADA AL TEATRO REGINA

Tras un fenómeno de taquilla y crítica, la obra DORADAS, creada y dirigida por José María Muscari, pasó con gran estreno al Teatro Regina desde el pasado domingo 7 de junio de 2026 a las 18:00 h.

Esta pieza, que ha revolucionado la escena

136

porteña, llega a la calle Santa Fe para continuar su exitosa temporada tras su aclamado paso por la sala oficial.

El paso de DORADAS por el Teatro Nacional Cervantes ha sido un verdadero hito en la cartelera, consolidándose como una de las propuestas más potentes y simbólicas de la temporada. La obra producida por el Teatro Nacional Cervantes finaliza su etapa en la Sala Luisa Vehil con el orgullo de haber agotado localidades en todas sus funciones, demostrando el enorme interés del público por ver a estas cinco leyendas en el escenario más

emblemático del país.

El rotundo éxito cosechado en la sala oficial es el motor que impulsa a continuar la temporada en el Teatro Regina, ahora en coproducción entre Perrotti Producciones y el Teatro Nacional Cervantes, permitiendo que el fenómeno continúe brillando en el circuito comercial.

SINOPSIS

DORADAS se presenta como un cruce entre lo íntimo y lo espectacular, donde cinco íconos del espectáculo argentino revisitan sus trayectorias desde la madurez artística. La obra combina confesiones personales e ingredientes retro con una apuesta tecnológica sin precedentes: es la primera obra en Argentina escrita con la colaboración de Inteligencia Artificial. A través de monólogos, microescenas e intervenciones corales, la pieza funciona como un manifiesto sobre la fama, el paso del tiempo y las “emociones maquilladas”, recuperando el espíritu de las décadas de los ‘70, ‘80 y ‘90 en un diálogo constante con el presente.

José María Muscari celebra con este proyecto sus 30 años de profesión y explica la esencia de esta propuesta: “Tomé la decisión de que las actrices que formen parte de este proyecto sean mujeres súper experimentadas que se dedicaron toda su vida

al mundo del espectáculo. DORADAS es, quizás, el pretexto para verlas a ellas nuevamente refulgentes. Hay que verla para descubrir cómo a la sensibilidad actoral no le pasa el tiempo; son mujeres con historias escénicas reales que ahora llegan a este escenario tras haber conquistado el prestigio del Cervantes”.

UN ELENCO DE ESTRELLAS

El espectáculo reúne por primera vez sobre un mismo escenario a cinco actrices consagradas que marcaron una época dorada en el cine, la televisión y el teatro: Cristina Alberó, Marta Albertini (quien marca su esperado regreso a la actividad), Judith Gabbani, Carolina Papaleo y Ginette Reynal.

El universo visual de DORADAS está diseñado para potenciar el brillo de sus protagonistas, contando con el diseño de vestuario de Verónica de la Canal, la escenografía y ambientación de Martín Roig, iluminación de Eli Sirlin y la colaboración artística de Cristian Morales.

DORADAS de José María Muscari

Con (por orden alfabético):

Cristina Alberó

Marta Albertini

Judith Gabbani

Carolina Papaleo

Ginette Reynal

Colaboración artística: Cristian Morales

Diseño de vestuario: Verónica de la Canal

LAPLATA CABA

Diseño de escenografía y ambientación: Martín Roig

Producción Ejecutiva: Emiliano Miguez

Prensa: BMZ Comunicaciones

Producción General: Perrotti Producciones en coproducción con el Teatro Nacional Cervantes

Diseño de luces y asistente de dirección: Juan Pablo Ragonese

Libro y Dirección: José María Muscari

FUNCIONES:

DORADAS de José María Muscari Todos los domingos a las 18:00 h

TEATRO REGINA

Av. Santa Fe 1235, CABA Entradas en venta en la boletería del teatro y por ENTRADA UNO.

PRENSA Marcelo Boccia

BMZ Comunicaciones

marcelo@bmzcomunicaciones. com.ar

FB BMZComunicaciones

TW BMZComunica

IG BMZComunicaciones

CENA CON AMIGOS

de Donald Margulies

Con la dirección de Maru

Lamarca

y Mela Lenoir

Una comedia ganadora de un Premio Pulitzer

Comedia de humor ácido con una mirada profundamente humana. La obra recorre el amor, el desgaste y las distintas formas de reinventarse cuando todo lo conocido se tambalea.

Una historia íntima y reconocible sobre lo que elegimos sostener... y lo que ya no

Actúan:

Sofía Roviralta

Juan Denari

MiráBA 138

Bruno Pedicone

Carolina Babich

Dramaturgia: Donald Margulies

Dirección: Mela Lenoir

Maru Lamarca

Asistente de dirección: Cami Levin

Producción ejecutiva: Guido Inaui Vega

Vestuario: Mela Lenoir

Escenografía: Vane Abramovich

Diseño gráfico: Sabrina Lenoir

Música original: Mica Hourbeigt

Redes: Toco madera

Prensa:

Duche & Zárate

Producción general: Club Media

“Cena con Amigos” es una obra escrita por Donald Margulies en 1998, ganadora de un Premio Pullitzer en el año 2000, que explora las relaciones humanas, la amistad y el matrimonio. Se presentó en escenarios de Nueva York, Londres, París, Madrid, Tokio e incluso en Buenos Aires dirigida por Agustin Alezzo, demostrando en sus variadas traducciones, la universalidad de sus temas.

La obra tiene una mirada honesta, realista y a la vez compleja sobre los vínculos de amistad, la traicion, infidelidad y la simple y a la vez compleja evolución humana que hace que por momentos nos veamos forzados a romper vínculos que parecían eternos.

Es una obra que nos resuena justamente por estos temas que siguen tan vigentes al dia de hoy. Estamos bastante preparados para entender que las relaciones de pareja pueden terminarse, ¿pero cuán preparados estamos para entender y procesar que los vínculos de amistad de toda una vida pueden terminarse por una acción? ¿Gana nuestra autenticidad o sostener lo que ya no somos y está caduco?

¿De qué manera me afecta y me refleja mis propios desafíos en pareja los conflictos de otros?

¿Estamos donde realmente queremos estar, o nos dejamos estar en lo viejo y conocido?

La obra nos invita a hacernos estas preguntas mientras vamos conociendo los deseos y miedos de sus cuatro personajes que son tan entendibles como enjuiciables. No es una historia de buenos y malos, es una historia de 4 personas tan humanas como todos nosotros, que se ven atravesadas por la gente que aman.

FUNCIONES:

Julio: Viernes a las 20 Localidades: $ 30.000.Teatro Border Godoy Cruz 1838 CABA Venta por: https://www.border. com.ar/ Teatro Border 11 5236-6183

Donald Margulies

Dramaturgo y académico estadounidense. En 2000, ganó el Premio Pulitzer de Drama por su obra Cena con amigos. Entre las obras más destacadas de Margulies se encuentran The Country House (2014), Time Stands Still (2009) y Brooklyn

LAPLATA CABA

Boy (2004). Sight Unseen y Collected Stories fueron finalistas del Premio Pulitzer de Drama en 1992 y 1997, respectivamente.

Maru Lamarca

Directora artística del Teatro Border. Actriz. Gestora cultural. Directora de “Corpus Íntima” de Agusta Bermudez. Actriz protagónica en “Mujeres que fui” de Cata Laplacette y Carmen Fillol. Directora de “En el próximo capítulo” de Agusta Bermudez. Actriz en “Los últimos días de Clark K” de Alberto Ramos Barranco. Swing y Asistente de dirección en “Consentimiento” de Nina Raine, dirigida por Carla Calabrese y Mela Lenoir. Directora de “Desconfío”. Dramaturga y Directora de “Verde Agua”. Actriz en “Tornado Day”, de Germán Polonsky, dirección Germán Polonsky. Actriz en “Podés Perdonarla?”, de Gina Gionfriddo, dirección Emiliano Delucchi. Actriz en “Toda Gente Nueva”, de Zack Graff, dirección Emiliano Delucchi. Actriz en “Tute Cabrero”, dirección de Emiliano Delucchi. Actriz en “Amores Fóbicos”, dirección u

de Fernando Alegre.

Mela Lenoir

Actriz, cantante, bailarina, directora. PREMIO KONEX 2021

Teatro musical: Come From Away Protagónico nominada premios ACE y Hugo; Shrek Protagónico nominada premios

ACE, Hugo y Carlos; Rock of Ages Co protagónico nominada premios Hugo; Jekyll & Hyde

MiráBA 140

Protagónico ganadora premio Hugo nominada premio ACE; Forever Young Protagónico nominada premios ACE, Hugo, Florencio Sanchez; Chicago Protagónico; Avenida Q Protagónico; Los Últimos 5 años Protagónico nominada premios ACE Y Hugo; Rocky Horror Show Co Protagónico; Hedwig and the Angry Inch Coprotagónico cover protagónico; Según Cole Porter protagónico nominada premio Hugo; RENT ensamble/ cover protagónico / dance captain; Sueño de una Noche de Verano Protagónico.

Teatro de texto: Consentimiento de Nina Raine protagónico nominada premios ACE; Entre Sombras de Michael Cristofer protagónico nominada premios

ACE; El curioso incidente del Perro a Media Noche Co Protagónico nominada premios ACE; Macbeth protagónico; Dos Pícaros Sinvergüenzas Rol menor; Noche de Reyes Co protagónico ganadora premios BUE.

Dirección: Avenida Q; Consentimiento Co Dirección; Mi querida Hermana menor Dirección Microteatro; Despertar de primavera asist. Coreográfica; Entre Sombras vestuarista nominada Premios ACE; Cuando la lluvia deje de caer vestuarista.

PRENSA Duche&Zárate

Walter Duche – Alejandro Zarate prensa@duchezarate.com.ar IG, T y F @duchezarate

«El alma de la noche”

Una comedia negra donde lo cotidiano se vuelve inquietante

Bajo la dirección de Sebastián Bauzá y autoría de la reconocida escritora catalana Blanca Bardagil, la obra se presenta los sábados a las 20:30 hs en el Teatro Ñaca.

El teatro independiente porteño tiene una propuesta que desafía los límites entre la risa y la oscuridad. «El alma de la noche», escrita por la reconocida catalana Blanca Bardagil y dirigida por Sebastián Bauzá, se presenta todos los sábados de junio y julio a las 20:30 hs en el Teatro Ñaca (Julián Álvarez 924, CABA). Las entradas se adquieren en alternativateatral. com

SOBRE LA OBRA

En el límite exacto entre la comedia y lo perturbador, la pieza sumerge al espectador en un universo donde lo familiar se tiñe de sombras. Con un humor negro afilado y una mirada punzante sobre los vínculos, la trama explora aquello que se oculta detrás de las rutinas y los silencios domésticos.

«Una invitación a reírse de lo absurdo y, al mismo tiempo, a estremecerse ante los rincones más íntimos de la condición humana.”

Con una duración de 85

minutos, la puesta logra un equilibrio constante entre el entretenimiento y la reflexión, apoyada en un despliegue visual y técnico de primer nivel.

FICHA TÉCNICA Y ELENCO

Elenco:

Bianca Vicari

Valentín Born Pinto

Luciana Carullo Santiago Rapela. Dirección:

Sebastián Bauzá.

Autora:

Blanca Bardagil. Diseño de Escenografía y Vestuario:

Sabrina López Hovhannessian.

Asistencia de Escenografía y

Vestuario: Nicole Rufanacht.

Diseño de Iluminación: Claudio del Bianco.

Diseño Gráfico: Agostina Demarchi.

Asistencia de Dirección: Victoria Rodríguez.

FUNCIONES

SÁBADOS DE JULIO

20:30 HORAS

TEATRO ÑACA

Julián Álvarez 924, CABA. Entradas en alternativateatral. com

PRENSA Max Czajkowski

Prensa y comunicación IG: @maxiczajkowski maxiczajkowski@gmail.com

Éxito absoluto en el Teatro Multitabaris

“El chat de mamis, una comedia en el cole”

La obra que convierte una experiencia cotidiana en el gran espejo del público

¿Qué pasa cuando los grupos de WhatsApp escolares dejan de ser un canal de comunicación y se convierten en un territorio de tensión, juicio y enfrentamientos? Esa es una de las preguntas que atraviesa “El chat de mamis, una comedia en el cole”, la exitosa comedia que desembarcó en marzo con un gran elenco encabezado por Eugenia Tobal, Carla Conte,

Manuela Pal, Mica Riera, Karina Hernández, Berenice Gandullo y Lionel Arostegui.

FUNCIONES

De miércoles a domingos

Miércoles 1 -20h.

Jueves 2 - 20h.

Viernes 3 - 20h.

Sábado 4 - 19,30h.

Sábado 4 - 21,30h.

Domingo 5 - 19,30h.

Miércoles 8 20h.

Teatro Multitabaris

Con entradas en venta en Plateanet y en boletería del teatro.

Dirigida por Marcelo Caballero, con idea original y producción de Ezequiel Corbo y libro de Mechi Bove, la obra propone una mirada ácida, actual y

profundamente reconocible sobre los vínculos entre madres, padres y escuelas en tiempos atravesados por la hiperconectividad, los prejuicios y las reacciones inmediatas.

Con humor desopilante y situaciones tan absurdas como reales, la comedia pone el foco en un fenómeno cotidiano que atraviesa a miles de familias: los chats escolares. Espacios donde un simple mensaje puede desencadenar conflictos inesperados, malentendidos colectivos y discusiones que rápidamente escalan. Pero

detrás de la risa, la obra también abre una reflexión sobre la dificultad actual para escuchar al otro, la exposición permanente, la necesidad de opinar sobre todo y la pérdida de empatía en la comunicación digital.

Lejos de quedarse únicamente en la sátira, “El chat de mamis, una comedia en el cole” encuentra uno de sus mayores puntos de conexión en la reacción del público, que no sólo se ríe de las situaciones, sino que se reconoce en ellas. La identificación es inmediata: audios eternos, mensajes fuera

de contexto, padres sobre involucrados, discusiones interminables y tensiones que muchas veces terminan afectando más a los adultos que a los propios chicos.

La puesta en escena se completa con escenografía de Lula Rojo y vestuario de La Polilla, acompañando el ritmo ágil de una propuesta que combina comedia, caos y una observación muy precisa sobre los vínculos contemporáneos.

Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

Estreno Sábado 4 de julio 22.30h. LA BANDA DE LURZU

Con el fútbol como territorio de disputa, identidad y refugio — una pasión que hoy resuena con especial fuerza—, La banda de Lurzu construye un retrato generacional atravesado por la música de los años noventa, donde el rock nacional funciona como pulso emocional y memoria compartida. Una historia sobre la amistad, la pérdida y ese instante preciso en el que la adolescencia se termina.

La obra narra la historia de

cinco amigos que atraviesan su adolescencia en el barrio de Parque Patricios. Entre tardes eternas de vereda, partidos en la canchita, salidas a bailar y planes de verano, el grupo construye un mundo propio donde la amistad parece inquebrantable y el tiempo, infinito. Todo comienza en una noche de verano, en una casa de campo, durante una típica pijamada adolescente: pizza, música, cartas y confidencias. Pero lo que empieza como un

ritual de amistad pronto se ve atravesado por un conflicto que escala más allá del juego. Al intentar recuperar su lugar en la cancha frente a un grupo mayor, deberán enfrentarse no solo con otros, sino también entre ellos mismos. En ese cruce entre el deseo de pertenecer, el miedo y la necesidad de afirmarse, la banda empieza a resquebrajarse. Un hecho inesperado los obliga a crecer de golpe y transforma para siempre ese verano que parecía

uno más.

Dramaturgia:

Sergio Albornoz,

Martina Valmaggia

Lourdes Varela

Actúan:

Melina Loscalzo

Luciana Manzolido

Constanza Safe

Martina Valmaggia

Lourdes Varela

Vestuario:

Debora Teplitzki

Escenografía:

Debora Teplitzki

Asistencia de dirección:

Andre Ramirez

Dirección: Sergio Albornoz

FUNCIONES:

Sábados 22:30 h de julio

Martes 21:00 hr de Agosto

Nün Teatro Bar

Juan Ramírez de Velasco 419CABA

Entradas: $25000 entrada general - $20000 jubilados.

Por Alternativa Teatral

Duración: 60 minutos

Instagrams del equipo: @sergioalbornozok @coty.safe @andreee.ramirez55 @marvalmaggia @lulimanzolido @mel.loscalzo @lourdesvarela_

PRENSA: TEHAGOLAPRENSA andyfeiguin@gmail.com www.tehagolaprensa.com.

LLEGA EL NUEVO SHOW DE GRISELDA SICILIANI Y CARLOS CASELLA

BOÎTE

JUEVES A SÁBADOS EN LA TRASTIENDA

Desde el pasado 25 de junio

Griselda Siciliani y Carlos Casella llegan a La Trastienda con BOÎTE, un espectáculo imperdible que combina música, actuación y una poderosa presencia escénica en una experiencia tan vibrante como

146

provocadora. Un viaje por distintos géneros, emociones y universos donde el humor, la sensualidad, el drama y la celebración conviven en permanente transformación.

Tras años de historia compartida

sobre los escenarios, la dupla vuelve a reunirse para crear una propuesta singular que confirma una química artística única. Después de “Estás que te pelas”, “Sputza” y “Pura Sangre”, Siciliani y Casella renuevan su sociedad creativa

con un espectáculo que desafía etiquetas y apuesta a la sorpresa.

Inspirado en aquellas legendarias boîtes que marcaron una época, el show recupera el misterio, la sofisticación y el espíritu del cabaret para transformarlos en una experiencia contemporánea, intensa y profundamente cautivadora.

FUNCIONES DE JUEVES A SÁBADOS

La Trastienda (Balcarce 460)

Jueves a sábados 20h. Las entradas están disponibles a través de PASSLINE o en la boletería de La Trastienda (Balcarce 460)

FICHA TÉCNICA

Intérpretes:

Griselda Siciliani

Carlos Casella

Músicos en escena:

Tomás Carnelli

Santiago Martínez

Valentín Manzoni

Producción electrónica:

Diego Vainer

Asistencia coreográfica: Magalí Zato

Fotografía:

Santiago Albanell

Maquillaje y peinado:

Nano Maldonado

Diseño gráfico:

Alejandro Ros

Redes sociales:

Karen Casas

Prensa y comunicación:

Vanesa Bafaro

Coordinanción prensa: Juan Gutiérrez Arana

Patrocinio: Ana Lia Berdini

Asistencia de dirección y producción: Kevin Litvin

Producción Ejecutiva: Toqui Doumecq

Diseño vocal: Pablo A García

Colaboración en textos: Guillermo Arengo

Iluminación:

Gonzalo Córdova

Vestuario:

Pablo Ramírez

Escenografía:

Alberto Negrín

Dirección musical: Diego Vainer

Colaboración en puesta y creación: Ana Frenkel

PRENSA

Vane Bafaro

Prensa & Comunicación vanebafaroagencia@ vanebafaro.com

IG: @vanebafaro

X: @vanebafaro

Comedia dramática de un acto desesperado POR AMAR A MARA

Dramaturgia: Diego Carreño - Dirección: Carlos Belloso

Mara y Darío conforman una pareja que lleva ya más de 20 años juntos, y se encuentra en una profunda crisis, por la que deciden contratar a un par de coachs que los someterán a una terapia neuroelectrobiomolecular para intentar salvar su matrimonio. Esta particular práctica desatará recuerdos aparentemente olvidados, absurdas contradicciones y, principalmente, todo tipo de confesiones inesperadas, tanto en la pareja como en los

MiráBA 148

terapeutas, confundiendo así todo límite entre lo real y lo imaginario.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia:

Diego Carreño

Actúan: Sol Canesa

Diego Carreño

Cecilia Roche

Miguel Angel Vigna

Vestuario: Vanesa Abramovich

Escenografía: Vanesa Abramovich

Diseño sonoro: Federico Bellver

Diseño De Iluminación: Víctor Chacón

Redes: Mauro Barreiro

Fotografía:

Federico Moriconi

Diseño gráfico:

María Ana Tapia Sasot

Asistencia de dirección:

Federico Bellver

Prensa:

Natalia Bocca

Producción general:

Malditas Producciones

Dirección:

Carlos Belloso

FUNCIONES:

SÁBADOS A LAS 22:00 h.

La Carpintería Teatro

Jean Jaures 858. CABA

Entrada general: $23.000

A la venta en Alternativa teatral o en boleterías del teatro

Duración: 60 minutos

SOBRE EL DIRECTOR

Carlos Belloso Actor y Director.

Dirigió diversos grupos de teatro independiente, apoyando este tipo de teatro. Ya que su formación parte del teatro under. Su trabajo en la dirección y puesta es, sobre todas las cosas, optimizar los mecanismos de actuación, en puestas austeras con escenografías simples para resaltar la expresión y la gestualidad. En sus puestas el humor es fundamental y lo que busca es el contraste entre la profundidad del mensaje y la superficie del gag.

Como actor estudió en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Buenos Aires.

En 1999, interpretó a El Vasquito, en la telenovela Campeones de la vida. En 2002, en la exitosa miniserie Tumberos, interpretó a Guillermo Marmotta, alias “Willy”, un reo capo en Cárcel de Caseros. En 2013 formó parte del elenco de Le Prénom (El nombre) una comedia dirigida por Arturo Puig en el Multiteatro de la Calle Corrientes con gran éxito. Compartió la obra con Germán Palacios, Mercedes Funes, Peto Menahem y Jorgelina Aruzzi. En ese año, ganó un Premios Tato, por su actuación en el episodio Padre del aula, del unitario Historia clínica, donde interpretó

LAPLATA CABA

a Domingo Faustino Sarmiento. En 2015, protagonizó el film de suspenso Baires, junto a Benjamín Vicuña, Germán Palacios, Sabrina Garciarena, Rodrigo Guirao Díaz y Juana Viale, en donde interpretó al peligroso psicópata narcotraficante Eric Le Blanc. En 2018, protagonizó la obra “El test” y el musical “Aladin”.

Premios Tato, Actuación en capítulo único, 2013

Premio Martín Fierro, Actor de reparto en Drama, 2007

Premio Martín Fierro, Actor de reparto en Comedia, 2006

Premio Martín Fierro, Mejor actor, 2006

Premio Martín Fierro, Actor de reparto en Unitario y/o Miniserie, 2003

Premio Martín Fierro, Actor Protagonista de Unitario y/o Miniserie, 2002

Premio Martín Fierro, Artista revelación, 1999

- Actualmente actúa en el espectáculo: “Casual” en el Multiteatro, junto a Diego Gentile, Malena Guinzburg. Mica Lapegüe, Claudio Martínez Bel, Julián Ponce Campos, Lucas Wainraich.

PRENSA

Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com

Seis relatos de teatro atravesados por un humor negro, irreverente y sin filtro.

Relatos Fugaces

De Gustavo Andrés Rocco

FICHA TÉCNICO ARTISTICA

Dirección y dramaturgia

Gustavo Andrés Rocco

Actúan

Lucas Foresi, Sergio Ríos, Rodrigo Carbone, Yanina Vega de La Fuente,

Cecilia Aspe, Jiniva Irazabal

Agustina Panizza

Asistente de dirección

Talía Baucer

Fotografía

Cleo Bouza

Diseño gráfico

Yanina Vega de la Fuente

FUNCIONES:

Domingos 20:30 h: 5, 12 y 26 de julio

Teatro Border

MiráBA 150

Godoy Cruz 1838, CABA

Entradas $ 18.000https://www.border.com.ar

Duración: 90 min

Edad recomendada: Mayores de 15 años

BIOGRAFÍAS

Gustavo Andrés Rocco

Ensayista, novelista, dramaturgo, director teatral y licenciado en Relaciones Públicas. Su trayectoria abarca más de tres décadas de exploración artística y filosófica en distintos formatos, desde la narrativa literaria hasta la escena teatral y la escritura ensayística, siempre con un enfoque que fusiona pensamiento crítico, espiritualidad y sensibilidad

contemporánea. Como ensayista, ha abordado temas que conectan la cultura popular con tradiciones filosóficas orientales y occidentales. En teatro, Rocco ha consolidado una voz singular tanto en la escritura como en la dirección de sus propias obras. En los últimos años presentó Vistiendo sombras (2022, Teatro El Jufré); Lo llaman Viruta (2023, Teatro Border); Lucy en el cielo…. (2024, Teatro Border), obras donde lo poético y lo político se entrelazan en tramas humanas intensas. Su estilo propone un diálogo entre lo íntimo y lo colectivo, lo simbólico y lo cotidiano, y se expresa con un lenguaje claro pero cargado de sentido.

LAPLATA CABA

Lucas Foresi

Actor con una amplia trayectoria teatral, protagonizando obras como ‘Los invertidos’, ‘El hombre de la nariz rota’, y ‘La inocencia de las mariposas’. Ha trabajado en reconocidas salas como el Teatro Nacional Cervantes y sobre la calle Corrientes. Participó en obras con apoyo cultural como ‘Lisístrata’, ‘Vistiendo Sombras’ y ‘Lo llaman Viruta’, obteniendo una nominación al Premio Paoli. En cine participó en alrededor de 50 proyectos, incluyendo el largometraje ‘Estado Impuro’ y la película de terror ‘Recuerdos del mal’. En televisión, tuvo roles en series

como ‘El amor después del amor’, ‘Los protectores’ y ‘Argentina tierra de amor y venganza’.

Sergio Ríos

Actor con una carrera que abarca teatro, cine, televisión y publicidad. Estudió actuación con referentes como Carlos Gandolfo y en espacios como Timbre 4.

En cine trabajó en películas como ‘Caballos Salvajes’ y ‘Cenizas del Paraíso’. En teatro ha participado en más de tres décadas de obras, incluyendo giras nacionales y puestas como ‘Made in Lanús’, ‘El acompañamiento’ y ‘Lo

llaman Viruta’. Recibió premios como Mejor Actor Protagónico en certámenes provinciales.

Rodrigo Carbone

Actor que se ha desempeñado en teatro como en cine: Harta” Cortometraje / “Mi querido profesor Andrés” de Sequi Castillo en el Brilla Cordelia “Hegemónicos” de Sequi Castillo en el Multi escena - / “Sin expensas” de Sequi Castillo en el Brilla Cordelia / “La torta de fondant” de Sequi Castillo en el Brilla Cordelia - / “El fractal” Largometraje / “El alma no come vidrio” de Vicente Zito Lema, Dirección de Daniela Catz en Timbre 4. u

Cecilia Aspe

Actriz que se ha se dempeñado tanto en teatro como en cortometrajes: en Microteatro con “Ajuste Celestial” dirigida por Federico Godfrid. Dramaturgia y actuaciones Cecilia Aspe y Agustina Lima. Obras como “Criminal” dirigida por Luciana Barboza, “Grado 6” de Gonzalo Rodolico, y “Confesiones” Improbardo, destacándose en formatos de improvisación teatral y en distintos formatos de largo alcance, en el Piso Impro y elencos rotativos También ha participado en “Damas y caballeros” bajo la dirección de Gabriela Villalonga. En cortometrajes como “Marco” dirigido por Sebastián Rivera, “Adiós muchachos” de Ian Borkowski, y “Los ausentados” dirigido por Ludmila Fontana; “Crónica de un adicto en pandemia “dir: Luca Cudazzo, 2025.

Yanina Vega de la Fuente Actriz, productora teatral y directora: ha trabajado en Criminal – Javier Daulte, Sigue la polilla Protagónico – Dirección: Luciana Barbo; Habitación 103 – Muy Teatro

Protagónico – Dirección: Luciana Barbo; Productora y directora – Unipersonal “Chusmerío Paranormal” de Leandro Giottonini. Planificación y dirección artística, producción audiovisual y gestión integral de proyectos escénicos. Productora y actriz – Cuarto B Producciones. Producción, actuación y escenografía en la serie web “Salpicón Primavera” (YouTube). Organización de eventos lturales con proyecciones, música y artistas invitados. Sacco y Vanzetti – Andamio 90 Dirección: Mercedes Fraile. | Elenco permanente Andamio 90 Dirección: Mercedes Fraile. Final de monologuistas – Paseo La Plaza Dirección: Alejandra Mistral.

Agustina Panizza Actriz, clown, tallerista y productora artística con amplia experiencia en teatro, circo, maquillaje artístico y trabajo comunitario. Especializada en la técnica del clown y en propuestas escénicas vinculadas a las infancias, la salud y la inclusión social. He desarrollado proyectos artísticos tanto

en ámbitos culturales como hospitalarios y educativos, integrando herramientas teatrales, circenses y pedagógicas. -Compañía Artistica la Farfala Obras: “Cantina de Amores” y “Caminos”. -”El Coro” Trabajo de investigación y creación a partir de la técnica del Clown Teatral. Dirección Julieta Carrera.

Jiniva Irazábal

Actriz, bailarina y cantante venezolana radicada en Buenos Aires desde hace diez años. Formó parte del elenco estable de la Compañía UNEARTE Teatro, y participó en el Festival de Teatro de Caracas con La Comedia de las Equivocaciones de William Shakespeare, bajo la dirección de Diana Peñalver (2011). Integró el elenco de la obra infantil Gugu Buh, dirigida por José Manuel Suárez (2015). En Buenos Aires participó en El hombre inexistente, dirigida por David Amitín, en el Teatro Payró (2025).

Talía Baucer Bertini

Asistente de dirección con experiencia en producción musical y audiovisual en Lima y Buenos Aires. Fue locutora radial y organizadora de eventos, con formación en comunicación integral y actuación en Timbre 4. Se destaca por su capacidad organizativa y su trabajo en equipos artísticos multidisciplinarios.

CONTACTO: Gustavo Rocco roccogustavoandres@gmail.com

MENTAL

¿Dónde termina la razón y empieza la locura?

Sinopsis:

Entre pacientes que parecen ver más allá de lo evidente y un equipo médico atravesado por la apatía y la corrupción, Marcos se enfrenta no sólo a la institución, sino también a su propia vida en crisis.

A medida que se involucra con los pacientes y profundiza en las fallas del sistema, la realidad comienza a fragmentarse. ¿Quién define qué es estar sano? ¿Dónde termina la razón y empieza la locura?

Mental es un drama intenso y perturbador que cuestiona los límites de la percepción, el poder y la identidad.

EQUIPO TÉCNICO Y ARTÍSTICO

Autor: Luis Agustoni

Dirección:

Sebastián Bauzá

Elenco:

Segundo Pinto

Mariano Ulanovsky

Bianca Vicari

Christian Bellomo

Lorena Salazar

Agustina Bach

Fernando Bazzano

Mónica Pires

Lucas Surace

Macarena Seoane

Asistente de Dirección:

Avril Cekci y Antonella Berardi

Dirección de Arte y Quinta Pared:

Sabrina López Hovhannessian

Diseño de escenografía y vestuario:

Sabrina López Hovhannessian

Asistencia de arte y vestuario: Nicole Rufanacht

Realización de trastos: Mery Guglielmelli

Realización de mobiliario: Nicolás Winogrand

Josefina Perez Laudizo

Realización de Vestuario y Caracterización:

Nicole Rufanacht y Conrado

Ledesma

Diseño audiovisual:

Moreno Pereyra

Luciano Klinoff

Música original:

Sebastián Bauzá

Diseño de iluminación:

Claudio del Bianco

Diseño gráfico:

Agostina Demarchi

FUNCIONES:

Teatro Área 623

Pasco 623 - CABA

Viernes 20.30 h.

Max Czajkowski

Prensa y comunicación IG: @maxiczajkowski

40 años de El Excéntrico de la 18ª

En el marco de la celebración de los 40 años de El Excéntrico de la 18ª, Cristina Banegas retoma la temporada 2026 de sus 3 obras entrañables: «La bala de plata», los viernes a las 20.30h (desde el 12-6); «Molly Bloom», los sábados a las 20.30h (desde el 13-6); y «Proyecto Quevedo», los domingos - cada 15 días - a las 20.30h (desde el 21-6). Las entradas tienen un valor general de $22.000, disponibles a la venta por Alternativa.

LA BALA DE PLATA

Correspondencia entre J. D. Perón y J. W. Cooke

Una intervención político poética dedicada a Horacio González

“La bala de plata» es la reconstrucción documental de correspondencia entre John William Cooke y Juan Domingo Perón entre 1955 y 1966. Una conversación explosiva a lo largo de 11 años entre estos dos protagonistas de la historia social y política argentina. Cartas siempre clandestinas y expuestas a la sospecha de lo apócrifo.

MiráBA 154

El contenido dramático del montaje está en la fuerza gravitante de dos voces femeninas. Esas dos mujeres encarnan a los personajes reales y los trascienden también. Son las mediums que portan las voces de la historia.

Dice Graciela Camino, directora: “Elegimos la austeridad como guía en la construcción del dispositivo escénico, buscando lo esencial de la palabra y la fidelidad a la letra escrita, sin variaciones poéticas, porque consideramos que

el valor fundamental de esa correspondencia es la verdad histórica y es lo que queremos iluminar en esta puesta. Es una edición personal que intenta abarcar la totalidad de esa comunicación epistolar, en un periplo que traza una relación pasional y angustiosa, reflejo de la complejidad de un período histórico crucial y que construye nuevas resonancias en el presente».

«La bala de plata» re-estrena el 12 de junio, con funciones los viernes a las 20.30hs en El Excéntrico de la 18ª (Lerma 420, CABA), en el marco de los 40 años de creación de la sala. Entrada general a $22.000 disponibles a la venta por Alternativa.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Cristina Banegas: J.D. Perón

Karina Elsztein: J.W. Cooke

Diseño de Iluminación: Agnese

Lozupone

Música original: Ariel Naon

Diseño de flyer: Lautaro Parada Fotografía de escena: Marta

Fernández

Prensa: Prensópolis

Asistente de dirección: Tomás

Raele

Edición y Dirección: Graciela

Camino

Duración: 40 minutos

FUNCIONES:

Viernes a las 20.30h

El Excéntrico de la 18

Lerma 420, CABA

Entradas por Alternativa en la boletería del Teatro

SOBRE LAS ACTRICES

Cristina Banegas, actriz y directora, desde 1986 dirige su propio espacio teatral: El Excéntrico de la 18ª. En teatro, se destaca su labor en obras relevantes como “Woyzeck” de Georg Büchner, “Puesta en claro” de Griselda Gambaro, “El padre” de August Strindberg, “Antígona” de Sófocles, “Los invertidos” de José González Castillo, y “La señora Macbeth” de Griselda Gambaro, en casi 60 años de actividad. Ha trabajado con directores como Inda Ledesma, Alberto Ure, Iris Scaccheri y Pompeyo Audivert, entre otros. En el campo audiovisual, ha intervenido en innumerables ciclos televisivos y ha participado en más de 40 películas. Entre sus trabajos como directora se destacan: “La morocha. Tangos y poemas” (Musical-teatral), “El amor” de Daniel Guebel y Sergio Bizzio, “Sólo un aspecto” de Griselda Gambaro, y “Mater” de Vicente Zito Lema, entre otros. Como cantora, ha grabado Tangos y La criollez. Publicó también su primer libro y disco para niños: El país de las brujas. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas nominaciones y premios por todas sus actividades artísticas.

Karina Elsztein es argentina, nació en 1982, actriz y actriz de doblaje. Se formó en la

LAPLATA CABA

UNA (Universidad Nacional de las Artes), en el ISER y con diversos docentes de Teatro, Dirección, Clown, Canto, Danza y Percusión. Participó en obras de teatro como actriz, directora, productora y música en escena. Es co-fundadora de la compañía Harto Amarillo de Teatro y Performance.

SOBRE LA DIRECTORA

Graciela Camino es autora de la edición y dirige, la puesta en escena de «La bala de plata». El Excéntrico de la 18ª fue parte esencial en su camino artístico. Allí comenzó su experiencia como alumna y luego como entrenadora de grupos y directora de proyectos que fueron mudando de lugares y elencos. Entre sus trabajos como directora se encuentran: «Formas de hablar de las madres de los mineros» (1995), «Hechas contra el decoro» (2004), «Luminile» (2005), «Ranqueles» (2006), «La medida de la normalidad» (2007), además de otras experiencias como «Coronda en acción», realizada con la participación de actores y ex presos políticos de la cárcel de Coronda, que se estrenó en el Centro Cultural Ricardo Rojas y luego viajó por distintas ciudades del país.

Prensópolis

Comunicación y Prensa Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com

40 años de El Excéntrico de la 18ª

MOLLY BLOOM

“Volver a esa noche de insomnio de Molly

Volver a esa «puesta en boca» de un monólogo interior entrañable

Volver a actuar” - Cristina Banegas

“Molly Bloom” está basada en el último capítulo de la novela Ulises de James Joyce. Es un texto sin signos de puntuación, un río de palabras, imágenes, recuerdos, y canciones que Molly va asociando en esa noche de insomnio.

A 40 años de la creación de El Excéntrico de la 18ª, dice Cristina Banegas: «Celebrarlo haciendo Molly Bloom es, sin

duda, la fiesta más difícil. Porque no es solamente la «puesta en boca» del pensamiento de Molly, es traducir, interpretar la extraordinaria privacidad, el erotismo, la absoluta falta de censura con la que Molly piensa en su noche de insomnio. La libertad con la que expresa sus fantasías sexuales, sus teorías sobre los hombres, el amor. La intimidad de este monólogo interior, que Joyce inventa,

hace de Molly una Penélope liberada de la moral victoriana, que «empieza y termina con la palabra femenina Sí», según escribe Joyce en una carta . Y esta gran afirmación «femenina» es una celebración de la mujer. Una epifanía. Molly canta, recuerda fragmentos de canciones, se emociona, se ríe, se erotiza, se enoja. Molly es la música de la cabeza de una mujer. Por eso

fue dirigido por Carmen Baliero, una gran música”.

«Molly Bloom» re-estrena el 13 de junio, con funciones los sábados a las 20.30hs en El Excéntrico de la 18ª (Lerma 420, CABA), en el marco de los 40 años de creación de la sala. Entrada general a $22.000, disponible a la venta por Alternativa. cha técnico-artística

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Autoría: James Joyce

Adaptación: Ana Alvarado

Cristina Banegas

Laura Fryd

Traducción:

Cristina Banegas

Laura Fryd

Actúa:

Cristina Banegas

Diseño de Iluminación original:

Verónica Alcoba

Colaboración en escenografía:

Julieta Capece

Juan Teodoro

Asistencia de dirección:

Matías Macri

Diseño de iluminación en gira y producción general: Jorge Thefs

Productores asociados y distribución:

El Excéntrico de la 18ª, De la tía

Dirección de arte:

Juan José Cambre

Fotografía de escena:

Andrés Barragán

Andrés Manrique

Prensa: Prensópolis

Dirección:

Carmen Baliero

Duración: 60 minutos

FUNCIONES:

MOLLY BLOOM

Sábados a las 20.30h

El Excéntrico de la 18ª

Lerma 420, CABA

Las entradas tienen un valor general de $22.000, disponibles a la venta por Alternativa.

SOBRE LA ACTRIZ

Cristina Banegas. Actriz y directora, desde 1986 dirige su propio espacio teatral: El Excéntrico de la 18ª. En teatro, se destaca su labor en obras relevantes como “Woyzeck” de Georg Büchner, “Puesta en claro” de Griselda Gambaro, “El padre” de August Strindberg, “Antígona” de Sófocles, “Los invertidos” de José González Castillo, y “La señora Macbeth” de Griselda Gambaro, en casi 60 años de actividad. Ha trabajado con directores como Inda Ledesma, Alberto Ure, Iris Scaccheri y Pompeyo Audivert, entre otros. En el campo audiovisual, ha intervenido en innumerables ciclos televisivos y ha participado en más de 40 películas. Entre sus trabajos como directora se destacan: “La morocha. Tangos y poemas” (Musical-teatral), “El amor” de Daniel Guebel y Sergio Bizzio, “Sólo un aspecto” de Griselda Gambaro, y “Mater” de Vicente

Zito Lema, entre otros. Como cantora, ha grabado Tangos y La criollez. Publicó también su primer libro y disco para niños: El país de las brujas. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas nominaciones y premios por todas sus actividades artísticas.

SOBRE LA DIRECTORA

Carmen Baliero es compositora de música experimental y música popular, con una destacada discografía y trabajos premiados para teatro, cine y danza. Es además docente de composición y desarrolla talleres teóricos y prácticos de composición, de música y para la voz en el teatro, tanto en Argentina como en el exterior. Fue ganadora de los premios Florencio Sánchez y Trinidad Guevara por la música de “El niño argentino” y ganadora del Premio A.C.E. por la música de la obra ”¿Quién le teme a Virginia Woolf?”. En 2005 grabó Las centésimas del alma, su quinto disco, editado por Acqua Records (2015).

PRENSA: Prensópolis Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com

40 años de El Excéntrico de la 18ª

PROYECTO QUEVEDO

“Proyecto Quevedo” es una performance basada en sonetos y poemas satíricos de Quevedo Francisco de Quevedo, realizada por Cristina Banegas sobre una gran mesa de cristal que perteneció a su madre. Nelly Prince.

La obra cuenta con la dirección de Jorge Thefs y música en vivo a cargo de la cellista Lucía Gómez.

Relata Cristina Banegas:

“Sobre la mesa de cristal de 2,60 metros de la casa de mi madre propuse hacer sobre ella sonetos y algunos poemas satíricos de Quevedo: una partitura abismada. Tal vez en estos tiempos, oscuros la poesía

MiráBA 158

sobre un cristal sea un acto de resistencia inquebrantable, una epifanía sobre fondo del horror”.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Selección de poemas:

Carlos Gamerro

Cristina Banegas

Colaboración artística y de movimiento:

Rosario Ruete

Colaboración en vestuario: Chu Riperto

Asistente de producción:

Juliana Ortiz

Diseño de iluminación:

Jorge Pastorino

Diseño sonoro y música en escena: Lucía Gómez

Fotografía de escena:

Ale Carmona

Prensa: Prensópolis

Performer e idea:

Cristina Banegas

Dirección general y producción general:

Jorge Thefs

LAPLATA CABA

FUNCIONES:

Domingos a las 20.30h.

Funciones: 5 y 19 de julio (a confirmar por mundial), 9 y 23 de agosto

El Excéntrico de la 18ª Lerma 420, CABA

Entradas por Alternativa en la boletería del Teatro

Duración: 60 minutos

SOBRE LAS PERFORMERS

Cristina Banegas. Actriz y directora, desde 1986 dirige su propio espacio teatral: El Excéntrico de la 18ª. En teatro, se destaca su labor en obras relevantes como “Woyzeck” de Georg Büchner, “Puesta en claro” de Griselda Gambaro, “El padre” de August Strindberg, “Antígona” de Sófocles, “Los invertidos” de José González Castillo, y “La señora Macbeth” de Griselda Gambaro, en casi 60 años de actividad. Ha trabajado con directores como Inda Ledesma, Alberto Ure, Iris Scaccheri y Pompeyo Audivert, entre otros. En el campo audiovisual, ha intervenido en innumerables ciclos televisivos y ha participado en más de 40 películas. Entre sus trabajos como directora se destacan: “La morocha. Tangos y poemas” (Musical-teatral), “El amor” de Daniel Guebel y Sergio Bizzio, “Sólo un aspecto” de Griselda Gambaro, y “Mater” de Vicente Zito Lema, entre otros. Como cantora, ha grabado Tangos y La criollez. Publicó también su primer libro y disco para niños: El país de las brujas. A lo largo de

su carrera ha recibido numerosas nominaciones y premios por todas sus actividades artísticas.

Lucía Gómez es cellista, compositora y actriz. Estudió cello con Rafael Delgado, Jorge Pérez Tedesco y Stanimir Todorov. Posee una Tecnicatura en Violoncello del Conservatorio Astor Piazzolla y estudió actuación en el estudio de Alejandro Catalán. Participó en varios espectáculos teatrales y circenses como “Proyecto Quevedo”, “Las lágrimas de los animales marinos”, “La mujer fantasma”, “Les Reyes”, “Sanos y Salvos”, “La Sangre de los Árboles”, “Bossi Master Show” y “Tierra Partida”. Trabaja como sesionista para cine, TV y bandas y artistas locales, tanto en vivo como en estudio.

SOBRE EL DIRECTOR

Jorge Thefs es performer, bailarín, director, productor y diseñador de iluminación. Es director de actores y puestista egresado de la EMAD; Maestrando en teatro y artes performáticas

por la UNA. Entre sus trabajos más reconocidos está “Carne de consumo personal” de su autoría y dirección, declarada de interés cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación y ganadora de la Bienal de Arte Joven 2021-2022. Trabajó en más de 60 producciones en diferentes roles. Su trabajo se enmarca dentro la investigación sobre teatro performático, con piezas basadas en recorridos biográficos y de carácter documental, y otras fundadas a partir de textos no dramáticos. En 2025, fue nominado por su trabajo en “Las lágrimas de los animales marinos” como revelación a los premios Martín Fierro de Teatro 2025 y ganador del Maria Guerrero 2024 como mejor actor de reparto por la misma obra. Además en estos últimos, estuvo nominado como mejor adaptación por “Salvar el fuego”, por su versión de “Las cosas que perdimos en el fuego” de Mariana Enriquez.

Prensópolis

Comunicación y Prensa

Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com

Reestrena en Ítaca Complejo Teatral

Verona de Claudia Piñeiro, reestrena en Ítaca Complejo Teatral

El viernes 3 de julio reestrena Verona, la reconocida obra de Claudia Piñeiro, con funciones todos los viernes de julio y agosto a las 20 h en Ítaca Complejo Teatral (Humahuaca 4027, CABA).

Con dirección de Cristina Osses y actuaciones de Laura López, Mariana Escobar O’Neill y Cristina Osses, junto a Carlos Andelique en voz en off, la obra aborda, con humor, tensión y sensibilidad, los vínculos familiares, el paso del tiempo y los desafíos que atraviesan los adultos mayores dentro de las dinámicas familiares contemporáneas.

Durante el cumpleaños número 80 de una madre, tres hermanas quedan encerradas en un baño mientras afuera sucede algo que podría cambiarlo todo. Entre secretos, miedos y tensiones acumuladas, Verona despliega una mirada profundamente humana sobre la familia, la vejez, los cuidados y los vínculos afectivos.

Verona es una de las piezas teatrales más emblemáticas de Claudia Piñeiro —autora de gran reconocimiento nacional e internacional— y vuelve a escena en una nueva versión íntima y contemporánea.

MiráBA 160

LAPLATA CABA

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia:

Claudia Piñeiro

Dirección:

Cristina Osses

Diseño de escenografía:

José Escobar

Realización de escenografía: Agustín Yoshimoto

Vestuario:

Umbral Producciones

Fotografías: Henry Meziat

Diseño gráfico: Pablo Nuch

Agradecimiento:

Bárbara Marcilese

Prensa:

TEHAGOLAPRENSA

Duración: 45 minutos

FUNCIONES:

Viernes 20 h. – Julio y Agosto

ITACA COMPLEJO TEATRAL

Humahuaca 4027, CABA

Entradas: $22.000 / Estudiantes y jubilados $18.000

Duración: 45 minutos

Entradas $22.000 – Estudiantes y jubilados $18.000

Cristina Martínez Osses

Es actriz, directora teatral y docente con una amplia trayectoria en el ámbito artístico y educativo. Se formó con reconocidos maestros como Pedro Aleandro, Luisina Brando, Berta Goldenberg, Roxana Randón y Julio Chávez, además de haber cursado estudios en la Escuela de Comedia Musical

Julio Bocca y Ricky Pashkus. Como actriz, participó en obras

de autores como Woody Allen, Fontanarrosa, Pirandello, Griselda Gambaro, Jacobo Langsner y Humberto Constantini, entre otros. En su faceta como directora, llevó adelante trabajos como Cuando ellos se van y Ojal sin botón, y también participó en el proyecto internacional Teatro sin fronteras, actuando en línea con artistas de España, Perú y Argentina.

En el ámbito docente, trabajó en instituciones como Citibank, la Escuela de Comedia Musical

Julio Bocca, el estudio de Ricky Pashkus y el Estudio de Entrenamiento Actoral de Julio Chávez.

Mariana Escobar O’Neill

Es actriz y cantante con una sólida formación y una extensa experiencia tanto en televisión como en teatro y música. Se entrenó con destacados maestros como Raúl Serrano, Alberto Ure, Augusto Fernandes, Ricardo Bartis, Ernesto Dominguez, Joe Morris y, Julio Chávez. u

Desde 1982 se dedica también al canto, habiéndose especializado en la técnica Bellcanto con Susana Rossi, y desarrollando su carrera vocal en géneros como el rock, pop, jazz y música latinoamericana, tanto como solista como en bandas.

En televisión, trabajó en programas como Zona de Riesgo, Mi cuñado, Chiquititas, Los Machos, y en producciones de Polka como Verdad y consecuencia y Primicias. En cine, participó en Lola Mora, y en teatro, en la obra Verona. Actualmente, también se dedica a la docencia en técnica vocal.

Laura Patricia López

Es una artista escénica en constante formación, interesada en la diversidad de lenguajes que ofrece el teatro. Se ha desempeñado como actriz en obras como Martha Stutz de Javier Daulte, presentadas en espacios como el Centro

Cultural Espacios y el Teatro Plaza de San Martín. Su formación artística abarca disciplinas como danzas árabes, danza jazz y teatro musical, entrenándose con docentes como Verónica Rabufetti, Samir Abut, Gabriel Milani, Pepe Cibrián y Antonela Chiussi. Completó además talleres intensivos de actuación frente a cámara, iluminación teatral, improvisación y dirección escénica, y continúa su formación en el Estudio de Julio Chávez, donde también ha sido alumna de Cristina Osses.

Carlos Andelique

Es actor y artista plástico, con una trayectoria vinculada al cruce entre las artes escénicas, la escultura y las intervenciones visuales. Actualmente se forma en el Estudio de Entrenamiento Actoral de Julio Chávez, donde profundiza su trabajo en actuación, improvisación, expresión corporal, dirección

teatral y escenografía.

Su recorrido artístico incluye experiencias en montaje escénico, iluminación, proyección de imágenes e intervenciones espaciales con artes mixtas, integrando disciplinas como la vitrofusión y la escultura en hierro. También ha participado en obras teatrales y propuestas performáticas de carácter colaborativo, explorando la improvisación en espectáculos y eventos.

Como artista visual, desarrolla trabajos en vidrio y hierro, orientados a la construcción de escenas y atmósferas escénicas, combinando sensibilidad plástica y lenguaje teatral.

@obrateatralverona

@itacacomplejoteatral

@obrateatralverona

@itacacomplejoteatral

TEHAGOLAPRENSA

https://www.tehagolaprensa. com.ar/blog/

Teatro Municipal Coliseo Podestá ALEJANDRA UNA PERFORACIÓN A CIELO ABIERTO

Martín Rechimuzzi vuelve al Teatro Municipal Coliseo Podestá con “Alejandra: una perforación a cielo abierto”, su primer espectáculo unipersonal, una propuesta que combina humor, emoción y una profunda mirada sobre la condición humana.

La función será el viernes 10 de julio, a las 21 horas, las entradas están a la venta en la boletería del Teatro y en www.plateanet. com

Inspirada en una experiencia personal y en un proceso de investigación que recupera testimonios de personas que atravesaron instituciones de encierro, la obra invita a reflexionar sobre la salud mental, los prejuicios y las historias que, durante mucho tiempo, permanecieron invisibilizadas.

A lo largo de tres actos, y enmarcado en un típico cumpleaños de 15, el relato transita con sensibilidad un universo donde lo íntimo se entrelaza con lo social y lo político.

Con una dramaturgia que interpela al público desde el humor y la reflexión, “Alejandra: una perforación

a cielo abierto” propone un recorrido tan conmovedor como actual, invitando a repensar las formas en que miramos y comprendemos a los demás.

Idea original e intérprete: Martín

Rechimuzzi

Puesta en escena: Melisa

Zulberti

Diseño digital y op video: Lolo

Armendariz

Montaje: Lucia Seles

Músico en vivo: Duo Acuarela

Adaptación de luces: Juan

Pozzo

Vestuario: La Polilla

Diseño Gráfico: Alejandro Ros

Fotografía: Marcelo Setton

Producción ejecutiva y stage

Manager: Nico Ventura

Producción general: Joaquin

Laviaguerre - Bautista

Laviaguerre

Teatro Municipal Coliseo Podestá Calle 10 Nro. v e/46 y 47 La Plata.

www.coliseopodesta.laplata.gob. ar

PROGRAMACIÓN DE JULIO

Sociedad Literaria Mulanas Miércoles, 1 de Julio 15:00 - 16:30 hs

Un ciclo de encuentros que recupera, interpreta y resignifica la obra de escritoras latinoamericanas que desafiaron su época, abriendo camino en la literatura, el pensamiento y la vida.

Cada encuentro se organiza en torno a un eje —las primeras novelistas, las poetas pioneras, las voces políticas, lo gótico, lo íntimo— y combina relato, lectura, contexto histórico y reflexión colectiva. No se

MiráBA 164 MiráBA 164

trata solo de literatura, sino de recuperar voces que escribieron en los márgenes, muchas veces en tensión con su tiempo, y que hoy nos permiten pensar quiénes somos. La propuesta está dirigida a un público interesado en la literatura, la historia y los procesos culturales, en un formato cercano, dinámico y participativo.

FORMATO DEL CICLO ●

Encuentros quincenales ● Duración: 2hs ● Modalidad: - relato interpretadolecturas seleccionadascontextualización histórica - intercambio con el público - Selección de lecturas contemporáneas afines a la temática (Mariana Enríquez, Selva Almada, Samantha Schweblin, etc.) - escritura experimental (escritura sanadora)

Coordina: Emilia Zavaleta

MODALIDAD DE PAGO Cada ciclo cuenta con tres encuentros. Valor del ciclo: ARS 180.000

Valor de cada encuentro: ARS 75.000 Incluye una consumición

Monólogos de la Canción Jueves, 2 de Julio 21:00 - 23:30 hs

“Toda canción tiene una historia y toda historia puede ser una canción”.

Un concierto conectado por la palabra, donde conviven las historia que inspiraron las canciones, los recuerdos, anécdotas que acompañan ciertas canciones y vivencias. Cuentos, y canciones unidos y entrelazados, en un repertorio de diferentes épocas y géneros, pero que tienen y buscan un mismo fin, un mismo mensaje,

en la Biblioteca Café.

un mismo sueño, El encuentro, el arte y la transformación. Como resultado del armado de este show se gestó el repertorio del nuevo disco que acaba de ver la luz y que se encuentra presentando 2D de Cada “20 años con la música”.

Entradas $15.000 anticipadas, en la sala $20.000 sólo en efectivo.

Show con Cena a la Carta Consumición mínima $15000

Abrimos las puertas a las 21h

ARGENTINA vs CABO VERDE Viernes, 3 de Julio 19:00 - 21:00 hs

Compartimos el partido ARGENTINA vs CABO VERDE a las 19h en pantalla grande. ¡Te invitamos a escuchar JAZZ antes y después del partido!

Martín Delp & the velvet groove

Viernes, 3 de Julio

El quinteto liderado por el cantante Martín Delp encara con

versiones propias repertorio que va desde el jazz hasta el Neo soul.

Jazz, soul and funk. George Benson, Stevie Wonder, RH Factory, Earth Wind and Fire, entre otros.

¡Partido y show!

Abel Rogantini piano

Athos García batería Leo Álvarez guitarra

Gonzalo Aldas bajo Martín Delp voz y guitarra

Consumición mínima $15000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

MareMium Grandes

Encuentros

Sábado, 4 de Julio

17:00 - 19:15 hs

Poesía y Música

Coordinan Bibi Albert / María

Laura Coppié

Poetas Invitad@s Lea Teitelman, Mónica Angelino, José Luis

Frasinetti, Daniela Zeitune y Raúl Feroglio con Verbena Alucinada

Entrada Libre

Consumición Mínima $12000

Ingreso a la sala 17h Comienzo de la lectura 17:30

Almalusa - Casa de Fados

Sábado, 4 de Julio

21:00 - 23:30 hs

En esta 11° temporada, Almalusa presenta su ya clásico espectáculo de fados y música portuguesa, con un intenso recorrido por el fado que nos permitirá sumergirnos en la

PROGRAMACIÓN DE JULIO

calidez y la intimidad del género.

Integran Almalusa: María Laura Rojas y Dulio Omar Moreno voz, Juan Pablo Isaía guitarra portuguesa, Pablo Moro guitarra, Ignacio Long contrabajo.

Almalusa Ha sido declarada de Interes Cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires

Consumición mínima $15000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Il Temperamento Domingo, 5 de Julio 17:00 - 19:30 hs

MiráBA 166 MiráBA 166

En esta ocasión “Il

Temperamento ¨ nos cuenta que pasaba socialmente en Francia entre 1650 y 1780 y cómo el arte musical acompañó ese periodo , escucharemos obras de los compositores J B de Boismortier , F de Couperin , J Hoteterre ,M Blavet ,M A Charpentier y J D Braun los mayores representantes del movimiento musical de ese momento interpretados por instrumentos originales que nos llevarán en un viaje a través del tiempo a la sonoridad de su época…

Fernando Quiroga traverso barroco

Teresa Fainstein Day cello barrroco

Maria Eugenia Marchionni clave

Show y merienda

Consumición mínima $15.000

Abrimos las puertas a las 17h

Noelia Sinkunas presenta Las Cuatro Estaciones Miércoles, 8 de Julio 21:00 - 23:30 hs

Nuevo Disco Solista.

La premiada pianista y compositora presenta un ciclo dedicado al piano y la improvisación libre, donde recorrerá el tracklist de su quinto material discográfico y presentará invitados especiales en 4 conciertos dedicados a cada estación del año.

Noelia Sinkunas dice: “Piano solo somos vos y yo. Y muchas almas atrapadas en tu siglo. Vibro con ellas para que vivan conmigo. Me devuelvan”.

En una sesión de improvisación libre de solo piano, con cuatro composiciones que evocan climas, paisajes y texturas,

Noelia Sinkunas profundiza así su búsqueda musical o salto al vacío, realizando un gesto de versatilidad que la acerca al jazz contemporáneo.

I. Constitución: La génesis.

II. Flores: La transición.

III. La Plata: El regreso.

IV. Retiro: Adiós Nonino.

Consumición mínima $12000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Pablo Renom Cuarteto Jueves, 9 de Julio 21:00 - 23:30 hs

El cuarteto presenta su primer disco de composiciones propias “Espíritu».

Lucas Goicoechea saxo

Matías Dabanch piano

Hernán Cassibba contrabajo

Pablo Renom batería y composición.

Entrada anticipada $20.000

Consumición mínima $15.000

Ingreso a las 21h

Las Escobas interpretan a Oscar Alemán Viernes, 10 de Julio 21:00 - 23:30 hs

El proyecto nace en 2017 con el objetivo de abordar y difundir la obra de grandes referentes de la guitarra argentina, desde una mirada actual y con arreglos propios. En 2020 se consolida la formación de dos guitarras y contrabajo y adopta el nombre “Las Escobas”, término con el que Carlos Gardel se refería a sus guitarristas. El grupo desarrolla una estética sonora precisa y expresiva, donde conviven el tango, el jazz, el swing y la música argentina, combinando tradición, virtuosismo y trabajo camerístico.

Marcos Monk guitarra

Gastón Ruiz guitarra Facundo Tudisco contrabajo. Jorgelina Alemán cantora invitada

Entradas anticipadas $15.000 Consumición mínima $15.000

Ingreso a la sala a las 21h

CABA

Hard Bop 7tet

Sábado, 11 de Julio 21:00 - 23:30 hs

Interpretarán composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros más.

Gustavo Cortajerena - trompeta Ariel Domínguez - saxo alto Sebastian Marcial - saxo tenor Gonzo Pérez - trombón Dante Carniel - piano Fran Nava - contrabajo Camilo Zentner - batería

Consumición mínima $15000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Recital de Canzoni Italiane e Napoletane

Domingo, 12 de Julio 17:00 - 19:30 hs

Leonardo Pastore y Tomás

PROGRAMACIÓN DE JULIO

Ballicora

El tenor Leonardo Pastore y el pianista Tomás Ballicora interpretan las más célebres canciones del repertorio italiano y napolitano de los grandes tenores del pasado.

Obras de Tosti - Gastaldón -Falvo -De curtis -Cardillo -Denza -Valente -Tagliaferri entre otros.

Consumición mínima $12.000

De Cuba con amor Domingo, 12 de Julio 20:30 - 23:00 hs

MiráBA 168

Una oportunidad para asomarse a la belleza de la música cubana. Con la emotividad de quien ha crecido con estas canciones y la libertad de la improvisación en el jazz, crean un diálogo novedoso entre la tradición y el lenguaje contemporáneo.

Eli Monteagudo voz

Diego Mark piano

Nicanor Suárez contrabajo

Gabriel Spiller batería

Entradas anticipadas $20.000

Consumición mínima $12.000

Ingreso a la sala 20:30h

Lucas Chamorro & Ignacio Montoya Carlotto Jueves, 16 de Julio 21:00 - 23:30 hs

El armonicista Lucas Chamorro y el pianista Ignacio Montoya Carlotto presentan un concierto donde el folklore, el tango y el jazz se encuentran en un diálogo creativo atravesado por la improvisación.

A través de una formación poco habitual —armónica cromática y piano—, el dúo construye un universo sonoro de gran riqueza tímbrica y expresiva, combinando composiciones

originales, versiones especialmente concebidas para este formato y obras de Pausas (2023), la más reciente producción discográfica de Chamorro.

Una propuesta artística singular que reúne sensibilidad, virtuosismo y libertad creativa, en un recorrido musical que invita a descubrir nuevos cruces entre la tradición popular y la improvisación contemporánea.

Entradas anticipadas $20.000

Consumición mínima $15.000

Ingreso 21h

Elda y Lucas

Viernes, 17 de Julio 21:00 - 23:30 hs

Entre libros, café y un piano de cola, Elda y Lucas proponen un encuentro íntimo donde la canción se vuelve escena.

Desde boleros a la chanson francesa, una noche para escuchar de cerca y habitar el tiempo suspendido de las grandes canciones.

Derecho a Show $ 20000

Consumición mínima $15000 Show con Cena a la carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Leo Pastore A solas Sábado, 18 de Julio 17:00 - 19:30 hs

Leo Pastore A solas

Un concierto íntimo donde Leo Pastore, acompañado de su guitarra, repasa las canciones que marcaron su vida, junto a la cantante invitada María Cecilia Aquino.

Consumición mínima $12000 Merienda y cosas ricas Ingreso a las 17. A las 17:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Parlami D’Amore Sábado, 18 de Julio 21:00 - 23:30 hs

Parlami d’Amore Canciones de la Italia Romántica - NovenaTemporada Porque el amor nos salva,

CABA

porque el amor nos eleva, porque el amor nos transforma.

Hablemos de amor! Soñamos, sufrimos y vibramos con las más bellas canciones y canzonettas de todos los tiempos. La soprano Susana Sánchez Laganá y el tenor Rodrigo Charmiello. nos llevan a recorrer los tiempos de Modugno, Di Bari, Zanicchi ó nos traen imágenes de Cinema Paradiso y El Padrino sin dejar de volar con Bellini ó Tosti. Acompañan otros dos fanáticos del amor: Ezequiel Dalairac al piano y Simón Martins en violín.

Consumición mínima $15000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Matías Llopis Cuarteto Jueves, 23 de Julio 21:00 - 23:30 hs

El cuarteto de jazz liderado por el guitarrista y compositor Matias LLopis presenta

PROGRAMACIÓN DE JULIO

composiciones propias sin perder de vista la tradición del estilo, desde el swing al hard bop, con melodías originales que pronto serán grabadas.

Matías LLopis guitarra y composición

Juan Picotto piano

Agustín Sánchez Adamo contrabajo

Claudio Risso batería @matias_llopis

Consumición mínima $15000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Canciones de tango y otras yapas

Viernes, 24 de Julio 21:00 - 23:30 hs

Canciones de tango y otras yapas acústico

Rodrigo Charmiello voz

Ezequiel Dalairac piano

Entrada anticipada $20.000

Ingreso a la sala: 21h

Consumición mínima $15.000

Carolina Santos canta Brasil

Sábado, 25 de Julio 17:00 - 19:30 hs

Destacados músicos de la

escena actual interpretan clásicos y joyas del repertorio de bossa nova y samba jazz, con arreglos frescos y una interpretación cuidada que honra la tradición y aporta una mirada contemporánea.

El grupo está integrado po Broder Bastos bajo, guitarra y voz, Luis Philippe guitarra y arreglos, Esteban Blanca batería, Alejandro Santos flauta y Carolina Santos voz

Una propuesta ideal para amantes del jazz, la música latinoamericana y quienes buscan una noche diferente, cargada de sensibilidad y belleza.

Consumición mínima $15.000 Ingreso a la sala 17h

Cantar La Justa - Varieté Musical Sábado, 25 de Julio 21:00 - 23:30 hs

Irina Hauser, Patricia Malanca y Federico Mizrahi

MiráBA 170

MiráBA 170

Un encuentro musical en un clima distendido con relatos de periodismo judicial, ideales de justicia social, canciones, humor y reflexiones.

Consumición mínima $15000

Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Claudia Vidal presenta Flor de Tango

Domingo, 26 de Julio 13:00 - 15:30 hs

7 cantores y cantoras invitadas

Norma Sosa, Raúl Ceva, Yolanda Maijen, Sergio Quiroga,

Mariana Speziale, Dorotea Jeshen, Negra Foti, Claudia Vidal

Programación y dirección: Miguel Pereiro

Entradas anticipadas $15.000

Consumición mínima $15.000

Ingreso a la sala a las 13h

Garbo y señorío de España. Zarzuela, poesía y copla Domingo, 26 de Julio 17:00 - 19:30 hs

Isabel Minguez, canto

Gerardo Delgado, piano Eric de America, baile

Ingreso a la sala: 17h

Consumición mínima $12.000

Merienda y cosas ricas

Noche de tango con Sol Rizzo Domingo, 26 de Julio

20:30 - 23:00 hs

Un show con tangos contemporáneos y clásicos, en un formato íntimo y sensible que también incluye momentos instrumentales.

Sol Rizzo se presenta junto a Analía Goldberg en piano y Martín Cecconi Di Menna en bandoneón @solrizzo_ @analiagoldbergok @martincecconidimenna Pau Viguer Trío Miércoles, 29 de Julio 21:00 - 23:30 hs

En 2023, el pianista y compositor valenciano Pau Viguer llegó a Buenos Aires con su trío y lo que sucedió en escena quedó grabado: nació ‘En vivo en Argentina’, su séptimo disco. En julio y agosto de 2026 regresa con los mismos músicos — Santiago Hernández en batería y Federico Palmolella en contrabajo— para presentar ese álbum en vivo ante el público que fue parte de su historia.

La propuesta cruza jazz contemporáneo, música mediterránea e improvisación. Un universo sonoro íntimo y profundamente emocional, con

MiráBA 171

PROGRAMACIÓN DE JULIO

influencias que van de Bill Evans a Chick Corea, del flamenco al blues, de Jobim a Hiromi. A ese repertorio se suman dos temas nuevos: ‘En Otra Vida’ y ‘Mis Razones’, piezas que interpelan desde lo personal hacia lo colectivo.

Ingreso a las 21h Show con cena a la carta Consumición mínima $15.000

Sónico Tío Vocal Viernes, 31 de Julio 21:00 - 23:30 hs

Sónico es un trío vocal formado en 2025 con el propósito de explorar y

172

reinterpretar la música popular contemporánea desde una perspectiva amplia, inclusiva y profundamente latinoamericana. Su propuesta artística se define por la transversalidad generacional de sus integrantes —de 20, 46 y 61 años— y por un repertorio que dialoga con distintas épocas, geografías y estilos musicales.

El grupo aborda obras de autores consagrados de Argentina, Uruguay y Brasil, así como canciones de otras fronteras culturales y composiciones originales. Entre los nombres que integran su universo sonoro se encuentran Jorge Drexler, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Chico César, Luis Alberto Spinetta, Paul McCartney, Charly García, Tom Jobim, Luis Sampaoli y Gustavo Braga, entre otros.

Sónico interpreta su música a capella o con acompañamiento de piano, guitarra y elementos electrónicos, siempre con

arreglos originales propios que resignifican las piezas desde una mirada actual. El trío se encuentra actualmente en etapa de preproducción de su primer álbum homónimo, cuyo lanzamiento está previsto para 2026 en plataformas digitales.

Paloma Charpentier soprano (20)

Laura Rojas contralto (46) Gustavo Braga barítono (61) piano, guitarra, arreglos y dirección musical

Malena Arcuri visuales (26) visuales

Entradas anticipadas

$18.000

Consumición mínima $15.000

Ingreso a la sala 21h

El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de JULIO

El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la programación de julio, un mes que ofrecerá una variada propuesta artística para todas las edades y que tendrá como eje las vacaciones de invierno, con espectáculos infantiles, teatro, música y humor.

Entre las actividades destacadas se encuentra Un Circo de La Gran 7, con tres funciones con entrada gratuita, además de una amplia programación para disfrutar en familia que incluye Canticuénticos, Las Guardianas Kpop, Juguetes en apuros y Sonico Recargado,

entre otras.

La cartelera también ofrecerá otras propuestas como la presentación de Martín Rechimuzzi y su espectáculo Alejandra: una perforación a cielo abierto, el show de stand up de Lucas Lauriente, Héroe Lírico & Pop y las funciones en la Sala China Zorrilla con la obra Acassuso y el concierto de Lucas Hargous con El naranjo siberiano.

Asimismo, continuará Laberinto Podestá, el último aplauso, la experiencia teatral inmersiva de producción propia que cada lunes convoca al público con localidades agotadas. La propuesta recorre los rincones del teatro entre la historia, la ficción y la memoria, recuperando el legado de la familia Podestá. Las funciones son gratuitas, con cupos limitados, y las entradas se retiran por boletería.

LACABAPLATA

Todos los lunes, a las 20:30 h LABERINTO PODESTÁ, EL ÚLTIMO APLAUSO

Apta + 13 años Entrada gratuita, cupos limitados, se retiran por boletería.

IMPORTANTE: Ante la alta demanda de entradas, se recuerda que el retiro de tickets se realiza el día martes anterior a las funciones, a partir de las 10 de la mañana y hasta agotar el cupo disponible. La boletería del teatro atiende de martes a domingos, de 10 a 20 h.

En el marco de los 140 años del Coliseo Podestá, esta obra adquiere un significado especial por tratarse de la primera producción integral realizada con recursos propios del Teatro. “Laberinto Podestá, el último aplauso” es un viaje nocturno, sensorial. Murmullos antiguos y pasos sin dueño. El eco de una historia que se niega al olvido. Este espectáculo cruza mito y memoria, atraviesa fantasía y realidad, invocando ese lado no visible del teatro donde conviven fantasmas, arte y vida con

presencia de la familia Podestá. Una experiencia íntima, poética y estremecedora, donde el espectador se convierte en testigo de aquello que aún late entre paredes. Veinte artistas locales, le dan vida a esta ficción basada en hechos reales. Dramaturgia, dirección y puesta en escena: Claudio Rodrigo / Juan Pablo Thomas. Idea original: Silvina De Micheli. Producción general: Alejandra Bignasco. Producción integral: Teatro Municipal Coliseo Podestá.

Elenco: Luna Benaglia, Juan Camiletti, Juliana Colli, Carolina Cremonte, Edgardo Desimone, Leandro Etchegaray, Santiago Franco, Luciano Guglielmino, Joaquín Merones, Lucía Pérez

Martins, Miguel Retamar, Franco Santoro, Cintia Silveyra D´avila, Florencia Verón. Dirección de arte, ambientación y vestuario: María Oswald Caracterización, asistencia de vestuario, arte y ambientación: Flor Gangoiti.

Diseño lumínico ambiental: Federico Genovés Asistencia y operación técnica: Leira Lattaro/ Pedro Reinoso Música original: Luciano Guglielmino Diseño de sonido en vivo: Luciano Guglielmino/ Leandro Etchegaray Sonido en tiempo diferido: Daniel Reinoso

Fotografía: Sol Sabato Diseño gráfico: Estanislao Massigoge.

Jueves 2, a las 20:00 h

ACASSUSO, del Grupo Teatral Amadeus

Comedia dramática/ Apta + 18 años. Sala China Zorrilla

Acassuso de Rafael Spregelburd es una producción que gira en torno a un grupo de maestras de una escuela primaria en el conurbano bonaerense, que se ven influenciadas por la noticia de un robo histórico en el Banco Río de Acassuso. Dirección: Juan Pablo Parodi.

La obra explora la fantasía, la realidad, el heroísmo y las frustraciones en el ámbito educativo. Abandonadas a su suerte, deciden replicar el robo en su escuela, lo que desencadena una serie de situaciones delirantes y grotescas. La obra muestra cómo la imaginación y la realidad poco coinciden, y cómo las maestras deben resistir en un entorno desafiante.

Viernes 10, a las 21:00 h

ALEJANDRA: UNA

PERFORACIÓN A CIELO

ABIERTO, con Martín Rechimuzzi

Comedia/ Apta + 13 años

Martín Rechimuzzi, talentoso politólogo y artista argentino, se presentará nuevamente en el Teatro Municipal Coliseo u

El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de JULIO

Podestá.

Alejandra, una Perforación a Cielo Abierto es una comedia teatral en 3 actos sobre las distintas formas que puede cobrar la locura. A partir de su propia historia reciente, Martín Rechimuzzi escenifica el delirio que sucede al interior de muchas familias en la actualidad.

Enmarcado en un típico cumpleaños de 15 en un salón del conurbano bonaerense e interpelando a la razón y la locura en tiempos modernos, los diferentes personajes interpretados oscilan entre la risa y la nostalgia, invocando en forma festiva a los presentes y los ausentes.

Jueves 16, a las 20:00 h

LUCAS HARGOUAS

PRESENTA EL NARANJO SIBERIANO

176

Recital/ATP + 2 años. Sala China Zorrilla

Un naranjo que florece en la nieve. Una noche en que lo imposible echa raíz; lo improbable, hecho fiesta. Esta noche Lucas Hargouas abre las puertas de El Naranjo Siberiano y no lo hace solo, lo celebra con sus miembros, invitados y bailarinas, con todo lo que una canción puede dejar de ser para convertirse en un encuentro.

Vas a entrar tapado y vas a salir encendido. Vení a ver florecer lo que, incluso en el frío platense, insiste en dar fruto.

Martes 21, Jueves 23 y sábado 25, a las 16 h UN CIRCO DE LA GRAN 7

Infantil/ATP. Entrada libre y gratuita. Ingreso por orden de llegada hasta colmar la capacidad de la sala

La compañía de La Gran 7 llega

al Teatro Municipal Coliseo Podestá con Un Circo de La Gran 7, una propuesta de circo teatro para toda la familia que combina humor, acrobacias, malabares y una entrañable historia de amor.

El espectáculo recupera el espíritu del circo ambulante y lo transforma en una experiencia de encuentro, celebración y asombro.

Una compañía de circo trashumante llega con su función a cuestas recorriendo pueblos y barrios. Junto a su excéntrico presentador, un payaso de pista y un grupo de artistas multifacéticos, la historia avanza entre destrezas, torpezas y situaciones inesperadas.

Pero en medio de la función surge una historia que lo cambia todo: el amor entre

el payaso y la acróbata. Ese vínculo comienza a atravesar cada número, sumando nuevas emociones, complicidades y desafíos a la escena.

Con una puesta dinámica, sensible y llena de ritmo, Un Circo de La Gran 7 invita a disfrutar de una experiencia artística para todas las edades, donde el clown, la acrobacia y los malabares se combinan para celebrar el poder del encuentro y la imaginación.

La obra, dirigida por Diego Aroza, es el resultado de más de diez años de trabajo colectivo, investigación y formación artística desarrollados en el espacio cultural La Gran 7 Arte y Cultura.

Dirección: Diego Aroza. Intérpretes: Estefanía Apas, Verónica Piana, Agustín Cura y Diego Aroza. Vestuario: Eliana Simonazzi.

Miércoles 22, a las 15 h LAS AVENTURAS DE MARIO, SUPER HÉROES AL RESCATE

Infantil/ ATP

Una nueva aventura llena de

emoción, héroes y desafíos está lista para conquistar a grandes y chicos. Las aventuras de Mario: Superhéroes al rescate presenta una historia épica donde nuestros valientes protagonistas se embarcan en una increíble misión para rescatar a la princesa y salvar el reino de las garras de un malvado villano que busca dominar el universo. Acompañados por un simpático amigo de rugido amistoso, los héroes viajarán a través de distintos planetas y galaxias, enfrentando peligrosos desafíos y sorprendentes enemigos en una carrera contra el tiempo para devolver la paz al cosmos. La historia combina acción, aventura, humor y valores como la amistad, el trabajo en equipo y el valor, ofreciendo una experiencia entretenida y emocionante para espectadores de todas las edades. ¿Podrán nuestros héroes completar su misión y restaurar la paz en las galaxias? Un espectáculo lleno de acción, aventura y diversión para toda la familia.

Miércoles 22, a las 17 h JUGUETES EN APUROS

Infantil/ ATP

LACABAPLATA

Una nueva aventura llena de risas, canciones y desafíos está lista para conquistar a grandes y chicos. Será una historia entrañable donde nuestros queridos protagonistas se unen para defender lo más valioso que tienen: su magia, su amistad y el reino de la diversión. Cuando un nuevo juguete llega con planes de cambiar las reglas del juego, los clásicos de siempre no se quedan de brazos cruzados. Con bailes, canciones y una creatividad sin límites, lo tradicional y lo moderno se enfrentan en un duelo que pondrá a prueba la unión del grupo y el poder de la imaginación. La historia combina música, humor y valores como la amistad, el trabajo en equipo y la creatividad, ofreciendo una experiencia entretenida y emocionante para espectadores de todas las edades.

Jueves 23 y sábado 25, a las 16 h UN CIRCO DE LA GRAN 7

Infantil/ATP. Entrada libre y gratuita. Ingreso por orden de llegada hasta colmar la capacidad de la sala

La compañía de La Gran 7 u

El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de JULIO

llega al Teatro Municipal Coliseo Podestá con Un Circo de La Gran 7, una propuesta de circo teatro para toda la familia que combina humor, acrobacias, malabares y una entrañable historia de amor.

El espectáculo recupera el espíritu del circo ambulante y lo transforma en una experiencia de encuentro, celebración y asombro.

Una compañía de circo trashumante llega con su función a cuestas recorriendo pueblos y barrios. Junto a su excéntrico presentador, un payaso de pista y un grupo de artistas multifacéticos, la historia avanza entre destrezas, torpezas y situaciones inesperadas.

Pero en medio de la función surge una historia que lo cambia todo: el amor entre el payaso y la acróbata. Ese vínculo comienza a atravesar cada número, sumando nuevas emociones, complicidades y desafíos a la escena.

Con una puesta dinámica, sensible y llena de ritmo, Un Circo de La Gran 7 invita a disfrutar de una experiencia artística para todas las edades,

donde el clown, la acrobacia y los malabares se combinan para celebrar el poder del encuentro y la imaginación.

La obra, dirigida por Diego Aroza, es el resultado de más de diez años de trabajo colectivo, investigación y formación artística desarrollados en el espacio cultural La Gran 7 Arte y Cultura.

Dirección: Diego Aroza.

Intérpretes: Estefanía Apas, Verónica Piana, Agustín Cura y Diego Aroza. Vestuario: Eliana Simonazzi.

Viernes 24, a las 15 h EL CORAZÓN DEL OCÉANO

Infantil/ ATP

¡Embarcate en una aventura mágica con tus personajes favoritos!

Te invitamos a vivir una experiencia única donde la

emoción, la música y la diversión se combinan en un espectáculo inolvidable para toda la familia. Acompañanos en este viaje a través del océano, junto a semidios favorito de la gente y nuestro amigo Loto y Moni, donde se enfrentarán con grandes desafíos, trabajarán en equipo y conectarán el océano con nuevos pueblos, les dará mucha fuerza y demostrarán que, con coraje y siendo un equipo, todo es posible. Con muchas coreografías, efectos especiales y canciones que te harán cantar y emocionarte, esta historia te llevará a un mundo de magia y aventura que atrapará a grandes y chicos por igual. Una tarde llena de risas, emoción y momentos inolvidables te espera. ¡No te lo pierdas!

Viernes 24, a las 17 h ESCUADRÓN AL RESCATE

Infantil/ ATP

Los cachorros más famosos del mundo llegan al teatro. Cuando un misterioso problema pone en riesgo a la comunidad, Ryder recibe la llamada de emergencia. Sin dudarlo, convoca a toda la patrulla. Todo el equipo desplegará sus habilidades y, sobre todo, el valor del trabajo en equipo para demostrar que “¡no hay nada imposible para la pata patrulla!”. Con una puesta en escena visualmente impactante, efectos especiales en vivo y coreografías súper dinámicas, el show invita a los espectadores a ser parte activa de la historia, interactuando con los personajes desde sus butacas.

sábado 25, a las 16 h UN CIRCO DE LA GRAN 7 Infantil/ATP. Entrada libre y gratuita. Ingreso por orden de llegada hasta colmar la capacidad de la sala

La compañía de La Gran 7 llega al Teatro Municipal Coliseo Podestá con Un Circo de La Gran 7, una propuesta de circo teatro para toda la familia que combina humor, acrobacias, malabares y una entrañable historia de amor.

El espectáculo recupera el espíritu del circo ambulante y lo transforma en una experiencia de encuentro, celebración y asombro.

Una compañía de circo trashumante llega con su función a cuestas recorriendo pueblos y barrios. Junto a su excéntrico presentador, un payaso de pista y un grupo de artistas multifacéticos, la historia avanza entre destrezas, torpezas y situaciones inesperadas.

Pero en medio de la función surge una historia que lo cambia todo: el amor entre el payaso y la acróbata. Ese vínculo comienza a atravesar cada número, sumando nuevas emociones, complicidades y desafíos a la escena.

Con una puesta dinámica, sensible y llena de ritmo, Un Circo de La Gran 7 invita a disfrutar de una experiencia artística para todas las edades, donde el clown, la acrobacia y los malabares se combinan para celebrar el poder del encuentro y la imaginación.

La obra, dirigida por Diego Aroza, es el resultado de más de diez años de trabajo colectivo, investigación y formación artística desarrollados en el espacio cultural La Gran 7 Arte y Cultura.

Dirección: Diego Aroza. Intérpretes: Estefanía Apas,

LACABAPLATA

Verónica Piana, Agustín Cura y Diego Aroza. Vestuario: Eliana Simonazzi.

Domingo 26, a las 15 h PLIM PLIM. ENERGIA MUSICAL RECARGADA

Infantil/ ATP

Ganador del Martín Fierro al Mejor Infantil 2025, Plim Plim regresa con una propuesta renovada, nuevas canciones, más aventuras, un sólido despliegue multimedia y la impronta de siempre: cantar, bailar, jugar y compartir en familia, promoviendo valores positivos y hábitos saludables.

Junto a sus inseparables amigos Nesho, Hoggie, Bam, Aquarella y Mei Li, Plim Plim invita a grandes y chicos a descubrir la mejor manera de llenarse de energía para vivir aventuras inolvidables. Un espectáculo 100% interactivo, donde no faltarán los clásicos que todos aman, como “Cabeza, hombro, rodilla, pies”, “Aram sam sam”, “Cerdito enojón” y el último gran éxito “Abejita Chiquitita”, que ya supera los 1.500 millones de reproducciones en YouTube.

De la mano de su creador, Guillermo “Tita” Pino, Plim u

MiráBA 179

El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de JULIO

Plim y sus amigos se han convertido en uno de los fenómenos infantiles de mayor crecimiento en habla hispana.

Domingo 26, a las 20:30 h

HÉROE LÍRICO & POP, con Federico Picone, Alejandro Falcone y Sebastián Russo Música/ ATP

Un espectáculo único que combina la potencia del Lírico Pop con la emoción del cine. A través de una puesta en escena innovadora y cautivante, el show transporta al público a los momentos más icónicos del Séptimo Arte. En esta nueva propuesta podrán disfrutar de temas o imágenes de Casablanca, Cinema Paradiso, El Padrino, Cantando Bajo la Lluvia, Il Postino, Mujer Bonita, El Fantasma de la Ópera, Titanic y muchos éxitos más. Una vez más la impronta del trío, con ya más de 10 años de trayectoria,

180

despierta recuerdos, risas, lágrimas y esperanza. El humor, la interacción con el público y la creación de momentos únicos, harán revivir las historias que acompañaron nuestras vidas.

Elenco: Federico Picone (Barítono – Brillante), Alejandro Falcone (Tenor Lírico – Spinto), Sebastián Russo (Tenor Lirico – Ligero). Acompañados por banda conformada por teclado, batería y guitarra.

Martes 28, a las 15 h

CANTICUÉNTICOS

Infantil/ATP

El reconocido grupo santafesino propone un show lleno de música, juegos y emoción, con sus clásicos más queridos y nuevas canciones que siguen ampliando su universo. Ganadores de Premios Gardel y Premio Konex de Platino, Canticuénticos es una de las propuestas más destacadas de

la música para las infancias en América Latina. Sus canciones, inspiradas en ritmos argentinos y latinoamericanos, invitan a cantar, bailar y también a pensar, siempre desde el humor y la sensibilidad.

Cada función es una verdadera fiesta compartida entre chicas, chicos y grandes, donde conviven hits como La cumbia del monstruo de la laguna, El pulpo cocinero, Acá Tá, El mamboretá y Quiero para mí, junto a sorpresas que renuevan el encuentro con el público.

Miércoles 29, a las 17.30 h

LAS GUARDIANAS KPOP THE OFFICIAL TOUR 2026

Infantil/Apta + 2 años ¡Las GUARDIANAS KPOP llegan al Coliseo Podestá, como parte de su exitoso tour por Latinoamérica.

Una historia original inspirada en la fiebre mundial del momento

junto a las canciones KPOP más escuchadas por millones en el mundo. Un espectacular concierto que los hará vibrar y vivir una gran experiencia.

Preparate para disfrutar de una mega producción internacional con 12 artistas en escena, impresionantes vestuarios e increíbles coreografías, todo presentado con pantallas led, puesta de luces y efectos especiales.

Viernes 31, a las 15 h

EL BOSQUE ENCANTADO

Infantil/ ATP

Te invitamos a descubrir esta mágica aventura, donde recorreremos tus canciones favoritas junto a estas dos hermanas y su amigo muñeco de nieve. Debemos entrar al bosque encantado, para descubrir la verdad, el pasado de nuestra reina y conocer el porqué de sus poderes. Pero no a todos les gustan los finales felices, así que también los esperan unos villanos sorpresas, que vienen a arruinar toda la diversión con sus fechorías e intentarán apoderarse de nuestro muñeco

de nieve favorito. Un increíble musical, lleno de luces, efectos especiales, tus canciones favoritas, diversión asegurada para chicos y grandes.

Viernes 31, a las 17 h

SONICO RECARGADO

Infantil/ ATP

Una tarde cualquiera en la vida de Sonico y su amigo Tails, aparece un villano que quiere destruir el mundo: Eggman. Con ayuda de Shadow se deciden a robar la esmeralda maestra para poder conquistar la tierra. ¿Podrá Sonico, junto a sus amigos, evitar que el mundo quede en manos de Eggman? Vení a ayudarnos a recuperar las 7 esmeraldas y salvar al mundo de este villano.

LACABAPLATA

Viernes 31, a las 21 h LUCAS LAURIENTE STAND UP Lauriente, consagrado como uno de los grandes referentes del stand up argentino y con más de doce años dentro del circuito, continúa captando la atención del público joven y despertando la curiosidad en adultos. A lo largo de su carrera, Lauriente presentó sus unipersonales y giras en Países Bajos, Dinamarca, Alemania, España, Uruguay, Chile y Paraguay. En sus inicios participó del “Festival Ciudad Emergente” durante tres ediciones consecutivas y del “Festival Argentino de Stand Up”.

Su espontaneidad, creatividad y manera singular de ver la realidad lo llevaron ese mismo año a protagonizar, junto a Luciano Mellera, el primer show de stand up realizado en el Estadio Luna Park: una función histórica y con localidades agotadas. En 2017 realizaron la primera gira nacional, recorriendo todas las provincias desde Jujuy hasta Tierra del Fuego, dando un cierre en el Teatro Ópera Orbis de Buenos Aires.

En 2018 emprendieron su primera gira europea presentándose en las principales ciudades del continente: Barcelona, Madrid, Berlín, Mallorca y Londres.

Ese mismo año, Lauriente grabó su primer especial para Netflix, “Todo lo que sería u

El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de JULIO

Lucas Lauriente”. Entre 2019 y 2021 integró el elenco de la obra teatral “Quedate conmigo, Lucas”, escrita por Hernán Casciari. En 2023, junto a Luciano Mellera, viajaron a Venezuela dejando como saldo un emotivo show sold out. En noviembre de 2024 estrenó en YouTube su segundo especial, “Angustias, Vergüenzas & Basura”, que superó el medio millón de vistas en sus primeros dos meses y recibió una excelente respuesta del público. Cerró ese año con

una función agotada en Niceto Club, en un formato novedoso con público de pie, artistas invitados de primer nivel y música de su propia autoría. Actualmente forma parte de “Aislados el Podcast”, junto a Nicolás de Tracy, Nanutria y Luciano Mellera, proyecto con el que volvió al Estadio Luna Park ante miles de espectadores. En 2025 realizó un show especial en el Teatro Vorterix, replicando el espíritu del Niceto 2024 con invitados y música propia.

En 2026 vuelve al Coliseo Podestá para brindarnos un gran show.

Las entradas se encuentran a la venta en la boletería del Teatro, de martes a domingos de 10 a 20 horas y feriados de 15 a 20 hs. También disponibles en Plateanet.

https://coliseopodesta.laplata. gob.ar/cartelera

MiráBA 182

182

Teatro Municipal Coliseo Podestá ALEJANDRA UNA PERFORACIÓN A CIELO ABIERTO

Martín Rechimuzzi vuelve al Teatro Municipal Coliseo Podestá con “Alejandra: una perforación a cielo abierto”, su primer espectáculo unipersonal, una propuesta que combina humor, emoción y una profunda mirada sobre la condición humana.

La función será el viernes 10 de julio, a las 21 horas, las entradas están a la venta en la boletería del Teatro y en www.plateanet. com

Inspirada en una experiencia personal y en un proceso de investigación que recupera testimonios de personas que atravesaron instituciones de encierro, la obra invita a reflexionar sobre la salud mental, los prejuicios y las historias que, durante mucho tiempo, permanecieron invisibilizadas.

A lo largo de tres actos, y enmarcado en un típico cumpleaños de 15, el relato transita con sensibilidad un universo donde lo íntimo se entrelaza con lo social y lo político.

Con una dramaturgia que interpela al público desde el humor y la reflexión, “Alejandra: una perforación

a cielo abierto” propone un recorrido tan conmovedor como actual, invitando a repensar las formas en que miramos y comprendemos a los demás.

Idea original e intérprete: Martín

Rechimuzzi

Puesta en escena: Melisa Zulberti

Diseño digital y op video: Lolo

Armendariz

Montaje: Lucia Seles

Músico en vivo: Duo Acuarela

Adaptación de luces: Juan

Pozzo

Vestuario: La Polilla

Diseño Gráfico: Alejandro Ros

Fotografía: Marcelo Setton

Producción ejecutiva y stage

Manager: Nico Ventura

Producción general: Joaquin

Laviaguerre - Bautista

Laviaguerre

Teatro Municipal Coliseo

Podestá Calle 10 Nro. v e/46 y 47 La Plata. www.coliseopodesta.laplata.gob. ar

GRAN ESTRENO · 20 DE JULIO · 17 H.

El hijo del superhéroe

Una

adaptación teatral para toda la familia.

Franco guarda un secreto extraordinario: es el hijo de Crashman, el superhéroe capaz de frenar trenes, derrotar villanos y salvar la ciudad.

Pero mientras todos celebran sus hazañas, Franco espera compartir tiempo con ese padre que siempre está ocupado cuidando a los demás.

Cansado de esperar, emprende un viaje por la ciudad que entrelaza tiempos,

MiráBA 184

voluntades y destinos.

Con humor, emoción y aventura, esta historia nos habla sobre el verdadero significado de ser un héroe.

Basada en la entrañable obra del escritor argentino Ricardo Mariño, uno de los autores más destacados de la literatura infantil y juvenil de nuestro país, cuyas historias han acompañado a generaciones de lectores y han sido reconocidas por su sensibilidad, humor e imaginación.

La adaptación teatral está a cargo de Diego Biancotto, director, actor y docente teatral con una extensa trayectoria en la creación de espectáculos para las infancias y las familias. Para esta nueva producción reúne a un elenco y equipo creativo que lo han acompañado en destacadas puestas en escena como El Chico del Aire y Amalia y la Vida de las Cosas, obras reconocidas por la crítica y el público por su calidad artística, su poética visual y su capacidad de emocionar a espectadores de todas las edades.

El resultado es una propuesta de gran calidad artística que consolida un equipo de trabajo con una trayectoria reconocida dentro del teatro para las infancias de la ciudad de La Plata, integrando actuación, música original, recursos audiovisuales y una cuidada puesta en escena al servicio de una historia conmovedora y divertida.

La obra se presentará en el Teatro La Lechuza, una de las salas independientes con mayor trayectoria de la ciudad. Con décadas de actividad ininterrumpida, el espacio se ha consolidado como un referente cultural de La Plata, albergando numerosas producciones teatrales y proyectos de

formación artística que han contribuido al desarrollo del teatro local y regional.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Actúan:

René Mantiñan

Facundo Gaggiotti

Fiorella Doglia

Lina Pomo

Emilio Guevara.

Vestuario: Magali Salvatore.

Escenografía: Soledad Machado.

Multimedia: Lisandro Peralta.

Fotografía y redes: Maria Eugenia Montefiore. Música original: Marco Molina Mosetti. Diseño gráfico:

Julieta Ramírez Borja.

Asistencia de dirección: Estanislao Pedernera.

Adaptación y Dirección General: Diego Biancotto.

GRAN ESTRENO

20 DE JULIO · 17 HS

¡VACACIONES DE INVIERNO! Del 20 de julio al 1 de agosto.

Funciones todos los días de lunes a sábado a las 17 h.

Además, jueves, viernes y sábado función extra a las 15 h.

Entradas a la venta en Alternativa Teatral.

Teatro La Lechuza

Calle 58 N.º 757 · La Plata

CONTACTO

Diego Biancotto diegobiancotto.teatro@gmail. com

Música

CONFESSIONS II - LA PELÍCULADE MADONNA -

TRAS EL ESTRENO EN EL TRIBECA FILM FESTIVAL

Madonna presenta CONFESSIONS II – The Film (CONFESSIONS II – La película), un nuevo cortometraje dirigido por TORSO ya disponible en YouTube tras una entusiasta respuesta con múltiples ovaciones durante el estreno en la 25.ª edición del Tribeca Film Festival –.

Producida por DIVISION y con la colaboración de Dolce&Gabbana, Maverick y Warner Records, con dirección musical de Stuart Price, la película ofrece una experiencia

cinematográfica inmersiva que acompaña al próximo álbum de Madonna, Confessions II, a través de las seis primeras canciones: “I Feel So Free”, “Good for the Soul”, “One Step Away”, “Bring Your Love” con Sabrina Carpenter, “Danceteria” y “Read My Lips” con Feid.

CONFESSIONS II – The Film es un ambicioso trabajo visual de más de 10 minutos de duración. Se desarrolla como una pieza única y continua, entrelazando secuencias interconectadas y

dirigidas por la música en una experiencia cinematográfica inmersiva. Un filme que da fisicalidad a la música, CONFESSIONS II – The Film se mueve en la tensión entre el control y la entrega, entre ser visto y desaparecer entre la multitud. Cada canción se desarrolla a lo largo de seis capítulos, cada uno de ellos un thriller sexy, una ilusión de baile, un sueño febril épico. Al igual que el álbum, difumina la distinción entre temas, construyendo narrativas cósmicas que siguen una lógica

onírica retorcida. Se desarrolla como un retrato vertiginoso del mundo del álbum, capturando sus temas de libertad, conexión, deseo, vida nocturna y el poder trascendente del baile.

El resultado es un viaje trascendente que catapulta al espectador a través de una noche desquiciada que no se recuerda por lo que ocurrió, sino por cómo se sintió. Madonna es emboscada, perseguida y, en última instancia, venerada por un escuadrón itinerante de femmes armadas con cámaras. Desde el dormitorio hasta el baño del club, pasando por el coche, la arena e incluso la naturaleza, recorren los muchos espacios en los que prospera la música. Dentro de estos santuarios, descubrimos reflexiones sobre las dualidades que han acompañado a toda la carrera de Madonna: privacidad y publicidad, dolor y catarsis, intimidad y comunión, fandom y colaboración. Pero todo vuelve siempre al único lugar sagrado donde todo comenzó: la pista de baile.

En el centro del universo de la vida nocturna de la película se rinde homenaje a Danceteria, el legendario club de Nueva York que contribuyó a dar forma a la vida creativa y la carrera iniciales de Madonna. Kate Moss aparece como parte de esa fantasía colectiva, una musa perdurable de la moda y la audacia. La escena recrea la energía salvaje y decadente de una época pasada, a la vez que invoca

la era moderna con un guiño destacado a Grindr, llevando a su elenco de iconos y colaboradores al mismo mundo onírico del club. La escena es un sueño febril colectivo de bello caos, en el que Arca, Benedict Cumberbatch, Cole Palmer, Debi Mazar, Honey Dijon, Joao Pedro, Richard E. Grant y Shygirl se rinden por completo al desenfreno junto a la incomparable Kate Moss, cuya presencia aquí es pura magia. Moss, una de las figuras más queridas de la moda, aporta su característica electricidad a la pista de baile, sintiéndose sin esfuerzo como en casa en el magnífico caos que la rodea. Juntos, este elenco de visionarios reinventa la energía salvaje y decadente de una época pasada, llevando a su elenco de iconos y colaboradores al mismo glorioso mundo onírico de club. La película concluye con Lola Leon, quien recientemente estrenó su nuevo sencillo “T Shirt”, que conecta el hilo conductor de los universos.

Continuando con su larga relación con Madonna, Dolce&Gabbana, ejerció como la casa de moda de la película, vistiendo a todo el

elenco, incluidos los 250 extras. El dominio de Madonna en la pista de baile no da señales de frenar, ya que el himno eufórico “I Feel So Free” alcanzó el n.º 1 en la lista Dance Airplay de Billboard, y “Bring Your Love”, con Sabrina Carpenter, alcanzó el n.º 1 en la lista UK Club Chart. El más reciente adelanto de música nueva del álbum, “Love Sensation ”, se estrenó el pasado viernes después de su inolvidable actuación sorpresa en Times Square, transmitida en directo en exclusiva por Grindr.

El próximo álbum de Madonna, Confessions II, saldrá a la venta el 3 de julio a través de Warner Records. El nuevo álbum es la continuación de su icónico homólogo Confessions on a Dance Floor. Los fans pueden reservar el álbum y la mejor curaduría de vinilos, CD y casetes AQUÍ.

PRENSA MP Comunicación maria@mariapeluffo.com

VIDEO

Madonna - «Confessions II - La Película”Cipistotatur re omnia

UN VERANO ANUNCIA “CANCIONERO VOL. 2”

EL NUEVO CAPÍTULO DE LA BANDA REVELACIÓN DEL POP ROCK ARGENTINO

Luego del impacto de Cancionero Vol. 1—con canciones posicionadas en el Top 50 de Spotify Argentina y un crecimiento que los consolidó como una de las grandes revelaciones del pop rock en 2026—, Un Verano presenta el siguiente paso de su universo artístico y anuncia la llegada de Cancionero Vol. 2, que contiene con colaboración junto a Francisco Charco, voz principal de Cruzando el Charco, disponible en todas las plataformas.

El nuevo EP contará con 5 canciones que profundizan el universo emocional y sonoro de la banda, consolidando una identidad que conecta la sensibilidad del indie, la potencia del rock argentino y la estética melódica del nuevo pop rock generacional. El anuncio llega luego del show sold out de la banda en The Roxy Live , una fecha que marcó un punto de inflexión en su crecimiento y donde además adelantaron canciones inéditas frente a un público que acompañó cada momento del show.

Uno de los momentos más esperados del lanzamiento será la colaboración junto a Francisco Charco, voz principal de Cruzando el Charco, en una de las canciones de este material. Un cruce que une dos universos musicales atravesados por la canción, la emoción y la identidad rockera contemporánea.

Un Verano en la alfombra roja de los Premios Gardel 2026

Cancionero Vol. 2 combina emoción generacional,

sensibilidad melódica y una fuerte raíz dentro del nuevo pop rock argentino, el impulso natural de una banda que encontró su lugar y que sigue expandiendo sus límites canción tras canción.

Con una identidad cada vez más sólida y una conexión real con su audiencia, Un Verano continúa consolidándose como una de las bandas con mayor proyección dentro de la nueva escena argentina, anticipando nuevas canciones, nuevas colaboraciones y más capítulos por descubrir muy pronto.

Más sobre Un Verano

Un Verano es el punto de encuentro entre cinco talentos de la escena argentina: Renzo Luca (guitarra y producción), La Duke (guitarra), Gero Peguino (batería), Patricio Milán (bajo) y Alejo Zurita, la nueva voz al frente de la banda. Su sonido condensa tres dimensiones: La emoción del indie, la raíz del rock nacional y una búsqueda melódica que amplifica su alcance.

Con dos nominaciones a los Premios Gardel 2025 — Mejor Álbum Pop Rock y Mejor Canción Pop Rock —, el proyecto confirma su lugar como una de las propuestas con mayor proyección dentro del nuevo mapa del pop rock en

español.

PRENSA ANGIE KAB angiekab@gmail.com IG: @heygocomunicacion

VIDEO

Un Verano - Cancionero Vol.2

“CRÓNICA DE UN DUELO” NUEVO ÁLBUM DE FLOR LOVAGLIO

La artista presenta su primer álbum de estudio en solitario, cargado de vulnerabilidad, pero sin caer en la vulgaridad.

«Crónica de un Duelo» es el primer álbum de estudio de Flor Lovaglio. Contiene nueve canciones que recorren el atravesar de una pérdida, escritas en clave de neo soul y R&B en español.

Co-compuesto junto a Joaquín Alonso y producido por Patricio

Lema e Iván Stagliano, con mezcla y mastering de Lucas Romano, el disco se construyó como una bitácora íntima: cada canción es una etapa del duelo, no necesariamente lineal, donde conviven la rabia, la negación, la fiesta, la paz y la calma final.

Tres adelantos anticiparon el lanzamiento: «Qué Esperás?», «Decime» y «La Paz». El cierre del álbum, «Tranquila», incluye una colaboración con Yago y los primeros sonidos de su hija, Lola

Alonso, que se sumaron a la grabación.

Es un disco que se anima a

la vulnerabilidad sin caer en el pudor, con arreglos vocales cuidados, grooves cálidos y una identidad sonora que toma del neo soul anglosajón pero se afirma en el español rioplatense.

Va a ser presentado en vivo el 13 de agosto de este 2026 en La Tangente. Pronto saldrán las entradas a la venta.

SOBRE FLOR LOVAGLIO

Flor Lovaglio es cantautora argentina y vocal coach con más de 20 años de trayectoria en la industria musical. Su carrera atraviesa tres facetas que se alimentan entre sí: la de artista en el universo de la canción de autor, el R&B y el neo soul; la de coach vocal de referentes de la escena argentina y la de formadora, como co-creadora y co-facilitadora del P.E.C.V. (Programa Específico de Capacitación Vocal) junto a Hugo Araujo y Lula Vera.

Su recorrido comenzó a fines de los 2000 con la banda Pocket (2007–2015), con la que pisó escenarios importantes de Buenos Aires como el Estadio Ferrocarril Oeste, Malvinas Argentinas, etc. De ahí en adelante, construyó un camino solista que convive con un trabajo sostenido como entrenadora vocal de artistas como Yami Safdie, Natalia Oreiro, Zoe Gotusso y Mateo Sujatovich, entre otros.

En 2026 presenta «Crónica de

un Duelo», su primer disco de estudio solista, un trabajo de nueve canciones que cruza el R&B y el neo soul con la canción en español. Su tema «Humo» superó las 478 mil reproducciones en Spotify y marcó un punto de inflexión en la conexión con su público. Su voz tiene la calidez de quien enseñó a cantar durante años y

la honestidad de quien escribe desde adentro.

PRENSA

Moonlight Music andyolmedoproducciones@ gmail.com

VIDEO

La Paz - Flor Lovaglio (video lyrics)

Nikko Vicente (Rowek):

El regreso de Mala Reina con

“

Kaboom!” su nuevo sigle y videoclip

Mala Reina estrena su conceptual single y videoclip “Kaboom!”

El primer grito de una sociedad esclava en su nuevo EP “La era de la drapetomania”

La banda de rock alternativo

Mala Reina irrumpe en la escena con el lanzamiento de “Kaboom”,

el primer corte de difusión de su esperado EP conceptual titulado “La era de la drapetomania”. Con una estética que fusiona la oscuridad del gótico con la crudeza del rock moderno, la banda propone un viaje asfixiante por los síntomas de una sociedad moderna atrapada en un loop de consumo y alienación. El Concepto: La Esclavitud del

El título del EP, “La era de la drapetomania”, rescata un término histórico cargado de cinismo: en el siglo XIX, se diagnosticaba con “drapetomania” a las personas esclavizadas que sentían el deseo impulsivo de huir. Hoy, Mala Reina resignifica este concepto para describir a una sociedad que

Siglo XXI

busca escapar de una realidad económica y mental insostenible, pero que es “tratada” con parches de autoayuda, medicación y consumo desenfrenado.

“Kaboom”: El Síntoma del Consumismo

“Kaboom” es la puerta de entrada a este universo. Es la representación sonora del consumismo como una cárcel de oro. A través de guitarras distorsionadas y una atmósfera densa que evoca la mística de El Cuervo, la canción narra el primer paso de Drapetos, el personaje central del EP, quien vive su existencia en un bucle infinito de deudas y deseos manufacturados.

“Queríamos retratar esa sensación de tener que trabajar cada vez más para vivir cada vez menos, donde el estallido —el ‘Kaboom’— es inminente pero nunca llega a liberarnos”, explican desde la banda.

Un Viaje en Seis Etapas

El EP se estructura como un ciclo de seis canciones, cada una representando un síntoma social específico:

Kaboom (Consumismo)| La gente mainstream (Frivolidad)| Infiernos (Anhedonia)

Sublingual (Dependencia)| Sabotaje (Ansiedad)| Single fantasma (Locura)

Estética y Sonido

Con una propuesta visual de

alto impacto, Mala Reina no solo apuesta al sonido, sino a una experiencia cinematográfica. La influencia del cine de culto y la cultura gótica se entrelaza con letras que denuncian el clasismo y la deshumanización detrás de la fachada de “bienestar” moderno.

Acerca de Mala Reina

Mala Reina es una banda argentina de nü metal y metal alternativo, formada en San Andrés de Giles, provincia de Buenos Aires, en 2007.

Se caracterizan por una búsqueda constante de un sonido propio que los lleva a romper estilos, etiquetas o géneros, sin renegar de sus influencias. Estas se remontan al punk, thrash metal,

grunge, nü metal, metal industrial y gran parte del rock pesado que surge durante los años noventa. Su cantante (Nikko Vicente) logra reconocimiento al sumarse al nuevo proyecto solista de Gustavo Rowek a fines de 2011.

En 2010 lanzan su disco debut, R.I.P., y en el 2013, su segundo disco, Fobia. En 2017 la banda lanza su tercer álbum de estudio, El circo de las utopías.

Mala Reina actualmente son: Voz @nikkovicnt| Guitarra @soywolflopez| Bajo @antitheist_ | Synthes @el_deivid1979

RRR.SS instagram.com/malareina_ok/

PRENSA

Susana Galarza

Directora de SG Prensa y Difusión www.sgprensaydifusion. wordpress.com

Instagram: @sgprensaydifusion sgprensaydifusion@gmail.com

VIDEO

Mala Reina - KABOOM!

MIGUEL DE CARO lanzó su nuevo single

“Desconocido mío”

en coautoría con Sergei Sharavin

“Desconocido mío” es mucho más que un nuevo single; es la traducción musical de una gran historia de amor. El tema está inspirado en los versos que el ciudadano ruso Sergei Sharavin le dedicó a su actual esposa, Anastasia, en los días en que planeaba dejar su Rusia natal para alcanzarla en Argentina. Con una milonga de Buenos Aires como escenario de su primer encuentro, este tango logra convertir un poema íntimo en una pieza universal que celebra el destino, el romance y la migración por amor.

“Desconocido mío”

de Miguel De Caro (música) y Serguei Sharavin (letra) Grabado en Buenos Aires en estudios Moebio

Miguel De Caro: saxos y dirección musical

Esteba Riera en voz

Andrés Linetzky en piano

Horacio “Mono” Hurtado en contrabajo

Gabriel Merlino en bandoneón

PRESENTACIÓN

Miguel De Caro cuarteto SaxoTangueando

Miguel De Caro en saxos y dirección musical; Fernando Lighezzolo en piano y Federico Vallejos en guitarra

JUEVES 30 DE JULIO- 20H. Pista Urbana- Chacabuco 874San Telmo

Entradas por Alternativa Teatral o en la web de Pista Urbana

Miguel De Caro compartirá, junto a su grupo, en el ciclo “El Tango pide Pista 11” clásicos de sus 6 producciones musicales, así como su nuevo repertorio en esta ya tradicional ciclo que realiza el

reducto musical Pista Urbana.

ACERCA DE MIGUEL DE CARO

Miguel De Caro es compositor, arreglador y saxofonista. Uno de los pioneros en introducir el instrumento saxofón en el tango en Argentina. Interpreta tanto composiciones originales como tangos y milongas de autores clásicos del género. Su música es el resultado de la fascinante mezcla del tango tradicional y el espíritu arrabalero de la música de Buenos Aires, con la sonoridad y la amplitud expresiva del Jazz y la World Music.

Entre otras distinciones ha sido nominado en 1993 al premio ACE por su primer trabajo discográfico “Saxotangueando”, compartiendo la terna con Astor Piazzola y Raúl Garello y nominación premio “Estrella de Mar 1995” en el rubro mejor espectáculo musical, compartiendo la terna con Susana Rinaldi y Fats Fernandez. En 2023 fue distinguido como Personalidad Destacada en el ámbito de la Cultura por la Ciudad de Buenos Aires

Además de sus representaciones a nivel nacional y su actividad docente, ha realizado varias presentaciones en Europa, actuando en salas, Clubes de Jazz y Milongas y teatros de las ciudades de Locarno, Zürich y Berna (Suiza) y de Bologna, Massa-Carrara y Florencia (Italia), Porto Alegre (Brasil).

Ha participado en varios ciclos

oficiales del Ministerio de Cultura de la ciudad de Buenos Aires: “Tango de las dos orillas” (Montevideo-Uruguay 2009); “La Gran Vía de Mayo” 2008 y 2009; Festival Buenos Aires Tango 2004, 2007, 2016; en los festejos por La Fundación de la Ciudad de Buenos Aires 2008. Sus participaciones en otros ciclos oficiales son: Salón Dorado de La Casa de La Cultura 2006; cierre del programa Estudio Abierto Buenos Aires- edición Av. de Mayo; ciclo Bares Notables 2004 y 2006 y en los festejos del Aniversario de la Reconquista de Bs. As 2007; Presentación en la Sala AB del C.C. Gral. San Martín y la Sala Enrique Muiño, dentro de los ciclos Tango/05 y Tango/06.; en el Salón Dorado del Teatro Colón interpretando obras del Maestro de música contemporánea Eduardo Tejeda y en la Universidad Nacional de San Luis en 2006. Ha sido jurado del programa Cultural en Cafés y bares Notables de Bs. As. en 2008 y 2009 y jurado en el área instrumental de los premios “Hugo del Carril” desde 2008 y hasta 2013 ininterrumpidamente.

ACERCA DE SU PRODUCCIÓN DISCOGRÁFICA

Su producción discográfica consta de cinco CD’s y un DVD: “saxotangueando” (CD Argentina Musical 1993); “Tangofuerte” (CD Argentina Musical 1998-reedición 2004), “Deatrásparadelante” (CD Independiente 2004), “Tango Vivo” (DVD RGS Music 2007) correspondiente a la presentación en formación de quinteto en la Sala AB del C.C. Gral. San Martín y la Sala Enrique Muiño, dentro de los ciclos Tango/05 y Tango/06. “Escualo” (CD Acqua Records 2010), presentado en el Teatro Presidente Alvear de Buenos Aires y su última producción es “Saxo Rioplatense” (CD Acqua Records 2018), con el que recorrió varios escenarios de la Argentina.

PRENSA

Ana Garland Management anagarland@gmail.com

VIDEO

Tango nuevo: “Desconocido mío”- de Miguel De Caro (música) y Serguei Sharavin (letra)

Moonline

La nueva y prometedora girlband Argentina incendia las redes con su debut

Con una comunidad creciendo fuerte en redes incluso antes de debutar oficialmente, la banda integrada por Malena Vexina, Camila Dalto, Isabella Chizzini y Luciana Debenedetti aparece como una de las apuestas más inesperadas de la nueva escena argentina: una Girlband que quiere revivir algo que se perdió hace tiempo, componer y crear arte con instrumentos.

Lucas Dalto, empresario, referente digital y una de las mentes asociadas al éxito del fenómeno K4OS, vuelve, pero ahora apostando fuerte por Moonline, siendo su actual director, despertando interés por la industria e incendiando las redes con millones de views,

incluso antes del lanzamiento de su primera canción, que fue esperada por todo su fandom. Este nuevo grupo no llega para repetir una fórmula: llega para romperla desde otro ángulo. Instrumentos, intensidad y mucho fuego.

Y justamente así se llama su primer lanzamiento: “ARDE”.

Su debut puede leerse como una declaración de identidad. No solo arde una historia; arde una etapa.

Arde la necesidad de diferenciarse.

Arde la idea de que una banda femenina argentina puede ser masiva sin sonar igual a lo que ya funcionó antes.

En un momento donde casi todo parece descartable, Moonline debuta con un videoclip de gran producción apostando por algo distinto: canciones, personalidad e integrantes femeninas que sobresalen de talento con una energía que muchos ya empiezan a señalar como una posible vuelta del rock al centro de la escena joven.

Mariana Taurozzi y Lynette Ladelfa, integrantes de K4OS, el grupo del momento, se manifestaron públicamente a favor de Moonline a través de tweets virales, lo que aumenta la expectativa del grupo, que ya empieza a perfilarse como uno de los proyectos musicales de mayor interés en redes.

Ficha técnica del single “Arde”

Título del single: ARDE

Artista: Moonline

Fecha de lanzamiento: 21/05/2026

Duración: 3:07

Género: Pop Rock

Compositores: Malena Vexina, Luciana Debenedetti, Camila Dalto, Isabella Chizzini

Productor(es): Ariel Lippo (Productor reconocido)

Mezcla: Ariel Lippo

Mastering: Facundo Gonzalez (Ganador de un gardel)

Sello / Distribuidora: Dalto

Records

ISRC: QZZ7L2641558

UPC/EAN: 825254414324

Formato: Digital / Spotify / YouTube / etc.

Idioma: Español

Ficha técnica del video:

Título: ARDE

Artista: Moonline

Director: Lucas Dalto (@ soydalto)

Productora: Estudio 219 @ estudio.219

Guion: Estudio 219 @ estudio.219

Dirección de fotografía: Lucas Dominguez (@profundidad. plana)

Cámara: Nicolas Giuffrida @ zaizbhop

Edición / Montaje: Estudio 219 @estudio.219

VFX: Robert R. Saya @robertr. vfx

Colorización: Sebastián Gutman @guttcolor

Dirección de arte: Micaela Magnaghi @intensocreativo

Vestuario y Make Up: Fátima Swysen y Malena Arias @ atlasvestuario

Peinado: Claudia Vanessa @ stylezucchi y Miguel Ángel Gonzalez @mbsalonok

Actuaciones:

Diego Ribas (Jurado principal) @diegoalvolante

Locaciones: Teatro Armenia, Fractal Estudios.

Duración: 3:13

Formato: Prores 422 HQ 4K Fecha de estreno: 21/05/2026

Distribución: YouTube.

Redes de Moonline:

Instagram: @moonline.oficial

TikTok: @moonline.oficial

Youtube: Moonline

PH: @nino_0737

Prensa:

MN Prensa y Comunicación

Lic. Marcela Nuñez

Instagram: @mncomunicacion

X: @MNPrensa01

Linkedin: Marcela Nuñez

VIDEO

Moonline - ARDE (Videoclip Oficial)

NINA VENTRE PRESENTA

“SIN TI”

UN NUEVO CAPÍTULO DENTRO DE SU UNIVERSO A-POP!

Con influencias del K-pop, el hyperpop y el synthwave, la artista continúa desarrollando un universo artístico donde lo visual y lo emocional conviven en una misma narrativa.

Nina Ventre presenta “Sin Ti”, un lanzamiento que profundiza el universo artístico que comenzó a desarrollar durante 2025. Con una propuesta que fusiona influencias del K-pop, el hyperpop y el pop contemporáneo, la

artista continúa consolidando una identidad estética y sonora propia dentro de la nueva escena pop argentina.

La canción explora el costado más vulnerable de Nina a través de una atmósfera synthwave pop melancólica y emocional. “Sin Ti” retrata el vacío que deja una ruptura y el proceso de aceptar la ausencia de alguien que alguna vez fue indispensable. Entre sintetizadores envolventes,

melodías nostálgicas y una interpretación íntima, el lanzamiento profundiza una narrativa atravesada por la sensibilidad, el apego emocional y la búsqueda de identidad, poniendo el foco en emociones que muchas veces permanecen ocultas detrás de una imagen aparentemente perfecta.

El lanzamiento continúa expandiendo la narrativa presentada en “Mírame”,

profundizando una estética visual de tonos suaves, sensibilidad pop y una identidad influenciada por el universo K-pop y la cultura digital. Dentro de este recorrido, Nina construye un proyecto donde lo visual, lo emocional y lo sonoro funcionan como parte de una misma experiencia artística, dejando entrever nuevas facetas que seguirán revelándose a lo largo del año.

Con más de 288 mil seguidores en sus redes y un alcance mensual que supera las 4.6 millones de cuentas, Nina Ventre viene consolidando su crecimiento dentro de una comunidad joven ligada al pop, la estética digital y el fandom K-pop. Durante 2026 se presentó en eventos como K-Pop Revolution y Cypher4K, mientras continúa desarrollando un proyecto con proyección internacional que busca conectar el universo del pop argentino con las nuevas tendencias globales.

LANZAMIENTO ANTERIOR

Parte de este universo artístico ya puede verse en “Mírame”, lanzamiento que comenzó a introducir la estética y narrativa que Nina continúa expandiendo en “Sin Ti”.

Algo más acerca de

NINA VENTRE

Valentina Ventre, conocida artísticamente como Nina Ventre, es cantante, compositora y performer de pop nacida en La Plata el 8 de noviembre de

2002. Desde pequeña se formó en canto, piano, baile y teatro, y a los 11 años ya se subía a los escenarios frente a cientos de personas.

Nina viene construyendo una sólida carrera desde 2019. Comenzó a publicar sus primeras canciones en plataformas digitales, acumulando más de 500 mil visualizaciones en YouTube y construyendo una comunidad que fue creciendo junto con su música. En 2022 abrió el show de Lit Killah en el Estadio Atenas de La Plata y viajó a Los Ángeles para grabar material audiovisual en Hollywood, dando sus primeros pasos de proyección internacional.

Un año más tarde lanzó su primer álbum de estudio Tu Barbie, acompañado por la Gira de Colegios y un show sold out en el Teatro Bar de La Plata. Durante 2024 participó en festivales como Blin Blin, además de estrenar algunas canciones.

El 2025 la encontró con nuevos lanzamientos y una gran exposición mediática tras su

paso por La Voz Argentina. Su audición generó gran repercusión en redes sociales luego de que los cuatro coaches giraran sus sillas y Miranda bloqueara a Lali en plena competencia. El video de la audición a ciegas fue tendencia en youtube y superó el millón de reproducciones.

Ese mismo año fue distinguida como Personalidad Destacada de la Cultura en La Plata, por El Honorable Concejo Deliberante de La Plata en la sesión especial del 12 de septiembre, reconocimiento que celebra su presente y potencia su futuro.

Con un proyecto que combina estética Y2K, glamour pop, el K-POP, coreografías y letras auténticas, Nina se inspira en referentes como Britney Spears, Tate McRae, Emilia, y los IDOLS del K-POP con el objetivo de llevar su propuesta a la escena internacional.

PRENSA Romina Gilardi rominagirardiprensa@gmail.com

VIDEO

Nina Ventre - Sin Ti (Lyric Video)

Sasha Vuela presenta su segundo disco

De aquí para allá

Este nuevo trabajo será presentado en vivo el domingo 12 de julio a las 20.30h en Cultural Thames. Las entradas están disponibles en la web www.culturalthames.com.ar

SOBRE EL DISCO

De Aquí Para Allá es el segundo álbum de Sasha Vuela y, al mismo tiempo, una vuelta al origen. Después de la expansión sonora de Híbrido (2024), este nuevo trabajo encuentra su centro en el formato más íntimo posible: canciones sostenidas casi exclusivamente por guitarra y voz.

Grabado entre distintos escenarios, casas y ciudades, el disco conserva el pulso del movimiento que le dio nacimiento: viajes, conciertos, encuentros y la necesidad de registrar las canciones allí donde estuvieran vivas.

La semilla apareció durante

una gira por Uruguay, cuando el músico y productor Andrés Damasco propuso grabar uno de los conciertos. A partir de ese primer registro, Sasha comenzó a reunir otras grabaciones atravesadas por la misma búsqueda: volver a una musicalidad esencial, despojada y cercana.

Con influencias que dialogan entre el folklore rioplatense, el candombe y la canción de autor, De Aquí Para Allá también funciona como homenaje a Gustavo Pena, figura fundamental en el imaginario del disco. El

título retoma el eco de “Canto de aquí para allá”, una canción del artista uruguayo, y se convierte además en una declaración de vida: la música como movimiento permanente.

Las canciones recorren distintos paisajes emocionales: la transformación de crecer, la incertidumbre, los vínculos, la memoria familiar, la astrología, el amor y la búsqueda de sentido en medio de una vida dedicada al arte. Todo aparece atravesado por un sonido cálido, artesanal y profundamente humano.

Grabado entre Uruguay, CABA y el Conurbano Bonaerense, el disco fue tomando forma lejos de las grandes estructuras de producción y cerca de los vínculos, los intercambios y la confianza compartida.

Como la cartografía que aparece en su portada, De Aquí Para Allá entiende cada canción como una parada dentro de un recorrido más amplio. Un disco que no busca fijar un lugar de llegada, sino documentar el viaje.

Sobre SASHA VUELA

Sasha Heizenreder es el nombre real de Sasha Vuela. Nació en 1997 en San Miguel y creció en Los Polvorines. Actualmente reside en Ciudadela, en el oeste del Gran Buenos Aires. Es músico cantautor, astrólogo y gestor cultural.

Como cantautor realizó giras por Argentina, Uruguay, España e Italia, además de presentarse en numerosos espacios del circuito cultural de la Ciudad de Buenos Aires.

Publicó los sencillos: “Progreso?”, “Cadáver Exquisito”, “Amanecer en Daireaux”, “Si la Luna”, “Acierto y Tropiezo”, “En Espiral”, “Allá voy”, “Amar es dar” y “Tocar lo adverso” y los EP’s Del Viento a la Raíz y Esencia. Su discografía incluye los álbumes Híbrido (2024) y el reciente De aquí para allá, mientras prepara un tercer trabajo de larga duración previsto para 2027.

Su obra se inscribe en la tradición de la canción de autor y dialoga con influencias diversas del folklore, el candombe y la canción popular latinoamericana. A través de una escritura que combina observación cotidiana y reflexión, sus canciones recorren temas como el viaje, la identidad, los vínculos humanos y la búsqueda de sentido. Con una mirada y una poética sensibles, encuentra en las experiencias más simples una

puerta de entrada a preguntas universales, tendiendo puentes entre lo íntimo y lo colectivo, entre lo cotidiano y lo trascendental.

PRENSA Florencia Meluso Enlazadora de Mundos @flormeluso florenciameluso@gmail.com

VIDEO

Sasha Vuela ft. Les Braude | Tal vez plante un árbol

PIZZA PRESENTA “NUEVA MAREA”

EL PRIMER ADELANTO DE SU ÁLBUM DEBUT Y CONFIRMA SU PRESENCIA EN PRIMAVERA SOUND BUENOS AIRES

La banda inicia una nueva etapa con un single producido por Gustavo Iglesias, reconocido por su trabajo junto a Babasonicos, y se prepara para uno de los momentos más importantes de su carrera: su debut en Primavera Sound Buenos Aires 2026.

ESCUCHALO EN TODAS LAS PLATAFORMAS

Hay algo en el recorrido de Pizza que ya no suena a promesa sino a confirmación. Mientras avanza hacia el lanzamiento de su

esperado álbum debut, previsto para la segunda mitad de 2026, la banda presenta “Nueva Marea”, el primer adelanto de una nueva etapa artística y compositiva. Además, este año formará parte del line up de Primavera Sound Buenos Aires, donde se presentará el próximo 29 de noviembre compartiendo jornada con nombres como The Strokes y Courtney Barnett.

“Nueva Marea” marca un paso adelante en la evolución sonora de Pizza . Con una impronta que combina la energía del rock

alternativo con un pulso bailable, la canción explora los rastros que dejan el amor y el desamor cuando todavía permanecen cerca. El resultado es un single que reafirma la identidad de la banda mientras abre la puerta a nuevos caminos.

Tras haber publicado a fines del año pasado las reversiones de “Ídolo” y “La Venganza Será Terrible”, dos canciones destacadas de su repertorio, Pizza continúa profundizando un enfoque musical cada vez más definido. Tanto aquellas

reinterpretaciones como el álbum que llegará en los próximos meses cuentan con la producción de Gustavo Iglesias, una colaboración que acompaña el crecimiento artístico del grupo.

En sus cuatro años de trayectoria, Pizza construyó un recorrido sólido dentro de la nueva escena independiente. Con dos EPs editados —Pizza? y Cerca Pero No Tan Cerca —, la banda pasó por escenarios como Ciudad Cultural Konex, Niceto Club, Salón Pueyrredón y diferentes ciudades del país, además de presentarse en Montevideo. En 2025 protagonizó una despedida histórica del primer Espacio Cultural Moscú con ocho fechas consecutivas completamente agotadas.

Con “Nueva Marea” como punto de partida, Pizza abre una etapa más ambiciosa. Entre el lanzamiento de su primer disco y su llegada a Primavera Sound Buenos Aires, la banda se prepara para llevar su universo a una escala cada vez mayor sin perder la esencia que la convirtió en una de las propuestas más interesantes de la nueva

generación del rock alternativo.

SOBRE OFF THE RECORDS

Off The Records es un sello discográfico independiente argentino fundado en 2025 por Julieta Moles, Lisa Iglesias y Félix Iglesias. Actualmente desarrolla los proyectos de Pizza y Sunlid, dos bandas emergentes con una identidad sonora propia y una

fuerte proyección dentro de la nueva escena del rock nacional.

PRENSA Emilia Hernández info@emiprensa.com.ar

MGMT: pizza.archivo@gmail.com

VIDEO

Pizza “Nueva Marea” (Video Oficial)

NIL MOLINER

Llega el momento de SENTIR EL NEXO

Nil Moliner abre por fin las puertas a su nuevo álbum: “Mi cuarto disco. Un disco que ha llegado con calma, después de dos años, impulsado por un parón de año y medio sin conciertos que me dejó sin aliento. Lo recuperé al volver a pisar un escenario y, a partir de ahí, empecé a escribir. Así nació NEXO. Esas historias que nos conectan con emociones, pero también con tantas otras cosas. Estamos hechos de nexos y, en este disco, te cuento algunos de los míos. Un disco en el que he conectado con muchos productores, he experimentado nuevas maneras de trabajar y he compuesto en muchos lugares distintos”.

Hace ya un año descubrimos NEXO como una nueva era musical que arrancaba a ritmo de”Tu cuerpo en braille”, canción que no ha parado de crecer y sorprender. Rápidamente llamó la atención, colocándose en cuatro ocasiones en el número 1 de radio española, se ha certificado disco de oro, acumula más de 20M de streams y continúa en lo más alto de las listas de éxitos.

Tras esta canción llegaron otros temas enérgicos como “Ha pasado algo” y “Tenerte cerca”, o la conmovedora “Álex”, dedicada a toda la gente que se ha ido y nos

abraza desde algún lugar. “Me acuerdo de ti” llegó para posicionarse como el himno del disco, una canción enorme. El último adelanto llegaba de la mano de Dollar Selmouni con la bailable “Ya no estoy triste”.

Juntos ponen ritmo, color y energía positiva a una canción de sonido latino, un género en el que Moliner siempre se ha sentido muy cómodo y en el que le hemos visto en otras ocasiones.

Entre las canciones inéditas del disco encontramos “Vive lento y ama bien”, canción con la que el artista confiesa haber aprendido muchas cosas y la única canción que lleva tatuada en su piel.

“Te escribiré” nos recuerda que estamos vivos, que hay que dejarse llevar. Escrita desde Cadaqués, un pueblo de la costa catalana que con su luz, color y energía inspiró a tantos. Y la joya en catalán del álbum, “Bona nit”, una historia real de amor adolescente. El recuerdo de unos campamentos: todos sentados, un cancionero y una canción antes de ir a dormir, el “Bona nit”.

En esta nueva etapa el de Sant Feliu quiere dar mucha más importancia a las emociones y a la conexión con sus seguidores a través de su música. El artista se convierte en ese conductor de sentimientos que consigue que conectes con una emoción y que sientas la luz en ti. NEXO es esa luz, ese espacio donde las emociones, simplemente, se viven. NEXO es mucho más que un álbum, es un sentimiento de unión único.

NEXO está disponible en preventa en formato CD Digisleeve con póster desplegable y en formato Vinilo con cambio de color (transparente a la luz y verde fluorescente en la oscuridad).

PRENSA Indigo Press nicolastavella@indigopress.com. ar

VIDEO

Nil Moliner - NEXO 02. Nuestro jardín (Videoclip Oficial)

LUCA SPERANDÍO sumó alegría y esperanza en la previa del Mundial 2026 con

“Verte Bailar”

Nuevo tema y video disponible en plataformas!!

Esta canción dedicada al fútbol, un deporte que lo acompañó durante toda su vida, propone y valora la unión, destacando lo que genera el fútbol, más allá del deporte en sí.

Luca Sperandío lleva el fútbol en su sangre y en su historia. Se puede decir que en su ADN, con la trayectoria de su padre como campeón del mundo y la propia, en su paso por la liga Rosarina. En esta oportunidad, fusionó ambos amores, la música y el fútbol, en una canción que llega a plataformas con toda la alegría y esperanza típica de los argentinos ante una nueva Copa

Mundial. A su vez, a través de su letra e imágenes muestra la tradición argentina frente al este deporte: mesa familiar, mate, amigos, murga y baile al compás de cada gol.

Para sorpresa de todos, la canción fue grabada en el 2023. Tal describió su autor, estaba “en Turín (Italia), tuve la oportunidad de llegar al estudio de un productor muy querido en medio de una lista de conciertos que di ese año en España y en Italia. Grabarla fue un gusto que me pude dar y sabía que iba a tener la oportunidad de ser lanzada”, comentó.

La música de Sperandío siempre estuvo ligada al mindfullness, a los acústicos, a la paz interior (de hecho viene realizando varios conciertos unidos a clases de yoga), siempre con una fuerte espiritualidad, entre el Indie y el pop. Esta vez, la murga se metió entre las venas y lo sacó de su zona de confort con esta canción bien alegre que invita a bailar, tal como anuncia su título. En materia futbolera no posee cábalas, pero disfruta del ritual de reunirse con su familia para ver los partidos de la Selección Argentina. Es más, celebró que un partido así invita a la reunión amistosa, el mirarse cara a cara

y disfrutar juntos. “Hoy estamos tan conectados a los celulares, que al mismo tiempo nos alejamos entre si y perdemos este encuentro en vivo, sea a ver un partido, jugar a las cartas o a un juego de mesa, mirarnos la cara, reír juntos, abrazarnos. Y esta es una gran excusa para volver a todo esto”, sostuvo.

El también escritor y profesor de educación física demuestra que entre la palabra y la música, su propósito es ayudar a sentir. Su obra parte desde la sensibilidad, la naturaleza, los vínculos y el mundo interior. Creció en medio de partidos de fútbol, ya que su padre, Daniel, fue jugador de Rosario Central, River Plate y también ganó el campeonato del mundo con la Selección argentina sub 20 en 1979 junto a Diego Maradona.

En tanto, Luca lo siguió con sus pasos por la liga Rosarina de Fútbol, para luego dedicarse de lleno a la Educación Física.

A través de canciones íntimas y conciertos cuidados, propone detener la inercia por un instante reivindicando la belleza de lo cotidiano.

Compuso y co-produjo dos discos: “Confesión” (2022) y “Alza la Voz” (2025). Actualmente se encuentra trabajando en nuevas canciones. Su reciente obra literaria “El Misterioso Sendero de la Voz” fue estrenada a fines de diciembre (2025) en Amazon Kindle (e-book), material que llegó a las librerías en formato físico en abril de este año.

PRENSA

Claudina Sánchez claudinasanchez@gmail.com https://www.soyclaudinasanchez. com/

VIDEO

Luca Sperandio

Verte Bailar (Official Video)

JOACO BURGOS PRESENTA

“DESDE LO PROFUNDO”

SU TERCER ÁLBUM DE ESTUDIO YA ESTÁ DISPONIBLE

Luego de meses de crecimiento sostenido, escenarios emblemáticos y una consolidación artística cada vez más evidente, Joaco Burgos presenta oficialmente Desde Lo Profundo, su tercer álbum de estudio, disponible en todas las plataformas digitales.

A sus 22 años, el cantautor argentino atraviesa el momento más importante de su carrera . Tras representar al país en SXSW Austin, presentarse junto a León Gieco en Cosquín Rock, realizar una residencia sold out en Bebop Club y cerrar ante más de 200 mil personas los festejos oficiales por los 90 años del Obelisco, Joaco lanza una obra que sintetiza todo ese recorrido y lo proyecta hacia una nueva etapa artística.

Desde Lo Profundo es el tercer álbum de estudio de Joaco Burgos . Compuesto por 12 canciones sin colaboraciones, grabadas junto a su banda — Fernando Samalea en batería, Martín Lema en guitarra, Federico Mindlis en bajo, Marco Merlo en teclados y Miranda Myndlis en coros— y con la participación de cuerdas y vientos especialmente registrados para el disco, el álbum apuesta por la pureza

del sonido analógico y por letras poéticas que retratan las relaciones de su generación con Buenos Aires como escenario emocional y narrativo.

El universo del disco se expande además a través de 12 piezas audiovisuales —3 videoclips y 9 visualizers— dirigidas por Andrés Tamagnini y Jerónimo

Reinhold.Tras los adelantos “Poder” y “ Aunque Sea Por Hoy”, el álbum fue grabado en gran parte en los estudios panda, co-producido entre Joaco y Martín Lema, mezclado por Mario Breuer y masterizado por Daniel Ovié, consolidando una identidad sonora elegante, sensible y profundamente personal.

Bautizado por muchos como “el heredero de la canción argentina”, Joaco entrega aquí un viaje conceptual que dialoga con la tradición del rock nacional y la canción de autor desde una sensibilidad contemporánea. El resultado es una obra pensada tanto para melómanos como para nuevas generaciones que encuentran en sus canciones una conexión emocional honesta y cinematográfica.

“Desde Lo Profundo es un viaje hacia adentro. Revolviendo en todas las partes del cuerpo, el alma y el corazón. Busqué la felicidad y la hice bailar; busqué la nostalgia y la hice balada. Me fui profundo para transformar la información en canción”, expresó Joaco sobre el concepto del disco.

La canción que da nombre al disco, “Desde Lo Profundo”, funciona además como el focus track del álbum. Se trata de un a canción rutera donde la guitarra acústica toma el centro de la escena , evocando el pulso de Tom Petty y el espíritu de The Traveling Wilburys . Dejando el piano en un plano mas secundario, Joaco construye una pieza folk-rock de espíritu libre, alegre y nostálgico mediante una historia en donde alguien se ve en el paso del tiempo y se aconseja a si mismo de chico.

En este recorrido, Joaco también estuvo acompañado por figuras fundamentales de la música argentina. Fernando Samalea

participa como baterista, mientras que nombres como Juan “Pollo” Raffo, Mario Breuer y Daniel Ovié terminan de construir el universo sonoro de un disco que combina tradición y contemporaneidad desde una identidad profundamente personal.

La salida de Desde Lo Profundo llega además en un contexto de fuerte expansión para el artista. Durante los últimos meses, compartió escenario con referentes como Lito Vitale, Kevin Johansen, Leo García, Cachorro López, Rosario Ortega, Diego Frenkel y Migue Granados, consolidándose como uno de los nombres más destacados de la nueva canción argentina.

Como parte de esta nueva etapa, Joaco Burgos presentó oficialmente Desde Lo Profundo el pasado 4 de agosto en el Teatro Coliseo de la Ciudad de Buenos Aires, en el show más importante de su carrera hasta el momento. Acompañado por su banda e invitados especiales, el concierto promete traducir al vivo la intensidad emocional y la profundidad estética que atraviesan este nuevo álbum.

Con Desde Lo Profundo, Joaco Burgos no solo confirma su crecimiento artístico: construye una obra que lo posiciona definitivamente como una de las voces más sensibles, sofisticadas y personales de la nueva escena argentina.

PRENSA

MP Comunicación

María Peluffo maria@mariapeluffo.com https://linktr.ee/maria_peluffo_ marketing

VIDEO

JJoaco Burgos - Desde Lo Profundo (Video Oficial)

VIEJO FURGÓN PRESENTA SU DISCO: “RELOJ ESPIRITUAL”

Y ESTRENA VIDEO: “SIEMPRE ESTARÉ”. !VIERNES 2 DE OCTUBRE EN STRUMMER!

VIEJO FURGÓN presenta

su primer álbum de estudio, “Reloj Espiritual”, ya disponible en todas las plataformas digitales. Tras el lanzamiento de un EP y una serie de singles que adelantaron parte de este material, la banda da un paso fundamental en su camino artístico con un trabajo que consolida su identidad y expande su universo musical. Acompaña con el estreno del

video clip: “Siempre estaré” dirigido y editado por Leo Coca, que se puede ver en el canal de YouTube de la banda.

“Reloj Espiritual” propone un recorrido emocional atravesado por el paso del tiempo, las relaciones humanas y los procesos de transformación personal. A lo largo de sus canciones, el disco transita distintos climas, combinando

momentos introspectivos con una energía directa y visceral, siempre rockeando. El álbum fue producido, grabado y mezclado por Adrián “Burbuja” Pérez en DD. L Garage Studios, en un proceso que se extendió entre diciembre de 2024 y noviembre de 2025, logrando capturar una impronta auténtica y fiel al espíritu de la banda. Como cierre especial, el disco incluye “Cieloinfierno (Cinta perdida)”,

un ensayo recuperado de los inicios de la banda que aporta una mirada cruda y nostálgica sobre sus primeras etapas.

Con “Reloj Espiritual”, Viejo Furgón reafirma su identidad y se posiciona con un material sólido, honesto y emocional, que marca un nuevo capítulo en su recorrido. ¡El disco se presentará el viernes 2 de octubre en Strummer Bar! ¡Los esperamos!

SOBRE VIEJO FURGÓN:

Viejo Furgón es una banda de hard rock surgida en la zona sur del conurbano bonaerense, más precisamente en Florencio Varela. Con un sonido que fusiona la crudeza del punk, la intensidad del hard rock y la melancolía del post-grunge, el grupo encuentra sus raíces en la música de los años 90, pero con una impronta propia, actual y visceral.

Formada entre viejos amigos del barrio y la secundaria, la banda alcanzó su formación definitiva en 2019, año en el que también editaron su primer EP grabado en los míticos

Estudios Panda, marcando así su entrada oficial en la escena rockera local. Tras varios años de escenarios y trabajo creativo, en 2025 Viejo Furgón sorprendió con el lanzamiento de cuatro singles que anticipan su próximo disco de estudio, previsto para principios de 2026.

La identidad de la banda

se define por la rebeldía, la resistencia y una energía arrolladora que se refleja tanto en sus letras como en sus presentaciones en vivo, donde la conexión con el público es inmediata e intensa. Con cada canción, Viejo Furgón reafirma su compromiso con el espíritu del rock: directo, honesto y cargado de fuerza.

Integrantes: Luis Ricotti: guitarras y voz/ Mario Molina: bajo y coros/ Enzo Báez: batería

PRÓXIMO SHOW VIEJO FURGÓN

VIERNES 2 OCTUBRE/ 20H. EN: STRUMMER - GODOY CRUZ 1631 - PALERMO

PRENSA

Paula Alberti Prensa Prensa y comunicación! paulaalbertipress@gmail.com

VIDEO VIEJO FURGÓN - SIEMPRE ESTARÉ (VIDEOCLIP)

“BESOS EN PAUSA”

Una balada íntima que une a dos de las voces más destacadas de la nueva generación Agus Bernasconi y Yami Safdie presentan “Besos en pausa”, una canción atravesada por la sensibilidad, la nostalgia, las emociones suspendidas en el tiempo y una química artística evidente entre ambos, la primera colaboración entre dos artistas que hoy representan una nueva escena dentro del pop argentino.

permanecen incluso cuando todo parece haber terminado. La canción nació en Miami, ciudad donde Agus comenzó a desarrollar el universo artístico de esta nueva etapa solista, y encontró en Yami una conexión inmediata que terminó de darle identidad a una de las colaboraciones más esperadas por sus seguidores.

Yo Tour”, Agus Bernasconi profundiza una etapa artística cada vez más personal y en constante expansión, donde la música, la actuación y el lenguaje visual comienzan a convivir dentro de una propuesta mucho más integral.

Con una producción delicada y una interpretación cargada de potencia emocional, “Besos en pausa” propone una narrativa íntima sobre los vínculos inconclusos, aquello que no llegó a decirse y los sentimientos que

El lanzamiento reúne a dos artistas que atraviesan un presente de enorme expansión. Mientras Yami Safdie continúa consolidando su crecimiento internacional con el “Querida

El lanzamiento llega en uno de los momentos más intensos de la carrera de Agus. Luego de anunciar su primer Teatro Ópera en Buenos Aires y nuevas fechas en Rosario y Córdoba con “Siempre Fue Música”, el artista continúa expandiendo una identidad artística atravesada

por la conexión emocional con su público y una búsqueda sonora mucho más íntima y contemporánea.

A la par de este gran presente musical, Agus también atraviesa un año clave dentro del mundo audiovisual. Actualmente trabaja entre Uruguay y Argentina en el rodaje de “¿Querés ser mi hijo?”, la película que protagoniza junto a Wanda Nara, mientras suma nuevos proyectos actorales como “Las Reglas del Boxeador” y el esperado regreso de Soy Luna, reafirmando un momento de consolidación artística que lo encuentra explorando nuevos territorios creativos.

Además, Agus y Yami serán parte de uno de los shows principales de los Premios Gardel donde presentarán una performance especialmente preparada para la ceremonia consolidando el impacto de una colaboración ,

Con “Besos en pausa”, Agus Bernasconi y Yami Safdie no solo presentan una canción: inauguran un cruce artístico que conecta sensibilidad, actualidad y una fuerte identidad generacional.

Sobre Agus Bernasconi

Cantautor, músico y actor, Agus Bernasconi, nació el 15 de octubre de 1996 en la Provincia de Córdoba, Argentina. Comenzó su carrera desde muy chico, en el programa de televisión de competencia musical „Soñando Por Cantar“, donde mostró por primera vez su histrionismo y talento vocal. Luego obtuvo un enorme reconocimiento por su papel en la exitosa serie „Aliados“, creada por Cris Morena En 2015 fue seleccionado para formar parte del elenco de la telenovela de Disney „Soy Luna“, lo que le otorgó fama y prestigio internacional.

Su carrera musical dio un salto cuando formó el dúo MYA, junto a Maxi Espindola, consolidándose como referente del Pop Latino de Argentina para el mundo, cuenta con colaboraciones de artistas de la talla de Tini, Duki, Manuel Turizo, Emilia, Pedro Capó, Feid, Dvicio, Leslie Grace, Rombai, Mau y Ricky, Abel Pintos, Soledad, La K‘onga, Dread Mar I, Ulises Bueno y Ráfaga, entre muchos otros.

El 2025 comenzó una nueva etapa en su carrera musical como solista, lanzando „Que hice mal“, „La última canción“ junto a Emanero y Aventura , canciones recibidas con mucho amor por todos sus fans. El 2026 lo encuentra completamente renovado con un giro internacional que promete posicionarlo en un nuevo y sorprendente nivel con revelaciones no solo en el plano musical sino también en el actoral.

Hoy, Agus Bernasconi atraviesa un presente de expansión creativa donde la música y el cine conviven dentro de una propuesta contemporánea que continúa consolidando su identidad como uno de los artistas más versátiles y conectados de su generación.

PRENSA

ANGIE KAB

angiekab@gmail.com web: heygocomunicacion.com

VIDEO

Agus Bernasconi, Yami SafdieBesos en pausa (Official Video)

Abril Oxalde explora los límites de la creación en su nuevo single

“Puñal (Ángel de la debilidad)”

junto a Santina Avendaño

Abril Oxalde continúa

consolidando una voz singular dentro de la escena del rock alternativo argentino. Tras el lanzamiento de su álbum “Esto” (2023) y el sencillo “Tengo lo tuyo” (2025), la artista presenta ahora el single “Puñal (Ángel de la debilidad)”, una nueva colaboración junto a Santina Avendaño, que anticipa su próximo trabajo conceptual.

La canción aborda la fascinación y el peligro de entregarse por completo al arte, convirtiendo el deseo creativo en una experiencia poéticamente autodestructiva, y busca

responder la incógnita: ¿Hasta dónde estamos dispuestos a llegar por aquello que amamos crear?

Escuchá “Puñal (Ángel de la debilidad)” de Abril Oxalde en Spotify: Mirá el video de “Puñal (Ángel de la debilidad)” de Abril Oxalde en YouTube:

FICHA TÉCNICA “Puñal (Ángel de la debilidad)”

Letra y música: Abril Oxalde.

Piano, sintes y voz:

Abril Oxalde.

Featuring: Santina Avendaño.

Mezcla y mastering: Sebastián Perkal.

Producido por: Meien Williams.

Guitarras y bajo: Meien Williams.

Abril Oxalde es compositora, pianista, cantante y Licenciada en Música Popular egresada de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata.

Desde la Provincia de Buenos Aires desarrolla un proyecto solista de rock alternativo que combina canción de autor, exploración tímbrica y una fuerte búsqueda poética.

Su recorrido discográfico comenzó con el EP “Mariposa Libadora de Sombras” (2021), una obra marcada por la introspección y las imágenes de transformación. En 2023 publicó “Esto”, su primer álbum de larga duración, donde consolidó una identidad propia a través de canciones que dialogan entre la sensibilidad emocional, la intensidad sonora y una mirada personal sobre los vínculos, el deseo y la experiencia visceral.

En 2025 presentó el sencillo “Tengo lo tuyo”, primer adelanto de una nueva etapa artística.

Actualmente se encuentra trabajando en un disco conceptual que profundiza en los aspectos más contradictorios de la vida afectiva. A través de distintas canciones, la obra explora la tensión entre aquello que nos sostiene y aquello que nos hiere, recorriendo obsesiones, pérdidas, dependencias, deseos y formas de transformación.

Lejos de las narrativas lineales, sus canciones trabajan con imágenes simbólicas y climas emocionales que convierten lo cotidiano en materia poética.

Más info: https://www.instagram.com/

Puñal (Ángel de la Debilidad) - Abril Oxalde ft. Santina Avendaño

EL APRENDIMIENTO

DE AVEDORADA

Disponible en todas las plataformas digitales el viernes 5 de junio

Con una propuesta estética intensa y cinematográfica, AVEDORADA presenta el videoclip de “EL APRENDIMIENTO” dirigido por MIKE LEDDA, una obra donde la fuerza de la canción y el lenguaje visual se combinan para construir una experiencia emocional profunda y envolvente.

Musicalmente, el tema transita entre la sensibilidad y la tensión, con una sonoridad moderna que mezcla climas introspectivos, pulsión rítmica y una interpretación cargada de carácter. La canción se mueve entre la fragilidad y la potencia, explorando emociones ligadas al deseo, la búsqueda y el conflicto interno. La voz aparece como eje narrativo, sostenida por una producción atmosférica y elegante que amplifica cada matiz emocional.

El videoclip acompaña esa identidad sonora con imágenes en blanco y negro de fuerte impronta artística. Los paisajes abiertos, los silencios visuales y el juego de contrastes generan una atmósfera hipnótica que potencia el universo de la canción sin perder naturalidad. Cada plano parece dialogar con el ritmo y la intensidad musical, reforzando el carácter

introspectivo y visceral de la obra.

La producción apuesta por una estética minimalista pero cargada de simbolismo, donde música e imagen se integran como parte de un mismo relato. El resultado es una pieza contemporánea, sensible y contundente,

En un ecosistema musical en constante mutación, pocas transformaciones resultan tan

orgánicas y consistentes como la de Héctor Tamburi. Tras su etapa como Ekhtronic —donde inicia su colaboración con Manuel Caizza—, el proyecto encuentra una nueva forma y profundidad.

Compositor, productor y multiinstrumentista, Caizza cuenta con una sólida trayectoria: fue baterista de Indios, Rosal y Mauro Conforti, lideró la banda Verne como principal compositor y actualmente desarrolla su obra

en Cátaros.

De ese cruce creativo nace AVEDORADA, una identidad que no solo sintetiza sus recorridos previos, sino que los potencia. El proyecto despega con un álbum debut cargado de simbolismo y una clara vocación estética.

Esta nueva etapa marca un punto de madurez artística: una arquitectura sonora donde la electrónica se funde con la intensidad del pop y el pulso del rock alternativo, dando lugar a una atmósfera envolvente y contemporánea.

BIOGRAFIA

Héctor Tamburi, el artista que el público conoció bajo el seudónimo Ekhtronic, inicia una nueva era bajo el nombre de AVEDORADA. Tras años de componer en inglés, este nuevo proyecto marca un hito en su carrera: el desembarco definitivo en el español. Nacido en Nueva York pero radicado en Mendoza desde los once años, su música es un reflejo de ese cruce cultural y una evolución que no se detiene.

Su trayectoria es la de un buscador inquieto. Desde sus inicios en los 2000, Tamburi recorrió el espectro sonoro desde el bajo en bandas de hardcore y punk hasta la experimentación alternativa con Espuma. Fue en 2008 cuando consolidó su identidad como compositor y cantante al fundar Ekhtronic.

Héctor se define como un artista

nómada y lúdico: “Me aburro fácilmente; cuando la inspiración llega, simplemente enciendo todo y dejo que los sonidos dicten el camino. Algunos juegan videojuegos, yo juego con Ableton Live. Es mi diversión”, explica sobre su proceso creativo.

Su discografía documenta este viaje: desde The New Perfect Body (2009) y el instrumental Trippers (2010), hasta el álbum Ozónica (2011). En 2019, lanzó Península, una ambiciosa colaboración grabada entre Buenos Aires, Mendoza y Nueva York junto a músicos como Carlos “Tody” Tapia, con influencias de Phoenix y Tame Impala.

Hoy, con AVEDORADA, Héctor Tamburi desafía nuevamente sus propios límites. Con un enfoque renovado y la calidez del idioma español, su propuesta reafirma que la música es, ante todo, un territorio de transformación constante.

DISCOGRAFIA COMO AVEDORADA

- Nueva era (Single) 29/06/2024

- AVDA (EP) 12/07/2024

- AVDA II (EP) 02/05/2025

- ADARODEVA (Album) 01/01/2026

DISCOGRAFIA COMO EKHTRONIC

The new perfect body (CD2009)

You know (single - 2009)

Perfect bodies (lado B - 2010)

Trippers (EP instrumental2010)

Ozónica (CD 2011)

It’s up to you (single - 2012)

Journey” (single - 2013)

Dormitory” (single - 2014)

Península (CD - 2019)

Connect (CD - 2021)

X Pro sontrip session (en vivo 2022)

Here we go ( single 2023)

Connect live huentala hotel (en vivo 2024)

Contacto

AGENCIA LES DILETANTES

Natalia Eva de Parseval lesdiletantes@gmail.com

VIDEO

AVEDORADA - El Aprendimiento (Official video)

Hiphop chaqueño: conocé a FZ

FZ es rapero. FZ es chaqueño. FZ es uno de los artistas que alimentan a una escena joven y federal que construyen un sonido hiphop argentino.

FACU ALVEZ, conocido como FZ , inició su carrera musical en 2018, cuando fundó NOT CRIU (la reconocida banda del género urbano que nos dio Chaco). Es compositor y, entre sus trabajos, tiene trabajos en colaboración con el productor musical Bleckance, y artistas como Frigyi, MNZ, Big Ele, entre otros.

Después de componer unas 40 canciones, el año pasado comenzó a trabajar en su EP solista “Hablando de Amor” , que hoy se encuentra disponible junto a un short film que se puede ver en Youtube y que, además, podremos escuchar en vivo el domingo 12 de julio en Congo (Palermo). La entrada es gratuita y compartirá la noche con Oli Faura, otra joven artista de la escena.

La propuesta musical de FZ nace del rap como eje principal, fusionado con el groove del funk y atravesado por distintos géneros que van desde el soul hasta sonidos más actuales. La mezcla de estilos es parte esencial de su identidad artística, buscando un sonido propio, orgánico y en constante evolución.

SOBRE “HABLANDO DE AMOR”

El disco cuenta con 6 piezas que nos presentan el primer trabajo

solista de este joven artista chaqueño que recorre distintos géneros, con el rap como elemento principal. Para este EP trabajaron 4 productores del NEA. Matías Bleckance Echeverria, productor de los temas “Mejorar”, “Hablando de amor” y “Qué pasa?”, y también es el encargado del mix y master de todo el EP; mientras que Esteban Peón produjo “Mi luz”; Jeremías Aguirre hizo lo propio con “Lagrimas, esperanza y soledad”; y Joyze (José Montenegro) produjo “Tus ojos”.

Amaic Figueroa colabora en saxo en el tema “Qué pasa?” y en coros participan Luma Diaz y la italiana Giorgia Galante. El EP fue grabado en diversos estudios, mientras que el registro de las voces se realizó en La Cangayé, de José Rodriguez.

SHORT FILM

La producción audiovisual que acompaña al disco se puede ver en Youtube . Se trata de un short film dirigido por el creador, editor y fotógrafo Raco, protagonizado por el propio FZ y por Noe Antúnez, actriz, locutora y periodista chaqueña, radicada en Buenos Aires desde hace más de 20 años con una amplia trayectoria en cine y televisión.

CECILIA DÍAZ cecilia@agenciaced.com

VIDEO

FZ - HABLANDO DE AMOR - EP (Short Film)

NUEVO SINGLE DE YAMI CARLOMAGNO

“AZUL”

La artista presenta “Azul”, su nuevo single, una canción que marcará un nuevo paso en su recorrido artístico y está disponible en todas las plataformas digitales.

SOBRE “AZUL”

“Azul” es un tango electrónico que oscila entre la nostalgia y la experimentación, fusionando raíces tradicionales con un toque moderno y psicodélico. La canción explora el paisaje emocional del desamor y el proceso silencioso y complejo de duelo por un amor perdido.

Construida sobre texturas atmosféricas, ritmos hipnóticos y sutiles fragmentos melódicos, “Azul” evoca intimidad y desorientación, como recuerdos que resurgen en oleadas. La influencia de su herencia musical está profundamente presente en la composición, especialmente inspirada por la abuela de Yami, que era pianista. Su legado resuena en las elecciones armónicas y la profundidad emocional de la pieza, uniendo pasado y presente.

Esta es una canción para escuchar a altas horas de la noche, para momentos de introspección y para quienes se sienten atraídos por sonidos que desafían los géneros y conectan

la música electrónica con la tradición cultural y la narración emocional pura.

SOBRE YAMI CARLOMAGNO

Artista de Buenos Aires, su música se mueve entre el rock y el pop con una impronta urbana y una voz intensa que marca identidad propia. Compositora desde muy joven, comenzó a

consolidar su proyecto solista con el lanzamiento de su primer EP, Maktub.

Su propuesta combina canciones de raíz rockera con sensibilidad pop, y ya ha presentado su música en escenarios de la ciudad de Buenos Aires como Makena, Ferona y La Dama de Bollini, además de realizar presentaciones en la ciudad de Mendoza.

Actualmente trabaja en su segundo disco de estudio, un álbum de nueve canciones que comenzará a lanzarse durante 2026.

Agencia de prensa y comunicación

Moonlight Music andyolmedoproducciones@ gmail.com

VIDEO

AZUL-Yami Carlomagno

MARCHITORIAL PRESENTA SU NUEVO SINGLE "BANDERA NEGRA"

La banda oriunda de Mar del Plata presenta este single, editado por Casa del Puente Discos, con el que continúa adelantando su próximo disco.

Marchitorial presenta “Bandera negra”, el último single antes de la salida de su próximo disco. Oscura, filosa y cargada de tensión, la canción empuja a la banda hacia un lugar más extremo e incómodo, consolidando una identidad donde la crudeza emocional y la intensidad sonora ocupan el centro de todo.

Con un clima opresivo y una energía que crece constantemente, “Bandera negra” se mueve entre la obsesión, el desgaste emocional y la necesidad de permanencia. El tema funciona como una descarga directa: repetitivo, hipnótico y visceral, sosteniendo una sensación de peligro latente de principio a fin.

Atravesados por una identidad profundamente marplatense, Marchitorial construye una estética marcada por el

desgaste, la nocturnidad y la sensibilidad áspera propia de la ciudad. Entre el ruido, la melancolía y la intensidad emocional, la banda sigue delineando un universo sonoro cada vez más personal.

El lanzamiento termina de anticipar el clima conceptual del próximo disco, reafirmando el presente de la banda

y una búsqueda artística que encuentra fuerza en la incomodidad, la tensión y el

desborde emocional.

Editado por Casa del Puente Discos, el single ya se puede escuchar en todas las plataformas.

ACERCA DE MARCHITORIAL

Marchitorial es una banda de la nueva corriente marplatense conformada por Pedro Jones, Brian Ostiz, Bautista Fronchkowsky, Paula Herrera y Juan Ignacio Kretschmann. Sus influencias integran rock alternativo, surf rock e indie rock, y sus letras indagan en las emociones y contradicciones del crecimiento, la soledad y el desamor. Su primer álbum de estudio, Penpal, fue editado en 2024.

PRENSA cygprensa@gmail.com info@cygprensa.com

IG: @cgprensaycomunicacion

FB: /cgprensaycomunicacion

TW: @CGprensacom

VIDEO

Bandera Negra

GIANNA SOTERA PRESENTA SU NUEVO SINGLE

"SI FUERA VOS"

La cantante continúa adelantando su segundo disco con esta historia de amor no correspondido; ya está disponible en todas las plataformas.

Gianna Sotera presenta “Si fuera vos”, el segundo adelanto de su próximo disco de estudio. Un single indie pop electrónico que continúa la línea sonora del anterior lanzamiento, “Te digo adiós”, cuyo video fue nominado como Mejor Video Pop en los Video Prisma Awards, y como Mejor Videoclip 2026 en los Premios Mercedes Sosa. ”Si fuera vos” habla del amor no correspondido que surge de una amistad: “En un mundo donde los vínculos amorosos son difíciles de encontrar, esta canción es una invitación a dejarnos llevar por lo que sentimos”, cuenta la cantante. Su video fue dirigido por Mica Sotera, de Perra Negra Films.

El segundo disco de Gianna se espera para la segunda mitad de 2026; vendrá acompañado por videoclips de altísima calidad que complementarán visualmente las historias de sus canciones.

“Si fuera vos” ya se puede escuchar en Spotify y su video está disponible en YouTube.

Instagram icon

Spotify icon

YouTube icon

SOBRE GIANNA SOTERA

Cantautora y compositora argentina que se identifica con el género indie dream pop. Gianna aborda la experimentación de sonoridades de los 80s, fusionando el pop, el rock y la electrónica con tintes de folk en su voz generando gran conexión con el público cada vez que canta. Sus canciones crean una atmósfera trascendental al momento de escucharlas. Con una puesta en escena

experimental, lleva a la audiencia a conectar con una gran libertad emocional.

Su canción “Anónimo” fue parte del soundtrack de la serie mexicana “Madres solo hay dos” de Netflix. Gianna fue seleccionada por LA BIENAL de Buenos Aires 2022 donde se presentó en vivo con su banda. También por el BAFIM para tocar en vivo en El Konex 2022. Colaboró con la banda mexicana Ramona en la canción “Regresaras”, que superó el millón de reproducciones en Spotify, siendo así también invitada a cantar en el Vive Latino 2022 en la ciudad de México.

PRENSA AGENCIA ILMARE

Yamila Trautman y Constanza Beorda yamilatrautman@gmail.com

VIDEO

Gianna Sotera - Si fuera vos (Official Video)

MiráBA 222 MiráBA 222

Cine

CUARTO OSCURO

Ópera prima de Rocke Oviedo:

Una explosión de música, poesía y delirio visual

Estreno comercial

Cine Gaumont (Espacio INCAA)

Av. Rivadavia 1635 – CABA

Jueves 2 de julio y sábado 4 de julio 20h.

Entradas $6.400.-

“Cuarto Oscuro” es una película musical y psicodélica que mezcla animación, actuaciones, poesía, arte y música para construir una experiencia sensorial atravesada por el absurdo, el imaginario rockero y la estética del conurbano bonaerense.

Protagonizada por Sergio “Resorte” Scarone y Tomás

Giordano, líderes de la mítica banda Humano Querido, “Cuarto Oscuro” cuenta además con participaciones especiales de Eduardo de la Puente, Pipo Cipolatti, Guadalupe Cuevas, Gabriel Mariotto, Tino y Gargamuza. Ópera prima del artista plástico y realizador Rocke Oviedo, la película propone un viaje delirante y emocional donde conviven lo artesanal, lo surrealista y lo underground, en una narrativa que rompe las estructuras tradicionales para sumergirse en un universo visual propio.

La película fue seleccionada en distintos festivales nacionales e internacionales, entre ellos el 20° Festival de Cine Inusual de Buenos Aires —donde recibió

la mención a “Mejores efectos especiales y animación”—, el Coliseum International Film Festival de Italia, el 12th Music Film Festival de California y el Alpine International Film Festival de Suiza. Además, durante diciembre fue proyectada en distintas salas de Cerdeña, Italia. En octubre de 2025 tuvo una proyección especial en la Biblioteca del Congreso con gran convocatoria de público y en mayo de este año fue exhibida en el Auditorio Leonardo Favio de Lanús.

El universo visual de la película continúa expandiéndose mediante muestras de artes plásticas con pinturas y objetos relacionados al film. La muestra continúa actualmente en desarrollo y prepara nuevas u MiráBA 223

FICHA TÉCNICA

Título original: Cuarto Oscuro

Título internacional: Dark Room

Clasificación: ATP

Género: Musical / Animación / Comedia

Duración: 01:01:16

País: Argentina

Idioma: Español

Año: 2025

Dirección: Rocke Oviedo

Guion: Rocke Oviedo y Sergio Scarone

Producción ejecutiva: Rocke Oviedo y Tomás Giordano

Dirección de fotografía: Rocke Oviedo

MiráBA 224

MiráBA 224 exhibiciones para los próximos meses.

Animación y dibujos: Rocke

Oviedo

Música original: Humano

Querido

Asistente de producción: María Mercedes Uzal

Cámaras: Merlín Santarelli, Luis Olivera y Ana Piroska

ELENCO

Eduardo de la Puente, Sergio Scarone, Tomás Giordano, Damián Buratti, Martín Patricios, Martín López Funes, Gabriel Mariotto, Pipo Cipolatti, Guadalupe Cuevas, Orge

Asprea, Matías Rey y Javier Gentilezza

SÍNTESIS ARGUMENTAL

Entre canciones, personajes delirantes, imágenes psicodélicas y situaciones absurdas, “Cuarto Oscuro” construye un viaje sensorial donde la música, el humor y el caos urbano se mezclan en una experiencia más cercana al

sueño, la alucinación y la poesía visual que a una narración clásica.

Con espíritu rockero, estética fanzinera y una fuerte impronta artesanal, la película atraviesa distintos estados emocionales y visuales mientras explora el absurdo, la identidad y los márgenes culturales del conurbano.

“Logra condensar, a partir de una estética rocambolesca, fanzinera y psicodélica, su imaginario inevitablemente rockero.”

— Pablo Díaz Marenghi “Una experiencia más sensorial que narrativa.”

— Fer Casals “Como un viaje de pepa conurbano.”

— Pablo Marchetti

TEHAGOLAPRENSA

info@tehagolaprensa.com.ar ttps://www.tehagolaprensa.com. ar/blog/

VIDEO

Tráiler oficial de “Cuarto oscuro” (La película)